La Mirada de Ulises

“Celda 211”: Al otro lado de la reja

Julio — Mon, 09 Nov 2009 21:51:57 +0000

[7/10] Los amantes del género carcelario y los del cine español están de enhorabuena, porque “Celda 211” reúne todos los ingredientes para pasar un buen rato entre rejas y ver cómo las manzanas podridas no lo son tanto, y cómo algunos hombres buenos lo son menos de lo que parece. Daniel Monzón logra una película intensa y pegada al terreno, dura y dramática al mostrar con realismo la vida interna de una cárcel levantada en motín, y plasmar un sentido de la humanidad en presos, funcionarios y políticos que esconde lo mejor del individuo y también las pasiones más mezquinas. Por azares de la vida, Juan es un joven funcionario que se ve envuelto en un motín y que se hace pasar por un preso más… en su intento por salvar la vida entre unos reclusos poco cultivados y unos negociadores poco humanos –o al menos poco acertados–. Muy enamorado de su mujer Elena –que está embarazada–, ella será el motivo y desencadenante de su audaz e imprevisible actuación.

Ciertamente Daniel Monzón echa mano de muchos de los tópicos del género y de todas las licencias posibles para crear personajes arquetípicos, al presentar una historia de peligrosos delincuentes y destacar su virtuosa lealtad a los amigos, de terroristas –no menos bárbaros, pero distintos– “que están en otra guerra”, y de autoridades capaces de vender el alma de alguien por motivos… aparentemente justificados, o de torturar para conseguir su objetivo (el personaje de Antonio Resines es excesivo en su caricatura y el más tópico). Es una visión de la realidad carcelaria y de la política penitenciaria y terrorista concreta y que podía ser más matizada o discutible, pero hay que reconocer un guión muy bien construido, con giros eficaces para dar dramatismo y complejidad a una historia que pasa de lo social a lo personal cuando Juan se implica de lleno en los acontecimientos del motín. Un comienzo que atrapa al espectador y un final con declaraciones judiciales de algunos testigos nos llevan a cuestionar el modo de proceder con los presos, el abuso de autoridad o la negociación improcedente cuando median intereses políticos (la crítica al gobierno nacional y al nacionalista es demoledora).

Entre medias, abundantes escenas violentas muy bien rodadas y planificadas, una fotografía llena de realismo lo mismo que los diálogos –necesariamente fuertes y desagradables en ocasiones, por mucho que puedan molestar– o escenas de brutalidad salvaje. También la música de Roque Baños contribuye a crear esa atmósfera de tensión y nerviosismo que hace que todos vivan al borde del estallido pasional, de la sospecha continua o del arranque de violencia. Pero, sobre todo, la cinta la sostiene Luis Tosar con su interpretación de Malamadre, el líder entre los presos que nunca traiciona a nadie pero que no permite que nadie cuestione su autoridad yendo por libre. Su personaje está muy bien construido y su actuación permite ver su ruda sensibilidad –también con el registro de voz– para que veamos ese fondo de lealtad y amistad que aún queda en él. Gracias a ello –y por curioso que pueda parecer– el espectador acabará sintiéndose más cercano a la causa de los presos comunes que a las peligrosas intenciones –aunque sean bienintencionadas– de unos negociadores de poca sensibilidad, dejando aparte a unos terroristas que parecen tener siempre la sartén por el mango.

Implicación emocional de quien se ha sentado en la butaca, también porque la realidad mostrada llega con la fuerza de la actualidad en nuestro país, y por la compasión que suscitan esos inocentes empujados o estropeados en la cárcel por una deficiente labor político-social. En ese sentido, Juan y su conversión en delincuente se convierte en paradigma de cómo se echa a perder una vida por negligencia de unos –que le dejan herido en la celda 211–, por ineficacia de otros –que no aciertan a negociar primando la vida del inocente y jugando con ella como con cromos… por motivos partidistas–, o por traición y engaño de algunos más. El uso de las cámaras de vigilancia y de las imágenes de móvil o televisión actúan como elementos virtuales capaces de matar la vida o desencadenar la muerte, mientras que esa delgada línea que separa a los individuos honrados de los asesinos queda traspasada cuando Juan, un actor consumado rodeado por lobos hambrientos, pasa a ser parte de la manada… por haber sido tratado como alguien sin valor personal e individual. Es la consumación de la tragedia, más allá de la historia concreta, que convierte al hombre en una pieza del tablero político y al que se le despoja de su dignidad. Un drama carcelario sólido y vigoroso con vocación de denuncia, que hay que colocar entre lo mejor del panorama cinematográfico nacional, y que fue muy bien recibido en los festivales de Venecia y Toronto.

Calificación: 7/10

Click here to view the embedded video.

En las imágenes: Fotogramas de “Celda 211″ – Copyright © 2009 Vaca Films, La Fabrique 2, Morena Films y Telecinco Cinema. Distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

Woody Allen o la construcción de la identidad en el mundo posmoderno

Julio — Sun, 08 Nov 2009 17:58:33 +0000

El reciente estreno de “Si la cosa funciona” nos sirve de excusa para hacer una aproximación al pensamiento de Woody Allen, y tratar de entender su pesimismo vital así como su éxito en la Europa del nuevo milenio. Como es sabido, con esta nueva comedia volvía a su querida Nueva York y también a algunas de sus obsesiones: el sentido de la vida y la utilidad de la religión, el dolor y la muerte, el amor y el sexo, o los psiquiatras y la neurosis colectiva de una sociedad que se desmorona son los lugares de siempre en el cine de este judío agnóstico. También volvía a servirse de un alter ego –Larry David, un cómico como él– para transmitirnos su idea de la vida y del mundo, ya desde los primeros planos en que se dirige al espectador y le advierte que él no es un acompañante cómodo… Ciertamente no le falta razón a este físico que todo lo ve y que dice tener “una visión amplísima del mundo”, porque quien se ha sentado en la butaca se sentirá como ese gusano, tarugo o microbio al que desprecia con brusquedad, con los mismos términos con que insulta a los niños aprendices de ajedrez o a quien se ponga por delante.

Pero por debajo de la historia del misógino y cínico Boris y de todos los microbios solitarios y desorientados que visitan su cochambroso piso, hay en el cine de Woody Allen todo un deseo continuado por encontrar una felicidad esquiva y el sentido último de lo que pasa en el mundo, que persigue ya desde sus primeros films y que, a tenor de los personajes arquetipos de “Si la cosa funciona”, apenas ha alcanzado a día de hoy. Para entender mínimamente al cineasta de Nueva York es necesario, pues, partir de esta búsqueda sincera –así queremos suponerlo– y también echar un vistazo a la particular cosmovisión que ha traído la posmodernidad y que se ha adueñado de la calle: un universo existencial que cifra la felicidad en la ausencia de dolor y en el goce de sensaciones efímeras e instantáneas, en el relativismo que suprime cualquier norma objetiva que condicione o marque el comportamiento, o en el sentido de lucha por la supervivencia en un mundo global de la comunicación pero lleno de individualismo y soledad. Precisamente porque Woody Allen ha detectado esta actitud de mínimos y de conformismo en la sociedad, porque siente esa misma sensación de insatisfacción y de huída en un mundo material que apenas llena el corazón… por eso, y por su indudable capacidad para hipnotizar con la palabra ingeniosa y para urdir tramas con pasmosa agilidad narrativa, logra una sintonía envidiable con el espectador que una y otra vez va “a ver la nueva película de Woody Allen”, aunque siga diciéndole prácticamente lo mismo que en la anterior.

Como decíamos, casi desde los primeros títulos de su filmografía, Woody Allen busca construir una personalidad en un mundo sin certezas, y para ello quiere liberarse de cualquier modelo cultural, científico o religioso que la tradición le ofrezca. Entiende que el hombre debe dejar que brote lo que hay dentro de él, el misterio de la misma vida y la fuerza de unos deseos y afectos que no pueden ser regulados ni controlados por reglas fijas y externas. Sin embargo, se da cuenta de que en esa odisea por las calles de Manhattan necesita algunos agarraderos, algunos apoyos para tan difícil viaje que le ayuden a no sucumbir al naufragio existencial y al suicidio, y por eso mira a la derecha y encuentra razonamientos intelectuales, racionales y científicos… pero no encuentra más que desasosiego, desencanto y fracaso: es la voz amargada, cínica y despreciativa de Boris enfadado con un mundo ingrato que incluso le impidió “abandonarlo” al fallar cuando se tiró por la ventana. Es un genio, un sabio de la física pero que no ha encontrado la clave de la felicidad… y que pasa sus horas en soledad y huyendo de una triste realidad, con el miedo en el cuerpo ante el dolor y la muerte.

Por eso, aunque Woody Allen ponga en la boca de Boris muchos de sus planteamientos escépticos y cínicos –también sus comentarios llenos de ingenio y sarcasmo–, él mismo se da cuenta de que su vida no es completa… y por eso mira a la izquierda y mete en escena a Melody, arquetipo del corazón dulce y generoso que afronta la vida desde una ingenuidad y bondad casi celestial. Ella es una chica que dejó la casa paterna buscando aires de libertad junto a un novio que pronto la abandonaría, y que ahora vaga triste y desencantada por las calles de Nueva York… hasta recalar en el antro de un genio al que admira desde su manifiesta estulticia. Boris y Melody son polos opuestos que se atraen –sin amarse al modo convencional– hasta casarse y convivir en una distancia en la que parecen anhelar lo que no tienen –lo que sí tiene el otro– “mientras la cosa funciona”. El problema es que Woody Allen sabe que las cosas del corazón son complejas y locas, que el laberinto emocional no admite una explicación racional y reglada, y que todo es cuestión de… ¡suerte!.

En su ateísmo o agnosticismo, no contempla la Gracia o ayuda divina… y todo queda reducido al azar y a la conjunción de los astros que nos permitan paladear instantes de felicidad, mientras escapamos al caos que nos gobierna. Pero Woody Allen exige a ese pretendido amor que no reste nada a la personalidad que uno está construyéndose –tema central de su discurso, no lo olvidemos–, por lo que siempre encontramos el miedo a que el otro se imponga y me subordine… lo que condiciona cualquier posible relación. Como consecuencia, el vínculo personal que se pueda forjar con esos presupuestos será, ineludiblemente, frágil y quizá pasajero… pues la suerte puede venir e irse en el momento menos pensado… cuando la tonta –con perdón– de Melody descubra que su marido es un genio pero también un misántropo pesimista con el que no es tan fácil vivir, sobre todo cuando conoce a un joven de su edad y sin tanta queja, aflicción y complejo.

No resultando del todo satisfactorios ni la cabeza ni el corazón para la travesía de la vida, Woody Allen mira al frente y da paso a Marietta, la madre de Melody, que se presenta de improviso en el hogar de los “buscadores de la felicidad”. Nos es presentada como la típica ama de casa encorsetada y anodina, y también como la tópica puritana sureña reprimida… para permitir al director hacer burla de la religión, con nuevos insultos a unos creyentes a los que califica, por ejemplo, de psicópatas que viven en un estadio mental infantil. Más agresivo que en cintas anteriores, quien buscó a Dios –a su modo– en “Delitos y faltas” o en “Hannah y sus hermanas” ahora ha derivado y afirmado el “silencio de Dios”, expresión con la que se mofa de las plegarias de Marietta, una mujer sin libertad y víctima de los prejuicios rurales, cohibida por una normativa moral que encuentra en la Providencia el paraguas para la infelicidad… hasta que alguien le abre los ojos y le da el espaldarazo hacia la realización personal a través de la pintura: desinhibida en el goce artístico y con el que le proporciona el sexo o las drogas, abandona el corsé religioso y moral para liberarse a través del arte (de la cultura), la nueva religión del siglo XXI capaz de sublimar el espíritu (una vez que se ha “matado” a Dios) e intentar llenar el vacío vital.

Y es que el judío liberal que es Woody Allen sigue anclado en una visión superficial del cristianismo, reducido a una tradición seca y estereotipada, apoyada en la palabra hueca y no en la experiencia interior de cada persona. Como bien han dicho Juan Orellana y Juan Pablo Serra en su libro “Pasión de los fuertes”, aún sigue esperando la Encarnación de Dios, la humanización de quien puede dar respuesta a esas ansias de felicidad que se esconden en el corazón del hombre, y su crítica va dirigida hacia una entelequia que nada tiene que ver con la realidad. Woody Allen se refugia, por eso, en el uso prolífico de la palabra –no paran nunca sus personajes de hablar, y poco es lo que “hacen” en sus historias–, y concede a los diálogos una función terapéutica, como si nos introdujera con ellos en una sesión de psicoterapia: busca así sacar a la superficie esas culpas reprimidas en el subconsciente por una moral objetiva –es la vertiente psicoanalítica de este amigo de los psiquiatras–, y meter bajo la alfombra cualquier sentido de culpa que quite felicidad (como vimos en un tono de mayor gravedad en “Match Point” o en “Cassandra’s Dream”).

Esta es la educación moral en la subjetividad que propugna Woody Allen, que entiende a su vez el compromiso como una limitación a la libertad y como una constricción a la propia personalidad –de nuevo, su auténtica obsesión–, paradigma por otra parte de una pensamiento posmoderno que busca obsesivamente y teme la pérdida de una felicidad frágil y efímera, que hay que aprovechar mientras dure y se pueda, y por tanto dar y recibir todo el amor que se pueda… porque el sufrimiento y la muerte acechan amenazantes, porque el carpe diem debe abarcar cualquier género de afecto –el amor es el lugar para la realización, para la construcción de la personalidad– sin excluir ninguno ni poner más límites a la libertad que la impuesta por la propia subjetividad. Por eso, finalmente Woody Allen echa la vista atrás y saca del armario a John, el padre de Melody, y le ofrece la oportunidad de convertir su homosexualidad en un ménage à trois, para que cada cual haga lo que quiera y pueda en este , aunque siempre lleve el sello de la caducidad.

El racionalista y cascarrabias Boris, la dulce y tonta Melody, la madre reconvertida en hippie Marietta, o el frívolo y pobre John son expresiones de ese “todo vale” en un mundo de mínimos en el que todo se trivializa, en una sociedad que identifica tolerancia con ausencia de convicciones. Es el reino de lo pasajero y de las apariencias, del pensamiento débil y del triunfo de las sensaciones, de la lucha por la supervivencia en una sociedad del bienestar y por llevarse a la boca un poco de felicidad mientras el mundo se desmorona. Es la posmodernidad de un Woody Allen que tan bien conecta con la calle, pero que nos deja tan llenos de vacío. Porque, aparentemente “Si la cosa funciona” podría pasar por un divertimento inofensivo y superficial, pero es indudable que encierra un planteamiento vital muy determinado, que destila mordacidad y una fuerte carga corrosiva en cada uno de sus comentarios. Es una mirada pseudointelectual, muy pegada al terreno y a los restos de un naufragio emocional en el que Woody Allen trata de salvar lo que puede sin perder su chispa ni tampoco su pesimista y poco agraciada visión de la condición humana.

En las imágenes: Fotogramas de “Si la cosa funciona” – Copyright © 2009 Wild Bunch, Gravier Productions y Perdido Productions. Fotos por Jessica Miglio. Distribuida en España por Tripictures. Todos los derechos reservados.

“En la ciudad de Sylvia”: Miradas de Guerín

Julio — Sun, 08 Nov 2009 07:47:25 +0000

“En la ciudad de Sylvia” no es un manjar que pueda ser degustado por cualquier paladar. Y eso porque el cine de José Luis Guerín es auténtico Cine —con mayúsculas—, que exige una actitud contemplativa al verlo… y una respuesta reflexiva al analizarlo. Su mirada busca capturar la realidad como se presenta ante la cámara, procurando no adulterarla y respetar su pureza, su ausencia de artificio y su misma verdad. Evidentemente, hay puesta en escena y montaje, pero su planteamiento es el de un poeta y un artista, el de un buen conocedor de la psicología humana y también de la sociología de una época. Capturar el tiempo, reflexionar acerca de lo permanente y lo efímero, buscar los orígenes y la propia identidad… Tarea ardua pero esencial para quien desea hacer un cine que diga algo, que exige cierta distancia frente a la historia contada, a la vez que el máximo respeto hacia sus personajes.

En esta cinta, el director de “En construcción” se acerca al ideal femenino y a su eterna búsqueda por el artista, permanente insatisfecho que trata de capturar el rostro que un día le enamoró y que su imaginario ha transformado hasta hacerlo irreconocible, abstracto, irreal. Esfuerzo inútil de la cámara que lo intenta atrapar —sin conseguirlo— precisamente por la misma futilidad de la imagen, algo que la fotografía sí logra congelar e inmortalizar y que la imaginación del protagonista recrea de manera obsesiva y complaciente. Guerín nos ofrece miradas de autor con bellísimos planos —compuestos artísticamente y montados con un tempo preciso—, que recogen a su vez otras miradas y gestos de tantas mujeres sobre las que un estudiante ha posado a su vez la suya. Rostros de la mujer bella y hermosa, unas veces vislumbrado en espejos y escaparates, otras confundido entre jóvenes transeúntes llamadas “Sylvia”, “Laure” o de cualquier otra manera… y siempre la belleza.

Son las miradas de un cineasta sensible e inteligente que, como Víctor Erice (“El sol del membrillo”), Mercedes Álvarez (“El cielo gira”), Javier Rebollo (“Lo que sé de Lola”), Jaime Rosales (“La soledad”), y Julio Llamazares-Felipe Vega (“Eloxio da distancia”) elevan el nivel del cine español a las alturas de la contemplación, y eso aunque no encuentre espacio terrenal en las salas y tenga que conformarse con las secciones paralelas de los Festivales. Una joya para ver y disfrutar una y otra vez, sin prisas, recorriendo las calles de Estrasburgo o de cualquier otra ciudad.

Click here to view the embedded video.

En las imágenes: Xavier Lafitte (arriba) y Pilar López de Ayala (abajo) en “En la ciudad de Sylvia” – Copyright © 2007 Eddie Saeta y Château-Rouge Production. Distribuida en España por Wanda Visión. Todos los derechos reservados.

“Julie y Julia”: Cocinando felicidad con azúcar y mantequilla

Julio — Fri, 06 Nov 2009 22:31:59 +0000

[6/10] Entre fogones y teclados se mueven dos mujeres que atraviesan un momento apasionante pero también delicado de su vida. Con recetas y con el apoyo de sus pacientes maridos encontrarán la manera de creer más en sí mismas y de cocinar una vida llena. Son historias basadas en la realidad, narradas de manera alterna y con estilo placentero por Nora Ephron, para dar vida a dos mujeres que encontraron en la cocina su tabla de salvación personal y también familiar. “Julie y Julia” es, más allá de una película de gastronomía, un romance cocinado a fuego lento y una fábula acerca de la tenacidad para dar fin a un proyecto y de la manera de construir una vida matrimonial estable.

Nuestras heroínas son Julie Child, la esposa de un diplomático americano destinado a París en 1949, y Julia Powell, una escritora fracasada que trabaja en el neoyorquino barrio de Queens atendiendo a los damnificados tras el 11-S. Son mujeres que necesitan una ocupación y un proyecto que las ilusione en un tiempo de crisis y de nubarrones emocionales. Julie es campechana y emprendedora de carácter, y lucha por conseguir su diploma de cocina francesa para americanos mientras inicia con dos amigas un monumental libro que espera un día publicar. Cincuenta años más tarde e inspirada en ese recetario, la texana Julia sigue los pasos de su idolatrada maestra… y recoge sus experiencias en un blog y no sobre el papel de calco de su antecesora. Son vidas paralelas pero con personalidades distintas, y también plasmados por Ephron de manera dispar en el celuloide. Para la afrancesada Julie opta por la comedia un tanto histriónica y caricaturesca –no hay más que ver la altura de las parejas–, con personajes de escasa complejidad y reacciones planas, con situaciones algo rocambolescas –basta con ver a las amigas de Julie– y entornos de cartón-piedra para una comicidad de la que no se libra el senador McCarthy. Dibujada como un arquetipo de los años cincuenta, difícil lo tiene Meryl Streep para dar vida a su personaje, que resulta un tanto histriónico y exagerado en su entusiasmo y poco cercano al espectador.

Pero cuando la cámara mira a Julia, el aire fresco entra en la sala y el espectador respira autenticidad para conectar e identificarse con el personaje. Su historia de obsesión ante una idea que de pronto llena su día, sus nervios ante lo incierto de una nueva situación, su ansiedad y alegría al ver que alguien ha reparado en lo que ha escrito en su blog, su hundimiento ante el fracaso o su desesperación ante un santo marido al que saca de sus estribos… resultan muy creíbles, gracias sobre todo a la rica interpretación de Amy Adams, quizá lo mejor de la cinta. Ella da luz y un poco de ritmo a una doble historia que, de otra manera, hubiera discurrido por lo anodino y complaciente –algo de eso hay, y hubiera mejorado con algo menos de metraje–, por lo cansino y repetitivo. Pero en sus reacciones hay inseguridad y sentimiento, fragilidad emocional e ilusiones, y eso se transmite incluso en la manera de expresarse en su blog al hablar de cocina y de algo más.

La película no esconde ninguna sorpresa ni engaña al espectador, y en cambio sí le regala momentos dulces y entrañables, con maridos que siempre miran el lado bueno de las cosas y esposas que tratan de aprender a cocinar sus emociones. Un trabajo con mensajes para la vida y con recetas para alcanzar la felicidad, tan goloso como la tarta de chocolate que preparan y tan suave y sabroso como el plato preparado con abundante mantequilla. Gustará a quien busque el romance sin trampa ni cartón, sensible y también sensiblero. ¡Bon appétit!

Calificación: 6/10

Click here to view the embedded video.

En las imágenes: Fotogramas de “Julie y Julia” – Copyright © 2009 Columbia Pictures, Easy There Tiger y Amy Robinson Productions. Fotos por Jonathan Wenk. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.

Estrenos del 6 de noviembre de 2009: “The box”, “Julie y Julia”, “Celda 211″…

Julio — Fri, 06 Nov 2009 17:15:16 +0000

Videocartelera de cine, con los principales estrenos del 6 Noviembre 2009: “The box”, “Julie y Julia”, “Celda 211″, “Pandorum” y “Siempre a tu lado: Hachiko”. Y adelantos de próximos estrenos de las películas “Avatar” y “Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo”.

Videocartelera de La Butaca © LaButaca.net. Todos los derechos reservados. Cartel de “Julie y Julia” – © 2009 Columbia Pictures, Easy There Tiger y Amy Robinson Productions. Fotos por Jonathan Wenk. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados. Cartel de “Celda 211″ – © 2009 Vaca Films, La Fabrique 2, Morena Films y Telecinco Cinema. Distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

“Petit indi”: De la inocencia a la madurez, del canto de la vida a la desconfianza

Julio — Wed, 04 Nov 2009 12:54:28 +0000

[6/10] Viendo en la última Seminci la película “Petit indi”, no podía dejar de pensar en su director como ese jilguero solitario que vuela con libertad y al margen de la industria, que canta con la Naturaleza y huye de las prisas y agobios de la ciudad, que mira con tristeza nuestro tiempo y evita un mundo de las apariencias y falsos entusiasmos recluyéndose en el silencio… porque así es su cine, fuera del sistema. Las películas de Marc Recha siempre han mirado al individuo marginal, solitario y a la deriva, y lo ha hecho buscando en su interior unos sentimientos ocultos y una manera de ver la vida independiente y lejos de lo políticamente correcto. Y a pesar de ello, su cine respira pesimismo y tristeza, resquemor y atonía vital, como si no quisiera saber nada de tanto ruido superficial y prefiriera zambullirse en un océano de silencios y sentimientos a medio gas, como si el desencanto hubiera impregnado cada fotograma hasta dejarnos solos ante la dura realidad.

En esta ocasión, Recha nos ofrece una fábula sobre la pérdida de la inocencia juvenil y sobre la llegada a la madurez en un mundo hostil. Para ello nos presenta a Arnau, un chico introvertido, cabizbajo y silencioso, más amigo de los animales que las personas, que sobrelleva la ausencia del padre y el encarcelamiento de la madre como puede y rodeado de una familia un tanto indolente. Vive en un barrio de Barcelona en transformación y amenazado por la nueva política urbanística, y entre sus parientes hay quien hace pequeños trabajillos y quien apuesta en el canódromo para poder pagar el alquiler, mientras él sueña con ganar un concurso de pájaros con su jilguero cantor “Petit indi”. Una historia mínima plasmada con abundantes silencios y pocas palabras, con miradas lacónicas y con cierta desesperanza que camina hacia una tragedia que se ve venir. Así entiende el director el paso a la edad adulta, entre la pérdida de unos sueños puestos en una Naturaleza traicionera y el desencanto ante una justicia sin humanidad o ante una burocracia que todo lo atropella.

La cinta de Recha está plagada de sentido metafórico, pues esos paisajes que desaparecen –o esas cloacas y zonas repletas de basura– con la nueva política inmobiliaria son reflejo de la pérdida de humanidad, de la insensibilidad y arrojo ante un sistema materialista y consumista. Por eso, se entretiene en el cantar de los pájaros y contempla sin prisas la pureza de una naturaleza semisalvaje, lo mismo que mira sin enjuiciar la apatía de un tío que mata las horas en las carreras de perros o de otro que no hace más que estorbar en casa –solo la tía de Andreu sale bien parada–. El director de “El árbol de las cerezas” quiere acercarse a sus personajes con la mínima expresividad, o al menos sin que ésta llegue con una interpretación excesiva. Busca la contención, la autenticidad, los pequeños detalles cotidianos… y por eso el espectador debe valorar esos gestos y silencios si quiere percibir lo que pasa por dentro de los personajes, y debe estar dispuesto a prescindir del sentimiento fogoso, fácil o a flor de piel. Al final, la película queda un poco fría y sin emoción pero nada pretenciosa ni falsa, con poca intensidad y como sin terminar al no aprovechar algunas subtramas, delicada y sensible pero triste y pesimista, y esos cantos de jilguero –que son un brindis a la vida– se apagan porque Marc parece haber aprendido a no confiar en nada ni en nadie: según Recha, esa es la madurez de quien pierde la inocencia y tiene que resignarse ante el destino.

Calificación: 6/10

Click here to view the embedded video.

En las imágenes: Fotogramas de “Petit indi”– Copyright © 2009 Parallamps y Noodles. Distribuida en España por Parallamps. Todos los derechos reservados.

Selección del mejor cine visto en octubre

Julio — Mon, 02 Nov 2009 17:50:55 +0000

Haciendo una selección de lo mejor que hemos visto en el cine durante el mes de octubre, destacamos la película del polaco Andrzej Wajda, “Katyń”: una obra histórica necesaria que se acerca a la matanza soviética de oficiales y soldados polacos en los bosques de Katyń, y también a la gran mentira que vendieron al mundo atribuyéndoselo a los nazis. Son historias personales llenas de momentos dramáticos y también de emociones intensas, muy pegadas al terreno y con una excelente ambientación. Pero si queremos disfrutar del romance en territorio americano, una tripleta de cintas serán la elección más adecuada: en “New York, I love you” once directores dan sus brochazos de amor en una película coral con un mismo estilo, aunque destaca el trabajo de Shekhar Kapur. Seguimos en la ciudad de Woody Allen para ver “Si la cosa funciona” y volver a contemplar su visión sarcástica de la condición humana, en esta ocasión a través de un alter ego encarnado por Larry David. Más entrañable y conmovedora es “Adam”, de Max Mayer, sobre la difícil relación entre un joven con síndrome de Asperger y una guapa chica con un corazón de oro; una película galardonada en el último Festival de Sundance.

Pero si uno quiere pasar un poco de miedo, su película es “La huérfana”, del español Jaume Collet-Serra pero con producción y factura americana: tensión, angustia y terror psicológico para suscitar sensaciones fuertes, aunque para ello se apoye en algunos efectismos facilones y caiga en los tópicos del género. Un público más exigente y cinéfilo no deberá perderse “Gigante”, película minimalista y sencilla en lo formal pero de guión preciso y cuidada caracterización de unos personajes llenos de sensibilidad y sutileza. También puede gustarles la última de Marc Recha, “Petit indi”, una mirada muy personal a la pérdida de la inocencia a través de un chico sensible y con gran amor a los animales.

Si miramos a lo que ha salido editado en dvd durante este mes, nuestra atención se fija primero en la animación para recomendar dos películas de Studio Ghibli, la reciente “Ponyo en el acantilado” y la recuperada y clásica “Susurros del corazón”. En un preciosista mundo de fantasía e imaginación está “Los mundos de Coraline”, imaginería gótica recogida mediante stop-motion para una historia familiar de misterio y seducción. Cambiando de tercio, un lugar aparte de merecen dos películas de gran sensibilidad que exploran las relaciones humanas y familiares y que permiten al espectador asomar a los pliegues interiores de unos protagonistas perdidos en su búsqueda de felicidad: son “The Visitor” y “La Caja de Pandora”. De temática más artística pero igualmente cuidada en la forma cinematográfica es “Séraphine”, mientras que “La cuestión humana” se reserva para los más cinéfilos y amantes del cine francés. Por último, apuntamos otras dos películas que acaban de salir en dvd, “Génova” y “La Reina Victoria”, con algunos elementos interesantes aunque con un tratamiento un tanto frío que pueden distanciar al espectador y no llegar a entusiasmarles.

En las imágenes: Fotogramas de “Katyń” – © 2007. Distribuida en España por Karma Films. Todos los derechos reservados. De “La Caja de Pandora” – © 2008. Distribuida en España por Karma Films. Todos los derechos reservados.

“Adam”: Amor, amistad, y compasión en una difícil relación

Julio — Mon, 02 Nov 2009 11:57:53 +0000

[6/10] Las últimas películas que han triunfado en el Festival de Sundance se van pareciendo cada vez más al cine de Hollywood, y eso aunque respiren cierto aire de originalidad –alguno diría de independencia, pero eso es más que dudoso– al retratar a personajes con matices o al buscar un desenlace no del todo satisfactorio o complaciente. Son cintas que tratan de abrirse a un mercado más amplio, sin plegarse a los dictados de las majors pero coqueteando con ellas. Tal fue el caso de “Pequeña Miss Sunshine” o de “Juno”, títulos a los que ahora se suma “Adam”. En esta comedia romántica, Max Mayer nos ofrece una historia de amor en la que no todo es de color de rosa pues asistimos a una relación anómala, difícil por el síndrome de Asperger que padece Adam y que le impide relacionarse con normalidad en su entorno.

Él es un joven ingeniero que se queda sin trabajo y al que le cuesta saber lo que piensan o sienten realmente los demás: su vida transcurre entre la incertidumbre y el desconcierto de sentirse distinto, y su bondad natural –y enfermiza– sufren cuando entiende que alguien le ha mentido o no es fiel a su palabra. Se esfuerza por aprender a sobrellevar su limitación e incluso por bromear, sobre todo cuando conoce a su vecina Beth y se enamora de ella. Beth sale desencantada de una relación con su ex-novio, y pronto queda prendada por la inocencia y sinceridad de sentimientos de Adam, al que procura ayudar en su problema, a la vez que trata de discernir si realmente le ama y si él la quiere por sí misma. En su relación aparecen muchos matices sobre lo que es la amistad y la piedad, el amor verdadero y el sexual, la compasión y el amparo maternal –la mirada de Beth es muchas veces la de quien cuida y protege a su niño–. Son dos almas puras que, de alguna manera, se entienden y sintonizan, pero entre quienes la realidad pide paso y donde las razones de la cabeza deben imponerse a las del corazón.

Son sentimientos y reacciones contradictorios, en duda permanente y lucha continua, que Hugh Dancy y Rose Byrne incorporan con frescura a sus personajes hasta hacernos sentir su inquietud y compasión, y desear que su historia termine bien y sean felices comiendo perdices. La música se encarga de crear una atmósfera entrañable y tierna, de conducir al espectador –quizá de manera excesiva– y conmoverle, de añorar un mundo más sencillo y que esté libre de tanta mentira y cálculo. La figura de Adam se convierte, de esta manera, en emblema de una mentalidad de amor a la verdad y de nobleza de espíritu, de capacidad para el compromiso y de superación en la adversidad; mientras que la de Beth refleja la respuesta humana ante quien necesita afecto y la posibilidad de encontrar la felicidad en amar más que en ser amado, pero también la necesidad de una afinidad y una comunicación para sacar adelante una relación. Una complejidad que no cabría en Hollywood, con historias que tienen un punto dramático y otro amable, para una película llevada con buen ritmo narrativo y que llega a emocionar al espectador con la historia de amor, amistad o compasión en una difícil relación.

Calificación: 6/10

Click here to view the embedded video.

En las imágenes: Fotogramas de “Adam” – Copyright © 2009 Fox Searchlight Pictures, Olympus Pictures, Serenade Films, Deer Path Productions y Vox3 Films. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

Seminci’54, días 30 y 31 y palmarés: Francia y Sam Mendes ponen la guinda de calidad, y el serbio Paskaljevic se lleva su tercera Espiga

Julio — Sat, 31 Oct 2009 16:23:19 +0000

Ayer la Seminci vivió uno de los momentos más esperados al ofrecer “El asesinato del Duque de Guisa” (1908), primera película para la que se escribió una partitura musical, interpretada en esta ocasión en directo por la orquesta sinfónica de Castilla y León durante 17 minutos de oro. En el polo opuesto estuvo la película dirigida por Vicente Aranda, “Luna caliente”, una turbia historia de sexo, muerte y violencia en torno a un poeta que viola a una joven a su regreso a España en los años setenta. Las mismas obsesiones de siempre y un discurso agotado que se presentaba fuera de concurso pero que se llevó una pataleta y el enfado de buen número de los asistentes por su vacuidad y ausencia de guión.

Francia sigue destilando el mejor cine, y quedó demostrado con “Le père de mes enfants”, de Mia Hansen-Løve. La directora nos introduce en el mismo mundo del cine a través del productor Grégoire, hombre hiperactivo con una vida familiar gozosa con su mujer y sus tres hijas pero también con una angustiosa situación financiera pues la productora ha entrado en crisis y las deudas se acumulan. Ambientes costumbristas y los pequeños quehaceres cotidianos de alguien que sucumbe ante el fracaso: una historia mínima contada con buen ritmo y con una puesta en escena fresca y sin artificio, donde sólo un quiebro para el que no ha sido preparado el espectador –no aparentada tanta infelicidad y desesperación– rompe el tono veraz de la cinta. Un cine sobre la verdad de la vida, porque la directora recrea la figura del emblemático productor francés Humbert Balsam, y le homenajea con una película llena de sensibilidad y magnetismo.

También del otro lado de los Pirineos llegó la última película a competición, “L’Armée du crime”, de Robert Guédiguian. En esta ocasión, el director abandona su Marsella de siempre pero no a su equipo habitual, al que traslada al París ocupado por las tropas alemanas. Como es sabido, algunos franceses pasan por colaboracionistas mientras que otros se suman a la resistencia. Guédiguian trata en su película de rendir homenaje a uno de estos grupos, formado por comunistas extranjeros llegados países diversos y dispuestos a torpedear con atentados y sabotajes al ejército nazi. Una historia coral de jóvenes idealistas que viven también sus amores y que son retratados como héroes o mártires sin sombra de maldad e imperfección, bien escrita y rodada, con buen ritmo narrativo aunque se repitan las mil formas de atentar, represaliar o torturar –se le va la mano y cae en lo explícito en su intención de que al espectador le quede claro el salvajismo nazi o colaboracionista, o la bondad de los comunistas–, y al final queda una película que no cuenta nada nuevo sobre el tema.

Y llegaba la hora de bajar el telón a esta 54ª edición de la Seminci. La encargada de clausurarlo –y por tanto fuera de concurso– fue “Away We Go” (Un lugar donde quedarse) de Sam Mendes. El británico nos muestra a una joven pareja que espera un hijo, y que busca el sitio ideal donde echar raíces y criar al niño en un ambiente familiar. Una road movie para aprender a vivir sin miedo a la incertidumbre y para confiar en el amor como fuerza para salir adelante, y también un espejo de una sociedad donde el derrotismo, la frivolidad o las desorientadas teorías anti-valores dejan paso al dolor de quienes sufren por no poder tener hijos o sentirse abandonados en el matrimonio. Pero este retrato lleno de gravedad y dramatismo es visto con ojos de esperanza, con personajes llenos de buen humor, bondad y sinceridad que se ganan al espectador a pesar de sus excentricidades, y que crean momentos de tierna emoción o nos brindan historias entrañables –la del naranjo y sus frutos artificiales, o la de la familia hecha con azucarillos–, junto a golpes de humor que provocan la carcajada aunque en ocasiones sea un tanto procaz. Excelente banda sonora y buenas interpretaciones de John Krasinski y Maya Rudolph. Un buen broche final que incluye una bella declaración de amor con un rosario de promesas que saben a matrimonio.

Y para terminar, el palmarés, que puede verse en la web de la Seminci. Pocas sorpresas porque las galardonadas tienen elementos que les hacían merecedoras del premio, aunque también podían habérselo llevado otras cintas: ninguna ha destacado sobre las demás, y solo algunas estaban uno o varios peldaños por debajo de una media aceptable. Sólo se nos antoja excesiva una tercera Espiga de Oro para Goran Paskaljevic por su “Honeymoons” (Lunas de miel) pues, estando bien realizado y tratando un asunto humano de relieve, no aportaba nada nuevo sobre la cuestión ni tampoco en su propia filmografía. Nuestra favorita era, como es sabido, “El erizo” o “Adam Resurrected”… aunque la mejor se dejara fuera de la carrera por la Espiga y para clausurar la Semana: “Away We go”, de Sam Mendes.

En las imágenes: Fotogramas de “Le père de mes enfants”- © 2009 Les Films Pelléas, 27 Films Production. Todos los derechos reservados. De “L’Armée du crime” – © 2009 Agat Film & Cie, Studio Canal France y France 3 Cinéma. Todos los derechos reservados. De “Un lugar donde quedarse” – © 2009 Big Beach Films, Edward Saxon Productions y Neal Street Productions. Fotos por François Duhamel. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados. De “Honeymoons” © 2009. Nova Film International. Todos los derechos reservados.

Seminci’54, días 28 y 29: Drama y tensión en la familia y entre las culturas

Julio — Fri, 30 Oct 2009 13:24:45 +0000

A primera hora del miércoles 28 tuvimos entre nosotros al serbio Goran Paskaljevic, ganador de dos Espigas de Oro en ediciones anteriores. En esta ocasión, presentaba “Honeymoons” para continuar su particular empeño por introducirnos en la realidad balcánica. En ella trenza dos historias de amor –que nunca llegan a conectarse– de sendas parejas que tratan de salir de Albania y Serbia, y que se encuentran con trabas y dificultades en la frontera. Son historias muy pegadas al terreno, con tipos costumbristas llenos de realismo y un trasfondo bélico-político que da gravedad a estos amores en tiempos revueltos. Mujeres pacientes y una nueva generación llena de vida y expectativas, nuevos ricos corruptos y llenos de prejuicios, y la política que divide y enfrenta a hermanos… para un fresco humano y una indisimulada crítica política. Bien realizada y en la línea del autor, que fílmicamente no aporta nada nuevo y que crea historias al servicio de nobles causas.

A esa apuesta por la convivencia cultural, le siguió otra cinta pero de inferior calidad, firmada por la india Dilip Mehta, “Cocinando con Stella”. Con este telefilm de sobremesa nos pasea por las calles de Nueva Delhi y nos muestra la gastronomía del país a la vez que lo hace oriunda Stella a la diplomática canadiense y a su marido. Un melodrama dulzón y muy previsible, con unos pícaros sumidos en la pobreza que roban y trampean en un mundo de ricos, una inverosímil relación entre una inocente niñera y su joven protector y un final rocambolesco. Cambiando de registro, el norteamericano Steven Soderbergh que la Seminci nos ha traído es, como no podía ser de otra manera, el de la línea independiente: “The Girlfriend Experience” es una cinta de bajo presupuesto, con ausencia de historia narrativa al uso y con una cámara al hombro que capta trozos de una realidad que desenfoca fotográficamente en unos momentos o que opta por una planificación esteticista en otros. Su atención se centra en el mundo de la prostitución de lujo, donde Chelsea habla de sus impresiones con los clientes o de las relaciones con su novio. Sin duda, una cinta para minorías por su estructura deslavazada a partir de entrevistas y discontinuos diálogos.

Y como parece que las películas de la Sección Oficial van por parejas, el jueves le tocó el turno al drama familiar, primero a partir de la obra de Dunia Ayaso y Félix Sabroso, “La isla interior”, y más tarde con la belga “My Queen Karo”. Durante la proyección de la primera, daba la impresión de estar viendo un programa de televisión en pantalla grande por su factura y planificación, con suicidio, aborto, adulterio y pederastia en el seno de una misma familia. Pero, aparte de esa cierta tendencia del cine español, hay que reconocer que la pareja de directores logra una coherencia interna entre los distintos elementos de la cinta, pues todos contribuyen a crear un ambiente tragicómico que suscita algún momento divertido, y otros de hondo pesar al ver cómo la adversidad se ha instalado entre los tres hermanos, mientras el padre padece esquizofrenia y la madre trata de negar la evidencia. Buenos condimentos para apuntar la tenue separación entre realidad y ficción (series televisivas y novela, en dos de los hermanos), o entre el sexo y el amor. Sólo los excesos dramáticos y la falta de contención para generar angustia y pesimismo limitan un correcto guión y unas buenas interpretaciones de Candela Peña, Cristina Marcos, Alberto San Juan o Geraldine Chaplin.

Por su parte, Dorothée van de Berghe recoge su propia historia familiar de niña en “My Queen Karo”, durante su estancia con sus padres en una comuna en Amsterdam en 1974. Como otros ocupas, creyeron luchar por un ideal de libertad resistiendo y oponiéndose a toda norma y autoridad, viviendo el amor libre y la anarquía, compartiéndolo todo y no comprometiéndose con nada. Testimonio directo que la directora intenta recoger en clave realista pero aún con una pincelada idealista y complaciente, mostrando sólo la cara más amable y sensual del periodo pero limando los aspectos más violentos y dramáticos. En todo momento se mantiene la mirada de la niña Karo, y eso le da la mayor fuerza a la historia, al contemplar el dolor y desconcierto de quien asiste indefensa a la separación y divergencia de sus padres o a la falta de un modelo claro que le guíe. Narrativamente la cinta se empantana en su nudo central incidiendo una y otra vez en el modo de vida de la comuna, y solo el personaje de Karo rescata esta nueva versión del desencanto de una utopía destructiva.

En las imágenes: Fotogramas de “Honeymoons” © 2009. Nova Film International. Todos los derechos reservados. De “The Queen Karo” © 2009. Doc & Nova Film International. Todos los derechos reservados. De “La isla interior” – © 2009. Distribuida en España por Alta Classics. Todos los derechos reservados.