La Mirada de Ulises

“Rebelde (War witch)”: La Bruja, el Mago y los espíritus

Julio — Wed, 15 May 2013 21:46:01 +0000

[7/10] Si sorprendía la dureza de la subtrama de los niños-soldado vista en “Diamante de sangre”, la imagen que nos deja “Rebelde (War witch)” al respecto nos deja sin aliento. En la primera escena vemos a una niña de 12 años llamada Komona que es obligada a disparar y matar a sus padres, porque si no… los militares lo harán a machetazos. Su crudeza es impactante y sobrecogedora, no tanto por una sangre que no se ve como por el dolor que genera en la criatura, que comienza entonces a vivir la guerra en un entorno salvaje y a intentar encontrar la paz en su propia alma. Reclutada por las milicias rebeldes, pronto cogerá fama de bruja de la guerra por librarse milagrosamente de un sangriento ataque y por sus visiones, mientras un adolescente negro albino apodado el Mago la protege con su fusil y con su amor.

El canadiense de origen vietnamita Kim Nguyen comienza así un retrato realista sobre una guerra en un indeterminado país africano, que es también un viaje iniciático de la adolescente hacia la vida adulta y una fábula sobre el poder transformador del amor. Ya en los instantes iniciales, Nguyen se mueve entre el dualismo de mostrar una cruda y áspera realidad y la voluntad de trascender hacia un mundo de magia y espiritualidad. Lo primero lo consigue por una fotografía realista y un eficaz trabajo de sonido, por una cámara nerviosa que sabe detenerse para extraer unos planos precisos y un aire de veracidad, por una narrativa ágil y sencilla que acompaña a la protagonista en su maduración en el dolor y en el amor. Acertada es la voz en off con que la joven cuenta al bebé del que está embarazada lo que sucedió en aquellos años, para que conozca la verdad de su pasado y lo que costó que llegara a nacer. Con ella, el director consigue un intimismo y lirismo que contrarresta la violencia y sangre que el espectador encontrará al adentrarse es ese inhóspito país.

De esta manera, se nos muestra una visión interior y otra exterior, que vendrán a ser completadas por una tercera de carácter onírico y surrealista con que Komona intenta ahuyentar sus espíritus y pesadillas. Hay equilibrio y armonía entre los tres mundos, tanta como inocencia y crueldad en unos personajes que viven una continua huida hacia adelante, tratando de escapar del miedo y la violencia, con la esperanza de encontrar el amor suficiente para acoger la vida. Sugerente es la imagen de ese coche fúnebre haciendo de ambulancia, o ese entierro de unos espíritus inquietos que siguen velando por su pequeña. La nominación de la cinta a los Oscar como mejor película en habla no inglesa y los numerosos premios obtenidos en festivales confirman la calidad de la propuesta, a medio camino entre el documental y la ficción, y con una admirable interpretación de la joven Rachel Mwanza.

Nguyen consigue una película narrativa y poética a la vez, donde las imágenes sirven para la reflexión y la denuncia, donde la magia y la superstición se mezclan con el amor y el arrepentimiento, donde la carta de amor de una joven madre a su pequeño trata de superar tanto odio y crueldad. La dureza y gravedad del tema exigen un espectador dispuesto a asistir a las mayores brutalidades -aunque sean tratadas con delicadeza y sensibilidad, sin ensañarse-, pues esos indefensos niños son reeducados para encontrar a su padre y a su madre en las armas, y no abandonarlas nunca. Son, por otra parte, imágenes atroces que llegan con un sentido moral y con humana emoción, dispuestas a espantar brujas, magos y demás espíritus.

Pinche aquí para ver el vídeo

Calificación: 7/10

En las imágenes: Fotogramas de “Rebelde (War witch)” – Copyright © 2012 Item 7 y Shen Studio. Distribuida en España por Good Films. Todos los derechos reservados.

La vida saca su entrada de cine (I). El aborto

Julio — Mon, 13 May 2013 10:15:44 +0000

De manera necesaria, y frecuentemente envuelto en la polémica, el cine se ha acercado al inicio y término de la vida, consciente de que el tema interesa y de que supone una materia de primer orden a la hora de plantear un conflicto dramático y de arrancar momentos conmovedores. De esta manera, una película se ofrece como punto de partida para un debate constructivo sobre asuntos de interés general que a todos nos importan… porque todos somos protagonistas. Serán cintas de fuerte carga ideológica, en el sentido de que reflejan un modo de entender la vida y una ética que determina la propia conducta, y también trabajos en los que una historia concreta trata de elevarse a la categoría de norma para actuar.

De esta manera, el cine se erige en instrumento para reformular actitudes y en espejo para mostrar aspectos muy íntimos y personales. Las propias experiencias en relación con un nacimiento -deseado o no-, con la enfermedad y el dolor -aceptado o no-, con el irremisible envejecimiento -asumido o no- se convierten en factor determinante a la hora de ver una película de este tipo, y el cine se presenta como escenario para un hombre que trata de erigirse en dueño y señor de la vida, en quimera de una realidad soñada en donde la ilusión de eternidad se pone al alcance de la mano.

En el principio… era la vida

El comienzo de la vida es el primer escalón en este recorrido ético por el cine. Son muchas las películas que lo han abordado, unas veces en relación con el deseo de maternidad -con cintas que nos hablan de la adopción y del efecto transformador en los progenitores-, y más frecuentemente como referencia al aborto. Centrándonos en este segundo aspecto, vemos que el debate social está a la orden del día con factores éticos, religiosos, médicos y políticos que en ocasiones hacen que se pueda oscurecer una adecuada perspectiva de la cuestión.

El aborto, ¡nunca más!: “4 meses, 3 semanas, 2 días”

Entre las muchas películas posibles, hay una de gran calidad cinematográfica y que podría considerarse particularmente neutral: “4 meses, 3 semanas, 2 días” (2007), del rumano Christian Mungiu. El tiempo del título hace referencia al embarazo de Gabita, una estudiante que vive en la Rumanía de Ceaucescu y que decide abortar clandestinamente, con la ayuda de Otilia, su amiga y compañera de habitación en la residencia. Sobriedad interpretativa -grandes trabajos de Anamaria Marinca y de Laura Vasiliu-, una cuidada planificación y montaje de sonido, y una fría ambientación para un retrato social y humano de enorme dureza, pero honesto y necesario. Nada en la cinta respira frivolidad ni tampoco manipulación emocional, pues la apuesta de Mungiu solo pretende mostrar la crudeza de una situación real, sin disquisiciones morales ni políticas, por mucho que grupos pro-vida o abortistas se empeñen en interpretar su propuesta en un sentido determinado.

Durante casi dos horas, asistimos al drama de dos jóvenes que ponen su futuro en manos de un carnicero sin escrúpulos ni decencia, que practicará el aborto en el hotel en unas pésimas condiciones sanitarias y que será paradigma de la miseria moral a que ha llegado el pueblo rumano bajo el dictador. Al final, por encima de consideraciones éticas y teóricas, podemos concluir que la única verdad está en ese cuerpo sin vida que Gabita desecha en el cuarto de baño y que Otilia mira con dolor, para después meterlo en su bolso y apretarlo contra su pecho; o en esa mirada que ella misma dirige a cámara -y al espectador- en el último plano, instantes después de hacer prometer a su amiga que “nunca más volveremos a hablar de ello”.

Atrás quedan dos días de dolor y humillación, de soledad y miedo, en medio de merengues de cumpleaños, conversaciones insulsas y chantajes mezquinos. En la cinta de Mungiu, nunca importó lo ocurrido en el pasado ni tampoco interesa el futuro de Otilia con su novio o la salud de la propia Gabita: todo queda en suspenso y en off, aunque marcado a fuego en la memoria de las dos jóvenes y también del espectador. Por eso, ese plano final seco y cortante que hemos comentado, seguido de otro en negro sobre el que se leen los títulos de crédito, llegan cargados de enorme fuerza visual, sutil y precisa a la vez, para retratar el drama que el aborto supone para la mujer.

Un paisaje humano y social desolador

Hay mucha dureza en las situaciones y en las imágenes de Mungiu, aunque ninguna gratuidad ni concesión a la obscenidad o al morbo. El director practica una depurada economía narrativa para contar, casi en tiempo real, la situación de las protagonistas en las horas previas al suceso, la negociación en el hotel con el hombre abortista -los momentos más degradantes por la deshonestidad e degradación del Sr. Bebe-, y su práctica y desenlace. Sólo se sale del nudo principal una subtrama en la casa del novio de Otilia que, sin embargo, está perfectamente engarzada y viene a completar el cuadro social rumano, y también a mostrar la distinta percepción que hombres -patético y desoladora la actitud del novio- y mujeres tienen del asunto.

El director demuestra un extraordinario dominio de los recursos de la cámara, y nos lleva por los pasillos de la residencia de estudiantes o por las calles inhóspitas con planos-secuencias larguísimos y muy bien rodados, pero también sabe dejarla fija para obtener unos planos igualmente elocuentes -magistral es la planificación en la cena de cumpleaños- donde no importa que los personajes se salgan del cuadro o la acción pase a desarrollarse en el fuera de campo. Al final, Mungiu logra crear ambientes deprimentes de enorme plasticidad que trasmiten soledad, abandono, pobreza o tristeza, en la residencia o en la calle -la gasolinera es todo un poema social deprimente de la Rumanía comunista-, en el hall del hotel con el fluorescente fundido… lugares físicos quizá reflejo de otros interiores, frágiles e insatisfechos, llenos de desconfianza y vacíos de sentido moral, ahogados en la lucha por la supervivencia y con miedo a afrontar una dolorosa verdad.

De “Juno” a “Bella”, pasando por la vida de “La princesa de Nebraska”

Señalamos otras tres buenas películas en torno al aborto. Para empezar, “Juno” (2007), en la que Jason Reitman nos ofrece una comedia dramática de sello independiente y aire positivo. Es la historia de la adolescente del título, que se queda embarazada y se plantea inicialmente abortar, para más tarde optar por una solución más humana y menos traumatizante: dar la criatura en adopción a un joven matrimonio. De manera fresca y desenfadada, con ingeniosos diálogos llenos de chispa y mordacidad, con un vitalismo liberal que no se detiene en los problemas, asistimos también al renacimiento y madurez de una madre, que eligió la vida para su hijo pero que bien podría haber hecho lo contrario. En el fondo de la cuestión, late una razón pragmática y una concepción de la libertad como absoluto, según la cual “no hay verdad (objetiva) por encima de mi libertad (subjetiva)”.

En “La princesa de Nebraska” (Wayne Wang, 2007), se recoge la historia de otra adolescente, en este caso venida de Pekín a Estados Unidos para abortar, que callejea perdida por San Francisco… y también por la modernidad y libertad recién descubiertas tras un pasado de represión marxista, y donde la soledad y la falta de referentes morales la dejan expuesta al vaivén de los afectos, todo transmitido con atractivas y sugerentes imágenes, con una moderna puesta en escena que conforma un film pleno de sensibilidad y belleza.

Por último, en un tono más luminoso, “Bella” (Alejandro Monteverde, 2006) es un melodrama intimista donde su protagonista José da un giro a su exitosa carrera deportiva cuando la tragedia le sale al paso, para convertirse desde entonces en un pacífico pero apasionado defensor de la vida, y también para ser ocasionalmente el apoyo de su compañera de trabajo Nina, mujer que es despedida del restaurante cuando se quedaba embarazada y que se debate entre el dilema de abortar y el dolor de verse sola y abandonada.

En las imágenes: Fotogramas de “4 meses, 3 semanas, 2 días” – © 2007 Mobra Films. Distribuida en España por Golem. Todos los derechos reservados. De “Juno” – © 2007 Fox Searchlight Pictures, Mandate Pictures y Mr. Mudd Productions. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados. De “The princess of Nebraska” – © 2007. Distribuida en España por Karma Films. Todos los derechos reservados. De “Bella” – © 2006 Metanoia Films. Distribuida en España por European Dreams Factory. Todos los derechos

“Stoker”: Copias defectuosas

Julio — Sat, 11 May 2013 11:24:03 +0000

[6/10] Un accidente de tráfico se ha llevado a Richard el mismo día en que su hija India cumplía dieciocho años. En el funeral aparece el tío Charlie, cuya existencia era desconocida para la joven, y que trae consigo aires de misterio que perturbarán el ambiente familiar. Por momentos, parece que Charlie viene a suplantar la figura de su hermano fallecido, a llenar el vacío emocional que dejó en su viuda Evelyn, a despertar a India a una vida adulta donde la sexualidad y la venganza se dan la mano. Todo se enrarece en un entorno marcado por un pasado enigmático que sigue determinando el comportamiento de unos y otros, mientras la desconfianza y la atracción rivalizan en unos personajes que luchan contra el destino. El terror se alía entonces con el thriller y el drama familiar para darnos en “Stoker” una película que quiere navegar entre el cine de culto y el comercial, y que trata de atraer a un público amplio.

Al hablar de “Stoker”, resulta imposible no referirse al cine de Hitchcock por los numerosos guiños que el coreano Park Chan-wook introduce -no solo con la presencia del tío Charlie de “La sombra de una duda”-, y sobre todo por el clima de tensión sostenida y de suspense que imprime a sus escenas. Aquí el director hace gala de una precisa planificación que busca generar inquietud y desasosiego, con momentos en que la cámara subjetiva o la profundidad de campo permiten al espectador implicarse en la historia, con un montaje que altera los tiempos para hacerlos coincidir en el subconsciente, con la multiplicidad de objetos y detalles de valor metafórico y premonitorio, con los artificiosos pero eficaces efectos de sonido. Si la puesta en escena es digna del mejor cine de suspense y trata con delicadeza temas dados al morbo, el guión carece de sutilidad y la trama queda excesivamente explicada con dos descubrimientos, bien guardados bajo llave hasta el momento en que unos flash back algo torpes no lo muestran. Por eso, se puede decir que Chan-wook levanta una buena copia de Hitchcock, pero con elementos algo defectuosos.

El clima de desconfianza que produce la sola presencia de Matthew Goode queda reflejado magistralmente en el rostro de Mia Wasikowska, joven que lucha entre la admiración infantil hacia un padre desaparecido y el impulso adulto hacia un hombre atractivo que esconde para ella algo que entraña miedo y deseo a la vez. India entra en la mayoría de edad con un deportivo en pie y un zapato de tacón en el otro, debatiéndose en seguir el modelo paterno-protector o el de su tío-destructor. En ella, como en otros personajes de la historia, hay una guerra entre el amor y los celos, entre la justicia familiar y la venganza. Son seres heridos en su afectividad y proclives a despeñarse por el barranco de la violencia, son copias defectuosas en las que la vida parece querer alcanzar de nuevo lo que los padres no consiguieron… según manifiesta una frágil e indolente Evelyn, encarnada por Nicole Kidman. Una mirada pesimista, por tanto, sobre la familia y la sociedad, incapaz de superar la espiral de envidia y odio, sometida al determinismo más nihilista.

En los dominios comerciales de Hollywood, el entretenimiento está asegurado por la calidad formal e interpretativa de la cinta, aunque Chan-wook se ve obligado a concesiones como las de atar la trama hasta el último cabo, la de ofrecer un desenlace cuestionable o a los excesivos subrayados. Se apuntan detalles de autor y de un estilismo visual con personalidad, desde los títulos de crédito iniciales o finales hasta esa sangre que salpica las flores, pero en otros muchos se ve la alargada sombra de Hitchcock… desde la escena de la ducha hasta el picado de la escalera o el plano frontal en que vemos dos habitaciones y juega con el fuera de campo, todo para alcanzar una película inquietante y oscura acerca de unas copias que tratan de mejorar el original -familiar o cinematográfico- pero que se quedan a medio camino, sin la suficiente hondura humana y emocional.

Pinche aquí para ver el vídeo

Calificación: 6/10

En las imágenes: Fotogramas de “Stoker”, película distribuida en España por Hispano Foxfilm © 2013 Fox Searchlight Pictures. Todos los derechos reservados.

“El regalo”: Los Fesser regalan buen humor

Julio — Thu, 09 May 2013 15:44:42 +0000

Sencillo, breve y divertido. Así es este cortometraje firmado por Javier Fesser, que deja al espectador con una sonrisa en los labios y al protagonista con el desconcierto en el semblante. Bondad y sobriedad en unos abuelos que responden a un perfil preciso y típico, y simpatía y buen humor en una nieta juguetona.

Una vez más, estamos ante la demostración de que basta con una idea ingeniosa para lograr un buen cortometraje, si después acompañan unas interpretaciones auténticas.

Pinche aquí para ver el vídeo

En la imagen: Fotograma de “El regalo” – Copyright © 2012. Pendelton Producciones. Todos los derechos reservados.

“102 años, no son nada”: Carta a un recién nacido

Julio — Tue, 07 May 2013 19:07:47 +0000

En estos tiempos que corren, no está de más escuchar la sabiduría de los mayores, y aprender lo que la vida les ha enseñado y lo que a nosotros nos espera. En este anuncio publicitario, un anciano da la bienvenida a un bebé recién nacido… y le resume en pocas palabras las verdades por las que merece la pena seguir adelante. Los responsables del spot nos dicen que está basado en hechos reales, y nos lo creemos porque son sentimientos comunes a todos, porque el rostro y la voz del anciano respiran sinceridad, porque su factura llega al fondo del alma y atrapa a quien tiene deseos de felicidad. Lo difícil es tener esa clarividencia en el día a día, pero no está de más considerarlo de vez en cuando y valorar las cosas como se merecen.

Como sucede en todo anuncio, el mensaje es nítido y trata de hacerse con el espectador, de convencerle de algo y asociar sus anhelos con la marcaque promociona. En este caso, Coca Cola sigue fiel a su estilo y opta por la vía más humana y entrañable, para lanzar un aviso universal: que hay que aprovechar la vida y ser agradecido con lo que uno ha recibido. Viendo estas imágenes, salta a la vista que Coca Cola sigue apostando por un envoltorio sencillo que llegue a todos y por eslóganes dirigidos al corazón, con un montaje paralelo para un encuentro emotivo, y que consigue hacer fácil lo difícil. Y tampoco resulta extraño entender que cuando la imagen (el cine documental, también podríamos decir) se aproxima a la realidad humana… entonces gana en atractivo, y que es una gran verdad eso de que “lo bueno, si breve, dos veces bueno”.

Pinche aquí para ver el vídeo

En la imagen: Fotograma del anuncio publicitario de Coca Cola. Copyright © Coca Cola. Todos los derechos reservados.

No hay entradas relacionadas

“La pequeña Lola”: La larga marcha por la adopción

Julio — Sun, 05 May 2013 10:46:20 +0000

En el Día de la Madre, me ha parecido oportuno recuperar una cinta que habla de ese amor único, que necesita manifestarse de la manera más íntima e inefable posible. En este caso, es el amor de una madre por un hijo recogido en adopción… con todos los trámites e incertidumbres que rodean al proceso. Se trata de “La pequeña Lola”, donde Bertrand Tavernier nos transmite un estado personal, matrimonial y social lleno de vida y donde no se dan cita la generosidad de unos y la mezquindad de otros.

Aunque la realidad de la paternidad/maternidad no sea una necesidad del individuo sino de la especie humana, cada individuo alberga en su íntima naturaleza ese principio básico y misterioso de generar vida a su alrededor, de encontrar sentido a la vida y a sus sacrificios con la donación de sí, de enriquecerse precisamente cuando se desprende de algo en favor de quien está necesitado. Habitualmente y de manera más universal, esta expansión de la vida y el amor se desarrolla en el ámbito del matrimonio y la familia, que pasa a constituirse en cuna para el crecimiento armónico de la persona y núcleo desde el que se estructura la sociedad. Sin embargo, en ocasiones, puede que los hijos no lleguen por mil motivos, unas veces conocidos y otras un tanto misteriosos: son cosas de la vida y de una realidad que se impone, porque lo cierto es que nadie tiene derecho a tener descendencia -hablando con propiedad y en sentido estricto- y sí, en cambio, a nacer en un lugar donde se le quiera.

En esos casos, a veces dolorosos, la pareja puede llenarse de cierta frustración y ansiedad, o también de energía y audacia para iniciar un camino distinto y nuevo que llene el vacío que la naturaleza les ha deparado. Entonces, se buscarán los hijos donde puedan encontrarse porque el corazón humano necesita alguien en quien volcar todo el afecto… y eso explica que se recurra a la adopción como una salida que complete la familia, a la vez que se alivia la situación de quien se encuentre desamparado y necesitado en lugares marginales. En cierto modo, la adopción se convierte en la manera de cerrar el triángulo de amor y formar un hogar (aunque también cabe la adopción en parejas que ya han tenido sus propios hijos, y que desean ayudar a alguna otra criatura), aunque siempre queda, al menos en sus inicios, al arbitrio de unas autoridades civiles que deben regular los modos en que se realice, para así evitar abusos y daños derivados de lo que sería un auténtico mercado humano.

Muchas veces, los niños dados en adopción provienen de lugares lejanos y de culturas muy distintas a las de los padres receptores, con lo que se hace necesario no sólo el papeleo burocrático pertinente sino también se exige la presencia de los solicitantes en el lugar de origen del niño. Se trata de un viaje conveniente para asegurar la buena recepción del hijo y tener una primera aclimatación entre ellos, para que esos nuevos padres conozcan el lugar de nacimiento de la criatura y conociéndolo… aprendan a quererle en sus raíces, y también para facilitar, por qué no, una relación personal que comience con abnegación y algún sacrificio que haga crecer el amor incipiente. Entonces, el viaje físico se convierte en una auténtica odisea personal para la pareja, que da un giro a su existencia y experimenta una auténtica renovación personal… que a su vez le exigirá adoptar en adelante nuevas ópticas y referencias vitales: su mundo cambia con ese nuevo ser que llega después de muchos trámites y dificultades superadas, y que trae consigo también incertidumbres sobre su propia salud y su adaptación al nuevo entorno socio-cultural. Por eso, el cariño y el sacrificio deben ser grandes en esos primeros momentos, porque no serán pocos los problemas ni tampoco las decepciones que puedan surgir.

Todo ese mundo donde se siente la necesidad de una paternidad/maternidad y también todo el universo que rodea a la adopción es recogido admirablemente por el francés Tavernier en “La pequeña Lola”. No es una película realista ni tampoco pretende levantar acta sobre el proceso de adopción, pero en cambio sí aborda cada uno de los aspectos señalados con indudable fuerza y veracidad, gracias a una eficaz dramaturgia en que la ficción condensa sentimientos muy humanos y también a unos actores -Jacques Gamblin e Isabelle Carré-que lo hacen verosímil para el espectador. En ella, Pierre y Géraldine son una joven pareja que ha viajado a Camboya con la ilusión de adoptar a un niño, después de haber confirmado con los médicos que ella no podía tener descendencia. Allí, en el hotel de Phong Pheng en que se alojan, descubren otros matrimonios en circunstancias similares y que les ponen sobre aviso de las dificultades que existen para llevar a buen ritmo la tramitación. En el país, la corrupción se ha instalado entre las autoridades camboyanas, que tensan la cuerda para conseguir el mayor beneficio por una firma o una vía fiable, a la vez que ven cómo se llenan sus orfanatos porque las familias nativas son incapaces de soportar una boca más que alimentar.

Comienza entonces, para Pierre y Géraldine, la larga marcha por el desierto de la adopción, viven intensamente las expectativas creadas más allá de la frontera de Vietnam y las decepciones consiguientes, sufren el doble juego de los contactos camboyanos y la apuesta por el mejor postor. Asistimos también al ataque de nervios de unas mujeres en tensión permanente y a la inevitable crisis conyugal de los protagonistas, a la obsesión y necesidad por sentirse madre, y a la ansiedad y esperanza por ver el final del túnel. Entre lluvias y bosques tropicales, entre gestiones infructuosas e inevitables momentos de hastío y aburrimiento, Pierre y Géraldine tratan de resolver los problemas que una Camboya de posguerra les presenta, y los que se esconden en un corazón materno que vive enteramente para el hijo que aún no tiene.

Llama la atención la radicalidad con que la mujer vive esos momentos de forzosa espera, entre la angustia y el placer, buscando el contacto físico con la criatura dejada a prueba por una noche, y recogiendo en una grabadora cada uno de los pasos dados… segura de que el día de mañana la criatura querrá conocer el comienzo de esa pequeña odisea en que unos desconocidos se interesaron por ella. Es el inicio de una relación que busca recuperar el tiempo que no estuvo en el seno materno, que trata de proteger con las caricias y miradas al ser que no se pudo albergar desde la concepción, que se quiere dar el calor necesario para que la criatura sienta afecto y protección. Es el diálogo de una madre con su hijo, en un silencio inefable y donde ella se vacía de corazón y él acepta -en su pasividad- esa donación de cariño. No hay exhibicionismo ni gratuidad en esas escenas íntimas sino necesidad una madre de ser ella misma, y también de un director por transmitirnos la verdad de una madre y de un hijo. Es, en definitiva, una noche de amor en que Géraldine da su primer paso a una persona que estaba indefensa y ha sido acogida en adopción por un corazón grande.

Pinche aquí para ver el vídeo

En las imágenes: Fotogramas de ”La pequeña Lola” – Copyright © 2004 Little Bear, Les Films Alain Sarde y TF1 Films Production. Distribuida en España por Vértigo Films. Todos los derechos reservados.

El mejor cine de abril de 2013

Julio — Thu, 02 May 2013 12:14:47 +0000

Para comenzar con nuestras recomendaciones del cine visto en abril, destacamos “Bárbara” por la sutileza para mostrar estados interiores del alma en una mujer que se debate entre abandonar la Alemania Democrática o permanecer en la resistencia, y también por la creación de una atmósfera de desconfianza y sospecha. En ese mismo terreno se encuentra el protagonista de “La caza (The hunt)”, acusado injustamente de abuso de menores y sometido a un auténtico escrache por sus amigos; gran trabajo de Mads Mikkelsen, y una sobria puesta en escena que alcanza un considerable clímax emocional donde se respira inocencia y crueldad.

En “Tierra prometida”, Gus Van Sant asesta un duro golpe a las grandes corporaciones y sus prácticas corruptas, a la vez que rescata la bondad y sinceridad de su protagonista y dota a Matt Damon de una humanidad envidiable. También entre las cintas de mayor calidad cinematográfica, se encuentra la última de Terrence Malick, “To the wonder”, inferior a “El árbol de la vida” pero en su misma línea evocadora y reflexiva, contemplativa y poética, en este caso para ofrecernos la historia de un enamoramiento y ruptura que es también la conversión de un sueño en pesadilla. En unas coordenadas más cinéfilas que exigen un espectador activo y paciente dispuesto a rellenar las elipsis narrativas y los silencios, tenemos “Nana”, historia mínima de la niña del título que descubre la soledad y la muerte sin apenas darse cuenta.

Cambiando de tercio, nos vamos a un cine más comercial donde el entretenimiento está asegurado. “Iron Man 3″ es una propuesta correcta en lo narrativo y espectacular en los efectos especiales, con un Tony Stark que parece decidido a hacer borrón y cuenta nueva y recuperar una humanidad a la que le sobraba un poco de metralla. Muy sugerente es “Oblivion”, inquietante película de ciencia ficción donde Tom Cruise es la estrella de este apocalipsis, no se sabe si por acción alienígena o terrícola. Por su parte, “Efectos secundarios” es un thriller que vuelve a criticar la falta de ética en la industria farmacéutica y también la mezquindad de los hombres, con situaciones equívocas y giros dramáticos eficaces que aseguran la emoción hasta el final.

La idea de “Un amor entre dos mundos” es interesante y sugestiva, pero su historia de amor resulta previsible y convencional… con lo que la película a duras penas sirve para pasar el rato y emocionar a un espectador esencialmente adolescente. En “Los últimos días”, el cine español se apunta a la misma ciencia ficción apocalíptica con un planteamiento original y una buena creación de atmósferas, para alcanzar una película aceptable que cumple con su misión de entretener. En cuanto al cine para los más pequeños, pudimos ver “Los Croods”, una simpática comedia prehistórica de DreamWorks en torno a una familia que tiene que perder el miedo a los cambios climáticos y también personales.

Por último, dos películas que apuestan por la libertad y por la vida. En el primer caso tenemos “For greater glory (Cristiada)”, historia -a partir de hechos reales- de resistencia del pueblo mexicano ante el atropello y asesinato de las autoridades solo por el hecho de ser católicos. En el segundo, “October baby”, un melodrama fuertemente emocional para decirnos que la vida es bella y que merece la pena vivirla sabiendo perdonar… única manera de ser realmente libre.

En cuanto al cine que podemos ver en casa, este mes han sido editadas bastantes buenas películas. Destacamos las siguientes: “En la casa” o cómo inspirarse en la realidad para escribir un libro o al revés, planteamiento semejante al visto en “El ladrón de palabras (The words)” a confundir realidad y ficción; dos películas de autor como “La parte de los ángeles” donde Ken Loach da muestras de su gusto por el whisky y de su sentido de la humanidad, y la vistosa y artística “La vida de Pi” por la que Ang Lee ganó el Oscar al mejor director; la intimista y poética “La pequeña Venecia” en torno a la soledad y el “Golpe de efecto” con que Clint Eastwood nos enseñaba a mirar y escuchar; la sugerente aproximación al mundo de la educación de “El profesor (Detachment)” con Adrien Brody de protagonista, y la estilizada “Damsels in distress (Damiselas en apuros)” sobre la adolescencia y la amistad; y, por último, la particular adaptación al cine de “César debe morir” de los hermanos Taviani, la original y divertida “¡Rompe Ralph!” de Disney, y el fallido y narcisista trabajo de “El hobbit: Un viaje inesperado”.

En las imágenes: Fotogramas de la película “La caza (The hunt)” –© 2012. Distribuida en España por Golem. Todos los derechos reservados. De “To the wonder”, película distribuida en España por Vértigo Films © 2012. Todos los derechos reservados. De “Oblivion”, película distribuida en España por Universal Pictures International Spain © 2013. Todos los derechos reservados. De “Los Croods”, película de animación distribuida en España por Hispano Foxfilm © 2013. Todos los derechos reservados. De “October baby” –© 2011. Distribuida en España por European Dreams Factory. Todos los derechos reservados. De “En la casa”, película distribuida en España por Golem © 2012. Todos los derechos reservados.

“Ayer no termina nunca”: Sueños rotos

Julio — Tue, 30 Apr 2013 15:03:16 +0000

[5/10] Vivimos tiempos de crisis, y quizá por ello Isabel Coixet haya querido filmar esta película sobre un matrimonio fracasado, y hacerlo además con el concurso de solo dos actores. Estamos en Barcelona en el 2017, y han pasado cinco años desde que él le abandonase para irse a trabajar a Alemania, después de haber perdido un hijo pequeño, y ahora vuelven a encontrarse. Las heridas no están curadas y por eso el título de “Ayer no termina nunca”, crónica de dos náufragos del amor y de dos vidas rotas por el sufrimiento. La cinta recoge chispazos de una memoria fragmentada, afectos de un corazón sangrante y pensamientos deshilvanados por el paso del tiempo… que la directora trata de plasmar sobre un escenario tan conceptual y metafórico como frío e impersonal.

Lo que comienza siendo una película política que arremete frontalmente y sin pudor contra el aumento del paro, los recortes sanitarios, los “bancos malos” y los desahucios, deriva con el paso de los minutos hacia un drama de crisis de pareja donde los reproches y la soledad salpican todos los diálogos, y donde dos almas amargadas tratan de encontrarse a sí mismas y al otro. Hay mucho dolor en el pasado y poca esperanza en el futuro, y no sabemos si un abrazo será suficiente para conciliar el sueño o si habrá que seguir tomando pastillas. Y, a pesar de lo dramático de la situación, Coixet no consigue transmitir emoción ni tensión alguna pues la historia llega cargada de artificios e impostura. Ni siquiera los primeros planos o los brotes de histeria consiguen conmovernos, y más bien habría que decir que cansa tanta reiteración y queja, tanto alargamiento del conflicto interior. No acierta la directora a atrapar esos sentimientos nunca manifestados o esos silencios elocuentes que respiraban sus anteriores trabajos, ni tampoco logra adentrarse en el alma de sus personajes… que parecen cadáveres sepultados junto a la criatura perdida.

No funcionan tampoco esos insertos en blanco y negro que quieren evocar el pasado o poner voz a los pensamientos, como no convencen unos diálogos demasiado mirados de sí mismos o unas interpretaciones teatrales que parecen forzadas y falsas. No es problema de Candela Peña ni de Javier Cámara, pero el resultado es poco natural y gélido, inverosímil y desconectado del espectador. Quizá Coixet haya pretendido transmitir esa frialdad con un entorno de hormigón, con una ausencia de profundidad de campo o con una música distorsionada… y quizá haya querido hablarnos de la falta de comunicación en el mundo de pareja y de la soledad, como si se acordara de Antonioni, pero el caso es que el espectador asiste a una historia sin vida con la que no sufre ni se conmueve, a una tragedia donde no hay “ayer” ni “mañana”, a unas conversaciones que van de lo trivial y chabacano a lo solemne y ampuloso. Asistimos, en definitiva, a un ensayo cinematográfico consciente y arriesgado… que termina en suicidio y en pesadez.

Recuerdos personales sin fuerza y dardos políticos para una puesta en escena artificiosa y excesivamente conceptual, donde hasta el montaje trata de plasmar la ruptura de esos sueños haciendo que los personajes estén desconectados en el tiempo y en el espacio. Quiere Coixet hablar de un fracaso existencial y de la pérdida de un ser querido, para elevarse después con consideraciones político-sociales donde el idealismo y la esperanza son fantasmas del pasado, y pretende también disponer para su empresa de formas cinematográficas que expresen ese desencanto… y, en su ambicioso intento, la directora se queda sola con sus dos actores, sin llegar al corazón ni a la cabeza del espectador, sin permitirnos soñar ni respirar libremente. En su recorrido, nos ha dejado ensimismados en la rugosidad de la cueva y de la vida, aplastados contra unos paisajes planos y sin belleza, y mirando la lápida de una tumba de la que no se espera que salgan más que recuerdos y sueños rotos.

Calificación: 5/10

Pinche aquí para ver el vídeo

En las imágenes: Fotogramas de “Ayer no termina nunca”, película distribuida en España por A Contracorriente Films © 2013 Miss Wasabi Films y A Contracorriente Films. Todos los derechos reservados.

“Iron Man 3″: Borrón y cuenta nueva

Julio — Sun, 28 Apr 2013 19:39:18 +0000

[6/10] La Marvel presta al cine a su Iron Man para una nueva misión frente a quienes siembran violencia en un mundo en continuo progreso tecnológico. Ahora Tony Stark recuerda el porqué de su borrón y cuenta nueva, y el descubrimiento de una humanidad a la que le sobraba un poco de metralla. Todo se remonta a la fiesta de Nochevieja de 1999, cuando el orgullo de un científico se sintió herido y clamó venganza, cuando la sombra de un terrorista amenazó el orden establecido. Fue el comienzo de una explosión de odio que pretendía saciar el afán de poder de unos y la soberbia intelectual de otros. En “Iron Man 3″, Shane Black tira de la interpretación ya estereotipada de Robert Downey Jr. y de la espectacularidad de los efectos especiales para que el espectador siga confiando en el superhéroe de la armadura, y vuele con su imaginación surcando los cielos.

En esta aventura, Iron Man está acompañado de Iron Patriot (pilotado por el coronel Rhodes), y juntos deberán proteger y rescatar a su chica y a su presidente, respectivamente. Son dos misiones en una sola, dos armaduras para un mismo espíritu, dos formas de luchar para hacer frente a una amenaza que está fuera y también dentro. En el exterior, es evidente porque “el Mandarín” -nuevo espectro terrorífico, al estilo Bin Laden- tiene a las fuerzas de seguridad en jaque, mientras que de puertas adentro nunca se sabe qué se cuece en las cloacas de la política… ni tampoco Tony Stark termina de quitarse de encima esa ansiedad e insomnio que le martirizan. Sus noches las pasa entretenido con sus armaduras y distraído de las cosas importantes que le demanda Pepper. Como es habitual en el género, la aventura supondrá para el protagonista un viaje interior en que se descubra a sí mismo para hacerlo explotar todo por los aires… pero no al modo en que el Mandarín pretende.

El esquematismo de la historia y de los personajes es el que requiere el cine de cómic, que avanza a buen ritmo aunque la reiteración de tanta armadura destruida y recompuesta termina por hacerse pesada y cansina. Una y mil veces vemos estallar por los aires cada una de ellas o renacer de sus cenizas a esos monstruos ardientes productos de la experimentación genética, y llega un momento en que lo espectacular se vuelve cansino… porque le falta mesura. También causa asombro el ataque a la residencia de Stark y más aún el desenlace en el petrolero, hasta el punto de que las chispas salpican a la política armamentística, a las corporaciones económicas y al mismo mundo del cine. En ese sentido, resulta patético y corrosivo el papel del Mandarín y su afán de notoriedad… no muy distinto al del Dr. Aldrich como siniestro científico despechado. No faltan tampoco los toques de comicidad y simpatía, siempre con Robert Downey Jr. en el epicentro.

La película de Black resulta entretenida y está realizada con corrección, pero quizá con un excesivo academicismo tecnológico… y con poca personalidad. Realmente, no hay pasado en los personajes más allá de unas frases informativas, ni tampoco consigue recrear atmósferas que transmitan tensión ni angustia, porque sabemos que una nueva armadura vendrá en rescate del superhéroe, que la chica no puede morir o que el villano pagará por sus fechorías. El director no consigue generar suspense ni tampoco emocionar con sus personajes, y por eso no bastan esas acrobacias en el aire ni esas explosiones pirotécnicas… porque Iron Man debe dar para más, como el Batman de Christopher Nolan o los propios Vengadores. Menos mal que, como en el cómic, siempre nos quedará la esperanza de que, tras el borrón y cuenta nueva, llegue un Stark con ADN renovado y más cercano al espectador.

Calificación: 6/10

Pinche aquí para ver el vídeo

En las imágenes: Fotogramas de “Iron Man 3″, película distribuida en España por The Walt Disney Company Spain © 2013 Marvel Studios, Paramount Pictures y DMG Entertainment. Todos los derechos reservados.

“Argo”: Una espiral de tensión

Julio — Thu, 25 Apr 2013 07:05:26 +0000

[José Manuel Campillo].- La sala pequeña en la que proyectan “Argo” anuncia que la excesiva cercanía puede provocar que las soledades de los espectadores se solapen. El popcorn XXL de mi desconocida compañera de asiento no ayuda a que mi ánimo se tranquilice. El imponente altavoz que amenaza caer sobre mis ya nerviosas neuronas complica lo que prometía, antes de salir de casa, ser una tranquila velada. Comienza la película. Una desagradable y atípica voz en off confirma lo que los elementos llevan anunciándome durante unos minutos: la tarde soleada que presumía mi interior ha devenido tormenta. Pero la tormenta es de primavera. Se ha ido con la misma inusual celeridad con la que ha aparecido. La peculiar voz en off se ha retirado, y la película comienza su desenvolvimiento con la misma prestancia y poderío con el que las novias se acercan al altar.

Cojo el arco, disparo la flecha y al centro de la reseña, esto es: “Argo” es una excelente película. Tiene al aroma añejo de otras grandes cintas como “Los tres días del Cóndor”, “Cortina rasgada” o “39 escalones”. Y un envidiable sabor a cine bien hecho. Ahora vayamos por partes, como diría el ínclito Jack el… (ya saben). Ben Affleck, el director y actor principal, muestra un hieratismo que supera el ideal platónico del concepto; aunque este exceso, al contrario que todo exceso, no lo hace desentonar. Acompaña bien la melodía del conjunto. Los actores secundarios solo lo son por definición. Las brillantes actuaciones de Tate Donovan, Scott McNairy, Rory Cochrane, Brian Cranston, Chris Messina, Kyle Chandler, Taylor Schilling, Victor Garber, Alan Arkin y John Goodman, entre otros, conforman un conjunto coral que no tiene mucho que envidiar al que componían los legendarios hijos de Robert Aldrich, los “Doce del patíbulo”.

Los escenarios de la trama son diversos y con tales registros son tratados. Nos encontramos en un Irán sobrio y austero, incluso, o sobre todo, en las sonrisas. Un Hollywood eternamente triunfador y decadente. Un Washington D.C. típica y tópicamente norteamericano. Todo está colocado en su sitio. Ninguna parte desmerece al conjunto, como también ocurría con nuestra admirada Marilyn. Y una estética sabedora de que el Diablo está en los pequeños detalles. El atrezzo, los decorados, el vestuario hacen que el aire de familia, como diría Wittgenstein, que desprende la obra en su conjunto sea una ligera brisa que acicala con mesura la imagen. Nada en ella es impostado y espurio, excepto a lo que hago referencia en la posdata. Y ese aire de familia, al que antes aludía, es bien guiado por el padre, Ben Affleck. Su no nominación para mejor director en los Oscar es tan incomprensible como que Edward G. Robinson, Kirk Douglas o Errol Flynn no tengan ninguna estatuilla en su casa. Aunque de esto ya hablaremos otro día.

Pero lo mejor de la película es, sin duda, su ritmo. Me recuerda al del gran Indurain en la séptima etapa del Tour de 1995, cuando Johan Bruyneel solo aspiraba a que la espalda del ilustre navarro no se difuminara en la lejanía. En ningún momento decae. Siempre mantiene su poderosa cadencia. Una vez retirada la voz en off que señalábamos al principio, nos sumergimos en una espiral de emociones y tensión que solo desaparece cuando en la sala se encienden las luces blancas y comprendemos que la magnífica tarde asoma ya destellos de la rutinaria noche. Hay un momento de la trama en que me doy cuenta de que mi pierna se está moviendo al ritmo que marca la trepidante acción. Es el instante en el que comprendo que la película ya me ha ganado para la causa. Que es de las mías. Y es que, cuando la emoción va por delante de la razón, “argo” auténtico nos está ocurriendo.

Posdata: Quizá sí que haya que ponerle un pequeño pero a esta gran cinta: el final. Pero claro, no se lo puedo desvelar aquí. Solo les puedo decir que… el mayordomo es el asesino.

Pinche aquí para ver el vídeo

En las imágenes: Fotogramas de “Argo”, película distribuida por Warner Bros. Pictures International España © 2012 Warner Bros. Pictures, GK films y Smokehouse Pictures. Todos los derechos reservados.