La Mirada de Ulises

“En tierra hostil”: El alma y el cuerpo de un artificiero

Julio — Thu, 11 Mar 2010 18:30:54 +0000

[7/10] Ha salido de los Oscar® como gran triunfadora al ser considerada mejor película, y pasará a la historia por ser la primera vez en que una directora se llevaba también la preciada estatuilla. Entre medias, una polémica por su modo de pedir el voto a los académicos, y también por tergiversar la realidad de los artificieros en la guerra de Irak. No menor ha sido el morbo que arrastraba su duelo ex-conyugal con James Cameron en una edición en que rivalizaban en nominaciones, o la paradoja de tratarse la cinta que traía la peor taquilla jamás vista. Ambas hacían referencia al mundo militar y a la guerra entre culturas, pero sus enfoques y estéticas diferían hasta obligar a la Academia a tomar partido por el pacifismo de “Avatar” y la espiritualidad new age de los Na’vi, o por compadecerse de la ansiedad de esos especialistas en desactivar explosivos que se convierten en víctimas del mundo lleno de miedos. Pero ¿qué tiene “En tierra hostil” para haberse llevado seis de los principales galardones?

Fundamentalmente, Kathryn Bigelow se presenta como una directora capaz de imprimir un sello férreo y enérgico a la película, con las riendas del tiempo narrativo bien cogidas y una ambientación que transmite la tensión de sus personajes al espectador. Porque “En tierra hostil” es un film de atmósferas angustiosas e irrespirables: en primer lugar, un ambiente exterior con una cuidada fotografía y un exquisito trabajo de sonido, con una planificación moderna de cámara en mano que busca y consigue el realismo y la trepidación de soldados metidos en un nido de avispas, aunque algún zoom y barrido pueda pecar de gratuitos en medio del caos contemplado. En cualquier caso, el tratamiento del tiempo y de la imagen genera suspense y un clima de nerviosismo y tirantez, y eso hace avanzar una trama mínima que pronto busca el interior de un especialista valiente y audaz, aunque quizá haya que decir temerario.

Y ahí está el mayor mérito de la película: saber traspasar la línea de los acontecimientos bélicos, para desde ellos profundizar en un personaje que huye de algo –o de sí mismo, sin querer pararse a pensar– y que necesita descargar toda la adrenalina acumulada. ¿Es un modo de vida anodino o es la propia sociedad del bienestar la que le empuja a volver a la guerra, a necesitar sentir la vida que pasa por sus venas para ponerla de continuo sobre el precipicio? Bigelow se atreve, como digo, a retratar el alma del artificiero a partir de los hechos y no por sus palabras, que son las justas y necesarias, y consigue así recoger un ambiente interior. Para dar contrapeso al protagonista, deja claras las posturas de sus compañeros de comando –mucho más planas y sin desarrollo–, con grandes deseos de volver a casa pero con el miedo en el cuerpo ante la perspectiva de ser padre o ante el mismo conflicto.

El mérito de los personajes no está en los actores –aunque no desmerezcan Jeremy Renner ni el resto, tampoco destacan– sino en el guión y en la puesta en escena, equilibrada y verosímil, que transmite sensaciones y sabe explicar actitudes bélicas y personales. “En tierra hostil” sabe hablar de la guerra y de la paz porque se adentra en el corazón del hombre y le hace protagonista de la historia, razón por la que también deja algunas incógnitas vitales sin resolver para alejarse del artificio hollywoodiense. Quizá sobre metraje porque llega un momento en que la repetición de una misión no aporta nada respecto a la anterior, y algunas escenas como la carnicería hecha en el “niño bomba” rebasen el límite de lo que la imagen debe mostrar por su crudeza. Sorprende, de cualquier forma, que haya ganado en los Oscar® porque el perfil de “Avatar” era más afín a la Academia y tenía teóricamente más apoyos, aunque bien merecido se lo tiene –con permiso de “Up”– y por eso hay que felicitarla.

Calificación: 7/10

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En las imágenes: Fotogramas de “En tierra hostil (The hurt locker)” – Copyright © 2008 Voltage Pictures, First Light y Kingsgate Films Production. Distribuida en España por DeAPlaneta. Todos los derechos reservados.

“El corredor nocturno”: La mala conciencia

Julio — Wed, 10 Mar 2010 20:56:07 +0000

[4/10] En estos tiempos de crisis y de ausencia de convicciones morales, no está de más que el cine rompa una lanza a favor de la ética personal y laboral. Ese es el empeño de Gerardo Herrero al adaptar la novela de Hugo Burel, y ponerse tras la cámara para rodar “El corredor nocturno”. Pero no bastan las buenas intenciones, porque el intento hubiera requerido mayor claridad y equilibrio narrativo en el guión, una puesta en escena más verosímil y convincente, y una menor palabrería y pretenciosidad… porque al final este thriller psicológico deja frío al espectador, cuando no perdido en los rincones reales o mentales de su protagonista. Eduardo en un joven ejecutivo que ha ascendido en la multinacional de manera no muy ortodoxa, y que verá complicado su futuro con la aparición del enigmático Raimundo Conti, que asegura ser su más fiel amigo dispuesto a todo por ayudarle, y que se introduce incluso en su círculo familiar a pesar de la desconfianza y rechazo de Eduardo.

El director de “El principio de Arquímedes” nos ofrecen una película abstracta y psicológica, conceptual y misteriosa, en la que todo quiere cobrar sentido a medida que avanza la historia de Eduardo. Sin embargo es fácil que uno se quede por el camino, y no porque la trama sea difícil de entender sino porque no engancha ni avanza con ritmo regular, porque el guión no está bien construido en sus giros o subtramas. Las sucesivas apariciones de Conti vienen siempre cargadas de un halo metafísico y hermético, con una palabrería vacua y referencias incomprensibles para Eduardo y para el espectador. Un suspense falso y mantenido a partir de la palabra a medio decir –lo mismo sucede con las alusiones del compañero a punto de jubilarse–, con flash back artificiosos y reacciones sorprendentes en un desconcertado y errático Eduardo. Demasiada conducción del misterio a través de la ocultación de pistas, y una puesta en escena fría e irreal que no convence hasta el final (entonces ya es demasiado tarde), donde lo mejor es la fotografía, y el gesto adusto y siniestro de Miguel Ángel Solá.

Con el avance de la historia, [spoiler] el espectador se percata de que Gerardo Herrero quiere transmitirnos la mala conciencia de un marido infiel, de un amigo desleal, de alguien que vendió su alma al diablo para ascender en la empresa y solventar su delicada situación económica. Una losa que le acompaña y persigue de continuo y que amenaza con arrastrarle como un perro, con arruinar su vida familiar o con precipitarle por la ventana o disparándose un tiro. Pero esa lección moral no llega al espectador porque se ofrece de manera críptica y confusa, porque no provoca ninguna emoción dramática ni reflexión más allá del mensaje largamente ocultado, porque narrativamente no funciona la historia personal. Tanto Leonardo Sbaraglia como Miguel Ángel Solá interpretan son solvencia su papel de individuo desconcertado o de conciencia vestida de negro respectivamente, pero sus personajes no invitan al espectador a sintonizar con ellos porque están mal dibujados en el guión, y cuesta entender que todo se dé en la cabeza del primero o que el segundo solo sirva sólo de vehículo moral.

Por otro lado, toda la subtrama empresarial con el director americano resulta impostada y sin vida auténtica, destinada más bien a castigar al capitalismo salvaje que regula plantillas sin ética ni humanidad, lo mismo que las del policía solitario o la de la viuda trastornada, que distraen y rompen el ritmo más que ayudar en la narrativa del film. Bienintencionada pero fallida película hispano-argentina, que nos trae a la pantalla monstruos empresariales y fantasmas interiores en una huida permanente hacia adelante, la de quien corre sin parar en la oscuridad de la noche sin saber que se precipita hacia la soledad y la ruina moral, cayendo en la amnesia de quien no desea llegar a la verdad ni permitir que su conciencia le ponga reparos en su fulgurante carrera.

Calificación: 4/10

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En las imágenes: Fotogramas de “El corredor nocturno” – Copyright © 2010 Castafiore Films, Tornasol Films, Realizaciones Audiovisuales A.I.E., Zona Audiovisual y Haddock Films. Distribuida en España por Alta Classics. Todos los derechos reservados.

Prejuicios laicistas en “El Hombre Lobo”

Julio — Mon, 08 Mar 2010 19:44:03 +0000

Hace días hemos podido ver en el cine la última versión de “El Hombre Lobo”. Ahora leo una crítica sobre la película, en la que se señala cómo Joe Johnston pretende hacer una puesta al día del clásico de Curt Siodmak, y para ello le da color y se esmera en los efectos especiales, acelera el ritmo narrativo y recarga la puesta en escena buscando la espectacularidad. Señala que el director se pierde en las posibilidades que le ofrece la tecnología y que se olvida de dar profundidad al mito, para apuntar también que el “hombre lobo” que interpreta Benicio del Toro carece del instinto de bestialidad que subyace en el individuo y que puede estallar en cualquier momento. Ciertamente, todo lo anterior constituye alguna de las sombras a las que nos referíamos en la crítica aquí mismo publicada, pues es verdad que falta hondura psicológica en el dibujo de los personajes, y que la historia se reduce a pura anécdota terrorífica –y efectista– en las noches de luna llena.

Sin embargo, a continuación dicho crítico da un salto al vacío y se desmarca con una serie de interpretaciones laicistas sobre la figura del “hombre lobo”, para trasladarle su propia visión del hombre y de la sociedad –anacronismo incluido–, pero que tienen poco que ver con el personaje original. Argumenta que ese “hombre lobo” es también un icono de la resurrección de todo lo atávico y del mundo de la superstición, que generación tras generación vuelve a brotar inesperadamente… cuando se creía ya superado. Se sorprende y lamenta el autor del artículo cuando afirma que Johnston desaprovecha la ocasión para hablar de un siglo XXI que da marcha atrás en la construcción de “un mundo emancipado de lo sagrado, (donde) la bestia resurge espectacularmente para recordarnos de forma violenta y cruel la debilidad de las bases con las que hemos construido nuestra sociedad laica”. Con tal presupuesto y prejuicio laicista –que no es lo mismo que laico, ni lo opuesto a confesional– que quiere desterrar el misterio para quedarse con lo inmediato y material, se postula una interpretación posmoderna de la bestia como metáfora de un aliento poco científico que incordia, y que hay que confinar a la esfera de lo privado.

El británico Johnston podía y debía profundizar en el trasfondo de la figura del hombre lobo, pero pienso que en otra dirección: al menos, mi lectura de esa bestia que resurge una y otra vez es diversa a la descrita, apoyándome también en la condición humana y a partir igualmente de su valor metafórico. Lo que evidencia es ciertamente “la crisis de las convicciones del mundo moderno” (como el mismo crítico dice), pero precisamente porque en el hombre se da esa constante tensión y lucha interior entre los instintos más salvajes y lo que le hace racional y espiritual, porque lo humano y lo misterioso nunca puede ser reducido a lo físico-químico, enterrado en el confort y bienestar, agostado en simples razonamientos lógicos, encerrado en rígidas fórmulas científicas… planteamientos de nuestros días muy empobrecedores. Antes o después, el hombre necesita la libertad e incertidumbre del misterio, el amor y la luz de la luna, y eso aunque el pensamiento laicista se empeñe en laminarlo de nuestra sociedad con ideologías que nos hacen “más lobos” y “menos hombres”.

En las imágenes: Fotogramas de “El Hombre Lobo” – Copyright © 2009 Universal Pictures y Stuber Productions. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

“Corazón rebelde”: La canción de la vida

Julio — Fri, 05 Mar 2010 20:59:34 +0000

[6/10] Sería una película más de las muchas que se hacen sobre la caída del artista por los excesos y de su redención por el amor. Sin embargo, “Corazón rebelde” puede pasar a la historia del cine por el trabajo de Jeff Bridges, que se llevó el Globo de Oro y tiene muchas papeletas para hacer lo propio con el Oscar®. Suya es una interpretación llena de fuerza y sentimiento pero con contención, con todo el peso de un pasado desgarrador y de un presente en que avanza dando tumbos. Su rostro refleja el alma rota de Bad Blake, cantante country venido a menos que ahoga sus penas y su soledad en el alcohol, y mujeriego cuatri-divorciado que abandonó a su único hijo cuando era niño. Su vida vaga sin rumbo por las carreteras de la América profunda y ha dejado de escribir música, hasta que conoce a Jean, una joven periodista que vive para su pequeño hijo.

No hay originalidad en la historia y tampoco su guión es de los que atrape al espectador y arranque emociones profundas. Scott Cooper construye una trama al modo clásico, pero desaprovecha el giro dramático que le ofrecía el encuentro de Bad y Tommy en el concierto, cuando había amenazado con una descarga de rayos y truenos por celos o deslealtades del pasado, y Colin Farrell pasa sin pena ni gloria. La historia de amor del crepuscular Bad con la resentida Jean encuentra sentido en la soledad de ambos, y también en su búsqueda de un amor que les llene y proteja, pero no funciona bien desde el lado de ella: no acaba de convencer que se sienta seducida ni los riesgos que asume al iniciar la relación, ni tampoco la súbita reacción posterior (aunque se entienda la jerarquía de sus amores), y no por la interpretación de Maggie Gyllenhaal –que pone todo el sentimiento y pasión de que es capaz–, sino por el dibujo de su personaje. Es una historia de amor maduro y redentor que, en cambio, sí resulta verosímil desde el alma de un alcohólico que no tiene a quién llamar… y que encuentra en ella la fuerza para luchar y la vida para volver a escribir, y en el niño la ocasión para volcar todo el cariño del que privó a su hijo, en una segunda oportunidad.

Una bajada a un infierno personal que el espectador no llega a sufrir, porque no hay realismo en ese viaje por el alcohol ni en esa cura de desintoxicación, porque el pasado personal y musical de Bad queda en off, porque la historia queda salpicada de preciosas baladas country hasta el conciertazo. Entonces, un final made in USA independiente sirve para hablarnos de una música que bebe de la vida y que da la vida, para invitarnos a mirar atrás con cierta nostalgia, pero también para saber seguir hacia adelante día a día. Una excelente banda sonora que nos ofrecen Stephen Bruton y T. Bone Burnett, y un gran Jeff Bridges que hace palidecer al resto del reparto –aunque Maggie Gyllenhaal mantienen el tipo–, pues Robert Duvall parece estar más a título de co-productor que por su papel de amigo fiel.

Melodrama musical en que la letra de las canciones y el ritmo narrativo dicen mucho de lo que pasa en ese corazón rebelde, que no saca todo el provecho posible de la rivalidad musical o generacional, ni tampoco carga las tintas en el drama del alcoholismo. En cambio, Scott Cooper acierta al recoger la vida en la música y la canción, a modo de exorcismo por los errores del pasado de su protagonista, y nos muestra a Bad tocando y componiendo cuando parece descubrir las cosas buenas de la vida que abandonó y se perdió. Una fuente de inspiración y reparación para este cowboy, que descubre que nunca es tarde para volver a empezar.

Calificación: 6/10

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En las imágenes: Fotogramas de “Corazón rebelde” – Copyright © 2009 Fox Searchlight Pictures, Informant Media y Butcher’s Run Films. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.

La industria de Oscar® y sus agraciados: unas estatuillas muy disputadas

Julio — Thu, 04 Mar 2010 21:50:16 +0000

Este año la estatuilla al Oscar® como mejor película parece no tener un dueño claro, aunque “Avatar” y “En tierra hostil (The hurt locker)” partan como favoritas. Y no solo porque se haya ampliado a diez la lista de nominaciones, sino también porque las Academias y gremios que preparan la alfombra roja han repartido de manera dispar sus premios. Por un lado, la de Cameron ha arrasado en taquilla, y por otra “En tierra hostil (The hurt locker)” lo ha hecho en los BAFTA –con permiso de “An education”–, además de tener el reconocimiento del premio de los guionistas junto con “Up in the air”. Además, “Malditos bastardos” tuvo su momento de gloria en Cannes y la prensa especializada alabó el buen trabajo de Tarantino, mientras que “Precious” triunfaba en Sundance, Toronto o en los Globo de Oro, amén de alabanzas entre los críticos. “Un tipo serio” y “Up in the air” son comedias y eso no juega a su favor, pero detrás está la firma de los Coen o de Reitman y eso tiene su peso. Y “Up”… simplemente maravillosa e histórica su presencia en una categoría fuera de la animación (con el único precedente de “La Bella y la Bestia”).

¿Quién ganará? Demasiados intereses ocultos para opinar con garantías y acertar. Personalmente, pienso que sería un error dárselo a una película de guión defectuoso como “Avatar” por muchos que sean sus otros logros, que “Precious” estremece por las buenas interpretaciones de sus dos protagonistas, que Tarantino, los Coen y Reitman nos dan tres buenas películas pero con demasiados excesos o tópicos –aunque sean intencionados y manifiestos por el género elegido–, que “An education” es fresca y auténtica y que tiene a favor su falta de pretenciosidad, que “District 9” está un peldaño por debajo y se pierde en su segunda mitad, y que “En tierra hostil (The hurt locker)” está sobrevalorada aunque el ambiente de tensión y el dibujo interior de su protagonista convenzan. Todas ellas tienen elementos para alabar y en las que apoyarse para que salgan premiadas, pero ninguna me ha llegado a entusiasmar… salvo “Up”: esta nueva joya de Pixar no ganará probablemente, aunque recibirá toda clase de aplausos, pero ya sería hora de que el tío Óscar hiciera justicia en la tierra, y dejase de considerar la animación como un género menor o para niños.

Entre los nominados a mejor actor y actriz –sin haber podido ver “Corazón rebelde”–, me decanto por el dúo de “Precious”, Gabourey Sidibe y Mo’Nique –aunque personalmente me gustó más el trabajo de Carey Mulligan en “An education”, y no he visto a Sandra Bullock–, y por el papel que interpretan George Clooney en “Up in the air” o Christoph Watz en “Malditos bastardos”. Con todo, las mejores películas que concurren a estos Oscar® no hablan inglés, y tenemos que ir a buscarlas a Francia y Alemania: “Un profeta” (triunfadora en los premios César) y “La cinta blanca” parten de un buen y equilibrado guión, crean atmósferas coherentes con la historia y sus personajes son radiografiados en sus entretelas con energía, a la vez que son cintas que encierran tanta precisión narrativa… como dureza, pesimismo y un pobre sentido de la condición humana. Y en esto, como en sus logros técnico-artísticos, la cinta de Haneke se lleva la palma (se la llevo en Cannes, al menos). Por último, un recuerdo y una palabra de ánimo para Javier Recio y “La dama y la muerte”, con el deseo de que triunfe como mejor corto de animación.

En las imágenes: Fotograma de “An education” – © 2009 Sony PicturesClassics, BBC Films, Wildgaze Films, Finola Dwyer Productions y Endgame Entertainment. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.. De “La cinta blanca” – © 2009 X Filme Creative Pool, Wega Film, Les Films du Losange y Lucky Red. Distribuida en España por Golem. Todos los derechos reservados.

Febrero, un buen mes para ir al cine

Julio — Wed, 03 Mar 2010 22:20:34 +0000

En febrero, hemos visto buen cine sobre todo en las salas porque, como ya sucedió el mes pasado, los Oscar® han ido desembarcando de manera continuada, y porque el mercado del dvd apenas ha ofrecido títulos recientes de gran calidad. Llegaron a la cartelera algunas de las nominadas como mejor película, como es el caso de “En tierra hostil”, en torno a un grupo de artificieros estadounidenses en Irak, donde la descarga de adrenalina no la sufren solo los protagonistas sino también un espectador que llega a entender su tensión y sus conflictos interiores: personajes con calado psicológico, perfecta ambientación y un tono realista logrado gracias a una cuidada fotografía y planificación. Mucha fuerza tiene también “Precious”, intenso drama de una adolescente negra que necesita la palabra para expresar la angustia sufrida por un pasado de humillación y violencia familiar, con dos actrices en estado de gracia que ponen el corazón en un puño.

Más relaciones familiares y lucha por la supervivencia encontramos en “The road (La carretera)”, en un ambiente apocalíptico muy bien reflejado por la sombría fotografía de Javier Aguirresarobe y una interpretación heroica de Viggo Mortensen. De grata sorpresa hay que calificar “An education”, drama de maduración de una joven estudiante –gran interpretación de Carey Mulligan– que debe aprender en la calle lo que la escuela no le enseña sobre el amor y la vida. Pero ninguna película de las estrenadas tienen tanto tirón en la cartelera –ni acaba resultando tan segura a la hora de recomendar– como “Shutter Island”, otro drama psiquiátrico-carcelario donde realidad e imaginación se mezclan y confunden, y donde Leonardo DiCaprio vuelve a demostrar su gran capacidad para dar intensidad emocional a sus personajes; además, excelente fotografía para un guión milimétrico que obliga a mantener la atención sin esfuerzo, para releer una y otra vez la laberíntica trama de la historia.

En la española “Amores locos” hay más locura y tragedia familiar, pero el tono preciosista y romántico la llevan por otros terrenos menos apasionados, mientras que en “The lovely bones” asistimos a la historia de una maravillosa niña de catorce años interpretada por Saoirse Renan, que nos cuenta desde el más allá la vida que dejó tras su asesinato, junto aquella ilusión por un primer amor que ha trascendido la muerte. Otra hija asesinada en la juventud y otro padre que trata de encontrar al criminal son los protagonistas de “Al límite”, thriller policiaco de Mel Gibson con persecuciones y disparos, con sangre y lágrimas en un mundo corrupto y cobarde. También hemos podido ver otra de las nominadas a los Oscar® como mejor película en habla no inglesa, “Un profeta”, film francés muy premiado que se mete en la cárcel para mostrarnos las mafias que mueven los hilos y la lucha por la supervivencia, con un realismo visual salpicado de momentos surrealistas y una narrativa precisa y equilibrada.

Con buenas interpretaciones pero poca fuerza narrativa, hemos visto a Clint Eastwood dirigiendo a Morgan Freeman en un “Invictus” que homenajea a Nelson Mandela, o a Petra Martínez y Adriana Ozores en “Nacidas para sufrir” en lo que quiere ser una tragicomedia costumbrista de la España profunda. Tampoco merece mucho la pena detenerse en “El Hombre Lobo”, intento fallido y muy maquillado al revisar el clásico del terror. Los más pequeños han tenido, por otra parte, la oportunidad de ver “Tiana y el sapo”, al más puro estilo tradicional de Walt Disney aunque con su pincelada en color oscuro y en una línea de lo más políticamente correcto.

Con tanto cine en la cartelera, para nuestras recomendaciones en dvd nos quedamos exclusivamente con “Katyn”, a partir de los recuerdos personales de su director Andrzej Wajda sobre la matanza soviética en Polonia, con la perturbadora historia de terror psicológico que ofrece “La huérfana” a partir de una enigmática niña dada en adopción, con “¡El soplón!” y “Qué les pasa a los hombres” para pasar el rato, y con “G-Force: Licencia para espiar” para los niños. Y como el día 14 celebrábamos a San Valentín, nos animamos a apuntar “New York, I love you”, pues algunos de los episodios están conseguidos y gustarán al espectador.

En las imágenes: Fotogramas de “En tierra hostil (The hurt locker)” – © 2008. Distribuida en España por DeAPlaneta. Todos los derechos reservados. De “Shutter Island” – © 2009. Distribuida en España por Vértice Cine. Todos los derechos reservados. De “Un profeta” – © 2009. Distribuida en España por Alta Classics. Todos los derechos reservados. De “The road (La carretera)” – © 2009. Distribuida en España por Wide Pictures y Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

“An education”: La escuela de la vida

Julio — Tue, 02 Mar 2010 21:50:54 +0000

[7/10] Que hay cosas que los libros no pueden enseñar, es algo evidente. Y también que a veces la vida viene con sorpresas y lecciones que uno debe descubrir por sí mismo, e incluso que un tropiezo puede ser algo necesario… De esta manera, la escuela del aula y la de la vida se reclaman, y las heridas del alma siempre dejan ver las batallas sufridas, con sus derrotas y también con sus victorias. Si no, que se lo pregunten a Jenny, una colegiala inteligente y guapa, con enorme energía y ganas de vivir, que aspira a entrar en Oxford y también a ir a un día al París de la libertad y del amor. Todo ese mecanismo de crecimiento y maduración se pone en marcha en su vida el día en que se siente fascinada y seducida por las atenciones, halagos y promesas de David, un hombre treintañero que despierta en ella sueños de adolescente y que le abre horizontes de felicidad que hacen que su pasado le resulte entonces aburrido y raquítico.

En “An education”, la danesa Lone Scherfig construye un emotivo canto a la vida, a la vez que hace una crítica a un sistema educativo basado en una rígida disciplina sin alma ni sentimiento, alejada de la realidad de la calle. Porque para comprender esos aires de libertad y esa necesidad de amor que estallan en una niña que quiere sentirse mujer, es necesario echar un vistazo a su entorno familiar y escolar, y ver el miedo que atenaza a su padre o la estrechez de miras que se respira en el colegio. Asistir a la escena del cumpleaños de Jenny, presenciar al estudiante que quiere ligar con ella y que le regala ¡¡¡un diccionario de latín!!!… y después contemplar la sofisticada vida social y el mundo de adultos que le ofrece David, es toda una declaración de intenciones del guionista, que contrapone así –desde el estereotipo– el camino de las “letras para leer” y el de los viajes con “Channel”, para ofrecérselos a una inocente e indefensa Jenny.

Menos mal que en estos juegos de seducción y apariencias, la trama se enriquece con una fresca y vitalista interpretación de Carey Mulligan, nominada con todo merecimiento al Oscar® como mejor actriz. Su mirada franca e ingenua y sus gestos llenos de naturalidad hacen verosímil la ceguera de quien no percibe que “hay gato encerrado” en ese solícito David, algo que el espectador intuye desde el inicio y por lo que teme por el futuro sufrimiento de la chica. Es la escuela de la vida en la que Jenny tendrá que superar el examen de la madurez antes de volar a París, pero también la misma clase a la que su padre deberá asistir para dejar atrás el miedo con que el que ha vivido, y en la que lleva años matriculado un David ladrón de cuadros y de corazones. Al final, la calle se revela como la mejor escuela para aprender a liberarse del aburrimiento y de la inocencia, de la superficialidad y de las apariencias que alientan tanto un puritanismo hueco como una frivolidad irresponsable. Y, como en toda escuela, en la película unos aprueban y otro no, aunque aquí prime el sentimiento sobre otros valores y planteamientos vitales más profundos.

Si todos los personajes se mueven en el terreno de lo esquemático en torno a una Jenny confundida, en el tercio final tanto el padre de la chica como David adquieren cierta hondura dramática, y permiten a Alfred Molina y a Peter Sarsgaard hacer que sus personajes se salgan del molde para mostrar lo que su corazón esconde. Un buen guión de Nick Hornby –también nominado al Oscar®– y un metraje ajustado para un fragmento de vida en que se debate un idealismo y frescura juvenil contagiosos con la cruda realidad. La fotografía recoge la limpieza y autenticidad del Londres de Jenny,y se carga de filtros esteticistas cuando viaja a un París de ensueño –magnífica la escena con música de fondo–, o cuando asiste al canódromo y se adentra en un ambiente que no es el suyo. Es la autenticidad de una niña que tenía que ir a la escuela y que quería tocar el violonchelo, pero que aprendió a ser mujer yendo a París por segunda vez, sin necesidad de renunciar a “las letras de leer”.

Calificación: 7/10

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En las imágenes: Fotogramas de “An education” – Copyright © 2009 Sony Pictures Classics, BBC Films, Wildgaze Films, Finola Dwyer Productions y Endgame Entertainment. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.

“The lovely bones”: Desde el mirador de la muerte y del amor

Julio — Fri, 26 Feb 2010 21:05:30 +0000

[6/10] Mirar la vida que uno deja con la muerte es el propósito de Peter Jackson en “The lovely bones”, y para ello despliega toda su imaginación y aliento poético. Lo hace a través de la mirada de una niña de catorce años que al inicio nos cuenta que ha sido asesinada, sin poder vivir la vida que tenía por delante y sin acudir a la primera cita con su amor adolescente. Es la mirada luminosa y tremendamente expresiva de una joven gran actriz que se llama Saoirse Ronan, que arranca los mejores momentos de una cinta que avanza entre el realismo de denuncia y la poesía de la imagen. Suyos son los instantes en que el espectador se siente transportado a un mundo de ensoñación y drama, desde la angustia del momento de su muerte y su aislamiento en la intemporalidad hasta el dolor al contemplar el devenir de su familia o la dicha experimentada desde su particular cielo.

No en vano, Jackson adapta aquí la novela de Alice Sebold “Desde mi cielo” y busca imprimir un tono poético y romántico que se impone en todo momento al thriller policiaco e incluso al drama familiar o de denuncia social. Arranca la película con la voz en off de Susie, para contarnos su corta vida y transmitirnos sensaciones de pena por el mundo del que fue arrancada por un psicópata asesino de menores. Esos momentos y la imposibilidad para comunicarse con el mundo de los vivientes al poco de morir son los más conseguidos, los que impactan en el ánimo del espectador al ver cómo se esfuerza inútilmente por no perder contacto con los suyos: un esmerado tratamiento visual y sonoro hacen que sintamos su presencia y su ausencia, su diluirse en el tiempo y espacio terrenales mientras se prepara para alcanzar el cielo. Porque antes de entrar en ese paraíso de color, tiene que superar la prueba del odio que brota en su corazón, permitir que cada cual continúe su vida en la tierra, aprender a mirar adelante y a liberarse de la muerte con el amor.

Si funciona esa faceta poética y surrealista a través de los ojos de Susie, y también su factura visual, no podemos decirlo mismo de la vertiente realista. Ni la denuncia de pederastia tiene la necesaria fuerza ni muchas reacciones del drama familiar resultan convincentes: no queda suficientemente justificada la huida de la madre, ni las intuiciones del padre o de la hermana, o de esa enigmática chica-poeta que viene a ser su reflejo y eslabón continuista (mala copia de la Verónica de Kieslowski); está claro que esas “conexiones” de vivos y muertos se alimentan del misterio del amor y que se mueven en un estadio espiritual –como toda la cinta, abierta a la trascendencia–, pero narrativamente no acaban de integrarse bien con la trama realista.

En un guión desequilibrado que se mueve en el difícil horizonte entre dos mundos, la trama parece ir en ocasiones a la deriva, con pistas falsas y personajes erráticos, y donde al padre que da vida Mark Wahlberg le falta un punto de fuerza y de naturalidad, Stanley Tucci no desarrolla suficientemente el lado simpático de su esquizofrénica personalidad como para hacer creíble su gancho con la chica –su reacción con el padre tampoco convence–, mientras que Susan Sarandon está de más tanto como su estrafalario personaje. Mejor interpretación es la de Rachel Weisz, aunque el guión le juega una mala pasada al obligarle a tomarse unas vacaciones, y sobre todo la mencionada Saoirse Renan, que aporta frescura, sentimiento, tensión y dolor hasta echarse sobre los hombros toda la historia y ensombrecer al resto del reparto.

El director de “El Señor de los Anillos” deja su huella de visionario –tienen mucha fuerza plástica esos barcos gigantes dentro de las botellas, o el derrumbe del mirador– y se da su festín de luz y color con una estilizada fotografía, introduce numerosos elementos metafóricos para hablar de la muerte y la vida, se aprovecha de la planificación y del sonido para generar momentos de suspense canónico –por ejemplo, con la incursión de la hermana en la casa–, y no se olvida de un final justiciero que viene exigido por el guión. Al final, ningún lugar mejor que el mirador de Susie, lugar de la cita con el amor, para contemplar las conexiones de la vida que dejamos, para quedarnos con el bello recuerdo de un instante capturado por una fotografía y por los ojos de una niña que creía en el amor, aunque tuviera que madurarlo para entrar en el cielo.

Calificación: 6/10

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En las imágenes: Fotogramas de “The lovely bones” – Copyright © 2009 DreamWorks Pictures, Film4 y Wingnut Films. Distribuida en España por Paramount Pictures Spain. Todos los derechos reservados.

El “lipbud”de fcom: La imagen veraz, libre y divertida de la gente joven

Julio — Wed, 24 Feb 2010 16:00:23 +0000

Uno de los colaboradores de “La Mirada de Ulises”, Pablo Castrillo, ha participado como guionista en un meritorio videoclip. Lo llaman lipdub –término para mí desconocido hasta ahora–, una especie de producción de pequeño formato que combina el lip synching (sincronización de labios) con el audio dubbing (grabación de sonido) para dar lugar a un vídeo musical. Aunque sea de manera excepcional por no tratarse de cine, me decido a editarlo aquí porque pienso que os gustará, y también porque me dará pie para hacer alguna que otra consideración sobre el lenguaje audiovisual. En cualquier caso, entusiasmo y ganas hay a raudales, y se ve que los 350 participantes han disfrutado de lo lindo en este curioso montaje.

Tendría ya que corregirme porque no hay montaje en esta creación audiovisual de algo más de seis minutos: se trata de un solo plano secuencia en que la cámara recorre pasillos, aulas y estudios de grabación de la Facultad… y donde tiene que sortear a sus alocados y alegres alumnos, y hasta a un caballo… Sin duda, planea la sombra del Alexander Sokurov de “El arca rusa” por el Ermitage o esa planificación tan característica del cine de Theo Angelopulos: con ese recurso de estilo todos buscan recoger la realidad sin el artificio que introduce el montaje, mostrar el espacio verdadero con una puesta en escena transparente, no jugar con el tiempo por la elipsis sino respetar su duración real. Por eso, este lipbud respira tanta veracidad como libertad en sus protagonistas, que bailan y se mueven a sus anchas. No hay duda de que detrás hay mucha puesta en escena, pero eso no resta unidad estética y frescura a este largo recorrido por el recinto: porque existe autenticidad, y lo ficticio y lo real se mezclan y confunden (aunque sus protagonistas no sean tan desinhibidos, está claro que gozan de ese desenfado), elementos propios del cine más vanguardista.

Otro rasgo que me llama la atención es la buena coreografía de masas y sincronización musical, aunque son muchos los rostros personales que serían identificables. Una buena y equilibrada combinación de un protagonismo colectivo con otro individual, y que nos lleva a hablar de la democratización de la imagen que el mundo digital ha introducido, y que va desde la grabación, a la interpretación o la exhibición: una simple cámara digital –aunque aquí se trate de una sofisticada steadicam–, unos figurantes sin complejos y con mucha vitalidad, un poco de organización y youtube como cauce… y tenemos un producto dignísimo, que refleja un modo de ser y de comportarse –incluso daría para más de un análisis sociológico–, donde todos son importantes y donde todos se lo pasan bien. Además, tratándose de una Facultad de Comunicación Audiovisual –en este caso de la Universidad de Navarra–, se convierten en unas buenas prácticas y en un buen modo de promocionarse por el mundo de la blogosfera. Enhorabuena.

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Para quienes os guste, os invito a entrar en Scenas -el blog de Pablo Castrillo-, y ver dos making-of sobre el proyecto: muy interesante.

En las imágenes: Fotogramas del lipbud de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Navarra – Copyright © 2010. Todos los derechos reservados.

“Percy Jackson y el ladrón del rayo”: Mitología para adolescentes, made in USA

Julio — Tue, 23 Feb 2010 13:25:40 +0000

[5/10] Después de las dos primeras entregas de Harry Potter, estaba claro que Chris Columbus era un buen contador de historias pero también que no estábamos ante un creador de ambientes y que apenas lograba imprimir fuerza a sus personajes. Nos lo demostró Alfonso Cuarón al recoger su testigo y transformar al aprendiz de mago, y ahora nos lo confirma esta versión adolescente y americanizada de las legendarias gestas griegas. Porque “Percy Jackson y el ladrón del rayo” nos presenta una mitología desinflada y superficial, historietas vacuas sobre rivalidades y celos de los dioses del Olimpo, dispuestos a seguir jugando a la guerra… mientras sus descendientes buscan la paz en las calles adornadas con luces de neón, se rinden ante el amor a primera vista o se entrenan en campamentos de boy scouts.

En realidad, esta cinta made in USA no es otra cosa que una lección floja y esquemática de esos trabajos de Perseo, que se hace mayor ante un enfurecido tío Zeus que quiere recuperar el rayo robado y ante su desconcertado padre Poseidón. Eso sí, aderezada con una dosis de romanticismo de maquillaje, un toque pacifista y otro feminista… en la línea de lo políticamente correcto. Es decir, que los dioses, héroes, sátiros, centauros, faunos y demás criaturas engendradas por la pasión y el amor… corretean por el mapa americano, cuando no bajan al inframundo del Hades o suben al Olimpo –situados curiosamente en Hollywood y en el Empire State de Nueva York–. Un panorama de hijos que no conocen a sus padres y que pertenecen a otro mundo, a otra generación, quizá reflejo de una realidad actual de familias rotas y generaciones on line desconectadas con su pasado.

¡Si los griegos clásicos levantaran la cabeza! Sin embargo, no se trata de una clase de cultura clásica sino de una película de cine para el puro entretenimiento de un público juvenil, que no quiere erudición especial sino efectos especiales, un poco de aventura y otro de amor glamouroso. Algo hay de todo eso, y la película se ve sin mirar el reloj, recordando esos mitos que tantos pintores han recogido en sus lienzos: el minotauro y la gorgona Medusa, Caronte y los can-cerberos, la Hidra y la grandiosa estatua de Atenea, Perséfone encarcelada en el Hades…, un repaso de las hazañas, debilidades, venganzas y castigos divinos. Es una pena que todo se quede en una mera ilustración mitológica con personajes sin fuerza, que se desvanecen por un efecto digital para convertirse en piedra, fuego o agua.

El espectador no debe esperar, por tanto, una profundización psicológica ni una evolución de los personajes, ni tampoco interpretaciones matizadas ni sentimientos profundos. La propia aparición de Zeus y Poseidón en formato gigante, el descubrimiento de Percy de su filiación divina, o las miradas que él y Annabeth se cruzan al conocerse… son momentos patéticos narrativamente. Poco después, el guionista decide llevarnos al campamento y organizar una gymkana para buscar perlas verdes con las que bajar y regresar del Hades… y entonces se consiguen algunas buenas escenas –aunque el guión no mejora– y sobre todo deslumbrantes efectos especiales. El encuentro con Medusa –ver los preciosos ojos de Uma Thurman con el pelo ensortijado de serpientes le deja a uno de piedra– o la misma visita al inframundo están bastante conseguidos, como la visita al Casino Royal con esas flores de loto que saturan los sentidos –una crítica manifiesta al consumismo y hedonismo, bien insertada en la historia mitológica–, o el momento decisivo de las explosiones de agua.

Primer capítulo de una saga juvenil –son cinco las novelas de éxito escritas por el estadounidense Rick Riordan–, sin mayores pretensiones que hacer taquilla y el entretenimiento, de guión irregular y saturado efectismo visual, sin la fuerza dramática que los dioses y héroes requieren, sin la emoción y el sentimiento que los humanos necesitan. Entre dos aguas y queriendo contentar a todos en un intento para que no estalle la guerra en el Olimpo, el rayo se quedará en fuego de artificio ahogado por el agua de Percy Jackson… alguien que en otra época se llamó Perseo y que ahora es un chaval made in USA.

Calificación: 5/10

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En las imágenes: Fotogramas de “Percy Jackson y el ladrón del rayo” – Copyright © 2009 1492 Pictures, Fox 2000 Pictures y Sunswept Entertainment. Distribuida en España por Hispano Foxfilm. Todos los derechos reservados.