La mirada indiscreta

Los avatares de ser nominado

2011-02-23T11:37:00.000-08:00

Lo inesperado ha sucedido este año: llegaremos a la entrega de los premios Oscar con las diez películas nominas para el mayor galardón estrenadas aquí en Buenos Aires. Calidad artística y gustos aparte, debemos aceptar que esto no sucede a menudo. En años anteriores la especulación por la cantidad de público que podía deparar la entrega de la estatuilla fue feroz. Películas como Temple de acero, El discurso del rey, 127 horas y El cisne negro han elegido este año arraigar su campaña de prensa en la cantidad de nominaciones, dejando de lado la costumbre de estrenar pasada la ceremonia para promocionar el film por la cantidad de estatuillas ganadas.
Podemos suponer que la experiencia del año anterior ha sido una cachetada para más de uno. Contra todo pronóstico y casi como una carcajada a las probabilidades la película con más nominaciones, Avatar, perdió en una enorme cantidad de categorías. Si bien, en este caso particular ya había sido estrenada mundialmente podemos convenir que, de necesitarlo como slogan, era mucho más atractiva la cantidad de nominaciones que la cantidad de galardones.
Por otra parte, hay que ser justos y comprender que no es bueno dejarse llevar por la fiebre de la alfombra roja. Es cierto que la lista de nominados suele funcionar como un trampolín a la hora de asistir a las salas. Pero no por ello hay que perder el eje ¿cuántas veces sucede que ponemos tantas expectativas en una película que no podemos soportar que no las cumpla? Y aún algo más importante ¿cuántas películas se estrenan alrededor de las nominadas y pasan casi desapercibidas?
Ni un extremo ni el otro, parece saludable que podamos acercarnos a las salas despojados del terrible peso de ver un film que ganó una decena premios de la Academia y podamos elegir si nos atrae o no libremente, pero no por eso hay que olvidar que mientras tanto la cartelera se sigue nutriendo de estrenos locales o no-nominados. Se puede celebrar la cantidad de posibilidades sin dejar de lado el hecho de que el amplio espectro de opciones cinematográficas, por suerte, desborda y va mucho más allá que las nominadas al Oscar.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Más allá de la vida

2011-01-18T14:36:00.000-08:00

Clint Eastwood se anima al verano porteño por segundo año consecutivo. Durante los primeros meses del años 2010 pudimos ver en múltiples salas la nominada al Oscar Invictus, aquel film que repasaba la historia de Mandela y el equipo de rugby campeón de 1995 en Sudáfrica. Para el primer jueves del 2011 encontramos señalado como el estreno fuerte de la semana Más allá de la vida, su última realización.
Para seguir sumando puntos de contacto con su trabajo anterior nos encontramos con la reiteración del actor protagonista. Matt Damon, que fue el año pasado el capitán del equipo ganador es en esta oportunidad un joven psíquico por accidente que hace contacto con personas fallecidas a través de sus familiares y seres queridos.
Con esta temática como eje general el paisaje de personajes se completa, armando una tríada, con un niño cuyo mellizo muere en un accidente y debe ser separado de su problemática madre y una prestigiosa periodista que luego de ser víctima de un tsunami hace un vuelco en su carrera e imposibilitada de seguir con la conducción de su programa de televisión enfrenta a la industria editorial que antes la apañaba para investigar sobre la vida después de la muerte.
La película se encuentra con el primer prejuicio con el que lidian sus propios personajes: el escepticismo. El tema de la vida después de la muerte aunque siempre genera polémica y puede abrir interminables charlas, sufre de una absoluta falta de crédito. Hablar del más allá está asociado en general a algo poco serio. Ahora bien, de manera astuta Eastwood pone un personaje que sufre este escepticismo a pesar de ser una intelectual reconocida, una periodista seguida por mucho público que incluso ha llegado a ser la cara de productos con gran estilo. De esta manera pone automáticamente al público que prefiere descreer de las experiencias metafísicas del lado de “los malos” o por lo menos de los más irracionales, los que no se animan a pensar que sucede después. Este es el estilo sin fisuras de Clint, prolijo y sin lugares que hagan agua a pesar de abordar un terreno repleto de dudas. Si este hábil movimiento va a lograr convencer a los escépticos se verá con el tiempo, después de todo ninguna fórmula es infalible.
Si bien el personaje que aglutina las tres historias es el encarnado por Matt Damon lo cierto es que quienes sufren los cambios dramáticos que hacen avanzar la trama son los otros dos. La historia del niño es tremendamente dura, casi tentadora para caer en lugares comunes. Sabemos que al director le gusta tocar temas terribles y miserias humanas aunque con un tratamiento bastante especial. Aunque no duda en mostrar a un ser humano devastado, incluso siendo este un niño respetuoso y responsable, al menos lo hace evitando momentos de exhibicionismo bochornoso. Así, la historia de un pequeño, que protege a su madre adicta y pierde a su hermano y único compañero, se vuelve algo cruda que deja un nudo en la garganta al mejor estilo Clint quien cuida al menos de envolver las situaciones más extremas con un manto de respeto. Esto tal vez se ha convertido es su marca autoral en los últimos filmes.
Con todos estos elementos, y aunque muchos podrán decir que el estilo Gran Torino se ha perdido un poco, parece que estamos ante un combo explosivo ¿Probabilidades de Oscar? Se puede sospechar que, por habilidad o costumbre, la vamos a poder ver en la lista de nominados, habrá que esperar por lo menos un puñado de semanas más.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Dorian Gray

2011-01-11T11:51:00.000-08:00

El film del inglés Oliver Parker llega aquí en el 2011, habiéndose estrenado en su país de origen en el 2009. Durante todo este tiempo que pasó entre ambas fechas la película proliferó en la web en sus versiones de descargas directas y visionados online además de venderse en los múltiples puestos ubicados prácticamente en cada esquina de la ciudad.

Ya con este preámbulo, Dorian llega a la pantalla grande bastante visto por los internautas y por ende, con múltiples comentarios en blogs, foros y páginas varias. Esto, si bien puede sonar como algo a priori negativo, no tendría por qué serlo si el murmullo generado fuese alentador, ya que esas voces podrían entusiasmar a nuevos espectadores a dirigirse a las salas. Sin embargo, pareciera que es mucho el tiempo que ha pasado como para que se pueda aprovechar este efecto, habrá que esperar un par de semanas para ver cómo repercuten estos hechos en el estreno.

Otro dato de color que podemos encontrar es que el personaje de Dorian Gray está interpretado en esta oportunidad por Ben Barnes, el chico de rostro diáfano que hizo del Príncipe Caspian en la segunda entrega de Narnia y que también participó de la recientemente estrenada Narnia 3: La travesía del viajero del alba. Esto puede ser atractivo para los fans adolescentes que suelen ser incondicionales con sus admirados más allá de los títulos y las historias.

Sin embargo, aquellos que lleguen a las salas buscando metáfora y literatura puede que se encuentren sólo con una lectura un poco más llana o explícita de la historia. El galán de la trama es aprovechado al 100% con múltiples escenas de seducción y fiestas permanentes dejando un poco de lado su malestar espiritual y su vínculo con lo que el retrato representa. Como propuesta para el verano encaja plenamente: diversión, cuerpos sensuales, viajes, engaños y pecados varios, el combo a menudo infalible del entretenimiento.

Si bien sabemos y sostenemos que los filmes no tienen por qué seguir a los libros de forma ortodoxa e incluso avalamos que los utilicen como punto de partida o inspiración para luego despegar y crear una obra que es indefectiblemente propia (como el caso de Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton), en este caso, vale la pena aclarar que hay distancias profundas para no generar falsas expectativas. Así que, aquellos que quieran buscar la esencia reflexiva de Oscar Wilde y el debate posterior quizás deban volver al libro y asistir al cine buscando solamente el entretenimiento pochoclero.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Diciembre, un mes de pocos estrenos

2011-01-04T11:57:00.000-08:00

El diciembre del 2010 no fue lo más jugado del año. Repleto de bajas y jueves de estrenos casi nulos no será el más recordado de un año en el cual las boleterías se caracterizaron por romper récords y volver a tener enormes cantidades de personas en las salas.

Es relativamente entendible que con dos fines de semana casi tomados por las fiestas, las distribuidoras se guarden alguna promesa para más adelante pero esto hace que todos los que tenemos ganas de ir al cine nos vemos en el brete de elegir entre un pequeño puñado de estrenos de relevancia dudosa. De todas maneras y justamente porque los feriados de este mes cayeron en días sábado el panorama parecía mucho más ameno que los dos años anteriores en los que entre feriados y asuetos se habían armando dilatados fines de semana largos que mucha gente aprovechó para tomarse unas vacaciones mucho más jugosas.

Pero como parece que diciembre es una suerte de agujero negro en las salas del país se volvió a caracterizar por los grandes títulos anunciados, esperados y corridos a último momento entre los cuales nos encontramos con Somewhere, la última realización de Sofía Coppola presentada en Mar del Plata, y Conocerás al hombre de tus sueños, la esperada película de Woody Allen que llegaba después de haberse omitido el estreno de la anterior (Whatever Works con fecha recién para mediados de año), entre tantas otras. Todas ellas fueron reprogramadas, en el mejor de los casos, o directamente dejadas para algún momento indeterminado del 2011. Mientras tanto ya proliferan por Internet y se va perdiendo una buena porción de expectativa.

Por otra parte tuvimos dos semanas con dos estrenos cada uno. Primero, el jueves 23 en donde se pudo elegir entre El Ilusionista y Videocracy, ambas estrenadas previamente en festivales argentinos, y la semana posterior a ésta en la que llegó la nueva entrega de Narnia, un tanque 3D que se animó quizás por la disponibilidad de las salas, que astutamente se adelantó al martes para ganar esos días previos al festejo de año nuevo, y Los Bastardos, una coproducción mexicana, francesa y norteamericana que contó la historia sobre la dura vida de los jornaleros indocumentados.

Mientras sabemos que entre febrero y marzo vamos a tener que correr para estar al día con la nueva entrega de los premios Oscar vivimos en diciembre un extraño bache que podría haber sido perfectamente aprovechado al menos para las películas que fueron postergadas.

Al igual que en el teatro, comprendemos el deseo de asegurarse una buena cantidad de público pero no por eso hay que desmerecer a aquellos que se quedan en las ciudades y con calor prefieren encerrarse en alguna sala acondicionada y disfrutar de una buena película.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Teatro en el verano

2010-12-28T11:13:00.000-08:00

Llega el verano y con él se terminan las clases, los exámenes y la gran mayoría de las actividades regulares del año. Hay recreo de todo tipo, inclusive el laboral en sus variaciones de 10 días a un mes y medio (sí, hay gente más afortunada que otra). En principio, y solamente con esta porción de realidad, podríamos pensar que sería este el momento ideal para estrenar una obra de teatro.
Si los públicos –que son varios– están libres pueden asistir a las funciones de todos los circuitos y para todas las edades, podría pensar algún ser medianamente ingenuo. Sin embargo, sucede totalmente lo contrario, en verano la oferta teatral desciende terriblemente y no son tantas las posibilidades espectaculares para quienes se quedan haciendo un verano porteño.
En primer término podemos encontrar una razón parcial para explicar este fenómeno y es que son muchos los elencos que aprovechan las vacaciones para irse de gira. ¿Por qué? Para las compañías más sustentables a nivel económico, desde el popular y conocido teatro de revista hasta los grupos conocidos subvencionados por grandes marcas, viajar significa buscar nuevos públicos que, también de vacaciones, se prestan a abonar una abultada entrada aprovechando la visita a sus ciudades. Pero para los grupos más bien independientes hay otras ventajas o condicionantes para salir en el verano a recorrer nuevos escenarios y tienen que ver con la posibilidad de tomarse vacaciones de sus otros trabajos. La mayoría de los actores de teatro off o under sostiene labores más o menos ligadas al teatro como forma de generar un ingreso asegurado de dinero mientras realiza su recorrido artístico, por lo cual esta época del año es la más maleable para poder salir de gira sin interrumpir otras tareas.
Ahora bien, por esta razón o por cualquier otra se ha generado la costumbre de estrenar mucho menos en verano, incluso mucho menos que en las vacaciones de invierno que es cuando explotan sobre todo las propuestas para niños. Entonces hay como doble movimiento en el cual el público ya sabe que hay poco y los productores o directores, por su parte, tampoco se animan demasiado a estrenar.
¿Estamos completamente seguros de que no es para nada conveniente estrenar en estos meses acalorados? ¿Una sala con un lindo aire acondicionado no es una buena alternativa para estas noches calurosas? ¿Estamos dispuestos como público a apoyar a los valientes que se animen?
Es cierto que en diciembre la energía está puesta en los eventos sociales típicos de la época y que las fiestas, con Papá Noel a la cabeza, le hacen sombra a cualquier evento artístico, pero quizás no estaría mal estimularnos un poco a los espectadores e invitarnos a asistir a las salas y dejar así de corretear alienados por los pasillos de los shoppings en busca de regalos y más regalos.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

El ilusionista

2010-12-21T15:07:00.000-08:00

¿Quién puede resistirse a un adorable y melancólico personaje animado imaginado por Jacques Tati? Las imágenes que venimos viendo desde su presentación en Berlín hasta su estreno en Buenos Aires, previo paso por el Festival de Mar del Plata, son realmente atractivas. En principio, trailers, “fotos” y afiches no pueden dejar de hacernos acordar a Las trillizas de Bellville (2003), film con el cual Sylvain Chomet conquistó a una gran porción de público cinéfilo, con lo cual no dudamos en poner una linda cantidad de expectativas sobre la pantalla.
Un mago de éxito relativo y una jovencita que cree en su magia son los protagonistas de esta animación prácticamente sin diálogo. Todos hablan diferentes idiomas y ese es el pretexto ideal para comunicarse con gestos elocuentes, pocas veces realmente comprendidos. Ambos son seres que están solos pero de buen corazón y una buena ración de ingenuidad, como para resumir sus características generales, así que poco es lo que tardan en ganar nuestra complicidad y apoyo como espectadores. Durante una hora y media vamos a ver como este ilusionista hace malabares para que Alice sea feliz, ayudándola a convertirse con mayor o menor éxito en una jovencita atractiva y segura de sí misma.
Acompañando a los protagonistas en un largo y permanente viaje un grupo de borrachines, una banda de rock afeminada, varios contratistas excedidos de peso, bailarinas, malabaristas, contorsionistas y un conejo, que lejos de ayudar se dedica a mordisquear a su dueño, aparecen para condimentar el mundo creado por Chomet.
De más está decir que esta animación está muy lejos de aquellas que caracterizan a Disney, Pixar y compañía y en principio se acerca más a las ya viejas pensadas y realizadas en 2D, aunque para los ojos atentos y amantes de los detalles se pueden encontrar varios momentos que sobresalen por su guiño moderno (como el momento en que se salpica la cámara con un par de gotas de agua).
La sensación al salir del cine no es la tremenda adrenalina y exaltación de las películas para adultos-niños que ya casi exclusivamente se ven con anteojos para la tercera dimensión sino algo más bien reflexivo que logra juntar un nudo en la garganta con una sonrisa en el rostro. Sí, suena extraño, pero ¿por qué no animarse?

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Machete

2010-12-13T07:05:00.000-08:00

Antes de entrar a la sala para ver Machete ya tenemos con nosotros varios datos que nos predisponen como espectador. El primero, y quizás uno de los más determinantes, es que el director es Robert Rodríguez, aquel amigo de Tarantino que realizó películas como Sin City. Con este mismo director dirigió, y aquí viene el segundo de los datos, el díptico Grindhouse (2007), donde tuvo a cargo el segmento Planet Terror y el falso trailer llamado Machete. Aquí en Argentina las partes del díptico no sólo se presentaron por separado sino que además entre una y otra pasó alrededor de un año. Aquellos que tuvieron el agrado de ver el programa completo accedieron al separador-falso trailer que sería el origen del reciente estreno.
Así que, en un principio, sabemos que este film tiene un comienzo de mentira que como le gustó tanto al público terminó por concretarse de verdad. Con estos antecedentes entramos al cine con un alto nivel de expectativas que se fueron generando en estos tres años que quedaron en el medio.
Por último, tenemos como dato la lista de actores. Si hay algo que los destaca tanto a Rodríguez como a Tarantino es, además de su estilo, la capacidad para elegir a los actores para sus personajes. En esta oportunidad tenemos a Danny Trejo, con una pinta de reo imposible de superar, y a una trinidad de mujeres que mezclan sensualidad, guerra y excesos: Jessica Alba, que ya trabajó con él en Sin City, Michelle Rodríguez, recordada por muchos como Ana Lucía de Lost y la polémica Lindsay Lohan, a la cual se atreve a vestir de monja (sí, de monja). Como si esto fuera poco, las apariciones de Steven Seagal y Don Johnson terminan de adornar la atractiva lista.
Con todo esto a cuestas entramos a la sala. Sin duda, es un objetivo que no se supera fácilmente. Pero, aunque parezca un imbatible, sabemos que éste es un film para los amantes del género-estilo. Una mezcla de superacción y cine bizarro, donde no se escatiman los tiros, la sangre espesa ocupa gran parte de la pantalla y lo trash se mezcla con la atracción de los cuerpos. No es de esas películas que enganchamos en el cable un domingo para ver en familia, ni es demasiado apta para aquellos que se impresionan fácilmente, si bien presenta un tipo de violencia que, aunque extrema, se encuentra estilizada.
En relación a esta violencia extrema es necesario aclarar ciertas cosas. Este director usa lo agresivo como forma, como estética, lo cual lo diferencia de otras tantas películas donde se encuentra, más solapado, en la trama general. Sin ir más lejos, tenemos el caso de El día del juicio final, recientemente estrenada en Argentina, donde el nivel de agresión intelectual y la corrupción como forma de acción resultan no sólo indignantes, sino increíblemente más violentas que Danny Trejo salpicando sangre para los cuatro costados.
En definitiva, las películas de Robert Rodríguez requieren un determinado ánimo y un determinado gusto pero lo cierto es que quieto, en la butaca, es imposible quedarse.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

La persuasión

2010-11-30T10:06:00.000-08:00

A una mujer se le ocurre que su marido fue secuestrado por terroristas, no tiene ninguna prueba pero lo afirma hasta creérselo. Comienza a salir en la tele y de pronto es candidata a presidente. Este es el puntapié inicial de La persuasión.
En esta oportunidad Luciano Cáceres lleva a las tablas una profunda reflexión acerca de todo aquello que generan los discursos de los medios de comunicación sobre la opinión pública. En un tono ácido de sátira y con mucho humor negro logra evitar las zonas trilladas sobre las que se han generado un sinfín de discusiones en estos últimos meses, ofreciendo una mirada aguda y reflexiva pero con momentos realmente hilarantes.
Sí, la obra es muy graciosa, de eso no hay dudas, siempre está el que puede indignarse y condenarse a la seriedad pero salvando estas excepciones podríamos decir que es una obra con risa garantizada. Ahora bien, no todas las risas son iguales y no todos los espectadores están tan dispuestos a recibir la risa ajena. Ya desde el comienzo de la obra se sentaba entre las filas del fondo una joven acompañada por un muchacho. Hasta aquí, nada raro. Pero en cierto momento comienzan a venir desde aquel lugar unas risas fuera de lo común. Femenina, grave, fuerte, seca y rotunda. Todo el público comenzó a mirarse de reojo, buscando complicidad en silencio. Los actores seguían con su performance de lo más bien. Luego de ocho o nueve irrupciones violentas de esta risa tremenda una señora ubicada en la primera fila, haciendo uso de la mayor de las impunidades, se da vuelta y le dice “¡epa! No te rías así”. Silencio absoluto en la platea, la obra seguía.
En ese momento el pensamiento general debe haber sido de sorpresa a juzgar por los rostros, sin embargo esa señora había logrado poner en palabras la intolerancia de un porcentaje alto de la platea. La frase generó gran polémica interna en más de uno. ¿Intolerancia u honestidad bruta?
Sin duda la risa es un elemento fundamental en el teatro ya sea como protagonistas en las comedias o como catarsis liberadora en los dramas. Ahora bien, ¿cuán tolerantes somos a la risa ajena? ¿Tenemos la capacidad de ser tolerantes con todas las formas de expresión? ¿Hay un rango correcto de risa?
Como condimento especial hay que agregar el hecho de que la obra está haciéndose en una sala pequeña del Cervantes, con lo cual desde la llegada al teatro el panorama es realmente bello. En definitiva, y más allá del este episodio particular la gente salió entre sonriente y reflexivo, uno de los combos más felices de la salida del teatro, con lo cual parece que el tema de la carcajada grave fue totalmente soportable.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Besos de cine

2010-10-22T11:48:00.000-07:00

¿Se acuerdan de Cinema Paradiso? En la película el niño protagonista recolectaba las partes que habían sido cortadas de los rollos de películas y las iba pegando. Al final había obtenido una cinta hermosa repleta de besos censurados, todas las imágenes que los espectadores no habían podido ver. En la actualidad, los besos en el cine proliferan libremente sin censura y no sólo en la pantalla sino también frente a ella. Por eso, si alguno de nosotros decidiera realizar la misma experiencia que tiempo atrás hiciera ese pequeño pícaro del film se encontraría con un material más abundante entre las butacas que en las películas mismas.
Es peculiar el papel fundamental que tiene las salas cinematográficas en nuestra pubertad y en el encuentro con nuestros pares. Todos tenemos recuerdos de nuestras primeras salidas “de grande” yendo a las grandes salas con compañeros de colegio o con alguna primera cita (casi ingenua). Es curioso que a pesar de ser un lugar social y colectivo opera como un lugar de mucha intimidad y de independencia. El primer gesto es salir sin nuestros padres pero en horarios en los que nos dejan salir y en lugares pactados como “seguros”: al cine sí y si es a tomar algo que sea en el mismo Complejo. Y así nos vamos configurando como seres autónomos y en principio el concepto de intimidad es que no te vean los adultos.
A pesar del paso de tiempo esa picardía de la sala oscura sigue formando parte de nuestros rituales aun cuando ya no tenemos que escapar de la mirada de nuestros padres. La primera cita en el cine sigue siendo un leit motiv de las parejas y hasta incluso le da un marco de seriedad a este vínculo.
Es natural que si dos personas que se gustan van al cine se pierdan algunos minutos de la película para concretar tal vez lo que será el primer beso para muchos. Por eso es que cada vez que vamos al cine basta mirar un poco alrededor para encontrarnos con esas disimuladas rascadas de orejas para terminar en el hombro más lejano de su acompañante. También encontramos a aquellos audaces que lejos de disimular se atreven a poner la mano en la rodilla ajena en un gesto canchero y como si fuese lo más natural del mundo. Por supuesto que no faltan las parejas que ya sin pudor y con un halo exhibicionista y ruidoso se besan desaforadamente acompañando la banda sonora de la película e incomodando a algún que otro espectador que se siente un poco invadido.
Es cierto, hay películas y películas: las películas de suspenso-terror propician el abrazo en busca de protección así como las comedias románticas ayudan a la gestión del acercamiento. Y en el otro extremo, los infantiles o aquellas películas de culto, generan una suerte de respeto por el espectador modelo. También hay otro condicionante y es la butaca dentro de la sala. La última fila está declarada propiedad privada de las parejas besuqueras, una especie de reservado dentro de la sala.
Quizá por tener esa combinación entre cultura y falta de luz es que resulte el combo explosivo. Está buenísimo que los besos no se censuren pero si querés ver la función en paz y sin el acompañamiento sonoro del amor no te sientes en la última fila y mucho menos un sábado durante la función de trasnoche.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Un paseo por Avenida Q

2010-10-10T09:55:00.000-07:00

Así como muchas veces se asegura que menos es más, en este caso podemos decir que desconocido pero auténtico puede ser mejor que conocido desenfrenado. El lugar en el que nos encontramos esta vez es el Paseo La Plaza, lugar de por sí bastante característico donde convergen figuras diversas como Favio Posca, el Puma Goity, Florencia Peña, Carla Peterson, los humoristas de Cómico 4 y, ahora también, muñecos para adultos. Un lugar que por sus entradas caras y no aptas para todo público tiene la obligación de garantizar siempre calidad. En este caso nos sentamos y nos preparamos para ver Avenida Q, éxito de Brodway adaptado para el público porteño, y nos encontramos con un panorama interesantísimo.
Primero, hay que aclararlo, aquello de “no es para niños” es real. Si por casualidad a alguien se le ocurre asistir con un hijo, sobrino, nieto o cualquier otra variante de pequeño terminará por lo menos con un ataque de nervios o vergüenza ante canciones con postulados tales como “sin porno no hay Internet” o una escena de sexo entre muñecos que es muy divertida pero para compañía adulta definitivamente.
Pero hete aquí la verdadera particularidad de la función a la que asistimos: un grupo de conocidos de algunos actores que se hicieron notar quizá más de lo necesario. Es totalmente normal que si hay amigos en el público se rían, aplaudan y participen más efusivamente que el resto de los espectadores. Ahora bien ¿en qué momento deja de ser lindo y se convierte en molesto? La respuesta en sencilla: cuando se mete en la escena de manera casi impuesta.
Los aplausos ante cualquier chiste que se contagian a toda la platea hacen que los actores tengan que sostener esos segundos recibiendo alegremente el aplauso pero además tienen que hacer un poco de tiempo para enganchar con la próxima línea. Al contrario de las obras como La vida es sueño que generan un silencio absoluto, en esta oportunidad estamos ante una obra humorística con lo cual hay ya una cierta predisposición a la participación más activa del público, lo hemos dicho tiempo atrás. Pero el exceso de confianza vino después, cuando en varias ocasiones se escucharon gritos de aliento directamente para los actores por su nombre mientras estos interpretaban un personaje. Sí, es rarísimo ver un muñeco con nombre de Monster y escuchar del fondo “bueeena Pepe” (sí, es un nombre genérico, nos reservamos los verdaderos nombres para no ser nosotras quienes desnudemos al actor). Estos gritos desenfrenados y poco reservados, al menos por un rato, expone al actor dejándolo sin su personaje.
La obra cuenta con una perfección técnica absoluta. Las voces, la coreografía y la escenografía son impecables; más allá del género debemos decir que la obra cumple con todo lo que se propone, provoca risas de las auténticas en cantidades y la gente sale contenta. Es para ir a disfrutar una noche de paseo por el centro de la ciudad y, quizá, si podemos ahorrarnos algunos desbordes e intentos de protagonismo, mejor.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

La (im)puntualidad del teatro

2010-10-01T14:28:00.000-07:00

¿Qué hacemos al salir del teatro? Ya hemos dicho en más de una oportunidad que lo ideal del post-teatral es un cafecito para conversar de la función. Pero no siempre logramos este ideal y, por el contrario, o vamos solos o vamos con alguien que tiene que salir disparado para otro evento en Buenos Aires. Incluso nosotros mismo podemos ser los que huyamos ni bien los actores se retiran del escenario en busca de un taxi en el mejor de los casos y que por favor no haya tránsito.

Es que lo cierto es que son muchos los planes y ofertas culturales que coexisten en la vida porteña en una misma noche y uno, para cumplir con todas las obligaciones, tiene que repartirse y... ¡correr! Y en este punto estaremos llenos de problemas y de impedimentos. Si esa noche tenemos que llegar a algún lugar a una hora exacta la maratón será extensa y cansadora.

Porque una de las cosas que trae el teatro consigo es la falta de exactitud con respecto a la duración de sus obras. Podemos pensar que, como efectivamente lo es, cada noche es única cuando se trata de este arte tan maravilloso que versa sobre el espíritu del actor y también de la respuesta del público. Así que, en este juego tan intenso entre escenario y platea, es posible que una obra dure más o menos de lo que se suponía. Incluso si un actor, que también es un ser humano, valga el comentario, se olvide un parlamento o, por el contrario, se sienta inspirado como nunca y alargue sus participaciones o, incluso, por alguna cuestión técnica, es fácil pensar que el tiempo se torne relativo. Y bueno, si bien tal vez no es la parte que más nos guste como espectadores, sobre todo para aquellos que organizan bien y son puntillosos con sus salidas, lo podremos soportar entendiendo que es una de las características propias del teatro.

Pero... ¿qué pasa cuando el problema es que la obra no es puntual? La otra situación la podíamos comprender pero la injusticia de llegar a hora a la sala y que nos hagan esperan veinte minutos o hasta media hora para que empiece la función nos parece una brutalidad. Y tratando de entender que tal vez se trate de una excepción, de una falla, de una irregularidad, está bien, alguien de la sala sale y se hace responsable de la situación desafortunada y comprenderemos. El tema, y esto es lo llamativo, es que no se trata de una rareza sino que muchos espectadores sufren esta impuntualidad organizativa como algo recurrente y sin explicación alguna.

Por eso, para que ninguna persona tenga que dejar plantada a otra, perder la reservar de algún restaurante, para que nadie llegue tarde o casi sobre el final de algún evento social al que tiene que concurrir proponemos algunas soluciones: por un lado, que los diarios y todos los medios que hacen críticas o comentarios de obras teatrales empiecen a poner dentro de su ficha técnica (como sí lo hacen cuando se trata de una película) la duración aproximada de la obra porque por más que se pueda estirar o acortar un poco todos estaremos de acuerdo en afirmar con seguridad que no es lo mismo una obra que dura aproximadamente 60 minutos que aquellas que duran casi tres horas. Por otro, que las salas traten de ser más puntuales (¡ojo! No se sientan ofendidos los que siempre empiezan las funciones a horario) y entender un poco al público. Y al público le pedimos que siga yendo puntual –o que empiece a hacerlo– porque no hay nada más molesto que los ruidos que hacen los que llegan cuando la función ya ha comenzado.

Adelante, pues, con estos consejos a aventurarnos a la cartelera porteña que es maravillosa.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Terror en las salas

2010-09-22T12:24:00.000-07:00

Lo que sucede con las películas de terror es bastante llamativo, son muchos los que gustan de ir al cine a ser asustados y hasta traumatizados de por vida ¿por qué? ¿Somos amantes de lo que nos destroza los nervios? ¿Hay alguna explicación para la existencia del horror en la pantalla?
Este género se ha ido reinventando para ser cada vez más escabroso, más perverso y más intenso y son muchas las formas en las que se va incorporando a la vida del espectador. Desde pequeños, fuimos sometidos, casi sin querer, a ver, al menos de refilón, alguna escena que quedó por siempre en nuestra retina y en las muchas noches en que el sueño nos abandona. Cuando entramos en la adolescencia, no hay nada más canchero en el mundo, y casi una condición para la pubertad, que juntarse a ver los peores y más tremendos films resistiendo hasta límites insospechados, demostrándole al mundo que ya somos adultos valientes. Más luego, en el regreso a casa, los padres y hermanos mayores, serán los que sufran la peor parte cuando en la mitad de la noche se escuchen nuestros gritos y el miedo a quedarnos solos se adueñe de la familia casi compulsivamente.
Así es como muchos jóvenes–adultos de hoy todavía sueñan con macabras pesadillas de Freddy, recordando el cantito perverso y las escenas más tremendas. Acompañando a este personaje histórico tenemos las películas Jason, la saga de Scream, las del estilo de Sé lo que hicieron el verano pasado, duendes, espectros, casonas fantasmagóricas y tremendas realizaciones que rozan lo patológico como Rec y El juego del miedo.
Estas cosquillas por aquello que asusta están en prácticamente todas las personas que acceden a este tipo de cine. Algunos esperan ansiosos el estreno de la nueva película de terror, otros aceptan el desafío con cautela y respeto y algunos lo sienten como un enfrentamiento. Pero lo cierto es que una buena película de terror llena las salas y da que hablar. Ah, y son pocos los que entran a las salas sin algo de comer en la mano por los nervios que, seguro, vivirán.
Hace unos días, en una amable charla éramos varios los que discutíamos el porqué del amor o el rechazo a este tipo de películas, en el medio de las defensas a este género alguien dijo que mirar películas de terror generaba la misma sensación que la de tirarse en una montaña rusa. No importa si es lindo o agradable sino que la búsqueda va más allá de lo estético, apunta a la mera sensación, al vértigo, a la adrenalina por lo que va a pasar. Sabemos que algún protagonista va a terminar descuartizado del mismo modo que sabemos que, después de subir lentamente, el carrito va a arrojarnos prácticamente al vacío y todo nuestro organismo terminará, en ambos casos, ultrajado pero movilizado y excitado.
Entonces ¿debemos pensar que los amantes del terror son un grupo de perversos repletos de problemas? No podemos descartarlo pero podemos comprenderlo. Si un espectador está buscando cachetada, susto y sensación de montaña rusa sabe que en este estilo lo tiene bastante asegurado. Puede que sea una manera de desafiarse pero, bueno, es bienvenido.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

El teatro al desnudo

2010-09-15T12:09:00.000-07:00

Los cuerpos desnudos proliferan por doquier en la era digital. La televisión, el cine y la web nos tienen acostumbrados a los pechos al viento, a las escenas de sexo y a alguna que otra pelvis masculina. Es cierto, esto ya no nos asombra, ya no existe ese pudor por aquello que en otros tiempos supo ser tabú. Después de Ojos bien cerrados, Átame, Como agua para chocolate y Carne trémula, por poner sólo algunos ejemplos, las escenas de Isabel Sarli han quedado prácticamente obsoletas. El ojo del espectador ha incorporado la piel desnuda en la pantalla sin ningún tipo de problema.
Ahora bien ¿cómo funciona esto en el teatro? ¿Estamos dispuestos a ver cuerpos desnudos sin un dispositivo que nos separe, nos proteja y hasta mejore a esas figuras? ¿Cuán cerca podemos tener las partes pudendas de otro ser humano y permanecer tranquilos en la butaca?
No son muchos los casos teatrales que se animan o apuestan al desnudo y nosotros tampoco estamos del todo acostumbrados a ello. Parece lógico teniendo en cuenta que en el teatro nos vemos involucrados de una manera mucho más física y además podemos ser descubiertos y señalados por el mismísimo actor que nos puede ver mientras lo miramos.
En el cine nos podemos permitir ser abiertamente mirones, impunes a cualquier tipo de objeción al voyeurismo. En el teatro, en cambio, estamos todo el tiempo expuestos en ese acto que se produce y se recibe al mismo tiempo. Somos responsables de nuestros ojos y podemos ser descubiertos espiando, así, asistir visualmente a un desnudo ya no es algo tan liviano como en el cine.
El impacto de lo que sucede aquí y ahora es único. Por eso, si vamos a ver La vida es sueño y nos encontramos con un Patricio Contreras que corre sin ningún tipo de ropa ni tapujos hacia nosotros, definitivamente nos sentiremos algo movilizados, entre cacheteados e invadidos y rogaremos que no atraviese la cuarta pared. Si este es el objetivo de una obra bienvenido sea y felicitaciones por la audacia pero debemos decir que es algo por demás impactante. Asimismo, cuando Javier Daulte decidió poner en su obra Automáticos una escena entre dos jóvenes que tenían su primer encuentro sexual, a pesar de estar despojado de un componente erótico intenso, el público quedaba impactado; en el silencio de la sala se empezaban a escuchar los chirridos incómodos de las butacas y todos los movimientos de una platea de espectadores que evidentemente se sentía al desnudo.
Quizá porque el teatro es un espejo mucho más cercano al espectador, quizá por su condición de aquí y ahora, quizá por el hecho de tener en vivo y tan cerca un cuerpo desnudo, lo cierto es que nos amedrenta mucho más, nos invoca, nos moviliza desde otro lugar, más íntimo. Sin duda, lo teatral tiene esta posibilidad y está muy bien que la aproveche, que busque por todos los medios llegar a nosotros atravesando la barrera entre espectador y público y que nos haga mover de nuestros asientos. Si el cuerpo despojado es una vía no nos quedará más que aferrarnos a la butaca y hacernos cargo de esa incomodidad.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Una mirada indiscreta sobre “El rebelde mundo de Mía”

2010-09-13T09:38:00.000-07:00

Dirección: Andrea Arnold. Título Original: Fish tank. Género: Drama. Origen: Países Bajos. Intérpretes: Katie Jarvis, Michael Fassbender, Kierston Wareing, Harry Treadaway. Duración: 123 minutos. Estreno en Argentina: 16 Septiembre 2010.

Lo primero que tenemos para decir de esta película, incluso antes de verla, es lo llamativo que resulta el cambio radical del título. Entre Fish Tank (tanque de peces) y El rebelde mundo de Mía parece haber un abismo ¿por qué semejante salto? Quizá porque el mundo de una joven con pinta de rea sea mucho más atractivo que la imagen de un tanque de peces, más allá de lo metafórico y poético que puede llegar a ser. Mía es la hija mayor de una madre soltera que la rechaza y maltrata permanentemente. Durante los primeros ocho minutos de película ya vimos a Mía pelearse con el padre de una “amiga”, romperle la nariz de un cabezazo a una chica de su edad, insultar violentamente a su madre y a su hermana menor quienes le devuelven la delicadeza con un tono similar, intentar liberar una yegua azotando la cadena con rocas y huir de un perro. Lo que se dice algo intenso. Esto es, a grandes rasgos, lo que veremos durante las siguientes dos horas a partir de la trama que desata la llegada de un nuevo novio de la madre a la casa de estas tres mujeres-niñas. No vamos a negarlo, la historia cae en algunos lugares comunes y se vuelve predecible todo aquello que tiene que ver con una familia extremadamente disfuncional, aun cuando los diálogos entre madre e hija impidan hasta la posibilidad de pensar en comer pochoclos. Lo cierto es que con este cambio de título la película cumple exactamente con lo que promete: el micromundo de una joven de 15 años repleta de violencia, maltrato, agresiones y rebeldía. Tal vez para presentar este cuadro, incluso conocido y trabajado antes, sea demasiado extensa.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Una mirada indiscreta sobre “Escoria”

2010-09-12T09:46:00.000-07:00

Intérpretes: Noemí Alan, Liliana Benard, Héctor Fernández Rubio, Osvaldo Guidi, Julieta Magaña, Paola Papini, Marikena Riera, Gogó Rojo, Cristina Tejedor. Producción: Juan Borraspardo. Dirección: José María Muscari. Teatro: Regina – TSU Av. Santa Fe 1235. Entradas: $50.
Llegamos al teatro y esperamos el ingreso junto a una enorme cantidad de señoras de tapado, tacones y varias capas de perfume; un público de lo más exótico para ser una obra de José María Muscari. Al ingresar somos invitados a formar parte de una fiesta de cumpleaños que incluye globos, caramelos, guirnaldas y la interpretación sorprendente de un éxito de Sergio Denis.
A medida que la fiesta se va ajando, marchitando, aquellos que otrora fueran estrellas de la televisión nos cuentan como un día dejaron de serlo y pasaron a formar parte de la escoria del medio, olvidados y rechazados. Una mala de telenovela, una ex vedette y varios actores con personajes imposibles de olvidar se suben al escenario a contar su historia individual y a la vez colectiva, todos sumergidos en el olvido ¿Olvidados por quién? ¿Sólo por los productores o también por todos aquellos espectadores que no se preguntaron qué habría sido de ellos?
La obra es un recorrido por la vida de ellos y también por la del público que los vio lanzarse a la fama y estrellarse contra la omisión sin la más mínima transición.
La sensación desde la butaca es rara, una mezcla de alegría, jolgorio y fiesta combinada con una tristeza profunda, algo de nostalgia y hasta un poco de culpa.
Sin duda estamos ante un Muscari que se aleja de sus obras anteriores en cuanto a lo formal pero que permanece cerca de las mismas en esencia. Ha encontrado aquí otra forma de ser directo y abofetear al público, en el sentido más feliz de la expresión. Nadie puede negar que al salir se necesita un rato largo para bajar a tierra y terminar de masticar-reflexionar todo aquello que deja la obra tras de sí.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Una mirada indiscreta sobre “El baile de la Victoria”

2010-09-09T13:26:00.000-07:00

Dirección: Fernando Trueba. País: España – Argentina - Chile. Año: 2009. Duración: 127 min. Género: Drama. Interpretación: Ricardo Darín, Abel Ayala, Miranda Bodenhöfer. Guión: Fernando Trueba, Jonás Trueba y Antonio Skármeta. Estreno en Argentina: 9 de septiembre de 2010.

Apenas nos dicen que está por estrenar una película que lleva a la pantalla grande a Ricardo Darín y que además hará de ladrón de bancos parece imposible no asociarla con Nueve reinas. Situación que inevitablemente genera un montón de expectativas en un público que ya de por sí es fan de Darín. Nos gusta ver a los actores argentinos que triunfan en el mundo ¿para qué negarlo? Es como un orgullo nacional que nos invade.
Quizá por esto cuando miramos el afiche salteamos visualmente a los otros dos personajes para focalizarnos en la cara de Darín, a pesar de ser aquella la pareja protagonista de la historia de amor de la película.
Los hilos de la trama los lleva el personaje de Ángel Santiago (Abel Ayala) quien queda en libertad después de la amnistía declarada por el nuevo gobierno democrático chileno. Había recibido un trato ultrajante en la cárcel y ahora su venganza es dar un gran golpe para el cual convoca al también recién liberado Nicolás Vergara (Ricardo Darín), que ya tenía fama de ser un maestro en el robo de bancos.
Aunque sea difícil es necesario despojar al film de los preconceptos y de las expectativas que se generan casi automáticamente porque no es del todo justo medir la nueva obra de Trueba con esa vara. La película propone su propio recorrido con imágenes bellísimas y un argumento que de a ratos se vuelve un poco borroso. Si vamos al cine, será necesario dejar a Nueve reinas y a El secreto de sus ojos afuera de la sala y disponernos a disfrutar de la propuesta dejándonos sorprender.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Cuando el cine juega al sube y baja

2010-09-08T12:07:00.000-07:00

Hay una costumbre que a menudo se da en la cartelera cinematográfica y es la de anunciar films que horas antes de ese mismo jueves de estrenos se dan de baja. Prácticamente todas las semanas la cartelera real termina de elaborarse poco antes de que termine el día anterior ¿por qué? ¿A quién beneficia y a quién perjudica? ¿Cuánto público se desilusiona con esto? ¿Es acaso imposible anunciar un estreno y llevarlo a cabo según ese plan establecido?
Este año vimos uno de los casos más extremos que se hayan visto dentro del sube y baja de la cartelera de estrenos: Hansel y Gretel. La versión japonesa y macabra del cuento de los niños–galleta se anunció por lo menos una docena de veces. Si lo que se pretendía era generar una cierta expectativa lo que se logró fue todo lo contrario, daba la sensación de que era una broma o alguna suerte de ritual exótico en el cual se prometía algo y un par de horas antes del estreno se negaba. Algo similar sucedió con la película La carretera, protagonizada por Viggo Mortensen, anunciada en verano y estrenada recién en invierno. Un film que ya estaba en venta en todos los puestos de piratería de la ciudad, anunciado un sinfín de veces, criticado en numerosos programas de radio y sin embargo el estreno no aparecía. Esta vez, también, lejos de crearse una expectativa, todo el tiempo estuvo latente la sospechaba de que el retraso se debía al temor por parte de la distribuidora de que la película fuese un fracaso. ¿Y quién quiere verla después de esa sospecha?
Estos vaivenes son difíciles para todos: para las distribuidoras que lejos de programar con armonía el estreno de sus películas están en ese tironeo ingrato entre el mercado y el arte. Para las salas mismas que tienen que disponer de sus espacios. Para los críticos, periodistas, diarios, revistas y todos los especialistas que tienen que escribir sobre los estrenos y hacer un espacio en sus publicaciones con cierta antelación o cubrir desesperadamente el vacío que se genera ante una caída. Y, por último, para todos los que estamos esperando una película que no llega.
Son muchas las variantes por las cuales una distribuidora puede preferir dejar para más adelante uno de sus productos. Sucede que a veces se plantea una cierta fecha y luego llegando a la misma aparecen un par de films titánicos, de esos que se sabe de antemano que van a hacer que explote la taquilla; si la película en cuestión es más pequeña probablemente no quiera verse devorada y lo más prudente sea aguardar algunas semanas.
En esta misma sintonía, ante las variaciones de último momento, puede pasar que una película que esperaba casi agazapada el momento justo pegue el salto y se suba a la cartelera de estrenos poco antes de que esta se termine de armar. En estos casos vamos al cine y nos encontramos con un título completamente ajeno para nosotros y que nunca vimos anunciado en ningún lado ya que las campañas de prensa no pudieron hacerse cargo de este salto vertiginoso. Este tipo de especulaciones se dan permanentemente. Si hay un festival, si hay vacaciones, si azota la ciudad una ola de frío, si se programa un fin de semana largo, son todas variantes que pueden modificar la salida al cine de los espectadores y ante la duda se suele priorizar la venta masiva de entradas que la expectativa de un sector del público.
Entendemos que el cine es una industria y que, como tal, responde a infinitos asuntos de mercado que incluso en ciertos momentos juegan con un margen imprevisible. Pero también es cierto y no menor que para que esta rueda comercial funcione es absolutamente necesaria la presencia de los espectadores en las salas y en las boleterías. Por ello, entendemos que puede haber modificaciones y seremos pacientes pero todo con el debido respeto.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Una mirada indiscreta sobre “Kalvkött, carne de ternera”

2010-09-06T17:19:00.000-07:00

Teatro del Nudo, Corrientes 1551. Autoría: Silvina Chague. Actores: Belén Brito, Susana Di Gerónimo, Alejo Mango, Nelson Rueda. Dirección: Corina Fiorillo

Ante todo, la recomendamos. Por su hermoso y trabajado texto, por sus actuaciones precisas y por su temática que de tan intensa desata lágrimas.
Pero aquí van algunos consejos para el público. La obra empieza puntual, de verdad, y el primer texto es importante, te adentra en la historia y el actor primero que sale a escena le anuncia a una platea imaginaria que lo que pasará a continuación será todo un relato, algo que ocurrió en el pasado. Así que los que llegan tarde molestan, y mucho, sobre todo porque a pesar de ver claramente que la obra ha comenzado no parecen amedrentarse y, en cambio, se acomodan bien, se desabrigan, comen caramelos y hasta charlan. Para impedir esos molestos murmullos iniciales, la recomendación es que a esta obra hay que llegar a la hora indicada. Igual es un detalle, porque poco pasa hasta que su atención es capturada por el escenario.
La historia, no contaremos demasiado no se preocupen, está situada en los fríos y sombríos años de nuestra última dictadura pero lejos de caer en clichés y simplismos elige contar el forzoso exilio de una mujercita que luego de la desaparición de su novio escapa a Estocolmo.
En la hora y media que dura la obra se contará con desgarro, con dolor y con mucho sentimiento lo que se extraña en la distancia, desde lo más pequeño como puede ser el vitel toné de una madre en una navidad hasta nuestro propio espacio, nuestro idioma, nuestras ideas que necesariamente tienen que quedar atrás. Por todo esto, la otra recomendación (muy importante) es llevar pañuelo. Es llorosa por definición y si bien al principio muchos nos contenemos, al pasar los 50 minutos estaremos escuchando y produciendo lloriqueos mocosos sin pudor. Atención: puede aparecer aquí el que no se contiene y larga el llanto con ruido sin ningún tipo de vergüenza.
Lejos de querer asustar con esto, creemos que esa emoción, ese sentimiento y ese amor sin “espacio” ni nacionalidad que trasmite esta puesta es digna de ser disfrutada. Pañuelo en mano y ¡adelante!

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Una mirada indiscreta sobre “Asesinos con estilo”

2010-09-05T20:27:00.000-07:00

Dirección: Robert Luketic. Guión: Bob deRosa, Ted Griffin. Título Original: Killers. País: Estados Unidos. Duración: 93 minutos. Distribuidora: Diamond Films. Reparto: Ashton Kutcher, Katherine Heigl, Tom Selleck, Catherine O´Hara. Estreno en Argentina: Jueves 9 de septiembre.

Sí señores, septiembre avanza abalanzándonos sobre la última temporada del año y aunque parezca mentira ya estamos prácticamente en la primavera. Y, ¿cómo íbamos a enfrentar este momento del año sin una cierta cantidad de comedias románticas que faciliten citas y salidas al cine?
Asesinos con estilo lleva a la pantalla grande a una dupla con ciertas garantías. Ashton Kutcher, galán de galanes que, como si no bastara con sus abdominales perfectos, ha logrado conquistar a Demi Moore ocupando la portada de innumerables revistas cholulas. Por otro lado tenemos a la Izzie de Grey´s Anatomy, Katherine Heigl, que con La cruda verdad pudo demostrar que este género le sienta bien.
Ella viaja despechada a Niza junto a sus padres y él es un asesino a sueldo “de los buenos” en busca de retirarse; se encuentran en el viejo continente y casi de inmediato se aman. Pero ¿no preferimos el sufrimiento hasta último momento? ¿No es acaso el ideal de comedia romántica el histeriqueo hasta el último segundo? Si nos dan algo tan feliz desde el principio ¿será posible que el final nos haga cosquillas?
La película nos deja en la butaca a medio camino, con ganas de entusiasmarnos mucho más. Eso sí, los tiroteos y las huidas nos mantienen alertas aunque dejamos un poco de lado la historia de amor. Cita, pochoclo, risas pero nada de acurrucamiento asegurado.

Jazmín.Carbonell&Sol.Santoro

Cuando la risa abre el telón

2010-08-31T20:35:00.000-07:00

Cuando nos acercamos a las salas teatrales en busca de un poco de humor es notable como los espectadores están tan bien predispuestos para recibirlo. Es cierto que en muchos casos no estamos completamente seguros de lo que veremos en el escenario. En cierta forma llegamos a las salas con riesgo a tener que soportar un compendio de malas palabras y de frases obvias, pero de lo que sí podemos estar seguros es de que las obras de humor son básicamente de humor y aquel que llega a ellas llega con un objetivo claro: divertirse. Por eso es común que cuando se apagan las luces y una voz anónima nos anticipa que está por comenzar la función y todos los demases, como apagar el celular o no sacar fotos, el público se acomoda bien en la butaca y prácticamente ya comienza a reír. Los actores salen a escena y con alguna morisqueta, alguna cara o incluso con algún vestuario particular logran inmediatamente que comiencen las cataratas de risas.
Pero no todos los espectadores somos iguales y recibimos de la misma manera lo que se nos ofrece. Algunos, lejos de poder darle rienda suelta a nuestros impulsos, contemplamos lo que sucede frente a nuestros ojos y reímos, sí, pero para adentro, manifestando sólo una sonrisa evidenciamos que en nuestro caso la procesión nos va un poco más por dentro que por fuera. Y esas risas que aparecen ya desde el principio nos ayudan a soltarnos y hasta tal vez logramos tener un arranque risueño.
Esas primeras carcajadas que se exponen sin pudor dejan espacio para la duda y uno se pregunta, ingenuo o por qué no paranoico, si son reales espectadores tan amables que ríen ante la primera mueca o son reidores contratados para que la función fluya desde los primeros segundos. Lo cierto es que no, el público es realmente desenvuelto y en esa búsqueda de distracción saca a flote sus mejores dotes y se convierte en parte fundamental de la función.
Y es que el público que busca humor tiene sus características particulares: aplaude cada vez que hay un apagón, interviene cuantas veces puede, se permite hablar un poco más que en otras obras, y se siente partícipe cada vez que los protagonistas lo convocan. Y así se da un juego entre platea y escenario más dinámico que en otros casos. Incluso en casos en donde los actores hacen preguntas a una platea imaginaria, la presente no lo duda y responde como si la estuviera convocando el que habla desde el escenario.
Igual, hemos sabido de técnicas magistrales para liberar la risa. Alguna bebida espirituosa siempre ayuda, acompaña e incluso logra que la sonrisa se convierta en carcajada. Muchas veces en los espectáculos de humor nos encontramos en la puerta con algún puesto donde un sponsor reparte vasitos de algo rico y siempre relajante. Es cierto, esto no hace que la obra sea graciosa pero ayuda.
En definitiva el gran salto de confianza que hace el cómico es depositar en el público el éxito más inmediato de la obra, así como el espectador confía en el artista aquella noche que va al teatro con deseos de divertirse. Un muy buen primer chiste hará que el segundo sea recibido con mayor placer y así sucesivamente. En el intercambio entre cómicos y reidores existe la complicidad y la confianza en que el otro estará allí, esperando ansioso ese gag que lo arranque de su rutina y lo sumerja en un otro universo. Ese es el gran efecto del humor. ¡Bienvenido!

Jazmín.Carbonell & Sol.Santoro

Cine polar

2010-08-24T17:37:00.000-07:00

Con una época primaveral aproximándose parece que el frío polar ya no volverá a ser un problema por lo menos de aquí al otoño que viene. Es cierto, los días son más largos y la temperatura amerita paseos y salidas. Además, si hay algo que parece explotar en la primavera es esa frase tan hecha y repetida: “el amor” y así entonces las citas se hacen presentes y dentro del top five de las mismas está nada más ni nada menos que la clásica cita de cine, mezcla ideal de diversión, entretenimiento, cultura, lugar oscuro e intimidad. Ahora bien, cuando el frío abandona la ciudad ¿podemos decir que se mete en el cine? ¿Por qué será que la gran mayoría de los complejos eligen someternos a un sospechoso clima invernal cuando afuera tenemos unos agradables 20 grados?
Ensayar una respuesta no es nada fácil. Lo primero que descartamos es la salud de la película. Podemos llegar a pensar que los rollos de celuloide son sensibles al calor y el verano puede llegar a afectar sus cualidades pero cualquier ser mortal puede darse cuenta que una cosa es conservarlos en un lugar fresco y otro es atravesar la barrera de los cero grados. Como lo que se conserva es una película y no alimentos congelados descartamos esta posibilidad casi de inmediato.
Luego aparece una segunda alternativa: los grandes complejos someterían a su público a bajas temperaturas para que consuman alimentos y bebidas varias. Pero la verdad es que el pochoclo no tiene temperatura ideal para su ingesta y los grandes clásicos del alimento dentro de la sala no son productos cálidos: gaseosas, caramelos, chicles, barras de cereal, jugo y golosinas de todo tipo. Por lo general el café o la pizza se deja para antes o después de la función. Y además, lejos de quedarse un rato más a consumir productos en el complejo no hay mayor deseo que el de salir rápidamente a la amable calle en esas circunstancias; otra opción descartada.
Una alternativa más amorosa es la del cine como generadora de amor. Podríamos pensar que a mayor frío mayor abrazo. Sin embargo algo sigue sin encajar. Por un lado, aquel que vaya sin un compañero no sólo se sentirá helado sino además profundamente solo y triste y, por el otro, aquellos que vayan en pareja al cine ya tienen de por sí una cuota de tendencia al acercamiento que no necesita ser acompañada por ningún condimento extra y mucho menos por un condimento tan incómodo e insalubre como el frío. Así, una vez más seguimos sin entender este extraño fenómeno polar.
Sin ánimos de ofender susceptibilidades ni mucho menos generar polémicas, podríamos pensar el tema desde una cuestión de género: queda claro que las que escribimos en este blog somos dos muchachas y el frío generalmente aqueja más a las mujeres que a los hombres quienes parecen disfrutar de las bajas temperaturas de los splits. Esta sería una de las únicas respuestas posibles, entonces, y es que los que deciden las temperaturas en las salas son hombres y nosotras quedamos expuestas a esa tiranía.
Por ahora no tenemos respuestas concretas. Si vamos a ir al cine confiando en el simple hecho de que sea primavera o verano tenemos que saber que contamos con esta variante climática. Mientras esperamos una solución o al menos alguna explicación no debemos olvidar llevar un saquito para poder disfrutar del espectáculo.

JC & SS

Silencio, hombres recitando (A raíz de La vida es sueño)

2010-08-17T20:27:00.000-07:00

Cuando llegamos al San Martín para ver alguna de las obras presentadas ahí, y sobre todo si ésta se representará en la gran sala Martín Coronado con sus 1049 butacas, encontramos todo tipo de público, situación que en la mayoría de los otros casos no sucede. Será porque sus precios son módicos en comparación con las demás, será porque es EL lugar por excelencia del teatro, será porque en sus producciones no sólo abunda la buena escenografía, los buenos vestuarios, las grandes puestas sino además porque siempre encontramos a actores de primera línea y conocidos por todos. Por los motivos que sean, incluso una sumatoria de los mismos, el gran público llena las muchas funciones semanales (en general de miércoles a domingo y ¡hasta dos veces por día!) con gran entusiasmo. Pero claro, al aglutinar mil espectadores por función el abanico de opciones se ensancha hasta más no poder: fanáticos del teatro de siempre, cholulos o cholulas que se acercan a ver a Joaquín Furriel casi desnudo, turistas que tienen claro que el San Martín está en aquella avenida tan conocida por todos, con el obelisco cerca y las mil pizzerías reconocidas a metros, parejas, amigos, familias enteras que por el precio pueden darse el lujo de asistir todos juntos... en fin, toda la paleta de colores posible. Por eso, y a pesar de que antes de la función esa voz tan conocida y anónima a la vez nos pide que apaguemos nuestros celulares, durante las funciones no paran de sonar todos los ringtones del mundo.
Sin embargo, no todo es así. El caso particular que nos llevó a pensar al público del San Martín se trata, en esta oportunidad, de la obra de Calderón de la Barca, La vida es sueño, en donde durante las dos horas completitas, toda la platea –y cuando decimos toda nos referimos ¡a mil personas en total silencio!– se queda quieta con el mayor de los respetos a ese texto tan dificultoso que conlleva con él no sólo la más extraordinaria tradición lingüística sino además la complejidad de que es en verso y que si un actor llega a perderse o llega a olvidar una sola palabra todo puede volverse caótico. Así que el público, a pesar de ser tan numeroso y tan disímil, se sumerge en ese viaje y no sólo lo contempla y lo transita sino que además lo sostiene con su mirada, con su atención, con su quietud entendiendo que hasta el vuelo de una mosca puede perturbar la completa concentración de los actores. Y esto que en principio podría pasar casi inadvertido nos da la pauta de la diferencia más absoluta que tiene el teatro con respecto al cine y es la falta de red, lo inmediato. Esto, claro, sucede en todas las obras teatrales pero cuando se trata de casos tan particulares como dos horas de recitación perfecta sin una sola fisura queda evidenciada su cualidad de espontáneo y también de efímero, y estas características que le son tan propias al teatro necesitan sí o sí de una platea atenta y solidaria. Al revés, en cine, esto no le hace mella a la película misma sino que sólo molesta, y no es menor claro, al compañero que tenemos al lado.
Siempre es grato ver cómo en ese silencio se comunica actor y espectador. El respeto es entre ambos y para ambos. El actor presenta un texto impecable, complejo y lleno de trabajo y la platea –la enorme platea– escucha atentamente permitiéndose recorrer a cada uno de los personajes, torso desnudo de Furriel incluido. En este caso, como en tantos otros, el compromiso del espectador está en el silencio atento. Para el sonido ya estará el momento de los aplausos.

JC & SS

Sin miedo a la taquilla

2010-08-10T20:17:00.000-07:00

El estreno de Pájaros volando nos puso a pensar en cómo el público, por un lado, está presente en la cabeza de los directores a la hora de preparar un nuevo filme, pero también en cómo hay ciertas personalidades que han logrado enseñarle a un público su estilo particular. Diego Capusotto, a manera de ejemplo local, es uno de esos que ha marcado su estilo y que está explotando ampliamente su marca personal ganando un público que ya le es absolutamente fiel.
Es que en el cine proliferan ejemplos de películas que se acomodan a las fórmulas del éxito ya establecidas y más que probadas por décadas y décadas. Así, cuando aparece un director que con sus ideas –y por qué no locuras– rompe los moldes es digno de mención y al menos de sorpresa porque la idea del “éxito asegurado” es tentadora para cualquiera.
¿Pero qué es lo que hace que una película haga explotar la taquilla? A grandes rasgos parece que podemos encontrar algunas fórmulas ideales que hacen que la gente se mueva de sus casas hacia la pantalla grande.
Algo que siempre asegura una buena cantidad de público es la comedia romántica que nos hace volver a apostar al amor. Pareja joven, repleta de desencuentros, que luego de una ruptura que parece para siempre se reencuentra un minuto antes de subirse a un avión que los separaría por interminables kilómetros. Incluso adentrándonos más en el género sabemos que hay ciertos actores y actrices que han quedado prendidos de este estilo convirtiéndose en íconos de la corrida al aeropuerto. Y esta imagen cinematográfica ha llegado a meterse en el inconsciente colectivo como muestra extrema del verdadero amor.
Otro clásico, quizá más adolescente, es el de la película de los sustos permanentes. El terror de persecución e imprevistos que se convierte en sagas, una más sangrienta que la otra, ha logrado llenar cantidades inconmensurables de butacas, ¿no es acaso algo típico que en la etapa de la pubertad se organicen valientes grupetes que se animan a los Freddys, los Jasons, las Scream, los Veranos pasados y los ultraviolentos juegos del miedo para mostrar su faceta cuasi heroica y que incluso les permita abrazar a la bella dama que tienen al lado? A pesar de saber que el trauma posterior durará varias semanas estos bravos jóvenes se endurecen como espectadores pasando la prueba del temor.
Por último, nos encontramos con otro gran imán de espectadores: la comedia procaz que aborda el despertar sexual y que siempre está condimentada con alguna pérdida de memoria, un desnudo en la vía pública, una anécdota escatológica y alguna noche de graduación. Estas películas apuntan más a un prolongado espectro juvenil, grupos de ya muchachotes que van al cine o alquilan el DVD para verlos en sus casas mientras comen pizza o arman alguna picada.
Los tres casos suelen ser una apuesta segura para diferentes franjas de público. Con resultados mejores y peores tienen un gancho que históricamente atrae grandes masas de espectadores: amor, terror y humor simple.
Entendemos, entonces, que las grandes fórmulas existen y se siguen reinventando dentro de los marcos esperables una y otra vez a través de los tiempos. Aquel romance imposible de Casablanca se repitió hasta el infinito y hoy sigue siendo disfrutado y buscado por un numeroso público. Sin embargo ¿no es mejor salir del cine alucinando porque algo nos rompió los esquemas? Aun con el riesgo de no poder llegar desde el comienzo a enormes cantidades de público ¿no es mucho más gratificante convertirse en un autor original? Felizmente el humor de Capusotto es tan sólo uno de los tantos ejemplos de aquellos que se animaron a hacer este riesgoso pero gratificante camino y uno como espectador no tiene más que agradecerlo.

JC & SS

Teatro de cita

2010-08-04T10:17:00.000-07:00

El teatro en Buenos Aires es múltiple, basto e inabarcable. Nos encontramos con obras de las más clásicas, experimentos, humor, tragedia, desgarros y un sin fin de posibilidades de todo tipo y en todo lugar. Ahora bien, el gran problema que aparece es cómo nos enteramos de ellas y cómo obtenemos información. Tal vez los más teatreros sepan ya a qué director quieren ir a ver o confíen plenamente en alguna sala teatral porteña pero el gran público lejos de tener tanta información se encuentra un poco perdido y con algunas referencias incluso inciertas. No existe en el teatro, como si en el caso del cine, un día de la semana en donde se estrenen las obras ni mucho menos un seguimiento en los diarios, revistas y programas radiales más importantes en donde quepan todos los estrenos y de esa forma obtener una clara información. ¿Cómo hacemos entonces para elegir qué ir a ver?
Entre todo esta gran marea de gente, un tanto confundida en la búsqueda de butacas, nos encontramos con un clásico: la pareja en sus primeras citas que decide como “salida” la experiencia teatral. Bien sabemos que el teatro denominado independiente tiende a ser un poco perturbador y a tocar temas sórdidos a veces, cuestionadores otras, buscando un cierto reto para el espectador y un tratamiento de la escena innovador. Lejos de saber exactamente cuál es cada caso, la pareja llega por distintos motivos a la sala dejándose llevar por brevísimas reseñas de un pequeño puñado de palabras, algún recorte argumental e incluso algún comentario al pasar de alguien que fue antes. Tal como hemos remarcado con el cine, no es lindo conocer a una persona en plena catarsis porque lo que se presenta en escena lo perfora hasta la médula o encontrarnos al lado nuestro con alguien impoluto a las más perversas o siniestras situaciones o, para ir más lejos aún, encontrándonos viendo algo a lo que todavía la confianza con el otro no nos permite llegar.
¿Qué vamos a ver entonces? Una opción muy liviana y sencilla es la que ofrece alguna parte de la avenida Corrientes a media noche con muchas propuestas de humor y de improvisación que podrían pensarse como livianas para gente que recién se conoce y además nos da el plus de su sin fin de bares para salir y comentar la obra o al menos conocerse un poco más. La otra es ir a ver la obra que está de moda y que tiene en ella a grandes estrellas de la televisión y del medio popular como es el caso del Paseo La Plaza, el Metropolitan o el Lola Membrives. En estos casos nos encontramos con historias complejas pero en general aptas para al gran público que con la excusa de Florencia Peña o el Puma Goity se adentran en los más oscuros rincones del ser humano casi sin darse cuenta y con risas a borbotones en el medio. No está mal.
De todas maneras, el teatro felizmente se trata un poco de esto, de sorprender, de meterse en la carne del espectador de las más variadas maneras, arrancarlo por diversas esquinas, tocándolo. Aquellos que se animan a la cita en el teatro son quizá los más aventureros, los que se atreven a poner el cuerpo a disposición con la posibilidad siempre presente de quedar un tanto desnudo ante el nuevo festejante. Es cierto, todo tiene un límite, quizá ir a ver una obra que trate justo sobre el compromiso y las formas de expresar el amor o, en otro extremo, un Fabio Posca que te explique las mil y una posiciones sexuales mientras te mira e incluso te interpela directamente preguntándote como la estás pasando con el individuo que tenés en la butaca de al lado, sea, para una primera cita, un poco fuerte pero sin duda sumergirse en la cartelera porteña siempre vale la pena, es cuestión de animarse.

JC & SS

Películas de viaje

2010-07-28T11:17:00.000-07:00

Las vacaciones de invierno son un momento ideal para escaparse unos días a algún lugar en la búsqueda de un recambio de aire, de un poco de tranquilidad y descanso. Muchos de nosotros elegimos para dirigirnos a nuestros destinos el micro como medio de transporte. Sus asientos son cómodos, nos dan una bandejita con cosas ricas y encima pasan una película pero… ¿Quién demonios es el que elige las películas que se pasan durante los viajes?
Es cierto, aquel que indique la película seleccionada tendrá que tener en cuenta una cantidad importante de variantes. Si prácticamente no habrá sonido debe ser una copia subtitulada, seguramente hay niños y entonces escenas de violencia o sexo desenfrenado no son una alternativa viable, mucha gente sufre con las películas de terror y entonces una película coreana macabra queda fuera de las posibilidades, tampoco las películas de culto con eternas escenas de bosques son atractivas para el gran público; así, las opciones se reducen.
Quizá justamente por todo esto les pareció rarísimo a todos los turistas que al prenderse la tele el título elegido para estas vacaciones de invierno haya sido La roca, conocidísima película por sus escenas de lucha sangrienta, persecuciones y locura norteamericana. Mientras se divisaban fácilmente por lo menos cuatro niños, uno sólo podía decirse, a manera de consuelo “bueno, quizá no sea tan grave”. Esta situación nos llevó a pensar en las más originales selecciones de títulos de viaje. El primer recuerdo que apareció fue El grito, cuya trama describe a una niña que se aparece después de muerta y con intensiones poco felices ante otros jovencitos. Mientras sólo quedaba la alternativa de taparse con una mantita intentando no mirar hacia la contundente noche que amenazaba detrás de las ventanas, un pequeño de unos siete años absorto, como imposibilitado de cerrar los ojos, observaba traumado la pantalla mientras su madre dormía profundamente. Ideal para un viaje nocturno ¿no?
Un poco más allá en el tiempo aparece el recuerdo de aquella vez que los pasajeros fuimos sometidos a Trucks, una película en la cual un grupete de camiones asesinos de juguete atropella gente hasta desangrarla. La imagen del tractor impactando en el rostro de un ser humano una y otra vez es realmente imborrable. ¿Qué mejor para un viaje a la costa que la historia de algunos vehículos que toman vida propia y matan a cuanta persona se acerca?
Por último recordamos una película más que se abre paso en este ranking algo perverso: Camino a Guantánamo. Exactamente, ante una decena de niños, escenas de tortura sistemática, violencia, asesinatos y muertes de varios tipos. Pero como si esto no fuera suficiente, un volumen elevado poco común, facilitaba a aquellos que sabían leer o simplemente miraban para otro lado la comprensión absoluta de los hechos. Empezar así unas vacaciones es sin duda aterrador.
No es que como viajeros solicitemos películas que den la espalda a la realidad o escapen a las sensaciones poco felices, pero habiendo tanta película romántica o comedia para toda la familia al mejor estilo Steve Martin, con un final enternecedor y una buena corrida al aeropuerto o al menos una familia que se agranda ¿por qué comenzar estas vacaciones de invierno con muertos que salen de sus tumbas, camiones asesinos o la cruda realidad de Guantánamo? Y además ¿cómo pretendemos que los chicos que allí viajan pasen de comprender que unos señores que viven al norte gustan de invadir y torturar a otros señores a planear armar castillitos en la arena?

JC & SS