La Musica che gira intorno...

"Weather Me" è il nuovo singolo della band newyorkese BODEGA

2026-10-29T11:02:22.697+01:00

I BODEGA sono senza dubbio una delle band più originali della scena newyorkese: nati a Brooklyn attorno a Ben Hozie (chitarra e voce) e Nikki Belfiglio (voce e percussioni), in questi anni sono stati accostati a icone del post-punk come Talking Heads, B-52s, Devo e Sonic Youth, grazie a dischi come Endless Scroll (2018), Broken Equipment (2022) e Our Brand Could Be Your Life (2024). Un’etichetta che a Hozie sta stretta: “I never thought of us as a post-punk band. I just thought of us as a conceptual rock band.”

La band è recentemente tornata con All Inside Aquarium, il quarto album, uscito lo scorso 9 ottobre per Chrysalis Records, e con “Weather Me”, il nuovo estratto che sarà disponibile in radio a partire dal 3 novembre.

Il brano racconta la vita in un caleidoscopio di informazioni, fatto di lamentele quotidiane e problemi reali. Quando non si sa cosa mettere al primo posto, spiega Belfiglio, bisogna “stand strong and weather the current.”.

Guarda il video

Con All Inside Aquarium i BODEGA si allontanano ancora di più dalle loro origini post-punk. Il disco è stato prodotto da Matt Peel (Yard Act, Eagulls) al The Nave di Leeds, uno studio ricavato in una chiesa sconsacrata, e mixato a Brighton con Theo Verney (English Teacher, Lime Garden).

L’obiettivo, racconta Hozie, era: “Let’s go back to melodic tunes, let’s be more of a proper rock band.”. Il suono guarda a “this late ’80s/early ’90s Stone Roses-meets-Jane’s Addiction thing, with more riffing and guitar solos”, con un’atmosfera da main stage del Lollapalooza ‘91, e punta a qualcosa di “larger, warmer, watery, and metaphysical, inspired by the optimistic alt rock of our half-remembered youth.”.

Cambia anche la scrittura: meno esplicitamente politica, più poetica e personale. Per Hozie il brano manifesto è “Literary World”, che racconta come oggi manchi non una coscienza politica, ma una coscienza letteraria, cioè un punto di vista empatico. Il disco include anche una reinvenzione radicale di “Slow Train” di Bob Dylan, la prima cosa registrata con Peel come prova delle sessioni: “We ended up loving the track, hence its inclusion on the LP.”. Per i BODEGA, crescere oltre la rabbia giovanile del punk significa abbracciare la maturità, la responsabilità personale, l’ambizione creativa e la voglia di reinventarsi: è di questo che parla All Inside Aquarium.

La copertina del disco è una fotografia di Bruno Jansen di un diorama in miniatura costruito da Nikki Belfiglio dentro un acquario, con riferimenti ai brani del disco: le montagne russe di “Astro Night Ride”, la tavola apparecchiata di “Pick up the Check” e la chiesa dello studio The Nave di Leeds.

I BODEGA sono in tour in 7 paesi tra Regno Unito ed Europa, con già due serate sold out a Manchester. A marzo arrivano anche in Italia per tre imperdibili date, a cura di DNA Concerti:

venerdì 12 MARZO 2027 – MILANO, Arci Bellezza

sabato 13 MARZO 2027 – BOLOGNA, Covo Club

domenica 14 MARZO 2027 – ROMA, Wishlist Club

All Inside Europe and UK tour, tutte le date:

Regno Unito, novembre 2026

19/11 Glasgow, Mono

20/11 North Shields, King Street Social Club

21/11 Manchester, The Abbey (sold out)

22/11 Manchester, The Abbey (sold out)

24/11 Bristol, Electric Bristol

25/11 Londra, The Garage

26/11 Leeds, Irish Centre

27/11 Birkenhead, Future Yard

Regno Unito, febbraio 2027

16/02 Nottingham, Rescue Rooms

17/02 Hull, The Welly

18/02 Edimburgo, The Caves

19/02 Birmingham, Hare & Hounds

21/02 Tunbridge Wells, Forum

22/02 Cambridge, Junction

23/02 Portsmouth, The Wedgewood Rooms

24/02 Brighton, Concorde 2

Europa, febbraio-marzo 2027

26/02 Bruxelles (Belgio), Botanique

27/02 Rotterdam (Paesi Bassi), Rotown

28/02 Amburgo (Germania), BETTY

01/03 Berlino (Germania), Machinenhaus

03/03 Groninga (Paesi Bassi), Vera

04/03 Maastricht (Paesi Bassi), Muziekgieterij

05/03 Tourcoing (Francia), Le Grand Mix

06/03 Lussemburgo, Rotondes

08/03 Parigi (Francia), La Maroquinerie

09/03 Nantes (Francia), Stereolux

10/03 Bordeaux (Francia), Rock School Barbey

12/03 Milano, Arci Bellezza

13/03 Bologna, Covo Club
14/03 Roma, Wishlist Club

“Korova Milk Bar” è il nuovo brano di Mescal Dom

2026-10-29T10:23:31.288+01:00

Dal 30 ottobre “Korova Milk Bar”, il nuovo brano di Mescal Dom, pubblicato e distribuito da The Firm, invade le piattaforme digitali, portando l'immaginario disturbante del celebre locale di Arancia Meccanica direttamente sull'asfalto e sui marciapiedi di Fiumicino.

A fare da apripista all'uscita del singolo, il 16 ottobre è andata online la partecipazione dell'artista a Smokin' Hot - qui il video disponibile su YouTube - format collaterale del celebre progetto Real Talk che ha visto passare diversi artisti e producer di successo (tra cui 18K, Cuta, Kres, Thyna e altri). La scrittura rivendica fieramente la sporcizia del dialetto romano e un'attitudine cruda che si scontra senza compromessi con le logiche di mercato e l'industria discografica. Il video materializza un posizionamento nudo e antagonista, dedicato espressamente a chi è recluso e ai veri pirati urbani. Un colpo sferrato a bruciapelo con violenza linguistica, che accende i riflettori sul progetto, esattamente a una settimana dal lancio ufficiale di Korova Milk Bar.

“Korova Milk Bar” poggia su un beat sperimentale curato da ShottaMomo e Delta. La produzione spinge su sonorità spiccatamente aggressive, strutturando un tappeto ritmico teso che si apre in un ritornello dalle chiare influenze clubbing, con un rimando diretto all'impronta musicale dei primi anni Duemila in stile 50 Cent. L'architettura sonora è pensata per far muovere la testa, mantenendo intatto un retrogusto acido e alienante.

Il testo è uno spaccato frontale della vita di strada a Fiumicino. Le strofe rievocano l'attitudine spietata dei "drughi" degli anni Settanta, aggiornandola alle dinamiche di sopravvivenza della metropoli odierna. Tra dipendenze, disincanto verso i falsi legami e un rifiuto categorico delle convenzioni borghesi ("Fotti ricchi e gli astemi / Vivi fuori gli schemi"), il brano dipinge una frenesia urbana dove si vive ad alta velocità per non soccombere alla pressione di un ambiente ostile.

Biografia

Mescal Dom, pseudonimo di Flavio Romani, è un rapper italiano originario di Fiumicino, una realtà divisa tra terra e mare che influenza profondamente la sua identità e la sua musica. Nato e cresciuto in una famiglia legata al lavoro dei campi e alla pesca, si avvicina al mondo dell'hip-hop a metà degli anni Duemila, muovendo i primi passi nella scena rap tra il 2006 e il 2011. Dopo questo periodo iniziale, alcune vicissitudini personali lo costringono a una lunga pausa lontano dai microfoni, interrompendo momentaneamente il suo percorso artistico.

Il ritorno ufficiale avviene nel 2019, anno in cui Mescal Dom si riaffaccia sulla scena musicale con una maturità rinnovata e l'esigenza di trasformare le proprie esperienze di vita in rime. Il suo stile si caratterizza per una scrittura cruda, visiva e fortemente cinematografica, ricca di citazioni e atmosfere d'ispirazione pulp. Nei suoi testi descrive la vita di strada e il proprio vissuto personale senza filtri, ma con una spiccata acutezza lirica. Tra i suoi progetti più significativi si distinguono brani fortemente legati al territorio come “00054” (dal codice postale di Fiumicino) e “Stemma del Faro”, oltre a importanti collaborazioni con esponenti della scena underground romana, come “Teste d'Ariete” insieme a Zep Dembo, “Bucìa” con Ugo Borghetti e il progetto Shotta Delivery Ep.01.

“Centrale [Sistema Nervoso]” è il nuovo album della cantautrice milanese Kukla

2026-10-29T09:59:38.987+01:00

Venerdì 30 ottobre esce “Centrale [Sistema Nervoso]” (Maninalto!), il nuovo album della cantautrice milanese Kukla, secondo e conclusivo capitolo del progetto discografico “SISTEMA NERVOSO”. Dalla stessa data sarà in rotazione radiofonica “Nuvole”, il singolo che accompagna la pubblicazione del disco.

Dopo “Periferico [Sistema Nervoso]”, Kukla torna con un lavoro che sposta lo sguardo dal mondo esterno alla dimensione più intima dell’esperienza umana. Se il primo capitolo dava voce alla tensione sociale, al caos urbano e alla rabbia politica attraverso sonorità nervose, tra elettronica, rock e punk, “Centrale” esplora ciò che accade quando le esperienze vissute diventano memoria, emozione e consapevolezza.

Al centro del nuovo album ci sono i sentimenti, le contraddizioni personali, le relazioni e il tempo necessario per comprendere ciò che si è attraversato. Un percorso musicale e narrativo che riprende la sensibilità espressiva di “Cose dell’Amore”, il primo disco dell’artista, sviluppandola in una scrittura più matura, capace di accogliere anche le ambivalenze e le domande che non trovano risposte immediate.

«Mi piace pensare che una canzone possa continuare a cambiare anche dopo essere stata scritta, perché cambia il modo in cui la ascoltiamo e il momento della vita in cui ci arriva. Ci sono cose che, quando le viviamo, ci sembrano chiarissime; altre invece si rivelano soltanto a distanza di tempo, quando abbiamo gli strumenti per guardarle diversamente. In questo disco ho cercato di lasciare spazio anche a ciò che resta sospeso, alle emozioni che non si lasciano mettere in ordine e che magari non arrivano a una conclusione. Non volevo spiegare tutto, ma trovare una forma per raccontare anche quello che facciamo fatica a capire di noi stessi», racconta Kukla.

“Centrale” e “Periferico” rappresentano due prospettive complementari di un’unica opera, concepita fin dall’inizio come un doppio progetto discografico. Da una parte la reazione immediata agli stimoli del mondo esterno, dall’altra la loro elaborazione interiore. Due linguaggi differenti che si incontrano per raccontare il rapporto continuo tra individuo e realtà.

A sottolineare l’identità unitaria del progetto è anche la scelta discografica: “SISTEMA NERVOSO” nella sua versione integrale sarà disponibile esclusivamente in formato fisico, su vinile.

Ad accompagnare l’uscita dell’album è “Nuvole”, il nuovo singolo firmato da Kukla insieme a Carlo Bassetti, autore di tutte le canzoni della cantautrice.

Il brano si muove tra immagini evocative, accostamenti inattesi e un linguaggio che alterna leggerezza e profondità. Le parole giocano con il ritmo, le ripetizioni e l’immaginazione, dando forma a una riflessione sulle relazioni e sulla distanza, fisica ed emotiva, che talvolta diventa necessaria per riconoscere ciò che ci unisce agli altri.

Al centro della canzone una domanda semplice e universale: “Io e te, perché?”. Un interrogativo che attraversa il brano senza cercare una risposta definitiva, lasciando spazio alla libertà interpretativa dell’ascoltatore.

«Le nuvole mi fanno pensare a quanto possa cambiare una cosa quando smettiamo di guardarla da vicino. Da lontano, i contorni si confondono, le differenze diventano meno importanti e forse riusciamo a immaginare possibilità che, a pochi centimetri di distanza, non vedremmo. Mi piace questa idea anche nei rapporti tra le persone: a volte abbiamo bisogno di spazio per ritrovare lo sguardo, altre volte vorremmo annullare ogni distanza. E non è detto che le due cose si escludano. Forse “io e te” è proprio questo: una domanda che continuiamo a farci, anche quando non sappiamo bene quale risposta stiamo cercando», spiega Kukla.

Con “Nuvole”, la cantautrice affida all’immaginazione il compito di raccontare ciò che sfugge alle definizioni, trasformando la distanza in una possibile chiave per rileggere i sentimenti e le relazioni.

Il percorso di “SISTEMA NERVOSO” si estende oltre la musica e approda al linguaggio cinematografico.

Kukla rinnova infatti la collaborazione con il regista Davide Del Mare, Lateral Film e Carlo Bassetti per la realizzazione di una serie destinata a YouTube, nella quale le canzoni di “Centrale” entreranno a far parte di un racconto sviluppato in più episodi.

Il progetto seguirà una narrazione orizzontale, intrecciando atmosfere romantiche, tensione e suspense, con contaminazioni tra generi diversi. Una storia d’amore raccontata come un’Odissea, in cui la musica diventa parte integrante di una vicenda più ampia, destinata a svelarsi progressivamente.

Un’estensione narrativa che conferma la volontà di Kukla di costruire un universo artistico in cui canzoni, immagini e racconto dialogano tra loro.

Con “Centrale [Sistema Nervoso]”, Kukla porta così a compimento un progetto che racconta due movimenti inseparabili dell’esperienza umana: ciò che il mondo provoca in noi e ciò che, di quel mondo, continua a vivere e trasformarsi nella nostra interiorità.

Di seguito la tracklist dell’album: “Nuvole”; “Opla’”; “L’Amico Immaginario”;”Come Ti Conosco”;” Funivia”;” La Pieta’”;”Il Pomeriggio”;”Barbablu’”;”TEMPO (Futuro Incerto) feat. Tonino Carotone”

Biografia

Lesley Reina Fischer, in arte KUKLA, inizia il suo percorso artistico nel 2014 firmando con Tino Silvestri (Warner Music). Finalista ad Area Sanremo con il primo singolo “Come si sta Bene”, si fa notare da personalità come Mogol e Roby Facchinetti. Con il brano “Le più belle cose” (CDF Records, 2016) ottiene oltre 500.000 visualizzazioni su YouTube e passaggi su emittenti come Radio 105. Nel 2019 pubblica “Sharapova”, che supera le 600.000 views e viene trasmesso da Radio Kiss Kiss e oltre 70 radio regionali. Dopo una pausa per dedicarsi alla direzione di produzione cinematografica (Lateral Film), Kukla torna nel 2024 con il progetto che porta il suo nome. Insieme all’autore Carlo Bassetti e all’art director Davide Del Mare, realizza il suo primo album “Cose dell’Amore”, uscito il 24 gennaio 2025. Il singolo “La verginità” e i videoclip successivi attirano l’attenzione di testate come Billboard Italia e Sky. A marzo 2025 pubblica “Strafatti fatti miei”, primo estratto dal doppio album “Sistema Nervoso”, previsto per la primavera 2026. Il 9 maggio segue “DADA”, secondo singolo del progetto: un brano elettronico e corrosivo che conferma lo stile tagliente e visionario di Kukla.

"Non vedo niente" è il nuovo singolo di Vienna

2026-10-29T09:42:56.899+01:00

"Non vedo niente" è il nuovo singolo di Vienna, disponibile da venerdì 30 ottobre su tutte le piattaforme streaming digitale per Mosho Dischi, distribuito da Artist First.

A volte basta un dubbio per rimettere tutto in discussione. Anche la sensazione di dover fare un passo indietro può restare lì, a lavorare nelle nostre teste, mentre proviamo a capire se abbiamo davvero sbagliato strada. Per Vienna, questa idea è diventata il punto di partenza di "Non vedo niente", il nuovo singolo che racconta il momento in cui una scelta comincia a vacillare e, insieme a lei, anche la fiducia nelle proprie decisioni. Il brano nasce proprio dalla sensazione di non riuscire più a vedere la propria strada, mentre intorno prendono spazio i piani, le aspettative e i punti di vista degli altri. Da qui emerge il bisogno di capire tutto nell'immediato, prevedere ogni possibilità e anticipare persino le preoccupazioni. Nel ritornello, però, alla fatica di non riconoscersi più, si affianca l’euforia di potersi conoscere di nuovo: sbagli, dubbi e cambiamenti diventano parte di un percorso che continua a trasformarsi.

Scritta due anni fa, la canzone ha trovato una nuova chiave durante il lavoro in studio, quando Vienna ha aggiunto "Forse non c’è fretta di capire, predire tutto". Una consapevolezza arrivata nel tempo: anche una scelta che sembrava sbagliata può diventare un punto da cui ripartire, senza dover cancellare tutto.

"Non vedo niente" si muove in un territorio alternative tra elettronica e sfumature rock, con cambi di intensità che seguono l’inquietudine del testo e alternano momenti più tesi ad aperture più ariose. Il brano conferma la collaborazione con Diego Ceo (produzione e arrangiamento) e Giuliano Vozella (co-produzione), accompagnando Vienna dentro un’incertezza che non cerca di risolvere: accettare di non vedere tutto, cambiare direzione e ritrovarsi senza dover cancellare il percorso fatto fin lì.

"La sensazione che ogni scelta ci faccia evolvere - racconta Vienna - è uno sport al quale dobbiamo abituarci. L’arrendersi al fatto che ogni decisione annulla momentaneamente tutte le altre, anche. In passato ho sentito tanto il timore di muovermi, talvolta anche di pensare. Come se ogni tassello in avanti rappresentasse solo e unicamente un potenziale errore di valutazione.

Scrivere questa canzone e tenerla in pancia per due anni, mi ha insegnato che non esistono effettivi passi indietro, quanto più un continuo indirizzare il percorso momento per momento, consapevole che ogni passo non sarà giusto o sbagliato, semplicemente avrà un risultato. E proprio per questo non c’è fretta di capire, predire tutto.

Anche nell'artwork del brano, vederci chiaro è complicato. Vienna è quasi nascosta dalla vegetazione, sospesa tra la voglia di guardare oltre e quella di restarsene lì ancora un po’. Il futuro può aspettare, almeno il tempo di prendere fiato. Per la comunicazione del singolo, invece, la tentazione di sapere come andrà ha la meglio: Vienna si sottopone a una vera seduta di cartomanzia. Un unico incontro in cui mettersi in gioco, con tutte le domande del caso e senza sapere prima come reagirà.

Le carte diventano così uno specchio di quello che si sta vivendo, tra paure, desideri, risposte e spunti di riflessione: ogni carta è un pretesto per ragionare su come si sta adesso. Con qualche domanda in più, ma forse meno fretta di risolverle tutte.

Biografia

Vienna, nome d’arte di Cristiana D’Auria, è una cantautrice alternative pop.

Il suo progetto musicale nasce ed evolve grazie alla collaborazione con il producer Diego Ceo, con il quale crea un sound moderno e incisivo, in cui l’elettronica abbraccia sfumature alternative, indie e R&B.
Nel 2023 pubblica l’album "Radici // Foglie" (Bobo Records) seguito, l'anno successivo, dall’EP "Se voglio salvarmi la vita" che esplora concetti come la ricerca di un equilibrio interiore, l’abbandono di un controllo ossessivo nei confronti della propria vita e l’accettazione del nostro mondo interiore, la paura di amare e amarsi.
A Novembre 2025 pubblica "Gli occhi ballano", un vero e proprio viaggio dentro la testa, dove i ricordi si confondono tra realtà e suggestione, tra ciò che resta nitido e ciò che si è perso per strada. Nel maggio dello stesso anno, il brano "E quindi è bello crescere" sancisce l’inizio della collaborazione con Mosho Dischi, che prosegue con la pubblicazione del singolo "Non vedo niente".

Il percorso dal vivo di Vienna passa, tra le altre, dallo showcase del Medimex (2023) e gli opening act per Davide Shorty, Francamente, Lamante, Bassolino e Altea, esperienze che hanno contribuito a definire la dimensione live del progetto. Parallelamente alla sua musica, Vienna è insegnante di songwriting e lavora come autrice per artisti emergenti, ampliando il suo percorso anche nella scrittura per altri.

"La cartomante" è il singolo d'esordio di Noa Flandina

2026-10-29T09:24:44.774+01:00

Esce il 30 ottobre il singolo d'esordio di Noa Flandina, La cartomante (The Vito Records). Un brano che sa essere leggero, ironico e provocante, e che porta con sé un senso di rivalsa nei confronti di un amore che ha deluso, ma che, alla fine, non scalfisce.

L'artista siciliana, che ha riscontrato attenzione da parte del pubblico attraverso la viralità social e diversi eventi in giro per l'Italia tra teatri e festival, apre un nuovo capitolo del suo percorso, tra sonorità pop e una vena cantautorale decisa, che prende ispirazione dal passato in una chiave attuale, contemporanea e cinematografica.

Spesso i sentimenti vanno in direzioni opposte: da una parte, la sincerità di vivere quello che si prova in maniera genuina; dall'altra, un gioco di ruolo in cui essere distaccati, freddi e vantarsi della propria mancanza di equilibrio; e ciò che rimane è il senso di delusione, di incompletezza, la colpa di essersi esposti troppo per chi non lo meritava. Ma è davvero necessario lasciar vincere la delusione?

Noa non cerca la rivincita attraverso la vendetta personale o il rancore, ma con disarmante sarcasmo lascia un messaggio deciso e coerente: è nella consapevolezza della propria forza che si riescono a svelare ''le carte false'' dell'altra parte, nella determinazione di non farsi sopraffare da chi cerca alibi per spezzare il cuore.

Con il sostegno del MiC e di SIAE, nell'ambito del programma "Per Chi Crea"

"La Cartomante nasce da un cuore spezzato, dalle bugie raccontate per vanità e da chi scambia i sentimenti per un gioco. Lui si giustifica dicendo di averlo sempre detto: Out Of Control, uno che vive a pane e rock’n’roll. Come se dichiararsi fuori controllo fosse un’assoluzione preventiva. Ma se da una parte c’è chi gioca, dall’altra c’è chi, all’amore, ci crede davvero. E quando le bugie superano la pazienza, arriva il momento di prendersi la propria rivincita" Noa Flandina

Biografia

Noa Flandina è una cantautrice e performer palermitana classe 2003. Il suo percorso nasce dall'incontro tra canto, teatro e pratica dal vivo: una formazione che le permette di unire l'interpretazione delle canzoni a una presenza scenica spontanea e a un contatto diretto con il pubblico. Dopo gli studi accademici in ambito scenografico ed eventistico, nel 2025 avvia il proprio progetto musicale come cantautrice, affiancando alla preparazione della prima opera discografica un'attività dal vivo in progressiva crescita. Sempre nello stesso anno, l'artista si esibisce al Porta Nuova Music Fest di Milano, al Salotto dell'Artista di Bologna e al Malavenda Café di Londra. Nel 2026 ha proseguito il percorso con concerti e sessioni dal vivo in contesti diversi, tra cui il Rio Fest di Arezzo, l'Ailanto Park di Ustica, il Diavolo Rosso di Asti, la Tiny Kitchen Session di Roma, l'Ostello Bello di Genova, Volont Music e il Combo Social Club di Firenze. In alcune occasioni ha affiancato alla performance musicale la conduzione dell'evento. Un passaggio significativo è rappresentato dall'esibizione del 21 agosto 2026 al Tempio Greco di Segesta, nell'ambito del Segesta Teatro Festival, in apertura al concerto dei Tamuna. La data le ha permesso di presentare alcuni brani del suo progetto d'esordio, prima della pubblicazione ufficiale. TikTok e Instagram hanno avuto un ruolo importante nella crescita del progetto: attraverso esecuzioni, contenuti musicali, tra cui un video con Alfa, e momenti del proprio percorso, che complessivamente superano le milioni di visualizzazioni e interazioni. Nell'ambito del teatro, è protagonista di "Per Amore di Rosalia" al Teatro Massimo di Palermo e scrive, dirige e interpreta gli spettacoli "Il Primo Appuntamento" e "lo me la canto e me la suono", nei quali canto e presenza scenica convivono. Ha inoltre preso parte a diverse produzioni del Teatro Biondo e a spettacoli legati alla tradizione e alla memoria popolare siciliana, presentati anche all'estero. Noa matura ulteriori esperienze nel cinema, come interpreti in "Via Castellana Bandiera" di Emma Dante e nel documentario "Ninnarò" - Il presepe raccontato", oltre che come assistente al casting per produzioni cinematografiche e televisive.

"SINTETICO" è il nuovo album del progetto indie italiano JO VARANO

2026-10-28T14:29:55.827+01:00

"SINTETICO" è il nuovo album del progetto indie italiano JO VARANO, disponibile su tutte le piattaforme digitali dal 30 ottobre 2026.

SINTETICO è il racconto ironico e disilluso di una generazione che cerca emozioni autentiche in un mondo sempre più artificiale.

Tra amori, eccessi, sogni infranti e contraddizioni quotidiane, l’album mette a nudo una società che consuma tutto, persino i sentimenti, mentre continua a inseguire qualcosa in cui credere.

Con uno sguardo provocatorio e autoironico, racconta le nostre fragilità, il bisogno di sentirsi vivi e la voglia ostinata di non arrendersi.

Perché, dietro le apparenze e le illusioni, siamo tutti umani, imperfetti e alla ricerca di qualcosa di vero.

Musicalmente restano le sonorità conosciute in SBAM! ma arricchite da melodie più accessibili.

Molto radiofoniche le tracce Misano, Solo Un Attimo e Sei Giorni Di Sole.

L’album registrato in studio “La Buca” di Stefano Piccinelli (Plan De Fuga).

Biografia

JO VARANO è un progetto indie italiano nato dal bisogno di dare voce al disordine emotivo, alle contraddizioni della nostra epoca e alle relazioni che bruciano più in fretta della memoria.

Il loro stile fonde testi crudi e viscerali con melodie dirette, spesso malinconiche ma sempre cariche di tensione emotiva. È musica che non cerca la perfezione, ma la verità.

Nelle canzoni convivono rabbia e delicatezza, critica sociale e intimità, ironia e desiderio.

I suoni sono ispirati alla scena alternativa italiana e a certe distorsioni che ricordano la new wave più sporca ma sempre con un’identità riconoscibile, personale, sincera.

Dalla quotidianità disillusa ai legami ossessivi, dalla solitudine digitale al bisogno disperato di contatto: ogni brano è uno scatto emotivo, una fotografia sincera del tempo che stiamo vivendo.

NESLI canta l’assenza e i ricordi ne “IL TUO POSTO PREFERITO”

2026-10-28T09:31:43.352+01:00

A un mese dall’uscita di “Un giorno dopo l'altro”, Nesli pubblica il 30 ottobre il nuovo singolo “Il tuo posto preferito”. La traccia si muove nel momento in cui un rapporto finisce e il silenzio di casa diventa improvvisamente denso e impossibile da ignorare.

L'attacco del pezzo mette subito sul tavolo due immagini nette e separate. Da un lato c'è un uomo fermo sul divano, con una sigaretta accesa tra le dita, bloccato dentro quattro mura a fingere che sia tutto a posto. Dall'altro lato c'è una donna al volante che canta a squarciagola per coprire i pensieri. Sono due persone che non si parlano più, chiuse in vite che ormai non si toccano. Il testo insiste su questa frattura, affrontando la fatica nuda di chi deve abituarsi a un'assenza mentre il tempo continua a scorrere senza fornire indicazioni utili.

Nesli spiega la genesi del pezzo partendo proprio da questa immobilità: "Con “Il tuo posto preferito” ho voluto raccontare quelle persone che, anche quando escono dalla nostra vita, continuano a vivere nei luoghi e nei ricordi che abbiamo condiviso con loro". La riflessione si allarga subito dopo a una condizione più ampia e comune: "È una canzone che parla della difficoltà di accettare i cambiamenti, del tempo che passa e di tutte quelle domande che rimangono senza risposta quando una relazione finisce".

Come si fa a imparare la vita? Chiedersi come l'altra persona stia passando la giornata da sola, ormai lontana, mette a nudo l'incapacità di voltare pagina. Si resta aggrappati a un passato finito, a cercare una via d'uscita che non arriva.

Nesli rifiuta la logica per cui ogni fine debba per forza corrispondere a un errore da cancellare: "Ho cercato di raccontare la distanza attraverso momenti quotidiani. Credo che non tutte le storie che finiscono siano storie sbagliate. Alcune persone ci lasciano qualcosa che continua ad accompagnarci, anche quando le nostre strade si separano. Non volevo trovare risposte definitive, ma raccontare un sentimento in cui chi ascolta possa riconoscersi".

La struttura del brano mette a fuoco il contrasto tra i tramonti che toglievano il fiato nel passato e l'isolamento ruvido del presente. I ricordi dell'ultimo banco a scuola, quando si guardava fuori dalla finestra sognando cosa fare da grandi con un foglio bianco davanti, si schiantano contro i dubbi dell'età adulta. Il rimpianto perde la forma di un semplice pensiero e diventa un ostacolo piantato in mezzo al soggiorno. Non ci sono morali consolatorie, ma solo la presa di coscienza che una parte della propria vita si è conclusa e che il posto preferito dell'altro rimarrà per sempre un rifugio intoccabile.

Biografia

NESLI, pseudonimo di Francesco Tarducci (Senigallia, 29 dicembre 1980), è un cantautore e produttore discografico.

La sua carriera inizia alla fine degli anni '90 attraverso collaborazioni con artisti di spicco del panorama hip-hop italiano. Nel 2003 debutta come interprete con l’album “Ego”, un progetto all’avanguardia che si distingue per l’uso esclusivo di musiche eseguite dal vivo, una scelta rara per il genere dell’epoca.

Il 2004 segna un altro importante traguardo con “Home”, il suo secondo album in studio, che rappresenta anche il suo esordio come produttore musicale. Tuttavia, il successo di Nesli arriva nel 2009 con “Fragile – Nesliving Vol. II”. Questo lavoro contiene “La fine”, una delle sue composizioni più celebri, reinterpretata da artisti di fama come Tiziano Ferro, Emma e Lazza (esibitosi al Festival di Sanremo 2023).

Nel 2015, Nesli raggiunge un nuovo picco con l’album “Andrà tutto bene”, che include il fortunato singolo omonimo e “Buona fortuna amore”, brano che porta sul palco del Festival di Sanremo.

Nel 2023, a vent’anni dal suo debutto, pubblica “Nesliving Vol. IV - Il seme cattivo”, dichiarando che sarebbe stato il suo ultimo album come interprete:

Attualmente, Nesli si dedica anche alla scrittura per altri artisti, contribuendo alla creazione di brani di successo come “Mezzo Mondo” di Emma, “Non dimenticare” di Aka 7even e “A un passo da me” di TrigNO.

La sua eredità artistica resta un punto di riferimento per chi cerca autenticità e profondità nella musica italiana.

"La mia città" è il nuovo singolo di NikaVera

2026-10-28T09:16:00.314+01:00

"La mia città" è il nuovo singolo di NikaVera disponibile dal 30 ottobre, prodotto da Joseba Publishing e distribuito da Virgin Music Group Italy. Il brano è accompagnato dal videoclip in uscita con la regia di Marko Carbone.

Con “La mia città”, NikaVera firma un brano pop rock dalle sfumature elettroniche che racconta il delicato passaggio all’età adulta e il conflitto tra il desiderio di costruire il proprio futuro e il bisogno di restare fedeli alle proprie radici. Nato in un momento di profonde riflessioni personali, a ridosso della conclusione del percorso universitario, il singolo esplora il dilemma di una generazione sospesa tra le opportunità delle grandi città e il richiamo autentico dei luoghi del cuore, dove custodire affetti, ricordi e identità.

Le sonorità pop rock, arricchite da elementi elettronici, accompagnano un racconto intimo e generazionale, dando voce alle incertezze, alle ambizioni e alle paure che caratterizzano le grandi scelte della vita. Tra la frenesia della metropoli e la dimensione rassicurante della provincia, NikaVera riscopre il valore delle proprie origini, trasformando “La mia città” in una dichiarazione d’amore verso il luogo a cui si appartiene, l'unico capace di restituire equilibrio, serenità e la forza necessaria per ricominciare.

Il brano rappresenta anche una nuova tappa del percorso artistico di NikaVera, reduce dalla partecipazione a The Voice Generations, dove ha raggiunto la semifinale nella squadra di Loredana Bertè. L'artista racconta: “Da sempre sono stata attratta dal desiderio di vivere nuove esperienze lontano dai miei luoghi d’origine, ma ogni volta che mi sono allontanata ho sentito il bisogno di tornare. È nella mia città, dove tutto scorre più lentamente, tra natura, pace e affetti, che ritrovo la mia dimensione e spesso anche le risposte ai dubbi che mi accompagnano.”

Secondo singolo dell'artista, “La mia città” è stato scritto e composto da NikaVera e Luca Napolitano (Amici 8), che ne ha curato anche la produzione musicale, sotto la supervisione artistica del Maestro Enzo Campagnoli e con la direzione artistica di Gianni Testa.

Biografia

Veronica Mancini, nata a Pisa il 6 gennaio 1978, cresce a Piombino fino ai 18 anni. Dopo la maturità scientifica, si trasferisce a Firenze, dove nel 2004 si laurea in Giurisprudenza. Dopo una breve esperienza da praticante avvocato, intraprende una carriera nel settore bancario, diventando consulente finanziario retail.
Appassionata di sport e musica fin da piccola, eccelle nel tennis raggiungendo la Serie C a 16 anni. Parallelamente coltiva la passione per il canto, vincendo a soli 9 anni il "Festival dei Piccoli Città di Piombino". A 12 anni incontra Andrea Bocelli, che scrive per lei "Noi siamo così", brano che esegue in vari concorsi e eventi.
Nel 1999, come "Chandra", incide la dance track "To the MOON", inclusa nella compilation "Time Machine". Partecipa a "I Raccomandati" su Rai Uno nel 2002 e continua con esibizioni live e collaborazioni artistiche. Dal 2015 perfeziona la tecnica vocale presso l’Accademia Le Muse, seguendo corsi con noti professionisti.
Prende parte a "Detto Mariano Story’s" nel 2018, a "La Porta dei Sogni" nel 2019 duettando con Bocelli, e raggiunge le finali di "Bussola Oggi" (2022) e "Sanremo Senior" (2022). Nel 2024 appare su "E..Viva il Videobox" e nel 2026 partecipa a "The Voice Generations" nel team di Loredana Bertè.
A maggio 2026 lancia il primo di cinque brani inediti del suo progetto discografico con Joseba Publishing con il nome d’arte “NikaVera”, sotto la direzione artistica di Gianni Testa e la supervisione del Maestro Enzo Campagnoli.

"Don't Worry" è il nuovo album del rapper PZ

2026-10-28T08:56:13.882+01:00

Don't worry, ovvero non preoccuparti. Due parole che si pronunciano spesso con leggerezza, anche quando le ragioni per preoccuparsi non mancano affatto.

Nel nuovo album del rapper modenese d’adozione mantovana PZ, il “Don’t worry” del titolo si scontra continuamente con tutto ciò che rende difficile stare davvero tranquilli: il lavoro, le scadenze, gli stipendi che non bastano mai, il poco tempo, la paura di non farcela e quella sensazione costante di dover gestire troppe cose. Intanto sul telefono scorrono guerre, violenza, truffe e vite che sembrano sempre migliori della propria.

Ascolta su Spotify.

Sedici tracce in cui l’artista dice di prendere la vita come viene mentre racconta gli attacchi di panico, osserva un mondo che sembra riuscire a restare “Trankilo” anche mentre cadono bombe in Ucraina e a Gaza e racconta una quotidianità nella quale comprare a rate è normale, le scadenze si accumulano e perfino pensare ai propri problemi può diventare qualcosa che «non ci si può permettere».

E quando la sensazione è quella di essere “Solo contro il mondo”, dopo aver messo in fila sconfitte, rabbia e desiderio di rivalsa, il traguardo finisce per restringersi e riuscire a dormire un’ora in più al mattino basta già per essere contenti.

Più che mettere in musica l’ansia come concetto, il disco evidenzia ciò che la pressione produce concretamente in una giornata qualunque. In “Fatti miei” PZ va al lavoro e si copre i tatuaggi perché sa che il modo in cui appare può ancora determinare il modo in cui verrà guardato. Parla di vestiti eleganti e scarpe consumate, di quello che si è guadagnato e del valore attribuito a ciò che si possiede.

In “Telefonino”, invece, il rapper emiliano prende di mira un oggetto che ormai concentra dentro di sé quasi tutto: denaro, conversazioni, immagini, relazioni, distrazione e dipendenza. Lo smartphone diventa la nuova televisione, il portafoglio, il passatempo, il luogo in cui ci si informa e quello in cui ci si perde. Intorno, persone che attraversano la strada senza alzare gli occhi dallo schermo, bambini che imparano osservando adulti sempre connessi, profili controllati ossessivamente, truffe che colpiscono dall’anziano al più giovane e perfino una grafia che si disimpara perché si scrive sempre meno a mano. Non è una condanna della tecnologia, ma il ritratto di un’abitudine talmente radicata da non accorgerci quasi più di quanto abbia cambiato il nostro modo di vivere e di relazionarci con gli altri.

Ne viene fuori una persona adulta che continua a lavorare, pagare, rispondere, reagire istintivamente e andare avanti mentre le cose da gestire aumentano.

L’album è nato in un periodo che PZ stesso definisce buio, segnato da tensioni personali alle quali si sommava la necessità di continuare con la vita di tutti i giorni. La scrittura è arrivata rapidamente: alcuni pezzi in pochi minuti, altri in mezz’ora, seguendo i beat inviati da Gloomy Note, al secolo Leonardo Visan, con il quale il rapper ha sviluppato nell’ultimo anno e mezzo una collaborazione sempre più solida. Da una quantità molto più ampia di materiale sono rimaste sedici tracce, registrate all’interno dello studio domestico che PZ aveva realizzato cinque anni fa e che ora dovrà smontare in seguito al trasferimento imposto dall’aumento dell’affitto. Anche questo dettaglio finisce, indirettamente, in “Don’t Worry”, un disco sul tentativo di trovare stabilità realizzato in uno spazio che, proprio mentre l’album arriva alla fine, sta per scomparire.

L’artista ha seguito personalmente registrazione, mix e master, lavorando sulle sedici tracce fino alle ultime settimane prima dell’uscita. Gloomy Note firma la produzione, donando al progetto un impianto sonoro di matrice trap e drill, sul quale PZ mantiene una scrittura che arriva da oltre vent’anni di rap. L’incontro tra i due evita però la distinzione tra “vecchia scuola” e linguaggi contemporanei: l’obiettivo dichiarato è dimostrare che produzioni attuali e testi impegnati non siano affatto incompatibili.

Lo stesso stato di allerta che attraversa il disco trova una prosecuzione anche sul piano visivo. “Don’t worry” è infatti accompagnato da una trilogia di videoclip ufficiali collegati tra loro, iniziata con “Paura”, proseguita con “Solo contro il mondo” e conclusa con la title track, che porta avanti lo stesso filo narrativo dell’album.

Nel primo capitolo, “Paura”, PZ appare legato a un palo all’interno di una sorta di laboratorio, circondato da figure in camice. Non è chiaro se qualcuno stia cercando di salvarlo o di tenerlo prigioniero. Accanto a lui compare la pole dancer Marta Bressanin, mentre attrazione, controllo e costrizione finiscono per sovrapporsi nello stesso spazio.

Guarda il video di “Paura”.

In “Solo contro il mondo”, girato alla Italian Defence Academy di Mantova con la partecipazione, tra gli altri, del fighter Luca Tarabori, la narrazione prosegue attraverso un immaginario legato al combattimento, fisico e mentale.

Guarda il video di “Solo contro il mondo”.

Con “Don’t worry” il percorso si chiude tra uno studio di tatuaggi e un parcheggio nel quale alcune figure vestite da medici tornano a cercare PZ. Personaggi e situazioni ricompaiono da un video all’altro, creando una continuità che lega paura, isolamento, controllo e tentativo di restare padroni della propria vita.

Guarda il video di “Don’t Worry”.

Se la trilogia chiude il racconto visivo di “Don’t worry”, è “Voglio urlare” a chiudere quello musicale. E lo fa con un rovesciamento che sintetizza bene tutto ciò che è venuto prima. Il brano comincia dalla stanchezza di chi sente di aver fatto molto e continua a domandarsi quanto sia servito. Il titolo prometterebbe un’esplosione, ma la canzone prende una direzione diversa: dopo aver ripetuto il desiderio di urlare, PZ sceglie il silenzio davanti a chi alza la voce senza avere nulla da dire.

“Don’t worry” non giunge a una serenità conquistata e non pretende di spiegare a chi lo ascolta come raggiungerla; piuttosto, racconta che cosa significa cercarla mentre intorno continuano ad accumularsi lavoro, paura, aspettative, soldi da far bastare, relazioni da gestire e un mondo che entra ogni giorno dentro uno schermo, allontanandoci sempre di più da ciò che ci circonda.

Alla fine, quel “Don’t worry” non significa che non ci sia nulla di cui preoccuparsi, ma continuare comunque, senza lasciare che tutto ciò che ci preoccupa finisca per fermarci.

A seguire, tracklist e track by track del disco.

“Don’t worry – Tracklist”

1. Solo contro il mondo

2. Bipolare

3. Non sono bravo (feat. Matt)

4. Don’t worry

5. Combina guai

6. Trankilo

7. Paura

8. Cortina

9. Non cambia (feat. Manny Rivera)

10. Fatti miei

11. Ora tarda

12. Tossico

13. Mood

14. Pollo

15. Telefonino (feat. Gordo)

16. Voglio urlare

“Don’t worry” – Track by track

“Solo contro il mondo” apre il disco con una dichiarazione di isolamento che ha però pochissimo di eroico. Essere soli contro il mondo significa aver incassato colpi, attraversato momenti di caduta e imparato a non aspettare necessariamente che qualcuno arrivi in soccorso. Dentro la durezza della scrittura affiorano dettagli che fanno parte del passato, del presente e del modo in cui si immagina il futuro: il ricordo della nonna, la stanchezza, il bisogno di dormire un’ora in più. Il combattimento evocato dal brano finisce così per assomigliare soprattutto alla fatica di continuare.

In “Bipolare” gli estremi della quotidianità diventano barre: sentirsi invincibili e, il giorno dopo, schiacciati dalle responsabilità; desiderare l’attico e ritrovarsi in un bilocale; aspirare continuamente a qualcosa in più e ricordarsi, per un momento, di ciò che esiste già. Il titolo viene utilizzato da PZ fuori dall’accezione clinica, come immagine di un’instabilità personale e sociale che il rapper aveva già affrontato nel singolo pubblicato nei mesi precedenti.

“Non sono bravo” (feat. Matt). Essere considerato “bravo” significa spesso essere accomodante, stare al proprio posto, chinare la testa. PZ rovescia il giudizio e trasforma l’accusa in una presa di posizione: se essere accettati richiede obbedienza, appartenenza al clan giusto o compiacenza, allora non essere bravi può diventare una scelta.

La title track “Don’t worry” contiene il paradosso dell’intero album. PZ ripete “non preoccuparti” mentre racconta attacchi di panico, ostacoli che ne anticipano altri e un dialogo interiore tutt’altro che pacificato. La leggerezza del ritornello entra così in attrito con ciò che accade nelle strofe: prendere la vita come viene non significa necessariamente viverla senza paura.

Autoironia e autocritica convivono in “Combina guai”, pezzo nel quale PZ si attribuisce una lunga serie di errori senza cercare assoluzioni. Il “combina guai” è l’adulto che continua a superare i propri limiti, inciampa, ricade negli stessi meccanismi e, mentre prova a capire che cosa fare “da grande”, scopre di desiderare lo sguardo che aveva da bambino.

“Trankilo”. Una vacanza, le immagini dei bombardamenti, i lavoratori nei turni festivi, i piccoli imprenditori, una quattordicesima consumata in pochi giorni. Il brano mette una accanto all’altra realtà che normalmente teniamo separate e racconta il modo in cui continuiamo a vivere la nostra quotidianità mentre altrove cadono bombe, si combattono guerre e qualcuno prova semplicemente a sopravvivere. Più il ritornello insiste su quel “Trankilo”, più la parola perde il suo significato originario e diventa il simbolo di un’assuefazione che abbiamo finito per considerare normale.

Furti, telecamere, violenza, abuso di potere, sfiducia. In “Paura” PZ osserva una società nella quale il pericolo, reale o presunto, modifica comportamenti e percezioni, fino a trasformare la prudenza in uno stato di allerta continuo. È anche il brano scelto per aprire la trilogia dei videoclip.

“Cortina” è una delle tracce più irriverenti del disco. Cannabis, abitudini, proibizionismo e riferimenti alle Olimpiadi diventano materiale per una scrittura provocatoria che utilizza doppi sensi, immagini volutamente sopra le righe e continui giochi fonetici. Il tono cambia rispetto ai brani precedenti senza interrompere il racconto di una persona che cerca, anche attraverso l’eccesso, un modo per staccare.

Rate, scadenze, poco tempo, necessità economiche e dipendenze sono i temi centrali di “Non cambia” (feat. Manny Rivera), traccia che racconta una quotidianità nella quale si prova semplicemente a rimanere a galla. Il ritornello insiste su una realtà che sembra non cambiare, nonostante tutti i tentativi di sottrarsi agli stessi meccanismi. Manny Rivera porta nel brano il proprio sguardo sul riscatto, sull’autenticità e sulla distanza tra ciò che una persona possiede e ciò che realmente vale.

In “Fatti miei” PZ parte dal coprirsi i tatuaggi prima di andare al lavoro e da quell’azione, apparentemente banale, apre un discorso su pregiudizio, apparenza, denaro, successo e coerenza. Il passaggio dalla “scarpa consumata per strada” al vestito elegante non cancella ciò che è venuto prima; semmai rende ancora più evidente la distanza tra l’immagine attraverso cui veniamo giudicati e la storia che ci ha portati fin lì.

Scrivere quando gli altri dormono, registrare ancora, rimandare il sonno. “Ora tarda” fotografa uno dei momenti più istintivi del disco e racconta anche il rapporto operativo tra PZ e Gloomy Note: musica prodotta dentro giornate già piene, spesso conquistando ore che normalmente sarebbero destinate al riposo.

In “Tossico” il pregiudizio diventa quasi una gag ricorrente. PZ racconta di essere stato fermato, controllato e giudicato per il proprio aspetto fin da ragazzo, trasformando la frase “faccia da tossico” in un ritornello sarcastico. Il brano gioca sulla discrepanza tra quello che gli altri presumono di sapere guardandoci e ciò che realmente trovano quando provano a verificare.

Il basso picchia mentre intorno scorrono social, strada, fame, contratti, ricchezza ostentata e periferie. In “Mood” persone e immagini si accumulano fino a restituire un ambiente saturo, al quale PZ risponde con il linguaggio che conosce meglio, senza cercare di renderlo più educato di ciò che sente.

Essere troppo buoni, fidarsi, cascarci di nuovo. PZ usa la figura del “Pollo” per ridere innanzitutto di sé stesso e della facilità con cui si può finire dentro meccanismi già riconosciuti. Sotto la superficie giocosa rimane però una sensazione meno leggera: quella di vivere in un sistema nel quale è molto facile passare da partecipanti a “carne da macello”.

Lo smartphone è televisore, portafoglio, archivio, passatempo, abitudine e intermediario di una parte crescente della vita quotidiana. PZ e Gordo lo raccontano con sarcasmo in “Telefonino”, partendo da persone che non guardano più la strada e arrivando alle truffe online, ai gruppi silenziati, alla perdita della scrittura manuale e all’esempio dato ai bambini. Una fotografia volutamente esasperata di una dipendenza talmente diffusa da essere diventata quasi invisibile.

Il disco termina con “Voglio urlare”, brano che racchiude il bisogno di esplodere dopo aver accumulato rabbia, delusioni e tradimenti. Ma proprio quando la narrazione sembra preparare l’urlo definitivo, PZ lo trattiene: davanti a chi usa soltanto il volume della voce, sceglie di parlare più piano. Dopo sedici tracce trascorse a reagire “di pancia” a ciò che accade, l’ultima risposta cambia il punto di vista, giungendo alla consapevolezza che non sempre puoi cambiare quello che hai intorno, ma puoi scegliere come rispondere.

Biografia

PZ, all’anagrafe Raffaele Michael Piazzolla, è un rapper e autore nato a Modena e cresciuto artisticamente a Mantova. Attivo dai primi ‘00 nella scena hip hop indipendente, ha calcato palchi e festival in tutta Italia, condividendo lineup con artisti come J-Ax, Marracash, Club Dogo, Dargen D’Amico e Tormento. Nel suo percorso ha pubblicato gli album “Parametri Zero” e “Rap_Pare”, il doppio mixtape “ONE SHOTAPE – Tape A & B”, l’EP “Squali” e numerosi singoli. Nel 2026 pubblica “DON’T WORRY”, album di sedici tracce prodotto da Gloomy Note che raccoglie e sviluppa la direzione artistica avviata con i singoli più recenti. PZ cura in prima persona ogni fase produttiva – dalla registrazione al mix, fino al master – e ha approfondito anche la tecnica vocale, per avere pieno controllo sulla resa artistica dei suoi brani. Oggi collabora con il producer Gloomy Note, al secolo Leonardo Visan, con cui ha avviato una ricerca sonora che unisce istinto e controllo, pulsazione e silenzio. Scrive partendo da ciò che vive, non da ciò che funziona. E con Gloomy Note ha trovato una direzione nuova: un suono “sbilanciato” ma calibrato, e il ritmo intermittente di chi prova a rimanere sé stesso. Un suono cucito per aderire, per stare addosso alle parole, non per abbellirle. Figlio di un’identità che non chiede conferme. E che non ha paura di risultare scomoda.

"Scatti in borghese" è il nuovo album di Revman

2026-10-28T08:46:29.452+01:00

Un fratello minore al quale promette di esserci sempre, una relazione sentimentale segnata dalla manipolazione e il ricordo di un investigatore ucciso dalla mafia, conosciuto anche attraverso le parole di Letizia Battaglia. Dopo anni di rap dedicato alla legalità e di incontri nelle scuole, Sebastiano Vitale, in arte Revman, racconta la propria vita fuori dal servizio in barre con “Scatti in borghese”, il nuovo album disponibile dal 28 ottobre 2026 sui principali digital store e, per la prima volta, in versione integrale anche su YouTube.

Ascolta l’album su YouTube.

Ascolta l’album su Spotify.

Nato a Palermo nel 1990, assistente della Polizia di Stato in servizio presso la Questura di Milano, Revman ha dedicato gran parte della propria attività musicale alla prevenzione del bullismo, delle dipendenze e delle discriminazioni. Con il nuovo lavoro affronta anche vicende personali che finora aveva raccontato poco. Il titolo richiama otto fotografie della sua vita, tra episodi legati alla professione, rapporti familiari e relazioni sentimentali.

Il disco si apre con “Poliziotto Rapper”, che racconta la quotidianità tra turni di servizio e scrittura delle canzoni. La title track, accompagnata dal videoclip ufficiale, segue invece una passeggiata notturna tra taxi, locali e persone incontrate per strada. In “Doppia Personalità Giuridica” e “Ordine e Disordine” Vitale affronta il rapporto tra la professione e la vita privata, mentre “Posti di Blocco Mentali” si concentra sulla libertà di pensiero e sulla necessità di valutare criticamente le informazioni.

Guarda il video di "Scatti in Borghese".

Tra le tracce più personali figura “Zone Grigie”, dedicata a una relazione che l'artista descrive come caratterizzata da comportamenti manipolatori. Il brano racconta le difficoltà incontrate nel riconoscere quegli atteggiamenti e la decisione di interrompere il rapporto. In “Fratello Maggiore”, invece, racconta il legame con il fratello minore e il desiderio di trasmettergli forza, coraggio e speranza per affrontare le sfide quotidiane, soprattutto quelle interiori, spesso invisibili agli altri ma profondamente dolorose.

A chiudere l'album è “Senza Scorta”, un omaggio a Boris Giuliano, capo della Squadra Mobile di Palermo assassinato dalla mafia il 21 luglio 1979. Giuliano aveva condotto importanti indagini sul traffico internazionale di stupefacenti e sui collegamenti finanziari di Cosa Nostra. La canzone nasce anche dal ricordo di un incontro tra Vitale e Letizia Battaglia, la fotografa palermitana scomparsa nel 2022.

Battaglia raccontò personalmente al rapper un episodio nel quale Giuliano era intervenuto per consentirle di fotografare, dopo che alcuni agenti avevano cercato di impedirle di avvicinarsi. La stessa fotografa ricordò pubblicamente l'accaduto in un'intervista a Treccani, citando le parole dell'investigatore: «La signora deve fotografare». Un gesto che aveva colpito Revman per il rispetto dimostrato da Giuliano nei confronti del lavoro della fotoreporter.

Con "Scatti in Borghese", Revman amplia il proprio percorso artistico, affidando al rap, alle rime e allo storytelling autobiografico il racconto di esperienze personali e riflessioni sulla propria identità. La scrittura diretta e introspettiva diventa il filo conduttore di un progetto che mette al centro la musica e la forza delle parole.

«Attraverso il rap – dichiara - voglio trasmettere soprattutto alle nuove generazioni un messaggio di speranza e consapevolezza, dimostrando che anche dalle esperienze più difficili possono nascere occasioni di crescita e cambiamento.»

Il 28 ottobre, giorno dell'uscita del disco, Revman sarà a Napoli, presso la Biblioteca Annalisa Durante, nel quartiere Forcella, per presentare l'album insieme al libro autobiografico “REVMAN – Il Poliziotto Rapper. Un viaggio tra legalità, musica e ispirazione”, pubblicato da REVMAN Edizioni. La biblioteca è intitolata alla quattordicenne uccisa nel 2004 durante un conflitto a fuoco tra gruppi camorristici.

Il giorno successivo, 29 ottobre, l'artista parteciperà al Tram della Salute Mentale di Milano, nell'ambito delle iniziative di Milano4MentalHealth. L'appuntamento, promosso dal Comune di Milano, prevede un tram ATM dedicato alla sensibilizzazione sul disagio psicologico, con ritrovo alle 10.45 presso la Casa della Psicologia, in piazza Castello 2.

Revman è impegnato da anni anche in laboratori rap rivolti agli studenti, realizzati in collaborazione con associazioni e professionisti dell'ambito educativo. Tra i progetti figurano “A Rozzano legalità”, “ZeroBulli” e “Trapper AntiBulli”, canzoni scritte e registrate con gli alunni per affrontare temi come mafia, bullismo e discriminazioni.

Biografia

Sebastiano Vitale, in arte Revman, è un rapper e cantautore italiano nato a Palermo il 9 Aprile 1990. Assistente della Polizia di Stato presso la Questura di Milano, con i contenuti dei suoi testi, riesce a trasmettere in maniera diretta ai giovani l’importanza del lavoro delle Forze dell’Ordine e la fierezza dell’appartenenza al Corpo, coniugando il liricismo del rap ai valori di legalità, condivisione e libertà d’espressione.

“Better” è il nuovo singolo di Leon Seti

2026-10-27T11:47:46.014+01:00

Giovedì 29 ottobre 2026 esce “Better”, il nuovo singolo di Leon Seti, un brano che attraversa i ricordi per trovare un modo diverso di stare con se stessi. Al centro della canzone c’è un confronto intimo con la propria immagine riflessa, un’occasione per tornare agli anni dell’infanzia segnati dal bullismo e riconoscere quanto quelle esperienze abbiano contribuito a costruire la persona che si è diventati.

In “Better”, lo specchio non restituisce soltanto ciò che è stato, ma diventa una voce capace di offrire conforto: un invito a non identificarsi per sempre con le proprie ferite e a concedersi la possibilità di cambiare prospettiva. Il brano si muove così tra memoria e consapevolezza, ricordando quanto possa essere difficile rivolgere a se stessi la stessa comprensione che si riserva agli altri. Senza negare il peso del passato, Leon Seti lascia spazio a una rassicurazione semplice, ma tutt’altro che scontata: le cose possono migliorare. A sostenere questa dimensione emotiva è una produzione che guarda al pop scintillante della fine degli anni Ottanta, recuperandone il fascino nostalgico senza rinunciare a una sensibilità contemporanea. I synth sognanti si intrecciano con batterie provenienti dalla collezione personale dell’artista, mentre l’arrangiamento curato da Saverio Zacchei contribuisce a costruire un suono luminoso, arioso e avvolgente. Ne nasce un contrasto significativo tra la vulnerabilità del racconto e la vitalità della componente musicale, che accompagna l’ascoltatore senza appesantire il messaggio.

Scritta e co-prodotta da Leon Seti insieme a Saverio Zacchei, “Better” trasforma un’esperienza personale in una riflessione aperta, in cui il confronto con ciò che ci ha ferito può diventare anche un primo passo verso una maggiore gentilezza nei propri confronti. Perché fare pace con il passato non significa cancellarlo, ma imparare a guardarlo senza lasciare che definisca ogni cosa.

"Better" è una canzone sul non arrendersi. A volte è facile mollare tutto o rimanere impantanati nel trauma, ma, per la mia esperienza, è molto meglio darsi forza e andare avanti. (Leon Seti)

Biografia

Leon Seti è il progetto nato dalla mente e dalla voce di Leo Baldi, autore della musica e dei testi di tutti i suoi brani. Il suo electro-pop nostalgico e sperimentale è stato trasmesso dalla BBC e ha ricevuto l’attenzione di Billboard Italia, CLASH, Notion e numerose altre testate internazionali.

Il suo album ‘Cobalt’ ha raggiunto il primo posto nella classifica iTunes Electronic in Italia, ottenendo ottime recensioni e paragoni con artisti del calibro di Björk, Peter Gabriel e Anohni. Il secondo album di Seti, ‘Grimoire’, è uscito nel 2023 ottenendo recensioni positive. Il disco ha raggiunto nuovamente la #1 della classifica iTunes Electronic, sia in Italia che nei Paesi Bassi, entrando inoltre nella Top 10 delle vendite generali di iTunes in entrambi i Paesi.

Nel 2024 Leon inizia una collaborazione con il musicista e produttore Saverio Zacchei, che cura la produzione del suo EP, ‘Oh, London’ e produce il suo nuovo album, in uscita nel 2027, ‘Helium’. Leon Seti si è esibito in venue come l’O2 Academy Islington e The Spice of Life a Londra, in club storici come Spin Time Labs a Roma, il Cassero di Bologna e Cinetol ad Amsterdam, oltre che in festival come Mengo Fest e Pride Amsterdam.

Parallelamente alla sua carriera musicale, Leon è anche content creator online, con una community di 22.000 follower su Instagram e 18.000 su TikTok.

"PLAY" è il nuovo album degli YOUAREHERE

2026-10-27T11:08:49.077+01:00

"PLAY" è il nuovo album degli YOUAREHERE, disponibile da venerdì 30 ottobre su tutte le piattaforme di streaming digitale e in vinile via Bandcamp.

Anticipato dai singoli "Luminous" e "Arconada", il nuovo album "PLAY" rappresenta il ritorno del duo di producers YOUAREHERE, dopo anni di silenzio. Un lavoro che osserva il presente da una distanza ravvicinata, interrogandosi su cosa significhi oggi essere sé stessi in un mondo sempre più mediato da schermi, algoritmi, intelligenze artificiali e meccanismi di esposizione continua.

"PLAY" nasce da una domanda semplice, ma tutt'altro che risolta: quanto di quello che siamo ci appartiene davvero?
Nel disco la tecnologia non è soltanto uno strumento, ma un ambiente dentro cui ci muoviamo ogni giorno, capace di influenzare il modo in cui comunichiamo e costruiamo la nostra identità. Gli schermi attirano, gli algoritmi selezionano, l'attenzione diventa una forma di valore e il confine tra esperienza autentica e rappresentazione di sé si fa sempre più sottile. Gli YOUAREHERE attraversano questo territorio senza cercare risposte definitive.

"PLAY" mette in discussione il bisogno di essere visti, riconosciuti, approvati; racconta la tentazione di semplificarsi per essere compresi, di trasformarsi in qualcosa di leggibile, condivisibile, prevedibile. Ma parla anche della possibilità di sottrarsi a questo meccanismo, di recuperare una dimensione più personale e imperfetta dell'esistenza.

Nel nuovo album, l'errore non è necessariamente qualcosa da correggere: può diventare memoria, interferenza, deviazione, persino linguaggio. Anche il rapporto con la macchina assume così una dimensione ambigua. La tecnologia può amplificare la nostra voce oppure sostituirla, aiutarci a superarci oppure suggerirci chi dovremmo essere. Persino una voce artificiale può finire per raccontare qualcosa di profondamente umano.
Accanto a queste riflessioni trovano spazio la memoria, il dolore, il fallimento e la necessità di rialzarsi. Il passato non viene idealizzato, ma utilizzato come strumento per interrogare il presente: ciò che resta, ciò che perdiamo, gli errori che continuiamo a portarci dietro e la possibilità di trasformarli in qualcosa di nuovo.

"PLAY" è quindi anche un disco sulla resistenza alla semplificazione. In un tempo che spinge verso risposte immediate, appartenenze nette e identità facilmente riconoscibili, gli YOUAREHERE scelgono di rimanere dentro le contraddizioni. Senza rinunciare alla complessità, all'incertezza, persino al dubbio.
E proprio quando il rumore sembra diventare troppo forte, il disco apre uno spazio diverso: una luce che non serve a catturare l'attenzione, ma a orientarsi. Un luogo in cui fermarsi, riconoscersi e provare a capire cosa rimane quando tutto il resto viene tolto.

"PLAY" arriva così al suo significato più semplice e più radicale: ripartire. Non tornare necessariamente al punto di partenza, ma scegliere di premere ancora una volta quel tasto. Riprendere il controllo del gesto. Conservare ciò che conta. E provare, nonostante tutto, a essere presenti.

L'intero album "PLAY" è stato scritto e prodotto da Patrizio Piastra e Claudio Del Proposto. Il brano "Arconada" è stato prodotto con Luca Mamone, il brano "Play" con Andrea Biagioli. I mix sono stati curati da Andrea Biagioli (Bosco Studio), i master da Andrea Corvo (Synthesis Studio). Le fotografie sono di Luca Baroni.

Biografia

YOUAREHERE sono un duo di producer formato a Roma nel 2011 da Patrizio Piastra e Claudio Del Proposto. Dagli esordi, in cui il progetto si muoveva tra elettronica e influenze post-rock, il loro suono si è evoluto progressivamente verso un linguaggio più personale, in cui convivono elettronica contemporanea, ritmiche spezzate, scrittura melodica e sperimentazione sonora. Nel corso degli anni pubblicano gli album "As When The Fall Leaves Trees" (2011), "Primavera" (2013), "Propaganda" (2015) e "Plus Ultra" (2018), collaborando con realtà come Bomba Dischi e Fresh Yo! Label e portando la propria musica su numerosi palchi italiani, tra festival, club e aperture ad artisti internazionali.
Dopo alcuni anni di pausa, nel 2026 tornano con "PLAY", il nuovo album che alterna brani cantati in inglese e composizioni strumentali, confermando l'attitudine del duo a muoversi tra scrittura e sperimentazione e spingendo ancora più in là il dialogo tra melodia, ricerca elettronica e paesaggio sonoro. Un lavoro che esplora i temi dell'identità, della memoria e del rapporto tra individuo e sistemi contemporanei, coniugando tensione emotiva e ricerca sonora.

ANTONOVVI FOLK LEGACY: un disco dove il rap incontra il folk

2026-10-27T10:43:02.129+01:00

Cinque tracce tra ironia, memoria popolare e vita di provincia, nate dall’amicizia e dalla voglia di far dialogare mondi musicali diversi. Il rap alternativo e irriverente di Antonovvi incontra le sonorità del folk ligure dei Ponente Folk Legacy in "Antonovvi Folk Legacy", EP in uscita su tutte le piattaforme digitali venerdì 30 ottobre 2026. Un progetto che mette in comunicazione linguaggi apparentemente distanti, uniti dalle radici territoriali, dal gusto per il racconto e dalla libertà di attraversare generi e immaginari senza preoccuparsi delle convenzioni.

Il percorso comune era iniziato nel 2023 con “Solstizio”, brano accompagnato da un videoclip che aveva aperto la strada alla collaborazione. Da quell’incontro è nata la volontà di proseguire insieme, trasformando l’intesa artistica e personale in un lavoro condiviso. Il risultato è un EP di cinque tracce che alterna riletture di brani già presenti nei rispettivi repertori e nuove composizioni, con “Solstizio” disponibile come bonus track su Spotify.

Al centro del disco c’è la Liguria dell’entroterra, con i suoi paesi, i personaggi, le abitudini e le storie che diventano materia narrativa. Antonovvi, rapper “paesano” attivo da quasi vent’anni nella scena indipendente, porta nel progetto la propria scrittura ironica e dissacrante, maturata attraverso esperienze come Antibiotico Trash e Casa Degli Specchi. Al suo fianco, i Ponente Folk Legacy, progetto fondato da Davide Baglietto, Luca Schiappacasse ed Emmanuel Biamonti, contribuiscono con un linguaggio folk radicato nella tradizione ligure, ma capace di guardare oltre i confini locali.

Tra i brani recuperati c’è “Come da Tavole a Villatalla”, uno dei pezzi simbolo di Antonovvi, qui riproposto in una veste acustica che ne rilegge l’identità attraverso una nuova sensibilità sonora. Trovano spazio anche “Cesio” e “No, è Noli.”, mentre i due inediti ampliano il racconto del territorio con prospettive differenti. “Sparatoria a Camporosso” prende spunto da un fatto di cronaca reale, intrecciandolo a una scrittura pungente e a un riconoscibile richiamo alla musica italiana. “Pastis, Petanque e Pattoni a Perinaldo” si presenta invece come un manifesto della quotidianità di paese, tra tradizioni, vizi, personaggi e piccole epopee che, viste da vicino, assumono i contorni di storie universali.

Anche l’immaginario visivo partecipa al gioco di rimandi che attraversa il disco: la copertina richiama "The Best Of" dei Blur, aggiungendo un ulteriore livello di citazioni a un progetto che fa dell’incrocio tra riferimenti culturali, ironia e appartenenza territoriale uno dei propri tratti distintivi.

Antonovvi Folk Legacy è così il risultato di una collaborazione che non cerca di uniformare due identità musicali, ma lascia che si contaminino, mantenendo ciascuna la propria voce. Ne nasce un racconto corale della provincia ligure, dove il folk incontra il rap, la memoria popolare si mescola alla cultura pop e le storie locali diventano il punto di partenza per una musica libera, personale e senza confini prestabiliti.

Biografia

ANTONOVVI è uno degli esponenti più singolari del rap indipendente italiano. Nato e cresciuto nell’entroterra di Imperia, ha sviluppato uno stile personale definito “rap paesano”, dove il linguaggio diretto della provincia incontra introspezione, ironia e citazioni pop. Esordisce nei primi 2000 con alcuni demo, per poi pubblicare numerosi album con la crew Antibiotico Trash. Nel mentre inizia anche il suo percorso solista, in cui il primo lavoro di spicco è l'album "Frei" del 2010, che lo mette sulla mappa delle nuove leve del rap underground.

Nel 2011 fonda il collettivo rap situazionista Casa Degli Specchi, con cui pubblica tre album a cavallo tra rap d’autore e sperimentazione. Negli anni si afferma come autore poliedrico e prolifico, capace di passare dal rap hardcore al cantautorato Hip Hop, fino a ibridazioni con elettronica, psichedelia e folk (con la band Ponente Folk Legacy).

Dal 2007 ad oggi, singolarmente ha pubblicato 4 album, 2 ep, numerosi singoli e mixtapes, a cui si aggiunge il joint album con Jus-T sotto il nome Allegri Mazzarri. Svariate le collaborazioni con produttori, rappers e cantanti della scena italiana; è attivo anche nella produzione video, di cui spesso è stato autore, montatore e regista. Ha condiviso il palco con leggende del rap italiano come Esa, Bassi Maestro, Colle Der Fomento, Unlimited Struggle, Ghemon. Molto attivo fin dagli esordi nei live in giro per l'Italia, nel 2020 fonda Mondo Alieno, crew organizzatrice di eventi musicali e artistici nel Ponente ligure. Affianca alle esibizioni on stage l'attività di dj, selecter e podcaster.

Antonovvi si definisce “menestrapper”: lontano dalle mode, racconta storie e immaginari alternativi con liriche intime e disarmanti. I suoi testi oscillano tra crittografia e critica, tra autoironia e visioni surreali. Dopo numerose releases nel 2025 (tra cui l'ep "VAPORIDIS"), a maggio 2026 "DISGUSTO. SPLENDORE. COGLIONE.", interamente prodotto da Erma. Il progetto è stato anticipato da diversi singoli e video, tra cui "Red Hot Chili Peppers", "Palpatine" e "Giovanni Cacioppo".

“Vorrei” è il nuovo singolo di Lorenz Castelli

2026-10-27T08:38:15.189+01:00

Da venerdì 30 ottobre 2026 sarà disponibile in rotazione radiofonica e sulle piattaforme digitali di streaming “Vorrei” il nuovo singolo di Lorenz Castelli.

“Vorrei” è un brano up-tempo che affronta il tema della solitudine, delle difficoltà di comunicazione e della paura di perdere la persona amata. La canzone racconta le insicurezze di chi fatica a esprimere i propri sentimenti e cerca una via di fuga dalla confusione quotidiana. Al centro del testo c’è il desiderio di costruire una relazione sincera, superando dubbi, paure e aspettative. L’artista si interroga anche sul valore di un semplice “ti amo” in una società in cui i rapporti sono spesso superficiali e i sentimenti vengono dati per scontati. Tra idealizzazione dell’altro e paura di non essere ricambiati, il brano sottolinea l’importanza dell’onestà, della fiducia e della capacità di mostrarsi per ciò che si è, senza nascondere le proprie fragilità.

Spiega l’artista a proposito del brano: «Questo brano nasce da un'osservazione diretta e amara del contesto sociale in cui viviamo. Guardando le dinamiche di coppia di oggi, mi sono reso conto di quante persone rimangano bloccate in stalli emotivi perenni, prigioniere di quelle che definisco 'vite parallele'. Quando parlo di vite parallele non mi riferisco a percorsi destinati a non incontrarsi mai per puro caso, ma a esistenze nascoste, fatte di omissioni, ipocrisie e poca onestà, in cui manca il coraggio di guardarsi negli occhi e dirsi la verità. In questo scenario, ho notato come la dinamica del possesso e del controllo venga troppo spesso scambiata per amore. Per pura insicurezza si finisce per giudicare chi ama vivere la propria esistenza in modo libero, positivo, solare e al tempo stesso profondamente rispettoso. La società, spesso ingabbiata nei propri cliché e in rigidi standard culturali ed emotivi, tende a bollare queste persone come frivole, superficiali o addirittura ad accusarle di condurre una doppia vita. L'amara ironia è che accade esattamente il contrario: sono proprio coloro che basano i rapporti sul possesso, sulla sfiducia e sul confinamento altrui a nascondersi dietro finzioni e doppiezze, incapaci di vivere una verità reale».

Il videoclip di “Vorrei” è stato girato a Palermo e attraversa alcuni dei luoghi più caratteristici della città e della costa, dalla borgata marinara di Mondello alle strade del centro, fino agli scenari urbani notturni. Le immagini mettono a confronto il ritmo frenetico della vita quotidiana con la ricerca di una quiete interiore, rappresentata dalla calma del mare e richiamata anche nella copertina del singolo.

Biografia

Lorenz Castelli, nome d'arte del cantautore e musicista Gianlorenzo Castelli (classe 1979), propone un progetto musicale che si inserisce con forza nel panorama del pop-rock d'autore italiano. La sua identità artistica unisce una scrittura intima e diretta a un forte impatto cinematografico, arricchito da sonorità moderne, curate ed energiche. Nato a Bucarest e cresciuto a Palermo a partire da metà anni '80, il suo percorso nasce nelle strade e sulle spiagge, dove tra improvvisazioni chitarra e voce coltiva la sua filosofia: la ricerca di una voce autentica, naturale e lontana dalle logiche standardizzate delle produzioni di plastica.

I suoi riferimenti spaziano dal pop-rock internazionale (Michael Jackson, Queen, Coldplay, Sting) ai grandi interpreti e vocalisti della musica italiana come Giorgia, Marco Masini e Alex Baroni, fino al legame artistico con l'immaginario di Nek (Filippo Neviani). Questa influenza trova una continuità diretta nella collaborazione con l'autore e compositore Andrea Amati, firma di punta del mainstream italiano.

Dopo i primi importanti passi televisivi e concorsuali a livello nazionale - Accademia di Sanremo, Momenti di Gloria su Canale 5 condotto da Mike Bongiorno, e i provini per Amici di Maria De Filippi - per dare pieno sfogo alla sua visione e portare questa potenza sul palco, fonda la Contromano Music Band (CMB), realtà dedita alla rielaborazione della grande musica d'autore italiana nei live. Il progetto prende vita grazie all'energia e all'intesa di una formazione d'eccezione composta da Piero Virzì alla chitarra, Gaspare Greco alla batteria e Danilo Buttitta al basso, con il coordinamento manageriale e la direzione organizzativa affidati ad Antonella Trapani.

La maturazione artistica del progetto vede la produzione tecnica affidata al polistrumentista Michele Coratella (Mikorstudio) e il supporto strategico di un team di professionisti di alto profilo: il lavoro sulla cura e sulla salute vocale è affiancato da Pietro Lo Piccolo, celebre Vocal Coach tra i coach ufficiali dell'Eurovision Song Contest 2022 svoltosi a Torino.

A fare da solido punto di riferimento in questo percorso di costante evoluzione c'è la dimensione umana dell'artista: una crescita personale e professionale affiancata da sempre dal costante sostegno della sua famiglia e dall'affetto sincero degli amici più cari.

Nel 2026, la sinergia strategica con l'ufficio stampa Red&Blue Music Relations segna una nuova fase di posizionamento radiofonico. Dopo il lancio del singolo "Tutto di te", Lorenz presenta il nuovo brano "In fin dei conti", un'opera intensa focalizzata sul valore del non detto e sulle urgenze emotive. Il percorso discografico proseguirà con la rielaborazione e la successiva pubblicazione di altri brani chiave del suo repertorio, tra cui "Possibile" e "Vorrei", confermando l'identità di un artista indipendente con una storia autentica da raccontare e una proposta cucita per l'airplay nazionale.

“Vorrei” è il nuovo singolo di Lorenz Castelli disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica da venerdì 30 ottobre.

ELLEN RIVER torna con il singolo “LOOKING FOR A RAINBOW

2026-10-26T20:24:32.968+01:00

La cantautrice Ellen River firma il suo ritorno discografico con “Looking For A Rainbow”, il nuovo singolo title track del nuovo album di inediti, che ne anticipa l’uscita prevista per il prossimo 6 novembre 2026.

In un presente segnato da alienazione, indifferenza, disumanizzazione e dinamiche di potere che riducono le persone a semplici pedine intorpidite, Ellen River risponde con un brano d'impatto e di grande spessore etico. “Looking For A Rainbow” intreccia con maestria le radici del folk, del rock e della musica d'autore, mettendo al centro la forza delle parole e l’importanza di esprimerle.

Il testo di “Looking For A Rainbow” affonda le mani in una critica sociale lucida e accorata. Ellen River osserva con amarezza un mondo in cui si gioca con la vita delle persone e di tutti gli esseri viventi, mossi come pedine in una partita a scacchi, dove la crudeltà sembra non avere limiti e dove ci si ritrova sempre più assuefatti agli orrori rimanendo spettatori privati delle emozioni.

Di fronte all'appiattimento culturale, al rigetto della diversità e al tentativo di assuefare le coscienze per renderci inermi, il rifiuto dell'artista è netto: "Siamo solo corpi, esseri umani | La cosa più importante è ciò che abbiamo dentro | le nostre anime e i nostri cuori sono le uniche cose che contano | e sono proprio quelle che vogliono disgregare".

Cercare l'arcobaleno ("Looking for a rainbow with its colors") diventa così un atto di resistenza umana e poetica: la ricerca febbrile dei colori, della pluralità, della compassione e del valore sacro della Natura, elemento salvifico in contrapposizione con la grigia indifferenza che tenta di annullarli.

Il singolo rappresenta la perfetta chiave di lettura dell'album Looking For A Rainbow, il nuovo progetto discografico della cantautrice in arrivo il 6 novembre 2026 su tutte le piattaforme digitali e nei formati fisici (vinile e CD).

Un album maturo, viscerale e necessario, che conferma Ellen River come una delle voci più autentiche del panorama roots/folk/americana music, dopo il successo di "Life", doppio album del 2023.

Saranno due le presentazioni ufficiali di Looking For A Rainbow:

Venerdì 6 novembre | Release Party | Lambruscheria Cà Berti
Levizzano Rangone (MO) | Full Band
Sabato 5 dicembre - Anteprima Nord-Ovest | Black Inside
Lonate Ceppino (VA) | Full Band

Greta Marsi racconta la fede e le sue contraddizioni nel nuovo singolo “Casa di Dio” | Recensione

2026-10-26T12:23:13.907+01:00

Ci sono canzoni che nascono per dare risposte e altre che, al contrario, hanno il coraggio di lasciare aperte le domande più difficili. “Casa di Dio”, il nuovo singolo di Greta Marsi, appartiene a questa seconda categoria: un brano che affronta il tema della fede attraverso le sue contraddizioni, mettendo in dialogo il bisogno di credere con il caos interiore, il dolore e la fragilità dell'esistenza.

L'idea prende forma durante una lezione di songwriting, da una riflessione condivisa quasi per gioco sul volto di Dio, sul suo significato e sul peso che la sua presenza può avere nelle nostre vite. Da questo spunto prende vita un racconto intimo, nel quale la fede non viene rappresentata come una certezza assoluta o un rifugio sempre rassicurante, ma come un'esperienza complessa, talvolta rumorosa e disordinata, capace di convivere con le ferite più profonde dell'animo umano.

Nelle parole di Greta Marsi, credere significa anche confrontarsi con il caos, con i vetri rotti e con quelle lenzuola bianche in cui può annidarsi la depressione. Immagini forti, che restituiscono una dimensione lontana da ogni idealizzazione e raccontano la spiritualità come uno specchio nel quale riconoscere ciò che portiamo dentro, comprese le parti più difficili da accettare.

Eppure, proprio quando tutto sembra incomprensibile, emerge il desiderio di trovare qualcosa a cui aggrapparsi. La fede diventa allora la possibilità di chiedere aiuto, imparare a fidarsi, accogliere il dolore e riconoscere la propria imperfezione senza smettere di credere nell'amore. Non una strada priva di ostacoli, dunque, ma un percorso umano fatto di dubbi, cadute e tentativi di ritrovare un equilibrio.

Con “Casa di Dio”, Greta Marsi dà voce a questa contraddizione, trasformandola in una riflessione sulla ricerca di un punto fermo quando il mondo interiore sembra perdere ogni riferimento. Il brano si inserisce così in quello spazio delicato in cui spiritualità ed emozioni si incontrano, senza offrire risposte preconfezionate, ma lasciando all'ascoltatore la libertà di riconoscersi nelle proprie domande.

Perché forse la fede non consiste necessariamente nell'avere tutto chiaro, né nel trovare una spiegazione a ogni sofferenza. A volte significa semplicemente continuare a cercare, accettare di essere fragili e concedersi la possibilità di credere ancora. Anche quando tutto intorno sembra andare in frantumi.

Finalmick, “Trip” e l'universo di “Pareidolia”: un viaggio tra elettronica, immaginazione e mondi alternativi | intervista

2026-10-26T11:14:49.945+01:00

Ci sono artisti che scelgono di raccontare la realtà così com'è e altri che preferiscono reinventarla, trasformando emozioni, inquietudini e senso di estraneità in universi tutti da esplorare. Finalmick, nome d'arte di Michael Bocca, appartiene a questa seconda categoria: un artista eclettico che fa della sperimentazione e della contaminazione sonora i tratti distintivi del proprio percorso, attraversando le diverse sfumature dell'alternative senza lasciarsi imprigionare da un'unica identità musicale.

Con “Trip”, il suo nuovo singolo disponibile dal 14 ottobre, Finalmick ci invita a sospendere per un momento il rapporto con la quotidianità e a lasciarci trasportare in una dimensione parallela, dove l'immaginazione diventa libertà e il viaggio conta più della destinazione. Le sonorità dell'alternative pop si intrecciano con un'elettronica incisiva, atmosfere dark e voci profonde, dando vita a un brano in cui l'energia del ritmo incontra la leggerezza del gioco e della fantasia. Un equilibrio che rivela la volontà di sperimentare, accostando suggestioni futuristiche a una dimensione immediata e coinvolgente.

Il singolo rappresenta il secondo tassello di “Pareidolia”, il futuro album di debutto che, già dalle premesse, si annuncia come un universo musicale multiforme. Se “Empress”, primo capitolo del progetto, si muoveva nei territori energici dell'alternative metal, “Trip” cambia prospettiva e apre le porte a un paesaggio sonoro differente. Due mondi apparentemente lontani, ma accomunati dalla medesima esigenza di esplorare e superare i confini stilistici.

Dietro questa libertà creativa si nasconde anche una dimensione profondamente umana. Attraverso personaggi, immagini e scenari immaginari, Finalmick trasforma esperienze personali e riflessioni in racconti capaci di parlare a chiunque si sia sentito, almeno una volta, fuori posto o incompreso. La sua musica diventa così uno spazio in cui riconoscersi, dare forma alle proprie emozioni e scoprire che sentirsi diversi non significa necessariamente essere soli.

In questa intervista ci addentriamo nel mondo di Finalmick per scoprire la genesi di “Trip”, le suggestioni che alimentano la sua ricerca sonora e la visione che accompagna “Pareidolia”: un viaggio tra pianeti musicali, identità in continua evoluzione e la possibilità di trovare, proprio attraverso la musica, un luogo in cui sentirsi finalmente a casa.

Benvenuto su La Musica che gira intorno...

Grazie per l'invito!

A giugno hai presentato “Empress”, un brano dalle sonorità alternative metalenergiche e incisive, mentre con “Trip” ti sposti verso un alternative pop contaminato dall’elettronica. Che cosa ti ha spinto a scegliere due linguaggi musicali così differenti per introdurre “Pareidolia”?

Sono stato spinto dalle influenze di svariati generi che ho ascoltato nel corso degli anni ed essendo indeciso su quale strada impostare il mio progetto, ho scelto di fare un mix di generi ovviamente restando sempre sotto il tema alternative che si ritrova sempre nei miei testi e nel sound delle mie canzoni.

Nel nuovo singolo "Trip" proponi di partire idealmente verso Marte, lasciandosi alle spalle la realtà conosciuta. Che cosa rappresenta questo viaggio per te? Nasce dal desiderio di evadere, dalla necessità di reinventare il mondo che ci circonda o dalla voglia di concedersi uno spazio in cui tutto diventi possibile?

Per quanto riguarda la mia visione è proprio quella di vedere ogni tanto la realtà sotto un punto di vista diverso, dove anche il semplice viaggio verso Marte può simboleggiare una mente che viaggia in mezzo ai sogni da realizzare in una realtà che deride gli ambiziosi.

Il viaggio verso Marte, così come tutto il testo di Trip, è a libera interpretazione e può essere interpretato in qualsiasi modo.

In “Trip” convivono una produzione dalle sfumature dark, voci profonde e un testo leggero, giocoso e quasi liberatorio. Come hai lavorato per far dialogare queste componenti senza che una prevalesse sull’altra?

Trip è una canzone dalle componenti che messe insieme nel complesso creano un’atmosfera particolare. Volevo che Trip avesse un’atmosfera dark, ipnotica e piacevole in tutto il suo contesto, l’accompagnamento di un testo ha disegnato perfettamente la cornice della produzione stessa invitando l’ascoltatore a lasciarsi trasportare dall’esperienza stessa.

Tra i riferimenti che accompagnano l’immaginario di “Trip” compaiono artisti come Charli XCX, Grimes e Crystal Castles, capaci di esplorare territori elettronici alternativi e atmosfere non convenzionali. In che modo queste influenze hanno contribuito alla costruzione del brano?

Hanno contribuito molto in generale sul mio stile perchè sono artisti che ascolto moltissimo e che stanno ispirando molti artisti alternative della scena attuale, hanno ispirato anche me per questo nuovo singolo, non volevo buttare fuori un pezzo dance con i classici clichè perciò ho ricercato in questi artisti delle particolarità che infatti si riflettono nel sound.

Hai descritto il tuo futuro album di debutto come un universo formato da pianeti autonomi, ognuno con una propria identità musicale. Quanto è importante, per te, poter cambiare pelle da una canzone all’altra senza dover rispondere alle aspettative di un genere preciso?

Pareidolia più che un album è stato per me uno dei tanti modi di far cambiare forma al genere alternative, il concept dell'album si basa sul significato del nome stesso che gli ho dato, la pareidolia è il vedere forme familiari in cose casuali, ho rappresentato il tutto con le diverse forme che la musica alternative assume per me e per chi ascolta.

Il tuo progetto vuole dare voce a chi si sente incompreso, diverso o fuori posto. È un sentimento che hai conosciuto personalmente e che hai scelto di trasformare in musica? Quanto conta, per te, creare canzoni nelle quali qualcuno possa riconoscersi e sentirsi meno solo?

Ho sempre avuto la sensazione di sentirmi diverso, oltre ad essere cresciuto in un mondo che me lo faceva notare sempre. Tutte le sensazioni legate alla diversità riesco a renderle più leggibili tramite quello che scrivo in frequenze sonore, per me è importante dar voce a persone come me proprio perchè la diversità è una delle cose più belle dell'essere se stessi.

Segui personalmente gran parte delle fasi creative dei tuoi brani, dalla scrittura al canto, fino alla produzione e agli arrangiamenti. Quali sono i vantaggi e le difficoltà di avere un controllo così diretto sul proprio universo musicale?

I vantaggi stanno nella piena libertà di esprimerti come ti pare e provare più soddisfazione di fronte ai risultati ottenuti in mezzo a tante altre cose belle, gli svantaggi nel mio caso sono legati allo stress, paura di non essere all'altezza, il fatto che ad esempio da solo impieghi più tempo per realizzare un progetto, per la maggior parte dei casi è così. Del resto per il progetto Pareidolia, composto da dodici tracce, ho avuto modo di collaborare con qualcuno che mi ha dato una mano, nel lato della scrittura dei testi di sei canzoni dell'album ci tengo a ringraziare Lucy Gelmetti che ha lavorato con me come Co-Writer, sull'arrangiamento e scrittura di due tracce in particolare ho avuto la mano della cantante Aurora Foti e in una di queste due tracce ha pure suonato il piano, la tracklist del progetto ovviamente si chiude con l'artista a tutto tondo Mltvrse che ha prodotto, mixato e masterizzato le ultime due tracce. Senza il loro aiuto probabilmente non avrei ancora chiuso l'album.

Ti capita di sentire il bisogno di confrontarti con altre sensibilità artistiche per scoprire possibilità che da solo non avresti immaginato?

Assolutamente si, confrontarmi con altre sensibilità artistiche potrebbe essere un modo per crescere anche come persona. Confrontare la mia visione della musica e dell'arte con quella di altri artisti potrebbe essere stimolante per me e potrei magari arricchire e perfezionare la mia personalità artistica che, come quella di tutti gli artisti, non smette mai di scoprire cose nuove attorno a se e negli altri.

Il tuo percorso è iniziato con la pubblicazione di cover su YouTube, per poi svilupparsi attraverso singoli ed EP. Guardando indietro, quanto è cambiato il tuo modo di concepire la musica e di raccontarti attraverso di essa?

Di certo guardando indietro non faccio altro che notare i miei miglioramenti, anni fa sono partito producendo basi con le DAW dal cellulare finché non sono riuscito ad avere un bel pc con attrezzatura per produrre e registrare, adesso è quasi tutto diverso, la qualità, il sound e le produzioni più elaborate, l'unica cosa che non è cambiata è il mio stile nel raccontarmi e raccontare le cose che succedono nel mondo che mi sono creato.

“Trip” invita a partire senza sapere necessariamente dove si arriverà, mentre “Pareidolia” promette di accompagnarci attraverso mondi sonori differenti. Senza svelare troppo del disco, quali altre dimensioni dobbiamo aspettarci di incontrare?

Ci saranno molte altre dimensioni, alcune avranno un aspetto più dark, altre avranno un aspetto dreamy, altre ancora sono parti di dimensioni che ho preso dal mio passato.

E, al termine di questo viaggio, che cosa vorresti rimanesse a chi avrà ascoltato il tuo album: un’emozione, una domanda o la sensazione di aver finalmente trovato un posto in cui sentirsi a casa?

Con questo progetto non voglio regalare un solo posto in cui sentirsi a casa ma un universo intero, soprattutto chi si sente diverso, strano, incompreso o fuori posto voglio che trovi casa in uno spazio più grande del pianeta in cui vive ogni giorno. Tutti potranno sentirsi a casa in qualsiasi pianeta che compone Pareidolia oppure solo in una parte di questi o magari in un pianeta soltanto, o perchè no!? Magari trovare casa in una delle stelle che di questo stesso universo che ho creato ne colorano lo spazio.

Grazie per essere stato ospite de La Musica che gira intorno e buona musica sempre!

Grazie davvero!

Marco Blues debutta da solista con “Lost Like Kevin (But in L.A.)”: quando la musica diventa una casa in cui ritrovarsi

2026-10-23T19:06:15.092+02:00

Ci sono viaggi che ci portano lontano da casa e altri che, inaspettatamente, ci costringono a fare i conti con noi stessi. È proprio in questo spazio fragile, sospeso tra la scoperta del mondo e lo smarrimento interiore, che prende forma “Lost Like Kevin (But in L.A.)”, il primo singolo da solista di Marco Blues, pubblicato il 23 ottobre.

Il brano nasce da un'esperienza personale particolarmente dolorosa: un viaggio a Los Angeles nel 2025, interrotto emotivamente dalla notizia della scomparsa improvvisa della mamma Silla, avvenuta il 1° settembre. Una distanza geografica che, in quel momento, si è trasformata anche in una distanza difficile da colmare sul piano emotivo, lasciando spazio alla solitudine, al senso di perdita e alla necessità di trovare un nuovo equilibrio.

Già dal titolo emerge un riferimento cinematografico immediato, quello di Mamma, ho perso l'aereo, che richiama ironicamente la figura di Kevin e il suo ritrovarsi lontano da casa. Ma dietro questa suggestione si nasconde una storia molto più intima e profonda, nella quale lo smarrimento assume un significato diverso: non si tratta soltanto di trovarsi in una città sconosciuta, ma di sentirsi improvvisamente lontani da ciò che rappresentava un punto fermo nella propria vita.

La perdita diventa così il cuore narrativo di una canzone che non vuole limitarsi a raccontare un dolore individuale, ma cerca di trasformarlo in un linguaggio capace di raggiungere anche gli altri. Perché, in fondo, sentirsi persi è un'esperienza che può appartenere a chiunque, soprattutto quando vengono meno le certezze che fino a quel momento ci avevano fatto sentire al sicuro.

Dal punto di vista musicale, Marco Blues costruisce la propria identità attraverso un incontro di sonorità americane, blues, country e pop-rock, lasciando che le esperienze personali e le immagini cinematografiche contribuiscano a definire il suo universo artistico. Un immaginario nel quale la musica diventa uno strumento per raccontarsi senza filtri, dando forma a emozioni che spesso è difficile esprimere attraverso le parole.

Con questo debutto, l'artista inaugura dunque un nuovo capitolo del proprio percorso, scegliendo di presentarsi al pubblico attraverso una storia autentica, segnata da una perdita profonda ma animata anche dal desiderio di ritrovare una direzione.

“Lost Like Kevin (But in L.A.)” è, prima di tutto, il racconto di una ricerca: quella di un luogo, di un equilibrio e di una casa che non coincide necessariamente con uno spazio fisico. Perché a volte casa è una persona, un ricordo, una voce che continua ad accompagnarci anche quando non possiamo più sentirla. E forse la musica può aiutarci proprio in questo: a dare una forma all'assenza, a condividere ciò che ci ferisce e a scoprire che, anche nei momenti in cui ci sentiamo più soli, esiste sempre la possibilità di ritrovare un legame con il mondo.

“Un’Altra Vita” è l’album d’esordio del cantautore Morrison

2026-10-23T17:36:10.769+02:00

“Un’Altra Vita” è l’album d’esordio del cantautore barese di stanza a Roma Morrison, disponibile su tutte le piattaforme digitali da oggi 23 ottobre. “Un’Altra Vita” rappresenta per Morrison la chiusura di un cerchio personale. Il disco attraversa sonorità pop, indie e folk, ponendo al centro la melodia e la dimensione emotiva dei brani. Durante la sua realizzazione, l’artista era particolarmente affascinato dall’universo sonoro di Novo Amor, le cui atmosfere hanno ispirato alcune delle produzioni dell’album.

ASCOLTA L’ALBUM: https://li.sten.to/morrison-unaltravita

Morrison ha sempre vissuto intensamente la musica, ma seguire le regole del mercato gli aveva fatto perdere di vista le sue motivazioni. Nel febbraio 2025, durante un soggiorno nella natura della Basilicata, ha sentito il bisogno di fermarsi. Da quel momento ha voluto trasformare esperienze, emozioni, paure e sogni in un’opera capace di custodire i ricordi di quegli anni.

Il progetto è partito da due brani già scritti: “La fine dei vent’anni” e “Un’Altra Vita”; quest’ultimo è un dialogo interiore sulle difficoltà di costruire il futuro e inseguire un sogno. Nel ritornello Morrison immagina una seconda possibilità, vissuta senza sprecare tempo e con uno sguardo diverso sul mondo.

Il primo album di Morrison è dunque soprattutto un documento: racconta la fine dei vent’anni, le paure, le perdite, gli affetti e i sogni di una fase di cambiamento. Più che descriverlo oggi, ritrae chi era mentre cercava di capire chi volesse diventare. Per questo sentiva il bisogno di realizzarlo.

Interamente prodotto nell’home studio di Morrison mentre mix e mastering sono stati curati con Marcello Magro, suo mentore ed ex bassista della band dello zio.

“Mio zio è stato una figura fondamentale nella mia vita e nel mio percorso musicale, e questo legame rende la presenza di Marcello nell'album ancora più speciale. È una persona che appartiene alla storia della mia famiglia e che oggi fa parte anche della mia storia artistica” – Morrison.

Durante la realizzazione di “Un’Altra Vita”, Morrison ha filmato il processo creativo, raccogliendo momenti in studio, dubbi e riflessioni. Ne è nato un documentario che affianca il racconto musicale dell’album: alcuni estratti saranno diffusi sui social prima dell’uscita, mentre la versione completa sarà pubblicata successivamente.

TRACKLIST

1. Prologo

2. Che Gran Bel Paradiso

3. Marlboro Man (feat My Neighbors Hate Me)

4. Un’Altra Vita

5. Autodistruttivo

6. Lunapark

7. Come Le Star

8. La Fine Dei Vent’anni

9. Ninna Nanna

CHI È MORRISON?

Profondamente legato alla mia amata Puglia e migrato a Roma, quello che sono non è altro che un mix tra un cantastorie, un performer con attitudine da rockstar e un topo da studio. Cerco di andare dritto senza seguire troppo le mode. Ne viene fuori il risultato delle mie innumerevoli influenze musicali e stimoli di mondi diversi dal mio che cerco di convogliare in un’unica direzione pop. Mi piacciono le chitarre, gli outfit d’asfalto e le belle melodie. La mia immagine in realtà è un paracolpi che racchiude un’anima profonda.

Morrison è il progetto artistico di Simone Maremonti, cantautore, musicista e producer pugliese. Il nome nasce come tributo allo zio Maurizio “Morris” Maremonti, frontman degli One Way Ticket, figura fondamentale nella sua crescita umana e musicale. È lui a trasmettergli la passione per il rock e la scrittura come espressione autentica delle emozioni.

Il percorso di Simone inizia oltre dieci anni fa. Per otto anni è autore e frontman degli Estro, band con cui conquista nel 2019 il Premio Pigro Ivan Graziani a Sanremo. Parallelamente, dal 2016 sviluppa l'attività di producer autodidatta, costruendo una solida esperienza sia sul palco che in studio.

Nel 2023 debutta da solista con il nome d'arte “ade”, pubblicando una serie di singoli tra cui “Bye Bye”, “Lullaby”, “Respiri”, “Cara Mamma” e “Serotonina”, quest'ultima inserita nella playlist editoriale Spotify “Caleido”. A gennaio 2025 pubblica “La fine dei vent'anni”, brano intenso e generazionale che segna una tappa importante del suo percorso artistico.

Nel 2026 nasce Morrison. Il primo singolo, “Lunapark”, inaugura una nuova identità sonora che fonde pop d'autore, atmosfere rock e suggestioni cinematografiche. È un progetto che trasforma memoria, esperienza e crescita personale in musica, portando avanti un'eredità affettiva e artistica con uno sguardo rivolto al futuro. Seguono i singoli “Marlboro Man” con My Neighbors Hate Me e “Come Le Star”. Il 23 ottobre 2026 esce “Un’Altra Vita”, il primo album.

Gloria Trìcamo esordisce con il suo disco ufficiale "FUCK, MARRY, DIE"

2026-10-23T17:26:49.931+02:00

Anticipato dai tre singoli Fragile, Distruggere un amore e Naufraghi ed eroi, Gloria Trìcamo esordisce con il suo disco ufficiale FUCK, MARRY, DIE, disponibile da oggi 23 ottobre per Artist First.

Dopo essere stata accolta con entusiasmo dalla critica e dalla stampa e aver ottenuto ottimi riscontri anche sulle piattaforme digitali, con l’ingresso dei singoli pubblicati in alcune delle principali playlist editoriali, tra cui Fresh Finds Italia ed EQUAL di Spotify, si completa ora un nuovo tassello del suo percorso artistico, che incontra una produzione dal respiro internazionale.

Il titolo riprende il gioco Fuck, Marry, Kill, in cui a ogni nome viene associata una delle tre azioni, trasformandolo in una riflessione sulla tendenza contemporanea a classificare, semplificare e giudicare le esistenze degli altri. Ogni canzone è una nave su cui salpare, che ci può portare a destinazione e, allo stesso tempo, stravolgere l’esistenza. E Gloria, ripercorrendo proprio il suo legame con il mare, nelle immagini del porto dove è cresciuta, racconta le sue storie, che sono anche le nostre, tra forme di felicità da afferrare, un sistema viziato dalla performance, amori materiali e un futuro che non ha bussole, se non le intenzioni che più ci rappresentano.

Dobbiamo prendere la decisione più difficile e cruciale: vivere nella finzione oppure spezzare ogni tipo di sceneggiatura, riscrivendo la propria; ma forse, più nel profondo, la vera rivoluzione è prendersi la libertà di non dover interpretare nessun personaggio. E, nel momento in cui viene acquisita quella consapevolezza, comincia la più grande sfida quotidiana; ovvero, rimanere se stessi. Proprio su questo aspetto si forma la tela su cui Gloria riscrive i tratti della sua personalità, con uno sguardo profondo nei confronti di un mondo attorno che duplica copioni di vite già scritte e che spesso non ci appartengono.

Il progetto ha un'impronta fortemente suonata, tra cantautorato, tensioni noise e suggestioni del songwriting americano, realizzato insieme a musicisti e polistrumentisti come Benjamin Lazar Davis, Adriano Viterbini, Kyle Crane e C. J. Camerieri. Da un punto di vista visivo, la direzione artistica è curata da Shalla Hope, nome d'arte di Valentina Branella.

‘’Il mio disco parla d’amore universale in tutte le sue forme; è anche un’analisi della realtà. A partire dalla metafora del marinaio che viaggia e che deve trovare il suo equilibrio sulla terra ferma e il mondo che spesso non ce lo permette, in un certo senso, c’è una presa di posizione precisa: contro cosa e chi voglio lottare, il desiderio di esprimere me stessa in tutto e per tutto, anche a discapito del sistema che deve scritturare la nostra parte’’.

Gloria Trìcamo

Il disco sarà accompagnato da due date live di presentazione a Milano e a Roma:

24/10 - Milano, Biko

12/11 - Roma, Spaghetti Unplugged

Biografia

Gloria Trìcamo è una cantautrice e musicista italiana. La sua musica attraversa cantautorato, suggestioni art-rock e tensioni noise. Nel 2025 pubblica il suo primo EP, “Una piccola guerra”, con Flamingo Management e porta le sue canzoni dal vivo, aprendo tra gli altri il concerto di Fantastic Negrito a Trieste. Nello stesso anno vola a Los Angeles per registrare il suo album d’esordio con il produttore e polistrumentista Benjamin Lazar Davis, insieme a musicisti come Kyle Crane, C.J. Camerieri e Adriano Viterbini. Sempre nel 2025 partecipa alle musiche di “Uncovered Rome”, serie diretta da Giulia Randazzo e selezionata alla Festa del Cinema di Roma. Nel 2026 apre un nuovo capitolo del suo percorso con i singoli “Distruggere un amore”, “Fragile” e “Naufraghi ed eroi”, che anticipano “Fuck, Marry, Die”, il suo album d’esordio in uscita il 23 ottobre.

“Oligarchia” è il nuovo singolo del duo Quelli dal Cappello

2026-10-23T17:15:24.640+02:00

“Oligarchia” è il nuovo singolo del duo Quelli dal Cappello, in uscita su tutte le piattaforme digitali da oggi 23 ottobre per Bonafanti Records. Il brano mette a nudo le contraddizioni della società e le responsabilità di chi detiene il potere. Racconta crude verità senza aderire a uno schieramento politico né imporre una lettura: lascia all’ascoltatore la libertà di interpretare le parole, sollevare domande e alimentare il dibattito. La denuncia incontra una dimensione personale. Gli errori di capi di Stato e miliardari, talvolta persino ostentati, diventano uno spunto per ridimensionare i propri. Senza assolvere nessuno, il brano invita a sentirsi meno soli e a riconoscere che uno sbaglio può essere affrontato e riparato.

"Il cuore di Oligarchia è una frase: noi solamente chiediamo un futuro. Sono poche parole, ma dentro c’è tutto. C’è l’allarme per ciò che l’uomo sta facendo al pianeta. Ci sono giovani che studiano, si informano e osservano il proprio Paese e il mondo, chiedendosi: che ne sarà di noi tra quarant’anni? Non pretendiamo di avere tutte le risposte. Ma vogliamo che questa domanda venga ascoltata, perché le scelte di oggi stanno decidendo la vita che avremo domani." (Quelli dal Cappello)

Biografia

Quelli dal Cappello nasce dall’incontro tra Lorenzo e Alejandro, due ragazzi di 24 anni con percorsi diversi e una passione comune: la musica. Lorenzo è autore e chitarrista, studente magistrale di Scienze della Comunicazione e appassionato di calcio. Il suo bagaglio musicale attraversa il cantautorato italiano, l’indie, il pop, il rock e il punk, fino al country americano. Alejandro è batterista, lavora come marinaio in cantiere e ha una grande passione per le moto. Cresciuto ascoltando Pink Floyd, Nirvana, Green Day e Pearl Jam, porta nel progetto le sue radici rock e punk, aprendosi a sonorità più morbide e country.

Dall’incontro di queste influenze prende forma una musica che intreccia cantautorato, indie, pop, rock e country con testi di denuncia sociale. Quelli dal Cappello osserva le contraddizioni del presente senza indicare un’appartenenza politica, lasciando spazio alla libertà di interpretazione e al confronto. Una visione che trova espressione nel brano “Oligarchia” e nella frase che riassume lo spirito del progetto: "Non siamo qui per dirvi cosa pensare. Siamo qui per darvi qualcosa a cui pensare".

“maremosso” è il nuovo singolo di TEOx2

2026-10-23T16:57:15.816+02:00

Esce oggi venerdì 23 ottobre, “maremosso”, il singolo di TEOx2 che anticipa l’EP di debutto di un artista senza volto, avvolto nel mistero, che sta attirando l’attenzione sui social.

Un’identità sfuggente e un immaginario fuori dagli schemi fanno da cornice a un progetto che indaga il conflitto tra aspettative esterne e caos interiore, trasformando insicurezze, fragilità e speranze in un universo sospeso tra realtà e surreale.

Un immaginario che ha iniziato già a prendere forma online, attraverso una serie di spoiler che hanno anticipato il brano e suscitato l’interesse del pubblico. Il profilo di TEOx2 ha già raggiunto quasi un milione di visualizzazioni su TikTok e oltre 250.000 su YouTube, numeri significativi soprattutto perché ottenuti senza passare dai tradizionali canali dello streaming musicale. TEOx2, infatti, non ha ancora pubblicato la propria musica su altre piattaforme digitali, costruendo il suo primo seguito esclusivamente attraverso questi due canali, dove la dimensione visiva e narrativa accompagna quella musicale.

È proprio attraverso questo intreccio di suoni e immagini che prende forma il mondo di “maremosso”, in cui il protagonista, TEOx2 si muove in bilico tra le aspettative degli altri e un universo interiore in continuo movimento. Il confine tra reale e surreale si dissolve in una dimensione onirica, popolata da una sagoma luminosa che diventa presenza simbolica e riflesso delle tensioni e delle contraddizioni del protagonista.

A questa ricerca espressiva si lega anche la scelta di un processo creativo non convenzionale. TEOx2, infatti, sviluppa un approccio personale e consapevole all’intelligenza artificiale nella musica: firma testi e metriche, guidando la propria visione artistica, mentre affida a Suno la voce e la produzione. L’AI non è quindi soltanto uno strumento tecnologico, ma una componente centrale del progetto, attraverso cui la scrittura dell’artista trova una nuova forma sonora. «La voce della mia coscienza»: così TEOx2 definisce l’AI, sintetizzando il rapporto tra la propria dimensione interiore e la sua interpretazione artificiale.

Con “maremosso”, TEOx2 inaugura un nuovo percorso artistico in cui sperimentazione musicale, ricerca visiva e tecnologia si intrecciano per indagare i temi dell’identità e della vulnerabilità. Un progetto che parte da un’esperienza personale per sviluppare un linguaggio espressivo originale, capace di trasformare il caos interiore in un paesaggio sonoro e visivo.

"Va Tutto Bene" è il primo EP di Zemic

2026-10-23T16:13:38.343+02:00

Oggi 23 ottobre esce Va Tutto Bene, il primo EP di Zemic, progetto solista di Marco Lucchi, cantautore di Cesena. "Va tutto bene" come quando cadi dalle scale ma ti rialzi e vuoi rassicurare chi ti sta intorno. "Va tutto bene" anche se non va poi così bene, ma va bene lo stesso. "Va tutto bene" perché da qualche parte bisogna pur ricominciare.

Zemic si racconta attraverso sei brani che si collocano tra rock alternativo, cantautorato, rumore e un titolo che forse non significa affatto quello che sembra. Zemic è un cantautore che, in realtà, vorrebbe essere una band. E così, nell'attesa di trovarne una, ha deciso di fare praticamente tutto da solo: ha scritto, arrangiato, suonato, registrato e mixato ogni brano dell'EP nel suo Bunker Studio.

Le influenze del rock alternativo italiano della fine degli anni Novanta incontrano il cantautorato e una passione per effetti, distorsioni, rumori e synth poco interessati a comportarsi bene che vanno a sporcare gli arrangiamenti e a costruire una cornice sonora irregolare per testi intimi.

Per chi scrive Zemic

Zemic scrive per se stesso. Per mettere fuori quello che normalmente rimane dentro. Per urlare codici segreti che qualcun altro può fare propri, attraversare, magari sprofondarci dentro, oppure semplicemente lasciare andare.

I sei brani dell'EP nascono da quella parte dell'esperienza personale che non sempre è facile da raccontare. Il risultato è un disco fisico e inquieto, nel quale il dolore non viene necessariamente spiegato o risolto né trasformato in una morale edificante: viene attraversato. Si prende quello che c'è, lo si mette dentro una canzone e si va avanti.

Con una certa ostinazione. A partire dalla title track, “Va Tutto Bene”, il progetto gioca continuamente con una contraddizione.

Perché, alla fine, va mai tutto bene?

La frase che tutti usiamo per tranquillizzare gli altri, o forse noi stessi, qui diventa quasi una provocazione. “Va Tutto Bene” è un lamento travestito da frase di circostanza mentre il corpo si rompe, i pensieri si confondono e il bisogno di essere salvati convive con quello di essere lasciati in pace.

Va tutto bene.

Forse no.

Ma qualcosa resiste.

“L'essenza è ancora qui nelle mie mani. L'essenza è ancora qui nelle mie vene.”

Ed è probabilmente questo il punto di partenza di Zemic: non cercare necessariamente una risposta, ma restare dentro le proprie contraddizioni abbastanza a lungo da trasformarle in canzoni.

L'EP è stato anticipato dai singoli e “Hollywood” e "Disgelo" ed è pensato come un lavoro da ascoltare nella sua interezza. Sei brani che, ascoltati dall'inizio alla fine, restituiscono un'immagine più completa del progetto e della sua identità sonora.

TRACKLIST

Disgelo

Va Tutto Bene

Olè

Hollywood

EHS

Acciaio sulle palpebre

Credits

“Va Tutto Bene” è stato scritto, arrangiato, suonato, registrato e mixato da Zemic al Bunker Studio (Hollywood mixata da Andrea Cola allo Stonebridge Studio).

Il mastering è stato curato da Steve Scanu.

Cover di Marcella Magalotti.

Come nelle favole, arriva anche il lieto fine.

Dopo aver passato gran parte della gestazione dell'EP a fare tutto da solo, in autunno Zemic porterà “Va Tutto Bene” dal vivo, accompagnato finalmente da una band in carne e ossa.

Dalla solitudine dello studio alla dimensione collettiva del palco, il progetto compie così il suo primo vero passo fuori dalle mura del Bunker.

Il 23 ottobre esce “Va Tutto Bene”. Non è detto che vada tutto bene. Ma intanto si suona.

“Phase” è il suo nuovo singolo del Dj e producer italiano Crybe

2026-10-23T16:02:33.969+02:00

Il DJ e producer italiano Crybe torna su Gas Records con “Phase”, il suo nuovo singolo disponibile su tutti i digital stores dal 23 Ottobre 2026.

Dopo le precedenti release “Do It” (Other Dimension Rec) e “Zero Regrets” (Brazza Records), l’artista prosegue il proprio percorso musicale con una produzione Tech House dal carattere deciso, capace di unire energia, tensione ritmica e atmosfere underground.

“Phase” si distingue per un sound scuro e dinamico, costruito attorno a una bassline aggressiva, bassi distorti e groove incisivi. Una traccia pensata per creare un’immediata connessione con il pubblico, mantenendo al centro la ricerca sonora e la sperimentazione.

«Con “Phase” ho voluto creare un brano Tech House, energico e coinvolgente, caratterizzato da bassi distorti, groove incisivi e sonorità underground. Una traccia pensata per il dancefloor, che rispecchia la mia continua voglia di sperimentare e ricercare nuovi sound», racconta Crybe.

Biografia

DJ e producer italiano, Crybe si avvicina al mondo del DJing oltre dieci anni fa e, dal 2018, affianca all’attività dietro la console quella della produzione musicale. Nel corso degli anni sviluppa un’identità sonora in continua evoluzione, muovendosi tra Tech House, Bass House e sonorità più melodiche, senza rinunciare a contaminazioni con la Bass Music e la UK Garage.

Il suo approccio artistico si riassume nella filosofia “No genre, just vibes”: nessun confine stilistico prestabilito, ma la volontà di sperimentare, esplorare nuove direzioni musicali e trasmettere emozioni attraverso il suono.

Nel corso della sua carriera ha pubblicato diversi brani con etichette indipendenti, raggiungendo un pubblico anche internazionale, e si è esibito in diversi club, soprattutto nella sua zona d’origine, in provincia di Cuneo. Durante il suo percorso live ha inoltre avuto l’opportunità di esibirsi come opening act per noti artisti della scena italiana. Costantemente impegnato nella ricerca di nuove sonorità e nello sviluppo del proprio progetto artistico, Crybe continua a lavorare a nuove produzioni e a set dal vivo sempre più personali e coinvolgenti.

Il producer torna su Gas Records con “Phase”, una release che mette al centro l’impatto del groove, l’energia del club e la libertà di sperimentare, confermando ancora una volta, la volontà di costruire un sound personale e riconoscibile.

"Sopra di noi" è il nuovo singolo degli Humanoira

2026-10-23T15:54:39.208+02:00

Oggi 23 ottobre 2026 gli Humanoira tornano con “Sopra di Noi”, il nuovo singolo pubblicato da Le Sorgenti Dischi e ultimo estratto prima dell’uscita di TARAB, il prossimo album del progetto.

Il brano si muove lungo il confine sottile tra il desiderio di lasciarsi alle spalle il passato e la difficoltà di separarsi da ci che ci ha resi quello che siamo. Ricordi condivisi, illusioni e legami che resistono al tempo si intrecciano in una narrazione intima, attraversata dalla malinconia e dalla consapevolezza che alcune cose, anche quando sembrano finite, continuano a vivere dentro di noi.

Al centro del racconto c’è il fiume, immagine simbolica del tempo che scorre e trascina con sé le nostre fragilità. Affidargli i ricordi diventa un gesto di liberazione, ma anche un tentativo di trovare un senso a ci che si perde. Sullo sfondo, una città da cui partono treni, un addio che prende forma lentamente e una richiesta semplice, quasi sospesa: restare ancora un momento.

In “Sopra di Noi”, gli Humanoira raccontano quel territorio emotivo in cui nostalgia e disincanto convivono, dove il bisogno di andare avanti si scontra con il desiderio di trattenere qualcosa o qualcuno. Il testo alterna immagini quotidiane e visioni evocative, lasciando spazio a significati personali e a una malinconia che non rinuncia del tutto alla possibilità di un ultimo incontro.

La chiusura, affidata all’immagine di cenere e nuvole sopra di noi, restituisce il senso di una trasformazione ancora in corso: ci che resta del passato non scompare completamente, ma cambia forma, continuando ad accompagnarci.

Sul piano musicale, il singolo si inserisce nella ricerca degli Humanoira, progetto livornese che intreccia cantautorato, elettronica e sensibilità pop-rock. La scrittura attenta alle contraddizioni umane e alle relazioni si incontra con un’identità sonora contemporanea, in cui la dimensione melodica convive con una tensione emotiva costante.

“Sopra di Noi” è prodotto da Fabrizio Pagni, musicista e produttore che ha collaborato con artisti come Achille Lauro, Brunori Sas e The Zen Circus.

Con questo singolo si conclude il percorso di pubblicazioni che ha accompagnato l’avvicinamento a TARAB, preparando il terreno per un nuovo capitolo del progetto. Un ultimo passaggio prima del disco, che raccoglie il senso di un viaggio fatto di cambiamenti, domande e tentativi di trovare un equilibrio tra ci che lasciamo andare e ci che continua a vivere dentro di noi.

“Sopra di Noi” è disponibile su tutte le piattaforme digitali da oggi 23 ottobre 2026 per Le Sorgenti Dischi.

Biografia

Gli Humanoira sono un progetto synth pop/rock cantautorale nato a Livorno e composto da Riccardo Vivaldi (voce e chitarra) e Davide “Junox106” Varriale (basso, laptop e produzione).

Dopo una lunga gavetta sui palchi italiani, che li vede esibirsi in apertura a numerosi artisti affermati e raggiungere le finali di diversi contest nazionali, tra cui Italia Wave, nel 2019 arriva il debutto discografico con l’EP “Sorrisi & Canzoni” (Alka Record), accolto positivamente da pubblico e critica e capace di definire l’identità musicale della band in una forma personale di neo realismo pop.

Il lavoro porta gli Humanoira a intraprendere un breve tour, successivamente interrotto dalla pandemia, che consente comunque al progetto di esibirsi sul palco del Teatro Ariston di Sanremo in occasione della finale di Sanremo Rock.

Nel 2022 prende forma il disco “Obiettivo Salvezza”, prodotto insieme a Daniele Catalucci (Virginiana Miller, Sinfonico Honolulu). L’album raccoglie undici brani e si avvale della collaborazione di musicisti come Rolando Cappanera alla batteria (Strana Officina), Matteo Pastorelli alla chitarra (Snaporaz) e Giulio Fagiolini al pianoforte.

Il progetto è anticipato dai singoli “Panna”, in collaborazione con Maestro Pellegrini, “Ultimo Treno” e “Guarda Come Dondolo” feat. Bimbo, pubblicati per Infecta Dischi / Suoni & Affini, realtà guidata dal produttore Manuele Fusaroli.

Nel 2023 gli Humanoira vengono selezionati tra centinaia di artisti come finalisti al Meeting Music Festival e si esibiscono in apertura al concerto di Morgan, consolidando la propria presenza nel panorama indipendente italiano.

Nel 2026 il progetto torna con un nuovo disco, anticipato da una serie di singoli e impreziosito dalla produzione artistica di Fabrizio Pagni, produttore e musicista che ha collaborato con artisti come The Zen Circus, Achille Lauro, Brunori Sas e Tropico.

Gli Humanoira continuano a sviluppare un percorso musicale che unisce scrittura cantautorale, sonorità elettroniche e un immaginario diretto e contemporaneo, mantenendo al centro delle proprie canzoni temi legati alla fragilità umana, al tempo che scorre e al bisogno di restare vivi.