La Pagina de Jota

HHhH (Laureant Binet, 2009)

2012-01-29T12:45:00.001+01:00

Himmlers Hirn heisst Heydrich (el cerebro de Himmler se llama Heydrich). Esa es la razón del título de este libro, primera obra de Laurent Binet, en la que nos narra un episodio trascendente, pero para muchos profanos desconocido de la Segunda Guerra Mundial, el asesinato en 1942 en Praga de Reinhard Heydrich.

HHhH fue galardonado con el premio Goncourt de primera novela, hecho que en cierta modo me extraña pues no se trata esta de una novela al uso. Se halla a medio camino entre la novela y el ensayo histórico, no llegando a alcanzar en ningún momento a ninguno de los dos géneros.

Binet mezcla en su obra datos históricos con recreaciones inventadas de los hechos que tuvieron lugar. Llegando a confundir al lector, que en algunas ocasiones ha de preguntarse si lo que está leyendo es el resultado de una ardua investigación histórica o fruto de la imaginación del autor.

BInet no es un historiador y al final del libro no encontramos una bibliografía donde se nos muestren los textos usados durante su investigación, por lo que no podemos catalogar su libro de ensayo histórico.

Tampoco me atrevo a catalogar HHhH de novela ya que no se trata de una historia completamente desarrollada con unos personajes principales y secundarios que se nos presenta.

Se trata de un estilo narrativo novedoso, elogiado por muchos críticos, pero que a mí no me ha gustado en absoluto. Tal vez sea yo demasiado purista en lo que a libros históricos del Nazismo se refiere.

Su narración no sigue un esquema temporal estricto, ni temático, y se dedica a divagar sobre sus motivaciones para escribir la obra. Poco me importa que se distanciase con su amiga Natacha o que esta no le invitase a la boda de su hermana. Son rellenos sin sentido, en mi opinión.

Pero lo que menos me ha gustado del autor, es su necesidad, a estas alturas de la historia, de descalificar a personajes cuyos actos hablan por sí solos. No creo que sea necesario llamar imbécil a Goering o pusilánime a Chamberlain. Sinceramente sobra.

Binet tenía ante sí la oportunidad de escribir una novela basada en hechos históricos de incalculable valor narrativo, pero ha decidido huir de convencionalismos para acabar con una obra desesperante en algunos momentos que tan solo en su último tramo parece remontar.

Una lástima.

DRIVE (Nicolas Winding Refn, 2011)

2012-01-17T20:02:00.001+01:00

En alguna ocasión he escrito en este blog que el utilizar el término "Independiente" para clasificar según que proyectos, me parece mucho más interesado que real y más tratándose de cine.

Se que hay muchos amantes de ese término, y que algunos de ellos no estarán de acuerdo conmigo. Pero es que soy incapaz de ponerle etiqueta al talento.

Shyamalan dispuso del dinero, y de todos los medios que se le antojaron, para crear el truño de "The Last Airbender", y en cambio hizo escuela, como renovador del cine norteamericano, a finales de los 90 sin apenas recursos, a base de gestos, miradas, diálogos sencillos y giros inesperados.

Puede no ser la comparación más acertada, pero en Drive advierto ese talento para hacer cine, el basado en sutilezas a priori mundanas,
en miradas de deseo o de complicidad, en intuir lo que va a ocurrir y acertar, pero que no te importe una mierda, por que sabes que lo que estás viendo es único y precioso.

Otro homenaje al cine inapelable, lo que Hazanavicius y su "The Artist", hicieron con los pioneros, y posteriormente damnificados primeros creadores, Winding Refn lo hace con los renovadores del thriller, cine negro, e incluso del terror, de seis décadas después.
Y es que drive es magistral. Bebe de todas las fuentes posibles. Tanto "Heat" como "Collateral" están presentes, y hasta apostaría que el talentoso Goslin, se apoyó en el "Cobra" de Stallone, para dar vida a un personaje, que se quedará grabado desde ya a fuego en mi memoria.

Tarantino y Carpenter también reciben su pequeño regalo. Esa violencia cruda y realista tan propio de su cine, y tan de nuestros tiempos, apoyada en esa banda sonora entre hipnótica y críptica tan de otros, le dan un aroma diferente, a esta enigmática y nueva joya del siglo XXI.

Probablemente no cuente en las principales quinielas de los Oscar. Como tampoco lo hizo en los globos de oro, pero Nicolas Winding refn puede dormir tranquilo, su árbol crece despacio pero constante.
Hasta otra.

THE ARTIST (Michel hazanavicius, 2011)

2012-01-06T18:29:00.001+01:00

Se equivocan los que etiquetan. Esto no es solo cine mudo, ni un homenaje a este. Es cine mudo pero grita más alto que cualquier otro, pidiendo desde ya un lugar privilegiado en la historia de los clásicos eternos. Su sencillez es desarmarte, uno no puede apartar los ojos de la pantalla de ninguna de las maneras.

No creo que Hazanavicius pensara únicamente en Valentino, Gilbert o Fairbanks al escribir esta maravilla.
La tan manida fórmula del cine dentro del cine, alcanza en "The artist", sus más altas cotas de belleza y emoción.

La decadencia de Norma desmond, la toma de conciencia de Charles Foster Kane, la alegría de Gene Kelly o Ginger Rogers o el obstinamiento y la vitalidad de Ed Wood,
están tan presentes aquí, como cualquiera de las primeras obras maestras del cine mudo. Piensa en un clásico y aquí la veréis.
Su banda sonora es sublime. Se funde con la imagen de una forma tan perfecta, que no echas de menos el diálogo en momento alguno.

Nada en la carrera de Michel Hazanavicius podía hacer presagiar semejante creación. Su dominio es total. La interpretación de Jean Dujardin es antológica, y Bérènice Bejo llena la pantalla, con esa frescura y descaro innato, del que sabe que no tiene nada que perder pero que piensa aprovechar el regalo inesperado. Hasta los secundarios John Goodman, y en mayor medida Cromwell lo rompen, por no hablar del simpático y adorable personajillo de cuatro patas, con el que el director nos da algo de tregua, para sacarnos unas sonrisas sinceras e infantiles. Se escuchan voces que proclaman que son años difíciles para el cine. Estos hacen bandera de la escasez de ideas. En cambio otros manifiestan un optimismo a prueba de bombas.

Tras salir de ver "The artist", la balanza se inclina claramente hacia los segundos. Después de todo Eastwood aún respira, Spielberg sobrevive, Malick despierta y Hazanavicius se revela.
Malos tiempos para agoreros.
Un saludo.

FICXIXON 49 EDICION

2011-12-02T19:07:00.001+01:00

Bien, pues se acabo el FICX, y como todos los años, me reprocho el no haber ido a ver más pelis, valga la redundancia. El sucumbir a alguna tarde de fútbol dominguero, y no haberme levantado del sofá para subirme en algún transporte, que me llevara hacia la bendita tierra gijonesa, fue demasiado lastre para ello. Tengo coche, pero mi terrible sentido de la orientación siempre acude a mi mente, a la hora de valorar las distintas posibilidades.

No me he dedicado a navegar por foros para saciar mi curiosidad, a la hora de poder vislumbrar, a modo general, lo que había podido satisfacer esta 49 edición a los presentes, críticos y simpatizantes. Lo más cerca que he estado de ello, ha sido a través de las palabras de algún amigo que se pasó a disfrutar de mas de una veintena, y que según sus palabras solo había disfrutado realmente con tres.

Pero no seré yo quien me queje. Toda la mala suerte que me acompaña en mis infinitas apuestas perdidas, se esfuma de un plumazo a la hora de elegir cine. Y que siga.

Empezé con "Submarine" (2010), el genial, simpático y mordaz debut de Richard Aoyade para la gran pantalla. Un verdadero ejercicio de simplicidad, de homenaje a los diálogos bien hilvanados, un canto a la adolescencia en todo su esplendor, con sus luces y con sus traumas. Sin complejo alguno y con una vitalidad en la dirección envidiable y como no con el inquieto Alex Turner en estado de gracia, sazonando a la perfección con sus canciones, este bonito divertimento.

El sábado le tocó a Take Shelter (2011), que si no me equivoco recibió a la postre el premio de la mención especial de algún jurado. Buena película al más puro estilo Shyamaliano, desasosegante, cruda, combina a la perfección la tan manida mezcla de esquizofrenia, terror y ciencia ficción. Sin el romanticismo y la épica discursiva del indoamericano, tal vez sea su realismo , el que torne en convincente la labor de jeff nichols en la dirección. Michael Shannon lo rompe en el papel de Curtis Laforche. A este hombre le descubrió el mundo en "Revolutionary Road", y solo un Heath Ledger majestuoso como joker, pudo arrebatarle el Oscar al mejor secundario.

De "Un amour de jeneusse" no tenía referencias, al parecer su directora Mia Hansen-love, ya se había pasado por el festival en el 2007 presentando "Todo está perdonado", que se llevó el premio a la mejor actriz ese año. A mi esta me pareció un truño. No pinta nada mal al principio, la historia de amor adolescente tiene su punto, pero mas o menos hacia la mitad ya ha perdido todo interés. No será por el esfuerzo de sus actores que sí están a la altura, en especial Lola Cretón, su candidez, hermosura y por momentos sentido de la frialdad logra turbar al más exigente de los espectadores. Es su dirección, sosa, blanda y sin ningún sentido de la emoción lo que acaba por lastrar definitivamente el proyecto. Recibió aplausos en su pase, no serían los míos.

Ir a ver "The stoker" fue una decisión de última hora. De su director, de sus peculiares "problemas" con el alcohol, y de su talento supe por los comentarios de un amigo, que está bastante más puesto que yo en esto del cine. Lo segundo lo pude corroborar yo mismo al poco de empezar su peli. Reconozco no haber visto nada del trabajo anterior de Aleksey Balabanov, pero juro que salí de la sala barruntando, la idea de que tanto guy ritchie, como el mismísimo Tarantino, le deben mucho a este singular director ruso, (o no tan singular, ya me entendéis). Prometo hacerme el favor de seguir con más interés su filmografía.

Me quedé con ganas de ver "La guerre est declarée" y "Attack the block", pero no me quejo, y la edición del año que viene seguro que promete, por lo significativo de su fecha. Espero que los 4 o 5 garrulos que nos gobiernan, no la acaben jodiendo como están haciéndolo con todo, en lo que pretenden meter baza. Que el FICX no se convierta en el FACX por favor...

Un abrazo.

LAS AVENTURAS DE TINTIN (El secreto del unicornio)(Steven Spielberg, 2011)

2011-11-17T10:19:00.001+01:00

Con una sonrisa de oreja a oreja, y con un brillo singular en la mirada, se encamina uno hacia el vehículo que le transportará al mundo que "no" habitan Tintín, Milú y el borrachín simpático de Haddock.

Después de pasarnos unos 110 minutos volando por encima de todo tipo de escenarios, pegarnos con una generosa cantidad de malhechores, y navegando en botes salvavidas hacia desiertos asesinos, una sensación de admiración y sorpresa se apodera de servidor, cuando cae en la cuenta de que es un señor a punto de cumplir los 65 años, quien a pesar de haberlo hecho todo en su profesión, de convertirse en símbolo y líder de una antigua generación de jóvenes directores, alumbre este magistral, excitante y diferente proyecto.

Una pieza elaborada con un innegable cariño, y sentido de la fidelidad. Algunos de sus planos se guardaran a perpetuidad en la memoria cinéfila, aunque tal vez deberían exponerse en el Louvre. Con un sentido del ritmo prodigioso, tal vez sea la sobriedad de los diálogos, en contra punto con la espectacularidad de sus escenas, la que le otorgue ese grado de fascinación único en su especie.

Puede ser que la ausencia de aristas, y el carácter ambiguo de su protagonista, arrastre consigo una falta de pasión y compromiso en el tratamiento del personaje. Pero hasta para eso surge Haddock como antídoto, que emerge sin tregua para conseguir elevarse por encima del joven aventurero.

Andy Serkis se vuelve a salir, otro trabajo monumental el de este señor, que ya empieza a pedir a gritos, un lugar privilegiado en la historia del cine. El objetivo está en recuperar a Tintín, en dotarle de magnetismo y grandeza. Por ahí puede profundizar Peter Jackson, que dirigirá las secuelas. Ese será su reto.

Sí, damas y caballeros así lo pintó Hergé, así lo reveló Spielberg.

Hasta otra.

DEPARTAMENTO Q (Jussi Adler-Olsen, 2007)

2011-11-13T11:37:00.001+01:00

Coincidiendo con mi reciente visita a tierras danesas, me llevé de viaje Departamento Q como libro de noche, primera entrega de la saga del escritor danés Jussi Adler-Olsen.

Esta primera entrega de la serie cuenta con varios ingredientes clásicos del género policiaco. El inspector Carl Morck vuelve al trabajo tras recuperarse de las heridas sufridas en un incidente en el que sus dos compañeros resultaron, muerto uno y gravemente herido otro. A su regreso la desconfianza de sus superiores le aparta a un nuevo departamento creado para quitárselo de en medio.

El Departamento Q ha sido creado, oficialmente, para resolver casos antiguos aún pendientes que necesitan especial atención. Para ello, Morck es “confinado” en los sótanos junto con un ayudante aparentemente inoperante, al más puro primera temporada de The Wire.

Morck decide, por azar, ocuparse del caso de la desaparición y casi segura muerte de Merete Lynggaard, una joven y prometedora política.

La historia nos en narrada en dos tiempos distintos. Por un lado desde el presente, siguiendo las pesquisas Morck y su ayudante. Y por otro desde el pasado, conociendo poco a poco lo que le sucedió a Merete. Con ese estilo narrativo, el interés en la historia va creciendo capítulo tras capítulo.

Si anteriormente comentaba que en algún aspecto me recordó a The Wire, hay otras obras de la gran pantalla de las que me acordé leyendo la novela, como Old Boy o Saw. No voy a desvelar nada más al respecto para no descubrir nada a posibles lectores.

En resumen, una novela policiaca al uso con bastantes de los ingredientes típicos del género, y una trama que lejos de decaer con el trascurso de las páginas como pasa en otras obras, aquí sube constantemente y nos mantiene pegados hasta el final.

A buen seguro que me leeré el siguiente capítulo de la serie.

CONTAGIO (Steven Soderbergh, 2011)

2011-11-02T18:35:00.001+01:00

Me resulta interesante a la par que lógico y curioso, el como las circunstancias, tanto económicas como sociales del tiempo presente, pueden afectar y moldear, no solo la elección de los proyectos, sino también la manera de afrontarlos, de un director para el que las formas refinadas y contemporáneas, no están nada reñidas con los saltos mortales sin red, ya habituales en su interesante filmografía.

Su polivalencia es absoluta. Pero no se advierte un interés puramente comercial en sus empresas, aunque entiendo que ese refinado estilo, y sus maneras en ocasiones tan de videoclip, nos pueden llevar a engaño.

Si en Traffic (2000) se perciben unos ecos de lo que estaba por llegar con The Wire, la trilogía de Ocean’s acaba por tornarse en el paradigma cinematográfico perfecto de principios del siglo XXI, donde la superficialidad, apariencia y el exceso son el denominador común de una época de bonanza económica, que con el tiempo se antojaría caduca e irreal.

Nada hay de opulento ni excesivo en Contagio, pese a lo que su excelso reparto, repleto de varias de las estrellas del momento, nos sugiere.

La sobriedad en la dirección de Soderbergh y la ausencia de pirotecnias, miradas perdidas y demás familia propias de estos géneros, se antoja decisiva a la hora de otorgarle el empaque y la seriedad necesaria a este certero film.

La maestría en el tratamiento de la incertidumbre, muy propia de estos tiempos, derivada de la propagación de un virus alarmantemente peligroso, y la dosis de gravedad precisa en cada uno de los actores, consiguen proporcionarle una credibilidad merecida.

Y como no, sin olvidarse de esa combinación maestra de música y movimiento, con fotografía modélica y desasosegante, que tan buenos réditos le acarrean al director norteamericano, y por las que merece la pena sentarse delante de una pantalla.

Un saludo.

Incendies (Denis Villeneuve, 2010)

2011-10-14T09:54:00.001+02:00

Los hermanos Marwan escuchan entre impacientes y compungidos el testamento de su recién fallecida madre. Reciben dos noticias sorprendentes; su padre está vivo, como también un hermano del que desconocían su existencia. Ahora será su tarea encontrarlos y entregarles un mensaje para que el cuerpo de su madre pueda descansar en paz.

Gran trabajo del canadiense Denis Villeneuve. Todo a base de continuos flash-backs, pero ninguno sobra, todos son necesarios para entender los porqués del enmudecimiento de un corazón, y la mirada perdida de unos ojos, que han visto demasiado de cerca el horror.

Un viaje irremisiblemente doloroso que por momentos me recuerda a "El jardinero fiel", a su clima sobrio, árido y de densidad brutal que consigue Meirelles.

A algunas huellas desvanecidas por la crueldad de un conflicto bélico y sus consecuencias, y a los esfuerzos de dos personas por alcanzar las respuestas, que les acerquen a la comprensión final, hay que unirle la lógica conclusión de que nada es lo que parece en una guerra, como nada es lo que parece en una vida, por muy cerca que nos creamos estar de conocerla.

La metáfora póstuma sobrecoge, aunque es precisamente en el final, donde todo se nos presenta precipitado, y acabemos con la sensación de que el director pone coto privado a los sentimientos.

Soberbia película, bien contada y hasta con Radiohead de fondo. Aquí los lamentos de Thom Yorke no andan muy lejos de la voz oprimida y ansiosa por gritar de Nawal Marwan.

Hasta otra.

COWBOYS & ALIENS (Jon Favreau, 2011)

2011-09-22T10:45:00.001+02:00

El otro día me vi Cowboys & Aliens (lo mío sí que son huevos y no lo de José Tomás). Lo digo porque ya intuía yo que me iba a parecer un bodrio soporífero aceptable solamente si la consumes acompañada de porros y cerveza (por desgracia no fue mi caso).

La idea de mezclar dos géneros como el oeste y los aliens es cuando menos exótica y si se hace de forma cuidada puede llegar a dar un fruto interesante. Necesitaríamos para ello un gran montaje, un guión potente y un personaje o dos de esos que calan en el público, como en su día logro el Capitán Jack Sparrow, por ejemplo.

¿Cuántos ingredientes de esos tiene Cowboys & Aliens?, los podemos contar con los dedos de un muñón.

Daniel Craig no me convence a pesar de ser un actor que suele dar la talla. Harrison Ford participó porque Spielberg estaba en el proyecto. Y en cuanto a Olivia Wilde… si le arrancan sus preciosos ojos y los ponen en pantalla el resultado es el mismo porque ni su personaje ni su interpretación merecen más que este cruel comentario.

El guión está cargado de clichés tanto del western como del cine de marcianitos: cacique del pueblo, niño mimado, malo misterioso, abducciones, niño…

Lo de los aliens es de traca, yo entiendo que es difícil que una panda de indios y vaqueros armados con lanzas y un revolver venzan a unos seres que han dado con la tecnología para viajar por el espacio pero coño…

Lo único positivo, que el director no es Michael Bay, en sus manos esta película habría provocado revueltas sangrientas en el mundo del celuloide.

En fin, el principal culpable de esta crítica: un servidor por verse este aborto de película aún a sabiendas de lo que iba a pasar.

Os acompaño en el sentimiento a los que habéis pagado por verla.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (Terrence Malick, 2011)

2011-09-21T09:52:00.001+02:00

Escucho: no la entendí.

A ese comentario responden: si no la entendiste mal director.

Al rato afirmo: es una película inmensamente compleja.

Me reprueban y me contestan: no es compleja, es pretenciosa y eso me da vergüenza ajena por infantil y ridículo, las cosas importantes se han de contar de forma sencilla.

Más tarde defiendo mi punto de vista: simplemente es que es un cine pionero al que no estamos acostumbrados y para nada lo percibo como pretencioso, más bien como generoso.

No me contestan más, al menos de momento.

Un trabajo monumental, prodigioso e inabarcable, se perciben horas de trabajo en cada plano. Un regalo imperecedero para el alma.

La descripción de esa parte hermosa y terrorífica de la vida, a la que llamamos infancia es tan precisa que duele. No es pretenciosa por que no juzga, sólo sugiere, y lo hace desde el primer plano.

Hay dos caminos que puedes seguir en la vida, el de la naturaleza o el de lo divino, la eterna colisión entre los caminos es la fuente de nuestras dudas y temores, la película gira en torno a esas dudas constantemente.

La naturaleza representada por un Brad Pitt en estado de gracia, se torna tan cruel y ambiciosa como hermosa y peligrosa. Lo divino encarnado por la indescifrable Jessica Chastain, es la bondad y espiritualidad, la comprensión y la tolerancia.

Dos caminos simbiontes que se nos antojan vivos, reales y sangrantes. De esa simbiosidad nace el horror y la belleza, el amor y la decepción, el todo, la vida.

El árbol y sus raíces condicionarán para siempre el devenir de sus frutos (los hijos). Es aquí donde nos vemos representados, donde Malick consigue transformar la espiritualidad en carnalidad, donde el genio emerge al fin para firmar una obra grandiosa e irrepetible.

Paralelamente a este conflicto terreno-espiritual, el director nos describe la creación del mundo y el nacimiento de la vida, pero nada resulta aquí gratuito ni superficial, todo se antoja poético, con un ritmo armonioso.

Es en la redención final donde sobreviene el desconcierto. Si Malick nos guía en la experiencia durante todo el metraje, en los minutos finales nos abre las puertas y ventanas de par en par y nos tiende un puente a nuestros pies a modo de invitación, para que seamos nosotros los que decidimos si lo cruzamos o no.

Algunos lo acusan de pedante, de ambicioso o de pelmazo, pero yo prefiero pensar que hay algunos seres (no muchos) que por fortuna han venido a este mundo no sólo a habitarlo, sino también a explicárnoslo y a guiarnos por él. Unos se convierten en arqueólogos, biólogos, químicos, médicos o intérpretes de lenguajes minoritarios. Otros lo hacen con un bolígrafo, máquina de escribir u ordenador, de entre todos ellos hay uno que es muy especial, se llama Terrence Malick y en ocasiones se convierte en director de cine.

Un abrazo.

LA PIEL QUE HABITO (Pedro Almodóvar, 2011)

2011-09-16T19:24:00.001+02:00

Desconozco si lo que pretende el director manchego es crear una obra de culto, de las que se aprecian con los años, lo que tengo algo más claro es lo fuera de la realidad que se encuentran él, y todo su séquito de pelotas académicos que le acompañan.

Y es que todo es un sinsentido esperpéntico en su último trabajo. Cuesta imaginar que sea el mismo director de "Volver" o "Hable con ella", auténticas obras cumbre en su dilatada carrera.

A unos secundarios insulsos y olvidables al minuto, se le une Banderas, que vuelve a demostrar aquí sus incapacidades interpretativas, todo lo que tiene de majo lo tiene de mal actor. Solo Elena Anaya nos mantiene despiertos durante la proyección pero sin pasarse, simplemente destaca.

Encasillaré para mi esta película en el género de comedia estrafalaria, aunque por ahí he leído que Almodóvar pretende dar miedo, es patética y una gilipollez en todo caso.

Lástima, porque este tío sabe dónde poner la cámara, crear planos primorosos no le es dificultoso, y su talento se aprecia aún en birrias como esta. Su clase escapa a toda duda.

Hasta otra.

DAME TUS OJOS (Torsten Pettersson, 2011)

2011-09-06T19:41:00.001+02:00

Siguiendo con mi afición a la novela negra escandinava, hoy le toca el turno a un autor finlandés, Torsten Petterson, que pese a ser un autor bastante prolífico, debuta en el género con “Dame tus ojos”.

La novela nos cuenta los terribles sucesos acontecidos en la pequeña localidad finlandesa de Forshälla, donde aparecen varios cadáveres mutilados. El comisario Lindmark será el responsable de dirigir el equipo encargado de la investigación.

Los ingredientes de la novela no tienen nada novedoso, varios asesinatos, un asesino aparentemente muy inteligente, un grupo de investigadores en busca del responsable y un policía con problemas personales al frente de la investigación.

En lo que encontramos ciertos aspectos diferenciadores es en el estilo narrativo. No se trata este de un libro lineal, en el sentido en que no está todo él narrado en primera o tercera persona, sino que en cada capítulo conocemos detalles de la historia a través de diferentes personajes, y en algún caso se nos narra la historia como si de una obra de teatro se tratase, con el nombre del personaje en letras mayúsculas y a continución su texto.

He de decir que en un principio este estilo no me agradó en absoluto, más bien me pareció algo pesado pero con el paso de los capítulos y según avanzaba la trama me fui acostrumbrando y al fínal puede que incluso lo agradeciese.

En cuanto a la trama no es nada del otro mundo, no rebosa originalidad en los crímenes, algo que se ha convertido en la seña de identidad de John Verdon (del que ya hemos hablado en posts anteriores).

Aún así, la novela cumple con su papel que no es otro que el de la mayoría de obras de novela negra, entretener sin muchos artificios mediante una lectura fácil.

MONSTERS (Gareth Edwards, 2010)

2011-09-06T19:40:00.001+02:00

Antes de nada he de decir que mi crítica a esta película la escribí hace unos meses pero era tan demoledora que decidí no publicarla hasta pensármelo dos veces. Hoy, no voy a ser tan duro como entonces (aunque no lo parezca).

Éxito en Sitges y Toronto,esta película podría haber sido algo decente en manos de un director que afrontase el reto de otra forma. A algunos críticos les recuerda a M. Night Shyamalan, ni mucho menos señores, aún sin ser yo un admirador del director de origen indio, no le niego ciertas virtudes y de haber cogido esta historia tampoco habría hecho una gran película pero nos hubiese dejado para el recuerdo alguna escena inolvidable… o un tráiler cojonudo.

Como atenuante diremos que la película fue rodada casi sin medios, viajando con el mínimo equipo necesario y usando como actores de reparto a las gentes de los pueblos por los que se movían.

La historia es, se encuentra vida allá por el sistema solar y se envía una sonda a recoger muestras. La sonda se estrella en México y el país se infecta de bichejos malotes por lo que se decreta un zona de cuarentena. En esa zona trabaja un reportero gráfico que recibe la orden de sacar de la zona de cuarentena a la hija del dueño de la agencia donde trabaja.

A partir de ahí tenemos a dos personas intentando atravesar una basta zona llena de extraterrestres, lo que podía haber desembocado en una aventura de acción o una historia de romance. Poco de lo uno y poco de lo otro. No hay profundidad de los personajes, no basta con que nos cuenten su historia personal con cara de pena.

Mejor habría hecho su director en seguir el consejo de J.J. Abrams, ese de que un monstruo no debe enseñarse al principio, sino que se debe sólo sugerir al menos durante una buena parte del metraje para mantener la expectativa del espectador ante algo desconocido. Con ese planteamiento se habría logrado algo más potable.

Aquellos que la consideran una denuncia a la condición humana, de nuestro egoísmo y nuestra tendencia a la violencia se contentan con poca cosa.

Sus poco más de 90 minutos se me hicieron largos.

SUPER 8 (J.J. Abrams, 2011) by Vila

2011-09-06T19:04:00.001+02:00

Se agradece a "Super 8" la intención y el cariño que desprende para con la generación de los 70, su deseo de volver a meternos en un cine, para quitarnos unos 20 o 25 años de encima, y de que salgamos entre risueños y emocionados, olvidándonos durante 1 hora y media de nuestros complejos presentes, tal y como lo hicimos después de haber presenciado esos clásicos de Spielberg o Lucas.

El tono de imagen, ese tan característico negro azulado está presente durante casi todo el metraje de este pasajero divertimento, es resultón, me vienen a la cabeza" E.T"," Aliens el regreso" o "Encuentros en la tercera fase". Pero se queda en eso, un divertimento o mejor dicho un pasatiempo o jugarreta de dos señores con un talento descomunal para hacer soñar a generaciones enteras (sobre todo uno de ellos).

Tiene "Super 8" cierto encanto, le falta la inocencia de sus homenajeadas, por momentos me resulta fría, no me meto en la piel de ninguno de esos jóvenes (y no es cuestión de mi edad, lo prometo). Sales con la sensación de que podía haber sido grande, y de que no se instalará en el recuerdo de ningún treintañero pasado poco tiempo.

A pesar de no colmar posee un par de escenas memorables, que ponen de manifiesto la verdadera talla de Abrams, todo una pleitesía al cine, ese tan sutil y hermoso con el que apenas nos topamos unas pocas veces en la vida (a la primera escena de la joven protagonista delante de sus jóvenes directores me refiero).

Demasiado poco para tanto talento presupuesto, con escena final metida a calzador. Tal vez un trazado más profundo de los jovencitos, y del modo en que se relacionan entre si, en una edad en que las cosas empiezan a importar, le hubieran dado mas empaque, same same "Cuenta conmigo" (1986) pasable, se deja ver.

SUPER 8 (J.J. Abrams, 2011)

2011-09-01T10:07:00.001+02:00

Super 8, lo nuevo de J.J. Abrams en colaboración con Steven Spielberg empieza bastante bien. Se nos presentan unos ingredientes interesantes, como cuando vemos a un cocinero en televisión preparando una receta.

En esos ingredientes vemos ya, no se si la mano de Spielberg directamente, o unos cuantos guiños del director a su idolatrado mentor. A saber, un grupo de niños soñadores, familias desestructuradas (que tanto acostumbra a mostrarnos el rey Midas de Hollywood), el ejercito estadounidense malo “maloso”… acompañado todo lo anterior de un alienígena.

Con estos ingredientes, no podemos dejar de pensar en películas del género, por llamarlo de alguna manera, Los Goonies, E.T., Los exploradores (Joe Dante 1985, que algunos de más de treinta recordarán), en resumen, peli de amiguetes que viven aventuras fantásticas y que allá por los años 80 encandilaban a los niños, y no tan niños, de la época. Y la elección temporal de la cinta, finales de los 70, es un claro de intento de ir por ese camino, una época sin ordenadores, ni videoconsolas con la imaginación infantil como principal arma contra el aburrimiento estival.

Pues se nos quedan cortos nuestros dos queridos cineastas en el propósito. Las aventuras de los muchachos se quedan en aventurillas, no quedará para el recuerdo ni una sólo escena memorable, y los personajes no son lo suficientemente buenos como para pasar a la historia del género, no hay un Gordi y un Slot vamos.

La película va decayendo según pasan los minutos debatiéndose entre una cinta familiar plagada de gags típicos y una de ciencia ficción al más puro estilo de cuarentena alienígena. Gana la segunda opción pero sin llegar a conseguir el efecto deseado, lo que nos deja un film perfectamente olvidable que no cumple las expectativas creadas.

UNA HISTORIA CASI DIVERTIDA, (Anna Boden, Ryan Fleck, 2010)

2011-08-26T18:08:00.001+02:00

Como una sorprendente y lúcida tragicomedia, nacida desde lo más profundo de las entrañas, y de los anhelos imposibles de colmar, se va disfrutando esta joya disfrazada de cine indie, con el mayor y más puro de los gozos.

Digo disfrazada, por que el buen cine no debe poseer etiquetas de ningún tipo, a pesar de los medios con los que se cuente.

"Juno" (2007) es un buen ejemplo, y un certero punto de partida para comprender lo que acabo de escribir, y para saber por donde van los tiros en "Una historia casi divertida".

Es este tipo de cine necesario, vital y supone un verdadero puñetazo encima de la mesa de esos ejecutivos de los grandes estudios, que invierten fortunas indecentes en perpetrar auténticas mierdas como "Conan" o "Linterna verde".

El simplista pero efectivo modo de contar una historia, en la que se muestran las dificultades de algunas personas, para entender y hacerse entender en una sociedad que les engulle irremisiblemente, es el auténtico punto fuerte del film, eso y la soltura con la que Anna Boden y Ryan Fleck, se desenvuelven en el terreno más cómico de las ansiedades, de un adolescente a punto de caer en el abismo. Ese tipo de abismo al que se llega, mediante 1 o 2 decisiones autoimpuestas y polarizadas por la percepción, de lo que se espera de nosotros.

Definitivamente inesperada y muy disfrutable.

Hasta otra.

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (Rupert Wyatt, (2011)

2011-08-17T20:16:00.001+02:00

Con una vigorosa puesta en escena y unos efectos visuales realmente efectivos, este film, del inexperto director británico Rupert Wyatt, acierta de pleno en su propósito esencial de mostrar algo de luz y comprensión a sus complejas antecesoras.

Enternecedora, contundente y dotada de un ritmo adictivo, este proyecto si algo no te deja es indiferente, te das de bruces con los prejuicios iniciales en cuanto al racismo simiesco que te podía haber suscitado el original de Schaffner.

Andy Serkis tiene la culpa, vuelve a resultar clave en su contribución a la construcción de un personaje digitalizado. La recreación de César es prodigiosa. Consigue superar su representación de Gollum o de King Kong, y acaba por convertirse en el verdadero pulmón del proyecto.

Pero si Serkis lo borda, Jame Franco no convence, blando, sin aristas ni personalidad, no soporta el peso del personaje, como tampoco lo hizo en la ceremonia de los Oscars 2011, en la que fracasó estrepitosamente.

Freida pinto peor todavía, la hermosa chica de Slumdog Millionaire, es una mera comparsa, su personaje no importa, su superficialidad es absoluta.

Buena banda sonora a cargo de Patrick Doyle, apoyando con solvencia y aportando ese punto de épica tan agradecido.

Cuando la humanidad se disfraza de simio deslumbra, cuando el simio se viste de humanidad emociona.

Buena peli, se deja querer y te mantiene expectante ante posibles secuelas. Eso sí, que las haga Rupert Wyatt.

SE LO QUE ESTAS PENSANDO (John Verdon, 2011)

2011-08-14T21:02:00.001+02:00

Segunda y esperada novela, al menos por mi parte, del escritor estadounidense John Verdon.

La primera entrega de los casos de David Gurney, “Se lo que estas pensando”, supuso un boom de ventas debido en parte a su sinopsis, la presentación de un caso aparentemente imposible que intrigaba al lector y le animaba a descubrir el truco.

En esta segunda novela nos encontramos con el mismo planteamiento, una escena del crimen prácticamente imposible que nos hará preguntarnos cómo es posible llevar a cabo tan retorcido crimen.

La diferencia entre ambas entregas, en que en esta segunda las tramas o acertijos prácticamente se reducen a ese hecho, salvo por la excepción de un par de clases que Gurney imparte en la academia de policía y a las que somos invitados para participar, como si de un alumno más se tratase.

Esto sucede al principio de la novela, y a partir de ahí, Verdon se pierde, en mi opinión, en situaciones personales y pesquisas más o menos retorcidas pero que no hacen que la trama del libro avance lo suficiente para seguir enganchado a la obra. Cuatro capítulos después, la trama está prácticamente estancada, y lo mismo otros tres después.

Si una de las virtudes de la primera entrega era la sencillez de su desarrollo, en “No abras los ojos” nos encontramos frente a un asesino demasiado rebuscado. Tiene puntos interesantes pero no tiene ni la calidad ni la capacidad de mantenernos pegados a las páginas capítulo tras capítulo.

Lo único que no defrauda es, una vez más, la explicación de la escena del crimen, que si bien en “Se lo que estás pensando” conseguí resolver, reconozco no he hecho lo mismo en esta segunda entrega, debido tal vez a la diferencia de entusiasmo con la que leí ambas novelas.

En resumen, esperaba algo más de “No abras los ojos”, no esperaba por supuesto la novela negra del siglo pero he decir que el sabor de boca ha sido un poco amargo.

Esperemos que Verdon vuelva a sus orígenes en la tercera entrega.

PRIMOS (Daniel Sánchez Arévalo, 2011)

2011-07-30T20:00:00.001+02:00

Apenas dos años después de que Daniel Sánchez Arévalo, nos sorprendiera con la compleja, grotesca y excelente "Gordos", nos la mete doblada con la infumable, previsible y cursi "Primos".

Si la peculiar forma de narrar el oscurantismo que sucede a los traumas personales, y su demostración carnal de amor total y sin concesiones, por cada uno de sus personajes, era la principal virtud de "Gordos", cuesta creer que a Sánchez Arévalo, se le haya ido tanto la olla en esta imbecilidad que nos intenta vender, con el beneplácito de la creme de la creme de la crítica española (atónito me dejan).

El caso es que los primeros minutos no hacen presagiar el desastre que se avecina, tras un sorbo a mi refrescante coca-cola, precedido de un simpático monólogo del novio abandonado en el altar, y los esfuerzos por consolarle de sus a priori dos curiosos primos, todo se viene abajo justo después del segundo sorbo, cuando cada escena, cada diálogo y acción son tontas hasta decir basta.

Personajes sin la más mínima gracia, solo Antonio de la Torre se salvaría de la hoguera. Una retaíla de acciones previsibles y ñoñas, se van sucediendo mientras se va preguntando uno, que coño se ha metido el director para rodar semejante mierda, y lo que es peor, que cojones fueron a ver los que se dejaron olvidadas frases elogiosas de este engendro, en las revistas de cine más prestigiosas de España.

En fin, pérdida de tiempo total que en muchos momentos raya la vergüenza ajena.

Un cuento chino (Sebastián Borensztein, 2011)

2011-07-07T11:29:00.001+02:00

La verdad es que no soy un gran consumidor de cine argentino. Estoy cansado de que siempre sean películas de gente humilde e intenten vendernos que el pobre en más auténtico. Además no soporto esa grandilocuencia argentina que parece que todo el mundo allí tiene un discurso en la cabeza perfectamente organizado esperando el momento justo.

Aún así, tras ver en el cine el trailer de Un cuento chino, me quedaron ganas de verla… y la ví.

Ricardo Darín interpreta a Roberto, un cascarrabias dueño de una ferretería que un buen día se ve ayudando a un chino que ha llegado a Argentina sin saber una palabra de castellano en busca de su tío.

Con ese argumento tenemos en bandeja un buen número de situaciones cómicas en torno a la comunicación, la soledad y las relaciones humanas. Tenemos también la opción de encontrarnos una historia lacrimógena sobre gente buena a la que le pasan cosas malas.

A estas alturas todos sabréis ya cómo se desarrolla la historia más o menos, y ese es el problema. Se trata de una película previsible hasta más no poder, sin excesiva originalidad.

Algunos golpes de humor basados en la irascible personalidad del personaje interpretado por Ricardo Darín y poco más.

Previsible, insulsa y fácilmente consumible y olvidable.

X-MEN:PRIMERA GENERACIÓN (Mathew Vaughn, 2011)

2011-07-06T10:10:00.001+02:00

Matthew Vaughn consigue en poco más de 2 horas, lo que a George Lucas le llevó unos cuantos añitos, previo paso del engendro horríbilis de la amenaza fantasma.

Y si la serie estaba en caída libre a punto de hostiar, con el abandono por otra parte lógico del solvente Brian Singer, esta nueva propuesta le supone un gran soplido en la nuca o en las orejas donde prefiráis, same same que lo de Star Trek but different.

Puede ser que mi desconocimiento de los comics y su mundo me estén influyendo demasiado a la hora de opinar, pero a joderse que es gratis.

Me gustó. Ágil, simpática, cachonda y bastante esclarecedora. No es un simple divertimento, lleva más dentro de lo que aparenta.

Me quedo con la mutante azul, con su lucha por ser ella misma, con su salida de armario y con ese cuerpazo (PIVÓN).

Además con el aliciente del tiempo histórico en el que se centra, (crisis de los misiles) tiempo interesantísimo y que es revisado desde un punto de vista realmente novedoso y sorprendente.

Cojonuda peli.

Abrazo.

SIN IDENTIDAD (Jaume Collet-Serra, 2011)

2011-06-08T14:16:00.001+02:00

Al más puro estilo Jason Bourne, Jaume Collet-Serra nos presenta un thriller poco novedoso que cumple su función sin excesiva holgura.

El doctor Martin Harris (Liam Meeson) acude a Berlín con su mujer para una conferencia. Durante su estancia sufre un accidente que le dejará parcialmente sin memoria, y descubrirá que alguien le ha robado su identidad. A partir de ese momento se suceden las persecuciones y peleas para llenar 110 minutos de un guión poco original.

Guión poco original porque como ya dijimos al principio, es una película demasiado parecida a la saga Bourne. Ausencia de memoria, una chica desconocida que ayuda al protagonista, organizaciones secretas y el escenario europeo, en este caso Berlín, que Hollywood ha comprendido es mucho más interesante y proporciona más alternativas que las ya excesivamente vistas localizaciones estadounidenses.

Liam Meeson cumple, como de costumbre en un papel similar al que interpretó en “Venganza”, si bien en ella la violencia que empleaba era masiva y de agradecer, aquí su desconcierto le coloca más como Harrison Ford en “Frenético”.

En resumen, una película sin más, por momentos algo aburrida. Como anécdota, comentar que el protagonista se hospeda en el Hotel Adlon, los que hayáis leído la saga de novelas de Philip Kerr que en más de una ocasión os he recomendado, sabréis por qué lo digo.

EL SICARIO DE DIOS (Scott Stewart, 2011)

2011-06-06T18:58:00.001+02:00

Podemos catalogar “El sicario de Dios” de dos formas, unos dirán que es un western futurista de vampiros, otros dirán que es una bazofia. Ambos tienen razón.

Es una película de vampiros, pero de vampiros sin ojos, de unos vampiros monstruosos sin apariencia humana ni glamour.

Es una película futurista, el típico futuro desértico y desolado donde el hombre vive recluído en ciudades dominadas por la influencia de la iglesia.

Es un western, eso sí. Posee muchos de los clichés del cine del oeste. El tren, el ataque a una familia de una granja en la “pradera”, las motos (que aquí sustituyen a los caballos).

En el reparto dos caras conocidas. Por un lado Karl Urban, habitual del cine de acción con participaciones en “El señor de los anillos”, “El mito de Bourne”, “Doom” o “Las crónicas de Riddick”, que salvo contadas excepciones viene demostrando una y otra vez que necesita cambiar de agente porque no le consigue nada más que papeles de mierda.

Por el otro, un desconcertante Paul Bettany. Un caso curioso, pues en su filmografía destacan papeles interesantes que auguraban un buen futuro como “Master and commander” o “Una mente maravillosa”, pero que tras trabajos como “Legión” o la película de la que hablamos me preocupa y seriamente. Otro que o bien necesita cambiar de agente o tiene un complejo de saltatapias que le lleva a hacer abdominales para torturarnos con papeles como este.

Efectos especiales cutres. Peleas normalitas. Personajes patéticos. Estética visual insulsa…

En resumen, una buena dosis de mierda.

EL INOCENTE (Brad Furman, 2011)

2011-06-06T16:38:00.001+02:00

Matthew McConaughey, ha vuelto de las tinieblas para embadurnarse de botox y maquillaje en este previsible film dirigido por Brad Furman.

Un abogado, el típico malabarista de las salas de justicia, ha de enfrentarse al caso de un niño pijo acusado de propinar una brutal paliza a una prostituta.

Niño pijo interpretado por el siempre insulso Ryan Phillipe, un actor que además de coleccionar interpretaciones en su haber como las de “Se lo que hicisteis el último verano” o “Crueles intenciones”, terminó de darle la puntilla al mismísimo Eastwood con un trabajo lamentable en “Banderas de nuestros padres”.

Dos actores de cierto renombre se unen al reparto. La oscarizada Marisa Tomei, a la que ya no le dan ni secundarios decentes, y un incomprensible William H. Macy, que alterna grandes papeles de secundario de lujo con subproductos como “Celular” o la película que ahora nos ocupa. Macy, que ya compartió cartel con McConaughey en una insufrible broma cinematográfica llamada “Sáhara”, con el agravante de contar con Penélope Cruz.

Pero basta ya de ser perverso, he de decir en favor de la película, que a pesar de ser previsible en su totalidad para cualquier persona que haya medio visto un par de películas de juicios, cumple su función como producto palomitero fácilmente consumible que no exige mucho al espectador. Hubiese sido peor si nos hubiesen intentado sorprender con giros de argumento mareantes.

Como dato la película está basada en una novela de Michael Conelly, autor de la obra en la que se basa “Deuda de sangre”, dirigida e interpretada por Clint Eastwood.

PIRATAS DEL CARIBE IV (Rob Marshall, 2011)

2011-06-04T19:38:00.001+02:00

Cuando las ideas se encuentran tan encorsetadas y oprimidas, como la perla negra en su carcelaria botella, lo más solvente es recurrir a Jack Sparrow en todo su magnetismo y esplendor. Esto lo entendió Rob Marshall al pie de la letra, para salvar su cuarto proyecto en la gran pantalla.

Desconozco las motivaciones del director a la hora de enfrentarse a este reto, pero intuyo que el cariño por sus antecesoras no está entre ellas.

Si el objetivo es captar nueva tripulación de simpatizantes y enganchar a los nuevos adolescentes a una trilogía futura, la jugada no es tan mala.

Si en cambio recuperar a los amotinados (entre los que me incluyo) de anteriores batallas llevándolos hacia novedosos y prometedores horizontes era el propósito propongo un cambio; Rob Marshall por la perla.

Penélope está horrible como casi siempre, su química con Depp es similar a la mía con el hígado de cerdo o ternera.

La banda sonora pese a reiterativa se sostiene, aunque esto era previsible.

A Ian McShane como Barbanegra el misterio le abandona al instante.

Los secundarios son realmente patéticos, auténticos comparsas en este barco, destinado a atracar las carteras de todo bicho viviente.

Con semejante panorama, nos agarramos a Sparrow y sus piruetas, que nunca defrauda y siempre nos lleva a buen puerto, o al menos a alguno. Y nos dejamos seducir por los sibilinos cantos de sirena, con la esperanza de despertarnos en la perla negra , rumbo a donde la vieja brújula de Jack diga, durante algo mas de 2 horas.