La pantalla se mueve

Crítica de KILLERS OF THE FLOWER MOON, de Martin Scorsese (Asesinos de la luna)

2023-10-10T05:57:00.000-07:00

Scorsese no defrauda, aunque se alarga.

Una penumbra se cierne sobre los personajes de este thriller que lo hacen asfixiante, y no es una exageración típica de los suspenses. Excepto el personaje de De Niro, sientes que todos viven en cierta opacidad comunicativa y eso es una virtud en la película. Comienza con una descripción de lo que fue el comienzo de la fiebre del oro negro, desde otra perspectiva. La tierra de la libertad no se fundó por hombres libres y emprendedores, sino por ladrones y asesinos.

Una vez metidos en los engranajes de unas vidas miserables, no para de angustiarte hasta el final. Si bien nos hace sentir parte del problema, nos deja claro el bando al que debemos adscribirnos. La moral es baja, pero sin lugar a duda. La película no juega a cambios de posición: ni engaños ni equidistancias. Scorsese no defrauda.

Lo que sí ocurre es que te hace sentir mal, muy mal, muchos minutos. Y cuando casi ha acabado con todo lo que podías amar, llega a su tercera hora (recordemos que son casi 3 horas y media) y se paraliza. El metraje ahora parece kilométrico y sin curvas. Lento. Muy lento. Su final acelera y por fin vemos cuál era el propósito desde el principio. Pero ha costado llegar. Scorsese se alarga.

Puede que el histrionismo de DiCaprio "a lo Brando" te incomode, puede que el hieratismo dulce de Gladstone duela y exija paciencia, pero no en vano estamos ante personajes para la historia del cine y que ganarán premios.

Ejecución magnífica. Interpretaciones notables. Enfoque justo y claramente justiciero. Podría decir algo del final, emotivo, pero creo que es mejor que cada uno lo descubra.

Costará revisitar una obra así, densa y dura, pero es una gran película que goza de una fotografía magistral, una banda sonora muy apropiada aunque repetitiva y una visión de la culpa y del daño que bien merece una ovación.

Scorsese pedía respeto acerca de la duración. Respetemos la extensa obra de un maestro.

Actualizando Barbie a base de risas

2023-07-20T00:43:00.000-07:00

Barbie es un estereotipo. Mattel hizo millones gracias a ello. Ahora no tanto.

Había que cambiar el discurso sobre la muñeca y apostaron por una de las mentes más lúcidas (Greta Gerwig) para darle la vuelta y devolver el producto al centro de nuestra atención. La película es un éxito al respecto.

Desde el comienzo al final, exceptuando los últimos 3 minutos que se hacen bola, es una superproducción al servicio de las risas y del cambio de paradigma: una nueva ola feminista en la que ya es abiertamente necesario y entendible que hasta las mayores compañías traten el tema de la igualdad.

Guiños a 2001: Una odisea en el espacio, El padrino o a Zack Snyder son pruebas de que Barbie va con todo. Gerwig sabe hacerlo, es la directora de películas donde la mujer se muestra en el centro (Lady Bird, Mujercitas) y ha escrito e interpretado personajes feministas y libres tan potentes como Frances Ha. Pero no es sólo una película relativa a otras. Hay música, hay baile, hay humor, mucho humor. Y los chistes no son algo accesorio, sino el centro del conjunto.

La película tiene un argumento y arco dramático algo previsible y artificial (luego ahondaré en esto), pero donde más esfuerzo hay es en que el discurso y los chistes funcionen. Y lo consigue: Barbie es un despliegue de ironía, sátira, potencia humorística y fresca sensación de irreverencia. La historia de fondo, aunque importante, no consigue la sofisticación que sí hace a nivel técnico o incluso en actuaciones. Y con el paso de los minutos eso parece que le pesa a la película, empezamos a recordar que, probablemente, todo responde a una estrategia en la que actualizar un producto que tanto daño hizo y que hoy no aceptamos de igual manera.

Margot Robbie es tan perfecta en muchos planos que cuesta encontrar aristas, Ryan Gosling nos saca las mejores carcajadas y decorados, vestuario y luces obtendrán nominaciones a lo más alto, sin duda. Es grandioso que una de las películas del año a nivel mediático se haya encargado de situar al machismo y las fragilidades masculinas en el punto de mira. Gracias, Greta.

En resumen, y lo que debe ser destacado, la película Barbie es una salvajada muy divertida, justa en su crítica y para disfrutarse a lo grande. Un debate subyacente sería valorar si todo es un producto artificial (obviamente, es una sinergia entre Mattel y Warner Bros) sin alma. Como mal menor, diré que en cualquier caso, es una alegría saber que estaba Gerwig al mando.

Y reitero: te ríes, asientes frente a la sátira mordaz y te lo pasas muy bien.

Crítica de LA MUJER DE TCHAIKOVSKY, de Kirill Serebrennikov

2023-04-10T08:12:00.002-07:00

(Rusia, 2022)

Tras otros 10 largometrajes, Kirill Serebrennikov nos trae este biopic alternativo en formato "clásico de época" llamado "LA MUJER DE TCHAIKOVSKY" en el que nos cuenta cómo la obsesión de Antonina Miliukova con el compositor les llevó a un matrimonio tortuoso.

Es Serebrennikov un ejemplo de este nuevo cine ruso que está pegando fuerte en muchos festivales internacionales y, sin lugar a duda, bien merecido tiene ese lugar. Todos nuestros ojos y oídos puestos en lo que fabrica este director, ya que suele ser denso e interesante, a lo que sumamos que esta película es su mayor obra.

El drama romántico, biográfico en parte, se centra en ese S. XIX ruso en el que la música es elemento fundamental burgués frente a la miseria colectiva. Comienza oscura, lúgubre. Azul, azul verdoso. Y llama la atención la luz. El trabajo de fotografía y luces en esta película se llevaría un Oscar si fuera producción estadounidense.

La época, la caracterización, los escenarios oscuros y la miseria nos transporta a un lugar, no sólo físico, también espiritual en el que el camino a seguir sólo parece uno. Triste, pero uno. Es cuando conocemos que "la mujer" es en realidad una pretendiente que es rechazada por el propio Tchaikovsky. Su aspereza en general y su asqueo hacia las mujeres en particular pone algo de relieve, pero no nos lo cuentan hasta pasadas casi dos horas.

Parece que el film se ha estancado en el rechazo, en la incomprensión y en la (no sabemos por qué) obsesión inexplicable de Antonina. La trama gira hacia una posibilidad que abre la puerta al matrimonio ofreciendo sólo oprobio, malestar, disgusto y desidia. Para la protagonista, nosotros seguimos disfrutando de la luz, de los planos, de los recursos.

La última media hora acelera un poco. Se agradece, ya que es lenta y sin llamadas de atención. Se acerca la locura, el formato desafía un poco al realizador que hasta ahora habíamos disfrutado. Este Serebrennikov es más fantástico, más experimentador. Es de agradecer no sólo una producción fiel a la elegancia, sino una interpretación fabulosa por parte de Alyona Mikhailova. Gracias al final de arte y fantasía, sobre todo últimos 3 minutos, se nos eleva un poco el espíritu y aplaudimos esta película.

¡Id al cine!

Crítica de PLAN 75, de Chie Hayakama

2023-04-10T07:48:00.002-07:00

(Japón, 2022)

El contraste entre el piano suave y la violencia parece augurarnos algo clave en PLAN 75 y también en nuestro entorno hoy. Esa esquizofrenia con la que queremos vivirlo todo al máximo y, a su vez, que nada nos perturbe demasiado. Ese sino al que dirigimos nuestras políticas que nos adormece mientras ejecuta las más violentas acciones. Diplomacia y protocolo acallando la vida.

Así nace el segundo largometraje de Chie Hayakama, presentada en Cannes 2022 y con toda la crítica a favor. Es una distopía no muy lejana en la que se organiza un plan que elimine a las personas mayores de 75 años a fin de que no sean lastre ni acarreen gastos. Ya de por sí, el planteamiento, es duro. Nada nuevo, lo que no le resta dolor.

Los jóvenes serán los encargados de acompañar del mejor modo posible en el fin de las vidas de sus mayores. No se habla de muerte, sino de un fin feliz. En alguna ocasión, se rompe la cuarta pared, como para increparnos. Eso acelera el debate y aviva al espectador. Su estética es algo anodina y se repiten planos de salas de espera y procesos burocráticos. Consigue el objetivo, pero ralentiza el ritmo.

La crueldad no aparece de manera violenta, sino desde el cinismo y cierto humor negro. El mensaje, poco a poco, va calando. La simbología no puede faltar y pincha Hayakama la misma herida varias veces. Es a los 50 minutos cuando sucede el acontecimiento. Aparecen los inconvenientes, se vuelve a romper la cuarta pared, ayudándonos a reflexionar. Y se vuelve a frenar en los diálogos, la película se vuelve mística, nos estamos acercando a eso de "el fin de la vida" y aunque el desenlace es lento, nos deja una puerta abierta a la discusión. Todos los personajes, curiosamente, son buenos. Y es que individualmente es difícil sacar pegas, cuando el tema fundamental es la comunidad y los cuidados que se tejen en ella. Y sin esa comunidad, aparece la precariedad laboral y otros problemas que se hacen visibles con este PLAN 75.

No creo que acabe bien ya que no saca partido a todo lo que cabría esperar, da la sensación de haber dejado flecos ondeando al poco viento que provoca una película que plantea algo tan interesante. Con buenas sensaciones, uno se queda pensando si recordará algún pasaje. Sin embargo, da la sensación de que veremos a esta directora en otras ocasiones, tiene un gran talento.

Merece la pena. ¡Id al cine!

100 joyas independientes que deberías ver

2023-03-24T03:01:00.015-07:00

Si te gusta el cine independiente y buscas títulos no tan conocidos, aquí te recomiendo 100 películas que te van a encantar.

CINE INDEPENDIENTE.
Primero aclaremos qué se considera cine independiente: el concepto nació hace ya muchas décadas para diferenciar las pequeñas producciones que no se ajustaban al modelo estadounidense (los grandes sindicatos) de las que nacían de las grandes productoras o aquellas que no se promocionaban en los habituales circuitos comerciales. También el bajo presupuesto podría ser otra característica.

MI SELECCIÓN.
En este caso (sin orden) he elegido proyectos que, con mayor o menor calado comercial, dan prioridad a una intención personal, en su mayoría de directores/as poco conocidos/as y de orígenes humildes. El otro criterio ha sido aprovechar a recomendar esas películas menos conocidas (menos de 40.000 votos en Filmaffinity). No tendría sentido recomendar películas que todo el mundo ha visto. Por último, he preferido incluir aquellas disponibles en plataformas para mayor disfrute.

Eso sí, cualquier comentario sobre la selección es bienvenido.

¡Allá vamos!

#1 - LA NOCHE DEL 12 (Francia, 2022)

Dominik Moll nos regala un thriller policiaco que ha fascinado a quienes lo han visto Con un elenco poco conocido a nivel internacional, su fuerza recala en un guion sólido y una tensión a través de la calma en lo visual. Moll ya debutó hace 23 años con "Harry, un amigo que os quiere", en la que participa Sergi López. Y aunque ha dirigido a Charlotte Gainsbourg, Vincent Cassel, Denis Menochet o Charlotte Rampling, sigue prefiriendo dirigir proyectos más personales que comerciales. Entre lo mejor de 2022. En filmin.

#2 - FOXTROT (Israel, 2017)

Dirige Samuel Maoz, de quien sólo se conoce otro largometraje de 2009 aún menos popular. Esta "Foxtrot" recibió muchos premios y nominaciones a nivel europeo, pero quedó relegada a una distribución casi nula. Drama con la guerra de fondo, destacando el sinsentido de los conflictos bélicos, así como el humanismo por encima de arbitrariedades identitarias. Es visualmente muy atractiva, además de tratar un tema tan feo. En Filmin.

#3 - FRANCES HA (Estados Unidos, 2012)

Terreno pantanoso del independiente, pues en Estados Unidos hay grandes directores haciendo películas independientes, pero que podrían confundirse. Es el caso de Noah Baumbach, paradigma de la independencia para muchos, que cuenta con elencos muy populares y crea desde su perspectiva guiones alejados del blockbuster hollywoodiense. Es el caso de esta "Frances Ha", entre mis favoritas, que escribe junto a Greta Gerwig (también protagonista) y nos trae personajes frágiles, humanos, con muchísimos matices y llenos de errores. Es una comedia dramática del ya famoso estilo "mumblecore", en el que los personajes tienen una linea argumental, pero prima la improvisación. Gerwig y Driver, imperdonable perderse esto. En Movistar+ y Filmin.

#4 - ELLING (Noruega, 2001)

Para mí "Elling" fue una de esas primeras joyas que me cautivó como película fuera de lo habitual. Descubrir que en otros países se hacían cosas emocionantes sin necesidad de conocer al director o actor fue un primer paso para interesarme por este tipo de cine. Aquí Petter Naess, cuya filmografía es principalmente noruega) cuenta la historia de un tipo que sufre síndrome de Munchausen por poderes y no es capaz de emanciparse una vez que su madre ha fallecido. El aprendizaje, infantil, nos adentra en una perspectiva única que deja momentos increíblemente emotivos. Fue nominada al Oscar y el director hizo una breve incursión en cine estadounidense. En Netflix.

#5 - HIERVE (Reino Unido, 2021)

Philip Barantini ya ganó el BIFA a mejor cortometraje británico con su homónimo corto "Hierve" y en 2021 nos lo trajo en gran formato. Sin embargo, no se llevó a las salas, sino a la televisión. Casi una decena de minúsculas productoras hicieron posible esto. Stephen Graham es su fetiche y él borda un trabajo muy difícil, ya que todo el metraje (con algún posible truco) está rodado en plano secuencia dentro de un restaurante. Complicado, tenso, frenético y crítico proyecto que nos habla de las bambalinas de la alta cocina. Brutal. 4 nominaciones BAFTA. En Filmin.

#6 - COLUMBUS (Estados Unidos, 2017)

Primer largometraje (anteriormente director sobre directores) de Kogonada, un surcoreano en Estados Unidos. Calma, belleza, arquitectura y sensibilidad en este drama sobre dudas existenciales en una joven americana. Seleccionada en todos los festivales independientes, uno de mis grandes descubrimientos de los últimos años. En Filmin.

#7 - DESPIDIENDO A YANG (Estados Unidos, 2021)

Aunque de menor calado en la crítica, el mismo director (Kogonada) trae a Colin Farrel y Jodie Turner-Smith a un drama de ciencia ficción sobre la inteligencia artificial y la posibilidad de albergar sentimientos propios. Misma calma, misma belleza, mayor profundidad emocional. Puede sacarte de la película el tono extremadamente suave, pero ayuda a la asimilación de los procesos por los que pasan los personajes. Aquí ya produce A24 que, sin ser una de las grandes, es una productora con bastante presupuesto y siempre acierta con proyectos únicos. En Prime.

#8 - NOCHE DE FUEGO (México, 2021)

Es el quinto trabajo de la salvadoreña Tatiana Huezo desde 2011, sin embargo no la descubrimos hasta que recibiera premios en Cannes, San Sebastián y en otros festivales independientes. Rodada con valentía y fuerza, mezcla el realismo durísimo de las desapariciones por parte de los cárteles con cierta magia proveniente de los niños y niñas, pues la infancia se abre paso entre la infamia. De lo mejor de 2021. En Netflix.

#9 - JINETES DE LA JUSTICIA (Dinamarca, 2020)

Guionista de decenas de películas (incluida "En un mundo mejor", Oscar en 2011), ha dirigido algunas películas danesas que no han gozado de distribución. Con esta comedia negra que protagoniza el gran Mads Mikelsen, ya cuenta con la producción de Zentropa, entre otras. Si el mundo fuera Dinamarca, esto no sería una película independiente, pero si comparamos con los presupuestos y formatos de blockbuster, es claramente un film lejos del circuito habitual. Desternillante a ratos, facilona también, esta película conquista a cualquiera. Hay thriller, pero priman las risas. En Rakuten y Apple TV.

#10 - ¿DÓNDE ESTÁ MI CUERPO? (Francia, 2019)

Animación con alma. Y aunque distribuye Netflix, fue un proyecto al margen de lo establecido. Para adultos, ya que trata temas difíciles y con imágenes peliagudas en algún momento. Dirige Jeremy Clapin, a quien no conocíamos más que por cortometrajes de animación, a mí me encantó el súper original Skhizein (2008) que tenéis disponible aquí. Este largo que sólo dura hora y cuarto te sumerge en una aventura singularísima en la que una mano buscará reencontrarse con el resto del cuerpo al que pertenece. Por el camino hallará innumerables cuestiones humanas de magnífico valor. En Netflix.

#11 - UN PEQUEÑO MUNDO (Bélgica, 2021)

Lo grandioso de esta película es que Laura Wandel, primeriza directora, nos pone de verdad en la perspectiva de la niña, no sólo por la colocación de la cámara, sino por la falta de lenguaje para expresar lo que con 6 años nadie sabe expresar. También en la dinámica con su hermano para tratar de ayudarle. Con unos minutos final de infarto. En Movistar+, Filmin y Rakuten.

#12 - LA PEOR PERSONA DEL MUNDO (Noruega, 2021)

Se trata de Joachim Trier, un ya experimentado en circuitos alternativos y con buena aceptación en la crítica internacional. Sin embargo, sus películas no han dejado de ser lo que vimos en "Oslo, 31 de agosto" de 2011. Drama profundo, con conversaciones que significan mucho para sus personajes y un tema principal: el solipsismo. Aquí añade un detalle fabuloso, la fantasía, para poner de relieve la situación emocional de su protagonista. Es su mejor película hasta la fecha, nominada a Oscar, Bafta y numerosos círculos de críticos. En Movistar+ y Filmin.

#13 - QUO VADIS, AIDA? (Bosnia y Herzegovina, 2020)

Lo mejor de 2020 viene desde un país al que no tenemos en el radar cinematográfico habitualmente. Dirige Jasmila Zbanic (también ahora en "The last of us"), con varios films a sus espaldas, pero sin repercusión ni distribución, al menos, en España. Con esta maravilla nos mete de lleno en el conflicto de los Balcanes, años 90. Pero el fondo bélico va poco a poco tornándose en un problema filosófico conocido como el dilema de las manos sucias. La protagonista debe tomar decisiones bajo una tensión insufrible que, en ningún caso, tendrán buenas consecuencias. Tanto en contenido como en la forma, es una película perfecta. Intensa, con interpretaciones al límite, rodada con originalidad y con un toque de gracia final que te deja impresionado. En Filmin y AppleTV.

#14 - BLUE JAY (Estados Unidos, 2016)

Una de esas películas rodadas en blanco y negro en un mismo interior, donde sólo dos personas hablan y pasa de todo. Con emociones al borde del llanto, la risa sin complejos, la amistad, el amor y con un punto en común: descubrir el pasado de los personajes. Aunque cuenta con Sarah Paulson, esta cinta estadounidense se produjo con un presupuesto mínimo por parte del otro coprotagonista, Mark Duplass. Es una historia triste e íntima, pero consigue una montaña rusa de sensaciones gracias a un guion muy ágil. En Netflix.

#15 - RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS (Francia, 2019)

Una Con 40 años, la directora Celine Sciamma está llamada a ser una de las grandes directoras europeas de nuestra época. También guionista, se involucra muchísimo en que el texto flote entre personajes muy cercanos. Pese a tratarse de un drama del siglo XVIII, aquí el amor nace de una tensión artística y secreta, se convierte poco a poco en algo real y aumenta hasta tal punto que conmueve con, aparentemente, muy poco. Lucidez extrema para conseguir el máximo con tan pocos recursos. El fuego como símbolo universal del amor que todo lo quema y todo lo reduce a polvo. Preciosa. En Prime.

#16 - FUERZA MAYOR (Suecia, 2014)

Ruben Ostlund lleva rodando desde 2001, pero fue con esta "Turist" con la que comenzó a cautivar en Cannes y demás festivales. Hoy no es considerado tan independiente, pero su cine se enmarca aún en ese cine alternativo, menos comercial y sin tanta popularidad pese a los premios. Lo que hace a esta película tan especial es el planteamiento de un problema desde lugares diferentes y, sobre todo, el modo en que se comunican los personajes principales. Una familia desayuna en un hotel de montaña. Un accidente sobreviene y cada uno de los padres actúa diferente. Desde ahí es un constante asombro para ver cómo cada uno afronta lo que acaban de vivir. Me reí muchísimo las dos veces que la vi, pero además me generó unas conversaciones inimaginables entre amigos. En Movistar+ y Filmin.

#17 - LA VIDA INVISIBLE DE EURIDICE GUSMAO (Brasil, 2019)

Fotógrafos, prestad atención. Melodrama familiar, de amor y desdichas, que Karim Aïnouz dirige con un gusto exquisito. De esas películas para sentarse a disfrutar con tiempo, donde los colores y la luz dejará huella en tu memoria. Donde la tristeza te invadirá a ratos y donde la rabia y la pasión te harán volar en otros. Dos hermanas en los años 50 bajo un yugo todavía más rígido que hoy: el machismo imperante. Búsqueda de la realización personal, la sororidad y el amor en los recodos de unas vidas difíciles, muy difíciles. Aunque consiguió premios y buenas críticas, en España no asomó a demasiadas salas. En Filmin.

#18 - ÚLTIMOS DÍAS EN LA HABANA (Cuba, 2016)

Fernando Pérez ha dirigido 14 películas entre cortos y largos. Todo en Cuba. Gracias a los festivales de La Habana y Málaga pudimos encontrar esta joya. Con varios de los problemas que adolece su país, pone el foco en la humanidad que pasa de puntillas entre los escombros, como si no se contagiara de ninguno de ellos. La homosexualidad, la enfermedad, la pobreza y la esperanza están presentes en una película que parece no contar nada, que parece estancarse en el tiempo, que se hace un pelín lenta al principio, pero que termina muy acertada con un discurso bellísimo y cargado de emociones. Cuando terminas, ha merecido la pena, muchísimo. La producción fue algo más mainstream, pero no vais a ver un blockbuster, hacedme caso. En Filmin.

#19 - UN MINUTO DE GLORIA (Bulgaria, 2016)

Dirección conjunta por parte de Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Han repetido esta combinación en numerosas películas. Ninguna caló en circuitos populares, pero esta se coló, sorprendentemente, entre varios premios en Gijón. Es una comedia dramática. Más lo segundo que lo primero, aunque mantiene siempre un sentido del ridículo y un humor absurdo/negro que habilita el resto del drama. Habla de la bondad, de los valores que cada uno tiene por suyos. Un viaje entre dos generaciones, dos mundos, que deja muy buen sabor de boca. Por desgracia, ninguna plataforma apuesta por ella hoy.

#20 - DIECISIETE (España, 2019)

Es fácil haber visto esta joyita, ya que produce Atípica Films y distribuye Netflix, además de tener a Daniel Sánchez Arévalo a la dirección. Pero la he metido en este saco indie por el siguiente motivo: es un formato muy propio de autor, con una intención muy personal y con un presupuesto muy limitado. Y que directamente saltó a plataformas, en vez de pasar por cines. Cuenta con Nacho Sánchez, que ha arrasado actualmente con Mantícora y es una de esas películas que te reconfortan. Te hacen sentir bien y empatizar muchísimo con los protagonistas. Eso, lo de hacerte sentir bien, no es fácil. Y hay poco cine así. "Diecisiete" es una mini road movie sobre dos hermanos: uno insociable en terapia; otro dispuesto a todo por ayudarle, pero también por ayudarse a sí mismo. Para llorar lágrimas de buen rollo. En Netflix.

#21 - EL NOMBRE (Francia, 2012)

Único escenario, interior, muy teatral en la puesta en escena. Una discusión sobre el nombre que le pondrías a un hijo. Tan buena en los diálogos, que los personajes dan mil vueltas. Hasta diez productoras, con muy poco, se unieron para sacarla adelante. Cómica, dramática, delirante. De esas que funcionan tan bien con poco presupuesto que luego se van haciendo en otros países (Alemania e Italia, al menos). Plantea debates y pasas un rato divertidísimo. En Filmin y AppleTV.

#22 - VALS CON BASHIR (Israel, 2008)

De Ari Folman poco hay que decir hoy. Prodigioso a la hora de contar lo difícil ayudándose de técnicas nuevas, en 2008 fue nominado a los mejores premios internacionales por esta joya de animación. Aunque esta fue su obra más aclamada, al comentarla se nota que no tanta gente la ha visto. Autobiográfico en parte, trata sobre cómo deformamos los recuerdos cuando nos provocan tanto terror. En este caso, la misión que realizó el propio Folman con Israel en aquella guerra contra el Líbano en los años 80. Al intentar recordar, todo aparece en forma de imágenes surrealistas. Te dejará boquiabierto. En Filmin y PlutoTV.

#23 - COSAS QUE NUNCA TE DIJE (España, 1996)

Lo mismo le ocurre a Isabel Coixet. Hoy todos ven las películas que va publicando, sin embargo, algunas de sus primeras obras fueron menos conocidas y, con menos capacidad económica, fueron extraordinarias. Esta la protagonizan Lily Taylor (Enemigos públicos, Expediente Warren, Four Rooms, A dos metros bajo tierra...) Andrew McCarthy (Orange is the new black, Gossip girl...) Debbie Mazar (Uno de los nuestros, Collateral, Batman Forever...) y lleva el sello musical de Vilallonga. Es una delicia sobre el desamor, la intimidad y la reconstrucción. Te toca la fibra, que se suele decir. En Netflix, Prime, Filmin y Flixolé.

#24 - SORRY WE MISSED YOU (Reino Unido, 2019)

Ken Loach es uno de los mejores directores vivos, a mi parecer. Cuenta con su guionista de cabecera, el grandísimo Paul Laverty. Y forma parte de esas películas que no parecen nada y se convierten en geniales manuales de estilo. Además, siempre con reivindicaciones que sacarás en más de una discusión. Esta es una conjunción de visión crítica de la precariedad laboral de hoy y una descripción de personajes por sus propias acciones, sin narrador ni una presentación pueril. Los recursos de Loach son tan potentes que, con muy poco, saca oro. No busques conclusiones en la película, las sacarás tú. Sin embargo, te dejará tan al aire los argumentos que será imposible no empatizar con los personajes. Aquí, con una dura crítica al individualismo liberal, la generación del ya y el eterno engaño de la flexibilidad laboral. Tierna, real y contundente. En Filmin.

#25 - SOUND OF METAL (Estados Unidos, 2019)

Dos Oscar y un total de 6 nominaciones se diría de una gran película, pero esta maravilla quedó en un segundo plano que no gozó de mayor trascendencia una vez pasada la gala. Produce Caviar Films y distribuye Amazon, pero por extrañas razones no ha sido tan famosa como debería. Hasta 5 millones de dólares se invirtieron, que roza ese punto de presupuesto ya mediano. Es una película sorprendente en la forma y atrevida en el contenido. Un baterista que comienza a perder audición. Nos traslada a su cabeza y sentimos realidad, no una típica historia de superación. Sobre verse en un lugar no deseado. Sobre elegir en circunstancias terribles. Emocionante, asombrosa e intrigante. En Prime.

#26 - EL VIAJANTE (Irán, 2016)

Decir Asghar Farhadi ya parece casi mainstream, es autor de películas Nader y Simin, Todos lo saben, Un héroe, El pasado... Pero sus películas llegan, sobre todo, a un círculo casi impermeable de cinéfilos. Por eso y porque esta es mucho menos conocida, la recomiendo. Dicen que es un Farhadi de trazo grueso. Le valió un Oscar. Dicen que aún estaba explorando en las tramas. Para mí es de las más emocionantes. Conocemos un Irán abierto, enraizado, pero más similar a nuestro entorno. Y conocemos a unos personajes que nos harán llorar. Muy profunda. En HBO, Filmin, PlutoTV y AppleTV.

#27 - CHEVALIER (Grecia, 2015)

Comedia ácida sobre la lucha de clases. Dirige Athina Rachel Tsangari, a quienes pocos conocen. Desde un barco, las situaciones algo surrealistas que plantean los protagonistas nos revela que están en un lugar moralmente diferente entre ellos. El juego de roles en función de su implicación será el atizador de las risas y lo incómodo. También ellos como grupo están en posiciones diferentes frente a otros. Ir descubriendo hacia dónde va la la película es una locura que se disfruta muchísimo. Tiene sus peros, yo me quedo con sus pros. En Filmin.

#28 - GUROV & ANNA (Canadá, 2014)

Pertenece a ese cine emergente de Quebec que, sin generar algo nuevo, sorprende y retuerce algo en nuestro interior. Aquí un drama romántico de producción y distribución casi nula (31 votos en Filmaffinity) que aborda una relación extraña en el amor y que, con una sensualidad arrasadora, nos lleva a posicionarnos, a regocijarnos en el dolor y a salir extasiados con lo que hemos vivido. Una pena que algo así no llegue al público. La tenéis en alquiler en Google Play y Apple TV.

#29 - IDA (Polonia, 2013)

Todo cinéfilo conoce ya a Pawel Pawlikowski, que comenzó en Reino Unido, pero ha sido en su Polonia natal donde ha ejercitado un poderío asombroso. Proyecta para 2024 una película con Joaquim Phoenix y Rooney Mara. Con IDA consiguió el Oscar a mejor película le habla no inglesa y la nominación por fotografía, con del increíble Lukasz Zal al mando (también en Cold War, para mí una película más emocionante). IDA es belleza, es blanco y negro enmudecedor, es un viaje a la soledad y una llamada a la identidad en una Europa de los años 60 donde el silencio y el miedo habían causado estragos. Preciosa. En Filmin.

#30 - UNA CUESTIÓN DE TIEMPO (Reino Unido, 2013)

Humor sano, revitalizador, achuchable y sensible. Todo eso es la comedia romántica de Richard Curtis que roza ese punto mainstream con casi 40.000 votos en Filmaffinity, además de haber necesitado 12 millones de dólares. Vale, tal vez esta no es una película indie en todos sus posibilitantes, pero la incluyo por lo arriesgado, singular y pequeñita que resulta. Con Domhnall Gleeson, Rachel McAdams y Bill Nighy, nos adentramos en una historia familiar en la que el divertido padre revela un fantástico secreto a su hijo: el don familiar para regresar una y otra vez al momento deseado hasta hacer lo correcto. Los problemas sobre viajes en el tiempo son lo de menos: la agilidad para crear chistes y lo bonito que es el amor con la bondad de fondo lo abarcan todo. Para cualquier día, pero sobre todo si tienes un mal día. En SkyShow, Movistar+, Starz y Lionsgate.

#31 - EL ILUSIONISTA (Francia, 2010)

Hora y cuarto de animación romanticista, cargada de sueños e ilusión. Sylvain Chomet es un director obstinado con lo clásico en el mejor sentido del término. Mantiene trazos y estilos que serán bellos siempre. La película, muda y sin plataforma que la ampare, es para mí una de mis animaciones favoritas de la historia. Una niña conoce a un mago, su vida se convertirá en la ilusión de un truco. Imprescindible.

#32 - MANTÍCORA (España, 2022)

Carlos Vermut ya no es ningún desconocido, pero sí produce desde la independencia. Sobre todo cuando sus proyectos son tan personales, tan excéntricos y tan originales. Apoyan la producción RTVE y Movistar, pero comprenderás al ver este thriller psicológico que no hay presión y cuenta con total libertad (y menos de 20.000€). Si creías que Magical Girl era perturbadora, ver esta película te dejará ojiplático. La más perturbadora de 2022. La limpidez de los diálogos, neutros y milimetrados, así como unas interpretaciones raramente solemnes, te irán tensando hasta llegar a un clímax extraordinario y alarmante. A pesar de premios y nominaciones, curiosamente, no la ha visto casi nadie. Fliparás. En Rakuten y Movistar+.

#33 - BIG BAD WOLVES (Israel, 2013)

Dicen que es como si Tarantino fuera israelí, donde la comedia negra se mezcla con un crimen bruto y ridículo. Es una carcajada, una cara de asco, un bofetón y otra carcajada. Para públicos abiertos, sin duda. Trama interesante que consiguió premios en Sitges por Mejor dirección y Mejor banda sonora. Una gamberrada gore que no te dejará indiferente. Aquí, directores y productoras, gozan de un llamativo anonimato para la grandeza de esta película. En Prime y Filmin.

#34 - EL AGENTE TOPO (Chile, 2020)

Gracias a los Oscar, los Goya y San Sebastián, logró cierta visibilidad por aquí, pero no la suficiente para que se apreciara en su esplendor. Un documental (o no) sobre la vejez desde un prisma ficticio y de investigación que llega muy dentro por su sinceridad, por su relato cómico y absurdo. Te hará llorar y reír a partes iguales, te sorprenderá por su formato y te animará a ver más cine de propuestas novedosas. Más de diez productoras para un presupuesto enano que desafía el género documental. Una rareza bellísima. En Filmin.

#35 - CIUDAD DE DIOS (Brasil, 2002)

Aquí es donde todos se me echan encima. Cierto, más de 127.000 votos en Filmaffinity. Muchos ya la habéis visto. Es cine ahora muy popular. Lo que queráis. La incluyo por lo siguiente: lo que Fernando Meirelles (con Katia Lund en este caso) proyectó y realizó no tenía el apoyo de ninguna productora de gran tamaño, no contaba con todo lo que le sobrevino después ni sabía que calaría tan profundo. Las consecuencias no evitan que la producción fuera muy personal, con mucho carácter de sus autores y sin un presupuesto alocado (menos de 3 millones). Si bien quien la conoce, la adora, los que aún no hayan visto esta película de culto, tendrá el placer de acercarse por primera vez a una de las mejores películas del siglo XXI, tal vez de la historia. En Prime, Acontra+, HBO MAX y Movistar+.

#36 - MANDARINAS (Estonia, 2013)

Drama de arraigo en las provincias ex-soviéticas. Con un telón de fondo bélico, nos enternece ver la humanidad abriéndose paso ante cualquier alienación. Profundidad y poesía inesperada en un relato liberador y conmovedor. De esas joyas que pasan desapercibidas a pesar de nominaciones al Globo de oro y al Oscar. Su autor, Zaza Urushadze, realizó dos películas más. Una de ellas (Anton, su amigo y la revolución rusa) se publicó hace casi 4 años y volvió a gustar a la crítica, pero la popularidad siguió ajena. Carne de Filmin, pero actualmente sin plataforma.

#37 - UN ASUNTO DE FAMILIA (Japón, 2018)

Hirokazu Koreeda lleva muchos años siendo una referencia (el nuevo Ozu para algunos) en festivales y premios de renombre internacional. El público mayoritario lo desconoce, pero es un nombre repetido cada año entre crítica y cinefilia. Su última "Broker" ha sido una sensación porque parece llegar de manera más global. Grabada en Japón, como la mayoría de su filmografía, siempre cuenta con presupuestos mínimos y apoyos de productoras serias. Sin embargo, su cine se repite una y otra vez, lo que indica, como con Almodóvar, que hace y deshace como desea. Y de ahí su magia. Su "Un asunto de familia" es una bofetada a los cánones de lo que significa una familia. Es una dentellada a los estereotipos y los valores tradicionales. Bella, tierna y casi dulce, es un bollito que te deja conocer a personajes que desprenden amor. De la irregularidad, una floritura; de la imperfección, kintsugi. En HBO MAX y Filmin.

#38 - MANCHESTER FRENTE AL MAR (Estados Unidos, 2016)

También en ese filo de si indie o no. Menos de 9 millones, pero Amazon como principal fuente. Casey Affleck y Michelle Williams, pero Kenneth Lonergan. Como guionista, este último, un ariete. Como director, sin embargo, desconocido. 3 pelis en 17 años. Y con esta cinta nos conquistó a todos, creo. 30.000 votos en Filmaffinity y un drama durísimo que nos compromete a tolerar lo intolerable. Nos obliga a doblar la mano, mirar con dolor y sorbernos las lágrimas. En Estados Unidos, lo independiente funciona así: dos Oscar, Globos de oro, Baftas y demás. Pero cuando la comento en conversaciones, no la han visto. Pues a verla. En Prime, Sky Showtime y Movistar+.

#39 - LAWRENCE ANYWAYS (Canadá, 2012)

Xavier Dolan es uno de esos titanes del independentismo, de películas extrañas que ofrecen algo nuevo a la industria. Esta es de mis favoritas con su sello. Con lo amínimo y apoyos tímidos, nos trae un drama romántico con la transexualidad (en 2012) como fondo. El debate, que no aparece como nuevo, se centra en detalles más entrados en materia. Visión vanguardista, amor asombrosamente potente y una toma de decisiones que te mantienen atento cada minuto. Estuvo en Netflix, también debería estar en Filmin, pero patatas.

#40 - OTRA TIERRA (Estados Unidos, 2011)

Conquistó Sitges, nadie apostaba por ella previamente y supone un ejercicio astuto y brillante de cómo realizar ciencia-ficción casi con las manos. Un nuevo planeta Tierra es descubierto y esa duplicidad creará universos posibles de drama, romance, intriga y asombro. Una joya que no cuenta con las herramientas para ser la mejor producción, pero que consigue mucho más que las que más gastan en ello. Hora y media de puro placer. En Disney+.

#41 - MONGOL (Kazajstan, 2017)

Esta sí es una superproducción, aunque se tuvieron que aunar muchas pequeñas compañías y varios países. De hecho, llega de un lugar del que no solemos ver cine: Kazajstan. Es biográfica sobre la vida de Genghis Khan, pero llama mucho más la atención el atrevimiento visual para contar batallas. Una épica muy sorprendente y muy potente que aprecia el ojo que busca una opción nueva. Y llamativo que ahora mismo no esté en ninguna plataforma.

#42 - EL JEFE DE TODO ESTO (Dinamarca, 2006)

Del bien conocido Lars Von Trier, la más cómica y desconocida. Nominada a la Concha de Oro en San Sebastián, es la cina más ingenua y sin perturbadas perspectivas. También la mayor crítica del danés a la locura en la que funciona el mercado laboral. Te reirás, te verás reflejado en situaciones y te quedarás con ganas de más. Disponible en Filmin.

#43 - SOÑAR NO CUESTA NADA (Colombia, 2006)

El mismo año en Colombia se producía este crudo relato sobre la corrupción y el ejército en la selva de un lugar donde hay demasiados negocios. Cuenta el hallazgo de millones de dólares por parte de unos soldados que ni disimulan sus sospechosos gastos. Ni el director ni el elenco figuran entre los más famosos a nivel internacional; el presupuesto era bajo; la distribución, modesta. Pero es una buena película que emociona en diversos sentidos. En Prime.

#44 - TRUMAN (España, 2015)

De esta hermosa película lo que me intriga es que la haya visto menos gente de la que uno esperaría. 5 Goya, entre ellos película y dirección. Un director reconocido, aunque experimental, un elenco de ensueño y una historia accesible al gran público, Truman es un drama sobre la enfermedad, pero con más comedia y más empatía que ninguna otra de su mismo año. Una maravillosa película con la que amar y llorar, mientras te ríes con dos de los más grandes: Darín y Cámara. En Netflix, Movistar+ y Flixole.

#45 - DESPERTANDO A NED (Irlanda, 1998)ç

Una comedia negra que te despierta el ánimo en todo el metraje. Risas y risas. Era el debut de Kirk Jones y funcionó tan bien que luego le encargaron "La niñera mágica", con Emma Thompson. Curiosamente, toda su filmografía pasó luego por lugares comunes y secundarios a los que la crítica dio la espalda. Al menos hizo esta joya tan divertida. En Filmin y AContra+.

#46 - LA VENUS DE LAS PIELES (Francia, 2013)

Dos actores, un mismo escenario (real, porque es un teatro cerrado). Parece una obra indie de alguien sin presupuesto. Sin embargo, protagoniza Matthieu Amalric y Emmanuelle Seigner, además de ser escrita y dirigida por Roman Polanski. No es su mayor obra, ya que ha tenido muchas grandes películas, pero es una de las más precisas en el texto y de mejor dirección actoral. La de vueltas que da una persona en diferentes marcos sensoriales. Qué gustazo de película: sensual, inteligente y poderosa. En Filmin.

#47 - ANTES DE LA LLUVIA (Macedonia, 1994)

Debut de Milcho Manchevski desde Macedonia. Historias cruzadas con el fondo de la Guerra de los Balcanes. Toda la crítica a favor en un profundo drama de humanidad y dureza. La tragedia da lugar a una ineludible crítica, pero la ejecuta con solvencia en términos no tan tópicos como otras. Deliciosa y triste en bellas conversaciones, como un día de lluvia en compañía. En Filmin.

#48 - GIRL PICTURE (Finlandia, 2022)

Una directora a la que pocos conocían más allá de su país, un grupo de chicas jóvenes que transmiten muchísimo y una idea con gracia suficiente. Ah, y un toque de ese "ahora" que aflige a cada generación y por ello siempre es novedoso. La sexualidad, las amistades y el amor, entroncadas en la relación de unas chicas con muchas ganas de vivir y con algún problema que se lo complica. Preciosa y ligera. En Filmin.

#49 - COHERENCE (USA, 2013)

La película indie de intriga por excelencia. Terror, sí, pero de ese que llaman elevado. Desde la paradoja de Schrödinger nos meten en una loca posibilidad de multiplicidad de realidades. Hace 10 años, antes de que nos arrollara este tema. Y lo hace con una habilidad aplastante. Es una maravilla que te angustiará a la vez que te hará aplaudir. Mejor guion en Sitges. Si vas a elegir una, que sea esta. En Movistar+.

#50 - HIVE (Kosovo, 2021)

Cómo se construyen las comunidades, quiénes están detrás de todo lo bueno que eso nos trae y dónde hay que poner el alma para que algo tome forma. Feminismo desde una historia de trabajo, familia y cariño. Una sorpresa súper grata que gozó de tan poca distribución que nadie la vio. Una de las más pequeñas joyas de todo su año. En Filmin.

#51 - EMPIRE RECORDS (USA, 1995)

Al estilo de ALTA FIDELIDAD, una tienda de discos es la protagonista a la que rodea un reparto de promesas de los años 90. Amor, adolescencia, rebeldía y nostalgia en una cinta tan divertida como evasiva. El musical hace su aparición, aunque no es lo principal. La dulzura de Liv Tyler embaucará a todos, mucho más que su director, el canadiense Allan Moyle que volvió al anonimato tras esta curiosa película. Menos de 2.000 votos en Filmaffinity y debería ser un "must". En PlutoTV.

#52 - COSTA BRAVA, LÍBANO (Líbano, 2021)

Dirige Mouna Aki y escribe ella misma junto a una de las mejores guionistas del momento: Clara Roquet (10.000 km., Petra, La ofrenda, Libertad, Creatura...). Un drama con la familia de fondo y la huida del mundanal ruido. Sobre cómo se fundan los valores de una nueva sociedad, las trabas que se presentan y la fragilidad masculina en una cinta llena de amor, de infancia inocente y de una Nadine Labaki en plena madurez interpretativa y tan sensual como siempre. Una delicia que nadie ha visto. En Filmin.

#53 - SOFTIE (Francia, 2021)

Toda la crítica a favor, una dirección cuidada y un tema muy presente en nuestros días para que esta joya haya quedado en último plano. Apenas supera los 1.000 votos en Filmaffinity, pero la película de Samuel Theis muestra una infancia demasiado madura y responsable a la que le viene bien un poco de libertad para que los niños sean niños. Te envuelve, de duele y te transmite ternura en cada plano. Hora y media que merece mucho la pena. En Filmin.

#54 - 7 PRISIONEROS (Brasil, 2021)

Un thriller dramático con la precariedad laboral y la mafia como elementos fundamentales. Se mezcla la violencia explícita con la violencia de la amenaza social. Un film alarmante y preocupante que indica que las estructuras fraudulentas llevan mucho tiempo y parecen imposibles de abolir. Un dilema final sobre la posibilidad de redención muy interesante. Rodrigo Santoro está increíble. En Netflix.

#55 - PARA CHIARA (Italia, 2021)

Un poco más de mafia, pero desde la sutilidad de la inocencia. Una niña descubrirá un secreto demasiado importante cuando su padre desaparece. Es una búsqueda muy estimulante, donde se mezcla costumbrismo y una trama demasiado grande para entenderla de primeras. Apasionante "coming of age" que dispara contra nuestra impresión y nos deja asombrados. En Movistar+.

#56 - BEGINNING (Georgia, 2020)

El debut en largo de Dea Kulumbegashvili te dejará petrificado. Aborda los abusos en una sociedad demasiado ciega y muda. Más allá del tema, la directora trata los planos con una dureza que, muy cerca del Haneke más perverso, nos obliga a presenciar actos ignominiosos. Brutal y directa, para quienes amen el cine un poco experimental. Concha de oro en San Sebastián, dirección, guion y actriz, es una película que no te dejará indiferente. En Filmin.

#57 - LA DONCELLA (Corea del Sur, 2016)

Premios Bafta, NBR y en Sitges, la adaptación de la novela de Sarah Waters por parte de Park Chan-Wook es una maravilla visual y discursiva. Desde comienzos de siglo y con dos mujeres en estado de gracia, narra la relación romántica y erótica entre una rica mujer y su criada. Hablamos de la Corea ocupada por Japón en los años 30, cuyo telón de fondo es la represión y una mezcla de culturas pudorosa. Aunque esta película goza de crítica a favor y una nota media de 7,6 en filmaffinity, no son tantos los que dicen haberla visto. En Movistar+, Filmin y FilmBox.

#58 - COMPARTIMENTO Nº6 (Finlandia, 2021)

Una road movie de trenes. Un drama personal de búsqueda de una misma. También una posible historia de amor. Nace del escepticismo, del rechazo y cierta superioridad, pero pronto entra en el barro y los personajes comienzan a interactuar. Hay un poco de miedo, hay ingenuidad y, sobre todo, una relación basada en la necesaria confianza para sobrevivir. Aunque no es estéticamente bonita, deja un poso muy agradable y un final más dulce del que cabría esperar. Dirige Juho Kuosmanen y los festivales la premiaron internacionalmente. En Movistar+.

#59 - EL ACONTECIMIENTO (Francia, 2021)

Ahora que sigue siendo tabú y está en riesgo su derecho, el aborto está presente en varias películas de todo el panorama internacional. Aquí es Francia en los años 60, pero no está tan lejos como 63 años nos indican que han pasado. Hay una actuación contenida e intensa, una valentía propia de la libertad más deseada y justa, pero lo que nos confirma que es una joya es la capacidad del guion para llevarnos a donde muchas veces no queremos estar. Dirige una experimentada Audrey Diwan y se la rifaron los premios europeos. En Movistar+.

#60 - EL PERRO QUE NO CALLA (Argentina, 2021)

Ana Katz es ya exitosa como guionista, directora y actriz. Y eso no evita que se atreva con un drama tan íntimo y personal. La precariedad laboral, el amor e incluso el fin del mundo formarán parte del proceso anímico del protagonista. Muy interesante, aunque extraña película de sólo hora y diez. En Filmin.

#61 - CONTROL (Reino Unido, 2007)

Muchos premios independientes para esta obra de Anton Corbijn que es, en realidad, una biografía del icónico líder de Joy Division, Ian Curtis. Dolorosa y cruda, nos acerca al por qué de las canciones tan pesimistas de ese momento en general y de los integrantes de la banda en particular. Muy directa y capaz de atraer incluso a quienes no son fans de una música tan deprimente. En Movistar+ y Filmin.

#62 - BURNING (Corea del Sur, 2018)

Lee Chang-Dong no es uno de esos directores coreanos tan famosos hoy. No apuesta por la fantasía ni la violencia explícita. Y eso crea en sus películas algo de independencia frente a lo que se vende actualmente. Burning es un ejemplo de lo que puede llegar a intrigar una película sólo con un buen texto y sugerentes imágenes. Sólo 8.000 votos en Filmaffinity para una joya que fue una de las más gratas sorpresas de 2018. Drama, amor, intriga y cierta profundidad filosófica en un ambiente muy cercano e íntimo. En Filmin.

#63 - EL SECRETO DE VERA DRAKE (Reino Unido, 2004)

Secreto a voces porque se llevó 3 nominaciones al Oscar. Sin embargo, muy poca gente la vio. Aquí nos adentramos en un drama sobre el aborto en los años 50. Interpretaciones al límite, contención y un guion muy cuidado consiguen que esta sea una de esas referencias británicas sin que su fama la eclipsara. Muy recomendable. Por cierto, basada en un hecho real. En Filmin, Acontra+ y Livify.

#64 - HOY EMPIEZA TODO (Francia, 1999)

El ya fallecido Bertrand Tavernier es un icono entre cinéfilos. Esta película da nombre al programa de las mañanas en Radio3 que se lleva emitiendo 15 años. Pero no oirás nombrarla a menudo para lo importante que es. La historia de un profesor que, pese a los problemas sistémicos de la enseñanza, se empeña en que cada acción sea bondadosa y sirva para quienes todo es el comienzo es un drama social que te calará los huesos y, probablemente, te haga mejor persona. Preciosa. En Filmin.

#65 - BORDER (Suecia, 2018)

Aquí una de las joyas extrañas de los últimos años. De esas películas que te perturban, sin excesos, y te hacen cuestionarte varias cosas desde la fantasía contenida. Es un romance original, con un giro final que se volverá los ojos para atrás y con un ritmo poco convencional. Su director, Ali Abbasi, luego haría la gran "Holy Spider" y "The last of us". En Prime y Mubi.

#66 - LA MUJER DE LA MONTAÑA (Islandia, 2018)

Benedikt Erlingsson dirige esta obra ligeramente intrigante sobre la adopción. Un drama original que alude a las almas más libres y vibrantes para hacer llegar un mensaje con la perspectiva de un origen poco habitual. Por eso es potente. No es una trama mayúscula o una película novedosa en general, es simplemente un modo nuevo de acercarnos a un debate abierto y sano. Casi nadie tuvo la oportunidad de verla por la escasa distribución. En Filmin.

#67 - EL INSULTO (Líbano, 2017)

Cuando el lugar que habitamos (topos) y los modos en que habitamos (ethos) están tan intrínsecamente atravesados por una acción que perturba a ambos, todo y todos están inmersos en la disputa por la justicia. Y en esa disputa se encuentra esta apasionante película libanesa de Ziad Doueiri. Es un drama judicial, pero el juicio es social y muy intenso. Nominaciones internacionales que no consiguieron llegar al gran público, pero es una maravilla. En Filmin y Acontra.

#68 - LAZZARO FELIZ (Italia, 2018)

Su directora Alice Rohrwacher, quien presentó con gran expectación La Chimera en Cannes 2023, apuesta por un realismo mágico sin precedentes. Lo que consigue con este Lazzaro es que no podamos dejar de prestar atención a una especie de mesías bondadoso espectador de toda nuestra historia y que sintamos una relación afectiva con él tanto como la intriga extraña que no se separa de nosotros. Es toda una experiencia que toda persona debería vivir. Se hablará de ella en el futuro y Rohrwacher será referente para quienes posean imaginación. En Filmin y AppleTV.

#69 - POROROCA (Rumanía, 2017)

Un pelín larga, pero muy recomendable. Comienza con una historia cotidiana que se vuelve de terror, aunque sin sangre, asesinos ni sustos. La pesadilla afecta a una familia que pierde a su hija. Se convierte en un retrato minucioso de la pérdida, del vacío y de lo inconmensurable. Duele, pero es sincera, no busca más que ahondar en qué ocurre cuando sucede lo indeseable. muy bien dirigida. En Filmin y Rakuten.

#70 - SING STREET (Irlanda, 2016)

¿Te gusta la música? Te gusta Sing Street. Si bien cuenta con algo más de 16.000 votos en Filmaffinity, creo que es una película indie a recomendar por varios motivos. No la ha visto casi nadie del público al que va dirigida. John Carney (Begin Again, Once) es experto en comedias dramáticas románticas en las que la música es estructural. Y porque uno sólo puede salir lleno de buenas sensaciones y mejores intenciones tras ver esta fácil y blandita maravillosa obra. Adolescencia, búsqueda de identidad, pasión, libertad y reivindicación sensata que te hará sonreír más que ninguna otra película. En Prime, Movistar+, Filmin y AppleTV.

Y pronto muchas más, mantente atento!

Crítica de "Matria", el primer largometraje de Álvaro Gago

2023-03-23T04:29:00.000-07:00

Asistimos estos últimos años a grandes directores y directoras que emprenden su carrera con sorprendentes óperas primas. Es el caso de Álvaro Gago y su largometraje "Matria", expansión de su corto homónimo nominado en los Goya y los Forqué.

Álvaro Gago (Director)

Esta "Matria" nace con la prisa, el nervio, la carga y la responsabilidad, empuñando un abanico de verdades que personifica Ramona (María Vázquez). Es madre, es trabajadora, es amiga y es mujer. Y se ve cómo en el trabajo es ella quien lleva la voz cantante, quien organiza, quien hace a la vez de jefa y psicóloga. Porque ella es una trabajadora más, no la dueña. El mismo esquema se sucede en el plano familiar, donde pone orden y sentido a la propia estructura de su familia, ejerciendo de nuevo como jefa y psicóloga, nunca de dueña.

La acción se va tejiendo entre mujeres en el marco de un pueblo costero de Galicia. Tanto la hija de Ramona, Estrella, como su amiga, Carme, mantienen relaciones telefónicas que parecen no estar en su mejor momento. El trabajo es precario y también entre vecinas y compañeras hay una búsqueda de estabilidad, ya que mantener el equilibrio económico y emocional cuesta muchísimo. Poco a poco, ella va ahorrando, escondiendo billete a billete en un bote viejo de detergente Skip. Yo aún guardo para mis hijas algunos de esos llenos de cochecitos y muñecos. Los hombres, fiel reflejo de la realidad, como animales que sólo reclaman. O exigen en el trabajo o exigen en lo sexual, pero suponen siempre una amenaza y una carga difícil de soportar.

Se repiten encuadres, primeros planos, desesperación y mucha velocidad para sacar todo adelante por parte de Ramona. Ella es valiente, tenaz, poco acertada en el trato y dispuesta a todo por su hija. Como Álvaro Gago con esta película: valiente, tenaz, no acertado siempre y dispuesto a todo por "Matria".

Hacia mitad del metraje hay un momento de respiro en el que Ramona se sienta en un banco, el ruido se va silenciando, sólo hay música suave y el plano se acerca lentamente. Es el punto de inflexión con el que cambiarán algunas cosas. Habrá tiempo de desfogar, pasarlo bien, sincerarse y emocionarse, pero tal vez sea este el único punto que criticar: las consecuencias algo atenuadas y poco dramáticas. En todo caso, mucho más que aplaudir que reprochar.

Esta ópera prima no trae mucho nuevo, pues recuerda a Loach, León de Aranoa o Bollaín, pero eso no impide que este cine siga siendo necesario, interesante y defendible. De hecho esta película cuenta con muchas cosas a favor. Habla de los cuidados, tema que incluso hoy sigue siendo tabú. De ese papel femenino del "A que voy yo y lo encuentro" o "Ya lo hago yo" que siempre han repetido las madres. Pero también con el "Los niños se han quedado con el padre. Con la suegra, querrás decir" que no puede ser más acertado. Se juega con la burocracia al estilo de "Yo, Daniel Blake" y su batalla habitual por parte de la clase trabajadora. Y se pone en entredicho la recompensa tras toda una vida de dedicación, física y emocional, a construir una familia. Así como en "Días de vino y rosas" el mundo sólo se desmorona cuando es ella quien también bebe de más, en "Matria" se vuelve a poner de relieve que el único sustento familiar y social siempre ha recaído sobre las mujeres, que están agotadas. Esa injusticia la describe muy concisamente Pepa Blanes cuando dice que "es cine social que muestra que la clase y el género no van por separado".

Ramona (María Vázquez)

Hay una cosa que agradecer a este guion: que las conclusiones las tomemos los espectadores. Aunque parezca muy claro, todo es producto de unas cuestiones muy bien planteadas donde no nos dan respuesta: los personajes no atinan al apuntar al culpable y discuten entre ellos, tal y como pasa en el día a día de cualquiera de nosotros. Bueno, hay más que agradecer: el trabajo vibrante y enérgico de Laura Vázquez para rescatar todo detalle de un personaje realista y cansado. Y también que el cine no sólo sea grandilocuente en lo productivo, sino que haya hueco para contar lo que nos pasa. Poner lavadoras, ser explotados o pelar patatas (aquí como en Akerman). Las mujeres tienen derecho a equivocarse, pero resulta imposible pensar eso cuando toda la carga recae en ellas, así como resulta imposible imaginar en estos personajes (nosotros mismos) conversaciones sobre música, literatura o arquitectura cuando sólo se trata de sobrevivir.

ANTICLÍMAX, el corto que te hará volver a creer.

2023-03-16T11:27:00.001-07:00

Este cortometraje me ha hecho volver a creer.

¿Es que ya no creía en los cortometrajes? ¿Tal vez en el cine? ¿En el amor, en algo?

He sentido esperanza a varios niveles, que tienen más que ver con lo personal, pero que me ha hecho reflexionar por qué este corto ha conseguido tanto. Y he encontrado mucho.

Manolo Solo y Belén López

"ANTICLÍMAX" es un cortometraje sobre el amor, o al menos ese amor que muchos han/hemos perdido. Es un cortometraje sobre las posibles esperanzas, sobre si deberíamos comunicarnos mejor. No he vuelto a creer en el cine por ver estos 19 minutos, pero sí he recuperado una fe en una industria cuyo talón de Aquiles, para mí, siempre es el sonido. Estos chicos deberían explicar en un tutorial cómo conseguir que actrices y actores españoles sean escuchados correctamente, da gusto lo bien que está grabado el sonido. Y el montaje. Y las localizaciones.

Tampoco he vuelto a creer en los cortometrajes porque nunca dejé de creer en ellos ni de asombrarme al ver cómo se puede hacer tanto con tan poco. Reivindiquemos estos trabajos en sí mismos y no sólo como el trabajo previo o el manido "trampolín".

¿En qué he vuelto a creer? Os lo dejo al final.

Primero dejadme que os cuente que el cásting, increíblemente acertado, se nutre de Manolo Solo, Belén López, Fabían Castro, Jorge Clemente y Alicia Armenteros, estos últimos os van a encantar. A Manolo Solo y Belén López ya los conocéis de sobra, pero da gusto su pasión para papeles menos grandilocuentes porque la naturalidad de sus expresiones es bellísima. ¡Y cuánto transmiten!

Alicia Armenteros y Jorge Clemente

Y también llamemos la atención sobre la dirección, que en un cortometraje sabemos que conlleva una implicación muy directa con todos los detalles y que, OJO CON MÁS EYELINER QUE LA WINEHOUSE, Néstor López y Óscar Romero ya ganaron el último festival de New York. Néstor, además, consiguió el Goya por su anterior obra "Mamá" y otra nominación por "Nacer". El futuro les espera con alguna que otra copa de champán, ojalá verles brindar también esta semana en el Festival de Málaga, donde compiten con este "ANTICLÍMAX". Si los académicos y críticos sienten lo que yo he sentido, les lloverán los premios.

Los directores Néstor López y Óscar Romero

¿Entonces me ha hecho volver a creer en algo?

Pues un poco en el amor, incluidas sus realidades más anticlimáticas. Con ese punto onírico en el que se confunde realidad y sueño, deseos y recuerdos, me ha traído a la memoria películas como "Ricordi?", una romántica cinta italiana que conjuga estos ingredientes, pero también, si se me permite, obras maestras de calado histórico como "Rashomón", por la diferencia en el relato dependiendo de la perspectiva, o "Fresas Salvajes", donde el recuerdo es el hilo conductor de un viaje a la comprensión de la vida, que no es otra cosa que una oda al amor.

El amor no es fácilmente definible, pero este cortometraje describe muy rápida y sencillamente que la rutina convierte ese amor en otra cosa. Y aunque no lo expresemos o no sintamos exactamente lo mismo como para poder definirlo, es algo distinto, algo más feo.

He vuelto a creer en una magia oportuna y circunstancial que se da por Buda sabe qué motivo y que reúne los hilos que tejen una aventura. Como la que me llevó a mí durante dos años a Radio Nacional como prescriptor de este cine que tanto amo. Hoy recomendaría, de hecho os recomiendo este corto de Néstor López y Óscar Romero, que es una oda al amor.

Si podéis, ved ANTICLÍMAX y emocionaos. Me queráis a mí o no.

La pérdida. Diferentes perspectivas desde el cine.

2020-11-01T10:19:00.004-08:00

Cómo se afronta la pérdida.
Diferentes perspectivas desde el cine.

Vivimos tiempos de pérdidas y parece que nos acompañará en los próximos años. No sólo perdemos personas, también un modo de vida, un modo de comunicarnos y sí, también, un modo de ser en el mundo. Y siempre es un sentimiento encontrado sin buscarlo, un dolor que deviene.

Igual que cuando se está triste no sirve que nos digan "no estés triste", la pérdida merece el respeto suficiente para comprender que cada persona y en cada situación será vivida de modos diferentes. El cine nos presta algunos modos de afrontar pérdidas. Sin sentar cátedra, sí servirá para experimentar la diversidad. Sentirnos o no identificados es ya otro tema, eso sí, la sensibilidad debe ser bandera de una vivencia tan compleja y poco verbalizada.

Todos hemos perdido a alguien, ya sea un familiar, una amistad o incluso un estado de ánimo que pasó y sabemos que no volverá. Mis mayores pérdidas siempre fueron momentos de los que me enamoré y supe que debían acabar. Veranos demasiado cortos, intercambios con nuevas amistades o la intensidad con la que afrontamos en mi compañía de teatro una conexión que deshizo las normas de lo que unos amigos podían llegar a conseguir. Esa pérdida queda como el mejor sueño cumplido, nunca tuve la sensación de pertenecer a algo y a alguien como entonces, pero no podía ser eterno.

Repaso hoy grandes películas que reflejan la pérdida desde diferentes perspectivas. No es el tema principal en todas, pero tocan el tema con una fuerza y delicadeza que te deslumbrará si no las has visto aún. Aviso, hay películas sumamente populares, pero apostaría que no conoces todas.

Esta idea surgió al ver recientemente Una pastelería en Tokyo, de Naomi Kawase. Esta cinta japonesa de 2015 no trata la pérdida sino la enfermedad y el daño que los prejuicios provoca en quienes la sufren. Sin embargo, agota el tema y llega a un breve discurso en el que sí reprocha la pérdida de seres queridos. Incluso hay que llorar la pérdida de un personaje finalmente, no quiero tampoco desvelar spoilers. Se acepta, como no queda otra. Duele, se da cuenta uno de que debería haber hecho otras cosas y sigue doliendo. Al menos en esta película. También deja bien claro que no hay posible vuelta, lo que nos indica la trascendencia.

Hay muchas películas que tratan sobre la muerte y sobre dejar marchar a quien está sufriendo. Una de las más aclamadas por la crítica de los últimos años, también japonesa, es Despedidas, de Yojiro Takita, aunque hoy no me detendré mucho en ella. Fina, correcta y con toda la sensibilidad asiática en sus metáforas.

A mí me dejaron huella Azul, de Kiewslowski, 21 gramos, de Iñárritu y también Siete almas, de Muccino. En la primera por ser parte de una trilogía tan intimista y lejana a mi registro habitual de sentimientos. La segunda por retratar con tanta crudeza la imposibilidad de volver atrás y el dolor tan inmenso que se puede sentir ante esa impotencia, 21 gramos es el peso que perdemos al morir, como si fuese posible medir el peso de nuestra alma. La tercera, mucho menos especial, nace con la premisa de un inspector de hacienda que quiere realizar buenas acciones por remendar un error ya insalvable. Ese es otro modo en que se afronta la pérdida. La pérdida como redención, como culpa a expiar y dejar este mundo. Drástica y no muy alentadora, pero bella y comprensible.

Hay una producción noruega que se llama Elling y fue nominada al Óscar como mejor película de habla no inglesa. Me inspiró mucha ternura y sí comienza con una gran pérdida que define el resto del metraje, aunque relata la vida social de un enfermo con Síndrome de Munchausen por poderes. Es un tema que se muestra mucho mejor en La pianista, de Haneke, pero ojo que escuece. En Elling su personaje principal y homónimo acaba de perder el único pilar al que aferrarse, su madre, lo que imposibilita una vida más allá de las paredes de su casa y la realización de cualquier tarea independiente. La emancipación será un viaje asombroso y extraño que invito a que veáis, es uno de mis films fetiche.

La mejor serie que siempre retrató la pérdida creo que es A dos metros bajo tierra. Sigue siendo la serie que mejor desarrolló los personajes a mi gusto y probablemente la mejor serie que he visto. Con millones de matices en cada relación, convierte a los personajes en seres libres que evolucionan, y mucho, según sus experiencias. La pérdida con la que amanece el primer capítulo marca la trayectoria de todos los miembros de la familia, pero además tendrán la pérdida como el espejo inevitable constante en sus vidas. Son los dueños de una funeraria y les tocará presenciar cómo cada uno vive ese momento. Es todo un catálogo de expresiones, todas ellas válidas, todas ellas sinceras. Hay quien agradece un pañuelo, quien prefiere frialdad, quien sólo desea destrozar todo y quien se deja seducir por cualquier muestra de cariño en un momento tan duro. Pero hay más posibilidades; si no las has visto, no las juzgues aún.

En Volver, de Almodóvar, la pérdida hace que una persona se reúna con sus recuerdos y le aceche el fantasma de lo que deberíamos haber hecho. Nos enfrentamos a miedos que habíamos escondido cuando regresamos de donde nos fuimos. Y muchas veces valoramos algo que no habíamos apreciado antes. Los pedos de una madre, el significado de la patria, la protección de quienes te aman. Son muchos los puntos a analizar para el desarraigado, el que se tuvo que ir. Por eso muchas veces sólo nos enfrentamos a ello con la excusa de una pérdida. La pérdida como oportunidad para la madurez.

Hay una película que pasó por la cartelera sin pena ni gloria y a mí me dejó una escena para el recuerdo. Es fantástico cuando no puedes evitar recordar una escena que te deja semejante huella. Se llama El primer día del resto de tu vida. La película en sí no merece más subrayado que el de entretenimiento dramático, pero hay un detalle, unos segundos, que son bellísimos. Cuando se pierde a alguien se desea una última conversación, un último beso, una última pregunta. Y es imposible, pero lo deseamos más que nada. Daríamos todo por un último destello que demuestre que está de nuevo aquí, aunque sea un segundo. Una colchoneta inflada por esa persona, que desinflas para guardar y de la manera más sublime y efímera, respiras su aliento. Una cosa que no volverás a hacer. Ese deseo que nunca se puede cumplir se hace realidad y te deshaces, te derrites, eres leve y no pesas.

Y cómo no hablar de la que para mí fue la primera película que atacó mi sensibilidad en lo que creí que era mi vida adulta. Era Isabel Coixet con Mi vida sin mí. Sí, un topicazo para muchos. Me llegó en el final de mi adolescencia, descubriendo el cine y, asumámoslo, Coixet es una cineasta con tantas tablas en la publicidad que supo perfectamente enviar un mensaje más directo que nadie sobre el tema que planeaba los últimos años de siglo. La protagonista, todos la hemos visto ya, es diagnosticada con un cáncer que acabará con ella en muy poco tiempo. Es entonces cuando descubre que no ha vivido lo suficiente. Que querría haber hecho más, sentido más. No se lo comunica a nadie para no dañar, pero siente que necesita vivir algo. Conoce sin querer al personaje que interpreta Mark Ruffalo y encontramos a otro ser que añora la pérdida de alguien. No tiene la casa amueblada por si la novia que acaba de dejarle vuelve. Es un disparo tras otro a nuestra sensibilidad y Coixet no tiembla en aumentar poco a poco la intensidad con detallitos propios de un anuncio que dejarán un sello y se convertirán en icono. Como la lluvia cayendo, el frío, las lavanderías y los caramelos de jengibre. La pérdida como oportunidad tardía para descubrirte: como juicio contra tus experiencias. La pérdida de uno mismo, si es que es posible llegar a experimentarla.

Perder no se elige. Por eso lo llamamos así, pérdida. Se convierte en oportunidad, juicio, emancipación o expiación, pero no abandona esa pátina de dolor. Siempre duele.

Y no por ello ha de ser malo, pero es fundamental no suponer que hemos de evitarlo. Pasar ese luto puede ser clave para seguir afrontando el resto que venga con sensatez. Por que vendrán más pérdidas. Y el cine se convierte en redención, sea la pérdida que sea.

Me quedo con esa hoguera en la que Claire acaba con ese pasado a ritmo de Radiohead.

El arte como rendija de la realidad. El cine como la mayor rendija.

2020-10-04T13:07:00.001-07:00

En épocas de hastío y sobrecarga todos necesitamos escapar.

Ya sea una pequeña escapatoria resignada, un sueño temporal o una huida hacia delante, sacar la naricilla y respirar otros ambientes, más frescos y esperanzadores, se hace necesario.

Hoy me han contactado para facilitar los datos que me harían poder trabajar en la emisora. Me harán un salvoconducto, como en las películas de espías y de la Alemania Nazi. Vivimos una pandemia que está mermando más los cerebros de la clase política que las realidades de los ciudadanos, que también están sufriendo mucho. Y esta pandemia nos deja todos los días titulares absurdos, noticias contradictorias y, lo que más daño está provocando, una cascada de sobre información que no hace sino empañar lo poco que alcanzábamos a ver.

Cansados y abotargados, buscamos el humor para no caer en la ignominia constante. Ya sabéis, el humor, la mayor expresión del arte sin lugar a dudad. Pero no sólo el humor nos permite salir a despejarnos, sin mascarilla y sin representantes ineptos. Cada uno elegirá su vía, la rendija con la que vivir otra realidad y mi rendija es la más grande, la más completa como salvoconducto aunque no me ha hecho falta dar muchos datos esta vez.

Comenzaba con la curiosidad del salvoconducto y lo comparaba con películas distópicas o de realidades paralelas. Claro, es inevitable que las situaciones fantasiosas se cuelen en las verdades que no nos gusta aceptar. Es la rendija y me cuelo por ella con sumo placer.

Creo que hay dos búsquedas sobre cine estos días: la que busca similitudes con lo que nos rodea (películas y series sobre contagios, situaciones apocalípticas, etc.) y la que busca evadirse para no encontrarse con ello. Yo soy de los segundos, de los que viven en las canciones de Audrey Hepburn en la ventana, en los encuentros literarios que un día vivió Owen Wilson y la bondad de C. C. Baxter.

Decía Slavoj Zizek que el cine es ese arte perverso que te permite mirar por el ojo de la cerradura y ver aquello que uno no quiere ver, contemplar los secretos del mundo o descubrirse a sí mismo. Pero una cerradura, una perversión, un lugar privado al que asomarse para que nuestra mirada nos haga estar al otro lado de la puerta. Por eso a mí me gustaba tanto ir a los Renoir de Plaza España (en realidad, Martín de los Heros) y adentrarme en esas salas pequeñas de pantallas humildes donde no se comía. Hablo en pasado, ya no vivo en la ciudad que tanto amor y desamor me trajo. Iba a los Renoir y veía películas de países exóticos, leía los subtítulos con fruición como si significaran algo más que la propia interpretación, salía creyendo que había visto algo secreto y cuyo contenido estaría a salvo entre los pocos privilegiados que habíamos preferido ver a Kaurismaki, Bertolucci, Von Trier o Pawlikowski antes que seguir la estela borreguil de los blockbusters. Era mi salvoconducto, siempre lo ha sido.

¿Qué películas están disponibles en el hoy de las plataformas digitales y la quintaesencia de lo comercial? Pues siempre hay rendijas. Os dejo las que me sacan a mí de paseo, mirad:

En enero de 2018 pude ver en el festival Actual de Logroño una de tantas películas arriesgadas que estrenan de nacionalidades poco comunes. Apuestan por las nominadas a grandes festivales que no gozan del cariño de las grandes salas y no me puede gustar más la iniciativa. Ese año vi, entre otras, "La mujer de la montaña" (2018), un drama islandés con bastante humor muy rejuvenecedor y sobre un tema polémico y debatible que abría en mi cabeza la posibilidad de un mundo reivindicativo desde el respeto y el cariño. Me gustó muchísimo, siendo película pequeña, y está disponible ahora en Filmin.

Desde el Líbano y descubierta también en ese mismo festival, aunque un año antes, apareció "El insulto" (2017), una gran descripción de dónde nacen casi todos nuestros problemas sociales. Un análisis bello y doloroso sobre cómo nos vemos en situaciones absurdas por motivos que no estaban en nosotros. Donde el valor del orgullo, el honor o la dignidad se mide en función de nuestra cultura y nuestros tótems, por muy ficticios que sean. Disponible en Amazon Prime.

Algo más famosa por ser galardonada internacionalmente es la mejicana "Roma" (2019). Aunque que la dirija Alfonso Cuarón también implica que muchos productores, distribuidores e incluso el público ya estén interesados. Pero por mucho bombo que se le diera en un momento puntual, no es una película para meter en la bolsa del mainstream y sí para valorarla como rendija por la que mirar y descubrirnos. Espejo de lacra social, Roma es lenta, cruda y preciosa, sin vuelta de hoja. Eso sí, con mil conversaciones ulteriores, para que volver a la realidad se aplace un poquito más.

Muchas más son las que pueblan el universo de rendijas cinematográficas con nacionalidad exótica y de perspectiva novedosa, si tenéis propuestas de aquellas que estén disponibles en plataformas o cartelera, las iré añadiendo.

Se puede ver cine por pura distracción, se puede ver cine por placeres muy distintos, lo que sí sé es que se debe ver cine. Y se debe ver, a veces, por poder mirar por el ojo de la cerradura, descubriendo y descubriéndonos, sentir y no sólo asentir.

Las mejores películas sobre viajes en el tiempo

2020-05-08T15:56:00.000-07:00

¿Viajes en el tiempo? Sí, por favor.

Pocos temas me apasionan tanto en la ciencia ficción como los viajes en el tiempo. No sólo por las intrigas y posibilidades que abre, sino sobre todo por la complicada tarea del guionista y del director a la hora de dar credibilidad. Basarse en una estructura establecida de relaciones personales, de elementos cotidianos o con una linea temporal común (incluidos flashbacks y derivados) resulta más sencillo que atreverse a escribir un relato donde la estructura se rompa.

Aquí nombro las que, a mi parecer, son las mejores películas sobre viajes en el tiempo. No he visto las más de 700 películas que Filmaffinity recoge con este tema, sin embargo, he elegido un criterio fácil y popular: aquellas con las que más he disfrutado y me han planteado mayores debates bien formulados. He excluido series y producciones televisivas (como las decenas de Doctor Who, por ejemplo), así como secuelas de sagas.

Tras la lista, os dejo una recomendación que espero que os guste.

1 - LOS CRONOCRÍMENES

España, 2007

Nacho Vigalondo

Si bien no es una película de gran calado internacional y el presupuesto fue bajísimo, me parece la mejor película española sobre viajes en el tiempo. El modo en que Nacho Vigalondo consigue intrigarnos es para estudio en escuelas, pero además de un montaje que se entiende a la primera, lo más destacable es la explicación casi perfecta sobre cómo funciona la nueva estructura abierta por la ruptura del tiempo como lo conocemos. Y que Karra Elejalde y Bárbara Goenaga están fetén.

2 - PRIMER

Estados Unidos, 2004

Shane Carruth

Con la misma filosofía de bajo presupuesto y producción muy modesta, en Primer no queda tan claro cómo funcionan los viajes en el tiempo (no es nada fácil ni necesario en muchos casos). La oscuridad científica nos brinda el romanticismo de adentrarnos sin hacer muchas preguntas y la intriga está bien servida para 78 minutos súper entretenidos que se hacen cortos.

Si en los dos primeros casos he elegido estos títulos no es por casualidad, que el director sea el mismo que guioniza o que incluso crea la música o cuida la fotografía es fundamental para que una historia difícil de contar sea consistente. Creo firmemente que sólo estando convencido y sabiendo todos los detalles puedes hacer esto realidad, por eso para mí las grandes películas siempre cuentan con director y guionista de misma identidad. Otros intentos de ciencia ficción también han sido éxitos, pero no cuentan con esa tensión que otorga la pasión de estar contando tu historia como te la imaginaste. Podemos incluir aquí cintas como Predestination o El efecto mariposa.

3 - UNA CUESTIÓN DE TIEMPO

Reino Unido, 2013

Richard Curtis

Una rara avis, pues aunque se trata de una comedia romántica aparentemente convencional, introduce los saltos en el tiempo de un modo tan adorable y sencillo que hasta el debate que abre en cuanto a nuestras acciones (tópico) parece al alcance de cualquiera y tan complicado a la vez como las primeras nociones de física cuántica. Es una película preciosa, emotiva, facilísima y llena de moral.

4 - MEDIANOCHE EN PARÍS

Estados Unidos, 2011

Woody Allen

Mi director fetiche y no por este tema, precisamente. Al igual que el anterior título, esta otra comedia romántica (ambas de nuevo dirigidas y guionizadas por el mismo alma) se centra en algo cotidiano y mete como por azar y juego de niños la posibilidad de viajar en el tiempo. La ligereza y el encanto con que Allen mete a sus protagonistas en situaciones inverosímiles hacen de una película popular, además, una delicia de culto para amantes del arte y la historia.

Pero no sólo en la segunda década de este siglo se hicieron películas buenas sobre viajes en el tiempo de carácter popular y gran arraigo comercial. El mejor ejemplo es el clásico Regreso al futuro, pero también Atrapado en el tiempo está en el mismo saco y fueron producidas en los 80-90.

El tema estrella siempre ha sido la resolución de misterios, sobre todo en cuanto a crímenes, por eso aparecieron buenas producciones como Looper o Paycheck. Cuando la trama se complicaba, atraía a públicos más excéntricos, como en 12 monos o la siguiente película.

5 - INTERSTELLAR

Estados Unidos, 2014

Christopher Nolan

Sin duda, la de mayor producción del listado y más cercana en el tiempo (valga la broma). Aquí sí que hay tal galimatías que pretender explicar la película resulta tan agobiante como inútil. Si por algo recomiendo esta en paralelo a las dos primeras es porque aquí no hay sencillez y debate accesible, sino una catarata de casi tres horas para disfrutar de efectos, giros, emociones y locuras en manos de un director tan capaz como valiente para guiones con menor estabilidad. La disfruté muchísimo.

6 - LOS HÉROES DEL TIEMPO

Reino Unido, 1981

Terry Gilliam

Hija de la mente de Gilliam, no es apta para cualquier público. La creatividad y el humor tienen su mayor baza en un guión steampunk que no gustará a todo el mundo ni por su estética poco amable ni por su sencillez en el relato. Sin embargo, es una obra admirable en su atrevimiento que abrió y sigue abriendo el camino a guionistas y cómicos durante décadas. Que los Monty Python, más o menos, mezclaran clases de filosofía, historia y cultura general con cine popular fue un acierto que pocas veces vemos hoy. Un clásico no muy reconocido.

7 - LA CHICA QUE SALTABA A TRAVÉS DEL TIEMPO

Japón, 2006

Mamoru Hosada

Es la única película que he colado de animación, a pesar de que no es incompatible con el tema, para muestra un botón. Es probablemente la cinta más naif del listado, la menos conocida, pero muy bien valorada por crítica y público. Sin abrir un debate original, sí se adentra en algo tan común como poco explorado a veces por directores más sofisticados: el hedonismo juvenil que todos sabemos que perdemos por confrontación con la linea temporal real. Sobre ese Peter Pan que a todos nos hace temer el paso a una etapa adulta. Muy buena película.

*** BONUS TRACK

Una recomendación que, si no tiene como tema principal los viajes en el tiempo, sí podría entenderse como ciencia ficción que abre nuevas posibilidades lógicas (casi igual de impactantes como las temporales) que generan un debate infinito y asombroso.

La película recomendada por estar relacionada con el tema y por ser mi película favorita de ciencia ficción (si es que se debe llamar así) es COHERENCE, de James Ward Byrkit. Y por no hacer spoilers y dejaros el placer de descubrirla sólo os diré: explica como nunca se ha hecho el teorema de Schrödinger con una intriga que ya le gustaría a todas los thrillers de supuesto terror. Miedo a través de una posibilidad tan real como ininteligible. Una pasada.

Comparte, difunde, comenta.

18 tuiteros, 20 películas, Siglo XXI

2016-11-07T02:07:00.003-08:00

Muchos de los más influyentes en Twitter a nivel nacional han votado una lista con las mejores películas de lo que llevamos de siglo. ¿Coincides con sus gustos?

Priman los blockbuster, como sucede popularmente, pero se cuelan algunas películas de gran trascendencia. Y mientras que algunos grandes directores no asoman ningún título, otros repiten con varias de sus obras. Ciencia ficción, acción, superhéroes y la animación, esas son sus preferencias.

Éste es el listado completo:

Malditos Bastardos
Quentin Tarantino (85 votos)

El secreto de sus ojos
Juan José Campanella (77 votos)

Kill Bill
Quentin Tarantino (72 votos)

Amelie
Jean-Pierre Jeunet (69 votos)

Olvídate de mí
Michel Gondry (69 votos)

Gran Torino
Clint Eastwood (67 puntos)

Origen
Christopher Nolan (67 puntos)

No es país para viejos
Hermanos Coen (64 votos)

Big Fish
Tim Burton (56 votos)

El caballero oscuro
Christopher Nolan (56 votos)

Del revés
Pete Docter, Ronnie Del Carmen (52 votos)

Ciudad de Dios
Fernando Meirelles (51 votos)

La gran belleza
Paolo Sorrentino (49 votos)

El pianista
Roman Polanski (45 votos)

V de vendetta
James McTeigue (45 votos)

Her
Spike Jonze (44 votos)

Snatch. Cerdos y diamantes
Guy Ritchie (43 votos)

El lobo de Wall Street
Martin Scorsese (40 votos)

Buscando a Nemo
Andrew Stanton, Lee Unkrich (35 votos)

Match Point
Woody Allen (35 votos)

Quedan fuera de la lista, aunque no por mucha diferencia de votos, títulos tan imprescindibles como: Pozos de ambición, Slumdog MIllionaire, Midnight in Paris, Boyhood, El señor de los anillos, Pequeña Miss Sunshine, Birdman o Memento.

Son las preferencias de @SrHuevon @asorginak @diostuitero @carlabotb @barbarieabsolut @onde_va_iyo @gobernoalem @alvaro_velasco @traedruffles @ferdeles @pitercohen @elexpecial @subiendoelpan @hank_solo @xosecastro @soloparatuitear @exninfula y @Cinejavi

¿Son éstas tus películas favoritas desde 2000 a 2016?

COHERENCE, de James Ward Byrkit

2016-03-16T08:09:00.000-07:00

Estados Unidos, 2013

En Finlandia, en 1923, el paso de un cometa hizo que los habitantes de un pueblo quedaran completamente desorientados; incluso una mujer llegó a llamar a la policía denunciando que el hombre que estaba en su casa no era su marino. Décadas más tarde, un grupo de amigos recuerda este caso mientras cenan, brindan y se preparan para ver pasar un cometa.

Si Schrödinger levantara la cabeza, cenaría en casa de estos amigos.

Se reúnen, se presentan, nos asustan y se quedan a vivir en nuestro recuerdo. Los personajes de esta película son cercanos y reales. Van a cenar y recordar aquel incidente cuando antes de la cena ya hay algún altercado que levanta las sospechas. Sin llegar al spoiler es importante recordar que la película apuesta todo a una baza: la apertura de diferentes dimensiones. Sin embargo, la preparación del terreno alberga las dudas de unas posibles variables no controladas en el experimento, por lo que permite interpretaciones que provocan tanto terror.

Con un ritmo sobresaliente, la cinta nos cuenta el teorema por el cual Schrödinger postuló la paradoja de la superposición de estados. No sólo nos explica la teoría sino que nos la muestra con una inteligencia sólo comparable a la inmensa paciencia del director. Las interpretaciones son buenas, algo que tampoco es remarcable, pero el guión permite que los problemas comiencen a diversificarse y tengamos que prestar atención hasta el límite de nuestras capacidades. Sumando esa atención, la tensión a la que nos somete por el tema en cuestión y la oscuridad de un tema tan controvertido hacen de sus 89 minutos una vivencia asombrosamente violenta. Nunca había sentido tanto miedo con una película.

¿Y si al efectuar una acción estuviéramos dejando de lado otra que se estuviera ejecutando de manera paralela por otro yo? ¿Y si esa multiplicación se diera casi constantemente? ¿Somos acaso los mismos tras una semana de experiencias durante la cual nuestro 90% de células se han renovado? Físicamente no pero, ¿mantenemos una especie de alma o unidad metafísica que nos permita hablar del yo como algo eterno? Las connotaciones no sólo sobre física cuántica sino también sobre filosofía que encontramos en esta película no son extremadamente complicadas y sí asequibles al gran público que le dedique toda su atención. Consigue por eso mismo ser una película profunda sin caer en la exclusividad de un público preparado.

Coherence es una maravilla de dirección que narra una noche de escalofriantes sucesos. Corre el riesgo de enredarse en un tema experto en nudos, pero sigue su camino de la manera más pedagógica para divulgar una historia corta pero intensa. La ciencia ficción recorre sus mejores momentos cuando plantea la posibilidad desde la realidad, no cuando se generan mundos completamente nuevos sin justificación que además copia mundos reutilizados. La intriga y la pregunta permanecen todo el tiempo, un placer para los sentidos.

Es su primera película y Jamer Ward Byrkit ya se ha ganado nuestra atención. Háganse preguntas, las respuestas pueden esperar.

Valoración: 8,3

THE LOBSTER, de Yorgos Lanthimos

2016-03-14T03:12:00.000-07:00

Grecia, 2015

¿Qué animal quieres ser en tu próxima reencarnación? Nuestras vidas están programadas para ciertas funciones, quienes no cumplen deben abandonar el barco.

Yorgos Lanthimos firma su sexta obra llena de controversia, como siempre. Tras haber deslumbrado al gran público de festivales con Canino, vuelve a la carga con su característico humor negro. Sigue la estética y el simbolismo de otros autores (Aki Kaurismaki, Hong Sang-Soo) pero acerca su texto con actores y actrices bien reconocibles, además de un guión interpretable pero comprensible en todo caso.

Los paradigmas que siempre aborda son los de una sociedad formada por sinsentidos que se ven mucho mejor desde la parodia. En The Lobster el protagonista (Colin Farrell) se ha quedado soltero, lo que le invalida para una vida reproductiva dentro del formato social. Es entregado a un centro de desintoxicación "solteril" para que encuentre pareja y deje de ser un bicho raro. Aceptado por todos, la búsqueda de pareja sigue unas directrices básicas obligatorias que ridiculiza nuestros compromisos reales con muchos clichés. La banalidad con la que los personajes afrontan la situación tan terrible que viven dirigen nuestra mirada a la falta de personalidad que revelan nuestros hábitos de conducta actuales.

Distopía y ciencia ficción se mezclan en una película dura, rara, tan extraña como familiar. La fotografía algo austera y los ademanes tan bien cuidados, dentro de una contención interpretativa exasperante convierten el metraje en una vivencia tensa. Rachel Weisz y Lea Seydoux embellecen al frío Farrell que borda un papel extremadamente difícil. El desarrollo de la película llega hasta sus últimas consecuencias, bravo por Lanthimos, y asistimos a una cacería de seres libres que nos revuelve y nos indigna a partes iguales. Al salir de la sala, muchos aplauden, pocos se quejan y algunos se quedan absortos, como yo, viendo unos créditos que no me devuelven a la realidad hasta pasadas ciertas horas de debate interno.

Una película espléndida, de dolorosa experiencia. Una apuesta necesaria y digna de un cineasta que tiene un don en su esquematismo. No se la pierdan, tendrán tema para hablar durante meses.

Valoración: 8,5

MUSTANG, de Deniz Gamze Ergüven

2016-03-09T10:41:00.000-08:00

Francia, 2015

Lo que pasa en el cine, se queda en el cine.

Premisa adolescente donde las haya, la apuesta de esta joven directora rodea los clichés de la quietud social en Turquía. Narra la explosión de las nuevas generaciones y acerca al gran público la sensibilidad de la juventud femenina allá donde la educación es una especie de prisión.

Desde una presunción de reivindicación, la película nace bella y dulce, con planos de luz, infancia y gestos de cariño entre hermanas. Son las protagonistas de esta cinta de hora y media que cuenta la difícil situación en la que se encuentran las niñas en Turquía cuando la familia impone unos ritos alejados de la expresión libre. Son huérfanas, y quienes las cuidan quieren lo mejor para ellas. Pero sorprendentemente, lo mejor pasa por ser lo carcelario: un día se harán mayores y deberán esposarse a alguien que las mantenga económicamente.

La tristeza de la situación se mezcla con la intención revolucionaria. El enfoque es el de la más joven, que aprendiendo de sus hermanas, se lanza a la aventura. Sin embargo, poco hay para el discurso y argumento de la tradición. Hubiera calado más un mensaje trufado de efecto dialéctico, y no tanto "querer romper", aunque estoy seguro que lo que Deniz Gamze Ergüven nos cuenta tiene más que ver con la realidad.

No te sorprenderá, como tampoco lo hizo Slumdog Millionaire. No te hastiará y pondrá en lucha, como tampoco lo hizo Ciudad de Dios. Pero te convencerá y te deslizará la sensación de no estar aprovechando los retazos de libertad que aún nos quedan, en aquel y también en este mundo "libre".

Mustang es una película bonita, perfecta para haber ganado el Oscar a mejor película de habla no inglesa (a los estadounidenses les flipa ver películas sobre mundos que desconocen y que lo pasan peor que ellos). Fresca, llena de luz, la piel de las niñas se baña en canela y se dora al sol mientras se escapa entre los barrotes un hálito de esperanza, una llama fugaz. Tal vez sea ese el punto indómito de esta obra: su belleza efímera, su consciencia del tiempo.

Valoración: 7,4

LA ACADEMIA DE LAS MUSAS, de José Luis Guerín

2016-01-21T05:44:00.000-08:00

España, 2015

Tras el cliché que tanto machacamos sobre cine en España hay obras que no logran asomarse a la superficie. Es el caso de “La academia de las musas”, de José Luis Guerín.

Crítica y oda pueden ir de la mano, incluso ser la misma cosa. Criticar sensiblemente esta obra ha de manifestar tanto análisis como fervor optimista. Y es que esta cinta de 2015 no verá la cartelera de los monumentales cines, aunque sí llenará el corazón de las minorías que se atrevan a verla.

La dificultad estriba en que la canción del verano se ha extendido a todo el año y resulta difícil en nuestros días no ver una megaproducción de anabolizantes cada semana en cartelera. Sin embargo, tras el maquillaje y los filtros hay pequeñas joyas donde cabe refugiarse al cobijo de una obra de arte. Tuvimos la oportunidad de ver la película en el festival Actual 2016 de Logroño, donde se mostraron varias películas de taquilla humilde. Películas que tienen algo que contar y elegidas con gusto inquieto. En un pequeño teatro convertido en filmoteca, la película se expuso en versión original (castellano e italiano). De aquí en adelante, mi impresión:

“La academia de las musas” surge documental, cámara en mano, sin filtros ni escenografía. Parece albergar una información contrastada de reivindicación. Pero llega mucho más lejos. Sale de las aulas para adentrarse en la intimidad de los personajes. La duda sobre si se trata de algo real o ficticio es constante, lo que anima al espectador al profundo debate sobre su tema principal: la pasión y el amor como motor del mundo. No piensen que la película aborda una relación con final feliz, no se trata de una comedia romántica de Hollywood. La trama teje y desteje las posibilidades de entender la pasión. Un profesor cultiva alumnos y alumnas para regenerar la sociedad partiendo del amor. La aparente seriedad de una clase amena se troca en experiencia vital para las personas que integran esa clase. Del lado opuesto, la mujer del profesor critica su postura y se pregunta por la fidelidad. Tal vez en esa encrucijada sea donde nos envuelve y engancha la película.

Sin más spoilers, comentaré qué tiene de particular semejante obra tan incendiaria. El formato que acentúa la autoridad de la comprensión hace que nos posicionemos en todo momento, empatizando con uno u otro personaje, pero lo que sinceramente atrapa y te deja poso tras muchos días de debate interno es el tejido pasional con el que se cuentan los testimonios. Y tras ese tejido se entrevén las dificultades que plantea la quietud de una definición social estática. ¿Mantendremos el concepto o lo haremos evolucionar tal y como se nos exige desde nuestra más pulsional entraña?

El cine, en cualquier parte, goza de un poder asombroso. Las películas de presupuestos ingentes y guiones vacíos copan las portadas, pero el amante del cine también está dispuesto a mirar más allá, y ésta es una deliciosa oportunidad. Te informa, te cautiva, te duele y te hace temblar. La recordarás para siempre.

Belleza, distinción, fuego y origen. Señas de identidad del arte, motor que hace al ser humano capaz de casi todo.

Valoración: 8,3

¿POR QUÉ HAY QUE VER "PEAKY BLINDERS"?

2015-11-20T10:50:00.000-08:00

Hay muchas razones que impiden que Peaky Blinders llegue al impacto que lograron otras series décadas atrás. También las hay para la loa y el regocijo. Vamos por orden.

La fórmula ya no es innovadora. Peaky Blinders es un culebrón que no sorprende, pero cautiva. Los buenos y los malos se confunden, se mezclan hasta imposibilitar el juicio rápido, como ya vimos en otras muchas series. Sin embargo, su determinación en las acciones, esa valentía para ser contundente en momentos álgidos, la convierte en una más de las series dignas.

Buscar la atención de un público hoy en día es más simple de lo que parece, pero menos conmovedor de lo que creen quienes miden las audiencias en números. Los colectivos y "targets" a los que van dirigidas las producciones se dividen y especializan, siendo más sencillo definir el estilo y dedicar el esfuerzo a un detalle en concreto. El éxito global es casi neutralizado por la exquisitez de los puristas en cada género, por lo que sólo un producto muy comercial pero universal con ambición podrá sobresalir. Sin embargo, no es el caso que nos ocupa. Poca novedad nos trae esta serie.

La dificultad es sobrellevada con astucia y trabajo. La técnica es la herramienta de las productoras de nuestros días. Los artistas han sido relegados a las sillas de un despacho en el que el grupo es más eficiente que el individuo, por lo que pocas muestras identificativas serán relevantes como firmas.

Poca sorpresa, poca novedad y pocas firmas, pero hay que ver Peaky Blinders.

Hay que verla por pasar un buen rato. Por alimentar ese lado violento que no debemos sacar ante nuestros iguales, pero que anhela desahogo. Por soltar alguna carcajada. Por escuchar a Nick Cave y The Arctic Monkeys. Por unas interpretaciones soberbias. Por el recuerdo a Boardwalk Empire. Por demasiadas cosas, ahora que salen a la vista.

Bajo la forma de un drama de postguerra, la acción se centra en una banda de gángsters que son familia, clan, ante todo. La ambición del protagonista, demasiado protagonista a mi gusto, desarrollará el completo guión que pica en el humor, en la miseria, la violencia y el éxito que el público actual, lleno de liberalismo y vacía la cartera, desea y pretende.

El capítulo comienza, la intro se diluye entre la presentación del mismo, se imprimen los créditos en la pantalla y disfrutamos de minuto y medio de una fotografía medida, retocada y absolutamente certera en su propósito. De fondo, Nick Cave. Percusiones antropológicas, graves voces que murmuran y anuncian, ritmo pausado y seguro. Se provoca una tensión que envuelve el resto del metraje y entonces, martillo contra metal.

La fotografía, gran pilar de la serie, acompaña durante toda la temporada a un guión entretenido y lleno de acción. Tanta que a veces uno siente que los personajes no se han desarrollado lo suficiente para justificar sus acciones, pero avanza sin tropiezo y poco a poco se hace su lugar. Las canciones de Nick Cave también surgen arañando una piel erizada que el montador ha electrizado al elegir las secuencias. Son las interpretaciones las que aseguran que ésta no sea una forma vacía de contenido. Estéticamente perfecta, cuenta con un elenco que maravilla casi siempre. Los acentos norteños en Birmingham se hacen con la caracterización brutal de unos tipos que te meten en sus líos.

Hay que ver Peaky Blinders, acordarse de Boardwalk Empire y reconocer que muchos pueden hacer series con clase, aunque se premie más el trabajo duro y sea la época de los técnicos. Música, cámaras, luz y ornamentos. Las palabras bien dichas son la escenografía en estos tiempos. El espectador se ha transformado, pero también el productor, que te mira, se atreve y te conquista a base de formación. Te reta y te grita:

"I'm transforming, I'm vibrating, I'm glowing, I'm flying, look at me now!"

JOVEN Y BONITA, de François Ozon

2015-07-24T02:01:00.000-07:00

Francia, 2013

François Ozon tiene la peculiar capacidad de atraer nuestra atención desde personajes primariamente sencillos. Nunca anodina, la vida de sus guiones te lleva por caminos raros.

¿Quién te espera en una habitación de hotel? ¿Quién se estrella cuando tú te estrellas también? Parafraseo al gran Quique por la cantidad de matices que me hacían recordarlo durante la película. La ligereza de los gestos, la ternura de la ingenuidad en el proceso de la adolescencia, la frescura del miedo, la atracción por la aventura. La femineidad más completa que nuestros pulidos cánones tenían es propiedad de la mente de Ozon. Sabe retratarla, nos sumerge. Atenta contra nuestras convicciones haciendo del mal algo tan sincero y frágil que lo sentimos nuestro. Vive enclavado en la burguesía, desde la cual cuenta los problemas más novedosos, realza las humanidades en sus debates más peligrosos, fomenta la belleza de una vida alejada de la vulgaridad. Todos sus personajes son él, son cultura, son sensatez. Ese pequeño transporte ya vale la pena.

En "Joven y bonita" vemos a una aburrida niña convertirse en mujer por la vía del conocimiento introspectivo. Una jovencita atractiva elige (pocas veces esa opción es escogida sin un claro empuje) acostarse con hombres y ganar un dinero. No es el dinero lo que busca, de hecho no sabe qué hacer con él. Hay una pasión tras el descubrimiento de la fortaleza sexual, una intriga en las citas, una desgañitada emoción de novedad. Y el error que funda el nudo de la película no tiene más. El debate, las razones y las reacciones son propias pero siempre adecuadas, sin evitar el tópico pero acomodando una inteligente manera de afrontar los problemas. Real sin resultar manido. Y eso es trabajo de guión y dirección.

Resaltar la interpretación de Marine Vacth, que borda una frialdad mientras expresa aristas de diferentes campos y te enamora a la vez que expulsa de la zona de confort. Tiene la potencia de una modelo alejada de la humanidad, la temporización de una diva y la versatilidad de la piel. Envía rasgos de dolor social, madurez arrastrada, pretensión de normalidad y, en ocasiones, de juventud perdida.

El cine íntimo suele ser europeo, sin caer en los estereotipos. Pero los guiones teatrales son de Ozon sin ninguna duda. Se le dan mejor los interiores que los exteriores, las conversaciones que los gestos, pero en esta entrega deja bien claro que puede hacer todo ello con una sutileza sólo propia de genios y artistas. Un artesano del torno en esto de reflejar realidades.

Y ver sus películas es, siempre, un placer obligatorio.

Valoración: 7,5

Por @Cinejavi

MANDARINAS, de Zaza Urushadze

2015-07-23T01:53:00.000-07:00

Estonia, 2013

Desde el este de Europa nos llegaron hordas de dolor. También clanes de ignominia. Y familias de vergüenza. Todos secularizados por un semejante patrón: la pobreza.

Guerras y enfrentamientos siguen abiertos entre fronteras que delimitan hacia dónde han de dirigir su odio, cuyas razones permanecen sin fundamento asumible. Muchos son los que han intentado retratar esta realidad tan sangrienta, tan absurda. Pocos han llegado a ojos de todos y ninguno ha conseguido sobrepasar la barrera sensorial que marca el mercado. Tal vez ese mercado tenga que ver con la responsabilidad de aquellos duelos.

Desde "No man's land"(En tierra de nadie)", de Danis Tanovic, aquella comedia dramática que desde Bosnia planteaba la sutileza del ridículo ante la guerra, hasta este prodigio del drama estonio han caído muchas bombas informativas, muchas balas de rebelión pacifista, pero no parece que el arte desde la aflicción procure soluciones a corto plazo, que le pregunten a Brecht.

La guerra siempre beneficia a un sector muy particular desde el poder. La riqueza junto con la falta de escrúpulos es la combinación más eficiente para la manipulación de semejantes que los empuja a barbaridades. De todos es sabido, y no admito ingenuidad aquí, que en una guerra nadie puede defender razonadamente el posicionamiento y el asesinato. Y sobre ese perplejo asombro de idiotez se apoya esta película que, girando en torno al fruto más dulce y naif posible, despierta del letargo en el que comienza un metraje tenso y aparentemente tan lejano.

Banda sonora leve y de transmisión familiar, con detalles tópicos que te enlazan a los personajes e interpretaciones nada forzadas, tan apáticas como reales y tan fuertes como tiernas. Un placer sensorial.

"Mandarinas" es un despliegue de ternura y educación. Honor y solidaridad quedan fielmente retratados en una película lenta, pausada, de honesta veracidad y crueldad, muy previsible, pero aún dolorosa. Cual fruto recién cortado, mantiene ese olor a naturaleza, de dulzura en las interpretaciones y ácido en el trago. Con el final poderoso, agita el último resquicio que nos quedaba de perdón y mata nuestra esperanza. La pena: con el paso del tiempo la fruta se seca y pierde esa frescura que tanto busca el mundanal ruido.

Nada sorpresiva, mantiene la mirada del espectador con buen ritmo y remueve por dentro.

Recomendable sesión de amistad.

Valoración: 7,6

JUEGO DE TRONOS 5ª TEMPORADA: Concurso

2015-03-09T03:42:00.001-07:00

A un mes del comienzo de la 5ª temporada, los trailers y avances de JUEGO DE TRONOS están llegando con cuentagotas. Muchos son los ansiosos y ansiosas que esperan gran emoción de esta próxima entrega. Desde este blog, queremos premiar a nuestros seguidores con un regalo, atentos y atentas:

Participa a través de Twitter, gratuitamente y en 5 segundos:

- Tuitea lo más gracioso que se te ocurra sobre Juego de Tronos nombrando @Pantallasemueve y acompañándolo del enlace a esta entrada del blog (Aquí)

Entre todos los concursantes se regalará LA PRIMERA TEMPORADA DE JUEGO DE TRONOS original y se enviará a domicilio. Se valorará para elegir al ganador la originalidad del tweet así como la repercusión (Favs y RTs) del tweet.

Suerte y fuerza, que "war is coming" y "all men must die".

LA VENUS DE LAS PIELES, de Roman Polanski

2015-02-26T02:20:00.000-08:00

Francia, 2013

Debido al éxito e ignominia del estreno suntuoso de "50 sombras de Grey", me tomo la licencia de reivindicar buen cine, así como buenos elementos capaces de conformar ese buen arte. Si lo que le falta a aquélla es un buen guión, os traigo uno; si lo que le falta es una interpretación de asombro, os traigo dos; y si le falta una tensión sexual propia del masoquismo original de Sacher-Masoch, os traigo 96 minutos de pura sensualidad, de puro gozo, de pura pasión.

El amor de este director polaco (aunque nacido en Francia) por el teatro es tan pasional como fiel a su formato. Hace ya años que se dedica a transformar obras no muy comerciales en películas de calado popular. Y lo hace excesivamente bien. Convencidos desde "La semilla del diablo", "Chinatown" o "El pianista", lo que realmente me ha unido a él son sus últimas propuestas, con ese aura económico de teatro y buen diálogo. Con "Un dios salvaje" creó una atmósfera en una sola habitación que asfixiaba, provocaba risas impulsivas y nos hacía reflexionar sobre nuestra superficialidad, así como del peliagudo tema de la culpa y el perdón. Cuatro eran los intérpretes de aquella obra, escrita por Yasmina Reza. En esta más sencilla pieza sólo actúan dos personas, Mathieu Amalric y Emmanuelle Seigner. Ya se conocían de anteriores películas, pero es posible que aquí saquen el mayor potencial de sus capacidades.

"La venus de las pieles" es una obra teatral de David Ives guionizada por él mismo junto a Roman Polanski con la intención de ofrecer ese paraje tan abandonado de las salas a un público más amplio. Se basa en un texto de Sacher-Masoch, aquel tipo que nos trajo esa conexión tabú entre el sexo y la dominación. La inversión de los roles tradicionales en una vergonzosa pero excitante sensación de violencia sobre uno mismo, que algunos creen que es actual, se destapa con dos autores que perturban a todo aquel que se adentra en sus textos. Tanto Sacher-Masoch como el Marqués de Sade fueron pioneros, a nivel popular, de diversas técnicas tan eléctricas como atractivas, y son la única alternativa al mundo aletargado y edulcorado de Grey y sus sombras.

Esta venus nos presenta un teatro vacío en el que un director busca actrices, pero está harto de la mediocridad y la banalidad reinantes. Aparece una señorita, mascando chicle y vestida para la batalla. Consigue hacerse escuchar en una prueba y comienza a sorprender al director, que va cayendo poco a poco en unas redes estratégicamente extendidas. No destriparé más que esto. Sin embargo, es imposible resistirse al elogio. Seigner es una actriz que embauca a cualquiera, de estrepitosa sensualidad y gesto atrevido. Derrite cuanto mira y eso, permítanme, lo poseen pocas mujeres en la actualidad. Por su parte, Amalric crece con los minutos y se transforma con una docilidad que atrapa en el metraje. Hacen una pareja de engarce perfecto y cocinan situaciones de sensibilidad auténtica.

Las luces juegan un papel breve y necesario, el presupuesto es ínfimo comparado con la calidad del resultado, pero es la dirección la que, aparentemente transparente, denota mayor carácter a una película así. Conseguir efectismo y contrapunto en una cinta de hora y media donde sólo hay un diálogo continuo y un mismo escenario conlleva muchos quebraderos de cabeza, si bien la película avanza sutil y ligera. Y provocar tantas sensaciones con tan poco material es propio de un director en gracia, con la genialidad de pocos como Roman Polanski.

Me cautivan las películas de guión trabajado, he de admitir. Me conmueve la temática cultural que impregna esta venus de pieles, mitos y literatura. Y me encandila Emmanuelle Seigner hasta términos insospechados. Si perteneces a ese público ávido de películas excitantes, de personajes poderosos y de guión inteligente, es ésta la película que debes ver, y no tanta sombra gris.

Puntuación: 8,5

Premios OSCAR 2015

2015-02-22T17:43:00.000-08:00

Con motivo de la ceremonia de los Oscar 2015, analizamos nuestras impresiones sobre las películas que hemos visto de las nominadas y actualizamos en tiempo real los ganadores de los premios. Refresca la página para estar al tanto:

Como mejor actriz, parece que Julianne Moore tiene todas las papeletas en su interpretación de "Siempre Alice", por su parte, Eddie Redmayne parece optar cual mejor candidato como actor. Los secundarios están reñidos, pero Arquette y Simmons parecen los favoritos. Como mejor guión adaptado parece imposible predecir, ya que todo lo nominado parecen refritos sin originalidad, pero en el guión original debería ser "Birdman" la clara vencedora. La fotografía apunta hacia "El gran hotel Budapest", aunque hay feroces contrincantes, música para Turing y "Descifrando Enigma", película de habla no inglesa, "Ida" o "Leviatán" y documental para "La sal de la Tierra". Donde más dudas surgen es en cuanto a la dirección, donde hay dos grandes nombres: Linklater e Iñárritu, que optan también a mejor película, y ambos lo merecen por "Boyhood" y "Birdman". Pero nuestro corazón está con ese mejicano de atrevido planteamiento. Linklater es el patriota vencedor, pero Iñárritu nos ha cautivado.

Y ahí van los premios:

Mejor película………. "BIRDMAN"

Mejor director………. A. G. IÑÁRRITU, por "BIRDMAN"

Mejor actor principal………. EDDIE REDMAYNE, por "LA TEORÍA DEL TODO"

Mejor actriz principal………. JULIANNE MOORE, por "SIEMPRE ALICE"

Mejor actor de reparto………. J. K. SIMMONS, por "WHIPLASH"

Mejor actriz de reparto………. PATRICIA ARQUETTE, por "BOYHOOD"

Mejor película de habla no inglesa………. "IDA", de Pawel Pawlikowski

Mejor guión original………. "BIRDMAN"

Mejor guión adaptado………. "DESCIFRANDO ENIGMA"

Mejor montaje………. Tom Cross, por "WHIPLASH"

Mejor fotografía………. Emmanuel Lubezki, por "BIRDMAN"

Mejor banda sonora………. Alexandre Desplat, por "EL GRAN HOTEL BUDAPEST"

Mejor canción………. Glory, en "SELMA"

Mejor dirección artística……. A. Stockhausen y A. Pinnoc, por "EL GRAN HOTEL BUDAPEST"

Mejor vestuario………. Milena Canonero, por "EL GRAN HOTEL BUDAPEST"

Mejor maquillaje………. F. Hannon y M. Coulier, por "EL GRAN HOTEL BUDAPEST"

Mejor sonido………. "WHIPLASH"

Mejor efectos sonoros………. A. R. Murray y B. Asman, por "EL FRANCOTIRADOR"

Mejor efectos visuales………. "INTERSTELLAR"

Mejor largometraje de animación………. "BIG HERO 6", de C. Williams y D. Hall

Mejor cortometraje de animación……… "BUENAS MIGAS (FEAST)", de Patrick Osborne

Mejor largometraje documental………. "CITIZENFOUR", de Laura Poitras

Mejor cortometraje documental………. "CRISIS HOTLINE", de Ellen Goosenberg Kent

Mejor cortometraje de ficción………. "THE PHONE CALL" , de Mat Kirkby

Divas del cine: KIM NOVAK

2015-02-19T13:08:00.000-08:00

Kim Novak es una de las pocas estrellas del Hollywood clásico que continúan con vida, más de treinta años dentro del oficio y el reciente Oscar honorífico que recibió en 2014 son dos buenas pruebas de la magnitud de esta sensual actriz que tuvo la suerte de trabajar con compañeros de la talla de James Stewart, Jack Lemmon o Dean Martin entre otros.

Marilyn Pauline nació el trece de febrero de 1933 en Chicago. Al igual que muchas otras decidió viajar a Los Ángeles y probar suerte como modelo. Un agente se fijó en ella y poco después Marilyn consiguió un contrato de medio año con Columbia y cambió su nombre por Kim Novak; más artístico y sonoro, además no recordaba a nuestra querida Monroe. “The french line” fue su primera aparición, actuación en la cual sólo pudimos escuchar su voz, un tono que enamoró a más de un productor. Después de tres películas con papeles menores consiguió su gran oportunidad allá por el año 1955.

Picnic fue el primero de sus papeles como mujer tórrida y pasional. La película que interpretó junto a William Holden le reportó un globo de oro y un BAFTA. Este film es el pistoletazo de salida para los años gloriosos de Novak.

El año siguiente actuó en “El hombre del brazo de oro”, un relato sobre la adicción a la heroína que supo saltarse la censura de forma inexplicable. Una gran película dirigida por Otto Preminger y protagonizada por Frank Sinatra, sin duda uno de sus trabajos más notables. El año siguiente “Jeanne Eagle” le dio la oportunidad de tener un papel protagonista y probó suerte en el género musical acompañada por Rita Hayworth y Fred Astaire en la menor “Pal Joey”.

Los años siguientes perpetuaron la figura de Novak sensual y sibilina que tanto gustaba al público. En mi opinión, la cinta que mejor consiguió plasmarlo fue “Un extraño en mi vida”, obra que trata sobre la infidelidad y la necesidad de perpetuar el matrimonio. Novak probó suerte en la comedia con “Me enamoré de una bruja”, donde interpreta a un personaje parecido pero de forma menos solvente al estar enmarcada en el género de la comedia. Como último ejemplo de este tipo de personajes tenemos la película “Servidumbre humana” adaptación del libro que lleva el mismo nombre y que ya fue llevado a la pantalla de las manos de Bette Davis, quién encajaba a la perfección en el personaje, al contrario que Novak.

Kim también tuvo la suerte de trabajar con el genio Billy Wilder en una estupenda comedia menospreciada. “Bésame tonto” es una divertida historia, un guion genial en el cual no acompaña su actuación. Si algún fallo le podemos achacar a la actriz es su poca versatilidad a la hora de moverse por los géneros. La comedia no se le da bien por mucho que me pese escribirlo. Dean Martin soporta el peso y consigue dar consistencia al film.

“Bésame tonto” es uno de sus últimos trabajos con un gran director. “Molly Flanders” marca el fin de sus tiempos dorados. Una película de talla menor. A finales de los años sesenta Kim ya no era la actriz que todos los estudios querían. La madura Pauline trabajó en películas de serie B y en televisión. Los años ochenta le proporcionarían parte de la fama que perdió. Su personaje de Kit Marlowe en “Falcon Crest” consiguió convertirse en uno de sus más aclamados. Es momento de que abandone las críticas y los malos trabajos para centrarme en la película por la cual es más recordada.

He decidido dejar Vértigo para el final debido a su gran magnitud. La obra de Hitchcock consiguió desbancar hace un par de años a Ciudadano Kane como el mejor film de la historia, para gustos los colores. Lo que está claro es que el trabajo del inglés está por encima de la media. Una cinta que él mismo calificó como necrofilia. Kim Novak realiza una doble interpretación: por un lado a la elegante y adinerada Madeleine, por otro a la campechana y divertida Julie. Un estupendo trabajo que bien podría haber sido recompensado con algún tipo de nominación.

Kim Novak es una gata, una mujer de espalda interminable y nuca esplendorosa, capaz de enamorar a Kirk Douglas o James Stewart. Una actriz que no se encasilló y tocó todos los registros siendo casi imposible encontrar dos trabajos que se parezcan entre sí. Gracias a su acierto y esfuerzo consiguió ganarse el respeto que por aquellos tiempos no poseían las intérpretes, y aunque no es una Garbo o una Bacall, sí es una grande. Sin más preámbulos ya sólo me queda decir un simple “te admiro, Kim”.

PREMIOS GOYA 2015

2015-01-24T07:03:00.000-08:00

Con motivo de la entrega de premios GOYA 2015, desde La Pantalla Se Mueve organizamos una quiniela.

¿Eres de los que adivina los premiados antes que nadie? Participa y gana la película más premiada en la gala, que se celebra el próximo 7 de febrero.

Sólo tienes que escribir los ganadores de las siguientes categorías abajo en un comentario (haz click en "comentarios"), tal y como se ve en el ejemplo, añadiendo una dirección de correo electrónico para comunicarte si has ganado (una participación por persona). Tienes hasta el mismo día de la gala a las 20:00 para participar.

Regalaremos la película que más premios reciba en DVD a quien más puntos acumule (en caso de empate, se sorteará el premio entre los igualados). Participa ya con tu comentario.

(1 punto por cada acierto excepto mejor película, que valdrá 3 puntos)

(Suma un punto compartiendo nuestro enlace en Facebook).

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-Goya a la Mejor Película

El Niño

La isla mínima

Loreak

Magical Girl

Relatos salvajes

-Goya a la Mejor Dirección

Daniel Monzón, por El Niño

Alberto Rodríguez, por La isla mínima

Carlos Vermut, por Magical Girl

Damián Szifron, por Relatos salvajes

-Goya a la Mejor Dirección Novel

Carlos Marques-Marcet, por 10.000 Km

Esteban Roel y Juanfer Andrés, por Musarañas

Curro Sánchez Várela, por Paco de Lucía, la búsqueda

Beatriz Sanchís, por Todos están muertos

-Goya a la Mejor Película Europea

Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?, de Philippe de Chauveron

El abuelo que saltó por la ventana y se largó, de Félix Herngren

Ida, de Pawel Pawlikowsky

La sal de la Tierra, de Juliano Ribeiro Salgado y Wim Wenders

-Goya a la Mejor película Iberoamericana

Conducta, de Ernesto Daranas

Kaplan, de Álvaro Brechner

La distancia más larga, de Claudia Pinto Emperador

Relatos salvajes, de Damián Szifron

-Goya al Mejor Guion Original

Daniel Monzón, por El Niño

Alberto Rodríguez, por La isla mínima

Carlos Vermut, por Magical Girl

Damián Szifron, por Relatos salvajes

-Goya al Mejor Guion Adaptado

Carlos Asorey e Ignacio Vilar, por A esmorga

Chema Rodríguez, David Planell y Pablo Burgués, por Anochece en la India

Clare García, Cristóbal Ruiz y Javier Fesser, por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo

Anna Soler-Pont, por Rastres de sándal

-Goya al Mejor Actor

Javier Gutiérrez, por La isla mínima

Raúl Arévalo, por La isla mínima

Luis Bermejo, por Magical Girl

Ricardo Darin, por Refatos salvajes

-Goya a la Mejor Actriz

Bárbara Lennie, por Magical Girl

María León, por Marsella

Macarena Gómez, por Musarañas

Elena Anaya, por Todos están muertos

-Goya al Mejor Actor de Reparto

Eduard Fernández, por El Niño

Antonio de la Torre, por La isla mínima

José Sacristán, por Mágical Girl

Karra Elejalde, por Ocho apellidos vascos

-Goya a la Mejor Actriz de Reparto

Bárbara Lennie, por El Niño

Mercedes León, por La isla mínima

Goya Toledo, por Marsella

Carmen Machi, por Ocho apellidos vascos

-Goya al Mejor Actor Revelación

David Verdaguer, por 10.000 Km

Jesús Castro, por El Niño

Israel Elejalde, por Magical Girl

Dani Rovira, por Ocho apellidos vascos

-Goya al Mejor Actriz Revelación

Natalia Tena, por 10.000 Km

Yolanda Ramos, por Carmina y amén

Ingrid García-Jonsson, por Hermosa juventud

Nerea Barros, por La isla mínima

BIRDMAN, de Alejandro González Iñárritu

2015-01-22T04:10:00.000-08:00

Estados Unidos, 2014

Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia) es un derroche de inteligencia, soporte de creación artística, alarde de capacidad lúdica.

Iñárritu firma su obra más original, sin duda, frente a aquella trilogía del dolor que nos retorcía encadenando todas los estamentos sociales en una encrucijada de fatalidades ajenas a la acción premeditada. Desde Amores Perros, 21 gramos y Babel, este director mejicano nos encandiló como retratista social, pero con esta obra maravillosa demuestra su lucidez en la crítica y su frescura en la narración. Frenética, profunda, divertida y estimulante.

La mejor película del año (y probablemente de la década) se desarrolla en un teatro de Broadway, donde una vieja estrella del cine pretende buscar sentido a su fracaso actual con el triunfo superficial de obras menores. Michael Keaton interpreta a ese lejano Birdman, superhéroe que le etiquetó de por vida, padre atribulado de relaciones curvas y tortuosas con sus semejantes. La gracia de esa condición es que el actor real pasa por una situación de similitud sospechosa, lo que crea un bucle de comparaciones constante y entretenido.

Para la realización de la obra que interpreta y dirige, nuestro protagonista se rodea de un elenco poco agraciado hasta la llegada sorprendente de un actor increíble. Edward Norton hará las veces de espejo actual, así como del poso y la resignación de quien conoce ese mundo y se duele. Galifianakis, Emma Stone, Naomi Watts y Amy Ryan completan, junto a otras caras menos conocidas, la deslumbrante maquinaria que Iñárritu tiene preparada entre sus diálogos. Cuando el guión, siempre lo repito, lo elabora la misma persona que exprimirá su contenido en la dirección, podemos hablar de una película completa que, de contar con grandes mentes, nos hará vibrar sin miramientos.

Birdman sigue persiguiendo y acosando a nuestro frágil actor. Algunos planos nos muestran lo absurdo de ese regocijo y dolor interno en forma de presión auto-infligida. La comicidad en un estado de presión tal es hilarante hasta el punto de no parar de reír. Todos quieren hacer la obra, aunque las dificultades se acumulen cual pantomima de los hermanos Marx. Las opciones que valora el protagonista hacen que se dé por vencido en numerosas ocasiones, pero un guión de justificaciones medidas y pensadas hace que todo siga y se acelere contra el resultado final. Cuanto más se acerca la resolución, más dificultad entraña la dirección de una película, pero Iñárritu se crece con esa adversidad y añade la valentía propia de los grandes artistas. Se violenta contra los tópicos, huye de sentimentalismos y produce una sensación de continuo estímulo con todos los elementos posibles: acción, humor, diálogos de anclaje y crítica, unas secuencias de sorpresa continua y una banda sonora tan intrigante como novedosa.

Por contar con todos estos puntos favorables, Birdman se alza (permitidme la metáfora del pájaro) con un brío escaso en nuestros tiempos. Planea sobre nosotros mostrándonos un plumaje brillante, sólido, robusto y vivaz. Nos engancha de la pechera, sacude frente a la realidad y condimenta el vuelo con esa dosis de humor audaz que todo viaje requiere. La riña incompatible entre los viejos rockeros del espectáculo y los efímeros placebos de las actuales redes sociales se establece entre la generación del protagonista y la de su hija, quien le hace ver la posibilidad de esta nueva isla en la que ha de sobrevivir si no quiere hundirse, agotado de tanto revolotear sobre el mar salado y monótono.

De final abierto, la inesperada virtud de la ignorancia desencadena una magnífica sensación de triunfo a pesar del agrio paisaje y hace que una crítica al comercio desmesurado de la basura sirva para la comedia más directa e inteligente en mucho tiempo. Tal vez el arte se haya transformado, quizás la originalidad sea cuestión de suerte, ignorancia o la búsqueda de su contrario, pero ese deambular sobre el alambre hará de nosotros un fracaso o la gloria. Y puede que la vida nos vaya en ello.

Recomendación obligada la de Birdman. Así como el debate posterior que suscita. ¿Eres de superhéroes o de discurso filosófico? ¿Están reñidos ambos presupuestos? Grandes actores y actrices, pero por encima de todo, un guión brutal aderezado de la mas adecuada banda sonora. Y no olviden el orgasmo que produce ver esas secuencias infinitas (pese a los trucos), una obra maestra que deberán estudiar en las escuelas.

Valoración: 9,7

INTERSTELLAR, de Christopher Nolan

2015-01-07T03:30:00.002-08:00

Estados Unidos, 2014

La película total que Christopher Nolan ansiaba había de llegar con todos los elementos propios del país del espectáculo. Había de partir de la humildad para llegar a la universalidad, cruzar la épica y ofrecernos el mayor periplo jamás contado.

Ulises, de Nolan. Así podía haberse llamado. Y no hubiera sido un título nada pretencioso ni alocado. Hombre del pueblo se convierte en el ser más importante de la historia de la humanidad por su esfuerzo y su inteligencia, que se embarca con valentía y retorna con la solución a las mayores catástrofes. Gloria, esperanza, ejemplo y virtud.

Interstellar es muchas películas en una, no se deja clasificar con gratuidad. Las etiquetas asumibles por esta película se amontonan en un enjambre de adjetivos que poco dejarían a la imaginación, por lo que es mucho más conveniente adentrarse en ella sin mucha predisposición y con más afán de observación. Si eres de asombrarte y dejar que te muestren, Interstellar es probablemente tu película definitiva.

Una sinopsis resumida no haría más que cortar las alas a esta tremenda producción, sin embargo, se hace necesaria para la iniciación de muchos. Allá va: Cooper (Matthew McConaughey) es un expiloto que vive con sus hijos en una casa de campo donde ocurren extraños sucesos y la esperanza se torna nula. Es llamado a liderar una aventura hacia otras galaxias con el fin de salvaguardar la vida en la Tierra. Todo lo demás, sería chafar las sorpresas de esta película. Todo lo que te cuenten será poco, pero también puede ser demasiado y provocar expectativas de sobrevuelo.

Nolan es un director al que le fascina el artificio. Los fuegos, colorines, héroes y milagros son su especialidad. Por eso llevaba tiempo trabajando en guiones que sorprendieran en encrucijadas incoherentes, como los viajes en el tiempo, las posibles vías de la imaginación, etc. Desde Memento, muchos lo pusimos en el punto de mira y tras quince años se consolida como uno de los directores más esperados en cartelera y de mayor cotización en taquilla. Tanto Memento, Insomnio y El truco final conseguían objetivos llamativos aunque algo planos que hacían saltar la chispa de muchos aficionados a las artes pirotécnicas. Dio con su llave a la fantasía junto al sobrevalorado Batman, ya que convirtió un cómic famoso en una saga de películas técnicamente brillantes. Se ganó a los incondicionales del género y convirtió a muchos escépticos, pero no terminó de encandilar a quienes buscaban un poso, una factura sentimental, un drama de calado inteligente. Su senda junto al superhéroe dura ya, para mi gusto, demasiado si pretende mantener la leyenda que generó El caballero oscuro. Sin embargo, intercaló en su filmografía otras películas que le permitirían crecer y no encasillarse en un solo argumento. Con Origen (Inception) logró algo propio de los directores controvertidos: la eterna distopía entre aquellos que aman la ciencia ficción y aquellos que necesitan un cierre de guión milimetrado y sin fisuras. Como es obvio, la imposibilidad de aunar los dos polos hace que todos nos posicionemos en el debate, algo muy fecundo digno de agradecer. Con Interstellar había de llegar al punto más alto (hasta ahora) dada su trayectoria. Con un bagaje suficiente, ya había aprendido a narrar historias imposibles con giros asombrosos, sólo le quedaba envolverlo todo en un papel acorde al regalo. Si a una historia casi propia de gigantomaquias le sumas una producción escénica y digital fabulosa sólo necesitas un elenco a la altura para pulir una piedra que prometía un brillo nunca visto.

Abrazado al salto de Matthew McConaughey, la lista de interpretaciones sólidas es abrumadora, entre ellos: Anne Hathaway, Jessica Chastain, Matt Damon, Michael Caine, Casey Affleck, por nombrar sólo los de renombre.

Pasan tantas cosas durante las casi tres horas de metraje que temo dejar algo importante de lado. Me llama la atención cómo comienza y nos presenta los personajes. La familia resulta extraña, persiguiendo algo incomprensible, con planos muy atrevidos desde el principio. También me entusiasma cómo despacha con rapidez aquellas transiciones que suelen pesar más de la cuenta. Nolan sabe dónde está la acción y qué es lo que interesa, y se lanza de lleno, cargado de valentía. Cuando parece que la película se estabiliza y ya definimos el conflicto, se convierte en otra película y enlaza con otro nudo diferente, detalle que anima a seguir con la atención fija. La dificultad que entraña pretender muchas películas en una sólo es soluble bajo el efecto de un guión lúcido y precavido, pero también debemos atender al género (o géneros, en plural) que estamos viendo. La ciencia ficción y la fantasía nunca encajan completamente en nuestro engranaje empírico, no seamos pretenciosos nosotros. Desde el guión, se esfuerza en contrarrestar esta apariencia poco plausible. Los suspiros por el desvarío son entendibles y hay quien lanza vituperios contra tales golpes de timón. Aun así, nos lanza continuamente a escenarios nuevos, con intrigantes abismos y suficiente adrenalina para maquillar una película imposible de explicar. Nolan es un mago, pero eso ya lo sabíamos.

Las justificaciones y cierres finales no son de gran profundidad, aunque funcionan en una película orientada al gran público. Salimos de la sala brutalmente conmovidos, ojipláticos y sin palabras. Interstellar da para horas de conversación, pero la digestión puede ser muy larga, estamos ante una de las películas con mayor cantidad de eventos que jamás hayamos presenciado.

Desde el descontento (llegué a oír "shame on you, Nolan") a la fatiga del aplauso, las impresiones han sido una miscelánea de profusas acusaciones que alegra el mundo del cine. Yo me quedo con una terrible sensación de asombro, júbilo y deleite en cuanto a espectáculo, una liviana pesadumbre en cuanto a los tópicos mezclados por algunas conversaciones y una tremenda ansia por compartir impresiones entre mis más allegados.

Espectáculo, viaje, descaro y pretensión.

Valoración: 7,9