LA PODEROSA

CLINT: IMPLACÁVEL PT: 4

2012-02-18T08:24:00.001-02:00

Das profundezas ele surge, como um legítimo personagem fantasmagórico dos tempos de western ou como o justiceiro das ruas Dirty Harry. Desta vez, Clint Eastwood resolveu aparecer no intervalo do Superbowl, não em trailer de um filme novo, mas em um vídeo publicitário de uma empresa automotiva. Mas qualseria o motivo, razão ou circunstância?

Durante suas entrevistas, Clint sempre mostrou ser uma pessoa com opiniões políticas. Ele foi prefeito da cidade americana de Carmel-by-the-Sea, no estado da Califórnia, em 1986. Ele é membro do partido republicano, ao qual é filiado desde 1951. Ajudou na campanha de Richard Nixon à presidência de 1968, e se autodescreve como libertário.

O cineasta pertence a uma geração onde os Estados Unidos viveu seu apogeu. Porém, nos últimos anos esse poderio foi abalado pelos ataques de 11 de setembro e as crises econômicas.

Em Gran Torino, seu personagem Walt Kowalski representava essa origem de ascensão econômica e política, adepto do trabalho artesanal em uma fábrica de automóveis. Contudo, seu mundo caiu em decadência junto com o desemprego e a violência de Detroit. O comercial é uma injeção nos ânimos do povo americano. Nada melhor que a mensagem seja passada por um ícone e tudo que ele representa. Sua voz rouca (quase um rosnado) e os movimentos contraídos da boca revelam a entidade eastwoodiana.

“... Clint mantinha um carro velho, que de alguma forma escapou da destruição em algum de seus filmes, e gostava de ficar rodando com ele—ia de uma lanchonete que alguém recomendara em algum bairro insalubre de LA a um lugar de comida mexicana no interior do vale (naquela época ele era menos preocupado com a sua alimentação). Os balconistas e fregueses naturalmente o reconheciam, mas não expressam mais do que um arregalar de olhos, talvez um aceno de cabeça. Acredito que sempre tenha existido certo reconhecimento tácito entre grande parte do seu público de que Clint é um dos deles—um homem da classe trabalhadora sem necessidade de evitar esta identidade. Ou que faça disso uma grande coisa.”

(Trecho da biografia do cineasta escrita por Richard Schickel)

À persona eastwoodiana é preciso, pois, acrescentar esta outra característica: uma capacidade de se metamorfosear no próprio país. Eastwood não cessa de se inflar na medida do tamanho da América, tudo o que lhe acontece, acontece também à América. Clint não é mais um homem, não apenas, mas uma terra e um ícone quase religioso. Esta inflação do ego, que poderíamos sem dúvida achar um pouco pretenciosa, vista daqui, é um movimento muito natural na arte americana. Eastwood não inventa nada: ele se inscreve na longa lista de artistas, de todo tipo de técnica, a se pensar como um modelo possível para a América, como uma versão idealizada da América. H. D. Thoreau ou Walt Whitman poderiam ser os primeiros dentre estes.

(Por Stéphane Bouquet - Escritor, roteirista e crítico de cinema, tendo sido por muito tempo redator da revista francesa Cahiers du cinema)

J. EDGAR DE EASTWOOD

2012-02-16T23:15:00.001-02:00

Desta vez, Clint resolveu pegar carona na vida de John Edgar Hoover, o primeiro Diretor do Federal Bureau of Investigation (FBI). Um homem que esteve no cargo por 48 anos, enfrentou a ira e a admiração de muitos, usou seu poder para bater até de frente com 8 presidentes americanos.

Desde sua juventude, ele já mostrava o seu ideal patriótico. No ano de 1919 foi indicado para investigar estrangeiros suspeitos de subversão, os chamados bolcheviques. Sua missão resultou na expulsão do país de um grande número de pessoas. Com o sucesso em seu trabalho, foi subindo de cargo até chegar a ser chefe do Departamento.

Hoover procurou construir uma imagem imponente, se inspirada nas belas poses das estátuas que ficavam ao seu redor. Um homem que não tinha limites e queria evidenciar isso para todos que o cercavam. Até sua mesa foi preparada para se estabelecer como um altar e enfatizar seu poderio perante os que aproximavam.Leonardo DiCaprio absorveu todos esses requisitos para interpretar um dos melhores papeis de sua carreira. Além do lado metódico (Hoover foi um dos responsáveis por catalogar a Biblioteca do Congresso e usou de sua organização para fazer um banco de impressões digitais), o personagem demonstra suas fraquezas como qualquer ser humano.

Sua fala rápida e precisa (Speed) é resultado de uma alternativa para esconder sua gagueira. Não confiava nem na própria sombra. Nenhuma mulher o conquistou por completo, por sua secretária Helen Gandy (Naomi Watts) tinha uma pequena admiração. Com sua mãe Anna Marie Hoover (Judi Dench), o amor era do nível edipiano. Quando ela morre, Edgar tem seu mundo desmoronado. Ele até se traveste com um vestido e um colar como se fosse trazê-la de volta a vida. Uma das cenas mais impressionantes, tanto pela dramaticidade quando pela visão de Clint ao deixar o protagonista em uma penumbra com pequenas luzes que revelavam suas dores.Na verdade, quem foi seu braço direito foi Clyde Tolson (Armie Hammer). Uma relação que ultrapassava as paredes do escritório e se tornava uma ligação amorosa. Diferentemente do clichê e das falsas interpretações gays- tanto em cinema quanto em novelas – Eastwood mostra seu olhar sensível como poucos ousariam ter. O beijo entre os dois não é a sequencia que mais evidencia o amor entre os dois.

O lenço entregue por Tolson ou o carinhoso beijo de Hoover na testa de seu companheiro são as maiores demonstrações desse relacionamento que foi descrito como um “amor que não ousa dizer seu nome”; uma livre tradução da frase do poema “Two Lovers”, de Lord Alfred Douglas— “love that dare not speak its name”; uma reflexão de Richard Peña – Diretor de Programação da Film Society do Lincoln Center, NY.

O preto, o cinza e o branco da fotografia dão um tom elegante e belo para as imagens de época. A maquiagem é um caso a parte, o que dizer de DiCaprio vivendo um idoso de 70 anos? Uma encenação que exprime verdade, todas as rugas e o cansaço de uma idade avançada estão lá nas costas de um homem que foi firme em seus objetivos desde o início. Os saltos temporais revelam que o velho e o novo Hoover andaram pelo mesmo caminho.J. Edgar é um legítimo herói eastwoodiano. Solitário (Como os antigos westerns), um homem que não esquece o passado no momento de viver o presente (como Walt Kowalski em Gran Torino). Uma característica que o torna clássico e contemporâneo ao mesmo tempo. Um mito no cinema, assim como Hoover um mito na América.

A SEPARAÇÃO جدایی نادر از سیمین

2012-02-13T20:48:00.001-02:00

Quando o assunto vira Oriente Médio, logo vem à cabeça assuntos como os protestos recentes do povo contra a ditadura, as guerras civis. Porém, Asghar Farhadi resolveu focar nas relações humanas em seu novo drama iraniano A Separação.

Na trama, após se divorciar da esposa Simin (Leila Hatami), Nader (Peyman Moaadi) é obrigado a contratar uma jovem para tomar conta de seu pai idoso que sofre de Alzheimer em estágio avançado. Porém a diarista está grávida, e trabalhando sem o consentimento de seu marido, condições que junto a um terrível incidente, levará as duas famílias a um julgamento de cunho moral e religioso.

Já na primeira cena, a câmera fica no lugar de um juiz, onde o casal Simin e Nader discutem sua separação. Ela quer sair do país, ele não, entre os dois têm a filha Termeh (Sarina Farhadi) que gera entre ambos.

A empregada de Nader é uma devota do Islã, não aceita que nenhum homem estranho possa te tocar. Nem mesmo o idoso com Alzheimer. Após uma situação dramática que vira o fio condutor, quem mente? Será que é o patrão ou a mulher que vai trabalhar em sua casa todos os dias? Farhadi faz cortes inesperados, elipses que esconderão a verdade. O diretor desenvolve uma história como um novelo que vai se desenrolando aos poucos pelas nuances. Cada detalhe se julgará importante no final do longa.

O filme é um conflito entre os dogmas e a mudança de uma mentalidade de um povo, um choque entre o velho e o novo. Um ato corajoso em um país que constrói muros quando o tema liberdade entra em pauta.Por trás de todos esses dilemas, os personagens lutam com apenas uma coisa: a solidão. Um casal que não quer se afastar da filha; um filho que teme perder o pai doente; uma mulher que se preocupa com a gravidez em perigo e com o marido esquentado que vive em depressão após perder um emprego. Um enredo simples, onde todos lutam de alguma forma contra uma separação.

AS AVENTURAS DE TINTIM DE SPIELBERG

2012-02-11T14:42:00.001-02:00

Os quadrinhos franco-belga não são tão populares no mercado quanto os americanos, isso não quer dizer que eles são menos competentes. Pelo contrário, a região da Bélgica é um dos lugares mais promissores do mundo quando o assunto envolve HQs. Asterix, Smurfs e, claro, TinTim, são alguns dos exemplos célebres. A criação de Hergé é uma das mais populares e ganhou uma adaptação cinematográfica com a direção de Steven Spielberg e produção executiva de Peter Jackson. A computação gráfica com captura de movimentos foi o recurso escolhido para filmar as aventuras desse repórter.

O Segredo do Licorne tem em seu elenco Jamie Bell como o personagem-título, Andy Serkis como Capitão Haddock e Daniel Craig como o maléfico Red Rackham, entre outros. Na trama, eles vão a busca de um tesouro perdido há várias gerações.

Já na abertura, as cenas fazem uma verdadeira homenagem ao personagem e Hergé. O escritório de Tintim está repleto de quadros que relembram seus triunfos em várias aventuras. Diferentemente da maioria das adaptações do estilo, Spielberg foi fiel às raízes da história, não procurou trazer para os dias atuais.Além disso, o diretor se preocupou com as páginas recheadas de onomatopeias para dar origem ao filme cheio de ação. O longa tem um ritmo intenso, as investigações e diálogos – características fartas nos quadrinhos – ficaram meio de lado.

Cenas como a da perseguição no Porto e a do avião quase sem combustível em uma tempestade são hilárias. O 3D contribuiu para ampliar as texturas e o brilho das tomadas explosivas ou das sequências cotidianas. O Capitão Haddock é um dos maiores destaques com suas bebedeiras e piadas sobre tudo. Seu único ponto fraco é a possibilidade de ficar lúcido. Como sempre, a dupla Dupont e Dupond representam um lado a parte com suas costumeiras trapalhadas.E o que dizer de Andy Serkis? O ator faz mais um trabalho de respeito no ramo da captura de movimentos. O eterno Gollum de O Senhor dos Anéis já tinham confirmado essa sua habilidade com Planeta dos Macacos: A Origem, King Kong, entre outros. Porém, mais uma vez ele é ignorado pela Academia defasada de Hollywood.

As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne é o melhor filme de Spielberg dos últimos tempos. Suas últimas obras não atingiram o ápice, com exceção da série Band of Brothers. Não tem como não se lembrar do clima aventureiro de Indiana Jones. O plano é que a franquia se torne uma trilogia, Peter Jackson será o responsável pela direção da sequência.

O ESPIÃO QUE SABIA DEMAIS

2012-02-06T21:12:00.001-02:00

Um filme basicamente de diálogos, bem escritos por sinal, roteiro preciso e uma trama cheia de elipses com flashbacks. O Espião Que Sabia Demais é ambientada durante os anos finais da Guerra Fria e acompanha George Smiley (Gary Oldman), um dos cinco ocupantes dos postos mais altos dentro do Circus - a divisão de elite do Serviço Secreto Inglês - encarregado de descobrir quem, ali desse grupo restrito, é um agente duplo que por anos trabalhou para os soviéticos.

O elenco é de estrelas: Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt, Stephen Graham, Roger Lloyd-Pack, David Dencik, Kathy Burke, Toby Jones e Benedict Cumberbatch. O roteiro é de Peter Morgan e a direção ficou por conta do sueco Tomas Alfredson. A trama é inspirada no livro homônimo do escritor John Le Carré.

Por serem coadjuvantes no conflito que quase culminou em uma Terceira Guerra Mundial, os britânicos encabeçam esse drama recheado de uma coreografia verbal. Gary Oldman está incrível, trabalho que lhe rendeu uma indicação ao Oscar (Uma das poucas justiças na edição desse ano).Logo no início, George Smiley é desligado do serviço secreto. Sua aposentadoria seria calma e desfrutada em frente uma televisão. Porém, ele é recrutado novamente para descobrir quem é o traidor desse grupo seleto. Ele troca de óculos como se tivesse obtido um novo olhar para um mundo, uma visão que pode ajudar no encontro de respostas.

O longo tem poucas cenas que envolvem armas e afins. A palavra é o mote principal, as tomadas que poderiam ganhar mais ação dão lugar a suspensão de imagens ou um vazio, fato que intensifica o mistério dessa caçada entre gato e rato. Porém, não se surpreenda ao presenciar mortes no nível de O Poderoso Chefão.As histórias paralelas entre os personagens auxiliam na construção da trama principal. A competente trilha sonora ficou por conta de Alberto Iglesias. O Espião que Sabia Demais é uma partida de xadrez, onde é preciso encontrar a peça certa para dar o xeque mate.

OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES

2012-02-05T13:02:00.001-02:00

Pela primeira vez, David Fincher fez um remake. Resolveu fazer uma adaptação do livro Millennium - Os Homens Que Não Amavam as Mulheres, do escritor Stieg Larsson.

O diretor pega todos os elementos que se destacam na obra e os melhora em cena, superando o original sueco de Niels Arden Oplev.

Diferentemente de muitas refilmagens, o longa não “americanizou” a história, se manteve fiel as raízes nórdicas. O vento e a neve são transportados para o expectador, o álcool sempre foi um recurso usado pelos personagens para espantar o frio.

Na trama, o jornalista Mikael Blomkvist (Daniel Craig) é contratado para investigar o desaparecimento e a provável morte da sobrinha-neta de um ex-industrial, que desconfia do envolvimento da própria família no crime, ocorrido há 40 anos. O protagonista aceita a proposta, pois foi processado após uma matéria que feria um homem poderoso.

A Suécia, como boa parte dos países nórdicos, tem o costume de ser o lar de escritores/dramaturgos que criaram tramas que refletiam bem os dilemas envolvendo o ser humano. August Strindberg é um exemplo, o autor investiu bem nesse lado, principalmente em suas peças teatrais.

A misoginia foi uma das características de suas obras, uma marca que muitos insistem estar nos filmes de Fincher. Sigourney Weaver – em Alien 3 – interpretou uma mulher que rejeitava os dotes femininos. A hacker Lisbeth Salander (Rooney Mara) se encaixa nesse perfil, uma mulher abominada pela sociedade. Ela é uma outsider, seu visual é uma extensão desse comportamento. Suas habilidades a guiam para auxiliar o personagem de Craig.

Com a busca frenética, a dupla se dá conta que está atrás de um serial killer especialista em matar mulheres. Mais uma vez, Fincher escolhe caminhos que já conhece bem, Se7en (1995) e Zodíaco (2006) são longas que o diretor já passeava por esse tema. No primeiro, crimes brutais atormentavam a vida de Brad Pitt (que interpreta o detetive Mills) e Morgan Freeman (detetive Somerset). O criminoso criou um jogo que somente ele poderia ser o vencedor.

O segundo narra a história da caçada a um assassino em série conhecido como "Zodíaco", que matou em torno da área da baía de São Francisco durante os anos 1960 e início de 1970. Ele insultava a polícia com cartas e cifras enviadas para jornais. Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), um tímido cartunista editorial, os detetives David Toschi (Mark Ruffalo) e William Armstrong (Anthony Edwards) e o repórter Paul Avery (Robert Downey Jr.) procuravam por respostas para se chegar a verdadeiro culpado. Entretanto, o suspense e o mistério culminam em um impasse.

A fotografia é simplesmente bela. A trilha sonora composta Trent Reznor e Atticus Ross é inquietante, incomoda, um trabalho que tinha dado certo em A Rede Social. O cover de Immigrant Song do Led Zeppelin e a cena clímax ao som de Enya com Sail Away são os ápices.

Morbidez, ironia e uma tragédia emocional dão o arremate final para Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres. Todas as questões de uma heroína verdadeiramente de Fincher.

NADAL x DJOKOVIC = FOGO CONTRA FOGO

2012-02-04T01:38:00.001-02:00

O abraço entre os dois tenistas após uma partida de 5h 53 minutos tem um significado de extremo respeito. Na final do Australian Open, não é só sérvio que saiu o vencedor, o esporte que acabou ganhando com essa batalha. Em um tempo que parece nada mais impressionar esse mundo, eis que ocorre um fato literalmente épico. Uma plateia enlouquecida, atletas cansados e cheios de dores, um incomodo passageiro, porém a glória é para sempre.

A ética na partida entre Nadal e Djokovic pode ser comparada com o embate entre Al Pacino e Robert De Niro em Fogo Contra Fogo de 1995, longa dirigido por Michael Mann. Na trama, Neil McCauley (Robert De Niro) é um exímio fora da lei, enquanto Vicent Hanna (Al Pacino) é conhecido por lotar as prisões de Los Angeles com suas ações na polícia.

Ambos atuaram juntos de forma excepcional em O Poderoso Chefão II. O que se espera é o embate entre os dois a qualquer momento. Por incrível que pareça, quando o encontro ocorre pela primeira vez, nada de armas. Eles sentam e começam um desafio verbal, onde cada um expõe suas motivações.

Por mais que eles estejam em lados opostos não existe ódio entre os personagens, uma ética flutua entre eles. Além de serem os melhores no que se propõem a fazer, a solidão é algo que McCauley e Hanna têm em comum. Fato que os torna próximos, habitantes do mesmo mundo.

O primeiro quer ter uma vida estável com uma boa companhia ao seu lado. O segundo tem uma vida tumultuada quando o assunto é família, o trabalho sempre serviu como uma válvula de escape.

O filme é uma verdadeira caçada entre cão e gato. Cenas de ação de tirar o fôlego e diálogos primorosos. A parceria traz o de melhor que aconteceu nas produções envolvendo gângsters e máfia dos anos 70 e 80.

A cena final é o duelo que todos ansiavam. Um encontro que somente um poderia sair vivo. Após idas e vindas e uma esconde-esconde por todos os lados, a bala sentencia a morte entre um deles.

No momento mais derradeiro, o aperto de mão simboliza todo o respeito compartilhado pela dupla. O respeito que também ocorreu com o abraço de Rafael Nadal e Novak Djokovic.

O CAVALO DE SPIELBERG

2012-02-01T22:04:00.001-02:00

Steven Spielberg está com uma produção em massa nos cinemas. Atualmente, está em cartaz com Tintim: O Segredo do Licorne, o diretor comanda o drama Cavalo de Guerra. O filme conta a história do jovem Albert Narracott, que se alista para servir na Primeira Guerra Mundial depois que seu amado cavalo, Joey, é vendido ao exército e enviado à Europa.

A trama ganha cenas com tons “melosos” em demasia. Entretanto, o sociólogo Roberto DaMatta, conseguiu ver um lado diferente do longa como você pode ler no artigo integralmente abaixo:

Assisti ao Cavalo de Guerra. Havia tempo que eu não tomava parte do estranho ritual de ir ao cinema para participar da exibição mecânica de um drama que independe de quem o assiste. Pois diferentemente de outros rituais de desempenho - como as celebrações religiosas, cívicas e teatrais - onde os oficiantes dependem da cumplicidade dos espectadores, no cinema somente a plateia pode atrapalhar-se a si mesma, falando alto ou chegando atrasada. O que não atinge o filme que, indiferente como um meteoro, "passa" transformando fotografias mortas numa narrativa viva.

Invejei Steven Spielberg por ter inventado mais um cavalo para a nossa extensa mitologia equestre. Tínhamos o de Troia, o de batalha (que ocorre todo dia no Brasil); o Trigger, do Roy Rogers, um remoto caubói; o Silver, o cavalo prateado do Zorro ex-amigo do Tonto (um índio); e, para terminar uma formidável lista, o cavalo branco de São Jorge que Napoleão, com sua megalomania digna dos presidentes republicanos, tentou roubar. Eis uma modesta mostra de como o cavalo desempenha, ao lado do cachorro, um denso papel na nossa imaginação.

O cavalo detém a força do puro poder e da mobilidade, ao lado de uma contida e disciplinada imponência, ausente nos cães mais indômitos. Mesmo no papel humilde de puxador de um veículo, o cavalo chama atenção pela sua obediência tranquila. Dele é aquele ar bovino, aquele sossego das sujeições serenas: feliz com os seus limites e ciente do seu papel. Mas é dele também o poder de chegar rapidamente a algum destino. Os cavalos permitem voar e alguns são alados...

Ser dono de um cavalo ou montá-lo é sinal claro daquela liberdade igualmente contida da nobreza, como mostra a melhor sociologia do cavalo que li até hoje, a de Câmara Cascudo.

Hoje em dia não temos mais cavalos, diria um leitor cético diante de minhas baboseiras etnológicas. Verdade, mas nas nossas garagens estão centenas de "cavalos de força" devidamente encurralados nos nossos automóveis. Temos centenas de cavalos prontos para galopar sincronizada e perigosamente - em cima dos outros quando nos movemos pra valer!

E continuamos a ter cavalos de guerra que lutam contra ladrões, marginais ou subversivos que infestam nossas cidades mal planejadas e sem fiscalização que julgamos protegidas por São Jorge, o santo inglês que, como diz Gilberto Freyre, tornou-se popularíssimo no Brasil por ser um santo montado num país de escravos a pé e de aristocratas falsos, preguiçosos e gordos. Mais preocupados - como ocorre até hoje - com suas famílias do que com o seu povo.

Esse cavalo de batalha não teme dragões. Ademais, ele é também o símbolo, como assinala o sociólogo Thorstein Veblen na sua pioneira teoria do consumo como um traço básico da identidade social no capitalismo - um penhor de consumo conspícuo ou supérfluo. Um consumo como expressão de posição social e não de necessidade. Sobretudo no papel de "cavalo de corrida".

Dominar um cavalo fazia parte do treinamento dos nobres. Quem mandava num cavalo sabia comandar pessoas. O cavalo eleva e dá capacidade ao seu dono, servindo como perfeita metáfora para uma suposta (ou imposta) superioridade social. Que o leitor preste atenção nas estátuas equestres. Nelas, quanto mais importante o herói, mais sua montaria tem as patas levantadas; e, quanto mais patas no ar, em atitude de movimento grandioso, mais heroico é o gesto e o personagem.

Um dado empolgante da mitologia do cavalo é a sua identidade com o cavaleiro. Quando os dois formam uma só pessoa (ou "conjunto"), como ocorre nas provas equestres, verifica-se um grau de simultaneidade que torna difícil não ver a montaria e o montador como uma só pessoa. Foi assim que os astecas avistaram os espanhóis que os conquistaram e dizimaram.

Essa figura do cavalo como símbolo de poder - como animal de trabalho e como montaria que passa a ser uma arma quando os seus donos entram em guerra - foi o que mais me tocou no filme. Pois o que a narrativa de Spielberg realiza, em estilo de John Ford, é mostrar como cada um dos seus "donos" o vê como uma projeção de si mesmos.

Joey (esse é o nome do cavalo herói) é construído e constrói o seu primeiro e "verdadeiro" dono, o rapaz que se vê obrigado a treiná-lo como besta de trabalho; seu segundo dono é um oficial inglês de Cavalaria que o usa como uma arma de guerra; depois chega a vez de "pertencer" a uma menina francesa e doente que o torna parte de suas delicadas fantasias de adolescente; daí, Joey é de um duro, mas sensível sargento encarregado de puxar canhões para o Exército alemão; até que, aterrorizado e perdido na terra de ninguém e de todos os horrores humanos que é a guerra, o cavalo tenta escapar somente para ficar embaralhado nos arames farpados - típicos de nosso modo de viver - que dividem ingleses e alemães.

Então Joey fica como todos nós ficamos quando a vida nos leva para a terra enlevada do sofrimento, dos pesadelos, das lágrimas e da solidão.

É justamente nesse momento que Joey se torna cavalo e, assim, como o "outro" tanto dos ingleses quanto dos alemães, ele neutraliza a guerra, fazendo com que dois soldados inimigos que tornem parceiros na tarefa de libertar e salvar esse "outro do outro", como diz Viveiros de Castro. Eis a melhor cena do filme e um dos momentos mais belos que vi no cinema. Pois quem somos nós, autointitulados humanos, senão meros cavalos igualmente passando de mão em mão e servindo como veículos para que a vida possa ocorrer por meio de nossas existências?

MI: PROTOCOLO FANTASMA

2012-01-26T20:56:00.001-02:00

Brian De Palma fez um embate entre verdade e mentira no primeiro longa (1996). John Woo trouxe mais ação para a sequência (2000) e J.J Abrams acrescentou um ar de suspense e mistério na conclusão da trilogia (2006). Brad Bird, conhecido por seus trabalhos no ramo da animação (Gigante de Ferro, Os Incríveis, Ratatouille), foi o responsável pela direção de Missão Impossível: Protocolo Fantasma.

Como de costume a história se passa em vários lugares do planeta: Budapeste, Moscou, Dubai, Bombaim e Estados Unidos. Diferentemente dos filmes anteriores, a história conseguiu ganhar um fôlego novo com Ethan Hunt (Tom Cruise). O protagonista ficou ausente nos últimos anos e parece esconder algo que marcou sua vida. Parte para missões para esquecer o que lhe incomoda tanto. Aceita qualquer coisa, tanto que desta vez, a escolha da equipe não passou por ele. Jane (Paula Patton) se destaca pela ação, porém acrescenta beleza para as telas. Benji (Simon Pegg) age mais para o lado da tecnologia e quando vai a campo, proporciona a maioria das cenas cômicas.

Todos empenhados em impedir que códigos de ativação de mísseis nucleares cheguem às mãos de pessoas que desejam fazer uma limpeza populacional no planeta. Brandt (Jeremy Renner) se mostra um assistente, entretanto é um agente bem experiente que entra para auxiliar a equipe de Hunt.

Uma das características principais dos longas é mostrar que tudo é possível, mesmo que as situações parecem cada vez mais impossíveis. A cena no maior prédio do mundo é simplesmente sensacional. A altura causa até vertigem para a plateia nas telas IMAX. As sequências aéreas de Ethan sempre foi um atrativo a parte.

MI: IV tem um tom sobrenatural na perseguição em plena tempestade de areia na mesma Dubai. A cena da maleta em um estacionamento com elevadores para carros vale destaque, o vai e vem instiga a cada frame. As músicas de Michael Giacchino enfatizam os suspenses e as partes cheias de explosões, como os filmes do gênero pedem para ser.O longa não cai na ingenuidade da maioria das produções, um mérito dos roteiristas André Nemec e Josh Appelbaum, além claro de Brad Bird. O diretor desempenha bem sua função por sinal, uma prova que ele também consegue lidar com personagens de carne e osso.

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

2012-01-24T22:34:00.001-02:00

No oeste do Texas, na década de 1980, um veterano do Vietnã, Llewelyn Moss (Josh Brolin), está no meio do deserto quando tropeça em alguns corpos em estado de putrefação. Junto com os mortos, encontra uma grande quantidade de heroína e uma mala com dois milhões de dólares.

Uma descoberta que pode melhorar sua vida para melhor ou pior. A partir deste momento, Onde Os Fracos Não Têm Vez não vira um filme de perseguição, é um embate entre o velho e o novo, uma reflexão sobre a moralidade do passado esquecida nos tempos contemporâneos. Essa é uma adaptação do romance homônimo de 2005 do estadunidense Cormac McCarthy. Mais uma produção com direção e roteiro de Ethan e Joel Cohen.

Anton Chigurh (Javier Bardem) é o responsável por ir atrás dessa caçada pelo dinheiro. Entre eles está o xerife Ed Tom (Tommy Lee Jones), um mediador, uma ponte que procura encontrar o caminho dos dois.

O filme pode ser considerado um road movie, não no sentido em que os personagens envolvidos se encontram após passar por várias experiências. Mas, por eles estarem sempre em deslocamento (Walk Movie). Um Western? O público espera ansiosamente pelo duelo final entre Anton e Moss. O silêncio das cenas é quebrado pelo som das esporas.

Apesar dessa última característica, não há uma busca pela colonização do Oeste. Existe um Oeste novo em que o xerife simplesmente não entende. O que é essa toda barbárie? Ele era do tempo em que os homens da lei não usavam armas. Sua perplexidade pela situação supera o seu trabalho de encontrar a dupla. Seu olhar fica sempre em direção ao horizonte, procurando uma direção que parece ter sumido para sempre.

Por mais que Llewelyn Moss tem jeito característico do herói do faroeste, ele é um ser humano errante. Isso já se revela na cena de abertura quando erra o tiro ao disparar contra um veado parado em uma caçada. Já Anton é a encarnação do Mal, da Morte ou até mesmo do Demônio em pessoa. Ele não usa uma arma, utiliza um instrumento de ar comprimido (Aparelho para matar gado) para acabar com a vida de qualquer um que passar pela frente. É uma extensão das sombras, a escuridão é seu habitat. Não é à toa que Carson Wells (Woody Harrelson) o compara com a peste bubônica.

Em sua primeira cena, ele mata um policial ao sufoca-lo com suas algemas e espalhar sangue por todos os lados. O ato é realizado com extremo sangue frio como se estivesse assistindo um programa na TV. Ele toma leite, mas não existe um menor senso de humor. Anton não é um serial killer, sua principal função é “matar tudo que anda ou rasteja”, como diria William Munny (Clint Eastwood) em Os Imperdoáveis.

Pelas rodovias e estradas, os protagonistas não tem um encontro frente a frente, algo que não diminui a intensidade da trama. Talvez, o maior duelo fica por conta do personagem de Javier Bardem e da mulher Carla Jean (Kelly Macdonald). Ela fala que Anton tem que assumir suas responsabilidades, a vida não é decidida pela moeda (Cara ou Coroa). Chigurh tem o dom de dar e tirar a vida das pessoas, isso o desumaniza, seu corpo fica afundado em uma poltrona e o rosto pálido se sobressai. Ninguém reconhece seu sotaque, seus costumes, ele é de lugar nenhum.

Durante a perseguição, Bell escuta as histórias sanguinárias pelas estradas. O que é verdade? São as pistas que ele encontra ou os atos de carnificina que ele ouve? Como diria um dos policiais "You can't stop what's comin" (Você não pode parar o que está vindo). Seria a chegada do demoníaco Anton ou da violência que assola os dias atuais?

O título em inglês No Country For Old Man exprime bem essa ideia de que Bell é um homem que não pertence a esse mundo moderno e fragmentado. Os Cohen deixam de lado seu característico humor negro para dar lugar a um amargo olhar para a sociedade dos dias de hoje.

DAS PÁGINAS PARA AS TELONAS

2012-01-22T11:56:00.001-02:00

Nos últimos meses, as salas de cinema estavam recheadas de adaptações de histórias em quadrinhos. Umas cumpriram sua proposta, outras nem tanto assim. Capitão América: O Primeiro Vingador, Thor e Lanterna Verde estão entre os escolhidos.

Lanterna Verde era uma das maiores apostas da DC Comics e Warner Bros. Eles queriam pegar um personagem não tão popular a nível de Batman e Superman e fazer dinheiro nas bilheterias como foi o caso de Homem de Ferro pela Marvel. Entretanto, o resultado não foi bem assim.

O filme cai no caricato, o protagonista é retratado de forma engraçada o que foge dos padrões dos comics. Talvez, foi uma forma de popularizar a trama. Com isso, Ryan Reynolds dá vida a um Hal Jordan vazio. Ele fica longe do planeta Oa, mal recebe treinamento e doutrinas dos outros guardiões do universo.

A única pessoa que faz com que Hal confie no anel e em si mesmo é Carol Ferris (Blake Lively) uma personagem secundária que não ganha força em nenhuma das cenas. O vilão Paralax é mal resolvido. Dá a impressão que o próprio filme não confia em si mesmo. Uma dos fatores principais para esse resultado é o trabalho do diretor Martin Campbell, que estava mais interessado no dinheiro do que desenvolver uma trama competente. O ponto positivo fica por conta das imagens que ganharam texturas e cores vivas na representação do mundo dos lanternas verdes.

Thor tem uma trama melhor amarrada. A escolha de Anthony Hopkins como Odin dá credibilidade para o longa. O mundo de Asgard é retratado de forma primorosa com seus figurinos, o dourado dos palácios, as luzes. Essa era uma das maiores preocupações do filme, acertar na disposição de um dos universos complexos da Marvel. Não tem como não tirar o chapéu com as cenas de luta com Thor (Chris Hemsworth) e seu martelo Mjolnir.

Apesar de ter acertado na primeira parte, o diretor Kenneth Branagh deixa a desejar quando sai dos momentos de fábulas e vai de encontro com o mundo real. O filme cai com personagens fracos, além dos diálogos desinteressantes, principalmente com a equipe de cientistas que inclui Jane Foster (Natalie Portman). Outro detalhe importante é o constante uso do ângulo holandês.

Já Capitão América: O Primeiro Vingador é o que melhor desempenha sua proposta. Como pano de fundo, o longa tem a Segunda Guerra Mundial, onde um jovem franzino chamado Steve Rogers tenta se alistar, porém seu estado físico se torna um empecilho. O clima lembra os filmes de guerra de Steven Spielberg, característica enfatizada com a trilha sonora composta por John Williams.

A tecnologia de O Curioso Caso de Benjamin Button foi bem escolhida para o ‘Pequeno’ Steve. Todavia, quando ele recebe o supersoro, o destino reserva outro futuro para o protagonista. Stanley Tucci dá carisma ao Dr. Abraham Erskine e Tommy Lee Jones coloca tons cômicos e divertidos com as falas do General Chester Phillip. Chris Evans consegue fugir do tom Tocha Humana dos filmes do Quarteto fantástico.

O Caveira Vermelha é bem desempenhado por Hugo Weaving. O líder da Hidra, parte tecnológica dos nazistas, bem que poderia ganhar cenas com mais ação no embate contra o personagem principal.

Dentre os filmes do gênero, Capitão América: O Primeiro Vingador é o melhor. Conseguiu se destacar e não ficar com cara de apenas ‘filme dos EUA’, principalmente em uma época antiamericana proporcionada pelas guerras no Afeganistão e Iraque.

CREDORES

2012-01-21T02:00:00.001-02:00

Além de 12 Homens e Uma Sentença, o diretor Eduardo Tolentino de Araújo retorna a temporada teatral 2012 com a peça Credores no Viga Espaço Cênico. Essa é mais uma produção do Grupo Tapa, com texto do sueco August Strindberg (1849-1912). O elenco reúne os atores Sergio Mastropasqua, Chris Couto e José Roberto Jardim..

Na trama, a chegada de um desconhecido chamado Adolfo (José Roberto Jardim) em um hotel de veraneio abala o equilíbrio delicado da relação do casal Tekla (Chris Couto) e Gustavo (Sergio Mastropasqua). O encontro evidencia marcas do passo que nunca cicatrizaram. “Essa é uma peça que se aprofunda nos dilemas entre os personagens, que expõem seus conflitos, questão longe de se resolver nos tempos contemporâneos”, diz o diretor.

Essa é a segunda vez que o Grupo Tapa trabalha com as palavras de Strindberg. A primeira ocorreu em 2006 com Camaradagem, onde um casal de pintores vivia um casamento de conveniência que se desequilibrou por causa de uma disputa artística. Em Credores, existe um retorno à discussão sobre a guerra dos sexos com um tom mais aprofundado. Para Tolentino, “Camaradagem tinha um caráter mais sinfônico pela multiplicidade de temas. Já Credores é um texto mais concentrado, forte, uma espécie de cirurgia nessas relações”.

O espetáculo mexe com a ideia de “o inferno são os outros”, uma questão do filósofo francês Jean-Paul Sartre que se fundamenta no reconhecimento da relação com outro. O visual da montagem ganhou um ar escultural com a composição da luz e o corpo dos atores. Anteriormente, Camaradagem também tinha uma aparência focada na arte com o expressionismo.

Credores foi escrito em 1888. Apesar do tempo, a história dialoga bem com a época contemporânea, característica que comprova o lado visionário do dramaturgo sueco. O autor tem peças montadas constantemente no Brasil e no mundo.

“Strindberg é pai do teatro moderno, presenciou momentos importantes como o nascimento da psicanálise de Sigmund Freud, a teoria da relatividade com Albert Einstein, o mundo passava por intensas mudanças. Ele é um autor que sabe tocar em sentimentos profundos da alma”, conta Tolentino.

Sergio Mastropasqua e Chris Couto atuaram juntos no espetáculo Casa/Cabul, do Núcleo Experimental, em 2011. Já o ator José Roberto Jardim integra o grupo Fofos Encenam, com o diretor Newton Moreno.

Uma “jam session” de jazz existencialista é uma metáfora perfeita para os conflitos conjugais de Credores. A encenação de Tolentino já foi encenada em diversos espaços, sempre com um frescor, evidenciando uma nova camada da trama, característica que aproxima o teatro das notas musicais desse gênero americano.

“No jazz, o músico interpreta a música de forma peculiar, nunca executando uma composição exatamente da mesma forma mais de uma vez. A peça tem uma partitura, porém os três atores têm uma liberdade, o que faz cada apresentação ser diferente uma da outra”; finaliza o diretor.

Texto: August Strindberg
Direção e tradução: Eduardo Tolentino de Araújo
Elenco: Chris Couto, Sergio Mastropasqua e José Roberto Jardim
Cenários e figurinos: Lola Tolentino
Iluminação: Nelson Ferreira
Produção: Grupo Tapa

VIGA ESPAÇO CÊNICO
Rua Capote Valente, 1.323 (Próximo ao metrô Sumaré) – São Paulo/SP
Telefone: 3801-1843.
De 12 de janeiro a 19 de fevereiro.
Quintas, Sextas e Sábados às 21h30 e domingos às 20hs.
Ingressos: R$ 40 e meia R$ 20.
Lotação: 74 lugares.
Classificação: 14 anos
Duração: 60 minutos.

ENCONTROS E DESENCONTROS

2012-01-18T01:25:00.001-02:00

Em certos momentos, o cinema nos brinda com uma bela história. Encontros e Desencontros é um exemplo perfeito, um filme de Sophia Coppola feito na medida certa. Apesar dos pôsteres, o filme não é um romance convencional, a trama é focada em dois personagens que se unem através da solidão e melancolia. Um tema também explorado no recente Um lugar Qualquer.

A cidade de Tóquio está cinzenta e sob chuva. O consagrado ator Bob Harris (Bill Murray) está na cidade, veio gravar uma propaganda de Whisky. Mais uma das obrigações que seu contrato pop star demanda. Ele é um peixe fora d’água, a cena do elevador enfatiza ao máximo essa afirmação. Não se encontra, está perdido, o diretor da campanha publicitária dá urros para tentar explicar o que deseja ver. Bob está alheio a tudo isso, não vê a hora de se livrar desse simulacro da realidade, nada lhe traz qualquer tipo de identificação.

Já Charlotte (Scarlett Johansson) parece não ter vontade nem de levantar da cama. Ela faz companhia para seu marido (Giovanni Ribisi), um fotógrafo de celebridades. Na verdade, a maior parte do tempo ela acompanha mesmo é a solidão e o silêncio. Na janela, ela espia um mundo que não lhe pertence.

Ambos não conseguem dormir em função do fuso horário, elas são peças que não se encaixam em um quebra-cabeça. Porém, o destino vazio de ambos se entrelaça no bar de um hotel. É o único momento que os dois encontram algum tipo de identificação em todo o percurso.

Não é o fato de estar em um país totalmente diferente que deixa os personagens totalmente deslocados, a única explicação para isso é a própria vida. A falta de empatia pelo mundo ao seu redor poderia ser sentida em qualquer lugar do planeta. A única coisa que Bob e sua mulher têm para conversar é a cor da tapeçaria de casa. Por ironia, Charlotte foi para o Japão acompanhar seu marido e não ficar sozinha.

O título original é Lost in Translation, uma expressão que representa a parte cultural de palavras ou frases que se perde quando é traduzida para outra língua. Uma metáfora para a dificuldade dos personagens de serem compreendidas na cidade de Tóquio, mesmo nos momentos em que estão na companhia de tradutores.

Encontros e Desencontros é uma história de amor, mas sem romance, um longa que se preocupou em não filmar os momentos cheios de flores da vida. O objeto foi ir atrás das trivialidades, da melancolia, da realidade vazia. Em busca de uma verdade.

Vale destacar a bela trilha sonora!

E A HISTÓRIA ACONTECE…

2012-01-15T15:06:00.001-02:00

Alguns fatos ou pessoas entram para a história por seus méritos em uma determinada área. Lionel Messi é um deles, pois, os números, as estatísticas, os gols, os dribles, os recordes, o Barcelona estão com ele. Apenas com 24 anos, o jogador já é um dos melhores, seu repertório ainda não se esgotou, o que pode levá-lo a se tornar o melhor de todos os tempos."

“…No estádio do Barcelona, fui escoltado pelos Mossos, agentes especiais da polícia catalã, que queriam me levar para ver a partida circundado por um cubo de vidro blindado e que depois, por compaixão, pouparam-me desse novo e grotesco tipo de prisão. Conheci Lionel Messi, atacante argentino do Barça, rapaz que conseguiu refazer, de modo idêntico, o gol mais bonito de Diego Armando Maradona. Tem um rosto de menino que nada diz sobre os sofrimentos por que passou durante anos e anos, sobre as injeções diárias de hormônios que lhe permitiram crescer e tornar-se um campeão, o maior jogador dos nossos dias. Chamam-no de “Pulga” até hoje.

Parecia impossível que, mesmo com todo o seu talento, pudesse impor-se em partidas feitas de jogadas aéreas, de embates físicos entre titãs. Mas o futebol também pode se tornar resistência, uma arte que se encarna em cada centímetro de ossos prolongados, em cada pedaço de carne que cresce ao seu redor. E se eu realmente tivesse de exprimir um desejo, um daqueles impossíveis, gostaria que minhas páginas se parecessem com uma das corridas de Lionel Messi rumo ao gol adversário, veloz, velocíssimo, com a bola colada ao pé, não importando se depois ia conseguir mandá-la para a rede ou passá-la para um companheiro menos marcado. O mais importante não é o gol, mas ir adiante, driblar, fintar, não perder a bola…”

A beleza e o inferno de Roberto Saviano

NA NATUREZA SELVAGEM

2012-01-11T11:00:00.000-02:00

"Há um tal prazer nos bosques inexplorados; Há uma tal beleza na solitária praia; Há uma sociedade que ninguém invade; Perto do mar profundo e da música do seu bramir: Não que ame menos o homem, mas amo mais a Natureza." Com as palavras do poeta britânico Lord Byron, começa a jornada de Christopher McCandless (Emile Hirsch), um jovem recém-formado que se aventura pelos Estados Unidos até chegar ao inóspito Alasca.

Na Natureza Selvagem é um road movie, gênero que faz seus protagonistas encontrar seu próprio caminho, descobrir seu verdadeiro. Chris tem tudo o que uma pessoa no meio capitalista almeja. Formado na faculdade com seus vários “A”, família com uma boa estrutura financeira. Apesar de ele seguir esse modelo, o personagem não se encaixa.

Existe uma vontade de descobrir algo além, viver uma verdade. A partir deste momento, ele sai sem lenço sem documento, rumo ao desconhecido. Seu pôster do clássico Três Homens em Conflito imortalizado no personagem Clint Eastwood demostra sua vontade de ir por marés nunca antes navegados. Vive parafraseando autores como Henry David Thoreau ou Jack London.

“Se admitirmos que a vida pode ser regida pela razão, está destruída a possibilidade da vida”.

“Em vez de amor, dinheiro, fama, equidade, de-mê verdade.”

Cris se torna Alexander Supertramp, nasce para outra vida e abdica as mentiras alimentadas por todos os seus anos de vida. Sua única meta é chegar ao Alasca. Porém até se chegar ao seu destino, muitas pessoas passam por seu caminho e, de uma maneira ou de outra, ele muda algo nelas, trazendo sua sabedoria, isso com seus 22 anos. Seja nos hippies Rainey (Brian Dierker) e Jan (Catherine Keener) ou no solitário veterano de guerra Ron Franz (Hal Holbrook).

A trama é baseada no livro homônimo, escrito pelo jornalista Jon Krakauer. Sean Penn se arrisca na direção e de maneira bem executad, além do próprio roteiro. A fotografia é um dos pontos altos do filme, área que ficou sob a responsabilidade de Eric Gautier (Diários de Motocicleta). Ao mesmo tempo, Eddie Vader criou a bela trilha sonora. O longa também foi uma forma de o ator Emile Hirsch sair do rótulo dos filmes de adolescentes.

Into The Wild poderia ser um filme de superação, entretanto vai a uma direção contrária, é amargo. Quebra os principais cernes inventados pelo capitalismo do século XX.

CLINT SEMPRE ELE!

2012-01-09T11:00:00.000-02:00

O ator e diretor norte-americano Clint Eastwood na capa da revista "M", suplemento do jornal francês "Le Monde". Poucos profissionais estiveram tanto tempo fazendo um trabalho com valor.

Mesmo aos 81 anos de idade, Clint consegue manter sua boa aparência e filmes cada vez melhores. Na última década, a maioria das suas obras continuam acima da média. Pelo jeito, sua produção não tem data para cessar.

“À persona eastwoodiana é preciso, pois, acrescentar esta outra característica: uma capacidade de se metamorfosear no outro país. Eastwood não cessa de se inflar na medida do tamanho da América, tudo o que lhe acontece, acontece também à América. Clint não é mais um homem, não apenas, mas uma terra e um ícone religioso”.

Stéphane Bouquet – Escritor, roteirista e crítico de cinema. Redator da revista francesa Cahiers du cinéma

“Os três diretores americanos mais sofisticados e ativos hoje em dia – sem contar o mundo dos documentários e filmes experimentais – são David Lynch, Martin Scorsese e Clint Eastwood. Dos três, Eastwood é o único cujo trabalho continua se aprofundando: sempre que achamos que Eastwood atingiu o ápice do seu poder expressivo, ele retorna com um novo trabalho – como o extraordinário J. Edgar (2011) – que revela um novo e ainda mais fascinante nível do seu cinema”.

Ricardo Peña – Diretor de Programação da Film Society do Lincoln Center, NY.

UM GÊNIO BRASILEIRO

2012-01-06T22:42:00.001-02:00

Em 2010, frequentei um curso de crítica na Faculdade Cásper Líbero ministrado por Daniel Piza. Sempre admirei seus textos e já na primeira aula com sua simplicidade veio para dizer o seu principal objetivo. Sua intenção era provocar. E como ele provocou. A partir daí, ele foi ponto de partida para conhecer novos autores e livros sobre os mais variados temas.

Há poucos dias terminei de ler Machado de Assis: Um Gênio Brasileiro. Uma biografia desse ícone da literatura nacional. O livro é referência para quem deseja se aprofundar em Machado, que trouxe histórias universais com seus personagens e dilemas. O texto mescla a vida do escritor com sua obra, algo que – por muitas vezes – se tornavam uma coisa só.

“... Podia ficar três dias sem pôr os pés fora de casa. Quando o fazia, mostrava uma triste figura, como viu o adolescente Alceu Amoroso Lima, futuro crítico literário, então seu vizinho do Cosme Velho: “Nem sombra do sol, nesse vale sinuoso e úmido, à hora em que Machado, incuravelmente ferido pela morte da companheira, descia de sua casinha deserta, sozinho, sombrio, com a bengala às costas entre as mãos cruzadas, a barba inculta e rala, o olhar baixo, arrasando consigo uma longa tristeza”.

Seu único deleite, além de jogar paciência com baralho e de receber mensagens de estima dos amigos, era a leitura de autores como Schopenhauer e Renan, duas de suas maiores influências intelectuais (...).

Machado leu também por empréstimo de Mário de Alencar, um romance de George Meredith, O Egoísta, sobre a solidão de um velho aristocrata vaidoso que rejeitara todas as mulheres por não julgá-las à sua altura.

E releu uma biografia de Flaubert e registrou: “Achei a mesma solidão e tristeza e até o mesmo mal, como sabe, o outro...” Flaubert também sofria de epilepsia” .

Semana passada, como a maioria, fui pego de surpresa pela morte repentina desse jornalista e escritor. Piza era um profissional que ia além, um contraste do jornalismo marasmo dos tempos atuais. Sua propriedade para falar sobre qualquer assunto era um dos seus maiores trunfos, a prova podia ser vista semanalmente na Coluna “Boleiros” sobre futebol e “Sinopse” sobre cultura, ambas no jornal O Estado de S. Paulo. Ou até mesmo em seu blog, livros e até nas suas participações na Rádio Estadão/ESPM.

Era um profissional completo, que teve uma ascensão rápida, o que levou a ser considerado um dos melhores de sua geração. Nem Roberto DaMatta e Veríssimo deixaram de mostrar o pesar dessa perda em suas últimas colunas. Ficam as memórias, os aforismos, as palavras, a provocação de um gênio brasileiro... Uma lágrima. Muito obrigado Piza.

CLINT: IMPLACÁVEL PT: 3 (Fim)

2012-01-02T13:52:00.001-02:00

Os personagens de Clint Eastwood são um autorretrato de seus papeis no passado, o que faz a obra desse cineasta dialogar com todos os âmbitos temporais, seja no passado, presente ou futuro.

Em Gran Torino (2008), última atuação desse ícone, o ator dá vida a Walt Kowalski. Um homem amargurado que vive dando seus urros quando uma situação lhe desagrada (Praticamente todas). É o último moralista que ainda cultiva resquícios daquela geração americana do pós-guerra. A bandeira dos EUA não poderia faltar pendurada em sua varanda. Sempre ao seu lado na hora de tomar uma cerveja gelada na cadeira sossegado.

O personagem vive em uma Detroit decadente, vítima da crise econômica e a violência crescente. Seu único refúgio é a própria solidão e melancolia. Defensor de uma moral que não se encontra mais em vigor. Seu bairro está creio de imigrantes orientais, pessoas que ele matou na Guerra da Coreia. Seu carro Gran Torino – lustrado cuidadosamente – é símbolo de uma geração de ouro da Ford. Hoje, ele não aguenta ver carros Honda e Nissan pilotados pelos próprios filhos.

Esse é o lado clássico de Clint Eastwood que tenta sobreviver e ser passado adiante. Seus filmes não deixam de retratar o mundo contemporâneo ao mesmo tempo. O cinema é uma forma de visualizar a vida.

Walt sempre quando ia entrar em ação dava uma cusparada para o lado. Ato que era repetido diversas vezes por seu personagem Josey Wales — O Fora da Lei (1976). Esse é mais um de seus heróis míticos, como nos filmes de Sergio Leone. Ele se revolta contra um país inteiro sozinho. Na trama, o protagonista é um pacífico fazendeiro, vê sua família ser brutalmente morta em um incêndio de sua fazenda, depois de um ataque de um bando pró-União do Kansas, os Jayhawkers ou Redlegs, liderados por James H. Lane.

Abandonado pelos assassinos que o deram como morto, Josey consegue se recuperar, mas fica com uma cicatriz no rosto, devido ao golpe de espada desferido por um dos bandoleiros chamado Terrel. Mesmo com o fim da Guerra de Secessão, ele continua com o plano de se vingar dos soldados que causaram sua ruína. É um amadurecimento de Clint como diretor, deixa o lado do western spaghetti de lado, mostra os horrores da Guerra Civil Americana, uma época que a Guerra do Vietnã era questionada pelo próprio povo americano.

Em ambos os filmes, o homem eastwoodiano forma uma sociedade para si, apesar do lado durão, demostra um lado sensível, aliás, um cachorro sempre fica ao seu lado.

No final de Gran Torino, tudo indicaria que Clint resolveria os dilemas com uma gangue local como nos tempos áureos do Western (Vide o Pistoleiro Sem Nome acabando com três de uma vez em Por Uns Dólares A Mais logo no inicio do filme). Ou quem sabe evocar o lado justiceiro de Dirty Harry que também o marcou tanto. Todavia, o que acontece é o oposto, o tempo é outro.

A reflexão entre o homem e seu tempo está em Dívida de Sangue (2002). Terry McCaleb (Clint Eastwood) é um respeitado agente do FBI que se aposenta após sofrer um ataque cardíaco no meio de uma perseguição a um assassino. O longa tem uma reviravolta no final, além de relembrar o velho Clint em uma ação.

O passado é um tormento para Frankie Dunn em Menina de Ouro (2004). Apesar da personagem de Hilary Swank – Maggie – tomar a dianteira, é no papel de Eastwood que se encontra os maiores conflitos, a amargura está no seu semblante. O que esse homem fez para sua própria filha não responder nenhuma de suas cartas? Ele nunca consegue encarar seu parceiro Scrap (Morgan Freeman) por este ter perdido o olho em uma luta em que ele estava como técnico? A academia que todos passam a maior parte do tempo vive às escuras, como se aprisionasse expectros de uma vida anterior.

O que esse homem fez de tão errado que o faz ir à igreja todos os dias? Frank não segue os conceitos pré-fabricados, suas decisões se baseiam na vivência e no peso de todas essas dores que se apoiam em suas costas. Com esse raciocínio, ele coloca o ponto final no sofrimento da pequena Maggie, uma garota que ele tinha adotado como filha, o que fez diminuir de leve a dor de seu passado.

O fim é amargo, Frank desaparece, assim como os personagens fantasmagóricos de Clint no faroeste. Ou até mesmo, como John Wayne enquadrado em uma porta em Rastros de Ódio.

(Fim)

CLINT: IMPLACÁVEL PT: 2

2011-12-30T15:03:00.001-02:00

Antes de ganhar notoriedade com a carreira de diretor, Clint Eastwood se consagrou com atuações em filmes de Sergio Leone, mais precisamente na Trilogia dos Dólares. Solitário, um homem de poucas palavras e sempre com um cigarro no canto de boca, essas características marcaram seus personagens no western spaghetti e em outros trabalhos do futuro.

Por um punhado de dólares (1964), Por uns dólares a mais (1965), e Três Homens em Conflito (1966) foram um verdadeiro sucesso em terras italianas e norte-americanas, em especial o último, que fez Eastwood se tornar famoso mundialmente.

Em Por uns dólares a mais, Clint é um cavaleiro solitário que se beneficia com a briga de duas famílias em um pequeno vilarejo. Astúcia e o humor bem desenvolvido e a pontaria certeira deixam a trama no ponto certo para a degustação do expectador. O duelo final com Ramón é sensacional, Eastwood se revela um pistoleiro cheio de surpresas e imbatível com o dedo no gatilho.

Por uns dólares a mais traz todos os ingredientes que consagraram o primeiro longa. Clint continua sem dizer seu nome e coloca a rivalidade de lado com o Coronel Douglas Mortimer (Lee Van Cleef) para ir atrás de El Índio (Gian Maria Volonté). Além dos elementos cômicos, o longa esconde um lado dramático de um dos personagens, algo que vai além da recompensa e tem haver com vingança.

O duelo final fica por conta de El Índio e o Coronel. Clint finciona como o mediador ao instalar uma certa ética na disputa e desfrutar de camarote quem dispara primeiro após a última nota de uma melodia de uma caixinha de música (Um relógio com foto). Um enquadramento fantástico.

Épico é a palavra exata que resume Três Homens em Conflito. Nos primeiros 10 minutos nenhum som sai da boca dos personagens, apenas os gestos carregados de sentidos preenchem a tela. Os dilemas ficam por conta de The Good (Clint Eastwood), The Bad (Lee Van Cleef) e The Ugly (Eli Wallach) e se passa na época da Guerra Civil Americana.

O roteiro é cheio de reviravoltas na busca dos personagens por um tesouro escondido. Tuco (The Ugly) é responsável pela maioria das cenas engraçadas e, claro, das trapaças. Vale ressaltar a trilha sonora de Ennio Morricone que deixa a história com tom operístico, até o zunido das balas tem um ar musical. A chegada de Tuco ao cemitério (local do esconderijo do tesouro) com The Ecstasy of Golden é emblemática.

A disputa final traz um duelo a três, um triângulo fenomenal no enquadramento cuidadoso e o olhar de Sergio Leone. As armas não são os personagens principais, as caras e bocas dos pistoleiros marcam esse efusivo embate.

Esses westerns vão em direção contrária as produções de John Ford, Anthony Mann, Howard Hawks, entre outros. As produções exaltam o mito do faroeste, o crepúsculo do Oeste. Mesmo na época em que o gênero estava no ápice, o tempo das diligências e as esporas desses cowboys já faziam parte do passado.A afirmação fica mais evidente com Os Imperdoáveis (1992). Na época do lançamento, o western já estava extinto dos cinemas. Foi tratado como o retorno do estilo, porém é o verdadeiro sepulcro, é uma produção que fala sobre o tempo carregado de amarguras do passado.

Para o garoto Schofield Kid (Jaimz Woolvett) ficaram as histórias cheias de duelos e matanças protagonizadas por ícones como William Munny (Eastwood). Este não é mais aquele pistoleiro com pose impenetrável, na verdade cria porcos, cai na lama, tirar a vida de alguém não é tão “legal”. “Matar um homem é algo infernal. Você tira tudo que ele tem e tudo que ele poderia vir a ter um dia”. Só restaram epopeias que são alimentadas por escritores como W.W. Beauchamp (Saul Rubinek). Não existe mais os duelos épicos, um homem pode ser morto até quando estiver na privada, o glamour acabou. Ned Logan (Morgan Freeman) compactua com esta visão, enxerga além do que as novas gerações podem ver.No final, William Munny evoca todo seu poder que ultrapassa os limites mundanos, surge em meio à chuva para fazer o que melhor sabe: “Já matei mulheres e crianças. Já matei tudo que anda e rasteja e estou aqui para matar você Little Bill pelo que fez com Ned”. Como se viesse do mundo dos mortos para dar vida a lenda que todos cultuam…

(Continua...)

CLINT: O IMPLACÁVEL

2011-12-29T17:01:00.001-02:00

Definitivamente, o Brasil entrou na rota de grandes mostras. John Ford, Alfred Hitchcock, David Cronenberg, Vincent Minelli, Nicholas Ray foram alguns nomes que tiveram suas obras apresentadas em película como deve ser feito. Agora é a vez de Clint Eastwood Clássico e Implacável. Uma chance de ver e rever a obra desse estimado cineasta. Em seu cinema, não existe apenas um homem com uma arma na mão disposto a fazer justiça a qualquer custo. Seus filmes têm um lado sensível e abrem reflexões sobre o tempo e a vida, uma filmografia pluralista.

Sua primeira investida na direção é Perversa Paixão (Play Mist For Me) de 1971. Na trama, Dave (Clint Eastwood) é um locutor sedutor que perdeu a namorada (Donna Mills) por causa de suas traições. Na cidade de Carmel, ele vive sua rotina de passeios noturnos pelo circuito de bares e cantadas picantes dirigidas às ouvintes que escutam as cinco horas diárias de seu programa.

Quando ele sai com Evelyn (Jessica Walter), uma de suas fãs, um caso - que parecia apenas mais um de sua longa lista - acaba virando uma história de pura obsessão e loucura. Dave se encontra com uma mulher que está disposta a tudo para ficar com ele. No filme, Clint começa a investir para criar sua própria linguagem. Durante as cenas são mostradas influências claras de Hitchcock. Suspense, close-ups em olhares para enfatizar tensão são algumas de suas artimanhas.

No fim, Eastwood mostra seu punho de aço que o consagrou em diversos personagens. De certa forma, o diretor já coloca uma de suas paixões na trama. O jazz é inserido em um evento frequentado pelos protagonistas.

Em suas ultimas produções, Clint fez questão de compor as próprias trilhas sonoras. A boa música sempre teve espaço em seus longas.

Vale destacar A Última Canção (1982) e Bird (1988).

Em A Última Canção, Clint vive Red Stovall, um apaixonado pela música e whisky que decide correr atrás de seu maior sonho: tornar-se um grande cantor country.

A história se passa no período pós Grande Depressão, onde o protagonista tenta ganhar a vida com sua música, contra a maré e contra sua doença (tuberculose) cada vez mais crescente.

O personagem é vulnerável, um dos poucos que o durão incorporou na sua longa vida na sétima arte.

Bird é a cinebiografia e tributo ao saxofonista Charlie Parker. O músico é símbolo do jazz, uma das maiores influências do gênero e ganhou a interpretação de Forest Whitaker. Cada cena se preocupou em encontrar o lado certo do virtuosismo e das notas desse ícone musical. Ao mesmo tempo, faz um relato dramático de uma época que o jazz custava “pegar” no gosto do público, além do protagonista enfrentar o caminho das drogas e da bebida. Além da paixão musical, os longas também se destacam pelo tom melancólico.

Clint Eastwood até solta a voz no longa.

Eastwood é um admirador declarado do estilo, o que gerou uma participação em dos episódios do documentário Piano Blues de Martin Scorsese.

Grandes temas históricos também fazem parte de sua partitura, A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jima (2006) são exemplos recentes desta afirmação. O diretor trouxe dois olhares para um mesmo conflito entre americanos e japoneses.

O primeiro revela o que está por trás daquele heroísmo vendido após a Segunda Guerra Mundial. A perda de amigos em combate, a distância da família e o esquecimento no pós-guerra são os motes principais que deixam de lado o nacionalismo exagerado de outras produções do mesmo gênero. O segundo é uma homenagem aos japoneses que sempre mantiveram a coragem e enfrentaram os mesmos dilemas e tempos difíceis dos marines.

(Continua...)

SOBRE MENINOS E LOBOS

2011-12-26T15:13:00.001-02:00

Nas obras de Clint Eastwood, o passado sempre vem bater na porta de seus personagens. Sobre Meninos E Lobos não poderia ficar de fora dessa característica, além de se revelar uma visão melancólica do mundo.

Na trama, três grandes amigos de infância - Jimmy Markum (Sean Penn), Dave Boyle (Tim Robbins) e Sean Devine (Kevin Bacon) – estavam brincando como de costume em uma das ruas do subúrbio de Boston. Todavia, eles são interrompidos de forma repentina, são enganados, Dave entra em um carro para sofrer uma experiência traumática envolvendo sequestro e estupro.

Apesar do retorno do garoto para casa, a vida deles nunca mais foi a mesma. 25 anos depois, o destino dos três se cruza novamente. Mais uma tragédia aparece no caminho, a filha de Jimmy – Katie - é brutalmente assassinada.

Os personagens nunca mais tiveram a amizade da época da infância, apenas se cumprimentavam de forma habitual como manda o script. Jimmy chegou a ser preso e tem um comportamento estourado; Sean não superou a separação da mulher; já Dave seguiu em frente, porém seus demônios nunca o abandonaram completamente.

A história se entrelaça quando o personagem de Tim Robbins se torna o suposto assassino de Kate; Sean e seu parceiro Sargento Whitey Powers (Laurence Fishburne) são os responsáveis pela investigação.

O mundo do personagem de Sean Penn desaba ao saber da notícia, um golpe que se espalha através de seu grito de desespero. Dave Boyle é um vampiro, como ele diz, continua vivo, mas está morto. O Dave que todos conheciam morreu no esconderijo escuro e sombrio de seus molestadores.De alguma forma, todos entraram no carro naquela manhã de 1975, suas vidas mudaram e se desintegraram. Eles não se sentem a vontade um com o outro, o cinza da cidade reflete atmosfera vivida entre os “amigos”. Esse reencontro não tem nada de saudosista, é amargo.

Nem mesmo o Mystic River é capaz de lavar essas feridas do passado. O final traz um desfile cheio de cores, talvez seja a parte mais colorida do filme, contudo a dor é onipresente, como os próprios nomes dos garotos eternizados no cimento da calçada.

ÁGUA

2011-11-19T01:22:00.001-02:00

Mergulhado em três toneladas de água, dentro de um cilindro de acrílico transparente de 3 metros de comprimento por 110 cm de diâmetro (o acquabox), João Paulo Lorenzon interpreta seu quarto monólogo. Traçando uma linha tênue entre o fim de uma paixão e a sensação de afogamento, o espetáculo Água está no Espaço Parahaus, no Alto de Pinheiros. A direção é do próprio ator, com a colaboração da co-diretora Karim da Hora.

Ora se debatendo na turbulência das águas, ora flutuando em sua suavidade, o personagem interpreta 20 pequenas histórias - textos de sua autoria mesclados a fragmentos literários de Umberto Eco, Péter Esterházy, Vinícius de Moraes, Garcia Lorca, Paul Celan, Sándor Marai, William Blake, entre outros. Assim, desenvolve uma espécie de balé, coreografia com movimentos delicados e bruscos.

Para criar o conceito do espetáculo, João Paulo se inspirou na própria vida. Ele sofreu três afogamentos, um na infância e dois quando era mais jovem. “O estado de afogamento e o fim de um relacionamento são situações diferentes, todavia estão bem próximos. Sonhamos tanto e imaginamos ser felizes; entretanto, após o final de um romance, é como se a água nos inundasse, saímos exaustos, sem fôlego ou mesmo aliviados.”

A trama não é fechada, propõe uma multiplicidade de leituras. A água funciona como outro personagem - pode simbolizar o lado feminino com sua delicadeza, o tempo como se fosse uma ampulheta, a representação do fim ou uma purificação a cada mergulho.

A co-diretora Karim da Hora é a responsável por dar um olhar especial ao espetáculo. “Essa é uma parceria que dura 9 anos, pois fui aluna de teatro do Lorenzon. A peça tem uma pluralidade, os mergulhos funcionam como uma dança e a música se casa com cada movimento.”Acquabox – espaço inusitadoNão é de hoje que Água está na mente do ator. O espetáculo vem se desenhando desde sua interpretação em De Verdade , onde um homem contava seus fracassos amorosos. Nessa montagem, ele já queria usar um aquário, contudo esbarrava na dificuldade de encontrar o recipiente certo. O projeto do novo espetáculo se concretizou a partir do encontro de João com o artista plástico italiano Maurizio Mancioli, proprietário da galeria de arte Espaço Parahaus, onde está instalado o acquabox.

Não existe um desperdício de água em função da arte, pois esse “aquário humano” tem um sistema de drenagem que garante a renovação do líquido, um conceito de sustentabilidade. Mancioli mora no Brasil há 18 anos e informou que, antes da concepção do espetáculo, o dispositivo era usado para performances subaquáticas.

Sobre os monólogos de João PauloÁgua é o quarto monólogo da carreira de João Paulo Lorenzon. O ator já estrelou Memória do Mundo (2008); O Funâmbulo (2009) e De Verdade (2010). “Não foi algo planejado, simplesmente aconteceu.”

Memória do Mundo era inspirado em Jorge Luis Borges e tinha direção de Élcio Nogueira. “Para falar desse escritor argentino tinha que ser um monólogo, só na solidão é possível falar de um homem diante do infinito, de um labirinto.”

Já O Funâmbulo - de Jean Genet, direção de Joaquim Goulart - retratava a vida de um equilibrista, o ator foi até a França para conseguir os direitos do espetáculo. “Em função da peça tive até que aprender andar no fio de aço, uma ótima experiência.” Com De Verdade, João Paulo Lorenzon já era acompanhado pelos versos de Sándor Márai e pela direção de Antonio Januzelli. A montagem mostrava um homem que falava de seus fracassos amorosos.

Em 2011, ele esteve ao lado de Helô Cintra no espetáculo Decifra-te ou Me Devora, com direção de Elias Andreato. “Monólogos não são mais trabalhosos do que um espetáculo convencional, pois toda obra que é bonita é desafiadora, seja no coletivo ou sozinho”, enfatiza o autor.

Exposição
Antes da sessão do espetáculo, quem quiser pode conferir uma exposição com curadoria de Jurandy Valença e Maurizio Mancioli, criador da cenografia de Água, e proprietário do espaço onde funciona a galeria. Trata-se de uma mostra de arte contemporânea que reúne fotografias, pinturas, desenhos, gravuras, esculturas, objetos, instalações, vídeo-arte, performances e teatro. A primeira exibição da mostra ocorreu paralela à Bienal de São Paulo em 2010.

“E se não tivéssemos sido amantes, você não teria fugido da cidade, do convívio comigo, do lugar de sua falta, como fazem as fugitivas, mas teria ficado aqui, me enganado e traído, como todas as pessoas, o que me teria feito mal, mas teria sido menos grave do que tudo o que fez justamente por sermos amantes. E agora devo dizer algo que fui percebendo aos poucos, algo que custei a crer e que inclusive procurei negar a mim mesmo: ainda hoje e apesar de tudo, nós dois somos amantes.”

PARA ROTEIRO:

ÁGUA – Sábado, às 19h30 no Espaço Parahaus. Rua Caminha de Amorim, 532 – Alto de Pinheiros. Telefone: 8974-7869 Temporada de 12 de novembro a 4 de dezembro. Sextas às 21h, sábados e domingos às 19h30. Ingressos: R$ 20,00 e meia R$ 10,00. Vendas também pelo site: www.clubtickets.com.br. Lotação: 30 lugares. Duração: 40 minutos.

FICHA TÉCNICA:
De João Paulo Lorenzon. Direção: João Paulo Lorenzon. Co-direção: Karim da Hora. Realização e Direção de Produção: Fernanda Bianco. Preparação do ator: Janô – Antônio Januzelli. Cenografia e iluminação: Maurizio Mancioli Fotografia: Juliana P. Neumann, Karim da Hora e Maurizio Mancioli.

FAUSTO: DE MURNAU À SOKUROV

2011-11-15T13:06:00.001-02:00

Um dos nomes mais aguardos da Mostra Internacional de Cinema, Fausto causou expectativa e filas para os cinéfilos que não queriam perder a oportunidade de conferir a obra que faturou o Leão de Ouro no Festival de Veneza.

Fausto é o protagonista de uma popular lenda alemã de um pacto com o demônio, baseada no alquimista alemão Dr. Johannes Georg Faust (1480-1540). A obra de Goethe é símbolo cultural da modernidade, um poema de proporções épicas que relata a tragédia de um homem da ciência que, desiludido com o conhecimento de seu tempo, faz um pacto com o demônio Mefistófeles, que o enche com desejos mundanos.

Na versão de Murnau de 1926, o diretor traz um aspecto de pintura nas tomadas. A cena em que Gretchen está desolada nas ruas envolta da neve que cobre a cidade é um exemplo perfeito, o cineasta sempre procurava extrair belas imagens.

Na trama, Fausto está cansado de ver a onda crescente da peste negra, Mefistófeles dá ao personagem de volta sua juventude, fazendo com que ele aspire ao desejo das mulheres novamente. A pura Gretchen é a que mais desperta seus anseios. O longa é uma verdadeira batalha entre o lado divino e o demoníaco, luz e trevas, bem e mal, características que estão inseridas em qualquer ser humano.Já a leitura de Sokurov começa com uma tremenda imagem aérea, o belo também é uma questão importante do cineasta russo. A Gretchen ganha um verdadeiro aspecto angelical ao ser observada pelo personagem título interpretado por Johannes Zeiler. Fausto é um pensador especialista em várias ciências que briga com impulsos de cobiça e luxúria.

O Mefistófeles - de 2011 – é vivido por Anton Adasinsky. Uma criatura que tem o dom palavra, uma solução nefasta para qualquer dilema. Um ser deformado, adora ambientes sujos e com ares sexuais. Além da retórica, está sempre pronto para dar um “cutucão” na Igreja ao tentar virar um benfeitor de uma delas ou escolher o ambiente religioso para evacuar. Um arquiteto que planeja apenas construir um caminho que leve em direção ao aprisionamento da alma de Fausto.O diretor fecha uma quadrilogia do poder que também envolvem Adolf Hitler em Moloch (1999), Lenin em Taurus (2000), Hirohito em O Sol (2005). Fausto se mostra uma obra atemporal ao abordar temas pertencentes a natureza humana desde os tempos mais primórdios. Não é à toa que a história tem ganhado os palcos e os cinemas de forma acentuada. Sokurov não superou Murnau, ambos fizerem duas adaptações bem elaboradas sobre o mesmo assunto.

PASMACEIRA FUTEBOLÍSTICA

2011-11-13T14:35:00.001-02:00

O Campeonato Brasileiro 2011 é um dos mais disputados de todos os tempos. Errado. Apesar de boa parte de a mídia focar nesse raciocínio, o verdadeiro sentimento existente é o péssimo nível que a competição tem enfrentado nos últimos anos. Jogos de puro marasmo. Fraco e sonolento são os adjetivos que sintetizam boa parte das rodadas.

Podem dizer que aqui não é igual a Espanha onde apenas dois times podem ser campeões (Barcelona e Real Madrid). Pois, no Brasil vários times têm chances de se consagrar.

A verdade é que no país tupiniquim, a maioria está no nível de pasmaceira futebolística, portanto não é tão surpreendente ver o lanterna vencer o líder. América MG e Corinthians protagonizaram um dos piores jogos do campeonato. Aliás, o a equipe do Parque São Jorge permaneceu em mais de 66% do Brasileirão na ponta. O fato só ocorreu por causa da falta de competência dos outros adversários.

Daniel Piza, como sempre, conseguiu ver o que a maioria não quis enxergar com o post “Lanterna na Proa”:

Continuo com a TV ligada, zapeando canais e programas esportivos, e, na rádio e nos jornais dos dias seguintes, escuto e leio sobre a partida. Aos poucos as conversas convergem: se o líder perdeu para o lanterna, é porque “futebol não tem lógica” e, sempre em tom de orgulho mal disfarçado, “o campeonato brasileiro é o mais disputado do mundo”, mesmo que falte um grande time e o nível técnico não seja dos melhores. Mais sono.

A derrota do Corinthians não pode ser tomada especificamente como prova de que o futebol é imprevisível. Aliás, ter lógica não significa ser previsível – e que essa confusão permaneça no esporte mais querido do povo brasileiro não deixa de mostrar as deficiências da nossa cultura e educação. O confronto não atentou contra a lógica, mas contra o prazer.O Brasil não é o país do futebol há anos, nunca foi exatamente, pois grandes ídolos se destacam nos campeonatos no exterior, que são mais organizados e tem um maior requinte. Existem raras exceções. A emoção proporcionada pelos derbis regionais ficaram de fora, futebol perdeu a paixão e virou uma máquina caça níquel.

O fato fica ainda pior quando o esporte é comandado por uma máfia chamada CBF. Ricardo Teixeira não poupou palavras de podridão para mostrar seu poder com uma entrevista feita para a Revista Piauí.

Ao falar da Confederação ou da Seleção, Teixeira emprega a metonímia “eu”: “Eu tive que pagar”, ou “Eu tenho 120 milhões em caixa”, ou “Eu tinha que ganhar aquela Copa”, ou “Eu não queria abrir a Copa da Alemanha”.

Perguntei se Teixeira precisava dele para se eleger. “Claro que não, burro é uma coisa que ele não é”, respondeu Havelange. “Se a senhora um dia tivesse que definir a malandragem, no bom sentido, claro, ela se chamaria Ricardo Teixeira.”

Enquanto o avião decolava, tirou os sapatos, esticou as pernas sobre um banquinho de couro creme e fez o sinal da cruz. As luzes da cidade tinham ficado para trás quando rompeu o silêncio: “Em 2014, posso fazer a maldade que for. A maldade mais elástica, mais impensável, mais maquiavélica. Não dar credencial, proibir acesso, mudar horário de jogo. E sabe o que vai acontecer? Nada. Sabe por quê? Porque eu saio em 2015. E aí, acabou.”

Esses trechos exprimem o Coronelismo que manda e desmanda em nosso futebol e tem planos ambiciosos de dominar a FIFA. Que venha a próxima rodada!

DO BRASIL À GRÉCIA

2011-11-10T21:06:00.001-02:00

Um dos maiores objetivos da Mostra Internacional de Cinema é descobrir novos filmes, ampliar repertório e abrir novos horizontes. Com essa linha de pensamento, foi a vez de assistir O Homem que Não Dormia (Brasil) e Attenberg (Grécia).

O longa brasileiro conta com a direção de Edgard Navarro. A história se passa no interior da Bahia e mostra os tormentos de cinco personagens diante de um mesmo pesadelo em um vilarejo no qual é perpetuada a lenda de um tesouro deixado por um "barão desencarnado", cuja maldição é nunca dormir.

A cena inicial traz um mosaico de imagens que revela uma miscelânea de sonhos. O que no início e uma virtude prejudica a obra com o decorrer do tempo. Realidade e fantasia se confundem, não há uma distinção no que é fato ou ilusão. Tramas e subtramas prejudicam a unidade da narração.

Apesar disso, O Homem que Não Dormia em seus méritos como alguns personagens icônicos como o “Pra Frente Brasil”. Um andarilho que anda a esmo e sai do sério quando houve as palavras “Pra Frente Brasil”. O personagem ficou traumatizado com essa frase, pois foi torturado injustamente na época da ditadura militar e esse trecho era repetido exaustivamente em função da Copa do Mundo de 1970. E o que dizer de um padre que sempre consulta uma mãe de santo? O filme é uma verdadeira afronta ao circuito dominado pelos blockbusters americanos ou os filmes-novela brasileiros.

Já Attenberg tem a direção de Athina Rachel Tsangari. Na trama, Marina, 23 anos, mora com seu pai arquiteto em uma típica cidade industrial da Grécia. Achando a espécie humana estranha e repulsiva, ela mantém-se distante de outras pessoas. Ela observa os outros através das músicas do grupo de rock Suicide, das lições de educação sexual que recebe de sua única amiga (Bella) e dos documentários sobre mamíferos de David Attenborough (Naturalista britânico conhecido por sua carreira em programas sobre história natural).

A protagonista é uma mistura de ingenuidade e sedução, drama e comedia. O longa propõe mais interpretações do que se fecha em somente uma história. A solidão é persistente até mesmo quando ela se encontra acompanhada, branco e vazio ganham força principalmente nas cenas de Marina.

Uma resposta para toda essa fragmentação de sentido seria a crise atual vivida pela Grécia, uma época onde existem mais perguntas do que respostas. Essa é a regra primordial de Attenberg.