La raddrizzaquadri - Blog di pittura, cultura e incontri d’arte

Mostra presso LO Gallery di Bergamo

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Tue, 26 Apr 2016 11:18:00 +0000

Adiacente alla Piazzetta Santo Spirito, dove vi e' una chiesa trecentesca, una fra le più interessanti di Bergamo, in un vicolo storico della città che porta dritto a "Città Alta", si trova un piccolo gioiello che è la LO Gallery del gruppo Flyer Art di Roma di Floriano Massera.

La curatrice della galleria è Laura Orlandini, donna minuta alimentata da un fuoco e da una passione decennale per l'arte e la creatività. Artista a sua volta, con esperienze interessantissime fatte all'estero,

il suo accogliere gli artisti e' come un caldo abbraccio. Lo senti che rispetta il lavoro, la struggente spinta che porta alla creatività, quella passione per la quale non si è mai soddisfatti, quel'impeto di rabbia che ti fa sfasciare tutto e quella modesta pazienza con la quale si raccolgono i cocci e si ritorna a creare, consci di non sapere quasi nulla ma avidi di esprimere quello che si ha dentro.

Qui ho esposto i miei quadri e qui ho trovato molti amici, molta grazia e molto impegno.

Grazie davvero e un arrivederci a presto.

I miei dipinti

Entrata della LO Gallery

I miei dipinti

Tiziana Zini

Molta gente interessata

Flyer Atr Gallery - Roma

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Thu, 31 Mar 2016 08:16:00 +0000

Roma e' sempre Roma.
Roma Capitale, Roma Caput Mundi, Roma culla della civiltà.
Non ci sono abbastanza parole per descrivere il suo splendore e la sua grandezza e l'offerta grandiosa di arte e cultura che il visitatore trova a sua disposizione in qualsiasi quartiere della città, in qualsivoglia viuzza o nascosto anfratto.
Per questo Roma è una meta davvero ambita per un artista e per la sua visibilità.

Essere quindi parte di questa nuova avventura proposta dalla Flyer Art Gallery e in particolare dal suo indomito e indomabile fondatore, Floriano Massera, giovane uomo dalle idee ben chiare e dall'ingegno arguto, mi riempie di gioia oltre che di grandi aspettative.

La mostra, oltre ad accogliere le mie opere, le mie Geisha, apre le porte a valenti artisti emergenti e non, tutti selezionati dal curatore e proprietario della galleria, Floriano Massera, che ha davvero una grande passione per l'arte. Il suo obbiettivo è quello di dare voce a nuove idee e a nuovi artisti, che con lui sono sicuri di essere davvero tutelati e supportati in tutte le fasi della preparazione ed apertura della mostra. Il mio ringraziamento quindi va in primis a colui che mi ha proposta per questa mostra e a tutti gli amici nuovi incontrati per l'occasione. Grazie a tutti.

Daniela Ravasio - La Bellezza del Rigore- Il Rigore della Bellezza

Qui con Tiziana Zini, Floriano Massera e Paolo Signore

Tiziana Zini e i suoi dipinti

Le donne di Tiziana Zini

Opere di Paolo Signore

Altri dipinti della mostra

Io e Paolo davanti ai miei dipinti

Io e Paolo davanti alle sue opere

Altri dipinti

XXII Rassegna del Botticino DOC

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Mon, 21 Sep 2015 11:38:00 +0000

Si è svolta ieri, come ogni anno a Botticino, la XXII Rassegna del Botticino DOC, un meraviglioso vino dal colore nelle varianti del rosso rubino e dal gusto gradevolmente intenso, reso nobile dai fertili terreni della Valverde e dalla meticolosa cura di generazioni di viticoltori.

Anche quest'anno, come l'anno scorso qui ho avuto il privilegio e l'onore di essere chiamata ad esporre le mie opere per le quattro cantine consociate di Musatti Valentino, Pierino Franzoni, Bonzi Luciano e Casali Claudio che mi hanno accolta con immutata simpatia e affetto.

Nonostante il tempo atmosferico non fosse a nostro favore, la giornata ha visto la presenza di molte persone che potevano visitare, oltre alle cantine succitate, anche le Aziende Agricole di Benedetto Tognazzi, Scarpari Felice e Emilio Franzoni accompagnati nel percorso da un simpaticissimo trenino che ha reso il tutto molto divertente.
Quest'anno ci sono salita anch'io su quel trenino, cosa che non ero riuscita a fare l'anno passato, e quello che ho visto è stato davvero interessante ed istruttivo.

Ci si è fermati nelle varie Aziende Agricole ed ognuna di esse ci ha regalato ottime degustazioni di cibo e vino e dettagliate spiegazioni sulla produzione di questo illustre protagonista della nostra tavola.Il tour è stato divertente e mi ha fatto capire quanta fatica, quanta cura, rigorose selezioni, scelte controcorrente e costante perfezionamento delle tecnologie ci sia dietro il sorriso e la soddisfazione di queste famiglie che con orgoglio ci raccontavano il loro amore per la terra e per i loro vigneti.

Il lavoro ben fatto e la consapevolezza di averlo fatto sono stati l'ingrediente principale di questa giornata. Il gusto della qualità, quella vera, fatto di esperienza storica, secolare, fatto di botti antiche, di uomini forti che si prendono cura di piccole pianticelle e le sostengono, le curano, le proteggono contro le pazzie del tempo.Un lavoro di ricerca, di crescita, di continuo impegno, di incertezze, di sconfitte, di grandi soddisfazioni e di rispetto per la vita. Non e' forse con tutte queste cose che si cresce bene un figlio? Il vino e' loro figlio e questi viticultori, lasciatemelo dire, sono genitori perfetti.
Grazie a tutti per l'esperienza di vita.

International Contemporary Art by Giorgio Grasso

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Mon, 18 May 2015 10:51:00 +0000

Il 2 Maggio a Trezzo d'Adda (Milano) si e' svolta l'inaugurazione di uno degli eventi piu' importanti di questo periodo, collegato ad Expo 2015, che si protrarrà fino al 31 Ottobre.
Sto parlando della rassegna internazionale : International Contemporary Art organizzata da Giorgio Grasso, studioso e critico d'arte, uno dei nomi piu' rinomati del panorama della critica d'arte italiana.

L'invito a partecipare a questo evento cosi' importante mi e' stato rivolto direttamente da Giorgio Grasso tramite un valente pittore, Gaetano Salerno, che nella sua infinita generosità mi ha presentata indirettamente al grande critico presentandogli alcune mie opere.
Io ero reduce da un'altra mostra presso la Galleria Farini qui e non avevo nemmeno pensato di poter partecipare ad un evento di tale prestigio, ma un giorno il mio smartphone ha suonato e distrattamente ho risposto. Dall'altra parte del filo c'era Giorgio Grasso che mi dimostrava il suo apprezzamento per le mie opere e che mi invitava all'evento.
La mia sorpresa fu grande quanto la gioia che in quel momento sentivo e, ammutolita dall'imbarazzo, rispondevo a monosillabi a quel critico così famoso che mi faceva domande, sollecitava la mia partecipazione, mi chiedeva informazioni e tempi di consegna mentre dentro di me l'unica cosa che pensavo era che ora io esistevo per lui, aveva il mio numero di telefono, mi aveva contattata....allora da quel piccolo angolino pieno di barattoli e di pennelli nel quale per anni avevo sudato, pianto e gioito davanti alla tela era uscito qualcosa di buono!!!

Una volta ripresa dallo stupore e dalla sorpresa, il resto è stato tutto in discesa.
Ho trovato una persona intelligente, attenta ed appassionata del suo lavoro, sempre presente, disponibile e personalmente coinvolta in ogni decisione, seppur piccola riguardante l'organizzazione dell'evento.
Ho trovato uno staff meraviglioso che lo segue e lo stima perché si mette sempre in prima linea e non delega responsabilità e decisioni ma le affronta in prima persona, discutendone anche e soprattutto con gli artisti.
Io esporrò dal 2 al 31 Luglio nella meravigliosa cornice della Centrale Idroelettrica Taccani appunto a Trezzo d'Adda, una cornice naturale che non può far altro che essere un valore aggiunto ad un evento che ormai viene descritto come il più visitato di questo periodo.

L'ebrezza del contemporaneo

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Mon, 23 Mar 2015 10:21:00 +0000

La Galleria Farini ha inaugurato il 21 Marzo 2015 la mostra intitolata

"L'ebrezza del contemporaneo" presso la prestigiosa sede di Palazzo Fantuzzi a Bologna.

Una moltitudine di persone ha partecipato a questo evento internazionale curato dalla titolare della Galleria Grazia Galdenzi e dal Direttore artistico Roberto Dudine.

L'evento e' stato presentato da uno degli esponenti piu' in vista del panorama della critica d'arte, il Prof.

Claudio Spadoni che con grande maestria ha intrattenuto gli ospiti regalando una grande lezione di storia dell'arte, che ha avuto il merito di introdurre in modo esaustivo il tema dell'arte contemporanea e la sua ragione di esistere e di degnamente rappresentare insieme passato e presente.

Ho avuto l'onore di esporre con artisti di grande spessore come ad esempio: Antonio Proietti, Maria Grazia Avoni, Ivan Cangelosi, Ornella De Rosa, Antonio Laglia, Rosy Mantovani, Gabriele Marchesi,Stefano Piali e Gene Pompa per citarne solo alcuni.

E' stato un evento significativo nel quale ho potuto confrontarmi con artisti di gran lunga piu' validi di me e credo che sia stato importante per valutare le mie capacita', per capire i miei limiti, per ampliare le mie possibilita' ma soprattutto per rendermi conto di quanta bellezza, quanta passione e quanto talento ci sia ancora da scoprire.

L'opera con la quale ho partecipato si intitola: "Il rigore della bellezza"

Quest'opera in realta' fa parte di un bittico il cui titolo è : la bellezza del rigore - il rigore della bellezza

Eccovi entrambe le opere come sono state studiate per essere esposte insieme a formare un unica linea grafica.

Ora ecco una carrellata di foro dell'evento a palazzo Fantuzzi.

Grande affluenza di pubblico

Il Prof. Spadoni Presenta il Vernissage

Io e Ornella De Rosa vicino alle sue opere

Stefano Piali

Maria Grazia Avoni

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Il Botticino DOC incontra l'arte

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Tue, 09 Sep 2014 09:12:00 +0000

Si e’ tenuta domenica 7 Settembre 2014 a Botticino Mattina (Brescia) la XXI Rassegna del Botticino DOC, eccezionale prodotto della viticultura bresciana.
Un divertente trenino urbano ha portato per tutta la giornata gli ospiti nelle cantine piu’ rinomate della zona per una visita e degustazione.

Le tappe erano: presso il comune di Botticino, in un antico palazzo si trovavano le cantine di Casali Claudio, Franzoni Pierino, Musatti Valentino e Bonzi Luciano con le quali ho avuto l'onore e il piacere di esporre

Cantina Franzoni Pierino

Mira Busi proprietaria della cantina Bonzi Luciano

Degustazione vini della cantina Valentino Musatti

Il percorso proseguiva poi con :Cantina Scarpari Felice, Azienda Agricola Emilio Franzoni e Azienda Agricola Tognazzi Benedetto.

Ad ogni tappa erano molte le attivita’ organizzate. Da esposizioni di macchine e moto d’epoca, a mostre di piccoli attrezzi agricoli, visita a vigneti e cantine esposizioni di scultori e pittori.
Io ho avuto il grande piacere di esporre presso il Comune di Botticino insieme a quattro produttori di grande talento e simpatia.
Ho cosi’ potuto conoscere una realtà di lavoro e passione che assomiglia molto all’ ispirazione che muove la creazione artistica.
Il connubio e’ stato un successo. Fatica, passione, lavoro, ricerca, tecnica e curiosita’ sono gli ingredienti per creare un’opera d’arte e questo vino ne è la prova.

Ecco la mia esposizione:

Un po’ di storia:

“ Il suo vino è molto sottile e chiaro, e convenevolmente potente……….e magra e mezzolana terra e montuosa, ed in quella meglio che in altra fruttifica, se strettamente si poti, imperocché lunghi tralci con l’uve nutrir non può”.

Così veniva descritta l’uva schiava nel trattato sull’agricoltura redatto nel XIV secolo da Pier dé Crescenzi, attento conoscitore delle coltivazioni viticole nel territorio bresciano riferendosi a terre “cum vineis sclavis” circondati da viti allevate a filari e quindi costrette nel loro sviluppo, contrapponendosi alla cultura classica delle viti selvatiche e lasciate libere nella loro crescita.

Ma testimonianze della presenza di ottimi vini nel territorio della Valverde, sito alle porte di Brescia a nord del Monte Maddalena che scende per S. Gallo, Botticino Sera e Mattina verso Rezzato da un lato e Caionvico dall’altro ce ne sono fin da tempi più remoti tanto da poter comparare la viticoltura della zona a quella minoica.

Il piu' grande agronomo bresciano, Agostino Gallo nel suo trattato " Dieci giornate della vera Agricoltura e piaceri della villa "(Brescia 1564) scriveva del vino di questa meravigliosa zona collinare :

"Per più ragioni è da apprezzare grandemente questo benedetto liquore; perciocchè (come dicono i sapienti) egli ha gran convenienza con la natura umana; attesochè essendo bevuto con misura, conforta il calor naturale, chirifica il sangue torbido, apre tutti i meati del corpo, leva ogni opilazione del fegato, e le tenebrose fumosita' del cuore, generative di ogni tristezza,dimostrando la sua gran virtù non pure nelle membre dè corpi nostri, ma eziandio nell'anima, facendola stare allegra, acciocchè sia maggiormente capace d'investigare le cose sottili e difficili."

Oggi il Botticino DOC vive un’eccellenza lentamente ottenuta attraverso la passione dei viticoltori che costantemente migliorano e affinano i loro prodotti, tanto da essere apprezzati in tutto il territorio nazionale. E’ un vino che conserva i sapori di una terra fertile, lavorata con passione e rispetto per la tradizione, pazientemente invecchiato alla ricerca di quel gusto strutturato ma elegante profumato e fresco che caratterizza da sempre questo vino profumato e intenso, ottenuto da una miscela di nobili vini in precise quantità quali Schiava gentile, Barbera, Marzemino e Sangiovese.

Ringrazio il consorzio tutela Botticino DOC che ha creato un opuscolo di grande interesse sul vino e la sua storia, dal quale ho attinto le notizie riportate e ringrazio Valentino, Daniela, Pietro e Pierino per avermi accolto in modo cosi’ caloroso e il mio maestro Davide Bignami al quale va tutta la mia gratitudine per avermi dato questa opportunita’.

MUSEI MAZZUCCHELLI - Mostra "Armonie dell'Arte"

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Mon, 07 Jul 2014 11:21:00 +0000

L’Associazione Rezzato Arte Cultura di cui faccio parte, ha avuto il grande onore di esporre nelle prestigiose sale di Villa Mazzucchelli in occasione di cinque importanti concerti. Qui il link.

La Villa-Museo Mazzucchelli con sede a Ciliverghe di Mazzano in una posizione strategica tra Brescia e il Lago di Garda è monumento nazionale ed è legata alla figura di Federico Mazzucchelli (Brescia, 1671- 1746) e del figlio Giammaria (Brescia, 1707-1765), noto letterato del ‘700, che l’acquistarono e la ristrutturarono preservandone la maestosità.

La Fondazione Giacomini Meo Fiorot, che oggi si occupa degli eventi culturali, organizza spettacoli di grande pregio durante tutto il corso dell’anno. In Villa si possono ammirare stabilmente la collezione del Museo della Moda e del Costume, che ha origine nelle ricerche e nei viaggi di Franca Meo, costituita da circa 6.000 pezzi cronologicamente databili dalla metà del Settecento fino alla nascita dell’Alta moda nel Novecento, un nucleo di abiti etnici del XIX e XX secolo e il museo del vino e del cavatappi con pezzi che risalgono al XVII e XVII secolo.

Le meravigliose sale della Villa ci hanno accolto con tutta la loro storia e il loro valore artistico dando ulteriore risalto alle nostre opere. Mi accompagnavano la pittrice Tiziana Zini e lo scultore Ilario Mutti.

Eccovi un a galleria delle opere he ho esposto ed alcune immagini degli artisti che hanno esposto con me.

Arte in casa Sberna

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Tue, 03 Jun 2014 12:46:00 +0000

Si e' conclusa ieri la mostra intitolata "Arte in Casa Sberna" organizzata dall'associazione culturale Rezzato Arte e Cultura e con il Patrocinio del Comune di Rezzato.

La mostra ha avuto la fortuna di essere esposta in una location prestigiosa, Villa Sberna , vero e proprio gioiello di architettura e di pittura settecentesca.
I proprietari hanno aperto le loro porte ad artisti emergenti e non, individuando il rapporto fondamentale fra passato e presente nell'arte e mettendo a confronto stili e tecniche diversissimi.

Le maestose pareti affrescate erano protagoniste allo stesso modo degli artisti espositori e la contrapposizione fra passato e presente rendeva l'atmosfera ancora più suggestiva.
Ho esposto alcune opere delle quali potete vedere alcuni scatti.
Per me è stato un onore partecipare e ringrazio la Famiglia Sberna per l'opportunità ch ci ha concesso.

Silente Perfezione

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Wed, 08 Jan 2014 10:52:00 +0000

Il momento della contemplazione nella tradizione estetica giapponese è ammirazione del divino, immanente in ogni essere presente in natura, e l’attimo fuggevole ed effimero della fruizione della bellezza trasmette gioia e benessere all’uomo che, solo per un momento, viene ad essere in sintonia con l’universo di cui è parte.

I valori etici ed estetici quindi si fondono con la religione Buddista e la filosofia Zen amplificando concetti come il continuo allenamento e l’ostinata ripetizione, alla ricerca di quella stessa perfezione che l’uomo può ritrovare solamente in natura.

La bellezza è nell’equilibrio di sentimento e tecnica, la bellezza è pulita, essenziale, la bellezza è silenzio che porta alla concentrazione, alla meditazione, alla consapevolezza di sé.

Da queste considerazioni, del tutto congeniali con la filosofia che sottende le mie opere, ho voluto reinterpretare le famose disposizioni di fiori giapponesi Ikebana in forma grafica.

Sono composizioni semplici, serene, che sottendono alle regole ritmiche delle strutture architettoniche, equilibrio e armonica distribuzione degli elementi scevri da infrastrutture che potrebbero danneggiarne la purezza e la linearità, pazientemente costruite nell’assoluto silenzio della moderazione e della modestia.

Un omaggio alle multiformi espressioni della natura dal titolo Silente Perfezione.

Silenti non solo perché rientrano nella categoria delle nature morte (in inglese Still Life, letteralmente Natura Silente) ma anche perché frutto di un lavoro di concentrazione nel silenzio alla ricerca dell’equilibrio fra razionalità e sentimento, fra spazio e forma, esaltazione della linea e del ritmo: un’ unione seppur per un attimo effimero fra terreno e divino che le rende perfette.

Piccole notizie sull’Ikebana.

E l’arte giapponese della disposizione dei fiori recisi, anticamente conosciuta come Kadō (華道 o 花道).E un'arte molto antica che ha le sue origini in Oriente ma solo nel complesso artistico e religioso del Giappone ha trovato il terreno fertile per il suo sviluppo trasformandosi, da iniziale offerta agli dei, in una multiforme espressione artistica. Le sue origini risalgono al VI secolo d.C.

In origine l'arte dei fiori era praticata solamente dai nobili e dai monaci buddhisti, che rappresentavano le classi elevate del Giappone, e solo molto più tardi si diffuse in tutti i ceti diventando popolare con il nome di Ikebana. Il primo stile, piuttosto elaborato, fu il Rikka che comprendeva la presenza nella composizione di ben sette elementi: i tre rami principali e i quattro secondari. In seguito venne elaborato uno stile più semplice, il Nageire. In epoca moderna ogni scuola adottò un proprio stile personale e si cominciarono ad usare anche vasi bassi dal bordo poco elevato ed elementi di contorno come sassi, rami secchi ed altri materiali naturali.L’ikebana nasce dall’osservazione della natura ed evita lo scadimento stilistico con lo studio costante delle forme, la conquista della tecnica e il continuo perfezionamento dei mezzi interiori e manuali. Nulla sfugge a questo continuo controllo e forme e materiali si amalgamano in vicendevole scambio di equilibri razionali e armonicamente logici.

Alla base della costruzione, qualunque sia la forma dell’ikebana, troviamo il triangolo. Triangolo che raffigura il cosmo, simbolo della montagna e del fuoco se ha il vertice in alto, della caverna e dell’acqua se ha il vertice in basso e anche simbolo delle fasi della vita, passato presente e futuro, nascita maturità e morte. Come queste forze si devono armonizzare per formare l’universo, così i rami si devono equilibrare nello spazio senza sforzo apparente. Questa l’essenza dell’ikebana: completezza conchiusa e potenzialità dinamica.

Quando l'arte si dipinge di rosa

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Mon, 24 Jun 2013 23:06:00 +0000

Si è conclusa brillantemente la mostra intitolata "Pittura in Rosa" che ha chiuso i battenti ieri, 14 Luglio, dopo dieci giorni di esposizione e un notevole afflusso di pubblico.
Doverosi sono alcuni ringraziamenti da parte mia prima di tutto al gruppo "Donne in Arte" di Tiziana Zini e Romana Romeo che mi hanno dato la possibilità di esporre in una location cosi' suggestiva in stretta collaborazione con la Sig.ra Letizia del Comune di Soiano, organizzatrice attenta e professionale di eventi di livello, animata da una passione contagiosa e al critico Simone Fappanni che con lucidità e grande passione ha dato lustro ad ogni artista descrivendone le peculiarità in modo compiuto ed esaustivo.
E' stato interessante partecipare ad una mostra di sole donne, così diverse fra loro e tutte con un mondo interiore da scoprire attraverso le opere esposte.
Fra le mie prigioni di linee dritte e la ricerca di una via di fuga da esse, attraverso esperienze più pittoriche sperimentate per l'occasione, mi sono insinuata e incrociata con i loro pensieri e ne ho colto la ricchezza e la complessità.

Mi sono così imbattuta nella calda sensualità delle donne di Tiziana Zini, nella pittura naif e sognante di Romana Romeo, nell'esplosione passionale delle nature morte di Mariagrazia Conforti e nella modernità dei dipinti di Daniela Braga, seducenti e accattivanti.
Un posto a parte meritano l'illustratrice Luisa Valenti con le sue incisioni e tavole illustrate di grande eleganza ed originalità e le composizioni di carta di Mara Pasini che hanno decorato e abbellito l'esposizione, lavori di grande pazienza, intuitività e raffinatezza.

Daniela Ravasio

L'incontro e' stato fonte di confronti proficui e mi ha dato il modo di interrogarmi sul cammino intrapreso, sondarne le motivazioni, accertarne i confini e ampliarne le possibilità. A mostra finita infatti, chiudendo le porte e spegnendo le luci, la sensazione non era quella di qualcosa di concluso, di terminato, un'esperienza da archiviare fra le tante vissute nelle vite di tutte noi, piuttosto la consapevolezza di essere ormai legate da un'emozione così intensa che, insieme o separatamente avrebbe donato altri frutti.
Eccovi alcuni scatti delle mie opere e di seguito quelle delle pittrici e delle altre artiste in esposizione.

Daniela Ravasio

Tiziana Zini

Romana Romeo

Daniela Braga

Mariagrazia Conforti

Luisa Valenti

Mara Pasini

Davide Bignami. Un (per)corso inaspettato.

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 19 May 2013 09:30:00 +0000

Sabato 10 Maggio presso “Spazio Arte Duina”,qui il link, ha avuto luogo la mostra finale dei corsisti del “Corso di disegno e pittura dal vero” tenuto dall'artista Davide Bignami, corso o meglio (per)corso che ho avuto la fortuna di seguire per circa quattro mesi.

Si, perché lavorare con Davide Bignami è stato un viaggio, un’esperienza vissuta con gli occhi della curiosità, dell’osservazione, della pazienza e del rispetto verso gli oggetti che ogni volta ci prestavamo a rappresentare.
Proprio come il viaggiatore che, entrando in un paese sconosciuto, vi si addentra in punta di piedi, con il garbo di chi sa di essere straniero in casa d’altri, con la voglia di capire piuttosto che l’arroganza di sapere o giudicare e con la saggezza di colui che continua ad arricchirsi delle cose infinitamente piccole, così Davide, nostra guida in questo itinerario, ci ha regalato la sua esperienza di valente docente introducendoci a varie tecniche di disegno e pittoriche, ma il suo messaggio è andato ben oltre il mero insegnamento ed è risultato essere molto più illuminante di quanto noi stessi potessimo mai sperare.

Ed ecco le mie due opere :

Davide ti scava dentro.
Senza troppe parole, spesso inutili, ti spinge con un solo sguardo a cercare qualcosa. Qualcosa che va al di là dell’abilità manuale, al di là di quello che si percepisce con il solo guardare, qualcosa che ti appare chiaro solo nel momento in cui ti lasci andare, liberi la mente dalle infrastrutture del quotidiano e ti lasci trasportare da ciò che sgorga liberamente da chi sei veramente.
Può partire tutto da un’idea, da un errore, da un gesto pittorico venuto apparentemente male, da una paura, da un dolore, ma è proprio quella la causa scatenante, la conditio sine qua non che ti porta a tua volta a porti interrogativi che mai avresti pensato di avere dentro di te e che ti faranno diventare protagonista di ciò che attivamente produrrai.

Per Davide, qui il link alla sua nuova avventura in ApeCamper, il viaggio, il cammino in ogni senso, sia inteso come prendere i bagagli e partire piuttosto che intensamente percorrere gli infiniti antri del nostro animo o del nostro cervello, credo sia il fondamentale modo di approcciarsi alle cose e alla vita e il fatto che sia lui stesso a mettersi sempre in gioco con continue esperienze e arricchimenti, dimostra quanto sia importante e vero quanto ci abbia generosamente trasmesso.

Davide Bignami e Carlo Duina

Lo trovo un artista geniale e mi permetto di farvi conoscere un’intervista rilasciata in occasione dell’uscita del libro “Bondville” di Barbara Gussoni ,sulla cui copertina è riprodotta un’ opera di Davide Bignami e nella quale viene espressa in modo compiuto la sua filosofia d’artista e di vita oltre a poter ammirare molte sue opere. Qui il link.

Grazie Davide! Vola verso il tuo nuovo viaggio accompagnato dalla nostra stima e dal nostro affetto.!

Ecco una carrellata delle opere degli altri corsisti.

Alice Corti

Barbara Caldera

Barbara Sandri

Anna Conforti

Erika Finardi

Elisa Napoli

Domenico Zappia

Giovanni Masuno

Barbara Sandri

Mara Tonolini

Rossella Frigerio

Maria Simona Gabriela

Damiano Bruni

Thomas Maffezzoni

Emanuela Stagnoli

Samurai

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 14 Apr 2013 10:23:00 +0000

I giapponesi sono un popolo bellicoso, un popolo di guerrieri, la cui storia è costellata di guerre di ogni tipo, tatticamente ben strutturate e organizzate, nelle quali emerge una costante: il valore del singolo, la pura dedizione del Samurai.
Il termine Samurai deriva dal verbo saburau, che significa servire o tenersi a lato, letteralmente “colui che serve”, o più propriamente da Bushi, laddove bu significa marziale e shi è l’insieme di due segni che rappresentano la conoscenza.

I Samurai, nel Giappone feudale, erano guerrieri nobili che, oltre alle arti marziali connesse alla loro professione, praticavano arti Zen e coltivavano la propria preparazione culturale e personale.
Ebbero il loro massimo splendore fra il periodo Heian e il periodo Muromachi quindi essenzialmente tra l’anno mille la fine del cinquecento ma già durante il periodo Edo (1600-1866) iniziarono a perdere la loro funzione di guerrieri e vennero relegati al compito di burocrati al servizio dello Shogun o di un Daimyo (signorotto feudale). Taluni fra loro venivano chiamati solo per le cerimonie ufficiali e la loro spada veniva esibita non per il combattimento ma per scopi dimostrativi o per sottolineare l’appartenenza alla loro casta.
Molti Samurai vennero successivamente abbandonati dai loro Daimyo o perchè il Daimyo era morto o perché ne avevano perso il favore e la fiducia. Allora venivano appellati con il nome di Ronin che letteralmente significa “uomo onda” ma che aveva in sé un significato dispregiativo nel senso di uomo che vaga senza uno scopo.

Con il rinnovamento Meiji (1867), la classe dei Samurai fu definitivamente abolita in favore di un esercito nazionale, tuttavia le loro leggende, le loro grandiose imprese e i loro principi morali e di comportamento, sopravvivono ancora oggi nella società giapponese moderna come esempi di rettitudine morale e di grande senso del dovere.

I Samurai seguivano un preciso codice d'onore, chiamato Bushido (via del guerriero).

La più famosa opera che lo sintetizza è l'Hagakure di Yamamoto Tsunetomo. L'Hagakure è un libro nel quale si prendono in considerazioni le caratteristiche principali di un Samurai perfetto, sia in battaglia sia come esempio di vita.

L'amore per la Patria, l’assoluto asservimento al Sovrano Dio in terra, il disprezzo della morte, vissuta come una certezza se non addirittura un dovere in certi casi, hanno fatto della figura del Samurai giapponese, qualcosa di veramente raro nella storia dell'umanità.

Nel Bushido, le regole di comportamento sono regole molto dure e la disciplina imposta è ferrea soprattutto in guerra. Tuttavia ciò che colpisce è l’aspetto cavalleresco del Samurai che lotta con tutto sé stesso per difendere la patria e il suo imperatore ma non si accanisce mai sul nemico con crudeltà gratuita, semmai con la consapevolezza che il nemico che cade in battaglia merita onore.
Il concetto della vita nel Bushido è strettamente legato all’ incedere e al susseguirsi delle stagioni. La vita deve seguire le leggi universali e immutabili della natura senza mai contaminarle senza mai forzarle a proprio vantaggio ma integrandosi ad esse in armonica ascesi.

Il guerriero cercherà la propria perfezione in tutto ciò che sia in armonioso equilibrio con la sua mente e con il suo corpo, aborrendo, con fermezza d’animo, passioni e corruzioni corporali e spirituali, vivendo una vita di obbedienza e di fede nel suo cammino verso una morte gloriosa, supremo gesto di eroismo a compimento di una vita d’onore.
E’ evidente, in questo tipo di comportamento l’influenza delle dottrine Zen nelle quali il Samurai trovava gli insegnamenti che gli erano necessari per raggiungere l’illuminazione spirituale ma, attraverso la meditazione e la concentrazione, la possibilità di sviluppare anche le proprie potenzialità fisiche utili in battaglia.

Attraverso la respirazione addominale e gli esercizi respiratori centrati sul ventre (Hara), l’individuo si integrava perfettamente con la natura dentro e fuori di sé e poteva sviluppare le sue abilità di percezione, velocità e prontezza.

La filosofia Zen preparava così il Samurai alla piena consapevolezza della potenza del proprio corpo e della mente e, attraverso particolari tecniche di concentrazione arrivare al cosiddetto “vuoto mentale”, stato ideale per intraprendere in modo lucido e privo di condizionamenti qualsiasi azione.

Seppuku

Per il samurai il suicidio era il modo più onorevole di morire per sua precisa scelta.
Il Seppuku, più conosciuto come Hara-Kiri (Hara= ventre) veniva considerato manifestazione di padronanza assoluta del proprio destino e di estremo coraggio.
Poteva essere compiuto per vari motivi, ad esempio dopo una sconfitta per evitare di cadere in mano nemica, dopo un disonore, per imposizione di una qualche autorità come gesto di obbedienza o per protesta.
Il gesto estremo veniva preparato con cura e recidersi il ventre (Hara), che era il centro dell’essere, significava uccidere tutto dell’individuo, sia la sua parte corporea sia quella spirituale. La filosofia Zen mette sullo stesso piano la vita e la morte. C’è vita se c’è morte e viceversa quindi entrambe sono solo uno stato transitorio e il vero guerriero non ha paura di vivere come non ha paura di morire.

Sakura

Cio’ che rappresenta meglio la purezza, la lealtà, l’onestà e il coraggio del Samurai è il fiore di ciliegio, Sakura.

Fin dal periodo Heian (794-1185) in primavera, i Giapponesi festeggiano l’Hanami (guardare i fiori), una ricorrenza nella quale si guardano i fiori mentre cadono e vengono sollevati e portati via dal vento prima di cadere sulla fredda terra. Un momento malinconico che ricorda la caducità della vita ma allo stesso tempo di riflessione che porta alla consapevolezza che per ogni vita destinata a finire ce n’è un’altra pronta a rinnovarsi.

Come il fiore di ciliegio, delicato e fragile, nel pieno della sua fioritura cade e muore, così il Samurai è pronto a lasciare la propria vita in battaglia in nome dei principi in cui crede.

Inaugurazione ArteDonna 2013

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 17 Mar 2013 16:43:00 +0000

Emanuela Fera

Sabato 9 Marzo, alle ore 17.00 presso Tuttolibri si e’ inaugurata la rassegna ArteDonna 2013 che resterà aperta al pubblico fino al 11 aprile.
Questo evento che si è svolto con il patrocinio del Comune di San Zeno Naviglio, la perfetta organizzazione del critico d’arte e scrittore Simone Fappanni e dell’associazione Donne in Arte, ha visto la partecipazione di molte artiste valenti ed è stato impreziosito dalla presenza di quattro poetesse che ci hanno fatto sorridere e riflettere con le loro parole intense.

Gli aforismi pungenti di Daniela Bonomi, la passione per il mare di Simonetta Fantoni,e poi la grazia di Vanna Cicognini e la determinazione di Francesca Fedele, hanno reso omaggio a tutte le sfaccettature dell’animo femminile, la fragilità e la forza, i turbamenti e le gioie, le cadute e le rinascite di ogni giorno.

Quello che si respirava era un universo al femminile e i partecipanti, immersi in opere e parole di donne, erano circondati da colori ed emozioni che avevano la morbidezza di un caldo e rassicurante abbraccio, quello che solo le donne che amano sanno donare.
La serata è stata di grande interesse.
Il Dott.Fappanni ha dato spazio a tutte le artiste singolarmente, descrivendone qualità e tecniche pittoriche e tracciando le linee principali del loro percorso artistico attraverso una sapiente esposizione che ha messo in risalto le caratteristiche peculiari di ognuna.
La varietà di stili e di temi ha reso la rassegna ancora più accattivante.
Ogni opera esposta era un mondo che si apriva, una sensibilità che voleva uscire, un bisogno di espressione che pretendeva di emergere, un dolore che aveva bisogno di essere lenito, una goccia d’amore che chiedeva di essere donata.

L’opera con la quale ho partecipato alla rassegna si intitola “Silente Perfezione – Inverno” e fa parte di un progetto di quattro tele rappresentanti le quattro stagioni che vuole essere un omaggio alla grande arte giapponese dell’Ikebana.

Daniela Ravasio

La tradizione estetica giapponese è volta alla ricerca di un perfetto equilibrio fra natura e religione.

Per i Giapponesi tutto può trasformarsi in arte: dal preparare il tè, a collocare fiori in un vaso, fino all'estremo sacrificio della propria vita, ma per fare ciò ci si deve imporre una ferrea disciplina .
La bellezza è nell'equilibrio di forme e spazi, la bellezza non ha bisogno di infrastrutture, la bellezza è essenza, è silenzio, quel silenzio che porta alla concentrazione, alla meditazione, alla consapevolezza di sé.

Tuttavia il termine ”silente” in queste opere non rappresenta solo il silenzio in quanto stato ideale del creare, ma ha in se’ anche l’accezione di “Still”, di Still Life in inglese e quindi colloca le medesime nella categoria delle nature morte, ferme, immortalate nell'attimo inesorabilmente statiche ma proprio per questo perfette e immutabili nel tempo.

Durante la serata ho avuto il piacere di intrattenermi con Tiziana Zini e conoscere Romana Romeo e Daniela Braga, validissime artiste e persone squisite, e ho avuto l’onore di essere presentata a due artisti di grande spessore e fama come Rifat Koray Goran e Simo Nygren, qui e qui alcune loro opere.
Un grazie di cuore a tutti!

Tiziana Zini

Romana Romeo

Gabriella Stringhini

Serenella Bellini

Roberta Galvani

Daniela Braga

Mariangela Carnevali

Daniela Cilurzo

Nadia Tognazzo

Il gruppo delle artiste

Romana , Tiziana e Daniela

Romana , Tiziana , Simone e Daniela

Tiziana , Romana e Rifat Koray Goran

Rifat , Romana e Simone Fappanni

Romana e Simo Nygren

Rassegna d’arte contemporanea ArteDonna2013

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Tue, 26 Feb 2013 15:32:00 +0000

Grazie a Tiziana Zini, valente artista e ritrattista, fondatrice del gruppo “Donne in Arte” insieme a Romana Romeo e proprietaria del negozio/galleria di belle arti “Un angolo d’Arte” in Corso Garibaldi a Lonato del Garda (Brescia), qui dove contattarla e al Dott. Simone Fappanni, critico d’arte, scrittore e poeta di chiara fama, qui il suo sito dove si raccolgono pagine interessantissime su tecniche artistiche, nuovi linguaggi creativi oltre ad eventi di pregio, ho potuto partecipare a questa rassegna che si terra’ dal 9 marzo al 11 aprile 2013.

Ringrazio Tiziana che mi ha proposta e ringrazio Simone che mi ha accettata.

Questioni di Stile

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 24 Feb 2013 15:48:00 +0000

Dopo la nostra prima collaborazione nella mostra “Partita Doppia”, qui, io e Lorena (Bastianoni), estremamente galvanizzate dal successo che avevamo riscosso, pur consapevoli che si trattava di un evento circoscritto, sentivamo dentro una specie di strana e inspiegabile ansia creativa che ci faceva incontrare e discutere per ore di progetti futuri e di arte.
Fu proprio durante quelle serate davanti a fumanti tazze di caffè e a troppi dolcetti che nacque l’idea di “Questioni di stile”.

Nelle nostre elucubrazioni avevamo spesso preso in considerazione il fatto di essere così diverse nell’interpretare l’arte e mettendo le nostre due sensibilità a confronto, fra tradizione e modernità, era logico ed estremamente lineare che il nostro disquisire ci portasse inevitabilmente a parlare di stile.

Ma cos’è lo stile?
Lo stile puo’ essere una tendenza artistica o letteraria che scaturisce da un particolare momento della storia oppure semplicemente un modo di porsi, di vestire, di muoversi, di vivere. Le due componenti si influenzano vicendevolmente e il macrostile di un particolare periodo storico viene accettato o osteggiato da una serie di microstili che danno origine a nuove correnti stilistiche che a loro volta influenzano il gusto comune.
Molti stili continueranno ad esistere e ad estendere la propria influenza, alcuni saranno semplicemente considerati delle mode passeggere e molti altri convivranno e si evolveranno.

Mentre Lorena, più tradizionale, portava le sue argomentazioni di stampo classico per spiegarmi il motivo delle sue scelte pittoriche, la sottoscritta, assolutamente innamorata di arte contemporanea sbocconcellava biscotti e concetti filosofici su avanguardie e correnti ideologiche del nostro ultimo secolo.
Poi, come se l’una avesse intuito quello che l’altra aveva pensato, io e Lorena ci guardammo e sorridemmo e, all’unisono, dicemmo: “Ma si, al di là di tutto è una questione di stile”.
Era il nostro titolo. Cambiammo solo una vocale.

Lo stile che doveva animare il nostro progetto pittorico partiva dalla consapevolezza della nostra diversita’, non solo come espressione formale o tendenza artistica, ma come soggetto portatore di qualita’ precise che assumevanono un significato intrinseco e particolare, in grado di determinare i valori morali, ideologici e culturali di ognuna di noi e della nostra evoluzione personale.

La “questione dello stile” diventava cosi’ parte integrante dell’ essere noi stesse e condizione necessaria della creazione artistica che si manifestava nei nostri linguaggi pittorici decisamente diversi fra loro.
“Questioni di stile” doveva essere un viaggio alla scoperta di valori, sensazioni e stati d’animo che avrebbe messo a nudo la nostra sensibilita’ estetica, la nostra anima e la nostra grande passione per l’arte.
Così nacque il progetto al quale poi si aggiunse Milena Noventa con i suoi squarci di natura.

Daniela Ravasio

Lorena Bastianoni

Milena Noventa

Mes Africains

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 10 Feb 2013 12:13:00 +0000

Il Giappone è dritto, l’Africa è curva

Il titolo di questo post, tratto da un articolo del collezionista d’arte francese Jean Pigozzi e trovato per caso poco tempo fa in rete, qui l’originale, nemmeno a farlo apposta, riassume esattamente quella che è stata la linea pittorica che ha mosso la mia ispirazione.
Chi mi conosce e ha già letto la sezione dedicata alle opere di stampo giapponese qui, riconoscerà certamente nella prima affermazione un chiaro nesso con la mia passione per il geometrismo estremizzato dei soggetti e il loro essere ingabbiati in confini delimitati da linee inesorabilmente dritte.
Questa affermazione il Sig. Jean Pigozzi la pubblica nel 2011 ma la sottoscritta aveva già sviluppato, del tutto inconsciamente, questo concetto nel lontano 2007, periodo nel quale ho cominciato ad approfondire la mia personale filosofia sul tema.
Il problema e’ che non mi chiamo Jean Pigozzi e che purtroppo tutte le mie belle teorie sono rimaste solo mie senza nessuna divulgazione.

Ma non è finita!

Dopo la fase giapponese il mio appetito espressivo e la mia urgenza di creatività volevano guardare oltre.
Avevo scoperto il colore e le diverse opportunità che le mescolanze cromatiche potevano creare e intuii che stavo cercando un modo in cui mettere insieme l’apparente staticità e il rigore formale delle opere di ispirazione giapponese con la voluttuosa morbidezza di una pennellata di colore.
Ma quale poteva essere il soggetto?

Cominciai a pensare alle sensazioni che il colore produceva dentro di me.
I colori che utilizzavo per le tele giapponesi erano soprattutto nero, grigio e un po’ di rosso.
Il motivo era ovvio.
Questi tre colori, soprattutto il nero e il grigio rappresentavano l’austerità composta, la fierezza rigida e controllata, la dignitosa sobrietà, l’altera essenzialità, insomma tutte le caratteristiche che volevo rappresentassero quel mondo come io lo vedevo.
La vasta gamma delle altre colorazioni in quel contesto non era interessante perché non interpretava la natura del pensiero che sottostava alle opere stesse.
Nella mia testa il Giappone era solo dritto e in quell’aggettivo c’era tutta la ragione della sua essenzialità.
Quindi dovevo pensare a qualcosa che si distaccasse dalla freddezza e dalla glacialità della linea dritta e trasformarla in qualcosa di sinuoso e morbido, voluttuoso.
Non volendo tradire tuttavia la parte più razionale di me e la mia grande passione per la grafica ho cominciato a creare delle linee curve, quasi le spirali di un serpente e da quelle idee scarabocchiate sui miei fogli sono nati a poco a poco i miei guerrieri africani e le loro donne.

Volevo un’Africa ricca di tradizione, fiera nei suoi costumi, che emanasse nobiltà, impavido coraggio, regale bellezza.
L’Africa della fame e della sete, vituperata e offesa nelle sue più care origini forse in questo modo poteva essere almeno in piccola parte riscattata da quell’immagine ormai entrata comunemente a far parte del pensiero occidentale di un’Africa povera, distrutta e allo sfacelo.
Ho iniziato così a tracciare, nell’essenzialità della grafica, forme più curvilinee per i miei soggetti analizzando posture e comportamenti e tentando di dare espressione vitale a corpi e volti totalmente neri e apparentemente privi di caratteristiche somatiche soggettive.

Senza occhi, senza bocche, sottolineando soltanto i loro profili e le loro vesti, tuttavia i personaggi emergevano e diventavano indipendenti, quasi rappresentazioni di temi e vite che si accavallano a raccontare una storia, la storia di un’Africa ancora gioiosa, laboriosa, nobile ed eroica, dignitosa e austera.

Era nata la mia Africa curva, come afferma Jean Pigozzi.
Vedete che tutto ora (Raddrizza)quadra?
Onore al merito a Jean Pigozzi ma chapeau alla sottoscritta! N’est pas?

Geisha

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 27 Jan 2013 15:52:00 +0000

Gli scambi culturali fra l’Occidente e il Giappone si sono ormai consolidati da tempo ma la percezione del mondo giapponese da parte di alcuni è ancora legata a luoghi comuni, in particolare se si parla di Geisha.
Il termine “Geisha” ha una lunga storia e significa letteralmente “persona versata nelle arti dell’intrattenimento”, “persona di talento”. Il termine “gei “ indica infatti arte, abilità.

Fra il 1603 e 1867 (Periodo Edo) tutti coloro che erano persone di talento o abili intrattenitori erano chiamati Geisha. Ad esempio i maestri di arti marziali erano chiamati Bugeisha (Bu significa militare) cioè talentuosi e abili nel combattimento e i danzatori del Kabuki (tipo di teatro giapponese tradizionale)erano chiamati Geisha per distinguerli dagli attori.

Le prime figure che possiamo paragonare alle Geisha, possono essere ricondotte alle Saburuku , intrattenitrici richieste dalle classi nobili che apparvero intorno al XVII secolo, da distinguersi dalle Yuujo, che erano invece prostitute professioniste. Queste ultime, in breve tempo, soppiantarono le Saburuku nelle feste organizzate dall’aristocrazia e, durante tali ricevimenti, qualora venivano richiesti intrattenimenti di vario genere, era possibile la presenza di Geisha che, all’inizio, erano uomini.
Nel tempo gli uomini furono sostituiti da Geisha femmine, molto più piacevoli per leggiadria e movenze, e il loro successo fu immediato.
Durante il periodo Edo quando lo Shogunato di Tokugawa rese la prostituzione legale, per un certo periodo, le figure delle Yuujo e quelle delle Geisha furono spesso confuse e fu solo successivamente che la distinzione divenne netta attraverso leggi precise che determinarono prestazioni, comportamenti e addirittura quartieri separati fra Geisha e Yuujo.
Questo fu quello che avvenne all’interno del Giappone.

Nelle fantasie degli occidentali, che iniziavano ad arrivare nel paese del sol levante e che non conoscevano le leggi del luogo la vista di queste donne particolari produsse invece una serie di errori di valutazione che ancora oggi stentano ad essere rimossi.
Nel 1853 quando, dopo oltre due secoli di isolamento, si aprono gli scambi commerciali tra il Giappone e l’Occidente, iniziano a “viaggiare”, oltre che merci da un paese all’altro, anche importanti scambi culturali. In Europa, nelle case dei mercanti e della ricca borghesia, entrano molti oggetti della tradizione nipponica e si sviluppa da parte delle classi più abbienti un gusto particolare per la seducente voluttuosità di certe stampe giapponesi “Ukiyo-e” che rappresentano, fra le altre cose, uomini rudi e donne dalle movenze aggraziate, velate di mistero e pronte ad offrirsi in modo passionale al loro signore in atteggiamenti piuttosto lascivi. Le stampe di questo tipo ovviamente rappresentavano solo un aspetto del Giappone, ma fu quello che catturò maggiormente l’interesse degli occidentali.

Nell’immaginario collettivo le città giapponesi si trasformavano in affollati agglomerati in cui circolavano furbi mercanti, venditori ambulanti, mercenari in cerca di ingaggio, signorotti dall’aria sfrontata e giovani donne che adescavano i nuovi arrivati dall’occidente.
Le Geisha, con la loro grazia, il loro abbigliamento di seta (Kimono) e il loro seguito di lanterne di carta, sfortunatamente, vennero accomunate alle figure femminili delle cortigiane o delle prostitute relegate nei quartieri di piacere.
Alle Yuujo,”donne di piacere”, veniva imposto di vivere e lavorare entro i confini di tali quartieri e di non oltrepassarli. Le Geisha , invece, erano richieste solo per le loro doti artistiche e venivano chiamate a suonare lo Shamisen o a cantare durante le “performance” delle Yuujo qualora queste ultime fossero carenti in tal senso.

Le Geisha quindi non erano prostitute in linea di principio. Il governo concedeva loro di esibirsi a patto che non intralciassero il lavoro delle Yuujo e, al contrario di esse, potevano frequentare liberamente tutti i quartieri della città e portare la loro arte in ogni luogo venisse richiesta.
Tuttavia, un occidentale che le vedesse entrare ed uscire dalle case di piacere, poteva ingenuamente scambiarle per prostitute.
Durante il XIX secolo la popolarità delle Geisha cresce in modo esponenziale in Giappone e dopo la restaurazione Meiji (1868) politici, uomini d’affari, alti funzionari del governo e dell’esercito preferiscono frequentare Geisha piuttosto che “donne di piacere” e spesso molte di loro ne diventano le consorti.

A tal proposito non si deve dimenticare che, per diventare Geisha, le ragazze venivano selezionate, educate e cresciute attraverso un tirocinio durissimo che poteva durare anni. Fin da piccole, il loro carattere veniva forgiato e abituato al sacrificio e al lavoro. Una Geisha apprendeva non solo le arti dell’intrattenimento ma studiava la scrittura e doveva avere nozioni di poesia e letteratura per poter sostenere una conversazione con chi richiedeva la sua presenza. Questo rendeva le Geisha le uniche donne che avessero una cultura pari a quella di uomini di prestigio e questa qualità in ambienti di alto lignaggio era molto apprezzata.
Se non ne diventava la consorte, una Geisha poteva entrare nelle grazie di un uomo potente, anche sposato, che le faceva da mecenate “Danna” e le offriva protezione e mantenimento. Allora potevano essere previsti anche rapporti sessuali ma sempre consenzienti.

In Occidente invece tra la fine dell’’800 e gli inizi del ‘900, la figura della Geisha influenzerà molti aspetti della cultura occidentale (ricordiamo Monet che dipinge la moglie con il kimono e Van Gogh che dipinge “La cortigiana” in abiti tipicamente giapponesi o il melodramma “Madama Butterfly di Puccini) ma la sua immagine sarà sempre travisata allo scopo di farla apparire solo come un’artista nel concedere piaceri sensuali e provocanti, nascondendo quella che era in realtà la figura di una donna emancipata che, per cultura e posizione, sapeva tener testa agli uomini.
Le cose non andarono meglio durante la Seconda Guerra Mondiale poiché per incentivare le truppe americane sbarcate in Giappone, furono mandate schiere di ragazze compiacenti chiamate “Geisha Girls” che di certo non contribuirono ad affrancare la figura delle Geisha dall’immagine che ormai si era cristallizzata in Occidente.
Fortunatamente oggi la situazione è cambiata e, attraverso studi intelligenti e approfonditi le Geisha hanno riscattato la loro immagine così ingiustamente vituperata per secoli.

Questo non esclude che anche le Geisha avessero rapporti sessuali che esulavano dalla loro funzione principale, ma probabilmente o si trattava di una scelta del tutto personale, anche le Geisha potevano essere attratte o innamorarsi di un uomo, sebbene proibito dal loro codice comportamentale, oppure si trattava di Geisha che avevano in un certo senso “ tradito” i principi della loro istituzione e si comportavano in modo inadeguato.
Il fatto quindi che ci fossero delle devianze è del tutto normale e comprensibile ma di certo non era la regola.
Spesso le Geisha erano confuse con le cortigiane di lusso chiamate Oiran, perche’ portavano le stesse acconciature e gli stessi abiti. L’unica differenza era che le cortigiane portavano l’Obi (cintura in vita del kimono) davanti perché era più comodo quando si dovevano spogliare, mentre le Geisha lo portavano dietro.
Oggi la professione della Geisha, come succede per molte altre tradizioni del Giappone, sta piano piano scomparendo e le giovani donne che aspirano a diventare Geisha (Maiko) sono sempre di meno.
Questo in primo luogo è dato dal fatto che un tempo le Geisha compensavano e fornivano all’uomo la figura di una donna diversa da quella che spesso si trovava fra le mura domestiche, del tutto priva di interesse e di fascino e completamente sottomessa, ma questa diversità netta ormai nel nostro mondo moderno non esiste quasi più.
In secondo luogo il tirocinio per diventare Geisha non è cambiato nei secoli e per le ragazze di oggi diventa troppo complicato accettare una disciplina così ferrea e spesso anacronistica e un lavoro su di sé così duro e non certo di immediata soddisfazione.

Non si sa bene quante in realtà siano le Geisha e le Maiko rimaste, si parla di circa duemila ma il numero potrebbe variare poiché le Geisha si fanno vedere raramente fuori dai loro quartieri (Hanamachi) e sono molto attente a non lasciare svanire quel mistero che, nonostante tutto, anche nel Giappone di oggi, aleggia su di loro.

Partita Doppia

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 20 Jan 2013 10:19:00 +0000

Per la mia prima vera mostra risultò incisivo e fortunato un incontro che feci durante il corso di pittura della pittrice Giulia Alberti di cui ho già parlato qui.
Vi erano all’interno del gruppo molte persone interessanti ma una in particolare mi colpì per la sua allegria, la fragorosa risata, il modo di fare schietto e cristallino e non ultimo per il talento.

Lorena Bastianoni, questo è il suo nome, dipingeva già da parecchi anni e aveva affinato, nel tempo, una tecnica ad olio che rasentava la perfezione. Ogni suo quadro traeva spunto dal suo grande amore per la natura e da quella nostalgia che prende quando si pensa alle cose del passato e a certi valori composti e silenti che non hanno certo bisogno di essere spiegati a parole.
Una nevicata improvvisa, una casa diroccata in campagna, l’esplosione di colori di un prato fiorito o una finestra su cui una mano semplice aveva appoggiato quotidiani utensili da cucina parlavano di un mondo antico a cui Lorena era legata e al quale sapeva dare dignità e nobiltà attraverso fluide pennellate sapienti.
Certamente molto lontana dalle oscure prigioni delle mie linee dritte e dalla spigolosità drammatica delle mie strane figure, era aperta, disponibile, quindi anche caratterialmente opposta al mio intrinseco pessimismo e alla mia diffidenza istintiva che, solo a tratti, lasciava spazio a un po’ di calore.

A quell’epoca, su suggerimento della mia insegnante e forse anche per una precisa esigenza di riscontro, pensai di esporre qualcosa di mio e di verificare quale fosse la reazione del pubblico di fronte a ciò che creavo.
Altri del corso l’avevano fatto in gruppo nei paesi limitrofi ma nessuno mi aveva proposto di partecipare. La ragione era che avevano tutti lo stesso stile, la stessa tecnica, i medesimi soggetti, che si amalgamavano in modo congruo fra loro dando all’esposizione un carattere omogeneo e ben strutturato. Invece se mi fossi presentata io in mezzo a loro, avrei per forza catturato l’attenzione semplicemente perché ero diversa destabilizzando l’armonia dell’evento e creando uno squilibro che credo non piacesse al gruppo.
Fare da sola una mostra personale era del tutto fuori luogo, la mia produzione di allora non era sufficiente, e anche dal punto di vista organizzativo sarebbe stato piuttosto complicato.

Ci voleva un’idea.
Come sempre quando il mio cervello si mette in moto diventa pericoloso ma dà anche buoni frutti.
Proprio partendo dal riconoscimento della mia diversità in senso artistico, che mi aveva precluso la possibilità di esporre con gli altri, pensai di allestire un’esposizione che mettesse in luce e desse valore alle differenze piuttosto che alle conformità.
Quindi perché non proporre una sfida? Esporre come unica rappresentante di un’arte contemporanea fra tanti artisti di stampo tradizionale non aveva senso, ma poteva averlo se i partecipanti erano due gruppi o due persone. Una piccola “querelle” insomma fra l’arte moderna e l’arte diciamo classica in senso lato. Poiché non conoscevo altri artisti che dipingevano in stile moderno, ripiegai sulla seconda ipotesi e la persona che mi venne subito alla mente come “antagonista” fu Lorena Bastianoni , che stimavo molto.
Sotto un certo punto di vista poteva essere pericoloso, soprattutto per me che presentavo opere moderne e del tutto scevre dai canoni classici ai quali forse il pubblico era più avvezzo.
Ma non importava. Ormai nella mia testa era già tutto deciso.

Mi misi subito a lavorare per trovare un titolo appropriato e poter stendere la prima pagina di quella che sarebbe stata la brochure di presentazione senza aver nemmeno contattato Lorena e senza sapere se avrebbe accettato.
Io una brochure non l’avevo mai fatta prima di allora e anche questa fu una sfida perché dovetti imparare ad impaginare, visualizzare immagini, scomporle, modificarle, creare testi, effetti e colori con il computer per arrivare ad un pieghevole piacevole da sfogliare per chi fosse venuto a trovarci all’esposizione.

Ma come rendere l’idea di una simpatica tenzone tra due artiste e due generi diametralmente opposti senza però scadere nella inutile competizione fra due individui e due modi di creare differenti? Non era un match sportivo. Nessuno ne poteva uscire né vincente né perdente perché eravamo due facce di una stessa medaglia.
Pensando al linguaggio commerciale mi vennero alla mente il Dare e L’Avere della partita doppia in ragioneria, assolutamente opposti, ognuno con una sua precisa collocazione e importanza ma entrambi volti ad un solo scopo comune: far quadrare i conti.
Io e Lorena eravamo così: opposte nell’ ispirazione, nella tecnica pittorica, nelle motivazioni e nei risultati ma entrambe avevamo la stessa spinta: la nostra passione per l’arte.

Si, Partita Doppia era il nostro titolo. Ci calzava a pennello ed aveva in sé sia l’accezione della sfida sia quella dell’essere entrambe rappresentanti di momenti diversi ma comunque incisivi nell’arte .
Mi accorsi, fra l’altro, con enorme gaudio, che nella parola “Partita” c’era anche la parola “art” che poi fu sapientemente evidenziata nel titolo, come potete vedere nella foto della locandina, in modo da far capire, anche a quelli un po’ più distratti, che non si trattava di un simposio di ragioneria ma di una mostra d’arte.

Da questa piccola idea che mi è costata qualche settimana di notti insonni, è partito tutto.

Letteralmente al settimo cielo per aver trovato questo titolo su cui poi si sarebbe sviluppato l’allestimento della mostra, finalmente, telefonai a Lorena e, presa da una foga esagerata, la travolsi di parole e spiegazioni senza lasciarle nemmeno il modo e il tempo di controbattere.
Lei, che da parte sua aveva una produzione molto più ampia della mia ma che fino a quel momento non aveva mai pensato di fare una mostra, rimase ad ascoltare fino alla fine, ristette per un attimo e poi, disse di si, così, di getto.
Sembrava che si fosse fatta luce su tutto l’universo e sulle nostre teste.
In un attimo ci era tutto chiaro. Non c’era nessun dubbio, nessuna incertezza.
Parlammo al telefono per più di mezz’ora, programmando, immaginando, sognando…………..!

Preparare “Partita Doppia” non fu per niente facile.
Da profane e con pochi mezzi non avevamo previsto molte difficoltà che abbiamo dovuto affrontare man mano sul campo. Mi ricordo le corse per trovare la location, il panico di non avere il tempo necessario, la distribuzione degli inviti fatta in orari impossibili, il tipografo, le locandine, le discussioni per trovare gli sponsor che ci aiutassero con le spese. E poi il rinfresco per l’inaugurazione, allestire, pulire, verificare mille volte se avevamo fatto tutto.

Siamo arrivate alla vigilia dell’esposizione esauste ma felici e galvanizzate.
Alle undici di sera avevamo finito. Tutto era pronto.
Controllammo che tutto fosse perfetto, spegnemmo le luci e chiudemmo la porta dietro di noi. Poi riaprimmo e demmo ancora uno sguardo.
Lì dentro c’era tutto quello che eravamo, la nostra passione, il nostro lavoro, le nostre sconfitte, le nostre vittorie, il nostro dolore e la nostra gioia. Ci guardammo senza dire una parola. Era come se in quella stanza stessimo per abbandonare una creatura. Saremmo state lì tutta la notte a vegliare se non avessimo avuto bisogno di dormire.

Il giorno dopo, alle cinque del pomeriggio aprimmo le porte di quella che fu una delle esperienze più intense della nostra vita, sia per l’affluenza di pubblico che non ci aspettavamo, sia per il rapporto che da quei giorni si e’ instaurato fra di noi.
Ora anche se le nostre strade si sarebbero divise artisticamente c’era un filo sottile che ci legava e non si sarebbe spezzato mai più.

Potete vedere di seguito l’articolo uscito su “Vallesabbia News” qui e l’articolo sul sito “Donneoggi.it” qui.

Incontri d’arte: la mia prima “mostriciattola"

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 13 Jan 2013 13:11:00 +0000

L’opportunità di esporre davanti ad un pubblico vero, fino a quel momento il mio pubblico era da individuarsi nella cerchia ristretta dei miei famigliari e amici, ovviamente non sempre del tutto imparziali, mi è stato dato da una cara amica, anche lei, a suo modo “artista” la quale, in una radiosa giornata di settembre mi ha invitata ad un evento organizzato nello splendido giardino del suo atelier di acconciature per signora.
Il giorno in cui mi è stato comunicato che avrei partecipato all’evento insieme ad altri “artisti” di altri settori, la prima reazione è stata di paura.

Non è così facile portare qualcosa che fino a quel momento è stato nascosto, qualcosa che appartiene alla sfera dell’intimo, del personale, improvvisamente all’esterno e in balia di un pubblico sconosciuto e imprevedibile.
Mi sentivo lusingata ma depauperata, come se mi stessero togliendo una parte della mia anima, come se qualcuno stesse raccontando la mia storia indifferente alle mie reticenze o stesse svelando quello che fino ad allora era solo un mio segreto.
Era una sensazione strana accompagnata ovviamente da un vero e proprio terrore del giudizio sommario che, inevitabilmente ,sarebbe piombato sulla mia testa probabilmente mettendo fine alla mia velleità di essermi considerata una pittrice.
Ma come poteva la gente sapere quello che io avevo passato, sudato e sofferto per arrivare a ciò che avevo prodotto? Come avrei potuto spiegare il cammino, l’idea, il pensiero che sottendeva alle mie opere? Spiegare o rifuggire da ogni tipo di spiegazione?
Mi consultai con la mia insegnante di allora, la pittrice Giulia Alberti, una guida e un sostegno per me da quando, armata dei miei schizzi pazzi, avevo varcato la soglia della sua scuola di pittura e avevo subito capito che lì proprio non c’entravo nulla.
Mi ero trovata in una sala piena di gente che disegnava e dipingeva in modo classico, olio e carboncino, tecniche a me del tutto sconosciute che mai avrei pensato di approcciare ma che nel tempo ho comunque dovuto approfondire, e mi paralizzai pensando che quella signora, con il suo curriculum di tutto rispetto e la sua preparazione artistica di comprovato valore, di certo mi avrebbe cacciata seduta stante.

L’intelligenza di un insegnante risiede nell’apertura mentale e nel saper riconoscere e incanalare le capacità e le attitudini dei propri allievi.

Cosi’ mi prese per mano, aprì i miei scarabocchi con quel rispetto non scontato per il lavoro altrui e ci vide quello che nemmeno io sapevo vedere. Sentì il dolore, la rabbia, la mia ferrea volontà di voler chiudere tutto in ipergeometrismi definiti per non incappare in sbavature e fuoriuscite dell’anima. Capì il mio bisogno di mettere tutto in una scatola, di arginare la furia delle mie emozioni deliranti chiudendola dentro confini invalicabili e prigioni di righe dritte.
Ma vide anche la mia innata fragilità, il mio bisogno di nascondere dietro l’apparente durezza delle forme quella delicatezza dello spirito che non sapevo più esprimere ne’ riconoscere.
Sono stata con lei per due anni. Mi ha insegnato molto e non era solo tecnica.

In quella occasione, esponendole il mio problema per la piccola mostra che mi era stata proposta, con la solita saggezza che la contraddistingue e con la generosità che è dei grandi, mi disse che la paura era del tutto legittima, in fin dei conti si trattava della mia ““prima volta” ma quel sentimento spontaneo non mi doveva far perdere di vista la cosa più importante che era la consapevolezza del mio lavoro e la serietà del mio impegno, qualità che avrebbero potuto emergere solo attraverso una presentazione efficace e non casuale, nel rispetto di chi avrebbe visitato il mio piccolo mondo. Le sue parole mi diedero conforto e nuova linfa creativa.
Ricordo che mi ci è voluto un bel po’ di studio e di sudore per allestire la mia prima, come la chiamo io “mostriciattola” ma alla fine tutta la fatica è stata ripagata.

Potete vedere l’articolo che ne è scaturito qui.

Le motivazioni di una scelta

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Tue, 01 Jan 2013 17:05:00 +0000

Il desiderio di iniziare il mio percorso pittorico “attivo” nasce dal mio grande amore per la cultura giapponese.
In particolare mi ha sempre affascinato il periodo dei Samurai che va dalla fine del XII secolo, quando il governo aristocratico dii Taira fu sconfitto dal clan di Minanoto Yoritomo che spodestando l’imperatore si diede il titolo di Shogun e stabilì la supremazia dei Samurai, sino alla metà del XIX secolo quando iniziò il loro declino.

Nel periodo di maggior fasto della storia dei Samurai, più o meno verso il 600 appaiono le Geisha, intese come donne intrattenitrici, altra interessante figura erroneamente considerata dalla cultura occidentale per molto tempo solo al pari delle nostre prostitute ma che ben altro ruolo e potere aveva all’interno delle case di piacere.

“Noi geisha non siamo cortigiane e non siamo mogli. Vendiamo la nostra abilità, non il nostro corpo. Creiamo un altro mondo, segreto luogo solo di bellezza. La parola geisha significa artista, ed essere geisha vuol dire essere valutata come un'opera d'arte in movimento”.

Questo periodo storico è costellato di enormi segreti, inesorabili complotti, sanguinose battaglie per il potere, di sensuali piaceri, di immense opere d’arte, di violenza esagerata e spiritualità intensa , di voluttà e rigide regole di comportamento, di grandi passioni e leggi intransigenti, il tutto portato alle estreme conseguenze.

Questo vale sia per i samurai :

“In un mondo irreale, la morte è l’unica verità. Vivere la vita quotidiana come se si fosse già morti, è seguire la Via della Verità”

sia per le geisha :

“Noi non diventiamo geisha per perseguire il nostro destino... noi diventiamo geisha perché non abbiamo scelta”

che dovevano sottostare a codici di comportamento assurdamente disciplinati, educazione al sacrificio, ferree regole di vita e molto allenamento nelle diverse abilità richieste. Mi sono messa così a studiare la storia di questi personaggi ormai parte della leggenda e le forme di questo mondo così lontano dalla nostra cultura ricercando tra le apparenti morbidezze delle vesti e i sinuosi gesti delle tradizionali cerimonie, la pulizia intellettuale e l’ ordine patologicamente rigido, tipico della mentalità di quell’umanità.

La mia analisi è partita dall’osservazione di ciò che meglio rappresenta il Giappone, il ventaglio.

Accessorio immancabile nell’universo femminile e strumento di guerra in quello maschile, il ventaglio cela la bellezza e ammanta lo sguardo di fascino, ma nasconde l’intenzione. E’ strumento di seduzione ma arma letale. E’ semicerchio ma triangolo, fluidamente rassicurante ma strutturalmente acuto e pericoloso.

Il triangolo come figura simbolica e geometrica diventa quindi parte integrante della mia forma espressiva e rappresentazione grafica di quasi tutte le figure che compongono i miei quadri, i quali alternano geometrismi affilati e asciutti a forme più morbide e meno angolose mantenendo comunque fede alla rigida e inflessibile morale di una cultura, quale quella giapponese, che ha fatto della precisione e dell’intransigente accuratezza dei suoi riti quotidiani una filosofia di vita.

E’ uno stile spigoloso, di una rigorosità etica ancor prima che estetica, volta alla speculazione del tratto distintivo piuttosto che perdersi nel dettaglio. Lo scopo è la ricerca dell’essenza, della matematica certezza, della stabilità delle linee dritte, dei cromatismi decisi e netti dell’ordine contro il caos, della ragione piuttosto che della passione.

Come tutto ebbe inizio

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Sun, 30 Dec 2012 11:13:00 +0000

Tutto ebbe inizio una fredda giornata d’inverno.

Ricordo che ero in casa e stavo alla finestra a sorseggiare un caffè bollente. Il mio umore era come il tempo che, indolente, osservavo al di là dei vetri appannati e gocciolanti della finestra del salotto.

Pioveva fuori e pioveva dentro di me.

Una pioggia triste, incessante, che intorpidiva i miei sensi, incurante del mio bisogno, di luce, di sole.
Una pioggia che, se osservavo la mia immagine riflessa, diventava pioggia di lacrime sul mio viso, rigato da un dolore sordo, amaro, senza alcuna speranza.

Mia madre, nell’appartamento accanto si era appisolata, sfiancata dal dolore della malattia.
Non era il periodo migliore della mia vita ma lei aveva bisogno di me e dovevo esserci.
Costretta in casa per molte ore al giorno, quel pomeriggio ricordo di aver preso un foglio da un block notes e una matita “rubata” dall’astuccio di mia figlia.
Insomma un foglio bianco.

E la domanda che subito è sorta spontanea è stata :” E ora?”

Ho guardato il foglio per buoni dieci minuti.
Un foglio bianco può essere la cosa più terribile alla quale ci si possa trovare di fronte. In quel candido pezzo di carta c’è tutta la nostra incapacità di esprimerci, c’è la paura di non aver nulla da dire, l’ ansia di ciò che non conosciamo, la terrificante sensazione di essere piccoli e vuoti.
Sono stata più volte tentata di rimettere tutto in un cassetto e semplicemente rinunciare a quel progetto nato da chissà quale neurone insano nella mia testa.
Ma, in una specie di trans, ho cominciato a scarabocchiare la figura di un Samurai perchè la cultura giapponese è sempre stata una delle mie passioni.

Non era facile, però.

Senza nessuna preparazione, senza aver frequentato nemmeno uno straccio di lezione di disegno, i miei tratti erano per lo più infantili e sconnessi. Non c’eravamo proprio.
Rammento di aver preso una pubblicazione che avevo raccolto in fascicoli che trattava proprio del Giappone per avere qualche spunto da copiare.
L’idea di copiare tuttavia non mi piaceva. Se dovevo copiare voleva dire che già qualcun altro aveva fatto quella cosa ed essere solo una “riproduttrice” di immagini, per quanto belle e fedeli all’originale , non mi convinceva.
Se dovevo fare qualcosa, dovevo tuttalpiù ispirarmi ad altri, ma l’impronta doveva essere la mia.

Mi ci dovevo riconoscere, dovevo riuscire a sputare fuori il mio carattere distintivo, il mio modo di creare, il mio modo di essere.
Presa da questa febbrile elucubrazione sfogliavo i fascicoli ad uno ad uno da sinistra a destra e da destra a sinistra. Li scartavo, li riprendevo, li scartavo nuovamente. Mettevo post-it per segnare ciò che mi aveva colpito, scarabocchiavo schemi e incomprensibili segnacci sul block notes , appuntavo idee e continuavo la ricerca senza nemmeno sapere cosa stessi cercando.
Mi ritrovai, dopo una buona ora e senza essermi accorta del tempo che era passato, in quella stanza che sembrava un campo di battaglia.
C’erano giornali dappertutto, fogli scritti in ogni dove, pallottole accartocciate da buttare, post-it colorati che spuntavano dalle pagine di tutte le riviste, in totale un centinaio, che avevo fatto passare.
Improvvisamente fui svegliata da quella specie di dimensione parallela dal campanello di mia madre che si era svegliata.

Lasciai tutto e andai da lei.

Fui ricondotta così improvvisamente alla realtà, a quella realtà che probabilmente avrei fatto non so cosa per non vivere e perchè anche lei non fosse costretta a vivere.
Tuttavia le cose stavano così e bisognava affrontarle.
La accudii con affetto.
Le cose da fare erano tante e impegnative ma mi piaceva passare del tempo con lei ed esserle utile nonostante facessi molta fatica ad avere un atteggiamento sereno sapendo che per lei non c’era più nulla da fare.
Le sistemai il letto, le rinfrescai la fronte e le preparai da mangiare.

Dopo la cena, di solito, si rimaneva in camera sua a chiacchierare fino al momento in cui lei voleva coricarsi.
Anche nella consapevolezza che una tragedia si sarebbe abbattuta su di noi a breve, trovavamo la forza di sorriderle e a volte anche di ridere insieme.
In quelle sere si sono ripercorse vite intere.
Si è parlato di tutto quello che aveva fatto parte della sua infanzia, delle persone che aveva conosciuto, di fatti che avevano costellato la sua esistenza e per mia madre era forse il solo modo di lasciare questa terra.
Fare il punto, riassumere nel modo più dettagliato possibile ciò che era stato e in questo modo percepire la sensazione dolcissima di avere vissuto tanto e bene.

Era questo il senso di quelle serate.
Raccontare e raccontarsi la vita, una vita che stava finendo ma che aveva avuto il suo perchè.

Come tutte le sere, dopo averle dato le medicine me ne andavo e la lasciavo dormire.
C’era solo una porta che ci divideva pertanto lei si sentiva sicura.
Un bacio sulla fronte, un rapido “Buonanotte” e poi tornavo nel mio appartamento.
Ogni volta che la lasciavo avrei voluto abbracciarla forte, dirle cose che non le avevo mai detto, insomma salutarla come se fosse l’ultima volta che la vedevo.
Il giorno dopo forse non si sarebbe svegliata o sarebbe entrata in coma, ma come dare sfogo a questo mio bisogno quando lei in fondo non aveva mai perso la speranza di guarire?
Cosi’ mi limitavo a salutarla come niente fosse, come normalmente ci si dà la buona notte in una qualunque serata dicendo reciprocamente un frettoloso “a domani” sicuri che quel domani ci sarà.

La morte è stata gentile con lei e con me.
Ci ha dato un po’ di quel tempo necessario almeno negli ultimi istanti della sua vita.

Comunque quella sera, nonostante fossi molto stanca, non riuscivo a prendere sonno.
Avevo ancora tutte quelle immagini viste nel pomeriggio che si rincorrevano nella mia testa e continuavo a pensare a come dare un senso al trambusto di emozioni che avevo dentro.
Ci misi un bel po' ma alla fine una piccola idea prese forma.
Mi riproposi di mettermi al lavoro il pomeriggio seguente.
Il giorno dopo, infatti, con molta piu’ calma, ripresi il foglio bianco e iniziai a disegnare il mio samurai.
All’inizio la figura era ancora di tipo tradizionale, vesti fluttuanti e tratti rotondi. Una figura del tutto reale insomma.

Ma non era quello che volevo io.

Da quel giorno, per tre mesi ho studiato, disegnato, rimuginato e patito su quei fogli ogni giorno e perso ore e ore di sonno ogni notte fino a che non ho trovato quello che cercavo e non ho lasciato emergere il mio vero mezzo di espressione.
Allora si che il mio primo samurai ha preso forma, si è materializzato davanti a me con tratti brevi, incisivi , essenziali.
Avevo trovato la mia strada.

Non erano importanti i dettagli. Quello che restava dopo aver pulito, scrostato, mondato e depurato la realtà era l’essenza. La schematizzazione della figura faceva emergere l’intrinseca sobrietà dell’anima, la sicurezza dei confini tracciati dava spessore all’immagine, la sensualità composta e il rigore conferivano bellezza e dignità alla forma.
Ho continuato a disegnare figure sempre piu’ complicate fino a che ho provato a trasferire i miei disegni su tela.
Da quel momento dipingere fa parte della mia vita di ogni giorno.
A volte è una lotta, una strada tutta in salita, un ostacolo che sembra impossibile da superare. A volte è il cielo che si spalanca, è l’anima che si fa colore, è la passione che mi travolge e assorbe ogni mia energia.

Nel tempo il mio percorso pittorico ha subito dei cambiamenti anche grazie all’apporto di insegnanti capaci e molto pazienti che mi hanno introdotto a tecniche pittoriche a me sconosciute le quali mi hanno dato la possibilita’ di sperimentare nuove idee e affrontare nuove sfide, senza però mai dimenticare la mia grande passione per la ricerca grafica della forma.
Ho sempre pensato che il rigurgitare sulla tela quello che avevo dentro mi ha fatto capire chi ero, chi sono e forse anche ciò che voglio essere.
La tela non si lascia dipingere. La tela ti costringe a dipingere ciò che sei, a scoprire le tue più intime emozioni.
Puoi mentire con tutti ma non a lei.

Ho scoperto così di essere una raddrizzaquadri, una che deve mettere sempre i puntini sulle i, una che non sopporta il disordine sia intorno a sè sia mentale, una che deve per forza organizzare tutto nella sua vita per paura di non avere il tempo di viverla.

Ho scoperto di essere frenetica e di amare una vita piena di cose da fare per paura che la morte mi sorprenda senza aver vissuto pienamente.

Ho scoperto che ho una dolcezza di fondo che non lascio quasi mai trasparire, un posto tutto mio che nascondo per non essere ferita.

Ho scoperto che dipingere mi ha aiutata a tirare fuori il dolore che c’è in me. Ho dovuto fare i conti con la mia ansia, con una depressione di base che mi accompagna da tutta la vita, una sorta d’incantesimo che solo la pittura ha potuto sciogliere.

Credo che il fatto che abbia mosso i primi passi in questa direzione proprio quando mia madre era malata sia stato un estremo bisogno di aggrapparmi a qualcosa che per qualche ora occupasse la mia mente altrimenti troppo compressa da problemi di ordine diverso.

Mi sono salvata, sono cresciuta, ho capito molto di me e ho vomitato la mia rabbia.

Chi sono

noreply@blogger.com (La raddrizzaquadri) — Thu, 27 Dec 2012 16:23:00 +0000

Mi chiamo Daniela Ravasio e sono nata del 1959.
Ho una laurea in Lingue e letterature straniere e da sempre sono appassionata di ogni forma d’arte.

Una pennellata, la frase di un libro, la striscia di un fumetto, la parola recitata, il fraseggio di un brano musicale, sono le piccole sensazioni che accompagnano la mia vita di ogni giorno e delle quali ho necessita’ di nutrirmi come del pane quotidiano.

Mi piace riflettere, analizzare e pensare in solitudine.
Amo l’ordine, la pulizia mentale, il rigore dei confini netti, la sicurezza dei rapporti franchi. Odio la negligenza, la volgarita’ gratuita, l’arrogante incedere del tempo, l’incertezza delle cose che non posso controllare.

Raddrizzo i quadri perche’ le cose storte sono storte e solo rimettendole al loro posto, entro i loro giusti confini, riacquistano dignita’ e sostanza.
Proprio come le persone.

Dipingo da quasi cinque anni e non e’ stato facile passare dalla fruizione passiva di osservatore alla fase attiva della creazione ma la voglia di sperimentare e di capire mi hanno messa davanti a un foglio bianco sul quale ho iniziato a scrivere una nuova me, quella che inconsapevolmente custodivo dentro l’involucro costrittivo della mia vecchia pelle.

Ho scoperto molto e molto e’ da scoprire.