La Sélection DVD / Blu-ray / VOD / VàD de Gérard Victor

Phantom of the Paradise

2017-04-12T15:33:00.001+02:00

de Brian De Palma

Voici le sixième COFFRET ULTRA COLLECTOR des Éditions Carlotta et ils nous proposent de revisiter de fond en comble ce film de 1974 qui est devenu culte. Brian De Palma s'est très librement inspiré du roman de Gaston Leroux, paru en 1910, Le Fantôme de l'Opéra. Nous ne sommes pas ici dans l'univers du bel canto mais dans celui de la musique pop, du glam rock, de l'heavy metal.

Le premier scénario que De Palma signa avec Louisa Rose s'intitulait Phantom of the Fillmore (la célèbre salle de spectacles de San Francisco des années 70) mais leur producteur ne réussit pas à obtenir les droits d'utilisation du nom de la salle. Suite au changement de production, Louisa Rose, en désaccord avec De Palma, abandonna le projet qui s'appela ensuite Phantom... Encore fallait-il trouver un lieu ou en tout cas l'imaginer d'où l'idée de créer de toutes pièces The Paradise, le palais du rock. C'est l'idée de Swan (qu'incarne Paul Williams, auteur-compositeur de toutes les chansons du film), le plus grand producteur de musique de tous les temps.

À l'occasion de l'entracte d'un concert de l'un de ses groupes, les Juicy Fruits, Swan entend une composition d'un jeune artiste, Winslow Leach (joué par William Finley) qui a investi la scène pour jouer la première partie de sa cantate pop Faust. Swan décide sur le champ que cette musique sera celle de l'ouverture de son futur fameux Paradise et ni une ni deux il vole la partition de Leach, lui donnant un vague rendez-vous dans les bureaux de Death Records. Leach en sera chassé et finira en prison, pour trafic d'héroïne!

Leach réussira à s'évader, ivre de rage, après avoir entendu un extrait de sa cantate pop interprété par les Juicy Fruits. Il tente une nouvelle fois de retourner dans les bureaux de Death Records mais cette fois-ci pour les ravager mais il se blesse atrocement et après qu'un policier lui ait tiré dessus il plonge dans l'East River. Vous l'avez compris Winslow Leach est la Phantom. Il réapparaîtra quelques semaines plus tard avec la ferme intention de détruire The Paradise. De façon à ce qu'il ne mène pas au bout son projet, Swan l'embauche, lui fait signer un contrat pour que, malgré son handicap, il poursuive l'écriture de sa cantate pop mais... je n'en dirai pas plus.

Brian De Palma multiplie ici les références cinématographiques, utilise de temps à autres le split-screen et autres effets visuels d'un autre temps. Ce film qui peut être parfois grandguignolesque ne manque pas d'humour. Au-delà des multiples problèmes juridiques que le film suscita... Death Records devait s'appeler dans un premier temps Swan Records or Swan Song Records venait d'être créé par Peter Gant, le manager de Led Zeppelin etc. Le film, dont la production fut plus que modeste au regard de ce qui nous est proposé à l'écran, ne connut pas le succès aux USA, il le connut à Winnipeg, au Canada, au Japon et à Paris. Depuis 1974, il s'est fait plus qu'une réputation et il nous est proposé aujourd'hui dans sa version restaurée 2K.

À noter la richesse des Bonus qui est le gage de cette Collection.

Coffret Ultra Collector (3000 exemplaires numérotés) et double DVD ou Blu-ray en version single

Coffret Ultra Collector (3000 exemplaires) Blu-ray et double DVD (88''- 92’) - Bonus : Présentation de Gerrit Graham (1') - Paradise regained, rétrospectif sur le tournage et l'impact du film jusqu'à aujourd'hui (52') - Brian De Pama dans les coulisses du Paradise (33') - Entretien de Paul Williams par Guillermo Del Toro (72') - Le fiasco Swan Song (11') - Carte blanche à Rosanna Norton (la costumière) (10') - Paradis perdu et retrouvé, 6 scènes coupées ou alternatives (14') - Karaoké 6 chansons - Uniquement avec la version Ultra Collector : Dr Brain and Mr De Palma, un livre de 160 pages - Carlotta

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥♥

Boro

2017-03-23T16:22:00.000+01:00

Walerian Borowczyk

Les Éditions Carlotta avec ce coffret nous permettent de revenir sur le travail protéiforme de cet artiste d'origine polonaise. Après avoir étudié la peinture et la sculpture à l'académie des Beaux-Arts de Cracovie, il se lance dans les arts graphiques (lithographies, affiches etc.) avant de s'aventurer dans le cinéma d'animation.

C'est en 1958 qu'il vient s'installer en France où il poursuivra ses travaux de plasticien et passera à la réalisation de longs-métrages tout en continuant à créer des films d'animation sinon réaliser des publicités.

Ce coffret d'une énorme richesse nous plonge dans l'univers d'un artisan exigeant. «Il voulait tout contrôler», nous dit un de ses anciens collaborateurs. Borowczyk voulait quasiment tout maîtriser : dessins, peintures, gravures, décors, photos, objets reconstitués ou

non, sans oublier l'écriture des scénarios sinon son art du cadrage et du montage... Quelque part, il a un côté Méliès et un autre : bricoleur de génie.

Très inspiré par l'univers des surréalistes, Borowczyk a néanmoins une certaine attirance pour l'univers de la luxure, de l'érotisme comme le démontre les 7 films et 16 courts-métrages présentés ici. Sans oublier les Bonus qui sont d'une rare richesse et les 2 livres inédits joints à ce coffret (Camera obscura et Le dico de Boro).

- Courts-métrages et animations (6 c-m + Le Théâtre de monsieur et madame Kabal -73'-) sur 2 DVD

- Goto, l'Île d'Amour (91')

- Blanche (90')

- Contes Immoraux (99' et 103')

- La Bête (94' et 98')

- Histoire d'un Pêché (125')

- Dr Jekyll et les Femmes (88' et 92')

Un ensemble aussi étonnant que détonnant où l'humour ne manque pas d'être au rendez-vous.

Coffret Collector : 8 DVD + 3 Blu-ray + 2 livres (Camera obscura - 216 pages - et Le dico de Boro - 92 pages- ) - Carlotta

Pour l'ensemble des Films ♥♥♥♥

et ♥♥♥♥♥ pour les Bonus

Ces 2 films sont également disponibles en version individuelle au format Blu-ray

Contes Immoraux

La Bête

The 'Burbs

2016-12-01T11:01:00.002+01:00

de Joe Dante

Voici le cinquième COFFRET ULTRA COLLECTOR et les Éditions Carlotta nous proposent d'en savoir plus sur ce film atypique de Joe Dante qui date de 1988. On connaissait ce cinéaste pour Gremlins, un film de 1984 qui connut un énorme succès mondial. Ne serait-ce qu'aux USA, ce film qui n'avait coûté que 11 000 000$ rapporta 148 168 000$.

The 'Burbs (Les banlieusards) est à l'initiative de son scénariste Dana Olsen qui l'avait imaginé devenir une série télévisée. Cette série ne vit jamais le jour et obligea à son créateur d'en racheter les droits. C'est lui qui demanda à Joe Dante de réaliser son scénario redéveloppé au format long-métrage. Le tournage ayant eu lieu pendant la grève des scénaristes, Joe Dante trouva la parade en engageant Dana Olsen comme comédien (il interprète un policier) ainsi il l'avait sous "la main" pour faire évoluer éventuellement le script.

Cette "comédie psycho-dramatique", comme il est dit dans les Bonus a été filmée dans sa chronologie, ce qui est rarissime pour diverses raisons pratiques sinon techniques. Le fait que The 'Burbs fut entièrement tourné, y compris les extérieurs, dans les Studios Universal facilita la chose.

Mais parlons du film. La famille Peterson habite Mayfield Place, une rue paisible de Hinckley Hills, dans le Midwest. Carol (interprétée par Carrie Fisher) et Ray (incarné par Tom Hanks) profite du calme du quartier pour se reposer le temps d'une semaine de congé. Mais à deux pas de chez eux, il y a un mois, une nouvelle famille, les Klopec, se sont installés. Leur attitude plus que bizarre, pour ne pas dire étrange, fait que Ray, Mark Rumsfield (Bruce Dern) un vétéran de l'US army et Art Weingartner (Rick Ducommun) "le fouineur", décident d'en savoir plus et les espionnent car leur voisin Walter a disparu...

Je n'en dirai pas plus mais ce film, dont de nombreux dialogues ont été improvisés, reçut un accueil critique plus que mitigé lors de sa sortie aux États Unis mais connut de bons résultats à cause de la présence de Tom Hanks, qui n'était pas la star d'aujourd'hui, mais dont le film précédent Big connut un énorme succès.

Coffret Ultra Collector (3000 exemplaires) et DVD ou Blu-ray en version single

Coffret Blu-ray et double DVD (97'- 102’) – Bonus : Préface de Frank Lafond (6') - La vie de banlieue selon Joe Dante (22') - The 'Burbs copie de travail (106') - Le conte de deux banlieues (24') - Fin alternative (7') - Archives promotionnelles (12') - Uniquement avec la version Ultra Collector : Les monstres de Mayfield Place, un livre de 200 pages - Carlotta

Film ♥♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥♥

Bonjour Tristesse

2016-11-28T15:47:00.001+01:00

d'Otto Preminger

Ce film de 1958, est adapté du premier roman de Françoise Sagan, paru en 1954, qui connut un énorme succès tant en France qu'à l'étranger. Elle a 18 ans quand paraît son livre le 15 mars 1954. Il est le vingt-sixième film de ce cinéaste américain d'origine autrichienne. Rappelez-vous de Laura, en 1944, avec Gene Tierney ou encore de L'Homme au Bras d'Or, en 1955, avec Frank Sinatra...

Mêlant intelligemment noir et blanc (pour le scènes "actuelles") et couleurs (pour les scènes du passé) - alors que de nombreux cinéastes utilisent l'inverse - ce film est d'une rare modernité. D'aucuns disent qu'il est fondateur de l'univers des portraits acerbes que Michelangelo Antonioni tournera ensuite. Cécile, le rôle principal de ce film, qui n'est absolument pas autobiographique, est incarné par Jean Seberg. Otto Preminger l'avait fait débuter dans son précédent film : Jeanne d'Arc (en 1957). Bien avant qu'elle ne joue dans À Bout de Souffle de Jean-Luc Godard, en 1960. Alors simple critique de cinéma, François Truffaut (qui eut l'idée du film précédemment cité) fit l'éloge de Bonjour Tristesse à sa sortie en France.

Cécile est jeune, son père (David Niven) plus que volage. C'est à Saint-Tropez, au côté de sa belle-mère du moment, qu'elle va connaître ses premiers émois amoureux. Il y a de la légèreté, de la joie de vivre mais de retour à Paris, Cécile perd de son entrain.

Un film plein de qualités et d'une grande actualité. Certes la mise en scène est classique mais rien que le générique élaboré par Saul Bass, ainsi que l'affiche du film, utilisée ici en couverture des boîtiers DVD et Blu-ray, sont exemplaires et témoignent du talent de ce graphiste (voir ici tous les films auxquels il a collaboré -impressionnant-).

À voir absolument dans cette version restaurée 4K.

DVD – Blu-ray - Film (90’ - 94’) – Bonus : Un charmant petit monstre, entretien avec Denis Westhoff, fils de Françoise Sagan (14’) - A unique collaboration, Jan-Christophe Horak revient sur la collaboration d'Otto Preminger avec le graphiste américain Saul Bass (21’) - Archives : sélection des comédiennes (1') - Sur le tournage (1') - Cinépanorama (émission du 26/9/1957 de Jean Kerchbron et Frédéric Rossif) 5'- Cinéma (émission du 22/1/1966 de François Chalais) 30' - Carlotta

Film ♥♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥♥

3 Films de Richard Fleischer

2016-11-09T16:58:00.000+01:00

Ce cinéaste américain dont la filmographie est plus qu'impressionnante (voir ici) est un véritable artisan, au sens noble du terme. Il sait prendre les sujets et les moduler, sinon les modeler, à sa manière. Il sait être efficace, marquant de son intelligence tous les sujets qu'il sera amené à traiter. Il sait, même s'il n'est pas à la source du projet, mener son travail à bien.

Il nous est proposé ici trois films qui du thriller au drame social et au polar 70's nous permettent de mettre en perspective le travail de ce metteur en scène, considéré comme mineur. Car à part Soleil Vert, en 1993, peu lui on fait grâce de reconnaître son véritable talent.

Terreur Aveugle

Suite à une chute de cheval, la jeune Sarah (incarnée par Mia Farrow) devient aveugle. Elle ira vivre chez sa tante, Sandy, et son oncle, George, dans la campagne anglaise mais ce sera "terreur, jour et nuit...". Pour ne rien dévoiler de la suite, la performance physique de Mia Farrow est remarquable.

DVD – Blu-ray - Film (85’ - 89’) – Bonus : Préface de Nicolas Saada (7') - Fulgurances physiques (un entretien avec le cinéaste Fabrice du Welz - 15')

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

L'Étrangleur de Rillington Place

Inspiré de faits réels, ce film repose sur l'inégalité des classes sociales à la fin des années 40. D'entrée, nous sommes plongés dans l'univers sadique d'un "serial killer". L'essentiel du film se passe dans une petite maison de Londres. Mais quand on sait que Richard Fleischer voulait devenir psychiatre avant de devenir cinéaste, on devine le choix des sujets de ses films...

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

DVD – Blu-ray - Film (106’ - 111’) – Bonus : Préface de Nicolas Saada (7') - Richard Fleischer, un auteur discret (un entretien avec le cinéaste Christophe Gans - 24') - Dans la peau de Beryl (un entretien avec le Judy Geeson - 22')

Les Flics ne Dorment pas la Nuit

Après leur période de formation, trois nouvelles recrues intègrent un des commissariats du LAPD (Los Angeles Police Department). Adapté d'un roman (New Centurions) écrit par un policier de cette structure et basé sur certains de ses anciens collègues, ce film est avant tout réaliste. Violences urbaines et autres bavures policières sont au rendez-vous. Il est mon préféré de ce coffret et démontre la maîtrise ce cinéaste qui au-delà de sa grande technicité sait traiter des sujets aussi divers que variés. À noter ici la présence de George C. Scott et de Stacy Keach.

DVD – Blu-ray - Film (99’ - 103’) – Bonus : Préface de Nicolas Saada (7') - Chronique humaniste (un entretien avec le cinéaste Nicolas Boukhrief - 25') - Cop stories (entretiens avec Joseph Wangbaugh, Stacy Keach, Richard Kalk et Ronald Vidor - 44') - Les flics ne dorment pas la nuit en Super 8 (uniquement sur Blu-ray - 17')

Film ♥♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥♥

Coffret 3 Blu-ray et 3 DVD sinon en versions unitaires Blu-ray ou DVD - Carlotta

Little Big Man

2016-10-24T17:22:00.004+02:00

d'Arthur Penn

Et voici le nouvel opus de la Collection COFFRET ULTRA COLLECTOR, les Éditions Carlotta nous proposent de revisiter le septième film d'Arthur Penn, il date de 1970. Ce réalisateur venu du théâtre et de la télévision avait toujours eut envie de dresser une fresque sur la relation des immigrés avec les amérindiens.

C'est en 1964, qu'il découvrit le roman de Thomas Berger qui lui permit de bâtir ce film. Tous les ingrédients y étaient. Même s'il s'agit d'une fiction, elle s'inscrit dans une perspective historique, se référant notamment à la bataille de Little Big Horn qui eut lieu le 25 juin 1876.

Ce film, dont le rôle principal est admirablement interprété par Dustin Hoffman, commence par les confidences qu'un vieil homme de 121 ans (Jack Crabb), seul survivant de la bataille, faites à un historien. Bataille qui vit la victoire des indiens sur les troupes du général Custer.

Jack Crabb a été adopté par les Cheyennes, suite au massacre de ses parents par les Pawnees. Il reçut le nom de Little Big Man (Grand petit homme). S'en suit, pour lui, une série d'expériences plus ou moins réussies qui nous dresse, sur des registres multiples, un portrait de l'Amérique de l'époque.

Dustin Hoffman démontre l'ampleur de tout son talent incarnant ce Jack Crabb de l'âge de 17 à 121 ans... Maquillage oblige. Ce film est réalisé de façon très classique mais ne manque pas de charme dans sa version restaurée HD.

Une véritable fresque sur la conquête de l'Ouest américain. Même ceux qui ne sont pas amateurs de western y trouveront leur compte car il s'agit ici d'un "récit de survie".

Coffret Ultra Collector (3000 exemplaires) et Blu-ray en version single

Coffret Blu-ray et double DVD (134'- 140’) – Bonus : Préface de Philippe Rouyer (7') - Une épopée picaresque (25') - Arthur Penn sur le tournage (26') - Les multiples facettes de Dustin Hoffman (14') - Uniquement avec la version Ultra Collector : Penser la spontanéité, un livre de 160 pages - Carlotta - L'Atelier d'Images

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

l'Âge d'Or du Cinéma Japonais (1935-1975)

2016-10-17T10:43:00.000+02:00

Les Éditions Carlotta, en association avec GM Éditions, nous propose le dictionnaire de tous les cinéastes japonais ayant tourné pendant cet "Âge d'Or" que les historiens du cinéma situent entre 1935 et 1975.

Ce dictionnaire généreux et accessible à tous, novices comme cinéphiles, retrace le parcours des réalisateurs et des films à l’origine. Placé sous la direction de Pascal-Alex Vincent, 101 destins et 101 histoires de cinéastes qui ont contribué à faire du cinéma japonais l’un des premiers cinémas au monde. Le dictionnaire est également présenté avec un cahier d’illustrations.

Ce Coffret, en édition limitée à 1500 exemplaires, est accompagné de 6 DVD :

- Voyage à Tokyo de Yasujiro Ozu

- Contes des Chrysantèmes Tardifs de Kenji Mizoguchi

- Harakiri de Masaki Kobayashi

- Contes Cruels de la Jeunesse de Nagisa Oshima

- Je ne Regrette Rien de Ma Jeunesse d’Akira Kurosawa

- Une Femme dans la Tourmente de Mikio Naruse (inédit en vidéo !)

Avec les contributions de Fabrice Arduini, Diane Arnaud, Catherine Cadou, Mathieu Capel, Simon Daniellou, Robin Gatto, Olivier Hadouchi, Yannick Kernec’h, Futoshi Koga, Osamu Kuroi, Claude Leblanc, Olivier Malosse, Eléonore Mahmoudian, Antoine de Mena, Stéphane du Mesnildot, Teruyo Nogami, Eithne O’Neill, Marie Pruvost-Deslapre, Clément Rauger, Julien Sévéon, Pascal-Alex Vincent, Junko Watanabe.

Un ensemble indispensable à tout amateur du Cinéma Japonais.

Livre de 250 pages (inclus la préface inédite de Kiyoshi Kurosawa, réalisateur du dyptique Shokuzai et de Tokyo Sonata) - 2 feuillets de photos - 6 DVD - Carlotta Films, en association avec GM Éditions

****

Le Prince de Hombourg

2016-10-07T16:09:00.003+02:00

de Marco Bellochio

Ce cinéaste italien, très féru de psychiatrie, a adapté en prose, pour le cinéma, la pièce en vers de Heinrich von Kleist en 1996. Kleist est une figure emblématique du romantisme allemand et a été très souvent adapté au cinéma. La Marquise d'O (Éric Rohmer, en 1976); Michael Kohlhass (Volker Schlöndorff, en 1969, et Arnaud des Pallières, en 2013).

Cet auteur, dont l'œuvre est courte, il s'est suicidé en l'âge de 34 ans, a beaucoup inspiré le cinéma. Sa vie a même été le sujet du film Jessica Hausner : Amour Fou, sorti en salle en 2015.

Ce chef d'œuvre du théâtre classique allemand nous est proposé ici dans une approche onirique des tourments de l'amour et de la guerre. Le jeune prince de Hombourg est le commandant de la cavalerie du Brandebourg. Il est engagé dans "la guerre de Hollande"* qui se déroula de 1672 à 1678 et opposa la France et ses alliés (l'Angleterre, le Münster, Liège, la Bavière et la Suède) à la Quadruple-Alliance comprenant les Provinces-Unies, le Saint-Empire, le Brandebourg et l'Espagne.

Le problème est que Frédéric, prince de Hombourg est sujet au somnambulisme et qu'il erre un soir avec un gant, celui de Nathalie. Quelque peu déboussolé par cet évènement il n'écoute pas (ou peu) les instructions alors que l'Électeur, son oncle, à savoir le chef de l'État et de l'armée, ordonne de ne pas attaquer avant son ordre les troupes suédoises. Dans la confusion du combat, Frédéric croit que l’Électeur a été tué : il ordonne l'attaque et remporte la victoire, mais contre les ordres reçus. L’Électeur souhaite que son indiscipline soit punie de façon exemplaire. Il laisse à Frédéric le choix de la sentence...

Un film tourné pour la plupart des scènes dans des univers sombres et propices aux atermoiements d'un romantisme aujourd'hui dépassé. Il fit néanmoins partie de la Sélection Officielle 1997 du Festival de Cannes.

DVD – Blu-ray - Film (82’ - 85’) – Bonus : Joan Bennett : "Marco Bellochio, de la poésie à la prose" entretien avec Michel Ciment (18’) - Carlotta

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥½

* https://fr.wikipedia.org/wiki/Guerre_de_Hollande

Coffret King Hu

2016-09-27T17:01:00.000+02:00

Dragon Inn

A Touch of Zen

Avec ce coffret, les amateurs de kung-fu et autres films de capes et d'épées chinois (Wuxia) en auront pour leur argent car King Hu, Hu Chin-chan, de son vrai nom, a su renouveler le genre, très inspiré par les œuvres présentées à l'opéra de Pékin.

Si Dragon Inn, qui date de 1967, est d'entrée plus marqué "arts martiaux", il n'est pas sans nous faire penser aux Kill Bill de Quentin Tarantino. A Touch of Zen (de 1971) a un univers beaucoup plus esthétique. Les scènes d'action ne débutent qu'après une heure (le film en dure trois) mais sont d'une chorégraphie redoutable.

King Hu, qui a débuté sa carrière comme acteur comique, a acquis au fil du temps une maîtrise totale de son art cinématographique, tant au niveau de la construction des plans que du montage.

Les Éditions Carlotta nous proposent ces deux films dans leur version intégrale et restaurés en 4K. A Touch of Zen, pour d'obscures raisons, avait été un échec commercial lors de sa sortie en 1972 mais après avoir eu un Prix au Festival de Cannes, en 1975, il connut, dans sa version intégrale un immense succès à Taïwan et dans le sud-est asiatique.

Mais de quoi parlent ces films, allez-vous me demander? Dragon Inn (L'Auberge du Dragon) est situé en 1457, alors que la Chine est sous l'emprise des eunuques. Cao Shaoquin a ordonné l'assassinat du ministre de la Défense, Yu Quian. Ses trois enfants sont contraints à l'exil mais Cao a ordonné à deux de ses fidèles de les tuer avant qu'ils ne partent à l'étranger. C'est donc à l'Auberge du Dragon, un lieu au milieu de nulle part, que ces hommes et leur troupe vont tendre une embuscade. Mais c'est sans compter sur l'arrivée d'un étrange personnage, Xiao Shaozi, arrivé sur les lieux pour déjeuner...

A Touch of Zen, dont l'action se situe au XV° siècle, semble-t-il, nous conte l'histoire de Gu Shengzai. Il a trente ans, célibataire, au plus grand regret de sa mère. Il est à la fois peintre et écrivain public. Son destin va être bouleversé par l'arrivée d'une nouvelle voisine très mystérieuse. Elle s'appelle Yang Huyzhen et est la fille d'un homme qui été assassiné par la police politique du grand eunuque Wei. La caméra de King Hu, qui adore les scènes nocturnes, est beaucoup plus mouvante que dans le précédent film. On peut estimer qu'il s'agit du meilleur film de sa carrière, tout du moins le plus emblématique de son travail.

Un ensemble magnifique qui remet en valeur le travail d'un cinéaste mal connu du grand public malgré ses qualités indéniables.

Coffret 2 Blu-ray + 1 DVD (exclusif - 48' -) Hubert Niogret lève le voile sur King Hu (1932-1997) - Carlotta

Films ♥♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥♥

Ces films sont également disponibles en version individuelle DVD et Blu-ray

Dragon Inn (107’ - 111’) – Bonus : préface de Pierre Rissient (6'20) - Hostel forces (15') - Actualités de 1967 (1'40)

A Touch of Zen (172’ - 180’) – Bonus : préface de Pierre Rissient (7') - Golden blood (18')

Le Soldat Laforêt

2016-09-15T16:56:00.003+02:00

de Guy Cavagnac

Eh oui, le cinéma régionaliste existe!... La preuve est ici avec ce très étonnant film qui ne s'inscrit pas forcément dans les années où devraient s'inscrire son histoire. Réalisé en 1970, il n'est sorti en salle qu'en 1974...

Nous sommes en juin 1940, lesté de son paquetage, alors qu'il marche avec son bataillon, le soldat Laforêt est amené à soulager un besoin naturel. Le problème est qu'il n'arrive pas à retrouver son régiment, du coup, il va errer dans les paysages de l'Aveyron.

Ce film sur l'errance n'est pas sans nous évoquer le cinéma de Jean Renoir. Comment un homme retrouve sa liberté? Le soldat Laforêt va rencontrer diverses personnes, vivre dans un environnement qui n'est pas le sien.

Un film "à part" qui porte néanmoins les traces des événements de 1968 dans sa liberté de ton sinon dans son approche de la sexualité...

DVD - Film (96’) – Bonus : Retrouvailles G. Cavagnac et Catherine Rouvel se rémémorent leur rencontre (14’) - Un film de couple Catherine Delmas (monteuse) et Claude Delmas (scénariste) se souviennent...(7’) - Pour une contre-histoire du cinéma... - La Vota, un court-métrage de Guy Cavagnac, de 1984, sur la fête annuelle de Salles-Courbatiès - Carlotta/La Cinémathèque de Toulouse

Film ♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥

Midnight Collection #2

2016-09-01T15:42:00.002+02:00

Comme signalé précédemment (voir ici pour la Collection #1), les Éditions Carlotta sont passées en mode "mineur" avec des films ici de catégorie Z. Ces films qu'on regarde quand le dimanche soir on n'a pas forcément envie de se prendre "la tête" avec un chef d'œuvre du 7ème Art... Ils nous sont proposés en DVD et Blu-ray et reprennent les succès des films qui étaient en location en VHS. Ils datent ici, dans cette seconde vague, des années 82 à 91...

- Frankenhooher, ce film de 1989 est signé Frank Henenlotter. C'est du "grand n'importe quoi..." Jeffrey Franken est électricien et "médecin à ses heures perdues!..." Il est "créatif" selon sa mère... Il adore s'impliquer dans des expériences scientifiques. Ici, il va tenter de reconstituer corps et âme sa fiancée Elizabeth qui s'est faite "hacher" par une tondeuse à gazon...

DVD – Blu-ray - Film (81’ - 84’) - Carlotta

Film ♥♥½

- Basket Case (Frère de Sang), de 1982, est aussi signé Frank Henenlotter (voir plus haut). Pas toujours évident de vivre avec un frère siamois qu'on est obligé de trimballer dans un panier en osier... Car ils ont été séparés par des médecins peu scrupuleux. La vengeance est au rendez-vous... Du "Grand Guignol" macabre. Pas vraiment réussi.

DVD – Blu-ray - Film (87’ - 91’) - Carlotta

Film ½

- Basket Case (Frère de Sang 2), film de 1990 : je suis effondré...

DVD – Blu-ray - Film (86’ - 90’) - Carlotta

Film ½

- Basket Case (Frère de Sang 3), film de 1991, je suis dévasté...

DVD – Blu-ray - Film (86’ - 90') - Carlotta

Film ½

Une Collection de "nanars" (mais il en faut aussi...) en DVD ou Blu-ray à petits prix. Il n'y a pas de chefs d'œuvre mais on s'en doutait. Il y a de bons moments mais de "sacrés quarts d'heure" comme disait ma concierge... Le ½ est uniquement destiné aux techniciens.

Midnight Collection #1

2016-07-04T16:32:00.005+02:00

Alors que les Éditions Carlotta continuent à nous régaler avec les re-éditions de "Grands Classiques" du cinéma, voilà qu'elles passent au mode "mineur" (mais parfois totalement jouissif sinon régressif) avec des films de catégorie B sinon Z. Ces films qu'on regarde quand le dimanche soir, on n'a pas forcément envie de se prendre "la tête" avec un Dreyer ou un Bergman... Ils nous sont proposés en DVD et Blu-ray et reprennent les succès des films qui étaient en location en VHS. Ils datent des années 70 à 90...

Dans la première vague (la seconde dont nous parlerons ultérieurement sera disponible le 24 août prochain), nous avons droit à :

- Blue Jean Cop, ce film de 1988 est signé James Glickenhaus, inspiré d'un "fait réel". Il nous plonge dans l'histoire d'un avocat chargé de défendre un dealer accusé d'avoir tué un policier qui, en fait, cherchait à le racketter...

DVD – Blu-ray - Film (93’ - 96’) - Carlotta

Film ♥♥♥

- The Exterminator, ce film date de 1980, il est aussi signé par le prolifique James Glickenhaus. Nous sommes ici dans une histoire de vengeance. Ils se sont connus lors de la guerre du Vietnam. Il a été agressé à New York, son ami fera justice lui-même...

DVD – Blu-ray - Film (98’ - 102’) - Carlotta

Film ♥♥

- Le Scorpion Rouge, ce film de 1989, avec Dolph Lundgren, de piètre mémoire, est tout aussi ridicule que bien d'autres comme Arnold Schwarzenegger ou Sylvester Stallone. La testostérone ne suffit pas à faire du bon cinéma, fût-ce dans une Afrique de pacotille...

DVD – Blu-ray - Film (101’ - 105’) - Carlotta

Film ♥

- Maniac Cop, un autre film de 1988. Nous sommes ici dans un autre registre : entre thriller et slasher. Un soi-disant policier en uniforme sème la terreur dans les rues de New York... L'agent Forrest est soupçonné d'être cet assassin mais l'inspecteur McCrae est convaincu de l'inverse...

DVD – Blu-ray - Film (81’ - 85’) - Carlotta

Film ♥♥♥

À part 1 bémol pour Le Scorpion Rouge, des DVD ou Blu-ray à petits prix. Il n'y a pas de chefs d'œuvre mais on le savait d'avance. Il y a de bons moments mais de "sacrés quarts d'heure" comme disait l'autre...

Vers la fin août, je vous parlerai de la "seconde vague"

Silent Running

2016-07-04T11:37:00.000+02:00

de Douglas Trumbull

Ce film de 1972 est d'une étonnante actualité et il est emblématique du cinéma de science-fiction. Il est vrai qu'il a été réalisé par celui qui a supervisé les effets visuels de 2001, l'Odyssée de l'Espace, signé Stanley Kubrick, en 1968. Pour la petite histoire, Douglas Trumbull est le fils de Donald Trumbull qui a travaillé sur les effets spéciaux du Magicien d'Oz, avec Judy Garland, film sorti en 1939 dont la genèse et le tournage furent plus qu'épiques et mouvementés (pour en savoir plus c'est ici).

Il aurait été tourné de nos jours que le sujet aurait été à peine modifié tant il relève d'un esprit écologique et d'une certaine réalité concernant l'appauvrissement des ressources naturelles de la Terre. Quant aux effets visuels, remarquables ici, ils auraient été réalisés en mode digital...

Nous sommes dans le futur, la végétation a presque totalement disparu sur notre planète. C'est à bord du transporteur spatial Valley Forge, de l'American Airlines Space Freighter, que le biologiste Freeman Lowell (incarné par Bruce Dern) s'occupe de l'entretien des serres géantes. Elles sont destinées à conserver, dans l'espace, la diversité des espèces végétales de nos jardins et de nos forêts ainsi que quelques petits animaux. Lowell est aidé, dans sa tâche, par deux robots Huey et Dewey.

Tout va bien jusqu'au jour où l'équipage reçoit un message de la Terre. On lui demande de tout détruire et de retourner sur la planète. Passionné par son travail, Lowell refuse et fera tout pour sauver ses jardins et forêts. Il prendra les commandes du vaisseau spatial.

Silent Running* est absolument à voir, qu'on apprécie ou non la science-fiction car il est d'une intelligence rare. Son scénario a été co-écrit par Michael Cimino, qui vient de nous quitter. Les chroniques concernant ses propres films re-édités récemment ou non sont ici : La Porte du Paradis, Le Canardeur, La Maison des Otages et L'Année du Dragon. Voir ici l'hommage qui est rendu par le patron de Carlotta.

DVD – Blu-ray - Film (86’ - 89’) – Bonus : Dans les coulisses de Silent Running (47’) - Entretien avec Bruce Dern (10’) - Hier, aujourd'hui et demain par Douglas Trumbull (5') - Douglas Trumbull parle de Silent Running (30') - uniquement sur le Blu-ray - Wild Side

Film ♥♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥♥

* "Le film s'appelle ainsi parce que, lorsque son vaisseau est menacé de destruction par les vaisseaux qui le traquent, le héros se réfugie au milieu des anneaux de Saturne, ce qui lui permet de poursuivre sa course en mode silencieux."

Panique à Needle Park

2016-06-21T15:22:00.000+02:00

de Jerry Schatzberg

Et voici le troisième opus de la Collection COFFRET ULTRA COLLECTOR*, les Éditions Carlotta nous proposent de revisiter le second film de Jerry Schatzberg, datant de 1971. C'est ce film qui révéla Al Pacino (ici dans le rôle de Bobby) sur les écrans après avoir fait ses preuves au théâtre où le cinéaste l'avait découvert.

Après avoir été photographe de mode, de publicité et aussi d'actualité, dans les années 60, pour les plus grandes revues américaines comme Vogue, Esquire, Cosmopolitan ou encore Life, Jerry Schatzberg est passé à la réalisation en 1970 avec Portrait d'une Enfant Déchue (dont le rôle principal était incarné par Faye Dunaway).

Il nous plonge ici dans le sordide univers des habitués d'alors de Needle Park**. Ce lieu de New York est situé à l'intersection de Broadway et de la 72ème rue et s'appelle, en fait, Sherman Park. C'était le lieu privilégié des toxicomanes de Big Apple. C'est dans les environs de cet endroit que Bobby (incarné donc par Al Pacino), un héroïnomane, rencontre Helen (interprétée par Kitty Winn). Elle se remet lentement d'un avortement et il tombe amoureux d'elle. Il n'est qu'un petit trafiquant. Il a déjà fait de la prison. Il est connu des policiers de la brigade des stupéfiants... Mais l'osmose va se faire entre eux deux... mais c'est bientôt la panique à Needle Park car la drogue vient à manquer...

Filmé très souvent sur un mode documentaire, dans les rues du New York d'alors à l'aide de longues focales, on est frappé par la présence d'Al Pacino. Au-delà des scènes qu'il a improvisées, dixit Jerry Schatzberg, dans les Bonus, on a véritablement l'impression qu'il s'est totalement investi dans ce rôle (Actor's Studio oblige...).

On peut regretter que les jurés du Festival de Cannes 1971 aient récompensé Kitty Winn (dont la carrière fut plus que modeste) et non Al Pacino, en lieu et place de Riccardo Cucciolla (dans le rôle de Sacco dans Sacco et Vanzetti et qui eut une carrière d'une grande banalité).

Ce film est sans doute (inconsciemment !?) à la base de Mad Love in New York -chroniqué ici- même si les circonstances sont différentes. Je vous renvois aux Bonus de chacun de ces films.

Jerry Shatzberg tourna ensuite le superbe L'Épouvantail (The Scarecrow) avec nouveau Al Pacino et Gene Hackman. Film qui fut récompensé de la Palme d'Or au Festival de Cannes 1973. Entre Panique à Needle Park et L'Épouvantail, Al Pacino joua dans Le Parrain de Francis Ford Coppola, le rôle de Michael Corleone. Un chef d'œuvre multiplement récompensé.

Coffret Ultra Collector (2000 exemplaires) et DVD et Blu-ray en version single

(105’- 110’) – Bonus : Jerry photographe (17') - Jerry cinéaste (21') - Al & Jerry (9') - Jerry à Cannes (6') - 5 scènes commentées par le réalisateur (21') - Uniquement avec la version Ultra Collector : La vie sur grand écran, un livre de 200 pages - Carlotta

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥♥

* Après Body Double de Brian De Palma (voir ici) et L'Année du Dragon de Michael Cimino (voirlà)

** Le parc "de la seringue"

Vivre

2016-06-14T18:15:00.001+02:00

de Akira Kurosawa

Ce film de 1952 a été un des plus grands succès public et critique de Kurosawa. Il a été tourné avant le mythique Les Sept Samouraïs et après L'Idiot que le cinéaste avait adapté du roman de Dostoïevski. Il avait auparavant réalisé un autre film emblématique de son œuvre : Rashōmon.

Kurosawa n'a que 42 ans quand il tourne ce film qui est sans doute le plus personnel de son exceptionnelle carrière. « Quelquefois, je pense à ma mort. Alors je me tourmente, pensant à la façon dont je pousserai mon dernier soupir après avoir vécu la vie que je mène. Il me reste beaucoup à faire tant que je suis en vie, j'ai l'impression de ne pas avoir assez de ne pas avoir assez vécu. Mon coeur souffre à cette idée. Vivre est fondé sur ce sentiment. » Rappelons qu'ils est né en 1910 et qu'il a décédé en 1998...

Kanji Watanabe, un fonctionnaire proche de la retraite, prend conscience de la vacuité de son existence quand il apprend qu'il n'a plus que trois mois à vivre. Alors qu'il n'a pas fait grand chose lors de sa carrière, il va s'ingénier à assainir un terrain vague et créer un jardin pour les enfants. Malgré sa connaissance des rouages inertes d'une bureaucratie sclérosée, il se bat pour ce projet : sa façon de rester en vie...

Kurosawa démontre ici sa maîtrise totale de la technique, du rythme, du tempo d'une histoire. Quatre années après l'avoir quittée, le cœur meurtri nous dit-on, en 1948, il est revenu à la Toho donc en 1952. D'avril à octobre 1948, ce studio japonais où il a débuté sa carrière, comme assistant-réalisateur, avant de devenir scénariste en 1941 et réalisateur, en 1943, était en proie à un conflit social d'une rare gravité syndicale et politique.

On passe ici du ridicule au sublime. Chaque séquence démontre l'énorme culture cinématographique de Kurosawa. Il joue de tous les styles et schémas cinématographiques d'alors. Il atteint des sommets ici pour le treizième film de sa carrière qui s'inscrit dans la Collection "Les Années Toho" initiée par Wild Side.

Un film important pour sa profondeur, son humanité et ses qualités cinématographiques. À voir d'urgence...

DVD – Blu-ray - Film (137' - 132’) – Bonus : Vivre par Charles Tesson (35’) - Vivre : un livret de 58 pages signé Charles Tesson - Wild Side

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

Vivre dans la Peur

2016-06-14T16:34:00.000+02:00

de Akira Kurosawa

Ce film de 1955 s'inscrit dans la filmographie de ce grand cinéaste qu'était Kurosawa entre Les Sept Samouraïs et Le Château de l'Araignée, deux films emblématiques de sa carrière. Si il n'est pas du même niveau, Vivre dans la Peur nous communique une ambiance du Japon d'alors.

Rappelez-vous que le 6 août 1945 et que le 9 août de la même année, des bombes atomiques sont tombées sur Hiroshima et ensuite Nagasaki... Et que dès 1954, les essais nucléaires américains reprennent sur l'atoll de Bikini, à deux pas du Japon, en plein milieu de l'océan Pacifique.

Traumatisé par ce qu'il avait vécu, à la fin de la Seconde Guerre Mondiale, Kiichi Nakajima,un riche industriel, est convaincu qu'une nouvelle guerre atomique est imminente. Le simple tonnerre provoqué par un orage le plonge dans un état de stupeur...

Il a investi 7 milliards de Yens dans la construction d'un abri anti-nucléaire dans le nord du Japon, pour s'abriter des vents du sud qui pourraient contenir des particules atomiques... Mais, en vain, angoissé, au plus au point, il décide d'arrêter les travaux. Lui et toute sa famille iront se réfugier au Brésil. D'après ses analyses délirantes, là-bas, ils seront à l'abri.

Cela n'est pas du goût de ses proches qui vont entamer une procédure judiciaire et faire appel à un médiateur. L'accord à l'amiable est une caractéristique du Droit japonais. Sa famille demande sa mise sous tutelle et le déclarer inapte à gérer ses affaires, de façon à ce qu'il ne dilapide pas sa fortune bien qu'il ait l'intention de liquider tout son patrimoine, dans son délire de persécution.

Le scénario de ce film a été inspiré par un grave incident, celui de l'irradiation de pêcheurs japonais partis en mer et touchés par une pluie radioactive. L'un des hommes mourut au bout de quelques mois et les autres malades en gardèrent plus que des séquelles graves. C'est son grand ami, le compositeur Fumio Hayasaka qui a donné, à Kurosawa, l'idée de développer un film autour de cet évènement qui a secoué le Japon tout entier. Hayasaka qui vient de signer la musique des Sept Mercenaires se sait déjà mourant de la tuberculose. Il a écrit huit musiques de film pour Kurosawa et il lui dira : « Comment peut-on travailler en se sachant condamné à mort ? ». Il décéda durant le tournage de ce film.

Ce film, de facture très classique, et sans les envolées lyriques des films "historiques" que Kurosawa filma ensuite est marqué par la prestation de Tishurô Mifune. Ce dernier n'a que 35 ans alors qu'il incarne un patriarche de 75 ans. Certes, il y a le maquillage mais à sa façon de marcher, de se comporter avec les siens, il y a une véritable performance de cet acteur mythique du cinéma japonais.

Ce film s'inscrit dans la Collection "Les années Toho" initiée par Wild Side.

DVD – Blu-ray - Film (99' - 103’) – Bonus : Kurosawa vu par Teruyo Nogami, scripte (26’) - Vivre dans la peur : la genèse (22') - Entretien avec Fabrice Arduini (13') - Vivre dans la peur : un livret de 58 pages signé Charles Tesson - Wild Side

Film ♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥

Mad Love in New York

2016-06-07T16:30:00.002+02:00

de Josh et Benny Safdie

C'est le hasard qui a voulu que les frères Safdie croisent Arielle Holmes dans le quartier des diamantaires de New York où ils étaient partis en repérage pour un tout autre film. Elle avait dix-neuf ans, à l'époque, mais déjà SDF et déjà bien "accro" à l'héroïne. Son petit ami d'alors, Ilya, avait une influence plus que négative sur elle...

Après plusieurs rencontres, les frères Safdie lui demandèrent d'écrire ce qu'elle vivait réellement avec ses mots à elle. Allant de boutiques Apple en boutiques Apple, dans le nord de la ville, elle réussit à compiler 150 pages décrivant son quotidien. C'est sur cette base, qu'ils nous proposent ce film.

Il leur est apparu évident qu'Arielle Holmes incarne le rôle d'Harley. Encore fallait-il trouver les autres protagonistes. Entre acteurs professionnels (dont Caleb Landry Jones dans le rôle d'Ilya), ils embauchèrent des amateurs. Ce film indépendant relève de la mouvance mumblecore (voir ici).

Drogue, alcool sont le lot quotidien des protagonistes de ce film qui évoque la vie de ces jeunes "sans passé, ni futur" dans un New York filmé sans affèteries. Souvent caméra à l'épaule, on est à la limite du documentaire alors que tout est écrit...« Si tu m'aimais, tu te serais déjà suicidée. » dit Ilya à Harley qui, ni une ni deux, se coupera les veines. Il est vrai qu'elle a couché avec un de ses compagnons d'infortune.

Quatorze points de suture après, elle revient dans la rue, dans les mêmes galères qu'avant. Un film désespérant sinon désespéré. Le portrait d'une jeune femme filmée dans la chronologie du scénario établi, très souvent, en caméra cachée à l'aide de longues focale, de façon à conserver le "naturel" de ces acteurs d'un jour ou deux!...

Un film dérangeant (qui ne sera pas le préféré de Christine Boutin et ce n'est pas une boutade. Boutin : oui ;O))

DVD – Blu-ray - Film (93’ - 97’) – Bonus : 4 scènes coupées (9') - A hot two weeks : le making of réalisé par Simon Hacker (17’) - Carlotta

Film ♥♥♥

Bonus ♥♥♥

Lenny

2016-03-24T15:51:00.001+01:00

de Bob Fosse

Ce film de 1974 est un biopic qui revient sur la vie et la carrière du comique américain, considéré comme étant l'inventeur du stand-up : Lenny Bruce (incarné ici par Dustin Hoffman). Son vrai nom était Leonard Alfred Schneider. Il est né en 1925 et a décédé des suites d'une overdose en 1966.

Il a été mis en scène par Bob Fosse qui, à l'époque, était plus connu pour ses talents de chorégraphe à Broadway et les deux comédies musicales Sweet Charity (en 1969) et surtout Cabaret (en 1972) qui remporta 8 Oscars. Il démontre ici que son sens de la sophistication mis au service de sa réalisation lui permettait d'aborder d'autres sujets que ceux musicaux.

Bien qu'adapté d'une pièce de Julian Barry, ce film a une vision cinématographique étonnante. On est vraiment loin, très loin du théâtre filmé. Un véritable travail d'écriture et de mise en scène a été effectué. Il se base sur le travail d'un interviewer dont on ne saura jamais rien. Il interroge tout à tour à tour ceux qui ont connu Lenny : son ex-femme Honey (interprétée par Valerie Perrine), son ancien agent et autres ami(e)s.

La structure du film est éclatée. On passe sans arrêt des interviews aux extraits de sketches sans oublier la reconstitution des divers procès qui émaillèrent la fin de sa carrière et autres éléments de sa vie privée. Politiquement incorrect, aimant appeler "un chat : un chat", maniant aussi le paradoxe : critiquant une société, un système, dont il profita néanmoins.

Grandeur et décadence d'un artiste pour qui sexe, drogue, humour corrosif et propos, jugés grossiers à l'époque, rythmaient la vie. La prestation de Dustin Hoffman y est étonnante. Ce film démontre combien l'Amérique a changé depuis...

"Entre 1959 et 1964, (Lenny Bruce) était pourtant l'un des hommes les plus drôles d'Amérique. Pas nécessairement le plus talentueux. Mais assurément le plus tapageur. Bruce apparaissait comme l'une des figures de proue d'une nouvelle génération de stand-up... développant un humour plus en phase avec la réalité, à la fois intime, politique, grossier, psychologiquement subtil. « Je suis un chirurgien dont le scalpel extrait les fausses valeurs » aimait répéter Bruce."*

Valerie Perrine reçut le Prix d'Interprétation Féminine au terme du Festival de Cannes 1975. Dustin Hoffman aurait mérité de recevoir celui de l'Interprétation Masculine mais Vittorio Gassman était sur les rangs avec Parfum de Femme de Dino Risi...

Coffret 2 DVD + Blu-ray + Livre - Film (107’ - 111’) – Bonus : Bruce Surtees, Prince of Darkness entretien avec Darius Khondji sur le travail de la lumière dans le film (26’) - Seul sur scène, livre exclusif de Samuel Blumenfeld (200 pages) - Wild Side

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

* Extrait de Seul sur scène

La Taverne de la Jamaïque

2016-03-21T16:59:00.000+01:00

de Alfred Hitchcock

Voici le dernier film de la "première" période anglaise d'Hitchcock. Il date de 1939 et est adapté d'un roman de Daphné du Maurier. Il est un des rares "films à costumes" de ce Maître du cinéma.

Pour avoir signé un contrat de 40 000$ par film avec le producteur hollywoodien David O' Selznick, le 14 juillet 1938. Il devait dans un premier temps réaliser Titanic (tournage prévu en avril 1939) dont il trouva le scénario si indigeste qu'il refusa de le mettre en scène. Alors qu'il avait déjà reçu une avance pour ce dernier film, Hitchcock était prêt à vendre sa maison quand Charles Laughton lui proposa de tourner cette première adaptation du roman de Daphné du Maurier.

Hitchcock avait failli en acheter les droits mais les jugeant trop élevés avait abandonné l'affaire. C'est donc Laughton avec son associé allemand Erich Pommer qui les avaient acquis. Sachant qu'Hitchcock avait été intéressé, il lui proposa de le réaliser. Plusieurs versions du scénario furent élaborées. L'ecclésiastique du roman fut transformé en juge... au grand dam de l'auteur initial.

À noter qu'il s'agit également du premier film de Maureen O'Hara, cette rousse irlandaise aux yeux verts qui fit une impressionnante carrière aux USA, dans les grandes années du Technicolor. Un journaliste écrivit à son propos qu'elle était « plus éblouissante qu'un coucher de soleil. »

« Jamaïca Inn était une entreprise totalement absurde. Si on examine l'histoire racontée, on s'aperçoit qu'il s'agit d'un whodunit*... Il se passe toutes sortes d'horreur dans cette fameuse taverne qui abrite des pilleurs d'épaves, des naufrageurs. Ces gens bénéficient d'une impunité totale et ils sont même informés régulièrement des passages des navires dans la région. Pourquoi? Parce que, à la tête de tout ce brigandage, se trouve un homme respectable qui tire les ficelles, et cet homme n'est autre que le juge de paix.

Voilà pourquoi ce film était une entreprise déraisonnable... C'était donc absurde de tourner ce film avec Charles Laughton dans le rôle du juge et, lorsque je m'en suis aperçu, j'ai été réellement désespéré... Je n'en ai jamais été content (du film) malgré le succès commercial inespéré...

Quant à Charles Laughton, c'était un aimable plaisantin. » confiera plus tard Hitchcock à François Truffaut. **

Hitchcock finira par arriver à New York, avec sa famille, le 6 mars 1939, avant d'aller s'installer à Los Angeles. L'ironie du sort voulut que son premier film américain fut Rebecca, adapté d'un autre roman de Daphné du Maurier. Film qui reçut l'Oscar du Meilleur Film en 1940. En 1963, il adapta un autre roman du même auteur Les Oiseaux.

De mon point de vue La Taverne de la Jamaïque est atypique dans l'œuvre du Maître. C'est une curiosité à (re)découvrir dans une version 4K qui fut réalisée en 2014, à l'occasion des 75 ans de ce film totalement tourné en studio!...

« Les choses les plus difficiles à filmer sont les chiens, les bébés, les canots à moteur, et Charles Laughton.» finira par avouer Hitchcock.

DVD – Blu-ray - Film (95’ - 99’) – Bonus : Naufragés en studio, Donald Spoto retrace l'histoire du film (13’) - Carlotta

Film ♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

* "qui l'a fait?" de l'anglais who (has) done it?

** in Le cinéma selon Hitchcock de François Truffaut (Robert Laffont 1966 - Éditions Seghers 1975 - Gallimard 1993 )

Love Streams

2016-03-07T16:46:00.001+01:00

de John Cassavetes

Il s'agit du dernier "vrai film" de ce cinéaste et acteur incontournable qu'est John Cassavetes. Pourquoi "dernier"? Tout simplement parce que c'est le dernier qu'il ait écrit (ici avec l'auteur de la pièce originelle : Ted Allan) et qui est sorti en 1984. Si vous regardez sa filmographie, il tourna Big Trouble en 1986, remplaçant au pied levé Andrew Bergman, qui se désista à la dernière minute, de la réalisation. Le scénario de ce dernier film est signé Warren Bogle, pseudonyme d'A. Bergman. C'est Peter Falk, qui en avait le rôle-titre, acteur fétiche et ami de Cassavetes qui réussit à le convaincre. Cassavetes était réticent à tourner un film dont il n'avait pas écrit le script.

Mais revenons à Love Streams (Torrents d'Amour). Tout d'abord, il s'agit d'un film produit par Cannon Films, beaucoup plus connu à l'époque pour ses productions "musclées", exemples : Hercule, Le Justicier de Minuit, Les Sept Gladiateurs et autres Un Justicier dans la Ville ou encore L'implacable Ninja avec l'inénarrable Jean-Claude Van Damme... Pour Menahem Globan et son cousin Yoram Globus, c'est une première : produire un film d'auteur !*

Adapté donc d'une pièce de théâtre, ce film évoque la relation quasiment fusionnelle d'un frère avec sa sœur. Si ils ne sont pas vus depuis longtemps, ils éprouvent l'un pour l'autre une amour inébranlable. Lui, Robert (incarné par John Cassavetes) est un écrivain qui connaît sans doute un certain succès. Elle,

Sarah (interprétée par Gena Rowlands, épouse de J. Cassavetes à la ville) vient de divorcer de Jack (l'acteur Seymour Cassell est une des figures redondantes dans l'oeuvre de Cassavetes...) qui n'en peut plus de subir ses accès de démence.

Elle, qui débarque se réfugier quasiment sans prévenir chez son frère, est suivie depuis des années par un psy... « L'amour est un torrent. Il coule en continu. Il ne s'arrête pas. » lui dit-elle qui, au grand dam de sa jeune fille Debbie ne supporte plus de voir sa mère ne s'occuper que de personnes en fin de vie. « Vous voulez donner trop d'amour. » lui rétorque le psy...

Quant à lui, on va le découvrir peu à peu. C'est un solitaire et quelque peu alcoolique. Il préfère les relations aussi multiples qu'éphémères mais on va apprendre très vite que, des suites d'un second mariage, il a eu un fils, Albie. Il ne l'a pas vu depuis sa naissance... Quand sa mère le lui confie inopportunément.

Comme toujours, Cassavetes ne prend pas parti, ne s'érige pas en moraliste. Tourné en équipe réduite, il n'y a pas d'esbroufe. Production réduite a minima, le film a été tourné dans la maison même du couple Cassavetes-Rowlands.

Pour ce qui concerne Un Enfant Attend, qui est édité ici en plus, il s'agit en fait d'un film de commande. Il a été écrit par Abby Mann et produit par Stanley Kramer qui en assura le montage. Cassavetes a toujours renié ce film. « La différence ... était que le film de S. Kramer disait qu'il fallait mettre les enfants attardés dans des institutions, alors que le film que j'avais tourné disait que les enfants attardés sont à leur manière meilleurs que des adultes soi-disant sains... Le film... m'a semblé être une trahison envers ces enfants ainsi qu'envers leurs parents.» Certes Gena Rowlands interprète le rôle d'une mère mais... la "pâte" de Cassavetes n'est foncièrement pas au rendez-vous.

À quelques rares exceptions, les films signés John Cassavetes ne peuvent pas nous rendre indifférents. Lui qui se voulait "auteur-artiste-ethnologue-fou". Ils sont l'expression d'un « cinéma-vie » ou d'une « vie-cinéma... puisque la vie continue, et que le flot des émotions est, bien sûr, intarissable.»**

En début de chronique, je parlais du caractère incontournable de l'œuvre de Cassavetes. Cinéaste indépendant, il a toujours su se démarquer des standards d'Hollywood. En tant que comédien, et pour financer ses films, il n'a pas hésiter à jouer dans divers films ou séries télévisées, situés aux antipodes de ses propres choix.

Il ne faut pas oublier sa carrière théâtrale, en tant que metteur en scène et acteur. Love Streams est l'expression cinématographique d'une des quatre pièces d'un ensemble joué en alternance au California Center Theater de Los Angeles, en mai et juin 1981. Pour la "petite Histoire", il y eut entre 10 et 15 versions de l'adaptation étalées sur six années. C'est dire si Cassavetes tenait à un certain "réalisme", à une certaine "vérité".

Love Streams est la dernière oeuvre de ce "combattant" qui croyait en la vie, même s'il se savait déjà malade et si sa mère décéda lors du tournage.

Coffret 2 DVD + Blu-ray + Livre - Film (134’ - 141’) – Bonus : I'm almost not crazy film de Michael Ventura sur le tournage (56’) - Plans n°145, 146 et 147, extrait de l'émission Cinéma, Cinémas du 5/10/83 (11') - Cassavetes : Love Streams extrait de l'émission Cinéma, Cinémas du 2/11/85 (11') - L'amour et le vertige, trajectoire d'une rébellion, livre exclusif de Doug Headline (212 pages) - Coffret comprenant également Un Enfant Attend, film de John Cassavetes de 1963 (96') - Wild Side

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

* Ne soyons pas mesquin, ils produisirent ensuite Barbet Schroeder et à leurs dépens Jean-Luc Godard

** in John Cassavetes, par Laurence Gavron et Denis Lenoir - Rivages/Cinéma (1986)

Jeanne d'Arc

2016-02-22T17:07:00.002+01:00

de Victor Fleming

Allez savoir pourquoi cette étonnante actrice suédoise qu'était Ingrid Bergman était obsédée par l'idée d'incarner Jeanne d'Arc? Même sa fille, Isabella Rossellini ne sait pourquoi. C'est à l'occasion du tournage d'un remake américain d'Intermezzo, dans lequel elle avait joué dans une première version en Suède, en 1936, qu'elle partit à Hollywood, en 1939, et signa un contrat avec ce redouté producteur qu'était David O. Selznick.

Ce dernier lui fit miroiter sans doute de produire un jour... un film sur ce sujet. Au terme de sept années de son contrat, elle ne le renouvela pas et devint une comédienne indépendante. Elle put enfin interpréter ce rôle, au théâtre, à New York, en 1946, dans la pièce écrite par Maxwell Anderson.

C'est sur la base de cette pièce que Victor Fleming bâtit son film et le tourna en 1948. Connu pour avoir réalisé la version finale de Autant en Emporte le Vent, en 1939, il ne pouvait pas ne pas engager Ingrid Bergman dans le rôle titre. L'histoire nous dit qu'elle et lui entretinrent une relation intense lors du tournage.

L'accueil du film fut plus que mitigée lors de sa première. La version initiale, présentée ici, durait 2h20. Les producteurs envisagèrent immédiatement une version plus courte (présentée également ici). Mais comme Jérôme Wybon le signale dans les Bonus, le montage de la version courte est "scolaire". Elle ne suit pas l'ordre chronologique des événements comme la version "longue".

Malgré cette envie d'incarner ce rôle, malgré ses relations amoureuses avec Victor Fleming, Ingrid Bergman fut déçue par le film. Elle en avait tant rêvé que... le résultat ne fut pas à la hauteur de ses ambitions malgré le succès public que le film rencontra.

Elle tourna ensuite pour la troisième fois avec Alfred Hitchcock avec Les Amants du Capricorne, après Les Enchaînés, en 1946, et La Maison du docteur Edwardes, en 1945. Puis elle "fuit" en Italie pour vivre d'autres aventures amoureuses et cinématographiques avec Roberto Rossellini. Mais c'est une autre histoire... tout comme je ne vais pas vous raconter celle de Jeanne d'Arc.

En attendant, visionnez surtout la version "longue" et surtout les Bonus qui nous éclairent sur l'ensemble.

DVD – Blu-ray - Film (Version originale intégrale : 140' - Version cinéma : 96' ) – Bonus :Rencontre avec Marine Baron, biographe d'Ingrid Bergman - Le feu sous la glace* - (18’) - Extrait du film Je suis Ingrid de Stig Bjorkman (3') - Ingrid Bergman par Isabella Rossellini (1'30'') - Analyse des deux montages du film par Jérôme Wybon (7') - Entretien audio avec le révérend Père Doncoeur** + images du story-board etc. (2'30'') - Interview d'Ingrid Bergman par Michel Drucker (30") - L'Atelier d'Images & The Corporation

Film ♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥♥

* Éditions Les Belles Lettres (2015)

** Conseiller historique du film

L'Année du Dragon

2016-02-17T17:58:00.002+01:00

de Michael Cimino

Pour son second COFFRET ULTRA COLLECTOR*, les Éditions Carlotta nous proposent de revisiter ce film de Michael Cimino, datant de 1985, après Body Double (de Brian De Palma - chroniqué ici -) et avant Panique à Needle Park (de Jerry Schatzberg), en juin prochain.

5 années après l'échec commercial, malgré ses qualités, de Heaven's Gate - La Porte du Paradis (évoqué ici lors de sa sortie) - que Michael Cimino est revenu sur les écrans. Comme à chaque fois, il a créé, en son temps la polémique. Après avoir été traité de marxiste, ici on l'a traîné dans la boue et de raciste... La carrière de ce cinéaste a toujours été sujet aux polémiques. Son indépendance d'esprit et de création l'a toujours voué aux gémonies de certains...

Le producteur Dino De Laurentiis désirait, pour diverses raisons, bâtir un projet sur Chinatown, ce quartier mythique de New York, situé autour de Mott Street, à la lisière d'un autre quartier célèbre : Little Italy. Plusieurs scénarios furent écrits mais sans satisfaire ce producteur. Quand parut le roman The Year of the Dragon, de Robert Daley, il prit aussitôt une option sur les droits cinématographiques et proposa à Michael Cimino une première version «assez fidèle au roman...» Ce dernier refusa dans un premier temps.

Il nous confie **: « J'ai refusé car je n'aimais pas vraiment le livre : je ne croyais pas au personnage. Je n'ai accepté d'utiliser le livre que comme point de départ, en imaginant une histoire différente, et il (D. De Laurentiis) a fini par être d'accord... Nous avons commencé la préparation matérielle du film en même temps que nous (Michael Cimino et Oliver Stone***) écrivions le scénario. Évidemment, c'est un principe risqué, parce qu'il suppose qu'on ait une idée précise de l'aspect visuel du film avant de commencer. »

« C'est un livre qui a été écrit par quelqu'un (Robert Daley) qui n'est pas un policier de terrain... c'est quelqu'un qui travaillait dans le bureau d'un district attorney****... Lorsque nous avons commencé à rencontré les gens à Chinatown, on nous a dit que personne n'avait jamais vu ce type là-bas... Donc, je ne crois pas qu'il reste grand chose du livre, si ce n'est que l'histoire se déroule à Chinatown, où l'on assiste à certaines activités criminelles, qu'il y a un flic et une journaliste. Ça ne va pas beaucoup plus loin. Nous avons lu le livre, puis nous l'avons oublié. Nous avons écrit l'histoire au fur et à mesure, tout en rencontrant les gens de Chinatown.»

Tout commence quand le capitaine Stanley White (incarné par Mickey Rourke) est muté au commissariat du 5ème District. Ce vétéran de la guerre du Vietnam entend faire régner l'ordre à Chinatown alors que les festivités du "Nouvel an chinois" battent leur plein. Cela étant, les "affaires" continuent en coulisses : meurtres, trafics, rackets etc. On lui a demandé de "faire le ménage" et à sa façon, hors norme, bousculant les vieilles habitudes de ses confrères, Stanley White va bouleverser la vie des Triades (ancêtres historiques de la Mafia). Il ne va pas ménager sa peine. « Je veux le chaos. » dit-il aux policiers qui l'entourent.

Envers et contre tous, se fichant comme d'une guigne de sa hiérarchie, il va mener la vie dure à tous les trafiquants et autres "petits chefs" régnant sur le quartier. Il est prêt à tout. Il puise sans doute son "idéal de justice" dans ce qu'il a vécu lors de la guerre du Vietnam.

Filmé de façon énergique, comme sait le faire M. Cimino, ce film malgré son ancienneté reste d'une actualité saisissante. À se demander si rien n'a changé depuis... Si, Chinatown a depuis peu à peu envahi Little Italy. La richesse des Bonus nous fait mieux comprendre les tenants et aboutissants de cette production, qui est le quatrième film de Cimino, et un des meilleurs dans lequel Mickey Rourke apparaît, à la hauteur de son talent d'alors. On apprend où ont été tournées certaines séquences du film, comment Mott Street, pour d'évidentes raisons, a été reconstituée à Hong-Kong...

À noter, en parallèle à cette sortie, celle d'un autre film de Cimino, avec Mickey Rourke et Anthony Hopkins : Desperate Hours (La Maison des Otages) dont je parle ici.

Coffret Ultra Collector et DVD et Blu-ray en version single

(129’- 134’) – Bonus : Préface de Jean-Baptiste Thoret (8') - Au cœur du dragon (entretien audio avec Michael Cimino) - 27'- Uniquement avec la version Ultra Collector : L'ordre et le chaos, par François Guérif, un livre de 208 pages - Carlotta

Film ♥♥♥♥

Bonus ♥♥♥♥

*Il y aura 4 COFFRETS ULTRA COLLECTOR par an, proposés dans un format inédit (étui haut de gamme, contenant un livre d'au moins 200 pages et les disques Blu-ray/DVD intégrés). Collection limitée à 3000 exemplaires numérotés, sachant qu'il n'y aura ni réimpression, ni réédition dans un autre format de l'ensemble.

** Extraits de l'entretien, figurant dans L'ordre et le chaos, réalisé par Marc Chevrie, Jean Narboni et Vincent Ostria - Cahiers du cinéma n°377, novembre 1985

*** «... mon premier contact avec Oliver date de Midnight Express pour lequel j'avais été le premier pressenti, avant que le livre soit publié... Une des raisons pour lesquelles j'ai travaillé avec Oliver Stone... est qu'il est un vétéran du Vietnam. Il est de ceux qui ont fait deux campagnes, ce qui n'est pas courant... Le vrai Stanley White, qui était un inspecteur de la police criminelle de Los Angeles, est aussi un vétéran... un ancien Marine. J'avais besoin de cette influence pour travailler au scénario, d'autant que, bien sûr, en préparant simultanément la production, le casting et le scénario, on ne peut pas écrire tout seul.»

**** l'équivalent d'un procureur

Desperate Hours (La Maison des Otages)

2016-02-17T17:55:00.001+01:00

de Michael Cimino

En parallèle à la sortie de L'Année du Dragon (chroniquée ici), les Éditions Carlotta nous proposent ce film de 1990. Il s'agit du remake d'un film que William Wyler avait réalisé en 1955 avec Humphrey Bogart dans le rôle titre. Il s'agit d'une idée du producteur Dino De Laurentiis que Michael Cimino accepta, histoire de se remettre de ses deux échecs commerciaux précédents : Le Sicilien (avec Christophe Lambert -en 1987-) et de L'Année du Dragon.

Tout comme dans ce dernier film, Michael Cimino a fait appel à Mickey Rourke pour incarner le rôle de Michael Bosworth. C'est sans doute le dernier que cet acteur tourna avant de partir "en vrille", comme dirait l'autre... mais c'est son histoire, ses incohérences...

À la base de ce film, il y a un roman et une pièce de théâtre qui fut jouée à Broadway en 1954. Alors que Michael Cimino est le cinéaste des "grands espaces", il nous propose ici un huis-clos anxiogène avec quelques magnifiques scènes extérieures, dans de somptueux décors naturels de l'Ouest américain.

Alors que Michael Bosworth risque au minimum 12 années de prison, pour tentative de meurtre, il réussit à s'échapper avec la complicité de son avocate, Nancy Meyers. Elle est à la fois son conseil juridique et sa maîtresse... Michael s'échappe donc du tribunal en simulant une prise d'otage avec sa complice pour s'enfuir avec son frère Wally et un ami, Albert.

Mais en attendant que Nancy vienne le rejoindre, devinant que la police sera à ses trousses et aux siennes, Michael va investir, au hasard, la maison de la famille Cornell et la prendre en otage. Le couple Cornell est séparé, leur très cossue maison, du 1448 Whitney Drive, "serait en vente", et ils ont deux enfants. L'aînée, May, a un petit ami Kyle, quant à son frère, Zack, il n'a apparemment pour seul intérêt de jouer à des jeux video sur la télévision.

Le problème de ce film est que Michael Cimino n'a pas eu ce qu'on appel la Director's Cut. Alors qu'il devait avoir, a priori, une idée précise de ce qu'il désirait mener à bien, son producteur signa le montage et c'est le drame... Car il y a des incohérences qui viennent perturber la compréhension de l'ensemble. Par exemple, comment expliquer que Nora, la mère, appelle au début une entreprise parce que son système de chauffage est en panne et qu'un chauffagiste vienne réclamer le règlement de sa facture de réparation alors que le chauffage n'a pas été rétabli... De même manière, la maison est "en vente" et en cours de route, on apprend qu'elle a été vendue!... Il y a des raccourcis, des béances, qui font que ce film est "une version fantôme" de ce que Michael Cimino désirait mener à bien.

Un film vraiment mineur dans la filmographie de Cimino. Il y a de bons moments mais de sacrés quarts d'heures...

DVD – Blu-ray - Film (101’ - 105’) – Bonus : Préface de Jean-Baptiste Thoret (7') - Carlotta

Film ♥♥½

La Niña de Fuego

2016-02-15T16:08:00.002+01:00

de Carlos Vermut

Ce film espagnol débute de façon étonnante. Alicia, la fille de 12 ans de Luis, a pour pseudonyme Yukito. Elle et ses copines se revendiquent de l'univers des Mangas... Alors qu'elle n'a que douze ans, elle va demander à son père de fumer une cigarette!... de boire un Gin Tonic!... On apprendra très vite qu'Alicia est atteinte de leucémie, qu'elle suit une chimiothérapie, et que son père auparavant professeur est actuellement au chômage...

Alicia a néanmoins des goûts très arrêtés sinon confirmés. Elle veut posséder la robe d'un créateur qui, renseignements pris, coûte pas moins de 7000 €. La situation de Luis ne lui permettant pas un tel cadeau, il va imaginer diverses stratégies. Entre autres, il va s'en prendre nuitamment à la vitrine d'une bijouterie de luxe. Le problème est qu'une femme habitant au-dessus de la boutique va, de la fenêtre de son appartement, lui vomir dessus... ce qui va bouleverser son plan.

Elle s'appelle Bárbara. Elle a un comportement étrange avec Luis à qui elle propose de nettoyer chez elle ses habits. Elle est l'épouse d'un psychiatre qui se demande, chaque jour, si elle prend véritablement les médicaments qu'il lui a prescrit. Devinant que cette femme a un train de vie aisé, Luis va avoir l'idée de la "faire chanter" après un court épisode intime entre eux...

Le principe du fondu au noir entre chaque séquence est un peu trop systématique et j'ai trouvé le scénario obscur et alambiqué. On ne comprend pas trop les velléités de Damián.

Malgré les allégations de son auteur : "L'intrigue (...) m'est apparue peu de temps après la projection de mon premier long métrage (...) À cette époque, je savais que je voulais réaliser un film s'appuyant sur une idée simple, des rebondissements haletants et un style visuel sophistiqué. Je souhaitais que l’histoire ne constitue pas un obstacle pour le spectateur qui découvre le film. J'ai donc abordé l'intrigue avec simplicité et ce sont les personnages à qui j’ai donné de la complexité. Puis j’ai laissé l’évolution des personnages imposer le rythme à l’histoire. Il est assez répandu – surtout dans les films de genre - que l'intrigue progresse indépendamment des personnages, dans la mesure où ils se contentent d'être de simples marionnettes condamnées à incarner des idées : un assassin utilise des pouvoirs psychiques et passe d'une victime à l'autre avant un coup de théâtre final. Les personnages sont instrumentalisés. Dans La Niña de Fuego, personnages et intrigue sont indissociables, comme dans le cinéma coréen." (!?...)

Ce film, qui ne m'a pas vraiment convaincu, a été néanmoins récompensé au Festival de San Sebastian 2014, en recevant le Coquillage d’Or du Meilleur Film et le Coquillage d’Argent du Meilleur Réalisateur. Une mention pour Bárbara Lennie, qui incarne le rôle de Bárbara, elle a été primée, entre autres, aux Goya 2015 pour son rôle dans ce film.

DVD - Film (127’) – Bonus : Making of - Condor Entertainment

Film ♥♥♥

Ni le Ciel Ni la Terre

2016-01-19T15:58:00.004+01:00

de Clément Cogitore

Pour un premier long-métrage, prendre pour sujet un épisode de l'intervention française dans le cadre de la coalition internationale en Afghanistan est culotté, à la veille du retrait des troupes en 2014. Quand on a comme Clément Cogitore, une formation d'artiste plasticien, lui dit "visuel", le pari était de taille.

On est loin, très loin, de ces travaux antérieurs qui étaient soit photographiques ou documentaires. Même si on sent que son sens de l'image est exacerbé, qu'il utilise, par exemple, les outils de vision infra-rouge ou thermique qu'utilise l'armée française, il a néanmoins bâti une véritable fiction. Thomas Bidegain, scénariste ayant collaboré de nombreuses fois avec Jacques Audiard, l'a aidé sur ce projet.

Ce film commence comme un "film de guerre" normal. Nous sommes au cœur d'une section, commandée par le capitaine Antarès Bonassieu (incarné de façon magistrale par Jérémie Rénier - qui à chacun de ses films nous étonne par sa présence - ). Cette section, dont on va vivre le quotidien, a pour mission le contrôle et la surveillance d'une vallée reculée du Wakhan, région frontalière avec le Pakistan.

Le propos du film va néanmoins glissé lentement vers le thriller. Des soldats, de même qu'un chien, vont disparaître de façon aussi inexpliquée qu'inexplicable... Il y a certes un élément qui pourrait être probant mais ne résolut rien : le fait de porter une couverture de survie fait que les corps ne sont plus détectés par les outils de vision nocturne...

Clément Cogitore démontre ici un vrai tempérament de cinéaste. Il ne s'est pas réfugié dans une approche esthétisante mais dans un film qu'il aurait voulu aux accents métaphysiques. Mais laissons le parler : « L’idée première m’est venue un jour dans une gare, devant une affiche de personnes disparues. Je me suis dit que ces personnes n’avaient pas disparu, qu’elles avaient été assassinées ou qu’elles avaient refait leurs vies très loin, mais que dans ce bas monde personne ne disparaissait jamais vraiment. Ces personnes manquaient simplement à la communauté humaine. Je me suis demandé ce qu’il se passerait si ces personnes avaient vraiment, purement et simplement, disparu de la surface de la terre. Et j’ai eu envie de faire une sorte de polar métaphysique pour parler de la disparition, traiter du deuil par l’irrationnel. »

Filmé de bout en bout caméra à l'épaule, en lumière naturelle, illustré par une musique, pour l'essentiel, aux consonances médiévales, Ni le Ciel Ni la Terre révèle le tempérament d'un cinéaste en devenir. Il a évité tous les pièges de la "psychologisation" des personnages. Ils restent austères dans un paysage qui l'est tout autant. "Ni le ciel ni la terre ne les pleurèrent et ils n'eurent aucun délai" Le Coran, Ad-Doukhan, verset 29.

Un cinéaste à suivre...

DVD - Film (97’) – Bonus : Entretien avec Clément Cogitore (25’) - Une scène coupée (45’’) - "Parmi nous" : court-métrage de Clément Cogitore (30') - Diaphana

Film ♥♥♥½

Bonus ♥♥♥♥