La stanza privata dell'arte by Roberto Milani

Arte Fiera Bologna? 20 euro spesi bene

2012-01-28T16:21:00.000+01:00

Dopo anni di insoddisfazione o meglio, soddisfazione a metà, quest'anno, devo dire che la Fiera di Bologna merita il costo del biglietto. Sarà la crisi, il minor numero di espositori, o altri motivi a me sconosciuti, ma l'edizione 2012 merita la visita. Sia nel moderno che nel contemporaneo, ho visto cose di qualità, interessanti ed intelligenti. Una proposta equilibrata e frizzante, e non solo: anche diverse trattative con relativi "bollini rossi". Da alcune brevi interviste ad amici galleristi, si sente una velata euforia che da tempo latitava in questi lidi. Che sia come professo oramai da tempo che una delle probabili ricette salva-crisi sia proprio l'arte? mah staremo a vedere, di certo c'è una constatazione dove c'è qualità, c'è interesse!

Da ArtCo, il blog di Chiara Canali

2012-01-27T19:20:00.000+01:00

Bello ed interessante, come sempre del resto, il nuovo articolo di Chiara Canali sul suo blog ( http://artco.blogosfere.it/ ). Da leggere con attenzione!

Arte Fiera 2012: focus sull'arte moderna e contemporanea

Le opere d'arte continuano ad essere un bene rifugio in un mercato da 1,4 miliardi a due velocità. Brilla il contemporaneo, arranca il segmento moderno. Le previsioni dei galleristi nel Focus 2012 di Nomisma e Lum per Arte Fiera 2012.

Secondo la sintesi dell'istituto OMBA, l'arte continua ad essere un bene rifugio capace di proteggere dall'inflazione. Un investimento sicuro, che nel complesso assicura buoni risultati in termini di rischio e di rendimento, anche se il mercato internazionale e nazionale si muove a due velocità.
Sfidando la crisi a Arte Fiera, rassegna internazionale d'arte contemporanea nei padiglioni di BolognaFiere dal 27 al 30 gennaio 2012 si riuniscono per quattro giorni 150 gallerie nazionali e internazionali per incontrare collezionisti provenienti da tutta Europa.
Alla vigilia della grande kermesse la notizia è che il segmento dell'arte contemporanea, capace di resistere alla crisi con un tasso di rendimento medio annuo che negli ultimi 16 anni si è assestato sul 4,65%, superiore al 4,06% registrato dall'oro.
I dati vengono da un'anticipazione del Focus 2012 dell'Osservatorio del centro di studi economici Nomisma e dell'Università Lum Jean Monnet (OMBA), la cui presentazione ufficiale è prevista domenica 29 gennaio alle ore 11 presso BolognaFiere, conferma che l'acquisto dell'opera di un artista contemporaneo garantisce una remunerazione migliore (+ 3,39% all'anno, a partire dal 2006) rispetto a un'abitazione in una grande città italiana (+1,68%) o all'investimento in titoli azionari (+0,69%).
Nel suo complesso il mercato dell'arte, che in Italia genera un volume d'affari di quasi 1,4 miliardi prodotti per il 43% dal segmento moderno e contemporaneo, risente della crisi economica.
Nella seconda parte del 2011 le performance delle più importanti case d'asta, da Sotheby's a Christie's, non hanno brillato. Il numero dei lotti è sceso drasticamente dagli 836 del primo semestre ai 617 della seconda parte dell'anno. Una riduzione provocata principalmente dalla perdita di appeal dell'arte moderna, a differenza del segmento contemporaneo, che è riuscito a mantenere pressochè invariate anche le performance di vendita, sopra la quota dell'80%. Contemporaneamente è diminuito il giro d'affari delle aste italiane.
Per quanto riguarda le prospettive per il 2012, da una indagine realizzata tra gli intermediari professionali presenti ad Arte Fiera, emerge la previsione di una tenuta o di una lieve diminuzione del giro d'affari e di una sostanziale stabilità dei prezzi. L'arte moderna potrebbe tenere le posizioni o accusare contrazioni per oltre il 75% degli intermediari interpellati, solo per l'arte contemporanea alcuni (4,8%) si spingono a prevedere un forte aumento delle vendite. Aspettative che non sembrano per ora modificare il comportamento sui prezzi, previsti dalla maggioranza dei galleristi stabili o in aumento.

OZMO, PREGIUDIZIO UNIVERSALE a cura di Alessandra Galasso

2012-01-26T09:44:00.000+01:00

Giustamente anche la Street arriva al museo del '900...

OZMO, PREGIUDIZIO UNIVERSALE a cura di Alessandra Galasso

dal 2 al 16 febbraio (Data dell'OPENING/Finissage), la mostra sara' aperta fino al 21/02/2012
Sarà possibile vedere l’artista al lavoro mentre dipinge all’interno dello spazio espositivo. La mostra di fatto si espanderà modificandosi di giorno in giorno fino al suo completamento il giorno 16.

sabato, 11 febbraio, ore 15:30
LIVE REVIEW (Recensione dal vivo)
Esponenti di varie discipline (musica, danza, arti visive, letteratura...) commentano, in una staffetta
in diretta e davanti al pubblico,
le opere in mostra.
Per maggiori informazioni consultare
il sito www.museodelnovecento.org
Ingresso gratuito. Posti disponibili
fino a esaurimento.

giovedì, 16 febbraio
FINISSAGE
dalle ore 18 alle ore 22
DJ set e proiezione in anteprima del video Ozmo: Still Death

Nel corso di due settimane Ozmo realizzerà un intervento pittorico-installativo all’interno dello Spazio Mostre nella manica lunga del Museo del Novecento.
Il pubblico avrà la possibilità di vedere l’artista lavorare dal vivo durante gli orari di apertura del museo anche dall’esterno dell’edificio lungo la Via Marconi.

Ozmo è tra gli street artist più originali e acclamati della scena artistica italiana e internazionale. La sua pittura si caratterizza per la complessità delle composizioni e i continui rimandi alla storia dell’arte. Questa peculiarità costituirà il leitmotiv dell’intervento che si arricchirà del confronto personale dell’artista con la prestigiosa collezione di opere custodite all’interno del museo.

La mostra è accompagnata da un catalogo-fanzine realizzato in collaborazione con l'associazione culturale Attack.

Lo sfogo di Politi

2012-01-25T20:54:00.000+01:00

Non sempre sono d'accordo con Giancarlo Politi (Direttore di Flash Art), come è normale che sia, ma questa volta non posso fare altro che condividere in pieno queste sue riflessioni/considerazioni che sono state inviate attraverso newsletter a tutti i suoi lettori.

FIERE D'ARTE? S.O.S.

Tra due giorni inaugurerà ArteFiera Art First di Bologna, la più antica, popolare e autorevole fiera d'arte italiana. Dal 12 al 15 aprile sarà la volta di MiArt, la fiera milanese sempre in procinto di decollare; a ottobre ArtVerona, la sola che offra più di quanto possa dare; mentre a novembre avrà luogo l'ambiziosa Artissima, ancora più che mai alla ricerca di una consacrazione sul mercato e con il nuovo Direttore in fase di designazione. Tempi duri per tutti e dunque anche per le fiere d'arte, soprattutto per quelle italiane che, però, a differenza delle gallerie e dei musei impegnati nella lotta della sopravvivenza, pensano ancora di vivere il periodo delle vacche grasse e non accennano a diminuire, ma che dico, a dimezzare i loro prezzi di ammissione.

Purtroppo né da Bologna né da MiArt, né tantomeno da Artissima giungono indicazioni in tal senso, come se nessuno si rendesse conto delle difficoltà in cui stanno operando le gallerie italiane.

Eppure se non si riducon o i costi di partecipazione o non si creano sezioni low cost per le giovani gallerie, le fiere nostrane sono destinate al decadimento

Infatti, questa disattenzione nei confronti della realtà porterà a un forte abbassamento generale della qualità delle gallerie che potranno partecipare alle fiere.

Purtroppo ArteFiera Bologna, malgrado il nome Arte First, sarà condannata a diventare una fiera del mercato secondario, perché oggi, a parte Massimo De Carlo e pochissimi altri, non vedo quale galleria propositiva possa investire 10-15 mila euro (più spese varie) per partecipare a una fiera dai risultati molto incerti.

Ma la stessa sorte potrebbe toccare a MiArt e Artissima: senza una sorta di sezione propositiva, magari con spazi ridotti (3x4 o anche 3x3 m), da offrire alle gallerie più giovani e spazi alternativi a un prezzo politico di 1500-2000 euro, queste fiere non avranno alcun ricambio e diventeranno l'ospizio del mercato secondario e bassamente commerciali. Dunque non più Art First bensì Art Second o addirittura Art Third (in senso di mercato). Allora i responsabili di queste rassegne la smettano di arroccarsi nella torre d'avorio e scendano tra la gente dell'arte, per cercare di capirne aspettative e problematiche

Un modo semplice per ridurre i prezzi di ammissione

Le fiere sono organismi commerciali e non musei, pertanto io suggerirei loro di devolvere tutte le entrate provenienti dal fund raising o dagli sponsor o istituzioni per diminuire radicalmente i costi di partecipazione, anziché dissanguarsi in mostre o manifestazioni culturali collaterali. Si prenda l'esempio di Art Basel, la madre di tutte le fiere: nessuna partecipazione o spesa per most re, convegni o altro ma massima concentrazione a ottimizzare Art Basel stessa.

Torino scelga bene il nuovo Direttore ed eviti progetti culturali collaterali. E guardi anche a The Others.

Artissima sta scegliendo il nuovo Direttore. Un suggerimento struggente: si eviti il solito critico o curatore con ambizioni museali e che certamente userà Artissima per farsi traghettare su altri lidi e si privilegi invece il Direttore manager illuminato. Se fosse disponibile, perché non richiamare quel Roberto Casiraghi, l'ideatore di Artissima, che, malgrado il suo carattere spinoso, potrebbe essere l'uomo giusto per il suo rilancio? Soprattutto se lui porterà ad Artissima le idee e i contributi del low cost che ha espresso magnificamente nella sua fiera alternativa The Others: Artissima, con 50 gallerie giovani e propositive, italiane e straniere, al costo di 1500-2000 euro. Sarebbe una vera rivoluzione e un successo senza precedenti. La lista di queste 50 gallerie italiane e straniere di qualità? Chiun que la voglia, può richiederla a noi.

Purtroppo senza svolte radicali si muore

Le fiere italiane devono capire che senza svolte radicali, talvolta anche dolorose, si muore o si decade. Avete guardato la lista dei partecipanti ad ArteFiera di Bologna? Malgrado alcune ottime pre senze, l’abbassamento qualitativo generale rispetto agli anni precedenti è sotto gli occhi di tutti. Se invece Silvia Evangelisti, come io avevo suggerito gridandolo al vento, avesse aperto alle giovani gallerie, associazioni culturali e spazi alternativi, avremmo potuto avere una sezione straordinaria di arte nuova, con tutte le proposte e le promesse di oggi. ArteFiera ne sarebbe stata rivitalizzata e rinfrescata. Speriamo che questo appello venga raccolto da ArteFiera per la prossima edizione e dalle altre fiere già da quest'anno.

In ogni caso, buona ArteFiera a tutti.

Giancarlo Politi giancarlo.politi@tin.it

Al via Arte Fiera Bologna seguita da Affordable Art Fair Milano

2012-01-24T10:46:00.000+01:00

Sembra davvero tutto pronto per questa edizione della manifestazione che per storia, visitatori e tradizione è considerata la Fiera d'Arte più importante d'Italia ( http://www.artefiera.bolognafiere.it/ ).
Bologna si trasforma e sposta tutto il baricentro intorno ad Art First ed i vari eventi collaterali, anche se quest'anno, alcune indiscrezioni dicono, sarà una edizione un po' sotto tono. Staremo a vedere.

Intanto Milano risponde, a distanza di pochi giorni, con Affordable Art Fair ( http://www.affordableartfair.it/ ). Due generi di manifestazione fieristica completamente diverse ma che si rivolgo ad un pubblico comunque sensibile ai fatti dell'Arte. Chi saranno i vincitori e chi i vinti?
Questo ancora non è dato di saperlo... spero comunque l'arte!

"Marco Bernardi. Uno, nessuno, centomila" a cura di Alberto Agazzani

2012-01-22T11:20:00.000+01:00

Marco Bernardi è "sotto osservazione" da tempo... ora è maturo, pronto e prepotentemente efficce!

Uno, nessuno, centomila
personale di Marco Bernardi
a cura di Alberto Agazzani

Spazio Art E' - Reggio Emilia
dal 4 febbraio al 14 marzo

C'é un profondo senso d'ironia, sottesa fra spensieratezza ed inquietudine interiore, nell'opera dipinta di Marco Bernardi. Come egli stesso ha più volte ricordato, infatti, la sua espressività non intende indagare in senso risolutivo “l'invisibile” della realtà, in questo caso l'animo umano declinato al femminile, ma piuttosto sollevare interrogativi. Il mistero dell'esistenza e dell'umanità, individuata nell'enigmatica “altra metà del cielo”, è quasi ossessivamente interrogato, riconosciuto e ritrovato in una sterminata galleria di ritratti psicologici, mai semplicemente riconducibili a singole personalità, ma piuttosto assunti a caratteri e tipologie le più variegate, evidenziando l'immensa ricchezza della diversità: il tesoro della varietà. In una società intrisa di inedite potenzialità comunicative ma priva di effettivi contatti umani, dai social network ai blog, con tecnica raffinatissima e altrettanto mirabile equilibrio compositivo, Bernardi, “colpito e turbato da queste situazioni” sente la necessità di esternare il proprio disagio “indagando e condividendo i dubbi con l'unico strumento che mi sia affine, la pittura”, dimostrando nuovamente l'eterna giovinezza di un linguaggio antico asservito ad una sensibilità oggi più che mai ferita dalla virtualità dell'essere pirandellianamente “uno, nessuno e centomila”.

Alberto Agazzani

CRANIOSCOPIA a cura di Albero Zanchetta

2012-01-22T10:47:00.000+01:00

Fra i tanti presenti, in questa mostra curata dal raffinato Zanchetta, mi piace sottolineare la presenza degli ottimi: Vanni Cuoghi, Maurizio Carriero, Nicola Samorì e molti ancora

CRANIOSCOPIA a cura di Albero Zanchetta
(Macabre Cabinet d’Amateur)

Giovedì 23 febbraio si inaugurerà alla galleria Rubin di Milano un progetto curatoriale di Alberto Zanchetta che si propone di indagare la genesi e le derivazioni del libro “Frenologia della vanitas” pubblicato lo scorso aprile dalla casa editrice Johan&Levi. Non quindi una semplice mostra di opere, bensì un approfondimento e un “accanimento terapeutico” che intende sondare la mente dell’autore, o più precisamente: il suo cranio.

«La verità è nuda; ma sotto il nudo c’è lo scorticato». Prestando fede alle parole di Valéry, Alberto Zanchetta ha inteso emanciparsi dalla carne per ridursi a “corpo secco”, ossia all’eso-scheletro sul quale ha costruito il suo libro “Frenologia della vanitas”. Intorno al proprio saggio critico è andato elaborando un progetto che non ha un carattere meramente informativo o espositivo, bensì intende sviscerare l’optima pars dello scheletro, quel teschio che l’ha tenuto impegnato negli ultimi dieci anni della sua vita.
Critico d’arte e curatore indipendente, Zanchetta è stato definito un «architetto del linguaggio curatoriale», lui però preferisce essere chiamato un «analogo patologo» (terminologia che ibrida le scienze forensi con il rapsodismo critico) come a voler testimoniare quel modus operandi con cui cercherà di refertare la propria “Frenologia”. Attraverso accostamenti inusuali, connessioni tra contemporaneità e tradizione, così come tra stili ed epoche, l’autore creerà dei tavoli di lavoro – sull’esempio dei tavoli d’obitorio – in cui saranno presentati al pubblico reperti, documenti e oggetti che integreranno l’opera saggistica; tra le varie curiosità troveranno posto una testa frenologica, il volume “Atlas of Bones and Ligaments” di Cathcart & Caird pubblicato a Londra nel 1885, cartoline o radiografie di diversa provenienza, alcune vertebre e frammenti di crani umani. Per la prima volta saranno esposti tutti i diciotto Taccuini tanatologici composti da immagini che Zanchetta ha collezionato, ritagliato e incollato su dei quaderni (realizzati durante la stesura di “Frenologia della vanitas”, ciascun taccuino ha una struttura autonoma e un’identità specifica, quasi fossero una propaggine del saggio critico, ma a differenza di quest’ultimo ogni quaderno è stato pensato come un liber mortuorum cum figures, ovvero senza parole).
Appese a parete o distribuite su dei basamenti ci saranno delle opere d’arte provenienti dalla sua collezione privata, quelle stesse che gli hanno tenuto compagnia durante la lavorazione della “Frenologia”. Incisioni, xilografie e calcografie di artisti del passato (tra cui quelle di Max Klinger, Alphonse Legros, Karl Hänny, Etienne Villequin, Lorenzo Metalli e Tommaso Raggio) si mescoleranno a una selezione di autori ignoti o di artisti contemporanei (Yang Jiechang, Massimo Pulini, Andrea Chiesi, Jean-Pierre Raynaud, Nicola Samorì, Marco Fantini, Frédéric Coché, Beatrice Pasquali, Stefan Lundgren, Andrea Buglisi, Maurizio Carriero, Giorgio Rubbio, Juan Carlos Ceci, Vanni Cuoghi, Verter Turroni, Gionata Gesi-Ozmo, Carl Jurisković). Sempre attingendo alla sua collezione, Zanchetta si servirà di alcuni oggetti di design per ricreare una “vanitas contemporanea” sulla falsariga delle nature morte del XVII secolo in cui un teschio era sovente attorniato da vasi, candele e insetti che alludevano alla fugacità dell’esistenza. Nella seconda sala della galleria saranno invece esposte le opere che Luca Coser, Alex Pinna, Tommaso Ottieri, Matteo Pagani e gli Affiliati Peducci/Savini hanno espressamente realizzato per l’occasione.
Mantenendosi in bilico tra la nuda documentazione e una libera [re]invenzione del materiale a sua disposizione, Alberto Zanchetta intende compiere un’indagine necroscopica – quasi una “cranioscopia sul vivente” – che possa mettere in evidenza uno stile di vita, di lavoro e di ricerca non limitabile alla lettura del libro, ma che ne sia semmai un valido complemento.

Alberto Zanchetta, FRENOLOGIA DELLA VANITAS, Johan&Levi, 2011.
Il volume analizza come l’effige del teschio, simbolo massimo della caducità di tutte le cose terrene e del tempo che corrompe la bellezza, abbia modificato la propria simbologia nell’avvicendarsi dei secoli. Il saggio ripercorre la storia delle “teste di morto” con specifici approfondimenti sulla sua grande proliferazione nell’arte di tutto il mondo. Affrontando l’ampia casistica dei generi connessi alla Vanitas e al Memento mori, l’autore ha inteso verificare le metamorfosi (di senso e di forma) subite dall’iconografia macabra nel corso dell’ultimo millennio.

ALBERTO ZANCHETTA
CRANIOSCOPIA

23 febbraio - 4 marzo 2012

Galleria Rubin
Via Bonvesin de la Riva, 5
20129 Milano

ALICE ANDREOLI WAITING FOR KRONOS a cura di Martina Cavallarin | Simona Gavioli

2012-01-22T10:34:00.000+01:00

Se oggi siete a Venezia non privarevi di questo piacere!

scatolabianca project room @ Galleria delle Cornici presentano:

ALICE ANDREOLI
WAITING FOR KRONOS
A cura di Martina Cavallarin | Simona Gavioli
22 gennaio - 03 febbraio 2012

Opening 22 gennaio ore 18.30

GOG e MAGOG - Acrilico su tela

Waiting for Kronos è la seconda personale di Alice Andreoli a scatolabianca project room di Venezia. La mostra anticipa di pochi giorni la prima esposizione di Alice Andreoli in Germania nata grazie all’esposizione di Lucia Lamberti in questa stessa nostra sede - settembre 2011 - al suo ritorno da una residenza a Lipsia e che ha visto la gallerista della art gallery leipzig quale visitatrice in vista di un’esposizione di Lamberti nel suo spazio tedesco. Si è creata in questo modo un’interessante occasione internazionale anche per l’artista padovana. Tale processo è la direzione e il senso di scatolabianca, piattaforma culturale atta ad innestare dialoghi, provocare accadimenti, germinare nuove esperienze di crescita e di espansione del senso. Per questa mostra tanto significativa del percorso professionale di Alice Andreoli la volontà della direttrice artistica di scatolabianca Martina Cavallarin è stata quindi quella di essere affiancata sul piano curatoriale dalla giovane e brava critica bolognese Simona Gavioli, già impegnata con Andreoli in qualità di curatrice del Premio Zingarelli Rocca delle Macie, I edizione vinta dalla nostra artista, e seguita poi da una personale inaugurata in occasione dell’anniversario di SpazioBlue diretto da Gavioli ed accompagnata da un catalogo editato e prodotto dai fautori del Premio, i Signori Zingarelli.

Waiting for Kronos
di Simona Gavioli

"Se tu conoscessi il tempo come lo conosco io non oseresti parlarne con tanta disinvoltura; lui è un signor Tempo”
il Cappellaio Matto ad Alice

Il tempo di Alice in Alice nel paese delle meraviglie di Lewis Carroll è il tempo delle gesta che si compiono nel presente, è un tempo variabile, fisico, ciclico, concreto, contingente, attuale e accidentale. Un tempo quotidiano fatto di giorni che si svelano tra frenesia e lentezza, abitudini e consuetudine, tra mobilità e equilibrio. Il tempo di Alice è Kronos. Un tempo che esiste solo nel presente, dove passato e futuro sono unicamente dimensioni relative al “qui e ora”.

Diverso è invece il Tempo del Cappellaio, il suo è il Tempo dell’arte: è Aion per il quale esistono solo passato e futuro; c’è sempre qualcosa di già accaduto o che sta per accadere, per lui, infatti, “è sempre l’ora del tè”. Aion è il tempo incorporeo e spirituale, il cui esistere non dipende dal compiersi dell’azione ma dalle azioni autentiche. Questi rappresenta l’infinito e il continuo divenire e raffigura l’opera d’arte come un evento creativo in cui l’azione si prolunga all’infinito. L’arte, inimitabile e unica, ma riproducibile, ripresentando illimitatamente la stessa azione, è dinamica nel suo essere statica e durevole in eterno, vive nell’Aion. Secondo Deleuze: “Aion si estende in linea retta illimitato nei due sensi. Sempre già passato e eternamente ancora da venire, Aion è la verità eterna del Tempo; pura forma vuota del Tempo […] è il presente senza spessore, il presente dell’attore, del ballerino e del mimo puro momento perverso. È il presente dell’operazione pura e non dell’incorporazione. Secondo Aion soltanto il passato e il futuro insistono e sussistono nel tempo. Invece di un presente che riassorbe il passato e il futuro, un futuro e un passato che dividono ad ogni istante il presente, che lo suddividono all’infinito in passato e futuro, nei due sensi contemporaneamente”. Possiamo argomentare, quindi, che il compiersi di un’opera d’arte avviene in Kronos ma il suo completamento/adempimento, la sua forma e durata eterna insieme alla sua essenza e anima sono in Aion.

I nuovi lavori di Alice Andreoli sono in Kronos, per lei come per Deleuze “soltanto il presente esiste nel Tempo” seppure nelle opere alberga la speranza di eternità che le lega ad Aion. Quondam, nunc et semper, è il filo conduttore del nuovo ciclo di dipinti, questi fanno parte di un presente sensibile (proprio quello percepito dai sensi) dove il passato è ciò che resta dell’azione di un corpo o della sua passione mentre il futuro è la medesima azione in stand-by che si proietta su un altro corpo per compiersi. La storia, in fondo, si ripete ed è sempre quella. I dipinti di Andreoli ripropongono miti greci inglobati nella cultura latina, corpi con significato, landscape con memoria che si compenetrano con personaggi della mitologia o del folklore tra Andromeda e Proserpina, Gog e Magog, tra Euthalia e Berzerker. Una Proserpina, specchio della mancata libertà dell’individuo, viene calata nella realtà attuale dove i demoni trascinano le conquiste della donna e il mondo femminile nel buio dell’irrazionalità e dell’esclusione. La storia si ripete, i demoni oggi non ci sono più ma esistono gli orchi, i malfattori, i malvagi, i reietti, e altre figure poco rassicuranti che perseguitano le nostre esistenze. Nella precedente produzione di Alice, le persone sembravano smarrite e disorientate in un mondo dove l’apparire era più importante dell’essere e dove il tatuaggio sembrava essere il segno distintivo di una generazione. Il corpo era il protagonista ed era il “il luogo concentrico dove cominciava, o ricominciava, l'enigma della parola" o “il campo intersemiotico in cui, prima o poi, si incontravano e si sovrapponevano tutti i segni possibili”. Adesso c’è una dilatazione dei problemi e del senso d’oppressione a cui l’individuo è condannato. La dimensione del condizionamento sociale è cosmica, gonfiata, accresciuta, spalancata e lo si nota dalla rappresentazione della natura che in lavori come “Euthalia” non è più rassicurante e incoraggiante ma opprimente e quasi insopportabile. Inversione di tendenza, quindi, non più corpi tatuati o trafitti da piercing, i nostri ragazzi underground sono cresciuti, il loro corpo è coperto e non mostra più segni di identificazione visibili. L’attenzione si è spostata dall’immagine al concetto. Il corpo viene smembrato o privato del volto per diventare un elemento costitutivo del paesaggio circostante, ma non per questo si sottrae ad un destino di alienazione dalla realtà. Il copione è sempre lo stesso e non cambierà. Ciò che è cambiato sta nel presente/Kronos, i ragazzi sono cresciuti e ora attingono ad Aion per costruirsi un’eternità perfetta.

GALLERIA DELLE CORNICI
Via Sandro Gallo 49\C – Lido di Venezia

PREMIO CDZ alla Ponte Rosso

2012-01-20T22:55:00.001+01:00

Si è inaugurata ieri sera a Milano questa importante collettiva che vede protagonista fra gli altri artisti, anche l'ottima Ester Negretti... da vedere!

GALLERIA PONTE ROSSO

PREMIO CDZ Mostra dei dipinti premiati

Inaugurazione:
giovedì 19 gennaio ore 18 Giovedì 19 gennaio 2012 ore 18, la Galleria Ponte Rosso (via Brera 2, Milano) presenta, in una grande mostra, i dipinti premiati nelle sette edizioni fino ad ora effettuate del Premio di Pittura Carlo Dalla Zorza.

Nella serata verrà presentato il Premio CDZ 2012 con il nuovo regolamento dell’ottava edizione.

“Il Premio di Pittura intitolato all’artista veneziano Carlo Dalla Zorza è stato promosso nel 1995 dalla Galleria Ponte Rosso per volontà di Orlando Consonni e di Teresa Sensi, giornalista e scrittrice moglie dell’artista. E’ un premio di pittura nazionale a cadenza biennale rivolto agli artisti italiani con l’intento di mantenere vivo, anche fra i giovani artisti contem poranei, l’interesse per la pittura.”

Questi i trenta artisti in mostra:

GIANLUIGI BALLAURI, GIORGIO BONGIORNI, VITTORIO CARRADORE, CORA CHIAVEDALE, ANTONIO DE CHIARA, FRANCO DE GIORGI, GIUSEPPE DI CANOSA, VALERIA DI PONIO, VITTORIO EMANUELE, ELISA FILOMENA, LETIZIA FORNASIERI, PAOLA GINEPRI, ANTONIO GRAZIANO, EMANUELE GREGOLIN, CARLO LANINI, TIZIANO LOMBARDINI, MARCO LONGARETTI, MARCO LUZI, MARCELLO MALANDUGNO, CHIKA MOCHIDA, ESTER NEGRETTI, PAOLO PARADISO, ELENA SALA, VANNI SALTARELLI, GIORGIO SCANO, PAOLO SCIANCALEPORE, ENRICO SUZZANI, PIERANTONIO TANZOLA, GIUSEPPE VALENTINO, NICOLA VILLA.

La mostra resterà aperta fino al 12 febbraio 2012 con il seguente orario:
da martedì a sabato 10-12.30 e 15.30-19; chiuso domenica e lunedì.
Il 12 febbraio, ultima domenica della mostra, aperto dalle 15,30 alle 19

GALLERIA PONTE ROSSO 20121 - Milano via Brera 2 - Tel./Fax 02.86461053
Sito Internet: www.ponterosso.com E-mail: ponterosso@ponterosso.com

Ma-Donne - Dipinti di Roberta Serenari A cura di Maria Rita Montagnani

2012-01-20T14:26:00.000+01:00

Un altro evento "fuori Fiera" da vedere a Bologna...

Ma-Donne è inserita nel calendario delle iniziative di Arte Fiera OFF e parteciperà anche in occasione della Art White Night di sabato 28 gennaio, quando lo spazio rimarrà aperto fino a tarda ora.

L’inaugurazione è prevista per venerdì 27 gennaio 2012 alle ore 18,30 alla presenza dell’artista e della curatrice. In esposizione alcune tele della pittrice bolognese, incentrate sulle figure femminili come elemento salvifico proiettato nel futuro. “Soggetti diversi”, spiega la Serenari, “bambine, donne, madonne, dèe o streghe. Icone femminili che rappresento in questa mostra e che sembrano vivere la dimensione sospesa e metafisica di un tempo congelato, seppur esprimendo la loro vocazione di futuribili guerriere...”

ROBERTA SERENARI : MA-DONNE, SOVRANE DEL SE’
Roberta Serenari è artista- pittrice di mondi paralleli e sotterranei, la cui luce di sghembo ama ritagliare nel mistero le sue figure dalla chiara oscurità. Figure femminili come icone del mondo al di là del mondo,ognuna delle quali è un cesello d’ombra su un clamore di velluto.
Che siano madonne, dèe, streghe o bambine, stanno tutte raccolte in una nicchia di altera inafferrabilità, eppur vissute, eppur segnate da una vita estranea e farneticante, ma sempre inalterabili da alcunché di umano e di terreno. Impenetrabili e indecifrabili, vegliano i nostri sogni inquieti, visitano le nostre notti come succubi bisognosi di dedizione e di totale devozione, e non importa se irrompono dentro i nostri pensieri come un incubo, perché esse portano con sé lo stigma della nuova coscienza, della profonda lucidità psichica.
Come vere personificazioni del femminino esse incarnano la potenza immaginifica dell’archetipo cui appartengono e che agisce su di noi con il potere soverchiante dell’inconscio. Sono sovrane del metaxy, del regno di mezzo, e come tali portano dietro di sé lo strascico di una regalità severa ma scintillante, lasciando nel loro passaggio tracce di numinose presenze, di strani fremiti della mente.
Così il realismo magico della Serenari ci pone subito in contatto con la nostra alterità, e con le sue inquiete epifanie, con le sue enigmatiche immanenze, rende il non-detto più gravoso e persistente di un grido.
E in quell’apparente immobilità che “muove”si agitano tutte le larvate forme dell’immaginario, dal doppio al suo fantasma, e tutto ciò che non trova più spazio né collocazione nella nostra limitata razionalità. Così queste ma-donne, dèe oscure e sovrane del sé, ne trovano uno dilatato e infinito nelle nostre paure ed ipocondrie, nei recessi più inconoscibili del nostro essere.
E come ogni archetipo anche il Femminino di Roberta Serenari , addita e ammicca ad una salvezza, quella capacità illuminante di perdersi in qualcosa di eterno – nell’anima e nella bellezza – senza dover e poter più ritornare come e ciò che si era prima.-

Maria Rita Montagnani

In Corpo 012 – rassegna d’arti performative

2012-01-19T14:17:00.000+01:00

L'ennesimo colpo messo a segno dal Beluffi! Dove? ma nel centro del cuore artistico italiano, nei prossimi giorni in trasferta a Bologna...

In Corpo 012
rassegna d’arti performative

Titolo: In Corpo 012
Performers: Max Bottino, Tiziana Contino,
Joy Coroner (a.k.a Domenico Buzzetti), Roberto Paci Dalò,
Giovanni Gaggia, Chiara Scarfò, Mona Lisa Tina
Preview: RitaVitaliRosati ‐ 26 Gennaio 2012
all'interno di Arte Fiera
Cura: Sponge ArteContemporanea
Interventicritici: Emanuele Beluffi/Isabella Falbo
Coordinamento: Marco AionMangani/Alice Zannoni
Inaugurazione: 27 Gennaio 2012, ore 21
Luogo: BT'FExtra, via Saragozza 105, Bologna
Partner: BT'Fgallery/SpongeArteContemporanea
Durata:27–29 Gennaio 2012
Orario: 27/01/012 ore 21‐23•28/01/012 ore 18‐20eore21‐23•29/01/012 ore19‐21 Venerdì 27 Gennaio 2012 alle ore 21.00

BT'F Gallery di Bologna presenta In Corpo 012. Una rassegna performativa con interventi critici di Emanuele Beluffi e Isabella Falbo e il coordinamento di Marco Aion Mangani e Alice Zannoni a cura diSponge ArteContemporanea. L'evento rientra nel circuito OFF di Arte Fiera 2012 e coinvolge i seguenti artisti: MaxBottino, Joy Coroner (a.k.a. Domenico Buzzetti), Tiziana Contino, Roberto Paci Dalò,GiovanniGaggia, MonaLisaTina, ChiaraScarfò. ConpreviewRitaVitaliRosati ‐26 Gennaio 2012 all'interno della Fiera. In Corpo è una rassegna performativa multi‐identitaria che si dirama e si completa nell’interazione estemporanea col pubblico. È il secondo momento di un progetto più ampio a partire dalla precedente manifestazione (In corpo. Dalla performance al video, 29 gennaio – 1 marzo 2011, BT'F Gallery), rassegnavideodedicataall’azioneperformativa). Presentato all’interno del circuito degli eventi collaterali ad Arte Fiera OFF 2011incollaborazione con B'TFGallery. Ora l’ambizione degli artisti coinvolti, nella specificità del progetto corale articolato in più giorni è quella di tessere un legame tra la dimensione dell’agire e quella della fruizione attiva, offrendo a chiunque la possibilità di vivere, nell’azione, una personale esperienza psicosensoriale attraverso l'uso del proprio corpo ogni artista amplifica di contenuti simbolici il progetto
complessivo. E il fruitore, in quanto coautore di un'esperienza condivisa, contribuisce a farci riflettere sulla relazione che intercorre tra l’individuo e la pluralitàidentitaria. La rassegna propone dunque singoli progetti performativi che si alternano nel corsodellequattrogiornatediArteFieraArtFirst.

Un’osservazione a parte merita il luogo All'interno del quale i performers si muoveranno: lo studio di Marco Aion Mangani condirettore artistico di BT’F gallery denominato BT'FExtra, inviaSaragozza105, Bologna, diventa spazio altro della galleria dedicato alle performance ed alla musica. L’evento segna dichiaratamente la preziosa collaborazione tra la galleria bolognese e l’Associazione Culturale Sponge ArteContemporanea di Pergola(PU) che ne estende ancora una volta la propria filosofia, fatta di contaminazione tra i linguaggi visivi e iluoghi.

Perulterioriinformazionicontattareilnumero340.25.29.265oppureconsultare ilsito http://www.btfgallery.com/ eilsito http://www.spongeartecontemporanea.net/

CALENDARIO
26 – preview all'interno della Fiera – Rita Vitali Rosati pubblicizza la rassegna donando al pubblico pagine strappate dal suo ultimo librofotografico e cartoline In corpo 012
27 – ore 21 SENSE 1 + 1 performance di: Tiziana Contino ‐ Joy Coroner (a.k.a. DomenicoBuzzetti)‐GiovanniGaggia‐MonaLisaTina
28 – ore 19 performance di Chiara Scarfò /
ore 21 performance di Roberto Paci Dalò
29–ore19 performance di MaxBottino
Contatti:
Emanuele Beluffi:emanuele.beluffi@gmail.com
Isabella Falbo:isabella_falbo@yahoo.it
Marco Aion Mangani:marcomangani@googlemail.com
BT’F Art Gallery
Via Castiglione35‐40124 Bologna info@btfgallery.com www.btfgallery.com Marco Aion Mangani:+39340.25.29.265

Esposizione internazionale di Fotografie a Roma - Obiettivi Obiettività

2012-01-19T13:31:00.001+01:00

Anche Fabiano Parisi in questa importante rassegna internazionale. A Roma, da non perdere!!!

Esposizione internazionale di Fotografie a Roma - Obiettivi Obiettività
Uno sguardo incrociato tra arte e scienza

Obiettivi Obiettività è una mostra che mette in presenza delle fotografie provenienti dai due campi di ricerca che sono l’arte e la scienza per una riflessione da un lato sulla volontà d’interpretare il reale in termini d’espressione artistica e dunque allontanarsene, dall’altro, d’avvicinarsene il più possibile per analizzarlo scientificamente e comprenderne il significato. Da queste visioni opposte scaturiscono alcune considerazioni estetiche ed emozionali che a volte sigillano la loro unione. A corollario di questa tematica si pone anche la questione della ricerca, dell’innovazione.

Produzione e Organizzazione
Livre Lecture, Officine Fotografiche

Inaugurazione, 27 gennaio ore 18.30La mostra Obiettivi e Obiettività prosegue

dal 30 gennaio al 24 febbraio 2012
Dal lunedì al venerdì H 10.00 - 13.00 / 15.00 – 19.30

chiuso il sabato e la domenica - Ingresso Libero

Officine Fotografiche
via G. Libetta, 1 00154 - Roma
Tel + 39 065125019

www.officinefotografiche.org

Partners

Istituzioni e organismi francesi : Ministère de la culture et de la communication, Médiathèque de l’architecture et du patri moine, Ministère de l’enseignement supérieur et de la recherche, Centre national de la recherche scientifique, Ministère des Affaires étrangères et européennes, Ambassade de France, Institut Pasteur.

Istituzioni a Roma : Accademia Britannica, Ambasciata del Regno dei Paesi Bassi, Reale, Istituto Neerlandese, Circolo Scandinavo; Istituto Svizzero.

I fotografi

Eugène Atget: 37 fotografie, vedute del vecchio Parigi, la « Zona », parchi e giardini, ornamenti architettonici. Con la partecipazione eccezionale della Médiathèque de l’architecture et du patrimoine, Paris.

Berenice Abbott: vedute scientifiche realizzate al Massachusetts Institute of Technology, Boston.

I fotografi contemporanei

Citati per sezione “a cura” ordinati per data di nascita.

Emilio D’Itri, direttore di Officine Fotografiche

Bruno Cattani, Maurizio Cintioli, Stefano De Luigi, Luigi Spina, Ernesto Notarantonio, Giancarlo Ceraudo, Carlo Gianferro, Emanuele Inversi, Paola De Grenet, Fabiano Parisi, Manolo Cinti, Alessandro Dandini De Sylva, TerraProject Photographers.

Renata Tartufoli, presidente di Livre Lecture

Bernard Plossu, Deborah Willis, Béatrix von Conta, Serge Clément, Arièle Bonzon, Béatrice Helg, Jacques Damez, Catherine Gfeller, Judith Albert, Julia Fullerton-Batten, Alejandro Gomez de Tuddo, Catherine Lay, François Deladerrière, Rip Hopkins, Agnès Geoffray, Damien Darchambeau, Philippe Pétremant, Delphine Diallo, Aurore Valade.

Jacopo Benci, vice direttore Belle Arti, Accademia Britannica

John Riddy, Toby Glanville, David Spero, Lala Meredith-Vula.

Bas Ernst, responsabile culturale dell’Ambasciata del Regno dei Paesi Bassi

Jan Dibbets,Fons Brasser, Anoek Steketee.

Arthur Weststeijn, responsabile culturale del Reale Istituto Neerlandese

Krien Clevis, Emily Bates, Rob Johannesma.

Mette Perregaard, direttrice del Circolo Scandinavo

Tero Puha, Mikkel Olaf Eskildsen, Kirsi Marja Metsähuone, David Morrow.

Le fotografie del CNRS Images

30 fotografie a cura d’Adèle Vanot, responsabile della fototeca del CNRS e di Pierre Grech, ingegnere al CNRS, all’Institut d’électronique du Sud, specialista di microfotografia.

Le fotografie dell’Institut Pasteur

20 fotografie a cura di Michaël Davy, responsabile della fototeca dell’Institut Pasteur.
Inaugurazione, 27 gennaio ore 18.30

SOMETIME AND SOMEWHERE di Andrea Marcoccia a cura di Carolina Lio

2012-01-18T20:44:00.000+01:00

Ottimo, davvero!

ANDREA MARCOCCIA
SOMETIME AND SOMEWHERE
a cura di Carolina Lio
dal 10 Febbraio al 03 Marzo 2012
inaugurazione: 10 Febbraio ore 18.30

Scenari reali decontestualizzati e privati di ogni tratto caratteristico,
estremamente particolareggiati e curati oppure stilizzati in forme
quasi geometriche, ma sempre e comunque resi stereotipo di un'idea
generale del "luogo".
Questi sono i soggetti di Andrea Marcoccia, che affronta la logica della filosofia geografica, cercando la distinzione tra spazio e luogo e proponendocela in pittura.
La domanda fondamentale è: in un'epoca in cui lo spazio, con le sue
caratteristiche di continuità e di temporalità ha preso il sopravvento
nel nostro immaginario, siamo ancora capaci di vivere il luogo?
Nei suoi paesaggi portati al di fuori dalla realtà e dalla quotidianità,
Andrea Marcoccia propone la staticità e l'estraneità del luogo come
strumento di indagine di noi stessi al di fuori dalla situazioni e ci chiede:
che cosa succederebbe se venissimo trasportati in un dove indefinito e
indefinibile che potrebbe essere "sometime" e "somewhere"?
Senza le certezze dello spazio e del tempo, quali altre certezze
resterebbero?

L'ultima fatica di Gianni Cuomo: "Il luogo dove esistere"

2012-01-18T18:25:00.000+01:00

Seguire il lavoro di Gianni Cuomo è sempre un piacere, così come condividerlo con voi.

Ora in una nuova personale a Bergamo. Da vedere!

Max Papeschi and Minnie Mouse / Exit From Heaven: The Wedding... il video

2012-01-18T12:27:00.000+01:00

Non c'è nulla da fare, rassegnatevi, Max Papeschi è geniale!!!

Max and Minnie get married

Villa Buttafava - 26 November 2011

Show curated by Igor Zanti

Video realized by Laura Macchi

PROFEZIA PREVISIONE PRECONCETTO PROGETTO al Politecnico di Milano

2012-01-18T11:54:00.000+01:00

Domani al Politecnico di Milano Fortunato D'Amico sarà moderatore e coordinatore di questo interessante incontro... da seguire

FABRIZIO SEGARICCI, Dormi ché domani arriva presto | Circoloquadro

2012-01-17T08:42:00.000+01:00

Altro bel colpo messo a segno da Circolo Quadro e la sua "anima"Arianna Beretta": la personale di Fabrizio Segaricci....

FABRIZIO SEGARICCI
DORMI, CHÉ DOMANI ARRIVA PRESTO

Circoloquadro ospita "Dormi, ché domani arriva presto", prima mostra personale di Fabrizio Segaricci a Milano. L’artista, che vive e lavora in Umbria, presenta un progetto site-specific che si articola in due lavori distinti, dialoganti tra loro nello spazio espositivo. La ricerca di Segaricci qui si concentra sui luoghi familiari e conosciuti, sul nostro attraversarli e osservarli, e su come questi possano diventare altro e trasformarsi in luoghi dell’anima, in una sorta di deriva che ignora ogni cognizione temporale.

"Mi hanno mandato una volta in colonia e mi sono perso" è un’opera composta da un video che riprende un lungomare con persone che passeggiano, diventate così protagoniste di un frenetico andirivieni teatrale, rappresentazione di una campionatura di esistenze che paiono non solo attraversare una spiaggia ma un intera vita.
Il video "Sono nato in casa" mostra come si possa tornare in un luogo familiare scoprendo che ci si può anche perdere. La registrazione delle immagini, raccolte in mesi di lavoro, si accavallano: il paesaggio è indagato in giorni e orari diversi, così la notte diventa subito giorno e il paesaggio si trasforma in un ritmo a noi insolito, dettato dalla nostra esperienza di attraversamento.

I titoli, frasi che la madre dell’artista usava ripetere spesso, rispecchiano un radicamento fondamentale con la quotidianità, ma anche il desiderio ricorrente di perdersi. In colonia a sei anni o sotto casa oggi.

FABRIZIO SEGARICCI, 1969, vive e lavora a Magione (PG). Inquieto ricercatore e sensibile osservatore della realtà e degli orientamenti artistici più attuali, sperimenta diversi linguaggi artistici cimentandosi nella fotografia, nellʼinstallazione e nella produzione di video contraddistinti da una forte carica concettuale intrisa di umori sociali e questioni storiche. La sintesi del lessico utilizzato (inquadrature fisse, centralità del soggetto, pulizia formale) rappresenta lʼossatura di questo diario visivo minimo. Una narrazione che si articola per brevi ed epigrammatiche analogie al fine di restituire con forza, ma anche con poesia, contraddizioni storiche, sociali e personali.
Dal 2004 a oggi Segaricci ha esposto in numerose mostre personali e collettive in prestigiosi spazi pubblici e privati italiani e stranieri tra i quali Palazzo Lucarini Trevi, CRAC Centro arte contemporanea Cremona, Viafarini Milano, Sassetti Cultura Milano, Teatro Accento Roma, Trevi Flash Art Museum Trevi-Perugia, Museolaboratorio Città Sant'Angelo Pescara, Pinacoteca Bãrao de Santo Ãngelo/Istituto de Artes Rio Grande do Sul-Brasile, Istituto Italiano di Cultura Madrid, Museum of New Art Detroit-U.S.A.

***

FABRIZIO SEGARICCI
DORMI, CHÉ DOMANI ARRIVA PRESTO
Inaugurazione: mercoledì 25 gennaio 2012
In mostra: dal 25 gennaio al 3 marzo 2012
Catalogo: intervista di Flavio Arensi, testo di Maurizio Coccia, presentazione di Arianna Beretta
Orari: da martedì a venerdì dalle 15 alle 19, o su appuntamento
Informazioni: info@circoloquadro.com , Tel. 02 6884442.

Oggi: "Costruire il paesaggio" - ore 18'00 Spazio Oberdan Milano

2012-01-17T08:33:00.000+01:00

Un appuntamento imperdibile dell'ottima Nicoletta Castellaneta! oggi a Milano

Martedì 17 gennaio, ore 18, presso lo Spazio Oberdan/Sala Alda Merini, Viale Vittorio Vento 2: COSTRUIRE IL PAESAGGIO. Cultura e sviluppo urbano”, secondo appuntamento sul tema del paesaggio contemporaneo a cura di Nicoletta Castellaneta e Giancarlo Lacchin. Interverranno: Novo Umberto Maerna (Vicepresidente e Assessore alla Cultura, Provincia di Milano), Stefano Boeri (Assessore alla Cultura, Moda e Design, Comune di Milano), Stefano Zecchi (docente di Estetica, Università degli Studi di Milano), Mimmo Di Marzio (giornalista e curatore della mostra). Moderatore: Luigi Mascheroni.

GALA DEL SORRISO - MAGIA E CABARET A VARESE - QUINTA EDIZIONE

2012-01-16T21:44:00.000+01:00

Ho l'onore di vantarmi di conoscere personalmente molti dei protagonisti di questa serata indetta per una raccolta fondi vera, sincera e sicuramente divertente. Il mio invito quindi e quello partecipare numerosi.

GALA DEL SORRISO - MAGIA E CABARET A VARESE - QUINTA EDIZIONE

PALAWHIRPOOL, Varese, Italy

sabato 10 marzo 2012 ore 21'00

IL CAST

LEONARDO MANERA - attore comico, veterano di Zelig; pochi sanno che ha iniziato la sua carriera come mago.

MARCO BERRY - mago escapologo e animatore televisivo (Le Iene, Invisibili, Danger).

ALEXANDER - prestigiatore e mentalista, ha avuto il massimo della popolarità televisiva negli anni '80 e '90.

MAX PISU - attore comico, un altro veterano di Zelig che si è fatto conoscere col suo tenero personaggio di Tarcisio.

WALTER MAFFEI - illusionista, attualmente impegnato su Rai 2 e su Comedy Central e nello spettacolo teatrale Italian Beauty con Leonardo Manera.

WALTER ROLFO - prestigiatore, autore televisivo e Presidente di Masters of Magic; sarà il conduttore della serata.

STEFANO CHIODAROLI - attore comico diventato famoso col personaggio del panettiere; in questo gala vestirà i panni del Mago Abat Jour.

CLARA TAORMINA - presentatrice e animatrice televisiva su Antenna 3 e Telelombardia.

LILYTH - la magia e il trasformismo al femminile.

LENOIR E RIONEL - illusionisti, inventori del "mentalismo estetico".

GIANLUCA GALLINA - illusionista e prestigiatore in stile Belle Epoque.

IVAN ANSELMA - la nuova generazione della magia.

ELVIS E BENEDETTA - magia e burlesque

ACO BOCINA - uno dei più grandi chitarristi/mandolinisti del mondo, accompagnato sul palco dal chitarrista Manuel.

Direzione artistica e "mise-en scène": Walter Maffei
Regia tecnica: Mauro Maderna

Organizzazione: Onlus Il Ponte del Sorriso
Light Service: Roberto Milanesi

BIGLIETTI: 10 euro tribuna - 25 euro parterre

PREVENDITA:
- Casa del Disco Piazza Podestà Varese
- Il Ponte del Sorriso Onlus via Manzoni 4 Varese
- Caffe Teatro via Indipendenza 11 Verghera di Samarate
- Ninnamamma via Garibaldi 91 Gavirate
- Biglietti disponibili anche la sera dello show al Palawhirpool dalle ore 18.

FINALITA': I proventi di questa serata saranno interamente devoluti al progetto per la costruzione di un Ospedale Pediatrico a Varese.

QUESTO GALA E' GEMELLATO A MASTERS OF MAGIC
www.mastersofmagic.it

'Tragedy Today n° 0: The Flooding' personale di Alice Olimpia Attanasio a cura di Mario Maduzio

2012-01-16T21:24:00.000+01:00

Qualche "post" fa vi avevo anticipato qualche cosa. Ora è giunto il momento di fare le cose per bene! La vulcanica e geniale Alice Olimpia Attanasio torna a Milano con una nuova personale, guidata da Mario Manduzio... DA NON PERDERE!

Silbernagl & Undergallery
Presentano:

Tragedy Today n 0, the flooding
Mostra personale di Alice Olimpia Attanasio

A cura di Mario Manduzio

Vernissage: Mercoledì 25 gennaio ore 18.30 - 21
Dal 25 gennaio al 18 febbraio
Via Borgospesso 4, Milano
Tel 0276014944

La galleria Silbernagl & Undergallery è lieta di presentarvi “Inondazioni ”, mostra personale dell’artista Alice Olimpia Attanasio.
Questa artista che pur molto giovane, vanta una serie di numerose mostre personali e collettive, è risultata finalista al premio Arte Mondatori nel 2010, vincitrice di uno dei premi speciali Giudecca 795 Art Gallery , del premio Arte Laguna per artisti under 25 nel 2011 e nel 2010 ed ha inoltre preso parte ad Open, esposizione internazionale di sculture ed installazioni.
“Tragedy Today” è un progetto, tramite il quale l’artista si propone di esplicitare, attraverso l’installazione, la scultura e la pittura, come le modalità comunicative dei media più diffusi vengano distorte e rese “ appetibili” e “vendibili”, rendendo le tragedie merce di consumo.
All’interno di questo originale progetto artistico si inserisce la mostra del 25 gennaio “Inondazioni”, in cui straripamenti di marshmellows, contenuti e compressi in un’unica stanza, simboleggiano tragedie riguardanti la furia delle acque, barche di biscotti rappresentano “carrette” del mare che solcano le acque trasportando immigrati che sfidano il destino.
La contrapposizione tra oggetti così popolari, commestibili, colorati, dolci e di facile consumo quali caramelle e dolciumi vari e le tragedie che per, mezzo di questi elementi, vengono raffigurate, sono un’onirica ma allo stesso tempo lucida metafora: i drammi di migliaia di uomini assumono, veicolati senza soluzione di continuità dei media e “ingurgitati” da lettori e telespettatori, i contorni melliflui ed edulcorati di un reality- show.

La mostra resterà aperta fino al 18 febbraio
Orari: dal martedì al sabato dalle ore 11 alle 19
Per info: cell.348/2202587

da Exibart...

2012-01-15T22:38:00.000+01:00

Una analisi attenta che trovo su exibart e condivido pienamente. La tragedia umana è assolutamente prioritaria ma anche l'arte ha vissuto la drammatica vicenda. Come? leggete qui sotto:

Oltre seimila opere a bordo della nave Costa Concordia affondata, tra multipli e originali

I morti, i dispersi e i feriti sono un tragico bilancio. Di fronte il quale vanno in secondo piano la quasi certa perdita della nave e anche il disastro ambientale se non si riusciranno a svuotare i serbatoi di gasolio. Ma, senza fare paragoni fuori luogo, l’elenco delle perdite non finisce qui. La Costa Concordia entrata in una secca a poche centinaia di metri dall'isola del Giglio non conteneva solo terme e cinque ristoranti, tredici bar e cinquanta suite con balcone. Come nella migliore tradizione delle crociere di lusso, ospitava anche una serie di opere d'arte, tra multipli e originali, di 35 artisti internazionali, tra cui gli italiani Aldo Spoldi, suo il ciclo dei nove grandi pannelli "Viaggio nelle città europee” e Nicola Salvatore (le sculture delle balene). Si parla inoltre di più di seimila pezzi a bordo tra opere d’arte contemporanea e pezzi di antiquariato da collezione (510 originali e 5.700 multipli) ispirate al tema della nave. E non basta: nel Grand Bar Biedermeir erano esposti 24 oggetti in cristallo della prima metà dell'ottocento. Nel Piano Bar Budapest facevano bella mostra alcuni vasi delle ceramiche Zsolnay, fondate nel 1853 da Miklòs Zsolnay. Il Centro Benessere Samsara era decorato da una importante collezione di xilografie giapponesi costituita da 12 xilografie tratte dai libri Manga di Katsushika Hokusai . Inoltre opere di giovani allievi delle principali Accademie d’Arte di Europa e tra le tante opere d’arte installate nelle suites e negli ambienti pubblici della nave, figuravano anche le tre tele "Oltremare” di Omar Galliani, il pannello "Incontrarsi” di Javier Garcerà, la tavola "Incontro e dissoluzione” di Jordi García Pons, "La Città della Concordia" di Fernando De Filippi (ex Direttore dell'Accademia Di Brera. (m.b.)

vedi articolo originale su: http://www.exibart.com/notizia.asp?IDNotizia=36583&IDCategoria=204

Dopo il Riso, il Madre!

2012-01-15T17:53:00.001+01:00

Leggo sconcertato, sul Mattino ( http://www.ilmattino.it/articolo.php?id=177130 ) dell'ipotetica chiusura del Madre di Napoli... dopo il Riso anche il Madre... Ma cosa sta succedendo alla nostra cultura ed al sistema museale? Pubblico o privato che sia. Comunale, provinciale, regionale o statale... Fondazione o galleria civica sono tutti in condizioni drammatiche e loro due, il Riso ed il madre, sono niente altro che i primi di una lunghissima lista a rischio. Non può esistere crisi economica, politica o sociale che porti ad un collaso di così catastrofiche proporzioni! E' minando la cultura che si sgretolano le nazioni. Il ministro della cultura, gli addetti, ed anche gli italiani che fanno?

Chiude il Madre, gli artisti ritirano le opere. Licenziati 30 dipendenti

di Pietro Treccagnoli

NAPOLI - Ultimi giorni per il Madre. Da martedì portone sbarrato. Se entro domani la Regione non convocherà un incontro per il rifinanziamento del museo di via Settembrini, addio all’arte contemporanea. Sul tavolo di Massimo Lo Cicero e Ugo D’Antonio, rispettivamente presidente e amministratore delegato di Scabec (la società a maggioranza regionale che gestisce i servizi) e su quello di Pierpaolo Forte, presidente della Fondazione Donnaregina, sono arrivate le lettere delle Pierreci e della Mondadori Electa, le due società che si occupano della gestione del museo.

In poche parole annunciano che manterranno aperto il museo fino a domani. Poi tutti a casa, a cominciare da una trentina di giovani dipendenti per i quali partiranno le lettere di licenziamento. Ovviamente saranno cancellate tutte le iniziative in programma: per mercoledì era prevista una performance di Rosy Rox e il 27 doveva essere inaugurata la mostra di Mario Persico. Questo nuovo capitolo rischia di mettere la parola fine a una delle esperienze culturali più vivaci e discusse della recente storia artistica di Napoli.

Che cosa è successo? La Regione, unico ente di riferimento del Madre, fondato da Eduardo Cicelyn che di fatto è stato licenziato (c’è stata la risoluzione del rapporto, ma lui resterà al suo posto fino a ottobre, quando ci sarà il concorso per il nuovo direttore), ha messo in bilancio per le attività e la gestione del museo un milione di euro. Il Cda non ha quindi potuto approvare il proprio bilancio preventivo per il 2012 che garantisce i contratti. La gestione minima dei servizi che consentono al Madre di restare aperto, (senza nessuna attività espositiva) è, secondo i tariffari regionali, di un milione e mezzo di euro.

Tutto al netto del pagamento di utenze mensili, le assicurazioni (e il patrimonio del Madre è ingente e costoso), gli stipendi dei dipendenti e dello stesso cda. Scabec vanta crediti dalla Fondazione (e quindi dalla Regione) per 8 milioni e il grosso deve andare proprio nelle casse di Electa e Pierreci, quest’ultima si occupa della biglietteria, dell’assistenza nelle sale, del bar e della ristorazione, mentre alla prima è affidata la gestione del bookshop, della collezione permanente e delle mostre. Le due lettere sono molto più di un ultimatum.

Possono rappresentare il sigillo di una lunga ed estenuante polemica, accentuata dalla crisi economica, di un assedio sempre più stringente a uno dei fortini simbolici del bassolinismo. Una roccaforte dalla quale, come annunciato da mesi, è cominciata la fuga degli artisti che non intendono tenere più le proprie opere e installazioni esposte nel museo. A cominciare da Jannis Kounellis che, proprio nei giorni scorsi, ha chiesto ufficialmente la restituzione di cinque pezzi affidati in prestito. Per il maestro greco-italiano, per il benservito che la Regione ha dato a Cicelyn, è venuto a mancare un rapporto di fiducia personale con il Museo.

La richiesta rischia di diventare una valanga che svuoterà le stanze del palazzo dell’arte contemporanea. Sono ben 83 le opere che rischiano di partire per un’altra destinazione. Perché, oltre alle richieste di restituzione, ci sono le vertenze annunciate da chi ha donato i propri capolavori e ora si sente meno tutelato, come Paladino, Clemente e Kapoor. Con questi tagli, non si sa come saranno pagate le costose assicurazioni delle opere. Ci si avvia verso la peggiore delle ipotesi. Poteva sicuramente essere immaginato (e, per i suoi tanti nemici, anche auspicato) un Madre senza Cicelyn, ma certamente non è pensabile un Madre senza arte. E soprattutto Napoli senza Madre.

"La vita la vediamo a memoria" Rudy Cremonini a cura di Luigi Meneghelli

2012-01-15T11:47:00.000+01:00

La penna di Luigi Meneghelli, l'opera di Rudy Cremonini ed il nostro impegno per non dimenticare. Sempre!

RUDY CREMONINI
La vita la vediamo a memoria
a cura di Luigi Meneghelli
Inaugurazione 22 Gennaio 2012 ore 11,30
Presentazione di Paola Barbara Sega
Museo Ebraico di Bologna, Via Valdonica 1/5, Bologna, Italy
(Giorno della memoria 2012)

Progetto GiaMaArt studio

www.lavitalavediamoamemoria.it

sabato 28 gennaio ore 21.00/24.00 art white night

La stanza della Shoah. Poco più di un antro illuminato da una luce fioca e posto in un angolo del Museo Ebraico di Bologna. Si sarebbe potuto ricostruire un mondo stipato dal tumulto della Storia: invece si è optato per un luogo vuoto, che documenta la scomparsa del corpo, l'aprirsi della porta sul “nulla”. Un nulla che però è bene non smettere di fissare, per circoscriverne la presenza e non farla dileguare. E forse è anche per questo che lo spazio è angusto e quasi invaso dall'ombra: non è per cancellare il passato e i suoi fantasmi, ma per custodirlo, per fare esperienza permanente del suo “buco nero”. Eppure un esile filo di memoria è estratto dall'assenza attraverso un elenco di nomi scritti a terra su una pellicola adesiva bianca. Sono come tracce e reperti che emergono dalle tenebre della stanza e che permettono un incontro muto con chi la violenza ha reso invisibile. Nomi che non si pongono come pesi morti del ricordo, ma che reclamano uno statuto d'essere, una voce che travalichi la Storia.
Ebbene, l'intervento ideato da Rudy Cremonini non vuole essere altro che il tentativo di dare un volto a queste voci, senza la pretesa di cogliere l'identità della persona. Niente inalterabilità delle foto tombali, niente puro omaggio alle vittime dello sterminio. Più che la pietà all'artista interessa suscitare la consapevolezza dell'accaduto. Ed ecco allora una serie di vecchie valigie in cartone su cui egli dipinge una “galleria di ritratti” sfuggenti, smarriti, quasi consumati dalla stessa pittura che li elabora. Così, nomi e volti, dice lo stesso Cremonini, si specchiano a vicenda, come a voler trattenere uno sguardo che invece tende ad allontanarsi o a perdersi dietro il frettoloso “turismo della memoria”.
Non aggiunge altro: teme di scivolare nella retorica o nella ritualità dei ricordi. Ad importargli è che il senso di cancellazione rimanga vivo, che la memoria conservi la sua ferita, che l'oscurità della stanza continui a testimoniare il passato. Ma soprattutto che la sua scarna “liturgia dell’orrore” parli al futuro.
____________________________________________________________

RUDY CREMONINI
We See Life Off By Heart

(Memorial Day 2012)

by Luigi Meneghelli
Inauguration 22 January 2012 at 11.30 a.m.
Introduction Paola Barbara Sega

Project: GiaMaArt studio

www.lavitalavediamoamemoria.it

The room of the Holocaust. Just a little more than a cave lit by a dim light and placed in a corner of the Jewish Museum of Bologna. One would have been able to reconstruct a world cluttered by the tumult of history: instead, an empty place was opted for, documenting the disappearance of the body, the opening of the door onto “nothingness". A nothingness which one should continue to scrutinize, to circumscribe its presence and keep it from vanishing. It is perhaps also for this reason that the site is cramped and almost invaded by shadow: it is not to erase the past and its ghosts, but to guard it, to make of its "black hole" a permanent experience. Yet a slender thread of memory is extracted from the absence through a list of names written down on white adhesive film. They are like tracks and findings that emerge from the darkness of the room and which allow a silent meeting with those whom violence rendered invisible. Names that do not pose as a dead weight of memory, but who claim to be a statute, a voice that goes beyond History.
Well, the intervention by Rudy Cremonini does not want to be other than an attempt to give a face to these voices, without pretending to understand the person's identity. No inalterability of the tombstone photos, no pure homage to the victims of the extermination. More than in pity the artist is interested in raising awareness of what happened. Here then is a series of old cardboard suitcases on which he paints a "portrait gallery": elusive, lost, almost consumed by the same art that elaborates it. Thus, names and faces, says Cremonini himself, mirror each other, as if to suppress a look which instead tends to move away or get lost beyond the hurried 'tourism of memory. "
Nothing else added: the fear of slipping into rhetoric or rituals of memories. What is of importance is that the cancellation remains alive; the memory retains its wound. The darkness of the room continues to attest to the past and above all its gaunt "liturgy of horror" speaks to the future.

'La Natura Squisita | Ai confini del POP' alle Stelline di Milano

2012-01-15T11:22:00.000+01:00

Che trio! che penne! che luogo!

La mostra presenterà l'opera di Fulvio Di Piazza, Marco Mazzoni e Nicola Verlato che interpreta e pone il concetto di Natura come sentimento d’infinito surreale. Una vitalità organicamente animata, che diviene forza generatrice, arrivando ad abbracciare ogni elemento esistenziale
Gli artisti per la prima volta in una tripla personale insieme, a cura di Alberto Mattia Martini e Julie Kogler, affrontano il tema della natura-super-natura, esponendo una selezione di opere storiche ed inedite che offrono allo spettatore un viaggio affascinante e fantasioso attraverso scenari surreali e sfere inconsce ricche di icone, idoli e archetipi rivisitati in chiave contemporanea.

LA NATURA SQUISITA. Ai Confini del Pop
02 – 25 febbraio 2012
Orario | martedì -sabato, 10 – 20
ingresso libero

I FILI DI ERSILIA - a Taranto

2012-01-14T20:19:00.000+01:00

Complimenti, molto interessante!

S’inaugura venerdì 27 gennaio 2012 a Taranto, alle ore 19,00, nella centralissima Piazza Garibaldi, ROSSOCONTEMPORANEO, nuovo spazio espositivo dedicato alle arti contemporanee ed atelier di comunicazione creativa e design. Un progetto ambizioso, in Terra Ionica, che segna l’evoluzione di un lungo percorso, nel panorama ampio della creatività e dell’arte contemporanea, del suo fondatore, Angelo Raffaele Villani, architetto e curatore tarantino.
ROSSOCONTEMPORANEO nasce sovrapponendo esperienze precedenti, maturate tra Abruzzo e Puglia nell’ultimo decennio, prima con Atelier777 Contemporary Art a Pescara e successivamente con OpificioCreativo. Pur nella variabilità delle esperienze, gli obiettivi restano identici: promuovere la ricerca della giovane arte contemporanea italiana, preferibilmente under 40, di artisti giovani e dalla eccezionale carica espressiva.
Particolare attenzione ROSSOCONTEMPORANEO la concentrerà sulle ricerche dei giovani artisti pugliesi.

“I FILI DI ERSILIA” a cura di Angelo Raffaele Villani è l’evento di apertura di ROSSOCONTEMPORANEO.
A Ersilia, per stabilire i rapporti che reggono la vita della città, gli abitanti tendono dei fili tra gli spigoli delle case, bianchi o neri o grigi o bianco-e-neri a seconda se segnano relazioni di parentela, scambio, autorità, rappresentanza. Quando i fili sono tanti che non ci si può più passare in mezzo, gli abitanti vanno via: le case vengono smontate; restano solo i fili e i sostegni dei fili. Dalla costa d'un monte, accampati con le masserizie, i profughi di Ersilia guardano l'intrico di fili tesi e pali che s'innalza nella pianura. È quello ancora la città di Ersilia, e loro sono niente. Riedificano Ersilia altrove. Tessono con i fili una figura simile che vorrebbero più complicata e insieme più regolare dell'altra.
Poi l'abbandonano e trasportano ancora più lontano sé e le case. Così viaggiando nel territorio di Ersilia incontri le rovine delle città abbandonate, senza le mura che non durano, senza le ossa dei morti che il vento fa rotolare: ragnatele di rapporti intricati che cercano una forma.

(da: Le Città Invisibili di Italo Calvino)

Dalla carica poetica e fantastica di una delle più interessanti città raccontate da Italo Calvino nel suo “Le Città Invisibili”, al groviglio di ragnatele quotidiane che segnano rapporti, relazioni, richiami per ognuno di noi, il passo è breve. Ragnatele che ci appartengono intimamente, bagaglio indissolubile di memoria, emozioni, colori, sentimenti, profumi, e che metaforicamente raccontano la complessità delle esperienze e delle ricerche artistiche pugliesi, in una ramificazione tentacolare, in un diffondersi imperioso verso luoghi altri, verso Ersilie nuove e sempre diverse.
Un confronto vivo tra esperienze del fare arte in Puglia, o per chi è pugliese, ma lavora fuori regione.
Quattordici artisti, tutti pugliesi, in un intreccio inusuale di fili mentali, di collegamenti ipotetici tra memoria e ricerche artistiche maturate nella terra d’origine, che ad un naturale sentimento di appartenenza, spesso sovrappongono le più ricche e svariate contaminazioni esterne, legando così la propria arte ad ambienti ed influenze differenziate.
Con “I FILI DI ERSILIA” si esalta una volontà di ricerca nel segno della varietà e della ricchezza espressiva del contemporaneo pugliese. Testimonianze coinvolgenti i più svariati ambiti della ricerca artistica, compresi proprio quei linguaggi multimediali ormai parte integrante dell’esperienza contemporanea.

Nelle tele e nei lavori di Marino, Massari, Scialpi e Solito, si legge forte una rappresentazione inquieta, sofferta, nelle quali domina spesso un chiaro messaggio sociale, talvolta politico o ideologico. Un senso d’inquietudine evidenziato anche da una rappresentazione rapida e gestuale, dal segno fresco e deciso.

Petrilli presenta un’arte digitale carica di un calore e di una felice manualità, nei tratteggi e nei decisi chiaroscuri. Opere di grande sensualità che hanno per protagonista seducenti figure femminili dall’erotismo vigoroso.

Calore nella gestualità espressiva la ritroviamo nei disegni di Molinaro. Una stratificazione d’immagini sapientemente giocate prospetticamente che hanno per riferimento la cultura pop e il mondo dell’illustrazione. Segni quasi incisi, utilizzando china e grafite di durezze diverse, nella totale assenza del colore.

L’universo fantastico di Muserra si lega indissolubilmente al fumetto e al digitale. Un mix di sensazioni attinte dai media, dal cinema e dalla musica, con uno stile personale ed inconfondibile. La figura umana è il fulcro della composizione con una rappresentazione inquietante ed irrequieta.

Il package scultoreo di Francolino, parte dai cosiddetti prodotti del consumismo, dalle icone celebrate dalla pubblicità e dai mass-media, decontestualizzandoli e ricontestualizzandoli sotto spoglie diverse, in un mix di contenuti ironici, politici, sociali, dal chiaro sapore Pop Art.

Nella performance di Fontana, si fondono differenti linguaggi (arte visiva, canto e danza), per raccontare l’antico gioco della “campana”, quale metafora dell’aspirazione umana al miglioramento, della ricerca della meta, del paradiso.
Stessa tematica, seppur con modi e forme differenti, si affronta nel video presentato da Fiorella (dream), dove la leggerezza e la spensieratezza della rincorsa ai propri sogni, si scontra con la difficoltà palese dell’inarrivabilità degli stessi.

La mostra, infine, tocca le diverse anime di un’arte pseudo illegale, quale la street art, ormai sdoganata e perfettamente integrata, con le opere di Leg, Nocci, Rosato e Stencilnoire, tra spray, stencil e tag. Un’arte da strada tanto nobilitata da porsi come riferimento estetico delle generazioni più giovani, in sintonia perfetta con i loro linguaggi e valori estetici.

Gli artisti:

Raffaele Fiorella, Fabrizio Fontana, Andrea Francolino, Leg, Mariateresa Marino, Luigi Massari, Dario Molinaro, Michela Muserra, Nocci, Giuseppe Petrilli, Enzo Rosato, Patrizia Emma Scialpi, Giuditta Solito, Stencilnoire

I FILI DI ERSILIA:

dal 27 gennaio all’11 febbraio 2012
a cura di Angelo Raffaele Villani

ROSSOCONTEMPORANEO
Via Regina Margherita, 40 - (Piazza Garibaldi) | Taranto
http://rossocontemporaneo.wordpress.com/

ingresso libero
orario: da martedì a sabato, 17,00/21,00