L'art de la peinture

Peinture originale

2011-01-12T15:26:00.001-08:00

Voici un tableau pour le moins original.

Jolie toile

2011-01-12T15:24:00.001-08:00

Voici une jolie toile je trouve.

Peinture en 4 minutes

2007-04-30T02:32:00.000-07:00

peinture en 4 minutes

Peintures d'Edouard Manet sur une musique de Luck Mervil

2007-04-27T06:18:00.002-07:00

Luck Mervil : Emportes-moi

Peintures d'Edouard Manet sur une musique de Léo Ferré

2007-04-27T06:18:00.001-07:00

Léo Ferré - La Vie D'artiste

Un grand peintre : Edouart Manet

2007-04-27T06:17:00.001-07:00

Édouard Manet (né à Paris le 23 janvier 1832 - mort à Paris le 30 avril 1883) est un peintre français majeur de la fin du XIXe siècle. Issu d'une famille bourgeoise, artiste dans l'âme, Manet refuse de s’engager dans les études de droit auxquelles son père le prédestine. Il choisit très vite d’entrer dans l'atelier du peintre académique Thomas Couture. Après six ans d'apprentissage, face à l'échec de ses toiles et aux remontrances de son maître, il rompt finalement avec lui pour développer librement son propre style. En 1861, il croit rencontrer un début de succès avec le Portrait de M. et Mme Auguste Manet.

Moins d’un an plus tard, toutefois, les couleurs et l'aspect érotique de Lola de Valence font scandale. En 1863, le célèbre Déjeuner sur l'herbe et la provocante Olympia achèvent de le classer aux yeux de l’opinion dans la catégorie des artistes infréquentables, et ses œuvres sont dès lors refusées presque chaque année au Salon de Paris. Ses tableaux, mal perçus à l’époque, ouvrent la voie à la peinture moderne, et font de Manet le chef de file des artistes d'avant-garde. Le peintre est souvent considéré aujourd’hui comme l'un des pères de l’impressionnisme, étant donné qu’il fut proche de ce courant tant par son style que par ses thèmes de prédilection. Sa manière de peindre reste néanmoins foncièrement différente de celle de Claude Monet ou de Camille Pissarro, car un peu plus réaliste. Édouard Manet fut par ailleurs le mentor de Berthe Morisot, qui épousa son frère Eugène en 1874. Il consacra la fin de sa carrière aux portraits, notamment celui du poète Stéphane Mallarmé.

Édouard Manet voit le jour le 23 janvier 1832 au numéro 5 de la rue Bonaparte, dans le quartier parisien de Saint-Germain-des-Prés. Son père Auguste, fervent républicain, était un haut fonctionnaire affecté au ministère de la Justice et descendait d’une illustre famille bourgeoise de la capitale. Mme Manet (née Fournier), quant à elle, était la fille d’un diplomate affecté à Stockholm, qui avait su si bien acquérir la confiance du roi de Suède que ce dernier avait autrefois accepté de devenir le parrain de la mère de Manet. Bien qu’élevé dans cette famille aux mœurs austères, le jeune Édouard put découvrir rapidement le monde artistique grâce à l’influence d’un oncle assez excentrique, le capitaine Édouard Fournier, qui entraîna très tôt Édouard et son frère Eugène dans les galeries du musée du Louvre pour y admirer les grands maîtres.

À l’âge de douze ans, Édouard Manet est envoyé au collège Rollin (aujourd’hui le lycée Jacques Decour), au pied de la butte Montmartre. Il eut notamment pour professeur d’histoire le jeune Henri Wallon, dont le célèbre amendement allait plus tard constituer la pierre angulaire de la Troisième République. Les performances scolaires de Manet semblent avoir été très décevantes : le jeune garçon se montrait régulièrement dissipé, assez peu appliqué et faisait même parfois preuve d’insolence. Son camarade Antonin Proust rapporte par exemple une altercation que le futur peintre révolté eut avec Wallon au sujet d’un texte de Diderot sur la mode : le jeune homme se serait exclamé qu’ « il faut être de son temps, faire ce que l’on voit sans s’inquiéter de la mode ».1 Manet agrémentait la plupart de ses cahiers de caricatures particulièrement assassines de ses professeurs ou de ses voisins de classe, au point d’acquérir rapidement une grande renommée en ce domaine parmi ses camarades.

Les mauvais résultats obtenus par Édouard imposèrent à sa famille de réviser à la baisse les ambitions nourries autrefois à l’égard de leur fils aîné. Étant donné qu’une carrière dans le monde juridique semblait d’ores et déjà à exclure, les parents ne s’opposèrent pas au souhait soudainement exprimé par Manet de devenir marin. Un premier échec à l’entrée de l’École navale interdit cependant au jeune homme d’accéder au métier par la voie la plus noble, et lui imposa une formation sur le tas : alors qu’il n’est encore âgé que de seize années et que la fièvre révolutionnaire de la Seconde République vient à peine de s’apaiser, Édouard embarque en décembre 1848 sur le bateau-école Havre et Guadeloupe à destination de Rio de Janeiro, en qualité de simple pilotin.

Cette expérience, si elle ne confirma finalement pas la vocation maritime de Manet, lui fut néanmoins précieuse dans le développement de sa personnalité. Son séjour au Brésil lui donna un goût certain pour l’exotisme, pour les femmes, et lui fournit une confrontation brutale avec la réalité de l’esclavage. Toutes ces influences resteront perceptibles dans nombre de ses œuvres, notamment dans son Olympia. Le jeune homme vécut aussi très profondément sa rencontre spirituelle avec l’univers de la mer, et en conserva toute sa vie une fascination qu’il exprima en particulier dans sa série de paysages marins du type de L'Évasion de Rochefort, hommage au polémiste anti-impérial Henri Rochefort et à son évasion d’un bagne de Nouvelle-Calédonie.

Édouard Manet revient d’Amérique du Sud en juin 1849. L’expérience acquise au cours de ce long voyage ne lui permet cependant pas d’entrer à l’École navale, où il échoue une nouvelle fois. Loin de l’affliger, ce revers acheva de persuader Manet que son avenir passait nécessairement par une carrière artistique. Dès l’automne, le jeune homme obtient l’accord de ses parents pour entrer dans l’atelier du peintre Thomas Couture, où il resta environ six ans.

On considère souvent Thomas Couture comme l’une des figures emblématiques de l’art académique très formel de la seconde moitié du XIXe siècle, caractérisé notamment par un attrait quasi exclusif pour le monde antique et pour les sujets empreints de gravité. Le peintre doit cette réputation à son chef-d’œuvre des Romains de la décadence, présenté peu de temps auparavant au Salon de Paris de 1847. Son style, à l’époque, passait cependant pour novateur en comparaison d’autres artistes académiques beaucoup plus ternes et lourds, ce qui explique le choix, en réalité audacieux, de Manet.

Manet consacra l’essentiel de ces six années à l’apprentissage des techniques de base de la peinture et à la copie de quelques œuvres de grands maîtres exposées au musée du Louvre : ainsi de l’Autoportrait du Tintoret, du Jupiter et Antiope attribué au Titien ou d’Hélène Fourment et ses enfants, œuvre de Rubens. Son attirance pour le moderne était perceptible dès cette période, puisqu’il obtint de Delacroix la permission de copier La Barque de Dante, alors exposée au musée du Luxembourg. Le jeune peintre, même s’il réalisa probablement quelques œuvres originales à cette époque de sa vie, les détruisit probablement par la suite en guise de désaveu.

Manet prend soin de compléter sa formation par une série de voyages culturels à travers l’Europe : on trouve trace de son passage au Rijksmuseum d’Amsterdam en juillet 1852. Il réalise par ailleurs deux séjours en Italie : le premier, en 1853, est réalisé en compagnie de son frère Eugène et lui sert d’occasion pour copier la célèbre Vénus d'Urbin du Titien, à la galerie des Offices de Florence, dont il s’inspirerait par la suite pour Olympia. Au cours du second voyage, en 1857, Manet refait un passage dans la cité des Médicis pour y croquer quelques fresques d’Andrea del Sarto au cloître de l’Annunziata. Outre les Pays-Bas et l’Italie, l’artiste aurait profité de son déplacement de 1853 pour visiter l’Allemagne et l’Europe centrale, en particulier les musées de Prague, Vienne, Munich ou Dresde.

L’indépendance d’esprit manifestée par Manet tendait à alimenter une certaine tension entre le jeune homme et son maître. Couture, dérouté par l’obstination de son élève à choisir des sujets simples et réalistes et à peindre des modèles habillés, finit par lui prédire qu’il ne serait jamais que le « Daumier de son temps »2, autrement dit un caricaturiste aux goûts grossiers. Cette divergence artistique grandissante conduit Manet à quitter l’atelier Couture en 1856, et à emménager dans son propre local avec son ami Balleroy.

L’ombre de Vélasquez

Après quelques dernières années employées à copier et à apprendre des grands tableaux, c’est au Salon de 1859 que Manet se décide à dévoiler officiellement sa première œuvre, intitulée Le Buveur d'absinthe. La toile, de facture nettement réaliste, dénote l’influence indéniable de Gustave Courbet, mais constitue surtout un vibrant hommage à celui que Manet a toujours considéré comme son modèle ultime et comme « le peintre des peintres »3, Diego Vélasquez. En l’occurrence, on constate une parenté spirituelle évidente entre le Buveur d’absinthe et le Ménippe du grand maître espagnol. Nombre des peintures d’Édouard Manet comporteront ainsi des références évidentes ou plus subtiles à son illustre prédécesseur. Le personnage du tableau, de manière assez comique, fera une réapparition totalement incongrue dans une toile ultérieure, Le Vieux Musicien, qui a également la particularité d’être le tableau de Manet aux dimensions les plus larges.

Le Buveur d'absinthe fut à l’origine du premier refus et, incidemment, du premier scandale dont Manet fit l'objet. Outre la trivialité et le réalisme quasi naturaliste du sujet, la toile fut raillée pour son manque global de finition (en réalité volontaire), plus particulièrement au niveau du visage ou du pantalon, à peine esquissés. Le jeune artiste bénéficia pourtant de plusieurs soutiens remarqués, avec notamment Eugène Delacroix, qui assura sa défense auprès du jury, et surtout Charles Baudelaire, qui venait de faire sa connaissance et s’employait à le faire connaître dans la société parisienne (voir infra).

Manet, à cette période de sa vie, est marqué par une certaine fascination pour l’art de la péninsule ibérique, qu’il associe au réalisme, par opposition à l’art italianisant des Académiques, plus formel et déconnecté du monde contemporain. Déjà bien avant son premier voyage en Espagne en 1865, il consacre donc plusieurs toiles à ce qu’il désigne lui-même comme des « sujets espagnols » : à la danseuse énigmatique et si intensément baudelairienne de son Lola de Valence répond comme en écho le guitarero romantique du Chanteur espagnol. Manet confirmera son attachement à l’Espagne avec le Jeune Homme en costume de majo et Mlle V. en costume d'espada, exposés au Salon des Refusés de 1863.

Le style espagnol étant à la mode, son Chanteur lui permit pour la première fois d’être accepté à un Salon de Paris en 1861, où il put également exposer le portrait de ses parents (voir ci-dessus). Le Chanteur espagnol obtint la mention « honorable » et plut non seulement à Baudelaire mais aussi à Théophile Gautier, qui en loua la « couleur très vraie » et la « brosse vaillante »4. Le succès officiel de Manet, toutefois, ne fut que de courte durée, et allait bientôt laisser place aux scandales à répétition : la légère désapprobation quant aux couleurs et à l’érotisme suggéré de Lola de Valence ne constituait en réalité que le prélude à l’affaire d’Olympia.

La dernière toile de Manet pouvant être spécifiquement qualifiée de « sujet espagnol » est son Homme mort, daté de 1864. L’œuvre, à l’origine, n’était en fait qu’une partie d’une composition plus vaste destinée au Salon de la même année, et intitulée Épisode d’une course de taureaux : le peintre, de son propre aveu mécontent, découpa et conserva la seule partie réussie du tableau pour mettre un terme aux moqueries du public, qui s’amusait de la taille minuscule du taureau en arrière-plan.

Entrée dans la vie mondaine

Édouard Manet avait la réputation d’être un jeune homme plein d’assurance, volontiers amical et sociable. C’est pourquoi l’époque de ses premiers succès ou scandales est aussi celle de son entrée remarquée dans les cercles intellectuels et aristocratiques parisiens. Outre la petite cour de jeunes peintres admiratifs s’étant déjà ralliés à sa cause (Fantin-Latour, Degas…), Manet fréquente assidûment le jardin des Tuileries, où il réalise des esquisses en plein air en compagnie de son ami Baudelaire, et le café Tortoni, où lui et ses compagnons de la « bohème élégante » ont leurs habitudes.

L’univers à la fois huppé et raffiné dans lequel évoluait Manet, propre au Paris du XIXe siècle, est sans doute le mieux rendu par la célèbre Musique aux Tuileries, qui dépeint un concert donné au jardin et dans lequel Manet se plaît à faire figurer un certain nombre des personnes qui lui sont proches. La silhouette de Baudelaire n’est qu’esquissée, juste au-dessus de la première dame habillée en blanc en partant de la gauche. Cette dernière, installée à côté de Mme Offenbach, n’est autre que Mme Lejosne, chez qui Manet a fait la connaissance de Baudelaire. Le peintre s’est lui-même représenté sous les traits du personnage barbu le plus à gauche de la composition. Quant à son frère, Eugène Manet, le tableau le dépeint légèrement incliné vers la gauche, devisant avec une autre femme.

La toile, qui symbolise nettement la rupture faite par le peintre avec sa période réaliste, reçut un accueil défavorable de la part des critiques, qui accusèrent Manet de ne travailler que par esquisses floues et d’ « écorcher les yeux comme la musique des foires fait saigner l’oreille »5. C’est bien La Musique aux Tuileries, davantage que Le Déjeuner sur l'herbe, qui semble constituer le premier véritable manifeste du mouvement impressionniste.

Plus de dix années plus tard, au printemps 1873, Manet réalisa une toile d’une facture similaire à celle de La Musique aux Tuileries, intitulée Bal masqué à l'opéra et où figurent plusieurs de ses connaissances. L’opéra en question, situé rue Le Peletier dans le IXe arrondissement, devait d’ailleurs être réduit en cendres par un incendie la même année. La toile joue sur les contrastes de couleurs entre les hommes, entièrement vêtus de noir, et les comédiens habillés de façon extravagante.

Parmi les autres grands rendez-vous mondains du Paris du XIXe siècle, les courses hippiques de Longchamp occupaient une place non négligeable. Édouard Manet s’inspira de cet évènement festif pour réaliser une toile particulièrement novatrice. Dans Les Courses à Longchamp, en effet, les chevaux sont représentés non de profil mais de face, comme si le peintre se trouvait au beau milieu de la piste. Le tableau, ainsi, apparaît impressionniste dans tous les sens du terme.

Le Salon des Refusés de 1863 : gloire et scandale

Pour la première fois dans l’histoire du Salon officiel et annuel de Paris, on permet en 1863 aux artistes refusés d’exposer malgré tout leurs œuvres dans une petite salle annexe à l’exposition principale, et où les visiteurs les plus audacieux pouvaient poursuivre leur parcours s’ils le désiraient : c’est le fameux Salon des Refusés. Édouard Manet, en y exposant trois œuvres controversées, s’imposa comme une figure désormais incontournable de l’avant-garde.

Le Bain, ou Le Déjeuner sur l’herbe

Parmi les trois peintures exposées au Salon, la composition centrale du Déjeuner sur l’herbe suscita les réactions les plus considérables. Le scandale était dû à plusieurs facteurs, ce qui explique son envergure : en premier lieu, et bien que cela soit moins visible que dans La Musique aux Tuileries, Manet confirme sa rupture stylistique avec le classicisme et l’académisme, pour se rapprocher de la technique impressionniste. Comme l’a involontairement noté un critique de l’époque, selon lequel « Manet aura du talent le jour où il saura le dessin et la perspective »5, le peintre s’exprime dans des formes brutales et des couleurs chatoyantes qui rompent avec la technique traditionnelle.

Mais la polémique, en réalité, venait moins du style de la toile que de son sujet : si le nu féminin était déjà répandu et apprécié, à condition d’être traité de façon pudique et éthérée, il était véritablement choquant de faire figurer dans la même composition deux hommes tout habillés, a fortiori vêtus des costumes de l’époque. Une telle mise en scène, dénuée de toute hypocrisie, excluait en effet la possibilité d’une interprétation mythologique et donnait au tableau une forte connotation sexuelle. Le critique Ernest Chesneau, résumant ce malaise, affirmait ne pouvoir « trouver que ce soit une œuvre parfaitement chaste que de faire asseoir sous bois, entourée d’étudiants en béret et en paletot, une fille vêtue seulement de l’ombre des feuilles »6. Le Déjeuner sur l’herbe ne faisait pourtant que s’inspirer d’une œuvre de Raphaël représentant deux nymphes, et du Concert champêtre du Titien, la seule différence avec ces deux peintures étant l’habillage contemporain des deux hommes. Manet, de cette manière, relativisait et ridiculisait les goûts et les interdits de son époque.

Outre Le Déjeuner sur l'herbe, qui occupait le centre du mur alloué à Manet, deux sujets espagnols étaient également proposés par le jeune peintre. À gauche se trouvait le Jeune Homme en costume de majo. Ce personnage à l’allure fière n’est autre que le plus jeune frère de Manet, Gustave. L’œuvre, une fois de plus, dérouta les critiques, notamment en raison du fort contraste s’établissant entre la couverture rouge, si bien travaillée et détaillée, et le visage à peine esquissé du majo.

À droite du Déjeuner figurait un audacieux portrait du modèle fétiche de Manet, Victorine Meurent (voir infra), travestie en homme. Dans Mlle V. en costume d’espada, Victorine feint de participer en tant qu’espada à une tauromachie. Tout est mis en œuvre cependant pour montrer que le sujet n’est qu’une supercherie : Victorine, du fait de la menace représentée par le taureau, ne devrait normalement pas fixer le spectateur avec autant d’insistance. L’ensemble de la scène est tout simplement un prétexte visant à représenter la modèle dans des habits masculins et donc à faire ressortir de manière plus éclatante encore sa féminité.

Olympia, ou l’entrée dans la modernité

Bien que Manet ait finalement décidé de ne pas l’exposer au Salon des Refusés et de ne la dévoiler que deux ans plus tard, c’est bien en 1863 que fut réalisée la toile d’Olympia. L’œuvre, qui allait susciter une controverse encore plus féroce que le Déjeuner sur l'herbe, représente une prostituée semblant sortir tout droit d’un harem à l’orientale et s’apprêtant visiblement à prendre un bain. Le tableau, qui associe et fait ressortir avec puissance le contraste entre la femme blanche et la femme noire, s’inscrit en réalité dans la longue tradition artistique et très académique dite de « l’odalisque à l’esclave » : ainsi des Odalisques d’Ingres, ou encore de l’Odalisque de Bénouville et de celle de Jalabert dans les années 1840. Mais Olympia, avant tout, se veut une référence audacieuse à la célèbre Vénus d'Urbin du Titien.

Contrairement au Déjeuner sur l’herbe, Olympia n’est donc pas tant choquante par son thème que par la manière dont ce thème est traité. Outre qu’elle soit entièrement nue, la modèle (Victorine Meurent) s’affiche avec une insolence et une provocation indéniables. L’atmosphère générale d’érotisme, surtout, est renforcée par la présence du chat noir à la queue relevée, aux pieds de la jeune fille. L’animal fut ajouté par Manet, non sans humour, afin de remplacer l’innocent chien figurant dans la Vénus d’Urbin, et peut-être également afin de désigner par métaphore ce que la jeune fille cache précisément de sa main. D’autres éléments de la composition ont longtemps perturbé les critiques : c’est le cas du bouquet de fleurs, nature morte s’invitant de manière incongrue dans un tableau de nu, mais aussi du bracelet (qui appartenait à la mère du peintre !) et de la grossièreté de la perspective.

Bien que Manet ait à l’évidence cherché le scandale, l’avalanche de récriminations dont il fut la victime l’accabla assez fortement, et le soutien de son ami Charles Baudelaire l’aida à passer ce cap difficile de sa vie.

Les proches d’Édouard Manet, qu’il s’agisse de sa famille directe ou de ses amis du monde de l’art, furent absolument déterminants dans l’évolution de la carrière du peintre. Ce dernier a la particularité d’avoir fréquemment peint les personnes qui partageaient sa vie.

Suzanne Leenhoff fut sans aucun doute la femme la plus déterminante dans la vie de l'artiste, bien qu'elle ne fut pas celle qui l'inspira le plus, ce privilège revenant à Victorine Meurent. Cette Néerlandaise corpulente et placide, que Berthe Morisot appelait affectueusement « la grosse Suzanne »5, avait en effet le tempérament adéquat pour vivre aux côtés du peintre et supporter avec le sourire ses nombreuses infidélités. Édouard Manet, attaché à Suzanne pour l'équilibre qu'elle lui apportait, finit par l'épouser en octobre 1863, soit un an après la mort de son père.

La silhouette tranquille et apaisante de Suzanne figure à de nombreuses reprises dans l'œuvre de Manet. On compte plusieurs portraits restés célèbres, notamment La Lecture, où Mme Manet écoute avec attention les paroles de son fils Léon : les tonalités et les couleurs de cette toile, très douces, en font un remarquable exemple d'impressionnisme. Dans Suzanne Manet à son piano, l'époux de la jeune femme met en valeur le grand talent qu'elle avait pour jouer cet instrument, au point qu'elle put apaiser les derniers jours de Baudelaire en jouant du Wagner. Enfin, c'est également la fidèle compagne du peintre qui sert de modèle au nu féminin de La Nymphe surprise.

Bien qu’aucune preuve directe de paternité ne puisse être établie, Édouard Manet est sans aucun doute le père biologique du fils de Suzanne, Léon Leenhoff, qu’il éleva d’ailleurs comme son fils. Les raisons ayant poussé le peintre à ne jamais reconnaître sa paternité, même après son mariage, restent assez énigmatiques, de même que la nature exacte des relations qu’il entretenait avec le jeune garçon. Ce dernier, jusqu’à un âge avancé, l’appelait « parrain », d’où une certaine ambiguïté.

Il est possible de suivre le mûrissement progressif de Léon à travers les portraits que Manet fit de lui, depuis l’enfance jusqu’à l’adolescence. C’est encore un tout jeune enfant qui pose, déguisé en page espagnol, dans L'Enfant à l'épée, à l’époque où le peintre accumulait les sujets espagnols. Plus tard, dans Les Bulles de savon, un Léon âgé de quinze ans s’amuse à faire des bulles dans un bol de savon, peut-être afin de symboliser la brièveté de la vie. Mais surtout, on retient de Léon Leenhoff le visage d’un adolescent rêveur et mystérieux, tel qu’il apparaît dans le célèbre Déjeuner dans l'atelier, réalisé à l’appartement familial de Boulogne-sur-Mer, où les Manet passaient l’été. Cette toile, acceptée et exposée au Salon de Paris de 1869, résume parfaitement l’œuvre de Manet en ce qu’elle a parfois de bizarre ou d’absurde grâce à un rassemblement d’éléments totalement hétéroclites : trois personnages indifférents les uns aux autres, un repas mêlant huîtres et café, des armes et des accessoires de combat, sans oublier bien sûr la présence de l’incontournable chat noir, qui, depuis Olympia, symbolise Manet aux yeux des critiques.

Un jour qu’il déambulait au musée du Louvre, Manet, par l’intermédiaire de Fantin-Latour, fit la connaissance d’une jeune peintre dont le talent novateur et la beauté mélancolique semblaient ne faire qu’un. D’emblée impressionné par Berthe Morisot, Manet la persuade de poser pour lui dans différents tableaux. Outre le remarquable Berthe Morisot au bouquet de violettes, encensé plus tard par Paul Valéry, c’est surtout Le Balcon qui va frapper les esprits. La toile, inspirée des Majas au balcon de Francisco Goya, a été réalisée à la même époque et dans la même intention que le Déjeuner dans l'atelier. Les trois personnages, tous amis de Manet, semblent n’être reliés par rien : tandis que Berthe Morisot, à gauche, fait figure d’héroïne romantique et inaccessible, la jeune violoniste Fanny Claus et le peintre Antoine Guillemet paraissent habiter un autre monde. Le vert agressif et audacieux du balcon, par ailleurs, fit couler beaucoup d’encre.

Berthe Morisot devient la belle-sœur de Manet en 1874 lorsqu’elle se marie avec le frère de ce dernier, Eugène. Influencée notamment par son beau-frère, elle s’imposera ensuite comme une figure essentielle du mouvement impressionniste.

Alors même qu’il n’était encore qu’un jeune peintre fort obscur, Édouard Manet avait déjà fait la connaissance et conquis l’amitié de Charles Baudelaire. Les deux hommes se rencontrent dès 1859 dans le salon du commandant Lejosne, ami de la famille Manet. Bien que Baudelaire n’ait jamais écrit publiquement pour soutenir son ami, y compris pendant le scandale du Salon des Refusés de 1863, il tint le talent du jeune homme en haute estime dès la présentation du Buveur d'absinthe. Comme il l’avait noté en 1865, peu avant sa mort, « il y a des défauts, des défaillances, un manque d’aplomb, mais il y a un charme irrésistible. Je sais tout cela, je suis un des premiers qui l’ont compris »7.

L’amitié de Charles Baudelaire fut particulièrement bénéfique à Manet après la présentation d’Olympia : le peintre, sans le laisser paraître, avait été fortement abattu par les critiques féroces qui lui avaient été adressées, et en avait touché un mot à son ami, alors en séjour à Bruxelles. La lettre mémorable que Baudelaire envoie en réponse est à la fois ferme et amicale : invitant Manet à faire taire son orgueil, le poète relativise la portée des attaques dont son ami est victime par rapport à celles que d’autres grands artistes ont pu endurer, allant jusqu’à dire que Manet n’est somme toute « que le premier dans la décrépitude de [son] art »8. Ce commentaire corrosif, dans la bouche d’un poète fasciné par le thème de la décadence, est bien sûr en réalité un compliment. La mort de Baudelaire, survenue prématurément en 1867, fut un coup rude pour Manet et sa femme Suzanne, qui perdaient à la fois un protecteur et un ami.

C’est cependant à cette époque qu’Édouard Manet reçoit le soutien bruyant d’un jeune auteur audacieux de vingt-six ans, Émile Zola. Ce dernier, révolté par le refus qui fut opposé au Joueur de fifre pour le Salon officiel de 1866, publia la même année un article retentissant dans L’Événement, dans lequel il prenait la défense du tableau. L’année suivante, Zola alla jusqu’à consacrer une étude biographique et critique très fouillée à Édouard Manet, afin de permettre la « défense et illustration » de sa peinture, qu’il qualifiait de « solide et forte »9 et associait – peut-être à tort – au naturalisme. Il semble aujourd’hui indéniable que toutes ces manifestations de soutien comportaient une certaine part de calcul : le jeune écrivain, en se positionnant clairement en faveur du représentant emblématique de l’avant-garde qu’était Manet, s’assurait sa propre réputation et sa propre gloire.

Manet n’en fut pas moins reconnaissant envers son nouvel ami, et réalisa dès 1868 le Portrait d'Émile Zola, accepté au Salon de la même année. La toile contient plusieurs éléments anecdotiques et discrets révélant l’amitié des deux hommes : outre la reproduction d’Olympia accrochée au mur, et dans laquelle le regard de Victorine Meurent a d’ailleurs été légèrement modifié par rapport à l’original afin de fixer Zola, on distingue sur le bureau le livre bleu-ciel que l’écrivain avait rédigé pour défendre Manet. L’entente entre les deux hommes, toutefois, ne dura pas : de plus en plus perplexe face à l’évolution impressionniste que connaissait le style de Manet, bien loin du réalisme qu’il prisait, Zola finit par rompre tout contact.

Ce n’est que plus tard dans sa vie que Manet retrouvera chez un homme de lettres l’amitié profonde et spirituelle qu’il avait ressentie pour Baudelaire, en la personne de l’autre grand poète qu’est Stéphane Mallarmé. Ce dernier, plus jeune de dix ans, ressentait une telle admiration pour l’art lumineux et transparent de Manet qu’il publia à Londres, en 1876, un article élogieux à son sujet, en anglais. Dans ce texte, intitulé Les Impressionnistes et Édouard Manet, Mallarmé prend la défense de son compatriote, et en particulier du tableau Le Linge, une représentation sans prétention d’une jeune femme des Batignolles lavant son linge, œuvre refusée au Salon car mêlant un thème trivial et un style impressionniste. Manet exécuta en retour un Portrait de Stéphane Mallarmé resté célèbre, tant, comme le dira Georges Bataille, il « rayonne l’amitié de deux grands esprits »10. Les deux hommes, tout au long des dernières années de la vie de Manet, se verront quasiment tous les jours, et la mort du peintre plongera le poète dans une grande tristesse.

Les différents types de peinture

2007-04-27T06:15:00.000-07:00

Qu'est ce que la peinture?

2007-04-27T06:14:00.000-07:00

La Peinture est la Matière dominante utilisée par les Peintres et qui met en œuvre différents matériaux (pigments en poudre, gouache, huile, acrylique, encre, etc.) destinés à l'expression personnelle et à la création d'œuvres d'arts.Le mot Peinture designe aussi l'oeuvre même crée avec cette technique Utilisées en décoration intérieure et pour toutes sortes d'objets de la vie quotidienne, les peintures utilitaires sont des produits vendus aux rayon "bricolage", les produits spécifiques pour artistes étant vendus au rayon "Beaux-arts". Depuis le début du 20ème siècle,les Artistes ont experimentés de nouvelles voies,et tendent a briser les normes et les tabous en introduisant dans leurs œuvres les matériaux du bricolage. La peinture en tant que matériau se présente en général sous forme liquide, et est appliquée selon l'utilisation en une ou plusieurs couches, avec un pinceau, un rouleau ou par projection. Les peintures peuvent aussi être sous forme pâteuse et s'appliquer avec un couteau (petite truelle). Dans la pratique artistique ou domestique, la peinture s'applique parfois à la main (peinture pariétale, art contemporain) mais plus souvent au pinceau, au rouleau, au couteau et même au balai chez certains artistes contemporains qui travaillent à plat sur de très grandes surfaces. Industriellement, on utilise aussi des peintures en poudre, appliquées par projection électrostatique puis cuites. La peinture comporte en général trois composants : le pigment, qui donne la couleur et l'opacité (Terre de Sienne, par exemple) ;le liant ou médium, qui lie le pigment et donne la consistance et la transparence (huile de lin, résines, gomme arabique ...) ;le diluant, qui rend la peinture liquide et permet une application facile (essence de térébenthine) ; après application, le diluant s'évapore et la peinture durcit (on dit qu'elle sèche). En dehors des pigments et des liants, on trouve dans la peinture divers produits qui améliorent l'élasticité ou la résistance de la peinture. On peut trouver aussi des siccatifs (produits améliorant le séchage). On peut reconnaître des courants artistiques aux choix des solvants et siccatifs (très sombre au Nord de l'Europe, très clair en Italie). Les peintures en poudre n'ont pas de solvant. Le liant est souvent un produit qui se transforme en polymère, la peinture forme alors une couche de plastique ; cette polymérisation peut se faire par l'évaporation du solvant, ou bien par exposition à la chaleur (cuisson dans un four). On appelle souvent « sans solvant » les peintures acryliques ou vinyliques dont le solvant est de l'eau. Cependant, les peintures ne contenant pas de solvant hydrocarbure (ex. : white spirit) peuvent contenir des additifs comme les éthers de glycols pouvant eux aussi nuire à l'environnement. La première utilisation des peintures avait sans doute des buts sacrés, rituels, religieux bien que l'élément décoratif soit présent dans l'artisanat des peuples premiers. Par métonymie, le terme « peinture » désigne également la discipline artistique. Avec l'apparition de la photographie et de la vidéo la discipline évolue et les termes art plastique ou art visuel tendent à remplacer celui de peinture.

Présentation de peintres

2007-04-27T06:08:00.000-07:00

Presentation des peintres