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Hoy se han presentado las últimas películas a concurso, La Vénus à la Fourrure de Roman Polanski y Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch.

En el año 2002, Roman Polanski se alzó con la Palma de Oro por El Pianista, y posteriormente conseguiría el Oscar al mejor director, algo que por cuestiones extracinematográficas parecía imposible. Con La Vénus á la Fourrure adapta la obra de teatro de David Ives, que a su vez se basa en la novela Venus in Furs de Leopold von Sacher-Masoch. La acción se desarrolla en un teatro vacío en donde se están haciendo audiciones para una obra de teatro protagonizada por una pareja de actores. Allí llegará Vanda, una actriz chabacana que quiere hacer una prueba a pesar de la oposición del adaptador y director de la obra. Pero cuando lee partes de la obra, la actriz es la idónea para el personaje, y eso empuja a que el director interprete el rol masculino, y surge un juego de dominación en la pareja. El film, rodado en francés, y que está protagonizado por la esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner, y Matthieu Amalric, ha sido aplaudido por la crítica, que la considera inteligente y divertida, y que está fantásticamente interpretada por su pareja protagonista, pero al  mismo tiempo advierten que no se encuentra en la lista de las mejores películas exhibidas durante esta edición.

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La dirección del Festival de Cannes añadió a última hora a Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch a la lista de aspirantes a la Palma de Oro. Esta historia de amor entre dos vampiros que asisten al fin del mundo está protagonizada por Tom Hiddleston, Tilda Swinton, John Hurt y Mia Wasikowska. La cinta también ha sido aplaudida, pero ha dividido a la crítica, más que la de Polanski. Para algunos es una marcianada muy divertida, para otros una tomadura de pelo. Jarmusch explicó en la rueda de prensa que tardó siete años en conseguir la financiación para rodar la película, y bromeó con la idea de que las películas de vampiros daban dinero, claro, los vampiros de su película no tienen nada que ver con los de la saga creada por Stephanie Meyer  “costó tanto tiempo porque nadie quería darnos el dinero. Cada vez es más difícil para las películas que son un poco inusuales, o que no satisfacen las expectativas sobre algo, pero eso es lo bonito del cine”.

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La imagen del día y seguramente de esta edición está protagonizada por Kim Novak ya que se ha exhibido una la versión restaurada de Vértigo de Alfred Hitchcock. Novak, que el pasado mes de febrero cumplió 80 años, ha hecho contadas apariciones públicas desde que se retirarse del cine por la puerta de atrás en la década de los noventa, su última película la rodó a las órdenes de Mike Figgis y el realizador en señal de venganza dejó su participación en la sala de montaje. Kim Novak quiso aprovechar su encuentro con los medios de comunicación para desmentir que Alfred Hitchcock fuese un depredador sexual. “Nunca le vi u oí que actuara de manera inapropiada. Conmigo o con cualquier otra persona siempre fue un caballero. Me parece desafortunado que se digan cosas de alguien que no está para defenderse”.

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Mañana hablaremos de los premiados.

Se trata de una película de terror con varios de los mejores maestros de los efectos prácticos de maquillaje. Hablamos de un equipo de efectos especiales con 10 nominaciones a los Oscar y 4 estatuillas. Gente que ha currado en Aliens, La Cosa y proyectos de ese calibre y que pretenden dar consistencia a una película de terror con criaturas que, entre otros objetivos, tiene la intención de recuperar ese tipo de trabajo artesanal que generalmente es mucho más orgánico y realista que los efectos digitales.

Harbinger Down cuenta la historia de un equipo de estudiantes que trata de demostrar los efectos del calentamiento global en una población de orcas. Durante su expedición en alta mar encuentran lo que parecen los restos de una vieja nave rusa lanza al espacio. Una nave que sin embargo no está vacía y en la que habita el resultado de antiguos experimentos con tardígrados.

El director, Alec Gillis, creador de los FX en La Cosa y currela de, por poner el título más reciente, El Juego de Ender, sitúa la película en un tono y línea muy similar a la mítica película de John Carpenter.

En el reparto, otro mítico de este tipo de títulos, Lance Henriksen.

Pero si aún así la cosa no os convence, un vídeo para ver de por dónde van los tiros con el director y tito Lance contandoos la movida.

Para echar una manica sólo tenéis que pinchar aquí y aportar lo que más os interese.

Vía Badass Digest

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Hoy se han presentado The Immigrant de James Gray y Michael Kohlhaas de Arnaud des Pallières.

James Gray es otro de esos realizadores fieles a La Croisette. Ha presentado cuatro de sus cinco películas en la sección oficial del Festival de Cannes, la única que se le escapó al certamen francés fue Little Odessa que se llevó el León de Plata en el Festival de Venecia. Y el realizador fue miembro del  jurado en la edición del 2009, es célebre su comentario dedicado a la presidenta del jurado, Isabelle Huppert, en donde la calificaba de “perra facha”. Su nueva película, The Immigrant, está protagonizada por Marion Cotillard, Joaquin Phoenix y Jeremy Renner. Ambientada a inicios del siglo XX, narra la historia de Ewa, una mujer polaca que en compañía de su hermana ha emigrado a los Estados Unidos. Nada más llegar a Ellis Island los de inmigración descubrirán que la hermana está enferma de tuberculosis y la envían a un hospital con la amenaza de devolverla a Polonia si no llega a curarse. Ewa desesperada por no tener dinero ni trabajo conocerá y se enamorará de Bruno Weiss que la obligará a prostituirse. El único que realmente ayudará a Ewa será Emile, el primo artista del hombre que la explota. El film ha sido recibido con aplausos, nada que ver con los abucheos de Two Lovers de hace cinco años, pero la crítica no se pone de acuerdo. Algunos consideran que está impecablemente rodada pero que le falta garra, y otros que es un gran melodrama y que  es de lo mejorcito que se ha exhibido durante esta edición. En lo que sí se ponen de acuerdo los críticos es en  alabar la interpretación de Marion Cotillard. Durante la rueda de prensa, James Gray comentó que no había visto ni una sola película de la Cotillard, pero que la escogió porque tiene una expresividad que le recuerda a las actrices del cine mudo, como por ejemplo Renee Falconetti, la protagonista de La Pasión de Juana de Arco de Dreyer.

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También se ha presentado la francesa Michael Kohlhaas de Arnaud Des Palliéres y que se basa en la novela homónima de Heinrich von Kleist. La cinta está protagonizada por Mads Mikkelsen que en la pasada edición se llevó el premio al mejor actor por La Caza. La acción transcurre en la Francia del siglo XVI, y Mikkelsen da vida a un comerciante de caballos que después de sufrir una injusticia buscará restablecer su derecho. No ha convencido mucho esta propuesta a los críticos. Algunos han comentado que es un cruce entre Braveheart y Valhalla Rising pero bastante soso. Solamente se salva la interpretación de Mikkelsen y la fotografía.

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Mañana se vivirá la última jornada competitiva con la exhibición de Venus in Fur de Roman Polanski y Only Lovers Left Alive de Jim Jarmusch.

Gracias a los chicos de Sony Pictures Releasing os traemos en primicia el tráiler en español de la película This Is the End, que aquí se titulará Juerga hasta el Fin.

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Hay películas de acción y hay películas que hacen que te crezca pelo en los huevos. La quinta entrega de esta saga era de esas, y viendo los avances parece que esta va en una línea muy similar. Acción exagerada, despiporre, musculazos y un reparto más numeroso que una colaboración entre Los Manolos y Canteca de Macao. Aquí la reseña.

Sinopsis: “Desde que Dom (Vin Diesel) y Brian (Paul Walker) destruyeron el imperio de un mafioso y se hicieron con cien millones de dólares, nuestros héroes se han dispersado por el planeta. Pero siguen sin poder regresar a casa ya que son prófugos de la justicia. 

Mientras tanto, Hobbs (Dwayne Johnson) ha estado siguiendo la pista por doce países a una banda de letales conductores mercenarios, cuyo cerebro (Luke Evans) cuenta con la inestimable ayuda de Letty (Michelle Rodriguez), la mujer amada a la que Dom creía muerta. La única forma de detenerlos es enfrentarse a ellos en una carrera callejera. Hobbs le pide a Dom que reúna a su equipo en Londres. ¿Qué obtendrán a cambio? Un indulto para todos. Podrán regresar a casa con sus familias.”

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UN AMIGO PARA FRANK – Dirección: Jake Schreirer

Frank Langela es un tío muy grande y ésta es otra pequeña película en la que verle luciéndose. Historia minimalista y entrañable, como un buen cacharrito de Apple. Crítica made by  us.

Sinopsis: “Frank es un viejo y solitario cascarrabias que tiene una gran pasión por los libros. De hecho, su única amistad es la que mantiene con una bibliotecaria. Su vida es muy tranquila y rutinaria, pero todo cambia cuando su hijo decide regalarle un robot que se encargará de cuidarle. Por increíble que parezca, el anciano comenzará a hacerse amigo de la máquina y a enseñarle algunas de sus secretas habilidades.”

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DEAD MAN DOWN – Dirección: Niels Arden Oplev

El debut en USA del director de la trilogía de Millenium toma forma en este thriller sobre la venganza, engaños e identidades falsas. Un debut esperado pero con una acogida quizás demasiado tibia en USA. El reparto es molón y en él está, cómo no, Noomi Rapace.

Sinopsis: “Victor (Colin Farrell) es la mano derecha del señor del crimen Alphonse (Terrence Howard), quien vive amenazado por un asesino que está acabando con los miembros de su banda uno a uno. En medio de esta situación, Victor conoce a Beatrice (Noomi Rapace), una misteriosa francesa que vive en su mismo edificio y por la que comienza a sentirse atraído. Pronto descubre que Beatrice no es la mujer que dice ser, sino la víctima de un crimen en busca de venganza. Pero ella también descubrirá que Víctor tampoco es el hombre que dice ser, sino alguien que pretende vengarse por la muerte de su mujer y su hija, años atrás. Y cuando estas dos personas heridas y obsesionadas se juntan, la intensidad de su relación les llevará a ejecutar un oscuro y violento plan de venganza.”

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THE TRIP – Dirección: Michael Winterbottom

El ecléctico pero siempre interesante Michael Winterbottom regresa a nuestras pantallas con este título que tiene ya tres añitos y en el que repite con Steve Coogan que, cómo no, lo da todo en esta película para lucir esa personalidad a medio camino entre lo entrañable y lo odioso. Aquí también tenemos review.

Sinopsis: “Steve Coogan es escogido por “The Observer” para hacer una ruta por los mejores restaurantes del país, lo que le parece un estupendo viaje para hacer con su novia. Pero cuando ésta le deja, no tiene quién le acompañe excepto su extravagante amigo Rob Brydon.

A lo largo de seis comidas en seis diferentes restaurantes en los alrededores de la región de los lagos, Lancashire y Yorkshire Dales, esta extraña pareja debaten las grandes preguntas de la vida a través de una serie de delicias culinarias.”

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LA ESTRELLA – Dirección: Alberto Aranda

Basada en la novela homónima de Belén Carmona, nos llega este drama femenino sobre superación con cierto toque Amelie en lo que al argumento se refiere (ayudar a todos menos a uno mismo).

Sinopsis: “Estrella es alegre, positiva, y demasiado generosa con los que la rodean. Junto a Salva, su novio de toda la vida, y a Trini, su amiga del alma, aparenta una felicidad que no es tal. Estrella cuida de todos… menos de ella. Y es que Estrella se ha olvidado de sí misma. Pero nuestra Estrella tiene duende, para el flamenco y para la vida, y pronto descubrirá que ella también tiene derecho a ser feliz.”

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EN OTRO PAÍS – Dirección: Hong Sang-Soo

Ahora que se celebra el Festival de Cannes nos llega una película que pasó por el mismo en la anterior edición con la siempre venerada Isabelle Huppert como protagonista absoluta.

Sinopsis: “Una joven estudiante de cine y su madre huyen a Mohang, una ciudad junto al mar, con la esperanza de eludir a sus acreedores. La joven empieza a escribir el guión de un corto para tranquilizarse.

Aparecen tres mujeres llamadas Anne y cada una de ellas visita la ciudad. La primera Anne es una exitosa directora de cine. La segunda es una mujer casada que tiene una aventura con un coreano. Y la tercera está divorciada del marido que la dejó por una mujer coreana.

Una joven se ocupa de un pequeño hotel que pertenece a sus padres construido a orillas del mar. En la playa cercana siempre hay un socorrista. Cada una de las tres Anne se hospeda en el hotel, entabla una amistad con la hija de los dueños y pasea por la playa donde conoce al socorrista.”

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CHAIKA – Dirección: Miguel Ángel Jiménez

Historia de amor tormentoso ambientada en Kazajistan como eje de un montón de vicisitudes históricas y geográficas que han configurado el carácter de un país poco corriente.

Sinopsis: “Chaika es una historia de amor entre una prostituta y un marinero perdedor, reconstruida entre dos largas estaciones; el eterno invierno de Siberia y el verano en las polvorientas estepas de Kazajistan.

El joven Tursyn regresa a casa para enfrentarse a lo que queda de su familia: un viejo nómada a punto de morir y un padre náufrago. Los dos harán emerger los vagos recuerdos que Tursyn tiene de su madre. Chaika es la aventura de unir esos recuerdos que la vida ha dejado dispersos en los páramos más recónditos de la tierra, casi en el fin del mundo.”

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Yo pondría cómodamente a The Trip en el Top 3 de Michael Winterbottom, de esta magnitud estoy hablando. Vamos a ahorrarnos el ridículo de recordar demasiado que esta verdadera maravilla de film, una de los retratos más poderosos, entrañables, divertidos y jodidamente amargos sobre la crisis de la mediana edad que me he comido en años –y que me hace de una vez por todas querer acompañar a Steve Coogan al Infierno porque, según Courtney Love, es ahí dónde va a ir– se estrena tres años después, con frialdad, en silencio, y totalmente desconectada de la actual línea narrativa de su director. Encima vamos a tener que dar las gracias.

© Surtsey Films

Hay una supuesta cita, nunca confirmada, de Jennifer Lee sobre su marido, Richard Pryor. “En un primer momento querías salvarle hasta que te dabas cuenta de que era él quien te estaba salvando a ti”. Otra, de Carrey sobre Pryor, también sin confirmar: “Hay gente que nace con una bota de hierro. Son los que echan las puertas abajo y entran en lugares antes de que siquiera hayan sido tocados por la luz. Y es una misión llena de soledad y huesos rotos”.

Todo lo dicho se aplica a Steve Coogan, uno de los individuos más mezquinos, zafios y odiosos sobre los que jamás he tenido la desgracia de leer. Porque Coogan va a salvarnos a todos de nuestros demonios, haciéndolos propios.

The Trip es la historia de un viaje gastronómico que emprenden Coogan y su amigo en la vida real, Rob Brydon, quien paradójicamente es uno de los cómicos más queridos por el pueblo británico. El viaje sucede en un momento no muy ajeno a Coogan: en mitad de una relación a un paso de la absoluta catástrofe, un escenario que a sus 45 años el actor contempla con cierta sensación de hastío, secundada por un terror subterráneo de que ese estado va a ser una constante en lo que le queda de vida, y, aún mucho peor, que él y solo él es el responsable de la situación. Un hombre que causa daño emocional de manera completamente voluntaria y que acepta esta situación desde la madurez: es la vida, soy como soy. Y soy un peligro.

Así que cuando Coogan va a recoger (no con muchas ganas) a Brydon y ve como este último se despide de sus hijos y de su esposa como si se fuera a la guerra, Coogan se da cuenta de que es rico, es hilarante, y no es nada más. Y Brydon, que de alguna manera siempre termina encontrando en su compañero a su complemento ideal –supongo que está relacionado con yings, yangs, polillas y llamas o algo así– inicia a lo largo del viaje, nunca de forma completamente consciente, nunca de forma involuntaria, un intento para salvar a su amigo, con el margen particular de “vive y deja vivir” que se imponen los hombres desencantados, en particular cuando las tentaciones (una fotógrafa cocainómana y hedonista) se ponen en el camino. El escenario es la campiña inglesa, la tertulia tras la comida, y la sutil competición entre dos consumados especialistas en el arte del humor.

Pongamos como ejemplo la escena más memorable del film –ni mucho menos la mejor, o la más compleja, pero sí la más admirable–. Es tan conocido el combate de imitaciones de Michael Caine entre Brydon y Coogan que el propio Michael Caine provocó la hilaridad de una audiencia televisiva imitándose a si mismo. Es una más de las decenas de escenas improvisadas (no hay guionista acreditado; el director se habrá limitado a proporcionar guías de comportamiento, todo lo más, con suerte) que recurren por necesidad a la personalidad íntima de los actores para terminar de llegar al espectador de la forma más sutil imaginable (como apunta maravillosamente Joe Williams en el St. Louis Post Dispatch: “Las imitaciones de Brydon siempre son ligeramente mejores… y Coogan lo sabe”).

Winterbottom se limita a viajar con nosotros y su única intervención palpable es la que desarrolla como descubridor turístico, como degustador gastronómico y como viajero de pro. Las conversaciones de Brydon y Coogan van acompañadas de exquisitos planos fijos en los platos, con una cámara que siempre destaca los espacios de los restaurantes, hostales, pequeñas casas rurales y los prados de la campiña, los lugares secretos y los puentes recónditos. El resultado final capta (y depura) la cada vez más irreconocible sensación de tránsito que percibimos cuando cogemos el coche y hacemos kilómetros; cuando pateamos colinas. En paz, relajados, uno/a con el paisaje, mientras dejamos que nuestro cerebro perciba cada vez pequeños aspectos nuevos, sin importar las veces que hayamos recorrido el camino.

Para Brydon el viaje ha sido un descanso del paraíso, al que no veía la hora de regresar. Para Coogan, puede que algo más. Quizás haya cambiado algo que puede parecer muy pequeño, y que puede agrandarse con el paso del tiempo. Una pieza de información vital sobre sí mismo tras un inesperado período de reflexión personal, suculentos platos, combates dialécticos, contacto con sus semejantes y perspectiva de su persona en relación con el planeta. The Trip es el viaje de un hombre que que adquiere una porción de sabiduría. Es un film que, en su pequeñísimo mundo, es absolutamente perfecto. Una de las mejores, más distintivas y más delicadas películas que váis a ver este año. Buen provecho.

NOTA: The Trip, la película, es una selección de los mejores momentos de la correspondiente miniserie británica, que no he visto. Con todo, creo que es una obra con un propósito y con sentido completo, mucho, muchísimo más que un Greatest Hits de la versión televisiva.

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© Universal Pictures

Dicho esto, Fast & Furious 6 es un episodio de transición, que prolonga la línea seguida por la quinta entrega, y también de cierre, porque acaba con algunos arcos que llevaban cociéndose un par de películas y abre otros nuevos de cara a la séptima entrega del año que viene. ¿Fuera de este contexto? Es una película de acción bastante correcta que hace de la necesidad virtud: tiene como unos 18.245.636 protagonistas y Chris Morgan (guionista) las pasa putas para meter a todos, usar a todos, dar cierto contenido emocional y encima cascarse las tres grandes set pieces de rigor –para las que Lin va absolutamente sobrado–, destacando la delirante, absurda, brutal, WTF, “En el nombre de Cristo” secuencia central, y conocida a partir de ahora como “El Desmadre de las Canarias”. Pero lo consigue, a cierto precio: el factor sorpresa.

F&F 6 rompe muy poquito con la línea de acción impuesta por la entrega precedente. Si acaso, la mayor innovación consiste en presentar a este grupo de renegados de la vida como agentes al servicio del Gobierno de EEUU para recuperar un terrorífico instrumento conocido como el MacGuffin de manos de Owen Shaw (Luke Evans), villano al frente de un grupo de corredores y ex mercenarios con claro desprecio por las reglas de seguridad vial y la vida humana. Vin Diesel ES Dominic Toretto, quien es convencido por Luke Hobbs (The Rock) para liderar la misión y de paso averiguar el destino de su amor de toda la vida, la supuestamente fallecida Letty (Michelle Rodriguez), la cual trabaja a su vez para el grupo de criminales pero la pobre resulta que tiene AMNESIA. Dicho y hecho, Toretto reúne a su antigua cuadrilla, comenzando por su antiguo rival, ahora mejor amigo y cuñado, Brian O’Conner (Paul Walker), y se dispone a dejar Londres como un solar.

F&F 6 agradece a Rob Cohen que creara en su día el combo Diesel/Toretto. Con eso, y en su nuevo modo de “acción descocada”, este episodio da exactamente lo que me esperaba, y sale indemne de ello.

Si a estos nombres sumamos los de Han y Gisele (Sun Kang y la espectacular Gal Gadot), apariciones de Elsa Pataky y Jordana Brewster, la incorporación de Gina Carano, los habituales Ludacris y, oh, sí, Tyrese –quien vuelve a hacer de su Roman Pearce un atentado contra la lucha por los Derechos Civiles–, MÁS el villano y gran parte de su cuadrilla, nos encontramos con una barbaridad de personajes con peso específico en el film. El caso es que Morgan los usa a todos, cubriendo todo el espectro posible de las escenas de acción –junto a las consabidas grandes secuencias de conducción hay varias peleas cuerpo a cuerpo y un par de tiroteos–. Tiene tiempo para establecer una jerarquía (Diesel lleva la voz cantante, seguido por Johnson, en detrimento de Walker, protagonista de un sector del film, pero más cómodo en un segundo plano), para medio desarrollar el reencuentro entre Diesel y Rodríguez, que es la baza emocional de la película (es más: tiene tiempo para aprovechar a Rodríguez, que es un demonio y algún día Hollywood se dará cuenta). Tiene tiempo para homenajear los principios de la saga, cada vez más diluidos por otro lado, con una carrera nocturna y con una exhibición de vehículos e incluso mete un episodio de drama carcelario.

© Universal Pictures

A Morgan y a Lin les da tiempo absolutamente a todo, y ese es a la vez el gran mérito y el gran problema de esta película: si bien te da la sensación de que todo encaja, también queda el poso de que todo va, perdón por la broma, demasiado rápido. Por un lado es cojonudo; los 130 minutos se pasan volando. Por otro, el film nunca deja que el espectador se agarre y jamás logra imprimir una sensación concreta. Sé que es A Todo Gas, que no es Hamlet y comparado con atrocidades como G.I. Joe 2, encontrarte hoy en día con algo así es poco menos que un milagro, pero también es verdad que esta sexta entrega es, de largo, la más ambiciosa de todas y nunca adquiere la resonancia que debería. Otro punto desaprovechado: tras seis películas, uno esperaría cierta química adicional entre los actores que nunca llega. Hay escenas familiares, el film no es idiota, pero son muy frías. Desde lejos, parecen poco más que una banda muy bien avenida. Ninguno de los integrantes del film tiene permiso para improvisar; las variaciones entre el Toretto de 2001 y el de 2013, entre el O’Conner de hace una década y el de ahora, son prácticamente nulas y los matices brillan por su ausencia.

Al hilo de esto: en la puntuación de “Bro-Love” a.k.a. “Contenido Homoerótico No Tan Oculto”, la película se lleva un 75 sobre 100, más o menos. Para la séptima entrega, ya deberíamos ver una lucha de sables entre The Rock y Diesel. Su último diálogo parece una escena eliminada de A La Caza.

Para ir cerrando el chiringuito: la franquicia está muy cómoda en este punto de acción disparatada. Lin está muy cómodo. Domina todos los palos con profesionalidad y por lo menos tiene la ambición de dar al espectador secuencias de acción definitivas. Aún más importante, Diesel se nota muy cómodo. Muy buen jefe, muy buen carácter: lleva cuatro películas siendo estoico sin resultar cargante. Visto con cierta perspectiva, es un problema. Las películas de acción no son “cómodas” por definición. Abren nuevas vías y no se limitan a mostrar “más” (personajes, stunts, explosiones, achuchones). Fast 6 no tiene carácter renovador. Sería bastante injusto para con vosotros si no hiciera estos apuntes. No obstante, también hay que recordar una cosa: que no solo es un film, sino que también es un episodio con deberes que cumplir (eliminar protagonistas innecesarios, simplificar relaciones, y prepararnos para un villano de más entidad). Y para cuando llega la verdadera escena final tras un minuto de créditos sabemos que Fast 6, como mínimo, ha hecho muy bien ese trabajo.

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Hoy se han presentado Nebraska de Alexander Payne y La Vie d’Adele – Chapitre 1 & 2 de Abdellatif Kechiche.

Uno de los miembros del jurado de la pasada edición fue Alexander Payne. El ganador de dos Oscars por los guiones de Entre Copas y Los Descendientes  ya estuvo presente en la sección oficial con A Propósito de Schmidt y ahora ha presentado Nebraska, un film rodado en blanco y negro con un presupuesto de unos 13 millones de dólares. La cinta narra la historia de Woody Grant, un hombre de avanzada edad y con problemas de alcoholismo que ha ganado un millón de dólares en una lotería, y que deberá reclamar el premio en las Grandes Llanuras de Nebraska. El hombre emprenderá el viaje con la compañía de uno de sus hijos, pero el camino no será nada apacible ya que ambos rendirán cuentas con el pasado. También se esperaba mucho de Nebraska y no ha decepcionado en absoluto. La acogida ha sido fantástica y para algunos Payne debería ganar la Palma de Oro el próximo domingo. Esta película ha sido comparada con esa joya de David Lynch que es Una Historia Verdadera, que no se llevó nada de Cannes cuando se presentó en el año 1999, y se ha destacado una vez más la habilidad de Payne para radiografiar las relaciones familiares. La crítica se ha rendido ante su protagonista, Bruce Dern, que llegó al proyecto después de que Gene Hackman le dijese que no a Alexander Payne. Dern, clásico secundario, nominado al Oscar por El Regreso, ha trabajado con leyendas del cine como Elia Kazan, Aflred Hitchcock o Roger Corman, podría convertirse en uno de los principales nombres a seguir cuando arranque la temporada de premios previos a los Oscars. Veremos si el domingo se alza con el galardón al mejor actor de esta edición del festival de Cannes, se enfrenta a un rival muy fuerte como es Michael Douglas.

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El realizador tunecino Abdellatif Kechiche ha presentado el film La Vie d’Adele – Chapitre 1 & 2. La cinta protagonizada por Adéle Exarchopoulos y Léa Seydoux está basado en el cómic de Julie Maroh, El Azul es un Color Cálido y aborda varios años de Adéle, una joven que a la edad de quince años iniciará una relación con una pintora algo mayor que ella y que pertenece a un mundo totalmente opuesto al suyo. La reacción ha sido de lo más entusiasta y muchos cronistas la consideran la película que ha de marcar esta edición. Destacan que es un film rodado con exquisitez, y que no se hace denso a pesar de durar casi tres horas, que cuenta con un guión magnífico, que sus personajes centrales son muy complejos, y que está muy bien interpretada, especialmente por Adéle Exarchopoulos que se perfila como una gran candidata al premio a la mejor actriz. La cinta contiene largas escenas de sexo y eso probablemente no ayude a su carrera comercial, por los problemas con la censura o por el miedo de los distribuidores. Conviene no perderla de vista, veremos si el jurado se ha entusiasmado tanto con ella como lo ha hecho la prensa.

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La imagen del día la protagoniza Jerry Lewis que a sus 87 años ha aparecido en Cannes, llevaba tres décadas sin dejarse ver en el certamen, para presentar fuera de concurso Max Rose de Daniel Noah. En el film da vida a un pianista de jazz retirado que tras el fallecimiento de su esposa descubre que su matrimonio no era tan perfecto como él creía. La prensa acudió al encuentro con los responsables del film sin haber podido ver la película, porque los productores han exigido que no se vea hasta que se haya celebrado la premiere. Evidentemente la película era lo de menos.

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Mañana será el día de The Immigrant de James Gray y Michael Kohlhaas de Arnaud Des Pallières.