LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE

SÁBADO NOCHE DOMINGO MAÑANA (1960)

2013-05-04T09:40:00.000+01:00

A mediados de la década de los 50 surgiría procedente del Reino Unido la llamada vertiente cinematográfica "Free cinema". Un movimiento (comparados por muchos a la corriente "neorrealista" que se vivió en la Italia de los años 40 y 50 debido a su dedicada preocupación hacia los entornos sociales más humildes y menos favorecidos) que se caracterizaría principalmente por contar historias cotidianas de la clase trabajadora británica, por criticar los ambientes más adinerados y aburguesados del país y por plasmar en sus películas, sin ningún tipo de pudor y de manera realista, la inconformidad y rebeldía que tenían los jóvenes hacia todo lo que le rodeaban. Entre sus principales precursores tendríamos a Karen Reisz, a Tony Richarson y a Gabin Lambers, tres cineastas iniciados como críticos cinematográficos (ejerciendo dicha labor en la revista de cine "Sequence", donde también fueron los co-fundadores) para dedicarse, posteriormente, de lleno en el terreno de la dirección y en escribir guiones para películas. De sus filmografías surgirían títulos tan emblemáticos del mencionado movimiento como fueron "Un sabor a miel (1961)", "La soledad de un corredor de fondo (1962)" o "Sábado noche domingo mañana (1960)", siendo ésta última, la dirigida por Karen Reisz, la que me centraré en esta ocasión. El film, ganador de los premios Bafta del año 1961 como mejor película británica, estaría basada en una novela de Alan Sillitoe (al igual que "La soledad de un corredor de fondo" de Richarson) y en ella nos narraría las vivencias de Arthur Seaton, un joven intransigente y rebelde que trabaja a destajo de lunes a viernes en una fábrica de Notthingham para luego disfrutar los fines de semana de todos los placeres que le da la vida sin tener ningún tipo de ataduras ni compromisos personales. Éste, al mismo tiempo mantendría una conjunta relación sentimental con una bella y recatada joven (Doreen) y con una mujer casada (y esposa de uno de sus compañeros de trabajo) llamada Brenda. La vida de Arthur daría un vuelco radical cuando deja embarazada a Brenda, un instante donde su descontrolada libertad se verá truncada por los problemas de la irresponsabilidad y donde el destino le iba a reservar un duro escarmiento. Sin dudas nos encontramos con un interesante drama social que sorprendería al público de la época por mostrar abiertamente y de manera natural los temas del aborto y las relaciones extraconjugales, algo que por desgracia no era muy habitual en el cine británico que se hacía por aquellos tiempos. En el plantel interpretativo causaría gran sensación un joven y debutante Albert Finney ("Dos en la carretera (1967)"), deleitándonos con su magnifico papel de Arthur Seaton (el actor aparecería en practicamente todas las secuencias de la película), un personaje cargado arrogancia y chulesca virilidad pero con el suficiente carisma para ganarse nuestra simpatía. Acompañando al bueno de Finney, estarían las actrices Shirley Anne Fields ("Alfie (1966)") y Rachel Roberts ("El ingenuo salvaje (1963)") dando vida a Doreen y Brenda respectivamente. Entre sus escenas hago mención el momento donde Arthur pide ayuda a su tía para que le resuelva el problema del embarazo de Brenda o la brutal paliza que sufre éste por parte de dos soldados. Como curiosidad, la fábrica donde trabaja el protagonista principal se trata de la misma fábrica donde trabajó en la vida real el autor de la novela (Alan Sillitoe) en que se basa el film.

Frase para recordar: "Lo que quiero es pasármelo bien. Todo lo demás es propaganda".

Título original: Saturday night and sunday morning.

Director: Karen Reisz.

Intérpretes: Albert Finney, Shirley Anne Fields, Rachel Roberts, Bryan Pringle.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=OHsOSySZOyo
Escena: http://www.youtube.com/watch?v=pecc76XU2EI

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Albert_Finney

AKIRA (1988)

2013-05-01T09:38:00.001+01:00

Revolución. Quizás sea esa la palabra que mejor defina este film de Katsuhiro Otomo, autor del cómic en que se basa la película y, como no, guionista de la misma; ya que esta obra supuso un enorme cambio en cuanto a la animación se refiere y porque fue un punto de inflexión en la difusión del manga fuera de Japón. En el año 2019, la ciudad de Neo-Tokyo se levanta sobre la antigua capital que quedó arrasada tras La Tercera Guerra Mundial. Es una ciudad inestable debido a sus continuas crisis políticas y de problemas como el paro, la violencia, la droga y el terrorismo. En medio de este caos, grupos extremistas alimentan al pueblo con un mito de "Akira", un "niño cobaya" depositario de la "energía absoluta" cuya resurrección significaría para Japón el amanecer de una nueva era. Kaneda es el líder de una banda de motoristas. Un día, en una lucha callejera, a su compañero Tetsuo se le cruza un niño de extraño aspecto que le provoca un accidente. Aparece el ejercito y se los lleva a ambos y acaban haciendo experimentos con Tetsuo que, a partir de ese momento, empieza a sufrir cambios. El largometraje se separa de la línea argumental del manga debido a que la película fue estrenada 5 años antes de la conclusión del cómic. Con unos primeros 25 minutos frenéticos, en los que no dejan de sucederse las múltiples escenas de acción desaforada, persecuciones de motos, explosiones o rascacielos desmoronándose que le dan un tinte épico, de espectáculo para la vista. La película no deja de estar influenciada por las implicaciones sociales, políticas, económicas, morales y filosóficas que se encuentran en el sustrato de la historia y que afloran de tanto en tanto dando sentido a la obra. "Akira" es una película que trata de la amistad-rivalidad, amor-odio, belleza-fealdad y en definitiva, el existencialismo, aunque salpicado por una buena dosis de violencia y crudeza. El guión resulta no solo original, sino también profundo, llegando incluso a diluirse en la ambigüedad (hecho que ayuda que el film sea impactante, ya que, hasta entonces, ninguna película de animación había tratado temas más allá de la amistad o similares). Es por ello, que "Akira" se ha convertido en toda una obra maestra dentro de su género. Para muchos es la mejor película de animación, junto a algunas de Hayao Miyazaki ("El viaje de Chihiro (2001)". En su momento fue un auténtico "boom", costando más que ninguna otra realizada hasta el momento en Japón (más de mil millones de yenes), incluyendo películas de imagen real, pero que, sin ningún lugar, valió la pena a la vista de los resultados que justificaron el enorme esfuerzo de varios estudios de animación y de la gran inversión realizada, ya que no sólo nos ofrecieron una obra maestra, sino que le dieron el impulso definitivo para que el Manga y el Anime obtuviera mucho más reconocimiento fuera de Japón. Muchas anécdotas rodean este film, entre ellas se cuenta que Alejandro Jodorowsky declaró que el final de la película fue de su autoría. Según palabras de él, Katsuhiro Ôtomo se lo encontró en un bar de Tokyo y conversando y bebiendo le dijo que no sabía como terminar la película, así que Jodorowsky, que estaba borracho, le dijo como tendría que ser éste. Tiempo después Ôtomo le agradeció el brillante final. Jodorowsky no recuerda que fue realmente lo que le dijo, pero si recuerda que le hizo unos dibujos en servilletas. La Warner Bros ha puesto en marcha un remake en imagen real que tenía previsto ver la luz en el 2.014, pero debido al altísimo presupuesto que supone llevar a cabo el proyecto, se ha decidido ponerlo en cuarentena, y no se sabe si se aparcará definitivamente o si se terminará. Los premios conseguidos en el Festival de Annecy (1989) en la sección oficial de largometrajes a concurso.

Frases para recordar: "Llegará en día en el que nosotros también seremos. Ese día no ha llegado".

"¡Yo soy Tetsuo!".

Título original: Akira.

Director: Katsuhiro Ôtomo

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=SQ_hhKhrABs

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=G-wv4pFodIQ

Información complementaria:

http://biografias.estamosrodando.com/katsuhiro-otomo/

Reseña escrita por Juanma Falcón.

LOS PROFESIONALES (1966)

2013-04-19T11:10:00.002+01:00

Henry "Rico" Fardan, un militar experto en la estrategia militar y en el manejo de armas, Bill Dorworth, un mujeriego experto en explosivos, Hans Enrengard, un ex-soldado de caballería y gran entendido de caballos y Jacob Sharp, un hábil rastreador y explorador de territorios y experto en el tiro con rifle y en el tiro con arco formarían un grupo de mercenarios contratados por un rico ganadero (Joe Grant) para que rescatasen a su esposa (Maria Grant) de las garras de un sanguinario bandido y ex-revolucionario mexicano llamado Jesús Raza. Sin dudas nos encontramos con uno de los grandes western que nos traería la década de los años 60 (junto los films de Sergio Leone, entre ellos la mítica trilogía del dólar, y el "Grupo salvaje (1968)" de Sam Pekinpah, un film, éste último, que guardaría cierta similitud con el título que centro en esta reseña). La obra en cuestión, dirigida por Richard Brooks ("Los hermanos Karamazov (1958)") y basada en la novela "A mule for the marquesa" de Frank O´Rourke, se caracterizaría especialmente por contar con un extraordinario plantel de actores (Lee Marvin ("Doce del patíbulo (1967)"), Burt Lancaster ("El halcón y la flecha (1950)", Jack Palance ("Raíces profundas (1953)", Robert Ryan ("Conspiración de silencio (1955)"), Woody Strode ("El sargento negro (1960)", siendo estos dos últimos los que, bajo mi opinión, el realizador no supo sacar mayor partido a sus personajes, y una exuberante Claudia Cardinale que dos años más tarde volvería a tocar de nuevo el género del Oeste con la magna obra de Sergio Leone "Hasta que llegó su hora (1968)") y por combinar eficazmente trepidantes escenas de acción con otras secuencias más tranquilas pero compuestas de ingeniosos diálogos. Tampoco tenemos que olvidarnos de la perfeccionista fotografía de Conrad Hall ("American beauty (1999)"), clave en retratar la belleza de los planos exteriores del film, y en la maravillosa partitura musical a cargo de Maurice Jarre, padre del también músico Jean-Michel Jarre y célebre compositor reconocido especialmente por sus trabajos musicales en las obras de David Lean y es que con él conseguiría los 3 Óscar que obtuvo durante su carrera cinematográfica ("Lawrence de Arabia"(1962)", "Doctor Zhivago (1965)" y "Pasaje a la India (1984)"). Entre las escenas habría que recordar el asesinato a sangre fría a cargo de Raza a unos ocupantes de un tren y el dialogo final de cierto tono idealista que mantienen Burt Lancaster y Jack Palance. Como curiosidad, Richard Brooks con este film iba a ser nominado en los Óscar de aquel año por partida doble, tanto como mejor director como en la categoría de mejor guión adaptado, una situación que ya había vivido 8 años atrás con "La gata sobre el tejado de Zinc (1958)" y nuevamente en el año 1967 con el thriller "A sangre fría", eso si, en ninguna de las tres ocasiones conseguiría llevarse la preciada estatuilla dorada. También se comenta, como detalle anecdótico, que Richard Brooks tuvo más que un quebradero de cabeza con el bueno de Lee Marvin y su tremenda afición al alcohol, y es que el actor participaría en muchas escenas con un par de copas de más, impidiéndole estar en plenas condiciones para realizarla.
Frase para recordar: "Cuando el tiroteo termina, los muertos se entierran y los políticos entran en acción. Y el resultado es siempre igual, una causa perdida".

Título original: The professionals.

Director: Richard Brooks.

Intérpretes: Lee Marvin, Burt Lancaster, Robert Ryan, Claudia Cardinale, Jack Palance.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=zTjeGDKUVTE
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=ycJT-71fcyA
B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=wIcOGKLkLYg

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Claudia_Cardinale

ADIÓS A MI CONCUBINA (1993)

2013-04-13T09:44:00.000+01:00

Metraje enmarcado en varios momentos históricos de China. Comienza en un período anterior a la ocupación japonesa en el que nuestros protagonistas, aún siendo niños, crecen, siendo huérfanos, en una escuela de ópera. En segundo lugar, entramos en el período de la ocupación japonesa, en el que ha quedado atrás la niñez y viven con la obligación de entretener a los invasores. Y, por último, la historia continúa desarrollándose durante el periodo de la República Popular y su Revolución Cultural. En los años 20, China y su capital Pekín están tomadas por los militares y la vida social y política discurre en una inestabilidad constante. En ese ambiente de confusión y pobreza una madre desesperada deja a su hijo bajo la protección de un maestro de ópera de formas más expeditivas. Mediante la fuerza bruta, el maltrato físico y el estudio constante, el hombre quiere inculcar a las nuevas generaciones el oficio y la sensibilidad de la ópera china tradicional, el gran espectáculo elevado a símbolo nacional. Años después, Douzi (Leslie Cheung) pasará de ser un niño abandonado de físico andrógino a convertirse en la gran estrella de la ópera junto a su compañero Shitou (Zhang Fengyl), más extrovertido y mujeriego. Douzi está enamorado en secreto de Shitou. Ambos representan la ópera "Adiós a mi concubina", Douzi, vestido de mujer, se suicida al final de cada función por amor al rey que interpreta Shitou, una relación de amor y odio, atracción y fatalidad, que parece tener su correlato en la realidad. Todo cambia cuando a finales de los 40 la capital quede invadida por las tropas japonesas, es entonces cuando los actores se ven obligados a entretener al ejército enemigo. Shitou contrae matrimonio con una prostituta (Gong Li), algo que aviva los celos de Douzi. Y Douzi entabla una relación especial con un hombre aficionado a la ópera que le traerá trágicas consecuencias. El film se desenvuelve a través de la complicada relación entre sus tres principales personajes que, sin embargo, están bien dirigidas por Chen Kaige ("Suavemente me mata (2002)") que hace uso, primero del steadicam y el exotismo, para luego pasarse al primer plano con el desarrollar mejor los problemas triangulares de sus protagonistas, que se desenvuelven en una obra que trata el momento histórico, los cambios sociales y políticos, el amor, los celos o la homosexualidad. Invitando al espectador a reflexionar sobre estos temas universales. El director desarrolla su historia con una puesta en escena parsimoniosa pero admirable, aprovechando las posibilidades de colorido, gestualidad y especialmente los sonidos que le ofrece la ópera china. Kaige viene a decir que el determinismo no es excusa. Los hechos que acontecen a los personajes/historia China no son producto de las circunstancias sino que las personas tienen la capacidad de modificarla con sus acciones. Varias curiosidades rodean a "Adiós a mi concubina", entre ellas habría que decir que una de las claves de su éxito fue el hecho de que Chen Kaige quisiera darle la mayor difusión posible, por ello, nos encontramos con una película china que sigue los clichés que Occidente espera de Oriente. Tal fue el afán de su director por conseguirlo, que, incluso, modificó el guión para dar cabida a Gong Li, que ya era muy conocido en Occidente. O que, por ejemplo, en su momento se dijo que Pedro Almodóvar, con derecho a voto en los Óscar votó por "Adiós a mi concubina" y no por la española "Belle Epoque", que al final resultaría ganadora. Nominada al Óscar a la mejor cinta de habla no inglesa y mejor fotografía. Palma de Oro ex-aequo con "El piano (1993)" de Jane Campion y premio FIPRESCI en el Festival de Cannes de 1993. Bafta, National Board of Review y Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa del año 1993. Nominación al César en la misma categoría.

Frase para recordar: "Vestirse está al alcance de todos, cantar ópera no".

Título original: Ba wang bie ji.

Director: Chen Kaige.

Interpretes: Gong Li, Leslie Cheung, Zhang Fengyl, Lu Qi.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=cC-_SLiRnJE

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=j2T8djlVwWc

Película en V.O.: http://www.youtube.com/watch?v=OOUup_2gsVA

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Chen_Kaige

Reseña escrita por Juanma Falcón.

LA QUIMERA DEL ORO (1925)

2013-04-11T17:40:00.000+01:00

Tras probar suerte en el terreno del drama con "Una mujer de París (1923)" (film que a pesar de contar con buenas criticas no obtendría la aprobación esperada por parte de la taquilla), Charles Chaplin regresaría de nuevo al género de la comedia con la realización de "La quimera del oro (1925)". Segundo film que haría con la United Artist (productora que el mismo había fundado conjuntamente con el realizador D.W.Griffith ("El nacimiento de una nación (1915)") y las consagradas estrellas cinematográficas y pareja en la vida real, Mary Pickford ("La fierecilla domada (1929)" y Douglas Fairbanks ("Robin de los Bosques (1922)") y que iba a estar inspirado en el terrible suceso de Donner Pass (en 1884) donde un grupo de buscadores de oro perdidos en las montañas de Sierra Nevada sobrevivieron a base de alimentarse de los cadáveres de sus compañeros muertos de expedición. Chaplin transformaría la drástica tragedia en una comedia caracterizada por tratar de manera critica y sarcástica el mundo de la pobreza (un tema muy habitual en la filmografía del realizador, quizás en gran medida por las penurias que sufrió en su infancia y gran parte de su adolescencia) y la eterna lucha en busca del sueño americano. "La quimera del oro" fue rodada en 14 largos meses y siendo muchas de sus escenas realizadas en la propia Sierra Nevada (con los inconvenientes gastos que supondrían el desplazamiento) con la idea de aumentar el grado de realismo del film, hecho que reflejaría el tremendo afán perfeccionista de Chaplin en la elaboración de sus obras. Aun así el duro esfuerzo tendría su recompensa, ya que la obra iba a convertirse en la película más taquillera de la década de los años 20 a parte de ser uno de los títulos más significativos y laureados dentro de la carrera cinematográfica de este genio del séptimo arte. El film narraría las complicadas y divertidas vivencias de Charlot en busca del suficiente oro que le hiciera abandonar la miseria en que vivía. Durante el trayecto conocería a un peligroso criminal (Black Larse), a otro buscador de oro que a muy a su pesar iba a convertirse en su aliado (Big Jim McKay) y a una atractiva bailarina llamada Georgia de quien se enamoraría perdidamente. Para el personaje de Georgia la actriz que inicialmente iba a representar el papel era Lita Grey (vista en "El chico (1921)"), pero que sería sustituida al encontrarse (a poco de empezar el rodaje) embarazada del propio Chaplin, hecho que le "obligaría" al cineasta casarse con ella (su matrimonio duraría dos años) y paliar en cierta medida la polémica situación, ya que ésta tan solo tenía 16 años de edad cuando quedó encinta. Hago mención de las numerosas y geniales escenas que nos brindaría el film la secuencia de la cabaña a mitad de un precipicio después de sufrir una tormenta, el momento de Chaplin comiéndose su propia bota cocinada y cuyas ligas son tratadas como unos sabrosos espaguetis, el instante donde un hambriento y trastornado McKay ve a Chaplin como un enorme y apetitoso pollo o en la más que mítica escena del baile de los panecillos (secuencia supuestamente copiada del film "Tres pies al gato (1917)" de Fatty Arbuckle y Buster Keaton). Como curiosidad, en 1942 la obra volvería a ser reestrenada, esta vez con la inclusión de una narración escrita y leída por el propio Chaplin, con el uso de sonido (a manos de James Fields) y con una banda sonora (a cargo de Max Tern), siendo éstos dos últimos elementos nominados en la ceremonia de los Óscar de aquel año en sus respectivas categorías.

Frase para recordar. "He hecho en esta película lo que quería hacer. No tengo disculpa ni pretexto. La he hecho tal y como quería". (palabras de Chaplin al terminar el rodaje del film).

Título original: The gold rush.

Director: Charles Chaplin.

Interpretes: Charles Chaplin, Georgia Hale, Mack Swain, Tom Murray.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=45Gnc8lnWx4

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=xATBnNivYfY

Película en V.O.: https://www.youtube.com/watch?v=5fKYWgCien4

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Georgia_Hale

LA AVENTURA (1960)

2013-04-08T08:49:00.000+01:00

Michelangelo Antonioni ("Blow-up (1966)") irrumpió en el panorama cinematográfico en los años 50. Consideraba que las circunstancias que había dado lugar al neorrealismo ya habían sido superadas y que la vida social italiana se había normalizado o, al menos debería tender a ello. En este sentido, el realizador cree en un cine contemplativo, pausado, donde el tiempo parecen detenerse e instalarse en el reino del silencio. La esencia de su cine es captar la introspección de la pareja, siempre burguesa, con sus necesidades económicas cubiertas, en permanente persecución de la felicidad. Antonioni se detiene en mostrar el aburrimiendo, el desencanto, o la incertidumbre. Para ellos no duda en efectuar un generoso despliegue de metraje, para muchos injustificables. El realizador nacido en Ferrara, capta con su capta con su cámara aquello que otros cineastas descartan. Le interesan las enormes pausas silentes, posteriores o previas a las discusiones más enérgicas (que nunca se ven), así como captar el impacto en los rostros de sus personajes (servidos por unos actores completamente entregados) de las emociones que experimentan. No es un cine fácil, pero si se aceptan las reglas del juego (quien no lo haga estará en su pleno derecho), la recompensa es un fascinante viaje por el fracaso sentimental y social de la pareja, un itinerario a través de lo que se ha llamado "el desierto del amor". Su sexta película, "La aventura", recibió en 1960 el premio especial del Jurado en el festival internacional de cine de Cannes, aunque hizo gala de un gran rechazo por parte del público, entre silbidos y aplausos muy pausados. Meses más tarde, en el festival de Londres, fue premiada por ser "la más original e imaginativa concursante exhibida". La película fue secuestrada en su país y prohibida por su obscenidad. Esta obra maestra, colocada en su lugar privilegiado con el paso de los años, abre una particular trilogía acerca de la incomunicación, que, en unos tiempos como los actuales, de incertidumbre, indefinición y búsqueda, a veces desesperada, de señales que nos otorguen algo parecido a una identidad, cobra una rebosante actualidad e interés. Los otros dos eslabones del tríptico fueron "La noche (1961)" y "El eclipse (1962)". Las tres películas son completamente independientes y absolutamente válidas cada una por si mismas. El lazo de unión es meramente temático. Si efectuamos una comparativa de los tres films, podemos apreciar una fascinante evolución. En "La aventura", asistimos al doloroso proceso de formación de una pareja, Claudia (Monica Vitti) y Sandro (Gabrielle Ferzetti). Se enamoran, mientras buscan a Anna (Lea Massari), amiga de aquélla y pareja de éste. Anna está al comienzo de la cinta, en un proceso de hastío y pérdida de amor. En una vacaciones en un yate por las islas de Mediterráneo, desaparece. Todos la buscan, pero enseguida, es olvidada, casi como si nunca hubiese existido. En ese caldo de cultivo, Claudia y Sandro se atraen mutuamente. Son unos cimientos muy inestables y dolorosos, donde reina el remordimiento, que concluyen con un atisbo de perdón por parte de ella a una infidelidad de él. En "La noche (1961), la pareja formada por Lidia (Jeanne Moreau) y Giovanni (Marcelo Mastroiani) están instalados en el tedio, el desencanto, sobre todo por parte de ella que ha perdido todo el inmenso amor que, en otros tiempos, sentía por su esposo, un escritor inseguro y receptivo a las aventuras extraconyugales más extravagantes, que se encuentra en un instante de bloqueo creativo. Las cosas no mejoran durante el generoso metraje. Ambos flirtean en una fiesta nocturna a la que han sido invitados (él lo hará con Valentina, de nuevo Monica Vitti), para terminar haciendo el amor como un acto desesperado y fallido por encontrar sentido a su relación de pareja totalmente descompuesta. Finalmente en "El eclipse (1962)" asistimos al inicio a la ruptura de la relación formada por Vittoria (Monica Vitti) y Ricardo (Francisco Rabal) y la dificultad de ella para comenzar una nueva relación con Piero (Alain Delon), pues está completamente instalada en el más absoluto vacío emocional. "La aventura" también supone el comienzo, si exceptuamos el doblaje de Dorian Gray "El grito (1957)", de su colaboración con su musa en pantalla y fuera de ella, la mencionada actriz italiana, Mónica Vitti, que interviene, como hemos apuntado en la trilogía mencionada, más "El desierto rojo (1963)", película que contiene uno de los usos más fascinantes del color con fines narrativos de la historia del cine, (mérito que debe compartir el realizador con su director de fotografía Carlo Di Palma). Antonioni fabrica y convierte a Vitti en una estrella de proyección internacional, que aprovecha maravillosamente los jugosos personajes escritos por su esposo (en colaboración con Tonino Guerra y otros), construidos desde la mirada y el silencio, para revelarse como una gran dama del cine italiano. El realizador siempre se quejó de las dificultades que encontraba para conseguir financiación. Su cine fue siempre muy premiado y admirado por sus colegas de profesión. Su carrera condenada al ostracismo desde los primeros ochenta, renace cuando Wim Winders le invita a co-dirigir el film "Más allá de las nubes (1995)", y con su participación en el film co-dirigido con Steven Soderberg y Won Kar-Wai, "Eros (2004)". Su filmografía constituye un canto a la coherencia y honestidad. Siempre fue absolutamente fiel con su modo de entender el cine. Su influencia en cineastas contemporáneos es notoria. Realizadores de la talla de Woody Allen, o el mencionado Won Kar-Wai, han confesado su pasión por el cine del cineasta italiano, a los que hay que añadir a cineastas tan personales como Abbas Kiarostami, Terrence Malick, o el español Victor Erice, quienes han construido piezas que encajan en la concepción de la séptima de las artes desplegada por el maestro del cine como fue Michelangelo Antonioni.

Frase para recordar: "Hace unos días, la idea de que Anna estuviese muerta me mataba. Ahora ya ni lloro...tengo miedo de que esté viva".

Título original: L´Avventura.

Director: Michelangelo Antonioni.

Intérpretes: Gabriele Ferzetti, Monica Vitti, Lea Massari, Dominique Blanchar, Renzo Ricci.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=swL98MGmeLg

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=7HsBUYjwNX4

B.S.O: http://www.youtube.com/watch?v=h1sMoSanuuQ

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Monica_Vitti

Reseña escrita por Manuel García de Mesa.

EL MENSAJERO DEL MIEDO (1962)

2013-04-05T08:51:00.001+01:00

El conflicto de la guerra fría y la paranoia comunista que había en el pueblo norteamericano durante el periodo del macarthismo también llegaría a la industria hollywoodense, de manera que muchas de sus películas plasmarían (de una manera u otra) la crisis que se vivía en aquella época. Éstas se caracterizarían básicamente por ser un tipo cine con cierto tufillo propagandístico, de remarcado posicionamiento capitalista y donde el comunismo y la Unión Soviética eran siempre considerados los enemigos a batir. Dicha temática aparecería en géneros de diversa índole, desde filmes de cine negro ("Manos peligrosas (1953)"), en el terreno del thriller ("Punto límite (1964)", "Cortina rasgada (1966)"), en comedias de tono sarcástico (Un dos tres (1961)", "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964)") e incluso en el terreno de la ciencia ficción ("Últimátum a la Tierra (1951)", "La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)") donde se reflejaba una irónica metáfora sobre la amenaza comunista. En esta ocasión recordaré un título bastante significativo de la década de los 60, "El mensajero del miedo (1962)" (obra que coincidiría con el conflicto que se vivía en Cuba con la crisis de los misiles), un extraño thriller psicológico dirigido por John Frankenheimer ("El hombre de Alcatraz (1961)"). La historia, basándose en la novela de Richard Condon (otro de sus escritos adaptados a la gran pantalla fue la interesante "El honor de los Prizzi (1985)"), se centraría en el intento de conspiración sobre la presidencia de los Estados Unidos por un colectivo de comunistas y en los lavados de cerebros realizados por los soviéticos a un grupo de prisioneros norteamericanos durante el periodo de La Guerra de Corea. Laurence Harvey ("La gata negra (1962)") como el sargento Raymond Shaw, visto como un héroe nacional a los ojos de los Estados Unidos tras su "valerosa" participación en la guerra pero que realmente sería un hombre manipulado y convertido en una maquina de matar por un grupo de soviéticos, Angela Lansbury (la mítica Jessica Fletcher de la serie televisiva "Se ha escrito un crimen") en la piel de la agente comunista Eleanor Iselin, madre de Shaw (y eso que en la vida real la actriz tan sólo le sacaba 3 años de diferencia al bueno de Laurence Harvey) y que usaría a éste con el objeto de eliminar cualquier obstáculo que entorpeciera la ascensión de su marido (y a la vez padrastro de Shaw), John Serkes (personaje interpretado por James Gregory), hacia el trono de la presidencia norteamericana. Destacarían también en el reparto de actores Frank Sinatra ("El hombre del brazo de oro (1955)") encargado de dar vida al capitán Bennet Marco, compañero de guerra de Shaw y que intentaría esclarecer el caso de su camarada y Janet Leigh ("Los vikingos (1958)") como Rose Chaney, la pareja sentimental de Bennet. Entre sus escenas hago mención la impactante secuencia en donde en plena sesión de hipnotismo Shaw es obligado a asesinar a sangre fría a dos de sus compañeros de batalla. En el año 2004, Jonathan Demme ("El silencio de los corderos (1991)" realizaría un correcto remake sobre la obra de Frankenheimer, una película que estaría protagonizada por Denzel Washington y cuya acción iba a llevarse a cabo durante el conflicto de Irak en vez de la Guerra de Corea que reflejaba su predecesora. Como curiosidad, en 1963 la película sería retirada de la circulación (supuestamente, ya que hay muchas hipótesis sobre este tema) después de producirse el asesinato John Fitzgerald Kennedy, debido a que el hecho se asemejaba bastante a lo que ocurría en el film.
Frase para recordar: "Todo lo que se haga en este país debe llevarse a cabo en un sentido estrictamente realista. En cualquier caso, sean cuales fueren las circunstancias de mi mandato, la vida antes que mi libertad."

Título original: The manchurian candidate.

Director: John Frankenheimer.

Intérpretes: Laurence Harvey, Frank Sinatra, Angela Lansbury, James Gregory, Janet Leigh.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=5-rwWRb5YWw
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=j6SQfoirS1s
B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=u4V0uQE-nRY

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Frankenheimer

EL COLOSO EN LLAMAS (1974)

2013-04-01T09:02:00.000+01:00

La década de los años 70 será recordada, entre otras cosas, por ser la etapa de mayor repercusión del denominado género cinematográfico "cine de catástrofes", gracias a películas como "Aeropuerto (1970)", "La aventura del Poseidón" (1972)" o "Terremoto (1974)" de Mark Robson, todas éstas se trataban de grandes superproducciones norteamericanas hechas principalmente para ganarse la simpatía del público a base de unos espectaculares efectos especiales y sonoros que prevalecían sobre la trama en sí y por contar con un grupo importante de estrellas y actores de renombre cuyos personajes iban a sufrir más de una desgracia y calamidad durante el transcurso de la película. En esta ocasión me centraré en "El coloso en llamas (1974)", una película producida conjuntamente (y primera vez que ocurría este hecho) por dos de grandes productoras hollywoodenses, la Warner Bros y la Twenty Century Fox, y que iba a ser co-dirigida por el irregular John Guillermin (realizador de la interesante "Muerte en el Nilo (1978)" pero del flojo remake "King Kong (1976)" y su posterior y sonrojante secuela titulada "King Kong 2 (1986)") e Irwin Allen (también conocido como el "maestro del desastre", sobrenombre puesto debido a que produjo una buena cantidad películas televisivas de este género ("Inundación (1976)" y "Fire! (1977)", entre otras) y por la realización de otras películas catastrofistas como fueron "El enjambre (1978)" y "Más allá del Poseidón (1979)"), éste último encargado específicamente en el desarrollo de las escenas de acción. La historia, basada en las novelas "The Tower" de Richard Martin Stern y "The Glass Inferno" de Frank M. Robinson y Thomas N. Scortia (y éstas a su vez inspiradas en el terrible incendio ocurrido en 1972 en San Paulo donde se quemó el "Andraus", un edificio de grandes dimensiones), iba a girar en torno a un mastodóntico rascacielos ("La torre de cristal") de 138 plantas y como un grupo de personas trata de salir de él al producirse un peligroso incendio a causa de un fallo del sistema eléctrico. Entre el atractivo reparto de actores nos encontraríamos con Paul Newman ("Veredicto final (1982)") como Doug Roberts, el arquitecto que construiría el gigantesco edificio y a Steve McQueen ("Los siete magníficos (1960)") en la piel del jefe de bomberos Mike O´Hallorhan, ambos encarnarían a los héroes de la acción repartiéndose los momentos más peligrosos y tensos del film. Otros nombres a destacar entre la infinidad de caras conocidas que nos regala el film, William Holden ("El crepúsculo de los dioses (1950)") en el papel del promotor del rascacielos (Jim Duncan), Richard Chamberlain ("El pájaro espino") como Simmons, el desastroso e icompetente yerno de éste, Faye Dunaway ("Chinatown (1974)") interpretando a Susan Frankly, la pareja de Doug Roberts y Fred Astaire ("Sombrero de copa (1935)") representando al entrañable timador Harlee Claiborne, un personaje que le iba a dar su única nominación a los Óscar de toda su carrera cinematográfica (sin contar su Óscar honorífico otorgado en el año 1949). Entre sus escenas hago mención la secuencia donde Doug con una niña agarrada a su espalda intenta bajar por un hierro con peligro de caerse al vacío o el momento del helicóptero que trata de bajar a un grupo de personas atrapadas en un ascensor mientras un valeroso O´Hallorhan sujeta por un brazo a uno de sus compañeros de profesión. Como curiosidad, ante la rivalidad de Paul Newman y Steve McQueen por conseguir mayor protagonismo dentro del film se tuvo que repartir el mismo número de lineas en sus diálogos para evitar malos rollos entre ellos.

Frase para recordar: "Solo puedo pedirle a Dios que me ayude a impedir que esto vuelva a suceder".

Título original: The towering inferno.

Directores: John Guillermin e Irwin Allen.

Interpretes: Paul Newman, Steve McQueen, Faye Duneway, William Holden.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=nch1URmJvMA

B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=3LK6vv4oxjw

Película en V.O.: https://www.youtube.com/watch?v=oNvnv9uRoRs

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Steve_McQueen_(actor)

YO CREO EN TI (1947)

2013-03-29T09:33:00.000Z

Durante el periodo de la Ley Seca vivida en el Chicago de los años 30, Frank Wiecek es condenado injustamente a 99 años de prisión por el supuesto asesinato cometido a un policía en una taberna clandestina. Once años más tarde la madre de Wiecek publicaría un anuncio en un periódico local ofreciendo 5.000 dólares para aquel que le diese información sobre el verdadero culpable del crimen, un hecho que atraería la atención del redactor jefe del Chicago Times (Richard Kelly) y la posterior asignación del periodista McNeal para que indague sobre el caso. El bueno de James Stewart tras su fracaso en taquilla con la comedia "Ciudad mágica (1947)" necesitaba retomar la senda del éxito profesional participando en películas de cierto prestigio por lo que tomaría la decisión (bastante acertada) de protagonizar el nuevo film de Henry Hathaway ("Niagára (1953)"), "Yo creo en ti", un notable drama con tintes de cine negro y de cierto tono (sobre todo en los primeros compases del film) a documental histórico de la época y cuyo argumento estaría inspirado en un hecho real (eso si, los nombres de los personajes no coinciden con los nombres verdaderos de las personas involucradas en el caso). Stewart representaría el papel del reportero McNeal (uno de esos héroes sociales de remarcada personalidad moralista que tanto le gustaba representar el actor en la gran pantalla), un personaje alejado del entorno sentimentalista que envuelve el caso, escéptico en un primer momento sobre la inocencia de Wiecek pero que terminaría luchando hasta la extenuación tanto para que éste consiga su libertad como para que se haga justicia en un caso cargado de errores judiciales. Entre el resto del grupo de actores que harían presencia en la obra nos encontraríamos con Richard Conte ("Agente especial (1955)") como Frank Wiecek como el presunto culpable de asesinato, Lee J. Cobbs ("La ley del silencio (1954)") encarnado al redactor jefe Richard Kelly y Helen Walker ("El callejón de las almas perdidas (1947)") como la esposa de McNeal. La obra, una de esas películas poco conocidas pero necesarias para aquellos que quieran ver buen cine, se caracterizaría por mostrarnos la imperiosa y valiente lucha por la libertad periodística (aunque en ciertos casos peque de sensacionalista) y por desvelar los fallos judiciales que se vivían por aquellos años en Norteamérica (que según el film eran habituales y de enorme importancia). Aparte de la extraordinaria interpretación de James Stewart, habría que destacar el genial trabajo del director de fotografía Joseph MacDonald ("¡Viva Zapata (1952)!"), éste nos mostraría un sobria fotografía en blanco y negro caracterizada por aplicar eficazmente el uso de luces y sombras en la mayor parte de las secuencias que desarrollan el film. Entre sus escenas hago mención el momento de la prueba de la maquina de la verdad que se le realiza a Wiecek, una secuencia muy bien dirigida por Hathaway (donde participa el propio creador del polígrafo, Leonard Keller, haciendo de si mismo), llena de tensión e intriga y que transmitía perfectamente la angustia que vivía el personaje de Richard Conte o la secuencia donde McNeal (en un instante de desánimo) visita la casa de la madre de Wiecek avisando que tanto él como el periódico donde trabaja abandonarían el caso. Como curiosidad, James Stewart y Lee J. Cobbs volverían a coincidir con Henry Hathaway 15 años después en aquella mítica superproducción hollywoodense titulada "La conquista del Oeste (1962)".

Frase para recordar: "El mundo es bueno...aquí fuera".

Título original: Call northside 777.

Director: Henry Hathaway.

Intérpretes: James Stewart, Richard Conte, Lee J. Cobbs, Helen Walker, Kasia Orzazewski.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=7K5G-9CIUBc
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=0tIlY1a9hQU

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Hathaway

EL TESORO DE SIERRA MADRE (1948)

2013-03-23T09:38:00.000Z

Dobbs y Curtin son dos vagabundos norteamericanos que recorren las calles de México entre la mendicidad y las penurias. En busca de un empleo que les ayude a subsistir (y con la mala suerte que cuando lo encuentran tratan de no pagarles). Su fortuna parece cambiarles cuando conocen en una pensión de indigentes a Howard, un experimentado buscador de oro que les animará acompañarle a las montañas de Sierra Madre en busca del preciado metal dorado y así poder vivir el resto de sus vidas alejados de las duras calamidades. Todo parece ir viento en popa hasta que entre el grupo empieza a surgir una serie de dudas y desconfianzas entre ellos. Egoísmo, codicia y ambiciones fallidas entre marginales sociales es lo que nos encontraríamos en esta extraordinaria obra de John Huston (tercera dentro de su filmografía y primera que realizaría tras su participación en La Segunda Guerra Mundial) basándose en la novela de B. Traven (de sus relatos también surgirían las adaptaciones cinematográficas, todos ellas de nacionalidad mexicana, "La rebelión de los colgados (1954)", "La rosa blanca (1961)" y "Macario (1960)", siendo quizás ésta última la más conocida de las tres por haber sido nominada como mejor película de habla no inglesa) y donde se pondría de manifiesto las miserias de la conducta humana. El magnífico trío protagonista formado por Walter Huston (padre en la vida real de John Huston y visto como secundario en filmes de la talla de "Yanqui Dandy (1942)" y "Duelo al sol (1946)") representando al viejo Howard, el veterano buscador de oro y personaje clave que mantendría el grado de estabilidad en el grupo, Tim Holt ("El cuarto mandamiento (1942)") en la piel del joven y sensato Curtin y Humphrey Bogart (donde el legendario actor repetiría con John Huston después de protagonizar el debut del cineasta en aquella maravilla de cine negro titulada "El halcón maltes (1941)") como el obsesivo Dobbs, llenarían de realismo las vivencias de este grupo de perdedores, donde se comenta que el hecho de rodar alejados de los grandes estudios y las habituales comodidades que ofrecían éstos ayudarían a incrementar el grado de autenticidad de sus interpretaciones. Bruce Bennett, los mexicanos Alfonso Bedoya (genial su encarnación del bandido "Sombrero dorado"), Manuel Dondé y José Torvay y la presencia del propio John Huston con su breve papel de turista americano serían los nombres de los otros actores que formarían el reparto. Destacar la partitura del genial Max Steiner (conocido compositor de importantes bandas sonoras en películas como "Casablanca (1943)" o "Centauros del desierto (1956)") y la fotografía de Ted McCord ("Al este del Edén (1955)"), un sobresaliente trabajo que resaltaría los polvorientos y áridos paisajes mexicanos donde se desarrollan la mayor parte de la trama del film. Entre las numerosas escenas destacables que podemos ver dentro de la obra hago mención el derrumbamiento de la mina donde se encuentran trabajando los protagonistas, el momento paranoico de Cobbs después de intentar de asesinar a Curtin y ese memorable final cargado de moraleja y alejado del típico "happy end", y es que las carcajadas de Howard y Curtin muestran la desesperación y resignación de estos perdedores después de tan duro esfuerzo por conseguir hacer realidad sus sueños. La película sería galardonada con 3 Óscar en las categorías de mejor director, mejor guión adaptado y mejor actor de reparto. Como curiosidad, esta fue la primera película (y única) donde padre e hijo (Walter y John Huston) conseguían llevarse sendos óscar de la academia en una misma gala.
Frase para recordar: "El oro cambia el alma del hombre hasta el punto de que ya no es el mismo después de descubrir el mineral".

Título original: The treasure of The Sierra Madre.

Director: John Huston.

Intérpretes: Humphrey Bogart, Tim Holt, Walter Huston, Bruce Bennett, Alfonso Bedova.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=IIDlYsedmXo
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=ie3q89IvU0w
B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=GNOAdGCBC-g

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Walter_Huston

HIROSHIMA, MON AMOUR (1959)

2013-03-21T08:47:00.000Z

Dos cuerpos desnudos, entrelazados, sobre los que cae la ceniza, seguida de una espesa lluvia, retozan ardientemente...empapados en el sudor, en la entrega frenética e incondicional al sexo novedoso, entre extraños. La voz en off de la mujer habla de Hiroshima y de la Bomba H "Una ciudad todavía en el frescor del sufrimiento", dirá. Las estremecedoras imágenes de los devastadores efectos de la bomba sobre los niños, se suman a la voz femenina. "No has visto nada de Hiroshima", le dice él. Ella sigue hablando. Los diez mil soles sobre la ciudad. Las consecuencias. Dar la luz a niños deformes para ellas, la esterilidad para ellos, el miedo a la lluvia, la lluvia de cenizas sobre el pacífico, a la comida. Se entierran toneladas de peces por partes de las autoridades sanitarias, se desata la furia en la ciudad por la desigualdad entre grupos sociales...La pareja sigue entregada al acto íntimo, se besan, se abrazan. Él quiere volver a verla...ella no. Hiroshima, 1958. 14 años después de la liberación de Francia en La Segunda Guerra Mundial. Ella (Emmanuelle Riva) es una actriz francesa que trabaja en una película Internacional sobre la Paz. "¿Qué se puede rodar en Hiroshima sino es una película sobre la paz?". Él (Eiji Okada) es un arquitecto japonés que hace algo de política, de ahí su dominio del francés. Ambos se han conocido en un bar la noche anterior. "Tu forma de aburrirte da ganas a los hombres de conocer a una mujer", le dirá él. Ambos están casados. La mujer de él está en Unzen en las montañas y volverá un día de estos. El marido de ella le espera en París desde hace un mes debido a un retraso del rodaje de la película en la que interviene. Ambos se entregan a la infidelidad en el New Hiroshima Hotel, donde la joven se aloja. Se besan, se recorren mutuamente, hablan, se escuchan, se persiguen, discuten..."¿cómo saber que esta ciudad estaba hecha para el amor?·, reflexiona la joven. Pronto descubriremos que ella arrastra las secuelas de su primer amor cuando contaba con 18 años, con un joven soldado alemán de 22, de quien se enamoró irremediablemente cuando vivía en su cuidad natal, en la Francia ocupada. El día de la liberación, el soldado alemán fue abatido por un disparo. A ella le rapan la cabeza, es repudiada, paseada por la ciudad, la farmacia de su padre se cierra por deshonor y es encerrada por sus padres en un sótano implacablemente oscuro y de piedra, por la vergüenza, donde el único modo de estar bien, es sentir algo, es arañar la pared hasta sangrar. La joven escapó a París de noche, un día de verano. Llega a la ciudad. El amor y la locura de paso han marcado y siguen marcando su existencia emocional. Las imágenes de la actriz con la mirada perdida, inmune a las palabras de cariño y compromiso del amante nipón son desoladoras. Resnais había rodado un documental sobre los campos de exterminios nazis ("Noche y niebla (1955)") y deseaba rodar acerca de los estragos de la bomba de Hidrógeno. A la vista de que Kaneto Sindô había firmado su obra maestra "Los niños de Hiroshima (1952)", finalmente optó por acometer su particular denuncia contra el horror, filmando una historia de ficción sobre el "amor de tránsito", sobre el desencanto y las heridas del pasado. El marco son dos ciudades: Hiroshima, con su particular horror público e histórico que culminó La Segunda Guerra Mundial y Naviers, marco del primer amor, antesala del horror privado, que derivó en una locura transitoria. Resnais se decantó por una historia de ficción, filmada en ocasiones a modo de documental. Contrató a la novelista Marguerite Duras para la escritura del guión. El debut del cineasta en el largometraje, es una fusión entre la imagen y la palabra que revoluciona el lenguaje del 7ª de las artes, del mismo modo que lo habían hecho "Intolerancia (1916)" o "Ciudadano Kane (1941)" de Orson Welles. La imagen trasciende del simple sometimiento al servicio de la palabra de la novelista francesa. La gran dama del cine francés Emmanuelle Riva, la protagonista de "Amor (2012)", se entrega a recrear el pasado del personaje y sus efectos en el presente. Su voice over se impone incluso cuando ella ocupa el plano. La cámara de Resnais rara vez abandona el punto de vista de la joven, la veamos en Japón o en Francia. Si Hiroshima es filmada de noche o de día, Nevers siempre está en un tono crepuspular, alternando la presencia de ambas ciudades según la asociación de recuerdos que tenga la joven. Para marcar diferencia entre las secuencias de cada ciudad, Resnais contrató a dos directores de fotografía diferentes. Los suaves y elegantes travellings que recorren Hiroshima al paso de la mujer, o el paseo de los dos amantes, o del joven detrás de ella, siguiéndola, son marca de estilo, que el realizador ya emplea en los primeros documentales, y a los que recurriría en esa obra de arte asimétrica y deliberadamente acabada que el "El año pasado en Marienbad (1961)". Es la concepción del lenguaje fílmico como la forma de mostrar la palabra y el pensamiento. La elegancia y la sabiduría en la composición del plano, plagado de maravillosas u poéticas reflexiones literarias sobre el amor y la desolación, se demuestran en, al menos dos memorables secuencias, que merecen ser destacadas. Durante el paseo nocturno por Hiroshima, ambos se han separado. Ella regresa a la casa del Té donde unas horas antes contó su historia de Nevers. El establecimiento esta cerrado. Se sienta en la calle, entre ruinas. Llega él. La cámara está en picado, encima de él, de pie. Al fondo del plano, es decir, a los pies del joven, ella yace sentada, desvalida, mirándolo con desconsuele y tristeza. La otra secuencia a destacar, transcurre en el local de alterne, no por casualidad llamado Casablanca. Ella entra sola. Él la sigue y se sienta en otra mesa, frente a ella. Un joven gigoló japonés abandona a tres muchachas y se acerca a ella con la intención de entablar una conversación...y probablemente algo más. Ella apenas le responde...mira a su amante con los ojos acuosos, mientras escuchamos la voz fuera de plano del nuevo pretendiente, que se dirige a ella en un inglés muy elemental. La película culmina simétricamente en la habitación de hotel de la mujer, donde la película comienza. Cineastas como Abel Ferrara, Richard Linklater o Jean Jacques Annaud han tenido muy presente el maravilloso poema visual sobre Hisroshima como referencia para algunos de sus afortunados trabajos, sin conseguirle hacerle sombra...tal vez no lo han pretendido. Gracias a películas como ésta, el cine es arte. Eric Rohmer, en su reseña publicada en la revista Cahiers du cinema en 1959, definió a Alain Resnais, como "...el primer realizador moderno de las películas sonoras..."

Frase para recordar: "-Tengo una moralidad dudosa ¿Sabes?.-¿A qué llamas tú moralidad dudosa?-A dudar de la moralidad de los demás.

Director: Alain Renais.

Intérpretes: Emmanuella Riva, Eiji Okada, Bernard Fresson, Stella Dassas, Pierre Barbaud.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=rQ8p_dd84ns

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=69Wgqs8KuKw

B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=QeTCbZp1Kw8

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Alain_Resnais

Reseña escrita por Manuel García de Mesa.

EL ÚLTIMO HOMBRE... VIVO (1971)

2013-03-19T08:45:00.000Z

En 1977, después de una guerra bacteriológica entre Rusia y China el mundo se ha convertido en un lugar desolado y destruido, siendo únicamente habitado por Robert Neville (un científico que ha conseguido seguir vivo gracias a una vacuna creada por él mismo) y por una raza de mutantes nocturnos denominados "La familia", unos seres de peculiares ojos blancos, de vestimenta inspirada a la de los monjes franciscanos y que tenían como único y claro objetivo el de exterminar con todo aquello relacionado con la raza humana (según ellos culpables de su mutación). De esta manera comenzaba esta apocalíptica obra de Boris Sagal (un realizador cuya carrera profesional estuvo más ligada al mundo de la televisión que en la del entorno cinematográfico y que iba a ser el encargado de dirigir algunos capítulos de series tan consagradas como fueron "Colombo" y "Hombre rico, hombre pobre") y basándose en la popular novela de ciencia ficción "Soy leyenda" de Richard Matheson (recordar que de sus relatos también surgieron para el cine el sobresaliente film de Jack Arnold "El increíble hombre menguante (1957)" o el exitoso debut de Steven Spielberg "El diablo sobre ruedas (1972)"). La obra de Sagal se caracterizaría por poner de manifiesto el miedo del hombre ante la posibilidad de vivir solo en el mundo y por sugerir las fatales consecuencias de éste ante una guerra de armas de destrucción masiva al mismo tiempo que se realizaba una critica sobre el fanatismo y el entorno de las sectas (hay que destacar que lo de "La familia" viene sacado del grupo que fundó el conocido asesino Charles Manson). En el plano interpretativo tendríamos a Charlton Heston poniéndose en la piel del científico Robert Neville, y es que el actor después del éxito en "El planeta de los simios (1968)", iba a cogerle el gustillo a esto de interpretar a héroes del futuro, la secuela "El regreso al planeta de los simios (1970)" y "Cuando el destino nos alcance (1974)") fueron otros dos títulos de la década de los setenta donde le veríamos encarnado ese rol. En el resto del reparto nos encontraríamos (y aprovechando el auge del denominado movimiento "Power black") a los actores de color, Lincoln Kilpatrick ("Fortaleza infernal (1992)") como el hermano Zakary, uno de los peligrosos miembros de "La familia", a Rosalind Cash ("Los nuevos centuriones (1972)") como Lisa, otra de las supervivientes y con que mantendría un idilio amoroso con Neville y con Eric Laneuville ("Cinturón negro (1974)") encarnando a Ritchie, el hermano adolescente de la mencionada Lisa. Entre sus escenas hago mención el instante de Robert Neville recorriendo las desérticas calles de Los Angeles montado en un Ford descapotable rojo y las distintas secuencias que mostraban la soledad del protagonista, Charlton Heston en un cine vacío visionando un documental sobre un concierto de Woodstock o la de éste con ropa rococó jugando una partida de ajedrez con una estatua que hace de las veces de su compañero de juego. Como curiosidad, la obra de Richard Mathenson, ha sido llevada en dos ocasiones más en la gran pantalla (sin contar el film de "La noche de los muertos vivientes (1968)" donde George A. Romero sacó la idea de su novela para la confección del guión de la película), una en la década de los 60 con "El último hombre sobre La Tierra (1964)" con Vincent Price en el papel de protagonista y en el año 2007 con "Soy leyenda", título interpretado por Will Smith.
Frase para recordar: "La pesadilla ha terminado para siempre, ahora podemos dormir en paz".

Título original: The Omega Man.

Director: Boris Sagal.

Intérpretes: Charlton Heston, Rosalind Cash, Anthony Zerbe, Paul Koslo.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=od_cApZQ-mo
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=dk7bUsc854I
B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=67sMf5RoZC0

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Charlton_Heston

LOS IMPLACABLES (1955)

2013-03-14T22:11:00.000Z

Tras combatir en La Guerra de la Seseción, los hermanos Ben y Clint Allison aceptarían el trabajo de Nathan Stark, un ambicioso hombre de negocios que pretende trasladar un numeroso ganado desde Texas a Montana. Durante su trayecto, aparte de sufrir el asalto de un grupo de bandidos y el ataque de los salvajes indios Sioux, conocerían a Nella Turnes, un mujer que pondría en jaque el corazón de Ben y Stark. Nos encontramos con la primera de las tres colaboraciones de Clark Gable con el realizador Raoul Walsh (luego seguirían "Un rey para cuatro reinas (1956)" y "La esclava libre (1957)") y una de las dos películas (la otra sería "Cita en Hong Kong (1955)") que haría el mítico actor con la 20th Century Fox tras romper su vínculo con la Metro Goldwyn Mayer. La película sin ser de las mejores que se han hecho en la historia del western norteamericano tiene los argumentos suficientes para no defraudar a los seguidores del género y para animar a cualquier aficionado en general que quiera ver cine de calidad; buena dosis de aventuras, acción, drama, romance e incluso humor a cargo de un siempre sensacional Raoul Walsh que se acercaba, por aquel entonces, a su retiro profesional. La obra también pondría de manifiesto el duelo personal que mantendrían Ben Allison y Nathan Stark, dos hombres de sueños dispares (mientras el primero aspira a conseguir el dinero suficiente para vivir en un tranquilo y humilde rancho el segundo ambiciona a un mundo lleno de poder y riqueza) que lucharían por conseguir el amor de la sensual Nella Turnes. En el reparto de actores aparte del mencionado Clark Gable disfrutaríamos de la exuberante presencia de Jane Russell (inolvidable el dúo que formó junto a Marilyn Monroe en el musical "Los caballeros las prefieren rubias (1953)") como la atractiva (pero de duro carácter) Nella Turnes y de las participaciones de Robert Ryan ("Grupo salvaje (1969)") en la piel del poderoso Nathan Stark, de Cameron Mitchell ("La muerte de un viajante (1951)") representando a Clint, el hermano de Ben y de Juan García como el mexicano Luis, el fiel e inseparable amigo del protagonista principal. Cabe destacar la belleza (con permiso de Jane Russell) de los paisajes naturales presentes en el film (desde los fríos y nevados territorios de Montana hasta los enormes valles desérticos de Texas), todos ellos resaltados por la extraordinaria fotografía de Leo Tover ("La heredera (1949)") y adornados por la partitura de uno de los grandes compositores de la historia del cine como fue Victor Young ("El hombre tranquilo (1952)"). Entre sus escenas destacaría el momento de la estampida del ganado provocado por Ben para evitar la emboscada de los indios Sioux o la discusión mantenida entre Clark Gable y Jane Rusell sobre los sueños que esperan cada uno cumplir, un instante que describe perfectamente como el amor habido entre ellos se desmorona en un abrir y cerrar de ojos a causa de sus distintas maneras de ver la vida. Los problemas de altura entre Clark Gable y Robert Ryan fue uno de los pequeños inconvenientes que hubieron durante el rodaje del film (a pesar del 1.85 que medía Clark Gable el bueno de Ryan le superaba por 8 centímetros y la idea del director era que Clark Gable se destacara ante el resto de actores), por lo que se decidió el uso de una caja para contrarrestar la diferencia de estaturas entre ambos actores en muchas de las secuencias que aparecían juntos. Otra curiosidad es que ese mismo año Clark Gable volvería a casarse por quinta vez, esta vez con Kay Williams.

Frase para recordar: "La gente levanta monumentos a los que triunfan, los tontos terminan en sepulturas anónimas".

Título original: The tall men.

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Clark Gable, Jane Russell, Cameron Mitchell, Robert Ryan.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=mtyH7GWPkkU

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=xhOd3iW8Mdw

Información complemetaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Raoul_Walsh

EN EL CALOR DE LA NOCHE (1967)

2013-03-09T09:58:00.000Z

Thriller policíaco con altas dosis de denuncia social sobre el racismo era lo que nos proporcionaría este entretenido film de Norman Jewison ("Huracán Carter (1999)"), ganadora de 5 Óscar, entre ellos mejor película, mejor actor y mejor guión original. La trama del film, basándose en una novela de John Ball, se centraría en el misterioso asesinato de un adinerado empresario en un pueblo de Missippi y las consecuentes investigaciones llevadas a cabo por el especialista de homicidios de raza negra Virgil Tibbs. Durante su estancia en el pueblo no sólo lucharía por descubrir al verdadero culpable del crimen sino que tendría que lidiar con el incompetente jefe policía Gillespie en un ambiente puramente racista. Nos encontramos con la obra más reconocida, tanto por la crítica como por el público estadounidense, de Norman Jewison (éxito que trataría nuevamente repetir en la década de los 80 volviendo a la temática del racismo con el drama "Historia de un soldado (1984)") que a pesar de ser una película lograda (desde la dirección, la interpretación de los actores, la fotografía, la banda sonora...) no deja de ser un producto "tramposamente" rodado y pensado para obtener la simpatía del público más convencional cuyo tema sobre el racismo iba a presentarse de un modo suavizado y "light" (resulta poco convincente que los habitantes de la historia, pueblerina, primitiva e irracional, a la hora de la verdad no iban a ser tan fieros como parecen en un primer momento). La película contaría con un consagrado Sidney Poitier (primer actor afroamericano en ganar el Óscar como mejor actor principal gracias a su papel en "Los lirios del valle (1963)" y que en ese año iba a formar parte de un trío de películas de enorme aceptación como fueron "La rebelión de las aulas (1967)", "Adivina quién viene esta noche (1967)" y la propia obra que centro en esta reseña), un actor siempre caracterizado por sus personajes enfrentados a la lucha racista, y que aquí no iba a ser menos con su papel de Virgil Tibbs, un policía astuto e inteligente que pondría en evidencia los inoperantes métodos de Gillespie y su grupo de policías. En el reparto también se destacaría Rod Steiger (un gran trabajo pero que quizás resulta excesivo su Óscar, ya que ese año competía para el galardón con actores de la talla de Spencer Tracy, Dustin Hoffman y Paul Newman que habían realizado, bajo mi opinión, mejores interpretaciones que la suya) representando al mencionado jefe de policía Gillespie, un personaje cínico e inepto que no haría más que comer chicle (se comenta que el actor se comió más de 200 paquetes de chicle durante el tiempo que duró el rodaje), quejarse del calor que hacía en su oficina y de criticar la manera de proceder de Tibbs, pero que acabaría cediendo irremediablememte ante la coherente y firme actitud de éste. Entre sus escenas destacaría la reacción de Tibbs después de recibir una bofetada por parte de un blanco y éste le responde devolviéndole el golpe (un momento inédito, por aquel entonces, y es que no se había visto en la gran pantalla como un afroamericano golpeaba a un blanco, hecho que gozaría de cierta polémica en los sectores más segregacionistas) y el acorralamiento del propio Tibbs en una fabrica abandonada por un grupo de paletos racistas que pretenden lincharle pero que iba a ser salvado "in extremis" por Gillespie. Como curiosidad, las vivencias detectivescas del inspector Virgil Tibbs iban a ser continuadas con la confección de dos secuelas, "Ahora me llaman el Señor Tibbs (1970)" y "El inspector Tibbs contra la organización (1971)", en una etapa donde el denominado género cinematográfico "blaxploitation" empezaba a coger fuerza en la industria norteamericana.
Frase para recordar: "Ellos me llaman el Señor Tibbs".

Título original: In the heat of the night.

Director: Norman Jewison.

Intérpretes: Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Lou Grant.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=nMj0-fU25dM
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=OEFB_oo1Pws
B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=bM8eiWcc7CM

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Rod_Steiger

LA MUJER PANTERA (1942)

2013-03-07T13:47:00.000Z

El realizador parisino Jacques Tourneur ("El halcón y la flecha (1950)") empezaría a darse a conocer en esto de la industria cinematográfica gracias al vinculo que mantuvo con el productor y también periodista Val Newton (contratado ese mismo año por la RKO studio para que se encargara de la parcela del cine de terror), y es que con él llevaría a cabo la realización de tres títulos que gozarían de la popularidad (especialmente por aquella fecha) entre los aficionados del género, éstos fueron "La mujer pantera (1942)", "Yo anduve con un zombie (1943)" y ""El hombre leopardo (1943)". En esta ocasión me centraré en el primero de ellos, "La mujer pantera (1942)", una película escrita por DeWitt Bodeen ("Nunca la olvidaré (1948)") y cuyo argumento plasmaría la historia de Irena Dubrozna, una joven serbia que padecía una terrible maldición que no era otra que transformarse en una pantera (o lo que es lo mismo, sacar su lado más peligroso y asesino) ante las situaciones de pasión, ira y celos. Una condena que vería la luz en el momento que conoce y se enamora del apuesto arquitecto Oliver Reed. La obra estaría protagonizada por la francesa Simone Simon (elegida por Val Newton tras quedarse prendado de ella al verla en "El hombre que vendió su alma (1941)"), una atractiva actriz que supo sacar para su papel de monstruo (bello pero al fin al cabo monstruo) felino, un imagen tan angelical como sensualmente inquietante. El resto del reparto principal estaría compuesto por el estadounidense Kent Smith ("La sentencia (1947)"), actor que combinaría durante su carrera filmográfica el cine de la serie b con el mundo de la televisión y que aquí representaría al soso Oliver Reed, por Jane Randolph ("Abbott y Costello contra los fantasmas (1948)") en la piel de Alice, mujer que mantendría una arriesgada rivalidad con Irena en busca del amor de Oliver y por Tom Conway ("La séptima víctima (1943)") como el psiquiatra (Dr. Louis Judd) que trataría de ayudar a la protagonista de su extraño problema. Entre sus escenas cabe destacar el revuelo ocurrido en una tienda de animales ante la presencia de Irena o esos dos momentos antológicos, ambos con la presencia de Jane Randolph, como son su paseo nocturno por el Central Park mientras es perseguida por unos pasos amenazantes o el momento de la piscina que ante la intimidación de una transformada Irena intentaría refugiarse dentro del agua, dos instantes que se caracterizarían por el empleo de sombras y sonidos, técnica aplicada para paliar el escaso presupuesto que contaba la película pero que sin embargo supo transmitir perfectamente esa atmósfera de tensión y pánico que pretendía hacernos sentir dichas secuencias. Aprovechando su tirón comercial, el film iba a contar con una secuela titulada "El regreso de la mujer pantera (1944)", interesante continuación dirigida por Robert Wise ("Ultimatum a la Tierra (1951)") y Guther von Fritsch y donde iba a estar protagonizada por el mismo trío de actores de la obra precursora. En 1982, Paul Schrader (guionista de la mítica "Taxi driver (1976)") realizaría un remake caracterizado por resaltar el aspecto sexual de la protagonista pero que no conseguiría hacer sombra al gran trabajo de Tourneur. Como curiosidad, debido al bajo presupuesto que contaba la obra (como antes mencioné) se utilizaron decorados de otras películas para escenificar la historia, entre ellos, los que había utilizado Orson Wells para "El cuarto mandamiento (1942)".

Frase para recordar: "Al igual que la niebla se asienta en los valles, las supersticiones se aferran a los más recóndito del alma creando las depresiones en la conciencia del mundo.

Título original: Cat people.

Director: Jacques Tourneur.

Intérpretes: Simone Simon, Kent Smith, Jane Randolph, Tom Conway, Jack Holt.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=0ADPSaybusM

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=cKWp2ixW5vs

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Simone_Simon

CORAZÓN SALVAJE (1990)

2013-03-02T09:35:00.001Z

David Lynch volvería a hacer de las suyas introduciéndonos de lleno en su estrafalario universo cinematográfico con esta versión libre y personal sobre la novela homónima de Barry Gifford (de otro de sus escritos también saldría la alocada "Perdita durango (1997)" del español Álex de la Iglesia) y que también contaría con guiños del relato de Lyman Frank Baum, "El mago de oz". La obra en cuestión nos narraba una atípica historia de amor entre dos seres fugitivos y traumáticos como eran, Saylor Ripley (a cargo de un histriónico Nicolas Cage), una especie de emulación moderna de la figura de Elvis Presley (chaqueta de piel de serpiente incluida, cuya prenda como dato llamativo, se asemejaba a la que llevaba Marlon Brando en "Piel de serpiente (1959)" de Sydney Lumet) de carácter difícil y violento y Lula Fortune (encarnada por Laura Dern), una joven extremadamente sexual, ingenua y de excesiva dependencia emocional hacia su media naranja. Su romance, una mezcla tan explosiva como enfermiza, peligraría ante la oposición de la madre de Lula (un neurótico personaje representado por Diana Ladd (madre en la vida real de la propia Laura Dern y donde ya la habíamos visto en "Alicia ya no vive aquí (1974)" de Martin Scorsese) cuya interpretación le llevaría a la segunda nominación en los Óscar como mejor actriz secundaria) que no aceptaría su relación con Saylor (ya que éste vió como asesinaba a su marido quemándolo vivo) hasta el extremo de pedir la ayuda de sus dos amantes, un detective privado llamado Johnnie Farragut (Harry Dean Stanton) y el mafioso Marselles Santos (J.E. Freeman) para que acabasen con su vida. El film como es habitual en la gran parte de los trabajos de Lynch (quizás "Una historia verdadera (1999)" sea su película más "normalita") estaría envuelto en una atmósfera decadente, retorcida y porque no decirlo, completamente surrealista, donde sexo, muerte y personajes inverosímiles (prostitutas obesas, hadas y brujas sacadas de un tétrico cuento infantil...) nos acompañarían durante el transcurso de la trama, hecho que iba a producir un cierto rechazo en gran parte del público que la visionó en la fecha de su estreno (aprovecho para recordar que a pesar de ganar la Palma de Oro en Cannes, en su país de origen, Estados Unidos, fue un rotundo fracaso comercial). Cabe destacar la minuciosa elección musical que se hizo para la obra, en ella escucharíamos desde la perturbadora partitura de Angelo Baladamenti (inolvidable su trabajo para la serie "Twin Peaks"), pasando por el "Love me" y "Love me tender" de Elvis Presley (cantadas en formato "playback" por el propio Nicolas Cage), el blues de Koko Taylor ("Up in flames"), los trallazos thrash metal de Powermad (que intensificaban los momentos más violentos del film) y el maravilloso tema de Chris Isaak, "Wicked game", aquí expuesto en modo instrumental. Entre sus escenas hago mención la violación "psicológica" de Bobby Perú (un atracador siniestro interpretado por un William Dafoe con prótesis dental y con un fino bigote a lo Clark Gable) a Lula o la secuencia del accidente de tráfico donde la pareja protagonista ve y siente en directo la muerte de una adolescente, sin olvidarme de la secuencia que abre el film (un enajenado Nicolas Cage golpea brutalmente a un tipo que le había amenazado con una navaja), donde el realizador nos avisaba desde un primer momento lo indigesto que nos podía resultar su película. Como curiosidad, tras el termino del rodaje se produciría la ruptura sentimental de David Lynch con Isabella Rossellini, actriz con que la que mantuvo un idilio desde que se conocieron en su anterior "Terciopelo azul (1986)" y que aquí iba a tener un pequeño papel como "Perdita durango".

Frase para recordar: "El mundo entero, salvaje por dentro y muy extraño por fuera".

Título original: Wild at heart.

Director: David Lynch.

Intérpretes: Nicolas Cage, Laura Dern, William Dafoe, Diana Ladd, J.E. Freeman.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=QCQwumNQL9E

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=mvE-_utxEzc

B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=pDRmzDCaGw4

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Laura_Dern

SALVAJE (1953)

2013-02-28T08:40:00.000Z

Un hecho acontecido en California (exactamente en la localidad de Hollister) a finales de los años cuarenta, donde un grupo de 4.000 motoristas y veteranos de La Segunda Guerra Mundial destrozaron a base de actos vandálicos un pueblo de la zona, hizo que el director de origen húngaro Lázsló Benedek ("La muerte de un viajante (1951)") se fijara en él para utilizarlo como argumento en su tercer film. Un titulo producido por Stanley Kramer (respetado cineasta que trató de narrar en la mayor parte de sus trabajos, tanto como productor como director, los problemas sociales presentes en la América de la época) y que fue considerado como el primer film que tocaba de manera conjunta el mundo de las motocicletas y el subgénero de las bandas callejeras, luego proseguirían títulos como "Pandilla de motociclistas (1957), "Scorpio Rising (1964)" y "Los ángeles del infierno (1966)" de Roger Corman. Su controvertida temática, como fue el de representar la violencia juvenil en la gran pantalla, provocaría que en la fecha de su estreno muchos de los exhibidores se mostraran reticentes a la hora de proyectarla, ya que temían de que la obra incitara al público joven a tomar el ejemplo de los personajes de la trama y acabaran éstos destrozando sus salas de cine. Independientemente del grado de polémica o controversia que puede provocar su visionado, lo que realmente hace famosa la obra es por haber encumbrado a uno de los grandes mitos del séptimo arte, Marlon Brando, y es que el actor con su personaje de Johnny Strabler, el carismático cabecilla del grupo de motoristas (mítica su imagen con cazadora de cuero y gorra de medio lado y montado en una Harley), iba a convertirle en uno de los grandes iconos cinematográficos que mejor representaron (junto a James Dean) la rebeldía juvenil que se vivía por aquellos años en Estados Unidos. Acompañando a Marlon Brando en este "western sobre ruedas" (lo considero western porque la banda de moteros que presenta el film nos puede hacer recordar a ese grupo de peligrosos pistoleros que llegan a un tranquilo pueblo, visto muchas veces en las películas del Oeste) nos encontraríamos a Lee Marvin (participe también ese año en la obra maestra de cine negro "Los sobornados (1953)" de Fritz Lang) con sus habituales papeles de villano encarnando a "Chino", el lider de otra de las bandas de motoristas que visitarían el indefenso pueblo, a Mary Murphy ("Horas desesperadas (1955)") como Kathie, la joven que enamoraría a Jhonny y que trataría por todos los medios de que éste enderezara el rumbo de su vida y Robert Keith (actor que volvería a repetir con Brando en el musical "Ellos y ellas (1955)"), en la piel de Harry Bleeker, el blando policía que intentaría a base de buenos modales mantener la paz en el pueblo. Entre sus escenas hago mención la intensa pelea de Marlon Brando y Lee Marvin cuando se ven por primera vez las caras o el ataque de los habitantes del pueblo (cansados del abuso sufrido) a un acorralado Johnny. Como curiosidad, la película fue prohibida en Inglaterra hasta el año 1968, fecha donde sería finalmente proyectada.
Frase para recordar: "Te crees demasiada buena para mi. Nadie es bueno para mi y cuando alguien piensa esa estupidez le convenzo con un buen puñetazo".

Título original: The wild one.

Director: Lázsló Benedek.

Intérpretes: Marlon Brando. Mary Murphy, Lee Marvin, Robert Keith.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=-Cg_4keMt08
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=yCENBce_dls
Película en V.O.: https://www.youtube.com/watch?v=QpZPPJw4xvE

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Stanley_Kramer

EL DESPRECIO (1963)

2013-02-25T08:59:00.000Z

Con la erudición cinéfila y literaria a las que nos tiene acostumbrados desde su clamoroso debut con "Al final de la escapada (1960)", el realizador más emblemático de la "nouvelle vague", en su cuarta película, nos propone de un modo más lineal (desde el punto de vista narrativo) que en otras ocasiones, una apasionante reflexión acerca de la integridad a la hora de hacer cine y al mismo tiempo un desgarrador retrato sobre un matrimonio en descomposición debido al repentino desprecio que siente ella por él. Se trata de la pareja formada por el escritor y guionista Paul Javal (excelente Michel Piccoli) y su joven esposa Camille (una sensual Brigitte Bardot, fotogénico exponente de la belleza en estado puro, que supo reconducir Godard de una manera muy especial hacia sus intereses y objetivos). Un ejercicio sin duda doloroso para el realizador francés, pues, pese a que el guión parte de un texto de Alberto Moravia, aquél pasaba por un trance similar con su musa en pantalla y fuera de ella, Anna Karina, que cristalizaría en el anuncio del divorcio en diciembre de 1964. El rodaje de una adaptación de "La Odisea" de Homero en Cinecittá y en la isla de Capri, dirigida por Fritz Lang, configura el marco en el que se mueven los personajes de esta sensacional película, dividida en tres piezas claramente delimitadas y subrayadas por la excelente banda sonora de George Delerue, que constituye otro acto de amor de Godard hacia aquellos maestros que realizaron importantes obras para el cine estadounidense en la década anterior y que en los años 60 del siglo XX mal vivían en una industria que se venía abajo, devorada por la televisión (esos realizadores están perfectamente representados por la figura del anciano Fritz Lang). El primer tercio muestra el conflicto de la historia. Comienza con una excelente secuencia que recorre el escultural cuerpo de Camille (filmada, curiosamente, a instancia del productor estadounidense Joseph E. Levine, pero de atinado encaje en el engranje del film) quien le pregunta a su esposo si ama cada parte de su escultural cuerpo. Pasamos a los estudios del cine "Cinecittá" de Roma, donde se pone en relieve la autenticidad de un director que nada tiene que demostrar (sensacional Fritz Lang, interpretándose a sí mismo). El descontento del productor estadounidense Jeremy Prokosch (Jack Palance) con el metraje filmado por el maestro alemán, no sólo provocará una violenta discusión entre ambos, sino el fichaje de Paul, escritor teatral en horas bajas, para que organice una reescritura del guión, cosa que acepta exclusivamente por un suculento cheque (el productor lo extiende despóticamente sobre la espalda inclinada de una de sus bellas asistentes después de afirmar "cuando oigo la palabra cultura saco mi talonario de cheques"), que le permitirá terminar de pagar el apartamento que comparte con su preciosa mujer. El arte sucumbe ante el poder del capital, sin la menos integridad. Prokosch comenzará por interesarse por Camille, la cual espera una reacción de su esposo que no termina por llegar, lo que genera un fatal desencanto en la joven, que se sentirá "entregada" al todopoderoso productor estadounidense. El segundo bloque transcurre en el apartamento del matrimonio Javal, donde Godard muestra de un modo magistral el desdén de Camille hacia su esposo y el profundo desamor que ya siente hacia él. El uso del color (la toalla blanca que le envuelve a él, al modo romano, la roja que la envuelve a ella, el contraste entre los tonos que invaden el mobiliario del piso), de los espacios (el tránsito de los actores de una habitación a otra, donde se juega de manera precisa con la entrada y salida de ambos del encuadre), de los diálogos, la naturalidad de los actores...convierte a este acto en una especie de operístico punto de vista de la ruptura sentimental. El tercer segmento tiene lugar en la isla de Capri. En ella se encuentra la Villa Malaparte, la mansión del productor norteamericano. La disposición arquitectónica de la edificación y en particular las inmensas escaleras de acceso a la diáfana azotea, con vistas hacia al mar y al horizonte, la convierten en una especie de "pila funeraria" del cine y del amor verdadero. En este tercer segmento confluyen la infidelidad de Camille, que precede a la muerte de ésta y Jeremy en un accidente de tráfico. Tal circunstancia permitirá a Lang terminar de rodar en plena libertad creativa, su visión del viaje de Ulises. Será precisamente una secuencia de rodaje la que pondrá fin a este visión crepuscular del cine, enraizada con el cuestionamiento de los mitos-pilares de la civilización occidental.

Frase para recordar: "Cada mañana para ganarme el pan voy al mercado, donde venden mentiras y, lleno de esperanza, hago cola junto a otros vendedores...".

Título original: Le Mépris.

Director: Jean Luc Godard.

Intérpretes: Brigitte Bardot, Jack Palance, Michel Piccoli, Fritz Lang, Georgia Moll.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Dqwv9XkHOpk

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=BF07lk-9mNA

B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=L8W79DRAJXs

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Brigitte_Bardot

Reseña escrita por Manuel García de Mesa.

VIAJE ALUCINANTE (1966)

2013-02-23T09:47:00.001Z

Con la intención de realizar una difícil operación en el cerebro de un científico (Jan Benes) una expedición formada por médicos e investigadores serán miniaturizados (junto a un submarino que lo usaran como medio de transporte) al tamaño de un microbio para adentrarse en un fascinante viaje en el interior del cuerpo humano. Durante sesenta minutos (tiempo máximo para llevar a cabo la misión) éstos sufrirán tanto de los peligros que le deparan los mundos "microorganicos" como de los obstáculos puestos por un saboteador oculto en la expedición que tratara por todos lo medios acabar con la vida de Benes. Richard Fleischer ("Los vikingos (1958)") volvería a tocar de nuevo los viajes fantásticos tras su exitosa experiencia con "20.000 leguas de viaje submarino (1954)" para dirigir esta entretenida obra de ciencia ficción de tono didáctico (posteriormente novelizada por Isaak Asimov) y donde, según sus propias palabras, se realizó con la intención de que el público más joven tomara conciencia de la enorme complejidad del cuerpo humano. Los actores encargados de dar vida a la intrépida expedición fueron Stephen Boyd (participe ese mismo año en "La Biblia (1966)" de John Huston) como Charles Grant (el héroe de la función), Donald Pleasence ("THX 1138 (1971)") encarnado al doctor Michaels, William Redfield ("Un diamante al rojo vivo (1972)") en la piel del capitán y piloto del submarino Bill Owens, Arthur Kennedy ("El fuego y la palabra (1960)") como el cirujano Peter Duvall (personaje de fuertes convicciones creacionistas que mantendrá más de una discusión con Michael sobre la idea del evolucionismo humano) y Raquel Welch ("Hace un millón de años (1966)"), luciendo palmito con su espectacular físico, como la ayudante de éste último, Cora Peterson. Entre sus escenas resaltaría el momento de la miniaturización de la tripulación previos momentos de ser introducido con una jeringa en el cuerpo de Benes, la emocionante secuencia donde la expedición cruza el corazón del paciente o el ataque de Cora por unos anticuerpos que la confunden con una bacteria. Si hay que destacar dos elementos fundamentales de la obra (y que al mismo tiempo servirían para tapar la floja calidad interpretativa que hay en ella) habría que mencionar sus innovadores (por aquel entonces, ya que vistos hoy en día nos pueden resultar algo ridículos) efectos especiales de la Art Cruikshank (un elaborado trabajo que le supuso ganar el Óscar de la academia en aquel año) y la notable partitura de Leonard Rosenman (autor de la banda sonora de dos grandes clásicos protagonizados por James Dean, "Rebelde sin causa (1955)" y "Al este del Edén (1955)") que nos deleitaría con una moderna composición formada por la técnica de los doce tonos (dodecafónismo) de Schönberg. La obra fue fuente de inspiración para que Joe Dante respaldado por Spielberg realizara en la década de los años ochenta aquella comedia de ciencia ficción titulada "El chip prodigioso (1987) y de aquella serie de animación "Érase una vez...la vida" donde muchos de nosotros visionamos y aprendimos en la etapa de la infancia. Como curiosidad, en las escenas submarinas los actores tenían que actuar colgados desde unos finos hilos y delante de unos decorados formados por replicas de gran tamaño de órganos de distintas partes del cuerpo humano.
Frase para recordar: " Y sin embargo todos los soles que iluminan el Universo lucen apagados ante el resplandor de un solo pensamiento, proclamando en incandescente gloria la de sin igual mente del hombre.

Título original: Fantastic voyage.

Director: Richard Fleischer.

Intérpretes: Stephen Boyd, Donald Pleasence, Raquel Welch, Arthur Kennedy, William Redfield.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=dLDITeurAPI
B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=7kT7YPbRnD0

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Raquel_Welch

HISTORIAS DE FILADELFIA (1940)

2013-02-20T09:06:00.000Z

Después de escenificar en Broadway con gran éxito la obra teatral del dramaturgo Philip Barry, Katharine Hepburn decidiría comprar los derechos de esta obra (apoyándose en gran medida en el poder adquisitivo de su ex pareja sentimental y magnate Howard Hughes) para llevar a cabo su adaptación cinematográfica. Para desarrollar dicho proyecto la mítica actriz iniciaría una búsqueda entre las distintas productoras hollywoodenses para escoger aquella que más se ajustara a sus propósitos, siendo finalmente la MGM la elegida, ya que ésta no sólo le ofrecería ser la estrella indiscutible del film sino que también le daría la autoridad absoluta de seleccionar tanto al director encargado de dirigir la película como a los dos protagonistas masculinos que le acompañarían en el reparto. Ésta se decantaría por George Cukor ("Nacida ayer (1950)"), cineasta que ya conocía de sobra después de haber trabajado anteriormente con él en cuatro de sus películas ("Doble sacrificio (1932)", "Mujercitas (1933)", "La gran aventura de Silvia (1936)" y "Vivir para gozar (1938)"), y por Cary Grant y James Stewart (las primeras opciones fueron Clark Gable y Spencer Tracy pero sus contrataciones no llegaron a buen puerto debido a que éstos estaban comprometidos con otras producciones) como los dos actores principales. Con un guión adaptado por Donald Ogden Stewart (participe de la primera versión de "Tu y yo (1939)" de Leo McCarey y antes de que fuera exportado a Inglaterra por sus problemas con el Comité de Actividades Antiamericanas durante la época de La Segunda Guerra Mundial), la historia del film estaría centrada en Tracy Lord, una joven arrogante de las altas esferas sociales que vería como su boda con el millonario George Kittredge corría peligro tras la inesperada visita de su anterior marido (C.K. Dexter) y de dos periodistas (Macaulay Connor y Liz Imbrid) que tratan de realizar un reportaje sobre su casamiento. Guerra de sexos, una ligera crítica sobre los entornos burgueses y una trama compuesta de simpáticas secuencias de enredos y diálogos llenos de frescura y dinamismo (como se notaba la mano del maestro Josep L. Mankiewicz en este proyecto) serían algunos de los elementos que mejor definirían este maravilloso film de Cukor. Uniéndose al trío protagonista nos encontraríamos entre el grupo de actores secundarios con Virginia Weidler (una de esas actrices infantiles prometedoras que no llegarían a nada en la etapa adulta y que también veríamos por aquellos años en "Sucedió en China (1938)") y en el drama "El cielo y tu (1940)" compartiendo cartel junto a Bette Davis) encarnando a la espabilada niña Dinah Lord, con Ruth Hussey ("Mujeres (1939)") como Liz Imbrid, la periodista que acompaña a Connor en la realización del reportaje y con John Howard en la piel de George Kittredge, el soso y rico novio de Tracy. Entre sus escenas hago mención la secuencia inicial (y muda) que abre el film donde una enfurecida Katherine Hepburn rompe uno de los palos de golf de Cary Grant y éste le responde con un empujón que le hace tirar al suelo o ese momento donde Macaulay Connor lleva en brazos a una borracha Tracy frente la atónica mirada de su prometido. En 1956 nos llegaría a las grandes pantallas una nueva versión de esta obra titulada "Alta sociedad (1956)", una comedia esta vez musical donde el trío protagonista estaría formado por Bing Crosby, Grace Kelly y Frank Sinatra. Como curiosidad, el Óscar que recibió James Stewart por su papel de Macaulay Connor nunca fue del agrado para el actor ya que para él quien merecía ganar realmente la estatuilla era su amigo Henry Fonda por su trabajo en "Las uvas de la ira (1940)".

Frase para recordar: "Hay algo luminoso dentro de ti. Algo que resplandece como el fuego... y es un fuego intenso, como una hoguera. Eres una mujer de carne y hueso...y es eso justamente extraño, lo sorprendente. Eres un sueño hecho realidad, Tracy, llena de vida, de ardor y de encanto".

Título original: The Philadelphia story.

Director: George Cukor.

Intérpretes: Katharine Hepburn, Cary Grant, James Stewart, Ruth Hussey, John Howard.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=j_Y1jRb2-uE

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=IQC2guz8oGc

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/George_Cukor

ORO EN BARRAS (1951)

2013-02-15T13:13:00.001Z

Henry Holland es un honrado empleado de un banco que cansado de su anodina vida y con el ansia de disponer un futuro prometedor planea el robo (una gran cantidad de lingotes de oro) en la misma empresa donde trabaja, en dicho propósito le acompañaría un fabricante de souvenirs (Alfred Pendlebury) y dos ladrones de poca monta, Lackery Madera y Shorty Fisher. Estamos ante uno de los grandes títulos que nos brindaría la productora londinense Ealing Studios (compañía cinematográfica creada al poco de finalizar La Segunda Guerra Mundial y que fue artífice de confeccionar algunas de las mejores comedias inglesas vistas en la historia del séptimo arte), una obra que al igual que su posterior "El quinteto de la muerte (1955)" (también protagonizada por Alec Guinness) combinaba el cine de atracos con el género de la comedia. Bajo la dirección de Charles Crichton (quizás más recordado por realizar la desternillante "Un pez llamado Wanda (1988)", último film de su carrera en el cuál sería nominado como mejor director en los Óscar de aquel año) y con una historia de TEB Clarke (ex-policía y uno de los prestigiosos guionistas que tuvo la comedia británica en la etapa de los años 40 y 50) la obra se caracterizaría por contarnos una trama sencilla pero al mismo tiempo llena de dinamismo, de humor hilarante e inteligente que beneficiada de un breve metraje (la película dura apenas 80 minutos) hicieron que su visionado se nos pasara en un suspiro. Como mencionaba antes, el film estaría protagonizado por Alec Guinness ("La guerra de las galaxias (1976)"), actor que en esta ocasión daría vida al discreto Henry Holland, un tipo menospreciado por lo demás (especialmente por sus compañeros de trabajo) que se le ocurriría la gran idea de cambiar su suerte llevando a cabo un milimétrico pero chapucero plan. Aprovecho para hacer hincapié la vestimenta de dicho personaje, éste llevaría la típica ropa que usaba el hombre británico elegante de la época (sombrero de bombín negro y traje con corbata) pero que al mismo tiempo fue muy habitual vérsela puesta a los grandes cómicos del cine mudo como fueron Charles Chaplin o los propios Laurel y Hardy (El Gordo y el flaco). Cabe destacar que la magnífica interpretación de Alec Guiness le supuso su primera nominación en los Óscar, luego lo volvería a conseguir con "El puente sobre el río Kwait (1957)" donde ya obtendría por fin la codiciada estatuilla dorada. Acompañándole y formando parte de la banda de caricaturescos atracadores nos encontraríamos con Stanley Holloway ("Diez negritos (1965)") en la piel de Alfred Pendlebury, a Sid James ("Trapecio (1956)") y a Alfie Bass ("El baile de los vampiros (1967)" formando a la singular pareja de ladrones. Entre sus escenas señalaría el descenso por las escaleras de la Torre Eiffel de los dos protagonistas principales mientras persiguen a un grupo de estudiantes, la secuencia del colegio donde Henry y Alfred tratan de convencer a una niña para que le devuelvan una figura hecha con el oro que han robado o esa alocada persecución final con los coches policías. El éxito de la obra sirvió para que su base argumental fuera fuente de inspiración para otros realizadores, entre ellos José María Forqué que dirigiría de manera acertada aquella divertida comedia de atracos a la "española" titulada "Atraco a las tres (1962)". Como curiosidad, veríamos por primera vez en una gran pantalla a Robert Shaw (antes de encarnar al gangster Doyle Lonnegan de "El golpe (1973)") y enfrentarse al sanguinario "Tiburón (1975)" de Spielberg) y a una jovencísima Audrey Hepburn, donde aparecería en los primeros compases del film acercándose a la mesa donde Henry Holland comienza a contar su historia del robo.

Frase para recordar: "De todas las frases amargas que salen de una pluma, la más amarga de todas es ésta...Yo podría haber sido".

Título original: The lavender Hill mob.

Director: Charles Crichton.

Intérpretes: Alec Guinnes, Stanley Holloway, Sid James, Alfie Bass, Mariorie Fielding.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=-_wbootYMio

Escena: https://www.youtube.com/watch?v=3wCnwBdUoRc

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Crichton

OBSESIÓN (1942)

2013-02-13T08:37:00.000Z

Después de haber aprendido el oficio en Francia como ayudante de dirección, nada menos que con Jean Renoir, cultivador del llamado "realismo poético francés", el realizador italiano Luchino Visconti, de ascendencia en la burguesía lombarda (su padre era conde), regresa a su país natal para debutar en la dirección con esta película, que constituye el punto de partida del movimiento cinematográfico denominado "neorrealismo italiano", clave en la evolución de la séptima de las artes en ese país, al marcar una contundente ruptura con los postulados de la comedia ligera que retrataba el bienestar de la clase social alta de la época, subgénero conocido en Italia como "cine de teléfonos blancos", que representa la euforia y opulencias del fascismo. Partiendo de postulados literarios de principios de siglo, con el empleo de actores en muchos casos no profesionales, los cineastas de dicho movimiento componía un retrato de la realidad de la Italia de La Segunda Guerra Mundial y su posguerra, realidad humilde y severa, a la que tenía que hacer frente cotidianamente la clase trabajadora en durísimas condiciones personales y laborales. Los realizadores del período despojaban a las películas de cualquier recurso narrativo artificial, de modo que no utilizaban ambientes ni localizaciones diferentes a los que proporcionaban la realidad cotidiana, con predominio de secuencias en exteriores y eludiendo a firmar en estudios. El neorrealismo alcanzarían cuotas más altas con obras maestras del calibre de "Roma, ciudad abierta (1945)" de Roberto Rossellini y "El ladrón de bicicletas (1948)" de Vittorio de Sica, películas cuya repercusión mundial e influencia en cineastas venideros de todo el mundo, siguen apreciándose en nuestros días. La opera prima de Luchiano Visconti parte de la novela negra de James M. Cain, "El cartero siempre llama dos veces", publicada en 1934 (pero no en Italia, el director se hizo con una copia en francés). El texto de Cain sería adaptado oficialmente por el cine estadounidense en dos títulos de visión opuesta. El primero en 1946, orquestado en pleno apogeo del "Film noir" y del "Star system", dirigido por Tay Garnett y el otro en 1981, dirigido por Bob Rafelson y escrito por el dramaturgo David Mamet. Visconti no consiguió adquirir los derechos de dicha obra literaria, pues los mismo pertenecían a la toda poderosa Metro Goldwyn Mayer. Por ello, la particular adaptación que nos ocupa, sólo pudo ser exhibida en Italia y con posterioridad a los años de su realización (pues estuvo prohibida por la censura del gobierno fascista de Benito Mussolini) y no sería hasta los años 70 cuando se distribuyó de modo universal, al haber vencido los derechos de la novela en que se inspira. La obra de Cain, es diseccionada por Visconti y sus guionistas (Giuseppe de Santis, Mario Alicata, Gianni Puccini, y sin acreditar, Alberto Moravia y Antonio Pietrangeli) despojándola del glamour de la obra original y convirtiéndola en una película auténticamente italiana. Ambientada en Ferrara, al norte del país, Gino Costa (Massimo Girotti) es un joven vagabundo que llega a un restaurante-gasolinera al pie del río Po, donde quedará prendado de Giovanna (Clara Calamai, sustituyendo a la inicialmente prevista Anna Magnani), la joven atractiva y desdichada esposa del obeso Giuseppe Bragana ( Juan de Landa), dueño del mencionado restaurante. Rápidamente, surgirá un encuentro apasionado entre Gino y Giovanna, que se tornará en obsesión y exigirá el asesinato de Giussepe. El remordimiento, la miseria, el adulterio, la pasión, los celos, la mezquindad, acompañarían este magistral relato de una Italia sórdida y triste y marcarán el trágico final de los protagonistas. A la película le perjudican sin duda una duración desmesurada (135 minutos) y una música un tanto estridente, que trata de realzar la visión "operísticamente" apasionada de la trama (Visconti era un enamorado de la ópera y los gestos subrayados de los personajes, así como los actos marcadamente pasionales), pero se beneficia de unas interpretaciones memorables y una fotografía que anticipa y realza la tragedia, obra de los operadores Aldo Tontu y Domenico Scola, figuras claves de la luz en el cine italiano. Un clásico del cine hasta hace relativamente poco tiempo muy difícil de ver, plagado de imágenes perturbadoras de gran calidad.

Frase para recordar: "Jamás podré ser el mismo de antes...estoy atado a ella para siempre".

Título original: Ossessione.

Director: Luchino Visconti.

Intérpretes: Clara Calamai, Massimo Girotti, Juan de Landa, Dhia Cristiani.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=3xSRhZ0_360
Película completa en V.O.: https://www.youtube.com/watch?v=Yu0KP_dfdHY

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Luchino_Visconti

Reseña escrita por Manuel García de Mesa

LA LINTERNA ROJA (1991)

2013-02-11T08:40:00.000Z

Si hay algo que caracteriza el cine de Zhang Yimou ("Hero (2002)") es la ausencia de efectismos que distraigan al espectador. Aboga por la sencillez para acercarse a sus personajes y dejar que la historia tenga su fundamento en sí misma. Bajo esta premisa se desarrolla "Linterna roja", su cuarta película como director y la tercera con Gong Li ("Memorias de una geisha (2005)"), en la que un gran señor de la China tradicional adquiere a su cuarta esposa. La historia transcurre dentro de la mansión en las que cuatro esposas rivalizarán por obtener el favor de su esposo y señor. Cada noche, el Señor, en presencia de los sirvientes da a conocer su decisión sobre que esposa ha sido elegida para hacerle compañía. Los sirvientes colocarán una linterna roja en la vivienda de la mujer correspondiente y el Señor pasará allí la noche. Esto refuerza la posición de la esposa frente el resto, ya que pronto se atisban diferencias de trato, viéndose forzadas a competir entre ellas. La elegida también podrá disfrutar del placer de recibir un masaje en los pies y decidir el menú. Sonlian, una joven universitaria que acaba de perder a su padre llega a la Mansión del Señor Chen. La joven, con una mente fría y calculadora, revolucionará la casa del Señor, llevando al espectador a presenciar una historia que plantea dialécticas amor-odio, vida-muerte o crimen-castigo y en la que el comportamiento de Sonlian puede acarrear fines funestos para la armonía de la mansión. Esta obra presta especial atención a los aspectos visuales. No olvidemos que Yimou había sido director de fotografía antes de lanzarse a dirigir su ópera prima, "Sorgo rojo (1988)". La fotografía está tratada con gran precisión y simetría de encuadre, en los que los colores planos son fiel reflejo de los estados de ánimos. Es una película eminentemente femenina que transcurre entre las relaciones de las esposas y sus criadas. El Señor ni siquiera obtiene un primer plano y se representa como un personaje ausente y lejano cuya única preocupación es engendrar el mayor número posible de hijos. Como curiosidad, cabe destacar que la cara del Señor nunca se ve, siempre está fuera de pantalla o tras una cortina. También que estuvo prohibida en China durante unos meses hasta ganar varios premios y nominaciones como el Círculo de críticos de Nueva York, el Bafta a la mejor película extranjera o el León de plata a la mejor dirección.

Frase para recordar: " Si actúas bien, puedes engañar a la gente y si lo haces mal, te puedes engañar a ti misma, y cuando ni siquiera te puedes engañar a ti misma, puedes engañar a los fántasmas".

Título original: Da hong Deng long Gao gao Gua.

Director: Zhang Yimou.

Intérpretes: Gong Li, Jin Shuyuan, Cao Cuifen, He Caifei, Ma Jingwu, Kong Lin.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=tZAqZY-EQFM

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=XAU9or2HQiU

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Zhang_Yimou

Reseña escrita por Juanma Falcón.

MANOS PELIGROSAS (1953)

2013-02-08T09:44:00.000Z

A raíz del conflicto de La Guerra fría surgirían en la industria hollywoodense una serie de títulos que de una manera u otro tocarían el tema del comunismo y el enfrentamiento que mantuvieron los norteamericanos con la URSS (siempre tratando a los "rojos" como los malos de la función), entre esos títulos cabe destacar esta maravillosa obra de cine negro dirigida por Sam Fuller (autor de la controvertida "Casco de acero (1951)"). El film que también fue escrito por el propio Sam Fuller (apoyándose en una historia de Dwight Taylor), nos narraría las vivencias de Skip McCoy, un ladrón de poca monta que se metería en un lío de enormes dimensiones después de robar dentro de un metro la cartera de una joven, y es que en ella se escondía un microfilm de gran valor para un grupo de comunistas. Samuel Fuller, fuente de inspiración para directores actuales de la talla de Martin Scorsese y Quentin Tarantino, impregnaría a la obra de un ritmo vertiginoso y visceral al mismo tiempo de mostrarnos secuencias de una violencia muy poco común en el cine que se realizaba por aquellos años. Entre esas escenas resaltaría las del maltrato físico que sufre el personaje femenino principal, sorprende ver los numerosos tortazos, puñetazos y el balazo que sufre Candy (personaje interpretado por la bella Jean Peters, actriz que también veríamos ese mismo año compartiendo cartel con Marilyn Monroe en la intrigante "Niágara (1953)") durante el trascurso de la historia. La obra, invadida de personajes inmorales y sin ningún tipo de escrúpulos a la hora de conseguir sus objetivos, estaría protagonizada por Richard Widmark ("Dos cabalgan juntos (1961)"), uno de esos míticos actores recordados por encarnar a tipos duros y que en esta ocasión nos deleitaría poniéndose en la piel de Skip McCoy, un antihéroe lleno de carisma pero que por momentos nos produciría cierta antipatía por su excesiva actitud chulesca. Cabe resaltar el gran trabajo de Thelma Ritter ("Eva al desnudo (1950)") con su papel de Moe Williams, una mujer que vende todo tipo de información ( y alguna que otra corbata) con el fin de reunir el máximo dinero posible y tener en el día de su muerte un entierro decente, sin lugar a dudas una magnifica interpretación que le supuso la cuarta nominación a los Óscar de los seis obtuvo (sin ganar ninguno) durante toda su carrera cinematográfica. Ésta sería participe de uno de las momentos más memorables y a la vez duros del film, la de su muerte, donde después de pronunciar un monólogo de tono existencialista es asesinada por un disparo en la cabeza por el villano en cuestión (el comunista Joy), una secuencia donde el realizador culminaría dirigiendo la cámara hacia un gramófono y con el sonido del disparo de fondo. La obra tuvo una versión modernizada a finales de los sesenta, cambiando el tema comunista ruso por el comunismo sudafricano, dicha película se tituló "Intriga en la ciudad del cabo (1967)" y fue protagoniza por James Brolin, Jacqueline Bisset y con "la reina del cine negro" Claire Trevor ("Cayo largo (1948)") en su penúltimo papel para la gran pantalla. Como curiosidad, la película se realizaría en apenas 20 días de rodaje.
Frase para recordar: "A veces se busca petróleo y surge un surtidor".

Título original: Pickup on South Street.

Director: Samuel Fuller.

Intérpretes: Richard Widmark, Jean Peters, Richard Kilev, Thelma Ritter.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=EUqUUfka7O4
Escena: https://www.youtube.com/watch?v=LJE64H-_Mn4

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Widmark

A PLENO SOL (1960)

2013-02-04T10:54:00.000Z

Del cine francés nos llegaría a principios de los años sesenta y en plena etapa del denominado movimiento cinematográfico "nouvelle vague", este thriller policíaco con tintes hitchcorianos ("Extraños en un tren (1951)" y "Crimen perfecto (1954)") son dos títulos que nos puede venir a la cabeza durante el visionado de la obra) el cuál basándose en la exitosa novela negra de la estadounidense Patricia Highsmith, "El talento de Mr. Ripley", iba a ser dirigido por René Clément, uno de los directores más representativos del cine galo y consagrado internacionalmente después de conseguir el Óscar por su melodrama bélico "Juegos Prohibidos (1952)". Teniendo como escenario principal de la trama los pueblos costeros de Italia, el film nos narraría la historia de Tom Ripley, un joven de descendencia humilde contratado por un millonario para que hiciera regresar a su mimado hijo a su casa de Estados Unidos, ante la negativa de éste y la posibilidad de perder su suculenta recompensa (5.000 dólares), Ripley decidirá asesinarlo y suplantar su perfecta vida. Interesante film europeo cargado de tensión psicológica y suspense de final sorprendente donde el ansia por conseguir lo que no se posee y la planificación del crimen perfecto sería el resumen que mejor lo definiría. En dicha obra también tendríamos la oportunidad de descubrir a uno de los futuros iconos eróticos por excelencia del cine europeo, Alain Delon ("El gatopardo (1963)"), actor cuya belleza física y actitud rebelde guardaba cierta similitud con el del mítico James Dean y que en esta obra representaría a Tom Ripley, un personaje sin escrúpulos y sangre fría que simbolizaría perfectamente con su perversa personalidad la maldad en estado puro. Completando el reparto principal nos encontraríamos con Maurice Ronet ("Ascensor para el cadalso (1957)") en la piel del playboy y víctima del protagonista, Philippe Greenleaf, y a la joven debutante Marie Laforêt ("Jack de diamantes (1967)") dando vida a Marge Duval, personaje que sufriría la egocéntrica forma de ser de Philippe y que formaría parte del peligroso triangulo amoroso del film. Entre sus escenas hago mención el momento del espejo donde Ripley emula verbalmente a Philippe y la completa secuencia en alta mar, iniciada desde la humillación y las pesadas bromas de Philippe hacia Ripley y culminada con el asesinato de éste último sobre el mencionado Philippe, un instante que impresiona por la manera tan directa y brusca de como se ejecuta. Cabe destacar el sobresaliente trabajo del director de fotografía Henri Decaê ("Los 400 golpes (1959)"), éste llenaría de luz y colorido las calurosas italianas de la época y la siempre magistral partitura de Nino Rota ("Amarcord (1973)"), que sin ser una de sus mejores composiciones musicales contribuiría a elevar el nivel de calidad de la obra. A finales de los noventa Anthony Minghella ("El paciente inglés)") realizaría el remake norteamericano, un trabajo que sin llegar a la talla de la obra original supuso una atractiva propuesta filmografica cuyo trío protagonista estaría formado por Matt Damon, Jude Law y Gwyneth Paltrow. Como curiosidad, Alain Delon volvería a ponerse a las ordenes de René Clement en tres ocasiones más, en "¡Qué alegría vivir! (1960)", "Los felinos (1964)" y en aquella coproducción británica francesa titulada "¿Arde París? (1966)".
Frase para recordar: "A fin de cuentas de que sirve tener dinero cuando puedes gastar el de los demás".

Título original: Plein soleil.

Director: René Clement.

Intérpretes: Alain Delon, Maurice Ronet, Marie Laforêt, Erno Crisa.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=IZ3Yr58P1UM

B.S.O.: https://www.youtube.com/watch?v=Co639-5n4HU

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Alain_Delon