LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE

LA VIDA ES BELLA (1998)

2012-01-28T00:10:00.000-08:00

El gran momento profesional de Roberto Benigni (famoso monologuista en su país natal (Italia) y autor de interesantes comedias italianas como "Johnny Palillo (1991)" y "El monstruo (1994)") llegaría cuando éste decidió llevar a cabo la adaptación cinematográfica del relato de Rubino Romeo Salmoni ("Al final derroté a Hitler"). La historia ambientada en la época del holocausto nazi de La Segunda Guerra Mundial estaría dividida en dos partes; la primera narraría como un joven judío (Guido) consigue enamorar y formar una familia con la ex-pareja de un oficial fascista (Dora) y la segunda (la más lograda del film) se centraría en la deportación del mencionado Guido junto a su pequeño hijo (Josué) a los campos de exterminio nazi. La obra una perfecta combinación de comedia y drama estaría basada en el sacrificio de un padre por defender a su hijo de los peligros de la guerra , donde el protagonista haciendo uso de todo su ingenio e imaginación haría que la cruel situación sea vista a los ojos del pequeño como un inocente juego para niños. Como es habitual en la filmografía del realizador, él se encargaría de ponerse en la piel del personaje principal, hecho que le permitiría obtener el oscar de mejor actor en los premios de aquel año y de paso entrar en la historia del séptimo arte como el primer interprete italiano masculino en ganar la estatuilla dorada (en la categoría femenina tuvieron el privilegio de dicho galardón las voluptuosas Anna Magnani por "La rosa tatuada (1955)" y Sophia Loren por "Dos mujeres (1961)"). Para completar el reparto principal, Roberto Benigni se decantaría por la elección de la actriz Nicoletta Braschi (su pareja sentimental en la vida real) para representar a Dora y en el precoz Giorgio Cantarini (también visto junto a Russell Crowe en la épica "Gladiator (2000)") como Josué. Entre sus escenas cabría destacar la secuencia de Guido traduciendo las normas de un general alemán frente la atenta mirada de su ingenuo hijo o el emotivo (y lacrimógeno) encuentro de Josué con su madre al termino de la guerra. Sin lugar a dudas, uno de los elementos clave del éxito de la obra recaería en la composición musical de Nicola Piovani realizando una de las bandas sonoras más hermosas que podemos escuchar en la década de los noventa. Como curiosidad del film, el papa Juan Pablo II pidió antes de su estreno un pase privado para la visualización de la mencionada obra.

Frase para recordar: "¡Buenos días, princesa!".

Título original: La vita è bella.

Director: Roberto Benigni.

Intérpretes: Roberto Benigni, Giorgio Canttarini, Nicoletta Braschi.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=96sii9hDwQk

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=JYYja24BsjM

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=GTkTgFQWQVE

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Rubino_Romeo_Salmoni

IRMA LA DULCE (1963)

2012-01-24T23:50:00.000-08:00

Nuevamente la pareja formada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine hicieron uso de su buena química en la gran pantalla para protagonizar esta inteligente y entrañable comedia romántica a cargo del maestro Billy Wilder, demostrando con creces que el éxito cosechado en su anterior participación conjunta ("El apartamento (1960)") no fue producto de la casualidad. La película que podría considerarse un cuento moralista sobre dos personajes tan solitarios como dispares estaría formada por un guión del propio Billy Wilder (donde también ejercía de productor) con su habitual colaborador, I.A.L. Diamond ("Primera plana (1974)"). El realizador basándose en el musical de Alexandre Breffort nos trasladaría al barrio parisino de "Les Halles" para describirnos la amorosa relación entre una jovial prostituta (Irma "La dulce") y un honrado y tímido gendarme ( Nestor Pastou) y el esfuerzo de éste último para que su amada abandone de una vez por todas el mundo de la calle. Durante el visionado de la obra disfrutaríamos de la presencia de Lou Jacobi ("El diario de Ana Frank (1959)") representando a uno de los personajes más atrayentes de la obra, el carismático Moustache, el dueño del bar donde regenta los chulos y prostitutas del barrio y que hace de sus apariciones (sifón en mano) un desfile de frases tan ingeniosas como filosóficas. Hago mención dentro de la obra, la colorista fotografía de Joseph LaShelle ("Laura (1944)") que llenan de vitalidad las bellas calles de París y la divertida partitura musical a cargo del compositor alemán André Previn ("Gigi (1958)") el cuál obtendría por este trabajo el cuarto oscar de su carrera. Entre sus escenas resaltaría la secuencia de Irma inventándose tristes historias sobre su vida a los ingenuos clientes que la visitan para que éstos se dejaran caer con algo más de dinero o la genial transformación de Jack Lemmon en el multimillonario Lord X. En un principio, la actriz elegida para llevar a cabo el papel de Irma era Marilyn Monroe (lo que hubiera supuesto la tercera participación de la famosa rubia con Billy Wilder), hecho que no se llegaría a producir debido a la drástica muerte de este mito cinematográfico antes del rodaje de la obra. Como curiosidad, en este título debutaría James Caan ( a los 23 años), actor conocido por su participación de la mítica "El padrino (1972)" y por encarnar al torturado escritor Paul Sheldon en la genial "Misery (1990)".

Frase para recordar: "Ser honesto es como desplumar a una gallina al viento, te llenas la boca de plumas".

Título original: Irma la Douce.

Director: Billy Wilder.

Intérpretes: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Bruce Yarnell, Lou Jacobi.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=4U0IyNcPw5I

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=htLfbLf8MuQ

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=spQpwM97ea0

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Lou_Jacobi

PULP FICTION (1994)

2012-01-21T01:01:00.000-08:00

Tras confeccionar los guiones de "Amor a quemarropa (1993)" y la psicodélica y macarra obra de Oliver Stone "Asesinos natos (1994)", Quentin Tarantino volvería a ponerse detrás de las cámaras (ya nos había dejado muy buen sabor de boca con su sobresaliente debut (oficial) "Reservoir dogs (1992)")) para rodar esta historia de mafiosos, asesinos a sueldos y delincuentes de poca monta cargada de muy mala leche y delirante humor negro. La obra, todo un homenaje a la cultura pulp, es considerada hoy por hoy en uno de los clásicos modernos indiscutibles dentro de la historia del séptimo arte. Con características similares a su film predecesor (desorden en la estructura de la narración, viscerales secuencias e ingeniosos y gamberros diálogos) la película estaría dividida en tres capítulos, todos ellos entrelazados entre sí: "Vincent Vega y la esposa de Marsellus Wallace", "El reloj de oro" y "La situación con Bonnie". El realizador tan asiduo en el rescate de actores en el olvido o con problemas de estancamiento profesional, escogería para representar al benévolo asesino Vincent Vega a un fondón John Travolta (después de desechar la inicial opción de Daniel Day-Lewis), un actor siempre recordado por sus dotes bailongas en la setentera "Fiebre del sábado noche (1977)". Una vez visto el film nos cuesta destacar una escena en particular, ya que momentos como la jeringuilla clavada en el pecho de Uma Thurman, el mítico baile de ésta con John Travolta, los sermones bíblicos de Samuel L. Jackson o el monologo de Christopher Walken sobre un reloj de oro quedarán siempre en la retina de cualquier cinéfilo que se precie. Bruce Willis ("El sexto sentido (1999)") como el desgraciado boxeador Butch Coolidge, Harvey Keitel ("El teniente corrupto (1992)") como "El Lobo", el misterioso hombre que resuelve cualquier tipo de contratiempo, Ving Rhames ("Amanecer de los muertos (2004)") como el "violado" y peligroso mafioso Marsellus Wallace o el propio Tarantino en uno de sus habituales cameos serían otros de los nombres que intervendrían en el extraordinario reparto coral que forman la obra. Sobresale la minuciosa selección de temas musicales (la mayoría de artistas de los 50 y 60) que desfilan en el trascurso del film, despuntando el tema "Girl you´ll be a woman soon" de la banda estadounidense Urge Overkill. Como curiosidad, Sylvester Stallone y Mickey Rourke fueron las primeras opciones para llevar a cabo el personaje del boxeador Butch Coolidge.

Frases para recordar:
"Tenemos que sacar este coche de la calle, la pasma suele fijarse en los coches que circulan bañados en sangre".

"Estoy a veinte minutos de alli, llegaré en diez".

"El hecho que seas una personalidad no significa que tengas personalidad".

"Me voy a mi casa a tener un ataque al corazón".

Director: Quentin Tarantino.

Interprétes: John Travolta, Samuel L.Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=X-2Y4tb03P8
Escena: http://www.youtube.com/watch?v=wW4ggAbxUSw
B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=zFrDSFzlKwE&feature=related
Títulos de créditos: http://www.youtube.com/watch?v=L4SgQLgtQE8&feature=fvwrel

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Travolta

DE AQUÍ A LA ETERNIDAD (1953)

2012-01-18T00:50:00.000-08:00

Las vivencias y problemas personales de una serie de soldados momentos previos al famoso bombardeo de Pearl Harbor harían de este drama antimilitarista con tintes románticos una de las películas más relevantes y a la vez más nominadas (13 canditaturas de las cuales obtendría 8 estatuillas, incluida mejor película) dentro de la historia del séptimo arte. Dirigida por Fred Zinnemann ("Solo ante el peligro (1952)") y con un guión de Daniel Taradash ("Morituri (1965)"), el film tocaría temas tan dispares como la infidelidad, la amistad, el honor y el mundo de la prostitución al mismo tiempo que efectuaba una dura crítica sobre los abusos del ejercito americano hacia sus reclutas. La historia estaría especialmente centrada en la vida de dos personajes: por un lado, la del soldado y ex-boxeador Prewitt (Montgomery Clift), sufridor desde su llegada a la base militar en tierras hawaianas de todo tipo de castigos y humillaciones por parte de sus superiores al éste negarse participar en el equipo pugilístico del ejercito y por otro lado, la del sargento Milton Warden (Burt Lancaster), un militar duro pero justo que mantiene un idilio sentimental con la mujer de su superior, la bella Karen Holmes (Deborah Kerr). Entre sus momentos más destacados hago mención la mítica secuencia del apasionado beso de Burt Lancaster y Deborah Kerr mientras son golpeados por las olas del mar (escena muy críticada por La Asociación Cinematográfica de Estados Unidos al ser considerada de alta carga sexual) o el toque de corneta bajo el amanecer de un desconsolado Prewitt tras la muerte de un amigo. Sin duda, uno de los elementos fundamentales del éxito del film recaería en el espectacular conjunto de estrellas cinematográficas que componen la película (Montgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra, Ernest Borgnine...), todos ellos realizando sobresalientes interpretaciones. Durante la realización de esta obra llegaron a comentar que Montgomery Clift y Frank Sinatra se cogían unas tremendas borracheras al terminar la jornada laboral, teniendo que rodar en muchas de las ocasiones (especialmente Monty), en ese lamentable estado al no írseles el efecto de embriaguez de la noche anterior. Como curiosidad, la productora se planteó inicialmente los nombres de Walter Mathaus ("La extraña pareja (1968)") y Ronald Reagan ("Jornada desesperada (1942)") para interpretar al sargento Milton Warden.

Frase para recordar: "Nadie miente cuando habla de su soledad".

Título original: From here to eternity.

Director: Fred Zinnemann.

Intérpretes: Motgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Frank Sinatra.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=_pwGFY1Li00

Escena:http://www.youtube.com/watch?v=9fxH-2LnRkc

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Fred_Zinnemann
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-2218/

PERROS DE PAJA (1971)

2012-01-14T01:13:00.000-08:00

Basándose en la famosa novela de Gordon M. Williams ("The siege of thencher´s farm)" Sam Peckinpah ("Grupo salvaje (1969)") haría uso de este relato para adentrarse en lo más profundo de las entrañas de la violencia humana y hacer un crítico análisis del comportamiento de las personas cuando éstas se encuentra en situaciones límite. Realizada a principios de los setenta la historia nos exponía la hostilidad de un grupo de rudos aldeanos (aparentemente pacíficos) sobre una sofisticada pareja de americanos al éstos trasladarse a un rural pueblo de Inglaterra. El peso interpretativo recaería sobre el "pequeño" Dustin Hofman ("El graduado (1967)") en el papel del tímido matemático David Sunmer, un hombre de carácter débil y esquivo a las confrontaciones obligado a sacar su instinto más primitivo para defenderse del ataque de los violentos lugareños. Dentro del reparto también veríamos a la sensual Susan George ("Mandingo (1975)") como la esposa de David Sunmer, al británico Peter Vaughan ("Brazil (1985)") como Tom Hedden, el lider del peligroso grupo que le hace la vida imposible a la pareja y a David Warner (antes de "perder la cabeza" en "La profecía (1976)") encarnando al retrasado Henry Niles. El film siempre será recordado por las realistas y polémicas escenas de violencia, teniendo como una de sus duras secuencias, la violación y sodomización de Susan George (por aquel entonces la actriz tenía 20 años), todo un hito dentro de la violencia sexual visto en la gran pantalla que no se libraría del castigo de la censura del entorno más puritano (en países como el Reino Unido fue prohibida). La obra no pasaría desapercibida para los nuevos realizadores de aquella época, especialmente para Wes Craven (reconocido cineasta del cine de terror actual) que le serviría de inspiración para su opera prima: la brutal "La última casa a la izquierda (1972)". Como curiosidad Jack Nicholson y Donald Sutherland fueron inicialmente elegidos para interpretar a David Sunmer del mismo modo las actrices Hellen Mirren y Charlotte Rampling estuvieron a punto de representar a la carnal Amy Sunmer.
Frase para recordar: "El cielo y la tierra son crueles, tratan a todos los seres vivos como perros de paja".

Título original: Straw dogs.

Director: Sam Peckinpah

Intérpretes: Dustin Hoffman, Susan George, David Warner, Peter Vaughan

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=QPS-YFhhgx8
Escena: http://www.youtube.com/watch?v=BTPPLqiDVmk&feature=related

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Sam_Peckinpah

LA LISTA DE SCHINDLER (1993)

2012-01-11T00:48:00.000-08:00

Cuando a principios de los noventa Steven Spielberg decidía aparcar su cine más comercial y palomitero para representar el horror del Holocausto nazi en la gran pantalla, éste sufriría todo tipo de críticas y acosos por parte del Congreso Mundial de Judíos. Dicha situación no frenaría al realizador su afán de llevar a cabo este proyecto, consiguiendo que su película fuese (y sea) considerada una de las mejores obras que han plasmado el sufrimiento judío durante la hegemonía alemana. El film con un guión de Steven Zaillian ("Gangs of New York (2002)") y basándose en el devastador relato del australiano Thomas Keneally nos situaría en plena Segunda Guerra Mundial donde el empresario y héroe casual, Oskar Schindler (papel llevado a cabo magistralmente por Liam Neeson), trataba de salvar a un grupo de judíos de su drástico destino en los campos de concentración de Auschwitz. Un desconocido Ralp Finnes ("El paciente inglés (1996)") sorprendería a propios y a extraños por su espectacular interpretación encarnando al sádico comandante nazi Amón Göth. La excelente y nostálgica fotografía en blanco y negro de Janusz Kaminski ("Munich (2005)") junto la sobresaliente partitura (a base de solos de violín) a cargo de John Williams ("Tiburón (1975)") llenarían de sentimiento y dureza las imagenes que llenan la obra. Entre sus escenas hago mención la emotiva y triste secuencia de una niña con abrigo rojo deambulando bajo el caos de la guerra o como un cruel Amón Göth se dedica a disparar a los judíos que ve desde su terraza. La película producida por Branko Lustig (prisionero y superviviente de la barbarie alemana) ganaría 7 oscar (incluida mejor película) del mismo modo Spielberg obtendría el primero de sus dos estatuillas doradas que tiene en su haber (la otra la conseguiría por "Salvar al soldado Ryan (1998)"). Como curiosidad, Ralph Finnes subiría 13 kilos para llevar a cabo su personaje, dicho logro lo lograría con una dieta cimentada en la "ingesta" de litros y litros de cerveza.

Frase para recordar: "Quién salva una vida, salva al mundo entero".

Título original: Schindler´s list.

Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Liam Neeson, Ralph Finnes, Ben Kingsley, Caroline Goodall.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=Ldpjl07HJCY

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=rJNInqZG2XI

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=UELQl93JKEQ

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Oskar_Schindler
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-9393/

LA PANTERA ROSA (1963)

2012-01-06T23:48:00.000-08:00

Después de triunfar con el drama etílico de Jack Lemmon y Lee Remick en "Días de vino y rosas (1962)", el director Blake Edwards cambiaría de tercio para realizar esta elegante comedia de enredos y situaciones picarescas que pondría al despistado y torpe inspector Closeau en busca de los ladrones de un valioso diamante llamado "La pantera rosa". Blake Edwards en el transcurso del rodaje se pondría en contacto con el animador Friz Freleng (el mismo que daría vida a Bugs Bunny) para que éste le desarrollara un personaje animado que presentara los títulos de créditos del film, quién le iba a decir que dicha creación gozaría de tan fuerte repercusión en el desarrollo de la película hasta el punto de que ésta iba a tener su propia serie de dibujos animados de consolidada fama mundial. Otro de los elementos claves que impulsarían la popularidad de dicho film sería la mítica partitura del Henry Mancini (compositor habitual dentro de la filmografía de Blake Edwards, entre ellas, las ganadoras del óscar "Desayuno con diamantes (1961)" y "¿Victor o Victoria? (1982)") y como no, en la divertida y extraordinaria interpretación del británico Peter Sellers ("El guateque (1968)"), fue tal el carisma y simpatía que desprendería su personaje que llegaría a eclipsar al resto de sus compañeros de rodaje en cada una de sus apariciones. El enorme éxito del actor tras la realización de esta película le consagraría de manera definitiva en la industria cinematográfica, llevándole a protagonizar varias secuelas todas ellas realizadas por el propio Blake Edwards. Completarían el reparto David Niven ("Mesas separadas (1958)") como el seductor ladrón de guante blanco Sir Charles Lytton, Robert Wagner ("Lanza rota (1954)") como el sobrino de éste y las bellas Claudia Cardinale ("Hasta que llegó su hora (1968)") como la princesa Dahla y Capucine ("Satiricón (1969)") como la infiel esposa del inspector Closeau. Entre sus escenas más memorables habría que mencionar el enredo en la habitación del hotel o esa loca persecución automovilística alrededor de la fuente de una plaza bajo atenta mirada de un cariacontecido habitante del pueblo. Como curiosidad, el personaje del inspector Closeau fue pensado inicialmente para el actor Peter Ustinov ("Espartaco (1960)").
Frase para recordar: "En momentos como este me gustaría ser un simple campesino".

Título original: The Pink Panter.

Director: Blake Edwards.

Intérpretes: David Niven, Peter Sellers, Claudia Cardinale, Robert Wagner.
Trailer:http://www.youtube.com/watch?v=-wLhNZUNeIc
B.S.O.:http://www.youtube.com/watch?v=9OPc7MRm4Y8&feature=related

Títulos de créditos: http://www.youtube.com/watch?v=86znnjhYrq4&feature=player_embedded

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Sellers
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-15189/

EL GABINETE DEL DOCTOR GALIGARI (1920)

2012-01-04T01:15:00.000-08:00

Tras la finalización de la Primera Guerra Mundial surgiría con fuerza el denominado movimiento expresionista alemán, entre sus principales precursores se encontrarían Ernst Lubitsch ("Ninotchka (1939)"), Fritz Lang ("Metropolis (1926)"), Murnau ("Nosferatu (1922)" o Robert Wiene, siendo éste último con el título que guardo tributo quién iniciaría esta vertiente del cine mudo y por que no decirlo, uno de los primeros en tocar la temática sobre los asesinos en serie. El film con guión de Carl Mayer ("Amanecer (1927)") y Hans Janowitz (antes de dedicarse al negocio del petróleo) e inspirado en unos asesinatos reales sucedidos en la cuidad de Hamburgo nos narraba la visita de un misterioso Doctor y su extravagante acompañante (un sonámbulo que lleva durmiendo 23 años y que es capaz de descubrir el futuro de las personas) a un pueblo teutón, produciéndose a partir de su llegada una serie de crímenes que desconcertarían a los habitantes de la zona. Dividida en seis actos y con la presencia de flashback que ayudan narrar la historia, la obra se caracterizaría por la presencia de tétricos y distorsionados decorados habitados de extraños personajes cubiertos de maquillaje (puede apreciarse la influencia de este estilo gótico sobre el realizador Tim Burton ("Eduardo Manostijeras (1990)")) que aumentarían esa atmósfera terrorífica y de desasosiego en cada una de los fotogramas que desarrollan el film. Los encargados de representar a la aterradora y peculiar pareja protagonista serían Werner Kraub ("La tierra en llamas (1922)") como el loco "Dr. Caligari" y Conrad Veidt (actor también visto haciendo de nazi en "Casablanca (1942)" y caracterizado por su enorme altura y acentuada delgadez) como el sonámbulo "Cesare". Éstos volverían a coincidir 4 años después en la también película de terror "El gabinete de las figuras de cera (1924)". Como curiosidad, a pesar de ser considerada una de las grandes películas que se han hecho en la historia de cine, en el momento de su estreno sufrió el abucheó y la crítica del público presente.

Frase para recordar: "No descansaré hasta comprender todas las cosas terribles que ocurren alrededor".

Título original: Das Kabinett des Dr. Caligari.

Director: Robert Wiene.

Intérpretes: Werner Kraub, Conrad Veidt, Lil, Dagover, Friedrich Feher.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=vGbTmzEfB3s&feature=related

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Conrad_Veidt

CABARET (1972)

2011-12-31T00:55:00.000-08:00

Con un guión de Jay Presson Allen (la misma que escribiría el thriller psicológico de Hitchcock, "Manie, la ladrona (1964)") esta famosa obra musical ganadora de 8 oscar nos llevaría a la Alemania de los años 30 en pleno crecimiento nazi para relatar la difícil y atípica historia de amor entre una cabaretera obsesionada con llegar a ser una gran estrella (Sally) y un recatado estudiante británico (Bryan Roberts), dicha obra tocaba temas tan dispares como la liberación sexual y la complicada situación de los judíos con el ascenso del poder alemán. Sería aquí cuando le llegaría la gran oportunidad a Liza Minnelli (hija del cineasta Vincente Minnelli ("Un americano en París (1951)") y la mítica Judy Garland ("El mago de Oz (1939)") y especialmente vinculada al mundo del teatro y los espectáculos musicales) cuando el realizador Bob Fosse ("Empieza el espectáculo (1979)") se fijaba en ella para interpretar el papel de la vitalista y amoral cabaretera Sally Bowles. La actriz que venía de realizar un notable trabajo como mujer de rostro desfigurado en el drama de Otto Preminguer "Dime que me amas, June Moon (1970)") conseguiría por esta interpretación ser reconocida definitivamente en el entorno cinematográfico. Dentro de su reparto también veríamos al británico Michael York ("La fuga de Logan (1976)") como Bryan Roberts y al estadounidense Joel Grey (padre de Jennifer Grey ("Dirty dancing (1987)")) representando al carismático maestro de ceremonias del "Kit Kat Club". Uno de los elementos primordiales de la fama de la obra recaería en el desarrollo de sus coreográficas escenas musicales genialmente modelada por la fotografía de Geoffrey Unsworth ("2001: Una odisea en el espacio (1968)") y es que ver a Liza Minnelli cantando "Money, money" o "Mein herr" quedará siempre en la memoria de cualquier seguidor del séptimo arte. Como curiosidad, el look que luce Lisa Minnelli en la película fue ideado por su propio padre, el antes mencionado Vincente Minnelli.
Frase para recordar: "Voy a ser una estrella de cine, si el alcohol y la mala vida no acaba antes conmigo".

Director: Bob Fosse.

Intérpretes: Lisa Minnelli, Michael York, Joel Grey, Helmut Griem.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=tLl55kGdxow

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=Tz9LD8DgQg0&feature=related

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Michael_York

El blog cumple su segundo año de vida, es por ello que les agradezco el apoyo y cariño recibido por todos vosotros desde sus inicios hasta el día de hoy. Saludos y Feliz Nuevo y Cinéfilo año 2012!

ULTIMÁTUM A LA TIERRA (1951)

2011-12-28T00:26:00.000-08:00

A principios de los cincuenta se realizaría una de las primeras grandes películas sobre la temática alienigena dentro de la historia del séptimo arte," Ultimátum a la Tierra", posteriormente nos llegaría en aquella década clásicos indiscutibles como fueron y son "La guerra de los mundos (1953)" o "La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)" de Don Siegel. El culpable en cuestión de regalarnos esta maravilla de la ciencia ficción sería el (por entonces) poco conocido Robert Wise ("Marcado por el odio (1956)"), en ella el realizador basándose en un relato corto del escritor Hatty Bates ("Farewell to the master") huiría de describir a los extraterrestres como criaturas malvadas para detallar a éstos como unos seres morales y pacíficos cuyo fin no era otro que el de mantener el orden y la paz entre los planetas. La historia del film nos trasladaría a la capital de los Estados Unidos en plena Guerra Fría donde un mensajero del espacio (Klaatu) acompañado de un robot de grandes dimensiones bajo el nombre de Gort (personaje encarnado por Lock Martin, un "pequeñito" actor de 2,30 metros de altura) exigiría a los gobernantes de la Tierra un cambio de comportamiento en relación a su actitud belicista y de destrucción. Después de no cuajar las contrataciones de Spencer Tracy ("Capitanes intrépidos (1937)") y Claude Rains ("Casablanca (1942)") para el papel de Klaatu, el actor elegido por la productora sería el británico Michael Rennie ("La túnica sagrada (1953)") para ponerse en la piel del mensajero extraterrestre, el principal motivo de su contratación fue lo poco conocido entre el publico americano lo que daría mayor realismo al personaje. El theremín sería el instrumento elegido por el compositor Bernard Herrmann ("Psicosis (1961)") para componer su innovadora y futuristica partitura musical. Entre sus escenas destacaría la secuencia de la resolución de un difícil problema matemático a cargo de Klaatu o ese momento inicial de la llegada del platillo volante a la ciudad de Washington. En el 2008, Keanu Reeves protagonizaría el remake a cargo de Scottt Derrickson, sobra decir que a pesar de sus renovados efectos especiales el film supondría infinitamente inferior a su predecesora, llegando incluso a ser nominada a los premios Razzies (otorgada a las peores películas realizadas) de aquel año.
Frase para recordar: "Yo me asusto cuando veo al pueblo sustituir el miedo por la razón".

Título original: The day the Earth stood still.

Director: Robert Wise.

Intérpretes:Michael Rennie, Patricia Neal, Hugh Marlowe, Billy Gray.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=OfpSXI8_UpY
B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=rYbHpXca7U0
ESCENA: http://www.youtube.com/watch?v=Eun7SmpNr1I&feature=related

Información complementaria :
http://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Rennie
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-3463/

DE ILUSIÓN TAMBIÉN SE VIVE (1947)

2011-12-24T00:57:00.000-08:00

A través de un hecho fortuito durante un desfile navideño organizado por unos grandes almacenes se produciría la sustitución del hombre encargado de representar a Papa Noel por un entrañable y carismático anciano que dice ser el verdadero Santa Claus, dicha afirmación hará que muchos duden de su condición mental. De esta manera podría resumirse la base argumental de este simpático y correcto film navideño bastante propicio para ser mencionado en estas fechas. La obra en cuestión sería dirigida y escrita por el estadounidense George Seaton (también autor de la catastrófica "Aeropuerto (1970)"), en ella el realizador pretendía dar un mensaje moral sobre el verdadero significado que tienen estas fiestas, basándose en los valores de la espiritualidad y la creencia en detrimento del afán consumista y materialista incitados por las grandes superficies comerciales. El encargado de ponerse en la piel de Santa Claus sería el británico Edmund Gwenn ("Pero...¿quién mató a Harry? (1955)"), actor iniciado en el mundo del teatro y que gracias a la interpretación de Kris Kringle lograría ganar el oscar de mejor actor secundario. Completarían el reparto principal la guapa Maureen O´Hara ("¡Qué verde era mi valle (1941)") como Doris Walker, la incredula ejecutiva que contrata a Kris Kringle y John Payne ("El filo de la navaja (1946)") como Frey Gailey, estos dos actores repetirían juntos por tercera vez en la gran pantalla después de haber compartido cartel en "To the Shores of Tripoli (1942)" y el drama "Conflicto sentimental (1946) de Walter Lang. El cineasta Les Mayfield realizaría en la década de los noventa el soso y descafeinado remake de esta obra ("Milagro en la ciudad (1994)") con un Richard Attenborough ("Parque jurásico (1993)" emulando a Edmund Gwenn. Como curiosidad, en esta película debutaría con apenas 8 años la mítica Natalie Wood ("Rebelde sin causa (1955)"), la actriz a pesar de la precoz edad iba a dejar muestras su calidad interpretativa y de su condición de estrella del celuloide en que se iba a convertir en años posteriores.
Frase para recordar: "Sólo porque las cosas no resultan la primera vez como uno las desea, no se debe perder la fe en la gente".

Título original: Miracle on 34th Street.

Director: George Seaton.

Intérpretes: Maureen O´Hara, Natalie Wood, Edmund Gwenn, John Payne.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=lS69hHgMEBE

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Natalie_Wood

Desde este espacio quiero desear unas felices fiestas a todos los seguidores, bloggeros amigos (Javi,Pilar, Amaltea, Guzz, Pólux, Addison de Witt, GCPG, Atreyu, Antonio Nahud Junior, Elsa, Manuel Iglesias, Udi, The Film Connoissfur, Ricard, Lola, Nury, Neurotic Marianita, Daniel, Lillu, Fanny Riffel, Moni Bolis, Kamikaze, Xahdiel Aldo, Apañó, David Amorós, Kin G. Haro, Emilio J. Pazos Brenlla, Raúl Calvo, Alimaña, Pseudosocióloga, Cinecomio, Isak Borg, Abril en Paris, Elena, Rubí, Arion, Antonio de Castro, BCNDays, Youtrailer, Stardust, Ariadna, Daniel, Towanda Atticus, David, Diálogos cinéfilos, José Antonio del Pozo, Marcus Callau, Alimaña, Pabela Lake, Peter Cahiers, Scotty, Einer, Luis Cifér, Dr. Quatermass, Kinski... si me he olvidado de alguien pido disculpas) y todas aquellas personas que han apoyado esta página dedicada a lo mejor del séptimo arte. Aprovecho también el día de hoy para recordar al gran bloggero Anro .

LA HISTORIA INTERMINABLE (1984)

2011-12-21T07:10:00.000-08:00

Sin duda este sería uno de esos títulos que marcarían a muchos de nosotros durante la etapa de la infancia y adolescencia. La obra en cuestión estaría basada en una novela del alemán Michael Ende ("Momo" sería otro de sus libros que serían adaptados al formato cinematográfico) siendo Wolfgang Petersen ("Troya (2004)") el encargado de transformarla para la gran pantalla. Un bonachón monstruo alimentado a base de piedras, un dragón blanco de la suerte y una vieja y sabia tortuga de grandes dimensiones serían sólo algunos de los entrañables seres que visionaríamos en esta superproducción germana de grandes efectos especiales (todos ellos realizados de manera artesanal bajo el uso de grandes maquetas manipuladas por numerosos titiriteros) capaz de hacer frente a cualquier "blockbuster" procedente de la industria hollywoodiense de aquella época. Sus dos protagonistas infantiles: Barret Oliver ("Bastian") y Noah Hathaway ("Atreyu") aprovecharían la popularidad de la obra para participar en diversas películas y series de la década de los ochenta para posteriormente caer ambos en el anonimato, en la actualidad se sabe de ellos que el primero se dedica a la fotografía mientras que el bueno de Hathaway se decantaría al mundo del deporte. La banda sonora compuesta por Giorgio Moroder ("El expreso de medianoche (1979)") y Klaus Doldinger ("Das Boot. El submarino (1981)") junto la archiconocida y exitosa canción de Limalh "The never ending story" sería otro de los puntos fuertes por lo que sería recordado este film. Entre sus escenas más destacables hago mención, la prueba de Atreyu en las puertas de la esfinge, la peligrosa travesía por el pantano de la tristeza o esa secuencia de vuelo del dragón blanco enseñando los bellos paisajes del reino de la Fantasía. Como curiosidad, a pesar de la popularidad de la obra el resultado final no convencería a Michael Ende, el cual pediría a la productora que su nombre no apareciera en los títulos de los créditos iniciales.

Frase para recordar: "Deja de soñar despierto y empieza a ver las cosas como son de verdad".

Título original: Die unendliche geschichte.

Director: Wolfgang Petersen.

Intérpretes: Barret Oliver, Noah Hathaway, Tami Stronach.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=B3DcWtkKeIY

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=UBo8KXc83tc&feature=related

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Ende
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-27570/

LA MUERTE TENÍA UN PRECIO (1965)

2011-12-17T03:07:00.000-08:00

Segunda parte de la legendaria "Trilogía del Dólar" del maestro Sergio Leone rodada en tierras madrileñas y almerienses. Continuando la estela de su predecesora ("Por un puñado de dólares (1964)") y realizada con el personal estilo de su director (primeros planos con eternas escenas llenas de suspense y emoción) la película seguiría abordando la figura de un héroe diferente a lo que nos tenía acostumbrado hasta entonces el género del western, éste sería presentado como un tipo carente de escrúpulos cuya manera más eficaz de resolver cualquier tipo de conflicto era con el uso de un revólver. El propio Sergio Leone acompañado del buen hacer de Luciano Vincenzo (uno de lo más reconocidos cineastas del cine italiano) serían los responsables de confeccionar el guión del film, en él nos narraba las vivencias de dos cazarrecompenzas unidos a pesar de su rivalidad con el fin de capturar a un sádico pistolero buscado por la ley. La obra volvería a contar con un joven Clint Eastwood (por aquel entonces más conocido por sus apariciones en serie televisiva "Rawhide") en el papel de "El Manco" que junto la presencia de un Lee Van Cleef (encasillado en papeles secundarios como villano, recordémosle en "Sólo ante el peligro (1952)" o en "El hombre que mató a Liberty Valance (1962)") como el Coronel Mortimer y el italiano Gian María Volonté ("Cara a cara (1967)") encarnando al malo de la función ("El Indio") formarían el trio principal del reparto de actores. También descubririamos en esta obra al polémico Klaus Kinski ("Nosferatu (1979)") en una de sus primeras presencias cinematográficas llevando a cabo a uno de los pistoleros aliados de "El Indio". Entre sus escenas a destacar, la chulesca presentación del personaje de Clint Eastwood en la entrada del pueblo bajo la mítica partitura de Ennio Morricone, el duelo de sombreros de "El Manco" y Mortimer o ese memorable enfrentamiento final entre Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Como curiosidad, se barajaron los nombres de Lee Marvin ("Doce del patíbulo (1967)") y Robert Ryan ("Conspiración del silencio (1955)") para el ponerse en la piel del Coronel Mortimer, personaje finalmente representado por Lee Van Cleef.
Frase para recordar: "Cuando acabe la música del reloj, coge tu arma y dispara si puedes".

Título original: Per qualche dollaro in piú.

Director: Sergio Leone.

Intérpretes: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Robert Camardiel.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=GV9QhB1eUV4

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=s9CtmLUu2oM&feature=related

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=zKYIHRS--oc&feature=related

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Van_Cleef

SMOKE (1995)

2011-12-14T07:09:00.000-08:00

Tan sencilla como la vida misma podría catalogarse esta interesante y conmovedora obra del japones y afincado en tierras americanas, Wayne Wang (nombre puesto por su padre por la gran admiración de éste al actor John Wayne). La trama de la historia apoyada en las relaciones humanas estaría escrita de manera sobresaliente por un debutante en tierras cinematográficas, Paul Auster (ganador del Premio Príncipe de Asturias en el año 2.006), en ella nos situaría en el día a día de unos singulares personajes en el barrio de Brooklyn, entre ellos, Auggie Wren, el dueño de una tienda de tabaco aficionado a sacar fotos diariamente en el mismo lugar y con el mismo encuadre; Paul Benjamin, un escritor en plena crisis de creatividad desde el fallecimiento de su esposa y Rashid Cole, un chico de color en busca de su padre mientras es perseguido por un grupo de delincuentes. El film se caracterizaría por tener sinceros e ingeniosos diálogos que llenan la totalidad de la película y por la naturalidad y realismo que desprenden el grupo de actores que componen la obra, donde destacaría la presencia de Harvey Keitel ("Reservoir dogs (1992)") en el papel de Auggie Wren y William Hurt ("El turista accidental (1998)") como el novelista Paul Benjamin, ambos serían participes de dos de los momentos cumbres del film, el monólogo sobre el peso del humo o el personal y peculiar cuento de navidad descrito también en imágenes mientras suena la canción "Innocent when you dream"de Tom Waits en el final del film. Ese mismo año Wayne Wang y Paul Auster volverían a reunirse para realizar su secuela ("Blue in the face (1995)"), un título que continuaba la estela de su primogenitora: guión fresco a pesar de la simplicidad de su conjunto y que en esta ocasión contaría numerosos cameos de famosos del mundo del cine y la música. Como curiosidad, Forest Whitaker ("El último rey de Escocia (2006)") hacía de padre de Harold Perrineau ( Rashid Cole) a pesar de que éste sólo le saca una diferencia de dos años.

Frase para recordar: "Si no puedes compartir un secreto con un amigo, qué clase de amigo eres".

Director: Wayne Wang.

Intérpretes: Harvey Keitel, William Hurt, Harold Perrineau, Forest Whitaker.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=_N_6cvEoMY0

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=61pp51kxvVM

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Auster

¡VIVA ZAPATA! (1952)

2011-12-10T03:05:00.000-08:00

El enorme éxito de "Un tranvía llamado deseo (1951)" harían repetir al tándem formado por Elia Kazan y Marlon Brando para narrar las acciones del líder militar Emiliano Zapata durante la revolución mexicana de principios del siglo XX, un recorrido desde sus inicios como rebelde campesino hasta su consagración definitiva como figura importante encargada de luchar por la libertad de las tierras aztecas. Dicha biografía con dura crítica hacia la corrupción del poder estaría sacada del libro de Edgecumb Pinchon donde el escritor californiano John Steinbeck (de sus novelas salieron clásicos como "Las uvas de la ira (1940)" o "Al este del Edén (1955)") se encargaría de convertirlo en guión cinematográfico. El papel principal recaería en Marlon Brando para llevar a cabo la figura del revolucionario, muy a pesar para el bueno de Anthony Quinn que aun teniendo descendencia azteca y habiendo su padre combatido en la revolución mexicana tendría que conformarse con un papel secundario interpretando al hermano mayor de Zapata (Eufemio Zapata), eso si con dicho trabajo sería premiado con el primer oscar de su carrera. También intervendrían en la obra la actriz Jean Peters (vista también junto a Marilyn Monroe en "Niágara (1953)") como la sufrida esposa de Emiliano Zapata, un debutante Joseph Wiseman (el villano de James Bond en "Dr. No (1962)" como el despiadado Fernado Aguirre o Alan Reed ("Desayuno con diamantes (1961)") poniéndose en la piel de Pancho Villa. La partitura musical compuesta por Alex North ("Espartaco (1960)") estaría formada por melodías típicas del pueblo mexicano. Entre sus escenas hago mención el momento de Emiliano Zapata regalando después de una batalla su preciado caballo a un valeroso niño o un preocupado Marlon Brando durante su noche de bodas pidiéndole a su esposa que le enseñe a leer. Como curiosidad, ese mismo año Elia Kazan delataba a sus antiguos compañeros del partido comunista en la denominada caza de brujas de la época del McCarthismo.

Frase para recordar: "Un hombre cuyos sentimientos han nacido de la ira y del odio, ¿está en condiciones de traernos la paz y de gobernar en paz?"

Director: Elia Kazan.

Intérpretes: Marlon Brando, Jean Peters, Anthony Quinn, Alan Reed.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=Wm5TCglKzjY

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Emiliano_Zapata

LOS INÚTILES (1953)

2011-12-07T07:07:00.000-08:00

Bajo el escenario de una Italia obrera marcada por la postguerra, Federico Fellini realizaría esta crónica social con cierto cariz autobiográfico sobre las aventuras de un grupo de jóvenes cuya finalidad en la vida es disfrutar del ocio sin el esfuerzo de buscar un empleo mientras son mantenidos por sus respectivas familias. El propio realizador junto la colaboración de Ennio Flaiano ("El verdugo (1963)") serían los encargados de confeccionar la trama de la historia, en ella se centraría especialmente en la vida de Fausto (Franco Fabrizi) casado por circunstancias ajenas a su voluntad que intercambia su existencia entre su obsesiva afición a las mujeres y la convivencia con su sufrida e ingenua esposa; y las vivencias de Alberto (Alberto Sordi) un holgazán y también amigo del mencionado Fausto, que es mantenido por su jubilada madre y su hermana. El film ganaría el León de Plata en el Festival de Venecia del mismo modo su guión competiría en la categoría de mejor guión original en los premios Oscar cuya estatuilla sería arrebatada por George Wells y su comedia romántica "Mi desconfiada esposa (1957)". Entre sus escenas a destacar la inoportuna avería del coche de Alberto y compañía poco después de mofarse de un grupo de obreros o la secuencia con uno de los jóvenes montado en un tren mientras se aleja del hastío y desilusión que venía arrastrando en el pueblo. La composición musical estaría a cargo de Nino Rota, genial compositor cinematográfico vinculado especialmente a los trabajos de Luchino Visconti ("El gatopardo (1963)") y del mencionado Federico Fellini, en esta ocasión volvería a llenarnos de sentimiento y emotividad cada momento que suena su partitura. Como curiosidad, el cineasta Vittorio de Sica ("Ladrón de bicicletas (1948)") rechazaría participar en el film con un breve papel, debido a que el personaje que tenía que interpretar era homosexual y temía que el publico confundiera su condición sexual.
Frase para recordar: "Hablábamos siempre de irnos, pero sólo uno, una mañana, sin decirle nada a nadie se marchó de verdad".

Título original: I Vitelloni.

Director: Federico Fellini.

Intérpretes: Franco Fabrizi, Alberto Sordi, Leopoldo Trieste, Franco Interlenghi.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=zon-JoqlwtI
Escena: http://www.youtube.com/watch?v=jD45TQIfcoo&feature=fvwrel

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=5b4QQMKr_wE

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Ennio_Flaiano

SUCEDIÓ UNA NOCHE (1934)

2011-12-03T00:56:00.000-08:00

Frank Capra se uniría con el guionista Robert Riskkin (colaborador habitual en la filmografía del realizador, "Horizontes perdidos (1937) y "Juan nadie (1941)", fueron otras de sus exitosas participaciones) para dirigir este clásico de la comedia romántica americana. La historia nos relataría las vivencias de una caprichosa y rica heredera fugada de casa para reunirse con su novio (un rico aviador encarnado por el actor Jameson Thomas) donde el destino le colocaría en su camino a un pícaro y galán periodista que le hará dudar de sus sentimientos. El carisma y complicidad del dúo protagonista combinados de un fino sentido del humor sobre los conflicto entre sexos y una buena dosis de romanticismo no defraudaría a los seguidores de este género cinematográfico cuyo argumento inspiraría a futuros títulos relacionados a esta temática. En el visionado del film encontraríamos a un joven Clark Gable que empezaba a hacerse un hueco entre los grandes del celuloide, culminando su estrellato y celebridad años más tarde en aquella joya del séptimo arte llamada "Lo que el viento se llevó (1939)". Algo parecido le sucedería a su pareja de reparto, la francesa Claudette Colbert ("Cleopatra (1934)") que con su papel de Ellie Andrews en esta obra incluiría su nombre en la lista de actrices destacadas dentro de la historia del cine. Entre sus escenas hago mención las diferentes e improductivas maneras de hacer autostop de Peter Warner frente a la eficaz y seductor procedimiento de Ellie para la detención de un coche. Cabe destacar el cierto grado de puritanismo que desprendía la obra (algo normal en la época que se rodó), en ella podíamos ver como la pareja protagonista dormían separados a través de una manta tendida en una cuerda (elemento que Cary Grant denominaba de manera graciosa "la muralla de Jericó"). Como curiosidad, este film fue la primera película en ganar las principales categorías de los oscar (mejor película, mejor director, mejor guión, mejor actor y mejor actriz) luego llegaron "Alguien voló sobre el nido del cuco (1974)" y "El silencio de los corderos (1991)" pero eso ya es otra historia.

Frase para recordar: "Pero así son las cosas, crees tener algo bueno en las manos y de pronto llega otro, cambia todo el final y no tienes nada".

Título original: It happened one night.

Director: Frank Capra.

Intérpretes: Clark Gable, Claudette Colbert, Roscoe Karns, Walter Connolly.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=ALmnUBqbhuo

Escena: http://www.youtube.com/watch?v=yV0HGUonWtM

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Claudette_Colbert

A QUEMARROPA (1967)

2011-11-30T07:10:00.000-08:00

Extraño y enérgico thriller de abundante violencia y sencilla base argumental definiría esta segunda película del británico John Boorman ("Deliverance (1972)") donde el realizador se basaría en una novela del escritor estadounidense Donald E. Westlake ("The hunter") para el desarrollo de la obra. Dicho film envuelto en una tensa historia de traiciones y venganzas (flashback y recuerdos desglosarían la trama del film) marcaría un estilo dentro del género de cine negro de la década de los sesenta. La obra estaría comandada por un extraordinario Lee Marvin (consagrándose, junto la magistral "Doce del patíbulo (1967)", en el perfil protagonista tras una etapa caracterizada en interpretaciones de secundario con papeles de villano) desarrollando el personaje de Walker, un antihéroe terco y de muy pocas palabras obsesionado en recuperar la parte del dinero de un botín robado a manos de su "mejor" amigo y su esposa. Angie Dickinson ("Río bravo (1959)") como Chris, mujer que ayudaría a Walker en plasmar su venganza y John Venon ("Harry el Sucio (1971)") como Mal Reese, el amigo desleal y uno de los villanos del film serían algunos de los nombres que completarían el reparto del largometraje. Entre sus escenas, la caída de una de las víctimas de Walker desde lo alto de un edificio o el ataque de ira de Lee Marvin al entrar en el apartamento de su traidora esposa. A finales de los noventa Mel Gibson intentaría emular a Lee Marvín en "Payback (1999)", remake de esta obra de John Boorman a cargo de un debutante Brian Helgeland (guionista de la interesante "L.A. Confidential (1997)"). Como curiosidad, Lee Marvin y John Boorman volverían a coincidir dos años después en el drama bélico "Infierno en el Pacífico (1969)".
Frase para recordar: "Quiero mi dinero. Mis 93.000 dólares".

Título original: Point blank.

Director: John Boorman.

Intérpretes:Lee Marvin, Angie Dickinson, John Vernon, Keenan Wynn.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=N2sKgsKTeEM

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Angie_Dickinson

EL ÍDOLO DE BARRO (1949)

2011-11-26T01:19:00.000-08:00

Mark Robson ("El premio (1963)") realizaría a finales de los años cuarenta una de las primeras grandes obras del género pugilístico, sirviendo de inspiración para posteriores títulos de mayor reconocimiento comercial. La película estaría basada en un relato de Ring Lardner que escrita por Carl Foreman (primer éxito de este consagrado guionista destacado en la década de los cincuenta por películas de la talla de "Sólo ante el peligro (1952)" o "El puente sobre el río Kwait (1957)") nos relataba la historia de Midge Kelly, un ambicioso y egocéntrico boxeador de descendencia humilde que haría todo lo posible por conseguir a toda costa su ansiado ascenso hacia el mundo del poder y la fama. Ambiciones sin escrúpulos y una visión critica sobre todo lo que se esconde detrás de este bravo deporte sería la carta de presentación de este excelente trabajo de Mark Robson. El film estaría magistralmente protagonizado por el gran Kirk Douglas, su papel del púgil Midge Kelly le supuso la primera de las tres nominaciones obtenidas durante su carrera cinematográfica ("Cautivos del mal (1952)" y "El loco del pelo rojo (1956)" serían las otras dos). Junto a Kirk Douglas se destacarían Arthur Kennedy (actor avalado por James Cagney que le ayudaría a debutar en la gran pantalla con el drama "Ciudad de conquista (1940)") como Conie, el hermano de Midge Kelly o Paul Stewart ("A sangre fría (1967)") como el manager (Tommy Haley) que iniciaría a Kirk Douglas en el mundo del boxeo. Entre sus escenas, destacar la pelea de Midge Kelly con un grupo de matones después de que éste ganase un combate amañado por unos mafiosos. Como curiosidad, Mark Robson volvería a tocar la temática del boxeo con "Más dura será la caída (1956)", título recordado por ser la última vez que veríamos en la gran pantalla a uno de los grandes del celuloide: Humphrey Bogart.
Frase para recordar: "Sólo hay dos clases de personas en el mundo: las pequeñas y las grandes. Y muy pocas veces se tiene ocasión de decidir por si mismo a cuál de las dos perteneces".

Título original: Champion.

Director: Mark Robson.

Intérpretes: Kirk Douglas, Arthur Kennedy, Marilyn Maxwell, Paul Stewart.

Fragmento del film: http://www.youtube.com/watch?v=eDF3lPt42WE&feature=related

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Kirk_Douglas
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-31507/

LEAVING LAS VEGAS (1995)

2011-11-23T07:05:00.000-08:00

Ben Sanderson, un guionista deprimido tras su progresiva decadencia familiar y profesional viaja a Las Vegas con el único propósito de beber hasta morir, durante su viaje hacia el desolador abismo etílico conocerá a una prostituta (Sera) con la que mantendrá una sincera y entrañable relación. De esta manera transcurriría esta pesimista y cruda historia de amor (alejada del fácil sentimentalismo edulcorado) de dos almas marginales de la sociedad donde tendría cabida en el film temas tan controvertidos como la soledad, el alcoholismo y la prostitución. El encargado de llevar a cabo este trabajo tanto en la dirección, composición musical (acompañados de algunos temas cantados por Sting) y confeccionamiento del guión (sobre la novela autobiográfica del guionista John O´Brien ) sería el británico Mike Figgis, cineasta bastante irregular que hizo de éste título su film más reconocido (y para muchos sobrevalorado) hasta el momento dentro de su carrera profesional. Un Nicolas Cage (alejado de sus ridículas pelucas cinematográficas) poniéndose en la piel del autodestructivo Ben Sanderson y una atractiva Elizabeth Shue ("Desmontando a Harry (1997)") como la prostituta Sera reprensentarían a la pareja protagonista del film, ambos serían nominados por sus respectivas actuaciones siendo el primero el que lograra la estatuilla como mejor actor. Completaría el reparto un Julian Sand ("Los gritos del silencio (1984)") como el chulo de Elizabeth Shue. Entre las escenas que hago mención, ver a un pasado de vueltas Nicolas Cage bebiendo en el fondo de una piscina o la incomoda secuencia de agresión y sodomización de Sera por tres niñatos mientras es grabada con una cámara de vídeo. Como curiosidad, John O´Brien, guionista en que se basa el personaje de Nicolas Cage se suicidaría poco antes de terminarse la obra.

Frase para recordar: No sé si empecé a beber porque mi mujer me dejó o si mi mujer me dejó porque empecé a beber".

Director: Mike Figgis.

Intérpretes: Nicolas Cage, Elizabeth Shue, Julian Sands, Valeria Golino.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=UMlYWZgCIgo
B.S.O: http://www.youtube.com/watch?v=IJNGDTAZoxY

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Elisabeth_Shue

EL SOSPECHOSO (1944)

2011-11-19T03:03:00.000-08:00

Con una estructura fílmica que nos puede hacer recordar a una obra del maestro Alfred Hitchcock, el aleman Robert Siodmak ("Forajidos (1946)") llevaría a cabo este modesto pero sobresaliente film de suspense con guión escrito por el neoyorquino Bertram Millhauser (guionista especialmente vinculado a las adaptaciones cinematográficas del personaje de Sherlock Holmes; "Sherlock Holmes en Washington (1943)" y Sherlock Holmes y La mujer araña (1944)" serían dos de sus títulos basados en las hazañas de este famoso detective creado por Arthur Conan Doyle). La historia nos situaría en el Londres de los inicios del siglo XX para describir la vida de Philip Marshall, un respetado ejecutivo de una empresa de tabaco e infelizmente casado que vuelve a ilusionarse gracias a la joven y atractiva Mary Gray (personaje interpretado por Ella Raines, actriz descubierta por Howard Hawks), todo sería perfecto si no fuera por el obstáculo de su malhumorada y amenazante esposa (buen trabajo de Rosalind Ivan, vista también como secundaria en películas como "Perversidad (1945)" o "Belinda (1948)") que al negarle el divorcio le llevará a cometer una drástica y contundente decisión. Sin duda uno de los elementos fundamentales en el salto de calidad de esta pequeña joya cinematográfica es la magna interpretación de Charles Laughton (ampliamente recordado por participar en películas de la talla de "Motin a bordo (1935)" o "Testigo de cargo (1957)" o ser el responsable de dirigir uno de los considerados clásicos de la historia del séptimo arte: "La noche del cazador (1955)"), donde el actor se come literalmente la pantalla con su personaje de Philip Marshall, un tipo de gran corazón convertido en un asesino desbordado por las circunstancias. Entre sus escenas destacables, ver a un nervioso Charles Laughton ocultando un cadáver ante la inesperada visita de su esposa junto a unos familiares y amigos. Como curiosidad, ese mismo año Ella Raines repetiría con Robert Siodmak en la también intrigante "La dama desconocida (1944)".

Frase para recordar: "Lo que digo es que todavía nos queda por delante unos cuantos años porque no los vivimos felizmente lejos el uno del otro".

Título original: The suspect.

Director: Robert Siodmak.

Intérpretes: Charles Laughton, Ella Raines, Molly Lamont, Henry Daniell.
Fragmento del film: http://www.youtube.com/watch?v=GzOJXH8CMBI&feature=related

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Siodmak

BELLE DE JOUR (1967)

2011-11-16T07:11:00.000-08:00

Luis Buñuel volvería a Francia después de dirigir su última película en tierras mexicanas ("Simón del desierto (1965)") para rodar está polémica cinta inspirada en la novela de Joseph Kessel donde prostitución, sadomasoquismo y voyeourismo serían algunos de los temas que trataría durante el transcurso de la obra. En ella nos hablaba de los traumas sexuales de Sévérine, una acomodada burguesa casada con un reconocido cirujano, con el cuál no mantiene relaciones intimas, que le llevaran a tener una doble vida alternando su rutinaria convivencia con su "perfecto" marido con un trabajo de prostituta en una prestigiosa casa de citas. En dicha obra no faltarían las críticas a las altas esferas de la burocracia con ese toque surrealista tan característico dentro de la filmografía de este importante cineasta. Sueños y realidad se combinarían para describir las complejas emociones y la doble moralidad de Sévérene, un personaje realizado de manera convincente por una atractiva y fría Catherine Denueve ("Tristana (1970)"), con dicho trabajo sería nominada a los premios Bafta, en un año ganado por Katherine Hepburn gracias a "Adivina quién viene a cenar (1967)". Cabe destacar la intervención del francés Michel Piccoli ("Topaz (1969)") llevando a cabo el papel del cínico Henri Husson, personaje que incitaría a la protagonista a la visita del reputado burdel y la breve presencia del español Francisco Rabal ("Los santos inocentes (1984)") representando a un delincuente murciano. Entre sus escenas más relevantes, el momento de los latigazos y violación por dos cocheros a Sévérine ante la atenta mirada de su marido o esa galería de peculiares clientes que solicitan la compañía de Sévérine (entre ellos un médico con afición a disfrazarse de mayordomo dispuesto a ser humillado y castigado o un duque con extraños gustos a fantasías mortuorias). Como curiosidad, Luis Buñuel realizaría un cameo en el film con su breve aparición en una terraza de un restaurante tomando un café.

Frase para recordar: "Semen retentum venenum est".

Director: Luis Buñuel.

Intérpretes: Catherine Denueve,Geneviéve Page, Michel Piccoli, Francisco Rabal.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=FJXLCYZMGQ8

B.S.O.: http://www.youtube.com/watch?v=J-ylqTSSDcs

Información complementaria:

http://es.wikipedia.org/wiki/Catherine_Deneuve
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-5534/

LA NOCHE DE LOS GIGANTES (1969)

2011-11-12T02:37:00.000-08:00

Un explorador del ejercito retirado defenderá a una mujer blanca y a su hijo mestizo del atosigamiento de un peligroso y criminal indio llamado "Salvaje", este sería en groso modo el argumento de esta interesante película con guión de Alvin Sargent ("Gente corriente (1980)") y dirigida por Robert Mulligan ("Verano del 42 (1971)"). La obra reflejaría un western lleno de tensión, cierta dosis de critica racista y porque no decirlo, tintes del género de asesinos en serie (el villano en cuestión aniquila a todo ser viviente que se le cruza por el camino) que a pesar de contar con un sencillo guión, Robert Mulligan presentaría un planteamiento narrativo lo suficientemente atractivo para engancharnos a la pantalla durante toda la proyección. El papel principal recaería en Gregory Peck realizando el rol de Sam Varner, uno de esos personajes tan característicos dentro de la filmografía de este gran actor donde la corrección moral y la bondad eran sus principales virtudes cinematográficas. En el cuadro femenino estaría Eva Marie Saint, actriz cuya etapa de mayor esplendor estaría en la década de los cincuenta con obras como "Con la muerte en los talones (1959)" y "La ley del silencio (1954)" donde conseguiría su único óscar hasta el momento, hace pocos años la vimos ejerciendo de madre adoptiva de Superman (Martha Kent) en la descafeinada "Superman returns (2006)". La obra contaría con una pegadiza banda sonora a cargo de Fred Karlin, compositor especialmente vinculado al mundo de la televisión y una potente fotografía realizada por Charles Lang (participe en otras obras del cine del Oeste como "Los siete magníficos (1960)" y "La conquista del Oeste (1962)"). Como curiosidad esta sería el único western que dirigiría Robert Mulligan durante su carrera profesional, del mismo modo esta sería la segunda y última película que contaba con Gregory Peck en el plantel de actores, anteriormente se habían unido para la creación de una de las obras maestras de la historia del cine: "Matar a un ruiseñor (1962)".

Frase para recordar: "Nunca había visto nada tan horrible".

Título original: The stalking moon.

Director: Robert Mulligan.

Intérpretes: Gregory Peck, Eva Marie Saint, Robert Forster, Russell Thorson.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=DVK2KUORp0A
B.S.O.:(http://www.youtube.com/watch?v=2g8Yjpn9HYA&feature=related)

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Eva_Marie_Saint

EL GOLPE (1973)

2011-11-09T07:14:00.000-08:00

Pasando del salvaje Oeste con "Dos hombres y un destino (1969)" a los peligrosos años treinta con "El golpe", el director George Roy Hill se consagraría en el mundo del cine con estas dos obras fundamentales dentro de la historia del séptimo arte, siendo ambas protagonizadas por dos estrellas ilustres del celuloide: Paul Newman y Robert Redford. En esta ocasión me centró en la última de las mencionadas, "El golpe", cuyo argumento con guión de David S. Ward ("Algo para recordar (1993)") e inspirándose en la vida real de dos estafadores de Chicago describiría el laborioso plan de los timadores, Johnny Hooker y Henry Gondorff, para vengar la muerte de un gran amigo a cargo del peligroso mafioso Doyle Lonnegan (papel representado por el británico Robert Shaw, también recordado por su personaje de Sam Quint, el cazador de tiburones de la mítica "Tiburón (1975)"). Entre sus escenas memorables, la tensa partida de poker entre Paul Newman y Robert Shaw o ese inesperado (también para algunos tramposo) final en la casa de apuestas de carreras de caballos. A parte de la magistral química interpretativa de Paul Newman y Robert Redford, en esta película nos viene a la cabeza la famosa banda sonora de Marvin Hamlisch (compositor que tiene el logro, junto al cineasta Billy Wilder, de ganar 3 oscar en un mismo año) adaptando temas del pianista y también compositor Scott Joplin (http://www.youtube.com/watch?v=e7BauKh3yUM). Habría también que mencionar la destacada fotografía de Robert Surtees ("El graduado (1967)") y el excelente vestuario creado por la diseñadora estadounidense Edith Heade ("Los diez mandamientos (1956)"), esta última ganadora de unos de los siete oscar que conseguiría el film en aquella época. Diez años después del estreno de esta extraordinaria obra, el realizador Jeremy Kagan, dirigiría su secuela, "El golpe II (1983)"), una nefasta continuación que no se salvaría de la quema ni el reparto de secundarios compuestos por los gloriosos Karl Malden y Oliver Reed. Como curiosidad, se barajaron los nombres de Richard Boone ("El álamo (1960)") y Stephen Boyd ("Ben-Hur (1959)") para el personaje de Doyle Lonnegan del mismo modo se le ofrecería el papel de Johnny Hooker a Jack Nicholson.
Frase para recordar: "Duke, si ese golpe nos falla los federales serán los que menos nos preocuparán".

Título original: The sting.

Director: George Roy Hill.

Intérpretes: Robert Redford, Paul Newman, Robert Shaw, Ray Walston.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=UqVgV_8MkSQ

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Shaw
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-33353/

PLANETA PROHIBIDO (1956)

2011-11-05T01:53:00.000-07:00

Tras dirigir las aventuras del perro más célebre de la historia del cine como fue Lassie en los títulos "Lassie, la cadena invisible (1943)" y "El coraje de Lassie (1946)", Fred M. Wilcox cambiaría de tercio para realizar este clásico esencial de la ciencia ficción y principal fuente de inspiración para realizadores de la talla de George Lucas o Gene Roddenberry (progenitor de la saga televisiva "Star Trek"). Con un guión de Cyril Hume ("Tarzán de los monos (1932)") e inspirándose en la obra de William Shakespeare, "La tempestad", el film nos hablaba de las vivencias de una expedición de astronautas en el lejano planeta de Altair, un lugar hospedado por un filólogo llamado Dr. Morbius, su hija y un carismático y servicial robot llamado "Robby" (primera aparición de este simpático androide posteriormente visto en otras películas ("El niño invisible (1957)") y series televisivas ("En los límites de la realidad") del género fantástico). Resulta llamativo ver a un joven y debutante Leslie Nielsen en el papel del comandante J. Adams, actor más conocido por su faceta de cómico en películas de humor absurdo tipo "Agarralo como puedas (1988)" y que aquí le veríamos en una interpretación alejada de ese rol chistoso. Le acompañarían el canadiense Walter Pigdeon ("¡Qué verde era mi valle (1941)" en la figura del científico loco y la atractiva Anne Francis ("Funny girl (1968)") en la piel de la sensual Altaira Morbius, siendo ésta la única presencia femenina de un reparto netamente masculino. El gran presupuesto invertido por la productora Metro-Goldwyn-Mayer haría de sus efectos especiales uno de los grandes pilares del film que a pesar de lo que mal que los han tratado los años, éstos competirían en su momento con la magna "Los diez mandamientos (1956)" en la lucha del preciado óscar. Como curiosidad, esta sería la primera película que veríamos en la gran pantalla a una actriz con una minifalda, todo un escándalo para el público más puritano de la época siendo motivo de censura en muchos países donde se estrenó.

Frase para recordar: "Qué ironía. Que un simple intelectual que no tiene más ambición que poder gozar de un modesto aislamiento se vea lejos de un cielo claro sitiado por un ejercito de seres humanos".

Título original: Forbidden Planet.

Director: Fred M. Wilcox.

Intérpretes: Leslie Nielsen, Walter Pigdeon, Anne Francis, Jack Kelly.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=8y4crGU7dkg

Información complementaria:
http://es.wikipedia.org/wiki/Walter_Pidgeon
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-6703/