Se lancer dans le dessin cartoon peut paraître intimidant au début, mais crois-moi, c’est beaucoup plus simple qu’on ne le pense. Avec un peu de pratique et les bonnes bases, tu pourras rapidement créer des personnages drôles, expressifs et uniques. Dans cet article, je vais te guider pas à pas pour apprendre les techniques essentielles et développer ton propre style cartoon.

Pourquoi choisir le style cartoon ?

Le dessin cartoon offre une incroyable liberté d’expression et une chance unique de laisser libre cours à ton imagination. Ce style permet d’exagérer les formes, les expressions et les proportions pour créer des personnages qui attirent immédiatement l’attention. Le cartoon est idéal pour s’exprimer de manière ludique et spontanée. De plus, ce style est très polyvalent : il s’adapte à l’illustration, à l’animation, le gaming, etc…

Alors, prêt à te lancer dans cet univers fun et déjanté ?

Le matériel nécessaire

Il n’y a pas de bon ou de mauvais matériel pour commencer à dessiner. Une simple feuille et un stylo bille suffisent. Tu peux aussi apprendre avec une tablette. Le mieux est de diversifier. Les crayons, les marqueurs, les stylos billes ou la tablette graphique, peu importe le medium que tu choisiras. Si tu es débutant, commence avec ce que tu as sous la main. Le plus important, c’est de pratiquer !

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Les bases du dessin cartoon

Simplification des formes

La première étape pour maîtriser le style cartoon, c’est d’apprendre à simplifier. Observe n’importe quel personnage cartoon : il est souvent basé sur des formes simples comme des cercles, des carrés ou des triangles. Par exemple :

• Une tête peut être un cercle ou un ovale.
• Un corps peut être un rectangle ou une goutte.
• Les bras et les jambes sont souvent des cylindres.
• Pour les mains dessine des formes carrées ou ovales.

Tu as sûrement déjà dessiné ce petit bonhomme avec un rond pour la tête et des bâtons pour le reste du corps. C’est déjà un bon début. De ce simple personnage tu peux déjà apprendre bcp. Trace le rond pour la tête, et les petits bâtonnets pour le reste du corps. Un peu comme le squelette humain. Puis ajoute simplement ces formes simples. Tu pourras ensuite passer aux détails, avec deux axes dans le rond pour délimiter les yeux, le nez et la bouche. 

Tu peux aussi prendre un objet du quotidien, comme un bouquin par exemple, et décompose-le en formes simples. Tu verras, tout deviendra plus clair !

Exagération

L’exagération est au cœur du style cartoon. Que ce soit les expressions faciales ou les proportions du corps, tout peut être amplifié pour créer de l’impact visuel. Par exemple :

• Des yeux très grands pour montrer la surprise ou la peur.
• Un corps minuscule avec une grosse tête pour un effet comique.

Joue avec les proportions et n’hésite pas à aller à l’extrême !

Les expressions faciales

Les expressions faciales sont essentielles pour donner vie à tes personnages. Voici quelques astuces :

• Étire ou rétrécis la tête pour accentuer une émotion.
• Ajoute des angles pointus pour montrer la colère ou la tension.
• Change la taille des yeux, des sourcils et de la bouche selon l’émotion souhaitée.

Les étapes pour créer un dessin cartoon

Voici une méthode simple en trois étapes pour réaliser un dessin cartoon :

1. Esquisse rapide

Commence par tracer les formes de base. Par exemple, pour un personnage, dessine un cercle pour la tête, un ovale pour le torse et des cylindres pour les bras et les jambes.  L’idée est de poser la structure sans te soucier des détails.

2. Détails

Une fois l’esquisse terminée, passe aux détails. Accentue les traits pour donner plus d’expression à ton personnage.

3. Ombrages

Tu peux ensuite ajouter des ombres simples pour renforcer l’effet cartoon de ton dessin.

S’inspirer sans copier

L’inspiration est essentielle, mais attention à ne pas tomber dans la copie. Analyse les œuvres d’artistes que tu admires pour comprendre comment ils construisent leurs personnages. Ensuite, adapte ces éléments à ton propre style.

Pour t’aider à étudier un bon exercice consiste à créer un moodboard. C’est un tableau où tu réunis des tas d’images, de personnages ou de designs qui t’inspirent. Cela te permettra de développer une banque d’idées pour tes futures créations. Ce tableau, tu peux le créer sur ton ordinateur ou ta tablette.

Développer ton propre style

Après avoir exploré les bases et pris de l’inspiration, il est temps de te concentrer sur ton propre style.

Le style cartoon offre une grande liberté, mais il est important de trouver ta propre “signature” artistique. Voici comment faire :

• Expérimente : Teste différentes techniques, formes et proportions.
• Dessine tous les jours : Même quelques minutes suffisent pour progresser. Consacre un carnet de croquis à tes essais cartoon.

Exercices pratiques pour progresser

Voici quelques exercices simples pour t’entraîner :

• Redessiner des objets du quotidien : Prends des objets simples comme une tasse, ou un bouquin, et transforme-les en version cartoon. Ajoute-leur des expressions ou des bras pour les rendre vivants. Je t’invite à visionner mon petit tutoriel ici.
• Inventer des personnages animaux : Choisis un animal, simplifie ses formes et exagère certains traits (comme des grandes oreilles pour un lapin ou un museau énorme pour un chien).

Combiner des objets : Fusionne deux objets improbables en un seul design cartoon. Par exemple avec une tasse et un chapeau.

Les erreurs à éviter

Quand on commence, il est facile de tomber dans certains pièges. Voici les erreurs à éviter :

• Chercher la perfection : Le cartoon, c’est avant tout l’improvisation. Accepte tes erreurs, elles font partie de l’apprentissage.
• Copier sans comprendre : Si tu reproduis un dessin, prends le temps de comprendre comment il est construit.
• Négliger les bases : Même en cartoon, les notions de proportions, de perspective et d’anatomie sont importantes.

Conclusion

Débuter dans le dessin cartoon, c’est avant tout s’amuser et laisser libre cours à son imagination. Avec un peu de pratique et une bonne dose de curiosité, tu verras rapidement des progrès. Alors, prends ton crayon ou ta tablette et commence à créer des personnages uniques !

Des couleurs extravagantes, mais des valeurs maîtrisées

Regarde attentivement le portrait aux teintes vertes, roses et jaunes. Ces choix de couleurs sont tout sauf réalistes, mais la profondeur du dessin fonctionne grâce à une distribution habile des valeurs. Les zones d’ombre, comme sous la mâchoire et autour des yeux, sont suffisamment sombres pour ancrer le visage, tandis que les zones lumineuses attirent l’attention sur les volumes principaux. Cette gestion des contrastes donne de la cohérence à l’ensemble, même avec des teintes peu conventionnelles.

Cela prouve que ce n’est pas la couleur en elle-même qui définit le réalisme ou la crédibilité d’un portrait, mais bien les tonalités qui respectent la logique de la lumière et des ombres.

L’importance des valeurs dans le portrait : la clé d’un rendu harmonieux avec des couleurs audacieuses

Quand on aborde le portrait, on pourrait croire que les couleurs choisies dominent le résultat final. Pourtant, ce qui donne à un portrait sa force et sa structure, ce ne sont pas les couleurs en elles-mêmes, mais les valeurs. Les valeurs, autrement dit les nuances de clair et de foncé, jouent un rôle essentiel dans la compréhension des formes et des volumes d’un sujet. À travers ces quatre portraits, explorons comment une utilisation judicieuse des valeurs peut transformer une palette de couleurs éclatantes en un résultat créatif et équilibré.

Des couleurs extravagantes, mais des valeurs maîtrisées

Regarde attentivement le portrait aux teintes vertes, roses et jaunes. Ces choix de couleurs sont tout sauf réalistes, mais la profondeur du dessin fonctionne grâce à une distribution habile des valeurs. Les zones d’ombre, comme sous la mâchoire et autour des yeux, sont suffisamment sombres pour ancrer le visage, tandis que les zones lumineuses attirent l’attention sur les volumes principaux. Cette gestion des contrastes donne de la cohérence à l’ensemble, même avec des teintes peu conventionnelles.

Cela prouve que ce n’est pas la couleur en elle-même qui définit le réalisme ou la crédibilité d’un portrait, mais bien les tonalités qui respectent la logique de la lumière et des ombres.

La valeur avant la couleur

Dans le deuxième portrait, réalisé avec des teintes plus naturelles (ocres et bleus), les valeurs sont tout aussi essentielles. Bien qu’ici les couleurs soient plus classiques, c’est la gradation des ombres et des lumières qui permet de créer un visage sculptural. Note aussi que même des teintes claires, comme le beige ou le bleu ciel, deviennent expressives lorsqu’elles respectent les jeux de lumière et d’ombre.

Si l’on compare cela au croquis noir et blanc à droite, on réalise que les valeurs suffisent à elles seules pour transmettre toute la structure et la profondeur d’un portrait.

Créer un portrait avec une intention créative

Ces exemples montrent qu’une fois que tu maîtrises les valeurs, tu peux t’amuser avec les couleurs. Des verts éclatants ou des violets intenses ne cassent pas l’équilibre du portrait si les contrastes entre les zones claires et foncées sont bien posés. Pour te guider :

1. Analyse les volumes : Identifie les zones qui doivent être plus lumineuses (saisies par la lumière) et celles qui nécessitent des ombres pour renforcer la profondeur.
2. Simplifie d’abord en noir et blanc : Si tu veux tester tes valeurs, commence par faire un dessin monochrome. Assure-toi que les zones de lumière et d’ombre sont cohérentes avant d’ajouter des couleurs.
3. Ajoute les couleurs en respectant les valeurs : Peu importe si tu utilises des couleurs “extravagantes”, elles doivent simplement correspondre aux valeurs définies dans ton croquis.

Conclusion : ton outil secret pour des portraits impactants

Finalement, les valeurs sont la base invisible qui structure ton dessin. Même les palettes de couleurs les plus audacieuses peuvent donner des résultats saisissants si elles s’appuient sur une bonne maîtrise des tonalités. Alors, n’aie pas peur d’expérimenter avec des couleurs vives et créatives, mais n’oublie pas : commence toujours par construire des valeurs solides pour garantir un portrait qui capte le regard et suscite l’émotion.

Tu veux tester cette approche ? Prends tes feutres, tes crayons ou ton fusain et amuse-toi à créer un portrait aux couleurs folles, en veillant à respecter les valeurs. Tu seras surpris de voir à quel point cela marche !

1. Le Début de la Collaboration

Thibaut Meurisse est l’auteur de nombreux livres de développement personnel. Dès le départ, il m’avait demandé un style de dessin minimaliste, en noir et blanc, avec un graphisme épuré. L’objectif était de renforcer les idées qu’il avait mises sur papier, sans détourner l’attention avec des détails inutiles ou un résultat trop complexe. Tout l’inverse de créer des œuvres que l’on pourrait exposer au Louvre. Il fallait accompagner visuellement les concepts.

Le livre compte 25 chapitres, et la question que nous devions résoudre au début était : fallait-il illustrer chaque chapitre avec un dessin ou privilégier les citations à l’intérieur de ces sections ?
J’ai proposé à Thibaut de travailler sur les deux options pour lui permettre de choisir ce qui lui plaisait le plus. Eh oui, cela m’a demandé deux fois plus de travail, mais je voulais être certain que le commanditaire soit pleinement satisfait !

2. Un Processus Itératif et Collaboratif

Pendant deux mois, nous avons travaillé sur ce projet avec une cadence intense, mais le processus de création restait plaisant. Initialement, 25 illustrations étaient commandées, mais pour garantir à Thibaut une vraie liberté de choix, j’en ai créé plus de 100.

Comment cela se passait au quotidien ?Chaque matin, je prenais un moment pour lister deux ou trois thèmes à explorer. Tout au long de la journée, carnet en poche, je réalisais plusieurs croquis pour chaque thème, avec trois approches différentes :

• Une version littérale,
• Une version humoristique ou décalée,
• Une version plus abstraite.

En utilisant cette méthode, j’ai progressivement mieux cerné ce qui plaisait à l’auteur.

Pour les échanges et retours, nous utilisions un Google Doc partagé, où chaque illustration était suivie d’un code couleur :

• Orange : illustration en attente de retours,
• Rouge : illustration à refaire,
• Vert : illustration validée,
• Bleu : illustration en réflexion.

Lorsque Thibaut avait des remarques ou des suggestions, il les notait directement dans une colonne dédiée. Dans certains cas, il avait une idée très précise de ce qu’il souhaitait, ce qui simplifiait mon travail : il ne me restait qu’à concrétiser sa vision. Une fois une illustration prête, je la plaçais dans un dossier partagé sur Google Drive pour approbation.

3. Le Quotidien de l’Illustration

Trouver des idées pour illustrer des concepts n’est pas toujours simple, mais je pouvais m’appuyer sur mes connaissances accumulées au fil des années, notamment grâce à mon mémoire de master consacré à la métaphore visuelle.

Pour générer des idées, je prenais le temps de marcher, de faire des croquis pendant mes pauses à la gym, ou encore de feuilletter des livres à la bibliothèque. À ces moments-là, avoir un morceau de papier pour noter ou dessiner une idée était crucial.

Quand l’inspiration se faisait attendre, je me tournais vers des portfolios d’artistes sur Instagram ou Behance pour étudier le travail de surréalistes et d’illustrateurs spécialisés dans les métaphores visuelles.

Dans certains cas rares, lorsque je ne trouvais aucune référence adéquate, je demandais à ChatGPT de m’aider à générer une scène ou une idée. Bien sûr, chaque image générée était systématiquement adaptée et réinterprétée dans mon propre style pour s’intégrer au projet minimaliste.

4. Les Défis et Réussites

Même si ce travail a été passionnant, les défis n’ont pas manqué. Certains dessins étaient jugés trop décalés ou complexes par Thibaut. Par exemple, une illustration représentant un barbecue en forme d’horloge (avec des brochettes servant d’aiguilles) pour symboliser la gestion du temps n’a pas été retenue, ce qui m’a un peu frustré.

Je voyais cela comme une partie de bataille navale : je ne savais jamais si mon dessin allait “toucher la cible”.

Pour surmonter ces moments de frustration, je me disais que ces illustrations pourraient toujours me servir pour un projet personnel futur. Chaque refus devenait une opportunité : “Garde cette idée pour ton livre.” Ce mantra me motivait à chaque étape.

Heureusement, certaines illustrations ont fait mouche dès le premier essai :

• “Walk” : un personnage quittant une zone remplie de gribouillis, symbolisant les conflits et frustrations.
• “Knowing is not knowing” : un livre scellé, dont la clé était en forme de point d’interrogation.

D’autres idées venaient directement de Thibaut, comme le dessin d’un lion se voyant en chat dans le miroir, pour illustrer le décalage dans la perception de soi. Ce genre de suggestions facilitait beaucoup mon travail.

5. Le Résultat Final

Après deux mois de travail, Thibaut a finalement choisi d’intégrer des illustrations issues des deux approches : certaines prévues pour les chapitres, et d’autres dédiées aux citations. Il a donc opté pour une combinaison des deux options initiales, ce qui a enrichi visuellement le livre.

Maintenant que le livre est publié, je suis extrêmement fier d’avoir participé à ce projet. Ce fut une expérience émotionnellement intense, alternant moments de doute et de fous rires à imaginer des concepts. Pour la suite, j’espère continuer à collaborer avec d’autres auteurs, blogueurs et formateurs, afin de rendre visuels les concepts abstraits et les rendre ainsi mémorables et faciles à assimiler.

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