Le dispense a portata di click

The Beatles: The Icons of British Culture

2026-02-16T18:00:00.001+00:00

The Beatles were one of the most successful and influential rock bands of the 20th century. The group was formed by the "Fab Four": John Lennon (rhythm guitar, vocals), Paul McCartney (bass guitar, vocals), George Harrison (lead guitar, vocals), and Ringo Starr (drums, vocals).

From Liverpool to Global Domination

Formed in Liverpool in 1960, they dominated the British and international charts from 1962 to 1970. In the early 1960s, their enormous popularity sparked a global phenomenon known as "Beatlemania." As their music grew in sophistication—led by primary songwriters Lennon and McCartney—the band evolved from pop idols into the embodiment of the 1960s counterculture. They experimented with psychedelia, Indian classical music, and studio techniques that changed the face of the recording industry forever.
A Prolific Legacy

The Beatles wrote over 200 songs (including 186 original compositions released during their active years). Their catalog includes timeless masterpieces such as:

Love Me Do and Please Please Me (The early hits)
Yesterday and Help!
All You Need Is Love (The anthem of the "Summer of Love")
Yellow Submarine and Let It Be

Life After the Breakup

After they disbanded in 1970, each member found significant success as a solo artist:

John Lennon: He became a prominent peace activist and moved to the USA, where he vocally opposed the Vietnam War. His songs Give Peace a Chance and Imagine became universal anthems for anti-war movements. Tragically, he was murdered in New York City on December 8, 1980. He was shot outside his home by Mark David Chapman, to whom Lennon had signed an autograph earlier that same evening.
George Harrison: Often called "the quiet Beatle," he had a successful solo career and was a pioneer in organizing benefit concerts. He died of cancer in Los Angeles on November 29, 2001.
Paul McCartney & Ringo Starr: Both remain active today, continuing to tour and represent the enduring legacy of the band.

Una traccia per l'analisi di una lirica

2026-02-16T08:00:00.001+00:00

Spesso ci avviciniamo alla poesia come se fosse un codice segreto da decifrare, temendo di non essere "abbastanza colti" per comprenderne il significato profondo. Ma la verità è che la poesia non è un enigma chiuso: è un meccanismo di precisione che può essere compreso perfettamente se si possiede la giusta chiave di lettura.

Utilizzare una linea guida strutturata permette di dividere il lavoro in step chiari — dall'analisi metrica alle figure retoriche, fino al commento tematico — aiutandoti a organizzare il pensiero in modo logico e brillante.

A differenza della prosa, dove il significato fluisce lungo la storia, nella poesia ogni parola, pausa o accento ha un peso specifico che "salta agli occhi" solo se sai dove guardare.

In questo post ti presento una linea guida per analizzare un componimento poetico con ordine, coglierne i meccanismi segreti e trasformare ogni tua analisi in un saggio lucido, profondo e, soprattutto, originale.

(Contestualizzazione)

Annota le indicazioni bibliografiche fondamentali della poesia:

autore,
titolo;
titolo originale, se si tratta di un'opera tradotta;
eventuale traduttore;
casa editrice e data di pubblicazione.

Raccogli le prime osservazioni riguardanti:

la collocazione della poesia: si tratta di una raccolta? Di quale tipo? Le poesie sono state ordinate dall'autore stesso o da un curatore? La raccolta comprende le opere di un solo autore o si tratta di una miscellanea?
la presenza di un'introduzione in prosa, firmata dall'autore o dal curatore della raccolta (potrebbe essere un primo indicatore delle finalità espressive dei componimenti)

Individua le forme metriche adottate dal poeta

verso: numero delle sillabe che lo compongono, posizione degli accenti, figure metriche (sinalefe; dialefe; sineresi; dieresi).
rima, da classificare a seconda della disposizione dei versi (baciata, alternata, incrociata, incatenata, ripetuta, invertita, libera, versi sciolti); enjambement; le strofe (distico, terzina, quartina, sestina, ottava).

Analizza le scelte stilistiche operate dal poeta. In particolare individua:

le figure di suono come allitterazione, assonanza, consonanza, onomatopea, paronomasia,
le figure di parola come anafora, anastrofe, asindeto-polisindeto, climax, duplicazione, ellissi, enumerazione, epifora, figura etimologica, iperbato.

L'analisi delle figure retoriche di parola è un'operazione estremamente importante, che svela i primi tratti della componente polisemica del codice poetico: non ridurre l'analisi ad un semplice riconoscimento di formule, ma sforzati di comprendere perché il poeta ha scelto di usare certi artifici linguistici e non altri per dare forma alla sua creazione artistica.

A livello dei significati, analizza il sottile legame tra piano denotativo e piano connotativo, prendendo in considerazione:

i tropi: analizza, in particolare, le diverse relazioni che esistono tra il significato traslato di un termine e il suo significato originale, in modo da individuare le diverse tipologie di figure di traslato (trasferimento di significato): antonomasia, iperbole, metafora, metonimia, sineddoche, sinestesia.
le figure di pensiero: analizza le modalità attraverso le quali il poeta gioca con i significati delle parole, li mescola, suggerisce originali corrispondenze tra campi semantici diversi. In particolare, l'attenzione deve essere rivolta a riconoscere la presenza di antitesi, allegoria, allusione, apostrofe, chiasmo, ossimoro, esclamazione, personificazione, similitudine.
i nuclei tematici, che una volta riconosciuti ci permetteranno di definire il tema centrale della poesia; si tratta di: riconoscere nel testo le parole chiave; raggruppare insieme le parole chiave che appartengono allo stesso campo semantico; individuare i diversi nuclei tematici presenti all'interno della poesia; riconoscere i rapporti che legano i diversi nuclei tematici (opposizione, parallelismo, ripetizione di uno stesso significato ecc.).

Riformula il testo poetico in un linguaggio più vicino al tuo. Il punto di arrivo deve essere una parafrasi della poesia che riesca comunque a suggerire l'universo espressivo dell'autore. Fai riferimento ai punti 2 e 3 in (Contestualizzazione).
Individua il genere di appartenenza della poesia che hai appena letto. Sottolinea se esistono, a tuo parere, differenze significative rispetto ai caratteri della categoria d'appartenenza.
Infine, riporta le tue osservazioni personali sulla poesia, facendo collegamenti con altri poeti della stessa corrente letteraria dell'autore o con i generi letterari sviluppatesi nello stesso periodo di composizione della poesia.

Scheda di analisi di un testo narrativo

2026-02-08T14:57:00.000+00:00

Analizzare un testo narrativo non è mai un’operazione immediata. A differenza della poesia, dove la struttura e le figure retoriche spesso “saltano agli occhi”, la prosa si muove in modo più fluido e meno visibile: significati, temi e scelte stilistiche sono intrecciati alla storia e ai personaggi, e richiedono attenzione, metodo e allenamento per essere messi a fuoco. Proprio per questo motivo, è importante avvalersi di una guida per orientarsi nella complessità del testo, a scomporlo nei suoi elementi essenziali e a leggerlo in modo più consapevole e profondo.

In questo post presento una scheda per l'analisi di un testo narrativo, da vedere non come una gabbia rigida ma come un metodo per osservare il testo con ordine, coglierne i meccanismi narrativi e trasformare la lettura in uno strumento di comprensione critica.

CONTESTUALIZZAZIONE

Autore: ___________________________________________________

Titolo dell'opera: ____________________________________________

Genere di appartenenza: ______________________________________

Periodo di composizione: _____________________________________

Anno di pubblicazione: _______________________________________

LA STRUTTURA E L'ORDINE DELLA NARRAZIONE

Come incomincia il racconto?

Vengono presentati i personaggi?
Viene presentato il luogo in cui si svolge la vicenda?
Viene presentato il contesto storico della vicenda?
oppure l'inizio è in medias res, cioè collocato in una fase già avanzata della vicenda?

Verifica se è possibile individuare nel testo una struttura narrativa articolata nelle seguenti fasi e indica il contenuto essenziale di ognuna di esse:

Situazione iniziale di equilibrio:

È rappresentata la situazione in cui si trova il protagonista prima che prenda avvio la vicenda?
Vengono introdotti i personaggi principali?
Vengono fornite le coordinate spazio- temporali?

Esordio: in quale modo si mette in moto la vicenda?
Peripezie:

Quali avvenimenti determinano l'evolversi della vicenda?
Quali avventure vengono affrontate dal protagonista?

Spannung: Qual è il momento di massima tensione nella vicenda? È presente una o più Spannung ?

Conclusione: L'esito della vicenda ristabilisce la situazione di equilibrio oppure determina una nuova situazione? È presente un giudizio esplicito del narratore, la "morale della storia"?

Riassumi in cinque righe al massimo la storia raccontata (fabula).

Quale rapporto esiste tra fabula (la successione dei fatti secondo il loro ordine cronologico e logico) e intreccio (la successione dei fatti nell'ordine in cui li presenta l'autore)?

Fabula e intreccio coincidono;
Fabula e intreccio non coincidono:

Per quale motivo l'autore ha alterato l'ordine logico-cronologico degli eventi? (mantenere costante l'attenzione del lettore, suscitare la sua curiosità)?
Sono presenti prolessi o analessi particolarmente significative? (qual è il loro scopo: creare attesa nel lettore per stimolarne la curiosità, chiarire meglio gli avvenimenti illustrandone gli antefatti)?

LE SEQUENZE

Dividi il testo in sequenze in base ai seguenti criteri:

presenza dello stesso o degli stessi personaggi;
collocazione dei fatti nello stesso tempo;
collocazione dei fatti nello stesso spazio;

Se stai analizzando un racconto indica per ognuna se si tratta di:

sequenza narrativa (n. ___________);
sequenza riflessiva (n. ___________);
sequenza descrittiva (n. __________);
sequenza dialogata (n. ___________);

Se stai analizzando un romanzo indica:

in quante parti è suddivisibile la narrazione?
quale tipo di sequenze prevale?

IL TEMPO E LO SPAZIO

La vicenda è collocata nel tempo in modo preciso ed esplicito o imprecisato e implicito
Quale rapporto esiste nel testo tra tempo della storia e tempo della narrazione?

Nel testo prevalgono le scene oppure i sommari?
Nel testo sono presenti ellissi particolarmente significative? Se si, qual è il loro scopo (segnala solo fatti-chiave per la vicenda)?
Sono presenti nel testo pause (parti del testo inserite nella narrazione dei fatti che contengono descrizioni, riflessioni, ecc...)?
Quali effetti, rispetto al ritmo della narrazione, sono prodotti da queste scelte operate dal narratore (es. l'effetto sorpresa e la suspense)?

In quale luogo (nazione, città, paese ecc.) avvengono i fatti narrati?

Lo spazio è rappresentato in modo realistico o fantastico?
È aperto o chiuso?
Lo spazio è caratterizzato con pochi elementi o in modo ampio e dettagliato?
Quale funzione ha nel testo la rappresentazione dello spazio:

creare una particolare atmosfera;
caratterizzare l'ambiente sociale;
sottolineare sentimenti o stati d'animo di un personaggio.

I PERSONAGGI

Chi sono i personaggi della vicenda?
I personaggi sono storicamente esistiti o di fantasia?
Chi è il protagonista (o protagonisti)?
Vi sono personaggi che assumono nel corso della narrazione il ruolo di antagonisti o di aiutanti? Se si, quali sono?
Nel corso della narrazione vi sono personaggi che ricoprono ruoli diversi o cambiano ruolo? Se sì, quali sono e quali diversi ruoii ricoprono?
Per i personaggi più importanti, indica se:

la presentazione è diretta (è il personaggio stesso a fornire informazioni su di sé);
la presentazione è indiretta (la personalità del personaggio emerge dal suo modo d'agire, dalle sue riflessioni).

Indica quali elementi costituiscono la caratterizzazione dei personaggi principali:

caratteristiche fisiche;
caratteristiche sociali ed economiche;
caratteristiche psicologiche;
caratteristiche culturali e ideali.

IL NARRATORE E IL PUNTO DI VISTA

Il narratore è interno (protagonista o soltanto testimone dei fatti narrati parla in prima persona) oppure è esterno (non è coinvolto direttamente nella vicenda, ma la racconta "dall'esterno" in terza persona)?
Quale punto di vista utilizza il narratore?

Focalizzazione interna (il narratore racconta i fatti come li vede uno dei personaggi e conosce della vicenda solo quello che è noto a quel personaggio);
Focalizzazione zero (il narratore è onnisciente e in alcuni casi interrompe la narrazione con commenti e giudizi);
Focalizzazione esterna (il narratore sa meno dei personaggì stessi).

Quali effetti mira ad ottenere sul lettore la scelta del tipo di narratore compiuta dall'autore (conferire alla narrazione un carattere di verità, far immedesimare il lettore nel protagonista, ecc...)?

LE TECNICHE DEL DISCORSO

Quale delle seguenti tecniche del discorso è usata prevalentemente dal narratore?

discorso diretto;
discorso diretto libero;
discorso indiretto;
discorso indiretto libero;
discorso raccontato;
soliloquio;
monologo interiore;
flusso di coscienza.

STILE

Quale registro linguistico è stato adottato? Lo stile è elevato, medio o basso?
Quali sono le caratteristiche della sintassi utilizzata? Prevale la paratassi o l'ipotassi?
Individua le figure retoriche presenti nel testo.

LESSICO

Se nel testo trovi dei termini di cui non conosci il significato, scrivili in una rubrica a parte e, con l'aiuto del dizionario, riporta il suo significato.

TEMI E MESSAGGIO

Analizza il titolo dell'opera e metti in rilievo le tematiche trattate all'interno del testo distinguendo le posizioni dei vari personaggi rispetto ad esse.
Cerca di individuare l'eventuale messaggio dell'opera.
Esprimi le tue rifiessioni e opinioni personali sull'opera.

Il moderno elaboratore e il sistema binario

2026-01-23T13:28:00.000+00:00

Il moderno elaboratore e il sistema binario

L’elaboratore moderno viene definito come un sistema elettronico digitale programmabile:

sistema: costituito da componenti (input, output, memoria, scheda madre, processore, …) che interagiscono in modo organico tra loro;
elettronico digitale: sfrutta componenti elettronici digitali come i transistor;
programmabile: il comportamento del sistema è flessibile e specificato mediante un programma, ossia un insieme sequenziale di istruzioni finite ed univocamente interpretabili codificate in un determinato linguaggio di programmazione.

Le componenti di un elaboratore moderno si dividono in cinque categorie:

dispositivi di input;
dispositivi di output;
memoria;
unità di elaborazione dati (ALU);
unità di controllo.

Le ultime due componenti sono raggruppate in un’unica componente detta processore.

Il processore, realizzato con milioni di piccoli componenti elementari (transistor), è considerato il cuore di un elaboratore elettronico.

All’interno di un processore si riscontrano due tipi di componenti : combinatoria (senza memoria) e sequenziale (con memoria).

La memoria è il luogo dove vengono immagazzinati i programmi di esecuzione e i dati di cui necessitano. Essa può essere semplificata in un grande array unidimensionale di celle in sequenza, ognuna delle quali possiede un indirizzo attraverso il quale si può accedere ad una determinata cella.

La memoria è caratterizzata da diversi parametri:

capacità o dimensione: indica la quantità di dati memorizzabili;
velocità o tempo di accesso: indica l’intervallo di tempo che intercorre tra la richiesta del dato e il momento in cui viene reso disponibile;
consumo: indica la potenza media assorbita.

Idealmente un calcolatore dovrebbe avere una memoria di grande capacità, ad alta velocità, e a basso consumo. Tuttavia, è possibile creare una gerarchia secondo la quale:

le memorie piccole, più veloci (e costose) sono poste ai livelli alti, vicino al processore;
le memorie ampie, più lente (e meno costose) sono poste ai livelli più bassi.

L’obiettivo della gerarchia di memoria è quello di creare l’illusione di avere a disposizione una memoria grande, veloce ed economica.

L’elaboratore moderno codifica e memorizza opportunamente dati ed informazioni attraverso il linguaggio binario (o linguaggio macchina) costituito due soli simboli, 0 e 1.

Mediante il linguaggio binario è possibile rappresentare numeri (interi, col segno, con la virgola), parole, istruzioni e programmi.

A livello elettronico, tali simboli corrispondono a due stati che può assumere un circuito: a 0 è associata la mancanza di corrente (circuito aperto), mentre ad 1 è associato il passaggio di corrente (circuito chiuso).

Ogni cella di memoria è un piccolo circuito elettronico in grado di trovarsi in uno degli stati di funzionamento descritti precedentemente. Il funzionamento delle celle ci consente di suddividere un concetto in due categorie distinte e opposte: si tratta della cosiddetta dicotomia.

Nel momento in cui è necessario immagazzinare delle informazioni, il numero di celle di memorie N_celle impiegato per conservare tali informazioni X è dato dalla seguente relazione:

La quantità minima di informazione che serve a discernere tra due possibili eventi (0 e 1) è detta bit. Il bit, in questo caso binary unit, in una cella di memoria è uguale a 0 o a 1 e il numero minimo di bit per rappresentare l’informazione è data dalla formula seguente:

Il bit può essere anche inteso come binary digit, ossia come cifra binaria che assume uno dei due simboli del sistema numerico binario, chiamati zero (0) e uno (1). Quindi, il bit è definito come l’unità elementare dell’informazione trattata da un calcolatore.

Se considero 8 bit per rappresentare un’informazione, allora parlo di byte (2⁸ = 256 combinazioni rappresentabili).

Nella tabella di seguito sono riportati e multipli e sottomultipli di bit:

Con k bit è possibile rappresentare tutte le sequenze distinte come tutti i numeri 2ⁿ interi compresi fra 0 e 2^n-1 attraverso la relazione

Analisi della novella "Cisti fornaio" (Decameron, VI, 2)

2025-09-12T14:23:00.000+00:00

Contesto generale

La novella di Cisti il fornaio è la seconda della sesta giornata del Decameron di Boccaccio. In questa giornata, tutte le novelle hanno un tema comune: il modo elegante e intelligente (con arte e garbo) con cui i personaggi riescono a rispondere a situazioni difficili, spesso grazie all’arguzia, alla prontezza di spirito o all’uso sapiente delle parole (i cosiddetti “motti”).

La narratrice è Pampinea, una delle sette giovani protagoniste del Decameron, che introduce la novella con una riflessione: a volte la natura e la fortuna premiano persone di umili origini, dotandole di un'anima nobile e virtuosa, proprio come accade a Cisti.

Trama in breve

Cisti è un fornaio fiorentino, quindi un uomo del popolo, ma di grande eleganza, educazione e intelligenza. Egli possiede un ottimo vino bianco, che desidera offrire a Geri Spina, un nobile fiorentino che ogni giorno passa davanti alla sua bottega insieme agli ambasciatori di papa Bonifacio VIII.

Cisti però sa che, essendo solo un fornaio, non può permettersi di offrire il vino direttamente a un nobile. Allora usa l’astuzia: si fa trovare sempre sulla porta della propria bottega con un bicchiere in mano, come per dire: “Guarda che buon vino ho”. Dopo qualche giorno, Geri Spina, incuriosito, chiede spontaneamente di assaggiarlo. Il vino è così buono che Geri ne rimane colpito e decide di continuare a farselo portare da Cisti.

Un giorno, però, Geri manda un servo a prendere il vino, ma il servo porta con sé un fiasco enorme, per poterne bere anche lui. Cisti, che capisce l’inganno, rifiuta di versare il vino nel contenitore e risponde con una frase ironica e sagace (un "motto") per far capire con eleganza il problema; infatti, Cisti si rifiuta di versare il vino pregiato in un cintenitore enorme che potrebbe essere adatto "all'acqua dell'Arno". Quando il servo torna con un fiasco più adatto, Cisti lo riempie volentieri.

Alla fine, Cisti spiega a Geri il suo gesto, chiarendo che il vino era un dono nobile, non da sprecare per un servo scortese. Geri lo apprezza moltissimo e da quel momento nasce un’amicizia tra i due, pur rimanendo ciascuno nel proprio ruolo sociale.

Temi principali

È evidente che questa novella esalta la virtù umana dell'intelligenza. Cisti non ha potere o nobiltà, ma dimostra di avere una grande intelligenza pratica. Con un semplice gesto e un motto arguto, riesce a farsi rispettare senza mai essere maleducato.

Boccaccio, in questo modo, sostiene che l'arguzia allontana le distanze tra i ceti sociali. Anche se Cisti è un fornaio e Geri un nobile, l'intelligenza e la nobiltà d'animo permettono a Cisti di essere riconosciuto e apprezzato come pari, almeno sul piano morale.

In questa novella emerge la nobiltà d'animo del fornaio ed il suo spirito pronto che intuisce l'inganno del servo e lo sventa, confrontandosi da pari. Come in tutta la sesta giornata, il modo di parlare, il tono, la scelta dei gesti e dei motti sono più importanti del rango sociale. Parlare bene significa saper vivere bene.

Tuttavia, nella novella Boccaccio non sovverte l’ordine sociale (Cisti rimane un fornaio) ma mostra che il valore umano non dipende dalla nascita, bensì dal carattere, dall’intelligenza e dalla virtù.

In conclusione, la novella è un perfetto esempio di come la dignità personale, la prontezza di spirito e la finezza nei comportamenti possano far superare le barriere sociali, senza bisogno di ribellione o arroganza.

Boccaccio celebra la virtù personale, che può trovarsi in ogni ceto, e ci invita a guardare oltre le apparenze.

Animal Farm by George Orwell

2025-07-23T09:30:00.001+00:00

Animal Farm, written by George Orwell, is a political fable that tells the story of a group of farm animals who rebel against their cruel human master, hoping to create a society where all animals are equal, free, and happy. Inspired by the dream of the wise old pig Old Major, the animals overthrow the farmer Mr. Jones and take control of the farm, renaming it Animal Farm.

At first, the animals work together to build an egalitarian community based on the principles of Animalism, summarized in the Seven Commandments painted on the barn wall. However, over time, the pigs—led by the cunning and power-hungry Napoleon—begin to seize control. They gradually assume privileges, manipulate language and truth, and use fear and propaganda to maintain power. Eventually, they become indistinguishable from the humans they once overthrew.

This allegory clearly reflects the events of the Russian Revolution of 1917 and the rise of Stalinism. The animals represent different social and political groups, while the pigs symbolize the revolutionary leaders who, after gaining power, become as oppressive as the regime they replaced. The rebellion, which initially stands for workers taking control of their destiny—as occurred in the early days of the Soviet Union—ultimately fails due to the animals' lack of education, critical thinking, and social awareness.

The fable illustrates the cyclical nature of tyranny: revolutions may begin with ideals of equality and justice, but without vigilance, they can easily result in new forms of oppression.

In the supposedly equal society of Animal Farm, all animals work tirelessly for the common good, believing in the revolutionary dream. However, one day, they are shocked by an unexpected and deeply disturbing sight: the pigs are walking on two legs, just like humans. This moment marks the complete betrayal of the revolution’s ideals. All animals, except the sheep, are horrified and on the verge of protesting.

Instead, the pigs parade through the yard in a grotesque parody of military ceremonies, symbolizing how they have fully embraced the authoritarianism and elitism of their former enemies. The message is unmistakable: the revolutionary leaders have become the very tyrants they once opposed.

This transformation is personified in Napoleon, whose name alludes to Napoleon Bonaparte, a revolutionary leader who crowned himself emperor. Orwell uses this reference to show how revolutions often lead to new dictatorships.

The sheep represent the unthinking masses in totalitarian regimes: they mindlessly repeat slogans such as “Four legs good, two legs better!”, a distortion of the original revolutionary motto “Four legs good, two legs bad.” Their blind obedience helps maintain the regime and silence dissent.

In the end, all the ideals of equality are erased. The final version of the Seven Commandments is reduced to a single chilling phrase:

"All animals are equal, but some animals are more equal than others."

This cynical rewording reflects the hypocrisy of totalitarian regimes, where equality exists only in theory, while in practice, power is concentrated in the hands of a privileged few.

Nineteen Eigthy-Four by George Orwell

2025-07-22T08:00:00.001+00:00

THE PLOT

Nineteen Eighty-Four, written by George Orwell, is an anti-utopian, or dystopian, novel that describes a bleak and oppressive society in which human instincts, intelligence, and individual freedom are crushed by a ruthless and all-powerful political regime.

The story depicts a totalitarian power that exerts complete control over individuals through advanced technology and psychological manipulation. At the head of this regime is Big Brother, a symbolic and omnipresent figure who embodies the government's authority. The novel explores the modern individual’s enslavement to mass media, surveillance, and propaganda.

The novel is set in the year 1984, in a world divided into three superstates: Oceania, Eastasia, and Eurasia, which are in a state of perpetual war. Britain, referred to as Airstrip One, is a province of Oceania and is governed by a totalitarian dictatorship led by Big Brother. He is not just the ruler but also a constant presence: his image is everywhere, and his supposed gaze is inescapable.

The regime maintains control through an extensive system of surveillance, using microphones and telescreens to monitor all citizens. Society is strictly divided into two main classes:

Party members, a privileged minority who enforce the regime’s ideology and manipulate facts through institutions such as the Ministry of Truth.

The "proles" (short for proletarians), the vast majority of the population, who live in poverty, largely unmonitored, and are kept passive through distractions and ignorance.

The protagonist, Winston Smith, is a low-ranking Party member who works at the Ministry of Truth, where his job is to falsify historical records to fit the Party's ever-changing narrative. Unlike most of his colleagues, Winston secretly despises the Party and dreams of rebellion.

Driven by a desire to understand reality beyond Party propaganda, Winston begins writing a secret diary—a thoughtcrime punishable by death. He later meets Julia, a young woman who also harbors rebellious thoughts. They begin a secret love affair, which is illegal in a society where sex is permitted only for reproduction and emotional attachments are forbidden.

Winston and Julia rent a room above a second-hand shop in a prole district and begin collecting forbidden items from the past—acts that symbolize their resistance. However, they are eventually betrayed and arrested by the Thought Police.

In the terrifying Ministry of Love, they undergo a brutal process of "rehabilitation"—a combination of psychological manipulation, reprogramming, and physical torture. In the end, both are broken. Winston is stripped of his autonomy, individuality, and even his love for Julia. He is "cured" but spiritually and emotionally annihilated, becoming a loyal shell of a man who ultimately loves Big Brother.

MODERN MYTH: BIG BROTHER

In Nineteen Eighty-Four, George Orwell never provides a concrete description of Big Brother. He is never seen in person, never speaks, and appears only as a stylized image on posters, coins, and telescreens, often accompanied by the chilling slogan:

"BIG BROTHER IS WATCHING YOU."

Big Brother is not necessarily a real individual; rather, he is a symbol of the Party's omnipresence, infallibility, and unquestionable authority. He represents the terrifying extent to which authoritarian regimes can dominate every aspect of life—including thought, memory, and identity.

Today, the term "Big Brother" is commonly used to refer to any invasive surveillance system or authoritarian government that intrudes on individual privacy and freedom.

The origins of the name Big Brother are not definitively known. However, according to author Anthony Burgess (writer of 1985, a response to Orwell’s novel), Orwell may have been inspired by World War II posters that featured a stern-looking man with the slogan “Let me be your big brother,” promoting correspondence courses.

Some literary critics argue that Big Brother resembles Joseph Stalin, due to his facial features and authoritarian rule. Another theory suggests Orwell was referencing Brendan Bracken, the British Minister of Information under whom Orwell worked at the BBC. Bracken was known by the initials “BB,” and some of his staff reportedly called him "Big Brother" informally.

Ironically, in 1999, the name Big Brother was revived for a reality TV show launched in the Netherlands. In the show, contestants live together in a house under constant surveillance by cameras and microphones—a concept inspired directly by Orwell’s vision of an all-seeing regime. The show's international popularity is striking, given that Orwell presented such surveillance as the ultimate form of tyranny.

George Orwell

2025-07-21T08:26:00.000+00:00

George Orwell, the pen name of Eric Arthur Blair, was born in Bengal, India, in 1903 into a family of modest means. Although his family had aristocratic roots, their financial situation was precarious. Thanks to a scholarship, Orwell was able to study in England. At the age of eight, he was sent to a preparatory boarding school, and later he attended Eton College, one of the most prestigious schools in the country.
At Eton, Orwell felt like an outsider, often treated poorly because he was not wealthy. This experience helped shape his lifelong sympathy for the underprivileged and his critical view of social hierarchies.
After finishing his education, Orwell joined the Indian Imperial Police in Burma in 1922. However, disillusioned with British colonialism and troubled by his role in enforcing it, he resigned from his post in 1927, later expressing his rejection of “every form of man’s dominion over man,” a theme explored in his first novel, Burmese Days (1934).
Upon returning to Europe, Orwell broke away from his privileged background and chose to live among the poor in London and Paris. He documented his experiences in the memoir Down and Out in Paris and London (1933), offering a first-hand look at poverty and social injustice.
In 1936, Orwell traveled to Spain to fight in the Spanish Civil War on the side of the Republicans, opposing Franco’s fascist forces. Initially idealistic, he became disillusioned when he saw internal conflicts and propaganda within the left-wing factions. He recounted this disheartening experience in Homage to Catalonia (1938), a personal yet critical account of his time in Spain.
During World War II, Orwell worked for the BBC’s Indian Service, producing cultural and political broadcasts to counter Nazi propaganda. He also became the literary editor of the socialist newspaper Tribune, where he wrote essays and columns on literature, politics, and society.
Orwell gradually grew disenchanted with the oppressive tactics of Soviet-style Communism. In his allegorical novella Animal Farm (1945), he satirized the Russian Revolution and its betrayal by totalitarian leaders, particularly Joseph Stalin.
His most famous work, Nineteen Eighty-Four (1949), is a dystopian novel that portrays a terrifying future in which a totalitarian regime, led by the omnipresent Big Brother, monitors and controls every aspect of people’s lives through constant surveillance, propaganda, and psychological manipulation. The novel explores themes such as censorship, state control, and the loss of individual freedom, highlighting the dangers of authoritarianism and the misuse of technology.
1984 is not only a political warning but also a powerful commentary on the role of mass media in shaping public opinion and suppressing dissent. It remains one of the most influential works of the 20th century.
George Orwell died of tuberculosis in 1950, at the age of 46, but his legacy as a defender of truth and liberty endures.

Virginia Woolf

2025-07-16T10:23:00.001+00:00

Virginia Woolf was born in London in 1882 and received her education at home, primarily through extensive reading in the library of her father, Sir Leslie Stephen, a prominent Victorian literary critic and philosopher. Her early intellectual development was influenced by frequent contact with scholars, critics, and exposure to classical studies, including Greek.

The death of her mother in 1895 marked the beginning of a long struggle with depression and emotional instability, which would continue throughout her life. After the death of her father in 1904, Virginia and her siblings moved to the Bloomsbury area of London, where their home became a meeting place for a group of writers, artists, and intellectuals later known as the Bloomsbury Group. This group was characterized by its rejection of Victorian conventions, its liberal views on art, society, and politics, and its skepticism toward religion.

In her later years, Woolf experienced recurring mental health crises, often marked by anxiety and insecurity. These culminated in her tragic suicide: on 28 March 1941, she drowned herself in the River Ouse near her home in Sussex.

Woolf was deeply engaged with issues surrounding the condition and role of women in society. She supported the women’s suffrage movement and wrote some of her most influential essays on female identity and emancipation, including A Room of One’s Own (1929) and Three Guineas (1938).

Virginia Woolf is regarded as one of the foremost modernist novelists of the 20th century. In works such as Jacob’s Room, Mrs Dalloway, Orlando, To the Lighthouse, and The Waves, she experimented with stream-of-consciousness narration, indirect discourse, and a poetic, impressionistic style. Her approach to time in fiction reflects her modernist sensibility: she often focused on brief, meaningful episodes that are subjectively expanded by the internal thoughts and feelings of her characters. This concept is discussed in her essay Modern Fiction, where she contrasts "clock time" — objective and measurable — with "psychological time", shaped by individual perception.

This idea of subjective time is influenced by the philosophy of Henri Bergson, who distinguished between linear time and durée, or lived time.

Ulysses by J. Joyce

2025-07-15T11:39:00.000+00:00

Ulysses, written by James Joyce, first came out in Paris in 1992 through the efforts of Sylvia Beach, the owner of the famous Shakespeare & Co. Bookshop. However, in England the novel was banned for obscenity until 1936.

Ulysses is one of the greatest examples of reworking of myth Odyssey in modernist literature.

Joyce uses the epic model to stress the lack of heroism, ideals, love and trust in the modern world: the epic structure becomes a a mirror in which the modern wasteland is reflected.

So, Joyce makes a parallelism between Homer's epic hero in the Odyssey and the events in the life of two ordinary people, Leopold Bloom and Sthephen Dedalus, in modern Dublin.

The plot

Ulysses tells the story of a day - June 16, 1904 - in the life of three characters:

Leopold Bloom, a Dubliner of Jewish origin who works as an advertising agent;
Stephen Dedalus, a sensitive young man with literature ambitions who feels frustrated by Irish provincial life;
Molly Bloom, Leopold's wife, who is a sensuous and unfaithful woman.

Ulysses is embodied by Leopold Bloom, a Jewish everyman—shy, perhaps somewhat introverted, and eager for new experiences and human connections. By his side (in the figure of Penelope) is his wife Molly, a sensual and unfaithful opera singer. Bloom’s odyssey unfolds over the course of a single day in Dublin, from eight in the morning until two o’clock at night on June 16, 1904.

He is accompanied by the routine of daily life, each episode represented in the novel’s eighteen chapters, which symbolically correspond to those of Homer’s Odyssey: breakfast, a visit to the newspaper office where he works as an advertising agent, a stroll through the streets, stops at pubs, and even attendance at the funeral of his friend Patrick Dignam, a victim of alcohol. Each of these wanderings transforms into a journey of consciousness; after burying his friend, Bloom, wandering alone through the cemetery avenues, contemplates death.

Alternatively, prompted by the street advertisements, he reviews human desires. During his ramblings, Bloom encounters Stephen Dedalus, a young teacher, aspiring poet, idealist, and restless spirit. Both are unconsciously searching for something: Bloom for the son he has lost, Stephen for a father figure.

They first meet at the newspaper editorial office, then in the library. Finally, when Stephen is attacked while drunk in a rough neighborhood, Leopold—Ulysses—comes to the aid of this found Telemachus and, with an almost paternal affection, offers him shelter.

At Bloom’s home, the two spend the evening conversing until late at night. Molly lies in bed and, between wakefulness and sleep, takes stock of the day and her life. In a long interior monologue, she reflects on her experiences—from childhood to youth; on her relationships with men and her husband, whom she betrays despite loving him; on Stephen, whom she wishes to welcome again after having filled the house with flowers. Molly exhibits an exuberant vitality which, unlike Bloom and Stephen, enables her to embrace life. In the joyful memory of kisses received, she closes the novel.

Novel Structure

The novel is divided into eighteen episodes, each featuring a different narrative style and marked by strong linguistic experimentation. Here is a summary:

Stephen Dedalus (Telemachus). The story begins with Stephen Dedalus, a young teacher and aspiring writer, who contemplates philosophy, religion, and art as he wanders through the city.
Leopold Bloom (Ulysses). The narrative shifts to Leopold Bloom, an Irish Jew working as an advertising agent. Bloom spends the day roaming Dublin, confronting inner thoughts, brief encounters, and the awareness of his wife Molly’s infidelity.
Molly Bloom (Penelope). The novel concludes with Molly Bloom’s famous interior monologue—a stream of consciousness devoid of punctuation—in which she reflects on her relationship with Bloom, on sex, love, and life.

Main Themes in the Novel

Stream of Consciousness: A narrative style that follows characters’ thoughts in real time, often without punctuation or logical sequence.
Alienation and Identity: Bloom is an outsider in his own land, while Dedalus seeks a place in the world.
Sexuality and Desire: The novel was long censored for its content considered obscene.
Modernism: Ulysses stands as one of the masterpieces of literary modernism, breaking away from the conventions of the traditional novel.

The stream of consciousness: Yes I said Yes I will Yes

To convey the life of an individual in a single day, and in absence of a dramatic plot, Joyce uses the "stream of consciousness" in order to show the chaotic flow of thoughts in the human mind. This technique consists of a difficult prose style which does away with syntactical and grammatical connectives and juxtaposes disparate and apparently incongruous images.

A majestical example of this technique is the monologue "Yes I said Yes I will Yes". This monologue belongs to the last episode of the novel, entitled Penelope. The main character Molly lies awake in bed thinking of her past and her present life.

In Molly's famous monologue the stream of consciousness technique is taken to its extreme: external events are not described and there is no third-person narrator to tell us what is happening.

There is no way out of this flux of thoughts, images, memories and fantasies, since at no point does Joyce choose to interrupt it. The technique is used to render from the inside Molly's sleepy sensuality while she is half thinking half dreaming of the day when she was proposed to by Bloom, together with her youth in Gibraltar, other kisses and other men.

Comparison between Ulysses and Odyssey

Ulysses has many similarities with Odyssey: the twenty-four hours of Bloom's day correspond to the twenty-four books of the classical epic, the eighteen episodes presented in the novel correspond to as many incidents in Homer.

Thus, in a variety of ways, the ancient epic is ironically played against the modern.

Here are few examples:

in the first episode Telemachus, Stephen is evicted from his home by his housemates, who laughed him and deprived him of his rights, just as Ulysses' son Telemachus is forced to leave his home, where Penelope's suitors bully him;
in the second episode Nestor, Stephen teaches a history class at a boys' school and gets some good advice from the schoolmaster, Mr Deasy, who is the counterpart of Nestor, the wise Greek king who gives Telemachus suggestions;
in the third episode Hades, Leopold Bloom participates in a funeral at Dublin's cemetery and thinks about the dead people he has known. In the same way, Ulysses descended in Hell to speak with souls of great dead heroes;
in the Circe episode, Bloom and Stephen meet at a brothel, a house of pleasure, owned by Bella Cohen, a grotesque version of the mythical Circe.

However, these novels have different goals and messages. While Odyssey represents man's journey through life, Ulysses stresses limitations and lack of heroism of characters. If Ulysses is exalted by Homer as a man who "has seen many cities of men", Leopold Bloom only knows Dublin and his expectations are limited.

Stephen Dedalus has only a brief unsatisfactory meeting with Bloom and, at the end, they go their separate ways.

Molly Bloom is different from Penelope: she has not slept with her husband since the death of their little son Rudy, and she has been unfaithful to him with her concert manager.

Dubliners by J.Joyce (riferimento a 'Eveline' e 'The dead')

2023-02-24T16:58:00.002+00:00

“Dubliners” is a collection of fifteen short stories written by James Joyce in which the author analyses the failure of self-realisation of inhabitants of Dublin in biographical and in psychological ways.

The novel was originally turned down by publishers because they considered it immoral for its portrait of the Irish city. Joyce treats in “Dubliners” the paralysis of will in four stages: childhood, youth, maturity and public life. The paralysis of will is the courage and self-knowledge that leads ordinary men and women to accept the limitations imposed by the social context they live in.

In “Dubliners” the style is both realistic - to the degree of perfectly recreating characters and idioms of contemporary Dublin - and symbolic – giving the common object unforeseen depth and a new meaning in order to show a new view of reality. Joyce defines this effect “epiphany” which indicates that moment when a simple fact suddenly explodes with meaning and makes a person realise his / her condition.

Let’s focus on two significant stories belonging to “Dubliners”: “Eveline” (youth stage) and “The dead” (public life stage).

Eveline

“Eveline” is the fourth story belonging to the group of short stories which treat youth. The story is set in two different places: in Eveline’s house, where she observes the world and thinks about her past, and the local harbour, where Eveline should leave Dublin with her lover Frank.
Eveline is a girl of nineteen years who spent a miserable and sad childhood in a Dublin neighbourhood.
The death of her mother caused by madness forces Eveline to take on responsibility for the management of house and family.
The death of her beloved brother Ernest, the departure of her brother Harry and the lack of love of her father, poverty and frustrating job are painful experiences that mark Eveline and preclude her from final redemption, leading her to passive and alienated life conditions.
In front of the perspective of escaping with her beloved Frank, a good and generous sailor, and the project of a more fulfilling life, Eveline is unable to choose and does not know how to exit from family prison, which crushes her like dust.
In fact, Eveline is surrounded by dusty and incinerated things: house objects, old photos, the background, so that through the smell of cretonne, dust penetrates her hearth, crushing it.
Eveline is attempting to go to Buenos Aires with Frank where they could create a new life and Eveline could be treated as a respectable woman, but she is afraid of leaving her violent and miserable father, who represents a safe shelter and food against the uncertain will.
Like dusty and incinerated house objects, Eveline is dead inside: she can not love and live. So, she will not leave Dublin and she will still see her lover go away by boat.
In this vision, the oppressive dusty layer becomes a metaphor of the human condition in the 1900s in which men represent the ineptitude of will and the inertia to life’s definitive choices.

The dead

“The dead” is the last story belonging to the public life section of “Dubliners”.
Joyce treats the culmination of the moral crisis of Gabriel Conroy, a teacher and a writer.
It snows in Dublin and Gabriel and his wife Gretta are invited to an annual ball organised by his aunts Jane and Kate Morkan and his cousin Mary Jane.
During tha party, Gabriel knows different guests: from Mrs Ivors, who has a bigoted nationalism, to Mr Browne and Freddie Malins, who are cheerful.
Gabriel must speak about his rhetorical speech to other guests, in which he emphasises the hospitable character of Irish people and the past.
At the end of the party, Gabriel and Gretta come back to their hotel.
Gabriel has been drinking and physically desires his wife; he fantasises about how best to approach her when, suddenly, Gretta comes up to him and kisses him.
But Gabriel notices that Gretta is lost in her thoughts and asks her why she is sad. She explains the reason for her sadness: during the party, she has heard a song that has reminded her of her first lover, Michael Furey, she met in Galway before arriving in Dublin.
Michael was so in love with her that he defied his own illness, standing in the rain to meet her, just before she left. So, he died because of tuberculosis.
The sense of anger of Gabriel about Gretta’s lover soon turns into a sense of defeat and sadness, which reveals the fall of his moral values, the sense of mediocrity and the failure of himself.
Gabriel thinks he has full possession of his wife’s affections and knows her completely. But when he is aware of the object of her wife’s thoughts he is shocked and terrified. His self-confidence is broken down and feels a mixed anger of jealousy because of his wife’s first lover.
However, he feels respect and humiliation because the young Michael Furey really loved Gretta and he would have done everything for love (also to die).
The song heard by Gretta represents the “epiphany” that reveals how Gabriel does not fully know his wife’s affections and the fact that Gretta makes her memory the centre of her existence and her marriage with Gabriel.
So, Gabriel becomes aware of the death of his own soul, while snow falls on Dublin, covering the living and the dead between whom there seems to be very little difference.

La locandiera di C. Goldoni

2023-02-24T14:00:00.007+00:00

Trama

“La locandiera” è una commedia in tre atti scritta da Carlo Goldoni.
Essa è ambientata a Firenze e la trama verte attorno al personaggio di Mirandolina, una giovane donna che dimostra fin da subito di essere sicura di sé, intelligente e che preferisce a contee e marchesati un sicuro matrimonio con un uomo del suo ceto, capace di aiutarla nella conduzione della locanda che il padre le ha affidato.
Nell’atto I Mirandolina viene corteggiata da due ospiti: il marchese di Forlipopoli, un nobile decaduto, e il conte di Albafiorita, un mercante arricchito che ha comprato il titolo nobiliare grazie al guadagno derivato dai suoi commerci.

I due personaggi rappresentano rispettivamente la nobiltà di sangue, ormai decaduta, e la nuova nobiltà. La prima resta attaccata alle apparenze del suo ceto sociale e pretende ancora di esercitare le antiche funzioni (es. protezione), godere degli antichi privilegi e di sfoggiare il lusso tradizionalmente legato alla sua condizione.
Dall’altra parte, il conte di Albafiorita, non potendo contare sul prestigio di sangue, cerca una rivalsa nell’ostentazione continua della sua ricchezza.

Arriva nella locanda un terzo ospite, il cavaliere di Ripafratta, burbero e misogino, il quale non condivide il corteggiamento insistente dei due ospiti abituali della locanda nei confronti di una donna, per giunta popolana, e dichiara di preferire la condizione di celibe.
Mirandolina, offesa dal comportamento del cavaliere, decide di farlo innamorare di lei.

Questo piano non è privo di screzi tra la donna ed il cavaliere come, ad esempio, quello a proposito della biancheria della locanda.
Il cavaliere intanto, con atteggiamento sprezzante e sgarbato, insegna ai due spasimanti di Mirandolina come devono essere trattate le donne, invitandoli a non abbassarsi troppo di fronte ad una popolana e ad esigere con durezza ciò che dai subalterni è dovuto.
Successivamente, entrano in scena due attrici, Ortensia e Dejanira, che si fingono gran dame e si contendono le attenzioni del marchese e del conte.
Alla fine dell’atto I, Mirandolina ribadisce il proposito di conquistare il cavaliere di Ripafratta.

Nell’atto II, Mirandolina continua il proprio piano di seduzione del cavaliere mostrandosi sempre più gentile e piena di riguardi nei suoi confronti, finché quest'ultimo inizia a mostrare i primi segni di cedimento. Ella, inoltre, dichiara di disprezzare le donne che mirano esclusivamente al matrimonio, destando immediatamente una certa ammirazione da parte della sua vittima.
Mirandolina usa a proprio favore la misoginia del cavaliere, mostrando con falsa sincerità di disprezzare anch'ella le donne e di condividere le idee del cavaliere.
A questo punto, il cavaliere non riesce a difendersi come vorrebbe e si innamora della locandiera.

Nell’atto III, il cameriere Fabrizio, da sempre di servizio nella locanda, è molto geloso di Mirandolina, la quale riceve, addirittura, in dono dal cavaliere una boccetta d'oro che, però, getta con disprezzo in un cesto.
Per portare a compimento la vendetta, la locandiera si mostra ostile nei confronti del cavaliere, dicendogli di non credere alla sue dichiarazioni d'amore. Pervaso da sentimenti contrastanti, il cavaliere non vuole far sapere di essere oggetto dei raggiri di una donna, ma allo stesso tempo spera di poterla avere per sé.
Quando il conte ed il marchese lo accusano di essersi innamorato della locandiera, l'orgoglio ferito del cavaliere esplode in una disputa che rischia di culminare in un duello tragico.
Fiera di essersi vendicata rendendo pubblico l’innamoramento del cavaliere, Mirandolina impedisce che si venga alle spade, ma arriva il momento in cui il Cavaliere dà in escandescenze e inizia a mostrarsi pericoloso.
Mirandolina riconosce di essersi spinta troppo in là e decide, quindi, di risolvere la questione sposando il cameriere Fabrizio, come le aveva consigliato il padre in punto di morte.
La protagonista non lo ama veramente, ma sceglie di approfittare delle circostanze sapendo che il matrimonio non sarà un vero ostacolo per la sua libertà.

Analisi della commedia

“La locandiera” offre uno spaccato della società del tempo, colta in tutte le sue articolazioni.
La locanda si pone come un luogo emblematico dove si incontrano personaggi appartenenti alle diverse classi sociali del tempo.
Mirandolina viene descritta come una padrona della locanda accorta, attenta ai suoi interessi, abile nella conduzione della sua attività come i mercanti del tempo.
Tuttavia, se da un lato presenta le caratteristiche positive del suo ceto, possiede in maggior misura quelle negative.
Ella specula sulla sua bellezza e sul suo fascino per attrarre ricchi clienti nella sua locanda e far accettare loro un trattamento scadente, ricavandone il massimo guadagno.
Accanto a questo cinismo, si associa anche la rivalsa classista sociale di una donna umile che, grazie ai privilegi concessi al suo fascino, tratta con familiarità ed alla pari con i nobili.
La superbia e la tracotanza del cavaliere, il quale la vuole degradare ad una condizione servile, feriscono il suo orgoglio e il suo narcisismo e stimolano il suo spirito di rivalsa.
La particolarità dell’opera teatrale è che la protagonista dimostra di essere sia regista che attrice dell’azione scenica tanto da rivolgersi spesso al pubblico, coinvolgendolo nella sua finzione.

Goldoni introduce il tema della discriminazione sessuale, ridicolizzando entrambi i sessi: quello femminile per la falsità (Mirandolina) e l’inconsistenza (Ortensia e Dejanira), quello maschile per l’ingenuità ed il servilismo.
Il commediografo veneto pone la figura femminile in una posizione peggiore rispetto a quella maschile da come si evince dal finale della commedia: egli invita l’uomo a dubitare dei comportamenti svenevoli della donna giacché possono avere un secondo fine.

Infine, vi sono le due attrici che, in quanto tali, non sono collocabili in alcuna classe sociale. I due personaggi cercano di emulare la locandiera, ma la loro recitazione è forzata e convenzionale, ricca di termini barocchi; sembra quasi che Goldoni abbia voluto con questi due personaggi presentare in una luce critica la Commedia dell’Arte contro cui indirizzerà la sua riforma teatrale.

Amori di pesci di G.B. Marino

2023-02-23T11:23:00.000+00:00

“Amori di pesci” è un sonetto in versi endecasillabi, appartenente alla raccolta “Lira”, ed è stato scritto da uno dei più importanti esponenti della poetica barocca in Italia del XVII secolo: Giovan Battista Marino.
Una caratteristica importante della sua poetica, riconosciuta dalla critica moderna, è la sua ingegnosa capacità di accostare situazioni e pensieri diversi ricercando argutamente, mediante figure retoriche e foniche, un nesso logico tra le medesime, con l’intento di meravigliare il lettore.

Il sonetto in esame presenta il seguente schema metrico:

nelle quartine ABBA-ABBA, tipico della rima incrociata;
nelle terzine CDE-CDE, che caratterizza la rima ripetuta.

In questa poesia l’autore, attraverso il semplice rituale di corteggiamento di alcune specie di pesci marini, vuole esaltare l’amore sensuale, ritenendolo un bisogno primario, necessario, innato nella vita sia degli animali che in quella degli esseri umani.

Il sonetto è ambientato, secondo il verso iniziale della prima quartina, nella bellissima isola di Ischia, a Napoli, bagnata continuamente dalle onde del Mar Tirreno.
A partire già dal terzo verso, l’attenzione del poeta si sofferma, fino alla prima terzina, sul rituale di accoppiamento tra le diverse specie di pesci che popolano il mare (“vidi conca con conca e nicchio e nicchio baciarsi/ e come a l’un l’altro si mischia”).
Da un incrocio di sentieri vicino alla riva della spiaggia dell’isola, il poeta vede strisciare una biscia di mare che, innamorata, si avventura in una zona illuminata dai raggi del sole, per attirare l’attenzione de “l’angue”.
Il poeta osserva, poi, andare avanti ed indietro, da una grotta all’altra, “occhiate” e “salpe”, seguite dai maschi della loro specie.
Marino interrompe la descrizione del paesaggio acquatico e dei suoi abitanti per contemplare, con sofferenza, l’impossibilità di essere ricambiato di pari sentimento dalla “perfida Lilla”, la sua amata.
Tale pensiero è espresso mediante una contrapposizione presente nel primo verso dell’ultima terzina: “Né però …”; infatti, Marino intende sottolineare l’opposizione tra l’amore sensuale, che coinvolge persino creature fredde come i pesci, e la durezza di cuore della sua donna.
Il poeta spera che quella “rigid d’alpe” che racchiude il cuore dell’amata, se non spezzata, sia almeno meno “dura” nei suoi confronti.

Con quest’ultima terzina, Marino raggiunge lo stesso obiettivo che caratterizza le sue opere, cioè l’intenzione di stupire il lettore attraverso accostamenti di elementi totalmente diversi.
Il poeta tiene ad evidenziare un accostamento, attorno al quale ruota l’intero componimento: esseri viventi quasi minerali, freddi e sfuggenti come i pesci sono, addirittura, animati improvvisamente dall’istinto ad accoppiarsi, situazione che si contrappone alla freddezza di Lilla, la quale non ricambia all’autore alcun sentimento o attenzione.
L’effetto di novità e di spiazzamento è accentuato dall’uso di parole che rendono quasi umani i comportamenti dei pesci marini: “… vidi conca con conca e nicchio e nicchio baciarsi …”, “… e la biscia del mar, che pur s’arrischia/venirne infin colà presso il crocicchio … la chiama l’angue innamorato e fischia …”, “… e vidi ancor d’amor l’algente anguilla arder fra l’acque …”.
In questa poesia emergono alcune tra le caratteristiche più rilevanti dei componimenti del Barocco: la bizzarria e la stravaganza.
Dall’osservazione della natura, Marino ricava la dimostrazione che l’amore, quando viene inteso come impulso biologico, anima ogni aspetto della realtà; infatti, le stesse profondità marine sono intrise d’amore.

Da un punto di vista stilistico, lo stesso Torquato Tasso, precursore della corrente letteraria del Manierismo (e dello stesso Barocco), influenza Marino al punto che il “parlare disgiunto” di Tasso ricorre frequentemente in questa poesia mediante enjambement (es. versi 3-4: “… vidi conca con conca e nicchio e nicchio/ baciarsi, e come a l’un l’altro si mischia/ …”).

Il sentimento dell’amore, secondo Marino, è una forza che origina comportamenti imprevedibili ed incontrollabili. Altrettanto accade con Petrarca.
Nella seconda terzina è evidente il riferimento al repertorio petrarchesco; infatti, Marino evidenzia lo stesso sentimento che ha costantemente tormentato Petrarca, cioè la consapevolezza di non arrivare mai alla donna amata, bellissima ma irraggiungibile.

In questo sonetto si evidenziano molti degli elementi che hanno contraddistinto e caratterizzato la letteratura barocca, la quale genera nel lettore diletto, meraviglia, stupore ed originalità.

Sonetto dedicato ai biondi capelli della sua donna (con riferimenti a Petrarca ed agli Stilnovisti)

2023-02-22T13:21:00.004+00:00

“Sonetto dedicato ai biondi capelli della sua donna” appartiene alla raccolta “Lira” pubblicata nel 1614 ed è scritta dal poeta Giovan Battista Marino.
L’autore è considerato il massimo esponente della poesia barocca nel XVII secolo in Italia.

Il sonetto in esame presenta versi endecasillabi, uno schema metrico nelle due quartine ABBA, tipico della rima incatenata o chiusa, ed un altro nelle due terzine CDC DCD, che caratterizza le rime alternate.

Il poeta si ispira al sonetto “Erano i capei d’oro a l’aura sparsi” di Francesco Petrarca per descrivere l’azione quotidiana di sciogliere i capelli biondi da parte della donna amata.
Il componimento di Marino, però, si rivela essere principalmente descrittivo; infatti, nella seconda quartina egli evidenzia gli effetti di luce provocati dallo sciogliersi della capigliatura sulle spalle e sul petto della donna.

I primi versi della poesia racchiudono una metafora: quando la donna amata si alza dal letto e scioglie i capelli, perfino l’oro non ha più valore e il sole, con i suoi raggi, aumenta il loro splendore.
Tale metafora trova il suo culmine nell’iperbole dell’ultimo verso del sonetto, esaltando la funzione galante dell’opera: “… volgersi quasi un girasole al sole”.
Nella prima terzina sono presenti una serie di metafore come “rami de l’aurea selva sua”, riferita alle ciocche dorate terminali della chioma bionda della donna, e “Amor vid’io … tendea mille al mio cor lacciuoli ed ami”, la quale descrive la personificazione dell’Amore che cattura il cuore del poeta mediante le ciocche di capelli della donna.

Alle metafore appena elencate si affiancano alcuni parallelismi:

i capelli che cadono a cascata sulle spalle della donna sono paragonati ad una nuvola carica di acqua (“ricco nembo”);
le ciocche dorate incorniciano il volto e si insinuano nel bel seno della donna come i serpenti nei fiori (“parte con globi d’or sen gia serpente tra’ fiori or del bel seno or del bel volto”);

Le figure retoriche appena elencate costruiscono una complessa raffigurazione della donna, arricchendola, così, di elementi inattesi e meravigliosi.

I vocaboli usati nel sonetto come “auro”, “sol”, “luce”, “dì”, “or”, “girasole” appartengono al campo semantico della vita.

Per ribadire la bellezza vitale della donna amata, Marino utilizza figure fonetiche come l’allitterazione dei suoni “ol” (“sol”, “disciolto”, “folto”, “volto”, …), “or” (“oriente”, “or”, “Amor”, “sorgendo”, …), “el” (“bel”, “begli”, …), assonanze e consonanze nelle quartine (“folto-volto”, “oriente-nascente”, “serpente-cadente”, …) e nelle terzine (“rami-ami”, “sole-sole”- è considerata anche un’epifora-).

Questa costruzione fonica potenzia le metafore prevalenti e rafforza l’arguzia concettuale della conclusione. Lo spunto petrarchesco “de li capelli dorati sciolti a l’aura” viene elaborato da Marino in maniera originale.

Dopo i primi versi, però, egli si allontana dal modello classico per accostarsi a nuovi riferimenti e spunti; infatti, Marino non si rifà nel componimento all’idealizzazione astratta della donna, ma le fa assumere quasi una bellezza mineraria, una realtà aurea e gemmea.

Il poeta, tuttavia, include nelle caratteristiche della donna la qualità di essere il fondamento per la vita. La prima terzina richiama parzialmente la concezione pessimistica dell’amore presente nei componimenti di Cavalcanti: Amore è una forza ostile che, avvalendosi della figura femminile, coinvolge le facoltà umane e conduce inesorabilmente alla morte.

Marino si discosta dai poeti stilnovisti e da Petrarca poiché riduce la figura femminile ad un barbaglio/insieme di sole e di oro, ad un insieme di particolari corporei (i capelli biondi, le spalle, il petto).
L’attenzione non è posta più su vicende interiori e psicologiche del soggetto poetico come in Petrarca, ma è tutta proiettata su dati esterni, particolari oggettivi, azioni di vita quotidiana.

Il sonetto di Marino si caratterizza di uno svolgimento nuovo, trattato in modo libero e stupefacente. L’omaggio galante del poeta viene espresso tramite quadretti domestici, essenziali ma del tutto inediti.

La poesia di Marino è improntata ad una freddezza emotiva, basata su intellettualismi ed artifici senza che ci sia alcun coinvolgimento/ sentimento.

Nel Dolce Stil Novo, invece, l’amore non è solo un semplice corteggiamento, ma è un sentimento di elevazione spirituale fino a diventare adorazione per una donna che assume i tratti di un angelo e che fa da intermediario tra la Terra e il Cielo, fra il mondo profano e quello divino.
Sul piano stilistico, poi, il Dolce Stil Novo si caratterizza per una progressiva interiorizzazione e spiritualizzazione del sentimento amoroso.

Marino, inoltre, rifiuta il linguaggio poetico del Trecento impiegato da Petrarca ed introduce parole desunte dal volgare, da neologismi che scaturiscono dai dialetti e dal latino, mostrando anche nel linguaggio uno spregiudicato atteggiamento anticlassicista.

Il Dolce Stil Novo, invece, si è affermato per aver creato una nuova dolcezza e melodia all’interno dei versi, abbandonando i riferimenti della vita comune, contrariamente a quanto ha adottato Marino nelle sue poesie.

Ad ogni modo, i poeti e le correnti letterarie che sono stati citati rimangono rilevanti nel panorama culturale italiano poiché ciascuno, apportando nuovi criteri, ha determinato il successo di tre epoche letterarie.

Il Barocco

2023-02-20T12:00:00.001+00:00

Il Barocco è una corrente letteraria che si diffonde in Europa nel XVII secolo e comprende componimenti di scrittori che si caratterizzano per estrosità, stravaganza, esagerazione e gusto per il bizzarro.
Questo stile letterario insolito emerge in un periodo storico critico che presenta guerre di religione (Riforma luterana e Controriforma cattolica), innovazioni nel campo tecnico-scientifico e scoperte geografiche.
In Italia il più importante esponente di questa corrente letteraria è Giovan Battista Marino.
Le poesie barocche hanno principalmente un fine ludico, di intrattenimento e non pedagogico e didascalico come i componimenti degli scrittori dei secoli precedenti (es. Dante Alighieri).
Essa è ricercata in quanto è strutturata in una serie di accostamenti di pensieri e situazioni diverse attraverso l’uso di tecnicismi come figure retoriche e figure foniche, al fine di stupire e meravigliare il lettore.
L’intellettuale nel Barocco non può affrontare i temi da lui preferiti, soprattutto di tipo sociale e politico, giacché con la Controriforma e il dominio spagnolo si riducono notevolmente.
L’obbiettivo dei poeti, però, è quello di far recepire al lettore il vero significato dei loro pensieri, privilegiando un linguaggio raffinato, di alto pregio artistico.
La poetica barocca si distingue dal Classicismo perché è essenzialmente sperimentale e si avvale di nuove forme letterarie; inoltre, rifiuta alcuni canoni della tradizione rinascimentale come la regolarità, la misura e l’equilibrio proponendo, invece, la ricerca del meraviglioso, la libera invenzione ed il gusto per il fantastico.
In questo modo, si annulla il pensiero umanistico rinascimentale che si fondava sul riconoscimento della dignità dell’uomo e sull’armonia tra lo stesso e l’Universo.
Le forme pastorali e mitologiche vengono adoperate allo scopo di approfondire il mondo fantastico nell’aspetto dell’inverosimile, alla luce della ricerca di una nuova realtà del mondo.
Le stesse scoperte scientifiche e geografiche alterano la dimensione del mondo e, quindi, l’equilibrio tra uomo e Universo.
Nella letteratura barocca, pertanto, si evidenzia il senso di precarietà e di relativismo delle cose note.
Si dissolvono anche i canoni petrarcheschi della figura femminile come modello di bellezza semidivina e di perfezione fisica e spirituale irraggiungibile.
La poetica barocca, inoltre, enfatizza l’idea del doppio: le cose non si mostrano mai per quello che sono, a dimostrazione della artificiosità della natura umana.
La finzione è il tratto fondamentale di questa corrente letteraria: l’uomo è un insieme di maschere diverse che applica a seconda delle occasioni. La stessa vita, come tutti i sogni, è caratterizzata da illusioni, fugacità del tempo e vanità delle cose.
Nonostante il grande successo ottenuto in quel periodo, la critica moderna ha svalutato la letteratura barocca, accusandola che, dietro a sfarzosi, ampollosi e fastosi estetismi formali e artifici, il contenuto è inesistente, deliberatamente freddo e distaccato.

Le modalità operative di Giovan Battista Marino nelle poesie

2023-01-25T15:30:00.001+00:00

Le modalità operative del poeta Giovan Battista Marino nelle proprie poesie sono la variazione ingegnosa e l’arte del “rampino” (estrapolazione di ogni parola o modo di dire espresso con enfasi ed eccellenza prevalentemente nelle opere classiche, al fine di attualizzare i temi discussi dagli autori classici).
Per la sua particolare produzione letteraria, Marino utilizza i materiali letterari della lirica dell’ultimo Tasso e della tradizione classica, soprattutto quelli meno noti, e i materiali di autori contemporanei stranieri ed italiani.
Di questi materiali egli non riproduce i valori di cui i modelli classici e moderni sono portatori, ma i temi che trattano, attuando un processo di variazione ingegnosa, arricchita di artifici retorici che producono effetti sorprendenti in chi legge.
Accusato di plagio degli antichi, cioè di appropriarsi dei versi altrui, in una lettera del 1620 all’amico Achillini affermò che da sempre leggeva gli antichi con il “rampino”: quando leggeva un autore si appuntava tutto ciò che vi trovava di buono e, al momento opportuno, lo utilizzava liberamente con variazioni ingegnose.
Quindi, il poeta traeva l’ispirazione non dalla realtà, ma dalla produzione letteraria del passato.

Tema sulle poesie di Giovan Battista Marino. “Donna che cuce”, “Seno”, “Rete d’oro in testa della sua donna”

2023-01-25T14:30:00.001+00:00

Giovan Battista Marino è ritenuto uno dei massimi esponenti della poesia barocca, celebre non solo in Italia, ma anche in Europa.
Egli si dedica all’attività letteraria fin da giovane, godendo soprattutto dell’appoggio di molti potenti. La sua opera principale è “Adone” del 1623; tra le opere minori più conosciute, invece, si evidenzia “Lira” del 1608.
Il madrigale di 10 versi “Donna che cuce” descrive una donna mentre ricama.
Ella passa l’ago nel tessuto come se scoccasse una freccia, in quanto, è una tessitrice che provoca sentimenti. Il poeta è incantato, rapito dal modo in cui la donna decora e ricama la tela.
I suoi sentimenti sono tutti per lei che, con quell’ago, arriva al suo cuore, sollecitandolo con “mille punte”. Egli descrive, attraverso dei giochi di parole (verso 8: “Tronca, annoda, assottiglia, attorce e gira”), la rara abilità della donna di tagliare, assottigliare e attorcigliare il suo cuore pari, addirittura, ad Aracne (verso 3: “quel ch’opra in suo lavoro, nova Aracne d’amor, colei ch’adoro …”).
È così affascinante osservarla mentre ricama la tela che il poeta paragona il filo rosso al filo della sua vita (versi 6-9/10: “… e quel sì vago sanguigno fil che tira … la bella man gradita, è il fil de la mia vita”). In questo modo, la donna lo rapisce e lo conquista.
Nel componimento “Rete d’oro in testa della sua donna” descrive, invece, una rete immaginaria, realizzata con i bei capelli biondi di una donna, sempre per catturare il cuore del poeta.
Il tema dei capelli biondi è ritornante fin da Petrarca; infatti, mentre il poeta aretino idealizzava questo tema nell’immagine femminile, ritenendolo parte integrante dell’estetica della protagonista della poesia, per Marino, invece, la figura femminile rimane sfumata.
Si evidenziano nella poesia, infatti, solo i suoi capelli e la reticella che li copre. La descrizione si riduce ad una serie di particolari slegati che non si ricompongono per creare un’identità femminile completa.
Le poesie di Marino, in realtà, sono prive di ogni sensualismo poiché il poeta, essenzialmente, compie una ricerca limitata ai particolari fisici e naturali, dai quali non scaturisce in lui alcun turbamento o emozione.
In quest’opera l’autore si pone come obbiettivo la realizzazione di un concetto astratto, un gioco ingegnoso, acuto come quello della fusione della rete reale e quella metaforica della reticella d’oro che cattura il cuore del poeta.
Quindi, ritorna il concetto presente nell’abile tessitrice della “Donna che cuce”: la donna viene paragonata , prima, ad Aracne del mito greco e, poi, a Parca (dea tutelare della nascita, stabiliva i destino degli uomini) perché, come la seconda, la donna ha in pugno con il filo rosso il destino del poeta.
Anche nella poesia “Seno” viene esaltata la donna che, in questo caso, è una mamma che allatta con il suo bianco seno il suo neonato.
Il poeta, con discrezione, osserva la carica di amore con la quale la mamma trasmette vitalità al neonato.
Prevale il candore che va dal bianco latte del seno alla bianca neve, la quale rimane intatta in quanto viene “attraversata senza che le orme possano disfarla”.
È imperativo il “Vattene!” (verso 9) con il quale il poeta si rivolge al momento in cui, con passi audaci, “ci si arrischia a toccare l’ultima meta” (versi 9-11), ossia la morte. In questo caso, il poeta, abilmente, dà dei suggerimenti: raccogliere la luce ed il calore del Sole, essere cultore della gioia e godere in silenzio.
Con questo stato d’animo, il poeta si sente ispirato e sempre più vicino al Creatore, inebriato in un’immensità di pace.
Ugualmente esalta il candore di quel seno dal quale scorre quel latte che è uguale alla via che conduce in Paradiso; infatti, il poeta afferma che non c’è desiderio più grande che poter baciare questa fonte di vita, volare leggero e veloce sulle “alpi bianche” come l’avorio e percorrere la neve con “strali di fuoco” tanto da confondere fiocchi di neve e fiamme.
È evidente che il filo conduttore di queste poesie è il descrivere una semplice scena di vita quotidiana colta, però, minuziosamente in tutti i suoi particolari.
Spesso il poeta riscatta il motivo umile con riferimenti al mito. Questa contaminazione, molto frequente, non produce, però, né tensione né ironia.
Il gioco dei suoni e dei significati nelle poesie di Marino è ricco ed intenso che evidenziano ulteriormente l’abilità fuori dal comune del poeta. Il gioco dei suoni, tuttavia, non è fine a se stesso ma resta fondamentale per rimarcare un’azione o un comportamento, senza alcuna partecipazione emotiva.

"Don Chisciotte" di M. de Cervantes Saavedra (in breve)

2023-01-25T11:21:00.001+00:00

Don Chisciotte è il protagonista dell’omonima opera di Miguel de Cervantes Saavedra, la quale si divide in due parti.
La prima parte si apre con una spiegazione dell’autore sul racconto che si prepara a fare, mentre la seconda parte è la narrazione vera e propria.
Il protagonista è Alonso, un nobile che vive nella regione spagnola della Mancia. Egli è un accanito lettore di romanzi cavallereschi. Il suo interesse è tale che non riesce più a distinguere la realtà dalle storie che legge fino a convincersi di essere lui stesso uno dei cavalieri protagonisti di quelle avventure letterarie.
Come i cavalieri medioevali, Alonso si dota di un cavallo, che non è altro che un asino, uno scudiero, Sancho Panza, una nobildonna da amare, Dulcinea del Toboso, ed un re che, assistito da due damigelle, lo possa nominare cavaliere (l’oste nomina Alonso cavaliere nel suo ‘castello’ accompagnato da due prostitute).
Il protagonista, così, si dà il nome di Don Chisciotte della Mancia e decide di affrontare mille imprese e pericoli in groppa al suo destriero, Ronzinante, in nome della sua amata Dulcinea del Toboso, una contadina molto socievole di nome Aldonza Lorenzo.
Dopo un pestaggio con dei mercanti, Don Chisciotte è costretto a ritornare a casa dove il curato del paese ed il barbiere concludono che il protagonista ha uno stato di salute instabile. Per questo motivo, Don Chisciotte assiste alla distruzione dei suoi adorati libri effettuata dalla sua governante e da sua figlia nella speranza che guarisca.
Il protagonista, però, convince un contadino del paese, Sancho Panza, a riprende il suo percorso, nominandolo suo scudiero personale.
Il viaggio inizia con il combattimento di Don Chisciotte contro 30 o 40 mulini a vento, ritenendoli dei giganti da sconfiggere. La pala di un mulino, però, lo disarciona dal cavallo, rendendolo oltre modo ridicolo.
Dopo una serie di “battaglie” perse ed ardue “imprese” fallite, rientra a casa.
Nella seconda parte del romanzo, Cervantes decide, inizialmente, di riscrivere la vera storia del cavaliere dopo la morte e crea il personaggio che diventa oggetto delle beffe di tutti coloro che lo hanno circondato.
Si susseguono episodi che evidenziano i limiti di Don Chisciotte dal duello al corte di carri, dall’incontro con un vero duca ed una duchessa al cavallo di legno.
Dopo ciò, Don Chisciotte torna a casa e si ammala di febbre. Prima di morire, confessa tutto ciò che è accaduto.
Don Chisciotte è una persona semplice, cambia radicalmente la sua identità, lasciando la sicurezza ed il suo paese per andare in cerca di avventure. Il mondo, però, con il quale si deve confrontare non è più quello dei cavalieri, dei romanzi che egli ama leggere.
Le sue avventure, infatti, si concludono tutte in modo ridicolo perché nessuno riconosce il valore dei suoi grandi ideali come la pace, l’onore, la difesa dei deboli e le missioni per sconfiggere i Saraceni.
Don Chisciotte rappresenta tutti i lettori accaniti dei romanzi cavallereschi. L’autore, mediante il protagonista, vuole evidenziare che nella realtà non c’è più posto per gli inutili ideali sostenuti da Don Chisciotte e intende rappresentare i contrasti esistenti tra realtà e finzione.

"Per quel giorno che l’amor mio" di W. Shakespeare

2023-01-25T08:30:00.001+00:00

“Per quel giorno che l’amor mio” è il 63esimo sonetto che appartiene alla raccolta “Sonnets”, costituita da 154 sonetti, elaborato dal drammaturgo e poeta inglese William Shakespeare.
A differenza degli altri componimenti, l’autore non specifica esplicitamente il destinatario dell’opera.
In questa poesia, il poeta esprime tutta la sua preoccupazione sull’influenza inevitabile del tempo sulla bellezza del suo amore.
Egli immagina che la bellezza del giovane, a livello estetico, purtroppo, svanirà quando diventerà vecchio, “sgualcito e logorato” come Shakespeare. Addirittura, il tempo prosciugherà il sangue del suo amato e solcherà di linee e di rughe il suo bel viso.
Questo sonetto evidenzia il frantumarsi delle immagini dovuto agli effetti del tempo. L’autore, tramite metafore, paragona la bellezza giovanile alla ricchezza, mentre la vecchiaia e la morte alla notte.
L’amore profondo dell’autore per il giovane amante rimane il tema dominante di questo sonetto, in cui esalta la bellezza e la giovinezza del ragazzo.
Shakespeare, nella terza quartina, è amareggiato dal fatto che questo legame profondo rimane sfalsato proprio dalla sostanziale differenza d’età.
Nel distico, Shakespeare chiude il sonetto affermando la necessità di immortalare questa eterea bellezza; infatti, secondo Shakespeare l’unico modo per raggiungere tale scopo è scrivere un componimento nel quale racchiude tutto il suo amore per il giovane.
Esso sarà letto dalle generazioni future e, così, renderà eterno il ricordo dell’amato, sottraendolo all’azione devastatrice del tempo.

La Gatta Cenerentola

2023-01-24T17:57:00.004+00:00

Giambattista Basile è stato un letterato e scrittore italiano di epoca barocca che, per primo, ha utilizzato la fiaba come forma di espressione popolare.
La versione più antica del tradizionale racconto di Cenerentola è quella tratta da “Lo cunto de li cunti”, lo stesso racconto che ispirerà Perrault ed i fratelli Grimm.
Il personaggio principale è la giovane Zezolla, figlia di un principe; ella, plagiata dalla propria istitutrice, decide di uccidere la matrigna, la quale è stata sempre crudele nei suoi confronti.
Successivamente, il padre sposa l’istitutrice e Zezolla, scalzata dalle sei figlie di lei, finisce col lavorare i cucina e disprezzata al punto da essere apostrofata come la “Gatta Cenerentola”.
Il racconto si basa su personaggi negativi.
Zezolla rappresenta una condizione di massimo degrado in quanto si rivela, prima, un’assassina e, poi, si integra in una condizione succuba con l’ingresso delle sorellastre. Lo stesso padre ben presto dimentica la sua presenza a favore delle figliastre e della nuova moglie.
Tra i personaggi l’autore non evidenzia alcun sentimento che porti tra loro ad una condizione di morale e di felicità. La stessa fortuna interviene a favore di un personaggio o di un altro al di fuori, però, dell’etica e del merito.
Il personaggio di Zezolla lo si può definire un perdente che si aggira in un mondo irrazionale dove domina la paura e la crudeltà incondizionate.
Nella narrazione Zezolla è costantemente oggetto di angherie, prima, da parte delle due matrigne e, poi, dalla sfortuna; infatti, ella perde la scarpa che determinerà per lei un’ulteriore prova, nonostante avesse affascinato il re con la sua bellezza.
Finalmente con il matrimonio, Zezolla viene incoronata come regina e le sorellastre rimangono umiliate.
La fiaba, strutturata da queste caratteristiche come la magia e i tanti effetti speciali, rispecchia l’estetica del periodo barocco. Nell’eloquio del re, la scarpetta è assimilata ad una serie di metafore (“le fondamenta della casa”, “candeliere dove è infissa la candela della passione”, …).
È evidente che il re, rapito dalla bellezza della giovane, manifesta con un linguaggio fantastico tutto il criterio affine alla corrente barocca, in linea con la peculiarità della storia.

"Dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo" : il ‘mondo sensibile’ e il ‘mondo di carta’

2023-01-24T17:02:00.000+00:00

L’opera “Dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo” è stata scritta da Galileo Galilei e pubblicata a Firenze nel 1632.

Il dialogo è impostato su tre diversi personaggi: due filosofi, Salviati e Simplicio, ed un patrizio veneziano, Sagredo.

La scelta e le caratteristiche dei personaggi scelti non sono casuali. Galileo utilizza i primi due personaggi come portavoce dei due massimi sistemi del mondo, ossia delle due teorie che in quel periodo andavano ripetutamente a scontrarsi (eliocentrismo e geocentrismo). Il terzo personaggio rappresenta, invece, il lettore discreto, appassionato di scienza, e destinatario dell’opera di Galilei.

Il suo ruolo è quello di intervenire nella discussione, chiedendo chiarimenti con argomentazioni semplici.

Il filosofo Salviati rappresenta le idee copernicane, sostenute da Galileo Galilei; infatti, il primo assume nel dialogo una duplice funzione: controbattere le teorie di Simplicio e correggere le superficialità di Sagredo, evidenziando , così, le difficoltà che comporta la teoria copernicana.

Sagredo partecipa al dibattito con la funzione di moderare i concetti filosofico – scientifici delle due parti in disaccordo. Simplicio, invece, sostiene rigidamente le teorie e gli studi sulla filosofia naturale fatti da Aristotele , difendendoli energicamente.

Tramite il filosofo Simplicio, Galileo vuole mettere in guardia il lettore dal fatto che non tutte le teorie, compresa quella aristotelica, che appaiono semplici e prettamente teoriche sono vere.

Per confermare tale pensiero, Sagredo racconta un aneddoto.

Un giorno egli assiste alla dissezione di un cadavere effettuata da un anatomopatologo nell’intento di ricercare “l’origine e nascimento dei nervi”. Questa tematica, a quel tempo, è stata oggetto di un lungo dibattito tra i “medici galenisti” ed i Peripatetici.

Attraverso la sperimentazione e l’analisi, il “notomista” afferma che il sistema nervoso parte dal cervello per poi, tramite la colonna vertebrale, raggiungere tutto il corpo e che solo un “filo sottilissimo come il refe” percorre il cuore.

Tale asserzione va in contrasto con la teoria dei Peripatetici, secondo i quali i nervi si originano dal cuore. In questo modo è stato dimostrato che la teoria elaborata da Aristotele e sostenuta dai Peripatetici non è vera, ma è legata solo alla sua autorevolezza (“ipse dixit”).

La motivazione finale è che la scienza del sommo Aristotele, per quanto è stata rilevante, non ha descritto un mondo reale ma un mondo di carta, fatto di parole. Tutto ciò è accaduto non perché egli fosse incompetente, ma, piuttosto, perché era figlio del suo tempo.

Pertanto, egli va apprezzato e giudicato storicamente ma ciò che sosteneva era errato.

Galileo tiene a precisare che, a differenza della filosofia e della stessa teologia, le scienze sono autonome in quanto, con il metodo scientifico, riescono a dimostrare quanto affermano. La certezza della conoscenza si avvale della verifica sperimentale e, quando l’uomo utilizza la matematica, porta la sua mente verso verità assolute.

Galileo non considera il valore simbolico della matematica ma riconosce in essa la capacità di accompagnarsi al metodo scientifico in tutte le sue regole, dall’osservazione e documentazione del fenomeno fino alla formulazione di una legge certa.

La legge a cui si giunge può essere modificata successivamente solo da altre verifiche sperimentali dovute al progresso scientifico che si evolve nel tempo.

James Joyce and music

2022-09-09T10:10:00.000+00:00

Given Joyce’s musical patrimony – his own fine voice and talents as a musician, his father’s considerable and near-professional skills as a singer, his encyclopaedic knowledge of musical matters, and the rich musical milieu in which he grew up – the profound influence of music on the shaping of his works should come as no surprise.

The number of books that Joyce wrote in his lifetime is small compared to the output of virtually any other author one can name. But what books! In prose, with each new work he pushed dramatically past the boundaries he had set for himself in his previous endeavours, stylistically as well as thematically.

Between “Dubliners” and “Finnegans Wake” there is both continuum and continuity: continuum from the local (people of Dublin) to the universal (Here Comes Everybody) accompanied by an evolution – and revolution- in technique; continuity in that his characters, locales, and subject matter always remained distinctly Irish and of his time, while Joyce, as artist, never swerved from presenting them in a language that is aesthetically pleasing, exquisitely precise, and, as Ezra Pound characterised it, “free from sloppiness”.

This same pattern of continuum/continuity marks the role that music plays in most of his works. The poem of “Chamber music” are not just song lyrics waiting to be set to music; reading them aloud, one can readily perceive from their sensibility and diction that they are a type of music in and of themselves. Then, starting with “Dubliners” and in each successive prose work, Joyce makes increasingly subtle and demanding use of music to carry his tales forward, culminating in “Ulysses”, where it becomes absolutely integral to the storytelling, especially in the “Sirens episode”.

Finally, in the “Finnegans Wake”, where the very name of the book is borrowed from the title of a popular broadside ballad, and in which thousands of musical allusions are woven into its tapestry of universal history, we come full circle. For, like “Chamber music”, it really is lessa piece of writing than a kind of music, an epic prose chorale. The book begs to be performed, the inert words on the page recited aloud in order to be brought to life and fully appreciated. In fact, that is exactly Joyce’s advice: “It is all so simple. If anyone doesn’t understand a passage, all he needs to do is read it aloud”.

Good advice – and a timely reminder that Joyce was not simply writing books to keep scholars busy. He was writing to enlighten, and to entertain.

James Joyce and Trieste

2022-09-08T11:27:00.001+00:00

The relationship between James Joyce and Trieste is an extreme element not only of his autobiography but also of its evolution as a writer. If Dublin was the city where Joyce’s personality was created and shaped, Trieste is the one where Joyce’s personality developed and matured.

Joyce moved to Trieste for more than ten years with her wife Nora. The Italian city was the place where Joyce had a long series of personal and literary experiences: he became father of two children, losting, but, a third one, he fell ill, encountered poverty and experienced an increasing number of literary successes.

Joyce worked here as English teacher at the Berlitz language school, journalist and reporter of local journal “Il Piccolo della Sera” and gave some literary presentations in conferences.
Despite the troubled period, Joyce completed some short stories which would later compose “Dubliners” and, then, he finished the second draft of “Chamber music”.

Joyce often gave private English lessons which were attended by the children belonging to the local nobility or local intellectuals like Italo Svevo. Joyce and Svevo made friends and the Irish novelist used Svevo as literary prototype for the main character of “Ulysses”, Leopold Bloom; in fact, many details of Judaism included in “Ulysses” were referred to him by Svevo himself.

In 1908 Joyce took singing lessons at the Conservatory of Music and he took part in Richard Wagner’s opera “I maestri cantori di Norimberga” in 1909.
Then, Joyce attended cultural circles of the city and became a regular guest at the Caffè San Marco, a meeting place for intellectuals of Trieste where Joyce worked on his novels.After the outbreak of the First World War some Joyce’s friends belonging to the bourgeoisie helped him to escape to Zurich, in Switzerland.

James Joyce

2022-08-18T10:41:00.000+00:00

James Joyce was born in 1882 in Dublin into a middle class Catholic family. His father was a supporter of Charles Parnell, the leader of the movement for Home Rule for Ireland (to learn more about “the free State of Ireland” go to the end of this post).

Joyce attended two Jesuit schools, then went on to study modern languages at University College in Dublin, where he graduated. Finding life in Ireland an obstacle to his own artistic development, in 1902 Joyce left Ireland in voluntary exile, living first in Paris, then to Pola in 1904 and, finally, in Trieste, where he wrote “Dubliners” and “A Portrait of the artist as a young man”.

When World War I broke out, Joyce went to Zurich where he started working on “Ulysses”. In 1920 he moved to Paris where “Ulysses” was published and Joyce wrote his last novel “Finnegans Wake”. When France was occupied by the Germans in 1940, Joyce returned to Zurich, where he died in 1941.

All of Joyce’s works are centred on Ireland and on the early 20th-century Dublin he knew. His self-imposed exile became necessary to give him the objective that James needed to write about Ireland with precise details and emotional and intellectual detachment.

Joyce’s novels show a similar shift from the particular (“Dubliners”) to universal (“Ulysses”), from the lyrical style of “A Portrait of the artist as a young man”, modelled on Homer’s “Odyssey” as its title implies.

Focus on the rise of the free State of Ireland

The road leading to Irish independence was very difficult: it was characterised by the rejection of a bill granting full political independence to Ireland, promoted by Charles Parnell, who is considered the “father of Irish independence”, and Prime Minister William Gladstone, and of two more Home Rule Bills.

In 1914 a third Home Rule Bill passed but the House of Commons deferred it until the end of World War I. Outraged at this decision, a revolt known as Dublin Easter Rising was organised by rebels which was put down by the British Army. The 14 rebels and their leader Patrick Pearse were beheaded.

This unsuccessful uprising was narrated by William Butler Yeats in his poem “Easter 1916”, which is so-called because this Irish revolt was organised on Easter Monday (1916). In this poem, Yeats describes his emotions regarding the Dublin Easter Rising and states that this revolt is a “terrible beauty” because the desire to remove Ireland from the sovereign of Great Britain was accompanied by a bloody massacre, which did not stop the Rising but power on it.

The war of Independence started in 1919, led by the IRA (Irish Republican Army) and Sinn Féin, the Irish nationalist party which did not join the British Parliament as they had done but met in the Dail. This war ended in 1921 with the establishment of the South Irish Free State.

However the Anglo-Irish treaty of 1921 recognized the sovereignty of the British Crown and excluded Northern Ireland from the Republic. So, a civil war broke out in which the IRA was divided into the Irish Free State Army, who accepted the treaty, and Irregulars, who were in favour of a united and republic Ireland. The civil war ended in 1931 and the new Prime Minister Eamon de Valera, elected in 1932, began to realise a project about the Republic of Ireland (Eire) which was officially created in 1937.

The modernist revolution and the modern novel

2022-08-10T11:20:00.002+00:00

At the beginning of the 20th century intellectuals attitudes were changing and people found it difficult to believe in anything.

First of all, an explosion of new ideas changed man’s view of himself and of the universe.

In 1905 Albert Einstein published “Theory of Relativity” in which he dealt a further blow to the belief that objective reality and science as a substitute for religion could give an explanation of the universe.

British writers were inspired by the philosophical ideas of Friedrich Wilhelm Nietzsche who proclaimed existing abstract values such as the “good” and the “beautiful” were decadent.

These ideas were incorrectly late linked with Nazism and Fascism.

Another important influence on British artists came from Sigmund Freud and his theories on the structure and workings of the human mind, which are known as psychoanalysis, in order to treat hysteria and neurosis.
Freud, then, explored new areas of sensibility which cae to be known as the unconscious.

20th century literature and art are indicated with the term “Modernism” because intellectuals expressed the reaction against 19th-century ideas. The Literary Modernism flourished from 1922 to 1925 and developed following new ideas:

- The breakdown of the traditional literary genres;
- The fragmentation of time and place;
- The collapse of the traditional plot with a story that has a beginning and an end and setting;
- The use of complex language which defies traditional syntax, grammar and punctuation;
- A new idea of the representative function of literature , with the emphasis on psychological truth rather than on realistic details;
- The use of myth;
- The adoption of free verse instead of traditional verse.

Some of these ideas were the development of some literary experiments in narrative structures and techniques contained in the transitional novels, which appeared from 1880 to 1920, such as flashbacks, presentation of different points of view, and subtler ways of portraying human psychology.

It is important to be clear about the transitional novels focusing on the narrative structure and techniques contained in two considered important transitional novels: “Heart of Darkness” by Joseph Conrad and “Sons and Lovers” by David Herbert Lawrence.

“Heart of Darkness” is based on the author's Congo experience and it is the best expression of Conrad’s use of exotic setting and adventure plot. The themes of the novel are the relationship between man and social institutions, and man’s dark side which appears when social values collapse.

“Sons and Lovers” is both the psychological description of an oedipal complex and a realistic portrait of life in provincial northern England.

During the late 1910s and the early 1920s James Joyce and Virginia Woolf introduced classical myths into modern narrative in order to reflect the novelists’ lack of faith in traditional values and the disillusionment with modern myth (progress, science and technology).
In “Ulysses” Joyce described the ordinary life of the main character, Leopold Bloom, a Dubliner of average intelligence and ambition comparing him with Ulysses, the main character of “Odyssey” by Omero. The author used the epic model to highlight the lack of heroism, ideals and trust in the modern world.
Then, in “Dubliners” Joyce treated “paralysis” as the shape of the inability to overcome the stiffing mental frustration that characterises the inhabitants of his hometown, Dublin.

Moreover, the first generation Modernists (J. Joyce, V, Woolf and T.S. Elliot) inserted a new way of conceiving time: it was a continuous flux in which individual consciousness could identify significant moments (stream of consciousness).
For example, Woolf analysed in “Modern Fiction” the human perception which didn’t depend on measurable time (time of clock) but on the way the mind is affected by it (time of mind). This particular Woolf’s conception of time is influenced by Henry Bergson.

So, these novelists treated the unconscious in daily life and the stream of consciousness technique in order to reproduce the continuous flow of human thought.
The stream of consciousness technique is best represented by James Joyce in his masterpiece “Ulysses”: apparently incongruous images or ideas are put together with no rational order, but rather as they would pass through the unconscious mind. Joyce adoptes a difficult prose style which does away with syntactic and grammatical connectives, in order to show the chaotic flow of thoughts in the human mind.

Another technical features adopted by author are:
- Fragmentary description of an event interrupted by side comments or thoughts which have really little to do with what is going on;
- Some images or thoughts are brought from a character’s past;
- Frequently questions in the mind;
- Musical quality of words using assonances and alliterations as a poet would.

Modernist writers were influenced by Cubism, Futurism, Dadaism and Surrealism without abandoning tradition. They were trying to create their own interpretation of reality and were investigated with an anthropological interest in their relationship not only to literature, but also to primitive society.

The novelist Edward Morgan Forster shared with Modernists the inability to believe in accepted values and the conviction that reality is elusive and many-faceted. In his work “A passage to India '' he explores the difficult political and human relations between the British and the Indians.

During the 1930s the impotence of capitalist governments in the face of Nazi expansion, together with economic depression and poor conditions for workers, led the majority of many second generation Modernists (G. Orwell and W.H.Auden) to turn to the political left.
For example, during the Spanish Civil War some intellectuals went to Spain to fight for the republican (socialist) forces against the monarchical (fascist) forces of General Franco.

During this period, writers supported negative utopians and were concerned with the growing influence of mass media and the development of sophisticated war machines.
The most important anti-utopian novelist is George Orwell.

In his masterpiece “Nineteen Eighty Four” he describes a future world in which a tyrannical power (Big Brother) controls man’s actions and thoughts through telescreens and microphones present in every place. In the novel Big Brother represents the man’s enslavement to mass media.