Le film du Rasoir

12 HOMMES EN COLÈRE (Billet)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Wed, 28 May 2014 14:04:00 +0000

12 hommes en colère est un drame américain de Sydney Lumet, sorti en 1957, mettant en scène notamment Henry Fonda et Lee J.Cobb. (sur Allociné)

Ce film illustre des problématiques propres à la matière pénale : si des doutes subsistent lors du prononcé de la condamnation, vaut-il mieux condamner un innocent ou relâcher un criminel?
Les jurés doivent-ils s’en tenir aux faits et preuves, ou peuvent-ils prendre en compte la personnalité et l’origine sociale de l’accusé pour conforter leur opinion ?

L’œuvre se déroule en huis-clos. Nous suivons la délibération de 12 jurés, aux caractères affirmés et aux idées bien arrêtées, qui s’affrontent dans une joute verbale quasi-continue. Elle oppose, d’abord un, puis plusieurs hommes (et oui, pas de femmes à cette époque) votant la non-culpabilité de l’accusé aux autres qui souhaitent la condamnation (et donc la mort par électrocution) du prévenu.

Les jurés, de milieux sociaux et de visions du monde que tout oppose, constituent un « panel représentatif » de la société masculine de l’époque, allant d’un banquier réfléchi et calculateur, à un autre homme colérique et plein de préjugés.

Un juré se démarque des autres. Au début du film, 11 des convoqués pensent l’accusé coupable, et l’homme qui nous intéresse choisi de voter non-coupable. Pas parce qu’il en est sûr, mais parce qu’il considère qu’en présence d’un doute le minimum est d’accepter de discuter : la vie d’un homme est tout de même en jeu !
(« Je n'envisage pas de vous faire changer d'avis. Mais la vie d'un homme est en jeu. On ne peut pas expédier pas en cinq minutes! Et si on se trompait? »)

Une critique, que l’on entend encore aujourd’hui de la bouche des réfractaires à l'existence de jurys, prend tout son sens avec ce film : Les jurys non professionnels ont une trop grande propension à déclarer non-coupable l’accusé. Ils sont trop sensibles et refusent que justice soit rendue.
En effet, au fur et à mesure que le débat avance, et par des votes réguliers, nous nous rendons compte que le nombre de jurés favorables à la condamnation diminue rapidement, pour bientôt être minoritaire puis nul !
Certains, car ils acceptent de reconnaître qu’il existe encore des doutes sur les faits, mais d’autres pour des raisons plus obscures : pression exercée par le groupe, envie de soutenir un autre membre. Un d'entre eux a même le culot de céder car il n’a pas la patience de débattre !

CONCLUSION

C'est une oeuvre dont on ne retiendra aucun passage en particulier, mais qui constitue une très bonne illustration des émotions et raisonnements par lesquels les jurés peuvent être traversés lors de la délibération. Il est, de plus extrêmement théâtral, et est servi par un rythme très soutenu.
Un film que je vous conseille grandement, pour peu que vous soyez sensible à l'idée de justice, aux dilemmes moraux et aux joutes verbales !

NDLR

Tout d'abord, je m'excuse auprès de vous d'avoir laissé le blog de côté pendant ces deux derniers mois. Pourquoi ? Premièrement, parce que je passais mes partiels de fin de licence, et deuxièmement, je commençais à me sentir contraint par le format rigide de mes articles.
C'est pourquoi, en attendant de trouver un nouveau format et une nouvelle ligne d'écriture, je tente le "billet" qui me permet plus de liberté et moins de compromis.

N'hésitez pas à me laisser des retours, et surtout à donner votre avis sur le blog et ses articles. Merci !

12 YEARS A SLAVE (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Sat, 22 Mar 2014 16:49:00 +0000

«Reine maudite, venue au monde dans les champs, un ange parmi les nègres... Et dieu me l'a offerte à moi!»

Twelve years a slave est un drame historique de Steve McQueen (II), tiré du roman éponyme de Solomon Northup et sorti en salle le 22 janvier 2014. Il reçu à juste titre le golden globe du meilleur film dramatique, et la bagatelle de trois oscars : meilleur film, meilleur scénario adapté et meilleur second rôle féminin pour Lupita Nyong'o.

SYNOPSIS

Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor) est un homme libre. Il vit une vie paisible avec sa femme et ses deux jeunes enfants dans un pavillon de l'état de New york.
Cependant, il ne fait pas bon d'être noir à quelques années de la guerre de sécession. Son existence s'écroule lorsque deux hommes du spectacle le dupent, et le vendent ivre mort comme esclave pour les plantations sudistes. Il se battra pendant les 12 années suivantes pour survivre et conserver sa dignité, 12 ans à passer de mains en mains et d'humiliations en brimades, 12 ans pendant lesquels la vie du malheureux Solomon est jetée dans une épouvantable parenthèse...

CRITIQUE

Une fresque réaliste et cruelle sur l'inhumanité de l'esclavagisme

Le drame aux nombreux oscars est parfois dur, sans tomber dans l'insoutenable. Steve McQueen deuxième du nom a su trouver le ton juste, avec quelques moments de volupté innocente rapidement ramenés à l'ordre par la cruelle réalité de l'Amérique esclavagiste.

Un exemple de scène peu agréable ? Le personnage principal de l'intrigue s'accrochant à la vie, le cou glissé dans un nœud de pendu, et les pieds qui effleurent juste assez la boue pour le maintenir en vie. Vous visualisez ? Et maintenant imaginez cela pendant trois longues minutes en plan large, avec tous les autres protagonistes vacants à leurs activités journalières.

La détresse psychologique des asservis est très bien rendue, notamment par le thème récurrent des enfants : la plupart des malheureux ont été séparés de force de leur progéniture.

De nombreux films traitant de l'exploitation de l'homme par l'homme étant sorti dernièrement, j'essayerai ici de le situer parmi ses "concurrents".
L'oeuvre est indéniablement plus profonde dans son traitement du sujet que le superficiel Le Majordome (malgré une admirable performance de Forest Whitaker).
Case départ est, je trouve, une bonne comédie. Mais elle passe aujourd'hui pour une parodie de 12 years a slave.
Et enfin, comment ne pas évoquer l'épique Django de Quentin Tarantino ? La comparaison serait vaine. Les deux films réussissent d'une main de maître à retranscrire toute l'atrocité de cette sombre époque, chacun à leur manière.

Des esclaves profondément malheureux, aux réactions très différentes.

On assiste à la déchéance de Solomon. Autrefois homme libre et fier, il perd avec les années le peu de dignité qu'il était parvenu à conserver, en étant contraint d'agir contre son gré et de réaliser des "pêchés" qui, d'après lui, lui fermeront les portes du paradis. Les maîtres lui accordant un minimum d'estime finissent tout de même par le vendre au plus offrant.
Solomon, après ses douze éprouvantes années, n'est plus que l'ombre de lui-même.
Son instinct de survie le pousse parfois à se résigner et à jouer le "bon nègre", autant qu'il désobéi et n'abandonne pas l'espoir de recouvrer sa liberté.

Il est dur de dégager une tendance générale de l'état d'esprit des enclavés.
Certains sont résignés et évitent absolument tout ce qui pourrait contrarier ne serait-ce que d'un poil l'humeur des maîtres blancs. D'autres conservent un esprit combatif, c'est à dire qu'ils préfèrent mourir debout que vivre à genoux.
Une jeune mère à qui l'on arracha ses enfants pleura de longs jours durant.
Un profil passionnant est celui de Patsey (Lupita Nyong'o). Cette jeune femme se tue à la tache, et remporte haut la main le concours quotidien de livres de coton cueillis (le double de ses co-détenus masculins). Malheureusement pour elle, Patsey est la petite préférée du tortionnaire Edwin Epps ( incarné par Michael Fassbender), ce qui lui vaudra de multiples ennuis, allant du viol aux coups de fouet les plus violents... Elle est à bout, et demande à Solomon de la noyer dans le marais. Bien qu’extrêmement courageuse, elle ne supporte plus ces sanctions infamantes et brutales...

En tout état de cause, tous gardent l'espoir d'être enfin libérés du joug tyrannique de l'homme blanc: «Il viendra une heure où le seigneur nous vengera tous».
Et la guerre de sécession toute proche changera (en partie) la donne pour les opprimés.

Le film est parsemé d'une brutale cruauté

Des tortionnaires qui "broient du noir" , et pas seulement de manière imagée...

Alors là, chapeau bas au réalisateur ! Je dois dire que c'est cet élément qui est parvenu à me convaincre que Twelve years a slave est un véritable chef-d'oeuvre.
Diaboliser tous les blancs par un film manichéen aurait été un écueil inexcusable. Au contraire, le film semble montrer la part de démon en chaque homme, autant que le côté sensible et compréhensif. Les blancs laissent paraître de véritables états d'âmes, et aucun ne paraît véritablement heureux en menant cette vie de mauvais.

Je m'explique : bien qu'un noir éduqué comme Solomon les intrigue, ils ne peuvent sans atteindre leur fierté accepter la moindre lueur d'intelligence émanant d'une de leur "tête de bétail". Et cela donne des situations assez exquises, dans lesquelles ils essaient de cacher leur surprise et leur admiration de manière assez maladroite pour les garder en leur pouvoir.
Ils sont d'ailleurs plus ou moins empathiques envers les maux des esclaves, et cela crée de nombreux malaises parmi les maîtres, qui essaient toujours de trouver un équilibre entre l'inspiration d'une crainte bestiale et le bénéfice d'une confiance bienveillante aux hommes de couleur.

On sent d'ailleurs la montée de la contestation de l'esclavagisme, avec l'excellent Bass (Brad Pitt), un abolitionniste canadien aux airs de mormon, qui jouera un rôle important à la fin du film.
Armsby (incarné par Garrett Dillahunt) est un ancien contremaître, et aujourd'hui un simple ouvrier blanc qui dit ne valoir pas mieux que ses compagnons esclaves. Il dira d'ailleurs qu'il a quitté son ancien métier pour sombrer dans le whisky car :«Aucun homme qui a une conscience ne peut donner le fouet à un autre être humain jour après jour sans en souffrir un peu lui-même» !

Alors, on est pas plus beau comme ça ?

Des dialogues constructifs, mais peu crédibles

J'ai beaucoup aimé les dialogues de Twelve years a slave. Ils sont particulièrement soignés et riches de sens, et toute situation est occasion à un débat philosophico-sociétal sur la légitimité ou non de l'esclavagisme.
Pourtant, cela contraste trop à mon goût avec le réalisme dont le film fait preuve sur tout les autres aspects: des esclaves ne sachant ni lire ni écrire utilisent des termes complexes et littéraires. Edwin Epps, guère plus éclairé, improvise la petite poésie tout en haut de l'article, et maîtres et esclaves débattent ouvertement de la légitimité d'obéir aux ordres...Tout cela manque de crédibilité.
Le film est rythmé par des sermons bibliques bien choisis, et des chants gospels rappelant un peu l'univers de O'Brother (Dossier en approche !).
La fin quant à elle, m'a quelque peu déçu. En effet, le happy-ending s'imposait, pour la cohérence avec l'oeuvre littéraire. Mais un aspect me dérange: elle tranche trop avec le reste de la réalisation par son aspect mielleux , loin de la fougue sans compromis des cent-dix autres minutes.

Bonus : le rôle expiatoire de la peine et autres joyeusetés

En tant que fier étudiant arrivant au terme de sa licence de droit, je me devais de vous donner quelques clés d'interprétation quant au pourquoi du comment des châtiments infligés aux esclaves en punition de leurs infractions. Je n'en fait en aucun cas l'apologie, j'essaie juste d'apporter un point de vue juridique objectif.
Contrairement à ce que l'on pourrait penser de prime abord, elles poursuivent de multiples finalités :

L'expiation des pêchés : Pour rester en bon terme avec le tout puissant, l'esclave doit se repentir sous les coups de fouets d'avoir pêché, et prier pour sa rédemption.
La prévention : Le châtiment a un but préventif. D'après Sénèque « L’homme prudent ne punit pas parce qu’il y a une faute, mais pour qu’il n’y ait plus de faute ».
Le maintien de l'ordre : la répression publique du crime assure la paix publique. Il faut qu’elle soit éclatante et que l’exécution suive rapidement la sentence, sinon elle devient plus terrible qu’exemplaire ! En l'espèce, pour maintenir l'ordre, les blancs utilisent le fouet pour les "mater" comme des animaux, et la potence pour les plus dangereux...En tout cas, cela supprime tout risque de récidive !
Le caractère infamant de la peine: C'est, je pense, l'aspect le plus important des peines barbares infligées aux esclaves. Le fouet marque à vie, autrement dit même s'ils gagnent leur liberté, ils resteront des esclaves aux yeux des tiers (c'est l'image d'un casier judiciaire imprimé sur la peau, comme l'on coupait les oreilles des délinquants pour les juger plus sévèrement en cas de récidive).
La pendaison est universellement une peine de vilain (comprenez paysan). Elle est considérée comme le châtiment le plus infamant pour la famille et pour le pendu. Cela explique le choix de ce mode de mise à mort, qui inspire une peur plus grande encore que la mort elle-même, celle de l'anéantissement de tout honneur.

Le fameux livre adapté par M. McQueen.

CONCLUSION

Twelve years a slave est une fresque réaliste et cruelle sur l'inhumanité de l'esclavagisme.

Elle évite l'écueil fatal qui aurait été de lisser les personnages pour les rendre manichéens. Au contraire, S.McQueen signe d'une main de maître une oeuvre bouleversante et juste, qui interroge et déstabilise sans rendre le spectateur esclave d'un quelconque jugement. Du grand cinéma, et un succès aux Oscars amplement mérité.

4.5/5

J'espère que ma critique de Twelve years a slave a suscité votre intérêt. Je vous invite à participer en utilisant le champ commentaire ci-dessous, et à rejoindre la page facebook sur la barre de droite pour être informé de chaque nouvel article paru. A très bientôt fidèles, et nouveaux lecteurs ! :)

THE GRAND BUDAPEST HOTEL (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Fri, 21 Mar 2014 14:00:00 +0000

Wes Anderson, où l'élégance infaillible d'un orfèvre au sommet de son art.

The Grand Budapest Hotel est une comédie du déjanté Wes Anderson, sortie le 26 février 2014 et toujours en salle actuellement. Il a reçu l'ours d'argent aux Berlinales 2014, et un succès critique à la hauteur de sa qualité.

SYNOPSIS

The Grand Budapest Hotel n'est plus que l'ombre de lui-même. Le resplendissant lieu de villégiature d'hier n'est plus que le vestige d'un glorieux passé, perdu quelque part en Europe.

Parmi les rares habitués, M.Zero Moustafa a une histoire à raconter. Ancien groom ("Lobby boy") de l’hôtel, il et aujourd'hui propriétaire des lieux et riche comme Crésus. Au service de l'excentrique M.Gustave, ils vécurent une aventure folle et effrénée, pour obtenir le mystique (et particulièrement laid) tableau du Garçon à la pomme, legs testamentaire d'une cliente très intime de Gustave ( de.quatre fois vingt ans bien tassés)

Un charmant couple que celui du Lobby Boy Zero et de la charmante
mais imparfaite Agathe

CRITIQUE

Wes Anderson, où l'élégance infaillible d'un orfèvre au sommet de son art

Le style excentrique et merveilleux de ce scénariste/réalisateur laisse sans voix. Après les très prometteur Moonrise Kingdom et Fantastic M.Fox, The Grand Budapest Hotel est sans aucun doute la consécration, le sommet de l'art de ce créateur d'univers. A l'instar de David Lynch ou du génial Tim Burton, il réussit à transporter le spectateur dans un univers parallèle, presque fantastique, et surtout cohérent et parfaitement maîtrisé. Le style dandy du cinéma Andersonien est une véritable bouffée de fraicheur à côté des blockbusters peu imaginatif qui sortent bien trop souvent ( qui à dit Pompéi ?).

Une composition toujours travaillée et pertinente !

Un scénario simple, pour une réalisation aussi somptueuse qu' absurde

L'intrigue tient en très peu de lignes. Pourtant, cette simplicité remplie amplement sa tache en permettant de se concentrer sur la majestueuse mise en scène de scènes de plus en plus loufoques.

L'univers crée par Wes Anderson est coloré (rose bonbon en fait), chatoyant et inspiré.

S'il était possible de le décrire fidèlement, je dirai que tout paraît beau, presque utopique. Les costumes sont impeccables et originaux, les meubles et immeubles ont des dimensions disproportionnée.

Il est peuplé par des personnages aussi raffinés qu'excentrique, tous intéressants et théâtraux, malgré un comportement un peu cartoonesque dur à décrire...On a parfois l'impression que l'humour prend le dessus sur notre immersion dans l'histoire.

L'utilisation du format d'image 4/3 est mis au profit de cadrages inspirés et parfaitement maîtrisés.

Une galerie de personnages inoubliables

Le casting est pour le moins ébouriffant !
Ralph Fiennes, qui n'avait guère tourné de rôle important depuis le dernier Harry Potter, est parfait dans le rôle de l'excentrique dandy M.Gustave.
Tony Revolori est un jeune acteur très prometteur, dont les mimiques et la façon d'être m'ont fortement rappelés Pi de l'odyssée du même nom.
Saoirse Rohan, autant que Adrien Brody, sont très convaincants.
Les autres gros noms au casting font des apparitions très courtes et peu marquantes. Et c'est peu être le seul aspect qui m'a un peu décu. J'espère juste que ce sont de simples caméos et non des noms prestigieux au générique . Qu'en pensez-vous ?
Les costumes sont, comme dit plus haut, clairement à la hauteur et renforce encore la cohérence du monde Andersonien.
Enfin, et c'est un aspect essentiel du film, les dialogues sont une pure réussite !
Ils consistent en un curieux mélange d'une verbe digne des plus grands hôteliers, et d'insultes divers et variées, de sarcasme et de burlesque.

Une ambiance sonore au top, desservie par une Version Originale de haut vol

La VO sonne juste et est vraiment agréable à l'oreille, avec un anglais littéraire so Britsh, ainsi que quelques répliques en allemand et en français. Tout cela donne beaucoup de dynamisme aux dialogues, théâtralement interprétés.

La bande originale est ...originale justement. Elle trouve toujours une musique appropriée et sortant des sentiers battus, pour souligner l'action et les émotions à la manière des films muets.

Owen Wilson, ami intime de Wes Anderson, fait
une apparition peu remarquable

Une ode à la différence et à la joie de vivre

La présence des forces nazis dans le film (les escadrons de la mort ZZ pour Zig-Zag, une marque de feuilles à rouler), ne sert qu'à contraster avec la bonne humeur et l'éveil intellectuel de M.Gustave, ses mœurs libérées ("je couche avec toutes mes amis") et les émanations de son parfum "l'Air de Panache" qui emplissent tout l’hôtel.

C'est d'ailleurs surement pour cette raison que Wes Anderson a donné un caractère universel à son oeuvre. Les cultures sont mélangés, les traditions aussi, c'est un univers cosmopolite et fascinant, hors des frontières, tout en étant inscrit dans une période historique donnée.

L'excellent Adrien Brody, ayant notamment incarné le Pianiste
en 2002, est parfait en héritier cupide et irritable

CONCLUSION

Une oeuvre dans laquelle la musique, les dialogues, le rendu visuel et le jeu d'acteur ne font plus qu'un et transposent le spectateur dans un monde irrationnel et fascinant, dont il sortira assurément des images pleins la tête.

Chapeau bas M.Anderson

4.5/5

Merci d'avoir lu cette article, j'espère qu'il parviendra à vous convaincre d'aller, ou de ne pas aller le voir au cinéma. N'hésitez surtout pas à rebondir sur les éléments traités dans cette critique et/ou à proposer les vôtres en commentaire, ou à me faire part de toute remarque sur le blog et sur mon travail dans le champ commentaire ci-dessous. A très bientôt chers web-lecteurs.

MATCH RETOUR (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Tue, 18 Mar 2014 12:44:00 +0000

Un film qui se veut coup de poing mais qui assomme, plus qu'il ne frappe juste !

Match retour est une comédie dramatique orchestrée par Peter Segal, en date du 22 janvier 2014. Elle voit s'affronter deux légendes des films de boxe : Robert de Niro, interprète de Jake LaMotta dans l'excellent Raging Bull, et Sylvester "Sly" Stallone, l'indémodable étalon Italien !

SYNOPSIS

Deux boxeurs, une rivalité légendaire. A la grande époque, Henry "Razor" Sharp (Sylvester Stallone) et Billy "The Kid" McDonnen (Robert de Niro) combattaient l'un contre l'autre au plus haut niveau de la boxe anglaise.
30 ans plus tard, les ravages du temps se sont fait sentir et nos deux cogneurs ont pris beaucoup de gras et de nostalgie d'un passé inachevé : Razor mit fin à sa carrière juste avant un troisième match qui aurait définitivement départagé les deux hommes.
C'est alors qu'une opportunité unique se présenta: par un concours de circonstances, un promoteur pour le moins douteux, Dante Slate Jr (Kevin Hart), leur proposa d'enfiler une dernière fois les gants dans un match retour ultra-médiatisé, pour déterminer enfin qui est le roi du ring.

CRITIQUE

On ne peut pas plaire à tout le monde

Combien ont rêvé d'un duel de l'envergure d'un Rocky v Raging Bull ?
Il est de ces films que nous regardons l’œil bienveillant, leur pardonnant leurs égarements et faiblesses, presque pour les remercier d'exister.
Mais si par malheur le cri de Rocky qui appelle son Adrienne le visage ensanglanté vous eûtes laissé indifférent en 1976, ne vous attendez pas à apprécier Match Retour.
Les clins d’œil multiples, tel que De Niro proclamant son désormais culte "Are you talkin' to me ?" ou Rocky souhaitant frapper les viandes surgelés chez le boucher, donnent à ce film un côté film à sketch. Certains vont adhérer et voir un hommage respectable aux deux légendes, d'autres reprocheront au film de tourner en dérision lesdits boxeurs.

"Regrets, I have a few"....

Pourquoi avoir choisi de réaliser une comédie, qui n'a de dramatique que le nom ?
Personnellement, j'ai bien plus aimé la tentative dramatique finale que les omniprésentes scènes comiques, que l'on sent venir comme l'on sentirait passer un uppercut émanant de Rocky Balboa.

Un scénario hollywoodien d'une prévisibilité insultante
vu et revu, le scénario ne vaut pas un copec ! Pire, l'absence de toute prise de risque est détestable et frustrante (ils ne vont quand même pas tomber dans ce cliché ?...Et si !)
Et s'il vous plait, le coup du fils caché qui débarque dans la vie de son père qui l'a délaissé mais qui fait tous pour s'amender auprès de lui....dehors !

Un jeu d'acteur inégal, avec quelques bonnes surprises
Sly est fidèle à lui-même, et récupère tous les éléments de la personnalité de Rocky ! La tchatche mythique de l'Italian Stallion est de retour, et ce n'est pas pour nous déplaire.
Quant à Robert de Niro, il est fidèle à lui-même et son jeu d'acteur très convaincant. Mais pourquoi n'avoir pas repris la personnalité de Jake LaMotta ? Pourquoi n'avoir pas ressuscité le taureau ?
Kevin hart fait beaucoup sourire avec un Dante Jr prétentieux, matérialiste et égocentrique, rappelant fortement P.Diddy dans American Trip !

Le ridicule ne tue pas, mais il rend plus lourd
Les deux références de la boxe auraient mérités un traitement plus sombre et sobre. Ici, le cœur du film met en scène deux vieillards, qui se plaignent du poids de l'âge à tout bout de champ, et s'envoient des pics faciles à ce sujet. Certaines scènes sont clairement surjouées, mais je ne ferais aucun reproche aux deux légendes du grand écran, on ressent clairement que c'est une exigence du (critiquable) réalisateur Pete Segal !

CONCLUSION

Prévisible et surfait, c'est un film qui se veut coup de poing mais qui assomme, plus qu'il ne frappe juste !
Pour autant, tout n'est pas à fouler aux pieds. Malgré ses lacunes évidentes, Match Retour reste un divertissement maîtrisé qui rend un hommage (imparfait) aux deux maîtres de la boxe filmique. A réserver aux fans qui ne connaissent pas la notion de sacrilège, et qui veulent passer un dernier moment avec ces deux légendes inoubliables.

2.5/5

N'hésitez pas à donner vos avis sur Match Retour et le présent article dans le champ commentaire ci-dessous, et à aimer la page Facebook ou le flux RSS si vous voulez être informé à chaque nouvel article. Amis cinéphile, à très bientôt !

NEUF MOIS FERME (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Thu, 13 Mar 2014 14:33:00 +0000

Neuf mois ferme est une comédie française sortie le 16 octobre 2013, et réalisée par le savoureux acteur/réalisateur Albert Dupontel. A juste titre, ce film complètement barré s'est vu gratifier aux Césars 2014, d'un César de la meilleur actrice pour Sandrine Kiberlain , et d'un César du meilleur scénario original pour Albert Dupontel.

SYNOPSIS

Brillante juge d'instruction, Ariane Felder (Sandrine Kiberlain) est bien plus à son aise avec les prévenus que dans sa vie privée.

Froide, autoritaire, et célibataire endurcie, elle travaillait dans son bureau du palais de justice le soir du réveillon, lorsque ses collègues débarquèrent et parvinrent à la convaincre de venir faire la fête avec eux. Quelques litres de champagne plus tard, voilà notre magistrate ivre dans la rue, longuement"satisfaite" contre des poubelles par un illustre inconnu.

Il s’avérera peu de temps après que ce mystérieux personnage n'est autre que Bob "le globophage" (Albert Dupontel), un cambrioleur accusé d'avoir découpé sauvagement un veuf en déambulateur, et d'avoir mangé ses yeux !

Comme si cela ne suffisait pas, Ariane se rend compte 6 mois plus tard qu'un "petit habitant lui faisait sous le nombril" (comme dirait Renan Luce). Détruite psychologiquement, la vie de ce fragile occupant ne tient plus qu'à un fil (d'Ariane !)...

CRITIQUE

Avec un synopsis pareil, on pourrait s'attendre à un drame social bien François. Pourtant, Albert Dupontel nous offre ici une délicieuse comédie, noire par moment, mais qui fait toujours mouche. Une véritable bouffée de fraîcheur.

Des personnages (dans l'ensemble) réussis.

Ariane est une véritable peau de vache. Cassante, morne et grave, elle est bien plus crainte qu'aimée par les magistrats, mais surtout par les avocats.
Au fur et à mesure de l'avancement du scénario, elle montrera un côté plus sensible, et même un peu d'humour ! Elle est comme les oignons ( et les ogres), constituées de couches qui tombent lorsqu'elle commence à apprécier le candide cambrioleur. Attachante et authentique, Sandrine Kiberlain mérite bien son César !

Pourtant très bon acteur, j'ai eu plus de mal avec le personnage écrit et joué par Albert Dupontel. Il en fait trop, et me rappelle par moment des "comiques" que j'ai en horreur, tels qu'Eric et Ramzy. Mais on lui pardonne !

Venons-en maintenant au meilleur: je cite l'avocat pénaliste bègue de Bob, Hilarant !

Ses plaidoiries sont magiques, par leur inventivité et leur inefficacité (il en vient tout de même à justifier le fait de manger les yeux de sa victime, par une carence en protéine du criminel ! )

Une comédie très inspirée !

La trame principale est très prenante, et donne l'agréable sensation de jamais-vu.

Mais le film ne s'arrête pas là, avec un nombre important de personnages secondaires et de scènes improbables ! Quelques exemples :

le policier hilare devant les bandes de vidéosurveillance, ayant immortalisé les ébats de la magistrate éméchée.
Le médecin légiste, qui "jardine" le corps de son patient, à coup de grosses cisailles !
La reconstitution des malheurs du vieillard "homme tronc", à qui l'on fait subir les pires ignominies (le coup du mixeur qui, se sentant seul sur son plan de travail, décida de mixer les orbites du malheureux !)
La prise d'ADN a coup de club de golf...

Je n'en dirai pas plus, hormis que ce film mérite d'être vu au moins une fois... Vous allez pleurer de rire !

CONCLUSION

Comédie noire et osée, elle vous assure 90 minutes de fou rires ! Une très bonne surprise.C'est une véritable bouffée de fraîcheur dans un paysage cinématographique français qui déçoit, souvent. A voir une fois, et plus si vous adhérez à l'aura unique dégagée par ce film.

3,5/5

PS: N'hésitez pas à utiliser le champ commentaire pour donner votre propre ressenti sur le film, ou tout simplement à donner votre avis sur l'article. Cela me ferait très plaisir.

A bientôt !

THE MACHINIST (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Mon, 10 Mar 2014 12:40:00 +0000

«Si t'étais plus maigre, tu pourrais pas vivre...»

The Machinist est un drame américain réalisé par Brad Anderson sorti en 2005. Dérangeant à souhait (un cran au dessus de Trainspotting, c'est dire ! ), on retiendra l'incroyable performance physique de Christian Bale qui a perdu 28 kg pour interpréter Trevor.

SYNOPSIS

Trevor Reznik travaille à la chaîne. Le reste de son temps, il le partage entre sa prostituée de confidente Stevie et Marie, la serveuse du bar de l'aéroport, qui est très intriguée par sa façon d'être.
Et cela se comprend : Trevor est anorexique, mal dans sa peau, mais surtout insomniaque à un stade que l'on pourrait qualifier de morbide.
Mais à partir du jour où un accident grave se produit à l'usine par sa faute, le peu de raison qu'il lui restait encore éclate pour laisser place à la paranoïa et au sentiment d'oppression. Qui est ce mystérieux employé à l'américaine rouge ? Qui met ces post-it sur son frigo ? Il en veut au monde entier, et perd complètement le contrôle sur sa vie...

CRITIQUE

Une performance ahurissante de Christian Bale

Pour rentrer dans son personnage, l'acteur qui interprétera peu de temps plus tard un Batman puissant et athlétique, s'est nourri uniquement d'une boîte de thon et d'une pomme par jour pendant trois mois, jusqu'à atteindre une maigreur morbide.

Il enchaînait les nuits blanches pour pouvoir rentrer dans la peau de Trevor... Et quelle claque !

Dès les premières minutes du film, un sentiment de malaise et de vulnérabilité nous envahit. Le squelettique Reznik est là, debout sur ses jambes chancelantes, avec un teint cadavérique et une détresse apparente. Le spectateur sait que, quoi que le film lui réserve, il ne sera jamais indifférent à la détresse du machiniste...

Un travail somptueux sur les lumières et les couleurs

Le jour, la nuit, Trevor a depuis longtemps oublié ce que cela signifiait. Après un an d'insomnie totale, la vie n'est plus qu'une succession de moments inconfortables et malsains, hors de toute notion du temps. Et cela est parfaitement rendu par la caméra de Brad Anderson ! Le jour est terne et incolore, la nuit est froide et oppressante. L'usine a des tons métalliques et contrastés.

T.Reznik, tout comme le malheureux qui regarde ce film, est plongé dans un monde cauchemardesque, où tous les éléments les plus anodins prennent une apparence étrange.

Pas une seconde de répit ! Une simple ballade à la fête foraine, avec une jolie femme et son enfant, arrive à créer le malaise : musique inquiétante, tunnel sombre et ombres travaillées, lenteur, tout est fait pour ruiner la magie d'un moment qui se voulait agréable. La respiration s'accélère, la tension monte...

La solitude, l'oppression et la paranoïa

Bienvenue dans les méandres de la folie. Trevor, à cause de son inhumaine privation de sommeil, perd toute notion de réalité. A la détresse physique s'ajoute bien vite la détresse psychologique , et enfin la détresse sociale. Rien ne lui est épargné.

Il n'est plus que l'ombre de lui-même, une silhouette rachitique dans un appartement rempli de post-it de plus en plus inquiétants, le rêve prend peu à peu le dessus sur la réalité.

Il perd peu à peu toutes ses attaches sociales, même Stevie commence à le trouver étrange, puis il y a ce chauve, toujours au mauvaise endroit au mauvais moment. Veut-il me tuer ?

Pourquoi personne d'autre ne semble reconnaître son existence ? J'ai compris, c'est un complot, et tous le monde est dedans... Je suis seul.

Un scénario intelligent, à interprétations multiples

L'oeuvre ne souffre d'aucun temps mort, chaque scène est occasion à descendre d'un cercle supplémentaire dans l'enfer "psycho-somato-social" de la vie de Trevor.

A la manière d'un Shutter Island, la question récurrente que vous vous poserez sera la part de folie et de réalité dans les différentes images que le film vous présentera / fera subir.

La fin est énigmatique, et peut faire l'objet des théories les plus folles sur la nature de révélations qu'elle apporte. Je ne peux que vous conseiller de visionner ce film, et de vous faire votre propre idée sur les nombreux aspects du film qui sont laissés à l'appréciation du spectateur.

CONCLUSION

Bouleversant, déstabilisant et magnétique, les adjectifs ne manquent pas pour essayer de caractériser l'enfer dans lequel nous plonge ce film.
Ce n'est pas un film agréable à regarder, ce n'est pas un divertissement: C'est une oeuvre d'art. Pour peu, la démence du personnage serait contagieuse...

4/5 (et gros coup de cœur !)

PS : N'hésitez surtout pas à dépuceler le blog d'un commentaire pour partager vos avis, remarques et suggestions, et si vous le souhaitez à rejoindre la page Facebook pour être informé à la sortie des nouveaux articles. A plus !

300 : LA NAISSANCE D'UN EMPIRE (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Wed, 05 Mar 2014 21:38:00 +0000

«Ce soir, nous danserons sur leurs cadavres !» (Artémise)

300: La naissance d'un Empire est un film que l'on pourrait qualifier de péplum à action stylisée d'inspiration historique avec des éléments fantastiques (ouf !). Il est sorti en salle aujourd'hui, en ce 5 mars 2014, et a été réalisé par Noam Murro, un publicitaire qui signe là seulement son second long-métrage !

SYNOPSIS

Parallèlement au baroud d'honneur héroïque du roi Léonidas et de ses 300 spartiates d'élite du premier opus, Athènes est menacée par l'invasion Perse. Le général Grec Thémistocle (incarné par Sullivan Stapleton) va tenter de confédérer les cités-états grecs pour s'unir face à l'impressionnante armée du roi-dieu Xersès (Rodrigo Santoro), qui fera tout pour détruire la culture démocratique grecque, et annexer ses territoires. Et ce n'est pas une mince affaire ! Entre l'entêtement des entités grecques à rejeter toute alliance, et la puissante marine perse menée par la sulfureuse Artémise (Eva Green), le leader grec va devoir faire preuve d'un courage et d'un charisme à tout épreuve...

CRITIQUE

La réalisation

Pari réussi pour Noam Murro! Graphiquement, le rendu est à la hauteur de ce qu'on pouvait attendre de cette suite. Elle a réussi à conserver l'identité visuelle qui avait, du moins en partie, fait le succès de son prédécesseur : De la violence stylisée et chorégraphiée, des décapitations improbables, et des litres d'hémoglobine à la première éraflure !
Avec son esthétique de bande-dessinée, ses ralentis , ses lumières impeccables et ses audacieux plans de caméra, la réalisation est tout simplement somptueuse !
On en prend pleins la gu.. et on en redemande !

Les personnages

Artémise, délicieuse Artémise...

Difficile d'imaginer une actrice qui aurait pu égaler la charmante Eva Green dans l'interprétation de ce personnage mystérieux, sur lequel j'aimerai m'attarder:Artémise est ambiguë, elle est aussi fragile que redoutable. Psychologiquement, elle paraît de prime abord rongée par la noirceur, la cruauté, l'ambition et la haine. Pourtant, elle dévoile au fur et à mesure du film quelques faiblesses, qui rendent son personnage (presque) attachant. Physiquement, malgré sa plastique et sa maigre constitution, elle s'avère une combattante redoutable, dans un style "assassin" qui lui convient parfaitement; Rapide et efficace. Sans nulle doute, c'est le personnage le plus réussi ! Aucun autre protagoniste ne rivalise avec elle, et je vous explique de ce pas pourquoi.

Un Thémistocle peu inspiré.

Il déçoit, et c'est probablement le plus gros point noir du film.
En un mot, il est bien trop classique ! Prenez n'importe quel acteur au physique agréable et bien bâti, mettez lui une épée et un bouclier, imprégnez-le d'un code de bonne conduite, de beaucoup d'honneur et de courage, et vous avez un héros certes "héroïque", mais c'est tout ! Il manque de charisme, de profondeur et d'originalité. Il ne se démarque à aucun moment par un trait particulier ou une réplique fameuse ! ...Et bien évidemment, il souffre de la comparaison avec Léonidas de Sparte, incarnée par Gerard Butler dans le premier opus, qui a marqué toute une génération et qui nous a démontré qu'il représentait bien plus qu'une marque de chocolat Belge...

Xersès, que t'ont ils fait ?

Autant, le dieu-roi était intriguant dans 300 premier du nom par sa démesure, sa cruauté et son physique atypique, autant ici il perd toute crédibilité en s'avérant n'être que la marionnette de la belle Artémise.

Des personnages secondaires peu intéressants...

Le méchant général Perse, le courageux et fidèle frère d'arme athénien, et quelques autres.De toute façon ils ne vivent pas assez longtemps pour accomplir quoi que ce soit !

Réalisme, véracité historique et choix scénaristiques

Il y aurait beaucoup à dire sur ses aspects, mais je me contenterai de quelques remarques sur les éléments qui ont attiré mon attention.

Primo, pourquoi avoir rendu Thémistocle si "mainstream" (voir ci-dessus), alors que le général athénien historique était, selon Plutarque, un homme avide de gloire, cupide, vaniteux et ambitieux ? Il aurait été bien plus intéressant de le présenter tel qu'il était vraiment, avec ses démons intérieurs. Personnellement, cette version édulcorée et sans saveur du personnage me sort par les yeux !
Secundo, comment se fait-il qu'une armée de quelques centaines de bougres repoussent une fois de plus les Perses sans rencontrer de difficulté ?
Autant, que 300 spartiates d'élites menés par l'un des plus grands chef militaire de tous les temps résistent plusieurs jours aux Perses avant de succomber avec honneur, j'accroche.Mais dans cet opus, les bodybuilders invincibles qui livrent bataille sont...Des paysans et des commerçants appelés à la guerre! Et ils sont tout aussi redoutables...
Tertio, les trières grecques sont, à l'image de leurs occupants, un peu dopées. En effet, elles atteignent des vitesses faramineuses pour des navires à rames, résistent à tous les chocs et leurs éperonnages sont fatals.

Mais rien ne sert de trop s'étaler là-dessus. A l'image de Pompéi, ce ne sont que des éléments laissés à la subjectivité de chacun qui ne nuisent pas à l'expérience cinématographique.

CONCLUSION

Réaliser une suite à l'épique 300 n'était pas chose facile. Et pourtant, bien
qu'un peu en dessous de son prédécesseur, 300: La naissance d'un empire reste un exutoire de grande qualité, qui vous fera passer à coup sûr un bon moment.

3,5/5

N'hésitez pas à laisser un commentaire, et à rejoindre la page Facebook si le cœur vous en dit. Au plaisir de discuter cinéma avec vous !

LA PLAGE (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Mon, 03 Mar 2014 14:05:00 +0000

«Le désir est le désir, où qu'on aille, le soleil ne l'estompera pas, la marée ne l'emportera pas...»

La Plage est un film d'aventure/thriller du réalisateur Britannique Danny Boyle, qui a notamment réalisé Trainspotting et 127 heures. Il est sorti en salle en Février 2000.

SYNOPSIS

Richard (Leonardo DiCaprio) est un jeune Américain en mal d'aventure. Lors d'un voyage existentiel en Thaïlande, il rencontre Daffy (Robert Carlyle), un homme vraiment dérangé, qui fait irruption dans sa chambre d'hôtel et lui parle d'une île secrète. Le lendemain, il retrouve le cadavre du mystérieux énergumène de la veille, ainsi qu'une carte indiquant l'emplacement du lieu gardé secret. Il décide de se lancer dans l'inconnu, accompagné d'un jeune couple de français, Etienne et Françoise (incarnées par Guillaume Canet et Virginie Ledoyen). Mais l'île n'est peut être pas si paradisiaque qu'il n'y paraît...

CRITIQUE

Le mythe du bon sauvage

Sur l'île, les protagonistes font la rencontre d'une communauté, des habitants de toutes les régions du globe qui ont décidé de vivre dans le secret sur cette île selon un mode de vie simple et authentique: pêche, musique, cannabis... Une sorte de groupement hippie, qui vit en autarcie, loin de l'agitation du monde extérieur.

A la manière de Diderot (Supplément au voyage de Bougainville), ou de Montaigne dans Des Cannibales, Danny Boyle semble dénoncer l'absurdité du monde contemporain en idéalisant une vie traditionnelle et pure, ou l'on prend le temps d'apprécier les plaisirs simples.

Et ça marche ! Qui n'a pas rêvé de rejoindre cette joyeuse troupe en découvrant ce film ?

Mais comme d'habitude, les choses ne sont jamais ce qu'elles semblent être dans les réalisations du talentueux Boyle...

Un homme cruel par nature

La première partie du film est utopique. Des hommes unis et solidaires, du sable fin, des plantations infinies de weed et un groupe d'îles au moins aussi bucolique et doux que l'île de Porco Rosso.
Mais l'île et ses occupants montrera bien vite des côtés plus sombres et oppressants !

La deuxième moitié du film est dystopique et met en scène les pires instincts primaires de l'homme:

Sa faiblesse et sa couardise : Pourquoi se préoccuper d'un blessé qui gémit de douleur? Il n'a pas su choisir entre la vie et la mort, et ne mérite que d'être abandonné dans la forêt, loin des yeux et des oreilles de tous !
L'immoralité la plus totale : Pour préserver un secret, ils sont prêts à laisser mourir de la gangrène un malheureux plutôt que de l'amener voir un médecin, et risquer de se compromettre.
La folie et le retour à l'état sauvage: L'isolement, le ressenti et la peur ramènent l'homme à ses instincts animaux. Tuer pour ne pas se compromettre, la paranoïa et la peur du démon en chaque homme, Danny Boyle nous montre que l'homme est influençable et faible, et l'humanité comme on l'entend de nos jours n'est qu'une façade qui se brise aux premières difficultés éprouvées.

Un film philosophique ?

Oui, oui et encore oui ! Le principal intérêt du film, même si la forme et le scénario sont intelligents, est de traiter de questions passionnantes en stimulant l'esprit du spectateur: Jusqu'où peut-on aller pour préserver nos intérêts propres? Qu'est-ce que le bonheur véritable ? A quel prix faut-il réaliser nos envies ? Quelle est la vrai nature de l'homme ?

Le film ne donne pas de réponses, il ne prend pas parti, et agit plutôt comme un catalyseur destiné à nous amener à la réflexion.

CONCLUSION

Je vous conseille vivement de prendre le temps de le regarder, si vous êtes sensibles aux thématiques évoquées. C'est un film profond et très captivant, qui a le mérite d'amener à la réflexion. Il ne laissera personne indifférent !

Il va, je pense, devenir l'un de mes films de chevet.

3.5/5

Merci d'avoir lu cette critique, n'hésitez pas à partager l'article sur votre réseau social préféré, et à laisser un commentaire. Que pensez-vous de ce film ?

BONUS: LES RESSEMBLANCES AVEC FAR CRY 3

Petit parallèle qui, je le pense, vaut le coup d'être évoqué, et qui plaira à nos amis gamers.
Le jeu Far cry 3 édité par Ubisoft reprend énormément d'éléments de ce film, intentionnellement ou non je n'en sais rien, mais c'est flagrant !

L'immense champ de cannabis,
Les champignons hallucinogènes consommés sans modération.
L'utilisation de pierres pour détourner l'attention des mercenaires.
Bien évidemment, la présence d'un groupe de jeunes sur une île paradisiaque infestée de mercenaires armés !
La ressemblance entre la tribu de guerriers de Far cry, et la communauté de La plage, qui toutes deux tatouent leurs membres, et vivent simplement.
Le combat contre le requin au couteau.
L'homme à la peau bronzée qui aide le personnage principal à s'intégrer dans la tribu.
Un héros aux apparences candides, mais violent et redoutable.

Et très certainement d'autres, mais je m'arrête ici.
Sur ce je vous laisse, et à très bientôt !

POMPÉI (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Sun, 02 Mar 2014 20:31:00 +0000

Pompéi est un film d'action/catastrophe à gros budget, sorti en février 2014 sur le grand écran, et produit par le réalisateur Britannique Paul W.S Anderson (Resident evil, Death race)

SYNOPSIS

Milo (incarné par le prometteur Kit Harrington, Jon Snow dans la série Games of Thrones) est le dernier survivant d'une tribu de fiers guerriers montés, massacrés par les légions romaines lors de leur conquête de la Britanie.Réduit à l'esclavage, il est contraint d'épouser la "carrière" de gladiateur. Ses victoires le mènent jusque Pompéi, riche cité Italienne, pour affronter en combat singulier le champion local Atticus, qui en cas de victoire et d'après la loi Romaine, redeviendra un homme libre.Mais rien n'est simple, dans une ville ou se mêlent politique, richesse et pouvoir...Sans compter que le Vésuve gronde !

CRITIQUE

Un film explosif !

Attention les mirettes, ce long-métrage est une véritable orgie visuelle ! Les effets spéciaux sont particulièrement soignées et ambitieux: en effet, jamais de mémoire de cinéphile une éruption volcanique, que dis-je, une catastrophe naturelle, n'aura bénéficié d'une aussi belle réalisation : Les roches en fusion pleuvent sur la cité de Pompéi, en détruisant tout lors de l'impact, les bâtiments sont engloutis par les glissements de terrain, et les bateaux avalés par un tsunami gigantesque !

La contrepartie évidente est que le film perd, à l'instar du récent Gravitiy, une grande partie de son intérêt s'il n'est pas vu dans de bonnes conditions, et de préférence en trois dimensions.

Des combats assez inventifs

Force est de constater que l'équipe du film a réussi le défi de rendre les combats très dynamiques, bien chorégraphiés, mais surtout originaux : mention spéciale à la reconstitution dans l'arène de la bataille entre les conquérants Romains et les guerriers celtes enchaînés qui, de mon point de vue, est vraiment jouissive ! (prenez un cheval, une trentaine de légionnaires, un mont de rochers, et des gladiateurs en infériorité numérique mais surentraînés, et vous obtenez une bataille épique !)

Mais de nombreux défauts qui en font un film vite oublié

Tout n'est maheureusement pas rose dans cette production titanesque.

Premièrement, le scénario est un condensé de vu et revu : un héros solitaire et courageux, une idylle amoureuse impossible, un vilain méchant sénateur Romain qui cherche à écraser le héros et à épouser sa bien-aimée, un rival qui bien vite devient son "frère" dans l'adversité.Vous me direz, certaines grandes tragédies, dès l'antiquité, sont de véritables chefs-d'oeuvre avec une histoire aussi manichéenne et classique que dans Pompéi, mais ici la magie n'opère pas ! Pourquoi ?
Les dialogues sont très limités, et ne servent qu'à faire progresser l'aventure, sans apporter de plus-value : ils ne sont ni fins, ni grossiers, ni originaux. Ils n'ont aucune charge émotive et sont extrêments simplistes.
Les protagonistes ne sont pas charismatiques une seule seconde ! Il faudrait expliquer aux scénaristes que le simple fait de parler peu ne suffit pas à rendre un personnage héroïque ! Léonidas de 300 parlait peu, mais quand il décidait de le faire, ça avait de la gueule ! ("Today, we dine in hell !").
Alors que dans Pompéi, pas de phrase cultes, pas de grandes envolées lyriques, que des petits bouts de phrases prononcés sans grande conviction...

Pour faire court, la puissance dégagée par l'intrigue et les dialogues de Pompéi tient plus de la série Spartacus que de Gladiator, et Milo est plus Thémistocle que Léonidas.

CONCLUSION

Un bon divertissement, à voir surtout pour s'en mettre pleins les yeux.

3/5

TRAINSPOTTING (critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Wed, 26 Feb 2014 20:56:00 +0000

«J'ai choisi de ne pas choisir la vie, j'ai choisi autre chose. Les raisons ? Y'a pas de raisons. On a pas besoin de raisons quand on a l'héroïne.»

Oui oui, c'est bien ce que vous croyez voir...

Trainspotting est ce que l'on pourrait appeler, selon les préférences, un inclassable ou un drame social psychédélique à résonances tragi-comiques.

Il a été réalisé par le dérangé Danny Boyle (Slumdog millionnaire, 127 heures) en 1996.

SYNOPSIS

Mark Renton (Ewan McGregor) est un toxicomane Édimbourgeois. Bien qu'étant un anti-héros, il vit pourtant pour l'héro et par l'héro. Plusieurs fois il essaie de reprendre sa vie en main. Mais pour lui, cela n'a pas de sens, il rejette la société de consommation, et pisse sur les petites vies rangées. Il fréquente une belle bande de bras cassés (troués pour être plus précis), et le seul non-junkie de la bande est un alcoolique particulièrement belliqueux . De fil en aiguille (haha), il se retrouve impliqué dans de nombreux mauvais plans, et essaie de prendre ses distances avec ses marginaux de potes...

CRITIQUE

Trash et sans compromis

Autant le dire tout de suite, le film ne fait pas dans le bien-pensant aseptisé.
Du cul, du sang, et des excréments...surtout des excréments en fait !
Une scène particulièrement parlante à ce niveau est la plongée de Mark Renton dans des toilettes particulièrement insalubre, à la recherche de deux suppositoires à l'opium qu'il venait d'expulser. Il est conseillé de regarder ce film le ventre vide !

La drogue: un bien pour beaucoup de mal

Danny Boyle à choisi de ne pas diaboliser l'héroïne à la manière de Requiem for a dream.
Il en propose une vision originale, ne dissimulant pas les plaisirs intenses qu'elle procure à la bande d'héroïnomane.
Pourtant, il n'en fait pas pour autant l'apologie. Certaines scènes sont là pour nous le rappeler tout le long du film, montrant la culpabilité (après une négligence extrême due à la perte de la notion de réalité), le sida, le manque: les conséquences de l'addiction sont montrées de façon crue et très perturbante.
Pour conclure, je dirai que malgré une apparente légèreté et beaucoup d'humour, le film est sombre et pessimiste.

Jeu d'acteur et BO au top...

L'interprétation du personnage de Renton par l'acteur de Big Fish est mémorable ! Ewan McGregor est très convainquant en toxicomane anticonformiste.
Robert Carlyle est impressionnant dans le rôle de Begbie, le psychopathe de la bande.
La bande originale n'est pas en reste, et eut au moins autant de succès que le film lui-même ! Rythmée et minimaliste.

...Malgré quelques faiblesses

Malgré ses grandes qualités, certaines lacunes gâchent légèrement le plaisir. Citons tout d'abord l'inégale qualité des scènes: certaines sont réellement étonnantes (la baston dans le bar, la chasse aux passants dans le parc), d'autres ont un intérêt assez limité (la cure de désintoxication, la relation avec la lycéenne (Kelly Macdonald) qui, malgré un début jouissif, s'essouffle vite...)

Similarités et différences avec d'autres œuvres

En premier lieu, avec Requiem for a dream, pour le thème et la performance d'acteur ! Bien que la comparaison s'arrête là, les deux réalisateurs ayant choisis deux voies très différentes pour traiter le sujet.
A mon avis, il se rapproche bien plus du film culte Les affranchis de Scorsese:
Un héro en marge de la société, rejetant le schéma classique de l'existence, ayant des parents traditionalistes et une insatiable envie de liberté. Il tombe jeune dans la délinquance et fréquente un ami fou et violent dont ils doit assumer les actes (Begbie et Tommy DeVito ont beaucoup en commun). Au niveau des techniques scénaristiques, des gros plans maîtrises, un narrateur commentant des arrêts sur image, et maints éléments encore. Tous deux excellents, bien que ne se ressemblant pas sur la forme.

CONCLUSION

Parler de ce prodige n'est pas simple. Sa richesse est telle qu'il plaira autant au spectateur grivois qui appréciera l'absence de concession , au rêveur qui y trouvera un film existentielle et initiatique unique, qu'à l'amateur de cinéma qui ne restera pas insensible à son indéniable aura.

4/5

ESTHER (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Mon, 24 Feb 2014 17:38:00 +0000

«Quelque chose ne va pas chez Esther»

Esther (n.f) - Désigne communément: une adorable petite fille, aussi coquette que bien éduquée.
Peut aussi faire référence à : un démon sanguinaire, une tueuse sadique, à l'expression "l'habit ne fait pas le moine".

Esther est un thriller horrorifique réalisé par Jaume Collet-Serra (La maison de cire) et sorti en 2009.

Synopsis

Kate et John Coleman forment un couple qui en a bavé. Après la perte d'un enfant, Kate est sujette à des cauchemars récurrents. Dans l'espoir de retrouver une vie normale, ils décident d'adopter la charmante petite Esther à l'orphelinat des bonnes sœurs. Mais l'enfant a un comportement de plus en plus étrange, au point de mettre la famille en péril. Et seule Kate semble s'en rendre compte...

Critique

Esther est un grand thriller. Pourquoi ?

Un jeu d'acteur de haut vol : La mère adoptive d'Esther est interprétée par une Vera Farmiga très convaincante en femme qui en a vu des vertes et des pas mûres. Une femme rongée par le chagrin et le remords, prisonnière d'un passé malheureux empli de traumatisme encore ouverts.
Esther quant à elle est magnétique. La jeune Isabelle Fuhrman réussie parfaitement le défi de réussir à nous faire aimer son personnage, une petite fille à la personnalité fascinante, pour ensuite ruiner cette complicité en détruisant tout ce qui faisait le charme de l'enfant ... Mais je n'en révélerai pas plus pour ceux qui n'ont pas encore eu la chance de voir Esther.

Les autres acteurs (John et les autres enfants) ne sont pas en reste, mais sont moins marquants.

Un rythme poussif et maîtrisé : La tension, lors du visionnage d'Esther, monte en crescendo.
Le film réussi le défi de ne jamais ennuyer le spectateur, tout en proposant un rythme assez lent. Je me suis d'ailleurs surpris à espérer que la petite Esther soit bien la charmante enfant qu'elle semblait être , tellement l'oeuvre parvient à créer de l'empathie pour la famille et Esther.

Cette montée en puissance atteint son paroxysme avec la révélation assez tordue et terrifiante de la fin du film. Jouissif.

Conclusion

Une très bonne pioche, planant bien haut par rapport aux trop nombreux navets qui sont pourtant bien plus connus et reconnus (paranormal activity...)

A voir et à revoir !

4/5

VOL AU DESSUS D'UN NID DE COUCOU (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Fri, 21 Feb 2014 11:12:00 +0000

Vol au dessus d'un nid de coucou est un long-métrage sorti en 1975 de Milos Forman, à qui l'on doit également les très bons Amadeus et Man of the Moon.Il reçut les cinq principaux oscars, dont celui du meilleur film !

Synopsis

Jack Nicholson incarne un détenu qui, pour échapper à son incarcération, tente de duper tout le monde en se faisant passer pour fou. Et faites-moi confiance, avec son sourire de psychopathe et l'impulsivité de son personnage, Randall Patrick McMurphy, il ne pouvait que réussir.

Au sein de l'asile, il se fera rapidement une place de "leader positif'" en se jouant de l'équipe médicale et en prenant sous sa tutelle plusieurs aliénés (dont Christopher Lloyd et Danny de Vito, tous deux magistraux). Mais notre coucou chasse sur le territoire de l'autoritaire Mademoiselle Ratched, infirmière en chef...

Redoutable, cruelle, inhumaine...

Critique

Ce film est un chef d'oeuvre. C'est tout simplement le film sur les thématiques de la folie et des asiles psychiatriques qui traite le sujet avec le moins de fioritures. Ces 133 minutes prennent aux tripes. Milos Forman a protégé sa création de tout moralisme ou manichéisme.

On se demande à chaque instant qui est le plus fou.

McMurphy, son comportement hystérique, impulsif, son rire tout droit sorti du neuvième cercle de l'enfer, et ses blagues douteuses qui sentent bon l'argot des années soixante ;
Les autres internés, chacuns avec leurs troubles particuliers, mais tous avec un bon fond ;
Ou encore la cruel infirmière Ratched qui, malgré une apparence de femme droite et irréprochable, prend un malin plaisir à faire souffrir les malades pour les garder sous son influence ?

Le jeu d'acteur tend vers la perfection. Chacun a réussi à rentrer dans son personnage, et tous restent cohérent du début à la fin. Un lien fort se crée entre le spectateur et cette bande d'affreux. Mention spéciale à certaines scènes, qui sont vraiment inoubliables (le match de baseball conté par Jack N. , la soirée improvisée, et la scène finale...)

Les autres aliénés ne sont pas en reste, avec l'attachant Billy bibbit (ou B-b-bi-ly bibibit pour les intimes), ou l'énigmatique Chef, un gigantesque indien sourd/muet.

En plus de ces nombreuses qualités, le film se permet un humour (noir) permanent, proféré par un Jack Nicholson en pleine forme !

Conclusion

Sans détour, à voir absolument.

5/5

PORCO ROSSO (Dossier)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Wed, 19 Feb 2014 14:48:00 +0000

Cette scène vous marquera durablement !

Pourquoi ce dossier ?

Porco Rosso est le plus beau film d'animation qu'il m'ait été donné de voir. Je voulais lui rendre hommage, en espérant susciter chez vous l'envie de vous plongez dans ce chef d'oeuvre, et plus généralement dans l'univers du studio Ghibli à l'occasion de la sortie du dernier film de Hayao Miyazaki, Le vent se lève.

L'ayant vu plusieurs dizaines de fois, je me devais d'écrire sur ce film
qui m'a tant inspiré et influencé.

J'essaierai de conserver intacte la surprise de ceux d'entre vous qui comptent le regarder, en évitant au maximum le spoil.

I- FICHE

Titre: Kurenai no Buta (Porco Rosso)
Année de création : 1992
Oeuvre original/réalisateur: Hayao Miyazaki
Bande original : Joe Hisaishi

II- Le SYNOPSIS

Porco Rosso, pilote d'élite d'un hydravion rouge vif, est chasseur de prime de son état. Ancien militaire lors de la guerre de 14, il s'est reconverti dans la poursuite des "pirates du ciel", des hommes peu scrupuleux. Il vit seul sur une splendide île qu'il a aménagé, ou il mène une vie calme et simple. Il ne la quitte que pour exercer son art, ou encore pour aller écouter Gina chanter à l’hôtel Adriano.

Mais l'irruption de Curtis, impétueux Américain à l’ego surdimensionné, va obliger Marco Paggoto (le seul cochon volant de toute l'Adriatique) à tout abandonner pour vivre une aventure riche en surprises...

III- Les PERSONNAGES REMARQUABLES

Porco, Fio (la jolie rouquine), Curtis (le moustachu, mais sans groin), et Gina (la "femme au grand chapeau")

Marco "Porco Rosso" Pagotto : Porc Rouge est le protagoniste principal du récit. Il est misogyne, assez asocial, et pourtant attachant avec son sale caractère et son grand cœur.

Gina; Splendide chanteuse Italienne, elle est l'amour de jeunesse et la meilleure amie de Marco. Elle espère, chaque fois que porco passe au dessus de l’hôtel en avion, qu'il viendra la voir sur la terrasse de l’hôtel, afin qu'elle puisse lui avouer ce qu'elle a sur le cœur.

Fio: Jeune demoiselle au "cul de souris", doté de beaucoup de courage et d'un brin de candeur, elle devient, malgré que tous les opposent, la partenaire de vol de notre héro.

Donald Curtis: Pur produit des années folles, séducteur notoire et Américain patriote, il est l'alter ego de Porco Rosso: beau, riche, jeune, vaniteux et la tête emplie de rêves de gloire. Mais ils sont tout deux la crème des pilotes, ce qui ne manquera pas de créer une forte rivalité (jouissive pour le spectateur !)

Le chef des Mama Aiuto : Chef des pires pirates de l'air jamais nés, sa bande de bras cassé ne manquera pas de susciter les moqueries des autres organisations criminelles, et les humiliations du cochon volant, dont il compte bien " faire des rillettes" !

IV- LA BANDE SONORE

La bande originale de Porco Rosso a été composée en 1972 par Joe Hisaishi. Elle est magnifique, et contient de nombreux thèmes qui marquent. Elle sonne très Italienne, et sent bon l'authenticité. Les morceaux vont de doux et mélodique (première vidéo), à vif et entraînant (seconde vidéo) et soutiennent chaque scène en lui apportant beaucoup d'immersion.
Les doublages ne sont pas en reste avec un Jean Reno excellent en cochon volant !
Curtis est lui doublé par Jean-Luc Reichmann.

V- LA GENÈSE DU FILM

Le long-métrage Porco Rosso est née d'un manga publié par Hayao Miyazaki ,L'ère des Hydravions, entièrement peint à l'aquarelle, publié en 3 fois dans la revue de modélisme Model Graphix en 1989.
Les éléments essentiels étaient déjà là, mais évidemment le scénario était moins étoffé, et l'histoire plus légère et fantaisiste.C'est un projet très personnel que nous livre M.Miyazaki. L'aéronautique a une place toute particulière dans sa vie (comme en témoigne le choix de son film testament cité plus haut), et le choix du cochon n'est pas anodin. Dans la culture japonaise, il est asocial, égoïste, et somme toute, très humain !

VI- CONTEXTE HISTORIQUE

L'intrigue se déroule dans l'Italie de la fin des années 20, en pleine double décennie fasciste.
Porco est par ailleurs recherché par la police secrète fasciste, qui suit le moindre de ses mouvements.
Il garde de fort lien avec ses anciens camarades de guerres, qui eux ont choisi de rester dans les armes.

VII- UN FILM A PLUSIEURS NIVEAUX DE LECTURE

Premier degré: Une belle histoire sur l'amitié, le courage, l'esprit d'équipe et l'amour.

La finesse des dialogues y est pour quelque chose ! La relation complexe entre Porco et Gina, des personnages loin d'être manichéens. Tous les pilotes suivent leur propre code d'honneur, mais s'y tiennent et n'ont aucune cruauté en eux ( la bande des Mama Aiuto se transforme en un troupeau d'agneaux en présence de Fio ou Gina !)

Deuxième degré: Une dénonciation du fascisme.

Les policiers fachos sont les seuls personnages du film qui n'ont aucun bon côté, aucune qualité et aucune finesse. La montée du fascisme est un thème discret mais constant tout le long du film. On est en pleine immersion dans cette complexe Italie d'après-guerre.

Troisième degré: Une métaphore de la désillusion, de la dureté du monde réel qui change un jeune plein de rêves en vieux cochon aigri.

Certains disent que Porco Rosso serait en fait un personnage crée à l'image de Hayao Miyazaki.

VIII- ANECDOTES

Le nom du studio ghibli apparaît sur un moteur dans le hangar Picollo.
Le film est rempli de références à de véritables pilotes italiens comme Francesco Baracca, Adriano Visconti et Arturo Ferrarin
Miyazaki a annoncé en 2011 qu’il avait écrit le scénario de la suite de Porco Rosso qui devrait se dérouler pendant la guerre civile espagnole et être réalisé par Hiromasa Yonebayashi, à qui l’on doit le récent Arriety, le petit monde des chapardeurs.
Un des créateur de Pixar a déclaré que Miyazaki les a beaucoup inspiré pour leur long-métrage.
Hayao Miazaki a déclaré qu'il préférait le doublage de Jean Reno à celui de la version japonaise originale !
La transformation de Porco Rosso en cochon serait le fait d'un mauvais sort. Pourtant, dans le film, deux scènes nous laissent suggérer qu'il pourrait retrouver son apparence humaine!. D'abord, quand il raconte la guerre à Fio, elle le voit sous un certain angle, et est persuadée qu'il a retrouvé son visage humain, mais en réalité il est toujours ce cochon grassouillet.
A la fin du film, le baiser de Fio et Curtis s'affolant en criant "Porco, ton visage !" nous laisse imaginer qu'il a retrouvé sa forme d'origine ! Mais M.Miyazaki a décidé de laisser cette appréciation au cinéphile, sans lui même donner la réponse.

IX- LES AUTRES PERLES DU STUDIO GHIBLI

Princesse Mononoké

Cette sélection est loin d'être exhaustive: tous les films de ce studio d'exception valent la peine d'être vus, mais je vous ferai ici mon top five :

Le château dans le ciel (Laputa) : Un film magnifique, avec des personnages hauts en couleurs et une bande son fabuleuse.

Mon voisin Totoro: Un film fort sur des choses simples. Bouleversant.

Princesse Mononoke; Beau, émouvant, une fable écologique sombre et violente.

Le voyage de Chihiro: Un voyage beau et intelligent. Rafraîchissant.

Le tombeau des lucioles: A ne pas mettre entre toutes les mains. Ce film est aussi beau que traumatisant.

Mon voisin Totoro

X- CONCLUSION

J'espère que ce dossier vous aura plus. Si vous voulez des informations complémentaires, ou proposer votre propre interprétation, ou faire part de vos réflexions, n'hésitez pas à commenter ce dossier. Et bienvenue dans le monde fascinant du studio Ghibli !

JEUNE ET JOLIE (Critique)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Tue, 18 Feb 2014 17:58:00 +0000

« A pute d’un jour, pute toujours ! » (un client plein d’esprit)

Synopsis

Jeune et jolie est la dernière réalisation de François Ozon.
La caméra suit le destin tragique d’une adolescente parisienne de 17 ans, Isabelle (interprétée par la charmante Marine Vacth) qui choisira la voie de l’escorting pour s’affirmer en tant que femme.

Critique

Ce long-métrage a d’indéniables atouts. De prime abord, il convient de saluer la performance de la jeune actrice, qui fascine, captive, et remplit de compassion son public. Ensuite, le travail sur les lumières et les plans de caméra est de très bonne facture, et rend la scène la plus anodine digne d’intérêt.

la mise en scène est crue par moment, mais ne tombe jamais dans le piège de la vulgarité ou du voyeurisme. Les scènes dans lesquelles Isabelle exerce ses « talents » sont surtout axées sur les expressions de la jeune fille, et sur les émotions qui la traversent.

Pourtant, ce film qui avait toutes les cartes en main pour rester dans les mémoires, souffre de graves lacunes qui enlèvent beaucoup à l’intérêt de l’œuvre !

Le film se déroule en l’espace d’un an, divisé en quatre saisons-chapitres. Les premières minutes du film se passent en été, lors de vacances familiales, pendant lesquelles la principale intrigue est la défloration de la jeune femme.
Et se situe ici, pour moi, l’irréparable : un temps infime plus tard, voici l’automne et notre tendre Isabelle qui effectue ses premières prestations rémunérées sans autres préliminaires! (et j’entends par là un événement perturbateur qui la pousserait vers cette voie, une mauvaise rencontre, suivie d'une dramatique descente aux enfers de l’héroïne)
Autant, le choix de ne pas donner explicitement les raisons de la jeune fille aurait pu être intéressant, par une ellipse temporelle nous laissant spéculer sur les raisons de ce choix. Autant ici, l’hypothèse d’un tel événement est tout simplement inimaginable, le film se contentant de nous laisser penser que l’adolescente a commencé cette activité sans raison.

S’en suit un hiver peu convaincant, mais dont je ne parlerai pas ici pour éviter le spoil, et un printemps pour le moins énigmatique.

J’aurai trouvé bien plus pertinent de centrer le film sur la «catabase » d'Isabelle, plutôt que sur la période post-escorting, qui n’a apparemment pas laissé assez de séquelles psychologiques sur la jeune et jolie pour que ce soit intéressant ! Nous n'avons pas l’impression d’assister à sa reconstruction mentale , mais juste de suivre sa (très rapide) réinsertion dans le monde réel.

Conclusion

Ce film, duquel j’attendais beaucoup, se regarde sans ennui aucun. Mais il déçoit, il pêche par sa mauvaise construction, et par le traitement bien trop superficiel qu’il fait de ce thème pourtant passionnant.
Un film à la forme irréprochable, mais au fond inexistant.

2,5/5

AMERICAN NIGHTMARE : DE LA PURGE EN AMERIQUE (Reflexion)

noreply@blogger.com (L'Aigle-du-Caucase) — Tue, 18 Feb 2014 14:34:00 +0000

« Et si la solution à tous nos problèmes était de remplacer le Superbowl par un gigantesque safari, où l'américain sans le sou servirait de gibier à celui qui l’exploite déjà le reste de l'année ?»

Etats-Unis d'Amérique, 2022. Les "nouveaux pères fondateurs" (dieu les bénissent) ont trouvé la solution à tous les problèmes apportés par la crise, et ont réussi à endiguer l'inévitable déclin des terres de l'Oncle Sam.
Une journée par an, les sirènes annoncent la purge annuelle: pendant 12 heures, de 19h à 7h du matin, les hommes retournent à l'état de nature. Plus de crimes, plus de poursuites judiciaires, plus de services d'urgences.
Mais la désillusion attend les petites gens qui , marquant leur calendrier de croix, attendaient ce jour béni où ils pourraient enfin transformer leurs patrons en apéricubes sanglants .
Dans l'état de nature, c'est la loi du plus fort qui s'impose (comprenez du plus riche) :
eux se barricadent dans leurs maisons-forteresses aux rideaux de fer, les autres tombent comme des mouches dans les rues.

Ce concept inhumain poursuit différents buts :

Purger les hommes de leurs instincts violents, pour réduire à peau de chagrin la criminalité le reste de l'année.
Soulager l'économie, par une "selection naturelle" assainissant les rues des "agents non productifs" de la société !
Faire prospérer le lobby de l'armement.
Et bien sûr, proposer un spectacle de qualité, retransmis sur toutes les bonnes chaînes, de la télé-réalité comme vous n'en avez jamais vu !

Vraiment? c'est pas une si bonne idée que ça ?

Injustifiable sur le plan moral, la purge n'est qu'affaire de fanatiques. Dans le film, tous déchargent leurs consciences et se justifient en invoquant un devoir de bon citoyen. Et je ne peux m'empêcher de faire un parallèle avec les milices de la frontière mexicaine, qui eux aussi se disent bons citoyens , autant que bons chrétiens parce qu'ils tirent sur des familles désarmées qui fuient la misère.

Une question me taraude : S'ils reconnaissent unanimement le naturel violent de l'homme, pourquoi continuer à vivre le reste de l'année comme d'affreux néo-puritains bien-pensants, qui vont à la messe tous les dimanches pour s'y faire voir, confectionnent des cookies pour des voisins qu'ils détestent, et voient le mal partout ?
Autant assumer leur nature réelle toute l'année, aller gueuler un coup sur leur voisin quand ils en ressentent le besoin, brûler des fourmis ou jouer à GTA pour assouvir leurs pulsions, baiser librement... Vivre ?
Ils ne s'attaquent pas ici à la source du problème, c'est à dire leur mode de vie.