Le Petit Journal des Enchères

Une idole superstar des ventes d'archéologie à New York.

2010-12-14T03:10:00.000-08:00

On parle rarement de record lors des ventes aux enchères d'archéologie, et c'est pourtant bien comme cela qu'il faut qualifier la vente qui a lieu chez Christie's New York, , totalisant près de 33 millions de dollars, un total rarement atteint pour une vente d'antiques.

Autre record, plus de la moitié du produit de la vente a été réalisée par une exceptionnelle idole cycladique en marbre, issue de l'ancienne de Marion Schuster, Lausanne, attribuée au maître de Schuster et datée de 2400 av. J-C (Cycladique Ancien II), soit près de 16 millions d'euros.

A cela rien d'étonnant si l'on considère la qualité de l'œuvre et son état de conservation, de sa provenance, sa présence dans plusieurs expositions et publications. L'estimation de cette idole avoisinait déjà les 3/5 millions d'euros, une fourchette exceptionnelle quand on sait que la plupart de ces idoles se négocient plutôt quelques dizaines de milliers d'euros.

Cette œuvre fait également partie d'un corpus qui ne comprend qu'environ une douzaine d'œuvres connues, du maître de Schuster, actif au 3ème millénaire avant notre ère. Ces statuettes sont représentatives du type statuaire de cette époque : schématiques, mettant en avant les attributs sexuels (seins, zone pubienne), utilisation du marbre... On imagine qu'elles devaient être peintes. Elles ont majoritairement été retrouvées en contexte funéraire, mais dans un nombre limité de tombes, ce qui en fait des objets de luxe et distinctifs d'une élite.

Le Maître de Schuster tire sa dénomination de l'ancien propriétaire de ce chef-d'œuvre. Son art combine les caractéristiques de deux écoles cycladiques : l'école du Spédos et l'école de Dokathismata. L'artiste est principalement connu pour des figures féminines enceintes. Le nez aquilin, la tête terminée en crête à l'arrière, le décolleté curviligne à l'avant et triangulaire à l'arrière, les avant-bras arquées subtilement pour accentuer le gonflement du ventre et modelé en relief sur les œuvres plus grandes caractérisent les œuvres de ce sculpteur.

Cette œuvre, qui a inspiré des artistes modernes comme Picasso ou Brancusi, ira désormais faire le plaisir d'un collectionneur anonyme.

Pour aller plus loin :

I. Ràcz, Antikes Erbe: Meisterwerke aus Schweizer Sammlungen, Zurich, 1965, no. 3.
P. Getz-Preziosi, "Addenda to the Cycladic Exhibition in Karlsruhe," in Archologischer Anzeiger, 1978, fig. 8.
P. Getz-Preziosi, Early Cycladic Art in North American Collections, Richmond, 1987, no. 58.
P. Getz-Preziosi, Sculptors of the Cyclades, Individual and Tradition in the Third Millennium B.C., Ann Arbor, 1987, p. 115-117, pl. 40-41. P. Getz-Gentle, Personal Styles in Early Cycladic Sculpture, Madison, 2001, p. 97-100, pl. 82-83.

Un Turner pour le Paul Gétty Museum

2010-07-19T04:39:00.001-07:00

Après avoir triomphé au Grand Palais lors de l’exposition « Turner et ses maîtres », c’est en salle de vente que le peintre anglais a réalisé un nouveau record, lors d’une vacation chez Sotheby’s, à Londres, le 7 juillet 2010. L’œuvre, intitulée « Modern Rome – Campo Vaccino » est d’une très grande qualité et d’une provenance prestigieuse ; l’ancien propriétaire, Hugh A. J. Munro de Novar, l’avait acquis auprès de l’artiste, en 1839, lors d’une exposition de la Royal Academy. Puis, après vente de la collection Novar par Christie’s en 1878, l’œuvre était entrée dans la collection du 5^ème comte de Rosebery, premier ministre anglais entre 1894 et 1895, par sa nouvelle femme, Hannah Rotschild, et était depuis restée dans la famille. Le tableau était estimé entre 14 et 21 millions d’euros, et a réalisé une enchère record de 35,7 000 000 euros.

L’acquéreur n’est autre que le Paul Getty Museum, sous réserve de licence d’exportation. En effet, selon la loi britannique, une œuvre d’une importance historique ou artistique particulière sur le sol britannique depuis plus de 50 ans doit faire l’objet d’une licence pour être exportée. En outre, un musée ou une institution peut se porter acquéreur de l’œuvre au prix d’adjudication. Or, en 2002, alors que le Getty avait fait l’acquisition d’une œuvre de Raphaël à Londres, celle-ci avait été rachetée par un musée anglais.

Cette œuvre de Turner est typique de la dernière partie de sa carrière, il reprend le thème de l’Italie et de ses monuments antiques, cher à l’artiste, habitué au Grand Tour, et la dilution des formes et des contours par la couleur et la lumière. Il s’inspire également de celui qu’il considérait comme l’un des plus grands artistes paysagistes du XVIIème s : Claude Lorrain, habitué à fondre ses paysages dans une lumière quasi aveuglante. A sa mort, Turner demandera ainsi qu’un de ses tableaux soient mis face à une œuvre du Lorrain dans la célèbre galerie Turner, qu’il légua à l’état anglais.

« Campo Vaccino », dont le point de vue se situe en haut de la colline du Capitole, permet au peintre d’évoquer à la fois la Rome Antique, Renaissance et Baroque par ses monuments les plus fameux tels le Colisée, le temple de Saturne, l’arc de Septime Sévère. Une évocation du passé glorieux d'une Cité qui a toujours fasciné Turner et ses contemporains...

Cédric Barblu

Un jeu pour la Patrie !

2010-07-16T04:42:00.000-07:00

Samedi 24 juillet, l’étude Gestas-Carrère mettra en vente à Pau une peinture murale de Pierre Puvis de Chavannes (1824 - 1898) faisant partie d’un ensemble qu’il réalise entre 1861-65 et 1879-82, et primitivement destiné au musée d’Amiens. L’œuvre intitulée Ludus pro Patria (94 x 280 cm, sbg) est présentée au Salon de 1882. Elle entre finalement dans les collections de l’industriel Lazare Weiller (voir préface du catalogue d'une première vente Collection Lazare WEILLER, Hôtel Drouot, vendredi 29 novembre 1901, salle n° 6).

Preuve de l’importance de cette œuvre murale qui passera en vente à la fin du mois, le Metropolitan Museum conserve dans ses collections une variante de plus petit format (33,3 x 134,3 cm, inv. n°58.15.1). L’estimation approximative de 80.000 euros (montant communiqué par l’étude au jour d’aujourd’hui) est donc largement justifiée. Rappelons que le 8 décembre 2009, la maison Christie’s vendait à Londres une œuvre préparatoire de Puvis d’un format légèrement inférieure (84 x 205 cm) et daté du 9 janvier 1895, Les Muses inspiratrices, pour 297 975 dollar soit 250 000 euro environ à l’époque.

Ludus pro Patria met en scène des villageois vaquant à leurs occupations dans un paysage arcadien aux accents du nord de la France.

En dépit d’une linéarité évidente, trois groupes se dessinent dans un parfait équilibre. A gauche, les femmes s’occupent des enfants en compagnie d’un vieillard ; le groupe de droite leur fait pendant : des hommes dans la force de l’âge, drapés ou torses nus s’exercent au javelot.

Au milieu : l’équilibre des sexes et le repos des âmes : deux femmes et deux hommes conversent attirant la curiosité d’un enfant.

Un jeu pour la Patrie ! Où le jeu, venu des temps anciens, occupe une place majeure dans la société. Car depuis l’Antiquité, le sport se veut démonstration positive de la force et de l’habilité des athlètes, incarnant la puissance et l’unité d’un peuple tout entier.

D’ailleurs, l’œuvre a totalement été construite pour rendre hommage à cette haute conception de l’exercice physique : la composition en frise, directement inspiré des bas-reliefs antiques, ainsi que la palette mat accentue l’homogénéité de l’œuvre, créant ainsi une unité visuelle.

Sous le pinceau de Puvis de Chavannes, le temps semble s’être arrêté ; les époques se mélangent. L’Antiquité vient enrichir, soutenir la « modernité ». Car le javelot n’est peut-être pas celui que l’on croit. Aux delà des apparences, la scène à quelque chose de contemporain. Par le jeu de la figuration symbolique, le fameux javelot est probablement la « fléchette » d’un jeu traditionnel champenois attesté dès le XIIe siècle, appelé « javelot » ou « tir sur cible ». La toile palimpseste révèle l’époque moderne par superposition avec le passé. Ainsi, le peintre hausse le peuple du Nord au rang de peuple fondateur, à la manière des Grecs et des Romains…

Une toile édifiante qui ne pourra que remonter le moral par ces temps sportifs moroses…

Pour aller plus loin :

Si l’œuvre figure dans le Catalogue du Musée des Beaux-Arts de LYON, Septembre 1998, on conseillera également la consultation du catalogue raisonné de Puvis de Chavannes par Aimée Brown Price et publié à la Yale University Press en avril de cette année.

Ludus pro Patria

Crédit : étude Gestas-Carrère

Les Muses inspiratrices

Crédit : Christie’s

Adeline Germond,

Historienne de l'art, spécialisé en peinture du XIXème s.

Golden Elizabeth

2010-06-30T00:24:00.003-07:00

Une pièce canadienne d’un million de dollar a été vendue aux enchères ce vendredi 25 juin par la maison viennoise Dorotheum.

Il s’agit de la plus grosse pièce de monnaie au monde. Fabriquée en 2007, elle pèse 100 kilos d’or quasi pur (999.99/1000) pour un diamètre de 53 cm. Digne d’être inscrite Guinness World Records ! Comme toutes les monnaies canadiennes, elle figure sur l‘avers l’effigie officielle de la Reine Élisabeth II, souveraine du Canada.

A 1200 $ environ l'once, elle valait 4.224.000 dollar, soit 3.400.000 euro. L’adjudication a été à la hauteur (des espérances ou du cour du marché de l’or) : 3.270.000 euro.

SM la Reine d’Angleterre semble avoir fait parlé d’elle encore une fois… Le dernier évènement pictural en date remonte à 2002 lorsqu’un portrait d’Elisabeth II par Lucian Freud est exposé à Buckingham Palace à l’occasion du jubilée de la reine.

En dépit de sa toute petite taille (15 x 22 cm eviron), le tableau déchaîne la critique. Les uns y voit un geste d’audace, connaissant le style cru de l’artiste, d’autres une ignominie – la reine ressemblant, selon The Sun, à un travesti, allusion évidente, quoi que déplacée, au non moins célèbre feu Leigh Bowery, muse de l’artiste… Cette fois, point de contrepartie financière… l’art pour l’art, semble-t-il. Le cadeau offert, Sa Majesté ne pipa mot.

Quelques années plus tard, le 13 mai 2008, un nu par le même L. Freud, daté de 1995 et intitulé Benefits supervisor sleeping, est vendu par Christie's Londres à près de 34 millions d'euro - ou 10 pièces d’or - faisant de cette œuvre la plus chère pour un artiste encore vivant. Un autre record.

Cette tête couronnée semble décidément un bon filon...

Adeline Germond,

historienne de l'art.

Nouveau record pour un Picasso !

2010-05-07T12:59:00.000-07:00

Le record détenu par L'homme qui marche I est tombé mardi 5 mai 2010, chez Christie's New York. L'artiste qui é réalisé cet exploit est un habitué des enchères millionnaires. Il s'agit bien entendu de Picasso qui, avec 106,4 millions de dollars, soit près de 82,5 millions d'euros, pour son "Nu plateau de sculpteur" (1932) a détrôné Giacometti. Il était estimé entre 70 et 90 millions de dollars. Il semblerait que huit acquéreurs se soient disputés l’œuvre, sans que l’on ne sache bien entendu qui a remporté l’enchère.

L’œuvre représente une autre maîtresse de Picasso, Marie-Thérèse Walter, qu’il peignit le 8 mars 1932, et avec il eut une relation amoureuse entre 1926 et la fin des années 1930. De leur liaison, naquit Maya Picasso en 1935.
Le tableau n’avait été vu qu’une seule depuis 1951, date à laquelle sa précédente propriétaire l’avait acquise, Frances Lasker Brody, décédée en novembre 2009. Elle l’avait acheté au marchand d’art Paul Rosenberg pour la somme de 17 000 dollars, soit près de 13 000 euros. Elle provient d’une collection prestigieuse, la philanthrope possédait entre autres des œuvres de Matisse, de Braque…

Divine Toilette !

2010-05-03T04:00:00.000-07:00

Lors d’une vente de dessins et tableaux anciens, qui se tiendra le 11 mai 2010, à la salle des ventes Rossini, sera mise aux enchères une Toilette de Venus, réalisée dans l’entourage de l’un des peintures les plus lyriques du XVIIème s italien : Francesco Albani. L’œuvre est estimée entre 1200 et 1500€, au lot n°17.

Formé à l’Académie des Carrache qui, dans le deuxième partie du XVIème s, rénova le grand genre de la peinture de paysage, Francesco Albani, dit l’Albane (1578-1660), s’est essentiellement fait connaître par ses peintures poétique, qui lui ont valu le surnom d’Anacréon de la peinture, en référence au fameux poète grec du Vème s.

Ainsi, les œuvres les plus célèbres de ce peintre mettent en scènes les Amours des dieux : Vénus et Adonis, Hermaphrodite et Salmacis… dans des paysages pittoresques qu’il emprunte à sa région natale, l’Emilie-Romagne. Son amour pour l’Antiquité se traduit par des compositions où se mêlent palais, fontaines, portique, jeunes femmes drapés à la grecque, dans des paysages bucoliques, propices à la rêverie.

Notre tableau est une reprise, certainement par un élève du maître, d’une de ses plus fameuses compositions, conservée au Musée du Louvre : La toilette de Vénus ou l’Air, datée entre 1621 et 1633. L’original fut commandé par Ferdinand de Gonzague, duc de Mantoue, et fait partie d’une série de quatre tableaux figurant les quatre éléments et destinés à la Villa Favorita. Les tableaux entrèrent, à la mort du commanditaire, dans la collection des Médicis.

L’Albane met ici en scène l’Amour sensuel, incarné par Vénus, à demi-nue, sur une chaise basse. Les trois Grâces sont occupées à la coiffer et à la parer. Elle se prépare à recevoir Adonis. Derrière le groupe de déesses, se dresse un palais fantastique, certainement reprise de l’architecture contemporaine. Symboliquement, Vénus représente l’Amour sensuel, en opposition à Diane qui, elle, incarne la Chasteté.

L’art de Francesco Albani se caractérise par ses figures gracieuses de nymphes ou de déesses, aux carnations claires, héritées de la peinture vénitienne de la Renaissance, la beauté de ses paysages sereins, aux couleurs claires, aux eaux cristallines et à l’importance accordée à la végétation. L’école des Carrache avait, en effet, pour principes directeurs de revenir à l’étude des maîtres anciens et à l’étude de la nature.

A vos enchères !

Informations pratiques :

Salle des ventes Rossini 7, rue Rossini 75009 Paris

Mardi 11 mai 2010 à 14h00
E-mail - contact@rossini.fr
Tel. 01 53 34 55 00

Pour aller plus loin :

Stéphane Loire, Ecole italienne XVIIème siècle, I. Bologne, Editions Réunion des Musées Nationaux, 1997.

Stéphane Loire, L'Albane (1578-1660), Dossier du Musée du Louvre, Editions de la Réunion des Musées Nationaux, 2000

Catherine Puglisi, Francesco Albani, Yale University Press, 1999

La Joconde est-elle un faux ?

2010-04-16T09:44:00.000-07:00

Louis Béroud, Mona Lisa au Louvre

Des chefs-d’œuvre peuplent les plus grands musées du monde. Mais comment exposer, au vu et su de tous, les œuvres originales d’artistes, a fortiori de peintres, pesant quelques millions d’euros ? Au-delà de questions de conservation rendant le transit de peintures trop fragiles quasiment impossible, se pose la question des assurances en cas de détérioration de l’objet… ou de vol. Mais qui peut assurer un Picasso à 75 million d’euros (cf. article du 22 mars 2010) ? Ou plutôt, qui voudrait prendre un tel risque ? Face à des œuvres uniques, donc irremplaçables, et à des sommes aussi colossales, les rumeurs vont bon train. Bientôt, les Van Gogh exposés à Orsay ne seraient que des copies. Et la Joconde ? L’idée peut faire sourire : tout cela ne serait que des légendes urbaines… et contemporaines. Loin de là. Revenons en arrière.

Louis Béroud (attribué à), La Joconde.

En août 1911, le peintre Louis Béroud (1852-1930), auquel on attribue aujourd’hui une copie de la Joconde (Christie’s, Londres, 11/12/2009, lot 35), vient au Louvre pour travailler à son projet de toile Mona Lisa au Louvre. Béroud a beau regarder : la Joconde n’est plus à côté du Mariage mystique de sainte Catherine par Le Corrège. L’artiste ne peut se tromper ; c’est un habitué des lieux au point d’avoir fourni de multiples vues intérieures du musée. On cherche au service de photographie. Rien. La toile a bel et bien été dérobée la veille. La presse s’enflamme. Une idée presque réconfortante prend le dessus : et si l’œuvre volée était une copie ? Un mois après le vol, le journal Le Gaulois pose ouvertement la question : « En attendant que l’on retrouve le voleur de la Joconde, on s’occupe à discuter si le tableau volé était ou n’était pas l’œuvre authentique de Léonard de Vinci. » Dans le tumulte des conjectures, Charles Coppier (1867-1948), graveur de La Cène (chalcographie du Louvre, n°KM006753), tente de renouer avec la raison dans une lettre envoyée au journal L’Excelsior. Son argumentation se base sur des preuves d’ancienneté de l’œuvre : « le réseau absolument inimitable » des craquelures, comme « l’aurait été l’empreinte de son pouce vivant ». « Ce craquelé », écrit Coppier, « empreinte du temps sur le panneau, prouve que c’est bien là l’œuvre originale de Vinci. Il laisse apparaître les dessous de pois et de résine chers au grand Florentin et s’étend sur l’œuvre entière […] Ce panneau ayant 77 centimètres sur 53 centimètres, c’est donc au moins 120,000 repères avec 500,000 combinaisons de croisements […] qui peuvent servir à démontrer son authenticité, si l’on admet que c’était bien l’œuvre originale qui était au Louvre il y a plus de quarante ans […] ».

Le 10 décembre 1913, un antiquaire florentin donne l’alerte. Un certain Vincenzo Perugia, vitrier ayant participé aux travaux de mise sous verre d’importants tableaux au Louvre, lui apporte… La Joconde qu’il ramenait à l’Italie.

Adeline Germond,
Historienne d'art, spécialiste du XIXème s.

Primitifs italiens

2010-04-02T02:24:00.000-07:00

La société de vente Aguttes dispersera le 16 avril un ensemble de mobilier, d’objets d’art et de tableaux Haute Epoque, dont une Vierge à l’Enfant en trône, entouré de Saint Jacques et d’un Saint Evêque, réalisé dans l’entourage d’Agnolo Gaddi (fin du XIVème s). Cette œuvre, typique de la période du Trecento (XIIIème s.) et du Quatrocento (XIVème s.) italien, nous donne l’occasion de revenir sur un art, dit « primitif », trop souvent oublié au profit des productions postérieures. Il constitue pourtant le relais nécessaire entre l’art du Moyen-âge et le modernisme de la Renaissance.

Les primitifs italiens

Ce terme de « primitifs italiens » désigne les peintres actifs avant la Renaissance. Les deux centres artistiques principaux sont alors Florence, autour de la figure de Giotto, et Sienne, autour de celle de Duccio. Cette désignation renvoie également à une technique, les peintres utilisent alors la technique dite « a tempera ». On utilise alors du jaune d’œuf pour lier les pigments. Il faut attendre le XVème s pour voir la peinture à l’huile se diffuser en Europe.

Au début du XIIIème s, les croisades ont entraîné un arrivage d’œuvres byzantines en Italie (ivoires, icônes…) qui ont inspiré les artistes italiens, comme le fond d’or qui rend la Vierge plus céleste et plus immatérielle. Au XIVème s, des artistes comme Giotto et Duccio cherchent à se défaire de cet héritage pour faire un art plus « vrai », plus naturel. Les peintres « primitifs » portent alors une grande attention à la sculpture contemporaine, notamment celle des Pisano, et apporte un certain naturalisme, du volume et du mouvement à leurs figures.

La production la plus caractéristique de cette époque est celle du retable, signifiant littéralement « derrière l’autel » car l’œuvre était placé derrière le maître autel. Ce type d’œuvre prend son essor au XIVème s. A l’origine, il ne comporte qu’un seul panneau appelé « pala » et qui figure généralement la Vierge et l’Enfant, entouré de saints. Avec le temps, il prend de plus en plus d’importance et se pare de panneaux latéraux, représentant notamment des saints locaux. Sont également réalisés des panneaux de dévotion privée, de plus petite taille.

L’un des plus anciens retables conservés est la Maestà peinte par Duccio pour la cathédrale de Sienne, entre 1308 et 13011.

Agnolo Gaddi (actif de 1350 à 1396) :

Agnolo Gaddi fait partie de ces peintres florentins qui ont subi directement l’influence de Giotto (1257-1337), alors chef de file de l’école de peinture florentine. Il est en effet le fils de Taddeo Gaddi (1300-1366), l’élève de Giotto. Agnolo Gaddi travailla au cycle de la Vraie Croix à l’église franciscaine de Santa Croce à Florence, ou encore au Duomo de Prato. Il fonde un atelier et aura pour apprenti un peintre aussi prestigieux que Lorenzo Monaco.

On retrouve dans l’art d’Agnolo cette volonté de représenter le réel, de figurer des personnages moins figés, de leur donner cette vie qui manquait à l’art italien. Le rosé des pommettes, la variété des attitudes, la délicatesse des plis des vêtements, les coloris contrastés, l’attention portée à la représentation des tissus, tout cela concourt à créer un art plus intime, plus proche de notre quotidien et celui des hommes du Moyen-âge.

Informatiques pratiques :

Drouot Richelieu

9 rue Drouot - 75009 Paris
Salles 5 et 6

Expositions publiques :
Jeudi 15 avril de 11h à 18h & Vendredi 16 avril de 11h à 12h
Vente : Vendredi 16 avril à 14h30
Pour aller plus loin :

L'Homme en perspective : Les primitifs d'Italie

B. Cole, Agnolo Gaddi, Oxford 1977

Un Caspard David Friedrich à 100 euos !

2010-03-24T07:48:00.000-07:00

Et oui vous ne rêvez pas ! C'est l'estimation que proposait la maison de ventes Azur Enchères, à Cannes, lors d'une vente courante le 10 février, pour acquérir une oeuvre d'un des artistes romantiques les plus fameux, Caspar David Friedrich (1774-1840). L'oeuvre n'est certes pas exceptionnelle et de petite dimension, mais elle ne manquera pas de faire parler d'elle !

Lors de la vente, le tableau avait atteint un prix d'adjudication à hauteur de 350 000 euros, pour une mise à prix à 30 euros. Il était remporté par la galerie parisienne Talabardon et Gautier. La galerie avait ainsi flairé le bon coup, l'oeuvre étant aujourd'hui estimée à près de 3 millions d'euros ! Cela n'a donc pas manqué d'attirer l'attention des vendeurs et des spécialistes. La vente va cependant être annulée pour erreur sur la substance, c'est-à-dire sur la nature réelle du bien vendu. Au lieu d'une croûte à 100 euros, il se retrouve avec un chef-d'oeuvre à 3 millions d'euros !

Autre rebondissement dans l'affaire, le tableau pourrait en effet être, d'après un article sur le peintre, publié en 1997 dans la revue du Louvre par Patrick Le Nouëne, conservateur en chef du patrimoine des musées d'Angers, un des trois tableaux qui figuraient dans l'inventaire après décès du sculpteur David d'Angers.

Pourquoi payer un Picasso 75 millions d'euros ?

2010-03-22T08:13:00.000-07:00

C'est la question qui revient sans cesse lorsque l'on parle de tableaux de maîtres et de ventes aux enchères : "Mais pourquoi payer des millions d'euros une toîle, fût-elle d'un grand maître de la peinture ?" Loin de moi de justifier les sommes colossales qui sont dépensées par certains collectionneurs ou musées internationaux, je vais quand même tenter de vous apporter quelques éléments de réponses.

Rappelons déjà quelles sont les cinq plus grosses enchères de ces dernières années :

1) Alberto Giacometti, "L'homme qui marche I" (Sotheby's Londres, février 2010): 75 millions d'euros.

2) Pablo Picasso, "Le garçon à la pipe" (Sotheby's New York, mai 2004) : 74,9 millions d'euros.

3) Pablo Picasso, "Dora Maar au chat", 1941, (Sotheby's New York, mais 2006) : 70,5 millions d'euros.

4) Gustav Klimt, Portrait d'Adèle Bloch-Bauer II, 1912 (Christie's New York, Février 2006) : 65 millions d'euros.

5) Vincent Van Gogh, "Portraut du Docteur Gachet à la branche de digitale, 1890 (Christie's New York, 1990) : 63 millions d'euros.

(retrouvez toutes les informations sur ces enchères dans la rubrique "top 5 des plus grosses enchères", dans la rubrique en haut à droite)

A noter déjà que les plus grosses enchères concernent principalement des peintres qui se situent après la deuxième moitié du XIXème s, que l'on peut qualifier donc de modernes, l'ancienneté du peinture n'est donc pas gage d'un prix élevé ! Le peintre ancien le plus cher au monde est Rubens avec 56 millions d'euros pour le "Massacre des Innocents" (1611), vendu par Sotheby's Londres, en 2002.

Le prix d'une oeuvre d'art répond déjà à un critère tout simplement issu de l'économie de marché : l'offre et la demande. Cela permet de définir la côte d'un artiste. Plus les oeuvres d'un artiste sont demandées et plus ses prix augmentent. Plus l'offre d'un artiste reconnu est limitée et plus les prix grimpent. Ainsi, il n'est pas étonnant qu'un artiste comme Modigliani, qui a eu une carrière assez brève, s'arrache à des prix très élevés. Bien que fondé sur un critère économique, la côte résulte tout de même de facteurs subjectifs : la mode, le goût d'une époque, le goût des collectionneurs ... mais cela repose malgré tout sur l'importance que l'artiste a eu sur son époque et sur les générations futures. A-t-il créé un nouveau courant artistique ? A-t-il fait avancer l'histoire de l'art ? Picasso est certainement le meilleur exemple d'un artiste qui a lancé de nouveau courant comme le cubisme et qui a permis le passage du figuratif à l'abstrait. Il faudra également attendre quelques temps avant de savoir si des artistes comme Damien Hirst, soutenu par les grands collectionneurs d'aujourd'hui, justifient leur prix actuels.

Une oeuvre qui atteindra des sommes considérables est également une oeuvre d'une qualité irréprochable, tant dans son exécution que dans sa conservation. On parle alors d'oeuvre de qualité "muséale", c'est-à-dire tout simplement digne d'intégrer les collections d'un musée.

Une donnée très important entre également en jeu, à savoir la provenance de l'oeuvre. Les oeuvres qui font des prix importants en ventes aux enchères proviennent de collections très prestigieuses : Le garçon à la pipe de Picasso était ainsi dans la collection de la famille Whitney, célèbre famille d'industriels et grands collectionneurs d'art, ils sont à l'origine de la création du Whithney Museum of American Art de New York. Plus proche de nous, en 2009, la collection d'Yves Saint Laurent et de Pierre Bergé a fait des records d'enchères. Cela est dû, d'une part, à la qualité des oeuvres en vente, mais également parce qu'elles provenaient de galeries très connues (Kugel...) et surtout de la collection du célèbre couturier. Le "pédigrée" de l'oeuvre est donc un facteur non négligeable pour le succès d'une oeuvre aux enchères.

Liée à la provenance, on peut également évoquer l'historique de l'oeuvre. En effet, une oeuvre qui a fait l'objet d'une publication par un universiteur ou un professionnel de l'art, qui a été présentée dans des expositions importantes s'en trouve d'autant plus valorisée. Une telle démarche permet, tout d'abord, de lever tout doute sur l'authenticité de celle-ci et nous renseigne sur l'intérêt qu'elle présente au regard de l'histoire de l'art. Le détournement de ce principe en est que, parfois, des expositions sont montées de toute pièces, en collaboration avec les musées et les héritiers de certains artistes, pour ensuite permettre à ces derniers de vendre les oeuvres reçues en héritage à un prix bien supérieur à celui du marché.

On peut parler également pour ces ventes record d'oeuvres "fraîches". Non pas qu'elles aient été peintes récemment, mais parce qu'elles sont fraîchement débarquées sur le marché de l'art. En effet, les collectionneurs apprécient d'autant plus une oeuvre qui n'a jamais fait ou à de très occasions l'objet d'une vente aux enchères. On estime qu'une oeuvre qui revient très régulièrement sur le marché, qui ne se vend pas très bien, même d'un grand artiste, est "grillée" sur le marché. Cela peut venir du fait que sa qualité est médiocre ou que l'authenticité de l'oeuvre pose problème. On comprend donc que marchands et commissaires-priseurs souhaitent avant tout toucher de vieilles collections particulières, avec des oeuvres qui sont restées très longtemps entre les mains de la même famille.

Voilà pour ses quelques éléments de réponse.

Après, libre à vous de vous faire une opinion !

Tourisme culturel au 19ème s. !

2010-03-19T07:39:00.000-07:00

Avec une gouache représentant l'éruption du Vésuve (lot, 111, est. 3/3500 euros), la maison Oger et Camper nous plonge, lors d'une vente qui aura lieu à Drouot le 26 mars, au coeur des habitudes touristiques du XIXème s. L'Italie est alors une destination de choix pour l'aristocratie et la grande bourgeoisie. Avec les redécouvertes de Pompéi en 1763 et Herculanum en 1738, le Vésuve a exercé sur les touristes du XIXème s une grande fascination.

Qu'est ce que le Grand Tour ?

A l'origine du terme "touriste", il existe une pratique qui naît, en Europe du Nord, au XVIIème s et trouve son apogée aux XVIIIème et XIXème s, il s'agit du Grand Tour, appelé également Tour du Chevalier. Il s'agit, à l'origine, pour les jeunes aristocrates de se former aux pratiques militaires, diplomatiques et intellectuelles dans des pays étrangers tels que la France, l'Allemagne, la Suisse et principalement l'Italie. Viendront par la suite la Grèce et l'Asie Mineure. Au XVIIIème s et surtout au XIXème s, le Grand Tour sera surtout le fait d'amateurs d'art, de collectionneurs ou d'artistes comme Goethe, Turner, Lord Byron, venus redécouvrir le passé artistique de l'Italie afin de mieux nourrir leur art.

Le Grand Tour est l'apanage d'une élite, il permet de faire étalage de ses moyens financiers, de sa culture et de réseau social étendu au-delà même des frontières de sa patrie. Il permettait également de se forger une culture commune : on pouvait alors échanger entre gens bien nés des histoires et des anecdotes sur des lieux touristiques que tous avaient visités.

En Italie, les étapes nécessaires sont alors Florence, pour y admirer les oeuvres de la Renaissance, Rome, pour son passé antique, et Naples, proche de laquelle ont été redécouverts les sites de Pompéi et Herculanum et qui fascinent les touristes de l'époque.

Tableaux, objets d'art, antiques, copies d'antiques sont alors exportés de manière prodigieuse; On se fait également portraituré par les artistes en vogue comme Pompeo Batoni. Le tableau ci-dessous de Johann Zoffani nous montre l'attrait énorme qu'exerçaient l'Antiquité et l'Italie sur les amateurs d'art du XIXème s, qui commanditaient alors des artistes pour acheter, en Italie ou en Grèce, de véritables antiques ou en faire des copies. Cette oeuvre représente Charles Towneley, dans sa résidence de Park Street, à Londres, au milieu de sa collection. Il ramena d’Italie beaucoup d’antiques et les déposa dans sa demeure de Park Street, avant que ceux-ci soient rachetés par le British Museum en 1783. On peut notamment voir, au premier plan, le Discobole, rajouté a posteriori car découvert en 1790.

La mode du Grand Tour, à part une petite résurgence durant la Restauration (1830-48), prendra fin avec la Révolution Française et le Premier Empire, du fait des troubles qui secouent alors le continent et incitent les aristocrates anglais à rester dans leur patrie.

Pour en revenir à notre gouache, il s'agit plutôt de ce que l'on pourrait qualifier de "peinture-souvenir". En effet, avec l'émergence du tourisme en Italie, des peintres se spécialisent dans des vues d'Italie, à l'instar de Canaletto, pour ne citer que le plus connu, qu'ils vendent à une clientèle de passage. L'utilisation de l'aquarelle ou de la gouache répond donc à la nécessité d'exécuter des oeuvres plus rapidement et en plus grand nombre, mais permettent d'introduire plus de naturalisme.

De grands peintres comme Achille Etna Michallon prennent l'éruption Vésuve comme sujet, témoignage de la force de la nature et sujet de prédilection pour la peinture du Sublime.

Les gouaches, dont celle vendue par la maison Oger et Camper, est un très bel exemple de cette production de souvenirs, le plus souvent anonymes, et toujours composés de la même manière. La gouache est encadrée de noir, elle porte en mention manuscrite du jour et l'année de l'éruption représentée, le plus souvent celles de 1794, 1810 et 1822. On en trouve de deux tailles différentes : environ 40 cm par 30 et destinées à être encadrées, ou bien des plus petites, 10-15 cm par 5-10, destinées à être mises dans des albums. Elles sont d'une facture assez naïve et figurent des vues de jour ou de nuit de l'éruption, mais aussi des vues de Naples et de ses environs.

Ces pièces, pour les plus beaux grand formats, se vendent, aujourd'hui, entre 1500 et 3500 euros, et pour les petits formats, quelques centaines d'euros, généralement entre 300/400 euros.

A vos enchères !

Informations pratiques :

Exposition : Le jeudi 25 mars 2010 de 11h à 18h et le vendredi 26 mars de 11h à 12h

Vente du Vendredi 26 mars 2010à 14h

Lieu : Drouot Richelieu - Salle 15 - 9, rue Drouot - 75009 Paris

Catalogue en ligne :
http://www.ogercamper.auction.fr/FR/v14169-oger-camper-numismatique-archeologie-art-extreme-orient-tableaux-orfevrerie-mobilier/index.html

Pour aller plus loin :
Anthony Burgess et Francis Haskell, Le Grand Siècle du Voyage (1967), Paris, Albin Michel, 1968

Gouaches napoletane del Settecento e dellOttocento: Museo Pignatelli, 20 dicembre 1985-28 febbraio 1986

L'Empire à Fontainebleau

2010-03-17T04:17:00.000-07:00

La maison Osenat, à Fontainebleau, organise une nouvelle vente "L'Empire à Fontainebleau", les samedi 27 et dimanche 28, à 14h15.

La première vacation, le 27 mars, permettra de disperser un ensemble de lettres et manuscrits de l'époque impériale, ainsi que des documents concernant la Révolution et l'Empire. Se succèderont ainsi lettres manuscrites de Napoléon, Joséphine, Talleyrand, Masséna... pour des estimations allant de quelques centaines d'euros à plusieurs milliers d'euros.

La seconde vacation, le 28 mars, réunira objets d'art, tableaux, décorations de l'Empire. A noter ainsi, un très beau portrait de Napoléon 1er dans son bueau (lot406), d'après un tableau - conservé en collection privée - de Paul Hippolyte Delaroche (1797-1856), estimé 1800/2000 euros.

Au numéro 532, on trouve une rare pendule en bronze symbolisant La Nuit ou Le Coucher comprenant un mouvement dans un globe terrestre, surmonté d'une Renommée tenant un drapé étoilé. Cette pièce rare est estimée entre 5500 et 6000 euros. Elle montre l'excellence des bronziers de l'Empire en matière de pendules à sujet mythologique ou allégorique. Les pendules monumentales triomphent avec les bronziers Thomire et Claude Galle.

A vos enchères !

Informations pratiques :

Hôtel des Ventes - 5, rue Royale - 77300 Fontainebleau

Exposition : Vendredi 26 mars de 14h à 18h et Samedi 27 mars de 10h à 12h

Ventes :
Samedi 27 mars 2010 à 14h15
Dimanche 28 mars 2010 à 14h15

catalogue sur le site : http://www.osenat.fr/

Pour aller plus loin :
FRANCASTEL, P., Le Style Empire, Paris, Larousse, 1989

Report de la vente-marathon au profit d'Haïti

2010-03-16T14:27:00.000-07:00

DROUOT a décidé de soutenir Haïti en organisant l’opération « 24 heures d’enchères pour les enfants d’Haïti ». Engagés depuis de nombreuses années pour défendre la cause des enfants et conscients de la nécessité d’apporter une aide à la fois immédiate et à long terme au peuple haïtien, DROUOT et les commissaires-priseurs parisiens ont décidé de se mobiliser en organisant une vente aux enchères exceptionnelle au profit des enfants d’Haïti.

Cette vente permettra de récolter les fonds nécessaires à la création ou à la reconstruction d’un orphelinat et à initier des parrainages pour offrir un avenir aux enfants accueillis.

Pendant deux jours, les commissaires-priseurs de DROUOT, assistés de nombreuses personnalités, se relaieront au marteau lors d’un véritable marathon d’enchères.

Afin d’assurer le succès de l’opération, DROUOT fait appel à la générosité de tous et espère récolter plus de 2 000 objets. Un accueil sera assuré dans le hall de l’hôtel des ventes DROUOT pour y recevoir des dons : objets, tableaux, dessins, sculptures, objets d’art, mobilier, vins, bijoux, accessoires de mode…

DROUOT s’engage pour sa part à verser la somme de quinze euros en sus du montant de chaque adjudication.

Lit d'apparat

2010-03-14T11:11:00.000-07:00

La maison Rossini met en vente, le 23 mars, un lit en forme de bateau d’époque Empire, en acajou, placage d’acajou et appliques de bronze, estimé 3/4000 €.

Ce lit est daté de l’Empire, entre 1800 et 1815. On en retrouve les formes simples et symétriques. L’utilisation de l’acajou est typique de cette époque. Depuis la fin de l’Ancien Régime et celle des corporations, ce type de meuble ne plus relèvent de la menuiserie, mais de l’ébénisterie. Le vocabulaire décoratif des deux architectes de Napoléon, Percier et Fontaine, à savoir les têtes de cygnes, les dauphins en bronze. Le motif du cygne fut ainsi inventé par Charles Percier (1764-1838) en 1799. Le lit-bateau est ainsi une invention du XIXème s et aura un grand succès durant tout le XIXème s. Il se caractérise par deux haut montants curvilignes qui ne sans pas sans rappeler la forme d’un bateau.

Ce lit n’est ainsi pas sans rappeler celui de Mme Récamier, le mobilier de son hôtel particulier eut un grand succès dans la France de l’Empire et servi de modèle pour bon nombre de meubles. Il fut dessiné par Berthault (1770-1823), élève de Charles Percier et certainement réalisé par Jacob Frères.

A vos enchères !

Informations utiles

Exposition :
Lundi 22 mars 2010 de 10 h 45 à 18 h 00 Mardi 23 mars 2010 de 10 h 45 à 12 h 00
Vente : Mardi 23 mars à 14h

Lieu : Salle Rossini - 7, rue Rossini - 75009 Paris
Informations : 01 53 34 55 01

Pour aller plus loin :
LEDOUX-LEBARD D., Le Mobilier Français au XIXè siècle, Paris, L’Amateur, 1984.

Vente-marathon au profit d'Haïti

2010-02-25T03:00:00.001-08:00

DROUOT a décidé de soutenir Haïti en organisant l’opération « 24 heures d’enchères pour les enfants d’Haïti ».
Engagés depuis de nombreuses années pour défendre la cause des enfants et conscients de la nécessité d’apporter une aide à la fois immédiate et à long terme au peuple haïtien, DROUOT et les commissaires-priseurs parisiens ont décidé de se mobiliser en organisant une vente aux enchères exceptionnelle au profit des enfants d’Haïti.

Exposition : jeudi 18 mars 2010 de 11h à 18h

Ventes aux enchères caritatives : vendredi 19 et samedi 20 mars 2010 de 10 h à 22 h.

Cette vente permettra de récolter les fonds nécessaires à la création ou à la reconstruction d’un orphelinat et à initier des parrainages pour offrir un avenir aux enfants accueillis.

Pendant deux jours, les commissaires-priseurs de DROUOT, assistés de nombreuses personnalités, se relaieront au marteau lors d’un véritable marathon d’enchères.

Afin d’assurer le succès de l’opération, DROUOT fait appel à la générosité de tous et espère récolter plus de 2 000 objets. Du lundi 15 février au mercredi 17 mars, un accueil sera assuré dans le hall de l’hôtel des ventes DROUOT pour y recevoir des dons : objets, tableaux, dessins, sculptures, objets d’art, mobilier, vins, bijoux, accessoires de mode…

DROUOT s’engage pour sa part à verser la somme de quinze euros en sus du montant de chaque adjudication.

Exposition : jeudi 18 mars 2010 de 11h à 18h

Ventes aux enchères caritatives : vendredi 19 et samedi 20 mars 2010 de 10 h à 22 h. Relayées sur Drouot Live.

Souvenirs de faïence

2010-02-06T02:42:00.000-08:00

L'étude Rouillac disperse lundi 8 février, à 10h30, à Vendôme, la collection Podevin-Bauduin, expert en objets d'écriture et céramiques.

L'occasion m'est donc donnée de revenir sur un lot représentant l'ancien Palais du Trocadéro. En faïence de Saint-Clément, l’objet est daté « Avril 1896 », et signé de la faïencerie de Saint-Clément et de l’artiste « PETITDEMANGE ». La coupole peut être ôtée et découvre le godet.

L’intérêt réside plutôt dans la figuration de cet édifice, de style éclectique, construit à l’occasion de l’exposition universelle de 1878, par les architectes Gabriel Davioud et Jules Bourdais.

Il existait déjà une volonté politique d'y construire un édifice prestigieux puisque Napoléon avait choisi la colline du Trocadéro pour y bâtir le Palais de son fils, le Roi de Rome. Un projet avait d'ailleurs été demandé à ses architectes, Percier et Fontaine.

Reprenant un style byzantin, l'ancien Palais du Trocadéro, comportait deux ailes en forme de demi-cercles, reliées par une partie centrale circulaire, utilisée comme salle de concerts et couronnée de la Renommée de Mercié. Le bâtiment était surplombé de deux tours rectangulaires. Devant le bâtiment, s'étendait une cascade en gradins.

Le bâtiment abritait le musée des Monuments Français, crée par Alexandre Lenoir après la révolution de 1789 et ré-ouvert en 1879 par Viollet-le-Duc. L'extrémité de l'aile droite abritait un musée indo-chinois et un musée d'ethnographie au premeir étage.

Le bâtiment fut détruit lors de l’Exposition Internationale des Arts et Techniques de 1937 et remplacé par le Palais de Chaillot, reconstruit par Jacques Carlu, et dont il garde quelques réminiscences, comme les ailes circulaires.

La mise à prix de chaque encrier est de 100 € mais gageons que celle-ci soit largement dépensée.

A vos enchères !

Informations pratiques :
Lundi 08 Février 2010 10:30
Hôtel des ventes
rue Albert Einstein
41100 Vendôme

CONTACT

Courriel : vendome@rouillac.com
Tél. Vendôme : 02 54 80 24 24
Tél. Paris : 01 45 44 34 34
Fax Vendôme : 02 54 77 61 10

Quand les femmes régnaient sur la France !

2009-12-08T07:09:00.001-08:00

Dans la lignée des grandes artistes du XVIIIème s., à l’instar de Marguerite Gérard dont une œuvre vendue récemment a fait l’objet d’un précédent billet, j’aimerai m’attarder sur une œuvre qui sera vendue le 11 décembre à l’Hôtel Drouot, par l’étude Oger et Camper, sous le numéro . Estimé 10/12 000 €, il s’agit d’un portrait ovale de jeune garçon, jouant au bilboquet, signé et daté 1773, réalisé par Louise-Elizabeth Vigée-Lebrun.

Née en 1755 à Paris d’un père pastelliste (Louis Vigée), Elizabeth Vigée (1755-1842), future Madame Vigée-Lebrun, nous est essentiellement connue par ses portraits de Marie-Antoinette, dont elle fut l’une des protégées. Formé par son père, par Gabriel François Doyen et Joseph Vernet, elle est également proche de Jean-Baptiste Greuze. Elle étudie également par la copie les grands maîtres au Luxembourg, au Louvre ou dans les collections privées.

En 1773, date du portrait de ce jeune garçon, Elizabeth Vigée-Lebrun commence à se faire un nom en tant que portraitiste des grands du royaume. Elle est installée, avec sa famille Faubourg Saint Honoré, où elle a ouvert un atelier en 1770. Elle pratique alors sans licence, ce qui lui vaudra en 1774, la saisie de son atelier par les officiers du Châtelet. Cependant, les commandes sont déjà très importantes, d’autant qu’elle bénéficie de la protection des épouses de deux grands personnages : Madame de Verdun, épouse d’un fermier général, et de Madame Louise-Adélaïde de Bourbon Penthièvre, épouse du duc de Chartres, futur « Philippe Egalité ». A la mort de son frère aîné, le prince de Lamballe, cette dernière hérita d’une fortune considérable qui fit d’elle l’une des femmes les plus riches de France. Cette princesse de sang lui permettra ainsi de pénétrer dans le cercle de Marie-Antoinette, future reine de France et dont Elizabeth Vigée a le même âge.

Ce portrait témoigne de la vogue, au XVIIIème s. du pastel, permettant aux peintres - dont Elizabeth Vigée-Lebrun fut, avec Rasalba Carriera et Maurice-Quentin de la Tour, l’une des plus des fameuses représentantes – de réaliser des portraits intimes, expressifs, comme pris sur l’instant. On peut ainsi citer le monumental portrait de Madame de Pompadour, réalisé par Maurice Quentin de La Tour entre 1748 et 1755, conservé au musée du Louvre. Le portrait du jeune garçon est dans la même lignée. Elizabeth Vigée cherche à représenter le modèle pris dans un semblant d’intimité, tout en n’oubliant pas de rappeler le statut social du jeune garçon par un costume très recherché. Une oeuvre plein d'émotions qui, à coup sûr, va faire lever plus d'une main !

A vos enchères !

Informations pratiques :

Etude Oger & Camper

Exposition :

Le mercredi 10 décembre de 11h à 18h et le jeudi 11 décembre de 11h à 12h

Vente :

Le vendredi 11 décembre 2009, à 14h, Hôtel Drouot, salle 2.

Adjugé : 18 000 euros

Apaisons les dieux !

2009-11-26T10:23:00.000-08:00

Une nouvelle vente d''archéologie se tiendra à Drouot, le 5 décembre, organisée par l'étude Delorme et Collin du Bocage, avec pour experts en archéologie Messieurs Michel et Gilles Cohen.

L'objet qui a retenu mon attention est le lot 44 : un manche de sistre, datée de la dynastie Saïte (664 à 525 avant J.-C), en faïence vert pâle à trace d'émail (est. 5/6.000 euros). C'est donc l'occasion de revenir sur un objet emblématique de la musique et de la religion égyptienne.

Le sistre est un instrument de musique qui se compose d’un manche cylindrique, support de représentations divines, et d’un cadre prenant, pour certains, la forme de naos percé et où étaient insérés des tiges horizontales garnies des coquilles ou de rondelles de bronze. On agitait l’instrument un peu comme un hochet pour faire de la musique. Il était dédié au culte de la déesse Hathor, déesse de la joie, de la danse et de la musique. Il est donc tout naturel de trouver des représentations de la déesse sur les sistres, mais également sous forme de chapiteaux aux façades des temples qui lui sont consacrés. La déesse, tant sur les sistres que sur les colonnes dites « hathoriques », est généralement représentée sous sa forme humaine, coiffée de sa lourde perruque retombant de part et d’autre de son visage, surmontée d’une couronne entourée de cornes de vache. Elle conserve également des oreilles de vache.

Seules les « chanteuses » du culte d’Hathor se servaient de cet objet, pendant les liturgies ou les rites funéraires. Le sistre, dans la mythologie égyptienne, servait à apaiser les dieux. Son nom égyptien évoquerait le bruissement que faisait la vache Hathor en se promenant dans les champs de papyrus.

Comme cela est le cas sur notre objet, le double visage d’Hathor est souvent associé au naos, petit édicule rectangulaire qui contenait la statue de la divinité, et à l’uraeus, cobra dressé, protecteur du pharaon. Ici, la déesse est coiffée d’un naos, à l’intérieur duquel se trouvent deux uraei. Ce type de sistre est le plus ancien que nous connaissons et remonte à l’Ancien Empire (2700 à 2200 av. J.-C.), il était très souvent réalisé en faïence et le naos pouvait être surmonté d’un vautour.

Pour un objet similaire, on peut se reporter à un sistre, de Basse Epoque également, vendu le 4 juin 2009, chez Sotheby’s pour près de 35.000 euros, et dont voici la photographie :

A vos enchères !

Informations pratiques :

Etude Delorme - Collin du Bocage.

Exposition :
Le vendredi 4 décembre de 11hà 18h
Le samedi 15 de 11h à 12h

Vente :
Samedi 5 décembre 2009, à 14h, salle 8, Hôtel Drouot.

Vente Yves Saint Laurent/Pierre Bergé - Les résultats

2009-11-23T12:14:00.000-08:00

La deuxième vente Pierre Bergé/Yves Saint Laurent a rapporté près de 9 millions d'euros, soit trois fois ce qu'en attendait Christie's. 98% des lots ont trouvé acquéreurs et les prix se sont encore envolés.
Ainsi, un porte-parapluie, estimé entre 300 et 500 euros, et qui se trouvait dans l'appartement de la rue de Babylone, a été adjugé 109.000 euros !

Rappelons que l'argent sera tout de même reversé à des associations luttant contre le SIDA, par le biais d'un comité d'experts qui attribuera les dons.

Marguerite Gérard, artiste sous la Révolution

2009-11-23T12:07:00.000-08:00

C’est un petit tableau, portrait intimiste et intime - genre très en vogue en ce début du XIXe s. - d’une femme avec son fil dans un intérieur empreint de néo-classicisme, que nous livre Marguerite Gérard (1761-1837) et qui sera l’un des points phares de la prochaine vente de l’étude V.A.E.P Marie-Françoise Robert et Franck Baille, le 23 novembre prochain (lot 62). Estimé 30/40.000 euros, il devrait certainement dépasser les enchères grâce à une actualité muséale fort à propos. En effet, une exposition se tient jusqu’au 6 décembre au musée Cognacq-Jay, intitulée «Dans l’atelier de Fragonard – Marguerite Gérard, artiste en 1789 ».

Artiste méconnue jusqu’à peu, originaire de Grasse, elle a pourtant suivi une formation de choix. Belle-sœur de Jean-Honoré Fragonard (1707-1806) par sa sœur Marie-Anne, elle n’a que 16 ans lorsqu’elle entre dans l’atelier du maître, au sein même du Louvre, où logeaient alors bon nombre de grands artistes. Elle en devient l’élève puis la collaboratrice.

Elle démarre sa propre carrière dans les années 1780, alors que Fragonard lui-même connait un certain essoufflement de sa peinture, réalisant des portraits dénués de tout superflu comme l’on peut en avoir l’exemple dans ce portrait de jeune femme et son fils. Elle réalise, aux alentours de 1789, les portraits des grands noms de l’époque comme Fragonard, Hubert Robert, Mirabeau, un tour de force pour une femme dans une époque aussi troublée que celui de la Révolution Française. Il est à rappeler que les femmes n’accédaient alors pas à l’Ecole des Beaux-arts et la peinture féminine n’était considérée que comme une «activité distrayante ». Pourtant, Marguerite Gérard réussit à se faire un nom et ce sont ces portraits, reconnaissables à leur style uniforme, qui feront son succès, conseillé par son beau-frère et utilisant un réseau social très étoffé au sein des artistes du Louvre, du Palais-Royal et de l’Opéra-comique.

Cependant, le portrait qui nous occupe des portraits d’artistes en vogue à la fin du XVIIIe s. par son raffinement, la pose élégante et la précision des détails de la toilette ou de l’environnement. Pour s’en convaincre, il suffit de regarder la délicatesse avec laquelle a été réalisée la robe de la jeune femme. Il est à noter d’ailleurs que, dans l’atelier de Fragonard et au début de leur collaboration, Marguerite Gérard avait pour spécialité les drapés, réalisés à la manière hollandaise.

Ce tableau a donc été réalisé pour un mécène, il était fait sur commande et payé, tandis que les tableaux d’artistes étaient plutôt échangés ou offerts.

Marguerite Gérard exposera ses portraits au Salon jusqu’en 1824, mais elle se retire ensuite de la vie artistique, son style étant taxée de « répétitif ».

Informations pratiques :

Exposition publique :

Vendredi 21 novembre et samedi 22 novembre, salle 7

Vente :

Lundi 23 novembre, salle 7, Hôtel Drouot-Richelieu.

Adjugé : 38 000 euros

Archéologie à Montaigne !

2009-11-18T09:18:00.000-08:00

Ce sont deux ventes de prestige qui se tiendront les 14 et 15 décembre dans la non moins prestigieuse salle des ventes de Drouot Montaigne.

Christophe Kunicki, ancien assistant du regretté Jean-Philippe Mariaud de Serres et spécialisé en archéologie méditerranéenne, est l’expert de cette vente, organisée par la maison Pierre Bergé.

La vente se compose essentiellement d’objets d’art égyptiens tels une statue du roi Psammétique Ier (664-610 av. J.-C., lot 29, est. 15/20.000 €) ou un exceptionnel portrait du Fayoum représentant un personnage masculin (IIe s. apr. J.-C., lot 48, est. : 50/70.000 €) ; proche-orientaux à l’instar d’une paire de bracelets achéménides aux lions, en or (Ve-Ive s. av. J.-C., lot n°293, et. 45/50.000€) ; grecs dont une idole cycladique du type de Spédos (2500 av. J.-C., lot 69, est. 20/30.000€) ; ou encore romains avec notamment un portrait de l’empereur Hadrien (IIe s. apr. J.-C., lot n° est. 150/250 000€)

L’occasion m’est donc donné de revenir sur un objet emblématique de l’Egypte ancienne, à savoir le lot n°8 de la vente : un rare hippopotame en faïence à glaçure bleue et à décor en noir de plantes aquatiques et notamment des lotus épanouis (H : 10,8 cm, L : 23,5 cm).

Il est daté par l’expert de la Deuxième Période Intermédiaire (1650-1530), XVIIe dynastie dit dynastie thébaine ou de Kamose. Cette dynastie, issue de Thèbes, règne sur la Haute-Egypte. La Basse-Egypte est alors sous la domination des Hyksos, peuple venu d’Asie et auquel l’Egypte a fait allégeance depuis le début de la Deuxième Période Intermédiaire. Les souverains de la XVIIe dynastie vont affronter les Hyksos et assurer la réunification de l’Egypte. Ce sera le début du Nouvel Empire en 1530 av. J.-C.

Les pharaons sont, à cette époque, enterrés dans la nécropole de Dra Abou el-Naga, à Thèbes, d’où est probablement issu notre hippopotame.

Revenons sur l’objet qui nous intéresse. Il existe dans les musées internationaux une cinquantaine d’hippopotames en faïence bleu, de dimensions variables, et tous décorés de la même façon, à savoir la végétation nilotique. Cela en fait un objet d’exception, et donc très prisé par les collectionneurs… et les faussaires en art égyptien !

Ce type de statuettes se retrouve dans les caveaux funéraires du Moyen Empire et de la Deuxième Période Intermédiaire. Il accompagnait le mort dans sa dernière demeure, avec l’ensemble du mobilier funéraire (vases, objets de toilettes, statues…).

Sa fonction ne nous est pas précisément connue mais on imagine facilement à quel point la représentation de l’hippopotame est exceptionnelle lorsque l’on sait que la chasse à l‘hippopotame était une activité de prestige pour les seigneurs et les pharaons. Malgré son attitude débonnaire, l’hippopotame était un symbole du mal et de force destructrice car, très abondant à l’époque pharaonique, il causait de nombreux ravages dans les champs des paysans égyptiens.

Le décor en noir représente la végétation que l’on trouvait dans le Nil, et principalement le papyrus et le lotus. Comme sur l’hippopotame de la vente Pierre Bergé, il est courant de voir figurer sur l’arrière-train de l’animal des fleurs de lotus. Il évoque bien entendu le fleuve qui nourrit l’Egypte, mais également le marécage primordial, le Noun. Au premier matin du monde, une fleur de lotus émergea du Noun, créant ainsi les grands dieux de l’Egypte.

Un parallèle de la même période, mais dans un état de conservation exceptionnel, est conservé au musée du Louvre, (sous le numéro : E 7709).

Il n’est ainsi pas étonnant de voir une estimation entre 80.000 et 100.000€ pour une pièce aussi chargée de symboles.

A vos enchères !

Informations pratiques :

Expositions publiques :
Samedi 12 & dimanche 13 décembre de 11 h à 18 h

Ventes :
Lundi 14 décembre et Mardi 15 décembre à 14h00
Drouot-Montaigne (15, Avenue Montaigne 75008 Paris)

Catalogues en ligne :
http://www.kunicki.eu/Kunickiexpertise/Catalogues.html

Vente Yves Saint Laurent/Pierre Bergé - Première journée

2009-11-17T16:13:00.000-08:00

Le 2ème round de la vente de la collection Yves Saint Laurent/Pierre Bergé a débuté ce matin à 10h, au théâtre Marigny, en présence de Pierre Bergé, avec la dispersion d'un peu plus de 300 lots. Cette première session a déjà rapporté près 2,23 millions d'euros (frais compris), malgré le peu d'acheteurs présents dans la salle.

Les premiers numéros, ayant réalisés des enchères nettement en dessous de leur estimation, ont été retirés de la vente. Les autres lots de la vente - et comme l'on pouvait s'y attendre avec une collection aussi prestigieuse - ont été adjugés bien au-dessus de leurs estimations. Un mobilier de salon Napoléon III s'est ainsi arraché 49.000€ (frais compris), pour une estimation entre 2.000 et 3.000€. Deux lustres, annoncés comme "peut-être de Ferdinand Barbedienne" sont partis à 82.000€ (frais compris), pour une estimation entre 10.000 et 15.000€.

Christie's estime que la vente devrait rapporter, hors frais, entre 3 et 4 millions d'euros.

Rendez-vous donc demain 10h au théâtre Marigny pour la suite de la vente !

Collection Yves Saint Laurent – 2ème partie

2009-11-16T02:24:00.000-08:00

Clap de fin pour la collection Yves Saint Laurent – Pierre Bergé dont la première vente avait totalisé près de 400 millions d’euros d’enchères. Christie’s va cette fois-ci disperser l’entier mobilier du Château Gabriel (Bénerville), manoir néo-gothique de la fin du XIXème s. acquis en 1983 par Pierre Bergé et Yves Saint Laurent et, depuis 2008, propriété de la russe Irina Povarenkina. La demeure avait notamment eu comme précédent et illustre propriétaire, Gaston Gallimard. Exit le cadre monumental du Grand Palais, la vente se déroulera au Théâtre Marigny, à quelques encablures du siège parisien de Christie’s France.

La décoration de cette somptueuse bâtisse avait été confiée au célèbre architecte d’intérieur Jacques Granges, s’inspirant des châteaux de Louis II de Bavière et des films de Visconti. La référence était aussi très importante à Marcel Proust et à son ouvrage A la recherche du Temps Perdu, dont le couturier Yves Saint Laurent était un grand admirateur. Les chambres portaient ainsi toutes un nom rappelant les œuvres de l’écrivain : Swann, Guermantes, Elstir, Charlus, etc.

La vente, totalisant pas moins de 1185 numéros, regroupe essentiellement des meubles Napoléon III et Charles X, rappelant les grandes demeures aristocrates des Noailles ou des Rothschild, témoignages du goût de l’époque pour le confort et l’opulence. Les estimations, loin d’égaler celles de la première vente, se situent de quelques dizaines d’euros à 120 000 euros pour un étonnant mobilier de style néo-gothique. Pour les amateurs de berline de luxe, la Mercedes, classe S, qui conduisait Yves Saint Laurent est également à céder et constitue le dernier de lot de la vente ! Avis aux amateurs…

Le dernier jour de la vente verra également la dispersion de près de 300 lots provenant des appartements parisiens des deux hommes. A noter que l’intégralité du résultat de la vente sera reversée à la lutte contre le Sida, Pierre Bergé étant par ailleurs Président du Sidaction.

Informations pratiques :

Collection Pierre Bergé/Yves Saint Laurent
Ventes du 17 au 20 novembre 2009 à partir de 10h, au Théâtre Marigny.

Expositions publiques :
Du 12 au 16 novembre de 10h à 18h chez Christie’s.

Catalogue en ligne :
http://www.christies.com/eCatalogues/index.aspx?saleid=22695&CID=5447005595b

Le lustre d'antan !

2009-11-15T13:31:00.000-08:00

Le 27 novembre, en salle 4 de l'Hôtel Drouot, se tiendra une vente d'Archéologie et d'Art Islamique, sous le ministère de Maître Boisgirard et sous l'expertise de Mme Annie Kevorkian.

Ainsi donc, cette vente passe en revue l'Archéologie classique : Grèce, Rome, Egytpe, Proche-Orient avec un superbe fragment de sarcophage romain représentant cinq des travaux d'Hercule (IIe s. ap.J.-C.) ou encore un splendide rhyton achéminide en argent (VIe s. av. J.-C.), à protomé de bélier. Elle aborde également des thèmes plus spécifiques comme les objets Hebraïca avec notamment une exceptionnelle Ménorah, datée du Ve-VIIe s. ap. J.-C. (est. 110 000/120 000 euros). La vente se poursuivra avec des pièces de l'art islamique : céramique, bronze, verrerries, miniatures.

Une vente d'archéologie finalement classique mais qui se distingue par l'exceptionnelle qualité des objets proposés, et des estimations non moins exceptionnelles !

Mon coup de coeur revient à une coupe Abbasside, datée IX-Xème ap. J.-C. (D : 21,5cm), en céramique à décor pseudo-lustré brun et jaune sur fond blanc.

Revenons un instant sur la technique de la céramique à décor de lustre métallique, innovation que l'on doit justement à la dynastie Abbasside, fondée par Abû al-`Abbâs As-Saffah et qui régna sur le monde musulman de 750 à 1258. Après leur triomphe sur les Ommeyyades, les califes abbassides déplacèrent leur capitale de Syrie en Irak et fondèrent en 762 Bagdad.

Cette technique est découverte au début du IXème s. ap. J.-C., dans les ateliers de ces califes. Elle permet de rivaliser avec la vaisselle d'or et d'argent, sans toutefois transgresser les lois de l'Islam qui interdisent l'usage profane de cette dernière. La céramique lustrée se rencontre, à cette époque, essentiellement sur des coupes de tailles et de formes variées. Elle est, au IXème s., polychrome, puis devient surtout monochrome car moins chère et beaucoup facile à réaliser.

Pour réaliser une coupe à décor de lustre métallique, deux cuissons sont nécessaires. La première permet de cuire la pâte façonnée selon la forme voulue et la glaçure qui donne ce fond blanchâtre au matériau. L'artisan applique ensuite des oxydes métalliques, de cuivre et d'argent, et procède à une cuisson en atmosphère réductrice, c'est-à-dire sans apport d'oxygène. Une fois sortie du four, l'objet est frotté pour laisser apparaître des reflets éclatants, imitant le métal.

La coupe, présentée à la vente par l'étude Boisgirard, dite "au personnage trônant" en est un exemple typique, nécessairement postérieure au IXème s., période où l'on préfère un décor géométrique et végétal, en petites unités, comparables à la mosaïque. Il faut attendre le Xème s. pour que la mode passe aux représentations humaines, comme en témoigne(n° d'inventaire : MAO23).

Pour ce petit trésor de l'art Abbasside, il faudra tout de même compter entre 34 000 et 38 000 euros selon l'expertise de Mme Annie Kevorkian.

A vos enchères !

Informations pratiques :

Etude Boisgirard,

Vente du 27 novembre 2009

Salle 4, Hôtel Drouot à 14h30

Expositions publiques :

Jeudi 26 novembre de 11h à 18h

Vendredi 27 novembre de 11h à 12h

Catalogue en ligne :

http:/www.world-encheres.com/vo27112009/asp/index.asp

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2009-11-15T13:24:00.000-08:00

Bonjour et bienvenue à tous sur mon Blog !

Vous trouverez ici des informations sur les prochaines ventes aux enchères et les objets qui ont retenu mon attention et que je souhaite vous faire partager.

Bonne lecture !