Le point culturel

Hadès game of the year 2021

2022-01-04T10:15:00.009+00:00

Première fois que je joue à un Roguelike dont je ne connaissais pas les codes (exploration de donjons via différents niveaux en gros) et force est de constater qu’Hadès est une bonne surprise pour les néophytes du genre comme moi. Non seulement c’est une belle façon de -re-découvrir la mythologie grecque de manière ludique (et répétitive) afin de l’ancrer d’une belle façon dans notre mémoire, mais c’est aussi un bon défouloir (répétitif).

Répétitif donc ? Oui, assurément. Le but est de multiplier les runs dans les enfers afin de remonter la pente et s’en échapper, voire d’assurer une présence sentimentale quelques minutes de plus dans la vie du personnage, sans trop spoiler. Hadès parvient néanmoins toujours à tendre une nouvelle carotte pour que la nouvelle course en vale la peine : nouvelle arme à tester, nouvelle prophétie à réaliser, intrigue en passe de se résoudre, objets à obtenir etc etc. Tout est fait pour déclencher le syndrome du « allez une petite dernière » alors qu’on pourrait tout à fait se satisfaire de ne réaliser que quelques runs par jours.

En cela le jeu devient assez addictif puisqu’on se plait à tout défoncer sur notre passage et poursuivre l’intrigue avec les dieux et les personnages des enfers (Orphée / Eurydice en tête, Achille / Patrocle également). Là où le jeu aurait en revanche pu exceller mais n’y parvient pas : c’est sa map. On est malheureusement voué à explorer les mêmes mondes et boss en boucle. Alors même s’il y a des rotations dans les lieux, des possibilités d’updates de mécaniques, et bien c’est toujours un peu la même chose. Et pourtant on y retournera quand même.

Fort de ses nombreux prix, le jeu a su trouver son public et continuer à développer sa notoriété depuis quelques années, je conseille ;-)

Vers une restauration de la Ceinture de Lumière de l'Opéra de Paris

2013-02-10T00:39:00.001+00:00

L'Opéra de Paris et l'Association pour le Rayonnement de l'Opéra national de Paris (AROP) lancent une démarche de mécénat auprès des personnes attachées au patrimoine parisien. Démarre en effet en ce moment même la première grande campagne populaire d'appel aux dons de l'Opéra national de la capitale afin d'oeuvrer à la restauration de ce que l'on nomme la Ceinture de Lumière du Palais Garnier. Une démarche qui s'inscrit pleinement dans un mouvement de restauration qui touche l'opéra depuis maintenant plus d'une décennie.

Cette ceinture, composée de près de 60 éléments de décoration et d'éclairage, existe depuis la construction du Palais Garnier en 1875 et aucune restauration n'a depuis été entreprise, d'où le besoin d'agir maintenant. Un million d'euro est l'idéal à atteindre par les organisateurs pour la restauration de l'ensemble (comptez 100-150000€ par lampadaires et colonnes). Les travaux permettront alors non seulement de rénover la ceinture de Lumière mais aussi de réinstaller les éléments les plus dégradés qui avaient été mis de côté. Si l'État finance la restauration de la façade du Palais Garnier, aucun moyen n'a par contre pu être dégagé pour la décoration alentour, c'est pourquoi l'AROP part en quête d'âmes généreuses qui leur permettraient de mener à bien ce projet ambitieux et nécessaire.

Cet appel a démarré le vendredi 8 février et durera pendant quatre mois. Un site internet a spécialement été dédié à l'opération, il s'agit de ceinturedelumiere.fr (vous aurez droit à une présentation par Stephane Bern et des informations plus détaillées, compte twitter à suivre : @CeintureLumière). Sachez que des gratifications diverses seront mises en place pour les humbles donateurs, dont une gravure des éléments restaurés pour ceux qui contribueront à une hauteur de plus d'un millier d'euros, voire même la possibilité d'apposer son nom sur une plaque pour un élément entièrement restauré par tel ou tel donateur.

Amour, une palme d'or bouleversante

2012-08-27T16:16:00.003+01:00

Grand retour de Michael Haneke après son oeuvre Le ruban blanc déjà couronnée d'un fort succès critique en 2009, et quel retour puisque c'est avec une nouvelle palme d'or qu'il vient s'imposer sur les écrans en 2012. Après vision de son nouveau long-métrage, on se dit que finalement, peu importe qu'Holy Motors de Leos Carax, débordant de créativité et qui démarre presque de la même manière, ait été boudé au profit de cette réalisation très classieuse qui est amené à bouleverser une grande majorité de son public.

On connaissait le goût d'Haneke pour les plans séquences et les huis-clos, Amour ne déroge pas à ses affections en se posant dans l'habitation de deux personnes âgées plutôt bourgeoises avec une caméra quasi contemplative. L'amour est palpable dans chaque pièce emplies de souvenirs et dont la tendresse s'étale jusque sur les murs, l'amour est partout, entre les corps, dans le regard, les paroles. Chaque instant qui rythme ce long-métrage de deux heures déborde d'une affection inouïe au point de tirer sur l'émotion à l'aide de simples mouvements ou dialogues. C'est un spectacle intenable, qui ne devrait pas être montré si l'on en croit une réplique du personnage incarné par Jean-Louis Trintignant, et c'est avec une dérision habituelle (on n'oublie pas la télécommande de Funny Games) qu'Haneke nous le dévoile, non sans froideur et certaine distance afin d'éviter le pathos.

Tout est simple, extrêmement beau et grand, mais simple, c'est une histoire d'amour qui s'est écrite dans la durée et dont on contemple impuissant la chute, tout en devinant un passé énorme entre les protagonnistes. D'une tristesse infinie dans tout ce que cela représente, Amour est une ode à la vie, à la joie, à cette union des corps quand bien même l'un se dégrade pour perdre ce que l'enfance a acquit (la parole, le mouvement...). Quand bien même le ciel somme l'un de le rejoindre, c'est un refus qu'il obtient car l'un doit rester envie ne serait-ce car l'autre en a encore besoin. Haneke ressuscite ainsi l'amour dans ce qu'il a de plus débordant et de pacificateur, de plus originel et passionnel, illustrant avec merveille cette idée que l'amour dépasse jusqu'à la décrépitude de la chair et se passe au delà de toute considération physique.

Amour apparaît donc comme un film absolument complet sur le sujet. Non pas qu'il retrace la vie entière d'une vie partagée à deux, mais qu'il en montre les étincelles finales, rares et précieuses sans pour autant être inédites, le sujet de fin de vie de couple ayant déjà été traité des dizaines de fois mais sûrement jamais avec autant de brio. C'est un film qui résonne particulièrement bien si l'on y va en couple avec la personne de notre vie, mais au delà de ça c'est un film universel. Haneke fixe cet amour au travers de ses cadres et rattache les corps dans ces tableaux virtuoses sur lesquels viennent de temps en temps s'accoler quelques notes de piano. Jean-Louis Trintignant et Emmanuelle Riva font éclore ces sentiments à l'écran et distillent un suspense sentimental poignant autour duquel navigue de temps à autre la toujours excellente Isabelle Huppert qui avait, rappelons-le, déjà sublimé un film de ce cinéaste en 2001 : La pianiste. Haneke prend alors bien soin de laisser libre cours aux dialogues du couple principal, dialogues s'étalant dans des plans séquences exaltant la fixité de cet amour à la posture semble-t-il éternelle. Tout y est, les plus belles et tristes choses de la vie s'y confondent.

Peut-être la plus belle image d'Amour n'est non pas un plan du film, pas même la voisine effondrée ou l'autre en diagonale qui s'essuie les yeux tout du long, mais celle à la sortie du cinéma d'un jeune couple tendrement enlacé dont l'un (ou les deux) se rassurent, à priori larmes aux yeux, dans les bras l'un de l'autre. C'est tout l'effet que fait l'immense film d'Haneke. On a envie d'aimer, aimer à s'en adorer, à s'en attendrir le coeur, de vieillir ensemble et ce jusqu'à ce que la mort nous sépare. La claque émotionnelle de l'année sans aucun doute.

SPOILER

Mais outre une oeuvre remarquable, Amour, avec sa palme d'or qui va lui conférer une place de choix au sein du cinéma international, a des chances de devenir un modèle pour ceux qui revendiquent le droit de mourir dans la dignité et pourrait éventuellement faire bouger les lignes dans certains pays. Si Haneke reste glacial et évite tout sentimentalisme trop encombrant, le final où le personnage de Jean-Louis Trintignant décide d'en finir avec la douleur de sa femme surprend. Ne serait-ce que par sa place, la scène survient après une longue partie de déchéance humaine durant laquelle on assiste impuissant à la détérioration de la situation de ce couple. L'acte en lui-même arrive après un dernier instant partagé à deux où le "mal" répété inlassablement semble avoir prit fin grâce aux douces paroles du cher et tendre. Dès lors la douleur morale enfin envolée peut alors s'esquisser une toute dernière douleur physique dont s'ensuivra la mort, véritable libération et dernière offrande, la plus absolue : celle de l'amour jusqu'à la toute fin, celle d'un homme à sa femme qui n'est déjà plus depuis bien trop longtemps.

Laurence Anyways, chic mais too-much

2012-07-19T18:58:00.001+01:00

Grand et fastidieux retour du jeune mais déjà très célèbre Xavier Dolan avec ce Laurence Anyways d'une durée de 2h45. Troisième film, trois fois plus ambitieux, trois fois plus casse-gueule dira-t-on. Le jeune homme touche-à-tout (producteur, monteur, acteur parfois, réalisateur surtout), livre ici son film le plus adulte et le plus écrasant.

Dès le tout début, rien ne nous est épargné de tous les tics habituels du prodige québecois qui se livre à une sorte d'onanisme sur tout ce qui marque habituellement son cinéma : ralentis, recherche du plan original, cadre très serré (le format 4/3 déroute). En l'état, c'est presque irrégardable tant le style foisonnant est surchargé et peine à accrocher sur la complicité du couple dont la moitié des dialogues sont étouffés par les musiques présentes. Bien heureusement, Dolan relâche peu à peu la pression et laisse respirer son film, traçant le cadre autour de ses deux acteurs principaux, au calme, et laissant peser le poids de la révélation de l'homme désirant devenir femme.

Chose inattendue, Suzanne Clément sera le plus grand intérêt du film, loin devant Melvil Poupaud qui joue pourtant très convenablement ce rôle de transexuel en quête de liberté. C'est même sur ses épaules à elle que vont se porter les longues heures du film, et sur elle que le propos aurait judicieusement gagné à être axé. En effet, loin d'être inintéressante, la transformation de Poupaud n'emporte pas totalement l'adhésion, bien qu'elle livre son lot de scènes mémorables comme celle de l'arrivée en classe où la pression est palpable. Mais c'est plutôt l'acceptation de sa femme qui émeut, touche, et nous emporte sur cette longue fresque de dix années de la vie d'un couple. Suzanne Clément délivre ainsi une prestation d'une justesse incroyable, ébouriffante avec ce que Dolan fait d'elle : un spectacle pimpant qui défile comme un mannequin et modèle de coiffure. Un spectacle qui trouve son apogée lors de la bluffante scène du bal fastueux où elle déambule, fêtarde, dans une esthétique quasi-publicitaire voire clipesque vu le contenu musical entraînant.

Xavier Dolan n'est ainsi pas en reste quand il s'agit d'éblouir par des scènes virtuoses sachant user avec grande maîtrise d'une bande originale plus que soignée. Il l'a déjà fait et il le fait encore avec grand plaisir. De Visage en passant par Moderat, des sonorités électrisantes nous amènent précieusement vers de très belles choses cinématographiquement parlant. Ainsi, si les 2h45 peuvent paraître longues par instant, en plus d'un agrandissement du cadre à partir de la moitié afin d'introduire des personnages secondaires inutiles ne servant qu'à relancer l'histoire, Dolan sait nous chérir avec des séquences d'une beauté folle. Parmi les plus dingues, on compte évidemment celle de la pluie de fringues dans le ciel, sans doute l'un des plus grands passages à voir au cinéma depuis des semaines (je dirais depuis le Faust de Sokourov). Xavier Dolan touche enfin à l'art, la création, sans faire dans l'excentricité pompeuse habituelle dont le début du film et d'autres moments sont la caricature la plus outrée, enchaînant effets de style outranciers et musiques classiques too-much.

Ce Laurence Anyways, s'il demeure inférieur à J'ai tué ma mère ou Les amours imaginaires, reste un film qui se suit sans déplaisir mais déborde par son trop-plein de style, son trop-plein de personnages encombrants et ses intrigues secondaires qui ne trouvent pas leurs voix. Xavier Dolan assurait vouloir réaliser son Titanic à lui, et s'il y a bien l'amplitude de la durée, la frénésie du couple bousculé par des choses nouvelles tourne très souvent à vide et verse bien trop dans le remplissage. Dommage, car une fois fini, hormis la tolérance qu'auront acquis certains spectateurs peut-être réticents, il ne reste que trop peu de choses de cet amour impossible dont le seul but est de questionner sur ce qui a changé aujourd'hui.

The Dark Knight Rises : Explosif comme jamais

2012-07-18T22:14:00.000+01:00

Succès critique et médiatique de la Trilogie

En 2005, Batman Begins sort au cinéma, mettant d'accord les batfans des premiers volets des années 90, la critique et les spectateurs lambdas sur le fait incontestable qu'il est un chouette renouveau pour un personnage qui avait déjà fait ses preuves par le passé, soit le célèbre Batman. Jusque là un peu boudé au profit des Spiderman et autres blockbusters à action lourde pour grand public, Batman Begins parvient pourtant à tirer la reconnaissance qu'on lui doit grâce au cinéaste Christopher Nolan qui entreprend de mettre en scène une aventure réaliste et sombre. Batman renaît alors de ses cendres avec un premier bon volet.

Puis nous voilà en 2008 où la surprise arrive, Nolan est attendu au tournant avec sa suite The Dark Knight. Les batfans patientent grâce à un buzz gigantesque à coup de superbes affiches et de teasers en tout genre. La date de sortie approche, tout d'abord aux USA où la sortie est fixée au 18 juillet. Le jour fatidique enfin arrive et tous les américains se rendent dans les salles obscures et les premières critiques tombent : "chef d'oeuvre" par ci, "meilleur film de tout les temps" par là. Les notes ont semblé unanimes comme on pouvait le voir sur IMDB, rottentomatoes, yahoo etc. Le phénomène médiatique a continué de se mettre en place autour du long-métrage encensé de toutes parts, mettant certains cinéphiles en rage car le film va jusqu'à détrôner Le parrain et Les évadés auprès des spectateurs d'IMDB. La sortie française n'étant que fixée au 13 août, les fans de chez nous ont dû s'armer de patience avant d'avoir droit eux-aussi à la claque que fut The Dark Knight en son temps.

Inception passé entre temps par là, Christopher Nolan atteint très vite une renommée internationale. 2012 apparaît alors comme l'année apocalyptique où vont se marcher dans les pattes beaucoup de films à gros budgets, mais les yeux sont rivés vers le cinéaste qui a su mettre Hollywood à ses pieds par le pessimisme ambiant de son univers plongé dans un réalisme tragique. Surtout, c'est sur son The Dark Knight Rises que repose d'énormes enjeux, les blockbusters actuels étant noyés dans la médiocrité et l'artifice auquel la 3D se prête bien, lire à ce sujet mon article sur Écran Noir.

Verdict ? (Critique sur Ecran Noir)

Si le joker avait annoncé le chaos sur Gotham en 2008 dans The Dark Knight, c'est avec le dernier volet de la trilogie que ce chaos nous parvient sous la forme d'un film extrêmement bourrin à l'image du nouvel ennemi en place : Bane. Ce dernier opus signé Christopher Nolan, attendu comme le saint Graal du blockbuster hollywoodien qui saurait remettre en place tous les autres, diffère grandement des épisodes précédents. Loin d'être torturé psychologiquement comme dans The Dark Knight, le Batman de ce troisième volet retrouve l'esprit de film d'action avec parcours initiatique qu'était Batman Begins en amplifiant tous les éléments possibles du blockbuster habituel pour un résultat complètement colossal.

La structure et le ton adoptés diffèrent donc des épisodes précédents, sorte de synthèse entre les twists d'Inception et l'action d'un The Dark Knight, The Dark Knight Rises est amené à s'imposer comme un épilogue spectaculaire et un long-métrage unique dans la filmographie d'un cinéaste qui propose à chaque fois (et ce même dans une trilogie) un travail radicalement différent. Christopher Nolan s'est donc définitivement amélioré dans sa mise en scène, quoique persistent certains tocs et manques d'approfondissements de certains plans. Il livre ici un film sauvage, d'une efficacité monstrueuse, doté de scènes d'actions absolument rocambolesques. Surtout, il va jusqu'à doubler tout ce qu'on a pu voir de plus grand dans ses deux films d'avant et nous délivre ainsi pas moins d'une heure et demie d'action non-stop ou presque. La scène du stade de football américain ou la scène du speech viennent témoigner pour la énième fois qu'il est un réalisateur sachant tirer toute la grandeur émotionnelle d'une succession de scènes d'actions brillamment orchestrées et insérées par des montages à faire trembler. Des scènes qui ne seraient d'ailleurs rien sans une BO signée Hans Zimmer, en grande forme malgré l'absence de son acolyte James newton Howard qui l'accompagnait sur les précédents volets. Un bémol toutefois : l'omniprésence de musiques lors de certaines scènes ne trouvent aucune justification, même syndrome qu'Inception donc.

Mais outre cet art à maitriser de multiples enjeux et à les accoler sans grandes difficultés, Christopher Nolan surprend par ce qu'il fait dans un hollywood trop souvent poussé à devoir tout dévoiler d'un film pour le promouvoir. Ici, tout était bien préservé et c'est quasiment comme neuve que cette nouvelle histoire de Batman se dévoile à nous. Christian Bale a le mérite d'y paraître bien moins fade et effacé que dans The Dark Knight, et c'est avec plaisir que l'on retrouve tout le reste du casting, avec la plus-value d'Inception comme Marion Cotillard ou Joseph Gordon Lewitt dans des rôles finalement moins secondaires qu'à priori. Si Gary Oldman (le commissaire Gordon) avait laissé exploser son talent dans le précédent volet, ce sont ici d'autres rôles secondaires comme Michael Caine qui trouvent justice dans de très belles scènes. Une belle récompense en somme pour ceux qui sont là depuis le début. Quant à Tom Hardy, s'il est évidemment très bon et rappelle par sa carrure son rôle dans Bronson de Winding Refn, il reste en dessous d'Heath Ledger qui éclatait l'écran à chaque apparitions avec le personnage du Joker bien moins brutal mais bien plus tortionnaire psychologiquement parlant. Tom Hardy ne marquera donc pas autant les esprits, la faute à un masque moins attrayant qu'un simple maquillage, mais reste très performant d'un bout à l'autre. Le long-métrage ne fait alors que s'adapter à la psychologie de son méchant et propose des destructions comme rarement vues, n'en déplaise à Bay ou Emmerich à la traîne. Là où on se laisse agréablement surprendre, en plus d'un caméo absolument réjouissant, c'est par la performance d'Anne Hathaway, resplendissante dès le début en Selyna Kale puis en show-girl en tenue de Catwoman. Jamais film de Christopher Nolan n'a d'ailleurs été aussi féminin, les femmes semblant être sa grande faiblesse habituelle (soit reléguées à des seconds rôles, soit vite éliminées bien qu'elles fassent partie intégrante de la psychologie du héros).

Avec un casting aussi parfait, difficile déjà de faire un mauvais pas. Et pourtant, le film va décevoir à un certain moment, manquant de ce petit quelque chose d'extrêmement noir qui faisait la grandeur de The Dark Knight et l'imposait comme pilier hollywoodien sur la société post-11 septembre. Si ce nouveau Batman est donc un sommet d'action à en éblouir les plus réservés, la part laissée à l'émotion ou la progression narrative s'avère plus faible, du moins semble-t-il. L'action reste bien entendu au service du scénario, mais The Dark Knight Rises est un grand film épique survitaminé qui en met plein la vue et c'est en cela qu'il diffère de ces prédécesseurs, bien qu'impressionnant eux-aussi mais pas jusqu'à frôler l'overdose en risquant 1h30 de film pétaradante dans tous les sens. Plus dommage encore dans ce flot incessant d'explosions est le manque de scènes anthologiques avec le nouveau véhicule, pas même une scène équivalant le camion retourné de The Dark Knight qui renversait littéralement la salle avec une chose aussi simple d'apparence. Pire encore est la dernière partie trop vite expédiée sans scènes grandement intenses, dur. Mais heureusement, une fois n'est pas coutume, le frère Nolan ayant écrit le scénario a pris soin de lui insuffler d'incroyables échos aux bouleversements de la société état-unienne (et pas seulement) flottant entre crises du pouvoir et crises monétaires, non sans la démagogie d'une lutte des classes qui sert de toile de fond à la "révolution" prônée par Bane. Quand l'on rajoute à ça une foule de détails subalternes, le film ne devrait pas souffrir de revisionnages au cinéma malgré un propos finalement assez creux.

Entre actualités et chaos, ce dernier Batman balaye tout sur son passage et offre une conclusion parfaite échappant à la malédiction des troisièmes volets de saga. Il était extrêmement difficile de surpasser The Dark Knight qui jouissait en plus de l'effet de surprise que ce nouvel épisode trop attendu n'a plus, et pourtant Christopher Nolan a réussi à presque l'égaler et à se hisser en haut du piédestal des meilleurs cinéastes régnant en maîtres sur les blockbusters actuels. C'est très fort et ça tient presque du génie de faire des oeuvres aussi réussies dans le monde cloisonné du cinéma grand public. Christopher Nolan synthétise la culture populaire hollywoodienne et y apporte son savoir faire tout européen, le tout avec des réflexions universelles. Un mastodonte de cinéma populaire, tout simplement. Que demander de plus ?

Sigur Rós et leur projet artistique

2012-06-23T13:28:00.000+01:00

C'est le 26 mars que l'album Valtari se révèle par un premier titre envoûtant au clip obscur, sorte de plan fixe aux couleurs changeantes durant lequel circule un bateau dans les airs. La date de sortie y est annoncée, le 28 mai, date du grand retour du groupe islandais dont le dernier album remontait maintenant à 2008.

Quelle ne fut alors pas ma surprise en découvrant que le groupe choisit de développer un projet commun autour de ce nouvel album, sobrement intitulé "The valtari mystery film experiment", dont le but consisterait à permettre à des artistes d'illustrer un titre de l'album par des moyens qui seraient les mêmes pour tous (10 000$). Le groupe exprime ainsi sur la page officielle du projet : "Nous n'avons jamais songé à ce que résulte de notre musique une émotion pré-programmée. Nous ne voulons dire à personne comment se sentir ni ce qu'il faut en retirer. Avec les films, nous n'avons littéralement aucune idée de ce que les réalisateurs vont nous rapporter. Aucun d'entre eux ne savent ce que les autres font, on peut donc espérer quelque chose d'intéressant."

Le premier clip du projet est publié le 25 mai et joue sur le rapport à la respiration, le titre de Sigur Ros traduit étant "Je respire". Un résultat saugrenu quasi-éducatif mettant un certain temps à démarrer avant de devenir plutôt cocasse. Il est réalisé par Ragnar Kjartanson -artiste ayant expérimenté dans l'art visuel et la musique- qui explique qu'il s'agit de la première vidéo pop utile de l'histoire.

Le second clip illustre le meilleur titre de l'album avec un petit bijou visuel. Une merveille passionnante d'un bout à l'autre mise en ligne le 6 juin. On la doit à Inga Birgisdóttir, diplômée en art et ayant déjà réalisé des clips pour d'autres artistes. Elle s'intéresse ici aux avertissements (traduction du titre Varúo) et s'est filmée en réalisant des signaux avant de s'insérer sur ce qui figure au départ être une carte postale.

La vidéo la plus connue, forcément, Shia Labeouf s'y met à nu physiquement et avec talent. Alma Har'el dirige ce couple plongé dans la destruction et force est de constater que le résultat créatif est un poil plus alambiqué que le reste. Un article du Wall Street Journal dans lequel on peut retrouver l'interview de l'artiste vous aidera à y voir plus clair dans ce nouveau clip publié le 18 juin.

Découvrez le tout nouveau clip dévoilé aujourd'hui. Noir et blanc épuré, travail qui s'apparente davantage à un travail photographique. Un résultat agréable et doux.

Prometheus, un Alien light

2012-05-30T15:42:00.001+01:00

On y est, 33 ans après le tout premier Alien, le nouvel oeuf tant couvé et tant attendu de Ridley Scott vient nous délivrer son tout nouveau bestiaire, affichant un désir certain du réalisateur de retrouver ce qui a fait son succès d'antan. Prometheus est-il donc la nouvelle référence de science fiction horrifique renouant avec le meilleur film de Scott ? Réponse garantie sans spoilers.

Doté d'un budget colossal de 150 millions de dollars pour un film de science-fiction, ce Prometheus qui lorgne tant vers l'univers d'Alien sera à rapprocher de celui réalisé par James Cameron, tant ce qui prédomine est plutôt l'action que l'horreur pure. En l'état, Ridley Scott nous offre un divertissement véritablement haletant voire époustouflant dans ses images. Le budget conséquent est visible puisque les effets spéciaux foisonnants sont certainement ce qui s'est fait de mieux en SF ces dernières années, donnant ainsi un dernier coup de balai aux récents Star Wars transpirant le fond vert à chaque secondes. Les plans panoramiques de l'espace sont alors de toute beauté et ne reste plus qu'au vaisseau Prometheus à se poser vers ses nouvelles contrées à explorer, vaisseau qui n'est autre que le guide de l'homme vers la connaissance, le tout sous-couvert de mythologie étrange.

N'en déplaise à monsieur Scott ou ses producteurs, surement trop obnubilés par le coût à rembourser et cherchant à viser le plus de monde possible, Prometheus a tout d'un préquel à Alien, ça bien évidemment tout le monde s'en doutait malgré leurs dires, mais le nouveau long-métrage dépasse ce stade pour amorcer une toute nouvelle grande saga. Projet ambitieux diront certains, prétentieux pour d'autres. Reste que le film est une oeuvre réussie mais mineure, levant certains précieux mystères du tout premier volet d'Alien -comme le fameux Space Jockey- mais lui empruntant surtout le plus gros. Car effectivement, tout dans ce nouvel univers rappelle le chef d'oeuvre de Scott, il ne s'agit plus de simples clin-d'oeils mais d'une authentique réappropriation afin de relancer la machine sur du neuf.

Forcément, Sigourney Weaver nous manquera, mais Noomi Rapace qui lui succède en héroïne féminine fait remarquablement bien son travail, et ce finalement dans un rôle bien différent. Elle porte le film sur ses épaules aux côtés d'un Michael Fassbender d'une froideur extrême. Le reste de l'équipage passe peut-être bien trop au second plan, mais le casting parvient à insuffler ce qu'il faut pour que le tout fonctionne agréablement, on notera d'ailleurs la présence d'un Guy Pearce méconnaissable. Si l'on s'attendait alors à des débordements une fois tous atterris, Prometheus va surprendre... par son manque d'épouvante. Une catastrophe pour les fans du tout premier Alien, chef d'oeuvre horrifique par excellence et montré comme référence depuis des décennies. Car si les personnages évoluent en milieu hostile, et si Ridley Scott par sa mise en scène toujours très efficace parvient à faire monter la tension à plusieurs moments, le ressenti ne dure jamais longtemps et le cinéaste part s'attarder ailleurs, multipliant les déplacements entre le vaisseau et le lieu qui nous intéresse nous, étouffant l'atmosphère angoissante dès qu'elle se met donc en place.

Dans cette errance scénaristique où monstres, hommes, robot et dieux semblent se côtoyer, on perd facilement pied. Énorme déception donc autour du manque d'effroi, un comble vu les attentes placées autour de ce Prometheus comme devant ramener la SF horrifique sur son piédestal duquel elle a glissée il y a maintenant des dizaines d'années, même si l'on n'oublie pas des tentatives récentes comme le sympathique Sunshine de Danny Boyle. Tout comme ce dernier, le scénario dévie dans sa dernière partie qui frôle de nombreux sujets sans jamais dépasser la symbolique que l'on peut trouver derrière les images. Ça évoque de nombreuses recherches : celle de nos origines, celle de l'âme, celle de l'immortalité, des thèmes classiques qu'on finit par ne plus distinguer dans le gloubi-boulga général qui l'emporte sur la fin. Le film n'en est pas pour autant moins divertissant; car si on ne comprend pas toujours où ça va, une part est laissée à l'imprévisible et au plaisir fou de retrouver un univers qu'on croyait à jamais perdu.

Ridley Scott excelle donc dans l'exercice, filmant des déambulations maladroites dans des couloirs avec maestro, livrant même une scène anthologique sur laquelle plane le souvenir du chestburster. On n'égale toutefois pas la puissance du final d'Alien qui nous renversait par sa course à la survie au sein de lieux surmontés par des jeux de lumières palpitants, le tout vibrant au son d'alarmes à en épuiser le spectateur. Prometheus souffre donc de la comparaison, c'était inévitable, et pourtant le produit fini s'en éloigne quelque peu. Tout juste dira-t-on que le film est inclassable, à la fois hommage et emprunt, à la fois distant et dissemblable, mais qu'il en met strictement plein la vue malgré une fin abrupte.

Prometheus va donc s'imposer auprès du grand public comme un gigantesque spectacle dans lequel on retrouve à peu près tous les éléments inhérents aux blockbusters réussis. Mais impossible de ne pas trouver ce nouveau film déstabilisant et extrêmement soft, gros budget oblige. On se rassurera en se répétant que la nouvelle saga ne fait que commencer, rattachant les pistes avec ce qui a été fait autrefois pour mieux s'élancer vers un nouveau public et l'emmener vers de nouveaux horizons. Peut-être était-ce même la meilleure solution tant les films d'horreurs sont aujourd'hui complètement déclassés des grands multiplexes -hors productions très commerciales ou pour ados-. On ne peut donc qu'espérer très rapidement une suite qui, si possible, saura enfin ravir tout le monde en proposant quelque chose de beaucoup plus libre qu'un Alien light servant de transition, ce qui n'est pas dérangeant outre-mesure mais s'avère insuffisant quant on sait le talent du cinéaste dans le domaine. Le pire étant sans doute que le chef d'oeuvre est dans l'oeuf mais peine à éclore pendant ces deux heures.

Et mes fesses, tu les aimes mes fesses ?

2012-04-08T11:35:00.002+01:00

Un coup de coeur. Le mépris, oeuvre connue et reconnue internationalement, à la fois grand livre d'Alberto Moravia (1954) et grand film de Jean-Luc Godard (1963), l'histoire d'un film qui se fait et d'un couple qui se défait comme on le présente souvent. Discorde dans un couple, réflexion sur l'Odyssée, mises en abyme multiples... Deux oeuvres admirables qui ont leur existence propre.

Le titre de mépris est bien plus adéquat que ne le serait la haine, il ne s'agit pas chez Moravia de souligner une opposition à l'amour mais bien plus de désigner l'indifférence portée à une personne, et donc ici le manque de considération d'Émilia envers son mari Riccardo qui grandit au fil des pages (les prénoms sont changés au profit de Camille et Paul dans l'adaptation). Le lecteur est alors plongé dans le situation de Riccardo, notamment dans le récit de Moravia qui n'est qu'états d'âmes successifs à la première personne entrecoupés de quelque dialogues avec son épouse, le producteur ou le metteur en scène. Le tout bien évidemment sublimé par la plume de l'auteur.

Alberto Moravia & Jean Luc Godard

Le mépris se voit alors comme l'histoire d'un mystère, celui d'un homme qui chercherait à résoudre l'énigme d'une flamme qui s'éteint, d'une femme qui n'étreint plus. L'énigme repose alors sur une épouse stable et résolue, obstinée à mépriser coûte que coûte, pendant que l'homme s'agite avec forces et convictions à essayer d'en obtenir les clefs, vainement.

Emilia joue de ce mépris pour créer le désespoir, de par la douceur de sa voix, enchanteresse pourtant impénétrable. Violence ou amabilité ne serviront plus, l'épouse s'est fanée et n'éclora plus pour dévoiler ses mystères. Ainsi Riccardo constate cet amour qui faiblit et disparait, à un baiser qui ne se donne plus, à une présence qui se fait plus distante qu'autrefois. Chaque pas, chaque mouvement, chaque regard ou chaque mot n'est plus qu'attitude désinvolte dont il resterait à entrevoir le fond imprévisible.

Le livre de Moravia apparaît ainsi comme une lutte entre un homme déchiré par ses sentiments et ses intérêts professionnels, intérêt qui est celui d'un scénariste voulant écrire pour le cinéma mais dont le producteur côtoie sa femme, l'éloignant toujours plus de lui. Le mépris naît alors à mesure que le personnage principal accepte d'abandonner sa femme à son producteur, ceci afin de servir à son ascension littéraire qui lui permettrait de pouvoir financer le désir de possession de madame qui n'entrevoit son émancipation sociale que par l'achat d'une petite maison meublée bien entretenue.

Désormais, chaque geste qui préludait autrefois l'amour n'est plus qu'inattention désinvolte et froideur délicate. Dans cette schizophrénie des sentiments, le lecteur/spectateur doute quant à la fin de son amour et quant aux différentes causes possibles. Le livre est encore plus violent car Riccardo préfère voir sa femme morte que comme ennemie, le mépris étant perçu sans fondement. En résulte pour lui une grande injustice qui le pousserait presque au suicide pour gagner en attention.

Capri comme destination est alors le dernier remède possible, car sans l'amour de sa femme, Riccardo ne réalisera pas le scénario du film sur lequel il est censé travailler. Le long-métrage se fera si relation positive il y a, ou bien ne se fera pas. Émilia apparaît ainsi au centre de tous les enjeux passionnels et intellectuels.

Ulysse et Pénélope de Francesco Primaticcio, 1550

L'odyssée d'Homere, dans l'oeuvre de Moravia, est vue de façon psychologique. Ulysse ne serait que l'histoire d'un homme qui aime sa femme mais n'en serait pas aimé en retour, et qui n'aurait alors de cesse d'inconsciemment retarder son voyage afin d'éviter d'affronter le mépris de Pénélope. Allusion directe au couple principal, première mise en abyme. Cette vision de l'oeuvre d'Homere est portée par Rheingold, interprété par le virtuose et réel cinéaste Fritz Lang (M le maudit, Métropolis...) dans l'adaptation, seconde mise en abyme. Le producteur, lui, ne voit que le côté spectaculaire, espérant scènes de nudités et choses éblouissantes. La situation de Godard y fera d'ailleurs écho puisqu'il se verra dans l'obligation d'exploiter le potentiel physique de son actrice dont le producteur américain souhaitait absolument voir le cul. Triste situation.

On choisit donc de se pencher sur le drame intérieur d'Ulysse. L'histoire ne serait non plus celle de la découverte épique de la méditerranée mais le drame d'un homme moderne en proie à des contradictions. Opposition entre l'art et le spectaculaire, entre la grandeur d'un sujet qui se déroule au travers de simples regards et gestes. Le Mépris offre des contrastes saisissants. Ulysse est la civilisation et Pénélope la barbarie, Ulysse est intellectuel et Pénélope traditionnelle. Le tout est bien sûr un miroir du couple principal. Et le cinéma, ou plutôt ce film qui se crée, en est l'épopée interminable. Pourquoi Ulysse combattrait pour rejoindre Pénélope si elle ne l'aime plus ? Pourquoi Riccardo travaillerait-il si Émilia le méprise ?

Godard dans son film met en image l'adaptation du livre et le film du livre également, il se réapprorie totalement le sujet et l'exploite plus profondément pour en livrer une réflexion sur le cinéma. L'oeuvre peut aussi se voir comme la condamnation de l'indifférence, l'homme oeuvrant et se mouvant en vain autour d'un élément insatisfait. Brigitte Bardot interprète avec maestro cette femme fatale, errant dans le paysage, libre et envoûtante, sexuelle comme sensuelle, amoureuse ? Méprisante.

La musique de George Delerue joue le rôle de leitmotiv venant rythmer chaque séquence et lui insouffler une touche de poésie ou en contempler la tragédie. La réalisation de Godard vient alors sublimer ces éléments déjà vainqueurs et leur apposer une maîtrise esthétique parfaite.

Cinéma, littérature, musique, technique, sculptures et tableaux... La boucle est bouclée. Les deux oeuvres unissent les arts autour d'une intimité partagée avec le spectateur/lecteur. Le mépris se lit, se voit, et n'a nul besoin d'être compris pour être aimé. Silenzio.

"Durant les deux premières années de mon mariage, mes rapports avec ma femme furent, je puis aujourd'hui l'affirmer, parfaits. Je veux dire que pendant ces deux années l'accord complet et profond de nos sens s'accompagnait de cet obscurcissement ou, si l'on préfère, de ce silence de l'esprit qui, en de telle circonstances, suspend toute critique et s'en remet à l'amour seul pour juger la personne aimée. Emilia me semblait absolument sans défauts et je crois que je paraissais tel à ses yeux. Ou peut-être voyais-je ses défauts et voyait-elle les miens, mais, par une transmutation mystérieuse due à l'amour, ils nous semblaient à tous deux non seulement pardonnables mais en quelque sorte aimables, comme si au lieu de défauts ils eussent été des qualités d'un genre particulier. Bref, nous ne nous jugions pas : nous nous aimions. L'objet de ce récit est de raconter comment, alors que je continuais de l'aimer et à ne pas la juger, Emilia, au contraire, découvrit ou crut découvrir certains de mes défauts, me jugea et, en conséquence, cessa de m'aimer."

Hunger Games, une battle vraiment royale

2012-03-28T09:51:00.011+01:00

Incroyable, celui que l'on attendait comme le nouveau Twilight (entendre par là : poule aux oeufs d'or destinée à attirer toutes les adolescentes dans les salles) se révèle riche et plein de surprises. Outre un box office qui s'envole et bat des records, pouvant laisser dubitatif, c'est finalement bel et bien une oeuvre méritante et exigeante qui nous est livrée.

La réussite du film tient tout d'abord à son casting prestigieux, le réalisateur Gary Ross ayant choisi judicieusement la révélation de The Winter Bones et celle du Secret de Terabithia. C'est donc Jennifer Lawrence et Josh Hutcherson qui forment à l'écran un attrayant duo et permettent à la romance de fonctionner à peu près convenablement. C'est touchant, c'est mignon, évidemment cliché mais ça ne s'étale heureusement pas trop sur la trame principale, hormis vers la fin.

Plus surprenant encore, si on prend l'exemple de la dame en rose ultra-maquilée -toute droit sortie d'un mauvais Tim Burton-, personnage improbable mais qui parvient à exister et révéler plusieurs facettes. On a donc des seconds rôles qui pour la majorité tiennent très largement la route, avec la présence de Woody Harrelson ou encore Lenny Kravitz, chose déjà exceptionnelle à ce stade si l'on compare avec d'autres films pour adolescents, habituellement livrés comme des sous-produits de consommation vite-vus vite-oubliés. Salutations aux costumes et maquillages également donc, très réussis.

D'ailleurs, est-ce vraiment réservé aux adolescents ? Tout simplement non, Hunger Games est ouvert aux adultes, de par son propos déjà, sur lequel plane bien évidemment l'ombre de Battle Royale. Reste que la violence y est beaucoup plus souple, cachée par de fâcheux mouvements de caméras. La liberté dans ce cinéma grand public a donc tout de même ses limites, et l'on reste dans un film à l'action beaucoup trop pré-fabriquée. La faute au réalisateur ? Non même pas, il suit simplement la trame du livre et la production du reality-show qui se complait à intervenir elle-même en créant ses rebondissements voire à changer les règles en cours de jeu. En résulte une certaine fausseté qui vient gâcher le plaisir principal puisque l'action et les péripéties ne sont plus là que pour faire dans le sensasionnel et l'audimat, la dernière demi-heure est d'ailleurs bien trop rapidement expédiée par une production de jeu décidée à en finir. Des défauts qui viennent édulcorer l'attrait du programme des hunger games, le climax se révèle ainsi bien en deça des attentes.

Hunger Games est tout de même à considérer comme un pavé dans la marre, une petite révolution dans un cinéma hollywoodien très lisse et sans aucun niveau de lecture. Ici, le film pourrait presque être perçu comme un long-métrage éducatif à destination des adolescents avares de téléréalités de plus en plus trash. Hunger Games n'est pas tant une révolution par sa qualité, bonne sans être exceptionnelle, mais par ce qu'il propose, à la fois innovant et réjouissant, allant jusqu'à montrer la mort d'enfants qui s'entretuent. Ceci non sans un certain manichéisme bas de gamme avec ceux qui sont restés eux-même et les autres qui vont aisément partir à l'assaut du premier venu.

Hormis ces défauts, on a tout de même là un vrai bon film qui parvient à être captivant d'un bout à l'autre, mais qui ressort surtout grandi par ce qu'il représente au sein du cinéma américain : un affranchissement de certaines barrières et codes, et ça fait un bien fou. Grande curiosité dès lors pour la suite, qui je l'espère, continuera sur la lancée. Il y aura un avant et un après Hunger Games dans le cinéma dit pour adolescent, tout comme il y eut un tournant avec The Dark Knight qui avait bousculé et retourné le genre du film hollywoodien très grand public pour l'amener vers des thématiques bien sombres. Du moins, l'avenir le dira. Dans tous les cas, le livre, fade et lisse mais entraînant, trouve avec le film un bien meilleur écho.

De la peinture digitale sur tablette

2012-03-03T12:49:00.008+00:00

David Hockney, célèbre peintre anglais né en 1937 et grande figure du pop-art post sixties, a choisi délibérément de faire de sa tablette tactile un nouveau support pour son art. Il affiche en ce moment dans une exposition à Londres ses peintures réalisées sur iPad, un résultat plutôt incroyable qui témoigne de sa grande passion pour la reproduction de paysages. Cela grâce à l'application Brushes (5€99). David Hockney, 74 ans, prouve ainsi que c'est un artiste moderne prêt à exploiter les nouvelles ressources offertes par la technologie. À une heure où le tout-numérique est en train d'envahir plusieurs domaines, le temps est alors à la découverte, l'adaptation, et l'exploration. Et en cela David Hockney est en terrain connu puisqu'avait commencé à peindre des fleurs sur iPhone depuis 2008, fleurs qu'il envoyait ensuite par sms/mail à ses amis "pour qu'ils reçoivent des Fleurs Fraîches (titre d'une exposition précédente) chaque matins".

Plus intéressant encore que la simple exposition publique, c'est la possibilité offerte par l'application d'obtenir une vidéo du processus de la création de l'oeuvre, cela permet ainsi aux peintres de prendre également part à cette vague de création qui a envahit youtube. Tel est le cas de l'artiste David Jon Kassan, américain né en 1977 et connu pour ces portraits, dont la démonstration sur iPad a été vue plus d'un million de fois. En résulte une oeuvre on ne peut plus réaliste réalisée en trois heures devant un modèle. Surprenant.

Kyle Lambert s'est lui-aussi livré à l'exercice, mais en choisissant des stars dans ses vidéos mises en avant : Passent ainsi sous le "pinceau" des personnalités comme Beyonce ou Will Smith. Toute une série d'autres portraits sont à visionner sur sa page youtube. Cet artiste spécialisé dans la peinture digitale a donc franchi un nouveau pas, mais l'iPad ne va pas encore aussi loin qu'un ordinateur avec lequel il peut réaliser des oeuvres quasi-parfaites dont on ne voit presque plus ce qui diffère de la réalité, voir sur son site l'exemple de Rihanna et Star Wars. La tablette montre donc aussi ses limites graphiques, peut-être tout simplement car il s'agit d'imiter la vraie peinture sans les possibilités très techniques du graphisme sur ordinateur.

Peindre sur iPad est donc le nouveau "in" mais peu nombreux sont les artistes qui utilisent ce nouveau support. Si les chats eux-mêmes s'y mettent (à leur façon), les autres devraient suivre à mesure que s'étofferont les applications ou technologies. L'exposition à Londres devrait sans nul doute donner un coup de pouce à ces réalisations digitales à portée de tous, ou presque... Car outre le fait de devoir posséder une tablette à la pointe, la peinture ne s'offre pas aussi facilement au premier venu qui n'en possède pas les techniques. J'en suis donc personnellement resté au niveau maternel (Premier essai, second puis troisième), mais j'aurais essayé. Et je dois avouer qu'on prend un réel plaisir à dessiner sur iPad, ne serait-ce que du fait que chaque trace est éphémère et effaçable en cas d'erreur. Reste le problème de la texture, inexistante, on n'a donc pas le plaisir du toucher.

Lana Del Rey, de la passion à la désillusion ?

2012-01-28T10:43:00.017+00:00

PHÉNOMÈNE

Toute la hype autour de Lana Del Rey a commencé par là : un clip nostalgique, une douce mélodie, une voix agréable, une allure vintage façon star hollywoodienne des années 1950, et tout le phénomène s'est emballé pour ne plus jamais retomber. Lana Del Rey, nouvelle icône populaire et véritable machine à buzz médiatique, venait de naître et d'envoûter des millions de personnes à travers le monde. Et alors même que la presse internationale commençait déjà à s'emparer du sujet, la nouvelle idole de youtube mettait en ligne Blue jeans, nouveau tire avec un clip également dit fait-maison. On y découvrait alors plus en détail celle qui se présentait comme une Gangsta Nancy Sinatra à l'univers lynchien.

Tel un coup de foudre, Lana Del Rey attise les passions dès le début. Une fulgurance imprévue, une ascension aussi impressionnante que redoutable, et elle ne tardera pas à le savoir. Car si la jeune femme de vingt cinq ans a déjà séduit les oreilles et les coeurs de nombreux fans (et même de David Cameron), elle va en connaître les revers. Ne serait-ce que dans la presse française, la même interrogation revient en boucle, dûe dans un premier temps à un physique et une allure qui peuvent en effrayer quelque uns (voir sur la Blogothèque) et faire d'elle la nouvelle joueuse de flûte dont l'envoûtement nous aveuglerait tous. Pas sûr qu'afficher ses cuisses à la télévision française lui ait d'ailleurs beaucoup servi.

Les lèvres de l'artiste alors, parlons-en. Outre qu'elles font énormément débat quant à leur manque de naturel, elles deviennent vite une sorte d'emblème de ce physique trop surfait qui pourrait remettre en cause l'authenticité de Lana Del Rey. Ses lèvres sont alors tantôt parodiées, tantôt reprises dans des titres d'articles (Chez Slate par exemple) et entretiennent autour de la jeune-femme une sorte d'aura indescriptible. Dès lors, les places pour ses rares concerts programmés s'arrachent à une vitesse folle, comme celui à Paris qui avait suscité des réactions diverses (résumé à lire sur Madmoizelle). Car oui, Lana est surtout un mystère incompréhensible, une femme farouche que chacun cherche au début à résoudre, ne comprenant pas l'alliance improbable de deux univers. De par son mystère est ainsi née la médiatisation excessive de cette demoiselle à l'allure frêle et la parole si douce (voir l'interview chez FaceCulture ou aux Q Awards de 2011, ou encore ici ou là) devenue sous la plume de certains une poupée pré-fabriquée par des producteurs, avec l'avalanche de botox, faux cils et faux ongles qui s'en suit.

Alors que les coups de coeur et critiques continuent de fleurir de par le monde, la jeune demoiselle annonce enfin son album en décembre en sortant un clip aussi grandiloquent que la démesure qui entoure son phénomène. Un clip posé et définitivement très classe qui prend comme décors le château de Fontainebleau. Il s'agit là de sa première grande vidéo et les moyens ne manquent de toute évidence pas, de quoi découvrir Lana sous un autre jour que dans des clips fauchés.

Ainsi, alors que les Inrocks s'interrogent déjà sur son statut d'icône, que Fluctuat leur enjambe le pas en évoquant une icône 2.0 du fait qu'elle parvienne à entretenir l'ambiguité autour d'elle via le web et les réseaux sociaux, Lana va rencontrer ses premiers échecs. On gardera par exemple en tête son premier live à la télévision américaine au SNL, plus ou moins catastrophique. Sa voix, si enchanteresse, se montre alors extrêmement maladroite et irrégulière. Pire encore, celle dont on disait qu'elle avait l'air d'une biche plantée sur un plateau lors d'un tout premier live, tente cette fois malhabilement des pirouettes gestuelles, se caressant tantôt les cheveux, tantôt s'accrochant au micro comme à la vie. Du pain béni pour ceux qui n'attendaient qu'à mettre au buché et à dénoncer l'imposture de cette ensorceleuse. Le Huffington Post ne s'y trompe alors pas en titrant "Lana Del Rey, bûcher ou piédestal ?". Celle dont on a voulu faire une nouvelle diva pop et révélation musicale de l'année se retrouve vite dépassée par un battage médiatique pharamineux, sans en avoir les épaules pour le supporter.

Tout ceci sans oublier également l'accusation de plagiat qui plane sur Video Games qui rappellerait un poil trop une chanson grecque. Évoquons aussi le cas Lizzy Grant, nom sous lequel elle avait sorti un premier album, sans grand succès, mais dont la rumeur court qu'il pourrait ressortir cette année (à écouter sur la page d'un internaute). Elle chantait déjà sur scène mais présentait un physique tout différent, peut-être moins attrayant (et encore), mais plus naturel, et surtout, avouons-le : méconnaissable par rapport à celui actuel, de quoi raviver les thèses du produit marketing et de quoi susciter encore des interrogations interminables. Interrogations qui font que les mélomanes eux-mêmes ne savent plus où se positionner, certains adorent, certains détestent... Le talent de la demoiselle ne semble pas indéniable pour tout le monde. Et l'album Born to die qui sort enfin n'assure pas la promesse d'authenticité tant attendue de l'artiste, mais lui promet toutefois une longue ascension graphiquement mesurée par NME. Born to be alive alors ?

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CRITIQUES DE L'ALBUM

Preview générale

PLUTÔT POUR (non-spécialiste)

L'album, produit par Interscope (Label derrière Lady Gaga, M.I.A., les Black Eyed Peas et consorts) présente de réelles surprises en plus des titres déjà connus. Démarrons avec l'excellent Born To Die dans lequel on retrouve cette langueur monotone et ce côté mélancolique trop sérieux qui seront assez présent au fil des pistes.

Vient ensuite Off The Races, assez ennuyeux au début mais qui rappelle d'autres titres de la chanteuse au style old-school (comme Kinda Outta luck) et qui finit par emporter l'adhésion. Arrivent alors ses deux illustres titres, Video Games, produit tout en douceur, laissant libre place à la voix de la chanteuse pour nous envoûter durant trois minutes, malgré des paroles nasillardes ("It's you, it's you, it's all for you"). Le même genre de paroles tout aussi creux qu'on retrouve dans le très rythmé Blue Jeans, titre où Lana va d'ailleurs crescendo en puissance vers une fin qui se montre efficace en live. Deux très bons titres.

Jusque là tout va bien, puis arrive l'une des plus mauvaises chansons de l'album à mon goût, Diet Mtn Dew, bavard au possible, et ce pour cracher des paroles toujours affligeantes ("Do you think we will be in love forever"), une horreur. Mais même celle-là parvient à rester un minimum entraînante et à se laisser écouter, merci les beats incessants qui donnent un semblant de rythme et d'intérêt à cette chanson.

Passée cette pause contraignante se présente alors à nous un trio de gros tubes en devenir : National Anthem, Dark Paradise & Radio. Le premier éclate tel un feu d'artifice dès le début, avant de s'imposer à gros coup de caissons. Un titre hip-hop sacrifiant en revanche trop la voix de son interprète qui surjoue la hype pour se déclarer hymne national, rien que ça. Original. Mieux encore, Dark Paradise qui illumine dès la première seconde de chant, mais qui, à l'instar d'un Vidéo Games, est martelé par des beats qui créent un trop grand fracas, gâchant un brin le résultat final. C'est alors au tour de l'excellent Radio de passer dans nos oreilles, rare titre totalement enjoué et réussi de Lana. Entraînant du début à la fin, la chanson s'auto-proclame tube multi-diffusé sur les ondes de par son efficacité mais aussi ses paroles ("Baby love me cause i'm playing on the radio"). Un véritable plaisir pour les oreilles, agréable, mais une nouvelle fois beaucoup trop bruyant par endroits, et avec une fin trop abrupte qui ne laisse aucune place à la musique.

Soyons clairs, la seconde partie de l'album est beaucoup moins intéressante. Carmen est sans âme, et la partie chantée en français ne parvient pas à relever l'intérêt d'une chanson trop fade et quelconque. Salutations à Bizet tout de même, pas sûr qu'il appréciera l'hommage. Million dollar man, lancinante, n'est pas spécialement ce que je préfère, mais possède ce style très Lizzy Grant de ses débuts. Enfin, Summertime sadness, titre plutôt sympathique, surtout dans son moment calme à l'approche du dernier refrain.

La dernière partie de l'album, toujours plus inégale, commence par le gâchis This is what make us girls au ralenti à peine caché et qui ne fonctionne plus du tout dans cet état, surtout qu'elle est surplombée d'une rythmique bourrine qui lasse vite. La demoiselle se retrouve à chanter de plaisants couplets sur un insoutenable hachage de bruits... Et dire que l'album simple se termine là dessus, triste.

Heureusement (encore que...) il reste trois bonus tracks dans l'édition deluxe. Without you finit de nous épuiser, rien de nouveau et on est déjà bien las. Restent des refrains joviaux et qui s'écoutent sans déplaisir, et surtout, comme avec Blue Jeans, une chanson qui monte un brin en puissance vers la fin. Place alors au titre Lolita et son début qui ne donne pas du tout envie de continuer... ça tombe bien, le reste non plus, flop donc pour ce titre trop orienté hip-hop. Le dernier titre Lucky Ones commence subitement, ça sent le fait à la va-vite pour cette fin d'album. Une musique très gentillette à l'ambiance enfantine, pourquoi pas...

C'est fini, et je trouve cet album réjouissant. Malgré les apparences et cette deuxième partie très décevante, Lana Del Rey nous offre quand même sur un plateau pas moins de 6 tubes très bons voire géniaux sur 15 chansons au total, un résultat fort convenable. Ni le chef d'oeuvre annoncé, ni la daube attendue. La production et les arrangements trop bruyants ont simplement égaré sur le passage la puissance des titres de Lana Del Rey qui, n'en doutons pas, n'a pas fini de faire parler d'elle. Alors, artiste ou marketing ? Disons le juste milieu qui va lui permettre de plaire à un public très large, tout en restant paisiblement éloigné des mastodontes commerciaux qui seraient d'ailleurs tout bonnement incapables d'arriver à la cheville ne serait-ce que d'un des tubes de Lana Del Rey. Un ultime regret à prendre en compte néanmoins, celui du manque de Kinda outta luck et Driving in cars with boys sur l'album, tous deux excellents.

MITIGÉ (spécialiste)
GWENDAL Perrin, journaliste mélomane, blog, twitter

Que vaut vraiment la coqueluche sur la longueur, ce que soit en termes de mélodies, de beats, de paroles, de cohérence d'ensemble ? Passage en revue.

1. Born To Die : le beat est intéressant, rappelle les meilleures productions de jj genre "Can't Stop". Le titre est assez charmant quoique fort conventionnel. En effet, rajouter des cordes pour faire plus "cinématographique" est le procédé le plus facile (et pompeux) de la musique actuelle mais, sur l'ensemble de la galette, il n'est pas trop mal utilisé - quoiqu'à outrance.

2. Off To The Races : est-elle la seule à chanter ? Quelques doutes apparaissent au début de cette chanson au rythme un chouia plus enlevé que "Born To Die" mais surtout, avec plusieurs timbres de voix : Lana maîtrise donc plus d'une octave, ce dont on a un moment douté aux premières écoutes de "Video Games" (moment de mauvaise foi). Problème : le beat semble tout droit piqué d'une face B de Rihanna, certes souvent moins mauvaise que la face A mais qui sent tout de même le réchauffé. Dommage car (c'est mon côté classique qui parle) on sent d'intéressantes possibilités mélodiques avec ce que donne la conclusion 100% violons. Le titre se laisse écouter mais oublier assez rapidement (par contre il y a probablement de quoi en pondre d'excellents remixes).

3. Blue Jeans : retour à un rythme plus tranquille mais bien que ce titre était déjà sorti sur les ondes, à ce niveau de l'album, il a déjà des allures de répétition. Utiliser la même formule lasse déjà au bout de trois titres ? Il va falloir s'accrocher.

4. Video Games : LE titre, donc. C'est cette déclaration d'amour aux geeks qui a fait passer Lizzy Scott au statut d'icône involontaire. Il est indéniable qu'il a un potentiel tubesque assez puissant qui n'a pas manqué de ressortir : mélodie et orchestration sorties d'une bande originale de film Disney se mélangent avec la voix sans grésillements de Lana Del Rey. Ce titre contient probablement en soi l'explication du retour de bâton qu'a suivi la demoiselle ces dernières semaines : "Video Games", première chanson sortie sous sa nouvelle identité, est la meilleure piste de l'album. Donc le reste est moins bon. Ce qui est gênant pour une réputation...

5. Diet Mtn Dew : là encore, le beat rappelle Rihanna ou Beyoncé et le phrasé (pourtant aux accents hip-hop) de Lana Del Rey s'affadit immédiatement. Dommage pour elle que son timbre de voix ne lui permette pas (pour l'heure ?) de s'adapter à d'autres atmosphères que celles de "Video Games" ou "Blue Jeans"... La connivence lynchienne qu'on lui a souvent prêté parait dès lors bien lointaine.

6. National Anthem : Lana joue encore à la "Bad Bad Girl" pour passer à la radio comme toutes ses petites copines (plus à l'aise sur scène suis-je tenté de rajouter). Ne t'inquiète pas, tu vas y parvenir avec ce titre tellement calibré pour les ondes commerciales que cela en devient presque gênant pour elle de se voir annoncer sur NRJ entre une production de Pascal Obispo et Christophe Maé.

7. Dark Paradise : il fallait bien que cela arrive un jour ou l'autre : après le rap/RnB, les premiers éléments dubstep arrivent sur ce titre. Le beat lent du titre rend cette arrivée plus discrète mais ajoutez à cela Lana qui plane dans le monde des aigus et des cordes qui, pour le coup, sont trop présentes et donnent l'impression de nager dans des nuages de chantilly, et vous obtiendrez l'une des pistes les plus désagréables de l'ensemble.

8. Radio : ce titre est une sorte de compromis entre les deux tendances récurrentes de l'album, d'un côté plaire aux radios (tiens donc) en rajoutant quelques beats faciles, de l'autre plaire aux hipsters et leurs pseudo-héritiers avec des jeux sur la voix, une mélodie planante et des paroles qui veulent "se la jouer" : "It's a fucking dream I'm living in, Baby/Because I'm playing on the radio", tiens donc. La synthèse prend à peu près sur ce titre qui se laisse écouter tranquillement, mais ce n'est pas toujours le cas...

9. Carmen : pendant les onze premières secondes, l'orchestration et la mélodie laissent espérer que Ryuichi Sakamoto a pris le contrôle du vaisseau. Mais seulement onze. Ce titre reproduit les mêmes schèmes que précédemment évoqués jusque là et n'apporte rien de plus. Dispensable, donc.

10. Million Dollar Man : malgré une surinvasion de aigus pas forcément judicieux, le titre recrée une atmosphère cinématographique perdue depuis quelques titres. Pas révolutionnaire pour un sou mais filmique sans aucun doute.

11. Summertime Sadness : Nous n'avançons pas. Le beat rihannesque, l'affadissement, la recherche de compromis (et non pas de fusions) constituent un bis repetita un peu lassant.

12. This Is What Makes Us Girls : la chanson plaira peut-être à "Osez Le Féminisme", mais elle n'en reste pas moins qu'une simple piste une nouvelle fois calibrée pour les radios. Doit-on comprendre que les producteurs de Lana veulent, à l'instar d'une certaine Lady GaGa, sortir au minimum 5 singles de cet album ?

13. Without You (bonus) : pas mieux. (Oui, c'est tout)

14. Lolita (bonus) : fichtre, Lana retombe du mauvais côté de la force. Le retour des beats pseudo-dubstep, les effets pitchés à gogo et revoilà Rihanna Del Rey au comptoir.

15. Lucky Ones (bonus) : si la version "normale" de l'album comprenait ces trois titres bonus, il y aurait une boucle entre son introduction et sa conclusion : l'avalanche de cordes, la recherche de singularité stylistique, la voix qui va percher quelques aigus... Nous ne sommes pas chez Disney mais il n'est pas dit qu'ils ne récupèrent pas la musique pour une de leurs publicités.

L'album a donc des allures de confirmation universelle : ceux qui hallucinaient sur "Video Games" et avaient encadré la une des "Inrocks" à son sujet risquent d'exploser leurs compteurs Last.fm à force de passer "Born To Die" en boucle. Les autres se diviseront en deux catégories : les allergiques de nature à la pop et qui rejetteront par réflexe cette musique un peu éthérée, parfois peu conventionnelle mais trop souvent calibrée. Et puis les derniers, dans lesquels je me classe, qui reconnaîtront quelques trouvailles intéressantes dans les mélodies, les beats, les atmosphères mais qui n'accorderont pas plus d'importance à cet opus qu'à des dizaines d'autres d'un niveau équivalent - et, corollaire, se concentreront sur des concepts plus originaux et plus réussis. Mais qui se vendront moins, forcément.

Take Shelter, foudroyant d'émotions

2012-01-11T10:22:00.035+00:00

Avec un passé lourd en récompenses, Take Shelter s'impose de festivals en festivals comme une claque qui touche un grand nombre de spectateurs, accumulant les trophées de meilleur film, meilleure réalisation, meilleur acteur, meilleure bande-son et autres prix célébrant des oeuvres risquées, personnelles et originales comme celle-ci. Alors oui, Take Shelter se révèle maintenant chez nous en France comme une perle de ce début d'année et le réalisateur Jeff Nichols, dont il s'agit du second film, frappe fort, très fort.

Pourtant, à la sortie de la salle, le sujet réel du film reste peu perceptible. Simple histoire de skizophrénie comme le suggèrerait la bande annonce, ou de tempête, voire d'apocalypse ? Des questions qui, peut-être, importent finalement peu. Jeff Nichols nous berce pendant deux heures de film au sein d'une famille modeste, simple et valeureuse. Le mari, interprété avec brio par Michael Shannon, dont le rôle fait écho à celui dans Bug de Friedkin, cherche à construire un abri pour la tempête à venir. Une oeuvre improbable qui se réalise peu à peu sous les yeux de sa femme à laquelle la douce Jessia Chastain, revenue de Tree of Life, prête alors ses traits. Un cocon familial idéal, un chien, une maison, une jeune-fille muette au centre de l'attention, tous les éléments sont alors en place pour qu'un subtil courant d'air vienne balayer les pions uns par uns et faire chanceler l'un d'eux dans la folie.

Tout commence par des cauchemars, une peur d'autrui, mais aussi une peur de la menace naturelle et céleste qui nous dépasse, problématiques auxquelles le personnage principal va répondre par l'enfermement, la méfiance, le repli vers le terrestre, et ce jusqu'à s'enfouir dans un abri devenu projet de vie à n'importe quel prix. C'est alors dans cet abri -dont un plan suggèrera d'ailleurs qu'il figure la lumière dans les ténèbres- qu'il sera amené à réfléchir sur sa situation, à se poser des questions sur lui et à envisager l'avenir selon les visions qu'il pense entrevoir. La vision en est-elle une ? La maladie est-elle héréditaire, reprenant par là-même un déterminisme cher à Zola ? Certaines questions seront vite balayées car le spectateur devra se faire sa propre idée. Jeff Nichols nous met toutefois sur la voie lorsque, face caméra ou presque, son acteur, observant le tonnerre, lance aux spectateurs "Suis-je le seul qui peut voir ça ?".

Le réalisateur chercherait-il alors à dresser le portrait d'un homme qui, comme des milliers de spectateurs dont il n'est que le pendant cinématographique, craint son avenir ? Take Shelter peut ainsi se voir comme l'histoire d'un homme accablé par le pessimisme environnant et le bouleversement des choses, des bêtes, du temps, des êtres et des objets, qui pourrait advenir. Homme qui, en somme, comme nous, assiste à sa propre impuissance face à l'univers et qui n'a pour seul refuge que l'introversion en lui-même, pièce interne alors à comprendre et à agrandir pour y rester. Ou mieux, pouvoir y survivre en se positionnant comme hors du monde, le tout sous-couvert d'une lubie sécuritaire s'aggravant. Ceci d'autant plus que la tempête tant redoutée l'est car elle rendrait les autres fous, mettant ainsi à mal toute notion d'humanité car chacun s'entretuerait.

Seule solution alors, se lancer dans ce symbolique voyage introspectif dans sa propre conscience, afin de, peut-être, trouver la clef pour s'en sortir. Jeff Nichols étale son histoire au sein de ce drame intimiste qui alterne les genres et fait progresser la petite famille pour mieux que l'on s'y attache. Tout est alors pensé afin d'amener le magistral dénouement, implacable.

En effet, les trente dernières minutes révèlent un jeu d'acteur véritablement saisissant, une bande-son gigantesque qui se mêle à une BO extrêmement belle et soignée, mystérieuse qui plus est. Tout ce qui se mettait en place depuis le début du film explose littéralement pour ne plus jamais retomber, on se retrouve prit dans une tornade émotionnelle rare et Take Shelter ne manque pas de nous achever sur une dernière séquence hallucinante. Le réalisateur suit alors la pente ascendante du film pour laisser éclater tout son talent et l'élégance de sa mise en scène dans cette fin inoubliable. Tout vacille entre ambiance oppressante à coup de plans serrés et de grandeur émotionnelle sans aucune vague excessive de sentimentalisme, vingt minutes de perfection cinématographique. Un climax colossal qui justifie donc l'attente, la lenteur et l'installation des choses précédentes.

Take Shelter, d'une durée de deux heures, se penche alors sur ses personnages pendant une longueur qui paraîtra pour certains interminable, pour d'autres intéressante. L'apocalypse n'est pas là où on le croit, tout se déroule ici autour d'un père de famille à la vie bien rangée mais dont le quotidien va ressortir transformé pour cause de tempêtes imaginaires ou réelles. Le film, s'il n'est peut-être pas le chef d'oeuvre proclamé de part et d'autre, n'en est pas moins un grand long-métrage marquant, superbe, vraisemblablement à ne pas louper, mais surtout à revoir pour encore mieux profiter de chaque subtilité. Et quand bien même il laisserait dubitatif, la claque du dernier quart mettra certainement tout le monde d'accord.

Europe, la dernière chance ?

2011-12-14T18:30:00.010+00:00

Le 13 décembre à Strasbourg se tenait une conférence à l'École Nationale d'Administration dont le thème était l'Europe, conférence mais aussi débat principalement axé autour de l'ouvrage publié par Guillaume Klossa et Jean-François Jamet : "Europe, la dernière chance ?" disponible à la vente depuis le 9 novembre de cette année. L'ouvrage est porté par le think tank Europanova (créé en 2003) et propose un pacte européen autour de trois réflexions : la nécessaire réforme institutionnelle, la formation des élites européennes, la gouvernance économique et financière de l'Union Européenne. Pour Klossa, une des seules fois où les institutions ont fonctionné de manière fédérale, c'était dans le cadre du paquet énergie climat proposée par la Commission Européenne et adopté le 12 décembre 2008 par les 27 états membres de l'UE. Pourtant la crise qui sévit depuis 2007 nécessite une dynamique collective.

Selon lui, cela fait en effet plus d'un an maintenant que le tête à tête franco-allemand cherche à résoudre la crise par des décisions soit tardives, soit inefficaces ou non mises en oeuvre, et regrette aini que "l'intergouvernemental pour la gestion de crise ne marche pas" puisque chaque décision -comme celle d'un fond européen- met des mois à émerger pour de vains résultats. Autre problème encore dénoncé par ce citoyen européen engagé : celui de la perception d'une volonté hégémonique de la France et surtout de l'Allemagne qui exerce son ordo-libéralisme, ce qui empêche clairement de définir ensemble une stratégie de croissance.

Guillaume Klossa (blog)

La croissance justement, Guillaume Klossa n'omet pas d'en parler et évoque notamment que l'on estimait la capacité des européens à créer de la richesse pour 2010-2030 entre 1 et 2%, cette richesse créée dépendrait alors de deux facteurs : d'un côté, celui de la croissance démographique et de ce que l'on en ferait (sachant que le coûteux papi boom arrive), et de l'autre des capacités en terme de recherche et d'innovation. La coordination économique est clairement à développer, d'autant plus que, de par notre faible croissance, on dépend de l'exportation avec nos voisins. Quant à l'innovation, comparé au Brésil ou à la Chine, elle n'est pas suivi par un éco-système pertinent. Les promesses de la stratégie de Lisbonne pour l'innovation n'ont pas été tenu et les pôles d'activité restent une initiative positive mais insuffisante.

C'est pourquoi, l'Europe, dans ce monde bipolarisé actuel, n'incarnerait plus l'avenir. De par son manque de politique en matière de démographie, de formation, d'immigration et d'innovation, l'Europe se retrouve alors en situation difficile avec un manque à gagner provenant de ses investisseurs et partenaires. Pire, l'Europe, fondée autour d'un principe de réversibilité (interdiction de la peine de mort, toute décision injuste pouvant être réversible), en aurait oublié la dignité de la personne humaine et effacerait l'individu derrière le système. Triste portrait de l'Europe que cherche à reconfigurer Klossa avec son livre, signalant par ailleurs que "l'on a fait l'union monétaire sans faire la gouvernance économique". Néanmoins, les choses progresseraient enfin puisque l'on ose maintenant parler d'Europe fédérale là où il y a six mois encore le mot était tabou.

C'est alors au tour d'Aude Bouveresse, maître en conférence en droit public, de prendre la parole. Celle-ci revient sur les solutions multiples apportées par l'ouvrage, vers un fédéralisme qui ne se ferait pourtant pas sans heurt. Selon elle, l'élection au suffrage universel du président du Conseil Européen permettrait une plus grande légitimité de celui-ci en plus d'un débat démocratique, mais persiste le risque que le président élu ne serait alors pas du parti majoritaire au Parlement Européen, "petite faille où le traité de Lisbonne apporte des solutions sur ce point". Un risque qui est double avec en plus le renforcement d'une entité intergouvernementale qui serait encore plus forte. Bouveresse évoque surtout que le Traité de Lisbonne prévoit la réduction du nombre de commissaires, idée qu'elle semble attendre du fait qu'un commissaire par nation témoigne encore et toujours d'une volonté de maintenir l'état-nation, ce qui peut bloquer ou orienter les décisions car chacun souhaite être représenté, là où finalement la Commission a pour but d'agir au profit de l'intérêt général européen. Ce qu'il faut serait donc de mettre en oeuvre correctement ce traité de Lisbonne qui se devrait d'être "l'organe d'une légitimité intergouvernementale et de la légitimité démocratique du parlement européen".

Idées pour lesquelles Guillaume Klossa répond qu'il est contre l'élection du président européen au suffrage universel si la fonction n'est pas fusionnée avec celle du président de la Commission, tout simplement car ce serait considérer que le président du Conseil a un rôle prépondérant sur celui de la Commission. Pour lui, l'on doit pouvoir "inventer la première démocratie transnationale du monde" et que si l'on a fait l'Europe des droits, l'on n'a toujours pas fait "L'Europe des hommes". Interrogé à ce sujet sur le manque d'âme de l'UE, Klossa répondra d'ailleurs qu'en 36 ans de Conseil Européen, pas une seule session sur la culture européenne n'aura vu le jour; ainsi, remettre de l'âme dans tout cela reviendrait à faire prendre conscience de l'histoire commune des européens.

L'un des grands thèmes est alors de s'interroger sur la formation des élites européennes, sujet sur lequel intervient ensuite Michel Mangenot, maître de conférence en science politiques, qui s'interroge sur les méthodes et la finalité. En effet, à quoi devrait-t-on former des élites européennes, à la théorie de l'Europe ou à quelque chose de beaucoup plus pragmatique ? Quel en serait le but dans une Europe encore peu politisée où il apparaît alors normal qu'il n'y ait pas d'élite européenne à proprement parler ? Et quel serait le rapport avec la recherche européenne ? Questions auxquelles répond Klossa avec l'exemple des États-Unis qui chaque année dépense 400 millions de dollars pour former quelque milliers de leader de l'identité américaine. L'une de ses grandes critiques lors de cette conférence vise alors le manque de mobilité des jeunes au sein de l'UE, il s'est vu confirmé ce fait par une étude prouvant qu'au fond les jeunes n'aspiraient pas à aller chez le pays voisin. Il s'agit alors pour lui de redonner ce goût à la mobilité car il faut l'apprentissage de la différence, et pour cela un certain financement serait nécessaire car pour l'instant seuls 2% d'étudiants suivent ERASMUS. Il faut d'ailleurs noter que, suite à une critique sur les rémunérations élevés des fonctionnaires européens, G.Klossa et A.Bouveresse répondent que le budget de l'UE ne représente au final que 2% de la richesse des États membres, et beaucoup de l'argent investi s'avère inefficace, cela d'autant plus qu'il manque un certain nombre de compétences pour un certain nombre de sujets au sein des institutions.

Enfin, dernier problème mis en avant, celui du mythe des États ayant rejoint l'UE avec l'illusion d'une situation budgétaire saine et qui maintenant se retrouvent impliqués dans des rigueurs budgétaires avec primes de risque qui veulent que l'on sanctionne ceux déficitaires avec des emprunts à coût plus élevé. Un engrenage improbable qui veut que l'on aille toujours "plus loin dans les règles d'or" selon Guillaume Klossa, engrenage qui mène alors à une dépolitisation des politiques et un risque de fragmentation de l'Union Européenne. Face à la crise, la crainte d'une Europe à deux vitesse ne s'est pas traduite dans les faits, puisque seul le Royaume-Uni s'est exclu de l'accord intergouvernemental prévu au cours du Conseil Européen de la semaine dernière. Guillaume Klossa estime donc que l'avenir des États européens passe par une Union plus fédérale, plus intégrée, démocratique, et surtout plus efficace, d'où cet ouvrage dans lequel on peut trouver -de l'avis des intervenants- des propositions de qualité mais qui restent toutefois discutables.

Drive, la pépite du moment

2011-10-08T23:37:00.056+01:00

Drive, l'oeuvre est dans tous les esprits de ceux qui reviennent de ce trajet dans les salles obscures. Un film dont le bouche à oreille s'agrandit au fil des jours, aidé par une presse unanime qui vante les mérites de la nouvelle bombe de Nicolas Winding Refn (Pusher, Bronson). Vendu comme un blockbuster de bagnoles pour ados façon Fast and Furious, que nenni, Drive s'avère un long-métrage avec un propos et un fond. Pour autant, ça n'en est pas moins un film musclé, sauvage, et surtout envoûtant.

Tout le monde vous parlera alors de sa BO sensationnelle, vous plongeant dans de l'éléctro-pop des années 80 qui bous bouscule dès la première seconde du générique pour ne plus vous lâcher. Toute la première partie du long-métrage (celle où la romance s'élance, loin de la seconde moitié beaucoup plus brutale) est ainsi rythmée frénétiquement par des titres hypnotisants que vous écouterez pour sûr en boucle à la sortie du film. C'est simple, à chaque fois qu'une des musiques phares démarre, on a le coeur qui vibre.

Le duo en tête d'affiche -Ryan Gosling et Carey Mulligan- forme un couple idyllique et amène par leurs silences et autres regards langoureux une mélancolie douloureuse ou un rêve exaltant. Du coup de foudre hollywoodien à la violence exacerbée, Drive dévoile des facettes étonnantes et déploie une mise en scène spectaculaire (prix à Cannes) à coup de nobles ralentis et de lumières changeantes. Le cascadeur, sorte de Steve McQueen silencieux déambulant dans un Los Angeles crépusculaire, joue le héros, roule pour cinq minutes, roule pour oublier, roule pour survivre. Vêtu de son blouson "Scorpion", celui qui voulait traverser la rivière n'aura de cesse de piquer. Réflexion sur la nature humaine, voilà une route sinueuse qu'emprunte le réalisateur avec nous, pour mieux nous relâcher dans un superbe et intense moment. Épique.

Sans nul doute, Drive s'impose comme un excellent cru du genre, un très bon film à voir et même revoir, passant à une vitesse folle grâce à un déroulement implacable. Polar noir, thriller effréné, romance fleur bleue, ce tout-en-un rapide, percutant et efficace, quoique abrupt, ne pourra que séduire par sa beauté enivrante.

Vous noterez qu'il est question d'une fable dans le film, la voici :

Un scorpion et une grenouille se rencontrent sur une rive. Le scorpion se tient à distance et s'adresse à la grenouille.

Scorpion : J'aurais un service à vous demander madame.
Grenouille : Allez-y ça pourrait peut être m'intéresser.
Scorpion : Voilà, je dois absolument traverser la rivière car j'ai un rendez-vous important de l'autre coté de la rive et je suis déjà en retard. Donc je me demandais si vous pouviez me prendre sur votre dos pour me faire traverser la rivière, car vous savez que nous les scorpions, nous ne savons pas nager.
Grenouille : Mais voyons monsieur - tout le monde sait bien que la piqûre de votre dard est mortelle et que si je vous prends sur mon dos je risque la mort.
Scorpion : Mais voyons madame la grenouille, un tel raisonnement n'est pas digne de votre intelligence - si je vous pique je vais moi aussi couler au fond de la rivière; et au risque de me répéter, nous les scorpions nous ne savons pas nager.

La grenouille se laisse convaincre et prend le scorpion sur son dos puis nage vers l'autre rive. Rendu au milieu entre les deux rives, la grenouille sent le dard du scorpion s'enfoncer dans son dos. Avant de couler elle s'adresse à lui.

Grenouille : Mais pourquoi scorpion m'as-tu piqué - ton incapacité à nager va te condamner à une mort certaine.
Scorpion : Tu m'excuseras grenouille mais c'est dans ma nature !

- Fable d'auteur inconnu

Invasion du Pixel Art

2011-08-25T11:39:00.012+01:00

Vous n'êtes pas sans savoir qu'une guerre de post-it fait actuellement rage entre différentes entreprises parisiennes, dont le but consiste à imiter des images pixellisées et par là même donner l'apparence d'une société décontractée qui prend du bon temps (n'est pas France Télécom qui veut). Vous saurez toutefois que cette pratique n'est pas nouvelle et se fait appeler le Pixel Art, encore qu'avec ce cas parisien il ne s'agit pas d'art mais juste d'une concurrence amusante affichée.

Toutefois, il est facile d'en trouver dans ce trésor qu'est l'Internet : Le post-it permet à tout le monde de pouvoir mettre en forme des pixels carrés un par un, c'est pourquoi certains utilisent le concept et le déplacent dans quelque chose de beaucoup plus artistique et loufoque, voir par exemple cette vidéo où tout se fait en mouvement grâce à une animation image par image, assez impressionnant.

À la manière du Street Art qui s'est répandu dans les dernières décennies et qu'aujourd'hui tout le monde connaît, il peut se développer dans les rues. En revanche le Pixel Art reste lié à l'univers vidéoludique du plombier international Mario Bros ou à des jeux old-school comme Space Invaders, et remet au goût du jour ces phénomènes illustres des temps de notre enfance. Quoi de plus normal finalement, quand on sait que le pixel est arrivé avec l'essor du jeu vidéo dans les années 1970 et surtout 1980.

Ce qui fait son efficacité est bien sûr sa simplicité de réalisation, carré par carré avec couleurs de base. Forcément, sa rapidité d'exécution inspire, cas de Aled Lewis bien décidé à créer une oeuvre par jour grâce au jeu vidéo et ce pendant un an (il s'agit juste d'images sur internet pour cet exemple), le résultat est jovial, plaisant, et vu des milliers de fois par les internautes. Que ce soit avec Peach dont la juppe s'envole ou l'espèce de bestiole de Super Mario Bros 2 dont la tête est remplacé par celle de Ghostface, tout y passe : Link, Daisy, Donkey Kong voire même Duck Hunt (et une madeleine de Proust, une ! Du moins pour ceux ayant connu le jeu).

À en croire cet homme à l'identité voilée qui fait du Pixel Art de rue, cela se fait pour contrer la présence nocive de la pub. Le terme d'artiste pour qualifier ces personnes peut s'avérer approprié, alors qu'évoquer du vandalisme serait complètement déplacé (encore qu'il reste à voir l'endroit exact où est réalisé l'oeuvre). Au final il s'agit juste de petits marquages symboliques et colorés renvoyant à une culture fun grand public voire à quelque chose de réel, pas de quoi s'indigner.

Le Pop Art n'est d'ailleurs sûrement pas loin, il suffit de se rappeler son goût pour l'éphémère et du peu coûteux; la dérision sur la consommation en moins, celle de la morosité des villes en plus. Perdure néanmoins chez les deux cette utilisation quasi-publicitaire, ce détournement intégral qui ne fait pas défaut dans le Pixel art, tel que l'illustre assurément l'artiste Jason Eppink qui en vient à pixelliser la pub.

Mais ce n'est pas tout, le pixel et ses délires visuels en 8-bits (256 couleurs) s'invite aussi chez vous avec du mobilier, des vêtements voire des accessoires, on peut en voir quelque uns répertoriés sur ce site, dont le meuble dessiné par des suédois de Frontdesign qui change d'aspect régulièrement, évoquant le roulement publicitaire. Et on ne compte même plus le nombre de tee-shirt avec image pixellisée dont certains font carrément leur commerce, sans parler des sacs, planches de skate, posters... Dans cette boutique l'imagination n'a plus de limites.

Et comment ne pas évoquer Minecraft ? Jeu en ligne ultra-célèbre, qui permet des constructions ahurissantes, elles aussi inépuisables et qui ne répondent qu'à l'imagination du joueur. Les blocs s'empilent comme se démolissent sous la simple volonté créative (ou destructive) de la personne qui joue derrière son écran. Et si je parle de bloc, c'est bien car on diffère du pixel à surface plane qui a ici cédé sa place au cube, d'ailleurs visible dans tout ses angles car le jeu permet de tourner la vue.

Pour continuer sur le cube ou presque, reste le Eboy Blog dont j'ai cité la boutique précédemment, spécialisé dans l'art du pixel mais aussi de la 3D isométrique consistant en "une méthode de représentation en perspective dans laquelle les trois directions de l'espace sont représentées avec la même importance". Par cette technique, le blog parvient à livrer un travail monstrueux, gigantesque de construction, strictement admirable dans la forme comme dans l'utilisation de l'espace et les couleurs. D'autant plus qu'en zoomant tel que je l'ai fait avec la photo du dessus, vous découvrez qu'il s'agit bel et bien d'un assemblage de cubes utilisant la perspective isométrique (qu'on voit beaucoup moins sur l'image en taille normale), il existe donc du Pixel Art isométrique. Et comme vous pouvez le voir, les environnements sont truffés de détails de la culture de l'endroit reproduit, dont ici un sobre hommage à Coluche que vous n'avez je pense pas raté.

D'autres artistes, comme Christophe Baudson, s'intéressent carrément à la peinture en y transposant l'univers du pixel, superbe.

Salvador Dali lui-même est connu pour avoir utilisé le procédé avec son tableau réalisé en 1975 qui représente sa femme Gala nue, de dos et face à la mer, et le président Lincoln que l'on voit apparaître à distance. "Dali savait qu'il fallait approximativement 120 pixels pour un humain pour devenir distinguable d'à peu près 18 mètres" nous informe une traduction de ce site. L'oeuvre, exposée au musée Dali à Figuières, se trouve d'ailleurs située en hauteur afin d'être pleinement discernable par ceux d'en bas (photo du musée).

Pour en revenir au Pixel art traditionnel, on peut dire que sa culture a connu son effervescence avec la célèbre vidéo de Patrick Jean qui a fait le tour du web, où tout ce joli monde pixellisé prenait d'assaut la terre, chacun avec ses attributs propres de destruction. Épatante vidéo, ingénieuse et qui célèbre le genre, de Tétris à Pacman en passant par le casse-brique. Une invasion qui n'est pas non plus sans rappeler celle à Libération transformé par les invaders. Pour autant, la domination du pixel, même dans l'art, n'est pas très voyante, tantôt relégué à la rue, tantôt à des expositions timides, au même titre que le Street Art finalement. Reste que cela est plaisant à regarder... Quand on a la chance d'en croiser.

Condamné à des batailles de post-it de geeks sur vitres alors ? Évidemment que non, le pixel garde cet aspect enfantin qui met un peu de fraicheur quand on en voit (ne pas oublier les QR codes de plus en plus présent, eux aussi sous forme de pixels mais dans un autre but). Lié à la culture du old-school, la création de Pixel Art est inépuisable et d'une grande richesse. Faisant le choix de célébrer un patrimoine vidéoludique international, on tient là une mode qui attire et attirera encore, preuve en est que même les plus grands d'aujourd'hui (Angry Birds ou Assassin's Creed) n'hésitent pas à se faire un lifting de pixels pour se donner cet aspect rétro attractif.

Strasbourg rythmée par un festival de cinéma

2011-08-21T18:26:00.010+01:00

Pour la quatrième année consécutive, Strasbourg et ses cinémas Star accueilleront au mois de septembre le Festival Européen du Film Fantastique avec la présence exceptionnelle de George A.Roméo (célèbre réalisateur de films de zombie précurseurs du genre, La nuit des morts vivants et bien d'autres...) en tant que président du Jury. L'occasion alors de mettre en place diverses activités dans la ville, d'autant plus que cet évènement au coeur de la capitale alsacienne fait parti d'un cercle de vingt festivals internationaux cumulant plus de 600 000 spectateurs.

Cela commence alors par l'annuelle Zombie Walk, évènement où chacun peut venir se faire maquiller par des professionnels de l'école Candice Mack afin d'aller couvert de sang et d'un pas chancelant sillonner la ville. Elle se tiendra le samedi 10 septembre à 15 heures place Klébert (la marche devrait commencer peu après, une fois les participants tous maquillés), on peut se douter qu'elle accueillera une nouvelle fois plus d'un millier de participants venus pour tituber entre amis et se jeter sur les passants effarés. Ambiance improbable à souhait donc, tout le propre d'une Zombie Walk réussie. Retrouvez-ci dessous la vidéo de la précédente édition.

La zombie walk à Strasbourg par StrasTv

Et comme l'indique la page facebook des évènements de ce 10 septembre qui servent d'ouverture à la semaine fantastique, les festivités se poursuivront ensuite par un Apéro Zombie de 17h à 19h, suivi d'un Bal des Zombies dans la soirée à partir de 19h30, place de la Bourse, pour venir bouger ses tripes sur une programmation éléctro (Panimix, Janski Beeeats, Pulpalicious, La mort de Darius), les tarifs sont sur la page de l'évènement.

Le festival de cinéma se déroulera quant à lui du 11 au 18 septembre, et le Village fantastique sera là pour accueillir les plus cinéphiles voulant se désaltérer ou grignoter entre deux séances, ou bien encore jeter un oeil aux différents stands avec comics et figurines liés à la culture du genre (science-fiction, horreur, fantastique). Cette année encore, la programmation du festival sera riche et les films vont se succéder à une vitesse folle (projection en VOST bien entendu). À noter que rétrospectives (dont hommages à George A.Romero et Tod Browning), documentaires, et même courts métrages (avec une séléction française et une autre internationale, voire une programmation pour enfants) seront aussi de la partie, de quoi ravir tout le monde.

Des séances de minuit auront même lieu pour certains films "extrêmes", dont le remake "I spit on your grave" (bande annonce en cliquant sur le titre), vengeance sordide d'une femme violée et torturée par un groupe d'individus. Encore sur la liste, le totalement barré "New kids Turbo" venu des Pays-Bas ou encore le nanard gore "Hobo with a shotgun", et enfin "Norwegian Ninja".

En plus de cette programmation, on trouvera celle de films plus inclassables, tel que Take Shelter primé à Cannes à deux reprises, le dynamique et explosif Bellflower, le dérangeant Red State où des ados sont torturés par des fondamentalistes religieux, ou encore le déroutant The perfect host avec un dîner qui tourne mal.

Cette année, le festival européen du film fantastique remettra à nouveau l'Octopus d'Or et le prix du public, deux prix différents mais visant à récompenser le meilleur film fantastique international en compétition, le premier étant octroyé par le jury, le second par le public (des bulletins de note seront donnés aux spectateurs à chaque séances puis comptabilisés). Pour finir sera remit le Méliès d'Argent au meilleur film fantastique européen, lui aussi décerné par le jury. Ce Méliès permettra au long-métrage gagnant de candidater au Méliès d'or du festival de Sitges au mois d'Octobre.

Dans la séléction, onze films en compétition :

● Harold's going Stiff, Royaume-Uni, 2011, 1H17. Le pensionnaire Harold est frappé par une maladie qui le transforme peu à peu en zombie. Il décide de suivre un traitement mais la maladie ne v'a qu'en s'aggravant.

● Hideaways - France/Irlande, 2011, 1H35. Un homme a un pouvoir destructeur, celui de tuer toute vie qui l'entoure quand il stresse. Il a trouvé refuge au sein d'une forêt mais va faire la rencontre d'une jeune fille atteinte d'un cancer mortel et qui n'est pas effrayé par son pouvoir.

● Kill list - Angleterre, 2011, Jay, un ex-soldat devenu tueur à gages, est pressé par son partenaire d’accepter une nouvelle mission. Très vite, Jay commence à ressentir à nouveau les effets de la peur et de la paranoïa...

● Kidnappes (Sequestrados) - Espagne / France, 2010, 1H25. Un groupe de trois hommes cagoulés s’introduit de force dans la maison d'une famille dans le but de gagner un maximum d'argent possible.

● Le Petit Poucet - France, 2011

● Livide - France, 2011. La jeune Lucie Clavel et ses deux acolytes décident sur un coup de tête de cambrioler la maison d’une vieille femme Deborah Jessel, plongée dans le coma. La légende veut que cette maison renferme un trésor… qui s'avèrera surprenant, tout comme la véritable identité de la vieille femme.

● Rabies - Isarêl, 2010, 1H30. Un serial killer en liberté croise le chemin d'un groupe d'adolescents. Un par un les morts se suivent.... Mais le tueur n'est pas celui qu'on croit.

● Saint (Sint) - Pays-Bas, 2010, 1H28. Le Saint Nicolas, évêque déchu et sanguinaire, revient avec ses compagnons chaque 5 décembre de l'année pour assouvir sa vengeance.

● Stake Land – USA, 2010, 1H38. Une épidémie de vampirisme frappe l'Amérique, les hommes sont obligés de fuir. Certains tentent de survivre en allant au Canada, terre de sureté.

● The woman - USA, 2011. Une famille parvient à capturer une femme sauvage dans les bois, ils vont tenter de la civiliser, mais cette femme va vite mettre leurs vies en danger.

● Vampire - USA/Japon, 2011, 2H. Simon cherche à rencontrer par internet des adolescentes souhaitant se suicider, en prétendant vouloir lui-même mourir. Il organise des séances de suicides collectifs pour satisfaire son besoin obsessif de boire du sang.

Rajoutons à ce festival plusieurs rendez-vous professionnels, tel un Master Class pour les étudiants et lycéens sur le métier du cinéma (les bruiteurs...) le jeudi 15 septembre de 9h à 12h au Cinéma Star St-Exupery, ou bien encore une rencontre avec les professionnels alsaciens du cinéma et de l’audiovisuel le vendredi 16 septembre de 9h à 12h au même endroit (inscriptions toutefois requises), de quoi intéresser les passionnés du milieu cinématographique.

Et pour compléter tout ça, d'autres rendez-vous ont également lieu, quant à eux à la fnac. On trouve alors une vente aux enchères d'affiches de cinéma (lundi 12 septembre à 17h), une exposition de planches originales de l'illustrateur et auteur de bande dessinée Ben Templesmith (du premier au 17 septembre), celui-ci se livrera d'ailleurs à une séance de dédicace le mercredi 14 septembre de 16h à 19h. Ben Templesmith est connu pour ses travaux 30 jours de nuit, Fell et Wormwood, il a également travaillé sur Silent Hill, Criminal Macabre, mais aussi Star Wars, Buffy, Spawn ou encore sur la préquelle en comics du célèbre jeu vidéo horrifique Dead Space.

Photo prise par Alexi Tauzin

Se tiendra également à la fnac une rencontre avec Romero et les autres membres du jury le samedi 17 septembre à 16h. Plus d'infos sur la composition du jury à venir.

Pour le reste, le site officiel de l'évènement devrait aider.

La précédente édition avait accueilli plus de 8000 personnes entre projections et animations, vous êtes à nouveau attendu nombreux pour vibrer durant une semaine au rythme des films et du festival que la ville accueille une fois par an. Bonnes séances.

Pisse of art

2011-05-13T23:37:00.008+01:00

De l'eau a coulé sous les ponts depuis l'affaire de l'affichage dans une exposition à Avignon de l'oeuvre Piss Christ, cette photographie controversée de l'artiste américain Andres Serrano, réalisée en 1987 et qui mêlait son sang plus son urine à un crucifix. Original pour certains, blasphématoire pour d'autres (ces intégristes religieux dont on ne se défait pas), Piss Christ a suscité moult réactions de son public en avril dernier, parfois virulentes, à la manière de l'affaire des caricatures de Mahomet qui avait créé un véritable tollé en 2005 suite à leurs parutions dans un journal danois, repris début 2006 par Charlie-hebdo, affaire qui s'est même conclue au tribunal.

Et pourtant, loin de toutes ces affaires religieuses à scandale se trouvent d'autres idées toutes aussi scabreuses empruntes à la douce poésie du monde, à la chaleur artistique qui berce... les testicules de chaque homme. En effet, un artiste a eu pour objet d'assembler un mètre cube de sperme où chacun pourrait alors participer en donnant un peu de sa semence afin de prendre part à cette oeuvre collective, quoi de plus ludique après tout ? Le sperme aurait ensuite été congelé puis exposé dans un cube minimaliste. La subversion artistique n'est sans nul doute pas très loin du but recherché par Philippe Meste, le plasticien à qui est venue cette d'idée.

"Le projet Spermcube ne se contente pas de « déplacer », il déracine ; brouille les pistes, exagère, attaque dans toutes les directions. Il incarne un Stakhanovisme de secrets et de sécrétions, d'obscénités et de rétractations, hyperboles de violence et anonymat écrasant. Il est réellement universel, évoque le monde avec force, ou bien, est la plus grande synecdoque du monde. Il compose avec le déraisonnable, l'impossible et le réalisable", voilà ce qu'exprime Mihnea Mircan à son sujet, traduit de l'anglais par Emily King en 2006, à lire en intégralité ici.

En revanche, le projet semble être tombé dans l'oubli, le site officiel ne fonctionne plus et rien n'avance depuis des années, l'art apparaît donc comme encore entravé par certaines contraintes morales, et chacun jugera de ce qu'il pense de ceci. Puis après tout, sans nul doute que les limites d'aujourd'hui feront les transgressions de demain. Pour voir ce qu'il reste des consignes pour la participation collective de l'oeuvre, voici des détails supplémentaires.

Loin encore de ces idées farfelues et tout en n'omettant pas de glisser un mot sur Andy Warhol qui urinait sur du cuivre pour certaines de ses oeuvres, on trouve alors en remontant un peu le temps la célèbre Fontaine de Duchamp, dont vous trouverez l'illustration juste ci-dessous. La version originale de l'oeuvre, présentée à New York en 1917, est aujourd'hui introuvable. Il s'agit sur la photo d'une réplique parmi d'autres ayant été réalisée sous la direction de Duchamp en 1964. L'une de ces copies a été acquise en 1986 par l'État français pour la collection du Centre Georges-Pompidou, et tel que leur site nous l'informe, l'objet est signé "en parodiant le nom du propriétaire d'une grande fabrique d'équipement". Si la fontaine est au départ refusée en 1917 par un comité d'exposition censé tout accepter, l'aide d'un ami à Duchamp aidera finalement à un mythe naissant autour d'elle. "Selon Duchamp, l'artiste n'est pas un bricoleur et, dans l'art, l'idée prévaut sur la création."

Au final on tient là l'une des oeuvres les plus controversées du siècle dernier, "l'urinoir [a même] été désigné l'oeuvre la plus influente du 20e siècle par des artistes, galeristes, critiques et par des conservateurs de musée londoniens en 2004" nous explique-t-on ici. Cette fontaine se révèle alors très intéressante, surtout si vous jetez un oeil par là où se trouve une explication captivante de ce qui en fait une pièce d'art extrêmement recherchée. Celle-ci recèle de bien plus de surprises qu'on ne pourrait l'imaginer à première vue, et l'analyse de Julien Martial élucidera pour vous son mystère, impérativement à lire pour quiconque s'intéresse à l'art. Et pour ceux-là même qui seraient désireux de transformer leurs propres toilettes en pièce artistique, sachez qu'il existe un autocollant à acheter basé sur l'oeuvre de Duchamp, original et bien pensé.

Toujours plus racoleur, voilà ce que l'on pouvait trouver dans les toilettes d'un restaurant à Hamilton en Ontario en 2010, avant qu'ils soient en toute logique retirés car remis en cause : Misogynie, sexisme, tout ça. Forcément, uriner dans une bouche saillante de femme revête un attrait plutôt licencieux, bien qu'encore une fois, la notion d'art change selon les avis recueillis, plus d'infos sur l'affaire ici ou là.

Et cet article ne serait pas complet sans le célèbre restaurant taïwanais où la cuvette est devenu le siège de tous, siège d'un grand n'importe quoi surtout, mais à tester entre amis pour se marrer lors d'une soirée, pourquoi pas après tout ? Sommes-nous encore à ça près dans le mauvais goût ? Et en parlant de goût, qui n'a jamais rêvé de déguster une glace dans des petits pots voire même de manger des pâtes à l'intérieur de fausses toilettes ? Non personne ? Et bien voilà, to eat or to pee, that's the question.

Loin de tout ça donc, mais tout en restant dans le domaine scabreux et artistique, voici alors le Thermochromic Urinal pour les hommes. Tel que vous pouvez le voir sur la photo plus bas, il s’agit d’un revêtement coloré réagissant à la chaleur de l'urine qui s'y déverse. Rien de bien alléchant alors, mais pour quiconque souhaiterait exhiber sa folie créatrice en allant satisfaire ses besoins primaires, voilà qui est désormais possible… n'en déplaise aux dames et demoiselles qui ne peuvent se livrer à pareil instinct artistique.

Twin Peaks, découverte 20 ans après...

2011-05-09T00:23:00.016+01:00

Twin Peaks. Durant 4 jours ces mots ont résonné dans ma tête pour opérer une alchimie improbable, une attraction incompréhensible. Je me retrouve à enchaîner les épisodes quasiment les uns à la suite des autres, passant par des stades émotionnels assez variés durant le visionnage de cette vaste oeuvre de Lynch, maître incontesté que j'admire absolument tout en n'appréciant que très peu de films de sa filmographie, étrange, à l'image de sa filmographie dira-t-on.

Durant cette longue déroute donc, j'ai rencontré la surprise, la déception, l’incompréhension, les larmes, le bonheur, la joie, le choc, l’ennui profond et j’en passe. Twin Peaks a pour moi des qualités indéniables, mais aussi d'énormes défauts sur lesquels je reviendrai. Je tâcherai par ailleurs dans ce journal de bord de mon expérience avec cet univers, d'éviter les spoilers. Pour démarrer, petite bande annonce pour ceux qui ne connaitraient pas.

Comment j'en suis venu à enfin voir cette série ? C'est simple, cela faisait déjà près de 2 ans que j'en entendais parler comme étant vraiment magistrale et révolutionnaire pour le monde télévisuel, à classer dans le podium des meilleures séries où semblent siéger Six feet under et The soprano, et lorsque j'ai découvert que Arte allait la diffuser, c'est le coeur haletant que je me suis jeté sur la chaîne le mardi 19 avril 2011. Ça y est, le somptueux et doux générique démarre, Twin Peaks en VOST, enfin. Et là vint donc le drame de ma soirée, comme pour beaucoup d'autres qui ont eu la surprise, Arte n'a pas eu les droits de la VOST et diffuse donc la VF. Très déçu, je me décide à jeter un oeil tout de même et me retrouve assez vite conquis, très touché et ébahis, la première demi-heure étant bourré d'émotions fortes. Un pilote tout ce qu'il y a de plus réussi donc, et qui lance la cultissime réplique de "Qui a tué Laura Palmer", phrase indélébile qui ne me quittera plus. L'heure de diffusion finit par m'achever à l'idée que : Non, arte, je te serai infidèle, je me trouverai la série en VOST, j'achèterai le coffret, je veux tout voir, et je le veux maintenant !

Et là, second heurt, seconde déception et pas des moindres, il est impossible de voir Twin Peaks dans des conditions légales, justes et à prix correct en France, me voilà à halluciner et à crier une énième fois contre TF1, éditeur de coffrets semble-t-il défaillants dans les épisodes, le tout avec un packacking laid, là où partout ailleurs ils ont la superbe Golden Box edition ! Twin Peaks, outre son histoire de diffusion sur lequel je vais revenir, continue donc par être tourmenté par des sombres entreprises.

Car Twin Peaks est surtout ça, une voix labyrinthique qui aurait fait un accident sur la Mulholland Drive, croisant cauchemard éveillé d'assister à une série non achevée, au rêve d'en voir une accomplie. Dés lors, la réalité reprend son pas, la série qui avait démarré avec 30 millions de spectateurs pour son pilote, n'a cessé de s'effondrer, de changer de cases horaires, d'être bouleversé dans son sens artistique par la chaîne ABC assistant impuissante à une perte lancinante d'audience. Les deux derniers épisodes se faisaient même martyrs de la télévision, sacrifié sur l'autel de l'audimat, heureusement, les fans savent se scandaliser quand il le faut et réclamer ce qu'on leur doit par simple respect.

Si le pilote d’introduction à la série m’a donc achevé dés sa première demi-heure et m’a donné absolument envie de voir la suite, dont le fil rouge "Qui a tué laura palmer ?" était ce qui m'intéressait le plus jusqu'à tourner à l'obsession, la déception pointera finalement vite son nez. Et là réside pour moi tout le problème avec cette série : Mais quel est donc l'intérêt de certains personnages ? Que ce soit Nadine, ou encore l'autre raté plus-tête-à-claque-tu-meurs enfermé dans sa maison-bibliothèque, voire même Josie qui peine à devenir intéressante avant un bon moment, personnage lisse à mourir comme bien d'autres. Des caractères tous plus ennuyeux les uns que les autres, Catherine et le maître d'hôtel eux aussi mettent un sacré temps avant de dégager un minimum d'intérêt. Heureusement que les géniaux Andy et Lucy venaient éclaircir les épisodes par leurs frasques ridicules, deux rares personnages (avec Cooper et une ou deux femmes) attachants dés le début, bien qu'ils seront surutilisés à tord pour du meublage scénaristique au fil des épisodes, toujours dans le but de ralentir la seule intrigue passionnante dont on attend infiniment la conclusion, celle de Laura.

Je comprends bien pourtant que le réalisateur essaie de donner vie à la ville entière à travers ses nombreux personnages, pas tant caricaturaux mais surtout grotesques (voulu dans un esprit surréaliste sûrement, sauf que parfois le bas blesse) et qui passent leurs temps à siroter des cafés au coin d'un bar, ce qui est, vous en conviendrez, pas la chose la plus intéressante à voir.

Twin Peaks repose donc presque que sur ça, des meubles, des meubles et encore des meubles, des obstacles sur une route bien tracée dont on peine à atteindre le bout, triste. Une quinzaine ou vingtaine d’épisodes qui auraient pu être géants mais qui sont étalés en une trentaine avec des personnages d’une vacuité exemplaire, des ralentissements scénaristiques qui n’en finissent plus et des relances sur lesquelles je dirai un mot plus bas. Au fond, oui, Laura Palmer, c’est tout ce que je voulais, et l’intrigue peinait à avancer de quelques centimètres par épisode.

Déception ? Alors oui, et pourtant je continuais à avancer à une vitesse folle, la série dégageant une force d'attraction intense, dû à un pilote qui lance un mystère dont on veut absolument et rapidement les clefs. De par ce mystère principal je restais en haleine tout en sombrant dans l’ennui insurmontable. Alors il y avait bien des moments de bravoure, dont la BO évidemment. La première chose de cette série, et son plus grand point fort, c’est forcément ça, son thème principal et consorts, leitmotivs de l'intrigue dramatique, amoureuse ou autres. On a aussi quelques superbes musiques de Julee Cruise, illuminant le bar par ses apparitions. Par contre tout ce qui touchait au jazz j’accroche pas du tout, mais qu’importe. David Lynch parvient souvent grâce à ces musiques à toucher à quelque chose d'unique et complètement magique, telle cette scène de danse à la lampe torche, réalisée avec perfection et surtout inventive. Le genre de scènes que j'aurais souhaité voir plus nombreuses...

Si j'ai apprécié la première saison malgré de nombreuses faiblesses, je n'étais pourtant pas au bout de mes surprises avec la saison 2. Twin Peaks se divise d'ailleurs en deux parties distinctes, la première partie centrée sur l'intrigue de Laura se déroule sur un peu plus qu'une quinzaine d'épisodes (étendues sur les deux saisons), puis vient la seconde histoire. Si tout le début de l’officielle saison 2 est d’un ennui redoutable pendant près de six épisodes, le cliffangher du septième est absolument titanesque et parvient quant à lui enfin à remonter la pente. C’est décidé, je suis de nouveau fan, sachant surtout que les fameuses révélations arrivent enfin, à moi la surprise, le choc de ce dont tout le monde parle depuis toujours, "QUI A TUE LAURA PALMER ?!".

Et là, déception encore, l'épisode cité en haut était en fait le grand épisode attendu, ce qui se trouve alors ensuite est juste une explication totale et plus claire de la chose. Du coup, plus vraiment de twist dans l'épisode promis (le neuvième), mais reste de belles séquences d’émotions qui tirent un trait efficacement (ou presque) sur la fin d'une réelle première saison, celle centrée autour de Laura. Le pire étant alors à venir, les nauséabonds épisodes 10 et 11 qui peinent à relancer l’intrigue et qui s’enfoncent à pied joins dans la paresse d'écriture où rien ne se passe, de quoi redécrocher à nouveau, surtout qu'en moi résonnaient alors les avis lus à gauche à droite : Ça y est, les fameux épisodes moins bons que tout le monde évoquait étaient là, et je vais devoir m’accrocher pour tenir jusqu’à la fin pour enfin avoir la clef de cette intrigue qui, je l’espérais, donnerait sens à cette foule de personnages et de choses tordues. Une fois donc la réponse du tueur de Laura Palmer résolue, on entame une seconde partie qui tentera de joindre les deux bouts, à la fois tout ce qui suit, et tout ce qui a précédé, dur travail que Lynch entreprend avec cohérence et réussite. D'autant plus que la seconde saison touche beaucoup plus à ce que j'admire chez ce réalisateur : la perte de sens et le fantastique bizarre.

Car pourtant, en dépit d'avis négatifs sur cette deuxième intrigue, dés l’épisode 12 et son cliffangher, la seconde partie de Twin Peaks se lance pour de bon, de quoi à nouveau suivre avec attention, d’autant plus que le rythme va s’améliorer et ce que jusqu’à la fin où on atteindra une certaine apothéose dans l'avant-dernier épisode. Oui, durant les neuf derniers, tout monte en puissance jusqu’à l’éléction miss Twin Peaks qui m'a cloué littéralement au sol, noyé dans les larmes et le choc, la magie d’une mise en scène hallucinante, époustouflante, je retrouve Lynch. Et c’est sans parler de l’épisode 18 où une simple scène de romance me touche profondément, joué admirablement par les interprètes de Cooper (dont les mimiques sont justes grandioses, on découvre une facette jamais vue du personnage) et Annie, une romance qui démarre dans une efficacité admirable, sous nos yeux et ceux du shérif Harry, le tout sur fond sonore radieux, avec au loin Lynch qui continue de brailler. Drôle, touchant, séduisant… La naissance d'un amour comme on le voit rarement tourné aussi efficacement.

Passée la scène magistrale qui clôt l’épisode 21 arrive alors LE FAMEUX DERNIER EPISODE que j’attendais, l’inespéré, celui qui sauverait ma déception de la fin de la première partie (dont j’entendais monts et merveilles sur des révélations finalement convenues), épisode où il y aurait tout, à la fois cocktail explosif qui viendrait résoudre intégralement le mystère Twin Peaks, mais aussi qui ferait de cette série le mythe dont tout le monde parle.

Et là, déception à nouveau, encore que... Parlons plutôt d'incompréhension, l’apothéose lynchienne (bien que j'adore le réalisateur) étant très déconcertante, presque fatiguante par sa longueur. Clore la série sur pareilles scènes est assez impressionnant, l'idée est vite donnée que c'est une invitation à de multiples revisionnages, rien de bien nouveau donc pour une oeuvre de Lynch. Mais autant avec un superbe Mulholland Drive d’une durée moindre ça passe, autant pour plus d’une vingtaine d’heure de série, je reste dubitatif, mais je ne dirai pas non à replonger un jour dans cet univers fascinant, surtout frustrant.

Je resterai sur un avis globalement donc très positif, et peu importe les nombreux épisodes dont le visionnage équivalait à un certain supplice très emprunt à la lassitude. Car à la fin, tout prend un sens ou presque, il manque alors juste la saison 3 de prévue qui n'a hélas jamais été tournée faute d'audience. Reste alors une série malheureusement non achevée, envoûtante et révolutionnaire pour le petit écran, dont certaines séquences frôlent l'inimaginable à voir, quelque chose dont on sait que seul ce réalisateur peut en concocter et qu'on est pas prêt de revoir de sitôt dans un format télévisuel. Merci et grand bravo à David Lynch pour cet expérience unique.

Quant au film Twin Peaks : Fire walk with me, celui qui est à voir après avoir entièrement découvert la série, il s'avère très décevant et peine à démarrer en s'étalant beaucoup trop sur le cas du meurtre de Teresa. Au bout d'une demi-heure démarre le thème principal avec la vraie Laura Palmer sous les yeux, le mythe (re)prend vie, c'est assez élégant et plaisant à voir. Cependant, l'actrice peinera à convaincre face à des mastodontes comme Naomi Watts et Laura Dern, qui elles réussissaient à tenir un film entier sur leurs épaules dans Mulholland drive et Inland Empire. Or là, c'est assez ennuyeux, l'intrigue dévoile peu de choses nouvelles et va jusqu'à détruire le mythe en transformant cette jeune Laura Palmer en blonde poufiasse crachant sa douleur à la face du monde, plutôt lourd tout ça. Finalement, peut-être était-il mieux de ne pas assister à sa vie privée. Heureusement, les dix dernières minutes sont jouissives et explosives, très lugubres. Je retiens du long-métrage le plaisir simple de revoir toutes les têtes ou presque, mais pour l'ambiance et le scénario, on repassera, tout au plus dira-t-on que ça peut servir de pilote à la série entière, ou d'un bonus à découvrir une fois celle-ci finie, rien de bien important donc, et qui restera incompréhensible pour quiconque n'a pas regardé la série.

Le gif et la 3D s'invitent dans la photographie

2011-05-02T21:58:00.010+01:00

Le GIF, on le voit tous comme cette image kitsh animée en 8 bits qui envahissait les pages web à une époque aujourd'hui presque ancienne, image souvent aux couleurs criardes et dont l'intérêt d'utilisation était quasiment inexistant, en plus d'être une hérésie pour les yeux du lecteur. Pourtant, ce format est remis au goût du jour et ne semble pas prêt de disparaître de sitôt, apparaissant désormais dans de nombreux milieux artistiques, clips, images et photographies.

Premier exemple, ce tumblr où l'on trouve une multitude de gifs animés reprenant des scènes de cinéma, immortalisant un mouvement, une scène, un regard, célébrant ainsi la justesse d'une danse endiablée de Pulp Fiction ou bien encore l'attitude désinvolte d'un Don Corleone dans The godfather. Bref, beaucoup de films cultes passent à cet exercice déroutant et plutôt intriguant, voir ci-dessus le visage culte du personnage dans le Psychose du grand Hitchock ou ici-bas la célèbre Amélie Poulain et la grande Bardot dans le superbe mépris de Godart.

D'autres, comme MIA et MGMT, ont fait du collage kitsh et de tout ce qui touche au foutoir visuel une certaine marque de fabrique pour certains de leurs clips, un résultat loin d'être déplaisant d'ailleurs, bien au contraire. Là où ailleurs la recherche du beau dicte ses règles quitte à nager dans le superficiel, certains osent le laid pour en tirer un certain charme, et voilà une idée bien audacieuse.

Le gif montre ainsi qu'il permet une originalité supplémentaire, d'oser le tout et n'importe quoi, quitte à déstabiliser le spectateur non habitué, certains ne se privent alors pas d'en faire un best-of comme cette vidéo dont le kitsh est ce qu'il y a au final de plus attrayant.

Il s'agit là d'une vidéo de l'artiste Evan Roth qui s'est fait connaître en travaillant autour de la culture populaire. Le résultat est juste excellent visuellement, addictif de par le fait que chaque seconde à venir promet de nouvelles surprises. Le tout reste assez inégal musicalement mais l’artiste essai d’associer des mouvements à des rythmes, ça tourne parfois au vidéo gag avec des gifs vues et revues sur le web, mais grand bien nous en fasse avec cette petite apothéose venant résumer la vaste blague que l'on retient aujourd'hui de ce format gif.

L'artiste Aram Bartholl s'est également inspiré de la culture internet afin de l'immortaliser dans des photos, on tient bien là une véritable mode, celle d'amener dans le réel ce qui touche à la culture du virtuel. Et pour finir avec les gifs animés travaillés, voici également un site sur lequel vous pourrez en trouver des dizaines, artistiques et assez sympathiques.

Passons maintenant à une toute nouvelle artiste dont les photographies font le tour du web en ce moment.

Elle s'appelle Jamie Beck et tout provient de son blog (sur lequel vous trouverez une foule d'autres photos), il s'agit d'une photographe New-Yorkaise passionnée de cinéma. Elle a réussi à allier ses deux passions afin de s'adonner à la création de photos animées, un procédé tout nouveau intitulé le cinemagraph, le nom renvoie bien évidemment au cinématographe des frères Lumières inventé en 1895 et à toutes autres inventions le précédant. Jamie Beck n'est d'ailleurs pas la seule créditée autour de ce nouvel intitulé, le nom de Kevin Burg l'accompagne, il s'agit d'un web-designer.

Tel que vous le voyez, voilà une manière de capter habilement un élément, un mouvement, aussi furtif soit-il, dans une élégance quasi-publicitaire pour le style, et honnêtement superbe, capable de durer éternellement. On a alors là des photographies qui retracent un mouvement s'inscrivant dans la durée, difficile de rêver mieux pour ce qui touche encore à la photographie sans être une vidéo, surtout qu'il n'y a aucune coupure visible entre deux répétitions de mouvement, vous pourrez même distinguer le reflet du mouvement dans le miroir à gauche pour la photo plus haut, étonnant et efficace.

Petite parenthèse à ouvrir pour un genre différent de la photographie mais toujours dans le but d'illustrer cette répétition inlassable de mouvements ou d'effets qui virevoltent en boucle. On trouvera par exemple les animations de l'artiste Emilio Gomariz. Celui-ci s'exprime à propos de ce qu'il fait : "Il y a plusieurs expériences avec le corps humain. Le travail est basé sur des collages en 3D, j'utilise des modèles 3D que je trouve sur Internet, je coupe et je réorganise les extrémités dans le but de créer une animation en boucle", propos se trouvant à cette page où vous trouverez deux oeuvres supplémentaires dans le même esprit.

L'une de ses oeuvres la plus astucieuse et attirante doit être celle ci-dessus, on ne se lasse pas de la regarder et d'observer chaque mouvements dans cette roue de bras tournoyant indéfiniment. On se retrouve devant un résultat improbable, compréhensible dans sa forme, à la fois fascinant et impressionnant. Pour visiter le site officiel de cet artiste et y découvrir d'autres choses somptueuses c'est par ici, vous pourrez ensuite les trouver dans le navigateur sur la gauche et c'est vraiment à voir. Un artiste donc à suivre de près, dont la méthode d'animation en 3D s'avère étonnante, que dis-je : Bluffante.

La paranthèse maintenant fermée autour de cette utilisation de la 3D d'animation pour le mouvement à répétition (des corps et autres), retournons donc à la photographie qui elle aussi se voit envahie par la 3D, très en vogue aujourd'hui. La technique de stéréoscopie n'est pourtant pas nouvelle puisque date du XVIIIème siècle, elle permet de produire des images en 3D en assemblant simplement différentes prises de vue en 2D, chose que les appareils photos numériques d'aujourd'hui font. Pour voir plusieurs exemples c'est ici.

Cliquez dessus pour voir en 3D

Rien de bien extra-ordinaire à ce niveau donc. Avec la 3D point question de capturer un mouvement dans le temps, mais plutôt de capturer un espace et de le rendre plus accessible, plus instable. De là à le sentir plus proche de nous en le faisant bouger de 3 minimètres de gauche à droite... Pas vraiment non, surtout que l'on retrouve assez cet aspect maladroit reproché aux gifs animés d'autrefois.

Si la photographie permet donc de capturer un instant fixe, et la 3D un bout d'environnement avec, le gif animé dans une photo quant à lui permet de garder bien plus que ça : un effet de la réalité sans mettre le pied dans le format vidéo, ce qui est véritablement ingénieux. Les techniques photographiques ont donc encore de belles évolutions devant elles, en passant par le gif animé ou la 3D stéréoscopique, et on peut se douter que d'autres artistes se jetteront sur ces nouvelles techniques pour les adapter et les transcender dans de nouvelles oeuvres.

La représentation sexuelle et ses évolutions

2011-04-21T19:05:00.038+01:00

Âmes pieuses et chastes ou autres Tartuffe en puissance, ce sein que vous ne sauriez voir ne sera point ici voilé sous un subtil mouchoir blanc, c'est pourquoi il vous est conseillé d'éviter cet article. Si toutefois vous avez plus de 18 ans, ou que vous voulez braver cette interdiction en carton-pâte qui ne sert qu'à éviter une vilaine peine pour toute personne s'exposant à mettre du contenu pornographique visible par un mineur (ce qui est le cas partout sur le net donc); et bien libre à vous de vous livrer à pareille liberté et à toute autre concupiscence dont l'hédonisme et la nature vous proposeront de jouir dans l'existence. L'article ne touche réellement à la pornographie que dans sa dernière partie.

Au cours des siècles, les médias et les idées que l'on se faisait de la pornographie n'ont eu de cesse d'évoluer jusqu'à atteindre ce que l'on en connaît aujourd'hui. Si désormais on en trouve en abondance et pour tous les goûts, c’est le fruit de plusieurs siècles de continuité. Au fond, la représentation sexuelle n'a jamais changé, elle a simplement suivi le cours des évolutions humaines, passant de dessins érotiques dans des cavernes au format vidéo X en 3D que l'on trouve maintenant.

Quelque chose qui n’a jamais changé en revanche dans tout ce qui touche au sexe, c’est son succès, l'engouement qu'il provoque, car là où il y a tabous autour du sexe, il y a forcément désir de transgressions. Le raz de marrée au box office à Hong Kong cette année pour un film classé X et en 3D n’en est qu’un énième exemple, allant jusqu’à dépasser Avatar au box office dans la région.

Comme l’exprime Jean Bertrand dans son ouvrage, avant l’écriture, la pornographie était surtout gestuelle. Durant la préhistoire on utilisait le sexe comme appel aux déesses de la fécondité. On mêlait usages mystiques et orgasmes dans des rituels et autres pratiques du genre. Sur les murs des cavernes, on peignait des scènes de fellation, de masturbation, de sodomie, de zoophilie, et ce partout, peu importe le territoire, il y avait un goût universel porté pour la chose. On sculptait même des vulves et bâtons phalliques dans la pierre.

Plus tard, au troisième millénaire avant J.C., on trouvait parmi une multitude de tablettes rédigées par des sumériens en écriture cunéiforme, une célébration du sexe (surtout féminin), et dans ces époques anciennes il y avait toujours une déesse de la fécondité ou du sexe. En Grèce encore, cela était considéré comme un besoin naturel. On trouvait de la bestialité, pédérastie, saphisme (homosexualité féminine), pédophilie (Eros et Aphrodite), inceste (le très célèbre Œdipe avec sa mère) et fétichisme, dévoilant ainsi une large diversité dans les plaisirs. Certains de ses goûts se retrouvaient mis en scène sur des vases de l’époque hellénistique (VI-V-IVèmes siècle avant Jésus Christ).

Plus de photos

Ne pas omettre non plus le très célèbre Kamasutra attribué à Vâtsyâyana et qui daterait du IV-VII^ème siècle, recueil indien, traduit seulement en 1883 en Anglais mais pas encore autorisé dans les pays anglophones. Il est devenu depuis le plus fameux manuel à usage sexuel en Inde, avant de trouver une postérité universelle.

Durant la Renaissance, le Décaméron de Boccace est parmi les premiers ouvrages à être imprimé après l’essor de l’imprimerie au milieu du XVème siècle, c’est un célèbre recueil de débauches amoureuses et tragiques. La nudité a eu une grande percée dans les beaux arts durant la Renaissance, il s'agit principalement de nus féminins, qui exprimaient à la fois un idéal de beauté mais commençaient également à cacher une volonté proprement érotique où le charme attirait instinctivement le désir du spectateur, ce qui, forcément, entraînait souvent des polémiques.

Sandro Botticelli - La naissance de Vénus (1485)

Raphaël (Raffaello Sanzio) - Les trois grâces (1504-1505)

Continuons l'histoire pour nous intéresser alors aux libertins durant le XVIIème siècle, ceux-ci ont subit la pression des dévots redoutables, certains sont morts de leurs excès, quoique la justice n’était pas équitable pour tous, les grands barons échappant souvent aux jugements de mœurs. Toute une philosophie hédoniste s’est développée à cette époque, les cercles libertins étaient nombreux. Il existait également des poèmes licencieux par des auteurs célèbres, tel que Théophile de Viau. Le cas de Sade au XVIIIème siècle est vu comme un apogée, un summum de dérives outrageuses mis dans divers livres et gravures. Cette technique de représentation est d'ailleurs très utilisé à cette époque, on en retrouve même qui transgressent le milieu religieux, à voir ici.

Extrait d'une centaine de gravures accompagnant des ouvrages de Sade (fin XIIIème siècle)

Le XIXème siècle quant à lui fut très emprunt à la prostitution et aux maisons closes qui se développeront jusqu'à leur interdiction en France en 1946. C'est également la période de la naissance de la pornographie dite moderne. En effet, selon certains historiens, la pornographie serait une invention moderne car fait social inédit des sociétés occidentales et qui n’apparaît qu’à la fin du XVIIIème siècle, en pleine période de déchristianisation.

Le mot lui-même, pornographie, n'est entré dans les dictionnaires anglais et français qu'au XIXème siècle. C'est alors la popularisation des textes et images sexuelles. L’influence des églises restait tout de même encore grande, d’où une certaine "pornophobie", l’ostentation effrayait de par l'image que l'on en diffusait. Nombreuses ont été les œuvres à être jugées comme licencieuses, dépravées et autres adjectifs outranciers, les affaires de mœurs n’étant jamais bien loin. Ce fut notamment le cas de Madame Bovary de Flaubert ou encore Les fleurs du mal de Baudelaire, bien qu'ils n'avaient absolument rien de pornographique. Au XVIIIème siècle on a également découvert des œuvres érotiques à Pompéi, aux fouilles d’Herculanum, l’exposition de ses œuvres était réservée à un musée secret interdit aux pauvres, aux femmes et aux enfants.

Plus de photos

Après la révolution française, l’heure de la pornographie n’était plus au procédé de ridiculisation de personnes religieuses ou d’exalter la fécondité sous le domaine religieux, mais servait bel et bien alors de stimulation sexuelle pour les consommateurs. La consommation de textes ou d’images avec activités sexuelles explicites n’a été soumise à la représentation morale qu’assez tardivement, à partir du milieu du XIXème siècle explique l’ouvrage de Ruwen Ogien.

Une première loi fédérale aux Etas-Unis réprimant l’obsénité est créée en 1842, et en 1868 c'est au tout de la Grande-Bretagne où il y avait un critère permettant de juger du caractère obscène d’une œuvre. Quelque chose était jugé obscène s'il était susceptible d’être vu par un dépravé ou personne immorale. Ce paternalisme latent complètement subjectif fut tout de même appliqué un demi-siècle aux US, près d’un siècle au Canada et encore plus en Grande-Bretagne. Vint enfin l'abandon aux U.S. en 1933 de cette loi avec le procès relatif d’Ulysse de Joyce qui échappa au caractère "jugé obscène" car est un mérite littéraire. Ceux qui n’avaient pas ce mérite continuaient quant à eux encore à être censurés.

En fait, lorsque ces œuvres ne dépassaient pas un cercle instruit et fortuné, elles ne posaient strictement pas de problèmes, c’était seulement lorsqu’elles trépassaient ces limites-là pour atteindre le milieu populaire -milieu des pauvres et faibles d’esprit- qu’elles commençaient à déranger et à être interdites, selon le système subjectif exprimé plus haut. C’est alors là qu’on touche à la « pornographie » dite dangereuse, immorale et dégradante, précisément au moment où elle se tourne vers un plus vaste public jugé plus simplet. Il s’agissait donc de vouloir contrôler ce que faisait le petit peuple, on craignait le potentiel subversif de la pornographie.

Gustave Courbet - L'origine du monde (1866) Orlan - L'origine de la guerre (1989)

La pornographie passe de plus en plus de l’écrit au visuel, profitant de la naissance du cinéma grâce aux frères Lumières en 1895. Le tout premier baisé au cinéma s'est fait en 1896 dans The kiss qui ouvre définitivement la porte au rapprochement des corps et la mise en valeur de l'intimité. Arrivent alors les premiers film X à partir de 1896, tournés vite et clandestinement, de courte durée et destinés à un riche public ou aux bordels. Le premier film X connu à avoir un scénario date de 1908 : A l’écu d’or ou la bonne auberge (introuvable sur sites légaux).

La vidéo X se caractérise par la précipitation sexuelle, le récit ne tenant qu’une place primaire, presque inexistante, il met en scène une immédiateté sexuelle. Leur intérêt ne vient pas seulement de voir des personnes faire l’amour, mais de vivre le sexe d’une autre façon, en s'imaginant à la place de l'un des personnages, même principe que le cinéma donc. Son succès démontre bien un appétit, désir constant pour le corps dans ce qu'il a de plus attrayant et définitivement de sexuel.

Voir les deux films de courte durée.
(Destiné à un public majeur)

Je vous laisse la surprise de découvrir l'ouverture et la liberté avec lesquelles les personnes agissent, le résultat est assez impressionnant à découvrir : Film muet, noir et blanc, petite mélodie (bruitages fun peut-être rajoutés), et on assiste alors à la nature qui opère, le geste est simple, loin de toute moralité imposée et absolument sans aucun tabous, il se dégage alors de cette vidéo patrimoniale un véritable intérêt culturel. Les vidéos X actuelles n'ont pas grand chose de plus pour ce qui est du genre pornographique soft, si ce n'est une pilosité plus moderne et quelques nouveaux instruments. Vous trouverez également une liste de films classés comme érotique sur l'Europa Film Treasures, il s'agit principalement de nus dans les images. Enfin, un autre film pornographique datant de 1915, intitulé A free ride, avec trois personnages qui, plus surprenant encore, font furtivement leurs besoins devant la caméra avant de se livrer à diverses activités sexuelles, comme quoi, tout cela existe depuis déjà plus d'un siècle.

CLAUDE-JEAN BERTRAND, ANNIE BARON-CARVAIS, Introduction à la pornographie, un panorama critique, Paris, La musardine, 2001
PATRICK BAUDREY, La pornographie et ses images, [Paris], Armand Colin; 1997
RUWEN ORGIEN, Penser la pornographie, Paris, PUF, 2003

18 avril 1951 : Traité de Paris

2011-04-18T21:45:00.037+01:00

Aujourd'hui à Strasbourg s'est tenu une journée de conférence en l'honneur du soixantième anniversaire du traité de Paris du 18 avril 1951, traité fondateur des institutions européennes signé au quai d'Orsay. L'occasion se présente alors de revenir sur un traité n'ayant pas connu la même postérité que le discours du salon de l'horloge du 9 mai 1950 de Robert Schuman (ministre des affaires étrangères français durant cette période, de 1948 à 1951), discours qui donnera la naissance de la CECA (communauté européenne du charbon et de l'acier) l'année suivante, le 18 avril 1951.

Cette période est traversée par un contexte difficile, la France de l'après-guerre doit faire face à des problèmes de reconstructions dont s'occupait Jean Monnet, commissaire au plan (de janvier 1946 à septembre 1952). Le contrôle de la Ruhr, berceau de l'industrie lourde depuis le XIXème siècle grâce aux révolutions industrielles, était source de conflits entre la France et sa voisine l'Allemagne. Néanmoins l'Allemagne connaissait un renouveau économique, il était alors vital pour la France de faire table-rase du passé afin de construire un rapport avec son voisin d'outre-Rhin.

Jean Monnet et Robert Schuman

C'est pourquoi l'idée d'une fusion politique autour du charbon et de l'acier des deux pays germa dans la tête de Jean Monnet qui s'exprimait sur le sujet en disant que "si l'on pouvait éliminer chez nous la crainte de la domination industrielle allemande, le plus grand obstacle à l'Union de l'Europe serait levé". Suite à quoi il soumit un mémorandum à Robert Schuman qui en fut convaincu, s'en suivit alors la déclaration du 9 mai dans lequel il reprit son texte, surprenant au passage l'entourage non prévenu. La date n'était pas choisi au hasard, il fallait pour Monnet précéder la réunion des Alliés qui devait avoir lieu le lendemain, réunion pendant laquelle tous devraient discuter de l'avenir de l'Allemagne, d'où une certaine précipitation dans les évènements. Dans sa célèbre déclaration, Schuman proposait donc de placer l'ensemble de la production franco-allemande de charbon et de l'acier sous une Haute Autorité commune.

Déclaration de Schuman le 9 mai 1950

L'Italie, mais aussi la Belgique, le Pays-Bas ou encore le Luxembourg (qui formeront à eux trois le Benelux le 3 février 1958) participèrent aux négociations avec la France et l'Allemagne, toutefois, les trois derniers réclamèrent l'institution d'un Conseil des ministres car ne souhaitaient pas laisser un pouvoir trop exorbitant entre les mains des gouvernements et de la Haute autorité. Quant à la Grande-Bretagne, elle refusa de participer aux négociations. Les seules oppositions venaient principalement des communistes dans les pays, et pour le cas de l'Italie et de l'Allemagne fédérale : des socialistes, mais leur petit nombre n'empêcha pas le bon déroulement des actions, ni même en France avec des députés gaullistes hostiles à la CECA.

Les six pays fondateurs se prononcèrent alors favorablement pour la création de la CECA le 3 juin 1950 et le traité de sa création fut ensuite ratifié le 18 avril 1951 au même salon d'Horloge où s'était déroulé la déclaration. Schuman est donc celui qui a rendu le traité acceptable, sans qui rien n'aurait été rendu possible. La CECA démarre alors son activité cette année-là. Le rôle du Conseil des ministres restait limité et la Haute Autorité gardait le monopole de l'initiative législative. Dès 1951, le dialogue est organisé entre les quatre institutions pour une collaboration, chacune d'entre elles exerçant des fonctions propres à l'intérieur d'un système décisionnel complet. Le traité de Paris entrera concrètement en vigueur à partir du 23 juillet 1952.

Le 10 août 1952, Jean Monnet prend la présidence de la Haute Autorité qui s'installe à Luxembourg, celle-ci est composée de neuf membres à sa tête. La toute première comptait deux membres allemands, belges et français, et un membre pour l'Italie, les Pays-Bas et le Luxembourg. L'indépendance de cette institution était pour lui la clef de voûte du nouveau système. Jean Monnet souhaita ne pas être reconduit à la fin de son mandat et quitta le poste en 1955 après avoir trouvé un successeur. Et pour mettre des images à tout ça, rien de mieux qu'une vidéo qui résume la chose en ajoutant quelque détails.

Dans son sillage, ce début de construction européenne va entraîner, suite à l'éclatement de la guerre de Corée en 1950, à l'idée d'une Communauté Européenne de défense, la CED, calqué sur le modèle de la CECA et permettant d'intégrer de futurs unités militaires allemandes sous un ministre européen de la défense, idée de René Pleven, président du conseil de la république française (premier mandat juillet 1950 à février 1951). De nouvelles négociations s'ouvrent le 15 février 1951, dont résulte un traité signé à Paris le 27 mai 1952 par les membres de la CECA, prévoyant une armée européenne avec 40 divisions qui pourrait soutenir l'OTAN, sous l'exécutif du Commissariat, également calqué, cette fois-ci sur la Haute Autorité. En revanche, l'Assemblée Nationale française ne votera jamais ce traité de défense commune à cause de l'opposition qu'elle a suscitée, notamment chez des communistes et des gaullistes.

Enfin, le 25 mars 1957 c'est au tour de la signature du traité de Rome, traité d'où est issue l'actuelle Union européenne. Sont ainsi créées la Communauté Economique Européenne (CEE) et la Communauté européenne de l'énergie atomique (Euratom). Les six pays signataires sont l'Allemagne, la Belgique, la France, l'Italie, le Luxembourg et les Pays-Bas. A noter que ces traités n'entrent en vigueur que le premier janvier 1958.

Signature du traité de Paris le 18 avril 1951

Subsiste alors un décalage commémoratif entre les deux dates sur lesquels s'interrogent encore certains historiens, le traité de Paris de 1951 n'avait été signé que pour 50 ans et prenait donc fin logiquement en 2001, mais l'on n'en parla que trop peu. C'est le 9 mai 1953 que la date de commémoration est immédiatement fixée pour celle du 9 mai 1950 avec le discours de Robert Schuman, effaçant ainsi celle du traité de Paris, fait sur lequel Schuman lui-même s'exprimera en expliquant qu'il s'agit d'une des rares fois où l'on préfère fêter la date de la conception plutôt que la naissance. Le 9 mai devient alors fête de l'Europe, institutionnalisée en 1986. Le jour sera férié pour les fonctionnaires de la CECA.

La première assemblée communautaire prévue par le traité de Paris de 1951 se mit en activité de 1953 à 1958, l'assemblée parlementaire européenne en est la continuité, celle qui l'absorbe et devient, suite au traité de Rome (1957), le siège d'un système de communautés englobant activités d'échanges et de productions. C'est ainsi que de l'assemblée on passe au Parlement européen avec cette date fondatrice du 13 mars 1958. A cette époque trois Communautés se partageaient la cour de Justice et le Parlement : La CEE (communauté économique européenne), la CECA et l'Euratom. Leur problème de coordination sera réglé lors de la fusion des exécutifs des trois Communautés qui s'opèrera en 1965 avec le traité de Bruxelles. Le Parlement européen s'est vite imposé, en une dizaine d'années, lui permettant de conquérir sa place et ses pouvoirs.

Par ailleurs, afin de financier cette multitude de projets, il y avait la Banque européenne d'investissement (BEI) créée en 1958 avec le traité de Rome, elle peut emprunter de l'argent chez les actionnaires de ses États membres (aujourd'hui les 27 États). Cet emprunt de capitaux servait, et sert encore, à financier des projets européens. En 2010, c'est près de 67 milliards d'euros dans 17 devises différentes que la BEI a empruntée, loin devant les autres banques du monde.

L'Europe s'est donc construite dans la seconde partie du XXème siècle, bien que l'idée d'Union Européenne perdurait depuis un moment déjà, sous l'impulsion d'Aristide Briand, Koudenhov-Kalergi ou autres. Quant aux institutions européennes modernes, certaines étaient déjà nées au XIXème siècle. La CECA n'en est que une de plus qui a alors permis non seulement la réconciliation franco-allemande mais aussi de concrétiser la préparation de réalisations ultérieures favorables à une véritable Union Européenne. La question reste alors ouverte quant au choix de cette date de commémoration de cette union qui démarre officiellement par la création de la CECA mais dont on a préféré choisir le 9 mai 1950, date du discours historique de Schuman dont vous pouvez découvrir l'intégralité ici.

Ces anniversaires servent par ailleurs de symboles, car si les institutions ont vite pris en compte leurs histoires respectives, les historiens ne s'y sont intéressés que bien tardivement, il y a une trentaine ou quarantaine d'années. L'intérêt est alors véritablement de relier le passé au présent, en prenant soin d'éviter de faire une histoire normative ou téléologique car celle-ci doit simplement permettre d'enrichir le bagage culturel autour d'une institution, de fournir une conscience et une tradition autour de ces organisations parfois définies par des luttes de pouvoirs leur permettant de progresser. L'historiographie a donc tenu un grand rôle pour les institutions européennes créées, qu'il s'agisse de la commission européenne, du parlement européen, du secrétariat général du conseil ou encore du comité économique et social. Le fait que l'on s'y soit de plus en plus intéressé a amené une vaste série de parutions d'ouvrages cherchant à contribuer à l'éducation des citoyens sur ces institutions mêmes, encore trop méconnues du grand public. Et entendre aujourd'hui certaines personnalités renier l'Union Européenne reviendrait à occulter même les bases que celle-ci a permis de fonder.

Le livre de poche fait sa révolution

2011-04-14T14:51:00.033+01:00

Le livre de poche n'est plus tout à fait jeune désormais. En effet, sa création date maintenant de 1953 où il fut crée dans un but de démocratisation du livre et qui permit un véritable essor des ventes grâce au fait qu'il soit transportable et de petite taille. Et bien que ses débuts furent incertains, ce format avait finalement réussi à s'imposer comme valeur sure avec le temps. Si l'on pensait jusque là que les livres allaient être épargnés par les multiples évolutions matérielles qui concernent aujourd'hui à peu près tout, l'arrivée d'une publicité flirtant ironiquement avec les méthodes de mise en bouche de l'Ipad de Steve Jobs semble avoir changé la donne. Et bien oui : le livre au format papier évolue, mais pas tellement, et sous le nom d'éditions "Point deux".

L'idée est venu de Hollande et a déjà connu un grand succès en Espagne, en plus d'être prévu en Angleterre et aux États-Unis. Le livre de poche 1 "point 2" se présente donc comme une réinvention de notre utilisation du livre, avec une manipulation à une main plus aisée qu'auparavant. Mieux encore, la possibilité de le poser sur une surface plate sans que l'ouvrage ne se referme, pratique. Par ailleurs, la lecture se fera désormais de haut en bas, côtoyant ainsi vraiment les tablettes numériques, le tout avec un papier ultra-fin. Pour le reste la vidéo parle d'elle-même.

La sortie de ce nouveau format s'est faite aujourd'hui avec quelques titres, parmi lesquels La route de Cormac McCarthy (dont l'adaptation au cinéma est sorti il y a peu avec Viggo Mortensen), le roman de l'acteur Hugh Laurie (à savoir Dr.House) intitulé Tout est sous contrôle, ou celui de Jeff Lindsay, Ce cher Dexter (qui a inspiré la série télévisée, récit autour d'un tueur en série au centre du roman). A noter la présence d'ouvrages policiers, Le poète de Michael Connelly (trame mystérieuse autour de suicides à répétition), ou encore La cinquième femme de Henning Mankell (auteur suédois avec une histoire de succession de meurtres). Pour un autre genre on se tournera vers Le sens du bonheur de Krishnamurti, philosophe et sage indien du XXème siècle, ou Extrêmement fort et incroyablement près de Jonathan Safran Foer avec un drame post 11-septembre. Enfin, un ouvrage d'Olivier Adam, nommé Des vents contraires et qui sert d'exemple à la vidéo, où un mari tente de se reconstruire après la mort de sa femme.

Concernant les prix, sachez que ceux-ci varient entre 9.9 et 13€, à chaque révolution son prix à payer donc, puisque l'on est presque deux fois plus cher que dans les éditions de poche actuelles. Pas sûr que cela paraisse justifié au vue de la nouvelle taille et d'un poids annoncé à 123 grammes en moyenne, mais gageons que cela saura s'ajuster avec le temps. Le prix serait en fait dû à des taxes sur l'exploitation du brevet hollandais imposé aux autres pays.

Pour ce qui est à venir dans le catalogue qui on l'espère s'agrandira vite : l'arrivée de Marcel Proust, premier immense auteur reconnu à apparaître dans ce nouveau format avec une réédition de son premier tome Du côté de chez Swann à partir du 12 mai. Et plus surprenant, on pourra même trouver Le Nouveau Testament à partir du 9 juin. D'autres livres sont également prévus, à voir ici. De quoi alimenter les espérances autour de cette évolution annoncée, à une période même où la numérisation des livres semble avoir pris de l'avance, peut-on néanmoins parler de révolution ? Beaucoup de grands mots et de publicité...

Je me suis donc rendu en librairie aujourd'hui pour en acheter un et tester la prétendue (r)évolution... Voici ce que ça donne :

Vous l'aurez compris, la pub façon Apple ne déroge pas à la règle du pétard mouillé, du moins a première vue, car je maintiens être satisfait de mon achat et adhère de plus en plus de jour en jour à la lecture de cette façon, de là à en acheter un autre ? A voir si les prix baissent, mais il n'y a donc ici absolument aucune révolution, ni même une grande évolution, tout juste un changement de format qui doit encore faire ses preuves et qui au premier abord risque de décevoir, avant d'être finalement adopté, car après tout, on s'adapte à tout.

Color, réseau social pour smartphones

2011-04-10T20:58:00.011+01:00

Color est le nouveau réseau social débarqué depuis peu et essayant de se créer son propre espace dans une sphère déjà bien occupée par Facebook et Twitter, réseaux sociaux majeurs de nos sociétés à ce jour (plus de 500 millions d’utilisateurs pour Facebook en 2010 et 106 millions pour Twitter, pour citer les chiffres de digitalsurgeons.com)

Cette application, à la fois destinée à iOS et Android, a été fondée par Bill Nguyen, déjà connu pour sa réalisation du service de streaming Lala (fermé depuis). Color fait alors le buzz depuis son apparition dans la Silicon Valley en plus d’être grandement sollicitée par les médias en tout genre et d’être très discutée sur internet. Son concept affole alors également les entrepreneurs, à tel point que les plus grands fonds américains y ont investi quelque 41 millions de dollars (certains misant plus sur Color que sur Google à ses débuts, pour évoquer le cas de Sequoia Capital), tous voyant là une révolution à venir telle l’œuvre de Zuckerberg en son temps.

Sa révolution tant clamée ? Un concept de rapprochement « social », but de tous ces réseaux sur internet, mais ici avec une version toujours plus progressiste. Il s’agit en effet avec Color de partager ses photos personnelles avec de parfaits inconnus se situant dans un endroit proche. De quoi ainsi créer des relations nouvelles avec des individus dans une entreprise, un bar, un restaurant, voire une boîte de nuit, mais cette fois-ci avec un effet direct non négligeable puisque utilise la géolocalisation du smartphone ou de la tablette en main. Voici une vidéo de démo provenant du site officiel :

Aujourd’hui, ce qu’il en est quelques semaines après sa sortie officielle : Plus grand-chose, si ce n’est la trace d’avis décevants (2,5/5 sur Itunes, 2/5 sur Android) face à une application encore trop approximative, voire complètement inutile ou défectueuse chez certains modèles. Ceux qui n’adhèrent déjà ni à Facebook ni Twitter n’y trouveront toujours pas leur compte, quant aux autres, Color semble avoir du mal à les séduire et trouver sa place au sein de ceux-ci même qui utilisent déjà d’autres réseaux où l’on bénéficie tout autant de services de localisation (quoique moins efficacement). Rajoutons encore que le partage de photos personnelles avec les inconnus reste quelque chose de rédhibitoire à son utilisation pour beaucoup de gens non désireux de dévoiler leurs vies à tout le monde. Néanmoins, Color en est à ses débuts et reste peu démocratisé, le peu de personnes l’ayant utilisé à bon escient semblent quant à elles en être ravies après avoir fait de formidables rencontres.

Un chemin reste donc à parcourir (autant par ce nouveau réseau social que par les autres préexistants) pour atteindre un stade véritablement nouveau dans ce qui permettra la rencontre aisée de l’inconnu d’à côté, et ce en totale adéquation avec les possibilités de la technologie actuelle ou future. On assiste néanmoins avec Color au franchissement d’une nouvelle petite étape et celui-ci semble alors se profiler comme un aboutissement du partage de photos. Nous verrons alors si les nouvelles technologies, tablettes et smartphones compris (ou ce qui viendra ensuite), emprunteront ses nouvelles routes : celles du partage sans frontières, de la rencontre sans barrières, et d’une réunion de deux univers jusque là encore limités

On se rappel pourtant qu’avant d’investir nos poches, les réseaux sociaux comme Facebook et Twitter avaient auparavant conquis leurs publics sur internet, ce qui n’est pas le cas de ce nouveau venu qui quant à lui devra entretenir son espace dans d’autres milieux. On a donc là une belle promesse, un lot de grands mots pour ce qui semble pour l’instant se présenter comme un pétard mouillé encore en peaufinage. Une application qui a de la suite dans les idées et à laquelle on peut tout de même s’intéresser, mais pour laquelle on attendra de trouver une utilisation enrichissante et efficace. Ensuite, tout dépendra des choix de chacun quant à l’utilisation à faire d’une telle application… Alors, contraignante ou pratique ?

PS : Color ne semble plus être disponible sur Android à ce jour, en attente d’un retour avec la nouvelle version. Elle reste téléchargeable gratuitement chez Apple.