LE RECENSIONI PERICOLOSE

This must be the place

2011-10-24T10:24:00.000-07:00

Cheyenne ha 50 anni, rossetto sulle labbra, rimmel e matita sugli occhi e un peso che porta quotidianamente con sé (dentro, ma anche fuori come il carrello della spesa o il trolley). Da giovane era una rock star, adesso è un uomo non risolto che vive di una fama amata/odiata. È un uomo che (come tanti nella realtà, n.d.r.) si appoggia in toto a una moglie forte che ne argini continuamente il dolore. Almeno finché la vita non gli fa incontrare la morte, e non una morte qualsiasi bensì quella del proprio padre. Sarà questo l'evento che, costringendolo a guardare oltre il vuoto di due splendidi occhi azzurri, lo porterà a vedere con un nuovo sguardo la realtà da cui è scappato, a cercare di riprendersi gli anni di stand-by emotivo trascorsi nella depressione, a ricongiungersi al padre nell'atto estremo della "vendetta" compiuta in sua memoria. È nel viaggio reale e metaforico che si compie il cambiamento e che il ragazzo Cheyenne diventa uomo. È un film romantico e poetico che Sorrentino ha costellato di una fotografia d'eccezione. Non so se verrà "ammesso" agli Oscar, forse non è nemmeno un film da Oscar (se stiamo al target cui ci hanno abituato negli ultimi anni), ma senz'altro è un film destinato a essere ricordato.
Buona visione!

Voto 9/10

Elide D'Atri

Quando il genere fa scuola

2011-10-07T08:51:00.000-07:00

DRIVE di Nicolas Winding Refn

Spesso ci capita, al cinema, di ritrovare atmosfere e spazi di cui forse ci eravamo dimenticati, relegati a vecchi film di genere, cose superate. E invece, tirate fuori di tanto in tanto da qualche sparuto regista un po’ eccentrico, scopri che calzano ancora, come un vecchio vestito. Registi così dimostrano di avere imparato più d’una lezione.

Stiamo parlando di Nicolas Winding Refn, quarantenne danese, che si è aggiudicato quest’anno sulla Croisette di Cannes il premio per la regia di Drive.

Chi guida (le auto a gran velocità, lo spettatore attraverso il film) è Ryan Gosling. Personaggio senza nome: meccanico di giorno, stunt-man a tempo perso, autista per rapine di notte. Si innamora della vicina di casa, che è in attesa del ritorno del marito dal carcere, e quando quest’ultimo si presenta, non potrà fare a meno di scortarlo nel portare a termine il colpo che salderà tutti i suoi debiti, mettendo a disposizione la propria arte: drive, guidare. Inutile anticipare che le cose prenderanno una piega inaspettata…

Il film segue un filone ideale che attraversa più realtà nazionali e che vuole rimettere a fuoco le grandi mitologie di un certo cinema americano del passato. Le atmosfere, le situazioni e le scenografie del film sono chiaramente frutto di una rivisitazione amorevole di uno stile già visto e conosciuto: dagli scenari notturni, al giubbotto metallizzato di un protagonista eastwoodiano (per i lunghi silenzi) ai cattivi ben caratterizzati ma che non incutono vero timore.

E a dirigere tutta l’orchestra una violenza che è sovrana, quasi un personaggio a sé, stemperata solo da brevi incursioni in un iper-romanticismo da cartolina (elementi che hanno fatto scuola, dal vecchio cinéma vérité à la De Palma al recente successo australiano Animal Kingdom), e da una scelta musicale originale quanto eterogenea in cui i violini dell’italianissimo Riz Ortolani fanno da contrappunto alla vendetta del protagonista, e le tastiere synthpop che chiudono il film, accompagnano il nostro guidatore nell’ultimo viaggio notturno con il brano A Real Hero, come a voler ristabilire i ruoli.

Buona visione.

Che la carneficina abbia inizio

2011-09-26T12:44:00.000-07:00

Carnage di Roman Polanski

"Guarda da vicino" recitava nel 1999 il manifesto di American Beauty, film capolavoro di Sam Mendes che scarnificava la "Bellezza Americana", denudandola dalla maschera del falso perbenismo, per mostrarne la cruda realtà.
Ebbene, l'ultimo Polanski, Carnage, focalizza maggiormente la lente d'ingrandimento per osservare ancora più da vicino e mostrarne dettagliatamente gli aspetti e le sfumature che si celano al di là delle convenzioni sociali.
Due coppie "per bene", conformi e formali apparentemente, si trovano riunite,mediante un artifizio che opera da incipit: chiarire " civilmente" la lite tra i loro figli ,sfociata in una bastonata da parte di Zachary, figlio di un avvocato e di un'operatrice finanziaria, rompendo due incisivi a Ethan, figlio di una scrittrice e un venditore di articoli casalinghi.
Da lì a poco si penetra gradualmente nella vera personalità dei personaggi,a tal punto da assistere al "massacro" verbale del tutti contro tutti, una sorta di maieutica socratica, durante la quale i personaggi si svestono dei loro "abiti" sociali e crollano criticamente in dubbi, incertezze, in problematiche irrisolte che fuoriescono violentemente, liberate dalla "compressione" imposta dalla maschera abituale.
Un film che non annoia affatto, nonostante si svolga interamente all'interno della stessa stanza, un'ora e venti di durata in toto. Non sorprende ,difatti, che sia la trasposizione cinematografica di una piece teatrale, "Il Dio del Massacro".
Un meritata plauso che va all'ottima regia di Polanski e non meno alla bravura interpretativa degli attori, di cui tre premi Oscar.
Un cast sorprendente che si muove in una partita a scacchi introspettiva e beffarda.

Voto 8/10

Paola Vitale e Stefano Tavolo

Super (?)8

2011-09-21T14:08:00.000-07:00

Super8 di J.J. Abrams
Sei ragazzini armati di cinepresa Super8 si trovano nei pressi di una ferrovia per girare la nuova scena di un film che uno di loro sta realizzando. Ma, nel bel mezzo della ripresa, assistono involontariamente a quello che a prima vista si direbbe uno strano incidente tra un pick up che sterza improvvisamente sui binari ed il treno che in quel momento si trova a passare. Non è stato un caso. Dai vagoni in fiamme fuoriescono disordinatamente misteriosi cubi bianchi di dubbia provenienza. E mentre tutt'intorno è il fuggi fuggi generale, la cinepresa scaraventata a terra dal colpo della deflagrazione continua imperterrita a riprendere ciò che accade tra le fiamme dell'incendio sviluppatosi. E' l'incipit del nuovo film di J.J. "Lost" Abrams, ed è qui che il film nasce e muore. Si, perchè si era parlato di omaggio ai film adolescenziali degli anni '80, ma in comune con questi l'opera del regista di "Mission Impossible 3" ha solo il periodo in cui si svolge la storia (fine anni '70) e la stereotipia dei ragazzini che ivi si muovono (il grassoccio simpatico, il timido innamorato, la bella della porta accanto). Si, certo, ci sono i binari di "Stand by me", lo spirito d'avventura de "I Goonies" ed il sentore che gli extraterrestri c'entrino qualcosa (vedi "E.T."), ma il tutto si disperde nell'amalgama mal gestita che il regista mette in campo e nella prolissità del narrato che allunga il brodo in ogni suo piccolo dettaglio, facendo perdere l'emozione che i film di Spielberg sapevano regalarci e finendo per annoiare lo spettatore deluso che pensava di ritrovarsi di fronte ad un redivivo genere nel suo cuore mai estinto. Banale.

Voto 4/10

Giuseppe "Joe" Castronuovo

Lo Hobbit o la Riconquista del tesssssoroooooo

2011-07-13T02:31:00.000-07:00

Lo Hobbit o la Riconquista del tesoro di J.R.R. Tolkien

Bilbo Baggins è un hobbit come tanti: piccola statura, grandi piedi pelosi, pigrizia da vendere. Un bel giorno riceve l’improvvisa visita dello stregone Gandalf e dei suoi bizzarri accompagnatori, 13 nani dall’aria imbronciata e dall’assetata voglia di vendetta. Il piatto destinato a fredda consumazione è riservato al drago Smog, reo d’aver distrutto ed usurpato anni prima l’antico regno dei nani che si trovava sotto la Montagna Solitaria e di cui Thorin, uno dei 13 ospiti di Bilbo, è legittimo successore alla corona. Lì ancora, sotto i pendii ripidi del colle che si erge su una vallata ridotta a tetra desolazione dal fuoco vivo del drago, si nasconde il favoloso tesoro degli antenati del re nano e lì la compagnia è diretta, guidata dalla saggezza (e magia) dello stregone grigio cui, però, manca la figura di uno “scassinatore” utile al completamento della missione, Bilbo appunto. Preso alla sprovvista e privo di qualsiasi cognizione di ciò cui suo malgrado viene incaricato, lo hobbit si mette in viaggio al seguito del gruppo. Ma tanti sono gli ostacoli che ad essi si parano innanzi, primo tra tutti la presenza minacciosa dei nemici di sempre, gli orchi. Proprio durante un’imboscata di questi, Bilbo si separa dalla compagnia e, nella concitazione che segue la fuga e prima dell’incontro con una strana creatura che si annida nel sottosuolo delle Montagne Nebbiose (Gollum), trova per caso un misterioso anello dalle magiche proprietà.

Prima ancora d’incantarli con le avventure del prode Frodo, Talkien emozionò i lettori del 1937 accompagnandoli tra le pericolose lande di un mondo incantato dove lupi, aquile giganti, elfi e valorosi guerrieri vivevano all’oscuro di quanto da li a poco sarebbe accaduto a causa di un piccolo anello trovato per caso, mentre l’incandescente occhio di Slug riecheggiava terribile quello ancor più spaventoso del venturo Sauron.Narratore onnisciente, lo scrittore britannico s’incarna nella figura di Gandalf il grigio, sempre pronto a venir in soccorso ai suoi piccoli amici, ma mai disposto a concedere loro il disonore della vigliaccheria e, prendendoci per mano, ci guida alla scoperta di un universo di straordinaria verosimiglianza per i dettagli anche geografici ch’egli vi conferisce.
“Lo hobbit” è in primo luogo un romanzo fantasy di pura avventura, con tutte le caratteristiche del genere pronte a degna maturazione nel più famoso seguito de “Il signore degli anelli”, ma anche, e soprattutto, romanzo di formazione, laddove l’essere mite e pauroso di Bilbo si rivelerà eroe valoroso e fondamentale nella riuscita della missione, protagonista assoluto, con la graduale presa di consapevolezza di sé, del processo che conduce il lettore verso le future avventure della Terra di Mezzo. Avvincente.

Voto 8/10

Giuseppe Joe Castronuovo

PER FARE L’ALBERO CI VUOLE IMPEGNO

2011-05-31T15:56:00.000-07:00

The Tree of life di Terrence Malick

Indicazioni per lo spettatore: prima di recarvi al cinema, rimpinzate il vostro organismo di qualsivoglia eccitante a prova di programmi marzulliani riesca a tenervi svegli per almeno 2 ore.
Sprazzi di colore informe su fondo nero notte ci introducono ad una serie di sequenze in rapido succedersi che raccontano, in disordinata visione, il dolore per la scomparsa di qualcuno, forse di un figlio dell’America bigotta smarrito nell’imprevedibilità delle probabilità di sopravvivenza di ogni individuo. Stacco su: esplosione del Big Bang, lampi di fuoco infiammano l’iride psichedelizzata degli spettatori stupefatti, i quali, nel tripudio di amorfe forme sfumate e caleidoscopiche, cominciano a chiedersi cosa stia succedendo. E’ l’origine dell’Universo, ricreata magnificamente dal maestro Terrence Malick, e dal suo team di esperti degli effetti speciali, i quali, però, dopo mezz’ora buona di forme di vita elementare, stafilococchi ingrifati e platelminti preistorici alternati ad orogenesi e movimenti tellurici, dimenticano che lì in sala c’è gente che ha pagato per vedere quel prodotto che genericamente presenta una trama e che si chiama “film”. Qualcuno comincia a sbadigliare in sala, ma tutti sopravvivono all’impatto dell’opera vincitrice della Palma d’oro a Cannes, tranne il figlio diciannovenne del rude Brad Pitt, di cui il fratello minore, Sean Penn, rievoca il dramma in età adulta. Dov’era dio mentre il consanguineo tirava le penne? Sicuramente non al cinema, ove la pietà cristiana sembrava esser stata risparmiata ai poveri spettatori martirizzati.
Ed ecco la genesi del dramma: seguiamo nascita e adolescenza del futuro morituro, le marachelle con gli amici, gli scontri col padre, i primi pruriti e poi di colpo, bang! Torniamo alla narrazione dell’evoluzione terrestre, altri minuti di lento scorrere di creature preistoriche, spettatori che vivono il trauma di un trauma, stravaccati in poltrone scomode di cinema dormienti, in attesa che i titoli di coda abbattano la corteccia stantia di questo albero della vita che mai più nessun uomo sano di mente si sognerà di veder crescere. Soporifero.

Voto 3/10

Giuseppe Joe Castronuovo

L’ESSENZIALE CRUDELTA’ DELLA PURA VITA

2011-05-31T15:46:00.000-07:00

THE TREE OF LIFE di Terrence Malick

Il padre padrone Brad Pitt perde l’adorato figlio diciannovenne cresciuto a pane, botte, disciplina e amore patriottico. Il trauma scuote dalle fondamenta l’americana famiglia profondamente cattolica, portando ogni singolo individuo del suo nucleo a chiedersi quale dio abbia permesso il verificarsi di tale tragedia. Ma, nell’incedere del passaggio dei giorni che scandiscono la nostra presenza sulla Terra, l’uomo è un essere troppo piccolo per pretendere d’avere l’attenzione di quella divinità che sembra voltargli le spalle nei momenti più duri, poiché la morte, mera componente dell’esistenza, ci accompagna da quando lo stesso concetto di vita è apparso sul nostro pianeta. Nel frastuono degli interrogativi che si pongono sulla presenza o meno di un dio a controllare le azioni degli uomini, Malik se ne sta in disparte ad osservare l’evolversi della vicenda, senza darci alcuna risposta, senza schierarsi da nessuna parte, ma ricostruendo con kubrickiana perizia l’origine dell’Universo, attraverso memorabili sequenze realizzate con magistrale uso della computer grafica che farebbero invidia ai documentari della famiglia Angela. La domanda si esplica attraverso la lentezza accelerata della narrazione: nel caos ordinato del riciclo di specie che, dagli albori della creazione, passando a grandi linee per i lucertoloni del Jurassico, ci porta fino alla nostra attuale condizione, cosa importa della morte di un semplice individuo, quand’egli fosse pure il giovane figlio di una famiglia bigotta? Sean Penn, il fratello superstite del defunto, se lo chiede ancora adulto mentre vaga smarrito per le vie di una New York distratta, e nessuna risposta, nonostante l’avanzare della modernità, arriva a risolvere il rimosso di quel trauma adolescenziale. Non ci rimane che la disperata ricerca delle ragioni del divino. Sempre che esso esista.

Voto 8/10

Giuseppe Joe Castronuovo

Il Grande Fratello non è solo un reality per dementi

2011-05-15T04:11:00.000-07:00

1984 di George Orwell

1984 di George Orwell

LA GUERRA E' PACE.
LA LIBERTA' E' SCHIAVITU'.
L'IGNORANZA E' FORZA.
1984. Il mondo è diviso in tre grandi conglomerati continentali in perenne guerra tra di loro per accaparrarsi il controllo dell'Africa: l'Oceania (che comprende le Americhe, le isole britanniche e l'Australia), L'Eurasia (il resto dell'Europa più una consistente porzione asiatica) e l'Estasia (Cina, Giappone ed i restanti territori asiatici).Winston Smith percorre le strade ordinate di una Londra futuristica sotto l'attento sguardo del Grande Fratello, un immaginario leader politico amorevole dietro cui, in realtà, si cela il sistema tirannico assolutista di un governo che non concede la benchè minima privacy ai suoi cittadini. Attraverso telecamere sparse per tutta la città e che si spingono fin dentro gli spazi più intimi degli appartamenti di ogni persona, il Grande Fratello controlla la vita degli abitanti dell'Oceania, ne condiziona pesantemente cultura ed abitudini, ne scruta l'incedere nei minimi particolari, eliminando qualsiasi ostacolo arrivi a minare anche lontanamente le basi del suo strapotere. Non c'è libertà di pensiero, né di parola: ognuno si muove attraverso percorsi prestabiliti da cui è vietato uscire, pena l'immediata “vaporizzazione” (metafora delle purghe staliniste) che cancella l'esistenza dell'inquisito dal corso stesso della storia. Ogni istante potrebbe essere l'ultimo, ogni amico rivelarsi nemico, ogni certezza menzogna. Persino i propri figli sono strumento di repressione, esercitando il ruolo di spie per conto del governo. A tentare di destare le coscienze dal torpore quotidiano ed instillare in esse la scintilla della rivolta, un misterioso gruppo di ribelli che si muove silenzioso tra le spire del sistema cristallizzato dietro il nome de “La fratellanza”, il cui leader, il fantomatico Goldstein, è ritenuto nemico numero uno dalle autorità di sicurezza. Incuriosito dalla figura di quest'ultimo e alla ricerca di quelle verità storiche che il governo continua imperterrito a camuffare, Winston decide di entrare segretamente in contatto con i ribelli per combattere uno stato di cose che la sua coscienza non riesce più ad accettare.

Scritto nel 1948 (il titolo è una chiara allusione all'anno di composizione, laddove le ultime due cifre dello stesso vengono semplicemente invertite), agli albori di quelle tensioni internazionali che sarebbero poi sfociate nel clima della cosiddetta “Guerra fredda”, l'opera di Orwell rivela da subito una brillante struttura ad incastri dentro cui si muove attento il suo protagonista: il consapevole immolarsi alla causa ( e ricerca) della libertà (verità) configura Winston sin dalle prime battute quale moderno martire destinato a fine sicura, ma non per questo disposto ad arrendersi. La tensione della lettura viene fuori dall'incombente senso di minaccia che si respira nella vita scannerizzata dei cittadini di questo mondo, dal filo sottile cui è legata la sopravvivenza degli uomini che si muovono al suo interno, dallo sguardo onnipresente e ubiquo del Grande Fratello, giudice e carnefice supremo che non lascia spazio ad alcuna possibilità d'appello. Winston è metafora e rappresentazione della coscienza umana incapace d'arrendersi ai dictat del regime e ad annullarsi alla volontà dei suoi rappresentanti, pronta ad emergere e ribellarsi per la giusta causa. Un'opera precorritrice di tempi, quelli di oggi, in cui il potere mediatico dei mass media piega alla volontà del tiranno di turno le masse ovine di popoli dormienti e, proprio per questo, forte nella sua intelaiatura e nel messaggio da essa sprigionata. Inno al libero pensiero, dovrebbe essere proposto nelle scuole. Capolavoro assoluto.
Voto 10/10

Giuseppe “Joe” Castronuovo

Macelleria cinematografica

2011-03-03T16:23:00.000-08:00

IL CIGNO NERO di Darren Aronofsky

Una telecamera estremamente mobile accompagna lo spettatore durante 110 minuti di tensione, meglio, di inquietudine senza pudori e senza riguardo per gli stomaci più sensibili…

La ballerina Nina, che divide la propria esistenza tra la danza classica, che pratica con morbosa dedizione, e una madre castrante e frustrata, viene scelta per interpretare la protagonista del “Lago dei cigni” all’interno del New York City Ballet. Ha le caratteristiche giuste per rendere memorabile l’interpretazione del cigno bianco: è innocente, fragile, eterea. Ma troppo inibita per poter dare altrettanta convinzione all’altra parte che le tocca interpretare: il cigno nero.

Il doppio. Questo l’unico, semplicissimo nocciolo del film. Attorno a questo tormento spiraliforme senza esclusione di colpi (tutti rigorosamente splatter!) Darren Aronofsky (già regista di Requiem For A Dream e del Leone d’Oro The Wrestler) annoda la fitta sequela di “inciampi” della sua protagonista, fastidiosi quanto impressionanti (esponendo, come in una fiera macabra, la rovina di falangi, unghie e piedi torti…), e che mantengono viva l’attenzione, a fronte di una sceneggiatura francamente troppo piena di momenti loffi e troppo carente di veri slanci verso il pathos emotivo. Natalie Portman, magrissima e allucinata, ha vinto Golden Globe, premio BAFTA e Oscar.

Resta un film profondamente disturbante ma purtroppo gravemente incompleto, che recupera un poco della dignità di essere cinema nel finale (in cui la qualità scenica della mano del regista e le musiche di Čajkovskij creano un momento di partecipazione più viva), e ben recitato.

Brian De Palma e Stephen King, tanto per fare due nomi, avevano fatto molto meglio sull’argomento. Insegnandoci molte più cose.

Buona visione

6/10

«Qual è il parassita più resistente? Un’idea.»

2010-10-05T14:39:00.000-07:00

INCEPTION di Christopher Nolan

L’ultima fatica di Christopher Nolan, preceduta da un battage pubblicitario fra i più accattivanti, riesce a non deludere le aspettative di chi è alla ricerca di cine-divertimento e qualche vertigine.

Nell’apparentemente molto macchinosa vicenda, il protagonista è il misterioso Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), che ha un tragico passato e un mestiere molto particolare. E’ infatti un “estrattore”: sottrae con l’inganno i segreti più nascosti e più importanti che gli individui custodiscono nel proprio subconscio. Come? Intrufolandosi nei loro sogni, dove nessuno possiede controllo, le difese sono inesistenti, le porte sono schiuse ai traumi vissuti…

Per avere la possibilità di tornare a casa dal suo esilio deve compiere un’ultima missione, un compito inverso rispetto a quello solito: non estrapolare idee ma impiantarne una nella mente di un potente erede, affinché smembri l’impero di famiglia a beneficio del magnate concorrente, che commissiona il lavoro a Cobb. Si tratta dell’inception (in italiano tradotto con “innesto”).

Su quello che pare un semplice, banale compito (infondere in un soggetto un’idea che sembri del tutto spontanea) è incentrata buona parte del film.

Di gran pregio la confezione, arricchita dai fragori orchestrali di Hans Zimmer (Il gladiatore, Il codice DaVinci) che collabora questa volta con l'outsider Johnny Marr (mitico chitarrista degli Smiths). Una fotografia metallica e i raffinati effetti speciali che Nolan ha voluto in gran parte realizzare meccanicamente, incorniciano un racconto scandito da sogni che si incastrano come scatole cinesi (per raggiungere la sfera di pensieri più intima del soggetto), in cui i protagonisti, le maestranze che Cobb riunisce, lottano, corrono, saltano, tentano una difesa disperata dalle proiezioni maligne del subconscio ospitante. Compresa la defunta moglie di Cobb (Marion Cotillard), novella Erinni, che continua a funestare i sogni del marito.

Il film, considerato dai più non immediatamente comprensibile per la sua (affascinante!) struttura a incastro, si rivela in realtà godibile per lo spettatore, anche se a tratti si fatica a seguire i serrati dialoghi che sono indispensabili per comprendere tutti i passaggi. Come ha giustamente sottolineato Paolo Mereghetti sulle pagine del Corriere, Nolan non è, a differenza di quanto aveva dimostrato nel precedente Il cavaliere oscuro, preoccupato di mostrare nei minimi dettagli tutte le componenti hi-tech che rendono la storia possibile (correndo il rischio di disseminarla di “buchi”), bensì di sviluppare la sua particolare fascinazione, raccontando il luogo più primordiale e labirintico di tutti: la mente umana.

Non bisogna essere dei gran cinefili per avere più volte una sensazione di dejà-vu (Matrix, Avatar, etc…), ma l’idea di fondo si dimostra originale e Inception non delude le aspettative che la filmografia di Nolan porta con sé. In fin dei conti è l’intrattenimento intelligente che fa grande il cinema, e che rimane. Buona visione.

Voto 7,5/10

Somewhere - Un film autoriale ma mediocre

2010-09-21T16:44:00.000-07:00

Un’auto sportiva di grossa cilindrata, nera, gira più volte su una strada circolare, ad alta velocità. La macchina da presa è ferma, non si muove mai. Vediamo sfrecciare il bolide una volta, due, tre, quattro. Poi l’auto si ferma. Non è successo nulla: il tempo cinematografico ha solo catturato il tempo reale. Questo è Antonioni, sembrerebbe. O Wim Wenders. Invece è Sofia Coppola. E ci dice di cosa parlerà il resto del film.

A Somewhere manca però la forza dello scontro con la realtà e lo spirito della redenzione. Il racconto descrittivo cresce, non c’è che dire, nel vortice del nulla televisivo (berlusconiano?), nella ruota di infinite passioni femminili collezionate dal protagonista, ma senza un sentimento visivo finale. Ci saremmo sentiti infatti meno gabbati se il presidente della giuria alla mostra di Venezia, Quentin Tarantino, ex compagno della Coppola, l’avesse premiato per il valore politico. Ma così non è stato. Il protagonista scappa, dal suo vuoto (che ricorda la solitudine del Marcello de La dolce vita di Fellini nel suo rapporto con la bambina innocente e ignara dei mostri del tempo) verso un altro vuoto che lascia libera interpretazione allo spettatore. Racconta la noia, ma senza un finale degno di una visione tragica. I romani direbbero “nun gna fa’”.
Claudio Siniscalchi su L’Occidentale ne ha parlato così: «L’originalità di “Somewhere” segnala punti estetici (e soprattutto etici) di notevole interesse: Sofia Coppola […] rappresenta lo specchio culturale del post-femminismo, è la più lucida interprete del processo di desocializzazione che ha investito l’Occidente a partire dagli anni Sessanta del XX secolo». Smettiamola con queste masturbazioni! E’ un film troppo sopravvalutato. Noi italiani siamo bravissimi a fare questo tipo di film, da cinema d’autore di nicchia: ma all’estero poi non ci premiano allo stesso modo di come s’è fatto con Somewhere; quei piccoli film d’autore italiano così tanto noiosi non fanno grande pubblico, poi però c’è l’ipocrisia dei film noiosi esteri, il cui cognome del regista all’anagrafe in questo caso è Coppola.

Voto 5,5 su 10

LA TRAMA - Protagonista del film è Johnny Marco, attore cinematografico americano di successo, un nichilista dei tempi postmoderni. Johnny non fa nulla. Trascorrere le giornate al sole della bella piscina dell’hotel Chateau Marmont, lussuosa residenza di West Hollywood, in California, meta dorata del mondo della spettacolo. Tra una nuotata e l’altra, una festa e l’altra, si ubriaca, amoreggia senza impegno, non pensa a nulla, nemmeno al tempo che passa. Attorno a Johnny scivola un’umanità perlopiù sconosciuta, composta da aspiranti attori e attrici in cerca di successo, ai quali basta anche soltanto un saluto confidenziale da parte della celebrità. E lui ricambia, educato, neanche troppo infastidito. La camera da letto di Johnny è un andirivieni di ballerine, attricette, amiche, conoscenti o appena conosciute. Sono talmente tante che la memoria non riesce a ricordare i lori nomi, confondendoli, e talvolta Johnny, sfinito dall’alcol, si addormenta su di loro. Anche il lavoro è qualcosa di distante da Johnny, attore privo di vocazione e interessi artistici. L’attore risponde a comando, docilmente, alle richieste di chi provvede al successo della sua carriera: un’intervista, un servizio fotografico, una conferenza stampa, una viaggio a Milano per partecipare alla serata di consegna dei Telegatti (con la fugace apparizione del corpo seducente e abbondante di Valeria Marini nella parte di se stessa, e la descrizione del mondo vuoto televisivo italiano con la comicità demenziale di Nino Frassica accanto la Ventura). Johnny ha anche una moglie, dalla quale vive separato, e una figlia adolescente, Cloe. D’un tratto Cloe si materializza a riempire la sua vita. Il padre scopre che la bambina pattina benissimo, è piena di interessi, sensibile, intelligente e cucina con pazienza e perizia. Cloe è cresciuta troppo presto: i due genitori hanno altro da fare che occuparsi di lei. In apparenza sembra sicura di farcela da sola, ma d’improvviso cede, prima di partire per una vacanza in campeggio, temendo di essere stata definitivamente abbandonata dalla madre e di non poter contare in futuro sulla presenza del padre. La paura della solitudine l’attanaglia. Come il vuoto del padre.

Adieu, Chabrol

2010-09-13T07:52:00.000-07:00

La 67° Mostra del Cinema di Venezia si è conclusa. Con la giuria presieduta da Quentin Tarantino. Arriveranno presto su questo blog recensioni sui film partecipanti che ci hanno stupito, recensioni dettate come sempre dal reale gusto di noi spettatori e non da stimoli pagati dai distributori, come spesso accade. Ma ai vincitori premiati grazie a ex conflitti di interesse o di amore... preferiamo dunque ricordare per ora la morte di un maestro della Nouvelle Vague, corrente fondata insieme a Godard e Truffaut. Si è spento Claude Chabrol. Quale miglior tributo, lasciandovi ammirare solo inquadrature, sensazioni, colori, luci, parole del maestro.
All'inizio della sua carriera, i suoi film (spesso basati su romanzi di George Simenon) raccontano storie che la Francia ha assurto a storia di un paese; poi con la sua più prolifica attività da sceneggiatore il suo occhio andrà a guardare la provincia il cui apparente conformismo borghese servirà a coprire un vaso di Pandora, colmo di vizi e odi.

Classico esempio in GRAZIE PER LA CIOCCOLATA

Fu l'elogio della lentezza come ne IL FIORE DEL MALE

La blasfemia e lo scandalo per il trattamento delle donne ricevuto in alcune epoche e situazioni religiose, come in UN AFFARE DI DONNE

Il minimalismo simbolista ne LE CERBIATTE

L'attualità della farsa come ne LA COMMEDIA DEL POTERE

La psicologia dei pruriti ne UNA MOGLIE INFEDELE

Il dialogo spiazzante ne LE DONNE FACILI

E voi cosa vi ricordate di Claude Chabrol? Lo avete studiato? Visto e mal digerito?

Ironia spietata sull'ipocondria di ognuno di noi

2010-09-06T06:49:00.000-07:00

Siamo recensori pericolosi, questo si sa. Ma se volessimo essere buoni vi diremmo di non leggere IL MALE OSCURO di Giuseppe Berto. Perché è pericoloso per la vostra salute. Quella mentale.

Contro ogni regola della sintassi, il libro elenca: pianti facili, ossessioni del padre fisico sepolto che fa male alla salute, positivisti in punto di morte, nonché odio per i radicali, difficili rapporti coi produttori, coliche renali e medico di casa, agopuntura cinese, cure omeopatiche, guaritori e maghi, padre ex maresciallo fascista e negoziante fallito, consigli di dormire a finestra aperta, mangiare pere la mattina presto, “basta un po’ di valeriana”, perdite di pazienza, pretese che il malato “guarisca da solo”, agopuntura cinquemila lire, “piangi piangi che ti fa bene”, dolori al colon, disintegrazione dell’Io, “non ho i denari per essere ricoverato nelle cliniche di specialisti per malati di cervello”…e così via.
Il risultato è assimilabile, come alcuni hanno sostenuto, allo stream of consciousness joyciano, ma soprattutto al monologo teatrale (come certe riduzioni radiofoniche del romanzo hanno poi confermato).

Dunque cari lettori di questo blog, avete paura di leggere le vostre stesse meschinità che in ogni famiglia avete subìto e poi dato? Avete paura delle donne? Avete paura dei figli? Della morte? Siete rivali con vostro padre? Non leggetelo, perché forse vi specchierete e cadrete in depressione. O forse, nel leggerlo, conquisterete quell’integrità morale che fa di voi un vero uomo o una donna matura. Però noi vi avvertiamo già da ora che, una volta finito di leggerlo, non sarete uguali come prima. Sarete coscienti, come la mattina dopo un incubo appena fatto e per la prima volta ricordato. Sapendo, di quel brutto sogno, subito il significato e senza bisogno di consultare la smorfia napoletana.

LA TRAMA - Giuseppe Berto, sceneggiatore cinetelevisivo, reduce da diversi insuccessi letterari e in preda a una forte crisi esistenziale, iniziò la stesura di questo romanzo come forma di catarsi autoanalitica su invito del suo psicanalista. La storia in effetti è autobiografica, ben al di là della disposizione di Berto a esporre i fatti della propria vita.
Il protagonista, uno sceneggiatore, in seguito alla morte del padre, che ha sempre considerato autoritario e gretto, e a cui rimprovera di non averlo mai amato, entra in una fase di depressione acuta, che travolge tutti i suoi affetti, e che lo porta a terribili forme di isteria somatizzante. La crisi sembra avere il suo punto di partenza nel momento in cui il narratore matura la consapevolezza che il padre è malato di tumore. Ciò avviene durante la visita chirurgica cui casualmente assiste (sempre che, cosa che la psicanalisi mette in dubbio, esistano gesti casuali). Da questo momento il protagonista è assillato dal pensiero del padre morto, per cui inizia a nutrire un'inattesa compassione, ossessionato dal cancro, ipostasi carnale di quel "male oscuro" che sempre di più lo insidia. Addirittura arriverà ad accusare terribili dolori che condurranno anche lui, sulle orme del padre, in sala operatoria, dove però gli verrà riscontrata solo una salute fisica di ferro.
Nell'affrontare questo suo male, oscuro per l'appunto tanto nelle cause quanto nella forma, egli manifesta tutte le sue nevrosi non solo intorno alle donne che vivono la sua vita, ma indagandone la causa, laddove gli sarà possibile.

IL PRIMA

IL DOPO

Quadrophenia, ritratto di una generazione

2010-08-02T09:15:00.000-07:00

Nella Londra del 1964, prima dell’Estate dell’amore e del famigerato ’68, si muovono due bande rivali in cerca perenne di rogne: i Mods ed i Rockers. Jimmy (Phil Daniels), temperamento arrabbiato e sguardo folle come da smania generazionale d’epoca, è un mod che si sposta in branco coi suoi amici in sella a sfavillanti lambrette rigorosamente italiane, sempre pronto a calarsi di strane pasticche blu o a concedersi ad ogni rissa di passaggio con gli odiati rivali a bordo di moto rombanti. Innamorato della bella Steph (Leslie Aash), il giovane e la sua banda decidono di partecipare all’annuale Bank Holiday di Brigthon, agognato raduno festaiolo che attrae visitatori da ogni parte d’Inghilterra. Coinvolto negli scontri che scoppiano tra Mods e Rockers (e passati alla storia col nome de “La battaglia di Brigthon”), Jimmy inizia un lento e doloroso percorso di presa di coscienza di sé che lo rende consapevole della sua natura di autentico outsider restio ad ogni compromesso con la società che lo circonda. Nemmeno la famiglia e gli amici, un tempo porto sicuro per ogni irruenta intemperanza, riescono a placare le ire del giovane, perché di essi egli scopre ipocrisie e tradimenti (come Dave, il suo migliore amico, che gli soffia Steph). Uscito dal gruppo con profondo senso di amarezza, Jimmy è uno sbandato senza meta, un fuggiasco che non trova pace. La torna a cercare a Brighton, l’antico luogo dei sogni, ma il nuovo viaggio si trasformerà nel rito finale in cui celebrare la fine di ogni autentica illusione.

Tratto dall’omonimo album degli Who del 1973, Quadrophenia (nome che deriva da un disturbo del carattere), venne prodotto dal frontman della band inglese (Pete Townshend) e girato da Franc Roddam in sole cinque settimane nel 1979. La trama prende spunto da una storia realmente accaduta (il suicidio di un giovane presso la scogliera di Brighton) e si ispira ai fatti che a metà degli anni ’60 sconvolsero quel british lifestyle per cui l’Inghilterra era famosa nel mondo. D’impianto volutamente generazionale, il cult di Roddam si muove nervoso tra i brani di una colonna sonora in cui, accanto agli Who (e a quel My generation divenuto un inno del rock), spiccano nomi come Lesley Gore e James Brown. Diviso idealmente in due parti, il regista ci catapulta dapprima all’interno della bolgia stordita dei mods, in un salire lento che vede il suo acme nel viaggio a Brighton, per poi scaraventarci fuori dal sogno idealizzato, in una cruda e malinconica disillusione che rende Jimmy il più simpatico bastardo del dramma, forse perché, un po’ come avveniva con l’Alex di Arancia meccanica, la sua è una natura genuinamente folle, alla ricerca in ultima analisi della propria voce nel mondo e di quell’amore che potrebbe salvarlo, ma che invece segna l’inizio del precipitare in basso. Verso il conformismo.

Voto 8/10

Giuseppe Joe Castronuovo

Una fulgida stella... che non brilla.

2010-07-25T03:41:00.000-07:00

BRIGHT STAR
di Jane Campion

E’ davvero un peccato dover trovare difetti a un film su cui si è avuta parecchia aspettativa e, peraltro, formalmente “bello”. La veste è di quelle più promettenti: l’ha confezionata Jane Campion, la creatrice di due capolavori come “Lezioni di piano” e “Ritratto di signora”, film assolutamente dissimili tra loro, appartenenti però al medesimo universo. Questo ultimo, “Bright Star”, non se ne discosta: un immaginario ultra-romantico e ultra-scenografico, e una donna ad abitarlo. Fanny Brawne (bene interpretata da Abbie Cornish, per molti la nuova Nicole Kidman) è la ragazza protagonista: fanciulla fortemente realista, che cuce da sé i propri abiti e che nulla conosce della poesia. Si innamora disperatamente (e viene ricambiata, alla stessa maniera disperata) nientemeno che del poverissimo e cagionevole John Keats, poeta, sognatore per definizione e per mestiere, nel periodo di tempo che precede il suo trasferimento a Roma, e quindi la sua dipartita.

L’accuratezza, il senso estetico, la recitazione calibrata, la fotografia (splendida), i costumi, un supporto tecnico e artistico pur così solido non sopperisce alla mancanza, nel mogio finale come in tutto il dipanarsi del racconto, di un vero slancio poetico, di quelli edificanti e tragici e conturbanti allo stesso tempo, con i quali la grande regista neozelandese ci aveva più volte lasciato a bocca aperta. Spesso è questione di magia, di grazia, di ispirazione, che Jane forse non è riuscita ad attingere dal suo ermetico protagonista.

Resta un film ben girato e ben recitato, ad ogni modo. Buona visione.

Voto 6,5/10

Sogno California...e risveglio

2010-07-24T03:18:00.000-07:00

Sogni di Bunker Hill, Einaudi, 2004 (Dreams from Bunker Hill, 1982)

Dal Colorado a Los Angeles, sognando una California a tinte verde dollaro, il giovane italoamericano Arturo Bandini insegue la chimera del successo letterario in seguito al grande salto che da cameriere presso un fastfood di Los Angeles lo porta alle dipendenze del magnate della stampa Heinrich Muller. All’alba del suo ingresso nel giro di coloro che contano, Bandini intraprende dapprima il ruolo scomodo del correttore di bozze per poi entrare nell’aureo olimpo degli sceneggiatori di Hollywood, affiancato ad una stanca e alquanto narcisistica stella cadente del panorama cinematografico locale la cui vita sembra ormai inevitabilmente lanciata sul viale del tramonto di coloro che furono. Avvilito dall’aspettativa tradita di un lavoro dalle sfolgoranti premesse, il giovane scrittore confida almeno nell’amore della proprietaria dell’hotel sito a Bunker Hill presso cui di solito dimora. Ma i sentimenti, come l’arte, sembrano plastificarsi al cospetto di una realtà consunta che vede muoversi i suoi frequentatori perennemente in bilico tra esaltazioni egocentriche di rarefatte personalità e scivoloni drammaticamente accentuati nella disperazione dell’oblio.
L’ultimo romanzo di John Fante, italoamericano del Colorado come l’alter ego di molti suoi romanzi, è un’acuta e alquanto spietata analisi del patinato mondo della Mecca del cinema americano. Il suo personaggio è un antieroe che si muove confuso per le vie di una Los Angeles estraniante che niente sembra concedere all’uomo che per un attimo abbia la ventura di imbattersi nelle retrovie della propria fragilità. Bandini, sognatore di provincia, è anche un tenero vigliacco che in più occasioni tenta di uscire dal lercio pantano in cui si trova improvvisamente invischiato, ma senza mai riuscirci del tutto, perché preda egli stesso del brillante personaggio costruitosi a furia di precipitose scalate alla propria torre d’avorio. Ma Fante, in questo suo testamento artistico, non vuole uscire di scena facendoci ingurgitare ettolitri di stilistica amarezza di stampo new bohemien e decide di concedere al lettore un’ultima speranza di salvezza. Lo fa sottovoce, attraverso il candore infantile di una filastrocca per bambini cui il nostro protagonista si affida per poter riaffacciarsi alle porte dischiuse del sogno americano. Cinico, irriverente e spietatamente sarcastico.

Voto 8/10

Giuseppe Joe Castronuovo

Io sono l'amore ...si, e poi?

2010-07-23T01:51:00.000-07:00

Si può fare un montaggio parallelo tra una scena di sesso molto sensuale, luminosa e le api che impollinano i fiori? Si può far recitare un attore sperimentale italiano come Pippo Del Bono nei panni di un inespressivo piccolo borghese sacrificandone la forza viscontiana? Si può far parlare Tilda Swinton in russo e italiano per poi non rendere esprimibile il sentimento del suo personaggio? Queste e altre sconclusionate angoscie d'autore sono presenti nell'ultimo film di Luca Guadagnino. E' uscito in dvd questo mese, ma noi recensori pericolosi ci siamo permessi di sondare l'uscita nelle sale americane di Boston andandone a valutare sul posto il gradimento del pubblico. Il risultato è che ci sembra ingiusto far credere allo spettatore statunitense che il nuovo cinema italiano è quello delle storie dove alla fine in un'incredula risata si esclami "what's...?", che è come dire "E poi...e con questo?". Disgusting era la parola più comune all'uscita dalla sala. Sì, perché è una regia fatta di presunzioni, caro Guadagnino: non è che perché se Pasolini inquadrava di spalle il Cristo nel suo Vangelo per tutto il tempo della scena, bisogna poi fare lo stesso nel tuo film! Un Alba Rohrwacher che non fa altro che piangere ma brava. Una Tilda Swinton superba ma produttrice sperperona. I AM LOVE - IO SONO L'AMORE azzecca in pieno la borghesia milanese ma non coglie i favori dello spettatore, tanto meno quello esigente americano, il quale ridacchia tutto il tempo della visione per poi sghignazzare per il finale troppo pieno di simboli e interpretazioni: manca infatti nel film anche una evoluzione dei gesti dei personaggi. Che a volte vanno descritti anche solo con una battuta, pur nelle pellicole più ostiche. C'è la bella moglie che viene usata come pezzo da collezione, c'è la figlia che disobbedisce alla volontà del nonno per studiare fotografia e per innamorarsi di una donna. C'è il figlio che è l'unico, a parte la sorella, che vede la madre rispettandone la storia ma che alla fine anche lui resta imbrigliato nel suo ruolo fatto di finzione e clichè sessisti. C'è l'amico del figlio, un cuoco, che rappresenta la forza del lavoro sulla quale poggiano i capitalisti alto borghesi senza rispettarla mai. Un uomo che porta in regalo il frutto della sua fatica e del suo genio. La donna che sta al centro di tutta la vicenda rompe gli schemi e si concede sensualità e passione per tornare a vivere della sua vita vera.
La storia pretende di dare la forza drammatica di una tragedia greca o shakesperiana, ma il punto è che la regia dipinge il finale forse molto meglio di un inizio noioso. E nel cinema anche il sentimento della noia (in questo caso quella delle giornate di una famiglia ricca) va raccontato.

Voto 5/10

OPUS PISTORUM, letteratura a tinte forti per il Miller più estremo

2010-07-21T09:02:00.000-07:00

Edizione Feltrinelli, Milano, 1989 [1984] V.M.18

Fiato alle trombe come mai prima d’ora, irruppe Henry Miller sul panorama della letteratura mondiale come un macigno rotolante sull’orlo del collasso d’istinti bestiali. In una Parigi che non ha tempo, né storia, si muove Alf, americano in trasferta europea, ed i suoi amici dalle esistenze torbide scandite solamente da incandescenti incontri sessuali con esseri femminili dalle perversioni più accese. Vibrando colpi fallici a destra e a manca, il protagonista di questa vicenda senza reale trama, si tuffa gioiosamente e anni luce lontano da una benché minima traccia di coscienza nell’euforia dionisiaca di incontri scabrosi consumati al ritmo osceno del peggiore b-movie dei nostri tempi, concedendosi liberamente ad ogni occasione il caso gli pari innanzi al coso. Vietato dalle produzioni letterarie di ogni luogo e messo all’indice dai censori moderni, l’opera più estrema di Miller visse una nuova vita solo a partire dalla metà degli anni ’80, quando una critica più attenta, proveniente in particolar modo dai vecchi ranghi della beat generation, ne esaltò lo slancio vitalistico e la denuncia insita nello squallore delle sue dinamiche. In ogni caso, checché ne dica Fernanda Pivano (sua l’interessante postfazione dell’edizione Feltrinelli), l’incidere volutamente scurrile della narrazione ed i particolari espliciti cui lo scrittore newyorkese si concede, poco hanno da invidiare alle produzioni pornografiche di categoria, se non fosse per quel particolare finale che ne svela l’autentica essenza e ne differenzia i principali connotati, laddove il sogno erotico del protagonista ed il suo perdersi nei meandri del sesso più estremo, si dissolvono inavvertitamente al cospetto di una realtà che tradisce il malcostume di un degenero distruttivo e priva di ogni piacevole velleità fornicatrice le figure decerebrate che ne popolano le desolate vie.

Voto 7/10

Giuseppe Joe Castronuovo

Nel segno del cine-vintage

2010-06-09T03:00:00.000-07:00

GENTLEMEN BRONCOS di Jared Hess

Esiste un genere cinematografico del tutto particolare che di tanto in tanto abbiamo la fortuna di trovare nascosto tra le schiere di blockbuster, assillanti quanto anonimi. Di questo (sotto)genere cinematografico fa parte “Gentlemen Broncos” (i cui trailer non passano nelle tv nazionali), divertente commedia demenziale diretta dal trentunenne Jared Hess.
Il timido e introverso Benjamin scrive da quando era molto piccolo racconti fantasy. “I Signori del lievito” è il manoscritto che sceglie per partecipare ad un concorso letterario, indetto dalla celebrità della narrativa slipstream Roland Chevalier, suo idolo assoluto che si rivela essere nient’altro che un fanatico pallone gonfiato (per giunta in crisi d’ispirazione!). Non gli resta che tornarsene deluso nella sua improbabile casa a forma di prisma irregolare, dalla propria eccentrica madre, ad aiutarla a vendere orribili camicie da notte. Finché non si accorge che Chevalier gli ha rubato la storia, cambiando i nomi ai protagonisti…

Raccontata in questo modo, con la banalità delle mie parole, potrebbe sembrare una qualsiasi storiella americana di riscatto, ma è chiaro che non è così sin dai titoli di testa: copertine di vecchi libretti sci-fi coi nomi del cast, e ad accompagnarle la magnifica “In The Year 2525”, nostalgico pezzo datato 1969 del duo Zager & Evans. Tutto ha un sapore molto vintage: dalla fotografia a colori pastello alla grottesca quanto comica resa in immagini di “I Signori del lievito”, popolata di sentinelle con un solo occhio, cyber-cervi dotati di propulsori, dialoghi scurrili recitati con intensità drammatica... E’ assente la computer grafica, ogni elemento è, oppure deve apparire, rigorosamente artigianale. Il Michel Gondry di “Be Kind Rewind” incontra il Mel Brooks di “L’ultima follia”. Con una colonna sonora riconoscibile. Godibilissmo, vedere per credere. Buona visione.

PANE E CIOCCOLATA con Nino Manfredi

2010-06-02T06:19:00.000-07:00

Che ci fa un italiano in Svizzera? Ci lavora duro o ci porta i soldi. L'emigrato Manfredi appartiene alla prima categoria. Cameriere nella linda e pulita confederazione elvetica, compierà l'efferato crimine di orinare in pubblico perdendo poi il lavoro e permesso di soggiorno. Comincia così una vita di clandestinità aiutato dai connazionali condannati a vivere come le bestie e dormire accanto le galline, ed a osservare da lontano i loro padroni giovani e biondi come semidei wagneriani. Il nostro piccolo eroe non ci sta. Prova a cambiare belle ossigenandosi i capelli e vestendosi da "ariano" per sfuggire all'identikit del terrone. Ma più che l'abito poté il calcio e la maglia azzurra. Finisce picchiato e umiliato. Il ritorno a casa non è la via giusta: sul treno i soliti emigranti cantano il pane, l'amore e il sole a suon di mandolino, ma sono un prezzo troppo altro e una carta d'identità troppo ingombrante. Meglio il lavoro in Svizzera. Non torna a casa ma si ostinerà a cercare un lavoro da cameriere, lo troverà presso la casa un ricco italiano fallito (un grande Johnny Dorelly) che ama svegliarsi a suon di schitarrate. Con un amaro risveglio.
Angosciante e grottesco, surreale e picaresco, il film è una commedia amara sul valore perduto dell'identità. La solitudine del protagonista, cittadino sperduto, esule senza dignità. Cucito addosso a Manfredi, che non perde una sfumatura, da un Brusati alla sua prova più convincente, sceneggiatore regista, che tiene in equilibrio una miscela acida di umorismo, malinconia e pietas.
Voto 9/10

Domani niente scuola

2010-04-11T03:27:00.000-07:00

Chi sono i ragazzi di oggi? Cosa sono? Dove vanno? Che fanno?
Andrea Bajani, classe ’75, curioso di dar un volto e una voce alla generazione sconosciuta di cui tanto si fa un gran parlare, prova a capire meglio il mistero di questi alieni che turbano le nostre coscienze, seguendoli nell’epopea simil biblica della famigerata gita scolastica di fine anno. L’esperimento viene condotto con tre scuole scandagliate in altrettanti punti nevralgici del Paese (Torino, Firenze e Palermo) e coinvolge le classi quinte dei rispettivi istituti superiori. Mete scelte per la trasmigrazione settimanale sono Parigi e Praga. Dopo un timido avvio tra le fila scombinate di studenti festanti, a bordo di autobus trasformati in vecchi pulmini hippie o, a seconda delle circostanze, in dormitori erranti, Bajani scopre, o meglio, riscopre, un universo fatto di gioie e delusioni, piccole speranze e grandi sogni, nuovi slang scanditi al ritmo di brani da Ipod e vecchie preoccupazioni salite al rango di classici intergenerazionali. Ma, soprattutto, svela l’arcano di un mondo in fin dei conti non così distante da quello dei suoi diciotto anni e lo fa con assoluta sincerità, senza cadere vittima dei pregiudizi massmediatici di cui i ragazzi oggi sembrano essere preda.

Quello dello scrittore è uno sguardo lucido, ma divertito, sul futuro della società italiana e sul suo immediato passato (i docenti, amorevoli padri dal piglio frustrato, su cui cade compassionevole e morbida la mannaia dell’analizzatore), al fine di scardinare da qualsivoglia forma di stereotipia l’immagine di una generazione apparentemente tanto distante, quanto controversa. D’altra parte, quale generazione non lo è stata?

Voto 8

Giuseppe “Joe” Castronuovo

Thirst di Park Chan-Wook

2010-04-05T12:58:00.000-07:00

Ha vinto il premio della giuria al Festival di Cannes 2009, ripresentato al pubblico italiano in occasione dell’8° KoreaFilmFest Florence; ancora, ahinoi, non doppiato ma pur sempre asciutto nella sua forza. Thirst di Park Chan-wook (autore di Old boy e Lady Vendetta) in realtà tutto è tranne che un horror. Perché il vampirismo, in Thirst, è sostanzialmente un dettaglio, un pretesto e un artificio narrativo per parlare di ben altro, nonostante alcune scene che comunque potranno soddisfare i palati degli amanti del cinema dell’orrore più raffinato.
Perché nasconde moltissimi temi, come anche molti finali, la storia di un prete cattolico che, dopo essersi volutamente inoculato un gravissimo virus per farsi cavia per un vaccino, si becca anche il “virus” del vampirismo dopo una trasfusione: dopo l’esperimento andato storto, cambiato nel fisico e nella mente, avvia una relazione clandestina con la “moglie” (o schiava) repressa e insoddisfatta di un amico d’infanzia, si “trasforma” ancora di più innamorandosi (ricambiato) di lei. Quel che è rimasto di umano in lui dovrà lottare fino alla morte per non scomparire definitivamente. Lo farà condividendo le depravazioni. Perché Thirst è anche un film che parla d’Amore (di coppia ed in senso comunitario), di compassione, di egoismi e bramosie, di redenzione, di quali siano le modalità adatte per fare del “bene”, ponendo anche interrogativi sulla natura dell’idea stesso di atto caritatevole. Thirst è un film che mette in luce come l’amore reciproco possa essere una meravigliosa forma di cannibalismo mentale e morale: proprio come i mille finali in cui la storia evolve, ci sono perversioni che si alternano tra l’egoismo e l’altruismo. Il registro varia: dalla commedia, all’orrore, al melodramma, i livelli s’intrecciano, le invenzioni linguistiche si susseguono senza soluzione di continuità. Gli orizzonti del cinema del genio folle di Park Chan-Wook si fanno più ampi e variegati, si conferma la voglia di sorprendere e sperimentare con una levità quasi giocosa.
Si conferma il talento di un regista che è capace di colpire gli occhi e il cuore con immagini cinematografiche di rara efficacia e potenza: un paio di scarpe che vengono donate da lui a lei alla metà del film, ritornano in un finale bellissimo e struggente. VOTO 8.

Il "Lupi" del nuovo cinema documentarista italiano

2010-03-19T13:28:00.000-07:00

LA BOCCA DEL LUPO
Un docufilm di Pietro Marcello

Un delinquente torna a casa, dopo una lunga assenza. Scende al volo da un treno in una Genova portuale ripresa in un vecchio formato amatoriale. E' Vincenzo, che l'attraversa cercando i luoghi di un tempo, ormai in dismissione, luoghi che affiorano alla memoria nel loro antico splendore. Nella piccola dimora nel ghetto della città vecchia, l'aspetta da anni una cena fredda e la compagna di una vita. O forse "compagno": con Mary, transessuale non molto avvenente, si erano conosciuti al "fresco", dietro le sbarre. Lui c'era finito per un vizio d'irascibilità un po' con il mondo. Lei per droga. Poi i messaggi in codice per amarsi. Il sogno di una casetta in campagna sopra la città. Sono navi senza àncora, i loro desideri.

La macchina di Hollywood ne avrebbe fatto una bella storia in 3D, magari con un budget da attrici Oscar. Qui invece la recitazione è ai livelli di ulcera duodenale. Va be', si dirà, è un documentario. A cui però non serve la voce fuori campo dell'animo rabbioso e burbero di Vincenzo a commento di immagini di vialetti, dove viados prendono in giro un vecchietto con il volto appena uscito dal manicomio. Va be', si dirà, è la scelta stilistica del regista: due forze che si contrappongono come significato, proprio come il carattere del protagonista. Noi invece diciamo che anche il significante annoia. La sua Mary ci dice che si era innamorata di lui proprio perché un po' lupo e un po' agnello capace di piangere davanti al cartone animato Bambi.
Oltre gli stereotipi, non fa nemmeno innamorare noi. Non tanto nel soggetto, ma nel trasmetterlo. Un docufilm prodotto dalla Compagnia dei Gesuiti (forse una similitudine con un Cristo colpevole, peccatore e moderno, magari innamorato di un trans?) fatto di appunti da quadernetto di scuola senza climax. Un lirismo caricato, condito ogni volta da inserti video di album di famiglia, come se gliene importasse a qualcuno vista l'assenza di una linea di storia.

Una cosa positiva: dura solo un'ora e dieci minuti.

Last but not least. Gira voce che Vincenzo, il protagonista, si sia piazzato davanti la porta delle sale che proiettano il film dove appunto si parla di lui e pare che abbia urlato ai passanti: "Oh! Guarda che questo sono io!". Ecco dove RAI CINEMA spende i soldi, a nuove forme di "Nuovi Media".
Proprio per quest'ultimo motivo: VOTO 4/10

The Hurt Locker, ovvero l’Inferno secondo Bigelow

2010-03-15T10:27:00.000-07:00

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Muri decrepiti, polvere, strade sconnesse. Il robot antimine degli artificieri USA avanza rapido tra macerie logore, i suoi cingoli calpestano ciò che resta di una Bagdad martoriata da anni di guerra. Uomini curiosi e bambini sorridenti si affacciano sulla via farfugliando parole incomprensibili. Fili rossi sbucano dal terreno: sotto ammassi di calcinacci sbiaditi si cela l’ennesimo ordigno di un nemico invisibile. Non è l’inferno, ma la sua rappresentazione più fedele, l’Irak odierno. 40 giorni all’alba, il sergente maggiore William James (Jeremy Renner, candidato all’Oscar per questo ruolo), 800 sminamenti alle spalle, viene spedito sul campo di battaglia ad affiancare il sergente JT Sanborn (Anthony Mackie) e lo specialista Owen Eldridge (Brian Geraghty). La macchina da presa, rigorosamente a spalla, segue i marines in ogni loro spostamento, ne simula lo sguardo attraverso rapidi movimenti in continua sequenza, brusche zoomate mettono a fuoco finestre, tetti, minareti, ponti, casupole, qualunque luogo in cui possa annidarsi un terrorista. Non c’è un attimo di tregua, né di trama, almeno stando ai parametri del cinema classico. Questa è la guerra, nuda e cruda, senza infarcimenti del cinema di genere, mera ricostruzione di giorni qualunque nella terra di nessuno.

Kathryn Bigelow serra le fila dell’epopea bellica senza prendere posizioni precise sulla giustezza o meno di un conflitto che insanguina le coscienze occidentali da qualche lustro a questa parte o, almeno, così sembra. I suoi sono antieroi che si muovono veloci tra cumuli di ostilità, contando i giorni rimasti da scontare al fronte insieme al palpitante spettatore che ne segue le gesta. In realtà, dietro l’apparente neutralità del narrato, la regista di Strange Days e Point Break costruisce un’opera robusta dal forte impianto antimilitaristico, come sembra suggerirci ad inizio visione la citazione secondo la quale “la guerra è una droga” che crea una dipendenza fortissima. E l’astinenza da esplosivo letale del rimpatriato sergente James rischia di portare ad una paranoica follia il reduce americano, preda per sempre di ossessioni dure a morire. L’unica cura per il cancro dell’inferno bellico sembra essere il ritorno ad esso, laddove i giorni che passano non sono più lente tappe verso l’alba del ritorno, ma solo oscuri segni su un calendario della memoria che ormai conosce solo tramonti. 5 Oscar (film, regia, sceneggiatura originale, montaggio e montaggio del suono) ed una camomilla al plastico per smaltire il tutto.

VOTO: 8

Giuseppe “Joe” Castronuovo

La Trilogia di New York

2010-03-12T01:28:00.000-08:00

Città di vetro. Nel cuore della notte di una New York silente e allucinata, Daniel Quinn, autore di romanzi polizieschi, riceve una telefonata da uno sconosciuto che lo ha scambiato per l’investigatore Paul Auster. Indossati gli affascinanti panni di quest’ultimo, Quinn decide di incontrare il suo misterioso interlocutore. Peter Stillman, questo il nome dell’uomo, è un individuo dal passato torvo: dopo la morte della madre, il padre, ossessionato dalla ricerca del linguaggio primigenio, lo tenne segregato in casa sua nascondendolo agli occhi del mondo e impedendogli ogni contatto con l’esterno, fino quando la vicenda non venne casualmente scoperta e il carceriere arrestato. Adesso che il padre ha scontato la galera, Peter e sua moglie affidano al falso Auster il compito di pedinarlo per evitare qualsivoglia forma di vendetta e scoprire quali piani nasconde.
Fantasmi. L’investigatore Blue viene incaricato dal suo capo, il fantomatico White, di mettersi sulle tracce del misterioso Black e spiare pedissequamente ogni passaggio della sua vita. Stabilitosi nell’appartamento frontale a quello di Black con l’intenzione di svelarne le mosse, Blue finirà per perdersi nell’ossessione della scoperta della verità, smarrendo in tal maniera ogni contatto con la realtà e scoprendo in ultima analisi la labilità del confine che separa l’essere cacciatore dall’essere preda.
La stanza chiusa. Nel placido scorrere di un’esistenza monotona, lo scrittore protagonista di questa storia viene contattato dalla moglie del vecchio amico Fanshawe, scomparso misteriosamente anni prima, affinché decida cosa fare del voluminoso materiale scritto che l’uomo ha lasciato alla donna, come da quest’ultimo espressamente richiesto prima della sua scomparsa. Attraverso i manoscritti dell’amico, lo scrittore ricostruirà i passaggi sconnessi di un’esistenza sopra le righe, fino a calarsi ossessivamente nei panni di Fanshawe con l’intenzione di iniziarne la ricerca. Ma l’arrivo inaspettato di una lettera da parte di quest’ultimo rimette tutto in bilico.

Pubblicati negli States tra il 1985 ed il 1987 e raccolti in Italia in un unico volume edito da Enaudi, i racconti de La Trilogia di New York segnano il punto di intersezione tra il noir classico alla Ellroy ed il più complesso impianto kafkiano che catapulta gli antieroi del mondo di Auster in una New York visionaria popolata da fantasmi che ne solcano le abuliche vie. Preda delle proprie ossessioni, ognuno dei protagonisti al centro delle vicende narrate finirà vittima del capovolgimento delle parti, in un folle gioco di rimandi autocitazionistici che lentamente, ma inesorabilmente, porterà il lettore alla consapevolezza d’esser stato a sua volta protagonista di un metaromanzo nel quale ogni storia concorre a chiarire il senso di quella precedente. Si, perché La Trilogia non è una vera raccolta, ma un unico romanzo dispiegato in tre parti affinché chi ne abbia la voglia e l’attenzione possa ricostruirne gli indizi lasciati sparsi dall’autore e tracciare una superiore trama che valica la superficialità del racconto poliziesco per approdare ad una più seria ricerca dell’introspezione dell’individuo.

“Cominciò con un numero sbagliato, tre squilli di telefono nel cuore della notte e la voce all'apparecchio che chiedeva di qualcuno che non era lui. Molto tempo dopo, quando fu in grado di pensare a ciò che gli era accaduto, avrebbe concluso che nulla era reale tranne il caso. Ma questo fu molto tempo dopo. All'inizio, non c'erano che il fatto e le sue conseguenze. La questione non è se si sarebbero potuti sviluppare altrimenti o se invece tutto fosse già stabilito a partire dalla prima parola detta dallo sconosciuto. La questione è la storia in sé: che abbia significato o meno, non spetta alla storia spiegarlo” (da Città di vetro)

Voto 8

Giuseppe "Joe" Castronuovo