Air [Breakbot Remix] - So Light is her football : http://8106.tv/blog/2010/02/17/footfallen/

Gorillaz - Superfast Jellyfish : http://rjominn.is/2010/02/26/nytt-fra-gorillaz/

Yeasayer - Madder Red : http://blackraptor.wordpress.com/2010/02/10/yeasayer-played-music-hall-of-williamsburg/

Two Door Cinema Club - Undecover Martyn : http://revista69.com/two-door-cinema-club-undercover-martyn/

Caribou - Odessa : http://www.weallwantsomeone.org/2010/02/24/mp3-caribou-odessa/

She&Him - Thieves : http://www.indieshuffle.com/she-him-thieves/

Man & Man (Toxic Avenger Remix) : http://www.myspace.com/lecrewmanandman

Led Zeppelin : Good Times, Bad Times : http://www.youtube.com/watch?v=ZO2qO9FaIWU

Local Native - Airplanes : http://www.everybodytaste.com/2010/02/local-natives-do-la-blogotheque.html

The New Pornographers - Your Hands Together : http://www.quickbeforeitmelts.com/2010/02/new-music-the-new-pornogaphers-your-hands-together/

2e album solo pour Brant Bjork, contrairement à ce qu’annonce la pochette, même si ses camarades se font plus présents (Mario Lalli toujours, Matthias Schneeberger qui s’occupe de la production et, grande nouveauté, du clavier). Une fine équipe pour un album qui se présente comme un court voyage. Celui qui ne dure pas plus de deux jours.Pas celui qui va nous transcender, nous changer à jamais. Simplement le weekend tranquille entre amis.

En guise d’ouverture, Hinda 65, où la lente arrivée de l’avion. A peine visible, il s’approche peu à peu, gagnant en puissance, l’atterrissage est imminent et PAF! c’est parti. Le style, tout en restant fidèle à l’esprit du bonhomme, est plus direct. Ain’t nobody gonna stop the rock tonight. Les parties de basse, de guitares, les structures sont dans l’ensemble plus simples, plus rock. Les morceaux sont plus calibrés chansons. Plus de chant. A l’opposé du désert de Jalamanta, nous sommes ici dans un décor plus urbain.

La ville synonyme de population, de rencontres. On se montre. On fait un clip pour My Ghettoblaster. La boombox sur l’épaule, on circule de rue en rue, on suit une direction. Notre trajectoire se fait plus rectiligne, plus droite, contrairement au désert où l’on se perd, on se disperse, où l’on peut errer pendant des heures. Mais la ville c’est aussi la civilisation, la culture. Electric Lalli Land, hommage à Jimi Hendrix, grande influence, et clin d’œil à l’ami Lalli. Avec une excellente intro à la pédale wha-wha, celle que l’on essaye d’imiter avec la bouche parce que c’est rigolo.

Et puis vient le soir. On chope une bouteille de Cheap Wine ; on la partage entre amis. Une soirée tranquille, à rire, à traverser la ville, à draguer, à vanner. Le nuit est chaude et calme. On sombre dans une douce torpeur en écoutant Cocoa Butter.

On se réveille le lendemain dans une chaude matinée. Quelqu’un a laissé la radio allumée (Joey’s Radio). Tant mieux, un coup de fouet pour le reste de la journée.

Mais rapidement il faut rentrer. Captain Lovestar nous accueille à bord de son appareil qui l’on imagine parfaitement flashy, très 70’s. C’est ainsi que le voyage s’achève avec le vol retour : Hinda 65 (Return Flight).

Depuis The Libertines, on aurait pu croire que plus personne n’était capable de sublimer les liens qui unissent deux êtres. Retranscrire une rencontre, des souvenirs, des rêves encore –une histoire intime avec la musique, que nous offrent les Lucky Clover.

C’est autour de Simon & Garfunkel, Bob Dylan ou encore The Velvet Underground que naît la complicité entre Alix & Pierre, chacun muni de sa guitare, chacun mêlant sa voix à celle de l’autre. Ressortent de leurs premiers morceaux acoustiques (New voice, Our mutual past, Old song) des vibrations simples et presque naïves : aucune complexité superflue dans leurs chansons, une rythmique accrocheuse, des paroles sobres mais si significatives -bref, une complète mise à nue des deux interprètes, qui en devient presque intimidante.

En mars 2009 s’ajoute à la formation Guillaume à la batterie, fort de 7 ans d’expérience scénique, qui apporte un peu plus de maturité et de force au groupe. Les enregistrements s’enchaînent pour donner naissance au premier EP 6 titres des Lucky Clover, à savoir For Five Years à la rentrée 2009.

Une musique pop, folk. Un trio étonnant de simplicité et de complicité, qui semble s’offrir à nous presque nu sur scène. Tandis que Guillaume nous offre le luxe de quelques solos de batterie au milieu d’une chanson et que Pierre fait frémir les jeunes filles en fleur de ses cris fougueux, Alix berce les foules avec la chaleur de sa voix énergique, mélancolique, tendre… Un tourbillon d’émotions qui vous emporte en live, c’est irrésistible. A Londres ou Paris, ils ne s’arrêtent pas de tourner, alors ne les ratez surtout pas.

Leur myspace : http://www.myspace.com/luckycloverofficial

Leurs pages Facebook : http://www.facebook.com/LuckyCloverOfficial

http://www.facebook.com/LuckyCloverOfficial#!/group.php?gid=119067650200&ref=ts

A écouter : Old song, New voice, Sister sister, Deeply hate you, NY City lyrics

David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash. Trois génies, pour un trio monstre dont la musique est une pierre angulaire du rock. Rejoint un temps par Neil Young, que l’on ne présente plus, le groupe mérite amplement sa place dans l’Olympe des plus grandes formations de l’histoire.  Il est pourtant salement méconnu.

Pour son 25ème anniversaire, la Rock’n'Roll Hall of Fame Fundation a réuni ceux qui ont marqué l’histoire du rock pour deux concerts les 29 et 30 octobre derniers au Madison Square Garden à New York. Le line up fait froid dans le dos, tant il est magistral : U2, Metallica, Eric Clapton, Aretha Franklin, Simon et Garfunkel, Stevie Wonder…et Crosby, Stills & Nash. Preuve en est que ces derniers sont vieillissants mais éternels.

Musicalement proche de Simon & Garfunkel, le groupe se forme en 1968, au terme de la rencontre de Crosby (ex-Birds), Stills (ex-Buffalo Springfield avec Neil Young) and Nash (ex-Hollies). les trois auteurs-compositeurs sont des leaders reconnus, et aucun d’eux n’entend être mis en retrait par rapport aux autres. Rien d’étonnant alors à ce qu’ils chantent à trois sur la plupart de leurs musiques. Seul soucis : les trois sont guitaristes. D’où le passage à la basse de Stills, et l’arrivée dans le groupe de Neil Young au clavier en 69. D’où la nouvelle appellation, jamais officielle mais largement répandue, de Crosby, Stills, Nash & Young. En tout cas, la formation a fière allure.

CSN est un groupe phare de la fin des années 60 et début des années 70, un des plus populaires puisqu’il est parfaitement en phase avec le mouvement contestataire de l’époque. Il fut l’un des acteurs phares du légendaire festival de Woodstock 69, un des plus grands de tous les temps. Ils acquièrent dès cette même année la renommée mondiale avec leur premier disque, éponyme, qui se vend à plus de 4 millions d’exemplaires. Il comprend les célèbres “Marrakesh Express”, et surtout  “Suite:Judy Blue Eyes“. En 70, Déjà Vu, leur second opus, appuie leur succès. J’y citerai la superbe “Teach Your Children”.

L’explosion du groupe s’arrête nette en 71, les tensions et les envies de projets solos ayant raison d’un nouvel album prévu en 74 et qui ne verra jamais le jour. C’est Neil Young qui connaît le meilleur parcours. En 77, CSN&Y se retrouve enfin, mais les nouveaux enregistrements sont minés par les problème d’addiction de Crosby. C’est malgré tout 5 albums qui sont enregistrés jusque 88 et l’annonce de Young de sa fin de collaboration avec ses trois compères. Si CSN conserve son statut de mastodonte, jamais il ne retrouvera la furieuse notoriété des débuts. Des titres mythiques ne manqueront toutefois pas de ravir les rockeux : “Carry on/Questions”; “Helplessly Hoping”; “Wasted on the way” et bien d’autres.

Aujourd’hui, les trois papys continuent d’écumer les salles du monde entier. Une date est prévue pour le début d’été en France. Leur musique, elle, continue de faire rêver.

Un jour, quelqu’un m’a fait remarquer que je ne donnais pas l’air de défendre à fond les groupes dont je parle dans mes chroniques. C’est donc comme ça que je me suis demandé quel artiste je défendrais sans fléchir. Je crois que commencer par celui dont je possède tous les albums est un bon début.

Quand on me demande quel est mon artiste préféré, les gens ne comprennent pas. “Quoi, t’aimes Bjork ?” “Non, c’est Brant Bjork, rien à voir…” Oui, rien à voir. L’une vient du froid, des fjords, de la neige ; l’autre de la chaleur, du désert, du sable. Mais replaçons un peu le contexte.

Vous prenez Kyuss -”Qui ça ?”- Bon vous prenez les Queens of the Stone Age. Il a un guitariste/leader roux (pas de chance) qui s’appelle Josh Homme. Bien. Vous le prenez il y a quelques années, disons dans les années 90. Il faisait partie d’un groupe mythique, légendaire (”Qui envoyait du fat paté ?” “Oui mon petit, qui envoyait du fat paté”) : Kyuss. A la fois influencé par les groupes psychédéliques des années 60 et 70 comme Blue Cheer et par les sons plus lourds de Black Sabbath, ce groupe a créé un genre  dont le nom (le stoner rock) décrit assez bien la musique finalement : c’est lourd, ça tourne dans tous les sens, ça étourdit. “Greatest band ever”, on vous dit.

Maintenant prenez le batteur de groupe, ou du moins le premier batteur. On a notre homme. Brant Bjork. Nous sommes en 1994 et Brant Bjork vient de quitter Kyuss après avoir enregistré (Welcome To) Sky Valley. Pendant plusieurs années, il file des coups de main à droite à gauche (notamment pour ses amis de Fu Manchu, pour Fatso Jetson, etc.) mais on sent qu’il n’est pas entièrement satisfait. Ce qu’il veut c’est tout faire, de A à Z. C’est ainsi qu’en 1999 naissait Jalamanta.

Notez que pour le 10e anniversaire de l’album, celui-ci a fait l’objet d’une réédition vinyl l’année dernière, avec, je crois, une reprise de Blue Oyster Cult en guise de bonus. Mais vous devez pouvoir trouver ça sur Internet, les enfants.

Enregistré au Rancho de la Luna, dans son Palm Desert californien natal, pour le label aujourd’hui défunt Man’s Ruin, avant d’être réédité sur le propre label de Brant Bjork, Duna Records (lui même décédé et remplacé par LowDesertPunk), Jalamanta est véritablement l’œuvre de l’ancien batteur qui en a même réalisé la pochette (celle que vous voyez ci-dessus). Il est bien sûr entouré d’amis (Mario Lalli de Fatso Jetson , à la guitare et au chant sur Toot) mais on peut dire que c’est son bébé. Mais justement, à quoi il ressemble ce bébé ?

Pour commencer, disons simplement que c’est une combinaison unique, originale de différents styles très variés : du jazz pour la structure de certains morceaux, du rock et du punk (étant né en 1973, BB était un teenager lors de l’explosion de la scène punk hardcore au début des années 80), de la world music, et j’en passe. En toute simplicité. Le plus intéressant, c’est que la résultat est unique et retranscrit le paysage désertique. Ça sent le sable chaud, mais pas comme à la plage, il n’y a pas cette petite brise maritime pour nous rafraichir. Il n’y a que le soleil, lourd, implacable. Pour peu, on oublierait qu’on est à Cergy, que c’est gris et qu’il fait froid.

Je pense notamment à des morceaux comme Sun Brother ou Defender of the Oleander. Ça sent l’après-midi d’été à 40°, le soleil filtré à travers les persiennes. Chaque morceau est construit autour d’un thème, d’une phrase musicale entêtant, qui se répète, qui nous hypnotise (Cobra Jab, que je n’ai bien évidemment pas trouvé sur YouTube). Ça nous entraine sans que l’on se rende vraiment compte, et on se laisse faire, on se laisse étourdir. On accélère sur Too Many Chiefs… Not Enough Indians ou Low Desert Punk. On file à travers le désert à toute vitesse à bord d’une vieille Cadillac (ou d’une Pontiac d’ailleurs, de toute façon je n’y connais rien).

Et puis rapidement c’est déjà le soir. On profite de l’air qui se rafraichit à mesure que le soleil se couche. Sur le ciel qui se teinte de pourpre, de rouge, d’orange et de jaune se découpent les ombres des cactus géants et des palmiers biscornus. On est sur le perron et on profite du calme, de la solitude. C’est Waiting for the Coconut to Drop.

Le temps d’un dernier Indio , on rentre et on va se coucher, l’esprit serein.

Il y a parfois un air qui vous égaie la plus sombre des journées. C’était lors d’une de ces soirées désespérantes de préparationnaire perdu que l’ami Robin, illustre néo-shamrock, me fait découvrir le concept “Playing For Change”. Et le voilà, le rayon de soleil.

C’est l’histoire d’un mec. Un américain. Mark Johnson est ingénieur du son et réalisateur. En 2005, il se lance un défi : former un groupe dont les membres joueront des quatre coins du monde, sans jamais se rencontrer, car c’est lui qui fera le long voyage et c’est la musique qui les rassemblera. Armé d’un matériel de production mobile digne des grands studios, il choisit ses membres au hasard des rencontres : une rue, une bouche de métro, un balcon, un village perdu. Chacun enregistre la partie de son instrument.

Un guitariste à Israël, un batteur au Congo, un bassiste à Johannesburg, un chanteur rasta du Ghana, une joueuse de sitar indienne, une chorale nord-irlandaise, des percussions d’ indiens du Nouveau Mexique. Le Népal, Amsterdam, Toulouse, Santa Monica, New Orleans, Livourne, Caracas, et des tas d’autres sont aussi représentés. Et là, la musique prend tout son sens. Johnson s’éclate, nous on jubile. Les sons sortent sous forme de montages vidéos sur youtube. C’est un carton : pour Stand By Me, reprise de Ben King, c’est 15 millions de visites ! No More Trouble, One Love, Don’t Worry, Fannie Mae connaissent le même succès. Sur sa route, Johnson est soutenu par Manu Chao et Bono, qui participent au projet.

Johnson sort aussi un documentaire, de 83 minutes, sur son expérience d’un voyage musical sur quatre continents qui l’a mené à la rencontre de musiciens de divers horizons, évoquant la réalité dans laquelle ils vivent et contemplant le pouvoir de la musique en tant que vecteur universel de paix. Face au succès de son entreprise et poussé par des milliers de fans, Playing For Change sort un album.

Le projet prend une nouvelle dimension, et la fondation Playing For Change, organisation à but non-lucratif visant à la construction d’écoles de musique dans le monde (en 2008, la première dans la banlieue de Cape Town en Afrique du Sud) est créée.

En 2009, Playing for Change décide de partir en tournée à travers le monde. Pour la première fois, certains musiciens, choisis par Johnson, se rencontrent pour faire le tour de la planète. Dans les coulisses, Grandpa Elliott, ancien mendiant mi-aveugle de New Orleans, chanteur du groupe, dira, ému :  ”Mon pote, j’ai toujours basé ma vie sur l’amour, mais alors là…”. Le 30 juin prochain, ils seront à la Cigale à Paris.

Sur le site peuvent être visionnés les 23 épisodes de la saga Playing For Change. De quoi tomber amoureux, une fois de plus, de la musique, tout simplement.

Musiques électronique & classique: un mélange surprenant que j’ai déjà eu l’occasion d’introduire avec les monstres que sont SomethingALaMode -plus de 300,000 visites sur Myspace et déjà des lives programmés dans le monde entier- aux sonorités encore très familières -un sens du rythme incroyable qui se révèle extrêmement facile et agréable à écouter- ce qui explique leur incontestable succès. Truth be said: Thomas Roussel (violon) et Yannick Grandjean (violoncelle), ces types sont géniaux, mêlant à la perfection electro & classique, classique et baroque, pour donner quelque chose d’irrésistible. Aufgang quant à eux ne mélangent pas. Ils ne sont pas géniaux, ils sont sublimes. Et créent un véritable tourbillon.

C’est un vertige de sonorités nouvelles -pour une oreille profane comme la mienne- que ces trois jeunes musiciens -Francesco Tristano & Rami Khalifé aux pianos, Aymeric Westrich à la batterie- nous livrent. Si SALM est une introduction à la musique classique, Aufgang vous y plonge complètement.

Sont-ce les possibilités infinies des pianos, et la présence perpétuelle de la batterie qui nous submergent irrésistiblement dans le flot étourdissant de leurs mélodies? Parfois oppressantes, étranges voire même dérangeantes (Aufgang, Soumission, 3 Vitesses, Channel 8), elles peuvent aussi vous briser le coeur (Channel 7, Barok) ou simplement figer le cours du temps (Sonar). Parce que leur musique ne peut pas laisser indifférent: leur approche est trop novatrice, leurs champs d’exploration infinis, écorchant presque vos oreilles avec ce qui semble un trop plein de dissonances. Un trop plein d’authenticité. Un groupe au visage insaisissable tout comme leur musique, dont l’ambiance change d’une seconde à l’autre. L’essence même du pianiste fou, épris de la fougue du bizarre, de l’artiste, se ressent pleinement dans leurs morceaux sans cesse retravaillés et improvisés. Car si les 3 jeunes hommes se rencontrent en 2000 à New York pour ne donner naissance à leur projet qu’en 2005, le premier fruit de leur travail ne sort que 4 ans plus tard, avec la sortie du premier album en Octobre 2009. 3 passionnés, 3 génies mondialement connus qui partageaient simplement le plaisir d’apprécier la musique électro des clubs newyorkais.

Un son beaucoup moins accessible, car beaucoup plus recherché que SomethingALaMode en somme. Mais tout aussi magique, à ne pas s’y tromper. Aufgang est au coeur même de l’association classique & électro tout en repoussant encore plus loin les limites de ce couple improbable -en évitant surtout d’opérer le même commode mélange que leurs compères SALM.

Etant une véritable néophyte en musique classique, je m’abstiendrai de toute éventuelle ânerie supplémentaire. Ce qui est tout simplement génial, c’est qu’Aufgang réussissent à donner envie de s’intéresser à ce qu’ils font véritablement: prêter enfin une oreille attentive à la musique classique si souvent oubliée. Et surtout, s’accaparer leurs créations. Oui, je n’ai pas pu résister, j’ai acheté leur album, faible que je suis. Mais un tel génie ne mérite pas d’être indignement négligé.

Leur myspace. Go and have a look, you’d miss something.

L’International (11è), le Be There (4è), puis les Taulières (18è). 3 places, one  feeling. Overwhelming. Un live programmé à 20h, et personne sur scène encore… L’esprit rock, vous avez dit? C’est en sirotant sagement une petite pinte qu’on entend le son d’une guitare retentir dans tout le bar, et un jeune homme nous a conquis.

Simple, mélancolique, rock et enivrant. Dans la pénombre du Be There, sur la scène dénuée de spots, une silhouette mystérieuse se dandine au rythme tantôt effréné, tantôt langoureux d’une guitare acoustique, puis électrique. Une cascade de cheveux, une voix chaude, et un son si doux. Parce que ce jeune homme ne sait pas seulement chanter, mais joue aussi magnifiquement de la guitare de ses doigts habiles. Une présence indéniable, des solos qui résonnent en vous, et des paroles on ne peut plus anodines qui vous bercent irrésistiblement… Mon coeur se serre aux premières notes de 12 steps, ballade mélancolique au possible, et tellement magique. De la classe. La figure de l’artiste errant par excellence, dans l’ombre d’un bar posé, et des oreilles attentives à l’écoute de ses vibrations. Kristian occupe la scène à lui tout seul, et il le fait bien. Comme un gamin, il est tout impatient de venir faire vibrer le Foy’s; et on n’attend que lui.

Après s’être tout d’abord fait remarquer dans l’entourage de Pete Doherty dont il fait la première partie au Bataclan en mars 2009 avec Allan Wass en tant que Lipstick Melodies, il vole maintenant de ses propres ailes. Kristian part à New York en mars pour boucler l’enregistrement de son premier album. Stay tuned.

Les curieux pourront déjà découvrir 3 de ses titres sur son myspace: http://myspace.com/kristianmarr

 

“Ce jour-là, j’ai bien cru tenir quelque chose et que ma vie s’en trouverait changée. Mais rien de cette nature n’est définitivement acquis. Comme une eau, le monde nous traverse et pour un temps nous prête ses couleurs. Puis se retire, et vous replace devant ce vide que l’on porte en soi(…) ” (Nicolas Bouvier – L’usage du monde).

Ederlezi est une de ces choses qui à jamais nous traverse et nous transforme à la première écoute. Mais comment l’expliquer ? Doit-on l’expliquer ? Pour cela c’est la magie toute entière des peuples Roms, leurs danses et leurs chants, les coutumes et les sourires de ces peuples, leurs douleurs et leurs peines qu’il faudrait décrire. Il serait plus sage que vous preniez vous-même la route.

Mais chaque chanson a son histoire, et c’est bien la part objective, si infime dans sa puissance, qu’il me reste à vous livrer… Ederlezi est née dans les Balkans parmi les peuples tziganes qui habitent ces contrées. Mais personne ne sait à qui en revient la paternité. Ce qui reste certain, c’est qu’elle apparaît sur la bande originale du film d’Emir Kusturica Le Temps des Gitans en 1988. Parfois présentée comme traditionnelle, parfois entièrement attribuée à Goran Bregovic, auteur de la version délivrée dans ce film –chef d’œuvre s’il en est - qui demanda à Vaska Jankosvka d’y prêter sa voix. Et quelle voix ! Tout à la fois claire et tremblante, bouleversée mais fière, elle nous narre l’histoire d’un jeune musicien contraint de rester chez lui tandis que dehors sa communauté fête comme il se doit l’Ederlezi, la fête serbe de la Saint George, annonçant la victoire du Printemps sur le rude Hiver des Balkans. Hymne à la joie, mais aussi prière à ceux que le froid a retenu à jamais.  Ainsi s’affrontent, ou plutôt s’accouplent la chaleur des cuivres et chœurs masculins et les trémolos glacés des plaintes féminines. Bouleversant.

Et si jamais nous venions à nous dévêtir de nos certitudes occidentales, et que nous prêtions oreille aux lointaines légendes anatoliennes, nous apprendrions qu’Ederlezi vient du turc Hidirellez , combinaison des noms de deux amis et prophètes : Hizir, protecteur des plantes et des gens pauvres, apportant l’abondance, et Ilyas, protecteur des eaux et des animaux, redonnant la santé à ceux qu’il croise. C’est donc pendant la nuit de l’Ederlezi qu’il est recommandé d’adresser ses vœux les plus chers, ils seront à coup sûr honorés. En attendant le soleil, le Shamrock vous souhaite les siens pour cette nouvelle année. Laissez-vous porter.

Je ne peux pas vous laisser partir en vacances sans vous avoir parlé de mon dernier coup de cœur. Tout droit venu de Brooklyn, même s’il a des origines panaméennes et irlandaises, il mélange soul, jazz et hip-hop. Mesdames et messieurs, José James.

Etant adolescent dans les années 90, José James baigne dans le hip-hop, est fan de A Tribe Called Quest et écrit même ses premiers textes. Mais c’est à l’âge de 14 qu’il reçoit sa première claque musicale incarnée par un morceau de Duke Ellington, Take the A Train. “Je n’avais jamais écouté de big band avant ça. Tout ce que je connaissais du jazz était très confus. Je ne comprenais pas vraiment. Et puis j’ai entendu cet intense morceau. J’étais vraiment content. C’était si différent du Hip Hop des années 90 auquel j’étais habitué.”

Dès lors José découvre le jazz, Billie Holiday, Charlie Parker et surtout John Coltrane, qui sera l’une de ses plus grandes influences. C’est d’ailleurs en reprenant un morceau de Coltrane, Equinox, que José commencera par se faire connaître. Il réitèrera l’expérience en reprenant de sa voix chaude et grave Moanin’ d’Art Blakey & The Jazz Messengers.

C’est en janvier 2008 que José sort son premier album The Dreamer, en hommage à Martin Luther King. Car si José James chante avec sa voix soul de magnifiques balades, des balades toutes douces, toutes sucrées, comme Desir ou  Love, il fait preuve aussi d’un certain engagement (voir la vidéo de Park Bench People).

Si je vous en parle c’est aussi pour vous dire que c’est un artiste qui commence à se faire connaître. Il a fait quelques dates en France (dont un flèche d’or mythique paraît-il) et travaille avec de très grosses pointures comme Flying Lotus (qui est à la production sur de nombreux morceaux de The Dreamer comme ce Visions of Violet), Jazzanova, Basement Jaxx ou même Chico Hamilton.

Enfin sachez qu’il sortira un nouvel album en février 2010, il s’appellera Blackmagic et il promet d’être génial. Je vais sans doute me le procurer. Après avoir acheté The Dreamer bien entendu.

Pour résumer cet article écrit à l’arrache, je ne peux que vous conseiller d’écouter de plus près ce jeune artiste qui, à l’instar de la p’tite bête, monte. En particulier si vous êtes adeptes d’ambiances feutrées, très smooth. De quoi se réchauffer un peu durant l’hiver.