Leandro Shyriu

Banana na Lama 2011

2011-07-07T09:27:00.000-07:00

Corupá/SC prepara para quebrar a rotina entre os dias 7 e 10 de julho. A capital catarinense da banana sedia pela oitava vez o maior encontro de trilheiros do Mundo, o Bananalama.

Uma grande variedade de atrações foi programada pela Comissão Organizadora, visando agradar todas as faixas etárias durante o evento, que acontece no Seminário Sagrado Coração de Jesus. Para a edição deste ano a organização do evento colocará a disposição do público uma mega-tenda de 5.000m², com capacidade para 8.000 pessoas, onde serão realizados os shows musicais com todo conforto e segurança para o público. A expectativa de público para a 8ª edição do Bananalama é de 60 mil pessoas, durante os quatro dias de evento.

O calendário de shows começa no dia 07, com a Banda Nativos. No dia 08, a festa fica por conta do grupo Papas na Língua. No sábado, dia 09, Chitãozinho & Xororó fazem o show nacional desta edição do Bananalama e no domingo, dia 10 de julho o encerramento da edição fica por conta da dupla Laluna & Vinicius.

Além das estrelas da música, o 8º Bananalama terá também as tradicionais estrelas do motociclismo. Os pilotos Eduardo Saçaki, Joaninha e Jorge Negretti, participarão do “Desafio dos Campeões”, o maior show de acrobacias e manobras sobre duas rodas do Brasil, recorde de público por onde passa e do grupo de puxadores do Bananalama.

O público poderá assistir o espetáculo de wheeling das equipes Alto Giro e Cachorrão, as manobras no estilo drift do Phyra, além dos saltos do pentacampeão da Copa Brasil de Motocross Freestyle, Gilmar “Joaninha” Flores e as manobras radicais e surpreendentes da equipe Negretti, além dos carros personalizados em exposição no local, como os já conhecidos Big Foot, F-Maxx e Limusine.

Instrumentos Musicais - Tudo sobre Pianos

2011-07-06T08:53:00.000-07:00

1. Chapa de ferro

As cordas de um piano apertadas em 440Hz fazem uma pressão em torno de 23 toneladas nas extremidades ao qual estão presas. Inicialmente, a criação da chapa de ferro se deu pela necessidade de aumentar a resistência estrutural do piano. No entanto, era um corpo a mais interferindo e interagindo indiretamente no produto final do instrumento, sonoramente falando. Assim, mais uma difícil tarefa para os ilustres fabricantes e seus engenheiros. Agora, a chapa de ferro tinha que ter forma e massa de metal para interferir o mínimo possível na sonoridade do instrumento. Atualmente, as chapas de ferro têm formas similares a uma chapa de ferro de um piano de cauda.
A chapa em questão é de um modelo de Steinway – A indústria que mais registrou patentes de projetos de piano no mundo.

2. Cepo

É muito comum ouvir as pessoas dizerem que o cepo do seus pianos é de metal. Isso está errado. A palavra “cepo” significa “madeira”. E, sendo assim, todo cepo de piano é de madeira ao que se sabe até hoje. Na imagem a seguir, temos o desenho em corte de um cepo de piano de cauda. Os cepos em geral são em camadas que, entre outros motivos, aumenta a sua resistência.

3. Tampa harmônica

A tampa harmônica de ressonância tem uma função bem parecida com a do tampo do violão. Ambos, inclusive, têm leques (pequenas ripas em madeira) que fazem com que o som se espalhe por toda a tábua harmônica. Essa madeira também tem função sonora e, por essa razão, deve ser selecionada cuidadosamente para esse tipo de função. Cada fabricante usa suas próprias medidas em termos de dimensões e espessuras. Nos violões de concerto, por exemplo, várias medidas diferentes são usadas, do centro do tampo a suas extremidades, variando de acordo com o fabricante. O mesmo vale para o tampo e fundo dos instrumentos de arco, que, por sua vez, constituem-se nos mais complexos cálculos em relação a outros instrumentos que utilizam o mesmo tipo de componente.
A seguir, na imagem da esquerda, temos somente a tampa harmônica com os leques. Na imagem da direita temos a tampa harmônica com seus leques já montados num piano de cauda (visão de baixo do piano).

Abaixo, olhando a parte de trás de um piano vertical podemos ver a tampa harmônica.

4. Corpo, caixa ou esqueleto

Os instrumentos acústicos possuem um corpo que terá direta ou indiretamente uma função acústica, por isso, a classificação instrumento acústico. De acordo com o tipo de instrumento, seu corpo terá mais ou menos atuação acústica. No caso do piano, esta atuação é quase que inexistente. A caixa de um piano tem o principal objetivo de unir ou sustentar toda a estrutura interna. Para termos uma idéia mais exata sobre isso, podemos usar o seguinte exemplo comparativo:

1. Retirando as laterais e o fundo de um instrumento de corda tangível, como o violão, percebemos a expressiva queda sonora e timbral do seu som final.

2. No piano ocorre o contrário, pois se são retiradas as laterais e as tampas, a sonoridade aumenta.
A seguir, imagens do corpo de um piano de cauda:

5. Teclado

Um teclado de piano nada mais é que um sistema de alavanca, ou seja, um pedaço de madeira (tecla), dois pinos (um de fixação vertical – equilíbrio – e outro de fixação horizontal – posicionamento) . Vejamos exemplo a seguir:

No exemplo a seguir, podemos observar o movimento da tecla do piano em torno do pino de fixação para o movimento vertical.

No exemplo a seguir, podemos observar o movimento da tecla do piano em torno do pino de fixação para o movimento horizontal. (para os lados).

Nota: o pino de fixação para o movimento horizontal (posicionamento) tem como principal objetivo fazer com que as teclas não se movam para os lados, enquanto o pino de fixação de movimento vertical (equilíbrio) tem como objetivo impedir que a tecla mova-se para frente e para atrás.

6. Máquina do piano

A maior parte das peças da máquina de um piano são de madeira e, por essa razão, são confeccionadas à mão (razão pela qual essas peças não tenham forma de alta precisão. Isso dá início a uma grande e bela história evolutiva da física instrumental do piano, utilizado cada vez mas a tecnologia de ponta disponíveis em outras épocas. As maiores indústrias de piano do mundo, como a PETROF, STEINWAY, BÖSENDOLFER, YAMAHA, entre outras, construíram em suas fábricas grandes centros de tecnologia para o estudo e aprimoramento de magníficos pianos. Alguns equipamentos tecnológicos, como softwares, também foram desenvolvidos especialmente para estas finalidades.

Na história, a evolução dos instrumentos se deu desta formas:
Um músico executava ou compunha uma música. Um físico ouvia e cantava, às vezes, se inspirando, o que o levava aos estudos que, por suas vez, resultavam em uma melhoria do instrumento.
Assim, o músico compositor deslumbrado com a novidade, ficava tomado de inspiração e compunha músicas ainda mais bonitas, exigindo mais do instrumento. Dessa forma, os físicos se inspiravam ainda mais, e assim ocorre ata os dias de hoje.

A seguir, imagens da máquina dos pianos. A da esquerda mostra o sistema de ação do piano de armário (vertical). A da direita mostra o sistema de ação do piano de cauda. Falaremos basicamente de doze pontos dos 35 sistemas da máquina de um piano de cauda, tendo em vista que a concepção de ação entre os dois tipos de sistema são quase o mesmo.

A peça 1 é um escapamento. Quando uma tecla é acionada, é o escapamento que empurra o martelo (que vai em direção às cordas).

A peca 2 é o cabo que segura o martelo.

A peca 3 é a cabeça do martelo.

A peca 4 e o feltro da cabeça do martelo. Esse feltro não e um feltro comum que encontramos em lojas de tecido em geral. Ele tem uma textura diferente, própria para a finalidade do martelo. O feltro do martelo tem a finalidade de promover um som mais forte, homogêneo e doce. Se batermos um martelo comum, este não apresentará nenhum movimento após a pancada, ou seja, após a pancada, o martelo ficará estático no local batido. Fazendo essa mesma experiência com um martelo que tenha cabeça de borracha, notaremos que após, a pancada, ele voltará um pouco para trás. A finalidade do feltro não é apenas sonora. Após a pancada na corda, o feltro da cabeça do martelo fará com que este retorne com velocidade proporcional à com que chegou à corda. No caso do piano de armário, outras peças – como molas – auxiliam na volta do martelo à posição inicial.

A peça 5 é o cavalete lateral que dá apoio à régua onde é preso o sistema de martelos. Esta peca é de metal.

A peça 6 é parte do sistema de contra-abafadores. Quando tocamos uma nota ao piano, uma das extremidades da tecla toca no sistema de contra-abafadores, desencostando o mesmo da corda e permitindo que o som soe livre enquanto a tecla estiver pressionada. A seguir, a imagem do sistema de contra-abafadores de um piano de cauda.

A peça 7 é uma espécie de cocho de martelo. Sua finalidade é não deixar que o martelo ficar quique quando a tecla for solta bruscamente.

A peça 8 tem como principal função o ajuste direto do contato do escapamento com o martelo.Conforme a extremidade dessa peça estiver mais para cima ou mais para baixo, o local de intercessão onde ocorre o atrito da área da cabeça do martelo com o cabo do martelo também muda, bem como será maior ou menor. Vejamos uma ilustração a seguir onde, no desenho A, o escapamento esta tocando o cabo de martelo numa determinada área. Já no desenho B, em outra área.

A peça 9 também regula a posição do escapamento. Sua maior atuação está diretamente relacionada à sua posição (mais para frente / mais para atrás), atuando diretamente no ponto que irá impulsionar o martelo.

A peça 10 é um pino de metal. Esse pino é o ponto de contato de cada tecla com o sistema de máquina do piano.

A peça 11 é a tecla do piano.

A peça 12 nada mais é que uma tira de feltro manta, que tem como finalidade evitar sons indesejados quando o martelo do piano cair num movimento natural de volta ao seu ponto de partida.

7. Pedais

Os dois sistemas de pedais, seja de piano de armário ou de piano de cauda, oferecem uma concepção quase iguais no que se refere a forma de funcionamento. Porém, o sistema de pedais de um piano de armário envolve um conjunto de peças mais interessantes, além de poder ser visto com mais facilidade por você mesmo (a) em seu próprio pianovertical. A seguir, podemos observar como esses dispositivos são e estão dispostos.

Em cada uma das barras horizontais existe uma mola curva em formato de “C”, que fica posicionada quase no centro da barra horizontal (também servindo como ponto de equilíbrio) e permite que o pedal volte sozinho ao seu estado inicial. O sistema de pedais de um piano de armário funciona com a mesma concepção de um sistema de alavanca, assim como o sistema de teclas. As barras horizontais são conectadas com as barras verticais por meio de um pino de encaixe. Então, quando pisamos no pedal, abaixamos uma das extremidades da barra horizontal, enquanto a outra se levanta. Por sua vez, essa outra extremidade que se levanta, empurra para acima a barra vertical, acionando assim sua função de destino. Se for o pedal da surdina, a alavanca (que fica dentro da máquina do piano) aproxima todos os martelos da corda, diminuindo a distância entre eles e, conseqüentemente, diminuindo a força da pancada, o que proporciona um som de menos volume. Inversamente ocorre na ação do sistema de sustain e do abafador. Quando pisamos no pedal de sustain (abaixando assim um das extremidades da barra horizontal), a barra vertical sobe acionando a alavanca dentro da máquina do piano e, consequentemente, afastando os contra-abafadores das cordas, o que permite que o som soe livremente. O sistema de pedal de abafador funciona da mesma forma que o pedal de sustain, sendo que, ao invés de afastar os contra-abafadores das cordas (proporcionando um som livre), desce a barra com feltro que se antepõem entre os martelos e as cordas, abafando o som.

8. Jogo de cordas

As cordas de um piano apertadas no diapasão em 440Hz, fazem uma pressão de toneladas nas extremidades em que estão presas. Se a afinação estiver no padrão de orquestra (diapasão em 442hz), a pressão será ainda maior. Nenhuma das cordas do piano tem o mesmo cumprimento. No piano, existem notas com 1, 2 e até 3 cordas. Quando a nota tem mais de uma corda, essas deverão ter a mesma espessura. Para que uma nota atinja corretamente seu ponto de afinação dentro de uma escala, não basta somente apertar a(s) corda(s) referente(s) àquela nota. Essa(s) corda(s) deve(m) respeitar uma proporção matemática entre a espessura da corda e seu cumprimento.
As cordas do piano são basicamente dividias em dois tipos: Cordas e Bordões.
As cordas são de arame de aço liso somente, sem nenhum tipo de enrolamento. Já os bordões, são constituídos de cordas lisas envolvidas uma, duas ou três vezes em arames de cobre com espessuras diferentes. Vejamos a seguir.

9. Reforço estrutural

Reforço estrutural significa reforçar a estrutura. O peso de um piano, seja ele de armário ou de cauda, é bem pequeno quando comparado à pressão a que o instrumento está submetido pelas cordas. Por essa razão é que se faz mister um projeto à parte só para se tratar desta questão. Esse projeto vem com o objetivo de criar reforços no corpo do piano que o ajude a suportar não só o peso de todos os componentes internos, mas também toda a grande pressão imposta pelas cordas afinadas no diapasão. Normalmente, o reforço estrutural é constituído por toras maciças de madeira localizadas no verso do piano. No exemplo a seguir, foram utlizadas imagens já mostradas acima, só que agora, apontando o reforço estrutural ao invés de leques.

10. Tampas

As tampas do piano (seja de armário ou de cauda) têm a função de melhorar a proteção de seus componentes internos contra a poeira e outros agentes contidos no ar, que podem diminuir o tempo de vida útil do instrumento, bem como o bom funcionamento dos sistemas mecânicos. Em geral, as tampas dos pianos de armário e de cauda são da seguinte forma:

fonte: http://www.tudoempiano.com.br

Tradução - Nickelback - Never Gonna Be Alone

2011-07-05T06:28:00.000-07:00

Nunca mais vai estar sozinha

O tempo está passando, muito mais rápido do que eu
E eu estou começando a me arrepender de não gastar
tudo isso com você
Agora estou, querendo saber por que
eu tenho mantido isso engarrafado aqui dentro
Então, eu estou começando a me arrepender de não dizer tudo isto para você
Então se eu não o fiz ainda, quero que você saiba

Você nunca vai estar sozinha
Deste momento em diante
Sempre que você sentir que está partindo
Não vou deixar você cair
Você nunca vai estar sozinha
Vou te segurar até a dor passar

E agora
Enquanto posso
Tenho aguentado firme com ambas as mãos
Porque sempre acredito que não há nada que eu precise além de você
Então se eu não o fiz ainda, quero que você saiba

Você nunca vai estar sozinha
Deste momento em diante
Se você se sentir que está partindo
Não vou deixar você cair
Quando toda a esperança estiver desaparecido
Eu sei que você poderá continuar
Vamos ver o mundo
Vou te segurar até a dor passar

Você tem que viver cada dia
Como se fosse o único
E se o amanhã nunca vier?
Não o deixe escapar
Poderia ser o nosso único
Você sabe isso tudo apenas começou
Cada dia
Talvez o nosso único
E se o amanhã nunca vier?
Amanhã nunca chegar

O tempo está passando
muito mais rápido do que eu
eu estou começando a me arrepender de não dizer tudo isto para você
Portanto, se eu ainda não disse, eu preciso que você saiba ...

Você nunca vai estar sozinha
A partir deste momento em diante
Se você sentir que está partindo
Não vou deixá-la cair
Quando toda a esperança estiver desaparecido
Eu sei que você pode continuar
Vamos ver o mundo sozinhos
Vou te segurar até a dor passar

E vou estar lá pra seguir todo o caminho com você
Não vou estar fora mais um dia sem você
E vou estar lá pra seguir todo o caminho com você
Não vou estar fora mais um dia sem você

fonte: http://www.vagalume.com.br/nickelback/never-gonna-be-alone-traducao.html#ixzz1RR5nSoyW

Tecnologia e Música - Advance Fretpro 2.0

2011-06-28T07:50:00.000-07:00

Sistema operacional: Windows 2000/2003/95/98/ME/NT/XP/Vista

Disponibiliza uma grande variaedade de acordes, escalas e harmonias, além de representar as notas graficamente no braço do instrumento (Violão ou Guitarra).

Software indicado para estudantes que desejam aprender mais.

Download (copie e cole o link abaixo no navegador de internet)
http://www.canone.com.br/canone/downloads/downloads/doc_download/42-advancet-fretpro-20.html

Palco acústico Angeloni dia 02 de Julho

2011-06-27T05:17:00.000-07:00

Nesse dia 02 de Julho (sábado) apartir das 12:00 hrs, estarei mais uma vez no palco acústico Angeloni em Jaragua do Sul, junto com Dhinho Difrero. Estaremos apresentando um repertório acústico de estilos variados como Pop, Rock, Mpb e outros. Fica aqui meu convite a todos que gostam de uma boa música.

2 anos sem Michael Jackson

2011-06-25T15:45:00.000-07:00

Exatamente dois anos atrás, o mundo perdia Michael Jackson, aquele que durante sua vida ostentou o título de rei do pop. Mesmo após sua morte, o cantor não perdeu a majestade: ganhou um filme exibido mundialmente nos cinemas com fragmentos de ensaios e preparativos daquela que viria a ser sua última turnê This is It (2009, dirigido por Kenny Ortega), um álbum póstumo (Michael, 2011, que inclui duetos com Akon, 50 Cent e Lenny Kravitz) e outros projetos esperam ser lançados, só dependem da liberação da justiça.

Ainda em junho de 2011, o clipe de Crowdsourcing estreou no Facebook como parte do legado de Michael Jackson. Foi um projeto lançado em esfera global e fez com que pessoas de todos os cantos do mundo pudessem gravar sua homenagem ao cantor. O resultado foram 15 mil vídeos de 103 países diferentes. A versão final foi dirigida por Dennis Liu.

Michael ainda será imortalizado pelo Cirque du Soleil em um espetáculo musical, previsto para estrear em outubro. O espetáculo Michael Jackson: Immortal World Tour passa pelo Canadá, depois segue em turnê pelos Estados Unidos. O concerto será composto por hits memoráveis do cantor e canções inéditas que o astro estava finalizando. Outro projeto que o tem como tema é do rancho Neverland, antiga casa do rei do pop, ser recriado em um hotel-cassino de Las Vegas, nos Estados Unidos, cuja previsão para ficar pronto é em 2013.

Anúncio da Morte

Michael Jackson morreu na tarde de uma quinta-feira (25 de junho de 2009) após sofrer uma parada cardíaca e ser levado às pressas para o hospital UCLA Medical Center, em Los Angeles, nos EUA. Aos 50 anos, o cantor não respirava quando os paramédicos chegaram à sua casa. Ele deu entrada no hospital em estado de coma. A morte de Jackson foi confirmada por um porta-voz do Instituto Médico Legal de Los Angeles em entrevista à rede de TV CNN pouco antes das 20h30 (horário de Brasília).

fonte: http://www.jb.com.br

Hermes e Renato ( Banda Emo)

2011-06-25T15:30:00.000-07:00

Confira esse divertido vídeo de Hermes e Renato ( banda Emo):

Minhas Músicas com o Grooveshark

2011-06-22T14:34:00.000-07:00

Manter suas músicas perto de você é sempre muito bom, mas as vezes acabamos saindo de casa e não lembrando de levar nosso iPod ou qualquer outro aparelho que contenha nossas músicas preferidas. Agora você tem uma opção para manter suas músicas sempre por perto.

Como posso armazenar e acessar minhas músicas de qualquer lugar?

Utilizando a tecnologia cloud (nuvem), o Grooveshark vem para solucionar este problema. Trata-se de um website onde você pode criar um perfil para armazenar suas músicas preferidas e compartilhar com seu amigos no Facebook, por exemplo. Com um vasto acervo musical, a biblioteca do Grooveshark com certeza irá satisfazer sua busca por um site onde você possa armazenar todas as suas músicas em um lugar seguro, podendo acessar de qualquer lugar onde você estiver, inclusive do celular.

Posso ouvir minhas músicas do Grooveshark no celular?

Caso você possua um iPhone, é possível baixar o aplicativo para acessar suas músicas de qualquer lugar do mundo em que você tiver acesso à internet com o seu aparelho celular.

Com o advento de novas tecnologias, cada vez mais as facilidades apresentam-se para que possamos nos preocupar com coisas úteis e deixar que os aparelhos, bem como a tecnologia em si, cuide de detalhes cotidianos que não necessitam de uma atenção muito grande de nossa parte.

A improvisação musical

2011-06-22T14:17:00.000-07:00

A arte de improvisar é realmente um dom. Não é qualquer um que pega um instrumento e toca uma música sem nunca ter a ouvido antes, ou pega um microfone e cante uma música com rimas e ritmo perfeitamente aguçados e harmônicos.

No mundo em que vivemos, improvisar é ser um destaque, é constitui um milagre, pois a arte de criar vem a partir da arte de improvisar, e na música a improvisação aliada à inspiração pode ser um novo modo de fazer as harmonias aparecerem e a novas tendências musicais serem criadas.
A improvisação individual ou em grupo, tem e teve ao longo da história da música um papel fundamental e de grande importância.
Por definição, a improvisação é, para o mesmo autor, uma composição extemporânea, elaborada por um ou mais fazedores de música. Normalmente, improvisa-se sobre um tema, qualquer melodia, qualquer sucessão de acordes, mas também seguindo uma tendência sem qualquer ponto de partida preexistente.
Mas não é tão simples quanto parece. Se formos listar passos para a improvisação musical, poderíamos citar primeiro um amplo conhecimento musical, baseado em muita leitura e pratica. A harmonia (acordes) é sem duvida um passo fundamental na improvisação musical que devem estar bem treinadas, os acordes são a base para a criação das frases da improvisação, que podem ter vários ritmos, como rap, jazz, remixada, axé, pagode, entre outros assim desejados pelo gosto musical do compositor do improviso. Outro passo fundamental e extremamente necessário é ter um bom conhecimento rítmico, para que sua música não fique monótona e que seja apreciada por todas as ouvintes. E por ultimo não poderíamos esquecer-nos de um ingrediente bastante importante, ou talvez o mais importante que é a criatividade aguçada para criar as linhas melódicas do seu improviso. Combinando isto tudo, formaria se uma boa música a partir de um improviso bem estruturado, mas para improvisar na hora de tocar, acrescentamos mais umas dificuldades.

Pegar um violão e sentar em uma roda de amigos e tocar qualquer música a partir do que eles cantam sem conhecer a música tem que saber muito de música e acordes. Para quem tem super ouvidos, que já ouvi a música e já sabe quais notas colocar no instrumento para que saia harmonicamente com o canto seja mais fácil de improvisar. Mas quem tem um pouco de dificuldade com ouvir a música e improvisar as notas no instrumento, recomendo ir tentando acertar as notas vagarosamente, e tentando encaixar os acordes com o ritmo, e conforme a pessoa vai cantando você vai notando um padrão de melodia e quando você encontrar todo o padrão da melodia da música você já ta acanhado para tocá-la. Mais se caso você tenha um grande conhecimento musical, não sendo tão aguço na audição, é só utilizar seu grande conhecimento musical com tentativas de notas diferentes até encontrar os acordes corretos para utilizar na música.
Também é necessário falar da improvisação sobre progressões de acordes, para aprendermos mais sobre a improvisação na música.
Uma vez que você tenha alguma ideia da associação entre as cifras dos acordes e as escalas, e como desenvolver uma linha melódica, você pode começar a improvisar sobre progressões harmônicas. Em situações de palco, a seção rítmica estará delineando as progressões harmônicas no tempo, enquanto você toca linhas melódicas improvisadas baseadas nas escalas que lhe são associadas. Geralmente haverá mudança de acorde a cada compasso, e você precisa ficar trocando de escala para acompanhar.
Entretanto, você não deve pensar um acorde de cada vez. Você deve ficar tentando construir linhas que levem de um acorde para o próximo
A prática também é fundamental no improviso, e nas progressões harmônicas é fundamental praticar todos os dozes tons para ganhar a maior influência possível.

Não devemos ser apenas improvisadores de musicas, devemos estudá-la bastante, para depois começar improvisar, pois ser um atrevido improvisador musical desprovido de competências / habilidades técnicas para tal, pode não passar de um“musicastro” (mau músico) que constantemente “musiquea” (faz música má, sem arte, sem espírito e sem graça), o qual reduz a sua vivência musical à criação de “musicatas” (Sol-e-dó improvisado, pretexto para bailarico) e atreve-se a ser unilateralmente um eterno e simples“musiquim” (aspirante a músico), por isso tome cuidado da forma de improvisar suas músicas e solos.
Sempre devemos esbanjar nossa inspiração, criatividade em qualquer momento, sendo isto na música ou no dia-a-dia. Seja um improvisador musical, inove a arte da música, talvez misturando ritmos, como jazz e um bom Rock & Roll, ou talvez um rap e um pagode, seja como você quiser, seja livre para mostrar sua arte, mas antes de tudo como citei no último parágrafo, seja um bom músico e sempre estude música, sempre pense em música, viva a música e seja livre junto com ela porque como diz um velho músico chamado Beethoven “A música é a revelação superior a toda sabedoria e filosofia.”

Recomendo para a improvisação de progressão de acorde, alguns cantores de Jazz dos anos 50, que são de grande ajuda os ouvirem e ver como funciona este tipo de improvisação no Jazz. Os nomes são : Miles Davis, Clifford Brown, Sonny Rollins, John Coltrane, Cannonball Adderly, Art Pepper, Red Garland, Hank Jones, Herb Ellis, Joe Pass, Paul Chambers e Ray Brown.

fonte: http://pensamentomusical.com.br

Improvização - Tons Vizinhos

2011-06-22T14:08:00.001-07:00

Primeiramente temos que lembrar que as melhores notas pra se resolver um solo ou delinear uma melodia estão nos acordes. Ou seja, se você vai solar sobre um Dó maior, as melhores notas estão nas que formam o acorde, neste caso: C (tônica), E (terça maior) e G (quinta justa).
Então qual a importância dos tons vizinhos?
Se você fosse pensar na próxima nota em relação as 3 notas do acorde, teríamos para Dó um Ré, para Mi um Fá e para Sol um Lá.
Abaixo temos só as notas da tríade de Dó e depois como encrementar esta pequena seqüência de notas.
e—-3——————————–
B————-5———————–
G————————5————
D————————————-
A————————————-
E————————————-
agora veja com notas vizinhas (sempre notas diatônica, ou seja, que pertencem a escala de Dó):
e—-5–3—————————–
B————6–5—-3—————-
G———————-5————–
D————————————-
A————————————-
E————————————-
Já dá pra se ter uma idéia de como incrementar frases simples e licks.
Se fossemos aplicar a mesma idéia em uma progressão que envolve um acorde G e depois um C, pegaríamos as notas que formam as duas tríades:
e—–3—————————3——————–
B———3—————————5—————-
G————–4————————–5————
D——————————————————
A—(tríade de Sol maior)——-(tríade de Dó maior)—
E——————————————————
Agora veja abaixo como pode ficar com as notas vizinhas:
e–5–3——————-5–3————————-
B——–5–3——————-6–5—3—————
G————–5–4———————–5————
D——————————————————
A—–(Sol maior)———-(Dó maior)——————
E——————————————————
Os acordes oferecem, na maioria das vezes, caminhos gostosos de tocar e quase sempre certeiros, mesmo pra quem ainda não possui uma técnica mais avançada e quer compor de forma coerente as suas músicas.
Outra maneira é com as notas que não pertencem a escala do acorde e muito menos ao acorde, mas dão um toque out-side muito interessante.
Pegamos todas as notas empilhadas do acorde e usamos meio tom abaixo, as notas como aproximação. O efeito parece tridimensional, como se o acorde tivesse uma sombra.
Vejam um desenho de um simples Sol maior:
e——-3————————–
B——-3————————–
G——-4————————–
D——-5————————–
A——-5————————–
E——-3————————–
Agora veja como encrementálo com meio-tom abaixo, criando uma melodia intrigante:
e—–2-3————————–
B———2-3———————-
G————-3-4——————
D—————–4-5————–
A———————4-5—1-2—-
E——————————-3–
e———–2-3–6-7—————
B——-2-3———-7-8———–
G—3-4——————6-7—4—
D———————————-
A———————————-
E-(este pode ser usado sobre um G mixolídio)-
Agora sobre um acorde de Sol, veja como misturar os tons vizinhos e notas de aproximação. Experimente usar tercinas, acentuando a última nota da célula. veja o destaque para notas, em que vou chamar de:
V = visinhos
T = notas do acorde
A = nota de aproximação cromática (sombra)
e—3—-|—————-5-2-3———|——–
B—3-6–|———-5-2-3-V-A-T-6-4-5—|——–
G—4—-|—-5-3-4-V-A-T——-V-A-T—|-7-4-5–
D——–|—-V-A-T———————|-V-A-T–
A——–|——————————|——–
E—G7—|——————————|——–
Outra idéia que dá um sabor oriental é pegar uma tríade maior e tocar 1/2 tom acima de qualquer grau do acorde.
Exemplo sobre tríades de E:
e–0–1p0———————————
B–0——1p0—————————–
G–1———-2p1————————-
D–2————–3p2———————
A–2——————3p2—————–
E–0———————-1p0————-
e–4–5p4———————————
B–5——6p5—————————–
G–4———-5p4————————-
D–6————–7p6———————
A–7——————8p7—————–
E–7———————-8p7————-
e–7—8p7——————————–
B–9——-10p9—————————
G–9————10p9———————-
D–9—————–10p9–7p6————
A–7—————————8p7——–
E–7——————————–8p7—
p = pull-off ou ligado ascendente (voltando)
Clima oriental e completamente inside sob o ponto de vista da escala de Am harmônico.
Mesmo sendo sempre intervalos de 1/2 tom, as notas são diatônicas da escala de Am harmônico, logo sobre O acorde E7 (Vº de Am) cai como uma luva, pois as notas vizinhas são do proprio acorde F (bVIº de Am).

Campo Harmônico – Menor Harmônico

2011-06-22T14:05:00.000-07:00

O MODO MENOR HARMÔNICO

Para que o modo menor servisse à harmonia com o mesmo status do modo maior, foi incluído um semitom entre os graus VII e VIII também. Para isso, foi necessário que o grau VII da escala menor natural, fosse elevado em um semitom e por causa dessa origem, a nova escala menor recebeu o nome de menor harmônica.
Vamos ver os intervalos:
Menor natural:
T – 9 – b3 – 11 – 5 – b6 – 7 – 8
Menor harmônica:
T – 9 – b3 – 11 – 5 – b6 – 7M – 8
O que alterou foi apenas uma nota, mas acabou encurtando a distância entre a 7a e a 8a e aumentando a distância entre a 6a e a 7a
Este espaçamento muda todos os acordes do campo harmônico.
Vamos usar a escala de Lá menor como referência para melhor visualização:
Escala de Lá menor natural:
A – B – C – D – E – F – G – A
Escala de Lá menor harmônica:
A – B – C – D – E – F – G# – A
Empilhando as terças:
Tônica - A - B - C - D - E - F - G# - A
3ª - C - D - E - F - G# - A - B - C
5ª - E - F - G# - A - B - C - D - E
7ª - G# - A - B - C - D - E - F - G#
Se utilizarmos a tabela da página anterior com os nomes dos intervalos, poderemos analizar cada acorde.
Neste caso teremos os seguintes acordes:
I II III IV V VI VII
Am7M Bm7(b5) C7M(#5) Dm7 E7 F7M G#dim
Modos:
Am7M – menor harmônica
Bm7(b5) – Lócrio6
C7M(#5) – Jônio#5
Dm7 – Dórico#11
E7 – Mixolídio b13/b9
F7M – Lídio #9
G#dim – Simétrico

Instrumentos Musicais - Guitarras

2011-06-22T13:46:00.000-07:00

O instrumento de som número 1 dos apaixonados por rock, a guitarra é um instrumento que congrega altos recursos tecnológicos e muita história de dedicação e paixão pela música. Há modelos que são representadas por instrumentos tradicionais e acústicos, foi na versão elétrica que ela ganhou o designer e a popularidade que conhecemos. “Uma guitarra produz o som que a alma vibra ao senti-lo”.

Instrumento de trabalho do “guitarrista”, muitos deles famosos, como Eric Clapton, a guitarra é tão popular que praticamente todos os ritmos musicais adotam-a em sua harmonia. Saindo sons romântico para os apaixonados ou som “pesado” para os aficionados por rock n’ roll, ninguém resiste a doce e encantada “voz” que uma guitarra bem afinada, percussionada por um bom músico, é capaz de produzir.

Uma parente próxima do violão, em alguns países, inclusive, sendo este chamado de guitarra ao pé da letra, não poderíamos imaginar como seria o universo da música sem este instrumento fantástico. Quem já não se emocionou ouvindo o toque de uma guitarra? Em shows de bandas ou até mesmo nos famosos “bailões sertanejos”, é um instrumento obrigatório, dá o tom certo para todos os tipos de música.

A tradição daquilo que hoje conhecemos por guitarra, remonta a um período estimado em 5 mil anos atrás, com modelos rústicos, os quais nem se imagina como que seriam, chegando, finalmente, ao século atual, com a modernidade e performance de um instrumento altamente sofisticado, que utiliza, no caso dos modelos elétricos, as propriedades da energia para complementar seu funcionamento e fascinação sonora.

Alguns dos maiores guitarristas do mundo, entre outros, são: Jimmy Hendrix, Duane Allman (Allman Brothers Band), B.B. King, Eric Clapton, Robert Johnson, Chuck Berry, Stevie Ray Vaughan, Ry Cooder, Jimmy Page (Led Zeppelin), Keith Richards (Rolling Stones).

Dentre os guitarristas brasileiros, alguns dos maiores nomes são: Andre Christovam, Andre Zaza Hernandes, Andreas Kisser, Armandinho, Dino Rangel, Edgard Scandurra, Eduardo Ardanuy, Faíska, Fernando Noronha, Frank Solari, Pepeu Gomes, Tomati (sexteto do programa do Jô), entre outros.

Partes básicas da guitarra, presentes em praticamente todos os modelos do instrumento: mão, pestana, tarrachas, trastes, tirante, marcação, braço, tróculo, corpo, captadores, potenciômetros, cavalete, protetor de tampo, lateral ou faixas, abertura ou boca, cordas, rastilho, escala.

Como Mixar Uma Música Parte 3

2011-06-22T10:46:00.000-07:00

Realmente começando a mixar Agora iremos começar de verdade o processo da mixagem. Tenho certeza que muitos entusiasmados irão pular direto para este ponto, imaginando que este é realmente o ponto de partida. Vocês que fizeram isso vão se encontrar em um grande buraco logo, logo...
Porquê? Aqui vão algumas razões (existem muitas outras):
Se você entra nesse ponto e consegue um som de bateria realmente incrível e depois descobre que, familiarizando-se com o som, que ela tinha uma intenção mais leve, meio de balada. Você irá simplesmente perder horas tentando encaixar a sua “super” bateria, que no final ainda vai ficar soando errada.
Da mesma forma, você pode mixar quase todos os tracks, e descobrir que adicionando os vocais e ouvindo a letra o tratamento musical não condiz em nada com a natureza lírica da música.
Para quem está seguindo os passos corretamente e resumindo: você conhece perfeitamente a música e sabe onde quer chegar, porém como chegar até lá?
É muito simples de explicar. Você irá trabalhar em cada instrumento na mix, cuidadosamente refinando seu som, e verificando se ele age contra algum outro som na mix. Naturalmente você terá que voltar em cada instrumento umas 2 ou 3 vezes (ou até mais) assim que a mix estiver tomando forma.
Conforme estiver caminhando para o fim, tudo estará soando como uma parte de uma “mesma” música. Isto é o mais difícil de tudo o que eu escrevi até agora. Geralmente sobra sempre uma ou duas coisas que nunca soam como se estivessem “grudadas” com o resto da música.
EM QUAL ORDEM DEVO COMEÇAR ENTÃO?
Isso você deve decidir, mas como bateria e baixo formam a espinha dorsal de toda música com a voz situado no topo de todo o resto, faz sentido começar a construir sua mix pensando em termos de camadas que formam todo o conjunto. Quando começar a trabalhar em cada som, a tendência é sempre ouvi-lo isoladamente, e então aprovar as mudanças ouvindo o track junto com todo o resto da mix.
Uma sugestão de ordem de tratamento para cada track pode ser assim:
• Bateria
• Baixo
• Sons "pad" (teclados ou guitarras rítmicas)
• Outras partes principais “lead” (guitarras solo / teclados solo)
• Partes incidentais (metais / efeitos)
• Percussões
• Vocais
• Backing vocais

A idéia é rodar em torno destes instrumentos algumas vezes, então partir para:
• Programar os “mutes” nos tracks acima
• Compressão geral da mix (vá devagar aqui!...)
• Ajuste fino dos níveis de fader
• Transformar a mix em um arquivo WAV ou AIF estéreo
• Ir pra cama e dormir um pouco, deixando tudo como está!
• Verificar tudo na manhã seguinte

Tenho a certeza que você irá querer equalizar a mix total no final, mas aja com muito cuidado ao fazer isso!! Simplesmente não é uma boa idéia. Você sempre poderá equalizar a mix outro dia depois de “vivido” um pouco com aquela mixagem por um tempo, pois se você estragar tudo, sempre poderá voltar ao original. Se você errar a EQ da mix no AIF ou WAV, será muito difícil de consertar depois.
Este tipo de tratamento você pode deixar para o engenheiro de masterização, mas não acho nada errado uma compressão bem de leve (bem de leve mesmo) na hora de fazer o “mix down” ou “bounce” (passar para um arquivo WAV ou AIF). Uma compressão leve afetará o balanço da mix levemente, portanto é bom fazer isso somente no final, após ter acertado todos os detalhes mais finos no faders antes.
Nos próximos artigos iremos trabalhar a mixagem instrumento a instrumento!

fonte: http://vandopereira.blogspot.com

Como Mixar uma Musica Parte 2

2011-06-22T10:41:00.000-07:00

Conheça o seu próprio setup, as ferramentas e plug-ins que possui antes de começar uma mixagem. Conecte os efeitos, plug-ins, teste diferentes parâmetros de cada um e ouça como cada um deles interfere no som, saiba exatamente qual é o seu território. E por menor que seja a quantidade de efeitos, plug-ins e ferramentas que você possua, tudo o que você precisa ter agora é o total controle sobre eles.
Conhecendo seu próprio território
Com os faders todos na posição do meio (não no 0 dB, no meio mesmo!!), coloque para tocar os tracks da música que você gravou. Detalhe: coloque em loop para não ter que ficar voltando toda vez (é isso mesmo, você vai ouvir muitas vezes, muita hora nessa calma).
Você não está mixando nada ainda, ok?! Confira os níveis de saída do master fader se está ok! Mova um pouco os faders (todos ao mesmo tempo), para que nada fique clipando (atingindo o nível vermelho). Não se importe com mais nada agora, tenha certeza somente que os níveis estão ajustados sem clips.
Confira se existe algum track de click, usado para gravar os instrumentos e ignore esses tracks (vazamentos nos tracks de instrumentos iremos tratar mais tarde!!).
Agora, enquanto tudo estiver tocando, mova os faders um pouco para baixo no que você ouve com mais volume, e para cima os faders dos tracks que está ouvindo pouco, equilibrando a música (de maneira grosseira ainda). Use os PANs (posicionadores entre esquerda-Left e direita-Right) de maneira aleatória (neste momento) para tirar tudo do centro. Mantenha no centro somente o bumbo e a caixa da bateria, o baixo e a voz principal bem no centro (pan = 0), por enquanto!
AINDA NÃO MEXA EM EQUALIZADORES OU COISAS DO TIPO!
Ouça a música algumas vezes. Visualize como cada parte da música se comporta e dê nome a essas partes. A maioria dos softwares permite que você nomeie as partes da música através de marcadores (markers), use isso, é muito importante!!
Familiarize-se com a música, entenda como funciona cada parte, onde estão os seus pontos de altos e baixos climas. Quais instrumentos têm que aparecer mais ou menos em cada parte. Tome nota disso, por mais rascunho que seja, é o começo de uma grande construção e você precisa ter firme seus alicerces. Tendo em mente onde você quer chegar, para não ficar sempre perdido no “por onde eu começo??”.
Ouvir CDs de referência (como mencionado nos artigos anteriores, ajuda muito na parte criativa).
Conheça também o conteúdo de cada track, dê nomes adequadamente (é para isso que serve aquele negocinho chamado “comments”) para que você não precise ficar sempre tendo que ouvir pra saber o que está ali e quando que aquela parte entra. Coloque cada detalhe em um trilha diferente, para que você possa mixá-la com total liberdade.
E ainda você não está pronto para mixar, portanto, NÃO MEXA NOS EQUALIZADORES OU COISAS DO TIPO!
Mesmo agora, depois de ter ouvido a música toda e conhecendo o conteúdo de cada trilha, e o comportamento de toda a música em todos os pontos, ainda não é hora da mixagem. Existem algumas brincadeirinhas que precisam ser feitas!!
PACIÊNCIA É FUNDAMENTAL!
Ouça atentamente a música e perceba como cada parte contribui para a música como um todo.
Existem partes que fica óbvio que trabalham juntas, não? Por exemplo, você pode estar ouvindo uma panderola tocando em contra-ponto, ou melhor, “conversando” com um shake qualquer. Este tipo de “conversa” funciona muito bem quando colocados estes instrumentos em estéreo, com a panderola na esquerda e o shake na direita (exemplo, ok?!?). Observe como funciona o processo dos níveis nos faders e os posicionamentos (pan) para este exemplo.
Outras partes também “conversam” entre si. Guitarras, por exemplo, adoram conversar com outros instrumentos, porém tente um posicionamento menos radical do que o do exemplo. Encontre o ponto exato que mais agrade ao tipo de som e ao momento da música. Todo o trabalho você fazendo, está deixando-o familiarizado e refinando o processo do conhecimento com a música a ser mixada, e você provavelmente está crescendo como artista e produtor, entendendo o funcionamento da escrita e arranjos musicais. Isto é pura arte!!!
Não fique com medo de realmente atacar os faders e pans, tente de tudo.
Você ainda não está mixando nada, só está conhecendo o território em que está pisando. O bom dessa experiência é observar a música de vários pontos de vista diferentes, por exemplo, experimente dar um “mute” (mutar) um canal e ouça como tudo soa diferente. Dê focos diferentes nos faders frente aos focos que você adotou anteriormente, não tenha medo de ousar, essa é a hora de experimentar.
Ouça a música através do ponto de vista do guitarrista, do baixista, do baterista, do vocalista, e perceba como cada instrumento interage com a música e entre eles. Faça notas de instrumentos que estão colidindo em trechos da música. Neste momento, muitas vezes monitores mais baratos (e comuns) conseguem captar o que realmente não funciona junto. Você precisa ficar atento a estas partes na hora da mixagem.
Importantíssimo também é compreender como a letra e a música se complementam e entender como as partes devem ser posicionadas para transmitirem seu conteúdo musical e emocional.
Preste atenção nas anotações feitas durante as etapas de gravação e experimentação, para não perder tempo mixando partes que eram para serem descartadas.
E também preste atenção em trechos que eram pra serem usados e ficaram perdidos nos meios dos tracks gravados. Sempre saiba o que você está descartando, qualquer dúvida entre em contato com o compositor e tenha certeza do que você está jogando fora, vai saber se não é nenhum “solo de guitarra que ficaria para história”!

Se você está usando tracks em MIDI, tenha certeza que não existam automações de MIDI que se sobrepõe sobre outras, para que você não se perca em milhões de mixagens em cima de automações, ou pior, utilize um pan e não obtenha o efeito desejado. Você definitivamente não estará conhecendo seu território.
Caso você tenha chegado a este ponto, então já tem uma boa idéia do como o som deve ser, quais partes encaixam-se perfeitamente e deve ter uma dose de anotações sobre como ficará a mixagem da música.
Se você seguiu todos os passos e não possui nenhuma idéia ainda, para ser bem honesto, proponho que você faça todos os passos acima, gastando bastante tempo em cada um deles, pois sem entender perfeitamente a música que está a sua frente, não existe maneira de fazer nenhum ajuste fino, muito menos a tal mixagem que estamos tanto falando.
Sinceramente, este é um ponto onde se deve parar e perguntar ao artista: “Desculpe, mas não estou entendendo como esta música deve soar, você pode me explicar como funciona cada parte da música e como ela se combina?”. Geralmente os “profissionais” do ramo não possuem tamanha modéstia e deixam o próprio ego auxiliá-los, infelizmente.
Quando você sentir-se confortável, e tiver um “mapa” de como a música funciona, conhecendo todo o seu próprio território, então você está CHEGANDO PERTO do processo de mixagem de uma música.
ENTÃO, COMO É QUE EU FAÇO??
Iremos caminhar através dos princípios básicos logo a seguir.
Um alerta necessário, é que depois de você realizar muitas mixagens, você já “sabe” perfeitamente o que deve ser feito logo de início, e tirando algumas pequenas surpresas inesperadas, você tende a ligar o piloto automático em algumas partes.
Isso é uma questão de dinheiro nos estúdios, pois tudo é cobrado por tempo e precisamos de produtividade, certo?! Então se lembrem destes passos com muito carinho, pois esses passos são os únicos que não podem ser dirigidos por “números” ($$$), entende??
Por mais básicos, são as estruturas de toda a mixagem e do entendimento artístico que o “compositor” desejou para sua obra. Não me entenda mal, mixar é definitivamente uma arte, produzir e mixar envolve muita criatividade, estamos falando de música certo??
Mas quem está pagando e, principalmente, fazendo a música é um doidão chamado de compositor, músico, estrelinha, artista (ou qualquer outro nome que você queira atribuir), porém é dele a idéia. ACRESCENTE e não RETIRE nada do trabalho de outro artista, esta é a idéia do trabalho da mixagem, ACENTUAR as intenções do compositor, e não DIMINUIR suas expectativas com relação a sua obra prima!!
Não mixe olhando o relógio, mas sempre pare antes de tocar o alarme, e essa lição só a experiência vai trazer!!
Tenha em mente que nunca a mixagem ficará perfeita (do jeito que você acha que seja a perfeição!!), mas pelo menos aqui tentaremos deixar o “cliente satisfeito” e o trabalho aceito por 99,9 % das pessoas importante$ que o cercam (claro que você não está incluído neste 99,9%!!!!rsrs)!!

fonte: http://adf.ly/573189/banner/http://vandopereira.blogspot.com

Como Mixar uma Musica Parte 1

2011-06-22T10:34:00.000-07:00

Não há absolutamente nenhuma afirmação aqui, que esta ou aquela é a maneira “certa” de mixar uma música - não existe tal coisa. Mas o que segue é uma descrição do que a maioria dos profissionais executa para mixar uma música, e embora isso não garanta que você obterá grandes resultados, pode ajudar-lhe pelo menos a evitar algumas armadilhas, e se você executar os procedimentos com altos padrões de qualidade, não há nenhuma razão para não conseguir resultados de padrões internacionais.

Muitas gravações que viraram sucessos foram gravados e produzidos em quartos e estúdios caseiros, e você não necessita de milhões de dólares para fazê-la.

Apenas um pouco de conhecimento, bom senso, e um bom par de ouvidos.

Parte 1: Ponto de Partida

Este artigo é escrito com a suposição que não é somente sobre uma mix que você estará fazendo, mas algo em que você irá utilizar o seu tempo, isto é, diversas horas com a intenção de obter resultados de nível internacional, não por acidente, mas de forma intencional. Acredito, que como eu, você tem mais ou menos 8 trilhas de áudio de bateria, uma ou mais trilhas de baixo, alguns teclados, guitarras, percussão, vocais e backings, e quem sabe uns efeitos muito loucos para serem usados em algum momento.

Adicionalmente, eu estou supondo que você tem um ambiente de mixagem devidamente controlado (quarto equiliabrado veja artigo sobre), um software de gravação que você domine e alguns efeitos como equalizadores, reverbs, compressores, de-essers e outros que sejam do seu gosto. Você não necessitará de todos, mas você necessitará quase certamente de alguns deles.

fonte: http://adf.ly/573189/banner/http://vandopereira.blogspot.com

Tirinhas - "A necessidade musical"

2011-06-19T20:34:00.000-07:00

Site permite mixagem de músicas online, sem nenhum download ou equipamento

2011-06-16T19:00:00.000-07:00

O Wheel of Steel é um player online que permite aos usuários mixar qualquer música sem ter que baixar nenhum software extra - só é necessário que o javascript esteja instalado na sua máquina. A ferramenta, criada por Scott Shiller, engenheiro do Flickr e criador do Sound Manager API, é usada no próprio browser e não necessita de download.

O usuário precisa apenas localizar a música, e nem é necessário que ela esteja armazenada no seu PC - só a URL funciona, mas é necessário que seja a URL do download da música. A partir de então, é possível fazer o que quiser, desde mixar, aumentar ou diminuir a velocidade, mudar o grave, o agudo, além de diversas outras funções.

Não é a primeira vez que o conceito de mixer virtual aparece, mas o fato de ser desenvolvido para trabalhar apenas online é novidade - pelo menos para nós.

Confira o vídeo-demonstração. E para fazer suas próprias mixagens, é só clicar aqui.

fonte: www.olhardigital.com.br

Ritmos Musicais - OJazz

2011-06-15T17:59:00.000-07:00

O jazz é uma manifestação artístico-musical originária dos Estados Unidos. Tal manifestação teria surgido por volta do início do século XX na região de Nova Orleães e em suas proximidades, tendo na cultura popular e na criatividade das comunidades negras que ali viviam um de seus espaços de desenvolvimento mais importantes.
O Jazz se desenvolveu com a mistura de várias tradições musicais, em particular a Afro- Americana. Esta nova forma de se fazer música incorporava blue notes, chamada e resposta, forma sincopada, polirritmia, improvisação e notas com swing do ragtime. Os instrumentos musicais básicos para o Jazz são aqueles usados em bandas marciais e bandas de dança: metais, palhetas e baterias. No entanto, o Jazz, em suas várias formas, aceita praticamente todo tipo de instrumento.
As origens da palavra Jazz são incertas. A palavra tem suas raízes na gíria norte-americana e várias derivações têm sugerido tal fato. O Jazz não foi aplicado como música até por volta de 1915. Earl Hines, nascido em 1903 e mais tarde se tornou celebrado músico de jazz, costumava dizer que estava "tocando o piano antes mesmo da palavra "jazz" ser inventada".
Desde o começo do seu desenvolvimento, no início do século XX, o Jazz produziu uma grande variedade de subgêneros, como o Dixieland da década de 1910, o Swing das Big bands das décadas 1930 e 1940, o Bebop de meados da década de 1940, o Jazz latino das décadas de 1950 e 1960, e o Fusion das décadas de 1970 e 1980. Devido à sua divulgação mundial, o Jazz se adaptou a muitos estilos musicais locais, obtendo assim uma grande variedade melódica, harmônica e rítmica.

Improvisação

Enquanto o jazz pode ser de difícil definição, improvisação é claramente um dos elementos essenciais. O blues mais antigo era habitualmente estruturado sob o repetitivo padrão pergunta e resposta, elemento comum em músicas tradicionais. Uma forma de música tradicional que aumentou em parte devido as canções de trabalho e field hollers. No blues mais antigo a improvisação era usada com bastante propriedade.
Essas características são fundamentais para a natureza do jazz. Enquanto na música clássica europeia elementos de interpretação, ornamento e acompanhamento são, às vezes, deixados a critério do intérprete, o objetivo elementar do intérprete é executar a composição como está escrita. No jazz, entretanto, o músico irá interpretar a música de forma peculiar, nunca executando a mesma composição exatamente da mesma forma mais de uma vez.

Dependendo do humor e da experiência pessoal do intérprete, interações com músicos companheiros, ou mesmo membros do público, um intérprete/músico de jazz pode alterar melodias, harmonias ou fórmulas de compasso da maneira que achar melhor. No Dixieland Jazz, os músicos revezavam tocando a melodia, enquanto outros improvisavam contra melodias. A música clássica da Europa tem sido conhecida como um meio para o compositor. Jazz ,contudo ,é muitas vezes caracterizado como um produto de criatividade democrática, interação e colaboração, colocando valor igual na contribuição do compositor e do intérprete.
Na era do swing, big bands passaram a ser mais baseadas em arranjos musicais - os arranjos foram tanto escritos como aprendidos de ouvido e memorizados (muitos músicos de jazz não liam partituras). Solistas improvisavam dentro desses arranjos. Mais tarde no bebop, o foco mudou para os grupos menores e arranjos mínimos; a melodia (conhecida como "head") era indicada brevemente no início e ao término da música, e o âmago da performance era uma série de improvisações no meio.
Estilos de jazz que vieram posteriormente, tais como o jazz modal, abandonando a noção estrita de progressão harmônica, permitindo aos músicos improviso com ainda mais liberdade, dentro de um contexto de uma dada escala ou modo (ex.: "So What" no álbum do Miles Davis, Kind of Blue).
As linguagens avant-garde jazz e o free-jazz permitem, e exigem, o abandono de acordes, escalas, e métrica rítmica, o grupo Das erste Wiener Gemüseorchester é um exemplo de free-jazz. Quando um pianista, violonista ou outro instrumentista com instrumentos harmônicos, improvisam um acompanhamento enquanto um solista está tocando, isso é chamado de comping (contração da palavra "accompanying"). "Vamping" é um modo de comping que é normalmente restrito a poucos acordes repetitivos ou compassos, como oposição ao comping na estrutura do acorde ao longo da composição. O Vamping também é usado como uma maneira simples de estender o começo ou fim de uma música ou continuar uma segue.
Em algumas composições modernas de jazz, onde os acordes fundamentais da composição são complexos ou de mudança rápida, o compositor ou o intérprete podem criar uma série de "blowing changes", que é uma série de acordes simplificada, melhor aplicada em comping e no improviso solo.

Músicos e compositores notórios de jazz

fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Jazz

Homenagem á canção "Eduardo e Mônica"

2011-06-13T16:20:00.000-07:00

Eduardo e Mônica, sucesso absoluto da Legião Urbana é indubitavelmente um dos vídeos mais vistos e comentados nas rede socias no momento, ele é fruto de uma parceria feita por uma empresa de telefonia e a produtora 02 Filmes, sob a direção de Fernando Meirelles.
Tanto vídeo quanto a música mostram que até as pessoas mais distintas podem dar certo, narrando os acontecimentos na vida de um dos casais mais famosos da música brasileira.
Imortalizada por uma das maiores bandas de rock que o Brasil já viu, a canção Eduardo e Mônica traz consigo um grande apelo popular, na verdade esta homenagem foi uma grande sacada dos produtores, lembrando que estamos às véspera do Dia dos Namorados.
Mesmo passados 25 anos desde o seu lançamento, a música continua embalando milhões de pessoas com história do casal que deu certo apesar das diferenças, o vídeo é muito bonito e se você não viu ainda, vale a pena dar uma olhada!

fonte: http://minilua.com/musica

Confira:

Vida de Músico - Apoio

2011-06-09T05:59:00.000-07:00

Muitas pessoas vivem de música. Outras gostariam de poder viver, mas simplesmente não conseguem enxergar estabilidade nisso. E existem aqueles que não se interessam por isso. Não me aterei a esses últimos.Meu objetivo hoje aqui não são eles. Durante uma conversa pelo MSN com um grande amigo meu baixista, estive falando a respeito de alguns vídeos de workshows de baixistas famosos e muito talentosos, e estive comentando a respeito da vida que se leva nesse tipo de trabalho. Na verdade, profissionalismo musical muitas vezes é algo além das expectativas das pessoas que o desejam. É algo que requer entrega de corpo e alma, renúncia a muitas coisas, e dedicação integral. Muitas vezes a pessoa vai ter que passar por situações chatas, até mesmo constrangedoras, algumas vezes, para ter um salário altamente instável. Muitas vezes o que se imagina é que a banda vá fazer shows em lugares nem tão adequados assim no início, mas que logo a banda vai crescer, e seus integrantes terão o espaço que merecem no mundo da música. A idéia seria aceitável, não fosse por um detalhe: o período inicial geralmente é muito mais longo do que se imagina. A música é uma característica que sempre fez parte da natureza, mesmo nos lugares mais inesperados. Por isso mesmo, o ser humano tem na música a base de toda a sua vida. Ainda que não perceba, ainda que não goste da idéia, sua vida é regida por ritmos e tons. Algumas pessoas tiveram a bênção de terem uma afinidade maior com o seu lado musical, outras nem tanto. Mas aquelas que souberam desenvolver esse lado musical, sentem-se animadas com a possibilidade de serem bem-sucedidas na vida apenas tocando o instrumento que gostam.

Essa animação, associada à falta de experiência e, muitas vezes, de informação, causa uma série de expectativas errôneas na pessoa. Expectativas essas que podem ser fatais para o bom desenvolvimento do músico. E é nesse momento que ele precisa de apoio.

Mas veja bem o que eu disse: apoio! Não diga a ele que não irá conseguir, ou mesmo fique repetindo para ele todas as coisas ruins que ele poderá experimentar. Não faz mal alertar, mas a repetição excessiva desse assunto e, mais especificamente, desse tipo de alerta, pode causar um sentimento de desconforto no músico, o que levaria ele a não mais contar com você para apoio moral, ou mesmo real. Se você é alguém próximo ao músico, apóie-o na sua busca por realização, mas perceba que ele, muitas vezes, vai precisar de alguém com uma cabeça diferente da dele para poder achar seu próprio caminho no mundo da música. É nessas horas que mesmo você vai precisar pensar imparcialmente para saber se realmente ele tem talento e feeling para música, ou se isso deve se tornar penas um hobbye para ele.

Precisamos ter em mente que a formação de um músico não significa necessariamente um mau caminho escolhido errôneamente por um indivíduo cego pelo desejo de tocar e exibir sua habilidade em tocar um instrumento para outras pessoas. Não fosse por essas escolhas, a música brasileira não teria evoluído, tão pouco a mundial. Precisamos ter em mente que a orientação e o suporte precisam estar sempre presentes na vida do artista, e precisam ser feitos por alguém que o conheça e que tenha feito parte de seu círculo social por algum tempo; em outras palavras, um bom amigo.

fonte: http://tal7.multiply.com

Falta noção no mundo da música

2011-06-09T05:27:00.000-07:00

Estava lendo alguns sites de música e me deparei com a seguinte notícia: “Filme Never Say Never, de Justin Bieber, bate This is it de Michael Jackson em faturamento”.
Agora vamos aos fatos, Michael Jackson teve uma longa carreira, vários álbums, clipes bem feitos, revolucionou e reinventou o mundo pop, lançou tendências, se envolveu em escandalos, ele foi “o cara” do pop mundial.
Agora vamos a Justin Bieber, lançou vídeos no youtube, foi descoberto, gravou quatro álbuns (sendo um deles uma coletânea e outro um álbum de remixes) e… e acabou.
Tá certo, Justin Bieber é o nome do momento, está em alta, tudo que ele faz vira notícia, mas o simples pensamento de que existem mais pessoas querendo ver o show dele do que o de Michael Jackson já me deixa desconfortável, ainda mais depois de assistir This is It, que mostra um Michael perfeccionista, humano e até engraçado.
Além dessa notícia, que me deixou receoso sobre o futuro da música, temos a sensação Restart no ano passado, ganhando tudo na MTV, eu acompanho o mundo da música, ouço diversos artistas novos, e tem muita coisa boa rolando por aí, além dos novatos, temos também artistas mais conhecidos, e que andam fazendo um som muito bom, letras boas, instrumental decente, mas os adolescentes de hoje preferem Restart, Nx Zero e outras bandas que tem mais marketing por trás do que realmente música.
Agora temos também Rebecca Black, que é muito ruim, mas eu não duvido que fará um sucesso estrondoso, afinal, tudo que é ruim está na moda, pra desespero de quem gosta de música.

fonte: http://ouvindo.com

Capital Inicial: Dinho Ouro Preto diz que Rock in Rio "dá medo"

2011-06-09T04:46:00.000-07:00

Faltam apenas 4 meses para começar o maior festival de música já realizado no Brasil. É claro que estamos nos referindo ao Rock in Rio 2011. Sobre o evento que se aproxima cada vez mais, Dinho Ouro Preto, vocalista da banda Capital Inicial, afirmou que o evento "dá medo". "O Rock in Rio é uma coisa ambígua. Me dou conta da exposição, da importância, da grandiosidade e da visibilidade do evento. Tudo o que envolve o festival é superlativo. O que menciono como negativo é o medo que me dá. Pois sou bastante ansioso. Sei que, na hora do show, vai me dar um pavor", disse o cantor após o pocket show realizado pelo Capital Inicial na Cidade de Deus, Zona Norte do Rio de Janeiro, no fim da tarde desta terça, 7. O fato de tocar para mais de 100 mil pessoas, também deixa Dinho nervoso. Uma coisa é você tocar para uma grande multidão em um show seu. Já encaramos coisas assim, e sei qual é a sensação. E, mesmo nestas circunstâncias, você fica nervoso. No entanto, quando você está participando de um festival, onde você sabe que aquela plateia está pulverizada, fica apreensivo. Não há como saber como as pessoas que querem ver a atração seguinte vão reagir ao seu show", finalizou o cantor.

fonte: http://marciorb.blogspot.com

Tirinhas Musicais

2011-06-07T11:04:00.000-07:00

"Amigo Surfista"

"O Músico Bêbado"

Galeria do Rock

2011-06-06T06:02:00.000-07:00

Convivência pacífica entre as pessoas faz do espaço um local que cativa o paulistano
Com mais de 400 lojas, a Galeria do Rock de São Paulo é tida hoje, como um dos principais pontos culturais no Estado.
Criada em 1963, ainda com o nome de Shopping Center Grandes Galerias, o prédio é frequentado diariamente por centenas de pessoas que se interessam por música em seu contexto geral.
No local, são comercializados diversos itens ligados ao tema, desde camisetas de bandas de Rock, Dvds e amuletos, sem se esquecer é claro, dos CDs e discos de vinil. Isso mesmo, uma das mais tradicionais lojas da Galeria aposta nos famosos “bolachões” para agradar o público.

No espaço desde a sua fundação, a “Baratos e Afins”, oferece dezenas de álbuns de difícil acesso a maioria das pessoas, seja pelo produto estar fora de catálogo, ou pela não comercialização de um disco clássico por uma determinada gravadora.
Dirigida por Luiz Calanca (foto acima), o local se tornou tão cativo, que é hoje referência para os saudosistas e pessoas que acreditam que o disco possuí maior atrativo se comparado ao CD.
Um outro aspecto que vale a pena ser mencionado quando se fala da Galeria do Rock, é a abrangência de tribos que visitam suas instalações nos seis dias da semana em que o local fica aberto. Ao frequentar os diversos pavimentos do prédio, é fácil encontrar headbangers (fãs de Heavy Metal), punks, góticos, e até mesmo rappers, que com o crescimento da cultura Hip Hop, ganharam praticamente um andar inteiro com produtos ligados a este segmento.

Agora, o que pouca gente sabe, é que a Galeria do Rock possuí todo um aparato para organizar tudo e manter o local em seu perfeito funcionamento. Um dos grupos que mais chama a atenção no local são os chamados emos, abreviatura da sigla americana “emotional”, que em português seria algo como “emocionais”. Estes através de uma vestimenta bastante peculiar com roupas menos escuras, cintos e cabelos coloridos, acabam por trazer tons mais suaves ao preto que consagrou o lugar durante tanto o tempo.

Um fato importante, a Galeria do Rock sempre contou com a visita de importantes personagens dos cenários brasileiro e internacional. Raul Seixas, a banda Sepultura, e o ex - lider da banda Nirvana, Kurt Cobain, são apenas alguns exemplos.

Informações

Endereço: Rua 24 de Maio, 62 – Centro – São Paulo
Horário de funcionamento: de segunda a sexta, das 9h às 20h; sábado, das 9h às 17h.

fonte: http://minilua.com/musica

Mulheres no mundo do Rock

2011-06-06T05:54:00.000-07:00

Um espaço inicialmente ocupados só pelo sexo masculino, hoje conta com o talento do sexo oposto.
Muitas delas ganharam prêmios por seu trabalho, confira algumas que fizeram e ainda fazem sucesso neste gênero.

Alison Mosshart

Jenny Lewis

Kim Gordon

Hayley Williams

Katie White

Shirley Manson

Karen O

Gwen Stefani

Tal Wilkenfeld

Emily Haines

Fiona Apple

Leslie Feist

Nico

Ginger Reyes

Amy Lee

fonte: http://minilua.com/musica