Photographe célèbre, réalisateur encore plus célèbre, Vincent Laforet était de passage à Paris pour donner une conférence à l’édition 2012 de la Creative Week d’Adobe.

Après Chase Jarvis, nous avons eu l’opportunité (merci Nicolas de tuto.com, Lionel et Virginie d’Adobe France) de rencontrer et discuter en tête à tête avec l’homme derrière “Reverie”, “Mobius” – et des centaines de grandes photos – pour parler de plein de choses : photo, vidéo, l’importance de la technologie, l’importance d’outrepasser la technologie, la nouvelle génération, les astuces, le passé, l’avenir et même de criquets.

Rencontre avec un homme passionné et passionnant.

crédit photo sauf spécifiées : Joseph “Jerka” André

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Vincent Laforet est un grand photographe. Cela pourrait être la fin de l’histoire, le sommet d’une carrière. Mais pour l’artiste franco-américain (cocori-yeah !), c’est juste la première étape.

En découvrant un certain 5D Mark II et en comprenant avant tout le monde la révolution qu’il amenait, Laforet s’est retrouvé propulsé étendard et référence du mouvement HDDSLR, qui révolutionne la vidéo depuis 2008. Et comme il reste un artiste visuel accompli, a produit des films toujours plus sophistiqués et matures, mêlant dernières technologies et vrai storytelling.

A l’heure de faire le grand saut dans le monde du cinéma, Vincent s’est assis avec nous juste avant sa conférence à la Creative Week 2012. Histoire de nous partager son expérience et nous ouvrir son esprit, que vous imaginez plutôt impressionnant.

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Vincent Laforet, qu’est-ce qui vous amène ici à Paris?

Eh bien, tout d’abord, mes parents sont Français (Vincent s’exprime dans un français presque parfait, bien que préférant s’exprimer en anglais), je suis né en Suisse avant de vivre à Paris, puis à New York.

Et plus dans l’immédiat, j’avais prévu un workshop en Allemagne lorsqu’Adobe France m’a contacté. L’enchaînement était plutôt tentant.

Quel est votre rapport aux logiciels Adobe ?

J’en utilise un certain nombre. On me qualifie de “bête numérique”, pourquoi pas (rires). Je les représente aussi parfois, comme au festival Sundance ou au NAB. Mais surtout, je suis un utilisateur et fan des softs Adobe.

Toute la Creative Suite ?

Disons que mon usage a évolué. Ca a vraiment commencé lorsque que j’apprenais Phototoshop à mes profs quand j’avais 16 ans… Oui, je suis sur Photoshop depuis une éternité et il y a un an et demi, j’ai fait l’acquisition d’une RED Epic. Je ne pouvais pas monter ses rushes avec Final Cut 7 ou Final Cut 10 et je me suis donc retrouvé à choisir entre deux solutions : Avid ou Premiere.

Je me suis dirigé vers Premiere, à cause d’After Effect, tout simplement. Nous avons alors passé tout notre workflow sous Adobe, parce que c’était la seule solution qui nous permettait d’utiliser sans refléchir de la RED, du 5D Mark II, du Time Lapse, de la GoPro, le tout dans un système unifié. C’était très important, surtout pour le Raw des RED.

Ce fameux workflow est-il si crucial ? Rêvez vous d’un ensemble de softs unifiés et simplifiés ?

Tout à fait. Je n’ai pas envie de me prendre la tête avec des “ah oui, je ne peux utiliser que cette caméra“. On veut juste shooter à l’envie, en laissant au soft tout le soin de gérer cela. Et ce n’était pas le cas il y a deux ans. Le monteur me disait “oh non non non, n’utilise pas cette caméra !“, “ne mixe surtout pas une RED et un 5D Mark II”, “fais pas ci, fais pas ça…”

Adobe a bien géré ce problem et les créatifs ont pu se contenter d’être créatifs ! On ne doit pas gérer “les chiffres”, vous savez (rires)

En parlant de vidéo : vous avez été un photographe très réputé durant des années, mais désormais, les gens vous connaissent encore plus pour la vidéo que la photo, malgré les 4 ans de pratique de l’une, face au 22 ans de l’autre…

Absolument, drôle de sensation ! Quatre ans seulement…

Comment en êtes-vous venu à la vidéo ?

Mon père travaillait au magazine Premiere. Le cinéma a toujours été dans ma vie. j’aurais pu entrer dans une école de cinéma, mais j’ai choisi le photojournalisme il y a 22 ans.

J’ai été en interne au New York Times, freelance pour National Geographic, Sport Illustrated, Paris Match… J’ai connu une belle carrière. Mais il y a sept ou huit ans, j’ai vu comment les choses tournaient pour le média papier : l’avenir ne s’annonçait pas très brillant. Et puis, le 5D Mark II m’est tombé entre les mains…

photo : Vincent Laforet

… Et là, l’étincelle.

Pas une étincelle, une explosion ! Je suis tombé sur les premiers exemplaires de pré-production, cachés dans des boîtes blanches chez Canon. Après avoir signé un accord de confidentialité, j’ai commencé à jouer avec, regarder les résultats et là, la révélation : “mon Dieu, cet appareil va tout changer !”.

Nous étions un Vendredi et ces tout premiers modèles devaient être envoyés le lundi matin à des photographes triés sur le volet. J’ai négocié, à ma manière : en demandant, encore et encore. Six, sept fois, jusqu’à ce que le représentant Canon craque et dise oui. Mon principal argument consistait à me plaindre que ces 5D Mark II n’allaient servir à rien ni à personne durant tout un week end ! La logique – et l’entêtement l’ont emporté. J’ai découvert le 5D Mark II à midi et ai réussi à en obtenir un à 16:00.

Je n’avais donc qu’un simple week end pour shooter “Reverie” (ndr : nous vous en parlions ici à l’époque). J’ai réuni deux amis, deux acteurs, un hélicoptère et nous avons shooté les deux nuits à notre disposition. J’ai mis le film en ligne et là, tout s’est accéléré : nous avons obtenu 1 million de vues en 24 heures, 2 millions en une semaine. Le site de Canon a enregistré plus de traffic cette semaine que durant tout l’année réunie.

A partir de “Reverie”, j’en suis arrivé à rencontrer les pontes des studios Disney, ILM, l’académie des Oscars… Comment dire non ? J’ai toujours voulu être un réalisateur, mais comment enchaîner 22 ans en tant que photographe à un nouveau départ de zéro dans le cinéma ? J’ai eu l’opportunité de sauter les étapes et de foncer droit devant. Ces 4 années ont été les plus folles de ma vie.

En terme de courbe d’apprentissage et de votre approche de photographe – et de plus en plus de photographes viennent à la vidéo, quelles ont été les plus grosses difficultés que vous ayez rencontrées ?

La courbe d’apprentissage est énorme. Si vous voulez produire des vidéos entre amis ou de sport, c’est un peu différent. Mais je vise les long métrages scénarisés et la publicité. Je voulais donc la meilleure lumière, les meilleures caméras, les steady cams, les russian arms, les hélicoptères… (rires)

En tout cas, les plus gros apprentissages pour moi ont été :

1. Comprendre comment un élément se crée, se monte, s’intègre. La photographie est très bien pour produire une image unique. Mais la vidéo consiste en un flot d’images toutes en parfaite relation les unes avec les autres, au sein d’un flot.
2. En tant que photographe, vous produisez une image que les gens peuvent regarder une seconde, ou contempler pendant une demie-heure, quand un film intègre une durée précise. Et de nos jours, j’appelle les spectateurs des “souris sous crack” (rires) : ils n’ont aucun attention, aucune concentration. Vous devez donc trouver le moyen de capturer leur attention – et de la garder. C’est un sacré challenge à notre époque, que l’on soit réalisateur de court, de long ou même de publicité : tourner, monter, post-produire une chose qui retienne vraiment l’attention du public.
3. Apprendre à travailler avec une équipe bien plus grande.
4. Et la chose la plus dure à intégrer : en tant que photographe, vous pouvez être réactif : vous voyez une belle chose, vous la shootez. En tant que réalisateur, tout tient à la pré-production. 90% de votre travail est fait avant même que vous ne posiez un pied sur le lieu du tournage : repérages, costumes, maquillage, lumière… Tout.

Mobius : behind the scene

Peut-on donc déduire que la vidéo est plus difficile que la photo, ou comparons-nous deux choses bien distinctes ?

Nous parlons de deux choses différentes. Quand vous êtes photographe en plein conflit ou Jeux Olympiques, l’instant décisif cher à Cartier-Bresson n’arrive qu’une fois. Vous ne savez où, quand cela va se passer, de quel objectif vous avez besoin. Nous parlons d’un ensemble de talent bien spécifiques.

Vous êtes maintenant réalisateur. Vous avez 60 prises pour obtenir ce bon plan. Mais vous devez gérer chaque petit détail et surtout, faire en sorte que ce plan arrive, se produise. C’est une partie différente de votre cerveau qui est ici en action.

En général, la logistique (humaine, financière) se révèle bien plus complexe en vidéo, de part le nombre de facteurs. Mais je n’en conclurai pas qu’un art est plus difficile que l’autre. Ils requièrent juste des talents distincts, en plus des communs.

Vous vous dites photojournaliste, mais vous travaillez avec une grosse équipe, sans parler de l’énorme quantité de matériel à votre disposition. Côté vidéo, après avoir débuté avec un 5D Mark II, vous vous êtes frotté à la RED, Phantom, Alexa, leurs accessoires, des véhicules… Est-ce que toute cette armada vous pèse, ou vous excite ?

Oh, tout cela m’excite. Si vous voyez cela comme une galère, vous ne devriez pas vous lancer en vidéo (rires), vous devriez retourner à la photo. C’est un privilège, d’avoir tous ces gens, tout ce matériel à disposition. Ce dans quoi vous ne devez pas tomber en tant que réalisateur, c’est la sensation que plein de matériel et de personnes feront un bon film. Votre rôle, c’est d’assurer leur bonne utilisation.

Respectez l’ouvrage, car vous êtes la seule personne sur place à savoir comment tout cela va s’imbriquer. Et si vous ne savez pas ce que vous faîtes, le désastre guette.

Du matériel photo, BEAUCOUP (photo : Vincent Laforet)

Vrai, tant les gens commencent à comprendre et vouloir que les technologies et techniques s’effacent derrière la créativité.

Je pense qu’en ce moment même, nous en sommes à un point où la technologie prime sur la créativité. Et nous avons besoin d’un renversement parce qu’aujourd’hui, tout le monde sait produire une vidéo. Mais tout le monde ne sait pas produire une bonne vidéo, la nuance est importante.

Nous avons du matériel qui nous permet de faire des choses impensables il y a 5 ans. Mais cela ne signifie pas que votre histoire sera bonne, ni que vous saurez bien la raconter. Vous devez penser en terme d’ouvrage. Lorsque vous regardez un Scorcese, un Kubrick ou un Orson Wells, vous comprenez qu’ils sont des réalisateurs hors du commun.

Faites-vous encore de la photo ?

Je fait quelques publicités, deux à trois par an maximum. Mais je suis désormais 100% concentré sur la vidéo.

Cela ne vous manque pas, de parfois juste prendre un appareil et sortir shooter ?

Je le fais ! De manière personnelle. Je prends des photo de la nature… Chose qui m’aurait fait bien rire, si vous me l’aviez dit il y a 5 ans. Je photographie des arbres, des paysages, alors que j’aurais refusé qu’on me paye pour faire cela il y a 5 ans ! (rires)

(ndr : lors de sa conférence, Vincent Laforet a expliqué avoir trois appareils principaux : un 5D Mark II, un Leica M9 et son principal… Un iPhone.)

C’est un peu votre Friday wear à vous…

Et ouais. Je voyageais à travers le monde pour couvrir des évènements sportifs et j’étais du genre à dire “pff, ces gens qui photographient des arbres et des montagnes, autant regarder la peinture sécher !“. Et maintenant, je trouve cela magnifique. C’est juste vous, votre appareil et les criquets autour (rires). Personne pour vous parler d’agenda, d’argent, d’acteur fatigué ou en retard.

C’est juste vous, c’est calme et c’est chouette, en fait.

Non seulement vous êtes passé de la photo à la vidéo, mais vous êtes également passe de photographe établi à mascotte de la révolution HDDSLR. Et vous faîtes preuve de générosité sur votre blog, partageant vos reflexions et conseils, montrant matériel et coulisses. Est-ce naturel pour vous, ou paradoxal à une époque où les créatifs se sentent menacés par la chute des revenus et la culture du “non payé” amenée par Internet ?

C’est un mélange de deux choses :

En tant que photojournaliste, il était très répandu de voir d’autres collègues bien plus expérimentés que moi partager leur savoir, comme un mentorat. C’est ainsi que les photographes s’enrichissent, particulièrement dans la photo de sport où vous avez quelqu’un qui en est à ses 10e Jeux, quand vous attaquez vos premiers. On vous dira quels objectifs utiliser et où se placer pour deux raisons :

1. Pour vous rendre service
2. Pour que vous ne soyez pas dans leurs pattes et que vous fassiez honte à tout le monde en vous retrouvant en plein milieu du terrain (rires).

Une forte tradition de Mentors dans le milieu Photo américain d’où je viens. J’ai eu des mentors, je le deviens pour d’autres.

Second point : il y a la nouvelle génération, celle du net, des blogs. Je ne me sens pas menacé par le fait de montrer aux gens comment je fais telles ou telles choses, car je sais bien qu’une personne qui s’amuserait à me copier à l’identique n’obtiendra pas pour autant le respect de ses pairs. Moi, j’espère qu’il s’inspirent de moi et fassent mieux. Tout le monde possède son regard propre. J’ai d’ailleurs parfois montré des choses avant que mon responsable lumière ne vienne me voir et me sorte “hey hey hey, il n’y a pas tellement de mecs qui savent éclairer les choses comme je l’ai fait !”

Le culte du secret a longtemps été la norme…

Oui. Ce n’est juste pas ma manière de penser.

C’est aussi une manière de vous promouvoir ?

Bien sûr. Avant “Reverie”, personne ne me connaissait dans le milieu de la vidéo. Cela a été la meilleure promo de tous les temps qu’il m’ai été donné. J’ai dépensé 5000$ personnels sur “Reverie” – c’était beaucoup à l’époque, très peu aujourd’hui. J’aurais pu dépenser 5000$ à imprimer des photos de démarchage.

Vous poussez donc tout le monde à partager. Mais cela ne fonctionne-t-il pas parce que vous êtes déjà incontournable, comme Radiohead ou Louis C.K dans leurs secteurs respectifs ?

Ce n’est pas si simple. Cela fonctionne si ce que vous partagez est intéressant. J’ai longtemps travaillé au New York Time. C’est loin d’être le quotidien le plus sexy, son surnom étant même “la vieille dame grise”, le NYT étant toujours en  noir et blanc. Mais le gens lisent le NYT car le contenu est bon.

Si ce que vous avez à partager est intéressant et original et bien conçu, que vous ayez 5 ans ou 50 ans, les gens vous écouteront. Si ce que vous partagez est bon, mais que vous le faites mal, cela ne fonctionnera pas, dans l’autre sens non plus d’ailleurs.

Nous avons ce proverbe aux Etats-Unis, tiré du film “Fields of Dreams” : “Si tu le construis, ils viendront“. Je crois que si vous produisez du bon contenu, les gens viendront. Si vous postez du contenu parce que vous voulez que les gens viennent, des sponsors, des visiteurs ou du chiffre, cela ne fonctionne pas.

Mais “Vincent Laforet” est désormais une marque, une grosse, pouvez-vous encore tenir votre blog de manière amateur, personnelle ?

Je dirais plus personnel qu’amateur. Il y a bien des choses que je ne peux faire. Comme tester des appareils Nikon (rires), car j’ai un contrat avec Canon.

Mais de manière très simple et honnête, je n’écris pas sur mon blog si cela ne m’intéresse pas. Des sponsors et des compagnies qui me demandent “hey, tu pourrais écrire un truc là-dessus ?” et je leur réponds “Laissez-moi tester d’abord“. et si je n’aime pas, je n’écris pas dessus. Et la plupart du temps, je dis non. Donc, n’écrivez que sur ce qui vous intéresse vraiment. Je n’écris pas sur mon blog comme pour un site, je le fais pour le fun.

Le blog de Laforet : un incontournable du genre.

Pour en revenir à la vidéo, nous vous connaissons comme un progressiste, toujours en train de pousser vers de nouvelles choses. Quelles sont les principales évolutions que la vidéo doit connaître pour toucher encore plus de monde ?

Je ne vais pas tant parler de technologies que de ces deux points :

Un : du meilleur contenu. La plupart du contenu disponible aujourd’hui, qu’il soit d’Hollywood, Vimeo, Youtube ou de la télé, n’est pas bon ou intéressant. Un meilleur contenu ne peut que rendre les choses meilleures. Passons moins de temps à acheter du matériel et plus de temps à bosser nos histoires et scripts.

Comme dirait Pixar : Tout tient à l’histoire.

Complètement vrai. C’est comme les couches d’un gateau. Si la base est mauvaise, il va s’effondrer.

Deux : et je parle du principal problème ici : comment gagnons-nous de l’argent ? Et je ne parle pas d’Hollywood. Comment gagnons-nous de l’argent si mon film, le votre, le sien n’est pas destiné aux grands écrans, mais à Vimeo ou nos blogs ? Et qui nous rapporte genre, un euro ? Comment continuons-nous, payons-nous notre équipe ? Parce qu’on peut toujours compter sur ses amis. Mais pas pour toujours. A un certain moment, il faut les payer avec de l’argent, du vrai. Et ce système économique n’existe pas encore.

Vous avez regardé du côté des solutions de crowfunding, telles que Kickstarter, Ulule, ou Emphas.is ?

Oui, je les ai toutes testées. Le problème, c’est que cela fonctionne une ou deux fois, ce n’est pas durable. Ce qui m’inquiète, spécialement chez les jeunes, c’est que la plupart d’entre eux n’ont pas l’habitude ou la culture de payer pour le contenu. Ils ne veulent pas payer. Ils ont grandi dans le tout gratuit, ils sont du genre à dire “pourquoi je devrais payer maintenant ?”

Et puis, un jour, ils deviennent les créateurs, ils vont voir des clients et leur disent “bon, et bien, je dois être payé“. Et l’organisateur du concert leur répond “eh bien, nous n’avons pas de budget“. Et les voilà qui disent “ok, je vais couvrir ce concert gratuitement pour cette fois”. Et ils piochent dans leurs poches, payent leur billet d’avion, leur nourriture et ils postent leurs photos sur le web. C’est du bon boulot, qui les fait connaître. Les voilà avec un nouveau client et ce dernier leur sort “eh bien, je n’ai pas d’argent pour vous. Pourquoi vous l’avez fait gratuitement pour lui et vous ne le feriez pas gratuitement pour moi ?”

C’est toute une éducation de comprendre les raisons qui font que la création, c’est une profession. C’est une passion bien sûr, mais nous devons trouver un moyen de payer nos factures.

Avez-vous alors un business modèle pertinent et durable en tête ?

Je crois au micro-transactions. iTunes est un bon exemple : 99 cents ? (claquement de doigts) Bien sûr que j’achète. C’est moins cher que de perdre du temps à chercher, trouver, ripper une chanson et se sentir coupable. La même chose pour être appliquée aux vidéo et court métrages. Ce serait bon marché, pas 25 euros qui saigneraient votre porte-monnaie… 1, 2, 3 euros et vous comprenez que vous soutenez l’artiste – et son équipe.

Il n’y a malheureusement pas encore de solution prête pour cela. Les gens doivent comprendre. Parce qu’ils disent “je ne veux pas payer”. Et ensuite, lorsqu’ils voient des pubs, ils disent “je ne veux pas de pubs”. Oui et bien, il faut bien que quelqu’un paye. Parce que nous ne pouvons pas travailler gratuitement.

Le micro paiement pourrait être la solution. Vous travaillez pour un client et à chaque fois que quelqu’un regarde votre travail, vous gagnez 10 cents. Cela pourrait le faire pour les courts, les comédies…

Et vous, que visez-vous désormais : le cinéma, la publicité, les séries télés ?

Clairement le cinéma. La télé, c’est l’enfer.

Nous qui pensions que ces 10 dernières années, qui se sont ouvertes avec les Sopranos, la télé était l’endroit où les meilleures histoires étaient narrées…

Dans l’écriture, tout à fait. La télé américaine vit son âge d’or. En tant que réalisateur télé… Vous savez, il y a les producteurs, le marketing, les auteurs… Et à la fin, le réalisateur. Vous n’avez pas vraiment d’emprise créative. Et puis, il y a le rythme aussi : c’est un tel rush. J’adore les séries télé, mais je suis plus dans le rythme d’un film. On peut passer un an, voire deux à le préparer.

Vous êtes connu pour être à la pointe de la technologie. Votre premier film reflètera-t-il cela ?

Tout à fait.

Parce que les gens semblent obsédés par la 3D, le 4K, les 48fps et autres autres… Est-ce vraiment important ?

Nooooon. Je donne des conférences sur la technologie. Mais ce n’est pas ce qui fait de bons films. Débattre de ces choses là, c’est une perte de temps ! Que ce soit en 2K, 4K? 5K, 200K, ce n’est qu’une excuse. Et les gens sont obsédés par ça, car c’est tellement plus facile de parler de pixels que de la qualité de votre scénario, ou de comment vous allez le traiter. Ce n’est pas empirique, c’est technique.

Le 2K ne propose pas une résolution aussi haute que le 4K. Il n’y a pas matière à débat; ce sont des chiffres. Vous pouvez toujours shooter et vous réfugier derrière vos chiffres. Mais votre film en 20K ne sera toujours pas regardable s’il n’y a pas d’histoire.

Si vous shootez avec un Bloex ou un Holga, mais que c’est du bon, les gens regarderont ! La 3D est un excellent exemple de technologie motivée par les industriels. Il veulent vendre plus de télé, augmenter le prix des tickets… Et c’est un peu un flop.

Eh bien, nous espérons que vous avez un bon scénario :)

Yep. C’est un thriller hi-tech, mais je ne peux pas trop en parler…

Nous nous rappelons d’un post où vous appeliez les scénaristes à vous proposer des choses, il y a environ 6 mois…

Et ça n’a pas marché. La qualité des soumissions n’était pas assez bonne. J’ai aussi compris que même si la plupart des histoires étaient correcte, ce n’étaient pas des choses que je voulais raconter. j’ai finalement eu quelques idées et nous en creusons une en particulier.

Nous avons obtenu le feu vert d’un studio, mais la personne qui nous l’a donné a aussi dit “essayez de le financer vous-même, vous obtiendrez bien plus de contrôle. Car si vous travaillez pour un grand studio en tant que tout jeune réalisateur…”

Comment allez-vous financer votre film ? On parle sûrement de 6 zéros, là…

Entre 7 et 10 millions de dollars. J’aimerai le faire l’année prochaine, mais il n’y a pas d’urgence. Une autre grande leçon de la réalisation : ne jamais rusher.

Vous n’obtiendrez en tout cas pas une telle somme de Kickstarter…

Non ! Mais de compagnies et d’investisseurs privés. Ce n’est pas facile, mais pas impossible non plus. Et pour le niveau de contrôle que l’on en tire, c’est bien mieux que de travailler pour un studio, où vous n’avez AUCUN contrôle. Ce n’est plus votre film.

Terminons avec quelques conseils : quels conseils donneriez-vous aux photographes et vidéastes qui veulent s’améliorer et s’investir à fond ?

1. Prenez les opportunités. Si vous photographiez ou filmez quelque chose que vous avez déjà vu, ou que vous ne trouvez pas si intéressant, ne le faîtes pas. Continuez de chercher mieux. Ne vous contentez jamais de la médiocrité, ou même du bon. Cherchez l’incroyable. Refusez d’être juste bon, ce n’est pas assez.
2. Vous devez maîtriser toutes les règles. Pour ensuite les briser toutes les unes après les autres. C’est là, que vous découvrirez des choses.
3. Concentrez-vous sur l’histoire, les émotions, l’intellect, votre coeur. Pas juste la technique.
4. Racontez les histoires auxquelles vous tenez, pas celle que vous pensez que les gens veulent voir. Si elles ne vous touche pas, vous ne vous battrez pas pour elles. Si vous êtes passionnés, les gens le verront.
5. Appréciez le processus. Tout ma carrière, j’ai tellement été obsédé par le résultat avant le process : rencontrer l’acteur le D.A, y passez du temps, au lieu de foncer vers le résultat. La plupart d’entre nous passent leur temps à rusher. “Je dois en être là dans 5 ans”… Pffffff. J’ai rushé durant toute ma carrière et je le regrette.

Intéressant !

Oh, et une dernière chose : essayez vraiment de comprendre ce qui vous vous ou votre histoire, uniques. Les gens doivent apprendre à se connaître. Parfois, je lis des scripts et je dis “ah, j’ai vu ceci là et là.” Et la personne se montre battue. Elle ne devrait pas. Toutes les histoires du monde ont été contées un millier de fois. C’est votre manière de les raconter qui compte. Battez-vous pour cela et vous gagnerez.

Thank you, Monsieur Laforet.

Mais, de rien !

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Famous photographer, even more famous filmmaker, Vincent Laforet was in Paris to talk at Adobe’s Creative Week 2012. We had the chance and pleasure to meet with the man behind “Reverie”, “Mobius” – and hundred of great pictures – and discuss about a wide array of topics : photo, video, the importance of technology, the importance of forgetting technology, the new generation, advices, past, future and even crickets.

Confessions of a passionate, relentless mind.

all photos unless stated otherwise : Joseph “Jerka” André

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Vincent Laforet is a great, established photographer. That could be the end of the story, the pinnacle of a career. But for French American visual artist, it was the first step.

By stumbling upon a 5D Mark II and understanding the revolution lying inside before anyone, Laforet got himself catapulted under the spotlights as the HDDSLR movement guru. And, as he’s still an accomplished visual artist, he directed better and better, more and more sophisticated movies.

As Mr. Laforet is on the verge of jumping the shark by jumping into the cinema industry, we sat with him before his Adobe Creative Week talk, to gain advices and gain access to this beautiful mind.

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Vincent Laforet, what brings you here in Paris ?

First of all, my parents are French, so I’m French by citizenship. And I had a workshop in Germany when Adobe asked me to speak, so made the jump.

What’s your relationship with Adobe software ?

I use it. They’ve called me a digital maverick, so fine (laughs). I’ve spoken for them at Sundance Film Festival and NAB, but mostly I’m an Adobe user and fan.

For all their software ?

My relationship transformed. It started in 1991 with Photoshop, that I teached to my teachers when I was 16… So I’ve been around Photoshop forever and about a year and a half ago, I got a RED Epic. I couldn’t edit it with Final Cut 7 or Final Cut 10, so I had the choice between Avid and Premiere. I went to Premiere because of After Effects.

We transformed our entire workflow into Adobe workflow, because it was the only software that easily allowed us to use RED, 5D Mark II, Time Lapse and GoPro, all in one timeline, especially the RED Raw, which was a big deal.

Is digital workflow crucial ? Do you need fewer software, unified ergonomics etc ?

Yes. I don’t want to worry about “oh, I can only shoot with this camera.” You just want to shoot whatever you want and let the Software worry about in the backend. And that wasn’t the case two years ago. The editor would say “God no, don’t shoot with that camera“, “you can’t mix 5D with the RED”, “don’t go this and that…” Adobe effectively fixed that problem and lets creatives be creative ! We don’t have to worry about you know, Mathematics (laughs)

Talking about video : you’ve been an established photographer for years, but nowadays, people know you even more for video than photography, even though video weights for 4 years of your career, compared to the 22 years plus of photography…

Absolutely, feels strange ! Four years only…

How did you came to video ?

My father worked for Premiere magazine, I was around cinema my whole life. I could have done film school but I chose journalism and I worked for 22 years as a photographer.

I worked for New York Times on staff, freelancer for National Geographic, Sports Illustrated, Paris Match… I had a good career. But seven, eight years ago, I saw what was happening to the print media : well, it doesn’t look very good, with a promising future. And the 5D Mark II came into my hands…

photo : Vincent Laforet

… And there was a sparkle in your eyes.

Not a sparkle, an explosion ! I stumbled upon the first models in a Canon office, signed an NDA, start to play with it and then, was like “Oh my God, this camera is gonna change everything !” We were Friday and the first batch of prototype were supposed to be send to three photographers on Monday. I negociated my way : I asked and asked again. Six or seven times, until the Canon rep finally said yes. My main argument was that those 5D Mark II were going to “sleep” in their boxes all week end long ! Logic – and perseverance won. I saw the 5D Mark II a 12:00pm, and got one at 4:00pm.

So, I just had a week end to shoot “Reverie”, so I gathered two friends, two actors a helicopter and we shot the two available nights of the week end. I put it online and it became huge. We got 1 000 000 view in 24 hours, 2 000 000 in a week, the Canon website got more hits in a week than in the whole year.

Starting from “Reverie”, I had opportunities to meet the heads of Disney Studios, ILM, the Academy of Motion Pictures… And I couldn’t say no. I always wanted to be a filmmaker but I never knew how to go from being a photographer for 22 years, to starting at the bottom and film ? This has been the opportunity to kind of skip steps and go head first into it. It’s been the most fascinating 4 years of my life.

In terms of learning curve and the way you think as a photographer – and a lot of photographers are coming to video right now, what were the major issues and largest obstacles you had to face ?

It’s a huge learning curve. If you want to make smaller videos of your friends, sport action videos, it’s a little bit different. I was trying to move into long form narrative films and commercials. So I wanted to use the best lighting, the best cameras, steady cams, russian arms, helicopters (laughs)…

The biggest learning curve for me was :

1. Understanding of how the piece would flow and cut. Photography is very good at finding single images. But a film is about stream of images that all relate to each other perfectly and flow.
2. Also, as photographer, you make an image that people can look at for one second or stare at it for half an hour, whereas a film is a set duration. And in this world today, I call the audience “rats on crack” (laughs) : they have no attention span ! So you really have to find a way to capture their attention and keep them. It’s a big challenge this days, as a commercial or short film or full lenght feature director, to keep the audience interested the entire time. And that is the challenge : to shoot, edit, cut and get a piece that really gets people attention.
3. Learning to work with a larger crew as well.
4. And the steepest learning curve : As a photographer, you can be reactive : you see a beautiful picture and you shoot it. As a filmmaker, it’s all about pre-production. 90% of your work is done before you even set foot on stage : you scout, talk to wardrobe, make up, lighting… Everything.

Mobius : behind the scene

Can we then state that video is harder than photo, or is it comparing apples and oranges ?

It’s a bit apples and oranges. It’s different. When you’re a photojournalist in the middle of a war, or at the Olympics, decisive moment only happen once. You don’t know where, when it’s going to happen, what lens you’ll need. We’re talking about a very specific set of skills here.

Then the filmmaker has 60 shots to get it. But you respond for every little detail and you have to make it happen. It’s different part of your brain at work here.

In general, the workload (the amount of people you’re working with, the amount of money you’re dealing with) is much more complicated in film, because of the number of factors. But I wouldn’t say one it necessarily more difficult than the other. Photo and Video are just about a different set of skills, above the common ones.

You say you’re a photojournalist, but you work with a large crew, not talking about the insane amount of photo gear at your disposal. And now, after starting with a 5D Mark II, you work with RED, Phantom, Alexa, accessories, vehicles… Does all these heavy processes burden you, or excite you ?

Oh, it excites me. If you see it as a burden, you shouldn’t be filmmaking (laughs), you should go back to photography. It’s a privilege, to have all this people, all this gear at your disposal. What you can’t believe as a director is that because you have that much gear and that much people, you’re gonna make a good film. Your job is to make sure they’re being used properly.

You respect the craft, because you’re the only person on set who know how all this is gonna come up together. And if you don’t know what you’re doing, it’s a disaster.

Photo gear (photo : Vincent Laforet)

True, as people start to think and want technologies and technics to disappear behind creativity.

I think we’re right now at a point where technology is more important than creativity, people pay more attention to it. And we need a shift because now, everyone can shoot a film. But not anyone can shoot a good film, it’s an important distinction.

You have gear that allows you to do stuff you’d never do five years ago. But it doesn’t mean your story’s any good, doesn’t mean you know how to tell it either. You have to recognize it as a craft. When you watch Scorcese or Kubrick or Orson Wells, you see they were incredible directors.

Do you still shoot photography ?

I still do commercial jobs, about three per year, here and there. But I’m 100% commited to video.

Don’t you miss sometimes to take one camera with you and just go shoot ?

I do ! I take nature shots. Which I would laugh at you if you told me that 5 years ago. I photograph trees and landscapes, never would you ever pay me to shoot that (laughs) !

(note : during his keynote later, Laforet said his main photo cameras were a 5D Mark II, a Leica M9 and his main… an iPhone.)

It’s kinda your friday wear…

Yeah, I was traveling the world shooting sport events. And I was like “meh, those people are shooting trees and mountains, it’s like watching paint dry !” Whereas now, I find it beautiful. It’s you, the camera and the crickets (laughs). No one saying a word on schedule, the money, the actor is late or tired. It’s just you, it’s quiet, it’s nice actually.

Not only you shifted from being a photographer to a filmmaker, but your also morphed from an established photographer to the HDDSLR and video revolution poster boy. And you show generosity on your blog, sharing thoughts and advices, showing gear and behind the scenes. Is that natural for you, or paradoxal, in an era where creative people are being threaten by the lower costs and the “free” culture brought through Internet ?

It’s a combination of two things. As a photojournalist, it was very common to have other, more experienced photojournalists sharing their knowledge with me. Very much in a mentorship way. That’s the way photographers grow up, especially in the press and sports where you have someone who has been doing ten Olympics and it’s your first Olympics. They’re gonna tell you what Lens you should pick and where you should go for two reasons :

1. So they help you
2. So you don’t stand in their way and make everyone look bad by walking in the very middle of the arena (laughs).

So there’s a rich tradition in Photography backgroun in the U.S from where I come from of people mentoring. And now, me mentoring other people.

And then, the new generation of the Internet and the blogs. I’m not threaten by showing people how to do things, because I know that if they do it and copy exactly what I do, no one’s gonna respect them necessarily. But I hope they do what I do and they do it better. Everyone has a different eye. I’ve shown stuff and my gaffer would come and say “hey hey hey, not many gaffers in the world know how to light stuff just like I did !”
Secrecy has for long been the rule of thumb…

Yes, I just don’t think like that.

Is it also a way to promote yourself ?

Of course it is. Before “Reverie”, no one knew me in the video world at all. That was the best promotion I could have ever done in the history. I spent my own 5000$ on “Reverie” – which was a lot back then, very little today. I could have spend 5000$ on printing for promotions and mailing them out.

You then advise everybody to constantly share. Or does it work because you’re a major player in the league, like say, Radiohead and Louis C.K ?

It doesn’t work like that. It works if what you have to share is interesting. I’ve worked with the New York Times. It is not the sexiest newspaper, its surname is “The Old Grey Lady” as it’s in black and white. But people read the NYT because there’s a good content. So if what you have to share is interesting, and original, and well communicated, whether you’re 5 years old or 50 years old, people will listen to you. If what you have to share is good explanation, but not well explained, it’s not gonna come, and vice-versa.

We have this expression in America from the Fields of Dreams : “If you build it, they will come“. I believe that if you put good content out there, people will come. If you put content out there because you want people to come, or want you want sponsors, visitors and numbers, it doesn’t work.

But Vincent Laforet is now a brand, a huge brand, can you think about your blog as something amateur, personal ?

I wouldn’t say amateur, more personal. And genuine. There are certainly things I can’t do. I can’t review Nikon cameras (laughs), because I have a contract with Canon.

Genuinely, I don’t write stuff on my blog if I’m not interested in it. I have sponsors and company that say “Hey, would you write about this ?” and I go “- Let me try it.” And if I don’t like it, I don’t write about it. And most of the time, I say “No“. So, write about stuff you’re interested in genuinely. I don’t write my blog as a business, I still do it for fun.

Back to video, we know you as a progressist person, alway advocating for new things. What are the main evolutions video needs to reach an even wider audience ?

I won’t talk technologies as much as these two things :

One : Better content. Most of the content out there, whether it’s Hollywood, or Vimeo, or Youtube, or TV, is not good and not interesting. Better content can only make things go better. Spend less time buying gear and more time working on your stories and your scripts

Like Pixar says : “It’s all about the story”

Absolutely true. It’s like layers of a cake. If the base sucks, it will melt down.

Two : The real number one issue right is : how do you make money ? Not necessarily Hollywood money. How do we make money if I, you, he or she make a film that is not intended for the silver screens of Hollywood blockbuster, but maybe on Vimeo, maybe on our blogs. And maybe we make you know, 10 cents, a dollar. How do we continue doing so and pay our crews ? Because you can ask favors of all your friends. But can’t do it so many times… A a certain point you have to start paying them with real money. And that economic system doesn’t exist yet.

Have you checked crowfunding solutions like Kickstarter or Emphas.is ?

Yes, I’ve seen all of them. The problem is it works once or twice, but it is not sustainable. What worries me, especially amongst young people, is that most of them these days don’t believe they should pay for content. They don’t wanna pay. They’ve grown up without paying, so they’re like “why should I pay now ?”
And one day, they become the creator and they go to clients and they say “Well, I need to get paid“, and the concert organiser say “well, we don’t have the budget“. And they go like “Ok ok, I’m gonna do this concert for free this time” and they go for their pockets, they pay for their own flight, for their meals, they put they photos on the web. It’s a great product and it gets noticed. They go the next client and the client says “well, I don’t have any money. Why you did for free for him, why don’t you do it for free for me ?”

It’s an education of understanding the reason it’s a profession. It’s a passion, but we have to find a way to pay our bills.

Do you have any relevant, sustainable business model in mind, then ?

I believe in micro-payments. iTunes is a good example : 99cents ? (finger snaps) I’ll sure buy it. It’s cheaper than searching, finding, ripping a song and feel guilty about it. Same things could happen to video and small movies : it’d be cheap, doesn’t cost 25€ and hurt your pocket… 1, 2, 3 euros and you understand you support the artist – and his team.

Unfortunately, there are no good micro payment solutions ready for it. People need to realize that. Because they say “I don’t want to pay”. And then, when they see advertising, they say “I don’t want ads”. Well, somebody’s gotta give. Because we can’t work for free.

Micro payment could be the solution. You work for a client and everytime someone watches, you get 10 cents. Could work for short films, comedy…

And what are you aiming for : cinema, commercials, tv shows ?

Cinema, definitely. TV is a disaster.

We thought that it was, this last decade and the Sopranos, where the greatest stories were happening…

In writing, absolutely. It’s the golden age of television in America right now. As a director in T.V… You know, there’s the producer, marketing, writers etc… And then the director comes in. You don’t have that much creative control. And the pace, also : it’s such a rush. I love TV shows, but I’m more of a movie pace. You spend a year, maybe two preparing.

You’re known for being on the edge of technology. Does your first feature movie will reflect that ?

Sure.

Because people seems obsessed with 3D, 4K, 48fps and such… It’s that important ?

Nooo. I give talks about technology. But it’s not what makes movies. Discussing this is an epic waste of time ! Whether it’s 2K, 4K, 5K, 20K, it’s an excuse and people are obsessed about it because it’s a lot easier to talk about pixels than about how good your story is, or how you’re gonna tell it. That’s not empirical, that’s technical.

2K is not a high as a resolution as 4K. There’s no debate about that, it’s Mathematics. You shoot as much as you want it, you can hide behind that. But your 20K film is still not watchable if there’s no story.

If you shoot something on a Bolex, or on a Holga and it’s great, people are gonna watcht it ! 3D is great example of technical because of the interest of the manufacturers. They want to sell new TVs, they want to make more money per tickets… And it’s kinda starting to flop.

Well, we hope you have a good story :)

Yep. It’s a hi-tech thriller. I can’t tell you too much about it…

We remember you posted a call to all storytellers and screenwriters on your blog, sometimes 6 month ago…

And it didn’t work out. The quality of the submitted stuff wasn’t good enough. I also realized that while most of the stories were good, they weren’t the films I want to tell. So finally I got a few ideas and we’re working on one of them. We got a green light from a studio. But the person who green lit us also said “you try to finance it yourself, you’ll gain some much more control. Cos’ if you work for a big American movie studio as a first time movie director…”

How are you gonna finance it ? We’re talking about seven figures numbers…

7-10 million dollars. I’d like to do it next year, but there’s absolutely no rush. Another big lesson in filmmaking : never rush.

You’re not gonna get that amount of money from Kickstarter…

Nope ! But from companies and private investors. It’s not easy, but it’s not impossible. And at the level of control you can have, it’s much greater than if you work for a studio, where you NO control. It’s not your film.

Let’s finish with some last inspiring words : what are your lessons and advices for photographers and filmmakers who want to step-up their game ?

1. Take chances. If you’re photographing or filming something you’ve seen before, or that you don’t find that interesting, don’t do it. Keep looking for something better. Never settle for mediocrity, or even good. Look for unbelievable. Refuse to just be good, it’s not enough.
2. You have to master all the rules. And then, break every single one of them. That’s where you get surprises.
3. Focus on story, emotion, intellectual ideas, and your heart. Not just the technical.
4. Tell stories that are important to you, not the ones you think the audience wants to see. If it doesn’t matter to you, you’re not gonna fight for it. If you’re passionate about your film, people will see it.
5. Enjoy the process. All my career, I’ve been so much obsessed by the result, before the process. Meeting the actor, meeting the art director, spending time doing it, as opposed to be in a rush to get the result. Most of us spend their life rushing. “I have to be there in 5 years.” Pfffffff. I’ve been rushing most of my career and I regret it.

Insightful !

Oh, and one last thing : Really try to figure out what make you, or your story unique. People have to learn about themselves. Sometimes I read scripts and I say “oh, I’ve seen this here and here and there”. And people are defeated. They should,’t. Every story in the world has been told a thousand times. It’s your way of telling which matters. Fight for it and you’ll win.

Thank you, Monsieur Laforet.

Mais, de rien !

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+ Portfolio

+ Blog

+ twitter

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Invité récemment au Hamburger Bahnhof à Berlin, l’artiste a pu mettre en place sa structure sur plus de 1000 m² et convier les participants à s’essayer à cette expérience sensorielle. Dans un noir profond, les victimes tâtonnent dans un labyrinthe obscur brisé par quelques filets de lumière, des voiles tendus comme des objets bien solides, à l’aspect étonnement tangible. L’artiste le confesse, son but est de créer des volumes tangibles en partant de rien, de faire travailler l’imagination par la création de formes, de donner envie de saisir l’insaisissable.

Aux visiteurs alors de conquérir cet espace, de s’amuser de ces formes ou simplement se promener au milieu d’elles. Une excellente manière de repenser et jouer avec la base de la photo et la vidéo : la lumière.

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+ Anthony McCall
+ Hamburger Bahnhof

+ via

Plus d’info dans la suite

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Le diptyque est toujours un exercice délicat, mettre en correspondance deux photos qui doivent avoir des points communs sans trop se ressembler, créer une narration en moins de case qu’un strip.
Mais une multitude de choix s’offre à vous : plan éloigné – plan rapproché / devant-derrière / avant-après / et tout un panel d’associations, qu’elles soient clairement explicite ou non !

Pour envoyer vos photos, c’est comme d’habitude, rendez-vous sur la page dédiée au WEC, cliquez sur « Je Participe », et le tour est joué !

Comme d’habitude, le jury élira son coup de coeur pour les photos prises durant le week end, et le prix des lensers récompensera la photo que vous avez préférée parmi la totalité des soumissions, n’hésitez donc pas à jeter un coup d’oeil aux participations.

Vous avez jusqu’à lundi 28mai Minuit pour participez !
Bonne chance

Percuté par un camion, passé au lance-flamme, poussé sur une chaise roulante du haut des escaliers, gelé dans un cube de glace puis dégager à l’aide d’un fusil à billes de plomb…DigitalRev n’y va pas avec le dos de la cuillère pour mettre les choses au clair. Tout ça pour finalement arriver à la même conclusion à chaque tentative de sabotage : l’obturateur fonctionne encore !

Impossible de déterminer avec précision à quel point le capteur a souffert mais le Canon 7D montre une fois de plus sa fiabilité en terme de résistance globale. Un grand merci au châssis renforcé, à la coque magénisum et à tropicalisation de l’appareil (résistance à l’humidité ou à la poussière).

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+ DigitalRev
+ Notre fiche du Canon 7D

+ via

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- Le Pitch :

Les amateurs de Micro 4/3 sont à la fête ces derniers jours. Entre l’OM-D d’Olympus et les nombreuses optiques de sortie, l’aîné des écosystèmes hybrides bombe le torse pour une année 2012 critique (Canon, anyone ?). Nouvel étendard du moment, l’objectif LUMIX G X VARIO 12-35mm / F2.8 ASPH. / POWER O.I.S. Ouf. Son nom indique presque tout : une focale universelle équivalente à un classique 24-70, une ouverture constante, quatres verres asphériques, de l’UED, de l’UHR et la stabilisation O.I.S, mais pas de commande de zoom électrique trouvée sur le 14-42mm, pourtant très utile en vidéo.

Ce que l’on trouve également, c’est un traitement Nano, un focus interne et surtout, une tropicalisation encore rare sur ce type de matériel photo. Autant vous dire que Panasonic a mis les petits plats dans les grands.

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- A retenir :

• Equivalent 24-70 f/2.8
• Traitement ASPH, Nano, UED, UHR des verres
• Finition pro et tropicalisation

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- Nos premiers avis :

Miam. Alors que nous attendons toujours un boitier “G” à même de nous faire rêver depuis le les GF1 et GH2, le géant japonais se lâche côté optiques. Ce nouveau zoom embarque à notre sens tout ce qu’il faut pour en faire une référence, entre les performances attendues et la finition. Le tout dans “à peine” 305 grammes. C’est un poids pour de l’hybride, mais nous restons à des années lumières du petit kilo que pèsent les 24-70mm f/2.8 “Pros” de chez Canon et Nikon.

Le “petit” Panasonic se paye même le luxe d’être tropicalisé. On ne voit déjà couplé à l’OM-D d’Olympus, pour un combo baroudeur/compact de premier ordre. Reste cependant à avaler l’addition, puisque ce Vario 12-35mm n’échappe pas à l’inflation des tarifs. A 1099€, il vient clairement taper dans les tarifs professionnels et il faudra en avoir le vrai besoin avant de casser sa tirelire…

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- Tarif et disponibilité Panasonic LUMIX G X VARIO 12-35mm F/2.8 ASPH :

Le Panasonic LUMIX G X VARIO 12-35mm F/2.8 ASPH sera disponible au mois d’Août au tarif de 1099€ TTC.

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- Galerie haute résolution du Panasonic LUMIX G X VARIO 12-35mm F/2.8 ASPH :

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+ Retrouvez toutes les spécifications les avis du Panasonic LUMIX G X VARIO 12-35mm F/2.8 ASPH dans le Wiki Lense

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Yoann Lemoine s’est fait connaître à travers le monde sous le nom d’artiste “Woodkid” et à travers un clip épique, Iron. Traveling horizontal, noir et blanc, ralentis, éclairages studio et superpositions assumées, le tout sur une signature sonore qui a séduit des millions de personnes à travers le monde.

Un peu plus d’un an après, Woodkid (qui produit ses musiques et ses clips) revient avec un nouveau titre qui reprend clairement l’A.D.N d’Iron. Normal, puisqu’il débute là où Iron se terminait : dans la tête d’un enfant. Avec les techniques, approches et esthétiques citées précédemment, “Run Boy Run” met en scène la course du jeune héros, accompagné d’une nature sombre, en route vers une civilisation immaculée.

A déguster plein écran et son à fond.

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+ Site officiel

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Du bassin Argyre Planitia aux plaines Thaumasia Fossae, la géographie de Mars se dévoile un peu plus grâce à Daniel Machacek, qui nous offre un compte rendu détaillée de son travail de titan sur son blog (malheureusement en tchèque, un coup de Google Translate aide péniblement à comprendre).

En jouant sur l’association des filtres et d’images d’archives aux informations assez vagues, le scientifique est parvenu à créer une carte détaillée aux rendu par pixels bluffants. Pour vous donner une idée, le plus petit détail visible sur la photo atteint aisément les 2 km de diamètres.

Histoire de vous couper le souffle, Viking 1 est à contempler dans les moindres recoins en grand format par ici (attention aux petites connexions et aux smartphones, l’image pèse tout de même 21 Mb).

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+ Daniel Machacek

+ via

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Au programme de cette semaine, les grandes thématiques du genre, sans doute passés au filtre de CS6, la nouveauté majeur de l’éditeur californien :

• Lundi : La Création réinventée
• Mardi : Design & Publication
• Mercredi : Vidéo & Animation
• Jeudi : Web & Gaming
• Vendredi : Photo & Retouche

Nous interviendrons d’ailleurs Mercredi entre 16h00 et 17h30 sur la table ronde de Tuto.com dédiée à la Révolution Vidéo, en compagnie de Stéphane Baril d’Adobe et d’Anthony Cheylan pour Canon.

Si vous ne pouvez vous rendre à l’Atelier Richelieu à Paris cette semaine où se déroule la Creative Week, des streams sont diffusés quotidiennement de 12h00 à 13h00.

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+ Site officiel

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Shootée de mille façons par les photographes du monde entier, il est finalement assez légitime de se demander ce que donnerait Angelina prise par Brad Pitt, compagnon et père de ses enfants ? La réponse est aussi simple que la question : Angelina reste Angelina, joueuse et malicieuse, délicieusement glamour face à son mari dans cette série de portraits très intimes.

L’histoire de cette série est tout aussi naturelle : au détour d’une conversation entre Brad Pitt, Dennis Freedman (directeur créatif du prestigieux W Magazine) et le photographe Bruce Weber, l’idée de capturer la beauté de l’actrice est venue en pensant à Elizabeth Taylor, dont les plus beaux clichés ont été produit par son 3ème mari, dans l’intimité du couple.

La suite, vous la devinez : c’est dans notre région de Provence, dans leur retraite coupée de tout, que Brad et son oeil affûté (et amateur éclairé de Photo) prennent ces quelques photos noirs et blancs avec une pellicule au rendu particulier, la Kodak Technical Pan.

Le couple star redevient alors un couple banal qui s’aime, joueur et serein, dans une mise en scène simple et sans artifice.

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+ W Magazine
+ Le pitch de “One Week”

+ via

Résultat dans la suite

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Je ne vais pas vous faire attendre plus longtemps, mais sachez qu’une fois encore tout cela s’est joué à une voix prêt.
La gagnante : MRGT et sa “triple exposition argentique involontaire” . De belle couleur et une bonne part de chance également. Félicitations à elle!

Argentique également pour la deuxième place, un Polaroïd pour être précis. Caparutxa est une belle photo de L’Hurluber.lu qui a dû faire face ici aux imperfections fréquentes et aléatoires des Polas !

Bravo à eux deux!

Passons à vos coups de cœur. Vous avez, comme à votre habitude, votez en masse pour les participations, et c’est avec 17 likes que la photo lumineuse de Davadoc, “Toujours bien verrouiller la rotule…” gagne le prix des Lensers de ce Week end Contest.

Suivi de très très près par Walking on the moon, joli noir et blanc signé @urel !

Encore une fois merci et bravo à tous ! Vous pouvez retrouver toutes les participations sur la page du 61 ème WEC

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Par la superposition des photos, le photographe japonais Makoto Sasaki explore les notions de densité et d’étirement dans cette série de clichés à l’allure résolument futuriste. Des effets produits par l’empilement (d’où le nom “Tokyo Layer”) mais aussi par le mouvement, donnent à la lumière une nouvelle énergie, pure et incontrôlable. Naissent alors de nouveaux immeubles extraordinaires, surchargés et colorés, symboles surréalistes par excellence de toute la frénésie de cette ville.

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+ Makoto Sasaki

+ Tokyo layers

+ via

Photo : Gizmodo

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Développé par Stewart Butterfield et Caterina Fake, Flickr a rapidement comblé une place vacante sur internet : la possibilité de partager librement ses photos en ligne, à une époque dépourvue de cette facilité très 2.0, loin de la démocratisation des espaces de stockage explosant en nombre de giga offerts à l’usager.

Nous vous en parlions il y a quelques mois, le huitième anniversaire de Flickr annonçait la lente mort du concept, dépassé de toutes parts par des concurrents plus enclins au social (Facebook, Instagram) et rongé de l’intérieur par ces propres démons. Et deux visions diamétralement opposées : celle de la petite startup pensant innovation sur le long terme, celle de la grosse usine à gaz pensant intégration à son propre système.

Si nous parlions du point de vue du photographe, Gizmodo revient en détails sur l’histoire de cette longue descente aux enfers, avec moult détails et citations. Nous nous sommes permis d’en traduire et synthétiser l’essentiel, en vous conseillant vivement de lire l’article en intégralité.

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1. Un problème de compréhension globale du service et de l’utilisateur

Flickr était parti pour être la plate-forme tournée vers le site de partage se muant en réseau social majeur. Les graines de ce futur possible était inscrites au coeur du site, bien avant le site bleu et blanc de Zuckerberg. Par ses options d’identification des relations entre les usagers (très proche du tag actuel sur Facebook), des relations entretenus entre usagers et la privatisation des photos postés visibles à certaines personnes : tout ceci contribuait à un certain dynamisme, dans les commentaires, les partages de photos. Les prémices de l’internet 2.0 huit auparavant, social et participatif.

L’esprit scientifique était là pourtant, prolifique dans sa façon d’entretenir son réseau et de penser à l’usager. Ce qui n’était clairement pas l’intention de Yahoo lors du rachat, voulant disposer avant tout d’une base de donnée. La vérité ? Flickr n’a pas été acheté pour développer sa communauté mais pour sa valeur marchande, non pas pour rendre l’image sociable et sociale, non pour la monétiser. Yahoo, dans sa logique de rachats en masse de concepts forts, ne pense qu’à intégrer ces acquisitions sous son portail, et non à les développer et prendre le meilleur de chacun, laissant complètement de côté les usagers natifs de Flickr.

Difficile alors pour Flickr de voir son bébé malmener ainsi, entrer dans une spirale pour engranger des capitaux sans avoir une vraie main mise sur le potentiel de la bête. Pire, l’équipe ne pouvait concentrer ses efforts sur l’innovation, uniquement sur l’intégration sur Yahoo, et comme ces efforts coutent temps et argent, aucun espace n’était disponible pour rendre Flickr plus attractif, pour attirer plus de personnes, gagner plus de sous. Un schéma sans fin qui aura raison de Caterina Fake, l’un des membres fondateurs, qui laisse tomber en 2008.

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2. Passer à côté des choses simples, évidentes

Dans son idée fixe d’intégrer de force Flickr à son réseau existant, Yahoo met tout l’aspect pratique et social de côté, ne pensant qu’au leadership sur le marché. En d’autres termes, ne pensant qu’à détrôner l’indétrônable Google.

L’idée de Jerry Yang et David Filo (fondateur de Yahoo) est simple : investir dans de nombreuses application attractives, censés renforcer la marque et lui permettre d’atteindre le géant en terme d’applications. Problème, Yahoo n’a pas compris les erreurs faites avec Flickr dès 2004, l’erreur monumental de verrouiller des esprits créatifs, les têtes pensantes derrière des concepts au potentiel fort. Dans cette rivalité avec Google, Yahoo perd beaucoup : le créneau du réseau social laissé vacant toutes ces années. Yahoo ne profitera pas de son avance en terme de partage de photos et laisse le champ libre à un Facebook encore balbutiant et ne comble pas le créneau de la vidéo en se plantant complètement sur ce créneau pour laisser Youtube devenir le souverain incontesté.

Yahoo préfére par exemple forcer les utilisateurs de Flickr à créer un compte Yahoo pour continuer à se servir de Flickr. Dans l’harmonisation de son système, Yahoo perd encore plus les utilisateurs natifs de Flickr, les forçant à passer par un système qui ne leur apporte rien, ni à eux, ni aux nouveaux utilisateurs arrivés en masse grâce à cette idée. L’idée d’une communauté active et participative passe complètement à côté du duo Yang et Filo, préférant favoriser une approche grossière et clairement anti-sociale.

Flickr et Yahoo ont perdu un temps affolant à essayer de se comprendre, de s’apprivoiser. Ne pas saisir sa chance, voilà le point faible de Yahoo, et voilà le fossé vacant que Facebook et Instagram s’est empressé de remplir.

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3. Le virage du mobile, loupé

Avec vous essayer de télécharger l’application Flickr ? N’essayez pas, elle est imbuvable. Placé en 64 ème position dans le top des applications photo gratuites, l’association Yahoo/Flickr est également passé à côté de cet aspect moderne des choses, alors que, ironie du sort, l’iPhone est l’appareil le plus utilisé par les utilisateurs sur Flickr.

Flickr ne pouvait développer la sienne car entrant en conflit d’intérêt avec Yahoo Mobile et sa tête pensante Marco Boerries. Pieds et poings liés pendant un long moment, l’application sort finalement en septembre 2009 et connaît un échec cuisant. Lente, peu pratique, obligeant d’uploader ses photos une par une au format 450 x 600 et extirpait tous les données EXIF au moment de l’upload. Le comble : l’essence même de Flickr (partage et stockage) a complètement disparu.

Puis vint Instagram, vous connaissez la suite.

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Flickr et sa nouvelle version peuvent-il survivre ? Face à une concurrence aussi bien installée, aussi bien campée sur les réseaux sociaux que sur les systèmes de stockage, cela semble peine perdue. Les idées étaient là, mortes dans l’oeuf, la faute à un symptôme classique : celui de la grosse compagnie avalant la petite sans tenir compte de ses origines, de son ADN, de sa communauté. La team Flickr peut se ronger les doigts, forcer qu’elle était de tourner en rond autour d’aspects purement techniques au lieu de voir plus loin, de réfléchir sur le long terme et de s’épanouir.

On retient une belle histoire, un lointain passage à la quête d’un système de stockage toujours plus performant. Une parenthèse nostalgique qui doit se réinventer totalement pour revenir. Il faudrait pour cela que Yahoo apprenne à laisse tomber, à laisser Flickr reprendre son destin en main.

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+ L’article de Gizmodo

+ Notre article sur la mort de Flickr

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- Le Pitch :

Déclinaison de son grand-frère estampillé 5, le NEX-3 a souvent présenté un rapport qualité-prix imbattable, pour un design moins intéressant. Sony veut changer les choses et en attendant le futur NEX-5, ce F3 propose des innovations intéressantes. La plus flagrante tient à son écran arrière, désormais monté sur une articulation unique mais poussant jusque 180°.

Les fans d’autoportraits seront aux anges, mais au delà de cet usage, on gagne en solidité et simplicité. A côté, le F3 récupère le capteur/électronique qui a fait le succès du 5N un le flash intégré (ENFIN) qui ressemble fortement à celui du 7. De quoi former un entrée de gamme très compétitif ? Sony veut y croire, avec un tarif officiel assez agressif de 600 € en kit avec son 18-55.

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- A retenir :

• Ecran rotatif à 180°
• Capteur 16MP
• Flash intégré

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- Nos premiers avis :

En voilà, un appareil intéressant. Côté performances, nous sommes évidemment en terrain connu et c’est un baby NEX-5N que Sony nous propose ici, flash intégré hérité du NEX-7 en plus. Une offre très intéressante en 2012. La nouveauté reste cependant l’écran. Son système ingénieux a été inauguré avec Samsung et son joli (mais médiocre) MV800 et permet autant, voir plus de positions qu’un système traditionnel à double articulation ou rotule latérale.

Outre les autoportrait, on peut également le soulever à 90° et retourner l’appareil pour obtenir une inclinaison vers le bas. Simple et ingénieux. Petit regret cependant : quit à s’inspirer du MV800, Sony aurait pu pousser jusqu’à reprendre un second shutter situé au dos de l’appareil, idéal pour les prises de vue non traditionnelles. Autre regret également, la vidéo reste bloquée à 1080i, par pur effet de gamme.

En attendant de voir la concurrence côté Micro 4/3 (et Canon ?) arriver, ce NEX-F3 se pose en excellente porte d’entrée du monde hybride.

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- Tarif et disponibilité du Sony NEX-F3 :

• Le Sony NEX-F3 (noir ou silver) sera disponible en kit avec le 18-55mm au tarif de 600€
• Le Sony NEX-F3 (noir) sera disponible en double kit avec le 18-55mm et 16mm pancake au tarif de 700€

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- Galerie d’images haute résolution du Sony NEX-F3 :

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+ Retrouvez toutes les spécifications les avis du Sony NEX-F3 dans le Wiki Lense

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Comme n’importe quel appareil photo classique, l’appareil conçu par Matt Richardson capture une image, la différence vient de la façon dont il traduit le résultat. Au lieu d’une image formée de pixels,  son appareil produit un court texte informatif décrivant ce que le photographe a visé, des objets et personnes présents, les éléments du décor, leurs formes, couleurs, postures, avec une précision assez remarquable.

Bien que l’idée en soit à ses balbutiements, la trouvaille a du mérite : l’appareil envoie une requête à Amazon Mechanical Turk, un réseau de main d’oeuvres géré à distance qui, dans ce cas précis, produit un court texte décrivant rapidement la photo contre salaire, à 1,25 dollars la “photo”.

Voici quelques exemples de photos accompagnés de leurs descriptions. En quelques secondes, une description assez précise sort de l’appareil :

C’est une image délavée d’un immeuble délabré. Il semble laisser à l’abandon et avoir besoin de réparations.

On dirait un placard vieux et moche comportant des inscriptions et avec une lampe de bureau accrochée dessus.

Le coin d’une pièce avec un plancher en bois comportant une boîte à outils, un vélo, des morceaux de bois, une boîte le long du mur, une porte ouverte avec un sac accroché à la poignée et des doubles portes fermées avec des câbles pendant à ses poignées.

Le procédé est évidemment aussi décalé que savoureux. Mais l’idée fait son chemin, lorsque l’on regarde certains tumblr et twitter, 100% descriptifs…

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+ Matt Richardson
+ Descriptive camera

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Brenda, 14 ans

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Inédits dans les registres de naissance des années 80-90, les “Brenda, Jenifer, Kevin, Heather” et autres prénoms typiquement américains – sortis tout droit des séries télés à succès de l’époque – sont devenus légions, presque communs au coeur de la jeunesse actuelle.

Loin du glamour des rues de Beverly Hills, c’est à Vélizy que le site Vice tente l’expérience sur un échantillon d’adolescents d’une petite quinzaine d’années. Si chez les “vrais” la référence est ringarde au possible, chez ces jeunes, étrangers à ces programmes, les choses se passent plutôt bien. Bien loin de saisir le décalage produit, tout est finalement une question d’imagination (que l’on a ou pas) et d’influence.

On vous invite à consulter l’interview de ces jeunes victimes et on se donne rendez-vous dans 15 ans avec des témoignages similaires de Dexter, Bree et Joséphine…

Heather, 14 ans

Brandon, 14 ans

Sonny, 24 ans

Jennifer, 16 ans

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+ Vice

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Bikers, musiciens, drogués, fugueurs… la jeunesse japonaise de 1964 ressemble à toutes les autres en apparence. Impétueuse et téméraire elle rejette en bloc le conformisme de sa société et se perd dans la misère et rébellion violente. Immergé au coeur de cette jeunesse au creux de la vague, Michael Rougier ressort de son voyage des clichés très intimes qui balancent entre l’infinie tristesse et l’énergie pure.

Nous vous invitons à parcourir le reste de la série par ici.

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Le photographe new yorkais Steven Hirsch attrape quelques victimes d’ovnis au détour d’une conférence internationale sur ce thème, pour mieux cerner ces personnalités croyant dur comme fer à leurs histoires. Basé sur le portrait et le dessin, le projet “Little Sticky Legs” pose un regard sincère et détaché de toute moquerie.

Et voici une série de portraits illuminés, accompagnés (ou non) d’un dessin griffoné retraçant les supposés mésaventures. Chacun raconte à sa manière son expérience, que cela soit Bruce, amené de force sur l’une des lunes de Saturne, ou Cynthia, qui a rencontré nombre de créatures étranges tels que les “Acturiens bleus” ou les “hommes chats” de Sirius. Si certains dessins restent relativement plats et sommaires, d’autres révèlent des sensibilités, des imaginaires enfantins et touchants, en décalage totale avec ces regards adultes blessés.

D’autres photos et dessins sont à retrouver sur le blog du projet, en attendant voici une sélection de ces portraits suivis de leurs histoires en dessins.

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+ Little Sticky Legs

+ Steven Hirsch

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Le coup de la porte vitrée en plein visage, un grand classique de l’humour potache que vous connaissez à coup sûr.

Le photographe anglais Neil Bedford épure le concept de son ridicule en détournant habilement ce thème pour le magazine de mode Inventory. Il accouche de ces quelques photos tout en style où la déformation du visage prend une dimension plus artistique, dans le contraste noir et blanc donnant aux plis du visage plus de relief, et plus décalée, dans la pose factice prise par le modèle ainsi malmené.

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+ Neil Bedford

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Ils sont deux artistes au look un peu hipster mais au talent juste : celui de produire des morceaux doux et pop, et de produire des covers douces et justes. Peter & Kerry iront à ravir avec ce début de journée.

Voici un clip simple et beau de la reprise de la célèbre chanson “Teardrops” de Womack & Womack.

Pour les curieux, le clip a été tourné par Miles Langley avec peu de moyens :

• un Canon EOS 7D avec EF 20mm F/2.8, monté sur un Steadicam Merlin
• un Canon EOS 550D avec EF 50mm f/1.8 en seconde caméra
• deux micros Lavalier
• côté logiciel : les filtres de Final Cut Pro pour la colorimétrie et After Effect pour le reste.

Et en bonus une autre excellente cover de Peter et Kerry : le hit d’Amerie : One Thing. Bon vendredi !

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+ Site officiel de Peter & Kerry

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