LETRASTEREO

¿QUIÉN TIENE LA CULPA?

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Wed, 01 Feb 2012 08:01:57 PST

MISTERIOS DE LA MÚSICA

TUM, PA, TUM, PA, TUM-TUM, PA... Este no es un lenguaje pre-histórico, es la codificación en letras de uno de los tantos ritmos que casi siempre está sonando en mi cabeza. Es una batería la que está en mi "azotea", el instrumento musical pasión desde la infancia. Pueden pasar los años pero la atracción se mantiene en alta intensidad. No importan los contratiempos, vender la batería de mi vida (Tama RockStar la negrita), vivir en ciudades donde los apartamentos tienen paredes de papel (Barcelona, Madrid), etc., etc., etc. Siempre, siempre la batería me acompaña, está en mi cerebro.

No encuentro explicación para este conexión tan fuerte con ese instrumento. En mi caso, el único miembro de la familia que ha sido músico instrumentista es el tío Franklin (Altuna), un virtuoso del violonchelo, con un oído prodigioso y con un curriculum no menos impresionante. Entonces ¿Quién me ha contagiado con ese virus perpetuo durante mi infancia? ¿Quién tiene la culpa de la batería en mi cabeza? Tengo algunas hipótesis, pero no hay ninguna certeza. El enigma ha estado muy presente por estos días, pero tampoco es un asunto que genere angustia, por eso hice una pausa en la búsqueda.

MÁS INSPIRACIÓN

Recientemente observé un video en Youtube que colgó en Facebook por casualidad la única persona que le he dado clases de batería. La conexión entre colegas funciona, y Gonzalo me dio la oportunidad de ver un gran solo de batería realizado por Tony Royster Jr. en el show de David Letterman. No conocía a este músico, pero me agradó mucho su ejecución acompañada por la banda de este famoso Late Night Show. Me llamó también la atención que fuera un baterista la estrella del programa en el que suelen estar invitados grandes bandas y artistas del mundo.

Inmediatamente de finalizado el vídeo las ventanas de sugerencias de Youtube me indicaron que Royster Jr. no era el único privilegiado en hacer un solo en el David Letterman Show. Denise Chambers, Anthony Wieners, Gavin Harrison, Neil Peart (Rush), Stewart Copeland (The Police) desfilaron por ese programa descargando con sus particulares estilos tremendos ritmos y figuras percusivas. Como un autómata estuve viendo vídeo tras vídeo de estos excelentes bateristas que pasaron por "casa" de Letterman, pero ninguno me impresionó tanto como la exhibición de la siguiente mujer. (Ver Vídeo)

Aún con la boca abierta decido averiguar sobre esta mujer que descarga tanto ritmo y que por algo ha sido invitada a ese reconocido programa nocturno de Estados Unidos. Y no es para menos, porque Sheila E. (nombre artístico) de 54 años tiene una trayectoria impresionante en el mundo de la música. Su carrera empezó a finales de los setentas, pero fue en la década siguiente de la mano de Prince que empezó a tener reconocimiento. Durante esos años acompañó al músico de Mineápolis en la batería, percusión, e incluso con su voz, en la que puede escuchar en el aclamado álbum Purple Rain. También tuvo su carrera en solitario como Pop Star con cuatro álbumes, y algunos de sus temas llegaron a lo más de la cartelera Billboard codeándose mano a mano con Madonna, Cindy Lauper, etc.

A medida que iba viendo más vídeos de Sheila E. más aumentaba mi admiración por esta baterista, percusionista y cantante. Ha tocado con grandes de artistas de diferentes géneros y épocas, tales como Marvin Gaye, Herbie Hancock, Diana Ross, Phil Collins, Gloria Estefan, Carlos Santana, José Feliciano, Lionel Richie, Beyoncé, Poncho Sánchez, Extreme, entre otros. Sin duda un curriculum que pocos artistas bateristas poseen.
A continuación disfruten de una sesión con Sheila E. y su padrino (Ver Vídeo)

Tito Puente, nada más y nada menos, ese es el padrino de Sheila E. Su familia Escovedo también han tenido una intensa actividad musical durante décadas, y en la actualidad graban y dan conciertos junto a la baterista bajo la formación de E Family.

GOLPES FINALES

Después de este agradable paréntesis con estupendos bateristas y con la sorprendente Sheila E., la búsqueda del "culpable" tenía que continuar. Recurrí a Youtube para investigar y confirmar unas sospechas. Como una revelación encontré al posible culpable. Es peludo, rojo, tiene los ojos grandes y desorbitados, una boca gigante acompañada por una buena dote de dientes. Toca la batería de forma desenfrenada pero con ritmo. LLeva una cadena atada al cuello para detener su impetuoso espíritu. Para más señas forma parte de un elenco que emocionó a muchos niños entre los setenta y ochenta.

Seguramente más de uno se ha reido con el principal sospechoso de mi caso. Para muestra este vídeo haciendo un duelo con el gran baterista Buddy Rich. No es un chiste, pero vale reirse. (Ver Vídeo)

Aunque suena a broma, gracias Animal! Una inspiración en los primeros años de vida. No sé si es el verdadero culpable, o el único, pero sin duda contribuyó a esa conexión con la batería.

Adrián Naya

Gracias Gónzalo por tu vídeo y a todas las personas que han compartido (y soportado) conmigo la pasión de la batería.

Pd. Hay una nueva película de The Muppets en 3D en los cines. Tal vez vean a Animal hacerse un solo.

EN EL NOMBRE DEL PADRE

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Tue, 17 Jan 2012 01:39:52 PST

EL MÍO Y EL DE CADA UNO

La piel erizada, pulso acelerado y la sensación de estar levitando en la cama. Ninguna sustancia alucinógena recorre mi cabeza. Sólo siento unas notas musicales muy altas y por momentos graves con una potencia poco veces escuchada por mi cerebro. Esos sonidos melodiosos e impactantes provenían de mi teléfono que estaba reproduciendo un vídeo por Youtube.

Casi siete minutos duró ese estado de "elevación" y que variaba de intensidad en algunos intervalos de la canción que salía del micro-parlante móvil. El responsable de generar ese efecto en mi consciencia era un tal Turley Richards. Su gran voz sumada a su explícita devoción a Cristo lo llevó, hace poco más de 30 años, a grabar una grandiosa canción con mucha energía y difícil de describir con palabras, "I Heard the Voice of Jesus".

Otro Richard, mi papá, ha invocado a este desconocido cantante, al menos para mi, en un ámena charla de música en la madrugada de año nuevo de este 2012. Con gran emoción mi progenitor relataba como el ciego cantante de Virginia (USA) alcanzaba impresionantes registros con la voz, tan altos que según él más nunca pudo usarla tan hábilmente. Esa información no la he podido corroborar, aunque en los años ochenta Richards sí perdió la voz por un tiempo a causa de una afección. Más allá de lo real o leyenda, los comentarios de mi papá me motivaron a escuchar "I Heard the Voice of Jesus", a pesar de no ser seguidor de las canciones con temática religiosa.

A continuación tienen un vídeo que he seleccionado de los varios que hay en la red para que disfruten de la emocionante grabación realizada por Turley Richards en 1970. Vale la pena escucharlo hasta el final. (Ver Vídeo)

"I Heard the Voice of Jesús" no es un tema muy conocido, y en su momento tan sólo alcanzó el puesto 99 de la lista de Billboard de los Estados Unidos. Pero sin duda está canción siempre será rescatada del olvido gracias a su fuerza.

Otro tema con gran intensidad vocal pero con un poco más de fama es de "House of Rising Sun". Esta es una vieja canción folk estadounidense que tuvo cierta repercusión gracias a la versión que hizo The Animals en 1964. La banda inglesa logró darle impulsó a este tema tradicional con letra de fuerte contenido social que anteriormente habían grabado Joan Baez (1960) y Bod Dylan (1962).

La primera vez que escuché nombrar a "House of Rising Sun" fue también por mi papá . Estaba comenzando a tocar la batería con un grupo que tenía del colegio (Septiembre Rojo), por allá en el comienzo de la década de los noventa. Los ensayos era en mi pequeña habitación y por supuesto Richard, no Turley, estaba de vez en cuando presente por allí. En más de una ocasión nos sugirió hacer una versión del mencionado tema que hizo famoso a The Animals. Nosotros con cara de "qué está diciendo" no logramos apreciar su sabio comentario musical. Ya con el paso de los años he podido "descubrir" la fuerza de esta canción y sobre todo la interpretación del cantante Eric Burdon.

Disfruten de "House of Rising Sun" en vivo interpretada en su momento por la banda Inglesa de Newcastle en 1964, y que recorrió gran parte del mundo. (Ver Vídeo)

Además de "Satisfaction" y de los temas de los Beatles, recientemente he escuchado un tema de los sesenta que también me recuerda a mi papá, "Nights in White Satins" (The Moody Blues). Aquí les va este "bonus track" de esta entrega. (Ver Vídeo)

En el nombre de mi padre y en el de todos, quienes lo han sido, está dedicado este Letrastereo por sus sabios consejos, aunque muchas veces no sean escuchados.

Adrián Naya

EMOCIÓN + INTELIGENCIA = POP

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Dec 2011 08:10:10 PST

"Padre he hablado mal del Pop español actual, y he despreciado el trabajo de bandas que gustan a mucha gente y les dan momentos de alegría a todas esas personas, especialmente a las chicas y adolescentes".

Esta confesión y acto constricción, ante un supuesto cura católico, es una forma de "limpiar" mi alma musical y ser coherente con el espíritu de Letrastereo, es decir, el respeto por la música sin importar género, estilo, origen, e incluso intención. Para cumplir con otro mandamiento "sagrado" de este blog, "propaga la buena vibra que sientes con la música", he decidido hacer esta entrega como muestra de mi "arrepentimiento".

Penitencia con gusto

Dentro del inmenso mar Pop que inunda las emisoras de Radio en España hay una banda que poco a poco me ha ido enganchando, Maldita Nerea. Aunque su nombre no es muy "bíblico" o agradable, y menos para las Nereas del planeta, es una banda que busca contagiar de buenas vibraciones con su música a quien quiera escucharla.

Las letras de MN van más allá de hacer rimas melodiosas y prefabricadas, y eso lo pude constatar con "El Secreto de las Tortugas". Ese tema de Maldita Nerea sonó cientos de veces por las radios populares y tuvo varios reconocimientos en España durante el 2010, pero no fue hasta hace poco que le presté atención a su mensaje. El videoclip me ayudó descubrir ese secreto de las tortugas y del Pop de MN. (Ver Vídeo)

Las cosas no son por casualidad y el éxito de Maldita Nerea no es producto precisamente de una super maquinaria de producción, sino de un trabajo pensado y con la intención de transmitir buenas sensaciones. El cerebro y líder de la banda, Jorge Ruiz, es consciente de la importancia de la conexión emocional que producen sus letras en el otro. De hecho el cantante de MN y logopeda ha participado recientemente en Oviedo (España) en un coloquio junto al investigador de psicología de la Universidad de Harvard Howard Garnerd, en el que compartió su experiencia como mensajero de ideas ligadas a la emoción.

En una posterior entrevista Jorge Ruiz comentó a Eduard Punset del programa de Ciencias Redes (TV2) lo siguiente: "Nosotros intentamos transmitir determinados valores que vinculen a la persona emocionalmente. Nunca decimos de qué va cada canción. Y, de esa manera, es la persona quien dice de qué va cada canción y cuál es la emoción que a ella le despierta". Además Ruiz comentó que si su fórmula no cuaja del todo, es decir, una canción no tiene feedback en vivo, es inmediatamente retirada del repertorio.

En el 2011 Maldita Nerea lanzó FÁCIL producción con la que ha cautivado nuevamente al mundo Pop español. Disfruten ahora del vídeo de la canción que da título al más reciente trabajo de los chicos de Murcia, y que sin duda seguirá conectando con el público en el 2012. (Ver Vídeo)

Para este año que está por comenzar les deseo todo lo mejor y que se lo tomen "fácil" como dicen los de Maldita Nerea. Y por supuesto mucha música en sus vidas!

"Fácil, sólo hay una manera, la que te quede cerca de la primavera,

aunque tengas que saltar sin tu red,

desde la nube dejarse caer, será como el agua que vuelve a llover,

It's easy!"

Adrián Naya

¡Dedicado a mi chica Pop, miFer!

ECHA-CHA-CHA PA'LLÁ

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Mon, 21 Nov 2011 11:24:16 PST

...EL BAJÓN

Lluvia, frío, menos horas de sol, caen las hojas y a veces el ánimo. Es el otoño.

Para un caribeño a veces es un duro reto asumir que tienes por delante muchos días de frío hasta que los rayos del sol vuelvan a calentar las humanidades en la primavera. Pero para casi todo siempre hay un remedio, y en el caso de este caribeño que les escribe, la vibraciones de un viejo Cha Cha Chá han resultado una buena pócima anti-bajón otoñal.

El descubrimiento del remedio llegó un día lluvioso en Madrid cuando conducía y por casualidad me topé con la sintonía del programa radial Melodías Pizarras (muy recomendable) de Radio 3 de España. Este espacio lo dirigen unos señores llamados Pizarro y en el cual desenpolvan grabaciones antiguas que no superan por lo general la década de los cincuenta. En esta oportunidad los hermanos PIzarro dieron con la receta perfecta para el bajón otoñal al colocar una famosa versión del tema de Rosendo Ruiz Quevedo. (Ver y escuchar Vídeo)

Como una inyección de efecto inmediato empecé a llevar el ritmo golpeando el volante y a cantar no muy afinado: "Vacilón, que rico vacilón. Cha cha cha, que rico cha cha cha..." El verano volvió a mi cuerpo mientras disfrutaba de la versión original de Rico Vacilón grabada por la Orquesta América en 1953. Sin duda el sabor y el ritmo de las orquestas caribeñas de principios y mediados del siglo XX son impresionantes. Tanto era la fuerza de esas formaciones musicales que inmediatamente lograron expandir y poner de moda por América y Europa los nuevos y electrizantes ritmos como el Cha Cha Cha, el Mambo, etc.

La Orquesta Aragón, Dámaso Peréz Prado, Xavier Cugat, Benny Moré, Tito Puente, Celia Cruz son algunos de los famosos responsables de poner a bailar a medio mundo hace más de cincuenta años. La aportación sonora fue muy importante para los venideros músicos y para la creación de otros géneros como el Latin Jazz y la Salsa.

Rebuscando y escuchando en los archivos que están en Internet he encontrado otras versiones de famosos temas que sin duda son un antídoto para el bajón otoñal. Disfruten de El Cumbanchero en una versión en guaracha por la no menos famosa Celia Cruz (Ver Vídeo)

Gracias a gente como los hermanos Pizarro que con sus Melodías Pizarras muchos podemos redescubrir esa música a veces pérdidas en el polvo de las estanterías de las bibliotecas sonoras.

De vez en cuando es agradable sentir esa energía musical de antaño, y si quieres, echa-cha-cha pa'llá el bajón otoñal.

Adrián Naya

20 OCTUBRES

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Thu, 10 Nov 2011 23:43:39 PST

EL PISO SE MUEVE

Era octubre de 1991, llevaba el pelo con ganas de llegar al suelo, usaba bérmudas y camisas a cuadros. En mi cuarto brillaba una impresionante batería Tama negra, recién regalada por unos padres generosos, y principalmente, pacientes después de soportar por meses las súplicas de un obsesivo adolescente que entraba en el último año del colegio. Mi rutina era básicamente, del colegio a la batería, de la batería al colegio. Esa pasión hacia el instrumento aumentó drásticamente cuando un día cualquiera de ese mes descubrí en la señal "robada" de MTV USA (canal de música) a unas bandas de rock que hacían canciones llenas de energía que aumentaban de intensidad progresivamente hasta llegar al "orgasmo" musical en el último acorde. Los tipos que tocaban esa música llevaban el pelo con ganas de llegar al suelo, usaban bérmudas y camisas a cuadros. Eran como yo. Era mi música. Era el Grunge.

Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, entre otros, eran aquellas bandas que aparecieron hace 20 años por la pantalla para cambiar el mundo del Rock Star System imperante de la época. Seattle era el epicentro de ese terremoto llamado Grunge, que con sus movimientos téctonicos, con ondas de los sesentas y setentas, derrumbó mucha música prefabricada llena de maquillaje (literal), de muy buen "ver" pero que en mi caso no me movía el piso como dicen por ahí.

"Smell Like Teen Spirit" (Nirvana), "Alive" (Pearl Jam), "Rusty Cage" (Soundgarden) fueron los primeros gritos de esa naciente generación musical Grunge, que aún en estos tiempos tienen eco. Disfruten del tema de que se convirtió en una especie de himno del movimiento y que sin duda destapó la olla. (Ver Vídeo)

Hace 20 años que este videoclip me dejaba pegado a la tele y a la batería. La irreverencia de Kurt Cobain y compañía conectó con muchos de nosotros en aquellos tiempos, pero realmente la banda que me movió el piso fue otra, Pearl Jam. El quintento liderado por Eddie Vedder creó en su primera producción una obra considerada fundamental en la historia del Rock, Ten. Un disco de gran calidad sonora con temas cargados de letras intensas, interpretadas con pasión por Vedder y respaldadas por arreglos musicales inspirados en Neil Young, Kiss, The Who, Jimi Hendrix, etc.

Desde octubre de 1991 hasta estos días Pearl Jam ha sido una referencia musical para muchos con diez discos de estudio y decenas grabados en vivo (bootlegs). Pero ningún disco de esta banda ha sido tan relevante para la historia de la música como Ten. "Alive" fue el primer sencillo de ese disco y el primer gancho que lanzó el grupo para que empezáramos a seguirlos. Después cayeron como piezas de dominó los siguientes éxitos: Evenflow, Jeremy, Oceans, Black, Once, etc.

Desde octubre de 1991 había querido ver en vivo a PJ y ese sueño fue hecho realidad el 1 de septiembre de 2006 en Barcelona, España. Casi justo quince años después Eddie Vedder y compañía dieron en el Pabellón Olímpico de Badalona un concierto de casi tres horas difíciles de olvidar. Disfrute de un setlist muy completo que incluyeron de versiones de The Who, Neil Young, Temple of Dog, y por supuesto temas de todos sus discos hasta esa fecha.

A continuación les comparto uno de esos momentos vividos en Barcelona con Pearl Jam en vivo y que me llevaron hasta esa época de 1991, cuando el Grunge comenzaba. (Ver Vídeo)

Con el pasar del tiempo mis oídos también han tenido la fortuna de irse "abriendo" más a más estilos musicales, pero han pasado 20 años y la sencillez y fuerza del Grunge todavía me sigue moviendo el piso.

Gracias a aquellos tipos que llevaban el pelo con ganas de llegar al suelo, usaban bérmudas y camisas a cuadros.

Adrián Naya

Recomendación: Pearl Jam está celebrando sus 20 años de vida y en este octubre el grupo lo ha querido compartir con el lanzamiento de una película documental dirigida por Cameron Crowe llamado PJ20.

DE COLÓN A COLÓN

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Sat, 05 Nov 2011 16:40:54 PDT

De América a Europa

Un día, un navegante de apellido Colón tropezó con sus tres carabelas en unas tierras creyendo que era un "Nuevo Mundo", y el resto de la historia ya más o menos la conocen. Quinientos y algunos años más tarde de ese suceso, otro Colón vino al "Viejo Mundo" para conmemorar aquella fecha que cambió la historia de la humanidad.

Obviamente el primer Colón que les menciono es el famoso señor Cristóbal, quien hizo la travesía que algunos hemos hecho en el sentido contrario. El segundo no sé si es un familiar lejano del famoso navegante, pero lo que sí creo que es uno de los músicos más grandes de la Salsa de todos los tiempos, Willie Colón. Este maestro de la composición y del trombón fue el encargado de cerrar la quinta edición del festival VivAmérica con un concierto en la imponente Plaza de Cibeles de Madrid, el pasado 9 de octubre.

Hace dos años tuve la grata sorpresa de presenciar al argentino Fito Páez tocando sobre un camión en movimiento por toda la calle del Paseo del Prado como cierre de la tercera edición de este festival (Leer entrega Realismo Fitomágico). Evento que busca homenajear a toda la cultura del continente que descubrió para el "Viejo Mundo" Cristóbal.

En esta oportunidad Willie Colón no tocaría como Fito en un camión en movimiento, sino en una gran tarima frente al antiguo Palacio de Correos de frente a la diosa de Cibeles (Santuario de celebración del Real Madrid). Previo al concierto, carrozas de distintos países desfilaron con música y bailes, incluida la de otros artistas invitados como fue la del Instituto Mexicano del Sonido con Joselo de Café Tacuba invitado a la guitarra. En ese momento, pasadas las ocho de la tarde-noche, llegué con familia incluida al lugar de la cita con "La Leyenda" (así lo llamó la organización).

La emoción no era poca pues a Willie Colón sólo lo había visto en 1998 en Caracas junto a Rubén Blades, y en un concierto muy "frío", pautado por compromiso con Amnistía Internacional. Además la oportunidad de verlo en el "Viejo Mundo" parecía única, después de haber hecho una gira de despedida en el 2006 que no pasó por España.

Los metales sonaban a todo pulmón, los percusionistas le daban a los cueros y la estrofa que arrancó diciendo: "Vamos a todos bailar al ritmo africano, sino sabes bailar yo te lo voy a enseñar hermano..." No hizo falta enseñar a nadie porque enseguida los pies se despegaron del asfalto para empezar a bailar al ritmo de Che Che Colé, el primero de los clásicos de Willie Colón junto a Héctor Lavoe que sonaron en el comienzo de la fiesta de El Malo del Bronx por Madrid.

De esa primera etapa con Lavoe, Willie también interpretó Te Conozco (Bacalao), El día de mi Suerte, y Calle Luna Calle Sol. Disfruten un pedazo de ese tema que puso a cantar y a bailar a unos cuantos. (Ver Vídeo)

Después del Medley (popurrí) de temas Colón/Lavoe vino el repertorio de clásicos de este neoyorkino de ascendencia Boricua. Canciones en las cuales el músico destacó entre los setentas y ochentas por sus arreglos y fusiones con otros géneros como la Bossa Nova, Jazz, Merengue, Pop, etc.

Entre canción y canción Willie Colón se tomo el tiempo para compartirnos su experiencia con las operaciones de rodilla, la vida de casados (33 años), e incluso para contarnos algún chiste. Por supuesto hizo la introducción a los temas que no sólo hizo bailar, sino también viajar en el tiempo a muchos de los que superábamos la treintena de edad, y nacidos en el "Nuevo Continente" (la mayoría allí).

Idilio, Talento de T.V., Bohemia, Gitana, Oh ¿Qué será?, El Gran Varón fueron algunas de las canciones interpretadas por Willie Colón y su impresionante orquesta para cerrar el VivAmérica 2011 Madrid.

Disfruten de la Gitana que vino con Colón a España en el 2011, incluido un impresionante solo de saxo. (Ver Vídeo)

Oh ¿Qué será? y el El Gran Varón cerraron la visita de este Colón que no vino a conquistar sino a cantar.

De regreso tocó caminar de Cibeles a la Plaza de Colón, el otro.

Fin de esta historia.

Adrián Naya

"¡ESE ES PANA MÍO"

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Sun, 25 Sep 2011 23:11:23 PDT

"SÍ, ESE"

Pana: Amigo, camarada, compinche. Esa es la definición que le da la RAE (Real Academia de la lengua española) para esa persona que se le tiene afecto ó cae en gracia (Venezuela, Ecuador y Panamá). Cuando ese pana viene acompañado del posesivo "mío" el vínculo aumenta hasta altos niveles de orgullo y privilegio.

En esta entrega de Letrastereo quiero presentarles a algunos de esos panas míos que le han aportado un poco de melodía y ritmo a este planeta.

Los panas, cuates, carnales, colegas, patas, etc.

La idea de este escrito nació cuando encontré en una estantería de una tienda de segunda mano en Madrid, el primer disco de Bacalo Men (2001). En esta banda venezolana de fusión participó un pana mío de la Universidad, Rafael Gómez. "Suave" es como solía saludarme este pana que tiene un largo recorrido musical que incluye el paso por los grupos venezolanos: Área, Lapamariposa, y el ya mencionado Bacalo Men. Actualmente forma parte de la banda de la cantante mexicana Lila Downs. También Rafael participó en la grabación de un tema del álbum folkclore de Nelly Furtado y ha producido a artistas como María Conchita Alonso. En el 2008 sacó su primer disco como solista llamado "El Norte", del cual pueden escuchar (y ver) a continuación con el tema Mala Maña en vivo desde Nueva York. (Ver Vídeo)

Por la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Central de Venezuela también estudiaron conmigo otros panas como Félix Duque, vocalista de Radio Clips, Barranco Mix, RC2; Rafael Cadavieco ex-baterista de Zapato 3 y actualmente en la banda Atkinson; y Horacio Blanco líder de Desorden Público. Mi compañero en los duros meses de la tesis de grado fue el pana José Juan Sanguinetti, baterista de Culto Oculto, El Gran Torino, etc.

En "El Patio del Colegio" (leer esa entrega 12-2009) tuve la suerte de compartir con otros panas que también han rodado por el mundo con su calidad musical como Claudio Corsi (Grammy Latino 2009), Prisca Dávila, Armando Mósquera, Juan Carlos Hucul, etc. En ese patio de colegio (San Agustín El Marqués - Caracas) engendré junto a los panas Alirio Zavarce, Augusto Moronta y Miguel Quevedo Septiembre Rojo. Este proyecto con sede en mi estudio sirvió también para que conociera y tocara con otros panas. Uno de ellos es Luis Aguilar, que junto a Miguel Quevedo y Ludwin López (pana de toda la vida, literal) grabaron posteriormente un disco de música surf como Los Oceánicos. Rafael Juárez (Chaos Avatar), Guillermo "Tato" Marcano (La Fé), Carlos Aray (Los Mentas) también pasaron por mi estudio/laboratorio-musical. Este último junto a otro pana Richard "La Chicha" Blanco llevan siete discos grabados propagando por Latinoamérica la música Rockabilly, Surf, Punk, etc.

Disfruten del divertido vídeo Bistec de los panas de Los Mentas. (Ver Vídeo)

Gracias a estos panas míos por echarle ... ganas a la música.

Adrián Naya

(Habrán más entregas con más pana míos)

¡PRIMO, SALUDAME A BOB MARLEY!

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Tue, 20 Sep 2011 23:14:23 PDT

LA REGGAE CONEXION CELESTIAL

"¡Hola Alejandro!

¡Bienvenido al Reino de los Cielos, el Nirvana, ó como lo quieras llamar! Este es el lugar de la Paz Eterna y donde no existe el dolor ni el sufrimiento. Ale desde aquí siempre vas a estar conectado con tus seres queridos para transmitirles toda la buena vibra que desarrollaste como ser humano! También disfrutarás de mis canciones y de todos los que ya formamos la Comunidad Celestial del Reggae que tanto te gusta. ¿Cuál quieres escuchar? Nuevamente ¡Ale Bienvenido al Paraíso!

De esa manera me he imaginado el recibimiento que le habrá dado Bob Marley a mi primo Alejandro José Medina León cuando llegó al Paraíso el pasado 20 de agosto del 2011 (Día también de mi 37 aniversario en la Tierra). Ese deseo e hipotética bienvenida ha sido mi consuelo ante su sorpresiva y pronta partida. Ambos compartimos una manía, el gusto por la música.

Él era un fiel amante del Reggae, estilo musical que me ayudó a conocer en mayor profundidad. Recuerdo cuando me hizo escuchar por primera vez con los antiguos cassettes a gente como Yellowman, Alpha Blondie, etc., etc., etc. Alejandro también me hizo disfrutar y ver que The Police (la banda de Sting) hacía Reggae, en este caso denominado Blanco.

Hace 3 años tuve la oportunidad de ver al trío inglés en vivo en Madrid gracias a la gira de reencuentro. Por razones obvias de distancias, Alejandro vivía en la isla de Margarita (Venezuela), no pudimos disfrutar juntos de ese concierto de Reggae Blanco. Ahora lo quiero compartir con él y ustedes en su honor. (Ver Vídeo)

Ese concierto no estuvimos juntos pero cuando eramos adoslecentes, incluso ya "grandes", coincidimos en infinidad de otros recitales en Caracas (Sentimiento Muerto, Soda Stereo, Charly García, Desorden Público, Gaitas,...) Estos encuentros ocurrieron siempre sin planificarlo, y a pesar que en muchos de estos conciertos habían miles de personas. ¡Qué más chamo! Una palmada, una cerveza en la mano y a disfrutar de la magia de la música en directo.

Aunque seguramente ya este disfrutando de los grandes de la música por allá en el cielo, quiero brindarle a Alejandro uno de los momentos en vivo de uno de sus ídolos, el Rey del Reggae Bob Marley, y quien seguramente ya lo acompaña en estos momentos como lo he soñado. (Ver Vídeo)

Alejandro no pude decirte en este plano existencial ¡Hasta Pronto! Sólo puedo desearte lo mejor donde quiera que estes. Además primo saludame a Bob Marley, John Lennon, George Harrison, Celia Cruz, Tito Puente, James Brown, Miles Davis...

Adrián Naya

Dedicado a Alejandro y a toda la familia que ahora está extrañando su gracia y buena vibra terrenal.

AMOR DE MADRE

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Tue, 20 Sep 2011 23:18:06 PDT

...Y DE HIJO!

"Mama sabe bien, perdí una batalla. Quiero regresar sólo a besarla. No esta mal ser mi dueño otra vez, ni temer que el río sangre y calme, al contar de mis plegarias... Tarda en llegar y al final, al final hay recompensa. Mama sabe bien, pequeña princesa. Cuando regresé todo quemaba. No está mal sumergirme otra vez, ni temer que el río sangre y calme, sé bucear en silencio... Tarda en llegar y al final, al final hay recompensa. Tarda en llegar y al final hay recompensa... En la zona de promesas".

Esa es la letra de Zona de Promesas, la canción que Gustavo Cerati le escribió y dedicó en 1993 a su mamá Lilian Clark. Ella misma ha sido la encargada de recordarnos este tema al nombrarlo en una entrevista que le hicieron en radio (Mitre- Buenos Aires) el pasado 11 de agosto a raíz del cumpleaños 52 del músico argentino. Para quien no lo sabe el ex-Soda Stereo permanece en cama insconciente desde hace más de un año a causa de un ACV (accidente cerebro-vascular).

En la mencionada conversación radiofónica, Lilian nos informó sobre el estado de salud de Gustavo, quien muestra algunas señales de respuesta a miles de estímulos que recibe de amigos y familiares. También en la entrevista pudimos sentir la fuerza de una madre que a pesar de su 82 años, lucha día a día para que el músico que muchos idolatramos se levante de la cama.

El Amor de Madre y su consecuente fé es capaz de mover montañas. No estoy descubriendo el agua tibia, pero siempre inspira escuchar y sentir esa misma energía que hemos disfrutado los hijos de este mundo. En el caso de Gustavo Cerati su madre mantiene la llama de la esperanza aunque su estado clínico sea muy complicado y que además se ha prolongado mucho en el tiempo. Las palabras de Lilian están cargadas de tanta fé que me han devuelto la ilusión de ver al músico sobre el escenario.

Zona de Promesas es la canción preferida de la madre de Gustavo, lógicamente por su dedicatoria y por su letra llena de esperanza. Disfruten de una versión del tema que hicieron el propio Cerati y la grande Mercedes Sosa meses antes de que esta muriera.

"...Tarda en llegar y al final, al final hay recompensa". Eso lo deseamos muchos que vivimos en la Zona de Promesas.

(La entrevista completa con Lilian Clark)
http://www.ciudad.com.ar/espectaculos/83038/lilian-clarke-la-madre-de-gustavo-cerati-%E2%80%9Cel-siente-lo-vi-derramar-lagrimas%E2%80%9D

Adrián Naya

Gracias mamá y a todas las madres por su energía incondicional y su Amor de Madre.

¡CÓMO SUENA!

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Tue, 20 Sep 2011 23:19:22 PDT

LA FLECHA, EL ARCO, Y EL "INDIO"

Hay refranes y reflexiones populares que pueden hacerte reir en determinados momentos, pero siempre te dejan destellos de esa sabiduría que se transmite en la calle de nuestras sociedades. Hace poco escuché uno de estos pensamientos que me causó mucha gracia: "No es la flecha ni el arco sino el "indio". Esta reflexión es un metáfora que, en la circunstancia que me lo dijeron, explicaba como el problema X radicaba en la "persona" y no en las herramientas que dicho sujeto empleaba.

Toda está "profunda" reflexión (vale reirse) era para llegar igualmente a otro "elevado" análisis, esta vez relacionado con el mundo de la música, nuestro tema permanente en Letrastereo. En la mayoría de los casos la calidad musical no está regida por los instrumentos sino por la destreza y/o pasión que le imprimen sus ejecutantes a sus obras.

Un ejemplo de ello son algunos músicos de la calle que logran cautivar la atención del público con su talento y no por tener un sofisticado equipo para interpretar su música. Incluso hay quienes no poseen instrumentos musicales "reales" sino sucedáneos, botes de pinturas, guitarras de hojalata ó cartón, etc.

Les Luthiers es un grupo musical humorístico que emplean en sus presentaciones instrumentos inventados por ellos mismos con diversos objetos de los más curiosos: llantas, bocinas de automóvil, latas de sardinas, etc. Y por supuesto los resultados son impresionantes gracias al talento de los "indios". Un caso similar es el grupo Stormp, quienes logran sacar los sonidos de las cosas de uso frecuentes de la vida diaria como mechero, escobas, botes de la basura, etc. etc. En ambos ejemplos "el arco y la flecha" no son de óptima calidad pero los resultados son excelentes.

Hay casos donde "el arco y/o la flecha" son tan impresionantes que parecieran que no necesitaran de un arquero con gran puntería para cautivar a la audiencia. Esa es la apariencia. En la realidad una gran ejecución es obra de una gran mano, y si esta cuenta con un super "arco y flecha" el resultado es sin duda impresionante.

Al final toda esta cantidad de palabras era para que disfrutaran a continuación del impresionante sonido del siguiente órgano (flecha) en el que Daniel Oyarzábal (indio) interpreta de forma magistral la Tocata y Fuga de Bach (arco). (Ver Vídeo)

Sucedió el pasado 18 de junio en la sala principal del Auditorio Nacional de Madrid donde está este impresionante órgano. La ejecución de Oyarzábal formó parte del programa de 12 horas continuas de conciertos celebradas dentro y fuera de este recinto con motivo del Día de la Música 2011. Debo aclarar que por un tema de agilidad no se pudo grabar el famoso intro de la Toccata y Fuga de Bach:¨¡Ta-ra-nah, ta-ra-na-naaah... Ta-ra-nah, ta-ra-nah-nah..!¨ Melodía que asusta a más de uno gracias a su relación con el cine suspenso.

Este es un ejemplo de lo poderoso que es para un buen indio tener entre sus manos una gran flecha y un gran arco. Aunque, como explicaba anteriormente, en la música realmente lo más importante es el indio, y basta con navegar un poco en Youtube para encontrar miles de ejemplos de ejecuciones impresionantes sin necesidad de grandiosos instrumentos.

Disfruten de esta exhibición de ritmo, coordinación e improvisión de un super baterista de la calle. No pierden el detalle de las baquetas, vale la pena verlo completo. (Ver Vídeo)

¡Qué indio!

Adrián Naya

¡QUÉ VIVA EL DESORDEN!

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Tue, 20 Sep 2011 23:20:46 PDT

PERO PÚBLICO!

"¡Ehhh... Ehhh...Ahhh, Desorden está en la calle... Ehhh... Ehh... Ahh, Desorden está en la calle, Combate..!" Esta fue la última estrofa que cantaron a todo pulmón Horacio Blanco y todos los presentes en la Sala Heineken de Madrid el pasado 1 de julio del 2011. Y es literal lo de a todo pulmón, pues fue tal la euforia colectiva generada por casi dos horas de concierto con la banda Desorden Público, que después de terminarse el show (en teoría) los miembros salieron a escena ante la insistencia de la gente para cantar sin micrófonos ni luces el tema Combate.

"Arrechísimo" (Guay, Chido, Cojonudo). Eso salió de la boca de Horacio (vocalista) en varias ocasiones del concierto para expresar su emoción ante el gran feedback que recibía desde abajo de la pequeña tarima. Esa fluida comunicación comenzó desde el minuto uno cuando los desordenados nos pusieron a bailar y brincar como adolescentes con temas clásicos y nuevos de su más reciente disco Contrarios (2011).

Como en la clase de gimnasia del colegio, decenas de personas elevabamos las rodillas al ritmo de Latin Ska de la banda más importante y longeva (26 velas) de este género en Venezuela. Muchos incrementaron la intensidad de sus saltos cuando llegó el turno de disfrutar con ¿Dónde está el futuro? y Esto es Ska, canciones del primer álbum editado en 1988. Ese disco y los cassettes piratas fueron el punto de partida del estilo jamaiquino en la región, y el nacimiento de un ferviente grupo de culto hacia D.P. entre los que eramos los adolescentes de aquella época.

Casi dos horas tuvimos para reconectar con muchos momentos de descarga sobre la pista de baile gracias a la explosiva combinación de Ska y ritmos tropicales que muy bien ha sabido mezclar la banda caraqueña durante tantos años. En esta oportunidad en Madrid disfrutamos con Desorden Público de nuevos cócteles sonoros "servidos" en este 2011 en forma de Bolero, Chachachá, Mambo, e incluso Hardcore (Llora por un dólar, ChachaSka, Hardcore Mambo). El ritmo tampocó decayó con los temas nuevos City of the Dead, El Poder Emborracha, Ciudad de los Locos, Los dados de la Muerte, entre otros del reciente álbum Contrarios.

Disfruten acontinuación de uno de esos momentos picos de euforia dentro la Sala Heineken de Madrid, el pasado 1 de julio de 2011, Allá Cayó. (Ver Vídeo)

"Sin duda, hasta ahora, el mejor concierto de esta gira por Europa". Palabras de Horacio la voz cantante del desorden que se armó en la pista de sala madrileña esa noche verano. Cita que supo a poco para todos los presentes, más sabiendo que el concierto fue recortado al final por exigencias de horario del local.

Oficialmente el espectáculo terminó con el merengue-ska de Valle de Balas, e inmediatamente los ocho integrantes de Desorden Público se juntaron para despedirse de todos. En ese momento comenzó una petición al unísono: "¡Orquídea! ¡Orquídea! ¡Orquídea!.." Fue imposible por parte de Horacio y compañía evitar las risas que les provocó esa broma que parodiando al famoso y popular programa de t.v. venezolano Sábado Sensacional. "No hay duda que somos jodedores", sentenció Horacio para desaparecer de la tarima con el resto de la banda.

Los técnicos empezaron a desconectar los instrumentos y amplificadores sobre el escenario. Esa evidente señal de ya no hay más concierto, no fue motivo para que todos los presentes pidieran más Desorden: "Otra, otra, otra..... Desorden, desorden, desorden..." Todos seguimos en mismo lugar durante cinco minutos hasta que la banda reapareció y juntos acordamos hacer esto que van a ver acontinuación. (Ver Vídeo)

Terminanos como empezamos este Letrastereo en una noche redonda con Desorden, pero Público.

Gracias

Adrián Naya

Agradecimientos a Maki y Chiqui por toda la logística.

NUNCA ES TARDE

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:49:34 PDT

OTRO "DEBUTANTE"

¿Guillermo Dávila? ¿Si? De esta manera dudé al ver la invitación que le hicieron a Letrastereo para asistir al concierto del cantautor venezolano en Madrid. Mi sorpresa fue primero por tener noticias de este artista después de muchos años, y segundo porque nunca había contemplado la idea de ir a uno de sus conciertos. Después de varios minutos de reflexión decidí "descubrir" en vivo a este caraqueño con 30 años de carrera musical, y que debutaba en España a los 56 años de edad.

Franco De Vita, Ilan Chester, "El Puma" José Luis Rodríguez, y ahora Guillermo, han aprovechado la creciente inmigración Latinoamericana de los últimos años en en viejo continente para darse un segundo aire en sus longevas carreras. La mayoría de estos artistas vivieron sus momentos de furor en los años 80's en gran parte de América, a excepción del Puma que sí había logrado entrar con éxito por Europa.

Para quien no conoce a Guillermo Dávila, este artista ha combinado su carrera musical de baladista Pop con la de actor de telenovelas, plataforma que le ha permitido también darse a conocer en varios países. La mayorías de sus canciones están compuestos por él mismo, y una de ellas (Sin pensarlo dos veces) se hizo famosa por ser censurada por su contenido sexual demasiado explícito. Tema que por supuesto no dejó de cantar en el concierto de Madrid, y al cual le incluyó una frase en tono de burla ("se llamaba... Ramón")
para recordar ese desagradable episodio en su trayectoria.

A las 9:40 de la noche del 19 de mayo entré con la mente abierta a la Sala Heineken (lugar del concierto) para escuchar en directo a Guillermo Dávila. No fue una sorpresa encontrarme entre un público 90% femenino, sector del público fiel a su estilo y carisma durante tantos años. Sin tiempo para una cerveza salió al escenario de la Sala Heineken (lugar del concierto) "El ídolo de su generación" con una guitarra acústica acompañado por un pianista, un bajista y un chico a la guitarra eléctrica. Era una propuesta tipo unplugged pero los gritos de muchas de sus fans (de 30 años para arriba) rompieron con la supuesta intención inicial ó por lo menos lo que decía el cartel "Guillermo Dávila... Un Show Íntimo".

A la segunda canción, "Me Fascina", un tema Pop y bastante movido, se desató el efecto grouppie entre el público, es decir, fans excitadas que hicieron cualquier cosa por tocar a su ídolo. Una por una se subieron al escenario para bailar con Guillermo e incluso hacerse una foto entre canciones hasta el final. Hablando de lo musical, Dávila cantó la mayoría de las canciones que le hicieron llegar a los primeros puestos de las emisoras radiales en Latinoamérica. Entre una de esas canciones que destacaron en el recital estuvo "Me pongo a pintarte", tema que casualmente había compuesto y grabado en Madrid hace 30 años. Otra canción de Guillermo vinculada a la capital española fue "Barco a la deriva", la cual según explicó él mismo se trataba de una historia trágica de un amigo que murió por una sobredosis de drogas en España.

El concierto navegó entre lo romántico, íntimo, e incluso bailable con algunos de sus temas Pop-tropicales. Disfruten de "Ábreme la puerta" con sus groupies en acción. (Ver Vídeo)

Guillermo Dávila un ídolo de su generación que sigue disfrutando de la música, y que en España ha tenido la oportunidad de reencontrarse con su público y con sus comienzos.

Adrián Naya

Agradecimientos a Nancy Sanchez y Eugenia Adams.

ESTAR O NO ESTAR

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Tue, 20 Sep 2011 23:22:08 PDT

CERATI ES LA CUESTIÓN

Hace un año, exactamente el 15 de mayo del 2010, Gustavo Cerati dio al parecer su último concierto después que parte de su cerebro dijera basta y sufriera un ACV (accidente cerebro vascular) al termino del recital en Caracas. Desde entonces sus seguidores hemos navegado por diferentes aguas que van desde la tristeza, la esperanza, la impotencia, la gratitud, etc.

¿Cerati está ó no está? Todo depende con el cristal que se mire. Su música, sus letras están siempre y cuando uno las quiera escuchar y sentir. Su impresionante energía sobre el escenario no está, y al parecer no volverá, aunque los videos rescatan algunos de esos momentos mágicos. La conexión entre el músico y sus seguidores está, y continuará a pesar de su estado físico, material, o como lo quieran llamar.

Otra cosa que está presente es la inmensa red energética de gratitud y de buenos deseos hacia Gustavo y la cual crece día a día. En facebook y twitter se han creado diferentes plataformas de apoyo hacia el músico que se encuentra todavía con respiración mecánica en la clínica Alcla de Buenos Aires. Por cierto este lugar ha sido de lugar de peregrinación para muchos amigos y músicos, quienes intentan devolverle un poco de esa energía que les ha transmitido por años sobre los escenarios y con sus grabaciones. Artistas tan variados como Juanes, Café Tacuba, Shakira, Enrique Bunbury, Christian Castro, Robi Draco Rosa, Luis Alberto Spinetta, e incluso Bono de U2 han enviado sus mensajes de apoyo y admiración hacia Cerati durante este período de estar y no estar.

A continuación escuchen a Bono y U2 quienes el pasado 30 de abril le dedicaron una canción (Moment of Surrender) y unas palabras a Gustavo. (Ver Vídeo)

Un año también ha sido el tiempo que hemos estado en "vigilia" esperando cualquier noticia que nos brinde una esperanza de la recuperación de Cerati. En ese proceso ha habido una persona clave para conectar de cierta manera con él, Lilian Clark, su madre. Gracias a ella se ha podido conocer de primera mano manera la situación y los cambios de la salud de Gustavo. También Lilian nos ha revelado un poco como es su hijo e incluso la historia de alguna canción como "Té para Tres", la cual describe un momento familiar entre su padre, Lilian y el propio Gustavo. Lilian como buena madre lo está cuidando y nos mantiene más cerca de él.

Por estas fechas se están produciendo homenajes y conciertos sobre el músico argentino en diferentes latitudes del continente americano. Sin duda una excelente manera de mantener "vivo" sobre los escenarios la energía que brindó Gustavo Cerati por más 25 años de carrera musical con y sin Soda Stereo.

El 15 de mayo de 2010, en el campo de fútbol de Universidad Simón Bolívar de Caracas Cerati se despidió de los escenarios con "Lago en el Cielo". (Ver Vídeo)

Tal vez este fue un mensaje de Gustavo para avisarnos que estaba en la orilla a punto de entrar a nadar en el "Lago en el Cielo".

Como dijo Robi Draco Rosa: "La música nunca muere y tampoco morirá Cerati”.

Gustavo está y estará por siempre, esa es la cuestión.

Adrián Naya

DIOS LOS JUNTA, ELLOS SE SEPARAN Y

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Wed, 21 Sep 2011 14:29:37 PDT

LA MÚSICA LOS VUELVE A UNIR

Muchos mexicanos y latinos están de fiesta gracias al regreso después de quince años de separación de uno de los "matrimonios musicales" más influyentes del rock latinoamericano, Caifanes. Esa unión a finales de los 80's y principios de los 90's procreó a miles de "hijos" por el continente con su especial química de rock mestizo. Los progenitores de esta gran familia son Sabo Romo, Diego Herrera, Alfonso André, Alejandro Marcovich y Saúl Hernández, estos dos últimos los protagonistas del "divorcio" de la banda en el 95', por motivos que aun desconozco. A finales del 2010 Saúl y Alejandro (ver foto 1) decidieron poner fin a sus diferencias y emprender una proceso que ellos mismos han definido como de reconciliación más que de un simple reencuentro.

La alegría por esta reconciliación de los Caifanes ha generado una gran entusiasmo tanto dentro como afuera de México, un reflejo de ello es la serie de plataformas online que se han creado por este agradable suceso. Gracias a una de esas iniciativas, "Yo quiero a Caifanes en Tijuana" (facebook), me he enterado de la vuelta de la banda, noticia que me ha borrado el mal sabor de boca que me provocó la mencionada disolución. De cierta manera algunos artistas y agrupaciones llegan a ser a través del tiempo como una especie de familiar lejano al que uno le tiene mucho cariño, y que cuando algunos de estos sufren una separación, muerte, o cualquier incidente, es inevitable que nos afecte en cierto grado.

En los casos de las separaciones de agrupaciones como por ejemplo Pink Floyd, The Police, Heroes del Silencio, Soda Stereo, y ahora los Caifanes, sus integrantes han hecho un "trabajo" personal para sanar las diferencias personales entre ellos y reemprender esa magia, aunque sea por unos minutos. En el caso de la banda mexicana la reconciliación se ha celebrado con dos presentaciones, en la que unos pocos afortunados han podido vivir de cerca esa vibra recientemente (Vive Latino 2011 9/4/2011 - Festival de Coachella 15/4/2011).

La distancia ha impedido a muchos seguidores (yo incluido) asistir a esos momentos mágicos en los festivales mexicanos, pero gracias a los videos y a ciertos canales por Internet se ha podido disfrutar de cierta forma esa vibra de reconciliación entre los Caifanes.

Disfruten de "Viento" desde la explanada del Vive Latino 2011 después de 16 años de silencio. (Ver vídeo)

Después de ver este y otros videos del mismo concierto comprendes porque Caifanes llegaron tan lejos. Fue difícil no emocionarse viendo como los 5 músicos, ya no tan jóvenes, disfrutaban junto a las 70 almas que estuvieron presentes en el foro Sol del D.F. mexicano. Algo muy similar se vivió en el 2007 con la gira de "Me Verás Volver" de Soda Stereo que recorrió el continente americano de pies a cabeza por tres meses.

En Europa no tuvimos la fortuna de ver a Soda Stereo, y aún no está previsto que los Caifanes crucen el "charco". Pero de una reunión que sí se pudo disfrutar por tierras del viejo continente fue la que protagonizaron los miembros del grupo inglés The Police. En el 2008 Sting, Andy Summers y Steward Copeland pasaron por el Rock in Río Madrid para pudieramos corroborar la calidad de este trío que hizo historia en la música entre los 70's y 80's.

Ahora gocen de otro reencuentro para la satisfacción de muchos y que ha dado el mundo de la música, The Police. (Ver vídeo )

La vida son 2 días como dicen por ahi, y los Caifanes, Soda Stereo, The Police, entre otros, han sabido madurar y valorar más las cosas que tienen en común que las diferencias.

Gracias Caifanes, Pink Floyd, Soda Stereo, The Police, Led Zepelin, etc. Por disfrutar y compartir su música con nosotros... ¡Otra vez!

Adrián Naya

OTRA REALIDAD

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Wed, 21 Sep 2011 14:31:01 PDT

MÁS MÚSICA

-Hola, quiero vender estos CD's. Me dice un hombre rubio, delgado de unos sesenta y pocos años, y con los ojos un poco raros, uno verde y el otro de color azul. Al mismo tiempo se dirige hacia mi y pone sobre el mostrador blanco que nos separa unos 6 ó 7 discos. Yo de pie del otro lado del mueble respondo impactado: "Coooo... si eres David Bowie. ¿Qué haces por aquí... En el Cash Converter... Vendiendo discos?"

-"Pues pasaba por aquí, y así aprovecho para vender estos CD's que ya no estoy escuchando". Me contesta sin darme tregua para asimilar el extraño momento que estaba viviendo. Su actitud relajada era de quien va a la panadería a comprar 2 barras de pan.

A todas estas el cantante David Bowie está acompañado por un señor moreno de su misma altura y con expresión agradable en su rostro. La sección de "Compras" del Cash Converter (Dr. Esquerdo 66, Madrid) sigue con su usual dinámica de negociaciones, los compañeros compradores atendiendo a distintas personas que desean vender sus productos a cambio de dinero inmediato. Yo desde luego también estoy desempeñando esa rutina, sólo que en mi caso el cliente es el famoso cantante inglés.

-¿Bowie puedo tomarme una foto contigo? Le pido sin disimular mi emoción en lo que yo traspaso la barrera física que nos divide a través de una pequeña puerta lateral hasta pararme a su lado.

- ¡Por supuesto! Contesta Bowie con una gran sonrisa mientras yo estiró mi brazo derecho donde ya tenía preparado el teléfono con la cámara encendida.

- ¡David está foto va para mi Blog Letrastereo!

Abro los ojos y me doy cuenta que estoy en mi habitación. Una pequeña luz que entra a través de la persiana me indica la inequívoca señal de que ya ha amanecido. "¡Pero que absurdo, jajaja! ¡Qué sueño!" Me digo a mismo mientras intento despegar la cabeza de la almohada e iniciar la "vida" en un nuevo día.

La mente es un misterio e intentar descifrar por qué he soñado lo que acabo de relatar es tarea casi imposible. Por más que consulte en libros de psicoanálisis o lea los milenarios textos budistas sobre la mente sería difícil comprender por qué estaba con David Bowie comprándole unos CD's en el Cash Converter (jajaja).

Aun parece más surrealista lo "vivido" cuando nunca he seguido la trayectoria del cantante inglés y no tengo ni uno de sus discos. Recientemente tampoco he recibido noticias de Bowie como para que mi cabeza hiciera una extraña conexión y provocara esa "realidad".

El subconsciente ha señalado el tema y, en este caso, al artista de quien tratar en Letrastereo. A pesar de no haber seguido la carrera de David Robert Jones, David Bowie, en algunos momentos de mi vida he disfrutado con sus canciones. Este es uno de esos artistas que conoces más de lo que crees. Bueno así lo pienso después de haber investigado sobre su música, motivado por "nuestro fugaz encuentro".

La primera canción que me viene a la cabeza de Bowie es Let's Dance. Tema que sonó muchísimo por las radios en los años 83 y 84 y cuando salió el álbum que lleva el mismo título. (Ver Vídeo)

David Bowie comenzó su carrera con el pie derecho cuando lanzó en 1969 el disco Space Oddity. En los setenta alcanzó la cumbre con once producciones que pasaron por el folk, soul, funk, el rock y el glam rock. Este último género el inglés lo abanderó con un andrógino personaje que inventó para sus interpretaciones en vivo durante algunos años llamado Ziggy Stardust. En esa década produjo temas de gran aceptación que con los años han sido desempolvados del "baúl" por bandas, como por ejemplo: Nirvana (The Man Who Sold The World), The Wallflowers (Heroes), entre otras.

También ha contado con la alianza musical de otros grandes para componer algunos de sus temas como el caso de Fame co-escrita con John Lennon y Carlos Alormar (productor disco Doble Vida - Soda Stereo), Under Pressure con Queen, This is not America con Pat Metheny, China Girl con Iggy Pop, Heroes con Brian Eno, etc. Bowie produjo los exitosos álbumes de Lou Reed Transfomers y de Iggy Pop The Idiot y Lust for Life.

Disfruten de Heroes canción que conocí por The Wallflowers y que ahora pueden ver con su autor original acompañado por la super banda Queen y el guitarrista Mick Ronson. (Ver Vídeo)

David Bowie un artista camaleónico y del que descubres cosas interesantes con tan solo rebuscar en su discografía. Discos que por cierto: "Sí se los compro señor Bowie"

¡Felices Sueños!

Adrián Naya

Nota: El mismo día que estaba terminando de escribir este Letrastereo un compañero del Cash Converter (Rick) me dio el disco doble Best of Bowie. ¿Casualidad?

"¡OYEME CHICO...!"

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:09:57 PDT

"... sí, dime Fernando?"

¿Una película? ¿Un recital? ¿Un homenaje? Sí, todo eso es "Chico & Rita", o por lo menos es la sensación que me ha quedado después de ver, mejor dicho, escuchar esta película animada estrenada recientemente en España. Es una historia de amor pero eso es un pretexto dramatúrgico para que la Música asuma un rol protágonico. Durante noventa minutos el Jazz, el Mambo, y la música afrocubana "actúan" entre la Habana y Nueva York de los años 40s y 50s, boom y época dorada para esos géneros, y que se fusionaron en lo que hoy conocemos como Latin Jazz.

Para hacer "Chico & Rita" el director español Fernando Trueba se inspiró en la leyenda viva del jazz latino Bebo Valdés, su amigo y a quien ha "rescatado" del olvido con documentales y producciones discográficas bajo el manto de su propio sello Calle 54 Records (Bebo es Cuba, Beautiful Music, El Solar de Bebo, Lágrimas Negras, etc.). En "Chico & Rita" la música fue grabada en su mayoría por el cubano, que viene a ser en realidad el "actor principal" de este film. Y quien mejor que Bebo Valdés con su piano para "encarnar" aquellos explosivos años del Latin Jazz, siendo el único sobreviviente a sus 92 años de esa movida musical. Para está película Trueba logró también reunir a un grupo de músicos y formar una banda (Chico & Rita Band) y darle vida a otros personajes importantes de esa época como Charlie Parker, Dizzie Gillespie, Chano Pozo, Tito Puente, etc.

Bebo Valdés además de participar en "Chico & Rita" recibe la dedicatoria de la película por parte de Fernando Trueba y Javier Mariscal (encargado de la animación), como queda evidenciado en la créditos finales, detalle que ha hecho brotar la lágrima a más de uno en sala. No me hago "el duro", yo también me incluyo.

A continuación quiero que vean el trailer de "Chico & Rita" y disfruten posiblemente de la última obra de Bebo Valdés, quien ya está retirado de la música profesional. (Ver Vídeo)

"Chico & Rita" es una muestra de admiración y cariño por parte de Fernando Trueba hacia Bebo Valdés, pero esta no ha sido la única oportunidad en que ha sucedido. Ya en el año 2000 el director español retrató el arte del pianista y de otras grandes figuras de la música latina como Paquito D'Rivera, Cachao, Tito Puente, Michel Camilo, incluido el hijo de Bebo, Chucho, para el documental Calle 54, en un homenaje al Jazz Latino.

Esta dupla Bebo-Fernando, Música-Cine, volvió a juntarse para el documental El Milagro de Candeal (2004). Esta producción muestra el trabajo social que ha hecho Carlinhos Brown a través de la música en su barrio natal de Bahía. Para ello Trueba contó con el gran aporte de su amigo Bebo en la calidad de invitado especial. En El Milagro de Candeal se pueden disfrutar de momentos mágicos gracias a la fusión musical entre Cuba y Brasil.

De esa experimentación captada por el lente de Fernando Trueba disfruten un extracto donde Bebo y un grupo brasileño llamado Hip Hop Roots hacen una impresionante perfomance llena de ritmo e improvisación. (Ver Vídeo)

De vuelta al presente 2011, espero que disfruten de "Chico & Rita", posiblemente el último gran abrazo artístico entre dos amigos y enormes talentos de la música y el cine, Bebo Valdés y Fernando Trueba.

Adrián Naya

Gracias Vivi por regalarnos las entradas de esta mágica experiencia

"EL FLACO" Y SUS "FLACOS" AMIGOS

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:08:47 PDT

Spinetta con Charly, Fito, Gustavo...

Luis Alberto Spinetta, "EL Flaco", es uno de los músicos más importantes dentro de la historia del rock argentino, y que por motivos que desconozco no ha tenido la misma trascendencia que algunos de sus compatriotas fuera de las fronteras del cono sur. Spinetta empezó su carrera musical en 1969 con una banda llamada Almendra, una de tantas que ha tenido en 40 años de trayectoria, pero no fue hasta el año 1991 cuando lo escuché por primera vez. El tema "Seguir viviendo sin tu amor" (álbum Pelusón of Milk) empezó a sonar con cierta regularidad y receptividad durante esa época en las emisoras venezolanas. Veinte años más tarde he vuelto hasta mis oidos esa misma canción gracias a una versión "casera" (grabación inédita) que ha hecho su compatriota Andrés Calamaro y que ha llegado de forma exclusiva y gratuita a los que seguimos el portal de información musical EFE EME.

La grabación de Calamaro me ha hecho rescatar de mi memoria no sólo ese tema, sino todo lo que he conocido (que es poco) sobre el talentoso Spinetta a partir de aquel año 1991. Disfruten ahora de esa canción con la que empecé a salir de mi ignorancia spinetteriana. ( Ver Vídeo)

En los años ochenta "EL Flaco" hizo música con otros artistas que para mi ya eran más familiares y que incluso ya había difrutado en concierto. Me refiero a Fito Páez y Charly García. Con el primero Spinetta grabó "La, la, la" en el 86', álbum que tuvo bastante aceptación en Argentina, gracias a la buena química que hubo entre estos grandes músicos. En tanto, la historia que hubo entre del "Flaco" con Charly García al parecer no fue tan fluida, pues no llegó a materializarse un supuesto álbum entre los dos. Lo cierto es que de la dupla Spinetta-García nació en el año 85' una canción que tiene un lugar especial en el mundo del rock argentino y latinoamericano, "Rezo por Voz". Esta canción fue incluida dos años más tarde en el álbum Privé del Luis Alberto Spinetta, y un año después re-grabada por Charly para el disco que bautizó con el mismo nombre.

Por aquellos finales de los ochenta me gustaba mucho "Rezo por Voz", y por consecuencia, y sin saberlo también el arte de Luis Alberto Spinetta.

La piel se me erizó al ver el siguiente video de "Rezo por Voz" en vivo con Charly y "El Flaco" juntos en el escenario. Que lo disfruten aunque sea una cuarta parte. (Ver Vídeo)

En los noventa otro artista que me hizo admirar aun más la calidad compositiva de Spinetta fue Gustavo Cerati. Entre disco y disco de Soda Stereo Cerati grabó en el 93' su primera producción en solitario llamada Amor Amarillo, y en la cual incluyó una versión de "Bajan" de su idolatrado Spinetta. Tres años más tarde Gustavo también se valió de un pedazo de "Cementerio Club" del Flaco para hacer una interesante versión de "Te para 3" en el unplugged de Soda Stereo.

Disfruten de "Bajan" de Luis Alberto Spinetta interpretada junto a Cerati. (Ver Vídeo)

El 4 de diciembre del 2009 Luis Alberto Spinetta celebró sus 40 años de carrera con un concierto de más de cinco horas en el Estadio de Vélez Sarsfield en Buenos Aires, y que contó con la participación de Fito, Charly, Cerati, entre otros.

Además de la versión de Andrés Calamaro del tema "Seguir viviendo si tu amor", otra cosa que me ha conectado por estos días con la energía de Spinetta ha sido el poema que le ha dedicado a Gustavo Cerati, y que ha publicado recientemente en la web del músico que aun sigue en estado de coma. http://www.cerati.com/

Con el mencionado poema quiero cerrar este Letrastereo que dedico a este músico, poeta y figura relevante del rock argentino, Luis Alberto Spinetta.

Adrián Naya

"Dios Guardián Cristalino de guitarras / que ahora / más tristes / penden y esperan / de tus manos la palabra / Precipitándome a lo insondable / tus caricias me despiertan a la vez / en un mundo diferente al de recién... / Tu luz es muy fuerte / es iridiscente y altamente psicodélica / Te encuentro cuando el sol abre una hendija / que genera notas sobre la pared sombreada / Y suena tu música en la pantalla / sos el ángel inquieto que sobrevuela / la ciudad de la furia / Comprendemos todo / tu voz nos advierte la verdad / Tu voz más linda que nunca".

Luis Alberto Spinetta

DOMINICAN POWER

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:07:23 PDT

LUIS, RITA Y LOS QUE VENGAN

"En el Carnaval... baila la calle de noche, baila la calle de día..." Así decía un estribillo que en los tempranos años ochenta popularizó Fernandito Villalona a ritmo de merengue. Esa misma rima sonó hasta el aburrimiento en el 2006 en una parte del tema "Hips don't Lie" de Shakira y Wycleaf Jean. Pero lo curioso del asunto es que la composición de dicho estribillo fue creada por el "Padre del Rock dominicano", Luis Terror Días.

Parece surrealista decir la frase Rock Dominicano cuando ese pequeño país del Caribe es mundialmente conocido por su merengue y bachata, y popularizado por artistas de la talla de Juan Luis Guerra, Jhonny Ventura, Hermanos Rosario, entre otros. Luis "Terror" Días murió apenas hace un año y ha dejado más de 300 canciones de Rock, Blues, y por supuesto otras con ritmos típicos de la zona como Palos, Bachata y Merengue. Muchas de esas composiciones han sido versionadas por gran cantidad de artistas de su país y otros internacionales como Marc Anthony.

Según mi amigo y periodista dominicano Peterson González, las letras de "EL Terror" han sido de inspiración y de desahogo para varias generaciones dominicanas ante los problemas cotidianos y secuelas de la dictadura de Trujillo en el siglo XX. El mensaje de Luis Días también llegaba con fuerza gracias a la pasión que imprimía interpretando su música, a pesar de no tener una voz privilegiada.

En el año 2004 Luis "Terror" Días fue exaltado por el Estado Dominicano como "Patrimonio Cultural de la Nación".

A continuación podrán ver un un poco de esa fuerza que les mencionaba del Padre del Rock Dominicano, Luis "Terror" Días. (Ver vídeo)

Luis Terror Días se ha ido a componer a otro "mundo" pero en Dominicana la música alternativa tiene mucha vida y relevo seguro. Una muestra de ello es el vanguardista trabajo de Rita Indiana, quien es escritora, ex-modelo, dramaturga y que ahora está haciendo una singular propuesta de merengue fusionada con electrónica y rock. Según Peterson González, Rita está considerada una poeta urbana gracias al contenido de sus dos novelas ( Papi, Las Estrategia Chocueca), dos cuentos (Rumiantes, Ciencia Succión), una obra de teatro (Puente), y por su reciente carrera musical. Esta dominicana ha conectado con éxito con el público de su país no sólo por la novedosa propuesta musical sino también por sus letras coloquiales cargadas de ironía, denuncia y cotidianidad (El Blu del Ping Pong, El Juidero, La hora de Volve, Pasame a Buscá, etc.)

Rita Indiana se hace acompañar por un grupo llamado "Los Misterios" quienes le dan forma al innovador sonido que al parecer está muy en sintonía con este segundo decenio del siglo XXI.

Disfruten ahora de "El Blu del Ping Pong" en vivo, y entiendan un poco porque Rita Indiana está triunfando con su nueva onda de merengue alternativo. (Ver Vídeo)

Rita Indiana y Los Misterios una forma alternativa de interpretar el merengue o hacer música electrónica, o las dos a la vez. Lo cierto que es una propuesta innovadora y que muestra otra cara musical de República Dominicana.

Gracias Luis Terror Días, Rita Indiana, y los que sigan con el Dominican Power.

Adrián Naya

Gracias Pit por abrirme a este "mundo" diferente de tu cultura.

HAENDEL 11, 1 I

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:05:30 PDT

El título no es el número de una obra del famoso compositor alemán Georg Friedrich Haendel, sino la dirección de mi nuevo hogar desde hace poco más de dos meses. Por supuesto es el lugar desde donde se escribe Letrasterero. Cada vez menos creo en las casualidades y más en las causalidades. Estoy casi convencido que la creciente conexión que tengo con la música en los últimos tiempos ha sido producto del deseo. Que mi nueva calle tenga nombre de un músico es parte de lo que estoy llamando y por consecuencia atrayendo.

Para continuar con este proceso de conexión con la música y disminuir mi ignorancia en esta materia me he puesto en la tarea de investigar un poco quien es el señor que le da nombre al lugar donde vivo. Ya tenía conocimiento que Haendel ó Händel (se puede escribir de las dos formas) era el compositor del Messiah, una de las obras más ejecutadas por estos días navideños en el mundo occidental-cristiano.

Ahora no voy a escribirles la biografía de este músico alemán-inglés que desarrolló gran parte de su carrera en Inglaterra durante el siglo XVIII. Sólo quiero destacar la importancia que ha tenido Haendel para la música gracias al inmenso e impresionante legado musical. Esta figura del Barroco logró componer 43 óperas, 26 oratorios, y una gran cantidad de piezas corales entre las que destaca popularmente Hallelujah.

Haendel logró influir en hombres que también cambiaron el curso de la historia de la música como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven, Joseph Haydn, entre otros. "Händel es el compositor más grande que ha existido jamás, me descubro ante él y me arrodillaría ante su tumba". Eso afirmó Beethoven en 1824, mientras que el genio de Mozart expresó lo siguiente del compositor barroco: "Handel entiende el efecto mejor que todos nosotros, cuando quiere, golpea como un rayo".

Stanley Kubrick, otro genio en este caso del cine, supo sacarle provecho al talento del compositor germano-británico para darle intensidad a una de sus exitosas películas, Barry Lyndon (1975). Disfruten de la pieza Sarabande de la Suite en Do menor parte importante en la película del cineasta inglés. (Ver Video)

Sarabande emotiva pieza que sin duda tiene un protagonismo relevante en la trama de la película de Barry Lyndon.

Como estamos en días de Navidad quiero brindarles desde Haendel 11,1 I el Hallelujah del Mesías de Georg Friedrich Haendel. (Ver Video)

Estamos cerrando un año y preparándonos para otro según nuestro calendario greco-romano. ¡Espero que lo pasen como desean, solos ó acompañados y donde quiera que se encuentren!

Feliz Navidad, Año, Hannukah...!!!!

Adrián Naya

Did qué????

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:04:47 PDT

"Didgeridoooooooooooo..."

"Ohmmumhoumnhnuonnnnhiiiiiououououhnnmouououo". Es bastante complejo intentar explicar con letras el sonido que emite el ancestral instrumento musical de origen australiano llamado Didgeridoo. El mismo sonido que ha retumbado con cierta frecuencia en mi cabeza en los últimos años, meses, y aún más por estos días.

El Didgeridoo es simplemente un tronco de madera ahuecado que al ser soplado por uno de sus extremos produce una sonoridad grave muy perculiar. Por miles de años su construcción se debió a la eficaz acción de las termitas sobre los árboles de eucalipto en Australia. Ahora en este mundo globalizado, puedes encontrar el Didgeridoo fabricado por artesanos utilizando maderas de cedro, pita, bambú y otras clases de materiales.

La primera vez que ese peculiar sonido quedó atrapado en mi cabeza fue el 24 de septiembre de 2004 en Barcelona, España. Ese día la ciudad condal vibraba de música por muchas de calles y plazas gracias a la celebración de su patrona, la Merced. De hecho ese día venía de ver a los mexicanos de Café Tacuba en la plaza del Raval, cuando bajando por la famosa Rambla me "tropecé" con el envolvente sonido del Didgeridoo. Un chico bastante rubio, delgado y sin camisa soplaba el largo tronco que llegaba hasta el suelo y producía el comentado sonido grave envolvente que hacía detener a muchos de los que pasabamos por allí. Otro joven de similar aspecto nórdico tocaba la batería para completar una excelente orquesta de dos y que transformó ese boulevard catalán en una pista baile. Los años pasan pero ese rato agradable no se borra tan fácilmente.

En estas últimas semanas esas imágenes y sonidos de aquella noche de fiesta han vuelto con más fuerza recientemente, gracias a un libro en el que participo y a un compañero de trabajo. Tener que escribir sobre Instrumentos musicales 'raros' ó curiosos me "obligaba" a incluir el mencionado Didgeridoo. Por supuesto, el ejercicio de leer y escribir sobre esta trompa aborigen provocó el efecto de rebote sonoro en mi "azotea". Y para completar la re-conexión con este instrumento un colega (Guillermo. Ver foto) ha tenido la sensacional idea de comprarse un Didgeridoo de pita y permitirme volver a disfrutar, y aún más de cerca, esas agradables vibraciones.

He buscado un vídeo que intente reflejar lo vivido con el Didgeridoo esa noche de fiesta por Barcelona y lo que he encontrado es a un excelente hombre-orquesta llamado Xavier Rudd. Este australiano toca la guitarra, dobro, bajo, djembé, armónica, tambores aztecas, y por supuesto el Didgeridoo. En el siguiente vídeo Rudd enciende la fiesta de forma similar a la vivida a sus años, pero en este caso el sólo con varios instrumentos. (Ver Vídeo)

Xavier Ruud no es el único que ha aprovechado el sonido de este instrumento de viento, músicos como Jono Callow, Jeremy Donovan ó Wallice Buchanan también han difundido las virtudes del sonido de Didgeridoo por el mundo. Por cierto Wallice ha sido el responsable de ejecutar este instrumento para la reconocida banda de fusión, funk y acidjazz Jamiroquai.

Disfruten de la trompa ancestral australiana adaptada en esta oportunidad a la música popular gracias a la mencionada agrupación inglesa . (Ver Vídeo)

Según el compañero de trabajo (Guillermo) y por lo que he averiguado, el Didgeridoo tiene la capacidad de llevar a estados de relajación y concentración tanto al músico que lo interpreta como al oyente del mismo. Hay personas que incluso lo han usado para meditar gracias a su timbre y fecuencia muy similar al OHM que es utilizado en la filosofía Zen, Hindú ó Budista. Para los aborígenes australianos el Didgeridoo ha sido un instrumento de comunicación, de ceremonia, e incluso utilizado para conectar supuestamente con sus sueños.

Los invito a disfrutar de este instrumento y más que a escucharlo a sentirlo."Ohmmumhoumnhmnuonnnnnhiiiiiououououhnnnmouououo".

Adrián Naya

PA' TODO EL MUNDO...

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:02:44 PDT

PURO RITMO, PURA BUENA VIBRA

Lugar: Fnac (tienda francesa de artículos de entretenimiento) del centro de Madrid.

Fecha: Una tarde del pasado verano del 2010.

Misión: Encontrar un libro de música para escribir unos capítulos de otra publicación que pronto saldrá.

"100 años de MÚSICA. Momentos claves". ¡Misión cumplida! Ese era el libro que necesitaba y tan sólo me llevó un par de minutos encontrarlo dentro de la ya mencionada tienda (ver foto 1). Con tiempo "libre" a mi disposición, no quise desaprovechar la visita y fui a investigar que había de nuevo por la sección de discos. Bajé desde la cuarta hasta la tercera planta del citado edificio y empecé a merodear entre cientos de CD'S ubicados en las estanterías. Uno de mis hobbies preferidos como buen melómano.

Después de varios minutos la búsqueda no estaba aportando nada atractivo ó algo que llamara especialmente mi atención. Camino hasta un extremo de esa planta y de repente comencé a captar unos sonidos de percusión. Mi curiosidad despertó cuando entendí que eso que escuchaba levemente no tenía nada que ver con la música que salía de los parlantes de la tienda. Campanas, tambores, y otros instrumentos que no podía descifrar sonaban desde un lugar diferente obviamente. Volteé a mi alrededor para constatar si alguien más se había interesado por la contagiosa y alegre música percusiva que salía de algún lado extraño. Pero nada. Como serpiente hipnotizada por la melodía de una flauta, caminé directo hacia una puerta gris que decía "SALIDA DE EMERGENCIA". "Sólo personal autorizado". Pero nada más importó y abrí la puerta: ¡Guaooo! Justo en ese instante entré, casi literalmente, en otra dimensión. El volumen de aquella vibrante música, con sabor tropical, subió considerablemente, mientras mis ojos observaban a una comparsa muy alegre de personas que bailaban y cantaban en la calle, como si se tratara de un carnaval. Todos iban vestidos con ropas claras con adornos coloridos que brillaban a la luz del intenso sol de verano desde mi visión en picado desde la altura de un tercer nivel.

No se cuanto tiempo pasó en ese momento. Seguro fueron segundos, pero para mi han durado semanas. Hubo una milécima de segundo de razón por mi cabeza y cerré aquella puerta prohibida. Nadie se dió cuenta ó eso al menos es lo que pareció. Como flecha bajé emocionado hasta la primera planta para pagar y disfrutar de aquella fiesta.

La espera en la caja de pago se hizo eterna mientras en mi cabeza aún retumbaba la magnética percusión protagonizada por unos seres desconocidos. Una vez hecha la transación ($$$) por el libro salí hacia la calle. "¿Qué pasó? No lo soñé". Me preguntaba que había pasado pues ya en ese mismo sitio donde había mirado desde la altura ya no había ni música ni gente de fiesta. Empecé a caminar calle arriba hasta llegar a la centrica plaza Callao. Allí estaban esas personas, no fue una ilusión. Un grupo de chicas de piel morena y cabello liso cantaban con una dulce melodía: "Hare hare Krishna, hare Krishna, Krishna". Ya era evidente que se trataba de un grupo devoto a Krishna y no de un grupo de latinos armando la fiesta por Madrid.

¿Por qué dejaron de tocar su música? Pregunté a una señora que estaba dentro del grupo, que al parecer era de las pocas que hablaba español. Ella con una enorme sonrisa y con ojos brillosos me contestó que la policía les prohibió seguir tocando en la calle. Yo me acordé de la familia de los policías, mientras que la mujer hablaba con una paz que rara veces puedes encontrar por la calle. En ese momento me uní a su peregrinación hacia la Plaza España caminando por la Gran Vía madrileña. Durante ese breve recorrido me explicaron que no volverían a tocar hasta el día siguiente en una fiesta organizada en la cercana población de Guadalajara donde tienen una sede Krishna.

Después de despedirnos me quedé con una agradable sensación y de paz por haberlos conocido. También recordé de la buena vibra que han transmitido artistas como George Harrison, quien era un devoto a Krishna, fé de la cual se inspiró para componer muchos de sus grandes temas. Harrison fue el primero de los Beatles en obtener éxito como solista después de la ruptura del grupo en 1970. Ese mismo año publicó un triple álbum (el primero de la historia) fuertemente influenciado por esta creencia.

Disfruten ahora de esa vibra Krishna de George Harrison con el tema "My Sweet Lord" su primer tema con repercusión internacional en su era post-beatle. (Ver Video)

A finales de los sesenta George Harrison comenzó su acercamiento al hinduismo y en especial a la fé Krishna, hecho que fue reflejado musicalmente en el tema que compuso para el famoso álbum de los Beatles "Sgt. Pepper and Lonely Heart Clud Band", "Within You Without You". En los noventas la banda inglesa Kula Shaker llegó a obtener gran repercusión con su estilo de rock claramente influenciado por la India y el hinduismo.

En el continente americano el artista venezolano Ilan Chester y seguidor de la fé Krishna, publicó en 1998 un disco dedicado a esta creencia llamado "Bhakti - devotional chants from India". Ya a finales de los setentas Ilan había grabado dos discos con influencia en la música Krishna con una banda que tenía en Londres antes de emprender una exitosa carrera como solista en Latinoamérica.

Disfruten de esa buena vibra Krishna con Ilan Chester y la banda Ananta del álbum de 1978 "Night and Daydream". (Ver Video)

La energía fluye a través de la música, y en este caso, con influencia en la fé Krishna procedente de la India. Esa misma buena vibra que transmiten otras creencias, religiones ó filosofías cuando quieren "dar" paz a los demás con ó sin música.

"Hare Krishna", "Amén", "Shalom", "Karmapacheno", "Salam aleikum", etc.

Adrián Naya

MÁS LETRAS, MÁS MÚSICA

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Fri, 23 Sep 2011 00:00:28 PDT

...y un poco de Radio

Un verano y un libro han sido las excusas para que Letrastereo entrara en una pausa de poco más de dos meses. Este tiempo ha servido para que este "espacio", "lugar", ó como lo quieran llamar, haya cargado las pilas de energía musical para compartirla.

Para retomar esta conexión letrasteriana he querido poner una síntesis en formato audio de lo que ha sido, de cierta manera, este canal con buena vibra de música durante un año. Para ello me he valido de la tecnología, que a veces me cuesta, y brindarles el piloto grabado de como sería, ó mejor dicho, como es Letrastereo en su versión radial. Son casi 60 minutos grabados en pleno mes de junio, y en medio del furor del Mundial de Fútbol. La música que contiene es la banda sonora de gran parte de las entregas de este blog, por supuesto, matizadas con los comentarios aprendiz a locutor (no cuenten los errores, son unos cuantos, jajaja).

Espero que disfruten de este Letrastereo Radio volumen 1 tanto como lo he hecho durante su creación.

(Apretar en el pequeño botón de "Play" del reproductor de abajo, como llegaron a hacerlo en los viejos tiempos. Funciona igual que los equipos de antaño).

Music Playlist at MixPod.com

Agradecimientos a Alfonso Fernández por su inmensa aportación para realización de este programa, tanto en lo técnico, como en lo académico, y a Pilar González por prestar su cálida voz.

Adrián Naya

GRANDES HORMIGAS

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Thu, 22 Sep 2011 23:59:51 PDT

MÚSICOS GRANDES

"Gracias Draco, y mucha suerte". "Gracias a ti brother" me respondió Robi Draco Rosa seguido de un abrazo que daba termino a una agradable conversación por casi 20 minutos. Esto sucedía dentro de una amplia y cómoda carpa blanca justo detrás de la super gigante tarima del Rock in Río Madrid 2010. El puertorriqueño es atrapado inmediatamente por otra periodista que lo entrevista para TVE de España, y me doy media vuelta y justo a mi lado observo que están parados 2 de sus músicos viendo en un monitor la actuación de Cypress Hill. "La curiosidad mató al gato" pero a mi en ese momento me dio la posibilidad de conocer a un músico que tiene una importante historia profesional. (Ver foto)

Volvemos a la carpa blanca del Rock in Río. Allí impulsado por una gran incognita, originada por un estereotipo, me acerqué al bajista que parecía más un salsero puertorriqueño que a un bajista de rock desgarrado-psicodélico. "¿Cómo estáaa, te acabo de ver con Draco en la tarima? Felicidades muy buen concierto". ¡Graciasss hermano, salió muy bien! Su acento derribó parte de la "etiqueta" que le había asignado. Hablaba más como un miembro de una banda de música grupera mexicana.

Ser transparente tiene sus gratificaciones y quise terminar de despejar la incognita: "Perdona que te pregunte, pero me llamaba la atención verte sobre la tarima junto a Draco ¿Te rapto (Draco) de un conjunto de salsa de Puerto Rico? " Se rió. "Casi, casi. Toco mucho salsa pero soy mexicano. Vivo desde hace muchos años en Los Ángeles. Grabé en el útimo disco de Draco ("Amor Vincit Omnia") que tiene una onda muy latina. Pero luego me sorprendió que me llamara para salir de gira. Además me pidió que me trajera el contrabajo y no un bajo eléctrico. Ha sido curioso, por primera vez estoy tocando con una pedalera de efectos, jajaja". Por lo visto, después de verle tocar no creo que haya sido ningún trauma emplear el aparato de efectos típicos del rock con su instrumento salsero.

Ya estas alturas nos habíamos presentado y yo había descubierto al personaje del contrabajo, René Camacho. Su tono amable me invitó a seguir conversando con él sobre su curriculum musical. "Por cinco años participé en la banda del Pacífico y Latinoamérica de Celia Cruz". ¡Guaooo! ¿Qué? ¿Celia Cruz? Me quedé en shock mientras el seguía contándome, como quien va a comprar pan, su experiencia con una de las cantantes de más grandes del siglo XX. Fue interesante enterarme que Celia tenía 2 orquestas para poder cumplir con todos sus conciertos por el mundo. Por supuesto en la parte del planeta que le correspondía a René acompañar a la Guarachera de Cuba vivió momentos inolvidables. "Tuve la gran suerte de tocar en su último concierto antes morir (Celia Cruz)". También expresó como buen salsero su admiración por músicos como Oscar de León y la banda Guaco luego de enterarse de mi origen venezolano.

Disfruten de un video con varios momentos de la presentación aquel día en Rock in Río Madrid de Robi Draco Rosa, acompañado por René Camacho en el contrabajo y el resto de la banda. (Ver Vídeo)

René me comentó que este verano se iba de gira con una pianista de jazz canadiense (lapsus mental no me acuerdo del nombre).

Muy grato conocer y compartir con esta gran "hormiga" trabajadora de la música que, como otras, también hace a otros músicos grandes: Celia Cruz, Draco, Sting, Elton John, Oscar de León, Frank Sinatra, etc.,etc., etc.

Adrián Naya

UN SILENCIO STEREO

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Thu, 22 Sep 2011 11:45:52 PDT

"Ey, Cerati... ¡Despieeertaaa!"

Los que me conocen saben del alto grado de admiración que siento por un músico argentino, Gustavo Cerati. Por unas semanas he intentado actuar como si no me afectara el delicado estado de salud que padece este genio, a mi parecer, del pop-rock latino. El infarto cerebral que sufrió el pasado 16 de mayo lo mantiene inconsciente después de 2 meses. Desde aquella fecha he deseado cada día que Cerati se levante de la cama y con guitarra en mano nos siga componiendo más temas para la banda sonora de muchas de nuestras vidas. En mi caso lo ha hecho desde mediados de los ochentas con Soda Stereo (10 discos), y ya en solitario desde hace poco más de 10 diez años (7 discos).

Esta entrega de Letrastereo es un acto de gratitud hacia esa persona que queriéndolo o no ha transmitido a muchos un sinfin de emociones a través de la música por más de 25 años en toda América. Eso no ha pasado en Europa donde Cerati es prácticamente un desconocido, a pesar de haber hecho conciertos en España en el 91' y 92' en las giras de Soda Stereo con "Canción Animal" y "Dynamo", y en el 2004 y 06' para los tours de "Siempre es Hoy" y "Ahí Vamos", ya sin la exitosa banda. De hecho el mismo día que sufrió el infarto cerebral conocíamos por este lado del charco las fechas para la gira española de "Fuerza Natural" (22 de octubre, Sala Riviera, Madrid). Pocas horas duró la emoción pues ese mismo día llegaron desde Caracas por diferentes fuentes las duras noticias sobre el delicada salud de Cerati justo minutos después de concluir la gira Latinoamericana en la capital venezolana. Medio cerebro con daños irreversibles según me explico recientemente un amigo médico y seguidor también del líder de Soda Stereo (M.Q.)

Creo en la energía, la suya y la todo el universo, por eso pienso que no se está destruyendo sino sólo se está transformando. En el presente y futuro tendremos la vibra musical de Gustavo Cerati a través de sus discos y gracias a los recuerdos audivisuales que ha dejado, y por supuesto, estará su energía en nuestra memoria.

Este excelente guitarrista, cantante y, sobre todas las cosas, compositor, le ha puesto palabras a muchas de nuestras experiencias, emociones y pensamientos. En este sentido, el escritor y pana José Urriola publicó el 19 de mayo en el blog Rostros de Viento un texto que refleja de cierta forma el sentir de muchos que han disfrutado de la obra musical y artística de Cerati con y sin Soda (no es un whisky).

Ahora quiero que disfruten de una pequeña muestra del talento de este músico que ha magnetizado a miles por décadas. El tema del video acontinuación se llama "Vivo". Parece una paradoja en su delicada situación de salud, pero quiero que escuchen la letra y sientan la música. (Ver Video)

"Conocer la otra mitad, es poco. Comprender que solo esta, es más puro"."El fin de amar es sentirse Vivo". Decenas de frases como estas nos ha regalado Cerati. Musicalmente hablando no ha habido un disco del músico argentino que repita de género. Desde el primer álbum de Soda Stereo ("Soda Stereo", 1984), hasta "Fuerza Natural" (2009) ha transmutado en diferentes disfraces sonoros: New Wave, Reggae, Rock, Electrónica, Pop, Psicodelia, Ambient, Country, Folkclore Argentino, etc.,etc.,etc. Por eso siempre ha sorprendido con cada producción, y ha sabido generar, con o sin intención, un ansia en sus seguidores por obtener más de Soda Stereo y de sus trabajos en solitario.

Es difícil escoger una canción y simplificar lo que representa Soda Stereo y la aportación de Cerati. Entonces he seleccionado una canción casi al azar de la gira "Me Veras Volver" de reencuentro en el año 2007, "Juegos de Seducción". Sin duda que él y sus compañeros de banda sí que han sabido seducir, sino vean el video que es una pequeña muestra de los más de 1 millón de personas (se escribe rápido) que vieron a Soda Stereo en 21 conciertos por casi toda América en sólo 2 meses de tour. (Ver Video)

Podría seguir poniendo videos tras videos y escribir por horas de las sensaciones vividas con la música de Cerati y Soda Stereo. Lo he visto en 10 conciertos y escuchado en miles de momentos con sus canciones en diferentes formatos de grabación (vinilo, cassette, cd, mp3, vhs, dvd, etc.), imposible que no suene su música en mi setlist de memoria cerebral.

Empecé esta entrega de Letrastereo exigiéndole a Cerati que se levantará de la cama. Reconozco que es injusto hacerlo con él y con cualquiera. Gustavo Adrián Cerati Clark nos ha brindado su talento musical por más de 20 años, solamente tendría el derecho de devolverle una de sus famosas frases: "Gracias Totales".

Adrián Naya

Recomendaciones: Todos los discos de Soda Stereo y Gustavo Cerati, incluido "Colores Santos" junto a Daniel Melero, además de la entrega del Blog Rostros de Viento ( http://joseurriola.blogspot.com/2010/05/gustavo-y-los-nuestros.html)

DE FESTIVAL EN FESTIVAL

noreply@blogger.com (Adrian Naya) — Thu, 22 Sep 2011 11:45:11 PDT

CON LA MÁQUINA DEL TIEMPO

Gracias a un vídeo he dejado de lado el fresco recuerdo del festival Rock in Río Madrid 2010 para viajar 19 años atrás y casi 7.000 kilómetros hasta Caracas. La transportación ha sido a las imágenes que he encontrado de otro gran evento de la música celebrado entre el 2 y 10 de noviembre de 1991, y en la ya mencionanda capital venezolana, el 1er Festival de Rock Iberoamericano (Rock Music 91').

A muchos no les sonará este acontecimiento por ser de otras partes del mundo y a otros, tal vez, porque ni siquiera habían nacido. Durante cinco días el autocine de EL Cafetal, en Caracas, apagó la ficción de sus proyectores para que miles de personas disfrutáramos en cada una de esas jornadas de la realidad del rock iberoamericano, que estaba en una fase de consolidación regional.

A mi parecer este festival de rock Iberoamericano fue uno de los primeros grandes eventos en el continente que logró reunir a algunos de esos grandes exponentes: Soda Stereo, Fito Paéz, Prisioneros, Os Paralamas Do Sucesso, La Unión, Los Rodríguez, Los Lobos, Sentimiento Muerto, Miguel Ríos, etc. Por cierto este último, el más veterano de aquel Rock Music 91', ya había hecho un pequeño festival en Madrid en el 86' con la intención de agrupar el rock en español (Charly García, Sentimiento Muerto, etc.)

El 1er Festival de Rock Iberoamerciano Caracas 91' fue como nuestro primer Woodstock en español. No eramos hippies, ni había barro, pero sí disfrutamos de muchas horas del poder de la música en vivo, y nos mojamos como en el famoso festival del 69'. En la última jornada sufrimos por unas horas una lluvia tormentosa (tropical) que generó un fuerte retraso en el itinerario final. Tanto fue así que Soda Stereo, los encargados de bajar el telón, salieron a tocar a las 7 de la mañana de un lunes para el delirio (casi literal) de las pocas y afortunadas personas que resistieron la abversidad atmosférica y del tiempo.

Ahora quiero que descubran esas imágenes que me llevaron de vuelta a ese autocine caraqueño de principios de los noventas convertido en GÜSTOC. El video es un reportaje de Daisy Fuentes para el desaparecido programa de MTV Internacional. (Ver Vídeo)

Sin duda es un verdadero tesoro este vídeo para los que vivimos la experiencia del 1er Festival Iberoamericano de Rock Cararas 91' y un excelente testimonio histórico-musical para quienes quieran revisar un momento importante para el género del rock-pop en la lengua de Cervantes (y de nosotros).

Nunca hubo 2do Festival de Rock Iberoamericano pero su única edición ha sido como una polvora encendida que ha llegado a todo el continente: Rock Al Parque (Bogotá), Vive Latino (D.F. México), Quilmes Rock (Buenos Aires), etc.

Gracias a Claudio Mendoza (productor del festival), gracias al autocine El Cafetal (Caracas) y gracias a las bandas y artistas del Rock Iberoamericano por brindarnos su música.

Adrian Naya

(Gracias al "changuitodeguadalajara" por el vídeo y a la generación que vivió ese festival)