El conocimiento que tenemos en el resto del mundo sobre el continente africano es, frecuentemente, muy limitado, incluso podría decirse que es un gran desconocido. Tenemos noticia de terribles hambrunas que se producen en algunas de sus zonas o de cruentas guerras civiles pero, en lo que respecta a su historia, su composición étnica o sus peculiaridades políticas sabemos más bien poco.

Por ello resultan muy interesantes todos aquéllos libros que, a modo de novela o de crónica, nos revelan alguno de estos aspectos. Magistral es, por ejemplo, ‘El corazón de las tinieblas’, relato de Joseph Conrad que nos muestra la durísima explotación del Congo, devastado por el Rey Leopoldo II de Bélgica en la segunda mitad del siglo XIX.

'Ébano' retrata el África profunda.

Otro carácter tiene ‘Ébano’, del periodista polaco Ryszard Kapuscinski (Pinsk, 1932-2007), un impenitente viajero por todo el mundo que informó sobre guerras, golpes de estado y revoluciones y que presenció, de primera mano, el final de los imperios coloniales que las grandes potencias europeas poseían en África. Sus textos periodísticos han sido publicados en los más prestigiosos diarios del mundo y ha ejercido su magisterio en importantes universidades. Toda esta labor se ha visto recompensada con un enorme prestigio y con numerosos galardones como el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades de 2003, otorgado por “su preocupación por los sectores más desfavorecidos y por su independencia frente a presiones de todo signo, que han tratado de tergiversar su mensaje” (en palabras del jurado).

En ‘Ébano’, Kapuscinski nos ofrece su peculiar visión del África profunda. Lejos de los tópicos de otros autores, el cronista polaco ha vivido en los barrios más pobres de las ciudades, ha transitado por rutas que sólo recorren los nativos y, en suma, se ha mezclado con la gente humilde para conocer sus costumbres e inquietudes. Muchas veces a riesgo de su propia vida, ha intentado comprender la idiosincrasia del continente africano.

El resultado es una obra que, a modo de diario íntimo o texto autobiográfico, nos brinda una visión muy humana de aquellas tierras y sus gentes. Un libro extraordinario que profundiza en las causas de los conflictos crueles que allí se desarrollan y que denuncia sin tapujos las masacres y genocidios que provocan. Una crónica apasionada porque, además, Kapuscinski -como decíamos- se ha empapado del espíritu de África y del sentir de sus habitantes. Sin ningún género de dudas, se trata de una obra maestra del periodismo contemporáneo.

Fuente: Diario ‘El Mundo’.

Foto: Fiona Bradley.

Podría decirse que cada género literario ha tenido su época de esplendor y, desde luego, la segunda mitad del siglo XIX es, por excelencia, la de la novela realista. Por ello, destacar en ese periodo cuando se cultiva la lírica tiene mayor mérito aún, sobre todo si hablamos de un país como Inglaterra, donde había que competir literariamente con figuras como Charles Dickens, “Wilkie” Collins, Thackeray o las hermanas Brönte.

Sin embargo, hubo un buen número de poetas cuya calidad era muy estimable. Entre ellos, quizá el más importante sea Alfred Tennyson (Somersby, Lincolnshire, 1809-1892), creador de una abundante obra que abarca diferentes estilos y corrientes de la lírica.

Alfred Tennyson gozó de enorme popularidad en su tiempo (en la foto, monumento al poeta en Lincolnshire).

No en balde, le valió el título de poeta laureado, galardón que venía a significar el nombramiento como vate oficial del Imperio y en el que sustituyó a William Wordsworth. Por razón de este reconocimiento, escribiría dos de sus composiciones más conocidas: la ‘Oda por la muerte del duque de Wellington’ y ‘La carga de la brigada ligera’. Ésta última canta la hazaña de un batallón del ejército británico durante la Guerra de Crimea (1853-1856) y fue popularísima en Inglaterra durante muchos años. Sin embargo, lo mejor de la obra poética de Tennyson es, probablemente, su lírica de carácter íntimo, en la que destaca sobremanera la elegía dedicada a su amigo Arthur Callam, fallecido en 1833 y que lleva por título ‘In memoriam’. De su laboriosa composición nos da idea el hecho de que no fue publicada hasta 1850.

Por otra parte, Tennyson también halló en la mitología clásica y medieval buen número de temas para sus textos. Al ciclo artúrico está dedicado ‘Idilios del rey’, compuesto por doce poemas narrativos. En cuanto a la Grecia clásica, destaca ‘Ulises’, sobre el legendario héroe de Ítaca que participó en la Guerra de Troya. Escrito en verso blanco, es decir, aquél que posee una métrica regular pero carece de rima, se estructura como un monólogo dramático.

Así, el propio Ulises narra en primera persona su regreso a su ciudad natal tras muchos años y su reencuentro con su esposa Penélope y su hijo Telémaco. Pero, hombre inquieto y aventurero, también hace saber a su auditorio la necesidad que comienza a sentir de nuevos viajes y peripecias, un aspecto que ha llevado a la crítica moderna a considerar al personaje de Tennyson como una criatura egoísta y a interpretar el poema resaltando su carga irónica, dada la imperfección moral de su protagonista. En cualquier caso, se trata de una extraordinaria composición.

Fuente: Victorian Web.

Foto: Nelo_Hotsuma.

Entre las grandes figuras de la lírica del siglo XX, un selecto grupo donde caben desde los integrantes de la española Generación del Veintisiete hasta los sudamericanos Pablo Neruda o César Vallejo, pasando por los anglosajones Ezra Pound o William Butler Yeats, entre otros, ocupa sin embargo un lugar preeminente el norteamericano Thomas Stearns Eliot (Saint Louis, Missouri, 1888-1965).

Y ello no sólo por la calidad de su obra poética sino también por su excepcional labor de magisterio y mecenazgo a través de las revistas literarias que dirigió y de su labor al frente de la editorial Faber and Faber, donde reunió a una serie de poetas que representaban lo más moderno de la lírica británica.

'Asesinato en la catedral' se basa en el magnicidio del Arzobispo de Canterbury (en la foto, esta ciudad).

Porque Eliot, perteneciente a una distinguida familia del Este norteamericano, se estableció en Inglaterra con veinticinco años y en ella permaneció toda su vida. Había estudiado en Harvard, La Sorbona y Oxford y ello le otorgó una sólida formación que ya se aprecia en la ‘Canción de amor de J. Alfred Prufrock’, su primera composición importante. Sin embargo, su prestigio comenzó a consolidarse con el largo poema ‘Tierra baldía’, un texto plagado de erudición que trata acerca de la esterilidad de la sociedad moderna y que se convirtió en un hito de la propia modernidad, a pesar de que Eliot siempre se consideró a sí mismo como un clásico en lo literario, además de un monárquico en lo político y un anglocatólico en lo religioso.

Además, el poeta norteamericano fue un excelente dramaturgo. Buena prueba de ello es ‘Asesinato en la catedral’, basada en un hecho real: el asesinato público de Thomas Becket, Arzobispo de Canterbury, por orden del Rey debido a su negativa a someterse a las Constituciones de Clarendon. Este suceso, acaecido en 1170, le sirve a Eliot para reflexionar sobre si es lícita la rebelión contra un poder político injusto, un tema que ha dado mucho juego a la literatura de todas las épocas.

Pero la obra, escrita en verso, es también una pieza maestra (no en balde, se la considera la mejor de todo su teatro), pues el autor consigue otorgarle aire de majestad antigua a través de lentas escenas que, no obstante, poseen una fuerte tensión y una ascendente grandeza. Se trata, en suma, de una excepcional creación que defiende la libertad de conciencia del individuo y la dignidad personal frente a los caprichos del poder establecido.

Fuente: Modern American Poetry.

Foto: Matryo6ka.

La narrativa experimentó, a principios del siglo XX, una importante renovación en sus técnicas. Autores como James Joyce con su ‘Ulises’, Marcel Proust con la monumental ‘En busca del tiempo perdido’ o William Faulkner con ‘El ruido y la furia’ o ‘Santuario’ protagonizan estos cambios que abarcan desde el punto de vista del narrador hasta la propia tipografía del texto, pasando por el tratamiento de la anécdota.

También el inglés Aldous Huxley (Godalming, 1894-1963) contribuyó a la renovación de la novela. No es de extrañar, pues este hombre de extraordinaria cultura vivió en permanente experimentación: se interesó por las creencias místicas orientales, por la filosofía e incluso por los efectos de las drogas. Del estudio de ésta últimas, resultaría un libro peculiar y alucinatorio, ‘Las puertas de la percepción’.

Aldous Huxley en un curioso retrato.

Pero Huxley es conocido, sobre todo, por su novela ‘Un mundo feliz’ (1932) que constituye lo que se ha denominado una distopía, es decir, una utopía futurista de carácter negativo: presenta una sociedad futura que, aparentemente, es perfecta pero que, en realidad, resulta aberrante: está regida por oscuros poderes que controlan a los seres humanos a través de una sustancia psicotrópica a la que denomina “soma”. Se trata de una parábola cuyo mensaje profundo es una demoledora crítica al mundo moderno y, sobre todo, una visionaria advertencia de lo que esperaba a la sociedad de seguir por ese camino.

Por su parte, ‘El genio y la diosa’, publicada en 1955, resulta mucho más ligera –si es que ello cabe dentro de la obra de Huxley-, pues muestra el lado más irónico de su autor. El protagonista es John Rivers, un joven e inexperto científico que es acogido en casa del físico Henry Maartens y su esposa Katy. Desde el principio, el muchacho muestra una enorme admiración pero también un temor reverencial tanto por su maestro como por su mujer. Así, cuando Maartens enferma, Katy arrastra al joven a su alcoba iniciándolo en los secretos del sexo.

La novela tiene mucho de relato iniciático de Rivers pero el talento de Huxley no puede evitar la introducción de frases sentenciosas y también de otras de carácter irónico. Sin duda, queda muy por debajo de su citada obra maestra pero se lee con gusto y no pueden dejar de mencionarse sus audacias estilísticas que, por cierto, a veces dificultan precisamente su lectura. No obstante, Huxley es un extraordinario novelista y esta obra no nos decepcionará.

Fuente: Quino Arnau.

Foto: Abode of Chaos.

El cuento de terror tiene una larga trayectoria en la Literatura norteamericana. De hecho, se remonta a los grandes maestros de sus orígenes, en especial a Edgar Allan Poe. Pero también otros como Nathaniel Hawthorne o Washington Irving lo cultivaron con su peculiar estilo.

No obstante, tras el autor de ‘El cuervo’, la siguiente gran figura del género fue un curioso personaje cuya vida daría para escribir varias novelas. Se trata de Ambrose Gwinett Bierce (Meigs, Ohio, 1842-1914), periodista famoso por su afilada pluma que trabajó durante bastante tiempo para William Randolph Hearst, el creador de la llamada “prensa amarilla”.

Ambrose Bierce vivió en California. En la foto, casa del escritor en Napa Valley.

Antes, Bierce había participado en la Guerra Civil Norteamericana como soldado, un periodo que marcaría profundamente su vida y su obra. Por si ello fuera poco, en 1913, emprendió un viaje para recorrer los antiguos escenarios de batalla de aquélla y, desde El Pasó, se internó en México a la busca de las tropas de Pancho Villa para unirse a ellas como observador. La última vez que se le vio fue en Chihuahua, donde su rastro desaparece para siempre, aunque se supone que fue asesinado en el sitio de Ojinaga. El también escritor Carlos Fuentes escribió una novela sobre este episodio titulada ‘Gringo viejo’ que sería llevada con éxito al Cine.

Probablemente la colección de relatos más famosa de Bierce sea la titulada ‘Cuentos de soldados y civiles’, que toma como escenario la Guerra de Secesión. Por su parte, ‘La alucinación de Stanley Fleming’ bucea, al más puro estilo de Poe, en las profundidades del subconsciente y, más en concreto, en las de la conciencia. El protagonista decide llamar al médico porque, durante la noche, ve un temible perro negro ante su cama. Por la descripción, se parece al que tenía su enemigo Atwell Barton, quién fue asesinado misteriosamente y encontrado por su perro, que murió a su lado.

Siempre se ha sospechado que Fleming cometió el crimen pero nada se pudo demostrar. Y ahora parece que la fiel mascota muerta ha decidido tomar venganza. El doctor decide pasar una noche junto al visionario y asistirá a un desenlace sorprendente. Bierce posee un estilo seco y funcional que casa muy bien con el tono del relato, que nos muestra cómo, a veces, la conciencia propia puede ser mayor castigo que cualquiera que sentencie un tribunal. Se trata, en suma, de un excelente relato, no en balde nos hallamos ante una de las grandes figuras del género en la literatura norteamericana.

Fuente: Ambrose Bierce Project.

Foto: Basykes.

Probablemente, la cualidad más importante que debe poseer un intelectual es su independencia respecto a eso que suele denominarse los poderes fácticos. Ella le permite mantener la necesaria actitud crítica respecto a éstos que es imprescindible para ejercer su labor que no consiste en otra cosa que en vigilar su comportamiento y denunciar sus desmanes.

Consecuentemente, en un mundo como el actual, que carece de ellos, se erigen como verdaderos colosos algunas figuras recientes que sí lo eran. Uno de éstos es el italiano Indro Montanelli (Fuccecchio, Florencia, 1909-2001), capaz de criticar por igual a Benito Mussolini, al socialismo soviético, a ciertas actitudes de la Iglesia, al terrorismo, a la Comunidad Europea o a la corrupción de la política italiana.

Indro Montanelli nos adentra en la civilización del Lazio. En la foto, Coliseo de Roma.

Periodista de raza, su trayectoria de más de sesenta y cinco años de profesión recorrió todo el siglo XX y lo convirtió en una figura respetada tanto por sus amigos como por sus enemigos. Además, le granjeó numerosos premios entre los que se halla el Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades de 1996 y lo erigió como uno de los grandes intelectuales italianos de la centuria, junto a Oriana Fallaci y algunos más. Pero Montanelli fue también un estimable historiador o, mejor diríamos, un divulgador, pues como él mismo señalaba, con sus textos no pretendía mostrar nuevas revelaciones del pasado sino, sencillamente, acercarlo al lector de una forma sencilla y amena.

Ello se aprecia a la perfección en su ‘Historia de Roma’, publicada en 1957. Estructurada en cortos capítulos y partiendo de la premisa de que “como todos los grandes imperios, el romano no fue abatido por el enemigo exterior, sino que cayó por sus propios males”, repasa todos los episodios de la civilización romana desde sus orígenes legendarios hasta su conformación como Imperio que dominó todo el mundo conocido. Pero, además, Montanelli se centra en aquellos personajes que considera más relevantes –como Julio César o Augusto-, incidiendo en su vertiente más humana.

Y es que, como decíamos, no encontraremos en esta obra hallazgos originales que aporten nuevos datos sino más bien un relato humano de una sociedad que supo evolucionar desde los tiempos post-neolíticos hasta convertirse en una civilización culta y refinada, un exceso de refinamiento que, probablemente, fue el principal motivo de su decadencia y caída final. Y todo ello con un estilo ligero y no exento de humor irónico que proporciona al texto enorme amenidad y hace fácil su lectura. Una obra excelente.

Fuente: Fondazione Montanelli.

Foto: Calu 777.

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Foto: Alvy.

La cuestión criminal

Eugenio Raul Zaffaroni, miembro de la corte suprema en la Republica Argentina, es uno de los tratadistas de derecho penal más estudiado de todo el continente Americano. El juez cuenta en su haber con un número muy importante de obras escritas, traducidas todas ellas a varios idiomas.

En la actualidad, además de ser ministro de la Corte Suprema de Justicia de la Nacion Argentina, se desempeña como profesor emérito de la Universidad de Buenos Aires. Graduado como abogado y escribano en la misma institución, y como doctor en Ciencias Jurídicas y Sociales en la Universidad del Litoral, se desempeñó en la judicatura durante dos décadas, iniciando su camino como juez de Cámara en Villa Mercedes, San Luis, y retirándose como juez de la Cámara Criminal de la Capital Federal. Estos, solo por citar algunos de sus logros en su carrera profesional.

En lo que refiere a la obra, La cuestión Criminal, que por cierto cuenta con ilustraciones de Miguel Rep, tiene como propósito acercar la criminología al publico no especializado, con la intención de demostrar que la violencia excede en mucho el mero marco académico y cuyo control es materia central de la política, además de un imperativo de supervivencia humano, tal cual reza la contratapa del libro.

Este libro, que reúne todos los artículos publicados en su momento por el periódico nacional Pagina 12, da lugar a figuras como la seguridad, el poder punitivo, el papel de los medios en los discursos sobre la inseguridad y la “mano dura”, que son puestas en correlato con ciertas lecturas históricas de “lo criminal” que justificaron algunos de los momentos más oscuros y violentos de la humanidad.

Miguel Rep

Miguel Rep, cuyo nombre de pila es Miguel Repiso, es un dibujante y humorista gráfico autodidacta argentino que, además de contar con más de 30 libros propios, formó parte de muchas obras de reconocidos autores. Entre ellos: Cuentos de hadas, de Carlo Collodi; Amarillo, de Patricia Delmar; Cuentos y fábulas, de Jorge Timosi; Llamada internacional, de Osvaldo Soriano; Curiosidades del planeta Tierra, de Leonardo Moledo; y Puertas entreabiertas: charlas con doce grandes artistas argentinos, de Alberto Catena, entre otros.

Además, ilustró cinco libros de la colección Para Principiantes: Borges (Era Naciente, 1999, ISBN 987-9065-68-9); Kerouac (Era Naciente, 2000, ISBN 987-9065-79-4), Gramsci (Era Naciente, 2003, ISBN 987-555-007-8), Bukowski (Era Naciente, 2005, ISBN 987-9065-54-9), y Cortázar (Era Naciente, 2006, ISBN 987-555-040-X).

Si existe un movimiento poético genuinamente hispanoamericano, éste es el Modernismo, que, no obstante contar con precursores, debe atribuirse a la genial inspiración del nicaragüense Rubén Darío. Igualmente a él se debe su llegada a España pues fue su visita en 1892 la que lo dio a conocer entre los poetas españoles, que se rindieron a la genialidad tanto de su carisma como de sus versos.

En consecuencia, pronto se consolida en la Península Ibérica un grupo de seguidores de Darío que adoptan el Modernismo como propio. Entre ellos, es imprescindible citar a Manuel y Antonio Machado (éste último, durante una etapa de su obra), Eduardo Marquina, Valle-Inclán (respecto a la prosa) e incluso un joven Juan Ramón Jiménez en sus composiciones iniciales.

'Fantasía morisca' recupera el tópico de la princesa cautiva. En la foto, Patio de los Leones de La Alhambra.

Pero, probablemente, el discípulo más allegado al nicaragüense haya sido Francisco Villaespesa (Laujar de Andarax, Almería, 1877-1936), un poeta de obra torrencial –más de cincuenta libros publicados- que se convirtió en “el paladín, el cruzado, el púgil del Modernismo” (en palabras del citado Juan Ramón Jiménez). No obstante, los primeros poemas de Villaespesa se sitúan en la órbita del Romanticismo tardío, al modo de Zorrilla. Eran tiempos en los que llevaba una vida bohemia en Madrid y sobrevivía dedicado al periodismo. Sería el contacto con Darío el que cambiaría para siempre su forma de concebir la lírica. A partir de entonces, funda revistas poéticas de carácter modernista como ‘Electra’ o ‘La Revista Latina’ y sus composiciones se adscriben por completo al movimiento.

Por su parte, el poema titulado ‘Fantasía morisca’ revive el tema tan tratado en la lírica castellana desde época medieval de la joven musulmana presa en un castillo que espera al guerrero que la libere. Podría decirse que se trata de un texto de transición dentro de su evolución poética, pues se trata de un asunto grato tanto a románticos como a modernistas y, si bien los versos son aún cortos –el Modernismo es dado a utilizarlos largos, como el alejandrino-, el léxico se acerca mucho al gusto de Darío, con términos como “plata”, “marfil” u “oro”.

Es una bella composición que, además, refleja el gusto de los poetas andaluces por recrear de forma idealizada su pasado musulmán. Fue, en suma, Villaespesa un poeta fecundo que, en su tiempo, llegó a alcanzar gran popularidad, especialmente por sus obras dramáticas en verso, y que representa la versión más fiel del Modernismo que se haya cultivado en España.

Fuente: El Almería.

Foto:Uayebt.

En los últimos tiempos, se ha puesto de moda un subgénero narrativo –y, por extensión, cinematográfico- que presenta una intriga de tipo legal y que está protagonizado por abogados, colaboradores de éstos, clientes y, en general, todos aquéllos que se hallan involucrados en un juicio. Para clasificarlo, se ha elegido la denominación de “thriller legal”.

Sin embargo, no es un género nuevo. Algo de él existía, por ejemplo, en el proceso en que participaba el Atticus Finch de ‘Matar a un ruiseñor’, la excepcional novela de Harper Lee que le proporcionaría el Premio Pulitzer. Pero, en cualquier caso, el gran éxito de la narrativa legal ha llegado con las obras de John Grisham (Jonesboro, Arkansas, 1955), un autor que ya poseía un importante bagaje profesional como abogado antes de comenzar a escribir novelas.

John Grisham en un acto público

Precisamente como profesional, en 1984, Grisham presenció el estremecedor testimonio de una víctima de violación que contaba tan sólo doce años. Como afición, comenzó entonces a redactar un texto en el que imaginaba qué podría haber ocurrido si el padre de aquélla hubiera matado a sus agresores. El resultado fue su primera novela, ‘Tiempo de matar’, que inicialmente no obtuvo gran reconocimiento. Curiosamente, sería su segunda obra, ‘La tapadera’, la que le otorgaría un enorme éxito, constituyendo el primer súper-ventas del autor, algo que se repetiría con cada nueva publicación suya.

Por su parte, en ‘El jurado’, Grisham explora un tema que le es especialmente grato: la confrontación legal entre una persona sencilla y una poderosa multinacional o un gran consorcio de ellas: una joven viuda de Nueva Orleans les interpone un pleito acusándolas de la muerte de su marido. Su causa es representada por Wendall Rohr, un hombre de principios que cree sinceramente en las razones de su cliente. Frente a ellos, oculto tras un hombre de paja, se halla Rankin Ficht, un experto en la elección de jurados que utiliza sofisticados métodos para ello.

Sin embargo, uno de los nominados para serlo, Nick Easter, parece tener sus propias motivaciones para influir en sus compañeros e incluso una intermediaria se pone en contacto con los abogados para hacerles saber que el jurado está en venta al mejor postor. Se trata, en suma, de una novela apasionante, que cuenta con todos los ingredientes para atrapar al lector hasta la última página. Es, indudablemente, una de las mejores creaciones de John Grisham, uno de los autores más vendidos de los últimos años.

Fuente: Web oficial de John Grisham.

Foto: JRockefeller IV.

Clásico entre los clásicos, la isla del tesoro es una novela interesantísima escrita por de Robert Stevenson en 1883, pero aun hoy perdura en el tiempo…

La isla del tesoro, de Robert Stevenson

Se trata de una vibrante historia sobre la búsqueda de un tesoro enterrado –tal cual lo dice su nombre–, en el que entran en juego diferentes y variados personajes que, prácticamente, podríamos dividir en dos bandos. Por un lado, quien representa al bien, Jim, y por el otro, los personajes que representan el mal y entre quienes podríamos mencionar a los piratas Pew y Long John Silver como sus máximos exponentes.

Retomando a Jim, se trata del personaje principal de la novela y quien relata la historia. Este niño, que se ve envuelto en la aventura casi por casualidad, luego de descubrir entre las prendas de un viejo pirata, que se hospedara en el viejo hotel de sus padres y que muriera en sus brazos, un mapa del tesoro, deberá descubrir por sus propios medios quienes son los personajes que se encuentra de su parte y quienes no.

Como bien recordarán, esta historia, publicada originalmente por entregas en la revista infantil Young Folks, entre 1881 y 1882 con el título de The Sea Cook, or Treasure Island, ha sido fuente de inspiración de muchas películas de cine, series de televisión, en cómics e incluso los videojuegos.

La historia cuenta con 34 capítulos separados en seis partes y más de una docena de personajes, con características y personalidades diferentes, bien descriptas por el autor. Entre ellos, como ya mencionamos, Jim Hawkins, protagonista y narrador, que encarna el paso de la niñez a la madurez a través de un viaje que es metáfora de transformación.; y su antagonista, John Silver el Largo, enrolado en su tripulación como cocinero, pero que en realidad es el líder natural de los marinos buscavidas, el veterano corsario, en fin el instigador de la rebelión y cabecilla de los piratas encubiertos.

En cuanto a Robert Louis Stevenson, se trata de un escritor, poeta y ensayista, nacido en Escocia el 13 de noviembre de 1850. Entre sus obras más reconocidas, que incluyen crónicas de viaje, novelas de aventuras e históricas, así como lírica y ensayos, se encuentra La isla del tesoro, La flecha negra y la popular novela de horror El extraño caso del doctor Jekyll y míster Hyde, dedicada al tema de los fenómenos de la personalidad escindida, y que pueden ser leída como novela psicológica de horror.

Que el dinero es un poderoso aliado es algo sabido desde la noche de los tiempos. Es capaz de silenciar secretos, adormilar ciertas conciencias o conseguir para quién lo tiene enormes influencias. Quizá por ello, ha estado presente en la Literatura de todas las épocas. Sin ir más lejos, el mismísimo Francisco de Quevedo le dedicó una de sus despiadadas sátiras.

También sobre él versa la obra de Friedrich Dürrenmatt (Konolfingen, Suiza, 1921-1990) titulado ‘La visita de la vieja dama’. Hijo de un pastor protestante, recibió una sólida formación intelectual pero sus gustos se inclinaban hacia lo artístico, en especial hacia el dibujo.

Friedrich Dürrenmatt vivió muchos años en Neuchâtel (en la foto).

De hecho, comenzó ganándose así la vida y, más tarde, una vez famoso por sus escritos, él mismo realizó ilustraciones de algunas de sus obras. En el campo literario, sus primeras creaciones fueron novelas policíacas que se publicaban por entregas en periódicos de su país y algún serial radiofónico. No obstante sería con el teatro con el que alcanzaría resonantes triunfos. En parte, ello se debe a su peculiar concepción de la obra dramática, a medio camino entre el clasicismo aristotélico y el teatro dialéctico de Bertold Brech. Temáticamente, Dürrenmatt explicó sus textos señalando: “escribo conociendo lo absurdo de este mundo pero sin desesperar”. En consecuencia, se trata de comedias satíricas en las que la crueldad también se halla presente.

Todo ello se aprecia en ‘La visita de la vieja dama’, cuyo tema central, como decíamos, es el poder del dinero. Clara Zachanassian regresa a su pueblo, Güllen, convertida en multimillonaria. Años atrás, había tenido que abandonarlo al quedarse embarazada de su antiguo novio, Alfred, que sobornó a dos testigos para negar su paternidad. Ahora, la villa está en crisis y sus habitantes cargados de deudas. Además, aquél se ha convertido en un personaje admirado que va a ser el futuro alcalde.

Clara se muestra dispuesta a entregar mucho dinero al pueblo para solucionar sus problemas. Pero pide una condición: que algún voluntario asesine a Alfred. Repentinamente, todos los vecinos de Güllen, que hasta entonces consideraban a éste como a un ídolo, comienzan a cambiar de opinión de una forma temible para él. Las intenciones de Clara resuenan como un aldabonazo cuando exclama: “el mundo me convirtió en una puta y ahora yo lo convertiré en un burdel”. Se trata, en suma, de un texto duro pero también de una de las mejores obras del escritor suizo.

Fuente: Kirjasto.

Foto: Vmk Olga.

Es curiosa la trayectoria seguida por la narrativa policíaca desde sus orígenes hasta el presente. Nacida en Estados Unidos de la mano del genial Edgar Allan Poe, pasó a Inglaterra donde se desarrolló magistralmente con Arthur Conan Doyle o Wilkie Collins. Sin embargo, más tarde, se desdoblaría en dos corrientes bien diferenciadas: la británica y la norteamericana.

La primera se caracteriza por presentar detectives analíticos y con grandes dotes deductivas mientras que la segunda, la propiamente denominada “novela negra”, es más violenta y sus protagonistas son investigadores duros y un tanto cínicos. Las dos grandes figuras de ésta última son, sin duda, Dashiell Hammett y Raymond Chandler, creadores, respectivamente, de dos grandes personajes del género: Sam Spade y Philip Marlowe.

Raymond Chandler ambienta las aventuras de Marlowe en Los Ángeles (en la foto).

No obstante, Raymond Chandler (Chicago, 1888-1959) poseía una más sólida cultura literaria procedente de su formación en Inglaterra y ello se aprecia en su estilo. Mientras el de Hammett es seco y de pincelada impresionista, el suyo es más elaborado, ingenioso y cáustico. Aunque con anterioridad había publicado poemas y cuentos, la primera narración extensa en que aparece el genial detective Philip Marlowe fue ‘El sueño eterno’, publicada en 1939 y en el que el investigador rescata a la hija de un millonario del chantaje que sufren por las deudas de ésta.

Más elaborada es ‘La dama del lago’, que conjuga tres relatos breves anteriores de Chandler. En ella, Marlowe es contratado por Derace Kingsley para que encuentre a su esposa, Crystal. El único rastro que ha dejado es una carta enviada desde El Paso donde informaba a su marido de su intención de divorciarse en México para casarse con un ocioso don Juan de Beverly Hills, Chris Lavery. Sin embargo, éste se halla en su casa y dice no saber nada de la mujer.

El investigador se pone en marcha para tratar de desentrañar un misterio que se irá complicando a medida que se desarrolla la trama con la aparición de varios cadáveres y de personajes que albergan oscuros secretos. Chandler maneja el relato con mano maestra, mostrándonos un mundo hostil por el que circulan criaturas apaleadas por la vida que han llegado a una suerte de cinismo intelectual para poder sobrevivir. Un universo por el que el no menos cínico e irónico Marlowe se mueve como pez en el agua. Se trata, en suma, de una de las novelas más complejas de Chandler cuya lectura es ineludible para todo aficionado al género negro.

Fuente: The Thrilling Detective Web Site.

Foto: Marcteer.

El Romanticismo fue mucho más que una corriente artística o estética. Puede decirse que se trata de toda una forma de entender la vida en la que tiene gran importancia la rebeldía ante una sociedad que impide la realización vital del individuo. En consecuencia, la literatura de casi todos los países cuenta con personajes que encarnan a la perfección esta mentalidad.

Así, en Inglaterra contamos con Lord Byron, en España con José de Espronceda o Larra y en Francia con Charles Baudelaire. Igualmente, estableciendo un paralelismo, el espíritu rebelde del Romanticismo en Rusia se halla personificado por Alexander Pushkin (Moscú, 1799-1837), conspirador político en su juventud y que, como tantos otros románticos, murió en el transcurso de un duelo para defender el honor de su esposa.

Alexander Pushkin fue el fundador de las letras rusas modernas. En la foto, monumento al escritor.

Pero, además, Pushkin es considerado el iniciador de la moderna literatura rusa tanto por su calidad estética como por haber reformado la lengua vernácula, despojándola de la fuerte influencia francesa que sufría y modernizándola como idioma literario. Nos encontramos ante un excepcional poeta que conjuga las inquietudes universales del ser humano con las tradiciones de su país. Buena muestra de ello son los poemas ‘Ruslan y Luzmila’, basado en el folclore ruso o ‘Los cíngaros’. También en verso –aunque suele considerársela una novela- está escrita ‘Eugene Oneguin’, una historia de amor. Y no podemos olvidarnos de su drama ‘Boris Godunov’, inspirado en la vida de este antiguo Zar y que sería convertido en ópera por Músorgski.

Pero Pushkin fue también un excelente prosista que escribió numerosos relatos breves. Entre ellos, se halla el encantador cuento titulado ‘El pescador y el pez dorado’, una sencilla fábula acerca de la codicia. Un humilde pescador captura un pequeño aunque hermoso ejemplar que, repentinamente, le habla pidiéndole que lo devuelva al mar. A cambio, le dará lo que desee.

El bondadoso personaje lo hace así desinteresadamente y, cuando regresa a casa y lo cuenta a su esposa, ésta le recrimina que no haya pedido nada al pez. Es entonces cuando, enviado por la mujer, comienza una espiral de peticiones que cada vez son más ambiciosas. Ante la avaricia que muestran las solicitudes, el fantástico animal termina por hartarse y el desenlace es sorprendente. Se trata de una fantasía con intención ejemplarizante narrada en una prosa sencilla y sincera. Pushkin fue un excepcional escritor que abrió el camino que, poco después, transitarían Dostoievski o Tolstoi, entre otros maestros de la Literatura.

Fuente: Online Literature.

Foto: Basykes.

Al margen de más hondas interpretaciones existenciales, ‘La metamorfosis’ de Franz Kafka puede leerse como un relato de terror surrealista. La historia de Gregor Szamza, que un buen día se despierta convertido en una repulsiva criatura contiene ambos ingredientes: el surrealismo porque se trata de un hecho imposible y el terror porque ni en las peores pesadillas puede imaginarse algo similar.

Pero el magisterio literario de Kafka ha sido muy amplio y la huella de esta obra se aprecia en muchos otros autores. Uno de ellos es el costarricense José Ricardo Chaves Pacheco (Tibás, San José, 1958), al menos en su cuento onírico titulado ‘La otra muralla china’.

El cuento 'La otra muralla china' tiene como trama una situación surrealista que se da en una taza de café.

Chaves es Doctor en Literatura Comparada por la Universidad Autónoma de México, en cuyo Instituto de Investigaciones Filológicas trabaja actualmente, además de impartir cursos sobre teoría e historia literaria. Ya en 1983 ganó el concurso Joven Creación con un relato titulado ‘La mujer oculta’ pero su primera novela extensa habría de esperar diez años. Se trata de ‘Los susurros de Perseo’, una narración polifónica ambientada en un colegio de enseñanza secundaria que cuenta el despertar de tres jóvenes alumnos pero cuyo trasfondo supone una acerba crítica a los vicios y vacuidades de la alta sociedad.

Tras ella, vendría  ‘Paisaje con tumbas pintadas en rosa’, de 1998, y, a continuación, ‘Faustófeles’ en 2009. Ambas conforman una suerte de trilogía con la anterior. No obstante, quizá más originales aún son sus cuentos, entre los que destaca el breve ‘La otra muralla china’. En él nos presenta –como decíamos- una situación surrealista: una persona que camina por el borde de una taza de café vacía cae adentro. Es entonces cuando comienza su pesadilla: pronto será usada por su abuela para tomar su merienda. Desde el fondo, nuestro desgraciado protagonista contempla horrorizado toda la escena hasta que los granos de azúcar comienzan a caer sobre él…

El relato, un juguete literario excelente, nos deja ese regusto de terror surrealista que mencionábamos y que tanto nos recuerda al citado texto de Kafka. En ambos, se podría interpretar que el Hombre se ve reducido a la mínima expresión y es aplastado por el engranaje de la sociedad (en un caso por repulsión y en esta obra de Chaves por indiferencia). Y ello nos conduce al que, quizá, sea el sentido final de las dos narraciones: la indefensión del ser humano ante la propia maquinaria social, que le impide conservar su individualidad.

Fuente: Zona Libre.

Foto: Fba.

Hay dos formas de afrontar la redacción de una biografía. La primera, más científica y propia de los historiadores, consiste en exponer los acontecimientos y datos de la vida del personaje sin profundizar en su psicología. Y la otra, más habitual en los literatos, se centra en ahondar en sus inquietudes humanas e incluso convertir el relato en una suerte de semblanza novelada de aquél.

En cuanto a ésta última, ha habido unos pocos maestros del género. Lo fue, por ejemplo, el austríaco Stefan Zweig. Y también el francés André Maurois (Elbeuf, Normandía, 1885-1967), cuyo verdadero nombre era Émile Herzog y que fue uno de los más brillantes eruditos galos del siglo XX, galardonado con la Gran Cruz de la Legión de Honor e integrante de la Academia Francesa de las Letras.

'Vida de Disraeli' profundiza en la amistad del político con la Reina Victoria (en la foto, reproducción de ambos en cera).

Maurois sirvió en Gran Bretaña durante la Primera Guerra Mundial y de esa época procede su admiración por la sociedad y la cultura anglosajonas que se plasmaría en varios ensayos como su ‘Historia de Inglaterra’ o sus ‘Estudios británicos’. Pero también se dedicó al estudio de la literatura de su país, dedicando trabajos a Dumas, Paul Valéry o Marcel Proust. Además, escribió varias novelas impregnadas de un regusto romántico entre las que destacan ‘Climas’ o ‘El círculo de la familia’. Sin embargo, como decíamos, probablemente lo más valioso de su obra sean sus biografías.

Escribió un buen número de ellas sobre personajes de caracteres y épocas dispares, desde Cristóbal Colón a Honoré de Balzac. A su citada admiración por la sociedad inglesa se debe su ‘Vida de Disraeli’, acerca del brillante Primer Ministro conservador que sirvió a las órdenes de la Reina Victoria. Precisamente en esta relación se centra la obra, pues ambas personalidades establecieron una fiel amistad que provocaba irrefrenables celos en su opositor liberal, Lord Gladstone.

A partir de ella, Maurois relata los pormenores políticos y sociales de la época, una de las más brillantes de la Historia de Gran Bretaña y, sobre todo, analiza la psicología del personaje, hombre famoso por su inteligencia y excelente oratoria. Todo ello, unido al relato de numerosas anécdotas, proporciona a la obra una amenidad que en nada desmerece a una novela. No en balde, Maurois fue un consumado maestro del género que incluso escribió un texto acerca de su concepción del mismo: se titula ‘Aspectos de la biografía’ y constituye una impagable guía para todo el que quiera iniciarse en esta modalidad ensayística.

Fuente: Conoce.

Foto: Oggie Dog.

Uno de los rasgos comunes y definitorios de los autores de la Generación del Veintisiete es su alto nivel académico. Profesores universitarios fueron Pedro Salinas, Dámaso Alonso o Luis Cernuda y editores de revistas poéticas, Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Y, en general, todos ellos poseían gran conocimiento de la historia de la lírica española y de sus más destacadas figuras.

Al igual que los anteriores, Jorge Guillén (Valladolid, 1893-1984) dedicó su vida a la enseñanza en distintas universidades de todo el mundo, desde La Sorbona a Harvard, pasando por Oxford. Premio Cervantes en 1977, su poesía es una de las más originales de su generación: dotada de gran calidad artística, sin embargo, una primera lectura deja una impresión de frialdad porque renuncia a todo recurso fácil para conmover.

Jorge Guillén fue profesor en diversas universidades. Entre ellas, en la McGill de Canadá (en la foto).

Guillén parte de la realidad concreta pero la somete a un proceso riguroso de estilización con un doble objetivo: extraer de ella las ideas o sentimientos esenciales y convertirla en obra de arte. En acertada comparación, se ha dicho que entre la citada realidad y la visión que de ella nos ofrece un poema de Guillén hay idéntica diferencia que entre un cuerpo de carne y hueso y un purísimo desnudo de mármol. A ello contribuye un lenguaje selecto, que ha sido sometido a un riguroso trabajo de eliminación y condensación que confiere a sus textos una apariencia compacta y de difícil lectura.

Según propia confesión, Guillén concibió toda su obra desde el principio como unidad orgánica. Toda ella se agrupa bajo el título global de ‘Aire nuestro’ y abarca cinco ciclos: ‘Cántico’, ‘Clamor’, ‘Homenaje’, ‘Y otros poemas’ y ‘Final’, cada uno de los cuales se compone de varios libros o partes.

El poema ‘Salvación de la primavera’ pertenece al primero de ellos –‘Cántico’- y constituye una espléndida y larga (consta de nueve partes) composición amorosa al peculiar estilo de Guillén: no hallaremos en ella una sencilla exaltación sentimental sino elaborados y cultos versos. La amada es “puro elemento” y ambos se funden en un “nosotros” que colma “el apogeo máximo de la Tierra”. No es, desde luego, Guillén un poeta fácil, incluso algunas frases de sus composiciones debemos deducirlas más que comprenderlas. Pero, en cualquier caso, se trata de un poeta extraordinario dotado de una lírica muy personal. No en balde, ‘Cántico’ –su mejor obra- es considerado uno de los libros más importantes de toda la poesía del siglo XX.

Fuente: ‘El Norte de Castilla’.

Foto: Mark Watmough.

La metamorfosis de Franz Kafka es un libro de esos que marcan algo en la historia de la literatura mundial. Objeto de estudio en universidades, se trata de una obra impresionante que ha capturado muchos elogios, aunque también criticas.

La metamorfosis, de Franz Kafka

Leer a Kafka no es sencillo, al contrario, podríamos decir que es un poco rebuscado, sin embargo, si hay algo que no podemos negar es que nos hará pensar. ¿De qué se trata? Veamos…

Una mañana, después de un sueño intranquilo, Gregorio Samsa se despertó transformado en un monstruoso insecto. Tenía muchas patitas que se movían sin que él pueda controlarlas y todo indicaba que no se trataba de un sueño: el reloj indicaba las seis y media y el tren salía a las cinco. No podía comprender cómo pudo quedarse dormido si el despertador sonaba todos los días a las cuatro de la mañana, y tan fuerte que hasta hacía vibrar los muebles. Pero no era momento de lamentarse, debía levantarse o perdería su trabajo. Si bien había perdido el tren de las cinco podía alcanzar el de las siete si se daba prisa. Pero no era posible salir de la cama, se balanceaba sobre su enorme caparazón y aun así no lograba llegar ni al borde.

Así es, esa mañana amanece con cuerpo de insecto, y asustado, permanece en su cuarto sin hacer caso a las llamadas de su familia. Intenta ponerse en pie, pero no domina su nuevo cuerpo y quiere abrir la puerta de su cuarto. Entre otras cosas, su madre cae desmayada asustada de ver a su hijo y su padre enfadado le obliga a meterse en su cuarto con crueldad.

Después de todo lo ocurrido Gregorio es abandonado por su familia, solo mantiene una pequeña relación con su hermana Grete que le da de comer y le atiende, pero a su hermana le da asco su cuerpo.

Kafka

Franz Kafka fue un escritor checo de origen judío que, a pesar de no contar con una cantidad de obras muy intensa (tres novelas: El proceso, El castillo y América; una novela corta, La metamorfosis; y un cierto número de parábolas y relatos breves), es considerado como uno de los más influyentes de la literatura universal en el último siglo.

La metamorfosis fue concebida en un periodo difícil en la vida del autor. Tuberculoso, con un padre excesivamente rígido, atado a un empleo como vendedor de seguros y separado matrimonialmente por segunda vez, Kafka da origen a esta obra que no es más que reflejo de su propia vida.

El ambiente opresivo de las obras de Kafka dio origen al calificativo kafkiano aplicado a ciertas situaciones laberínticas.

Aunque se considera que el existencialismo literario se inicia tras la Segunda Guerra Mundial con las obras de Jean Paul Sartre o Albert Camus, se trata de un movimiento mucho más antiguo. De hecho, se inicia con el propio siglo XX, cuando se empieza a dar difusión al pensamiento de filósofos como Soren Kierkegaard y Friedrich Nietzsche.

A partir de sus tesis, conjugadas con la crisis existencial del cambio de centuria, escritores como Franz Kafka, Rainer María Rilke o Miguel de Unamuno comienzan a plantearse el papel del Hombre en el mundo. Y, junto a ellos, un dramaturgo cuyos textos llevan el juego de las apariencias y la realidad al extremo: se trata del italiano Luigi Pirandello (Agrigento, Sicilia, 1867-1936).

Pirandello nació en Sicilia. En la foto, casa del escritor en Taormina.

Las obras de Pirandello, casi siempre protagonizadas por personajes pertenecientes a las clases medias o bajas y, por tanto, comunes a cualquier sociedad, poseen no obstante gran profundidad filosófica. En tanto comunes, sus criaturas son universales y lo que el dramaturgo suele plantear a través de ellos es el conflicto entre su papel como integrantes del gran engranaje social y su anhelo de individualidad. La mejor expresión de ello es ‘Seis personajes en busca de autor’ pero se trata de un rasgo presente en todos sus textos.

También lo es –en relación con lo anterior- su deseo de mostrar la fina línea que separa la apariencia de la realidad o, dicho de otro modo, que las cosas no siempre son como pensamos. Buena muestra de ello es ‘Así es si así os parece’, obra escrita en 1917 a partir de un cuento del propio Pirandello titulado ‘La señora Frola y su yerno el señor Ponza’. Éste es un funcionario del Estado que llega a una pequeña ciudad de provincias. Se trata de un oscuro personaje que parece ocultar un secreto y ello basta para desatar las especulaciones.

La rumorología de la provinciana sociedad comienza a hablar de que el señor Ponza obliga a su esposa y a su suegra a vivir separadas. La idea cobra fuerza a causa de que las versiones de aquél  y de la señora Frola –su suegra- no coinciden. Sin embargo, será la señora Ponza la que haga una confesión inesperada. En suma, nos hallamos ante un nuevo caso en la obra del dramaturgo italiano del juego apariencia-realidad, tras el que se encuentra la concepción pirandelliana de que buena parte de la individualidad de un ser humano no es creada por él sino por la imagen que construyen los demás.

Fuente: Kirjasto.

Foto: Maha-online.

El pasado siete de febrero se conmemoraba el bicentenario del nacimiento de Charles Dickens (Portsmouth, 1812-1870), una de las figuras más importantes de la Literatura Universal. Pero, como casi siempre sucede, fuera de ciertos ámbitos académicos y alguna breve reseña en prensa, el aniversario pasó casi desapercibido.

Sin embargo y curiosamente, Dickens posee, en esta época de crisis, mayor vigencia si cabe que nunca, pues ha habido pocos escritores que tuviesen su aguda visión social. Víctima él mismo del incontrolado y desigual desarrollo que trajo consigo la Revolución Industrial –de niño hubo de trabajar en una fábrica de betunes-, siempre conservó una mirada tierna hacia los desheredados de la fortuna.

Charles Dickens aparece aquí retratado junto a una pluma y un tintero de su propiedad.

Por sus extraordinarias novelas circulan huérfanos y todo tipo de criaturas bondadosas que malviven como pueden. Sería larguísimo citarlos a todos pero inolvidables, por ejemplo, son Oliver Twist, David Copperfield o el inocente Bob Cratchit del mítico ‘Cuento de Navidad’. Nadie ha retratado, ni siquiera los historiadores, la realidad cotidiana de la sociedad inglesa del siglo XIX como él, desde las clases aristocráticas hasta las proletarias. Y nadie, igualmente, ha realizado una crítica tan demoledora de las injusticias sociales que contemplaba. Buena muestra de todo ello es ‘Casa desolada’, publicada por entregas entre marzo de 1852 y septiembre de 1853.

Nos cuenta la vida de la huérfana Esther Summerson –muchas veces en primera persona-, una joven que vive acogida en casa de John Jarndyce, un bondadoso aristócrata que, además de a ella, mantiene a otros dos muchachos en su misma situación, Ada y Richard. Jarndyce lleva pleiteando por un asunto de herencia muchos años, tantos que nadie recuerda los orígenes de la causa. Y, junto a ellos, aparecen toda una pléyade de personajes secundarios no menos inolvidables, como el bondadoso Jo o la señora Jellyby, muy preocupada por la filantropía en lugares lejanos mientras que su propia familia está desatendida.

Como toda gran obra literaria, ‘Casa desolada’ posee varios planos de interpretación. Pero uno de los más evidentes es la durísima crítica hacia el sistema judicial inglés, que mantiene el pleito del bondadoso Jarndyce paralizado desde tiempos inmemoriales mientras abogados sin escrúpulos se enriquecen a su costa. Otro sería la historia de amor de Ada y Richard y un tercero de tipo casi detectivesco la indagación de Esther acerca de sus desconocidos orígenes. No en balde, otros grandes escritores, como Chesterton o Nabokov, consideraban a esta novela como una de las más logradas creaciones del genial Charles Dickens.

Fuente: Charles Dickens Page.

Foto: Loren Javier.

Uno de los temas predilectos de los escritores es la locura y, especialmente, la indagación acerca de dónde se halla la línea que separa ésta de la cordura. Algunos han llegado incluso a la sorprendente conclusión de que son las víctimas de desarreglos mentales los verdaderos cuerdos por ser capaces de liberarse de falsas exigencias sociales.

Sin duda, el loco literario más famoso de todos los tiempos y ejemplo perfecto de la afirmación anterior es el don Quijote de Miguel de Cervantes pero ha habido muchos más. En la literatura brasileña, uno de los más populares es el creado por Joaquím María Machado de Assis (Río de Janeiro, 1839-1908) en su cuento ‘El alienista’ que fue publicado en 1882.

Machado de Assis nació en Río de Janeiro (en la foto).

Machado es una de las principales figuras de las letras cariocas, quizá la más destacada de todo el siglo XIX. Funcionario del Estado, su formación fue autodidacta. Comenzó trabajando como periodista y crítico literario y, en 1864, publicó su primer libro de poemas titulado ‘Crisálida’. Tras una primera fase creadora muy influida por el Romanticismo, fue el introductor de las corrientes realistas en las letras brasileñas. Esta segunda etapa es la mejor de su producción. En ella destacan sus cuentos en los que muestra una visión pesimista del Hombre y el mundo a través de la ironía y el humor.

Uno de los más logrados es ‘El alienista’  que, como decíamos, bucea en los recovecos de la locura. El doctor Simón Bacamarte, un psiquiatra portugués, llega a Itaguaí y convence al Ayuntamiento para crear un manicomio en la ciudad al que bautiza como la Casa Verde. Con la inestimable colaboración del farmacéutico Crispín Soares, comienza a considerar locos a todos aquéllos cuyo comportamiento difiera de lo comúnmente aceptado. Su primera víctima es el señor Costa, que ha recibido una herencia y se dedica a facilitar préstamos sin intereses.

Pronto, la Casa Verde se llena de inquilinos. Ante las protestas de los ciudadanos, Bacamarte resuelve ponerlos en libertad y encerrar a los cuerdos. Tras varias indagaciones, se convence de que él mismo es una persona completamente equilibrada y, por tanto, debe auto-internarse en el manicomio. A la luz de este resumen, no hace falta insistir mucho en el carácter irónico del relato, que puede interpretarse de diversas formas: desde la mencionada investigación acerca de la locura hasta la sátira de los falsos médicos. En cualquier caso, se trata de una obra excepcional que, además, está magistralmente escrita.

Fuente: Machado de Assis.

Foto: Over_kind_man.

En los últimos años, se ha puesto de moda en la narrativa juvenil el tema de los vampiros hasta el punto de que cualquier libro que trate sobre ellos se convierte automáticamente en un best seller. Con sólo mencionar la famosísima saga ‘Crepúsculo’ de Stephenie Meyer ello queda perfectamente corroborado.

Sin embargo, las actuales criaturas de la noche tienen poco que ver con la que popularizara Bram Stoker en su genial ‘Drácula’. A diferencia de éste, los vampiros actuales tienen poco de monstruosos y mucho de jóvenes modernos y atractivos que viven mezclados con los humanos.

'Cazadores de sombras' es una saga narrativa de Cassandra Clare (en la foto, tercera por la derecha).

Así son los que pueblan el universo creado por Cassandra Clare (Teherán, 1973) en su saga ‘Cazadores de sombras’. Sin embargo, como su propio título indica, en ésta los verdaderos protagonistas no son aquéllos sino quiénes se dedican a perseguirlos, auténticos guerreros cuya meta es liberar a la Tierra de estos demonios. Conformada por una serie de seis novelas (aunque ya se ha programado la aparición de otras tres), la saga se inicia con ‘Ciudad de hueso’, publicada en 2007, cuando su autora era una auténtica desconocida que, según propia confesión, se dedicaba a realizar crónicas sobre la vida de insulsas y vacías celebridades.

En esa primera entrega, nos encontramos en la discoteca Pandemonium, sala de moda en Nueva York. Clarissa Fray sigue a un chico de pelo azulado que, repentinamente es atacado por otros dos muchachos que le dan muerte. Al día siguiente, Clary conoce a Jace, uno de los agresores, y descubre que es un cazador de sombras y la víctima de la noche pasada un demonio. Al mismo tiempo, el lector se entera de que, hace mil años, el ángel Raziel combinó su sangre con la de los seres humanos para dar lugar a una raza de criaturas superiores –los cazadores de sombras- cuya finalidad es proteger a los hombres de las criaturas malignas que habitan entre ellos. Así, comienza un periplo que continúa en las siguientes novelas.

Pero esta saga no trata solamente de vampiros. Por ella circulan igualmente brujos, hombres-lobo y todo tipo de criaturas de las tinieblas. Incluso es preciso, para seguirla bien, conocer todo un peculiar vocabulario propio de este mundo: conceptos como Gramarye o Libro gris, Chtonian o idioma del brujo, Icor o fluido vital, Nefilim –nombre que también reciben los cazadores de sombras- o Parabatai –guerreros- aparecen en las novelas y es necesario comprenderlos para transitar por sus páginas. Dicho de otro modo, Clare nos obliga a sumergirnos en ese mundo novelesco con todas las consecuencias. Quizá en ello radique buena parte de su éxito.

Fuente: Web de Cassandra Clare.

Foto: Jmgold.

En términos generales, se denomina “etiqueta” al conjunto de normas que rigen el correcto comportamiento dentro de un grupo social. Es, por tanto, un código amplio que abarca desde la indumentaria hasta el tono del habla, el adecuado manejo de los cubiertos en la mesa o el saber mantener una conversación sin incurrir en exabruptos o conductas incorrectas.

Podríamos decir que cada cultura tiene sus propias reglas de etiqueta, de tal modo que lo que resulta adecuado en una puede ser una verdadera grosería en otra. No se rigen por las mismas normas en China que en Estados Unidos, por poner un ejemplo. Sin embargo, en casi todo el mundo occidental, la etiqueta coincide a grandes rasgos. Incluso la Historia nos brinda ejemplos de personajes que se han destacado por sus exquisitos modales. Es el caso del latino Petronio o de los ingleses Beau Brummell u Óscar Wilde.

'Ese dedo meñique' nos brinda, por ejemplo, consejos sobre cómo comportarnos en un banquete.

No obstante, podríamos decir que, en los últimos tiempos, la etiqueta se ha relajado un tanto y, si antes se estudiaba en los colegios, ahora ha desaparecido de la enseñanza. Quizá por ello, la peruana Frieda Holler está teniendo tanto éxito con su libro ‘Ese dedo meñique en el trabajo’. Holler es una antigua miss que hoy posee un centro de desarrollo integral desde el que se dedica a impartir seminarios y cursos sobre etiqueta y saber estar. Además, posee una sección fija desde hace siete años en la revista ‘Perú 21′. Y, por si todo ello fuera poco, preside la Asociación Ángeles Peruanos, dedicada a ayudar a los niños que viven en extrema pobreza.

Según parece, la etiqueta se está volviendo a poner de moda pues la escritora, como decíamos, ha vendido más de setenta mil ejemplares solamente de la primera edición de su obra que, como su propio título indica, trata de inculcar a los lectores unas pautas de conducta correctas en el medio laboral. Éste es uno de los círculos sociales donde más tiempo pasamos y también en el que el saber estar tiene mayor trascendencia.

Imaginemos que una persona mal educada viene a hacernos una venta. Difícilmente vamos a comprarle nada si nos causa una pésima impresión. Con los consejos que Holler nos brinda en ‘Ese dedo meñique en el trabajo’, trata de facilitarnos las técnicas de comportamiento adecuadas para conseguir una buena imagen de nosotros mismos ante los demás, desde cómo conducirse en la oficina hasta cómo hacerlo en un restaurante.

Fuente: Protocolo.org.

Foto: Dgbury.

Es importante iniciar a los chicos en la lectura, sin embargo, no siempre resulta fácil. Salvo que los vayamos sumergiendo en la literatura cuando son muy pequeños, contándoles cuentos, historias y leyéndoles libros, cuando ya entran en la etapa de preadolescentes se torna mucho más difícil interesarlos por la lectura. En esos momentos es cuando es necesario acudir a libros que logren su fascinación. Considero que Socorro, de Elsa Bornemann, puede ser uno de ellos sin lugar a dudas.

Socorro, de Elsa Isabel Bornemann

A esas edades los chicos comienzan a interesarse por los hechos de terror y las películas de misterios, razón por la que Socorro puede entregarles todo eso que están buscando.

Socorro arranca con un gracioso prólogo de Frankenstein quien les cuenta a los lectores que fue el mismo el encargado de recopilar las historias. Sin dudas, un muy buen gancho para los chicos. Luego, a medida que van pasando los diferentes doce cuentos que allí encontraremos, la autora trabaja con mucha efectividad elementos clásicos del género, que si dudas son del interés de los lectores a los que apunta. Hablamos de casas embrujadas, fantasmas, crímenes misteriosos e inclusive adaptaciones libres de leyendas japonesas.

Todos estos elementos, junto a tramas muy bien construidas con el suspenso adecuado, logran que los lectores se mantengan enganchados con los conflictos que se presentan.

Analizando el libro con mayor profundidad deberíamos decir que cuando salió publicado no era muy común encontrar cuentos para chicos donde los niños mueren y los asesinos se salen con la suya, otro aspecto fundamental teniendo en cuenta la nueva generación de pre adolescentes con la que nos encontramos hoy en día, a los que no lograremos convencer con los clásicos de siempre.

En relación a esto, saber que en este libro nos encontraremos con muertes y hechos trágicos que dejan en claro que el libro reúne historias de horror, aunque vale aclarar que nunca se cruzan los límites con situaciones que no son aptas para menores.

“La del once Jota“, “La casa viva“, “Nunca Visites Malladonny”, “El Manga” y “Aquel Cuadro” son algunos de los cuentos más recomendados de este libro que está orientado a chicos de entre 10 y 14 años.

En cuanto a la autora, graduada en la Universidad Nacional de Buenos Aires como profesora en letras, Elsa Isabel Bornemann es una escritora de cuentos, canciones, novelas y piezas teatrales para niños y jóvenes.

En 1934, el galardonado y reconocido escritor germano Thomas Mann (Lübeck, 1875-1955), Premio Nobel de Literatura cinco años antes, emprendía junto a su esposa uno de sus viajes por mar hacia Estados Unidos, visitas que culminarían con su definitivo asentamiento en aquel país, del cual se hizo ciudadano en 1944.

Desde 1933, cuando los nazis llegaron al poder, vivía exiliado en Suiza y, para su viaje transoceánico, escogió otro tipo de exilio, esta vez intelectual: quizá para no reflexionar sobre su triste situación, decidió introducirse en el complejo mundo imaginario creado por Miguel de Cervantes: las tierras manchegas por donde se movía el sin par don Quijote de la Mancha.

Thomas Mann tuvo esta casa de verano en el Báltico.

El resultado es un libro que, a modo de diario de viaje, nos va contando las impresiones que tan genial narración le sugieren al autor de ‘La muerte en Venecia’. Y es que Mann, además de excepcional novelista, fue un excelente crítico literario y, en último término, un filósofo del Arte: muchas de sus obras reflexionan acerca del papel del intelectual en la sociedad. En un tiempo en que muchos propugnaban que éste debía mantenerse al margen de los conflictos de aquélla y consagrarse a su creación –es decir, el ideal del “arte por el arte”-, Mann llegó a conclusiones totalmente distintas: para él, el artista debe permanecer integrado en la sociedad y tomar partido ante sus conflictos, tratando de concienciar a sus conciudadanos sobre lo que está mal y lo que está bien.

Estas concepciones se exponen en su ensayo autobiográfico ‘Consideraciones de un apolítico’. Por su parte, ‘Viaje por mar con don Quijote’ constituye un lúcido análisis de la obra cervantina pero no es solamente eso. Junto a las impresiones que ésta le suscita, Mann va contando sus propias experiencias a bordo del Vollendamn –así se llamaba el barco-, desde los rasgos de los pasajeros que lo acompañaban hasta las comidas.

Quizá, como don Quijote huyó de la realidad que despreciaba a través del mundo de los caballeros, el escritor germano trataba de escapar de su triste destino sumiéndose en la imaginaria realidad creada por Cervantes, en lo que sería un doble exilio: uno físico y otro intelectual. Algo que viene refrendado por el hecho de que ambos –Mann y don Quijote- emprenden un viaje hacía otras tierras que no son las suyas. En cualquier caso, se trata de un excepcional ensayo realizado por uno de los más lúcidos escritores del siglo XX.

Fuente: Kirjasto.

Foto: Schlaeger.