Por Sophya Acosta

Desde la antigüedad, la experiencia nocturna comunitaria ha girado en torno a lo lumínico. Cuán mágica debe haber sido aquella fogata primigenia y cuán intensas y oscuras deben haber sido esas primeras sombras. Con el paso de los siglos, nuestra capacidad de asombro fue dando paso a la sensación de entendimiento; y la racionalización de la experiencia estética dentro del ámbito artístico fue alejándose del estímulo físico, proponiendo instancias de goce y disfrute mental (nos gusta lo que nos gusta porque lo entendemos).
Esta conexión con lo artístico propone una relación entre espectador y obra entendida desde una lógica relativamente estable: la obra se presenta y el espectador observa. Pero ¿qué sucede cuando el material principal de una obra es la luz? ¿Cómo podemos separar aquello que pensamos de lo que la luz como estímulo nos provoca?
Volvamos un poco para atrás, antes de la experiencia artística, volvamos a la fogata primigenia y a nuestra relación con la luz. Desde el origen de la humanidad, la vida y la subsistencia se han vinculado a lo lumínico. El ritmo solar marcaba el transcurrir, los rayos nos prevenían del peligro de las tormentas y el brillo de las estrellas servía como guía y mapa en un mundo desconocido e infinito. Es decir que nuestro vínculo con lo lumínico no es simplemente visual, sino que atraviesa nuestra constitución como humanos, es el calor del mediodía y del fuego, es el inicio y el fin de cada día. Pero esta luz primitiva, nos era incontrolable, no fue hasta la aparición de la luz artificial, primero con el control del fuego y luego con la producción lumínica a través del gas y de la electricidad, que tuvimos la posibilidad de generar espacios de trascendencia vinculados tanto a lo religioso y espiritual como luego a lo artístico.
Podemos decir que hoy en día, eventos artísticos como los festivales de Light Art son esa comunión entre lo colectivo y lo trascendental que propone la luz. Estos festivales, con sus recorridos que podrían entenderse similares a una peregrinación, configuran espacios donde el cuerpo del espectador activa, recorre y participa en la construcción del significado de las obras lumínicas. Las ciudades dialogan activamente con las propuestas artísticas y con quienes las habitan.La ciudad nocturna posee una condición particular: se transforma. Espacios que durante el día parecen simples lugares de tránsito adquieren nuevas jerarquías perceptivas durante la noche. Un pasaje puede convertirse en una pausa; una plaza, en un punto de encuentro; una fachada, en una superficie narrativa. La luz no solo hace visible una arquitectura, sino que también reorganiza temporalmente nuestra relación con ella.
Quizás por eso muchas instalaciones contemporáneas de Light Art ya no trabajan únicamente con objetos o imágenes, sino con recorridos, ritmos y desplazamientos. La obra deja de ubicarse en un punto específico y comienza a desplegarse en la experiencia corporal del espectador mientras atraviesa el espacio.

Más allá de lo visual

¿Es una pieza de Light Art pura y exclusivamente visual? La respuesta simple (a mi entender) es que no. El sistema visual es uno de los muchos que se vinculan con la luz como material y muchas veces, no es el principal. Nuestra piel cuenta con miles de sensores que perciben la luz en forma de calor, por ejemplo. No solo sentimos la luz con los ojos, ¡y esto es maravilloso! Cada uno de nosotros, a distintos ritmos y a través de los órganos que tengamos más desarrollados, nos vinculamos con la luz y con aquello que la produce.
Nuestro momento vital también influye en este vínculo con lo lumínico, tanto niños como adultos mayores se encuentran en instancias donde sus organismos reaccionan de forma distinta a la estimulación lumínica.
A veces me pregunto cómo percibiría una de mis creaciones personas cuyos sentidos funcionen de forma distinta a lo que se entiende como “normal”. En esos casos, suelo charlar con mi madre, quien hace algunos años tuvo un desprendimiento de retina y ahora “ve” diferente. Recuerdo vívidamente su comentario sobre una obra que realicé en 2017. En esta obra, jugaba con planos de color y degradados muy sutiles generando gran contraste con un bailarín completamente vestido de negro. Mi madre, que en ese momento se encontraba recientemente operada de su desprendimiento, me dijo al finalizar que el contraste para ella había sido muy sutil y que al no poder enfocar ambos ojos en un mismo punto, lo que para mí eran degradados suaves, para ella eran bloques de color que se conectaban entre sí y que cambiaban con el movimiento de la danza.
Esa experiencia fue un antes y después para mí. Si bien entendía que no todos veíamos iguales, de repente comprendí que existía un universo de percepciones lumínicas no visuales.

Un deseo para el futuro

Volviendo al Light Art como disciplina artística, siento que existe en éste un inmenso potencial para conectarnos con la magia de aquellas fogatas primigenias. Espacios donde el Light Art se presente a una diversidad de públicos a través de una mediación artística que acerquen el desarrollo conceptual de los creadores a distintos cuerpos, ritmos y sensibilidades, pueden volver a conectarnos con nuestra capacidad de asombro.
El Light Art tiene la posibilidad de abrirse de forma sencilla a públicos no habituales de espacios culturales y posicionar la participación ciudadana como parte activa de la experiencia artística. La mediación y la participación se constituyen así como herramientas para profundizar la relación entre arte, ciudad y sociedad, catalizada a partir de la luz como material principal de creación.
Tal vez el futuro de esta disciplina no consista en producir imágenes cada vez más espectaculares, sino en generar nuevas condiciones para encontrarnos entre cuerpos, entre sensibilidades y también entre personas y ciudades que vuelven a descubrirse mutuamente a través de la luz.

Fotografía: Lía Bianchi

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Diez años explorando la arquitectura desde la experiencia de quienes la habitan

Desde sus inicios, Living Places ha promovido una mirada diferente sobre la arquitectura. Frente a la representación tradicional centrada en la imagen estática del edificio, el premio ha apostado por analizar cómo los espacios son vividos y transformados por las personas a lo largo del tiempo.
Uno de los rasgos más distintivos de esta iniciativa ha sido la incorporación del vídeo como formato principal de presentación de las candidaturas. Esta metodología permite capturar aspectos difíciles de transmitir mediante planos o fotografías, como la atmósfera, los recorridos, los usos cotidianos o la relación emocional entre las personas y el espacio construido.
A lo largo de la última década, esta apuesta ha dado lugar a un archivo de más de 200 películas, que documentan diversas formas de habitar y experimentar la arquitectura en diferentes contextos culturales y geográficos.

Una edición vinculada a Barcelona Capital Mundial de la Arquitectura 2026

La sexta edición coincide con otro acontecimiento de especial relevancia para la disciplina: la designación de Barcelona como Capital Mundial de la Arquitectura UIA-UNESCO 2026.
Como patrocinador de este reconocimiento internacional, Simon refuerza su compromiso con la cultura arquitectónica incorporando las actividades de Living Places a la programación oficial del evento. Esta conexión amplía la proyección internacional del premio y consolida a Barcelona como un espacio de encuentro para el debate, la reflexión y el intercambio de conocimiento en torno a la arquitectura contemporánea. La coincidencia de ambas celebraciones subraya el papel de la ciudad como referente global en la promoción de iniciativas que fomentan nuevas formas de entender y comunicar la arquitectura.

Arquitectura para ser vivida

El objetivo del Living Places – Simon Architecture Prize es reconocer proyectos capaces de mejorar la vida de las personas a través de espacios adaptables, confortables y conectados con las necesidades reales de sus usuarios. Bajo esta premisa, el premio distingue aquellas arquitecturas que se convierten en escenarios activos para trabajar, aprender, jugar, convivir o descansar. En definitiva, lugares concebidos para ser habitados y apropiados por quienes los utilizan. Esta aproximación pone el foco en la relación entre arquitectura y experiencia, entendiendo el proyecto arquitectónico como un proceso vivo que continúa evolucionando una vez finalizada su construcción.

Dos categorías centradas en la experiencia del usuario

La estructura del premio se organiza en torno a dos categorías:

• Collective Places
  Reconoce aquellos espacios concebidos para el uso colectivo y la interacción social, donde la arquitectura contribuye a generar comunidad, encuentro e intercambio.
• Personal Places
  Premia proyectos que destacan por la calidad de la experiencia individual y por su capacidad para responder a las necesidades cotidianas de sus usuarios.

Ambas categorías reflejan el interés del certamen por evaluar la arquitectura desde la perspectiva de quienes la utilizan, poniendo en valor la experiencia real frente a una visión exclusivamente formal o conceptual del proyecto.

Una metodología participativa

La atención al habitante también se extiende al propio proceso de selección. Además de los arquitectos, Living Places invita a participar a usuarios, residentes y ciudadanos, quienes pueden proponer obras que consideren relevantes para su evaluación por parte del jurado. El vídeo se convierte así en una herramienta fundamental para acercar la arquitectura a públicos más amplios y transmitir de manera efectiva las cualidades espaciales y humanas de cada proyecto. Esta metodología ha contribuido a diferenciar el premio dentro del panorama internacional, favoreciendo una comprensión más accesible y experiencial de la arquitectura.

Convocatoria abierta para la sexta edición

La convocatoria de la sexta edición estará abierta para proyectos situados en los territorios participantes del premio: Europa, México, Brasil y Marruecos.
Las nominaciones podrán presentarse entre el 27 de mayo y el 14 de septiembre de 2026, mientras que la fecha límite para la entrega completa de las candidaturas será el 5 de octubre de 2026.
El jurado internacional se reunirá en noviembre para deliberar y seleccionar los proyectos ganadores. Los finalistas se darán a conocer en diciembre de 2026 y la ceremonia de entrega de premios tendrá lugar en febrero de 2027.

Fechas clave

• Apertura de nominaciones: 27 de mayo de 2026
• Cierre de nominaciones: 14 de septiembre de 2026
• Fecha límite de presentación de candidaturas: 5 de octubre de 2026
• Reunión del jurado internacional: noviembre de 2026
• Anuncio de finalistas: diciembre de 2026
• Ceremonia de entrega de premios: febrero de 2027

Las bases completas del concurso pueden consultarse y descargarse clicando en este enlace.

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Un año más, desde Lightecture hemos querido apoyar el acceso a esta experiencia formativa mediante la concesión de 10 becas destinadas a estudiantes vinculados al diseño, la iluminación, la arquitectura y las artes digitales.

La edición 2026 reunirá perfiles especialmente diversos, procedentes de universidades y centros de formación de España y Latinoamérica, reflejando precisamente uno de los grandes valores de Alingsås: el intercambio cultural y creativo entre disciplinas y sensibilidades distintas.
Los estudiantes seleccionados para las becas Lightecture x Lights in Alingsås 2026 son:

• Joyce Rodriguez
  Máster Lighting Design – UPC School Barcelona
• Carina Lara
  Posgrado Lighting Design – UPC + Arquine México
• Helena Calzado
  Máster en Diseño del Espacio – EINA University Centre of Design and Art
• Laura de la Torre Bayod
  Grau en Arts Digitals – La Salle Campus Barcelona – Universitat Ramon Llull
• Mejor alumno
  Máster en Diseño de Iluminación – Universidad Europea
• Mejor alumno
  Curso Diseño de Iluminación Arquitectónica – IED Kunsthal Bilbao
• Dafne Serra
  Posgrado Diseño de Iluminación Arquitectónica – UNAM
• Sandra Idiáquez
  Máster Lighting Design – UPC School Barcelona
• Lidia Ubieto
  Grau en Arts Digitals – La Salle Campus Barcelona – Universitat Ramon Llull
• Iku Ricard Sala
  Diseño de Producto – EINA University Centre of Design and Art

Mucho más que un workshop

Desde hace años, Lights in Alingsås ha demostrado que el verdadero aprendizaje sucede en la convivencia, en el trabajo colectivo y en la capacidad de pensar la luz desde perspectivas culturales muy distintas. Durante una intensa semana de trabajo, los estudiantes desarrollarán instalaciones reales junto a los workshop heads internacionales de esta edición, compartiendo procesos, decisiones y también la experiencia cotidiana de formar parte de una comunidad creativa internacional. Ese es probablemente el gran valor de Alingsås, entender la luz como lenguaje común.

Desde Lightecture queremos felicitar a todos los estudiantes seleccionados y agradecer la colaboración de las universidades y centros participantes por seguir impulsando nuevas generaciones de diseñadores comprometidos con una mirada sensible y crítica sobre la iluminación

Fotografías: Patrik Gunnar Helin

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El origen del concepto Architainment

En los 90’s, el crítico cultural estadounidense Norman Klein acuñó el término Architainment para describir la fusión de entornos tematizados (como Coney Island o Disneyland) con espacios de la vida cotidiana. Para Klein, “el architainment crea un ‘espacio escenarizado’: [se trata de] ‘Cualquier calle o interior donde el espectador pueda imaginarse a sí mismo como personaje central de una historia imaginaria’”(Burris 93).

La aparición de una nueva forma de iluminación

En la actualidad, todavía no podemos delimitar si Architainment puede ser considerado una expresión artística inscripta dentro de las artes espectaculares o una disciplina que se encuentra al servicio de la arquitectura; sin embargo, intentaremos aproximarnos conceptualmente a un territorio que se ha vuelto cada vez más revolucionario y relevante en la industria de la iluminación. Como ya se ha mencionado, la aparición del Architainment es reciente. El auge de los sistemas de control, la creciente habilidad para generar sistemas de red y el avance de la tecnología en materia de diseño e implementación de recursos en luminarias orientadas tanto a la industria de la arquitectura como a la del espectáculo, en conjunto con un nuevo paradigma de generación de imagen, llevan a la aparición de espacios híbridos en los que recursos de distintas disciplinas se ponen al servicio de nuevas experiencias. En la actualidad nos encontramos ante el inicio de una nueva forma de conectar Iluminación de Arquitectura e Iluminación de Entretenimiento.

La luz como herramienta de transformación espacial

Esta nueva utilización de la luz permite que arquitecturas cotidianas puedan volverse lienzos para creaciones dinámicas que las transformen más allá de su propósito principal, como, por ejemplo, fachadas que durante las horas diurnas son referentes en el paisaje urbano y en las nocturnas se vuelven un espacio dinámico de entretenimiento.

El Architainment como metodología proyectual

Architainment no es una tipología única de proyectos sino una forma de concebirlos. Retail, hospitality, exhibiciones, showrooms, media façades, espacio público son solo algunas de las morfologías proyectuales que pueden desarrollarse dentro de este marco. Para una mayor comprensión de lo abarcativo del término “architainment”, hemos implementado el término “ecosistema” para referirnos al conjunto de herramientas conceptuales y tecnológicas que nos permiten aproximarnos a diferentes conexiones entre la luz, la arquitectura y la experiencia del usuario que se ponen en juego en las distintas morfologías proyectuales. Podemos decir que existen diversos ecosistemas dentro del Architainment en función del elemento central alrededor del que se desarrollará el diseño.

Ecosistemas de Architainment

Architainment basado en dinamismo: este ecosistema se centra en la producción de escenas, cambios lumínicos vinculados al desarrollo temporal del día y modos generados para momentos pautados.

Architainment basado en media: ecosistema vinculado a la experiencia audiovisual. Utiliza como herramienta el video, como expresión lumínica el píxel.

Architainment basado en interacción: el eje central de este ecosistema es la participación activa del usuario a partir de la utilización, por ejemplo, de sensores que respondan al movimiento o al sonido.

Architainment basado en narrativa: la base de este ecosistema es el desarrollo de recorridos, secuencias y dramaturgia espacial. Es la categoría más vinculada al diseño de iluminación teatral.

Nuevas dinámicas colaborativas en diseño de iluminación

El campo de la iluminación siempre se ha desarrollado dentro de paradigmas de creaciones individuales en los que un/a diseñador/a de iluminación lideraba el proyecto a nivel conceptual para luego contar con la colaboración de instaladores y equipos técnicos que hacían posible la ejecución material del diseño. En el ámbito del Architainment, la complejidad técnica invita a un proceso colaborativo en el que encontramos equipos creativos no solo compuestos por diseñadores de iluminación, sino también por integradores, programadores creativos y colaboradores artísticos provenientes tanto de entornos de espectáculos como de disciplinas como el Light Art, el Mix Media y las Artes Audiovisuales.

Un territorio en constante exploración

La complejidad que implica la definición del término es una invitación a continuar investigando y explorando los límites tanto de la iluminación arquitectónica como de la iluminación de espectáculos y los espacios que las separan y las unen.

Textos citados: Burris, Jennifer. “The “Urban Photogénie” of Architainment.” The Journal of Aesthetics and Art Criticism, vol. 69, no. 1, 2011, pp. 93-103.

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Exposiciones, rutas, talleres, debates y conferencias invitan tanto a profesionales como a ciudadanía a repensar cómo habitamos, diseñamos y construimos la ciudad contemporánea. Impulsado por el Ayuntamiento de Barcelona, con el apoyo de la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana, el programa se articula como una iniciativa coral en la que participan más de 170 entidades del tejido arquitectónico, cultural y educativo.

Una programación descentralizada y conectada al territorio

Uno de los rasgos más significativos de Barcelona 2026 es su vocación descentralizada. Cada mes, un distrito se convierte en protagonista, acogiendo una programación específica que conecta arquitectura y vida cotidiana. Tras focalizarse en Eixample, Les Corts y Sants-Montjuïc, mayo sitúa el foco en Nou Barris, con espacios como el antiguo Institut Mental de la Santa Creu, donde hoy se ubica la sede del distrito. Este enfoque permite descubrir no solo los hitos arquitectónicos más reconocibles, sino también las capas invisibles de la ciudad: sus infraestructuras, su tejido social y sus dinámicas urbanas. A su vez, el programa se expande más allá de Barcelona a través de iniciativas en todo el territorio catalán, reforzando su dimensión colectiva y su capacidad de generar debate a múltiples escala

Agenda destacada: primavera 2026

Los próximos meses concentran una agenda especialmente intensa, con propuestas que combinan investigación, divulgación y experiencia urbana.

Exposiciones

Entre las citas imprescindibles destacan tres exposiciones que estructuran el relato de la capitalidad:

• “Barcelona 2035. Una ciudad para vivir” (desde el 7 de mayo, Casa de la Arquitectura): una mirada estratégica a las transformaciones urbanas en curso y los retos de futuro de la ciudad.
• “Seny i Rauxa. Noticia de la arquitectura catalana” (desde el 22 de mayo, Disseny Hub Barcelona): un recorrido por la arquitectura catalana reciente, entre la racionalidad y la experimentación.
• “Barcelona: ciudad y teatro” (desde el 28 de mayo, El Born – Museu d’Història de Barcelona): una exploración del papel de las artes escénicas en la construcción urbana.

A estas se suman propuestas como Kazuo Shinohara: La casa como obra de arte o la exposición de Kapwani Kiwanga en la Fundació Joan Miró, ampliando el diálogo entre arquitectura, arte y pensamiento contemporáneo.

Rutas y visitas

La ciudad se convierte también en un espacio de exploración a través de recorridos que activan su arquitectura:

• Barcelona Open Wood: Barcelona Open Wood es un ciclo de visitas guiadas a edificios de Barcelona en los que la madera es protagonista, tanto desde el punto de vista constructivo como ambiental.
• Barcelona Arquitectura Viva – Ruta Juego: esta ruta invita a la ciudadanía a descubrir la arquitectura de la ciudad jugando. Un juego digital con rutas geolocalizadas, retos y misiones que conectan patrimonio, espacio público y vida cotidiana. Una experiencia lúdica para mirar Barcelona con otros ojos.

Talleres y actividades

El programa incorpora propuestas participativas que acercan la arquitectura a públicos diversos:

• Casales de verano Xup Xup en el DHub: El DHub y Tantàgora impulsan una propuesta creativa de verano para niños y niñas de 7 a 12 años. Durante dos semanas de julio, los talleres —centrados este año en la arquitectura— combinan lectura, música, arte y diseño, con actividades, construcciones y relatos inspirados en las colecciones del museo.
• Exploramos Barcelona, propuesta de salidas y talleres a lo largo de cuatro semanas para explorar la arquitectura y la historia de Barcelona. La actividad conecta a los participantes con el espacio y les invita a imaginar nuevas formas de habitar la ciudad.

Debates y conferencias

El debate crítico se articula a través de múltiples formatos:

• Ciclo audiovisual “Arquitectures filmades” en betevé
• Conferencias y encuentros vinculados a los Premios Mies van der Rohe (11 de mayo)
• Sesiones del programa “Novíssims”, centrado en jóvenes estudios emergentes

Más allá del evento: un legado urbano

Barcelona 2026 no se plantea únicamente como una programación cultural, sino como una oportunidad para generar impacto duradero. Dos de los legados que el evento dejará de forma permanente en la ciudad son una gran maqueta de la ciudad, que ya puede visitarse en la Casa de la Arquitectura de martes a domingo de 10 a 19 horas, y la transformación de diez paredes medianeras en fachadas, una en cada distrito, que enriquecerán tanto el paisaje urbano como el día a día de los vecinos de estos edificios. Este enfoque sitúa la arquitectura no solo como disciplina, sino como herramienta de transformación social, ambiental y cultural.

Fotografías cedidas por el Ayuntamiento de Barcelona

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Becoming: más que un lema

El título del congreso —“Becoming. Architectures for a planet in transition”— no es solo un eslogan bien formulado. Es, en realidad, una declaración de intenciones. “Becoming” implica proceso, transformación, incertidumbre. Algo que no está cerrado, que se está haciendo. Y esa idea atraviesa todo el programa. Las seis líneas temáticas —de lo ecológico a lo político, de los materiales a la poética— dibujan un mapa amplio, pero también necesario:

• More-than-human, donde la arquitectura deja de mirarse solo a sí misma.
• Circular, donde construir implica también reutilizar y reparar.
• Embodied, donde los materiales vuelven a tener peso (literal y cultural).
• Interdependent, donde la arquitectura se reconoce social y políticamente situada.
• Hyper-Conscious, donde la tecnología y la geopolítica ya no son contextos, sino materia de proyecto.
• Attuned, donde, por fin, aparece la pregunta por la sensibilidad.

No es poco.

Una ciudad como escenario (y como argumento)

El congreso no se encierra en un recinto. Se despliega. Desde las Tres Chimeneas hasta distintos puntos del frente marítimo, Barcelona se convierte en un recorrido que mezcla arquitectura, paisaje y memoria reciente. No es casual. Es una forma de decir que la ciudad no es el telón de fondo, sino parte activa del discurso. Hay algo interesante en esto: la voluntad de que el visitante no solo escuche, sino que experimente. Que camine. Que observe. Que contraste lo que se dice con lo que se habita.

Voces que importan (y preguntas incómodas)

El listado de ponentes —más de 250— es, como cabía esperar, amplio y diverso. Pero más allá de los nombres, lo relevante es el tipo de preguntas que se ponen sobre la mesa. Desde la mirada casi atmosférica de Junya Ishigami, hasta la aproximación territorial de Kate Orff o Dirk Sijmons, pasando por la radicalidad tranquila de Lacaton & Vassal, el discurso parece girar en torno a una idea común: hacer menos, pero hacerlo mejor.
También aparece con fuerza la cuestión social. La vivienda, inevitablemente. El espacio público. Las formas de convivencia. Escuchar a Jan Gehl hablar de ciudades que fomentan el encuentro, o a colectivos como Lacol repensar modelos habitacionales, introduce una dimensión que a veces el discurso arquitectónico evita: la de la responsabilidad.

Materiales, datos y contradicciones

Hay algo especialmente interesante en cómo el congreso articula dos mundos que a menudo avanzan en paralelo: el de los materiales y el de los datos. Por un lado, la recuperación de técnicas, de lo local, de lo que tiene sentido en un contexto concreto. Por otro, la irrupción de la inteligencia artificial, la digitalización y las dinámicas globales. Entre ambos, una tensión inevitable. ¿Cómo se construye hoy sin perder de vista lo que ya sabemos? ¿Cómo se incorpora tecnología sin vaciar de sentido la arquitectura? No hay respuestas únicas, pero al menos aquí se formulan bien las preguntas.

La arquitectura también es cultura

Quizá uno de los aciertos del programa sea cerrar con Becoming Attuned, ese espacio más difícil de definir donde entran la estética, la intuición, lo sensible. Porque, en medio de tanta urgencia —climática, social, tecnológica—, conviene recordar que la arquitectura también es una forma de cultura.
Las conversaciones en torno a Smiljan Radić, Tatiana Bilbao o los relatos visuales de Bêka & Lemoine apuntan precisamente ahí: a una arquitectura que no solo resuelve, sino que también emociona, interpreta y construye significado.

Más allá del congreso

Hay algo que sobrevuela todo el programa: la sensación de que este congreso no es solo un evento, sino un punto de inflexión. Barcelona ya no es la ciudad que fue hace treinta años. Tampoco lo es la arquitectura. Y, sin embargo, hay algo que permanece: la necesidad de reunirse, de discutir, de compartir visiones —a veces incómodas— sobre hacia dónde vamos.
Durante cinco días, la ciudad se convertirá en un espacio de conversación intensa. Después, como siempre, tocará volver a la práctica. A construir. A decidir. A equivocarse también. Porque, al final, eso es becoming.

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Aprender con una experiencia a escala real

Participar en Lights in Alingsås significa formar parte de un proceso completo: desde el concepto hasta la ejecución. A través de las becas Lights in Alingsås, los estudiantes trabajan en equipo junto a diseñadores internacionales, enfrentándose a los retos reales del espacio público. Durante una semana intensa, el workshop combina teoría y práctica, incluyendo seminarios iniciales y el desarrollo posterior de instalaciones abiertas al público.

Formación, industria y comunidad

Las becas Lights in Alingsås no solo ofrecen aprendizaje técnico, también una inmersión en la cultura del diseño de iluminación. El contacto directo con profesionales, el uso de tecnología actual y el trabajo colaborativo convierten esta experiencia en un punto de inflexión en la formación de cualquier estudiante. Además, el workshop fomenta la creación de redes internacionales, conectando a los estudiantes con los diseñadores internacionales que imparten el taller que forman parte de la comunidad global del lighting design.

¿Quién puede solicitar la beca?

Las becas están dirigidas a estudiantes de arquitectura, diseño de iluminación o áreas afines que quieran orientar su carrera profesional hacia el diseño de iluminación arquitectónica. Dado el carácter internacional del taller, se requiere un buen nivel de inglés y capacidad para comunicarse con fluidez, trabajar en equipo y adaptarse a dinámicas nocturnas, ya que gran parte del trabajo práctico se realiza al anochecer.

¿Que incluye la beca?

Cada beca cubre:

• Matrícula completa (valorada en 4.200 SEK)
• Formación intensiva con diseñadores expertos
• Alojamiento compartido durante el workshop
• Una chaqueta oficial de Lights in Alingsås, guantes, chaleco reflectante, botellas de agua y obsequios
• Certificado de participación oficial
• Algunas comidas:
  Día 1: Viernes 25 de septiembre (Seminario, día 1) – desayuno ligero, comida y cena
  Día 2: Sabado 26 de septiembre (Seminario, día 2) – comida
  Días 3-7: del 27 de septiembre al 1 de octubre – comida
  Día 8: Viernes 2 de octubre – comida, cena y fiesta
  Día 9: Sábado 3 de octubre – comida

Es importante saber que la beca no incluye gastos de viaje, los cuales corren a cargo de los participantes seleccionados.

Los becados deben llegar a Alingsås el jueves 24 de septiembre para estar a tiempo en la primera reunión del viernes 25 por la mañana. El workshop comienza con dos días de seminarios impartidos por diseñadores de iluminación, profesores universitarios y otros profesionales relevantes con el objetivo de aportar una base teórica al proceso del taller.

Cómo solicitar una beca para Lights in Alingsås

Lightecture, en colaboración con Alingsås Energi, ofrece 10 becas en total. Los estudiantes interesados deberán enviar una solicitud al correo beca@lightecture.com, antes del 3 de mayo, incluyendo:

• Datos personales completos (nombre, edad, formación, correo, teléfono, ciudad y país de nacimiento y residencia)
• Un texto de motivación explicando por qué quieres participar en Lights in Alingsås

El comité editorial de Lightecture seleccionará las candidaturas más destacadas y publicará el listado definitivo de becados el día 18 de mayo en esta misma página web.

Más información sobre Lights in Alingsås

La entrada Ya están aquí las becas lightecture para Lights in Alingsås 2026 se publicó primero en Lightecture.

Un paso adelante en el reconocimiento del lighting design

El acuerdo establece un marco de colaboración con una red global que agrupa a ciudades, expertos y organizaciones comprometidas con el uso estratégico de la luz en el entorno urbano. A través de esta alianza, APDI podrá participar en iniciativas vinculadas a la planificación lumínica, el diseño urbano y la innovación tecnológica en iluminación, reforzando la presencia del diseño de iluminación en el ecosistema urbano.
La colaboración contempla actividades conjuntas como workshops, proyectos piloto, intercambio de buenas prácticas y participación en eventos internacionales, consolidando la visión del diseño de iluminación como disciplina estratégica para las ciudades.

La luz como herramienta estratégica en la ciudad

LUCI Association promueve el uso de la luz para mejorar la calidad de vida en las ciudades, abordando sostenibilidad, identidad urbana, seguridad y bienestar ciudadano. El acuerdo con APDI refuerza la conexión entre diseño de iluminación y políticas urbanas, facilitando el intercambio de conocimiento entre diseñadores y administraciones públicas, así como la participación en proyectos piloto y actividades formativas internacionales.

Nuevas oportunidades para los profesionales del sector

Para los profesionales del diseño de iluminación, el acuerdo representa una oportunidad para acceder a nuevos contextos de trabajo, compartir metodologías y contribuir a proyectos urbanos de mayor escala e impacto. Además, podrán participar en intercambios con expertos internacionales y en programas de formación que potencien sus competencias técnicas y creativas. Esta colaboración fomenta la innovación y la transferencia de conocimiento dentro del sector, consolidando redes profesionales más sólidas y colaborativas.

La entrada APDI y LUCI firman un acuerdo para impulsar el diseño de iluminación se publicó primero en Lightecture.

La marca participa por tercera vez en este encuentro de referencia para el sector. En su primera participación, en 2022, el proyecto Ziclick fue reconocido con uno de los Advanced Architecture Awards, en la categoría Innovation of Product, Material or System, un galardón que puso en valor su propuesta innovadora dentro del ámbito de los sistemas constructivos.

En esta nueva edición de REBUILD, Ziclick invita a profesionales y visitantes a conocer de primera mano la evolución de su solución constructiva con la presentación del E-panel optimizado, un sistema desarrollado conjuntamente por las empresas Finsa y Simon.

E-panel optimizado, una revolución para la construcción industrializada

El E-panel optimizado es un sistema de revestimiento trasdosado con montaje en seco que integra iluminación enrasada en la superficie y la instalación eléctrica dentro del propio sistema. Esta solución ha sido concebida para facilitar nuevas formas de diseñar y construir espacios, ofreciendo mayor flexibilidad, eficiencia y rapidez en la instalación.

Gracias a su diseño modular y a su enfoque industrializado, el sistema contribuye a impulsar un modelo de construcción más sostenible y circular, optimizando los procesos de obra y reduciendo los tiempos de ejecución. Además, la integración de diferentes funciones en un único sistema permite simplificar la instalación y mejorar el acabado final de los espacios interiores.

La propuesta de Ziclick responde a las nuevas necesidades del sector de la arquitectura y la edificación, que demanda soluciones constructivas más eficientes, adaptables y alineadas con los criterios de sostenibilidad y digitalización que están marcando la evolución de la industria.

Un punto de encuentro de referencia en el sector

REBUILD Expo se ha consolidado como uno de los principales puntos de encuentro para la innovación en el ámbito de la construcción. Durante tres días, el evento reúne a empresas, arquitectos, promotores, constructores e industriales para compartir las últimas tendencias, soluciones y tecnologías que están transformando el sector.

Los asistentes pueden descubrir el E-panel optimizado de Ziclick y conocer más sobre su propuesta en el Pabellón 10, Stand 10J1012, donde el equipo de la marca está disponible para mostrar el sistema y resolver cualquier consulta.

La entrada Ziclick presenta su E-panel optimizado en REBUILD 2026 se publicó primero en Lightecture.

A la espera de este encuentro, os damos a conocer a los seleccionados para esta edición, donde algunos regresan como workshop heads y se suman nuevas figuras de referencia, también desde el panorama latinoamericano. A la espera de este encuentro os damos a conocer a los seleccionados para esta edición.

Randall Fisher

Responsable de diseño en NBBJ (Seattle), cuenta con casi 30 años de experiencia y más de 300 proyectos internacionales. Su trabajo explora el impacto emocional de la luz en entornos complejos como hospitales, espacios culturales o corporativos.

Shoshanna Segal

Diseñadora principal en Hartranft Lighting Design (Nueva York) y una de las primeras certificadas a nivel internacional. Su enfoque se centra en entornos accesibles y humanos, con especial atención al aprendizaje práctico.

Mariliis Kundla

Diseñadora de iluminación y artista audiovisual, combina práctica espacial y nuevos medios. Cofundadora de Aether Lighting Design, ha participado en Copenhagen Light Festival como artista y curadora.

Stephan Horn

Diseñador y artista con cerca de 30 años de experiencia, dirige o-pium lighting. Su práctica combina instalaciones y docencia internacional, utilizando el workshop como herramienta de aprendizaje.

Jose Cardona

Líder de Artec Studio en México, con más de dos décadas de experiencia, ha colaborado con arquitectos como David Chipperfield o Renzo Piano. Compagina la práctica profesional con la docencia en la UPC, desde donde impulsa la participación de estudiantes en Alingsås.

Andrea Mantello + Giusy Gallina

Mantello, arquitecto y fundador de DERA.lighting, regresa como workshop head tras su participación en 2011. Formará equipo junto a Giusy Gallina, especialista en soluciones dinámicas y daylighting, aportan una visión compartida entre diseño, técnica y formación.

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