Entender la luz como herramienta de proyecto exige mucho más que conocer luminarias o manejar cálculos. El curso DIA-UPM propone precisamente una visión completa del proceso, desde el análisis inicial de las necesidades de un espacio hasta el diseño, cálculo e integración de la iluminación en el proyecto arquitectónico, incluyendo presupuesto, licitación y control de ejecución. La próxima edición se desarrollará en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, del 11 de enero al 29 de junio de 2027, con clases presenciales los lunes y martes por la tarde.

Un programa completo

El programa trabaja conjuntamente luz natural, iluminación artificial y sistemas de control. La primera se aborda como parte de la envolvente y de la sostenibilidad del edificio; la iluminación artificial, desde el conocimiento tecnológico, pero también como instrumento para construir confort y arquitectura; y el control, como el elemento capaz de relacionar ambas fuentes con las necesidades reales de uso y consumo energético. Esta lectura global permite afrontar el proyecto lumínico desde las primeras decisiones de diseño y no únicamente como una instalación incorporada al final del proceso.

Aprender de profesionales en activo

Uno de los valores del DIA-UPM es la combinación de docencia universitaria y experiencia profesional. Por sus aulas pasan diseñadores de iluminación, arquitectos, especialistas en sostenibilidad, fabricantes y profesionales vinculados a la prescripción, la tecnología y la ejecución de proyectos. Entre el profesorado figuran perfiles procedentes de estudios y compañías como Artec Studio, VBNB lighting, Arup, Anoche Lighting Design, AECOM, Tao Lighting, iGuzzini o Velux, entre otros. El enfoque es eminentemente práctico y atiende a las particularidades que plantea la iluminación según la tipología de espacio. El curso ha sido desarrollado en contacto con la industria y proporciona, además, los conocimientos necesarios para superar los Requisitos Educativos Mínimos establecidos por la Asociación Profesional de Diseñadores de Iluminación (APDI). La formación se completa con la aproximación directa al sector y la asistencia a una de las grandes ferias europeas de iluminación como es Euroluce.

Una puerta de entrada al lighting design profesional

El posgrado está orientado principalmente a titulados y profesionales procedentes de arquitectura, diseño de interiores e ingenierías, aunque no exige experiencia profesional previa. Es, por tanto, una opción tanto para quienes buscan orientar su carrera hacia el diseño de iluminación como para quienes necesitan incorporar esta disciplina con mayor profundidad a su trabajo habitual.

La edición 2027 cuenta con 30 plazas y se imparte presencialmente en Madrid, en castellano, los lunes y martes de 16:00 a 21:00 horas. La matrícula ya puede solicitarse a través de la web del programa.

Más información y matrícula

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Por Esther Torelló

Después de más de cien años de trayectoria, Simon da un paso importante en su evolución como compañía con el lanzamiento de Simon Signature, una nueva marca corporativa que propone una manera más amplia de abordar los proyectos de arquitectura, interiorismo e ingeniería. Su planteamiento parte de una idea cada vez más relevante en nuestra profesión como es entender el espacio como un todo, donde arquitectura, luz, materiales, tecnología, confort y eficiencia se conciben conjuntamente, desde las primeras decisiones de diseño. Con especial atención al sector hotelero, Simon Signature nace para acompañar a los profesionales durante todo el proceso, desde la definición conceptual hasta la implementación y gestión de las soluciones. Un cambio de perspectiva que sitúa la experiencia de las personas en el centro y exige una colaboración más estrecha entre disciplinas.

Un espacio para experimentar, no para exhibir

Para presentar esta nueva visión, Simon ha inaugurado su primer espacio Signature, situado en pleno centro de Palma de Mallorca. La elección de la isla no es casual. Su estrecha relación con la arquitectura, el diseño y la hospitalidad, así como la presencia de importantes grupos hoteleros internacionales, la convierten en un lugar especialmente adecuado para esta iniciativa. El nuevo espacio, de 104 m², ha sido concebido por YSLA Creative, con la arquitecta Cristina Rebolo al frente del interiorismo. Es un lugar sereno, elegante y sensorial, que huye deliberadamente del concepto de showroom tradicional. Las proporciones, la elección de los materiales y la manera en que la luz acompaña el recorrido transmiten una sensación de calma desde el primer instante.

Una gran mesa central, pensada para adoptar diferentes usos, organiza un interior de líneas puras y sin artificios. La tecnología está presente, pero apenas se percibe. Solo cuando de las paredes comienzan a surgir mecanismos y elementos de Simon descubrimos cómo el espacio va revelando, poco a poco, sus posibilidades. Más que mostrar productos, la propuesta invita a experimentar cómo pueden convivir arquitectura, iluminación y tecnología. Y esa diferencia se nota.

El marés, una piedra que cuenta la historia de Mallorca

Hay una decisión arquitectónica que explica buena parte del carácter del proyecto. La fachada del edificio conserva el marés, esa piedra arenisca formada por la compactación de antiguas dunas que ha acompañado durante siglos la historia constructiva de las Baleares. Su textura porosa y sus tonalidades cálidas forman parte de la identidad material de la isla. Cristina Rebolo decidió recuperar también su presencia en el interior. Y fue precisamente este descubrimiento el que acabó convirtiéndose en el hilo conductor del proyecto. El marés dialoga con la terracota artesanal, el roble, el cuero trenzado, la cerámica y el travertino rojo de Cosentino. Una selección de materiales muy medida, capaz de evocar Mallorca sin recurrir a los tópicos mediterráneos que tantas veces encontramos en los proyectos de interiorismo.

Se aprecia especialmente la manera en que esa materialidad se relaciona con la iluminación. Las superficies absorben y reflejan la luz de forma distinta, revelan sus texturas y modifican su apariencia según la escena. La riqueza visual nace, en buena parte, de esa relación entre materia y luz. Como explica Cristina Rebolo: «Diseñamos el espacio como una historia que se vive al recorrerlo: la luz guía al visitante a través de una sucesión de escenas, marcando el ritmo y transformando progresivamente la atmósfera y la relación con el lugar». Y esa intención se percibe a medida que avanzamos.

Un paisaje de luz que evoca los ritmos de la isla

Nada más entrar, un gran lienzo digital, una reticula de pixeles controlados individualmente detrás de un gran difusor que genera pasajes lumínicos a través de contenido curado sincronizado con el resto de la iluminación, introduce al visitante en un universo visual inspirado en los amaneceres y atardeceres de Mallorca. Sus imágenes, de movimientos suaves y tonalidades cambiantes, transmiten una calma que prepara para lo que vendrá después. No se trata de reproducir literalmente el paisaje, sino de trasladar algunas de sus sensaciones al interior. La luz tiene aquí un papel determinante. El estudio 380/750nm, responsable del diseño de iluminación, ha concebido una secuencia de ambientes que toma como referencia los ritmos naturales de la isla y la manera en que la luz transforma nuestra percepción a lo largo del día. Su propio nombre, que alude al espectro visible comprendido aproximadamente entre los 380 y los 750 nanómetros, resulta especialmente apropiado para un proyecto que explora la capacidad de la luz para transformar las atmósferas.

Las escenas van mucho más allá de variar intensidades o temperaturas de color. Trabajan sobre la relación entre las superficies, los volúmenes y la percepción del visitante. La iluminación revela la textura mineral del marés, acompaña los materiales artesanales y establece diferentes acentos visuales a lo largo del recorrido. Para quienes nos dedicamos al mundo de la iluminación, este planteamiento tiene especial interés porque permite experimentar algo que sobre el papel resulta difícil de transmitir: cómo una misma arquitectura puede despertar sensaciones muy distintas mediante una programación lumínica cuidadosamente estudiada.

Menos tecnología visible, más experiencia perceptible

Detrás de la aparente sencillez del espacio existe un importante trabajo de integración. Aquí merece especial atención la aportación de Rebeca Sánchez y Nayan Lleonart , de Ledscontrol, cuya labor ha sido conectar la visión arquitectónica, el diseño de iluminación y los diferentes sistemas audiovisuales y de control. Como explica Rebeca: «En el Espacio Simon Signature asumimos el papel de dirección técnico-creativa, ayudando a integrar las distintas disciplinas. El punto de partida fue escuchar y conectar dos perspectivas: la visión de los diseñadores y arquitectos y lo que Simon quería transmitir en su nuevo espacio. A partir de ahí, tradujimos esas intenciones en criterios técnicos, programación creativa y decisiones de implementación que permitieron llevarlas a la práctica».

Su manera de trabajar se apoya en un concepto que me parece especialmente acertado: la desaturación tecnológica. Es decir, no incorporar tecnología simplemente porque existe o porque es posible hacerlo, sino utilizar la mínima necesaria para alcanzar el resultado deseado. Simplificar los sistemas, evitar complejidades innecesarias y conseguir que sean la arquitectura, la luz y las atmósferas creadas quienes asuman el protagonismo. En ocasiones, la sofisticación de un proyecto no está en la cantidad de dispositivos o funciones que incorpora, sino en conseguir que todo funcione con naturalidad, sin que el usuario tenga que pensar en lo que sucede detrás. Ledscontrol ha trabajado en esta integración junto al estudio 380/750nm y FlopWork, coordinando las soluciones de iluminación y audiovisuales. El resultado permite que las escenas se sucedan con fluidez y que la tecnología acompañe la experiencia sin reclamar atención.

Un lugar para pensar juntos los proyectos

El espacio de Palma está concebido también como un punto de encuentro. Su gran mesa central puede convertirse en lugar de reunión, presentación de materiales, desarrollo de propuestas o intercambio de ideas entre arquitectos, interioristas, diseñadores de iluminación y operadores hoteleros. Y quizá sea esta una de las decisiones más interesantes de Simon Signature, el haber crear un entorno donde los profesionales puedan explorar soluciones conjuntamente, en lugar de enfrentarse a un catálogo de productos aislados.

Después de recorrerlo, me quedo con una sensación muy concreta: Simon ha conseguido crear un espacio donde resulta más interesante hablar de arquitectura y de experiencias que de productos. La serenidad del interior, la presencia del marés, la sensibilidad de las escenas lumínicas y el cuidado con el que se ha integrado la tecnología hablan de una forma de proyectar que entiende el espacio desde las sensaciones que provoca. Y, en el fondo, eso es lo que más me interesa de esta nueva propuesta, que la tecnología, por avanzada que sea, no nos haga perder de vista lo esencial: los espacios se diseñan para las personas.

Dirección creativa e interiorismo: YSLA Creative
Diseño de iluminación: 378 – 750nm
Ingeniería ceativa: Ledscontrol dirigido por Nayan Lleonart y Rebeca Sánchez
Experiencia audiovisual: FlopWork
Sistema de sonido integral: Bowers & Wilkins
E-Panel Lineal: Ziclick
Fotografía: Pol Rebaque

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Un interior sin ángulos rectos

Las nuevas Onada Terrace Suites del Hotel W Barcelona abandonan deliberadamente cualquier lógica ortogonal. Paredes, techos, mobiliario y elementos arquitectónicos se enlazan a través de superficies continuas, pliegues y geometrías curvas que transforman por completo la percepción del espacio. External Reference, estudio dirigido por Carmelo Zappulla, plantea la intervención como una reinterpretación contemporánea del organicismo catalán. No hay referencias literales ni voluntad historicista. El proyecto parte, más bien, de algunos de sus principios esenciales —la curva, la continuidad, la inspiración en las formas naturales— y los traslada al presente mediante modelado paramétrico, impresión 3D y fabricación CNC. El resultado contrasta de manera especialmente interesante con la rotundidad geométrica de la Torre Vela proyectada por Ricardo Bofill. Frente a la arquitectura exterior, precisa y estereométrica, el interior de las suites parece fluir.

Modernismo digital

Uno de los aspectos más complejos del proyecto ha sido conseguir esa continuidad formal sin juntas evidentes ni interrupciones perceptibles. Más de 300 piezas fueron fabricadas a medida, combinando procesos digitales con acabados realizados artesanalmente. Elementos impresos en 3D conviven con superficies de microcemento texturizadas a mano, piezas realizadas mediante CNC y mobiliario posteriormente terminado en taller. La tecnología define la geometría, pero son los materiales y el oficio los que aportan textura, profundidad y una cierta imperfección controlada. Para facilitar el montaje de este gran puzle tridimensional, el equipo recurrió además a sistemas de Realidad Mixta, superponiendo información digital al espacio real para posicionar cada elemento con precisión. Una herramienta tecnológica aplicada no como exhibición, sino como parte silenciosa del proceso constructivo.

Cuando es la propia superficie la que ilumina

La iluminación, desarrollada por el propio estudio External Reference, responde a la misma lógica que da forma a las suites, la luz sigue a las paredes. Las líneas LED se alojan en los huecos y pliegues de las geometrías orgánicas, ocultas a la vista. La fuente no se muestra; la luz se refleja sobre las superficies y son estas las que parecen iluminar el espacio. El planteamiento resulta especialmente eficaz en una arquitectura donde paredes y techos pierden sus límites convencionales. La luz recorre las transiciones entre planos, revela suavemente los volúmenes y acentúa la textura del microcemento sin introducir elementos que interrumpan la continuidad formal. El efecto es el de una arquitectura iluminada desde dentro. Esta voluntad de hacer desaparecer la luminaria se lleva todavía más lejos con algunas piezas de Viabizzuno, integradas de forma prácticamente invisible en el mobiliario diseñado a medida para las suites. De nuevo, el objeto desaparece y permanece únicamente su efecto: luz allí donde se necesita, sin competir visualmente con la arquitectura.

Tres atmósferas para transformar la suite

La luz no solo modela las formas, también permite modificar la percepción del interior a lo largo del día. La programación lumínica introduce distintos registros que adaptan el ambiente de las suites a cada momento. Sunset envuelve el espacio en tonalidades cálidas y acentúa el carácter envolvente de materiales y curvas. Natural propone una atmósfera más serena, pensada para los momentos de descanso. Y Nocturna transforma el living para abrirlo a un uso más social.
Más que plantear escenas como un añadido tecnológico, External Reference las incorpora a la propia experiencia espacial. La geometría permanece, pero cambia su lectura. Las mismas superficies adquieren profundidad, temperatura y presencia diferentes según la luz que reciben.

Tecnología invisible para un nuevo concepto de lujo

Esta integración forma parte de una estrategia más amplia que el estudio define como no-diseño de la tecnología. Altavoces, iluminación y sistemas de control quedan incorporados a la masa arquitectónica sin reclamar atención. Es una idea especialmente interesante en el contexto hotelero. Frente a interiores donde la sofisticación tecnológica se hace visible mediante dispositivos e interfaces, las Onada Suites optan por lo contrario. La complejidad existe, pero permanece detrás de la experiencia. La tecnología produce la forma, facilita su construcción y permite transformar la atmósfera, pero raramente se muestra. El espacio conserva así una apariencia cálida, táctil y sorprendentemente alejada del imaginario tecnológico que cabría asociar a sus procesos de fabricación.

Un espacio capaz de transformarse

La organización de las suites responde también a una concepción flexible de la estancia hotelera. Tabiques deslizantes permiten modificar la relación entre las distintas zonas y transformar un espacio privado en un ambiente más abierto y social.
Desde el interior, las vistas hacia Barcelona y el Mediterráneo aparecen enmarcadas por geometrías que parecen modeladas más que construidas. Tonos arena, ocres y beiges cálidos, piezas de piedra natural, latón bruñido y mobiliario biomórfico completan un lenguaje en el que arquitectura, interiorismo, tecnología e iluminación responden a una misma lógica.
En las Onada Terrace Suites, la luz tiene precisamente esa capacidad de mantener unido todo el proyecto. No busca protagonismo como objeto, pero hace comprensible la geometría, revela la materia y permite que un mismo interior cambie de carácter con el paso de las horas. La luminaria desaparece, permanece la luz.

Proyecto: W Barcelona – Onada Terrace Suites
Diseño e interiorismo: External Reference
Dirección del proyecto: Carmelo Zappulla
Técnicas: Impresión 3D, modelado paramétrico, CNC
Iluminación: External Reference · Viabizzuno
Fotografía: Germán Saiz

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Diseñar pensando en todo el ciclo de vida

Hablar de circularidad en iluminación ya no consiste únicamente en reducir materiales o mejorar la eficiencia energética. Implica empezar a pensar el producto desde otra perspectiva: cuánto tiempo podrá mantenerse en servicio, qué piezas podrán sustituirse, qué sucederá con sus componentes cuando deje de utilizarse o hasta qué punto los materiales empleados podrán recuperarse y volver al circuito productivo. Con esta mirada nace Iluminación Circular. Guía de Economía Circular y Ecodiseño para el sector de la iluminación, una publicación de CICAT – Clúster de Iluminación de Cataluña concebida como herramienta de trabajo para las empresas del sector. El documento reúne criterios y recursos para analizar los productos desde una perspectiva de ciclo de vida e identificar posibles mejoras en aspectos como selección de materiales, durabilidad, reparabilidad, recuperación de recursos y gestión del final de vida.

Del ecodiseño como intención al ecodiseño como herramienta

Uno de los puntos interesantes de la publicación es precisamente su voluntad de aterrizar conceptos que con frecuencia resultan demasiado amplios. El objetivo no es quedarse en la declaración de intenciones, sino facilitar criterios que puedan incorporarse desde las primeras fases de desarrollo de una luminaria y acompañar después su fabricación, distribución, uso, mantenimiento y eventual retirada. Esta visión obliga también a ampliar el foco. Una solución más circular no depende únicamente de cómo se diseña un producto, sino de la relación entre diseño, procesos industriales, proveedores, logística, mantenimiento e incluso nuevos modelos de negocio. En ese contexto, el ecodiseño deja de ser exclusivamente una cuestión ambiental para convertirse también en una vía de innovación, eficiencia y competitividad.

Circularidad: un reto que necesita a toda la cadena de valor

Iluminación Circular se presentó el 29 de septiembre en Barcelona Circular (BAC), durante la jornada “Ecodiseño y circularidad en el sector de la iluminación: de la guía a la acción”. El encuentro permitió poner sobre la mesa algunos de los obstáculos que aparecen cuando estos principios tienen que incorporarse a la actividad diaria de las empresas. Además de presentar instrumentos de apoyo al ecodiseño y la innovación verde, la jornada abordó cuestiones como la recuperación de materiales, la logística inversa, el rediseño de productos o la viabilidad económica de determinados procesos. La mesa redonda “De la sostenibilidad a la estrategia empresarial” mostró interés en mirar más allá del propio sector de la iluminación para conocer soluciones que ya están siendo ensayadas en otras industrias. La conclusión apunta hacia un cambio que probablemente marcará buena parte de la evolución del producto en los próximos años. Diseñar para la circularidad requiere dejar de considerar cada fase de manera aislada. Materiales, fabricación, mantenimiento, recuperación y modelo de negocio forman parte de una misma decisión de diseño.

Una guía para consultar, pero sobre todo para aplicar

La nueva publicación está disponible tanto en formato digital como en una edición física limitada. Los miembros de CICAT cuentan además con condiciones específicas para su adquisición. En un momento en que fabricantes y profesionales necesitan manejar nuevos criterios ambientales junto a las exigencias técnicas, lumínicas y económicas habituales, disponer de herramientas específicas para el sector puede resultar especialmente útil. Porque quizá uno de los mayores retos de la circularidad no sea entender sus principios, sino saber exactamente dónde empezar a aplicarlos.

Más información y acceso a la guía

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Hay aprendizajes que necesitan tiempo. Y otros que se producen cuando el tiempo, precisamente, escasea. Cuando hay que transformar una idea en una instalación real en apenas unos días; cuando la luminaria que parecía perfecta sobre el plano se comporta de otra manera en el espacio; cuando aparece un problema técnico inesperado y hay que resolverlo; cuando las decisiones ya no son ejercicios académicos porque, en cuestión de horas, habrá público recorriendo aquello que se está creando. Ahí reside buena parte de la singularidad de Lights in Alingsås.

Del 25 de septiembre al 3 de octubre, estudiantes y jóvenes profesionales de distintos países han trabajado junto a diseñadores de iluminación, técnicos y programadores para concebir y materializar las instalaciones que actualmente forman parte del festival sueco. Una experiencia formativa extremadamente intensa en la que este año han participado nueve estudiantes seleccionados dentro del programa de becas impulsado por Lightecture. El tema elegido para la edición 2026, Stories of Love, proponía explorar el amor desde perspectivas muy diferentes. Pero, escuchando a los becados a su regreso, emerge otro relato común consistente en el descubrimiento de que el diseño de iluminación significa observar, experimentar y, sobre todo, aprender a trabajar en equipo.

De la pantalla al espacio

Si algo se repite en todos los testimonios de los becados es la palabra testear. Para Helena Calzado, estudiante del Máster en Diseño del Espacio de EINA, esa ha sido una de las grandes lecciones de la semana. Puedes tener una idea aparentemente clara, explica, pero hasta que la luz aparece en el espacio real resulta imposible saber exactamente cómo va a comportarse o cómo será percibida.

Su compañera Sandra Idiáquez, del Máster Lighting Design de UPC School Barcelona, habla también de un proceso continuo de adaptación. Ambas participaron, junto a Carina Lara, en Coalescence, la instalación dirigida por José Cardona en un túnel peatonal y ciclista. La propuesta trabajaba con aproximadamente 900 píxeles LED y un sensor capaz de registrar la presencia y movimiento de los visitantes para transformarlos en luz. Una imagen deliberadamente difusa que invitaba al espectador a completarla desde su propio imaginario. Lo que inicialmente podía parecer una limitación técnica terminó reforzando el concepto. Para Carina, precisamente ahí estuvo uno de los aprendizajes más interesantes: descubrir cómo una dificultad puede dejar de ser un problema para convertirse en parte del lenguaje de la instalación.

Aprender también significa que las cosas no salgan como esperabas

En Lights in Alingsås no se trabaja sobre situaciones hipotéticas. Hay luminarias concretas, sistemas de anclaje, conectores, programación, materiales, condiciones meteorológicas, seguridad, superficies que reaccionan de manera inesperada y un calendario que no se detiene. Irene Fonseca del Río, alumna del Curso de Diseño de Iluminación Arquitectónica de IED Kunsthal Bilbao, lo descubrió en un patio rodeado por cuatro fachadas repletas de ventanas. Su equipo quería utilizar esas ventanas como metáfora de las personas y mostrar mediante la luz cómo el encuentro entre dos individuos puede transformar aquello que los rodea. Sobre el plano parecía posible.

Sobre el terreno empezó el verdadero aprendizaje. Cambiar posiciones, probar luminarias, trabajar con distintas temperaturas de color, solucionar conexiones, resolver anclajes y esperar hasta el último día la colocación de unos vinilos que podían modificar completamente el efecto previsto. Y entonces apareció uno de esos felices accidentes que todo diseñador aprende a reconocer: la luz comenzó a reflejar las ventanas sobre el jardín y las fachadas vecinas, generando un efecto que no estaba previsto inicialmente y que enriqueció la instalación. “Hasta que no testeas, no sabes qué va a pasar”, resume Irene. Quizá pocas frases expliquen mejor el espíritu pedagógico del workshop.

Una semana para tomar decisiones de verdad

También Iku Ricard Sala, del Grado en Diseño de EINA, destaca algo poco habitual para quien todavía se encuentra en etapa formativa como es la responsabilidad real. En Between Lovers, junto a Andrea Mantello y Giusy Gallina, tuvo que instalar y ajustar luminarias, participar en el desarrollo conceptual, intervenir en la programación y asumir incluso tareas de gestión del equipo. Pero el aprendizaje que se lleva trasciende lo puramente técnico. Habla de enfrentarse a los problemas de última hora, entender los propios límites, encontrar alternativas cuando una idea no funciona y, sobre todo, no abandonar cuando el tiempo juega en contra. Porque una semana puede parecer muy poco para desarrollar un proyecto completo. Precisamente por eso puede enseñar tanto.

Cuando el equipo se convierte en herramienta de proyecto

Una de las peculiaridades de Lights in Alingsås es que los participantes llegan desde países, universidades y disciplinas diferentes. Y ese encuentro obliga a abandonar rápidamente las zonas de confort. Laura de la Torre, del Grado en Artes Digitales de La Salle Campus Barcelona, reconoce que la diversidad de conocimientos de su equipo llegó a parecer inicialmente una dificultad. Pronto sucedió lo contrario y descubrieron que aprovechar los puntos fuertes de cada integrante enriquecía el proyecto. Su aprendizaje fue también lumínico en el sentido más esencial del término. Comprendieron que trabajar con la luz supone necesariamente trabajar con la sombra, sin considerar una subordinada a la otra.

Junto a Joyce Alejandra Rodríguez, del Máster Lighting Design de UPC School Barcelona, participó en You Never Know, una intervención desarrollada alrededor del laberinto de rocas del parque Nolhaga. La propuesta reflexionaba sobre la capacidad transformadora del amor —hacia una pareja, la familia, los animales o aquello que apasiona a cada persona— y sobre algo tan imprevisible como fundamental como es que nunca sabemos hasta qué punto aquello que amamos acabará transformándonos. Pero también allí el proceso terminó resultando tan relevante como el concepto. Joyce recuerda las pruebas nocturnas, después de muchas horas de trabajo, cuando por fin pudieron alejarse unos metros y observar cómo aquello que hasta entonces habían discutido, dibujado y construido empezaba a convertirse en una experiencia tangible. Ese instante en el que la idea deja de ser idea aparece repetidamente en las respuestas de los becados.

Experimentar, equivocarse y jugar

Para Dafne Serna, del Posgrado de Diseño de Iluminación Arquitectónica de la UNAM, Lights in Alingsås ha significado un antes y un después en su manera de entender la profesión. Formó parte del equipo dirigido por Shoshanna Segal y lo que destaca no es únicamente lo aprendido, sino la libertad con la que pudo experimentar, equivocarse, jugar y tomar decisiones. “La mejor manera de aprender de luz es jugando con ella”, afirma.

Jugar con la luz no significa trabajar con menor rigor. Uno de los momentos que Dafne recuerda con mayor intensidad ocurrió la última noche de diseño. El equipo intentaba conseguir que música e iluminación funcionaran como un solo elemento. Estaban cansados después de varios días de trabajo, la programación planteaba dificultades y algunas ideas sencillamente no funcionaban como habían imaginado. Siguieron probando hasta pasada la medianoche. Inspiración y desesperación convivieron durante unas horas hasta encontrar, con la ayuda de Shoshanna y del programador Jonas, una solución con la que el equipo se sintió finalmente identificado. Una experiencia que también forma parte del proceso de diseño.

De la iluminación arquitectónica al light art

La experiencia de Lilian Lourenco introduce otra dimensión interesante del workshop ya que incluso para quien ya cuenta con varios años de trayectoria profesional, Alingsås puede abrir territorios nuevos. Acostumbrada principalmente al lighting design aplicado a proyectos arquitectónicos, Lilian encontró en el taller la oportunidad de acercarse al light art y profundizar en herramientas que hasta entonces no formaban parte central de su práctica, como el control DMX y la programación de luz sincronizada con música.

Participó en la instalación desarrollada en la zona de Nolhaga Castle, concebida como una experiencia casi mágica en la que luz y sonido transformaban conjuntamente el espacio. Pero, de nuevo, el aprendizaje no terminó en el diseño. El equipo tuvo que enfrentarse al montaje, las conexiones eléctricas, el control de los equipos y todas esas decisiones pequeñas —y tan complejas— que aparecen cuando una propuesta abandona el papel y entra en el mundo real. Para Lilian, uno de los momentos más memorables fue precisamente programar la luz en relación con la música y comprobar cómo esa combinación modificaba por completo la percepción del espacio. Su experiencia confirma que la formación no termina cuando empiezas a trabajar profesionalmente. La luz siempre reserva nuevos campos que explorar.

Mucho más que aprender la iluminar

Quizá el mayor éxito del workshop sea que, cuando se pregunta a los participantes qué se llevan de Alingsås, casi ninguno responde únicamente hablando de luz. Hablan de personas. Sandra destaca la convivencia y la pasión compartida por participantes procedentes de países y contextos diferentes. Joyce recuerda las conversaciones, el cansancio y las pequeñas celebraciones. Carina, los regresos al alojamiento después de jornadas agotadoras, comentando todavía todo lo sucedido. Irene habla de la energía de compañeros mucho más jóvenes que ella y de cómo esa convivencia le ha devuelto nuevas ganas de afrontar proyectos. Iku destaca el intercambio entre culturas y maneras diferentes de entender la profesión. Y Lilian se queda también con aquello que parece menor pero termina definiendo una experiencia como son las palabras aprendidas en sueco, las historias compartidas, las diferencias entre las formas de trabajar de cada equipo, las risas, el cansancio y esas conversaciones que probablemente no se habrían producido nunca fuera de Alingsås. Y seguramente esa sea otra de las grandes fortalezas de Lights in Alingsås. Durante una semana desaparecen muchas de las fronteras habituales entre estudiante y profesional, teoría y práctica, concepto y ejecución. Todos tienen algo que aportar. Todos tienen algo que aprender.

Del workshop al festival

El workshop termina, pero Lights in Alingsås continúa. Las instalaciones que durante una semana fueron lugar de pruebas, dudas, descubrimientos y largas jornadas de trabajo forman ahora parte del recorrido de un festival que podrá visitarse en la ciudad sueca hasta el 1 de noviembre de 2026. Y ahí se produce un último aprendizaje. Después de trabajar durante días sobre conceptos, luminarias, programación, posiciones y efectos, llega el momento de apartarse y observar cómo visitantes que desconocen todo ese proceso reaccionan espontáneamente ante el resultado.

Una semana capaz de cambiar una manera de mirar la luz

¿Qué puede aprender un estudiante de iluminación en una semana? Las respuestas de los becados de Lightecture demuestran que muchísimo. Puede descubrir que un buen concepto necesita dialogar con la técnica. Que la luz se comporta en el espacio de formas que ningún plano puede anticipar completamente. Que programar, montar, conectar y probar también forman parte del diseño. Que equivocarse no significa necesariamente retroceder. Que las mejores soluciones pueden surgir de un imprevisto. Que trabajar con personas de perfiles distintos obliga a escuchar y mejora las ideas. Y que ver finalmente a alguien emocionarse, detenerse o jugar con aquello que has contribuido a crear modifica inevitablemente tu propia forma de entender la profesión. Pero quizá lo más importante sea algo todavía más sencillo. Después de vivir el taller Lights in Alingsås, cada uno regresa a casa con nuevos conocimientos, pero también con amistades, recuerdos y una experiencia compartida que, de algún modo, seguirá acompañándole mucho después de que las instalaciones del festival se apaguen.

Fotografía: Patrik Gunnar Helin

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Por Esther Torelló

Un edificio dedicado a observar y comprender el mar no podía permanecer ajeno a la luz del Mediterráneo. En el antiguo muelle de Palma de Mallorca, la nueva sede del SOCIB (Sistema de Observación y Predicción Costero de las Illes Balears) establece una relación especialmente interesante entre luz natural, arquitectura y tecnología. No busca grandes gestos formales, sino construir una infraestructura científica clara, flexible y confortable, capaz de responder a las exigencias de la investigación contemporánea sin renunciar a la calidad espacial.
El proyecto, desarrollado por Jovino Martínez Sierra Arquitectos junto a DyA Ingenieros, ocupa aproximadamente 3.800 m² distribuidos entre sótano, planta baja y dos plantas superiores. Su organización gira alrededor de un atrio central iluminado cenitalmente que conecta visualmente los diferentes niveles, facilita las circulaciones y lleva la luz natural hacia el corazón del edificio. Resulta especialmente interesante esta decisión porque el atrio no se plantea únicamente como un vacío arquitectónico, se convierte en un espacio de relación desde el que se comprende el funcionamiento del conjunto y se favorece el encuentro entre investigación, trabajo y divulgación.

Cuando la iluminación prolonga la arquitectura

En un edificio de estas características, la iluminación artificial tiene un cometido muy concreto: acompañar a la arquitectura y prolongar sus criterios de orden, continuidad y confort cuando la luz natural deja de ser suficiente. La propuesta lumínica de los arquitectos encuentra en las soluciones de Simon un lenguaje deliberadamente integrado, alejado de gestos excesivamente protagonistas.
El sistema lineal Simon 860 desempeña un papel importante en esa lectura. Las líneas continuas de luz acompañan circulaciones y zonas de trabajo, reforzando la geometría y proporcionando uniformidad visual. El proyecto incorpora además luminarias Simon 729, downlights Simon 640 y Simon 703 y proyectores Simon 615, componiendo un repertorio que permite pasar de la iluminación general al acento en función de las características y necesidades de cada área.
No se trata, por tanto, de aplicar una misma solución a todo el edificio. La iluminación se adapta a las distintas escalas y actividades manteniendo una coherencia formal que ayuda a percibir la sede como un conjunto unitario. En un entorno profesional donde conviven concentración, circulación, intercambio y divulgación, esa capacidad de jerarquizar sin fragmentar resulta especialmente relevante.

Luz, conectividad y nuevas formas de trabajar

Hay otro aspecto del proyecto que merece atención. Cada vez tiene menos sentido analizar la iluminación de los espacios profesionales de manera aislada respecto a las demás infraestructuras que permiten habitarlos. La flexibilidad de una oficina contemporánea depende también de cómo resolvemos la alimentación eléctrica, los datos y la posibilidad de modificar los puestos de trabajo a medida que cambian sus necesidades.
En el SOCIB, esta capa tecnológica se resuelve mediante el sistema de conectividad Simon 500, integrado discretamente para facilitar el acceso a conexiones eléctricas y de datos sin interferir en la continuidad visual de los interiores. Iluminación y conectividad pasan así a formar parte de una misma reflexión sobre la adaptabilidad del espacio.
Me parece una cuestión especialmente pertinente en un centro científico pues la tecnología funciona mejor cuando no condiciona rígidamente la arquitectura, sino cuando le permite evolucionar.

Una arquitectura para observar, investigar y compartir

El resultado transmite una cierta serenidad que encaja muy bien con la función del edificio. La entrada cenital de luz, la continuidad espacial del atrio, las líneas luminosas que ordenan los recorridos y una tecnología cuidadosamente integrada construyen un entorno donde la arquitectura parece ponerse al servicio de quienes investigan y trabajan en él.
Y quizá esa sea la lectura más interesante de la nueva sede del SOCIB desde nuestra disciplina. La buena iluminación de los espacios de trabajo que no se mide únicamente en términos de cantidad de luz, sino en su capacidad para favorecer orientación, concentración, confort y relación con la arquitectura.

La entrada SOCIB, iluminar la ciencia frente al Mediterráneo se publicó primero en Lightecture.

Hacer visible lo invisible

¿Cómo representar el funcionamiento de una célula, recorrer una arteria o contemplar el cerebro desde dentro? Human Universe parte de este desafío para trasladar conceptos científicos y procesos biológicos a un lenguaje espacial y audiovisual.
Un equipo multidisciplinar formado por especialistas en anatomía, divulgadores científicos, guionistas, diseñadores y artistas 3D ha trabajado en la construcción de un relato donde la precisión científica convive con recursos procedentes del arte digital y el diseño de experiencias. La tecnología no funciona así únicamente como vehículo de espectacularidad, sino como una herramienta de traducción: aquello que por su escala o naturaleza resulta inaccesible a la percepción humana adquiere dimensiones, movimiento y una nueva presencia visual.

Del cuerpo a un paisaje digital

El recorrido, de aproximadamente 70 minutos, se articula en seis salas y comienza en Base Génesis, una estación científica de estética futurista desde la que se inicia metafóricamente la expedición.
A partir de este punto, el visitante atraviesa diferentes escalas y sistemas del organismo, desde la evolución humana y el origen de la vida hasta la anatomía, las células, el sistema inmunitario o el funcionamiento del cerebro.
La combinación de proyección, mapping, animación 3D y realidad virtual permite modificar continuamente la percepción del espacio físico. Paredes y superficies dejan de actuar como límites para convertirse en soportes de imágenes que construyen entornos digitales envolventes y trasladan al visitante a lugares imposibles de experimentar en el mundo real.

De observar a participar

Uno de los aspectos interesantes de Human Universe es la alternancia entre contemplación e interacción. A los grandes espacios audiovisuales se suman pantallas y dispositivos que invitan al público a explorar su propia anatomía, comprobar conocimientos o descubrir algunos de los mecanismos que permiten funcionar al organismo.
El visitante deja así de ocupar únicamente la posición de espectador para intervenir en el relato. Una estrategia cada vez más presente en el diseño de experiencias inmersivas, donde espacio, contenido audiovisual e interacción se conciben conjuntamente para favorecer una relación más activa con los contenidos.

Tecnología para comunicar conocimiento

Más allá de su dimensión visual, Human Universe plantea una cuestión especialmente relevante para los profesionales del arte digital y el diseño audiovisual: cómo transformar información compleja en una experiencia comprensible sin renunciar a la emoción. Aquí, datos, conocimiento científico y tecnología se convierten en materia creativa. La escala, el movimiento y la inmersión permiten acercarse al cuerpo desde una perspectiva diferente, mientras la narrativa conecta las distintas salas para construir un viaje que oscila constantemente entre conocimiento y asombro.
En este sentido, el proyecto se inscribe en una tendencia creciente de las experiencias inmersivas: utilizar las herramientas desarrolladas por el entretenimiento y el arte digital para crear nuevos lenguajes de divulgación y aprendizaje.

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La formación en iluminación suele apoyarse en ejercicios académicos que rara vez llegan a materializarse. Sin embargo, el aprendizaje cambia radicalmente cuando el proyecto tiene un cliente real, un presupuesto, un plazo de montaje y personas que vivirán la experiencia. Ese fue precisamente el objetivo de uno de los talleres del Curso DIA UPM: desarrollar el diseño lumínico de la fachada principal de la ETSAM para la ceremonia de entrega de diplomas.

No se trataba únicamente de diseñar una iluminación, sino de recorrer todas las fases del proceso profesional. La metodología docente del curso se basa en el principio de aprender haciendo, reproduciendo el proceso completo, desde el análisis del espacio y la definición del mensaje hasta la construcción del concepto, la búsqueda de referencias visuales, la aplicación de la psicología del color y el desarrollo de una narrativa lumínica coherente, el alumnado participa en todas las fases del diseño. El proceso continúa con la selección de luminarias, el diseño de la implantación, el cálculo con DIALUX, el montaje, la puesta en marcha y la evaluación crítica del resultado final. Todo este recorrido se desarrolla de forma colaborativa entre profesorado y alumnado, favoreciendo un aprendizaje activo que integra creatividad, rigor técnico y experiencia práctica en un contexto real.

Del concepto a la luz

El concepto elegido consistía en convertir la fachada en una gran representación del atardecer.
La puesta de sol simbolizaba el final de la etapa académica y el inicio de la vida profesional. El edificio absorbía los colores del ocaso y los devolvía amplificados, creando un gran telón de fondo para la celebración.
Las alumnas desarrollaron el concepto desde referencias artísticas (como James Turrell), el estudio de los colores complementarios y la carga simbólica del azul y el naranja, hasta construir una narrativa coherente para todo el proyecto.

Diseñar con capas

Uno de los aspectos más interesantes del ejercicio fue entender la iluminación como una superposición de capas. El proyecto se organizó mediante una jerarquía lumínica claramente diferenciada: lavado azul uniforme de la fachada para transmitir calma y memoria; iluminación cálida de las ventanas como símbolo de creatividad y actividad interior; iluminación recortada
de la escalinata para enfatizar el recorrido de acceso; esta estrategia permitió comprender cómo cada decisión responde simultáneamente a criterios técnicos, compositivos y emocionales.

Creatividad e interactividad integradas

La intervención incorpora en la puerta principal de la ETSAM una experiencia viva e interactiva durante la fiesta de graduación. Mediante un software generativo y un sistema Kinect, los movimientos de las personas situadas en el exterior, ya sea bailando, abrazándose o jugando, se detectan y se integran en tiempo real en la proyección. La retroproyección mantiene la identidad cromática de la fachada exterior e interior, reinterpretándola de forma dinámica, lúdica y desenfadada.
Más allá del aprendizaje de los aspectos técnicos del diseño de iluminación, el proyecto permitió a las alumnas desarrollar competencias esenciales para el ejercicio profesional. El trabajo en equipo, la comunicación y defensa de ideas, la toma de decisiones fundamentadas, la adaptación a condicionantes reales de diseño y ejecución y la evaluación crítica del resultado construido formaron parte del proceso de aprendizaje.

Articulo desarrollado colaborativamente entre las alumnas de DIA UPM Olga Moreno Vallejo, Juliana Jurado Lopez, María Delgado Blasco, María Vanessa Cerezo Jiménez, Esther Quintela Salas; y los profesores Ricardo Morcillo y Beatriz Arranz.

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Nuevas soluciones para una iluminación más flexible

Entre las principales incorporaciones se encuentra CORAL GU10, una nueva versión de la familia de empotrables de FREPI que combina en una misma luminaria las posibilidades de un modelo fijo y orientable. Su configuración con portalámparas GU10 permite adaptar la dirección de la luz a diferentes necesidades de iluminación general o de acento, especialmente en espacios residenciales, comerciales y hospitality.
La nueva familia LEÓN amplía la oferta de downlights LED para interior con versiones de 5W, 10W y 15W, planteadas para resolver distintas escalas y necesidades de iluminación interior. A esta incorporación se suman CUADRO y CUADRO SENSOR, dos soluciones para señalización en pared, esta última con sensor de presencia integrado. Ambas están pensadas paraa zonas de paso o espacios donde la orientación del usuario debe combinarse con un uso más eficiente de la energía.

La temperatura de color como herramienta de confort

SELECCIÓN Septiembre 2026 amplía también determinadas familias con versiones en 2700K, respondiendo a la creciente incorporación de temperaturas de color cálidas en proyectos donde la percepción del espacio y el confort visual adquieren mayor relevancia. Las familias KLEE, KLEE XL y SPIKE, junto con diferentes soluciones de iluminación exterior de ZAMBELIS, incorporan estas nuevas posibilidades. La temperatura de 2700K resulta especialmente adecuada para proyectos residenciales, hospitality y paisajismo en los que se busca una atmósfera cálida y una transición más natural entre iluminación, materiales y entorno.

Una herramienta para la definición del proyecto

Más allá de las nuevas referencias, este nuevo catálogo presenta diferentes familias y amplía la información disponible para facilitar la consulta y la definición de soluciones. El catálogo está dirigido a arquitectos, diseñadores de iluminación, ingenierías, distribuidores, instaladores y prescriptores, ofreciendo una selección orientada a distintas tipologías y escalas de proyecto. Esta actualización es complementaria al acompañamiento técnico de FREPI, que ofrece asesoramiento durante las distintas fases de definición de la iluminación, desde el planteamiento inicial hasta la selección de las luminarias y sus prestaciones.

Un showroom para experimentar la luz

La estrategia de acompañamiento profesional de FREPI incluye un showroom de más de 480 m² en Rubí (Barcelona), concebido para analizar las soluciones de iluminación directamente en el espacio. Los profesionales pueden conocer las luminarias, comparar alternativas y valorar sus prestaciones con el apoyo del equipo técnico. La experiencia directa permite complementar la información técnica del catálogo con una valoración más precisa de aspectos como la distribución de la luz, el confort visual, los acabados o la relación entre luminaria y arquitectura.
SELECCIÓN Septiembre 2026 consolida así el catálogo como una herramienta de consulta que evoluciona junto con las necesidades de la prescripción, incorporando nuevas soluciones y ampliaciones de gama para abordar proyectos de iluminación interior y exterior con mayor flexibilidad.

Descarga catálogo SELECCIÓN Septiembre 2026.

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Un programa centrado en creatividad, práctica y colaboración

La organización busca ponencias dinámicas y participativas que fomenten el aprendizaje y el debate en torno a tres ejes fundamentales: creatividad, desarrollo profesional y colaboración. El programa admitirá sesiones de diferentes formatos y duración, incluyendo workshops prácticos, siempre con un enfoque formativo y evitando cualquier contenido de carácter comercial o promocional.

Entre las temáticas prioritarias para esta edición destacan:

• Controles de iluminación e integración de sistemas.
• Inteligencia artificial y tecnologías emergentes.
• Gestión empresarial y desarrollo profesional.
• Investigación en iluminación.
• Inspiración creativa y aprendizaje interdisciplinar.
• Ciencia, salud y bienestar.
• Sostenibilidad y responsabilidad ambiental.
• Colaboración, inclusión y comunicación.
• Casos prácticos y habilidades profesionales.
• Normativa, estándares y regulación.

Condiciones para los ponentes

Las personas seleccionadas recibirán la inscripción completa al congreso, valorada en 7.130 coronas danesas (DKK), además de un honorario de 6.000 DKK para las ponencias individuales o 3.000 DKK por ponente en las presentaciones compartidas. Las propuestas deberán centrarse en el intercambio de conocimiento y no podrán promocionar productos, fabricantes o soluciones comerciales específicas.

Hasta el 22 de septiembre

El plazo para presentar propuestas permanecerá abierto hasta el 22 de septiembre de 2026 a las 23:59 h (hora central de EE. UU.). Las candidaturas se aceptarán exclusivamente mediante la plataforma habilitada por la organización.
IALD Enlighten Europe se ha consolidado como uno de los principales encuentros europeos dedicados al desarrollo profesional en diseño de iluminación, ofreciendo un formato que prioriza la participación, el intercambio de experiencias y la creación de redes entre profesionales de toda la comunidad internacional.

Envía tu propuesta a través de este enlace.

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