El patrimonio recuperado de la tercera planta

La apertura de esta vivienda constituye uno de los proyectos de conservación más relevantes emprendidos recientemente por Casa Batlló. Tras un exhaustivo proceso de investigación y restauración, el apartamento recupera carpinterías, estucos, pavimentos y numerosos elementos originales que permiten comprender cómo concebía Gaudí el espacio doméstico. Más allá del valor arquitectónico, la vivienda representa un documento excepcional para entender la relación entre arquitectura, mobiliario, circulación y vida cotidiana, completando el relato del edificio desde una dimensión hasta ahora inédita.

Un diálogo entre patrimonio y diseño contemporáneo

La intervención de la arquitecta y diseñadora Paola Navone evita la reconstrucción historicista para proponer una lectura contemporánea del espacio. Su proyecto de interiorismo imagina cómo podría habitarse hoy esta vivienda sin alterar su identidad, estableciendo un diálogo respetuoso entre patrimonio y diseño actual. Esta aproximación permite que la arquitectura recupere su condición de espacio vivido, alejándose de la imagen de museo estático y acercándose a la experiencia cotidiana para la que fue concebida.

La luz como parte del universo doméstico de Gaudí

Aunque la propuesta pone el foco en la arquitectura y la experiencia gastronómica, la apertura de la Tercera Planta ofrece también una oportunidad para apreciar uno de los aspectos menos visibles del trabajo de Gaudí: su extraordinaria comprensión de la luz natural. La vivienda permite redescubrir cómo el arquitecto moduló cuidadosamente la entrada de la luz mediante patios, carpinterías, aperturas y materiales, generando ambientes cambiantes a lo largo del día. En este contexto, la iluminación deja de ser un elemento añadido para convertirse en un componente inseparable de la arquitectura, capaz de definir la atmósfera doméstica y realzar la riqueza cromática y material de los interiores restaurados. Precisamente esa relación entre luz, espacio y experiencia cotidiana convierte esta nueva apertura en un recorrido especialmente interesante para quienes observan la arquitectura desde la perspectiva del diseño de iluminación.

Una experiencia que amplía el concepto de visita

Disponible de martes a sábado, Bon Appétit Casa Batlló tiene una duración aproximada de dos horas, combinando la visita al monumento con el acceso a la Tercera Planta y una propuesta gastronómica que puede disfrutarse en formato desayuno o aperitivo. La experiencia incorpora distintas modalidades gastronómicas, opciones vegetarianas y sin gluten, tarifas especiales para residentes y familias, así como la posibilidad de reservar un espacio privado para grupos reducidos.

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Del 17 al 19 de junio, París reunió a diseñadores de iluminación, arquitectos, ingenieros, fabricantes y consultores de Europa, Asia y Latinoamérica con motivo de IALD Enlighten Europe 2026. Más allá del programa de conferencias, el encuentro volvió a poner de manifiesto uno de los grandes valores de la comunidad IALD: compartir conocimiento, debatir sobre los retos de la profesión y construir una cultura del diseño basada en la colaboración.

Una comunidad que apuesta por compartir conocimiento

La edición comenzó con una sesión previa liderada por la presidenta de IALD, Carla Wilkins, que abrió un interesante debate sobre el futuro de la profesión. Entre las principales reflexiones destacó la necesidad de facilitar el acceso de los jóvenes lighting designers mediante programas de incentivos y favorecer una mayor diversidad generacional en este tipo de encuentros.
Otro aspecto especialmente inspirador fue la voluntad de muchos profesionales de compartir con total transparencia el desarrollo completo de sus proyectos, mostrando tanto los aciertos como las dificultades encontradas durante el proceso de diseño y construcción. Una actitud que demuestra cómo el intercambio de experiencias sigue siendo uno de los motores de innovación de la disciplina.
La jornada concluyó con una navegación nocturna por el Sena organizada por Selux, una ocasión perfecta para seguir ampliando la red internacional de contactos en un entorno distendido.

La luz como materia de la arquitectura

La conferencia inaugural corrió a cargo del arquitecto Ian Ritchie, quien propuso entender la luz como un material arquitectónico capaz de trascender las fronteras entre ciencia, arte, ingeniería, filosofía y tecnología. Su intervención reivindicó una visión integradora donde la iluminación natural y artificial participan conjuntamente en la construcción del espacio arquitectónico.

Del concepto a la realidad construida

Uno de los temas más recurrentes durante el congreso fue la distancia que todavía existe entre el proyecto diseñado y el proyecto finalmente construido. En «From Oversight to Insight», Jorge Romero (LDC) analizó cómo muchas propuestas funcionan perfectamente sobre el papel, pero encuentran limitaciones técnicas durante la ejecución. Su intervención abrió una cuestión fundamental para la profesión: ¿hasta dónde debe implicarse el lighting designer durante la fase de obra para garantizar que el resultado final responda realmente al concepto original?
Una de las conclusiones más compartidas fue la importancia de desarrollar proyectos técnicamente viables y acompañar su ejecución con el máximo nivel de detalle constructivo.

La iluminación como herramienta de bienestar

La relación entre luz y salud tuvo un papel destacado durante el encuentro. Anna Bochnia y Julia Hartmann presentaron una investigación sobre la aplicación del blanco dinámico en centros geriátricos, demostrando cómo una iluminación correctamente diseñada favorece la orientación espacial, los ritmos circadianos y la autonomía de los usuarios.
Más allá de la tecnología, las ponentes insistieron en la necesidad de generar herramientas que faciliten la implantación de estos sistemas, todavía percibidos como complejos por muchos profesionales.

Diseñar la noche desde la experiencia

La iluminación urbana también ocupó buena parte del programa. Mélina Votadoro y Virginie Nicolas defendieron el papel de la luz como herramienta para construir identidad en museos y espacios expositivos, utilizando la penumbra, las sombras y el color como recursos narrativos capaces de enriquecer la experiencia del visitante.
En la misma línea, Anne Bureau abordó la flexibilidad en el espacio público recordando que, en muchas ocasiones, las sombras pueden resultar tan expresivas como la propia luz. La diseñadora subrayó además la importancia de trabajar con la luminancia, más que con la iluminancia, para organizar los recorridos nocturnos y compatibilizar el diseño urbano con la protección de la biodiversidad.

Infraestructuras, patrimonio e inteligencia artificial

La segunda jornada volvió a combinar grandes proyectos con debates sobre el futuro de la profesión. Daniel Meyer presentó el complejo desarrollo lumínico de Stuttgart 21, una infraestructura cuya ejecución se prolonga desde hace más de dos décadas y que evidenció cómo los condicionantes políticos, económicos y administrativos pueden afectar incluso a los proyectos técnicamente más sólidos.
Por su parte, Siddharth Mathur mostró diversos proyectos donde la iluminación se integra de manera respetuosa con la arquitectura existente, priorizando siempre el diálogo con los materiales y el patrimonio construido.
La irrupción de la inteligencia artificial apareció también de forma transversal en diferentes sesiones. Más allá de sus posibilidades creativas, varios ponentes alertaron sobre la necesidad de establecer nuevos protocolos de confidencialidad y propiedad intelectual que regulen el uso de estas herramientas dentro de los estudios de iluminación.

Comprender por qué París es la Ciudad de la Luz

Uno de los cierres más sugerentes llegó de la mano de Lisa Araki, quien recorrió la evolución histórica de la iluminación parisina desde la Edad Media hasta nuestros días. Su conferencia mostró cómo la luz ha sido utilizada a lo largo de los siglos como herramienta política, cultural y urbana, construyendo la identidad nocturna de una ciudad cuyo sobrenombre, La Ciudad de la Luz, va mucho más allá de la innovación tecnológica.

Próxima parada: Copenhague

Tras tres jornadas de intercambio profesional, IALD Enlighten Europe 2026 volvió a demostrar que el verdadero valor del encuentro reside tanto en las conferencias como en las conversaciones que surgen entre ellas. El congreso se despidió anunciando la sede de la próxima edición: Copenhague acogerá IALD Enlighten Europe 2027, tomando el relevo de París en una cita que continúa consolidándose como uno de los principales foros europeos para la comunidad internacional del diseño de iluminación.

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LiGHT se incorpora a la familia Light + Building

Desde su lanzamiento en 2022 por [d]arc media, LiGHT Expo London se ha consolidado rápidamente como uno de los eventos de referencia para arquitectos, lighting designers, interioristas, ingenieros, consultores y fabricantes internacionales. Su formato, centrado en la especificación de iluminación, ha convertido la feria en un espacio para descubrir nuevos productos, compartir conocimiento y generar oportunidades de colaboración profesional.
Con esta adquisición, LiGHT pasa a formar parte de la red internacional de ferias Light + Building Technology, encabezada por Light + Building Frankfurt, e integrada además por eventos celebrados en ciudades como Dubái, Shanghái, Guangzhou, Estambul, Kuala Lumpur, Las Vegas, Mumbai o Buenos Aires.

Una nueva etapa sin perder su identidad

La organización del certamen correrá a cargo de Messe Frankfurt UK, que ha anunciado su intención de mantener el carácter cercano y especializado que ha definido a LiGHT desde su creación.
Al mismo tiempo, [d]arc media continuará vinculado al proyecto, colaborando en la promoción del evento y en la curaduría de su reconocido programa de contenidos, uno de los elementos que más ha contribuido a consolidar la comunidad profesional en torno a la feria.
Simon Albert, CEO de Messe Frankfurt UK, destacó que LiGHT se ha convertido en muy poco tiempo en «uno de los principales puntos de encuentro para la comunidad británica del diseño y la iluminación», mientras que Paul James, director general de [d]arc media, subrayó que Messe Frankfurt aporta la experiencia internacional necesaria para impulsar el crecimiento del evento manteniendo intacta su esencia.

Una apuesta estratégica por el sector de la iluminación

La incorporación de LiGHT Expo London refuerza la estrategia de Messe Frankfurt de ampliar su presencia en el mercado internacional de la iluminación profesional. El grupo organiza actualmente numerosas ferias especializadas en Europa, Asia, América y Oriente Medio, con Light + Building Frankfurt como su principal cita bienal, cuya próxima edición tendrá lugar del 5 al 10 de marzo de 2028.
La operación evidencia el creciente peso de LiGHT dentro del calendario internacional de eventos dedicados a la iluminación arquitectónica y confirma la importancia que ha adquirido el mercado británico para la comunidad global de la especificación.

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Oficinas, colegios, comercios o instalaciones industriales ligeras pueden dar un gran paso hacia la eficiencia energética aprovechando una infraestructura ya existente: la iluminación. Los sistemas de iluminación conectada permiten recopilar información sobre la ocupación de los espacios y utilizarla para optimizar otros consumos, como la climatización.

De la iluminación inteligente al control eficiente de la climatización

Uno de los mayores consumos ocultos en los edificios es calentar o enfriar espacios que no están siendo utilizados. En muchos casos, los sistemas HVAC funcionan siguiendo horarios predefinidos, aunque las salas estén vacías.

La iluminación conectada permite cambiar este enfoque: gracias a los sensores de ocupación integrados, el edificio puede saber cuándo un espacio está ocupado o libre en tiempo real, sin necesidad de instalar una red adicional de sensores.

Con soluciones como Signify Interact, esta información puede integrarse con termostatos inteligentes para que la climatización funcione bajo demanda. Cuando una zona queda vacía y las luces se apagan, el sistema puede pasar automáticamente del modo “confort” al modo “eco”, reduciendo el consumo energético sin necesidad de un complejo proyecto de automatización.

La iluminación conectada, un primer paso hacia edificios más inteligentes

La revisión de la EPBD, publicada por la Unión Europea en 2024, establece el objetivo de avanzar hacia un parque inmobiliario descarbonizado en 2050. Para conseguirlo, la normativa impulsa edificios con mayor eficiencia energética, incluyendo sistemas técnicos inteligentes capaces de monitorizar y reducir el consumo.

En este contexto, la iluminación conectada juega un papel clave: permite implementar control por presencia, zonificación y monitorización energética de forma sencilla y escalable.

Para los prescriptores, supone una oportunidad para ofrecer soluciones de valor añadido sin aumentar la complejidad del proyecto. La instalación de iluminación conectada se convierte en la puerta de entrada para incorporar inteligencia al edificio y generar ahorros medibles.

Una solución práctica para pequeñas y medianas empresas

A diferencia de los tradicionales sistemas BMS, que pueden resultar demasiado complejos o costosos para muchos proyectos, la combinación de iluminación conectada y control inteligente de climatización ofrece una alternativa más accesible.

El proceso es sencillo:

1. Actualizar la iluminación con tecnología LED conectada.
2. Utilizar los datos de ocupación para optimizar el funcionamiento del HVAC.
3. Medir los ahorros obtenidos y ampliar la solución a nuevas zonas o edificios.

Este enfoque permite a los propietarios mejorar la eficiencia energética, reducir costes operativos y avanzar hacia una mejor clasificación energética del edificio.

Convertir la eficiencia en resultados visibles

A medida que los países europeos incorporen los requisitos de la EPBD a su legislación, demostrar resultados será clave. Para ello, los prescriptores pueden ayudar a sus clientes a visualizar el impacto mediante datos claros: consumo energético antes y después, ahorro económico y mejoras operativas.

La eficiencia energética no tiene por qué empezar con grandes proyectos de automatización. Puede comenzar con algo tan sencillo como una iluminación conectada capaz de transformar un edificio convencional en un espacio más inteligente, eficiente y preparado para el futuro.

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Un símbolo para la ciudad y para el mundo

La culminación de la Torre de Jesús supone un hito arquitectónico de alcance internacional. Con sus 172,5 metros de altura, se convierte en la estructura religiosa más alta del mundo y completa definitivamente la jerarquía simbólica de las dieciocho torres concebidas por Gaudí.
La iluminación desarrollada por Licht Kunst Licht (LKL) se apoya en el masterplan lumínico elaborado por el estudio en 2019, una estrategia global que entiende la basílica como una composición unitaria donde cada elemento participa de un relato visual coherente.
La mirada asciende progresivamente desde las torres de los Apóstoles y los Evangelistas, pasando por la estrella de la Virgen María, hasta culminar en la gran cruz de la Torre de Jesús, que emerge ahora en el skyline barcelonés como un nuevo referente nocturno.

Diseñar con luz y oscuridad

Uno de los aspectos más interesantes del proyecto es precisamente aquello que no se percibe de forma inmediata. En una época en la que muchos hitos urbanos parecen competir por la atención a través de la intensidad lumínica, el equipo de Licht Kunst Licht ha optado por una estrategia radicalmente distinta. La cruz no destaca por ser más brillante que su entorno, sino por la forma en que dialoga con la oscuridad. La propuesta parte de una profunda investigación sobre los escritos y el simbolismo arquitectónico de Gaudí. En lugar de convertir la iluminación en un elemento autónomo, la luz parece surgir de la propia arquitectura, reforzando la materialidad de la piedra y la lectura escultórica de la torre. Es una aproximación especialmente coherente con la filosofía del arquitecto catalán, para quien la luz nunca fue un complemento, sino una parte esencial de la experiencia espiritual del edificio.

La precisión al servicio de la emoción

Detrás de la aparente naturalidad del resultado hay años de trabajo. Más de veinte ensayos nocturnos sobre el terreno, simulaciones, modelos físicos y estudios de visibilidad permitieron ajustar la presencia de la cruz desde los distintos puntos de observación de Barcelona.
El equipo de diseño de iluminación formado por Alejandra Kuri, Naiara Caballero, Nicolas Neira y Martina Weiss, bajo el paraguas de LKL Design Hub Barcelona, desarrolló ópticas específicas capaces de garantizar una lectura precisa de la estructura a gran distancia, preservando al mismo tiempo la profundidad y riqueza volumétrica de la arquitectura.
La utilización de una temperatura de color cálida de 3000 K contribuye además a reforzar la textura de la piedra y a mantener la continuidad visual con el conjunto del templo.

La visión de Gaudí hecha realidad

Quizá el aspecto más fascinante del proyecto sea la recuperación de una idea original de Gaudí que durante décadas parecía casi imposible de materializar. La Torre de Jesús no fue concebida únicamente como un elemento iluminado. También debía convertirse en una fuente de luz proyectada hacia la ciudad. Para ello, la cruz incorpora proyectores de haz extremadamente estrecho integrados en su estructura, capaces de lanzar cuatro haces luminosos hacia el cielo en ocasiones especiales. Una intervención de gran carga simbólica que transforma una intuición visionaria del arquitecto en una realidad tecnológica contemporánea.

Un momento que permanecerá en la memoria

Como profesionales de la iluminación, pocas veces tenemos la oportunidad de presenciar proyectos que alcanzan una dimensión tan universal. La iluminación de la cruz de la Sagrada Familia no es únicamente un ejercicio de excelencia técnica. Es también una demostración de cómo la luz puede contribuir a completar un relato arquitectónico, reforzar su significado y generar emoción colectiva.
La expectación que precedió al encendido era enorme. Sin embargo, lo más admirable fue comprobar cómo el resultado respondió a esa expectativa desde la contención y la sensibilidad.
Porque la verdadera fuerza de esta intervención no reside en la espectacularidad, sino en su capacidad para hacer visible algo mucho más profundo: la culminación de una visión compartida por generaciones de arquitectos, artesanos, ingenieros y constructores. Esa noche, sobre el cielo de Barcelona, no se iluminó únicamente una cruz, se iluminó un sueño.

Proyecto: Iluminación exterior de la Cruz de la Torre de Jesús, Basílica de la Sagrada Familia
Cliente: Fundació Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Família
Arquitectura: Antoni Gaudí / Fundació Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Família
Diseño de iluminación: LKL Design Hub Barcelona (Licht Kunst Licht)
Equipo de proyecto: Alejandra Kuri, Naiara Caballero, Nicolas Neira, Martina Weiss
Finalización: Junio 2026
Fotografías: Marcela Grassi, Maria José Fabra

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Una plataforma internacional para el diseño emergente

La última edición reunió a 700 diseñadores procedentes de 39 países, confirmando el alcance internacional de un evento que, desde su creación, ha servido de trampolín para numerosas carreras profesionales. Cada año, SaloneSatellite ofrece a los participantes la posibilidad de mostrar sus propuestas ante fabricantes, editores, medios de comunicación y profesionales del diseño llegados de todo el mundo durante la semana del Salone del Mobile.

El premio que impulsa nuevas trayectorias

Como es habitual, la convocatoria volverá a incluir el SaloneSatellite Award, un reconocimiento que premia los proyectos más destacados entre los participantes. En las últimas ediciones, el jurado ha valorado especialmente aquellas propuestas capaces de reflexionar sobre el futuro del hábitat, incorporando cuestiones relacionadas con la sostenibilidad, los nuevos materiales y las tecnologías digitales.

Cómo participar en SaloneSatellite 2027

La convocatoria está dirigida a diseñadores menores de 35 años y permanecerá abierta hasta el 30 de agosto de 2026. Las candidaturas deberán incluir:

• Información personal del solicitante.
• Tres proyectos ya desarrollados.
• Entre una y tres imágenes en formato JPG por cada proyecto.
• Fotografías en formato 16:9.
• Tamaño máximo total de los archivos: 100 MB.
• Una breve descripción en inglés de cada proyecto, con una extensión máxima de 300 caracteres incluyendo espacios.

La inscripción debe realizarse a través del formulario oficial habilitado por la organización.

Una oportunidad para conectar con la industria

Más allá de la exposición, SaloneSatellite representa una oportunidad única para entrar en contacto directo con fabricantes, marcas y profesionales que buscan nuevas ideas y perfiles creativos. Su integración dentro del ecosistema del Salone del Mobile.Milano convierte el evento en uno de los puntos de encuentro más relevantes para las nuevas generaciones del diseño internacional.

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There are figures whose influence extends far beyond the projects they sign. Professionals who not only transform spaces, but help transform an entire discipline. Mark Major belongs to that exceptional category.
The news of his stepping down as Senior Partner of Speirs Major Light Architecture, after four decades of professional practice, inevitably invites reflection. Not so much to revisit an impressive portfolio of work—remarkable though it undoubtedly is—but to recognise his immense contribution to the development of the lighting design profession itself. If today we speak of architectural lighting as a discipline capable of engaging with architecture, landscape, urbanism and heritage through sensitivity and critical thinking, it is thanks in no small part to people like him.

A Light Architect

I have always found it revealing that Mark Major chose to describe himself as a “Light Architect.” This is not merely a question of terminology. It is a statement of intent. Unlike those who regard lighting as an additional layer applied to a project, Major has consistently championed a deeply integrated vision of light as a material for shaping space. A tool capable of moulding experience, creating meaning and revealing the identity of places. That vision can be seen in some of the most influential projects of recent decades. From the Millennium Dome to Battersea Power Station, via Heathrow Terminal 5, the Royal Festival Hall, King’s Cross, Broadgate and the re-lighting of both St Paul’s Cathedral and Westminster Abbey. Yet reducing his legacy to a succession of projects would only scratch the surface.

In Defence of Darkness

If there is one quality that has distinguished Mark Major’s work, it is his understanding that designing with light also means designing with darkness. Long before light pollution and the protection of the night sky became central themes in professional discourse, he was already advocating a sensitive and responsible approach to lighting the public realm. This position was not driven by trends or sustainability agendas, but by a profound understanding of human perception. His projects have demonstrated that emotion often emerges when light is used with restraint and precision—when space is left for contrast, atmosphere and personal experience. At a time when technology seemed to be pushing us towards ever brighter and more ubiquitous illumination, Major was one of the voices reminding us of the importance of designing through the careful balance of light and shadow.

Beyond the Projects

Those of us who have had the opportunity to hear him speak at conferences, lectures or professional gatherings know that a significant part of his legacy lies beyond the built work itself. It resides in conversations, articles, lectures, mentorship and the generosity with which he has always shared knowledge. His book Made of Light – The Art of Light and Architecture, co-authored with Jonathan Speirs, remains a key reference for several generations of designers. Likewise, projects such as The Third Age of Light reflected his enduring commitment to exploring new ways of thinking about the future of our cities and our profession. We often speak of leadership in business terms. In Mark Major’s case, leadership has been about opening new paths and helping others to follow them.

The Legacy of Speirs & Major

It is impossible to speak of Mark Major without also remembering Jonathan Speirs, with whom he founded the practice in 1996 and shared one of the most influential creative partnerships in the recent history of lighting design. Together they helped elevate the discipline to a new level, demonstrating that light could occupy a central place within contemporary architectural discourse. The subsequent evolution of the practice—now known as Speirs Major Light Architecture—has kept that vision alive, establishing itself as one of the most respected studios in the international lighting design landscape. Under the leadership of Keith Bradshaw, together with Clementine Fletcher-Smith and Carrie Donahue Bremner, that legacy is certain to continue evolving.

Thank You Mark

Professions mature when individuals emerge who are capable of expanding their boundaries. Mark Major has been one of those individuals. His influence can be seen today in countless projects, but also in the way many of us understand light—not as a technical resource, but as a cultural medium capable of transforming human experience. For four decades he has illuminated airports, squares, bridges, cathedrals and entire cities. Yet perhaps his most valuable contribution has been something else: helping us understand that good lighting is not about making a place visible, but about making it meaningful. For that reason, although he is stepping away from the day-to-day management of Speirs Major Light Architecture, it is difficult to imagine him ever truly leaving the profession behind.

Some careers come to an end, but great legacies endure. Mark Major’s will remain alive in the collective memory of our profession and will continue to illuminate the path of those who understand light as a tool for transforming human experience.

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Hay figuras cuya influencia trasciende los proyectos que firman. Profesionales que no solo transforman espacios, sino que ayudan a transformar una disciplina. Mark Major pertenece a esa categoría excepcional.
La noticia de su retirada como Senior Partner de Speirs Major Light Architecture, tras cuarenta años de ejercicio profesional, invita inevitablemente a mirar atrás. No tanto para repasar una lista de obras —impresionante, sin duda— sino para reconocer la enorme contribución que ha realizado a la construcción de la profesión del diseño de iluminación. Porque si hoy hablamos de iluminación arquitectónica como una disciplina capaz de dialogar con la arquitectura, el paisaje, el urbanismo o el patrimonio desde la sensibilidad y el pensamiento crítico, es en parte gracias a personas como él.

Un arquitecto de la luz

Siempre me ha parecido revelador que Mark Major se definiera a sí mismo como «Light Architect». No es una cuestión terminológica. Es una declaración de principios. A diferencia de quienes entienden la iluminación como una capa añadida al proyecto, Major ha defendido durante toda su carrera una visión profundamente integrada de la luz como material de construcción espacial. Una herramienta capaz de modelar la experiencia, construir significado y revelar la identidad de los lugares.
Esa mirada ha quedado plasmada en algunos de los proyectos más influyentes de las últimas décadas. Desde el Millennium Dome hasta Battersea Power Station, pasando por Terminal 5 de Heathrow, el Royal Festival Hall, King’s Cross, Broadgate o la iluminación interior de la Catedral de San Pablo y la Abadía de Westminster. Pero reducir su legado a una sucesión de obras sería quedarse en la superficie.

La defensa de la oscuridad

Si algo ha distinguido el trabajo de Mark Major ha sido su capacidad para comprender que diseñar con luz implica también diseñar con oscuridad. Mucho antes de que la contaminación lumínica o la protección del cielo nocturno ocuparan un lugar central en el debate profesional, él ya defendía una aproximación sensible y responsable al uso de la luz en el espacio público. Una postura que no respondía a una moda ni a una estrategia de sostenibilidad, sino a una comprensión profunda de la percepción humana. Sus proyectos han demostrado que la emoción suele aparecer cuando la iluminación sabe dosificarse con maestría, cuando deja espacio para el contraste, para la atmósfera y para la experiencia individual. En un tiempo en el que la tecnología parecía empujarnos hacia una iluminación cada vez más intensa y omnipresente, Major fue una de las voces que recordó la importancia de diseñar administrando el sutil balance entre las luces y las sombras.

Más allá de los proyectos

Quienes hemos tenido la oportunidad de escucharle en congresos, conferencias o encuentros profesionales sabemos que una parte esencial de su legado no se encuentra en sus obras. Está en las conversaciones, en los artículos, en las clases, en las mentorías y en la generosidad con la que siempre ha compartido conocimiento. Su libro Made of Light – The Art of Light and Architecture, escrito junto a Jonathan Speirs, continúa siendo una referencia para varias generaciones de diseñadores. Y proyectos como The Third Age of Light demostraron además su voluntad permanente de explorar nuevos formatos para reflexionar sobre el futuro de nuestras ciudades y de la profesión. A menudo hablamos de liderazgo en términos empresariales. En el caso de Mark Major, el liderazgo ha consistido sobre todo en abrir caminos y ayudar a otros a recorrerlos.

El legado de Speirs & Major

Resulta imposible hablar de Mark Major sin recordar también a Jonathan Speirs, con quien fundó el estudio en 1996 y con quien compartió una de las asociaciones creativas más influyentes de la historia reciente del diseño de iluminación. Juntos contribuyeron a elevar la disciplina a una nueva dimensión, demostrando que la luz podía ocupar un lugar central en la conversación arquitectónica contemporánea. La evolución posterior de la práctica —hoy conocida como Speirs Major Light Architecture— ha mantenido viva esa visión, consolidándose como uno de los estudios más respetados del panorama internacional. La continuidad del despacho bajo la dirección de Keith Bradshaw, junto a Clementine Fletcher-Smith y Carrie Donahue Bremner, garantiza que ese legado seguirá evolucionando.

Gracias Mark

Las profesiones maduran cuando aparecen personas capaces de ampliar sus límites. Mark Major ha sido una de ellas. Su influencia se percibe hoy en innumerables proyectos, pero también en la forma en que muchos profesionales entendemos la luz: no como un recurso técnico, sino como una herramienta cultural capaz de transformar la experiencia humana. Durante cuatro décadas ha iluminado aeropuertos, plazas, puentes, catedrales y ciudades enteras. Pero quizá su contribución más valiosa haya sido otra: ayudarnos a comprender que la buena iluminación no consiste en hacer visible un lugar, sino en hacerlo significativo. Por eso, aunque abandone la gestión diaria de Speirs Major Light Architecture, resulta difícil imaginar que se aleje realmente de la profesión.

Hay trayectorias que concluyen, pero los grandes legados permanecen. El de Mark Major seguirá vivo en la memoria de la profesión y continuará iluminando el camino de quienes entienden la luz como una herramienta para transformar la experiencia humana.

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Por Sophya Acosta

Desde la antigüedad, la experiencia nocturna comunitaria ha girado en torno a lo lumínico. Cuán mágica debe haber sido aquella fogata primigenia y cuán intensas y oscuras deben haber sido esas primeras sombras. Con el paso de los siglos, nuestra capacidad de asombro fue dando paso a la sensación de entendimiento; y la racionalización de la experiencia estética dentro del ámbito artístico fue alejándose del estímulo físico, proponiendo instancias de goce y disfrute mental (nos gusta lo que nos gusta porque lo entendemos).
Esta conexión con lo artístico propone una relación entre espectador y obra entendida desde una lógica relativamente estable: la obra se presenta y el espectador observa. Pero ¿qué sucede cuando el material principal de una obra es la luz? ¿Cómo podemos separar aquello que pensamos de lo que la luz como estímulo nos provoca?
Volvamos un poco para atrás, antes de la experiencia artística, volvamos a la fogata primigenia y a nuestra relación con la luz. Desde el origen de la humanidad, la vida y la subsistencia se han vinculado a lo lumínico. El ritmo solar marcaba el transcurrir, los rayos nos prevenían del peligro de las tormentas y el brillo de las estrellas servía como guía y mapa en un mundo desconocido e infinito. Es decir que nuestro vínculo con lo lumínico no es simplemente visual, sino que atraviesa nuestra constitución como humanos, es el calor del mediodía y del fuego, es el inicio y el fin de cada día. Pero esta luz primitiva, nos era incontrolable, no fue hasta la aparición de la luz artificial, primero con el control del fuego y luego con la producción lumínica a través del gas y de la electricidad, que tuvimos la posibilidad de generar espacios de trascendencia vinculados tanto a lo religioso y espiritual como luego a lo artístico.
Podemos decir que hoy en día, eventos artísticos como los festivales de Light Art son esa comunión entre lo colectivo y lo trascendental que propone la luz. Estos festivales, con sus recorridos que podrían entenderse similares a una peregrinación, configuran espacios donde el cuerpo del espectador activa, recorre y participa en la construcción del significado de las obras lumínicas. Las ciudades dialogan activamente con las propuestas artísticas y con quienes las habitan.La ciudad nocturna posee una condición particular: se transforma. Espacios que durante el día parecen simples lugares de tránsito adquieren nuevas jerarquías perceptivas durante la noche. Un pasaje puede convertirse en una pausa; una plaza, en un punto de encuentro; una fachada, en una superficie narrativa. La luz no solo hace visible una arquitectura, sino que también reorganiza temporalmente nuestra relación con ella.
Quizás por eso muchas instalaciones contemporáneas de Light Art ya no trabajan únicamente con objetos o imágenes, sino con recorridos, ritmos y desplazamientos. La obra deja de ubicarse en un punto específico y comienza a desplegarse en la experiencia corporal del espectador mientras atraviesa el espacio.

Más allá de lo visual

¿Es una pieza de Light Art pura y exclusivamente visual? La respuesta simple (a mi entender) es que no. El sistema visual es uno de los muchos que se vinculan con la luz como material y muchas veces, no es el principal. Nuestra piel cuenta con miles de sensores que perciben la luz en forma de calor, por ejemplo. No solo sentimos la luz con los ojos, ¡y esto es maravilloso! Cada uno de nosotros, a distintos ritmos y a través de los órganos que tengamos más desarrollados, nos vinculamos con la luz y con aquello que la produce.
Nuestro momento vital también influye en este vínculo con lo lumínico, tanto niños como adultos mayores se encuentran en instancias donde sus organismos reaccionan de forma distinta a la estimulación lumínica.
A veces me pregunto cómo percibiría una de mis creaciones personas cuyos sentidos funcionen de forma distinta a lo que se entiende como “normal”. En esos casos, suelo charlar con mi madre, quien hace algunos años tuvo un desprendimiento de retina y ahora “ve” diferente. Recuerdo vívidamente su comentario sobre una obra que realicé en 2017. En esta obra, jugaba con planos de color y degradados muy sutiles generando gran contraste con un bailarín completamente vestido de negro. Mi madre, que en ese momento se encontraba recientemente operada de su desprendimiento, me dijo al finalizar que el contraste para ella había sido muy sutil y que al no poder enfocar ambos ojos en un mismo punto, lo que para mí eran degradados suaves, para ella eran bloques de color que se conectaban entre sí y que cambiaban con el movimiento de la danza.
Esa experiencia fue un antes y después para mí. Si bien entendía que no todos veíamos iguales, de repente comprendí que existía un universo de percepciones lumínicas no visuales.

Un deseo para el futuro

Volviendo al Light Art como disciplina artística, siento que existe en éste un inmenso potencial para conectarnos con la magia de aquellas fogatas primigenias. Espacios donde el Light Art se presente a una diversidad de públicos a través de una mediación artística que acerquen el desarrollo conceptual de los creadores a distintos cuerpos, ritmos y sensibilidades, pueden volver a conectarnos con nuestra capacidad de asombro.
El Light Art tiene la posibilidad de abrirse de forma sencilla a públicos no habituales de espacios culturales y posicionar la participación ciudadana como parte activa de la experiencia artística. La mediación y la participación se constituyen así como herramientas para profundizar la relación entre arte, ciudad y sociedad, catalizada a partir de la luz como material principal de creación.
Tal vez el futuro de esta disciplina no consista en producir imágenes cada vez más espectaculares, sino en generar nuevas condiciones para encontrarnos entre cuerpos, entre sensibilidades y también entre personas y ciudades que vuelven a descubrirse mutuamente a través de la luz.

Fotografía: Lía Bianchi

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Diez años explorando la arquitectura desde la experiencia de quienes la habitan

Desde sus inicios, Living Places ha promovido una mirada diferente sobre la arquitectura. Frente a la representación tradicional centrada en la imagen estática del edificio, el premio ha apostado por analizar cómo los espacios son vividos y transformados por las personas a lo largo del tiempo.
Uno de los rasgos más distintivos de esta iniciativa ha sido la incorporación del vídeo como formato principal de presentación de las candidaturas. Esta metodología permite capturar aspectos difíciles de transmitir mediante planos o fotografías, como la atmósfera, los recorridos, los usos cotidianos o la relación emocional entre las personas y el espacio construido.
A lo largo de la última década, esta apuesta ha dado lugar a un archivo de más de 200 películas, que documentan diversas formas de habitar y experimentar la arquitectura en diferentes contextos culturales y geográficos.

Una edición vinculada a Barcelona Capital Mundial de la Arquitectura 2026

La sexta edición coincide con otro acontecimiento de especial relevancia para la disciplina: la designación de Barcelona como Capital Mundial de la Arquitectura UIA-UNESCO 2026.
Como patrocinador de este reconocimiento internacional, Simon refuerza su compromiso con la cultura arquitectónica incorporando las actividades de Living Places a la programación oficial del evento. Esta conexión amplía la proyección internacional del premio y consolida a Barcelona como un espacio de encuentro para el debate, la reflexión y el intercambio de conocimiento en torno a la arquitectura contemporánea. La coincidencia de ambas celebraciones subraya el papel de la ciudad como referente global en la promoción de iniciativas que fomentan nuevas formas de entender y comunicar la arquitectura.

Arquitectura para ser vivida

El objetivo del Living Places – Simon Architecture Prize es reconocer proyectos capaces de mejorar la vida de las personas a través de espacios adaptables, confortables y conectados con las necesidades reales de sus usuarios. Bajo esta premisa, el premio distingue aquellas arquitecturas que se convierten en escenarios activos para trabajar, aprender, jugar, convivir o descansar. En definitiva, lugares concebidos para ser habitados y apropiados por quienes los utilizan. Esta aproximación pone el foco en la relación entre arquitectura y experiencia, entendiendo el proyecto arquitectónico como un proceso vivo que continúa evolucionando una vez finalizada su construcción.

Dos categorías centradas en la experiencia del usuario

La estructura del premio se organiza en torno a dos categorías:

• Collective Places
  Reconoce aquellos espacios concebidos para el uso colectivo y la interacción social, donde la arquitectura contribuye a generar comunidad, encuentro e intercambio.
• Personal Places
  Premia proyectos que destacan por la calidad de la experiencia individual y por su capacidad para responder a las necesidades cotidianas de sus usuarios.

Ambas categorías reflejan el interés del certamen por evaluar la arquitectura desde la perspectiva de quienes la utilizan, poniendo en valor la experiencia real frente a una visión exclusivamente formal o conceptual del proyecto.

Una metodología participativa

La atención al habitante también se extiende al propio proceso de selección. Además de los arquitectos, Living Places invita a participar a usuarios, residentes y ciudadanos, quienes pueden proponer obras que consideren relevantes para su evaluación por parte del jurado. El vídeo se convierte así en una herramienta fundamental para acercar la arquitectura a públicos más amplios y transmitir de manera efectiva las cualidades espaciales y humanas de cada proyecto. Esta metodología ha contribuido a diferenciar el premio dentro del panorama internacional, favoreciendo una comprensión más accesible y experiencial de la arquitectura.

Convocatoria abierta para la sexta edición

La convocatoria de la sexta edición estará abierta para proyectos situados en los territorios participantes del premio: Europa, México, Brasil y Marruecos.
Las nominaciones podrán presentarse entre el 27 de mayo y el 14 de septiembre de 2026, mientras que la fecha límite para la entrega completa de las candidaturas será el 5 de octubre de 2026.
El jurado internacional se reunirá en noviembre para deliberar y seleccionar los proyectos ganadores. Los finalistas se darán a conocer en diciembre de 2026 y la ceremonia de entrega de premios tendrá lugar en febrero de 2027.

Fechas clave

• Apertura de nominaciones: 27 de mayo de 2026
• Cierre de nominaciones: 14 de septiembre de 2026
• Fecha límite de presentación de candidaturas: 5 de octubre de 2026
• Reunión del jurado internacional: noviembre de 2026
• Anuncio de finalistas: diciembre de 2026
• Ceremonia de entrega de premios: febrero de 2027

Las bases completas del concurso pueden consultarse y descargarse clicando en este enlace.

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