Oficinas, colegios, comercios o instalaciones industriales ligeras pueden dar un gran paso hacia la eficiencia energética aprovechando una infraestructura ya existente: la iluminación. Los sistemas de iluminación conectada permiten recopilar información sobre la ocupación de los espacios y utilizarla para optimizar otros consumos, como la climatización.

De la iluminación inteligente al control eficiente de la climatización

Uno de los mayores consumos ocultos en los edificios es calentar o enfriar espacios que no están siendo utilizados. En muchos casos, los sistemas HVAC funcionan siguiendo horarios predefinidos, aunque las salas estén vacías.

La iluminación conectada permite cambiar este enfoque: gracias a los sensores de ocupación integrados, el edificio puede saber cuándo un espacio está ocupado o libre en tiempo real, sin necesidad de instalar una red adicional de sensores.

Con soluciones como Signify Interact, esta información puede integrarse con termostatos inteligentes para que la climatización funcione bajo demanda. Cuando una zona queda vacía y las luces se apagan, el sistema puede pasar automáticamente del modo “confort” al modo “eco”, reduciendo el consumo energético sin necesidad de un complejo proyecto de automatización.

La iluminación conectada, un primer paso hacia edificios más inteligentes

La revisión de la EPBD, publicada por la Unión Europea en 2024, establece el objetivo de avanzar hacia un parque inmobiliario descarbonizado en 2050. Para conseguirlo, la normativa impulsa edificios con mayor eficiencia energética, incluyendo sistemas técnicos inteligentes capaces de monitorizar y reducir el consumo.

En este contexto, la iluminación conectada juega un papel clave: permite implementar control por presencia, zonificación y monitorización energética de forma sencilla y escalable.

Para los prescriptores, supone una oportunidad para ofrecer soluciones de valor añadido sin aumentar la complejidad del proyecto. La instalación de iluminación conectada se convierte en la puerta de entrada para incorporar inteligencia al edificio y generar ahorros medibles.

Una solución práctica para pequeñas y medianas empresas

A diferencia de los tradicionales sistemas BMS, que pueden resultar demasiado complejos o costosos para muchos proyectos, la combinación de iluminación conectada y control inteligente de climatización ofrece una alternativa más accesible.

El proceso es sencillo:

1. Actualizar la iluminación con tecnología LED conectada.
2. Utilizar los datos de ocupación para optimizar el funcionamiento del HVAC.
3. Medir los ahorros obtenidos y ampliar la solución a nuevas zonas o edificios.

Este enfoque permite a los propietarios mejorar la eficiencia energética, reducir costes operativos y avanzar hacia una mejor clasificación energética del edificio.

Convertir la eficiencia en resultados visibles

A medida que los países europeos incorporen los requisitos de la EPBD a su legislación, demostrar resultados será clave. Para ello, los prescriptores pueden ayudar a sus clientes a visualizar el impacto mediante datos claros: consumo energético antes y después, ahorro económico y mejoras operativas.

La eficiencia energética no tiene por qué empezar con grandes proyectos de automatización. Puede comenzar con algo tan sencillo como una iluminación conectada capaz de transformar un edificio convencional en un espacio más inteligente, eficiente y preparado para el futuro.

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Un símbolo para la ciudad y para el mundo

La culminación de la Torre de Jesús supone un hito arquitectónico de alcance internacional. Con sus 172,5 metros de altura, se convierte en la estructura religiosa más alta del mundo y completa definitivamente la jerarquía simbólica de las dieciocho torres concebidas por Gaudí.
La iluminación desarrollada por Licht Kunst Licht (LKL) se apoya en el masterplan lumínico elaborado por el estudio en 2019, una estrategia global que entiende la basílica como una composición unitaria donde cada elemento participa de un relato visual coherente.
La mirada asciende progresivamente desde las torres de los Apóstoles y los Evangelistas, pasando por la estrella de la Virgen María, hasta culminar en la gran cruz de la Torre de Jesús, que emerge ahora en el skyline barcelonés como un nuevo referente nocturno.

Diseñar con luz y oscuridad

Uno de los aspectos más interesantes del proyecto es precisamente aquello que no se percibe de forma inmediata. En una época en la que muchos hitos urbanos parecen competir por la atención a través de la intensidad lumínica, el equipo de Licht Kunst Licht ha optado por una estrategia radicalmente distinta. La cruz no destaca por ser más brillante que su entorno, sino por la forma en que dialoga con la oscuridad. La propuesta parte de una profunda investigación sobre los escritos y el simbolismo arquitectónico de Gaudí. En lugar de convertir la iluminación en un elemento autónomo, la luz parece surgir de la propia arquitectura, reforzando la materialidad de la piedra y la lectura escultórica de la torre. Es una aproximación especialmente coherente con la filosofía del arquitecto catalán, para quien la luz nunca fue un complemento, sino una parte esencial de la experiencia espiritual del edificio.

La precisión al servicio de la emoción

Detrás de la aparente naturalidad del resultado hay años de trabajo. Más de veinte ensayos nocturnos sobre el terreno, simulaciones, modelos físicos y estudios de visibilidad permitieron ajustar la presencia de la cruz desde los distintos puntos de observación de Barcelona.
El equipo de diseño de iluminación formado por Alejandra Kuri, Naiara Caballero, Nicolas Neira y Martina Weiss, bajo el paraguas de LKL Design Hub Barcelona, desarrolló ópticas específicas capaces de garantizar una lectura precisa de la estructura a gran distancia, preservando al mismo tiempo la profundidad y riqueza volumétrica de la arquitectura.
La utilización de una temperatura de color cálida de 3000 K contribuye además a reforzar la textura de la piedra y a mantener la continuidad visual con el conjunto del templo.

La visión de Gaudí hecha realidad

Quizá el aspecto más fascinante del proyecto sea la recuperación de una idea original de Gaudí que durante décadas parecía casi imposible de materializar. La Torre de Jesús no fue concebida únicamente como un elemento iluminado. También debía convertirse en una fuente de luz proyectada hacia la ciudad. Para ello, la cruz incorpora proyectores de haz extremadamente estrecho integrados en su estructura, capaces de lanzar cuatro haces luminosos hacia el cielo en ocasiones especiales. Una intervención de gran carga simbólica que transforma una intuición visionaria del arquitecto en una realidad tecnológica contemporánea.

Un momento que permanecerá en la memoria

Como profesionales de la iluminación, pocas veces tenemos la oportunidad de presenciar proyectos que alcanzan una dimensión tan universal. La iluminación de la cruz de la Sagrada Familia no es únicamente un ejercicio de excelencia técnica. Es también una demostración de cómo la luz puede contribuir a completar un relato arquitectónico, reforzar su significado y generar emoción colectiva.
La expectación que precedió al encendido era enorme. Sin embargo, lo más admirable fue comprobar cómo el resultado respondió a esa expectativa desde la contención y la sensibilidad.
Porque la verdadera fuerza de esta intervención no reside en la espectacularidad, sino en su capacidad para hacer visible algo mucho más profundo: la culminación de una visión compartida por generaciones de arquitectos, artesanos, ingenieros y constructores. Esa noche, sobre el cielo de Barcelona, no se iluminó únicamente una cruz, se iluminó un sueño.

Proyecto: Iluminación exterior de la Cruz de la Torre de Jesús, Basílica de la Sagrada Familia
Cliente: Fundació Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Família
Arquitectura: Antoni Gaudí / Fundació Junta Constructora del Temple Expiatori de la Sagrada Família
Diseño de iluminación: LKL Design Hub Barcelona (Licht Kunst Licht)
Equipo de proyecto: Alejandra Kuri, Naiara Caballero, Nicolas Neira, Martina Weiss
Finalización: Junio 2026
Fotografías: Marcela Grassi, Maria José Fabra

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Una plataforma internacional para el diseño emergente

La última edición reunió a 700 diseñadores procedentes de 39 países, confirmando el alcance internacional de un evento que, desde su creación, ha servido de trampolín para numerosas carreras profesionales. Cada año, SaloneSatellite ofrece a los participantes la posibilidad de mostrar sus propuestas ante fabricantes, editores, medios de comunicación y profesionales del diseño llegados de todo el mundo durante la semana del Salone del Mobile.

El premio que impulsa nuevas trayectorias

Como es habitual, la convocatoria volverá a incluir el SaloneSatellite Award, un reconocimiento que premia los proyectos más destacados entre los participantes. En las últimas ediciones, el jurado ha valorado especialmente aquellas propuestas capaces de reflexionar sobre el futuro del hábitat, incorporando cuestiones relacionadas con la sostenibilidad, los nuevos materiales y las tecnologías digitales.

Cómo participar en SaloneSatellite 2027

La convocatoria está dirigida a diseñadores menores de 35 años y permanecerá abierta hasta el 30 de agosto de 2026. Las candidaturas deberán incluir:

• Información personal del solicitante.
• Tres proyectos ya desarrollados.
• Entre una y tres imágenes en formato JPG por cada proyecto.
• Fotografías en formato 16:9.
• Tamaño máximo total de los archivos: 100 MB.
• Una breve descripción en inglés de cada proyecto, con una extensión máxima de 300 caracteres incluyendo espacios.

La inscripción debe realizarse a través del formulario oficial habilitado por la organización.

Una oportunidad para conectar con la industria

Más allá de la exposición, SaloneSatellite representa una oportunidad única para entrar en contacto directo con fabricantes, marcas y profesionales que buscan nuevas ideas y perfiles creativos. Su integración dentro del ecosistema del Salone del Mobile.Milano convierte el evento en uno de los puntos de encuentro más relevantes para las nuevas generaciones del diseño internacional.

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There are figures whose influence extends far beyond the projects they sign. Professionals who not only transform spaces, but help transform an entire discipline. Mark Major belongs to that exceptional category.
The news of his stepping down as Senior Partner of Speirs Major Light Architecture, after four decades of professional practice, inevitably invites reflection. Not so much to revisit an impressive portfolio of work—remarkable though it undoubtedly is—but to recognise his immense contribution to the development of the lighting design profession itself. If today we speak of architectural lighting as a discipline capable of engaging with architecture, landscape, urbanism and heritage through sensitivity and critical thinking, it is thanks in no small part to people like him.

A Light Architect

I have always found it revealing that Mark Major chose to describe himself as a “Light Architect.” This is not merely a question of terminology. It is a statement of intent. Unlike those who regard lighting as an additional layer applied to a project, Major has consistently championed a deeply integrated vision of light as a material for shaping space. A tool capable of moulding experience, creating meaning and revealing the identity of places. That vision can be seen in some of the most influential projects of recent decades. From the Millennium Dome to Battersea Power Station, via Heathrow Terminal 5, the Royal Festival Hall, King’s Cross, Broadgate and the re-lighting of both St Paul’s Cathedral and Westminster Abbey. Yet reducing his legacy to a succession of projects would only scratch the surface.

In Defence of Darkness

If there is one quality that has distinguished Mark Major’s work, it is his understanding that designing with light also means designing with darkness. Long before light pollution and the protection of the night sky became central themes in professional discourse, he was already advocating a sensitive and responsible approach to lighting the public realm. This position was not driven by trends or sustainability agendas, but by a profound understanding of human perception. His projects have demonstrated that emotion often emerges when light is used with restraint and precision—when space is left for contrast, atmosphere and personal experience. At a time when technology seemed to be pushing us towards ever brighter and more ubiquitous illumination, Major was one of the voices reminding us of the importance of designing through the careful balance of light and shadow.

Beyond the Projects

Those of us who have had the opportunity to hear him speak at conferences, lectures or professional gatherings know that a significant part of his legacy lies beyond the built work itself. It resides in conversations, articles, lectures, mentorship and the generosity with which he has always shared knowledge. His book Made of Light – The Art of Light and Architecture, co-authored with Jonathan Speirs, remains a key reference for several generations of designers. Likewise, projects such as The Third Age of Light reflected his enduring commitment to exploring new ways of thinking about the future of our cities and our profession. We often speak of leadership in business terms. In Mark Major’s case, leadership has been about opening new paths and helping others to follow them.

The Legacy of Speirs & Major

It is impossible to speak of Mark Major without also remembering Jonathan Speirs, with whom he founded the practice in 1996 and shared one of the most influential creative partnerships in the recent history of lighting design. Together they helped elevate the discipline to a new level, demonstrating that light could occupy a central place within contemporary architectural discourse. The subsequent evolution of the practice—now known as Speirs Major Light Architecture—has kept that vision alive, establishing itself as one of the most respected studios in the international lighting design landscape. Under the leadership of Keith Bradshaw, together with Clementine Fletcher-Smith and Carrie Donahue Bremner, that legacy is certain to continue evolving.

Thank You Mark

Professions mature when individuals emerge who are capable of expanding their boundaries. Mark Major has been one of those individuals. His influence can be seen today in countless projects, but also in the way many of us understand light—not as a technical resource, but as a cultural medium capable of transforming human experience. For four decades he has illuminated airports, squares, bridges, cathedrals and entire cities. Yet perhaps his most valuable contribution has been something else: helping us understand that good lighting is not about making a place visible, but about making it meaningful. For that reason, although he is stepping away from the day-to-day management of Speirs Major Light Architecture, it is difficult to imagine him ever truly leaving the profession behind.

Some careers come to an end, but great legacies endure. Mark Major’s will remain alive in the collective memory of our profession and will continue to illuminate the path of those who understand light as a tool for transforming human experience.

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Hay figuras cuya influencia trasciende los proyectos que firman. Profesionales que no solo transforman espacios, sino que ayudan a transformar una disciplina. Mark Major pertenece a esa categoría excepcional.
La noticia de su retirada como Senior Partner de Speirs Major Light Architecture, tras cuarenta años de ejercicio profesional, invita inevitablemente a mirar atrás. No tanto para repasar una lista de obras —impresionante, sin duda— sino para reconocer la enorme contribución que ha realizado a la construcción de la profesión del diseño de iluminación. Porque si hoy hablamos de iluminación arquitectónica como una disciplina capaz de dialogar con la arquitectura, el paisaje, el urbanismo o el patrimonio desde la sensibilidad y el pensamiento crítico, es en parte gracias a personas como él.

Un arquitecto de la luz

Siempre me ha parecido revelador que Mark Major se definiera a sí mismo como «Light Architect». No es una cuestión terminológica. Es una declaración de principios. A diferencia de quienes entienden la iluminación como una capa añadida al proyecto, Major ha defendido durante toda su carrera una visión profundamente integrada de la luz como material de construcción espacial. Una herramienta capaz de modelar la experiencia, construir significado y revelar la identidad de los lugares.
Esa mirada ha quedado plasmada en algunos de los proyectos más influyentes de las últimas décadas. Desde el Millennium Dome hasta Battersea Power Station, pasando por Terminal 5 de Heathrow, el Royal Festival Hall, King’s Cross, Broadgate o la iluminación interior de la Catedral de San Pablo y la Abadía de Westminster. Pero reducir su legado a una sucesión de obras sería quedarse en la superficie.

La defensa de la oscuridad

Si algo ha distinguido el trabajo de Mark Major ha sido su capacidad para comprender que diseñar con luz implica también diseñar con oscuridad. Mucho antes de que la contaminación lumínica o la protección del cielo nocturno ocuparan un lugar central en el debate profesional, él ya defendía una aproximación sensible y responsable al uso de la luz en el espacio público. Una postura que no respondía a una moda ni a una estrategia de sostenibilidad, sino a una comprensión profunda de la percepción humana. Sus proyectos han demostrado que la emoción suele aparecer cuando la iluminación sabe dosificarse con maestría, cuando deja espacio para el contraste, para la atmósfera y para la experiencia individual. En un tiempo en el que la tecnología parecía empujarnos hacia una iluminación cada vez más intensa y omnipresente, Major fue una de las voces que recordó la importancia de diseñar administrando el sutil balance entre las luces y las sombras.

Más allá de los proyectos

Quienes hemos tenido la oportunidad de escucharle en congresos, conferencias o encuentros profesionales sabemos que una parte esencial de su legado no se encuentra en sus obras. Está en las conversaciones, en los artículos, en las clases, en las mentorías y en la generosidad con la que siempre ha compartido conocimiento. Su libro Made of Light – The Art of Light and Architecture, escrito junto a Jonathan Speirs, continúa siendo una referencia para varias generaciones de diseñadores. Y proyectos como The Third Age of Light demostraron además su voluntad permanente de explorar nuevos formatos para reflexionar sobre el futuro de nuestras ciudades y de la profesión. A menudo hablamos de liderazgo en términos empresariales. En el caso de Mark Major, el liderazgo ha consistido sobre todo en abrir caminos y ayudar a otros a recorrerlos.

El legado de Speirs & Major

Resulta imposible hablar de Mark Major sin recordar también a Jonathan Speirs, con quien fundó el estudio en 1996 y con quien compartió una de las asociaciones creativas más influyentes de la historia reciente del diseño de iluminación. Juntos contribuyeron a elevar la disciplina a una nueva dimensión, demostrando que la luz podía ocupar un lugar central en la conversación arquitectónica contemporánea. La evolución posterior de la práctica —hoy conocida como Speirs Major Light Architecture— ha mantenido viva esa visión, consolidándose como uno de los estudios más respetados del panorama internacional. La continuidad del despacho bajo la dirección de Keith Bradshaw, junto a Clementine Fletcher-Smith y Carrie Donahue Bremner, garantiza que ese legado seguirá evolucionando.

Gracias Mark

Las profesiones maduran cuando aparecen personas capaces de ampliar sus límites. Mark Major ha sido una de ellas. Su influencia se percibe hoy en innumerables proyectos, pero también en la forma en que muchos profesionales entendemos la luz: no como un recurso técnico, sino como una herramienta cultural capaz de transformar la experiencia humana. Durante cuatro décadas ha iluminado aeropuertos, plazas, puentes, catedrales y ciudades enteras. Pero quizá su contribución más valiosa haya sido otra: ayudarnos a comprender que la buena iluminación no consiste en hacer visible un lugar, sino en hacerlo significativo. Por eso, aunque abandone la gestión diaria de Speirs Major Light Architecture, resulta difícil imaginar que se aleje realmente de la profesión.

Hay trayectorias que concluyen, pero los grandes legados permanecen. El de Mark Major seguirá vivo en la memoria de la profesión y continuará iluminando el camino de quienes entienden la luz como una herramienta para transformar la experiencia humana.

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Por Sophya Acosta

Desde la antigüedad, la experiencia nocturna comunitaria ha girado en torno a lo lumínico. Cuán mágica debe haber sido aquella fogata primigenia y cuán intensas y oscuras deben haber sido esas primeras sombras. Con el paso de los siglos, nuestra capacidad de asombro fue dando paso a la sensación de entendimiento; y la racionalización de la experiencia estética dentro del ámbito artístico fue alejándose del estímulo físico, proponiendo instancias de goce y disfrute mental (nos gusta lo que nos gusta porque lo entendemos).
Esta conexión con lo artístico propone una relación entre espectador y obra entendida desde una lógica relativamente estable: la obra se presenta y el espectador observa. Pero ¿qué sucede cuando el material principal de una obra es la luz? ¿Cómo podemos separar aquello que pensamos de lo que la luz como estímulo nos provoca?
Volvamos un poco para atrás, antes de la experiencia artística, volvamos a la fogata primigenia y a nuestra relación con la luz. Desde el origen de la humanidad, la vida y la subsistencia se han vinculado a lo lumínico. El ritmo solar marcaba el transcurrir, los rayos nos prevenían del peligro de las tormentas y el brillo de las estrellas servía como guía y mapa en un mundo desconocido e infinito. Es decir que nuestro vínculo con lo lumínico no es simplemente visual, sino que atraviesa nuestra constitución como humanos, es el calor del mediodía y del fuego, es el inicio y el fin de cada día. Pero esta luz primitiva, nos era incontrolable, no fue hasta la aparición de la luz artificial, primero con el control del fuego y luego con la producción lumínica a través del gas y de la electricidad, que tuvimos la posibilidad de generar espacios de trascendencia vinculados tanto a lo religioso y espiritual como luego a lo artístico.
Podemos decir que hoy en día, eventos artísticos como los festivales de Light Art son esa comunión entre lo colectivo y lo trascendental que propone la luz. Estos festivales, con sus recorridos que podrían entenderse similares a una peregrinación, configuran espacios donde el cuerpo del espectador activa, recorre y participa en la construcción del significado de las obras lumínicas. Las ciudades dialogan activamente con las propuestas artísticas y con quienes las habitan.La ciudad nocturna posee una condición particular: se transforma. Espacios que durante el día parecen simples lugares de tránsito adquieren nuevas jerarquías perceptivas durante la noche. Un pasaje puede convertirse en una pausa; una plaza, en un punto de encuentro; una fachada, en una superficie narrativa. La luz no solo hace visible una arquitectura, sino que también reorganiza temporalmente nuestra relación con ella.
Quizás por eso muchas instalaciones contemporáneas de Light Art ya no trabajan únicamente con objetos o imágenes, sino con recorridos, ritmos y desplazamientos. La obra deja de ubicarse en un punto específico y comienza a desplegarse en la experiencia corporal del espectador mientras atraviesa el espacio.

Más allá de lo visual

¿Es una pieza de Light Art pura y exclusivamente visual? La respuesta simple (a mi entender) es que no. El sistema visual es uno de los muchos que se vinculan con la luz como material y muchas veces, no es el principal. Nuestra piel cuenta con miles de sensores que perciben la luz en forma de calor, por ejemplo. No solo sentimos la luz con los ojos, ¡y esto es maravilloso! Cada uno de nosotros, a distintos ritmos y a través de los órganos que tengamos más desarrollados, nos vinculamos con la luz y con aquello que la produce.
Nuestro momento vital también influye en este vínculo con lo lumínico, tanto niños como adultos mayores se encuentran en instancias donde sus organismos reaccionan de forma distinta a la estimulación lumínica.
A veces me pregunto cómo percibiría una de mis creaciones personas cuyos sentidos funcionen de forma distinta a lo que se entiende como “normal”. En esos casos, suelo charlar con mi madre, quien hace algunos años tuvo un desprendimiento de retina y ahora “ve” diferente. Recuerdo vívidamente su comentario sobre una obra que realicé en 2017. En esta obra, jugaba con planos de color y degradados muy sutiles generando gran contraste con un bailarín completamente vestido de negro. Mi madre, que en ese momento se encontraba recientemente operada de su desprendimiento, me dijo al finalizar que el contraste para ella había sido muy sutil y que al no poder enfocar ambos ojos en un mismo punto, lo que para mí eran degradados suaves, para ella eran bloques de color que se conectaban entre sí y que cambiaban con el movimiento de la danza.
Esa experiencia fue un antes y después para mí. Si bien entendía que no todos veíamos iguales, de repente comprendí que existía un universo de percepciones lumínicas no visuales.

Un deseo para el futuro

Volviendo al Light Art como disciplina artística, siento que existe en éste un inmenso potencial para conectarnos con la magia de aquellas fogatas primigenias. Espacios donde el Light Art se presente a una diversidad de públicos a través de una mediación artística que acerquen el desarrollo conceptual de los creadores a distintos cuerpos, ritmos y sensibilidades, pueden volver a conectarnos con nuestra capacidad de asombro.
El Light Art tiene la posibilidad de abrirse de forma sencilla a públicos no habituales de espacios culturales y posicionar la participación ciudadana como parte activa de la experiencia artística. La mediación y la participación se constituyen así como herramientas para profundizar la relación entre arte, ciudad y sociedad, catalizada a partir de la luz como material principal de creación.
Tal vez el futuro de esta disciplina no consista en producir imágenes cada vez más espectaculares, sino en generar nuevas condiciones para encontrarnos entre cuerpos, entre sensibilidades y también entre personas y ciudades que vuelven a descubrirse mutuamente a través de la luz.

Fotografía: Lía Bianchi

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Diez años explorando la arquitectura desde la experiencia de quienes la habitan

Desde sus inicios, Living Places ha promovido una mirada diferente sobre la arquitectura. Frente a la representación tradicional centrada en la imagen estática del edificio, el premio ha apostado por analizar cómo los espacios son vividos y transformados por las personas a lo largo del tiempo.
Uno de los rasgos más distintivos de esta iniciativa ha sido la incorporación del vídeo como formato principal de presentación de las candidaturas. Esta metodología permite capturar aspectos difíciles de transmitir mediante planos o fotografías, como la atmósfera, los recorridos, los usos cotidianos o la relación emocional entre las personas y el espacio construido.
A lo largo de la última década, esta apuesta ha dado lugar a un archivo de más de 200 películas, que documentan diversas formas de habitar y experimentar la arquitectura en diferentes contextos culturales y geográficos.

Una edición vinculada a Barcelona Capital Mundial de la Arquitectura 2026

La sexta edición coincide con otro acontecimiento de especial relevancia para la disciplina: la designación de Barcelona como Capital Mundial de la Arquitectura UIA-UNESCO 2026.
Como patrocinador de este reconocimiento internacional, Simon refuerza su compromiso con la cultura arquitectónica incorporando las actividades de Living Places a la programación oficial del evento. Esta conexión amplía la proyección internacional del premio y consolida a Barcelona como un espacio de encuentro para el debate, la reflexión y el intercambio de conocimiento en torno a la arquitectura contemporánea. La coincidencia de ambas celebraciones subraya el papel de la ciudad como referente global en la promoción de iniciativas que fomentan nuevas formas de entender y comunicar la arquitectura.

Arquitectura para ser vivida

El objetivo del Living Places – Simon Architecture Prize es reconocer proyectos capaces de mejorar la vida de las personas a través de espacios adaptables, confortables y conectados con las necesidades reales de sus usuarios. Bajo esta premisa, el premio distingue aquellas arquitecturas que se convierten en escenarios activos para trabajar, aprender, jugar, convivir o descansar. En definitiva, lugares concebidos para ser habitados y apropiados por quienes los utilizan. Esta aproximación pone el foco en la relación entre arquitectura y experiencia, entendiendo el proyecto arquitectónico como un proceso vivo que continúa evolucionando una vez finalizada su construcción.

Dos categorías centradas en la experiencia del usuario

La estructura del premio se organiza en torno a dos categorías:

• Collective Places
  Reconoce aquellos espacios concebidos para el uso colectivo y la interacción social, donde la arquitectura contribuye a generar comunidad, encuentro e intercambio.
• Personal Places
  Premia proyectos que destacan por la calidad de la experiencia individual y por su capacidad para responder a las necesidades cotidianas de sus usuarios.

Ambas categorías reflejan el interés del certamen por evaluar la arquitectura desde la perspectiva de quienes la utilizan, poniendo en valor la experiencia real frente a una visión exclusivamente formal o conceptual del proyecto.

Una metodología participativa

La atención al habitante también se extiende al propio proceso de selección. Además de los arquitectos, Living Places invita a participar a usuarios, residentes y ciudadanos, quienes pueden proponer obras que consideren relevantes para su evaluación por parte del jurado. El vídeo se convierte así en una herramienta fundamental para acercar la arquitectura a públicos más amplios y transmitir de manera efectiva las cualidades espaciales y humanas de cada proyecto. Esta metodología ha contribuido a diferenciar el premio dentro del panorama internacional, favoreciendo una comprensión más accesible y experiencial de la arquitectura.

Convocatoria abierta para la sexta edición

La convocatoria de la sexta edición estará abierta para proyectos situados en los territorios participantes del premio: Europa, México, Brasil y Marruecos.
Las nominaciones podrán presentarse entre el 27 de mayo y el 14 de septiembre de 2026, mientras que la fecha límite para la entrega completa de las candidaturas será el 5 de octubre de 2026.
El jurado internacional se reunirá en noviembre para deliberar y seleccionar los proyectos ganadores. Los finalistas se darán a conocer en diciembre de 2026 y la ceremonia de entrega de premios tendrá lugar en febrero de 2027.

Fechas clave

• Apertura de nominaciones: 27 de mayo de 2026
• Cierre de nominaciones: 14 de septiembre de 2026
• Fecha límite de presentación de candidaturas: 5 de octubre de 2026
• Reunión del jurado internacional: noviembre de 2026
• Anuncio de finalistas: diciembre de 2026
• Ceremonia de entrega de premios: febrero de 2027

Las bases completas del concurso pueden consultarse y descargarse clicando en este enlace.

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Un año más, desde Lightecture hemos querido apoyar el acceso a esta experiencia formativa mediante la concesión de 10 becas destinadas a estudiantes vinculados al diseño, la iluminación, la arquitectura y las artes digitales.

La edición 2026 reunirá perfiles especialmente diversos, procedentes de universidades y centros de formación de España y Latinoamérica, reflejando precisamente uno de los grandes valores de Alingsås: el intercambio cultural y creativo entre disciplinas y sensibilidades distintas.
Los estudiantes seleccionados para las becas Lightecture x Lights in Alingsås 2026 son:

• Joyce Rodriguez
  Máster Lighting Design – UPC School Barcelona
• Carina Lara
  Posgrado Lighting Design – UPC + Arquine México
• Helena Calzado
  Máster en Diseño del Espacio – EINA University Centre of Design and Art
• Laura de la Torre Bayod
  Grau en Arts Digitals – La Salle Campus Barcelona – Universitat Ramon Llull
• Mejor alumno
  Máster en Diseño de Iluminación – Universidad Europea
• Mejor alumno
  Curso Diseño de Iluminación Arquitectónica – IED Kunsthal Bilbao
• Dafne Serra
  Posgrado Diseño de Iluminación Arquitectónica – UNAM
• Sandra Idiáquez
  Máster Lighting Design – UPC School Barcelona
• Lidia Ubieto
  Grau en Arts Digitals – La Salle Campus Barcelona – Universitat Ramon Llull
• Iku Ricard Sala
  Diseño de Producto – EINA University Centre of Design and Art

Mucho más que un workshop

Desde hace años, Lights in Alingsås ha demostrado que el verdadero aprendizaje sucede en la convivencia, en el trabajo colectivo y en la capacidad de pensar la luz desde perspectivas culturales muy distintas. Durante una intensa semana de trabajo, los estudiantes desarrollarán instalaciones reales junto a los workshop heads internacionales de esta edición, compartiendo procesos, decisiones y también la experiencia cotidiana de formar parte de una comunidad creativa internacional. Ese es probablemente el gran valor de Alingsås, entender la luz como lenguaje común.

Desde Lightecture queremos felicitar a todos los estudiantes seleccionados y agradecer la colaboración de las universidades y centros participantes por seguir impulsando nuevas generaciones de diseñadores comprometidos con una mirada sensible y crítica sobre la iluminación

Fotografías: Patrik Gunnar Helin

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El origen del concepto Architainment

En los 90’s, el crítico cultural estadounidense Norman Klein acuñó el término Architainment para describir la fusión de entornos tematizados (como Coney Island o Disneyland) con espacios de la vida cotidiana. Para Klein, “el architainment crea un ‘espacio escenarizado’: [se trata de] ‘Cualquier calle o interior donde el espectador pueda imaginarse a sí mismo como personaje central de una historia imaginaria’”(Burris 93).

La aparición de una nueva forma de iluminación

En la actualidad, todavía no podemos delimitar si Architainment puede ser considerado una expresión artística inscripta dentro de las artes espectaculares o una disciplina que se encuentra al servicio de la arquitectura; sin embargo, intentaremos aproximarnos conceptualmente a un territorio que se ha vuelto cada vez más revolucionario y relevante en la industria de la iluminación. Como ya se ha mencionado, la aparición del Architainment es reciente. El auge de los sistemas de control, la creciente habilidad para generar sistemas de red y el avance de la tecnología en materia de diseño e implementación de recursos en luminarias orientadas tanto a la industria de la arquitectura como a la del espectáculo, en conjunto con un nuevo paradigma de generación de imagen, llevan a la aparición de espacios híbridos en los que recursos de distintas disciplinas se ponen al servicio de nuevas experiencias. En la actualidad nos encontramos ante el inicio de una nueva forma de conectar Iluminación de Arquitectura e Iluminación de Entretenimiento.

La luz como herramienta de transformación espacial

Esta nueva utilización de la luz permite que arquitecturas cotidianas puedan volverse lienzos para creaciones dinámicas que las transformen más allá de su propósito principal, como, por ejemplo, fachadas que durante las horas diurnas son referentes en el paisaje urbano y en las nocturnas se vuelven un espacio dinámico de entretenimiento.

El Architainment como metodología proyectual

Architainment no es una tipología única de proyectos sino una forma de concebirlos. Retail, hospitality, exhibiciones, showrooms, media façades, espacio público son solo algunas de las morfologías proyectuales que pueden desarrollarse dentro de este marco. Para una mayor comprensión de lo abarcativo del término “architainment”, hemos implementado el término “ecosistema” para referirnos al conjunto de herramientas conceptuales y tecnológicas que nos permiten aproximarnos a diferentes conexiones entre la luz, la arquitectura y la experiencia del usuario que se ponen en juego en las distintas morfologías proyectuales. Podemos decir que existen diversos ecosistemas dentro del Architainment en función del elemento central alrededor del que se desarrollará el diseño.

Ecosistemas de Architainment

Architainment basado en dinamismo: este ecosistema se centra en la producción de escenas, cambios lumínicos vinculados al desarrollo temporal del día y modos generados para momentos pautados.

Architainment basado en media: ecosistema vinculado a la experiencia audiovisual. Utiliza como herramienta el video, como expresión lumínica el píxel.

Architainment basado en interacción: el eje central de este ecosistema es la participación activa del usuario a partir de la utilización, por ejemplo, de sensores que respondan al movimiento o al sonido.

Architainment basado en narrativa: la base de este ecosistema es el desarrollo de recorridos, secuencias y dramaturgia espacial. Es la categoría más vinculada al diseño de iluminación teatral.

Nuevas dinámicas colaborativas en diseño de iluminación

El campo de la iluminación siempre se ha desarrollado dentro de paradigmas de creaciones individuales en los que un/a diseñador/a de iluminación lideraba el proyecto a nivel conceptual para luego contar con la colaboración de instaladores y equipos técnicos que hacían posible la ejecución material del diseño. En el ámbito del Architainment, la complejidad técnica invita a un proceso colaborativo en el que encontramos equipos creativos no solo compuestos por diseñadores de iluminación, sino también por integradores, programadores creativos y colaboradores artísticos provenientes tanto de entornos de espectáculos como de disciplinas como el Light Art, el Mix Media y las Artes Audiovisuales.

Un territorio en constante exploración

La complejidad que implica la definición del término es una invitación a continuar investigando y explorando los límites tanto de la iluminación arquitectónica como de la iluminación de espectáculos y los espacios que las separan y las unen.

Textos citados: Burris, Jennifer. “The “Urban Photogénie” of Architainment.” The Journal of Aesthetics and Art Criticism, vol. 69, no. 1, 2011, pp. 93-103.

La entrada Reflexiones sobre una nueva iluminación: el Architainment como morfología de proyecto se publicó primero en Lightecture.

Exposiciones, rutas, talleres, debates y conferencias invitan tanto a profesionales como a ciudadanía a repensar cómo habitamos, diseñamos y construimos la ciudad contemporánea. Impulsado por el Ayuntamiento de Barcelona, con el apoyo de la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Vivienda y Agenda Urbana, el programa se articula como una iniciativa coral en la que participan más de 170 entidades del tejido arquitectónico, cultural y educativo.

Una programación descentralizada y conectada al territorio

Uno de los rasgos más significativos de Barcelona 2026 es su vocación descentralizada. Cada mes, un distrito se convierte en protagonista, acogiendo una programación específica que conecta arquitectura y vida cotidiana. Tras focalizarse en Eixample, Les Corts y Sants-Montjuïc, mayo sitúa el foco en Nou Barris, con espacios como el antiguo Institut Mental de la Santa Creu, donde hoy se ubica la sede del distrito. Este enfoque permite descubrir no solo los hitos arquitectónicos más reconocibles, sino también las capas invisibles de la ciudad: sus infraestructuras, su tejido social y sus dinámicas urbanas. A su vez, el programa se expande más allá de Barcelona a través de iniciativas en todo el territorio catalán, reforzando su dimensión colectiva y su capacidad de generar debate a múltiples escala

Agenda destacada: primavera 2026

Los próximos meses concentran una agenda especialmente intensa, con propuestas que combinan investigación, divulgación y experiencia urbana.

Exposiciones

Entre las citas imprescindibles destacan tres exposiciones que estructuran el relato de la capitalidad:

• “Barcelona 2035. Una ciudad para vivir” (desde el 7 de mayo, Casa de la Arquitectura): una mirada estratégica a las transformaciones urbanas en curso y los retos de futuro de la ciudad.
• “Seny i Rauxa. Noticia de la arquitectura catalana” (desde el 22 de mayo, Disseny Hub Barcelona): un recorrido por la arquitectura catalana reciente, entre la racionalidad y la experimentación.
• “Barcelona: ciudad y teatro” (desde el 28 de mayo, El Born – Museu d’Història de Barcelona): una exploración del papel de las artes escénicas en la construcción urbana.

A estas se suman propuestas como Kazuo Shinohara: La casa como obra de arte o la exposición de Kapwani Kiwanga en la Fundació Joan Miró, ampliando el diálogo entre arquitectura, arte y pensamiento contemporáneo.

Rutas y visitas

La ciudad se convierte también en un espacio de exploración a través de recorridos que activan su arquitectura:

• Barcelona Open Wood: Barcelona Open Wood es un ciclo de visitas guiadas a edificios de Barcelona en los que la madera es protagonista, tanto desde el punto de vista constructivo como ambiental.
• Barcelona Arquitectura Viva – Ruta Juego: esta ruta invita a la ciudadanía a descubrir la arquitectura de la ciudad jugando. Un juego digital con rutas geolocalizadas, retos y misiones que conectan patrimonio, espacio público y vida cotidiana. Una experiencia lúdica para mirar Barcelona con otros ojos.

Talleres y actividades

El programa incorpora propuestas participativas que acercan la arquitectura a públicos diversos:

• Casales de verano Xup Xup en el DHub: El DHub y Tantàgora impulsan una propuesta creativa de verano para niños y niñas de 7 a 12 años. Durante dos semanas de julio, los talleres —centrados este año en la arquitectura— combinan lectura, música, arte y diseño, con actividades, construcciones y relatos inspirados en las colecciones del museo.
• Exploramos Barcelona, propuesta de salidas y talleres a lo largo de cuatro semanas para explorar la arquitectura y la historia de Barcelona. La actividad conecta a los participantes con el espacio y les invita a imaginar nuevas formas de habitar la ciudad.

Debates y conferencias

El debate crítico se articula a través de múltiples formatos:

• Ciclo audiovisual “Arquitectures filmades” en betevé
• Conferencias y encuentros vinculados a los Premios Mies van der Rohe (11 de mayo)
• Sesiones del programa “Novíssims”, centrado en jóvenes estudios emergentes

Más allá del evento: un legado urbano

Barcelona 2026 no se plantea únicamente como una programación cultural, sino como una oportunidad para generar impacto duradero. Dos de los legados que el evento dejará de forma permanente en la ciudad son una gran maqueta de la ciudad, que ya puede visitarse en la Casa de la Arquitectura de martes a domingo de 10 a 19 horas, y la transformación de diez paredes medianeras en fachadas, una en cada distrito, que enriquecerán tanto el paisaje urbano como el día a día de los vecinos de estos edificios. Este enfoque sitúa la arquitectura no solo como disciplina, sino como herramienta de transformación social, ambiental y cultural.

Fotografías cedidas por el Ayuntamiento de Barcelona

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