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Alumia - ECLIPSE

2017-01-25T12:09:00.000+01:00

Dopo le manifestazioni Manobras e Locomotiva, il centro storico di Porto sarà oggetto di un evento per il rinnovamento culturale; promosso dalla società municipale PortoLazer. L'intero progetto durerà sei mesi, fino al giugno di quest'anno.

Le diverse installazioni, affidate ad architetti ed artisti, partono tutte dal titolo dell'edizione di quest'anno, Alumia, che vuol dire illuminare. Viene esplorata la luce in ogni suo aspetto, come questa varia nello spettro del colore, il suo rapporto con le diverse superfici, tutto per dare una nuova chiave di lettura al concetto di illuminazione.

Nello specifico vi parlo del progetto chiamato ECLIPSE, realizzato dallo studio portoghese FAHR 021.3. Sono state unite tra loro diverse strutture tubolari, tagliate per formare una sfera; su di essa la luce di diffonde in maniera peculiare a seconda dell'inclinazione, dei tagli sul metallo e delle texture dello stesso.

Durante il giorno, ECLIPSE gioca con la luce naturale, mentre nelle ore notturne viene illuminata dalle luci della città.

Anno nuovo...

2017-01-05T15:15:00.000+01:00

...vita nuova!

E' da un po' che non aggiorno il blog e mi riprometto quest'anno di essere più costante nelle pubblicazioni. Parto subito riportandovi una piacevole intervista che mi hanno fatto alla fine del 2016 e che è stata pubblicata sul sito ProntoPro qualche giorno fa.

Il tema era l'arte nel mestiere dell'interior design e credo siano usciti fuori spunti interessanti.

La trovate qui.

The Glow, Velasca, glow!

2016-04-28T17:07:00.001+02:00

Il Fuorialone del Mobile di Milano è da sempre occasione per scoprire angoli nascosti della città, che durante le normali giornate non sono visitabili se non a pochi eletti. In questo caso è invece uno degli edifici simboli di Milano che viene (ri)scoperto grazie all'installazione The Glow, Velasca, Glow! realizzata durante la design week di due settimane fa.

Ingo Maurer, il lighting designer tedesco, ha completamente avvolto di luci rosse la Torre Velasca per l'installazione legata al marchio di automobili Audi.

L'idea era quella di "dipingere" totalmente il grattacielo realizzato da BBPR, come se il colore fosse proprio del materiale, ma esaltandolo nei toni e nella luminosità.

L'effetto finale è stato magnifico, come potete vedere dalla immagini, la Torre, che già possiede un suo fascino del tutto particolare, è apparsa ancor più magnetica.

Il colore rosso così totalizzante ha fatto svettare, ancora di più, la Torre Velasca su Milano, riconoscendoli il suo naturale ruolo di landmark.

Le ombre di Sant Esteve

2016-04-21T12:55:00.002+02:00

Da una chiesa ad un'altra, da un'installazione alla successiva.

Sembra questo il percorso intrapreso da questo blog ultimamente, ma la commistione tra arte ed architettura è sempre stato un tema a me molto caro, fin dai tempi dell'università.

In questo caso siamo in Spagna, in Catalogna per la precisione nella città di Olot; qui ogni anno in novembre si tiene il festival Lluèrnia, tutto incentrato su installazioni luminose che adornano le vie e le piazze della regione.

Lo studio Anna & Eugeni Bach ha realizzato l'opera che vedete nelle fotografie, sulla facciata della chiesa di Sant Esteve, nella Plaza del Rector Ferrer; l'edificio si trova nel punto più alto della piazza, accentuato ulteriormente dalla scalinata centrale che conduce all'ingresso.

L'addizione realizzata dai due architetti vuole trasformare lo spazio della piazza in un teatro, dove l'opera rappresenta il palco e la chiesa il centro della scena.

L'installazione dialoga con la luce in maniera diversa a secondo del momento della giornata; di giorno diventa un pergolato che filtra la luce nello spazio antistante la chiesa, in maniera controllata e mutevole. La notte l'illuminazione al suo interno proietta le ombre sulla facciata e tutta l'opera diventa un punto di attrazione per le persone che camminano sulla piazza.

Un concept preciso, materiali semplici e a basso costo, ma il risultato finale è molto interessante, ad ulteriore dimostrazione di come non servano budget alti per ottimi progetti.

Una basilica di metallo e luce

2016-04-06T12:48:00.001+02:00

Partiamo dai numeri che sono sempre quelli che fanno maggior rumore in un progetto ambizioso come questo: 500 metri quadrati di rete elettrosaldata per 7 tonnellate dei peso, 14 metri di altezza massima, 3 mesi di lavoro e 900.000 euro investiti.

Tutto questo per riportare in vita la basilica paleocristiana ormai distrutta a Siponto, in provincia di Foggia. Il progetto seguito dalla Soprintendenza Archeologia delle Puglie è stato realizzato dall'artista Edoardo Tresoldi, affiancato in quest'impresa dai tecnici dell'ente del parco archeologico.

L'idea è evidente, ricreare i volumi della vecchia basilica, accanto esiste ancora quella di epoca medievale, attraverso una struttura di rete metallica che va a definire le forme dell'edificio precedente senza farle concretizzare in volumi costruiti.

L'impatto visivo è straordinario, le strutture metalliche permettono subito di riconoscere la volumetria della basilica e di capirne la sua magnificenza, ma l'impressione che rimane è quella di incredibile leggerezza. Di giorno la luce del sole filtra tra le maglie della rete e modifica il sito costantemente attraverso un gioco di ombre in continua evoluzione; di notte l'illuminazione artificiale, radente alle strutture, sottolinea le linee dell'architettura paleocristiana.

I volumi ricreati si svuotano di massa ma si riempiono di luce, vengono attraversati dalla vista ma si concretizzano al tatto fornendo al visitatore un'esperienza unica.

Un altro merito che va dato a questo progetto è quello di essere riuscito a muovere la Soprintendenza verso una visione contemporanea del restauro, non interpretato solamente come mera conservazione del bene; l'approvazione e la realizzazione di un intervento come questo è un gesto rivoluzionario per il panorama italiano e questo lascia ben sperare per il futuro.

Zaha Hadid, una stella di spietata bellezza

2016-04-01T11:14:00.000+02:00

Zaha Hadid non mi è mai piaciuta come architetto.

La sua visone del progetto è molto lontana dal mio mondo e dal mio modo di vedere l'architettura.

Spesso ho trovato i suoi progetti, se pur ammalianti visivamente ed irresistibili per la stampa, puri esercizi di stile, dove una maestra faceva vedere al mondo quale fosse il suo valore e come fosse brava nel suo mestiere.

Detto questo non si può non considerare la Hadid una figura chiave per l'architettura contemporanea, non per i suoi edifici, ma per il suo modo di pensare che ha stravolto il pensiero architettonico dormiente degli anni '80.

Se oltre oceano Gehry si affidava alla pop-art per ridare linfa vitale al mondo dell'architettura, impoverito da anni post-modern, in Europa erano due le figure principali che intraprendevano questo percorso, Rem Koolhaas e appunto Zaha Hadid.

Il periodo a cavallo tra gli anni '80 e i '90 saranno proprio le idee di queste tre figure a far ripartire il dibattito culturale intorno al mondo dell'architettura che sembrava destinato ad una ripetizione univoca di un modello standardizzato.

L'unione della cultura araba con quella europea ha sempre dato alla Hadid un altro punto di vista rispetto ad altri architetti a lei vicini. Non è un caso che l'inizio della sua carriera sia legato soprattutto al mondo dell'insegnamento.

Prima di costruire edifici andavano costruite idee o forse per meglio dire andavano distrutte le idee vecchie.

A differenza di Koolhaas che rimarrà molto più legato all'aspetto teorico della professione, Zaha Hadid riuscirà a dar forma (letteralmente) alle sue visioni architettoniche, anche grazie ad un salto tecnologico e tecnico che le ha permesso di liberare le sue architetture dalle regole del peso e della gravità.

Parlare oggi, il giorno dopo la sua prematura morte, delle sue opere sarebbe fin troppo facile, mi piace invece ricordare le sue idee e come queste siano servite per avere l'Architettura contemporanea.

Zaha Hadid non era un "ArchiStar", ma piuttosto una Stella di spietata bellezza. Oggi ci lascia, ma resterà con noi grazie ad una lunga traccia di luce, di idee disegnate e forme costruite.

Stefano Boeri

Design d’ufficio per trasformare gli ambienti

2016-03-16T15:57:00.001+01:00

Il tema del design legato ai luoghi di lavoro risulta essere molto delicato e non così lineare come può sembrare in un primo momento.

Negli ultimi anni abbiamo visto le sedi delle grandi aziende, che lavorano principalmente con la rete, essere diventati più delle grosse sale giochi piuttosto che degli uffici veri e propri; in questi spazi le scrivanie e gli ambienti di lavoro si fondono con spazi relax e ambienti dedicati alla socializzazione.

I colori neutri hanno lasciato spazi a fantasie pluricromatiche. Solo le aziende più istituzionali hanno mantenuto i vecchi standard di arredi e di cartelle colore.

Un discorso ancora diverso si può fare per i piccoli uffici oppure gli home-office, qui per riuscire a lavorare bene quello che ci vuole è essere circondati da architetture armoniche, capaci di dare una linea fluida e morbida non solo allo spazio circostante, ma in grado anche di infondere calma e armonia in chi, in quell’ufficio, deve lavorarci per tutto il giorno.

Proprio perseguendo questo pensiero, negli ultimi anni, il design di scrivanie, sedie, scaffalature metalliche, librerie e tutto quel che compone gli uffici dislocati in giro per il mondo si è sempre più ispirato a forme particolari e funzionali, per creare ambienti perfetti in cui concentrarsi e lavorare in maniera ottimale.

Uno dei temi fondanti di questi nuovi elementi di design è l’ibridazione delle funzioni, le scrivanie non sono più solamente un piano di lavoro, ma diventano spesso anche altro, una libreria, piuttosto che uno schermo multimediale. Gli oggetti contengono dentro di se quindi più funzioni che si vanno a sovrapporre tra di loro.

Ecco alcuni pezzi di design perfetti per un ufficio moderno e funzionale.

La collezione di mobili di PearsonLloyd per Teknion

Interagire con altre persone senza muoversi di un centimetro è possibile ed è proprio questo l’obiettivo studiato e raggiunto dallo studio di design PearsonLloyd, progettato per il marchio canadese Teknion. Si tratta di una seduta, un appendiabiti, di un tavolo e di un piano d’appoggio che, uniti tra loro, permettono la collaborazione delle persone sul luogo di lavoro, creando un ambiente di lavoro intimo e collaborativo e non alienando il lavoratore.

K Workstation di Miso Soup Design

La soluzione perfetta (ed elegante) per salvare lo spazio in caso di un homeoffice o per avere la postazione ad hoc nel proprio ufficio: la scrivania di K Workstation è, infatti, unita alle mensole attraverso una linea omogenea e continua, che non è solo estremamente funzionale, ma anche bella da vedere, riprendendo in pieno le tematiche che abbiamo trattato precedentemente.

Analog Memory Desk di Kirsten Camara

Sempre sul tema di pluralità di funzioni ecco questa scrivania che attraverso i suoi 1.100 metri di carta da macellaio che scorre sul piano del tavolo tramite un particolare sistema di scorrimento, permette di scrivere, disegnare o prendere appunti senza la necessità di altri supporti. Quest’oggetto risulterebbe particolarmente pratico a qualunque architetto o designer, sempre pronto a schizzare un’idea o un progetto.

Articolo scritto in collaborazione con Metalsistem Lombardia, da oltre 40 anni leader nella progettazione e vendita di scaffalature industriali.

Gioielli illusionisti

2016-03-09T12:36:00.002+01:00

La designer francese Constance Guisset ha recentemente presentato una nuova collezione di gioielli molto particolari. Questa linea composta da bracciale, collana ed orecchini si basa interamente sul magnetismo e sulle illusioni che questo crea.

La linea di gioielli, reperibile presso la galleria miniMASTERPIECE a Parigi, è piuttosto semplice nelle linee ma geniale nel suo contenuto, infatti si tratta sempre di un anello di oro, attraversato da una catenina che termina con due magneti di polarità opposta; questi si attraggono l'uno verso l'altro senza però andarsi mai ad incontrare, giocando con le leggi dell'attrazione magnetica appunto.

L'effetto visivo è molto suggestivo e l'idea sicuramente brillante.

Torre sul porto di Aarhus - parte seconda

2016-03-04T12:39:00.001+01:00

Nel 2013 avevamo parlato di un concorso di progettazione per una torre di osservazione sul porto di Aarhus(qui e qui), che nel 2017 sarà capitale europea della cultura.

Dopo circa tre anni il progetto vincitore, dello studio danese Dorte Mandrup Arkitekter, è stato effettivamente realizzato. L'oggetto appare un'ibrido tra un edificio ed una scultura a grande scala; è stato realizzato in acciaio verniciato, prodotto sui cantieri navali del porto e saldato direttamente in cantiere. La struttura permette ai visitatori di salire fino ad un'altezza di 7,5 metri sopra il livello dell'acqua, dove una terrazza riesce a far godere della vista sul porto.

Le linee semplici ed i tagli puliti esaltano la geometria della torre che aggetta sull'acqua a sottolineare lo slancio della città verso il mare.

La casa della settimana: Alps Villa

2016-03-01T17:10:00.001+01:00

L'architetto Camillo Botticini ha realizzato una ampia villa sulle montagne nei pressi di Lumezzane, in provincia di Brescia denominata Alps Villa. La residenza si va ad integrare in maniera naturale con l'ambiente circostante e vuole rappresentare un'oasi di tranquillità per i suoi abitanti.

La villa si trova in un tratto pre-alpino caratterizzato da spazi verdi e boschi, non lontano dalla città ma comunque abbastanza isolato da far percepire il paesaggio montanaro.

Tre volumi di altezze diverse si vanno ad integrare per raggiungere una superficie interna di 360 metriquadrati. La forma a C crea un piccolo patio posto verso la montagna che regala ancora maggior privacy, mentre il versante a valle si apre alla vista ed alla luce del sole.

All'esterno i due materiali, rame e legno, si alternano tra di loro, svelando il cuore naturale dell'abitazione, ribadito dalle scelte legate alla sostenibilità dell'architettura, come ad esempio l'impianto geotermico della villa.

L'interno segue delle linee molto contemporanee, dove il colore bianco la fa da padrona; questo, unito alle ampie vetrate ed ad un arredamento minimalista crea spazi definiti e netti.

Nonostante alcune scelte non proprio originali, la dicotomia dei materiali esterni è stata tratta già tratta ed in maniera anche più efficacie. La villa è degna di nota per l'integrazione col contesto e per alcune soluzioni particolarmente pulite nei dettagli costruttivi.

Posate di design

2016-02-25T12:05:00.000+01:00

Alcuni sostengono che le posate non sono possono essere oggetti di design, perché la loro forma, nel corso degli anni, è stata affinata dalla loro funzione e quindi non si prestano ad ulteriori modifiche formali.

Gli oggetti che vi presento oggi smentiscono questo pensiero.

Il designer Andrea Ponti ha realizzato queste posate chiamate Dune flatware set. Queste vengono descritte così dello stesso designer: "In ogni pezzo le linee dritte dell'impugnatura hanno una transizione verso le parti curve che ricorda le dune di sabbia. La scatola può essere usata sia come elegante involucro per riporre le posate, sia come espositore per i negozi".

Le posate sono fatte di alluminio sia per la resistenza che per le sue caratteristiche di leggerezza. Il progetto ad oggi è ancora un concept, ma la raffinatezza dei dettagli e lo studio di ogni aspetto mi auguro porti questo set di posate ad entrare presto in produzione.

Giochi di luci a Montreal

2016-01-27T16:09:00.002+01:00

Quando sono stato a Montreal, ricordo mi colpì lo spazio pubblico intorno al Museo d'Arte Contemporanea. Questo infatti, oltre ad essere studiato e curato in ogni dettaglio, presentava una serie di scacchiere a disposizione di ogni passante e queste, nelle calde giornate estive, erano sempre piene di persone.

Anche all'occhio di un turista come me, si capiva il carattere temporaneo di queste scacchiere, e si intuiva quindi come questo spazio cambiasse aspetto costantemente.

La riprova di questa mia sensazione l'ho avuta qualche giorno fa, trovando su internet una serie di immagini degli stessi luoghi che avevo visitato, completamente trasformati.

Nel caso specifico, quello che vedete anche voi nelle fotografie, si tratta di un'installazione realizzata per la sesta edizione del festival Luminothérapie che si tiene tra dicembre e gennaio a Montreal.

Una parte di questo festival sono appunto queste 30 altalene che producono luce e suoni quando vengono utilizzate.

L'opera è stata pensata per intrattenere bambini ed adulti che giocandoci riempiono lo spazio pubblico di luci e suoni, andando a riscaldare il freddo inverno canadese.

L'installazione è stata progettata da Lateral Office e CS Design e rimarrà attiva fino al 31 gennaio.

Il ritorno della carta da parati

2015-12-14T16:01:00.000+01:00

La carta da parati, negli ultimi anni, sta tornando prepotentemente nel mondo dell'interior design; già le case degli anni '70 sfoggiavano tappezzerie le cui fantasie erano spesso e volentieri discutibili ma comunque ricoprivano le pareti delle varie stanze dell'appartamento.

In realtà non ci siamo mai, completamente, allontanati dalla carta da parati. Probabilmente è difficile da incontrare nelle case che frequentiamo, ma basta cercare sul web per rendersi conto che quel mondo fatto di pattern, tessuto non tessuto o dipinto a mano da artigiani giapponesi è sempre vivo e, oggettivamente, meraviglioso.

Se l'obiettivo è trasformare ambienti, sia residenziali che commerciali, la carta da parati risulta essere una soluzione ottima in termini di qualità, fatica e risultato finale, permettendoci di ottenere risultati impossibili da realizzare con la pittura classica anche da parte di artigiani professionali, inoltre chi non vorrebbe avere degli eleganti pellicani rosa sulla parete della propria camera? Così come propone il sito Feathr.

Con l'evoluzione tecnologica e grafica a livello di pattern e texture geometriche le possibilità di utilizzo della carta da parati si sono moltiplicate, così come le aziende nel settore, spesso affiancate da designer conosciuti; Pattermash ad esempio ogni mese propone una selezione di motivi creati ad hoc.

Le alternative anche per chi cerca soluzioni più classiche e decisamente più nell'ottica della tradizione non mancano, ad esempio la ditta inglese William Morris, attiva dal 1860, che propone colori delicati e disegni essenziali prendendo come riferimenti le case nobiliari dell'ottocento.

Insomma le soluzioni possono essere diverse ed in grado di adattarsi ad ogni ambiente ed ogni destinazione d'uso non resta che scegliere quella più adatta.

Articolo scritto in collaborazione con Cartindustria, società che da 30 anni opera nel settore dei prodotti in carta ad uso igienico, dei detergenti professionali e del monouso in genere.

Mercato culturale a Getafe

2015-12-04T11:57:00.000+01:00

Lo studio spagnolo A-cero, abitualmente impegnato nella costruzione di residenze private, ha realizzato la riqualificazione di questo mercato a Getafe, una città alle porte di Madrid.

L'idea parte dalla volontà di riconvertire il grande vuoto lasciato dal mercato municipale, chiuso ormai da anni e situato nella piazza principale dove sorge anche il municipio cittadino; l'edificio giaceva in uno stato di totale abbandono e l'amministrazione ha deciso quindi di riconvertire lo spazio in un centro culturale multifunzionale.

Il lotto di forma rettangolare ha una superficie di 510 metriquadrati ed è composto da due edifici distinti che nel progetto vengono raccordati tra di loro.

L'ex-mercato ha mantenuto lo spazio originale caratterizzato da un volume centrale a grande altezza disegnato da una serie di travi reticolari portate a vista ed esaltate nel nuovo progetto; il piano terreno è stato pensato come spazio espositivo modulabile affiancato da magazzini ed ambienti di servizio, Il piano superiore invece ospita spazi per la lettura, delle classi ed aree comuni.

Nel progetto il contrasto tra la parte esistente ed il nuovo intervento è netto, anche per marcare la differenza funzionale dei nuovi spazi. La facciata ci fa leggere l'architettura come un oggetto altamente tecnologico, tema questo molto caro allo studio di architettura spagnolo; le strisce di alluminio esterne riprendono la scansione delle travi interne che viene ulteriormente messa in evidenza dall'illuminazione notturna dell'edificio.

Nuovo ponte sul Tamigi - parte terza

2015-11-26T16:55:00.001+01:00

Ne parliamo da febbraio, ma solamente oggi sono usciti i risultati definitivi del concorso per il ponte pedonale e ciclabile nella parte ovest di Londra.

Le immagini che vedete fanno riferimento al progetto dello studio danese Bystrup Architecture Design and Engineering che ha lavorato con Robin Snell & Partners e Sven Ole Hansen.

Il ponte viene rappresentato con una struttura molto esile e minimale, alle due estremità la campata viene connessa con le sponde con delle rampe a spirale che permettono ospitano sia il percorso per i pedoni che quello per le biciclette.

Il ponte sarebbe dovuto diventare il primo ponte senza auto della capitale inglese, in realtà nei mesi è emerso anche un altro ponte pedonale/ciclabile progettato tra Canary Wharf e Rotherhithe, sarà interessante vedere quale dei due sarà inaugurato per primo e si aggiudicherà questo singolare primato.

Una nuova torre verde a New York

2015-11-18T16:02:00.000+01:00

Il Bosco Verticale, oltre ad essere stato premiato in tutto il mondo, ha lanciato un nuovo standard per la concezione dei grattacieli di nuova generazione, come possiamo vedere in una serie di progetti che stanno vedendo la luce ultimamente, di cui quello che vi presentiamo non fa eccezione.

Lo studio ODA di New York ha presentato il progetto per un nuova torre residenziale nella parte est di Manhattan, la città negli ultimi hanno ha visto sorgere un crescente numero di grattacieli di appartamenti che si vanno ad aggiungere ai molti già esistenti.

Lo studio americano ha sicuramente guardato per la progettazione al teorema del 1909, che prevedeva la realizzazione di più territori sub-urbani in un unico lotto urbano, idea analizzata anche anche da Rem Koolhaas nel libro Delirious New York. L'idea di partenza ha poi subito l'influenza del progetto di Boeri per Milano.

Nella parte alta del grattacielo i livelli vengono distanziati tra di loro e formando una serie di vuoti che diventano spazi verdi a servizio degli appartamenti, undici dei quarantaquattro alloggi hanno quindi un spazio esterno privato. Questi "piani mancanti" hanno un'altezza di 5 metri che permette quindi la crescita di veri e proprio alberi al proprio interno, la struttura portante del grattacielo è stata studiata per ridurre al minimo la resistenza al vento che a quelle altezze (la sommità del grattacielo raggiunge i 200 metri) diventa una criticità notevole.

Il risultato finale è quello di un edificio snello, reso ancora più longilineo dai vuoti che si intensificano all'aumentare dell'altezza e che quasi smaterializzano l'intera struttura.

Megastruttura a base di cerchi

2015-11-03T16:36:00.000+01:00

Gli architetti cileni Mauricio Pezo e Sofia von Ellrichshausen hanno presentato ad una mostra che si sta tenendo in Repubblica Ceca, il loro concept per una megastruttura composta da 100 cerchi.

I due architetti hanno lavorato insieme agli studenti del Technical University di Liberec sul progetto chiamato Infinite Motive, che immaginava strutture architettoniche composte esclusivamente da cerchi di varia grandezza.

Secondo i progettisti lo scopo di questo progetto è quello di investigare sulla capacità di creare architettura sperimentale ripetendo singoli elementi geometrici, in questo caso il cerchio.

I due sono partiti da una serie di disegni preparatori con configurazioni che variavano da 10 a 100 cerchi; in seguito hanno realizzato un modello in cartone che è diventato elemento centrale della mostra.

La distribuzione randomica degli elementi ed il loro variare di grandezza ha creato una serie di vani di forma e dimensioni diverse ma tutte basate sulle possibili combinazioni di cerchi.

Per trasformare quella che poteva essere una scultura minimalista, in un prototipo di architettura sono state inserite le porte per connettere i vari ambienti e le persone in scala.

L'aspetto più interessante deriva dalle fotografie dell'opera, ad una prima impressione potrebbe sembrare un'installazione temporanea all'interno di un ampio spazio inutilizzato; solamente guardando le immagini più ampie si capisce che quello che abbiamo di fronte è un modello in scala.

L'esperienza è sicuramente riuscita e il risultato finale è degno di nota oltre che un ottimo spunto di riflessione sull'architettura realizzata partendo da forme geometriche basilari.

Tennis Club in Olanda

2015-10-29T17:47:00.001+01:00

Lo studio olandese MVRDV è stato chiamato a progettare questo piccolo edificio a servizio di un tennis club ad Amsterdam. La struttura dei campi si trova su un'isola artificiale che ospitava già 10 campi e una scuola di tennis; la richiesta posta agli architetti è stata quella di costruire un blocco che contenesse gli spogliatoi ed uno spazio conviviale, oltre ad una piccola tribuna per il pubblico che intende assistere alle partite.

Nel progetto le due funzioni si vanno a sommare ed integrare tra di loro formando un unico oggetto architettonico.

Il volume infatti viene plasmato per permettere di accedere al tetto dello stesso che si trasforma così in una tribuna gradonata in grado di accogliere gli spettatori. Se da una parte il tetto scende fino a quota zero per permettere l'accesso, dall'altra si innalza per ottimizzare la visuale sul campo da gioco.

Mentre l'estradosso del tetto viene caratterizzato da dai gradoni che fungono anche da seduta, l'intradosso si traduce in una superficie sinuosa totalmente rivestita in legno, questo materiale infatti caratterizza tutto lo spazio interno dell'architettura.

Il rosso dei campi da tennis invece si ripercuote sull'esterno della struttura che appare completamente monocromatico fatta eccezione per le parti vetrate.

L'influenza di alcuni lavori, soprattutto concettuali, di BIG è evidente, ma il merito degli MVRDV è stato quello di realizzare concretamente ciò che lo studio danese aveva lasciato solamente su carta.

6 idee di packaging sorprendenti creati da studenti di tutto il mondo

2015-10-27T17:48:00.001+01:00

Se la prima impressione non è poi così importante quando si tratta di scegliere e frequentare le persone che abbiamo intorno a noi, lo stesso non si può dire per tutti i prodotti di consumo di cui siamo circondati. Certo, la qualità è sempre al primo posto, ma a chi non è capitato di innamorarsi perdutamente di un accessorio o di un oggetto guardando semplicemente il design di un packaging?

Il confezionamento di prodotti è, infatti, di fondamentale importanza. L’empatia e l’attrazione che si prova guardando un packaging d’effetto è infatti paragonabile ad un colpo di fulmine: lo vedo, mi piace, lo voglio. È proprio questo su cui si basa oggi il consumismo, e nel corso degli anni ci sono stati numerosi cambiamenti a riguardo: da efficiente modo per proteggere i prodotti durante il trasporto a potente mezzo di comunicazione in grado di attrarre potenziali clienti.

Basta semplicemente pensare che un elegante confezionamento, a partire dal Novecento, era una prerogativa imprescindibile proprio perché le confezioni non erano semplicemente utili per proteggere il contenuto, ma veri e propri oggetti da collezionare. Tante ne sono state create e tante ne abbiamo viste, comprate e tenuta in bella mostra, perché alcuni veri e propri capolavori, ma è anche vero che nel mondo sono molti i packaging design di qualità che seppur non provenendo dai “grandi” del commercio, meritano attenzione, perché ben fatti, simpatici ed esplicativi.

Ecco quindi l’elenco di 6 idee di packaging sorprendenti creati da studenti di diverse università in tutto il mondo:

1 - Boulanger di Santiago Arraz, studente di Valencia che risolve in maniera univoca e simpatica il quesito notturno più importante: a chi tocca pagare da bere? Il packaging di questa bottiglia di vino, infatti, fa proprio questo: tramite il gioco del tris, che si gioca scrivendo con il gessetto annodato al collo della bottiglia direttamente su di essa, si può vincere o perdere e, quindi, pagare o non pagare. Certo, dipende da quanto si è bravi a giocare a tris, ma anche dalla quantità di vino bevuto. Non ne avete idea? Non preoccupatevi, Santiago ha pensato anche a questo: sulla bottiglia ci sono delle tacche invisibili leggibili solo mentre il livello del vino scende, le quali informano se stai dando il meglio (o il peggio) di te. Gioca, bevi e cerca di non pagare il conto, ma ricordati di prendere un taxi per tornare a casa.

- Love Guide Condoms di Guan Hao Pan, del Taiwan. Se non state pensando di diventare genitori la sicurezza durante i rapporti sessuali è fondamentale. Non solo per evitare gravidanze inaspettate, ma anche per proteggersi dalle malattie sessualmente trasmissibili. La scelta errata dei condom porta spesso alla rottura degli stessi e a conseguenze facilmente immaginabili. Ecco quindi che Love Guide Condoms vi potrebbe aiutare: cinque differenti packaging per cinque differenti misure, ognuna delle quali è ispirata ad un frutto o a una verdura. Sei una zucchina, un rafano, una banana, un cetriolo o una carota?

- The Astrolabe di Victoria Di Valerio, di Montreal. Se avete sempre sognato di avere un vostro personale astrolabio e se siete tra quei cinefili con la casa piena di dvd, l’elegante packaging di questo box set fa al caso vostro. The Astrolabe non è bello solo perché è raffinato e dal design di qualità, ma anche perché funziona davvero. Inoltre, per arrivare al cuore dell’astrolabio ed inserire i dvd bisogna “smontare” i vari pezzi, azione che permettere di capire come sia stato costruito ed assemblato l’oggetto. In questo modo potrete calcolare la posizione dei corpi celesti o determinare l’ora locale e, se vi annoierete, potrete sempre decidere di guardarvi un bel film.

- Got One!! Wild Mullet Catch di Devours Bacon. In Taiwan da centinaia di anni le muggini mantengono la loro promessa di tornare ogni inverno. Dalle uova delle muggini, si sa, se ne ricava la bottarga, che è uno degli alimenti più apprezzati in Taiwan. Questo studente orientale ha voluto creare un packaging che rimanda proprio all’azione del pescare una muggine ed estrarne in un secondo momento le uova dal suo interno, infatti sulla confezione c’è disegnata un’elegante muggine dorata su sfondo nero (dato che in Taiwan vengono considerate il “black gold of the sea”) e al suo interno, ovviamente, della bottarga.

- Rongo Rongo di Baranova Marina, di Mosca. Questo particolare packaging design è ispirato in tutto e per tutto all’Isola di Pasqua. Dal nome, che altro non è che il tipo di scrittura sviluppato dagli abitanti dell’isola probabilmente prima dell’arrivo degli occidentali del 1700 e oggi ancora difficilmente decifrabile, alla forma dei gelati, ovvero i Moai che si trovano sull’Isola e che vengono considerati i guardiani del luogo. La vera particolarità di questi ghiaccioli non risiede solo nel confezionamento, ma anche nel gusto: accanto ai classici uva, fragola, lychees e banana troviamo mix inusuali creati con peperoncino, olive, cactus e ginger. Non sapete se il miscuglio di gusti vi piacerà o meno? Osservate l’espressione del moai disegnato sulla confezione, vi dirà se il mix vi piacerà o no.

- Paper Tigre di Julie Ferrieux, Marine Giraud e Mathilde Laffon, dalla Francia. Dall’unione della tecnica origami e della carta francese ecco che nasce Papier Tigre, un profumo il cui packaging cubico sembra un delicato origami il quale contiene al suo interno una deliziosa fragranza. Se poi ci mettete anche che la fabbricazione è stata fatta con gioia e buon umore non potrebbe che essere più perfetto di così.

Articolo scritto in collaborazione con Pantapack Solution

La casa della settimana: Tetris House

2015-10-07T12:40:00.001+02:00

Diciamolo, il nome non è originalissimo ed inoltre del concetto di tetris se ne ritrova giusto un'idea molto accennata, ma questa casa progettata dai brasiliani Studio MK27 merita comunque di essere condivisa.

Le bellissime fotografie di Fernando Guerra, svelano quest'architettura che vive di spazi ibridi tra esterno ed interno e si esalta tra i contrasti materici di legno, vetro e cemento.

Un grande parallelepipedo vuoto in cemento, accoglie al proprio interno delle scatole di legno che contengono le funzioni più private della casa, queste sono messe in relazione tra di loro dagli spazi giorno che vengono separati solo da grandi vetrate che mettono in comunicazione, anche visiva, esterno ed interno.

La geometria dell'abitazione si gioca tutta nelle sezioni che si espandono in doppi volumi oppure si contraggono in presenza di funzioni più specifiche, come i servizi.

Il legno in doghe aperte enfatizza l'effetto prospettico dell'architettura ed inoltre cela dietro di se le finestre dei vani interni alle scatole volumetriche.

L'illuminazione ed il calore trasmesso dal legno vengono esaltati durante la notte come si può vedere dalle immagini.

Ping pong in cemento

2015-09-28T12:02:00.000+02:00

A Melbourne presso la Monash University Museum of Art (MUMA), è stato realizzato un progetto artistico pubblico pensato dall'architetto Murray Barker insieme all'artista Laith McGregor che reinventa il tavolo da ping pong.

Questi tavoli sono stati infatti realizzati interamente in cemento con inserti e dettagli in rame e acciaio.

Gli oggetti così ultimati sono diventati delle sculture utilizzabili da tutti, più difficile sarà capire quando la pallina ha preso la "rete".

Storia del gadget: le grandi imprese di un piccolo cult

2015-09-23T17:47:00.001+02:00

Si può partire da una matita intagliata artigianalmente per costruire una multinazionale?

All’apparenza no, ma unendo una buona dose di intraprendenza con un’idea brillante le cose possono cambiare. Nel 1943 il diciassettenne Ingvar Kamprad vive nella sperduta cittadina di Agunnaryd, nel sud della Svezia. Incitato dal padre, il quale preme affinché il giovane possa presto diventare indipendente, Ingvar avvia un piccolo business di matite intagliate artigianalmente, che comincia a vendere porta a porta. Gli affari vanno bene, e presto ogni abitante della zona possiede una piccola matita di legno.

Ingvar però ha aspirazioni maggiori, oltre alle matite immagina di progettare tutto quello di cui le case hanno bisogno, le vuole rendere belle, funzionali e semplici come le sue matite. Si è fatto da sé, il giovane Ingvar, così immagina un futuro in cui tutti possano costruire da soli tavoli, sedie, armadi e qualsiasi altra cosa di casa. L’idea funziona, fin da subito. Ingvar mischia le sue iniziali con il nome della fattoria in cui è cresciuto e con quello della sua città, nasce così l’IKEA.

Da allora, in ogni grande magazzino IKEA si possono trovare migliaia di matite in legno, un piccolo vezzo al quale Ingvar, oggi quasi novantenne, non ha mai rinunciato. In fondo, il suo è un curioso caso di Benjamin Button del business, partito da un semplicissimo gadget e arrivato, nel giro di mezzo secolo, a sviluppare uno dei brand di maggiore successo del pianeta.

I gadget negli anni del mercato globale e della rete sono diffusi ovunque, ma come nasce il gadget come lo conosciamo oggi? Bisogna tornare al 1886 quando la Francia dona agli Stati Uniti la Statua della Libertà; la società che ha realizzato la fusione della scultura decide di realizzare un modello in scala del monumento da distribuire durante l’inaugurazione.

Non appena il progenitore dei nostri odierni gadget comincia a circolare per le strade riscuote un’immediata popolarità fra i newyorkesi, che si divertono a chiamarlo proprio con lo strano nome dei suoi inventori, la società Gaget, Gauthier & Cie. L’utilizzo del termine si espande velocemente anche sull’altra sponda dell’oceano, favorito dall’assonanza con un’altra parola proveniente dal dialetto francese, gagée, usata per identificare oggetti di piccole dimensioni.

Nella seconda metà del secolo scorso i gadget si impongono al mondo come una dellestrategie di marketing di maggior successo. Nascono i collezionabili: la Coca-Cola avvia la produzione stagionale di lattine in edizioni limitate per celebrare anniversari e partnership, rivestendo in maniera geniale l’epidermide stessa del prodotto con le caratteristiche promozionali del gadget; anni più tardi, milioni di bambini trascinano milioni di genitori ad acquistare quintali di Happy Meal solo per aggiungere una nuova sorpresa alla propria collezione.

In Italia la grande diffusione avviene negli anni ’80 e ’90 e soprattutto con l’iniziativa promossa dall’IP, che in occasione dei mondiali di calcio realizza dei goffi ritratti in miniatura dei campioni della Nazionale Italiana: i Bomberini Azzurri, croce e delizia delle più accanite aste di Ebay.

Un altro esempio su questo tema è rappresentato dalle sorprese collezionabili degli Ovetti Kinder introdotte nel 1991 e diventate oggetto cult per tutti i bambini di quegli anni.

Oggi l’universo dei gadget si è allargato a dismisura e il significato stesso della parola si è esteso fino a includere qualunque tipo di accessorio, entrando di prepotenza nel mondo hi-tech. In particolare, negli ultimi anni sono sempre di più le piccole e grandi società che si affidano ad aziende specializzate nel confezionamento e imballaggio gadget innovativi e dotati di grande appeal, percorrendo così una delle migliori strade per realizzare una strategia di brand improvement collaudata e vincente.

È difficile prevedere cosa potremo aspettarci in futuro dai gadget. Di sicuro, nonostante l’avvento dell’era digitale sembri aver fagocitato qualunque tipo di oggetto nel limbo delle passioni ormai vintage, questo piccolo esercito di matite, statuette, lattine e miniature saprà conquistare nuove generazioni di consumatori che non vogliono rinunciare alla leggerezza dei ricordi.

Questo articolo è stato realizzato in collaborazione con l’ufficio creativo di Pantapack Solution.

Brasilia black & white

2015-07-13T12:07:00.000+02:00

Brasilia è sempre stata oggetto di numerosi servizi fotografici nella sua breve storia di città, soprattutto per la purezza degli edifici e degli spazi che offre ad un obiettivo esperto.

Le fotografie che vedete di seguito sono state realizzate da Oystein Aspelund , che giocando sulla luce e le ombre ha fatto diventare le architetture della capitale brasiliana una scenografia teatrale.

Ponte pedonale a Losanna

2015-06-11T12:03:00.000+02:00

Lo studio svizzero 2b Architectes ha firmato il progetto per un ponte pedonale a Losanna che mette in collegamento una stazione della metropolitana con la foresta di Sauvabelin, nella parte nord orientale della città. La dicotomia tra città e foresta permea tutto il progetto e si ritrova anche nei materiali del ponte che unisce il cemento della struttura con il legno del rivestimento del percorso pedonale.

"A seconda da dove viene percepito il ponte si hanno due prospettive differenti, una da chi lo attraversa, quindi il pedone, e l'altra da chi ci passa sotto, l'automobilista. Il disegno gioca con linee spezzate della sagoma, che uniscono la piazza alla strada andando a fondersi le une con le altre."

Il percorso pedonale del ponte sembra scavato all'interno del guscio di cemento armato e poi rivestito completamente di legno, questo accentua le linee spezzate del progetto ed il contrasto di temperatura tra i due materiali.

L'attenzione all'illuminazione che avviane esclusivamente dal basso esalta al ritmicità ed il calore del legno, mentre il cemento è stato illuminato da una sorgente luminosa fredda, ancora una volta per sottolineare il contrasto tra i due materiali.

Il ponte è stato completato nel 2012 mentre la stazione della metropolitana di La Sallaz è stata aperta solamente di recente.

Nuovo Stadio di Bordeaux

2015-05-27T12:17:00.001+02:00

Nel 2011 avevamo annunciato il progetto realizzato da Herzog & De Meuron per il nuovo stadio di Bordeaux, oggi a distanza di quattro anni possiamo vedere l'opera realizzata.

Questa nuova struttura appare luminosa, aperta ed elegante soprattutto se paragonata ad architetture similari per dimensioni e funzione; la sua purezza e chiarezza geometrica sottolinea il senso di monumentalità dello stadio.

Le grandi scalinate che caratterizzano i prospetti dello stadio rendono meno netto il confine tra spazio esterno ed interno, questo effetto viene amplificato dalla fitta selva di pilastri circolari che il visitatore incontro entrando nella struttura sportiva.

Lo stadio è stato costruito in un area molto aperta e pianeggiante prossima al Centro Espositivo di Bordeaux e quindi il rapporto con il contesto diventa fondamentale, considerando anche che lo stadio risulta visibile da molto distante.

La struttura può ospitare 42.000 spettatori e grazie alla sua geometria ogni posto gode di una visuale ottimale, lo stadio è pensato principalmente per le partite di calcio e rugby ma è stato concepito per poter organizzare anche eventi e concerti.

Il tetto si configura come un elemento unico che accoglie sotto di sé tutta la struttura ed unifica l'architettura andando a segnare il limite netto dello spazio costruito. Il prospetto dello stadio così richiama quello di un tempio greco con i tre elementi fondanti ben caratterizzati, il basamento, le colonne ed il tetto. Il colore bianco sottolinea ulteriormente questo parallelismo, volendo quasi evocare la sacralità dello sport e il valore dello stadio come tempio dell'esercizio fisico.