關於創作的本質

首先我想要分享的是，在我的認知裡，創作工具有很多，方法也是。就比如說一棟房子 ——

• 你可以用鋼筋水泥把它蓋起來
• 也可以用相機進行拍攝
• 用電腦繪圖合成
• 或用素描水彩在紙上重現
  

「這些都是創作，只是用的工具不一樣而已。」

每個人都可以用自己擅長的方式進行創作。吉他彈得好的人，自然會想用錄音的方式來創作歌曲；不會彈吉他或是鋼琴的人，會選擇用 MIDI 去重現樂器的演奏。這本質上就是效率跟自身優勢的考量 —— 你要一個不熟 MIDI 編輯的吉他手去重新編輯一段吉他演奏，可能會耗掉他一整天的時間。但如果是錄製一段吉他演奏，可能只要 1 個小時甚至幾分鐘就可以完成了。

用 MIDI 編曲會不會失去音樂的靈魂？

用 MIDI 編出一段吉他音色，沒有你想像的簡單。很多人以為 MIDI 編曲就是「點幾個音符，讓電腦自動生成聲音」。但如果你真的試過用 MIDI 去做一段 “聽起來像真實吉他的音色” ，你就會知道這件事情裡面，要注意的細節有多少。

因為你必須對樂器本身要有一定的了解。例如：吉他只有六根弦；同樣音高，在不同把位彈出來的音色完全不同。你要考慮音程的組合、和弦的轉位、撥弦的方向。彈奏的技巧是掃弦還是指彈？要不要加悶音？泛音的位置在哪？不同的軟體有不同的 CC 控制參數，每一個細節都要你自己去慢慢調整。

「這些，都不是隨便點幾個音符就能自動生成的。」

當你在做這些步驟時，依然在做選擇。每個決定都源自於你的音樂品味。即便這段音樂不是你親手彈奏的，但聲音的樣貌和旋律的走向，都是根據你過往的品味以及知識累積而成的。

「這就是創作的本質；即便工具換了，創作依舊是從無到有的每一個判斷。」

一棟房子，你可以用鋼筋水泥把它蓋出來，也可以用相機拍下來，用電腦繪圖合成，或是用素描、水彩在紙上重現。這些都是創作，只是工具不一樣而已。

很多人排斥 AI 音樂，我猜有一部分原因是「它抹去了 “我們過去辛苦累積的技術”」。

但這個爭議，其實和 DAW、MIDI 剛出現的時候一樣。我記得過去曾經看過一段紀錄片，是關於作曲家坂本龍一在談論 MIDI 作曲的片段，大意是這樣 —— 用 MIDI 你可以演奏出一輩子可能都無法親手彈出的樂句。

DAW 對音樂製作帶來的改變

DAW 發明後，音樂製作時不用真的每次都請一整組樂團來進行錄音，也能製作出完整的編曲。這在幾十年前，也曾經被質疑「不夠純粹」的音樂製作方式，最終還是成為了主流。現在，每個音樂人都會使用 DAW 錄音、甚至用 MIDI 編管弦樂、製作音樂。隨著工具的進化，省略掉的往往是過程中最枯燥、費時的部分——

「真正決定音樂好不好聽、音色該怎麼調整的，最終還是使用工具的人」。

AI 應該也是這樣..

「你想要的是什麼？」

拿起吉他彈奏時的心情抒發，和用 MIDI 編出吉他音色的樂趣，是完全不同的體驗；用 DAW 製作音樂和打字讓 AI 直接生成一首歌的體驗，也完全不同。

如果你真的不在意使用 DAW 製作的過程，只想快速生成出一個成品—— 「AI 生成確實是最有效率的方法」。

但如果你想要的是體驗創作的過程，以及打磨成品的樂趣，想做出有自己味道的東西，那不管你最後選擇用真實樂器、MIDI、甚至是搭配 AI 工具，你都需要先搞懂最底層的邏輯：

• 音色是怎麼構成的？
• 編曲的本質是什麼？
• 頻率該怎麼補？
• 如何調整才能讓所有聲音聽起來平衡、舒服？
  

這些才是真正決定你的音樂「風格」的關鍵。工具只是一種選擇；你對聲音的判斷力才是創作的核心。

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📝 行動建議： 如果你正在猶豫要不要開始學，可以先從免費軟體開始。我也整理了一些講義，整理了過去學習的經驗，希望能幫助你建立最基礎的觀念 ——

「搞懂底層邏輯之後，不管你選擇的是哪種工具，創作起來都會變得更踏實且有效率。」

DAW 是什麼？為什麼他可以協助你體驗更多音樂製作的過程？

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然後開始懷疑：「是不是我都用內建的音頻插件的關係？難道一定要買更貴的監聽喇叭嗎？還是我根本沒有混音天分？」

答案：都不是！
問題可能都在同一個地方
「你在錯誤的環境、跟用錯誤的器材在聽音樂；然後在錯誤的基準點上，去做所有偏曲與混音的決定。」

這篇文章我將幫你整理， 5 個最常見的音樂製作與混音初學者的錯誤觀念；再給你一套從零開始訓練耳朵的具體步驟，讓你可以在有限預算中建構正確的監聽環境。

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先說結論：混音聽起來爛，87% 是這 5 件事造成的

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致命錯誤 1：用筆電喇叭在調整音量、混音、做音樂

這是最常見、也致命的一個錯誤。

筆電內建喇叭的單體太小，根本無法呈現完整的低頻。

大鼓、貝斯、以及合成器的低頻共鳴，你用筆電喇叭全部都聽不到！你為了做出了一個很飽滿的大鼓，不斷用 EQ 推大低頻，轉大音量；但其實它根本已經炸了！

可是，筆電喇叭卻沒法讓你發現這件事..

等你把作品放到有低頻的喇叭或耳機上播放時，才發現整首歌的低頻炸掉了，所有的頻率糊成一片。

加上筆電喇叭的音質極度受環境反射的影響。想像一下你在廁所跟客廳說話時的聲音，是不是完全不同？這是因為空間以及環境的反射，導致在空曠的空間、如浴室，會有非常多的聲音反射。（有點像 KTV 上歌時的 Reverb ）

也因為這樣，你以為聽到的聲音，其實是房間染色過後的版本，根本不是你音樂本來的音色。

解法很簡單：買一副可靠監的聽耳機。 哪怕只是幾千塊的入門款耳機，也比筆電的喇叭可靠。監聽耳機可以讓聲音直達耳朵，完美繞開空間反射的干擾，是初學者在沒有好的聲學環境空間混音時，最划算的投資。

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致命錯誤 02：混音時隨手轉動總音量旋鈕

這是所有新手最常會犯的錯誤，這個習慣正在摧毀你的判斷力。

很多人混音時覺得聲音太小，就順手去轉大錄音介面或喇叭的總音量旋鈕。這個動作每做一次，都在傷害你對聲音 ”基準點“ 的判斷。

混音的本質是判斷各樂器之間的 “比例”，讓聽眾的耳朵感覺到舒適。 但如果你的音量基準點一直在變化，你就無法客觀判斷當下，是那個樂器是真的太小聲，還是只是你剛才不小心把整體音量調低了？

所以請遵守以下的混音鐵則：

1. 永遠把監聽設備的實體旋鈕固定在一個位置，不去動它！
2. 永遠不要調整 Master Track 總輸出的音量推桿。
3. 如果需要調整大小聲，只動 DAW 裡個別樂器的推桿。
   

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致命錯誤 03：用超大音量混音

大聲≠細節多，這是一個讓很多人走很多彎路的誤解。

開大音量做音樂會讓你感覺很爽、很嗨，但音量開太大，就像把一張素描放到 400% 去看細節。你只看得到鼻子上的筆觸，卻完全無法判斷整張臉的五官比例、整張畫的構圖。

混音的核心是 “整體比例的平衡” （Balance），所以不是越大聲就聽得越清楚；反而是音量越小，你越能聽清楚所有樂器融合在一起的整體感，更容易發現哪個樂器太突出、哪個聲音消失在背景之中。

分享一個小 Tips ：養成在小音量下做混音判斷的習慣，偶爾需要感受整體音壓時，再調大音量確認細節，這才是正確的混音習慣。

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致命錯誤 04：拿未混音的作品跟商業歌曲比大聲

這個比較本身就是一場嚴重誤會，並且不斷打擊無數初學者的信心。

首先必須理解，你的作品現在在 “混音階段”，最需要的是保留著充分的動態空間（ Headroom ），聽起來當然比線上已發行的歌曲小聲。

商業歌曲在發行之前，就已經經過 “母帶後製”（Mastering），以及專業聲音工程師用 Compressor 和 Limiter 把整首歌的動態進行後製修飾、盡可能地在保留動態的情況下，將音量推到最大。你拿一個還沒上 Limiter 的作品去和它比，就像拿一塊麵糰去跟烤好的麵包比大小！

它們根本不是同一個狀態下的型態。

初期混音聲音比較小是完全正常的現象，接受它；把心思放在調整比例、分離互相干擾的頻率。 等進入母帶後製階段，音量自然會上來。

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致命錯誤 05：只看總輸出，沒有開 Pre-Fader Metering 檢查

這是比較少人會發現的一個錯誤..

有時候你把某條軌道的推桿拉小，總輸出看起來正常、沒有亮紅燈，但聲音聽起來就是破掉了。為什麼？

這是因為 數位聲音碎裂是發生在訊號 “進入推桿之前“。你把推桿拉小，只是讓一個已經破掉的訊號變小聲，而數位失真的特性卻依然保留在訊號中。而且數位破音一旦發生，就算後面再怎麼拉小訊號，都救不回來。

解法方法：檢查並打開 DAW 裡的Pre-Fader Metering模式。讓你能看到每一條音軌在進入推桿前的真實訊號狀態。記得：如果聲音在源頭就髒掉了，你就必須從源頭進行調整，而不是只拉低推桿假裝聽不見..。

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預算有限的器材升級邏輯：一個金字塔告訴你答案

很多初學者一開始就問「該買哪個監聽喇叭好？」，但其實這個問題根本就問錯了...

如果你想要認真的訓練自己的耳朵、或是進行複雜的混音；那麼真正需要克服的問題是：「在有限的預算和空間條件下，什麼器材才能讓你 “準確地聽到聲音的原貌”？」

如果你想用最少的錢發揮最大效益，我推薦的器材升級的順序是這樣的：

Level 1（ 絕對不能用 ）：筆電內建喇叭

無法呈現低頻，環境干擾大，只能確認音高，無法判斷音色與比例。（如果真的沒有預算，去買一隻 Apple 的有線耳機，也會比一般喇叭好 ）

Level 2（初學者核心首選）：監聽耳機

讓耳機內的聲音直接傳達到你的耳朵，完美避開空間的反射與渲染。就算是只有幾千塊的監聽耳機，效果也絕對勝過 “買十幾萬的監聽喇叭放在錯誤空間裡..”。

Level 3（ 進階，需要配合聲學處理 ）：監聽喇叭

如果你工作的房間沒有做專業吸音，低頻會產生嚴重的駐波（ 轟鳴聲 ）。在不對的環境下，就算買再貴的喇叭聽到的聲音還是錯的。

這時候建議時不時還是要用監聽耳機進行聲音確認！在那之前你需要一隻自己已經很熟悉的監聽耳機。

結論：先買監聽耳機，等你混音技術和空間條件都成熟了，再考慮監聽喇叭。

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如何挑選監聽耳機？兩個最重要的條件

無染色（ Flat Response）

好的監聽耳機應該是 “忠實呈現” 的，不該為了讓你覺得好聽而刻意加強高頻或低頻（ 染色 ）。而那些上萬塊的消費者耳機通常會用「 Smiling Curve（ 笑臉曲線 ）」來討好耳朵。

高音亮、低頻中，用調教後的聲音去討好消費者的喜好；但這樣一來，身在這調整階段的你，就永遠聽不到聲音的原貌。

樂器之間的分離度（ Separation ）

一隻好的監聽耳機，必須能讓你清楚的聽到每個樂器的位置、顆粒細節與頻率範圍。分離度越高的耳機，越能讓你在混音時，能有精準的判斷、協助你做出正確的調整方向。

封閉式耳機 vs 開放式耳機：

封閉式耳機有基本的防漏音設計，可以讓主唱在錄製人聲時減少耳機的漏音，避免讓麥克風收到伴奏音樂。

開放式耳機聲音會更加開闊、自然，即使長時間混音也不容易產生耳朵悶脹的不適感。很多專業混音師也都偏好用開放式的耳機進行長時間的工作。（ 但並不是絕對，純屬混音師與音樂人的個人喜好 ）

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如何從零開始訓練耳朵：4 個階段

知道怎麼選器材之後，更重要的是如何正確的訓練你的耳朵？

器材只是工具，真正決定混音品質的是你的聽覺判斷。

階段一：校準你的大腦（難度 ★☆☆☆）

不要只有做音樂時才戴監聽耳機。

平常工作、休閒、通勤的時後，就持續用你的監聽喇叭、耳機，去聽你喜歡的音樂。目標是建立一個 “聽覺基準” （ Anchor Point ）。

你必須先知道 “好聽、正確的聲音”，在這副耳機裡聽起來應該是什麼樣子？接著才能在做音樂時，以此為基準，來判斷自己的作品哪裡該進行調整。

階段二：解析度辨識訓練（難度 ★★☆☆）

找同一首歌的 YouTube 版本（ 以壓縮過的音質 ）和購買的無壓縮的 WAV / AIFF 版本，接著反覆切換聆聽比較。

如果你聽不出兩者的差異，你的耳朵就還沒有能力分辨混音時的微小差距。這個練習就是在訓練你對 “細節顆粒度” 的感受力。

高解析度的音檔，會保留原始混音的所有細節，低解析度的音檔會讓動態和高低頻細節消失。如果你能聽出這樣的差異，代表你的耳朵已具備細節的辨識力。

階段三：逆向拆解聲音平衡（難度 ★★☆☆）

下載混音比賽的純分軌檔（ Stems ／ MultiTrack File ），把所有音量推桿歸零後（ -∞ ），在不掛任何效果器的情況下，純粹依靠耳朵的判斷力把樂器一軌一軌拉起來，讓自己練習找出 “音量平衡的比例“ （Volume Balance）。

這個練習的核心是：讓自己了解到 混音的本質是平衡，不是盲目的加更多效果器。 如果一開始就把主角和配角的音量比例抓錯，後面就算你加了再多 EQ 也只是增添煩惱。

階段四：拆解官方 Demo 專案（難度 ★★★☆）

打開 DAW 內建的 Demo Project，把上面的效果器（EQ、Compressor、Reverb ）全部關閉（ Bypass ），讓聲音回到最乾的狀態，觀察原始的聲音比例應該長什麼樣子？

例外： 如果某個效果器是在塑造該樂器的根本音色（ 例如電吉他的破音 Amp ），那就絕對不能關閉，否則你的音量起跑點會是錯的。

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最終防雷清單（The Mixdown Checklist）

在你開始混音之前，請務必確認這 5 件事：

• ✅ 我有一副專業的監聽耳機，且已經在日常聽歌時已熟悉它的個性
• ✅ 我的介面與喇叭總音量旋鈕經常固定在同一個音量位置，不會隨便調整。（ 如果被調整過可以立即聽出差異！）
• ✅ 混音時，會適時把監聽音量調小來聆聽整體比例
• ✅ 在掛上任何 EQ 或 Compressor 前，會先靠音量推桿拉出的不同音色的比例，並確認它們是和諧的狀態。
• ✅ 所有的軌道（ 在 Pre-Fader 模式下檢視 ）都沒有亮紅燈，也沒有爆音。
  

先懂聽，才能選對音色；用對工具，你的耳朵才會進化。

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感謝你的閱讀與分享：下一步

這篇文章我試著用最好理解的方式去解釋混音的底層邏輯，如果你想把這些觀念實際應用在你的音樂製作中，我整理了以下這些資源，希望可以幫助到你：

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LUNA 的設計邏輯和其他 DAW 不一樣。它的某些功能只在特定模式下才會出現，某些設定甚至只差一個按鈕、卻會導致完全不同的結果。問題不是你的耳朵，也不在硬體跟設備，在於你不知道 LUNA 背後的運算邏輯。

這篇文章我幫大家整理了 6 大新手最常踩的坑，並且附上原因和對應解法。

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盲點一：找不到 Unison 和 Record FX，不是消失了，是模式不對

症狀： 打開 LUNA，怎麼找都看不到 Unison 前級模擬或 Record FX 插槽。

這是新手最常問的問題，原因幾乎都一樣：你沒有連接 Apollo 錄音介面。

LUNA 有三種運算模式——Apollo Mode／Core Audio／ASIO。Unison 和 Record FX 都是 Apollo 獨有的硬體加速功能，只有在同時滿足以下三個條件時才會出現：

1. 已連接 Apollo 硬體
2. 系統正處於 Apollo Mode 的狀態下
3. 該軌道已開啟「錄音（Record）」或「輸入（Input）」已啟用
   

如果你用的是 Volt、Scarlett 或其他非 Apollo 的錄音介面，在 Core Audio 或 ASIO 模式下，這些插槽根本無法使用。這不是 Bug，是 Universal Audio 設計上的邏輯 —— 因為Unison 的模擬運算跑在 Apollo 的 DSP 晶片上，沒有那塊晶片就沒有這個功能。

📝 確認方式：打開 LUNA 左上角的錄音介面選單，確認目前使用的模式。

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盲點二：ARM 模式掛了第三方插件，聲音不見了

症狀： 開啟 ARM 模式準備使用低延遲監聽，卻發現加了插件之後完全沒聲音，或插件被自動禁用。

ARM（ Accelerated Realtime Monitoring ）是 LUNA 最吸引人的功能之一，它可以把監聽延遲壓到 2 毫秒以下。但它有一個嚴格的限制：ARM 模式不相容第三方的 Audio Unit 或 VST3 插件。

當軌道開啟 ARM 時，只要你放了非 UAD DSP 的插件，LUNA 會自動停用該插件並跳出警告。這是因為 —— 超低延遲監聽需要所有運算必須都在 Apollo 的 DSP 晶片上完成，但第三方原生插件跑在 CPU 上，兩者無法共存。

同樣的限制也適用於 UADx 插件（ 使用電腦內的 CPU 進行運算版本 ）：UADx 不能放在 Record FX 或 Unison 插槽中，那兩個插槽只接受可以跑在 DSP 上的 UAD 插件。

正確做法：

• 如果你需要低延遲監聽，開 ARM，必須只用 UAD DSP 插件。
• 如果你必須監聽第三方插件的效果，關掉 ARM，接受稍高的延遲。
  

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盲點三：Record Enable 和 Input Enable 傻傻分不清

症狀： 按了紅色錄音按鈕，靜止時可以聽到樂器聲，但一按播放就消失了。

這是新手錄音時最常卡關的一個點，但只要理解了就不會再搞混了。

LUNA 有兩個看起來很像、功能卻完全不同的按鈕：

紅色按鈕：錄音啟用（ Record Enable ）

按下去之後，在「停止」或「錄音中」的狀態下可以聽到輸入訊號；但只要你按下播放鍵（ Play ），LUNA 會自動靜音輸入訊號，只播放軌道上已錄製的音訊素材。

藍色按鈕：輸入啟用（ Input Enable ）

不管系統處於任何狀態 —— 停止、播放、錄音——輸入訊號都會持續傳入。

什麼時候用哪個？

• 只是要錄音：按下紅色的準備錄音鍵就夠。
• 需要在播放伴奏的同時持續監聽麥克風或樂器：按下藍色的監聽按鈕。
• 即時演奏或直播 Podcast 需要即時監聽：一樣是藍色的監聽按鈕 。
  

📝 提醒：藍色 Input Enable 長時間開著，要注意不要讓輸入訊號錄進不該錄的軌道。

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盲點四：設定全對，但 LUNA 就是錄不到聲音

症狀： 硬體接好了，系統顯示有輸入訊號，LUNA 的音量量表有反應，但就是錄不進去任何音訊。

這個問題幾乎都會發生在第一次安裝 LUNA 的用戶身上。

macOS 在你第一次開啟 LUNA 時，會跳出一個「是否允許存取麥克風」的系統授權提示。如果當時不小心點了「拒絕」，或者根本沒注意到就略過了..；那你的LUNA從此後就完全無法錄製音訊——即使硬體軟體完全正常。

解決方法很簡單：

系統偏好設定 → 隱私權與安全性 → 麥克風 → 找到 LUNA → 打開允許授權。

重新啟動 LUNA 之後就能正常錄音了。

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盲點五：改了 BPM，錄好的音訊沒有跟著跑

症狀： 改完專案的速度（BPM），音訊素材的長度沒有變，整個時間軸都錯位了（無法對拍）。

這不是 LUNA 的 Bug，是軌道模式的問題。

LUNA 的軌道有兩種時間同步模式：

Clips Follow Tempo（Clip 跟隨曲速）

音訊素材會隨著 BPM 自動做時間伸縮（ Time-stretch ）。改了 120 BPM 到 140 BPM，素材自動縮短、保持在正確的小節位置。

Unsynced Mode（未同步模式）

音訊會保持原始長度，只固定在絕對時間位置（ 秒數 ）。就算BPM 改了，素材依舊不會移動，小節對位就會全亂掉了。

什麼時候用哪個？

• 製作時還在探索 BPM、或需要讓音樂素材跟著節奏走：用 Clips Follow Tempo。
• 錄製的是真人對話、旁白、環境音這類不需要跟節拍同步的素材：用 Unsynced。
  

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盲點六：清理硬碟，不小心毀掉整個專案

這點必須分兩個層次；而且都是不可逆的操作，所以要特別說清楚。

清理未使用音訊時誤清 Undo 紀錄

LUNA 有「持久復原（Persistent Undo）」功能，關閉專案再重開，依然可以無限次復原。這個功能極其強大，但有一個陷阱。

當你執行「清理未使用音訊（Trash Unused Audio）」釋放硬碟空間時，LUNA 會問你是否一併清除 Undo 佇列。如果你選擇清除，就永遠失去了回到過去任何編輯狀態的能力。

建議原則：除非你確定這個專案已經完全定案，否則不要在清理時清除 Undo 紀錄。硬碟空間比專案的可逆性便宜。

誤刪 LUNA Sessions 資料夾

LUNA 預設把所有專案、音訊、編輯資料庫存在這裡：

Mac：~/Music/LUNA Sessions
Windows：Documents\LUNA Sessions

這個資料夾存的不只是專案檔，還有你所有錄製的音訊原始檔案。如果你在整理電腦時誤刪這個資料夾，而且沒有備份，所有 LUNA 專案將永遠遺失，無法復原。

建議做法：用 Time Machine 或 Synology NAS 對這個資料夾設定自動備份。因為這是你在 LUNA 裡所有心血的唯一備份資料！

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快速對照表

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LUNA 感覺好複雜，還是我換一套軟體學習好了？你在糾結的其實不是軟體..

在我過去超過十年的教學經驗中，遇過不少學生都會在第一堂課問我「老師你覺得該選哪一套軟體比較好？」 關於這點你可以參考我之前寫過的文章：選錯 DAW 會後悔？好軟體決定了你做音樂的效率？2026 LUNA vs Ableton 完整攻略＆分析比較

軟體不是你卡關的原因,猶豫才是！

我要講一個大部分教學文章不會老實跟你說的觀念：「軟體本身根本不是你做不出音樂的原因。」

真正卡住你的是「堅持下去把所有不懂的知識內化成你前進的動系」這件事本身很難，因為你需要強大的意志力，讓自己即使在面臨挫折時也能堅持下去。而研究軟體評測、比較錄音介面、或是不斷地在 YouTube 上看教學影片，都是一種 “感覺自己在進步、但其實卻是一直在迴避真正困難那件事.. “執行力”。

沒有執行力這件事，不會因為你選對軟體就消失 —— LUNA的音質再好、Ableton的生態系再成熟，都不會因為你選了這些軟體，就可以加速做完那首歌。

你可以用最陽春免費軟體做完整張EP，也可以買了頂規全套器材與外掛後，覺得自己沒有天份而放棄；差別從來不在軟體＆器材，而是在於你有沒有給自己一個 “不管多難，都要做完一首歌的「決心」。

感謝你的閱讀與分享：

搞懂這 6 個盲點之後，相信你已經開始搞懂 LUNA 的錄音邏輯。如果你想系統性地學習數位音樂製作，歡迎 訂閱電子報（ 不定期分享 DAW 實戰觀念 ）

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其實不是你沒有天分。只是你用「學樂器」的方式在理解一個「樂高積木」。

這篇文章整理了我在教學現場最常跟學生說的三件事。你不需要會彈琴，不需要懂五線譜，只需要先建立正確的思維框架——剩下的，軟體會幫你。

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先搞清楚：AI 生成音樂 vs 自己用 DAW 做，差在哪？

很多人現在第一步不是打開 DAW，而是打開 Suno 或 Udio，輸入幾個字就生成一首歌。

這不是壞事，但你要知道它的限制。

AI 生成音樂就像擲骰子——你可以設定方向，但結果永遠帶有隨機性，很難 100% 做出你腦海裡那個精準的樣子。你沒有辦法只改副歌的鼓聲、單獨抽掉某個音符、或者讓貝斯在第三拍多停一拍。

DAW 不一樣。學習曲線確實比較陡，但你對每一個聲音、每一個細節都有完全的控制權。這才是「創作」，不是「生成」。

如果你想做出屬於自己的聲音，DAW 是唯一的路。
Ｑ：「你想要直接看遊戲的破關畫面？還是體驗遊戲的過程與樂趣？」

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Ableton 的兩個工作模式：你需要先知道它們在做什麼

很多初學者打開 Ableton，第一個問題是：「這麼多個視窗是幹嘛的？」

但其實這個軟體最核心的設計邏輯，就是發想（Session View）與整理（Arrangement View）」，搞懂它，你做音樂的速度會快三倍。

Session View：偵探白板，用來找靈感

Session View 是一個網格介面，沒有時間軸，沒有先後順序。

它的設計邏輯是：先把所有的音樂點子全部貼上去，再慢慢找出哪些搭在一起好聽。 就像偵探辦案時把所有線索貼在白板上——你不需要管這條線索是幾點發生的，你只需要找蛛絲馬跡，看看哪些東西之間有關係。

初學者在這裡做的事很簡單：把素材庫裡的鼓聲、貝斯、旋律一個一個試聽看看，找到喜歡的組合就拉進來搭配看看。

Arrangement View：積木盒，用來定架構

找到喜歡的組合之後，你需要決定這首歌的起承轉合——什麼時候進副歌、中間要不要有橋段、結尾怎麼收。

Arrangement View 就是做這件事的地方。它是傳統的線性時間軸，音樂的播放會由左至右，在這個視窗裡你可以清楚看到整首歌的結構長什麼樣子。

一個重要的觀念：這兩個視窗不是二選一，而是搭配使用的。 Session View 找靈感，Arrangement View 定架構，按一個 Tab 鍵可以快速切換，就是 Ableton 的核心工作流。

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重點一：MIDI 和 Audio，到底差在哪裡？

這是所有初學者最容易混淆的概念，畢竟現在 MIDI 跟 Audio 之間的界線也愈來越模糊；但其實可以用一個比喻就能說清楚。

Audio（音訊檔案）是打好的木瓜牛奶。

木瓜和牛奶已經打在一起了，你沒有辦法把它們分開，也沒有辦法把木瓜換成芒果。它是一個固定下來的波形，你只能整體處理，無法抽離單一元素。

MIDI 是還沒打的木瓜加牛奶——食材還在。

木瓜切好放在那，牛奶另外放。你可以隨時把牛奶換成豆漿，把木瓜換成芭蕉，改變最終的口感。在 DAW 裡，MIDI 記錄的是「哪個音、在什麼時間點、音符有多長」的資訊，但具體是什麼樂器發出這個聲音，你可以隨時換。

這對初學者意味著什麼？

優先用 MIDI 工作。你可以在做完整首歌的結構之後，再決定這段旋律要用鋼琴還是弦樂，要用原聲吉他還是電吉他。改變音色不需要重新彈，只需要換一個音源插件。

Audio 的使用時機是：當你錄了真實樂器、或者收到合作者提供的音訊素材。這時候它就是固定的 Audio 檔案，後製時只能用 EQ 和音頻效果器去進行加工處理整體，跟換音色的本質。

補充：有些軟體可以把 Audio 人聲轉換成 MIDI 音符，但如果原始錄音有很多殘響，轉換正確率會大幅降低 — 就像加了美顏濾鏡的照片，很難還原成真實的樣子。
延伸閱讀：Ableton Live 完整入門指南

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重點二：做音樂不需要從零造句，你先學穿搭

很多人覺得作曲一定要從頭開始 — 先想旋律、再寫和弦、再配節奏。這個觀念讓無數初學者卡在起點。

有一個更低門檻、而且同樣有效的方式：拼貼作曲法。

想想你每天早上怎麼決定穿什麼。你不需要是服裝設計師，也不需要自己縫衣服。你只需要打開衣櫃，看看今天的心情，把上衣和褲子搭配在一起，再決定要不要戴帽子。

做音樂也可以是同樣的邏輯。你不需要親手「創作」每一個聲音，你可以使用現成的素材庫 —— 找出鼓的節奏、貝斯 Loop、和弦片段 —— 然後根據自己的品味去搭配，決定哪個節奏搭哪個旋律？哪段和弦放在副歌聽起來最對。

品味的養成必須在技術之前。

「好不好聽？」「搭起來有沒有怪怪的？」這些直覺，就是品味。而直覺跟品味每個人都不一樣！也許你懂聽，只是還不知道該怎麼拆解跟組合？

我的建議是：「現在就開始訓練，不需要等到學會樂理之後。」

先去分析你喜歡的歌曲，他用了什麼樂器？為什麼要這樣用？每個段落的循環是什麼樣的？了解頻率之間的安排與設計之後；再回頭學習樂理。

因為「樂理應該是幫你驗證直覺的工具，不是讓你卡住的門檻。」

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重點三：音量不平衡，整首歌就垮了

做出一首歌之後，很多人的第一反應是：「聽起來好像哪裡怪怪的，但又說不出來是哪裡。」

九成的情況，問題出在音量平衡。

混音（ Mixing ）最基本的工作，就是確保每個樂器的音量比例是對的，聽起來是和諧的整體，而不是某個聲音太突出、某個聲音又消失在背景裡。

想像廚師在炒菜。鹽放太多，這道菜就毀了；肉放太少，整個口感就變了；醬油和水的比例對了，食材的味道才能完整地呈現出來。混音就是這件事 —— 就是調整每個樂器各自該佔有多少「空間」，讓它們加在一起之後聽起來舒服。

當基本平衡做對了，你才可以開始加「調味料」：例如：殘響（ Reverb ）給聲音一點空間感，延遲（Delay）讓旋律有一點餘韻，就像咖啡上面撒一點肉桂粉，不是必要的，但加對了會讓整體更完整。

先學平衡，再談技巧。 很多人還沒做到平衡就開始堆效果器，結果越加越亂..

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從即興到完成一首歌，只需要三個步驟

把以上這些觀念放在一起，Ableton Live 的核心工作流就很清楚了：

Step 1｜Session View 把玩素材

把鼓聲、貝斯、旋律、和弦一個一個試，找到你喜歡的組合。不需要完美，只需要「這樣搭起來感覺對」。

Step 2｜按下 Arrangement Record，把即興過程記錄下來

找到喜歡的組合之後，切回 Arrangement View，讓 Ableton 把你的 Session View 即興過程錄製成線性排列。什麼時候要進鼓？什麼時候加和弦？你先前所做的所有搭配組合跟決定都會被記錄下來。

Step 3｜在 Arrangement View 精修

有了基本的結構之後，開始做細節：哪段要刪、哪個地方的音量要調、結尾要怎麼收。這是讓「粗胚」變成「完成品」的步驟。

不需要完美，先把它做完。

很多初學者卡在第一步，因為覺得要等到「準備好了」再開始。但品味是在做的過程中養成的，不是在等待中長出來的。

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感謝你的閱讀與分享：下一步..

這篇文章說的是框架，下一步是讓你把框架用起來。

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這是幾乎每一位剛開始學編曲的人都會卡住的地方。問題通常不是你加得不夠多，而是你加錯方向了。

以下六個觀念，是我在過去音樂製作教學裡，最常分享給學生的核心心法。搞懂這些，你對聲音的判斷力會再往上跳一個層次。

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一、選對樂器，強過你加一堆東西

做音樂就像佈置房間。20 坪的空間只放幾張小茶几，當然會覺得空；這時候你不需要一直搬一些小凳子進來，而是應該挑一張氣派的餐桌，或是一個足以定調風格的核心傢俱，整個空間馬上就變得不一樣了。

聲音也是一樣的道理。你之所以會一直想加東西，通常是因為你的聲音在頻率上沒有補到該補的位置。解法不是繼續疊更多音符，而是挑一個頻率夠寬、夠飽滿的聲音，把空洞補起來，一個頂十個。

小訣竅：「先問自己：這個位置需要的是什麼頻率範圍的聲音？再去找對應的音色，而不是先挑一個「聽起來很酷」的聲音再想辦法塞進去。」

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二、混音的世界裡，減法大於加法

選音色時有一個常被忽略的原則：一開始就要選足夠豐富的聲音，後面才有辦法用 EQ修剪。

這就像去剪頭髮，你必須先留長才能剪短。你沒有辦法頂著平頭，要求設計師給你一個長髮男的造型。

EQ 的本質是「切掉不要的頻率」，而不是「創造原本沒有的聲音」。如果你一開始就選了一個單薄的音色，再怎麼用效果器推，聽起來還是會假。真實樂器是錄製下來的，它的泛音結構、空氣感都在那裡，硬推出來的東西永遠沒有那個質感。

把不要的拿掉，你才會發現你需要的。

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三、挑適合這首歌的音色；不是你喜歡的音色！

初學者最常犯的錯是：在音色庫裡挑音色的時候，常常聽到某個聲音覺得很酷，就直接拉進來用。

但一首歌所有的聲音拼在一起，必須是和諧的整體，而不是各自精彩的聲音大雜燴。這就好像整形手術，每個部位單獨看都很精緻，但如果不搭，擺在同一張臉上就是怪。

調整任何一個效果，都應該是為了解決某個問題而存在；不是因為你在 YouTube 上看到別人這樣調，你就照個做放到自己的歌曲裡。專業的音樂製作人和初學者最大的差距，就在這裡；前者的每一個選擇跟動作都是有理由的，後者是跟著感覺在試。

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四、先有骨架，才能撐起皮膚

編曲有一個順序：點 → 線 → 面。

鼓是「點」、貝斯（旋律）是「線」、和弦是「面」。大鼓跟小鼓是整首歌的骨架，它們決定了聽的人會不會想跟著音樂搖擺。

想像捏黏麵人（偶）的過程：你會發現匠人總是先用鐵絲折出骨架，再黏上黏土當肌肉，最後才是幫人偶穿上衣服。如果你順序反過來，先弄外表再思考骨架，整個東西會癱軟在那。

很輕鬆的做法應該是，等節奏骨架穩固咬合主旋律之後，再慢慢把和弦跟其他樂器一層一層疊上去，每一層樂器都有它專屬的位置，整首歌自然會有結構感。

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五、你需要的是緊緊咬住的齒輪

大鼓和貝斯的關係，就像兩個齒輪。它們必須在同樣的位置一起出現，頻率才會重疊、才會有力量。

如果大鼓在一、三拍，貝斯在二、四拍，兩個人各走各的，整首歌聽起來就會很鬆散，就算你把貝斯低頻調高，這首歌依舊沒有重量。

有趣的是，有時候讓聲音變短反而更有力。Hip-hop 裡 Sustain 很長的貝斯如果連續發聲，就會跟 Kick 糊在一起相互干擾（ 所以才會設定 Sidechain Compression ）；但如果你把貝斯調短、讓它緊跟著大鼓，就會產生一種乾脆俐落的擊中感，像鑿子在精準打點般，而不是一片模糊的牆壁。

小訣竅：「你不一定要加很多東西，重點是你的節奏有沒有跟主旋律咬在一起。」

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六、真正控制情緒的，是旋律和和弦

最後一個也是最容易被忽略的：讓歌曲開心或憂鬱的，不是你用了多少插件，重點是主旋律與和弦的選擇。

同一句旋律，配上亮一點的和聲（ Major ），聽起來陽光；配上帶有糾結感( minor ) 的和聲，整個情緒就會沉下去了。這個情感的設計不需要任何效果器，只需要你對和弦情緒有感受力。

最終，我個人認為「樂理的作用是驗證你喜歡的歌為什麼好聽，而不是讓你卡在理論裡反推每一個音符。相信你的耳朵，用樂理確認，而不是用樂理去創作。」

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整理一下這六個核心

1. 選擇頻率夠寬的聲音；不要靠數量填空
2. 音色要先豐富；EQ 才有東西可修剪
3. 選適合這首歌的聲音；而不是你覺得酷的聲音
4. 編曲順序：點（ 鼓 ）→ 線（ 貝斯 ）→ 面（ 和弦 ）
5. 大鼓＆貝斯要咬在一起，聲音才有力量
6. 情緒來自旋律與和弦，不來自外掛插件的數量
   

這六件事，值得你花時間去思考；很多人學了好幾年 DAW 都還沒想清楚這點。如果你現在能把它們內化成直覺，你的編曲判斷力會跟一般自學者拉開明顯的距離。

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我是 LiSWEi.com 的 Wuli

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教錄音、混音不知不覺也差不多10年了，我最常被自媒體創作者問到的問題就是：「老師，為什麼我的訪談音質這麼差？明明都用同一支麥克風錄音了啊！」

問題出在哪？因為你用的是「合併收音」，而不是「分軌收音」。

這篇文章會跟你分享：什麼是分軌收音、為什麼分軌收音對訪談影片這麼重要，以及 RØDE Wireless Camera Kit 如何用一個簡單的設定，讓你的訪談音質提升 300%。

如果你是自媒體創作者、Podcaster 或是需要經常錄製訪談影片的人，這篇文章就是寫給你的。

什麼是「分軌收音」？為什麼訪談影片一定要分軌？

很多人以為「２隻麥克風」就等於「分軌收音」。

但真相是：「 即使你用了兩支麥克風，如果音訊是 ”合併“ 在一起的，後製時你還是無法分開調整兩個人的音量。」

合併收音 vs 分軌收音的關鍵差異

合併收音（Merged Mode）：

• 兩支麥克風的聲音「混在一起」，錄成一個音軌
• 後製時無法分開調整２個人的音量
• 適合：一個人自拍、Vlog
  

分軌收音（Split Mode）：

• 兩支麥克風的聲音「分開」錄製，左右聲道各一軌
• 後製時可以分別調整兩個人的音量、EQ、降噪
• 適合：訪談、對談、雙人 Podcast
  

為什麼訪談影片一定要分軌？

舉個例子：你和來賓錄製一段訪談。來賓的聲音很大聲，但你的聲音比較小聲。

如果用合併收音：

• 兩個人的聲音混在一起
• 後製時你想把自己的聲音調大，結果來賓的聲音也跟著變大
• 最終結果：來賓的聲音爆掉（ 那絕對是你不會喜歡的聲音 ），但是你的聲音還是太小..
  

如果用分軌收音：

• 兩個人的聲音分開錄製
• 後製時你可以單獨把自己的聲音調大，而來賓的聲音保持不變
• 最終結果：兩個人的聲音都清楚且平衡！
  

這就是為什麼專業的訪談節目、Podcast 都會用分軌收音。

📝 行動建議：下次錄訪談前，先確認你的麥克風是否支援 “分軌收音” 功能。如果不支援，那你錄完後會很痛苦。

RØDE Wireless Camera Kit 如何實現分軌收音？3 秒切換，零技術門檻

我從 2026 年 3 月開始用 RØDE Wireless Camera Kit（包含 Wireless Micro 發射器與 Camera Kit 相機接收器）。最大的感受是：這可能是最適合同時使用手機與相機的自媒體創作者的無線麥克風組合了。

特色 1：分軌收音只需要 3 秒切換

RØDE Wireless Camera Kit 內建「Merged」和「Split」兩種模式：

Merged 模式（預設）：

• 兩支麥克風的聲音合併成一軌
• 適合：自拍 Vlog、一個人錄音
  

Split 模式：

• 左聲道錄 “麥克風 1”，右聲道錄 “麥克風 2”
• 適合：訪談、對談、雙人 Podcast
  

如何切換？

1. 打開 RØDE Central App（可免費下載）
2. 找到「Channels」
3. 選擇「Split」
4. 完成！
   

整個過程不超過 3 秒，完全不需要任何技術背景。

📝 行動建議：收到 RØDE Wireless Camera Kit 後，第一件事就是下載 RØDE Central App，熟悉「Merged」和「Split」模式的切換。這會讓你的後製效率提升 300%。

特色 2：插上手機就能用，不需要任何設定！

很多無線麥克風需要 “配對” 、”設定“、”調整增益“。但 RØDE Wireless Camera Kit 完全不需要。

使用流程：

1. 從充電盒拿出發射器（麥克風）
2. 把接收器插到手機（USB-C）
3. 開始錄音
   

就這樣，沒了。

PS. 如果只用 iPhone 錄製對談，可以直接用藍牙連接發射器，不需要接收器；若要連接相機，再加上 Camera Kit 的接收器即可。

特色 3：21 小時續航，一整天拍攝沒問題

電力配置：

• 麥克風本體：7 小時
• 充電盒額外提供：2 次充電（14 小時）
• 總續航：21 小時
  

實際測試：使用到現在，還沒遇過想用卻沒電的情況。

特色 4：磁吸式設計，3 秒戴好麥克風

RØDE Wireless Camera Kit 的麥克風採用「夾式 + 磁吸」雙重設計：

方式 1：夾在衣領上

• 直接夾在 T-shirt 領口、襯衫領子
  

方式 2：磁吸固定

• 在衣服內側放磁吸片，外側放麥克風
• 適合：沒有領子的衣服、運動服
  

實際測試：我試過夾在襯衫領子、T-shirt 領口、甚至是外套拉鍊上，都算穩固。即使錄製時走動、轉頭，麥克風也不會掉落。

📝 行動建議：拍攝前，先試著把麥克風夾在不同位置（ 領口、胸口、肩膀 ），聽聽看哪個位置的收音最清楚。一般來說，越靠近嘴巴的位置，收音越好。（記得把收音的麥克風朝向嘴巴的方向）

RØDE Wireless Camera Kit vs Wireless GO III：哪個更適合自媒體創作者？

很多人會問：「RØDE Wireless Camera Kit 和 Wireless GO III 差在哪？我該買哪個？」

對比表

我的建議：根據你的拍攝設備選擇

選 Wireless Micro & Camera Kit 如果你：

• 同時使用手機與相機拍攝
• 需要快速上手，不想花時間研究設定
• 預算有限（NT$4,000 以下）
• 拍攝短影音、訪談、Vlog
  

選 Wireless GO III 如果你：

• 主要用相機拍攝，需要搭配領夾麥克風獲得更乾淨的收音
• 需要 32-bit float 機身錄音、超長距離傳輸等進階功能
• 預算充足（NT$8,000 左右）
• 拍攝專業影片、紀錄片
  

我自己用 Wireless Micro & Camera Kit 的原因：

• 80% 的拍攝都是用 iPhone，但有時候又想使用相機進行更專業的拍攝
• 連接超快速且方便
• 輕便，放在口袋裡隨時可以拍
  

📝 行動建議：先確認你主要用什麼設備拍攝。如果是手機，直接買 RØDE Wireless Micro；有需要連接相機再加購 Camera Kit，因為它可以同時連接相機跟手機。如果有更進階的錄音需求，再考慮 GO III。

分軌收音後製實戰：如何分別調整兩個人的音量？

因為很多人買了支援分軌收音的麥克風，但不知道怎麼在後製時分開調整音量，所以在這篇簡單說明一下如何做到：

Step 1：確認你的麥克風是「Split 模式」

1. 打開 RØDE Central App
2. 找到「Channels」
3. 選擇「Split」
4. 錄音時，麥克風 1 的聲音會錄到左聲道，麥克風 2 的聲音會錄到右聲道
   

Step 2：在影像剪輯或音訊後製軟體（DAW）中將左右聲道的音軌分開

1. 打開 Final Cut 或 iMovie，匯入影片
2. 點選影片下方的音訊波形
3. 點選「分離音訊」（Expand Audio）
4. 這時你就可以看到影片的音軌跟影像分離了
   

Step 3：分別調整兩個人的音量

1. 點選音軌選擇 Dual Mono，然後將左右聲道的下拉選單都選成（Dialogue-1）
2. 複製音軌重複上述動作後，將左右聲道的下拉選單都選成（Dialogue-2）
3. 針對剛才分離的音軌分別調整音量（例如：+6~9dB）
   

Step 4：匯出影片

調整完音量後，直接匯出影片即可。

如此一來你就可以得到以下結果：

• 兩個人的聲音都清楚且平衡
• 不會有「一個人太大聲、一個人太小聲」的問題
  

📝 行動建議：第一次嘗試分軌收音時，請先錄一段 30 秒的測試影片，確認左右聲道是否正確分開。這樣正式拍攝時才比較不會出錯。

RØDE Wireless Camera Kit 的 3 個隱藏功能，讓你的收音品質再提升

隱藏功能 1：Noise Reduction（降噪功能）

RØDE Wireless Camera Kit 內建「智慧降噪」功能，可以透過 RØDE Central App 開啟。

降噪等級：

• OFF：不降噪（適合安靜環境）
• LOW：輕度降噪（適合室內）
• HIGH：強力降噪（適合戶外、吵雜環境）
  

📝 行動建議：先在吵雜環境錄音，優先開啟 HIGH 降噪測試，錄完後回家再聽聽看效果。如果覺得聲音太「乾」，之後可以改成 LOW 的降噪模式。

隱藏功能 2：Output Gain（輸出增益調整）

如果你不太會使用電腦的影像製作軟體，也可以透過 RØDE Central App 在 Direct Connect 調整不同麥克風的輸出音量「Output Gain」。

什麼時候需要調整 Gain？

• 建議在正式開始錄製之前先測試一下兩人的音量差異
• 再根據測試後的音量去微調麥克風的輸出音量
  

📝 行動建議：每次錄音的環境不同，合作的對象不同都有可能影響錄音最終的結果，建議在正式開錄前最好先測試一下彼此之間的音量差異。

隱藏功能 3：LED Brightness（LED 亮度調整）

首先，強烈建議先連結 USB 更新你的 RØDE 接收器固件。更新後的 RØDE Wireless Camera Kit 的發射器和接收器都可以調整 LED 燈的亮度，用來顯示電量以及配對狀態。

如果你覺得 LED 太亮（例如在暗的地方拍攝），可以透過 RØDE Central App 調整亮度。

亮度等級：

• Bright：明亮（適合白天）
• Dim：昏暗（適合夜晚、暗處拍攝）
  

📝 行動建議：如果在暗的地方拍攝時（例如夜晚的戶外訪談），建議把 LED 調成 Dim，避免 LED 燈光干擾畫面。

優缺點總結：RØDE Wireless Camera Kit 適合誰？

優點

1. 零設定，插上即用：不需要配對、不需要調整，插上手機就能錄。
2. 分軌收音：後製時可以分別調整兩個人的音量。
3. 21 小時續航：一整天拍攝沒問題。
4. 磁吸式設計：麥克風 3 秒即可完成佩戴，安穩不易掉落。
5. 價格親民：NT$4,000 左右，比 Wireless GO III 便宜近一半。
   

缺點

1. 不支援轉接：Lightning 版本的 iPhone 需要用藍牙連接。
2. 防風罩裝上後無法收納：裝上防風罩後，麥克風無法放回充電盒。
   

適合對象

• 同時使用手機與相機拍攝的自媒體創作者
• 需要錄製訪談、對談、雙人 Podcast 的人
• 想要快速上手，不想花時間研究設定的人
• 預算有限（NT$5,000 以下）的創作者

同場加映：Code of Bell 背包 + RØDE Wireless Camera Kit = 完美組合

既然提到自媒體創作者的裝備，就順便聊聊我的「拍攝標配」。

我目前的拍攝裝備組合：

• 麥克風：RØDE Wireless Camera Kit
• 背包：Code of Bell X-Pod
• 相機：iPhone 17 Pro / Fujifilm XT5 / GoPro 13 & GoPro Max
• 剪輯軟體：Final Cut Pro（電腦）/ Edits（手機）
  

為什麼我選 Code of Bell X-Pod？

• 快速取物設計：拍攝時可以快速拿出麥克風、充電線
• 防雨材質：遇到毛毛雨時可以避免包包太快就進水，傷到設備
• 輕便好攜帶：如果不帶相機的話，可以把所有的小設備放在包包裡
  

如果你對 Code of Bell 的背包有興趣，可以用我的折扣碼 MRWULI 享 9 折優惠：

Code of Bell 官方網站

結論：分軌收音不是「進階功能」，而是「基本需求」

很多人以為「分軌收音」是專業人士才需要的功能，但其實每個自媒體創作者都需要。

如果你經常錄製訪談影片、雙人 Podcast、對談節目，你會發現：沒有分軌收音，後製時你會非常痛苦。

而 RØDE Wireless Camera Kit 最大的優勢，就是把「分軌收音」這個功能，變得零門檻、零技術、零設定。

插上手機，打開 App，切換成 Split 模式，就能開始錄音。

當你不再被技術困擾，才能真正專注在內容創作上。

想了解更多關於錄音＆混音的實戰技巧？

我是 Wuli，一個教錄音混音超過十年的音樂製作老師。從麥克風選擇、錄音技巧，到混音後製，我都會不定期分享整理好的實戰經驗與技巧。

如果你也想用更聰明的方式選擇器材、提升音質，歡迎：

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別讓錯誤的器材選擇浪費你的時間，用對工具就能事半功倍！

我整理了這十年教學時經常遇到的問題，希望可以幫助到你。

「希望可以讓你知道以及該怎麼避開它們。」

為什麼你的混音總是聽起來糊糊的？

❌ 錯誤 1：你的房間在騙你

在沒有聲學處理的房間裡混音，就像戴著墨鏡調色。牆壁的反射會讓你誤以為低頻已經夠了，結果一換耳機就發現大鼓完全不行。

👉 解法： 先用監聽耳機交叉檢查，或至少在房間角落放些吸音棉。

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❌ 錯誤 2：帶著瑕疵進入混音階段

鼓的 Timing 很飄、貝斯的頻率亂竄，你以為混音能救？但瑕疵只會在混音階段被放大。

👉 解法： 錄音前先把節奏對齊、演奏修好。混音是拋光，不是修補。

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❌ 錯誤 3：忽視最基礎的音量與聲像

很多新手急著開 EQ、掛壓縮器，卻忘了 80% 的清晰度來自音量和左右聲音配置。小鼓該多大聲？吉他該站左邊還是中間？這才是首要任務。

👉 解法： 先用 Fader 和 Pan 推出平衡，再考慮 EQ。

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❌ 錯誤 4：陷入「獨奏模式」

你按下 Solo 把吉他調得超好聽，結果放回整體音樂後變得完全不一樣了？這是因為你只在 Solo Mode 裡調整，忽略了其他樂器與吉他的關係。

👉 解法： 永遠在「整體脈絡」下調整 EQ。Solo 只用來找問題頻率，不拿來評估整體方向。

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❌ 錯誤 5：從不檢查單聲道

健身房、車上、藍牙喇叭，幾乎都是單聲道環境。如果你從不切換到 Mono 模式檢查，你的混音可能存在嚴重的「相位抵消」，左右聲道一合併就音量完全變了。

👉 解法： 每次經歷一個混音階段都按一下 Mono 按鈕，確保沒有聲音互相干擾。

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❌ 錯誤 6：狂加低頻（忘記用 High Cut 濾波器）

不斷 Boost 低頻只會累積無用的「低鳴聲」，讓你覺得聲音悶、而且無法提升響度。除了大鼓和貝斯，幾乎所有樂器都該開啟 HPF（LowCut）切掉 100–150Hz 以下的低頻。

👉 解法： 木吉他、人聲、合成器通通切掉低頻，讓貝斯可以跳出來。

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❌ 錯誤 7：直套預設，忽視閾值

壓縮器如果沒「觸發」，就毫無作用。直接套用預設值卻不調整 Threshold（門檻），等於白掛了。

👉 解法： 先把 Threshold 拉到音訊剛好「超越」的標準線，壓縮器才會開始工作。

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❌ 錯誤 8：犧牲生命力的過度壓縮

壓縮器應該用來「微調」突出的音量動態，不是把演奏的情感壓扁。如果你的鼓聽起來沒有活力，多數情況是因為你壓得太狠了。

👉 解法： 用 Parallel Compression — 讓一軌保留自然動態，一軌極度壓縮，兩者混合出完美平衡。

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❌ 錯誤 9：讓殘響與延遲淹沒一切

過多的 Reverb 和 Delay 會破壞人聲的清晰度。請務必在 Reverb 和 Delay 的輔助軌（Aux track）掛載低通濾波器（LPF），切掉過多的高頻，可以讓你在創造空間感的同時保持主唱清晰。

👉 解法： Reverb 軌掛 LPF，只讓低中頻延伸，高頻保持乾淨。

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❌ 錯誤 10：缺少讓音樂呼吸的「自動化參數」

所有動態與參數是需要針對特定階段進行調整的。在混音後期可以利用 Volume Automation（音量自動化）微調歌手與樂器的情緒起伏。

👉 解法： 這是混音的第四維度，讓 3D 空間隨著時間流動。

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💡 為什麼照著做還是不行？

你可能會問：「為什麼我明明照著教學做，混音還是不行？」

因為很多人把三件事混在一起做了。

做音樂要分成三個階段

01 寫歌 — 把想法變成旋律線

02 編曲 — 讓樂器搭配起來舒服

03 混音 — 讓每個聲音都展現自己的特色、站在對的位置

這三件事要分開做，但彼此卻互相影響。

試試看「先只做一件事！」你會發現好像突然簡單多了。

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🎯 告別混濁：混音健檢清單

如果混音聽起來很糊，請「由下往上」檢查：

1. 空間與基礎

• 喇叭擺位正確？
• 音軌對齊且無雜音？
  

2. 靜態平衡

• 音量推桿與聲像已經分配好各自位置？
  

3. 減法頻率

• 是否已開啟高通濾波器切除大鼓與貝斯以外的低頻泥淖？
  

4. 動態與深度

• 壓縮器是否正確設定閾值？
• 空間效果是否已掛上 LPF？
  

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1,000 次微調的藝術

一個讓音樂人滿意的混音，沒有特效藥。是必須透過數以百計細微調整，而逐漸成形的。

「每修正一個錯誤，你的混音就有機會提升 10%的清晰度。」

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延伸學習

如果你想系統化學習混音，我把所有初期最重要的內容都整理到 Ableton Live 12 補完課程 裡了。

這不只是教你按哪個按鈕的基礎課程，我還會跟你分享，如何分析你喜歡的歌曲，讓你知道「為什麼這樣做」的學習筆記。

如果你已經有開始製作自己的作品，但遇到了瓶頸。需要有人直接聽看看現在的狀態、指出問題、手把手帶你突破，歡迎查看我們的 一對一課程。

網路上每套軟體都有各自的擁護者，每個人都說自己喜歡的軟體最好！所以當你看的資料越多，越是不知道該怎麼選？

在我過去的一對一音樂製作教學中，最常被新手問到的問題也是：「老師，你覺得哪一套軟體比較好」？

但其實很多時候，你聽別人說了再多；也不如你自己試著使用看看。甚至有時候我已經每一套軟體的優缺點都分析完了，學生還是會問「所以老師你會選哪一套？」

所以這篇文章我就分大家分享一下「在 2026 年 我會怎麼選？」以及為什麼最終會決定放下其他軟體，在 LUNA 和 Ableton Live 這兩道軟體展開深入的研究。

是兩個完全不同靈魂的軟體、如何根據你的音樂類型選擇適合的 DAW，以及 2026 年最新的軟體評價與投資策略。

如果你還遲遲無法下定決定的話，這篇文章我將跟你分享 LUNA ＆ Ableton LIve 這兩套軟體的核心靈魂，以及你該如何選？

「避免你花了上萬元買了軟體，卻發現不適合自己..」

2026 年的 DAW 選擇困境：為什麼你還在猶豫？

很多人在選 DAW 時，都會問這個問題：「哪個軟體最好？」

但真相是：沒有「最好」的 DAW，只有「最適合你」的 DAW。

以下是你可能陷入的 3 個選擇陷阱

陷阱 1：「他們都說那個最好...」 —— 別人用什麼，我就買什麼！

很多人看到自己喜歡的音樂人用 Ableton，就覺得「那我也要用這個！」。

但問題是：你跟他的創作習慣與需求可能完全不一樣！

例如：你喜歡的音樂製作人其實真正擅長的是電子音樂編曲，而你現階段的使用需求只是把自己彈奏的吉他錄下來。

工具的選擇應該基於 “你要做什麼？”，而不是 “別人都用什麼？”；除非你的喜好以及使用需求都跟對方完全一樣，這時候對方給你的建議才有參考價值。

📝 我的行動建議：列出你現在的 3 個核心需求，再決定要買哪個軟體。

陷阱 2：「功能越多越好！」 —— 買最貴的就對了？

很多人覺得「一次攻頂，買最貴的版本就對了！」功能齊全，買了未來就不用煩惱了。

結果呢？花了 NT$21,000 買 Ableton Suite，卻用不到 20% 的功能；等你真的需要用的時候，又要再付一次更新費用！

功能多不等於適合你！就像買一台超跑去買菜...完全是浪費資源；你大可把錢省下來拿去買課程、樂器、甚至是投資0050 或是 AI 工具。

陷阱 3：「害怕失敗，好像選了就不能換一樣？」——怕選錯、結果反而浪費時間遲遲沒有開始..

現在這個時代 DAW 軟體的選擇真的太多了。很多廠商都會提供免費試用或是低階的體驗版本；你完全不需要猶豫了半年，還是遲遲沒有開始！

真相是：很多音樂人不是同時使用兩套軟體，不然就是曾經跳過不同的軟體；重點不是選邊站，而是在使用的過程中了解自己到底想要什麼？適合什麼？

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LUNA vs Ableton：是2 套完全不同靈魂與邏輯的軟體

在過去教學的那十年裡，我使用過很多軟體。其中包含：Ableton Live / FL Studio / GarageBand / Logic Pro / LUNA / Reason ..等眾多軟體。

一開始是因為學生想學、後來是自己好齊心，就這樣不知不覺買了一堆軟體來研究。但研究到現在，我才驚覺，自己的資源有限，不應該再把時間跟金錢花在相似功能的軟體上。

所以在 2026 年，我想研究 DAW 的時間就放在 Ableotn Live 跟 LUNA 這兩套軟體上就好..。

接下來，我就跟你分享為什麼我會選這兩套軟體。

LUNA：類比錄音室的數位化身

LUNA 的設計哲學是：讓你在數位環境中，獲得傳統類比錄音器材的音色。

LUNA 的核心優勢如下：

① 復古的操作介面設計＆內建類比混音邏輯

• 內建 Neve 或 API Summing模擬
• 內建磁帶模擬技術（ Studer、Ampex ）
• 讓用戶可以在不需要掛載大量插件，就能獲得溫暖且有深度的音色
  

② 免費版開放政策（ UA 2026 年最大變革之一 ）

• 過去 LUNA 必須搭配 Apollo 硬體才能使用
• 現在 LUNA 已經不再強制綁定硬體了，任何錄音介面的用戶都可以使用
• Mac ＆ Windows 使用者可以免費下載基礎版，體驗 LUNA 專業的類比混音架構
  

③ 線性工作流程

• 傳統的 “從左自右” 時間軸編排
• 適合專注於 “錄製演奏” ＆ “專業混音” 的音樂製作工作
• 非常直覺的實體混音控台邏輯
  

LUNA 適合誰？

✅ 歌手、樂手、樂團錄音：如果你更需要 “捕捉即時的表演內容”，而不是 “堆疊合成器音色”
✅ 追求類比音色的溫暖：你喜歡黑膠唱片、盤帶的那種復古質感。
✅ 希望快速混音：你不想花時間掛載一堆插件，只想錄音、混音；然後獲得好音色。
✅ 預算有限的新手：免費版就能體驗 LUNA 的音質魅力

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Ableton Live：數位合成的創意實驗室

Ableton 的設計哲學是：讓你在數位環境中，創造各種出前所未有的音色與歌曲節奏。

Ableton 的核心優勢

① 強大的 MIDI 產生器

• 內建隨機化工具（ Random ）
• 調性覺醒功能（ Scale Awareness ）
• AI 聲音搜尋系統（ Sound Similarity ）
  

② 非線性工作流程（ Session View ）

• 可以隨時切換、對比不同的編曲版本
• 適合 “靈感拼貼” 與 “實驗性創作”
• 先玩再說，不需要先決定最終的歌曲結構
  

③ 現場表演功能

• Session View 可以即時觸發 Loop
• 完美支援 Ableton Push 控制器
• 是 DJ、電音製作人的首選
  

Ableton 適合誰？

✅ 電子音樂、嘻哈製作人：你需要強大的 MIDI 編輯與合成器取樣功能
✅ 現場表演需求：你需要在現場即時播放 Loop、控制效果器進行混音。
✅ 聲音設計師：你喜歡 “設計音色” 而不是 “錄製樂器演奏”
✅ 實驗性音樂：你喜歡在拼貼中尋找靈感；不想要被線性時間軸限制

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我的真實：為什麼我從 Logic Pro 換到 Ableton Live？

雖然我有完整版 Logic Pro ，但因為學生的關係開始接觸 Ableton Live 。研究一對時間以後，從一開始的抗拒，到現在被它的 Session 概念啟發。

我發現這樣的製作音樂概念，更適合分享給那些對樂理不熟習，不會樂器演奏以及非傳統音樂學院的學生。

為什麼？

「用 Ableton Live 做音樂，你不需要一開始就有想法」

甚至你可以在玩樂的過程中，就生出一首歌。

但如果你只需要：

• 錄製吉他
• 錄製人聲
• 簡單的混音
• 匯出成品
  

那 Universal Audio 的LUNA的免費版就很適合你。

「只要按下錄音鍵，坐下來專心彈奏..就可以輕易的擁有好聲音。」

「我想這就是為什麼 “選對工具” 很重要的原因。」

你可以把時間與金錢花在你最需要的地方。

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如何選擇適合自己的數位音樂工作站軟體？

我建議你先問自己這 3 個問題

問題 1：我喜歡 ”錄製自己演奏的內容“ 還是 “玩合成器設計音色”？

如果你喜歡 ”錄製自己演奏的內容“：

• 你的需求是錄製吉他、人聲、鼓組等真實樂器
• 你希望錄下來的聲音聽起來 ”自然、溫暖、有深度“
• 你不想花太多時間調整音色、研究效果器＆插件
  

→ 選 Universal Audio 的LUNA

如果你喜歡“玩合成器設計音色”：

• 你會想大量使用 MIDI、進行取樣音色、研究合成器
• 你喜歡 組合不同的元素、模型、樂高
• 你需要強大的聲音處理工具
  

→ 選 Ableton Live

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問題 2：我會想要在現場 “播放音樂” 搭配音樂演奏表演嗎？

如果你有現場表演需求：

• 你是 DJ、電音製作人
• 你需要在現場播放 Loop、即時切換音樂情緒
• 你的表演內容需要連接 MIDI 控制器（如 Ableton Push）
  

→ 選 Ableton Live

如果你不需要結合電腦做現場演出：

• 你只是在家錄音
• 你的工作是 錄音＆混音
• 你不需要在現場播放你的音樂以及記錄下來的演奏內容
  

→ 選 LUNA

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問題 3：預算有限嗎？

如果預算有限：

• LUNA 基礎版：免費
• 可以先用免費版學習 錄音＆混音
• 之後有需要再升級付費版
  

→ 先從 LUNA 開始

如果預算充足：

• 先買 Ableton NOTE：NT$ 300 ( 送 Ableton Live Lite)
• Ableton Live Standard：NT$13,000
• Ableton Live Suite：NT$21,000
  

→ 直接買 Ableton Standard or Suite版本

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2026 DAW 購買指南：階梯式的投資策略

綜合過去的經驗，我會建議新手採取 “階梯式的投資策略”，不是一開始就買最貴的版本，而是根據現階段的需求逐步升級。

階段 1：免費體驗（0 元）

LUNA 基礎版（ Mac 使用者免費 ）

• 學習類比控台的錄音概念
• 體驗類比的混音邏輯
• 完成簡單的錄音專案
  

Ableton Live 30 天試用版

• 體驗 Session View 的非線性工作流程
• 測試 MIDI 的效果器的便利戲
• 確認自己是否需要 Live 現場表演功能
  

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階段 2：入門版本（NT$0 - 5,000）

如果你發現 LUNA 適合你：

• 繼續使用免費版
• 需要時購買特定的模擬插件（ 如 Neve、API ）
  

如果你發現 Ableton 適合你：

• 購買 Ableton Live Standard
• 請直接跳過 Intro ，選Standard 足夠讓你用好幾年了。
  

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階段 3：專業版本（NT$13,000 - 21,000）

當你確定需要更多功能時：

LUNA：

• 購買 UA Apollo 介面（ 與 LUNA 完美整合 ）
• 購買進階模擬插件
  

Ableton Live：

• Standard 版（ NT$13,000 ）：滿足大部分電子音樂製作需求
• Suite 版（ NT$21,000 ）：如果你需要 Max for Live、以及完整樂器音色庫
  

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LUNA 與 Ableton 核心差異對比表

核心總結如下：

• LUNA 專注於 “錄出來好聽”：錄完音色就像在專業錄音室的音質（前提是你有好的收音空間）
• Ableton 專注於 “創意激盪”：你可以創造、拼貼、疊加前所未有的音色
  

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類比混音的入門概念：為什麼 LUNA 的聲音這麼 ”暖“？

答案：「因為多了 “類比染色”。」

什麼是「類比染色」？

傳統的類比錄音室，聲音會經過：

1. 麥克風前級（ Neve、API ）
2. 盤帶機（ Studer、Ampex ）
3. 混音台 Summing （ Neve、SSL ）
   

這些硬體會為聲音增加：

• 諧波失真（ Harmonic Distortion ）
• 飽和度（ Saturation ）
• 非線性反應（ Non-linear Response ）
  

於是你獲得的結果：聲音變得 “更溫暖”、“有深度”、“有黏性”。

那LUNA 是如何模擬出類比染色的呢？

Universal Audio 已將將這些硬體的特性內建在LUNA 軟體中：

① Neve Summing 模擬

• 模擬 Neve 混音台的 Summing邏輯
• 增加中低頻的飽滿度
• 讓聲音變得 “厚實”、“有力量”
  

② API Summing模擬

• 模擬 API 混音台的Summing邏輯
• 增加高頻的清晰度
• 聲音變得 ”明亮”、“有穿透力”
  

③ 盤帶模擬

• 模擬 Studer、Ampex 盤帶機
• 增加諧波失真
• 讓聲音變得 “溫暖”、“有類比的質感”
  

LUNA vs Ableton 的聲音差異

LUNA 的聲音特性：

• 錄完直接就有「厚度」
• 不需要掛載大量插件
• 聲音偏向 “自然”、“有機”
  

Ableton 的聲音特性：

• 錄完比較 “乾淨”、“透明”
• 需要手動加入一些可以增加飽和度的效果器（ 如 Roar、Saturn ）
• 聲音偏向 “精確”、“可控”
  

「至於哪個比較好？」

沒有 "比較好"，只有 “比較適合你”。

• 如果你追求 ”自然、溫暖“ 的聲音 → LUNA
• 如果你追求 “精確、可控” 的聲音 → Ableton
  

📝 我的行動建議：下載 LUNA 免費版，錄製一段吉他或人聲，開啟Neve Summing 和 Tape 盤帶模擬聽聽看聲音的變化。然後用 Ableton 錄製同樣的素材，對比兩者的差異。（ 如果你聽不出來...；表示你目前的器材以及耳朵還需要一對時間進化 ）

重點：每一分錢都花在 “解決實際的需求”，而不是 “買了一堆你不知道或是不需要的功能”。

我的真實建議：從需求出發，而不是從功能出發

教了十年音樂製作後，我最大的感受是：「很多人選 DAW 時，都是從「功能」出發，而不是從「需求」出發。」 其實最重要的是多花點時間做你喜歡的音樂！少花一點時間研究器材跟設備。

從功能出發（錯誤方式）：

「Ableton 有 Max for Live，可以做很多酷炫的效果，所以我要買 Suite！」

→ 結果：買了之後根本不知道怎麼用，錢白花了。

從需求出發（正確方式）：

「我現在只需要錄吉他和人聲，簡單混音後匯出。」

→ 結論：LUNA 免費版就夠了。

當你確定需要更多功能時，再考慮升級。

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「工具是為了服務創作，而不是限制創作」

不要讓工具選擇成為你開始創作的阻礙。很多人光是在選 DAW上猶豫了超久，結果什麼都沒開始，一首歌都沒有做出來。

現在，就下載 LUNA 免費版或 Ableton 30 天試用版，開始你的第一個專案吧！

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常見問題 FAQ

Q1：可以同時用 LUNA 和 Ableton 嗎？

A：當然可以！我就是用 Ableton Live 做音樂，真的有需要才會去用到 LUNA；你也可以在 Ableton Live 做好音樂後，再轉擋道 LUNA 混音。

Q2：LUNA 免費版有什麼限制？

A：免費版只能用基礎的 Summing 模擬；如果你想要用 Neve、API 的完整模擬，需要購買插件授權。

Q3：Ableton Standard 和 Suite 差在哪？

A：Suite 多了 Max for Live、更完整樂器音色庫；如果你不需要這些，Standard 就夠了。

想了解更多關於 DAW 選擇和音樂製作的實戰技巧嗎？

我是 Wuli，過去十年都在教怎麼用電腦製作音樂。從 DAW 選擇、錄音、混音，到音樂製作概念。如果你想也想用更聰明的方式選擇工具、建立自己的創作系統；持續收到我整理的資訊以及過去的經驗的話..

歡迎：

• 📧 訂閱我的 Email 電子報 （ 不定期分享音樂製作、DAW 教學、軟體評價 ）
• 📱 追蹤我的 Instagram 和 YouTube（ 不定期分享 DAW 使用心得 ）
• 🛍️ 查看我的數位音樂工具包（ 包含 Ableton Live 12 中文教學課程、混音 SOP ）
  

在那裡，我會分享更多整理好的 DAW 選擇方法，幫助你跳過所有無效的摸索，直接學會真正有用的技巧。

別讓錯誤的工具選擇浪費你的時間，用對工具就能事半功倍！

如果你也有這種困惑，那你並不孤單。因為這是我十年音樂教學經驗中，發現最常見的盲點。

很多剛入門編曲的吉他手可能會以為「只要音階練得夠熟，編曲能力就會自然提升」。結果練了一年，手指是變快了..；但還是不知道怎麼編一首完整的曲子。

問題出在哪？因為音階練習只能提升『手指的反應能力』，對「編曲的決策能力」幾乎沒有直接幫助。

這篇文章會跟你分享，我這十年來整理出來的高效編曲練習法。讀完後你會知道：為什麼拆歌重編比練音階更有效、如何用 DAW 分析歌曲突破編曲瓶頸，以及如何在 30 天內累積出自己的作品集。如何用軟體協助你理解 “聲部“ 與 “頻率” 思維，突破編曲瓶頸。

「你不需要更多的技巧，而是需要正確的練習方向。」

## 為什麼音階練習對編曲幫助有限？

你需要的是「決策能力」而非「手指能力」；很多吉他手每天花 1-2 小時練音階 ，期待有一天「自然就會編曲了」。

但真相是：這兩件事需要的是完全不同的能力。

音階練習 vs 編曲能力對照表

結論很簡單：音階是「演奏者訓練」，不是「編曲者訓練」。

我的真實經驗：為什麼學生每天都有練琴，卻還是編不出一首歌？

如果老師只對學生說「你練得不夠多」或是「你聽得不夠多..」；通常得到的回覆總是「我每天都有練琴、跟聽音樂啊！」。

那問題出在哪？

問題出在「手指」的肌肉記憶很熟練了，可「腦袋」不知道該怎麼做決策。
如果你沒有經常做分析的練習，在創作時你就不知道：

• 這首歌該用什麼和弦進行？
• 吉他該扮演什麼角色？
• 怎麼讓編曲更有層次感？
  

這些問題，練音階解決不了。

「所以我在上課時，即便對方不會任何樂器，我還是會先從歌曲分析開始教起。

我會教學生如何透過 DAW（ 例如：Ableton Live、Logic Pro、LUNA ）來進行：

• 歌曲段落分析（ 理解起承轉合 ）
• 配器分析（ 認識每個樂器的角色 ）
• 旋律規則分析（ 理解旋律的設計邏輯 ）
• 頻率分析（ 理解音色＆聲部平衡 ）
  

透過以上這些完整的練習，即便你不會彈吉他，也可以透過分析的經驗，洞察出該怎麼設計歌曲音色的搭配，利用 Clips 或是 Loop 來進行拼貼或是混音這樣的音樂創作。

只要認真照著練習進行分析，稍微有一點天賦的人，都可以在一個月後，透過軟體內建的素材，製作出 1-3 分鐘的音樂。而這音樂是屬於你自己的創作作品，不是打幾行字請 AI 代替你完成的結果。

這就是為什麼我主張：「拆解歌曲」的效益遠高於「練音階」的原因。

📝 行動建議：回想一下過去練吉他的方式。如果你每天花 1 小時練音階，卻只花 10 分鐘嘗試編曲——那你的時間分配可能需要調整了。編曲能力不是「等手指熟練了就會」，而是「必須刻意練習」的技能。

真正高效的編曲訓練：拆歌重編 （ 為什麼 90% 會編曲的人都這樣練？ ）

如果你問任何一個會編曲的吉他手：「你當初怎麼學會編曲的？」

90% 的人會告訴你：「我就是一直拆解、模仿、重編。」

這不是天份，也不是運氣，而是最有效的學習路徑。

為什麼「重編」是最高效的編曲練習？

因為它同時訓練了：

• ✅ 和弦理解（ 這首歌為什麼用這個和弦進行？ ）
• ✅ 節奏感（ 吉他的 Groove 是怎麼做出來的？ ）
• ✅ 聲部思維（ 吉他在整首歌裡扮演什麼角色？ ）
• ✅ 創意應用（ 如何用不同方式重新詮釋？ ）
  

最重要的是：你每次練習都會產出一個「完整作品」，而不只是「技巧練習」。

但如果你不會吉他，或是任何樂器..我會建議你利用編曲軟體做以下練習：

• ✅ 段落分析（ 了解歌曲的情緒流動、重複與變化 ）
• ✅ 配器分析（ 認識樂器、理解該音色在歌曲中扮演的角色 ）
• ✅ 旋律分析（ 理解旋律的潛規則、試著用相似的邏輯造句 ）
  

備註：只要把喜歡的歌曲拖進 DAW，看著波形圖分析段落結構；用內建的 Spectrum（ 頻譜分析儀器 ）看頻率分布 + 用 MIDI 編輯視窗分析旋律走向。這樣一來即使不會彈奏，你也能透過 DAW 學會 ”編曲思維“。」

拆歌重編的完整流程（ 每天 30-60 分鐘 ）

Step 1：選一首你喜歡的歌（ 不要太難 ）

建議從這些類型開始：

• 民謠吉他
• 簡單流行歌
• 經典老歌

重點：選你真心喜歡的歌，不然會練不下去。

Step 2：做三件事

① 找出和弦進行

• 用耳朵聽（ 訓練聽力）
• 或利用網路跟chordify 了解和弦的進行（ 重點是理解 ）
• 寫下來：「C – G – Am – F」從簡單的認識和弦開始
  

② 分析吉他在幹嘛

• 為什麼這邊要刷節奏？
• 使用 “分解和弦” 跟 “刷節奏” 的差異在哪？
• 在吉他演奏中有沒有旋律線？
• 每一段編曲的節奏型態是什麼？
  

③ 用「完全不同的方式」重編一次

這是關鍵！不要只是照著原曲彈，而是嘗試做最簡單的改編：

假設原本是刷和弦 → 你改成彈奏：

• 分解和弦版本
• 加入旋律線的版本
  

原本是抒情慢歌 → 你可以試試看：

• 加快歌曲速度，聽看看情緒的變化
• 變成和弦進行，或是只刷 Power Chord
  

重點不是「彈得多好」，而是「重新思考編曲」。

成功指標（很重要）

不要只是「練習」，而是要有明確的目標：

✅ 一週至少完成 3 首歌曲分析
✅ 30 天內累積 5 首錄音作品
✅ 每首歌至少做 2 種不同風格的版本

30 天後，你會發現：你已經有一個「作品集」了，而不只是「練過很多音階」。

📝 行動建議：現在就選一首你最近喜歡的歌，用吉他做一個「完全不同版本」的 30 秒片段；或是用 Ableton Live 分析歌曲段落與配器。不用完美，但一定要「完成」。重點不是技巧，而是「強迫自己做編曲決策跟分析」。

從「和弦工具」到「編曲樂器」：為什麼你需要「聲部思維」？

很多吉他手卡在這裡：他們把吉他當成「和弦工具」，而不是「編曲樂器」。

什麼是「和弦工具」思維？

就是只會這樣想：

• 「這裡該彈 C 和弦」
• 「接下來彈 G 和弦」
• 「然後彈 Am 和弦」
  

問題是：這樣編出來的吉他，永遠只是「和弦刷刷刷」，沒有層次感。

什麼是「聲部思維」？

真正會編曲的人會這樣想：

一把吉他可以同時扮演三個角色：

1. 低音（Bass）：提供根音和節奏基礎
2. 中間填充（和聲）：提供和弦色彩
3. 高音（旋律/裝飾）：提供旋律線或裝飾音
   

這就是為什麼同樣是 C – G – Am – F，有些歌曲聽起來很豐富，有些歌雖然加了很多樂器，卻還是空空的。

聲部思維訓練法（每天 20 分鐘）

拿一個簡單進行：C – G – Am – F

強迫自己做三種版本：

版本 1：Bass Line （ 極簡 ）

• 搭配弦律只彈根音 （ C – G – A – F ）
• 目的：訓練你聽見「低音線」
  

版本 2：分解和弦（用和聲填空）

• 用分解和弦填滿中間的空洞與頻率
• 根音需持續且維持穩定
• 目的：訓練你聽見 “填補和聲” 的效果
  

版本 3：加旋律（ 高音移動 ）

• 在高音弦加入旋律線
• 低音 + 和弦 + 旋律同時進行
• 目的：訓練自己聽見「三個聲部的平衡」
  

這會讓你開始「像編曲人在思考」，而不只是「像吉他手在彈琴」。

成功指標

✅ 同一個進行能做出 3 種以上版本
✅ 聽起來「是不同編曲，不只是不同彈法」
✅ 能清楚聽見低音、中音、高音三個聲部

當你能做到這點，你就突破「和弦」思維，進入「編曲」思維了。

📝 行動建議：今天就拿 C – G – Am – F 這個進行，強迫自己做出上述三種版本。錄下來，聽聽看差別在哪。這個練習會徹底改變你對吉他編曲的理解。

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限制創作訓練：為什麼「選擇太多」反而讓你編不出東西？

很多人卡在編曲，不是因為技術不夠，而是因為「選擇太多，不知道該怎麼開始」。

選擇太多的症狀

你是不是也有這種經驗：

• 打開DAW 軟體，看著空白專案發呆不知道下一步該怎麼做？
• 該用什麼和弦好？C 還是 Am？還是 Dm？」
• 節奏要快還是慢？速度該訂 120 還是 135?
• 想了 30 分鐘後，開始滑手機...
  

這就是「選擇麻痺」（Choice Paralysis）。同時擁有太多選擇時，你反而不知道該怎麼做..

限制反而會逼出創意：試試看給自己一點限制

當你給自己限制時，創意反而會爆發。- Making Music Creative Strategies

為什麼你該給自己一些限制？

• ✅ 因為這可以讓你不用思考「該選哪個？」；而是直接開始創作
• ✅ 被逼著在有限資源內找出解決方案
• ✅ 更專注在 “怎麼編”，而不是”該用什麼“
  

限制創作練習法（每天 20-30 分鐘）

給自己一個明確的限制，然後在這個限制下完成一個 30-60 秒的吉他編曲。

限制範例（每天選一個）

限制 1：只能用 4 個和弦

• 例如：C – Am – F – G
• 不能用其他和弦
• 但可以改變節奏、指法、順序
  

限制 2：只能在 １- 5 格的琴格內彈奏

• 不能超過第 5 個 Fret
• 逼著自己在小範圍內找變化
  

限制 3：只能用2-3條弦

• 嘗試用三條弦設計和弦進行
• 逼自己在有限的音程裡創作旋律
  

限制 4：只能做 16 小節

• 不能超過 16 小節
• 被逼著在短時間內完成起承轉合

成功指標

✅ 每天產出一個 “完整片段” （30-60 秒）
✅ 7 天內產出 7 個 idea
✅ 能在限制下找到 3 種以上的變化方式

30 天後，你會有 30 個不同的 idea。這些 idea 可以組合、延伸、變化，變成完整的曲子。

📝 行動建議：今天就給自己一個限制，然後強迫自己在 一小時內完成一個 30 秒的吉他編曲。不用完美，但一定要「完成」。你會發現限制反而讓創作變得更容易。

音階還要不要練？時間分配的黃金比例

看到這裡，你可能會問：「所以我完全不用練音階了嗎？」

答案是：要，但降到最低投資比。

建議的時間分配

假設你每天有 1 小時練吉他：

重點：音階是「暖身」，編曲訓練是「主體」。

為什麼音階還是要練？

因為它有兩個無法取代的價值：

✅ 暖身效果：讓手指進入狀態
✅ 指板熟悉度：知道每個音在哪裡

但這些只需要 10-15 分鐘就夠了。

只練音階最大的盲點

如果你每天練音階 1 小時，編曲練習 0 分鐘：

一年後你會變成：手很靈活，但還是不會編曲。

但如果你每天拆歌重編 30 分鐘：

30 天後你會變成：已經有作品的人。

📝 行動建議：從明天開始，調整你的練習時間分配。把 80% 的時間放在「產出作品」，只留 20% 給音階暖身。30 天後，你會發現自己的改變。

番外篇：用 Ableton Live 讓你的編曲練習效率翻倍

說到編曲練習，工具的選擇也很重要。很多吉他手會用 DAW（數位音樂工作站）來編曲，但如果你剛開始學編曲，我會推薦先從 Ableton Live 入門。

為什麼？因為它徹底改變了我對「編曲練習」的理解。

為什麼 Ableton Live 特別適合吉他編曲練習？

傳統 DAW的邏輯是：從左到右，線性編排。你得先決定：「這首歌的結構是什麼？主歌幾小節？副歌幾小節？」

「但 Ableton Live 讓你可以先 ”玩“，再 ”整理“。」

Session View：吉他編曲的實驗場

Ableton 有個獨特的 “Session View” （非線性視窗），它就像一個 “樂高積木盒”：

想像一下：

• 你錄了一段 C – G – Am – F 的刷弦循環（ Clip 1 ）
• 又錄了一段指彈版本（ Clip 2 ）
• 再錄了一段加旋律線的版本（ Clip 3 ）
  

然後你可以再不需要滑鼠拖移的情況下，隨時點擊任何一個 Clip，聽聽看哪個版本搭配旋律比較好。

這就是為什麼 Session View 特別適合「拆歌重編」練習：

• ✅ 你可以更快速的同時錄 5 - 10 個不同版本的編曲
• ✅ 隨時切換、對比、找出最好的那個
  

實戰練習：30 天 Ableton 編曲挑戰

結合前面的總總技巧技巧，這是我設計的「30 天 Ableton 編曲挑戰」：

30 天後，你會有：

• ✅ 30+ 個不同的編曲 idea
• ✅ 深刻理解聲部思維
• ✅ 3-5 首可以分享的完整作品
  

這就是 Ableton Live 對編曲練習的價值：它不只是工具，而是「創作夥伴」。

如何用最低成本的方式獲得 Ableton Live？

方案 1：NT$300 買斷 Ableton Note + 免費獲得 Lite

• 在 iPhone 上買 Ableton Note（ 約NT$300 ）
• 自動獲得電腦版 Ableton Live Lite（ 價值 USD$99 ）
• Lite 版限制：8 條音訊軌、8 條 MIDI 軌（ 入門編曲練習完全夠用 ）
  

方案 2：買錄音介面免費獲得 Lite

• 買 Focusrite Scarlett 或 Arturia MiniLab
• 幾乎都會送 Ableton Live Lite
  

方案 3：90 天免費試用 Ableton Live Standard

• 到 Ableton 官網下載 90 天試用版
• 功能完整，可以測試所有功能
  

建議：先從 Lite 版開始。

請不要直接衝動購買完整版！當你確定 Ableton 適合自己的工作流程後，再考慮升級到 Standard（ NT 13,000 ）或 Suite（ NT 21,000）。

如果你想了解更多 Ableton 的使用技巧，我在部落格有寫一篇完整指南：
為什麼我從討厭 Ableton Live 到現在離不開它

Ableton Live 快捷鍵速查表（編曲練習專用）

掌握以下這些快捷鍵，你的編曲練習效率會翻倍：

📝 行動建議：現在就記住 Tab （ 切換視窗 ）和 Cmd/Ctrl + D （ 複製 ），他們可以幫助你大幅提升效率。

結論：編曲能力不是彈出來的，而是一場 ”決策練習“

「編曲能力，它是必須刻意練習的。」

音階練習有它的價值，但如果你的目標是編曲，那你需要的是：

• ✅ 拆解（ 思考 ）
• ✅ 分析（ 建立全局思維）
• ✅ 限制＆突破（ 打破選擇障礙的困境 ）
  

核心邏輯：好的編曲能力來自 ”做決策” 的經驗累積，而不是 “不斷的重複彈奏”。

當你每天可以產出一個完整的編曲片段時，30 天後，你就會脫胎換骨。

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想了解更多關於編曲和音樂製作的實戰技巧嗎？

我是 Wuli，一個教音樂製作超過十年的音樂老師。從吉他彈奏到使用DAW 錄音、混音，透過軟體進行編曲。

如果你也想用更聰明的方式學習編曲、建立自己的創作系統，歡迎：

• 📧 訂閱我的 Email 電子報（ 不定期分享音樂製作、編曲技巧、軟體教學 ）
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• 🛍️ 查看我的數位音樂工具包 （ 包含 Ableton Live 12 中文教學課程、編曲 SOP、快捷鍵指南 ）
  

「進步不是盲目的重複一件事，而是不斷修改流程進行迭代」

如果你也有這種困惑——那你並不孤單。因為十年前的我也是這樣的。

當時我主要是使用 Logic Pro 教編曲和錄音、混音。後來因為有學生來信說「想報名...但他們沒有多餘的預算去買 Mac 電腦」，所以我才開始找「有沒有免費讓學生入門的 DAW ？」

後來我發現了 Studio One 這套 DAW 軟體（當時 Studio One 2 還是免費的 ）。只不過教了一陣子以後，又有學生問我：「老師，你有教 Ableton Live嗎？」我當時心想：「那什麼軟體？稍微安裝後才發現這介面這麼怎麼難懂！誰會用啊？」但稍微查了一下才發現 Ableton 竟然是全世界最多人使用的編曲軟體，而且入手門檻超低（ 買錄音介面或 MIDI 鍵盤就會送 Lite 版 ），所以就硬著頭皮開始研究...

結果一年後後，我發現自己好像回不去了..

現在不管是做音樂、錄音、混音、後製影片音效、背景音樂 ——我幾乎都用 Ableton Live。不是因為它功能最強（ 其實不是 ），也不是因為它最便宜（ 更不是 ），而是因為它的設計邏輯徹底改變了我對「音樂製作」這件事的理解。

這篇文章我想跟你分享，為什麼 Ableton Live 會是一套值得你投入時間學習的軟體？以及那些讓我從「討厭」變成「離不開它」的核心邏輯。讀完後你會知道：如何用 20% 的功能解決 80% 的製作問題，以及為什麼這個軟體能讓你的創作流程變得像玩遊戲一樣順暢。

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你是不是也被傳統 DAW 「從左到右」的線性製作邏輯給困住了?

在我那一輩很多人剛開始學音樂製作時，接觸的第一個軟體通常是Pro Tools、

Cubase 、Nuendo、Digital Performer、Logic Pro（ GarageBand ） 。

但這些軟體的早期邏輯都一樣：從左到右，像寫作文一樣線性編排。

你得先錄一個吉他、再錄一個鼓、接著加貝斯、人聲...最後才會聽到完整的編曲架構。如果中途發現「欸，鼓的節奏好像不太對」，你就得整段刪掉重來，或是花大量時間剪接。

這就是早期傳統 DAW 最大的問題：它逼你「從頭到尾線性思考」。

但音樂創作真的是這樣嗎？

我的真實體驗：被 Logic Pro 困住的那段時間

2013 年，我用 Logic Pro 製作歌曲。從錄吉他、貝斯、鼓，一路錄到人聲...在這個過程中，常常會面臨沒有靈感，想法枯竭的情況。

這全都是因為 “沒有跳躍線性的邏輯” 在思考樂器的組成..

「鼓是對的、貝斯也還行、但就是一直困在過去彈奏的 Riff 裡。不斷地重複播放、彈奏吉他，就是希望能激盪出一些新靈感...」

後來當我開始用那個看起來很複雜的 Ableton Live 後：

「我發現，原來做音樂的思考的邏輯也可以像加減法一樣簡單！」

Ableton Live 可以讓你把編曲的順序暫時拋到腦後，專注在每一個片段的完整性。這就是 Session View 的存在原因。（ 後來 Logic Pro / Studio One / Digital Performer 也都開始引用這樣的創作模式到自己的軟體介面中）

📝 行動建議：回想一下你過去做音樂時，有沒有遇過「這段Riff 好讚，但我想不出來該怎麼接下去了...」的狀況？ 如果有，那你需要的可能不是更多技巧，而是一個「跳脫線性思維」的製作流程。

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Ableton Live 最強大的秘密：大腦的兩種模式

Ableton Live 跟其他 DAW 最大的差別，不是功能更強，而是它同時支援兩種完全不同的思考模式。

按一下 Tab 鍵，你就能在這兩個模式之間切換（ Session & Arrangement ）：

Session View（非線性樂句視窗）：像樂高一樣組合靈感

想像一下：你有一堆樂高積木，每一塊都是一個「循環片段」（ Clip ）——可能是鼓組、可能是和弦、可能是人聲。

你可以隨意組合、試聽、調整，不需要決定最終的歌曲結構。

這個模式最適合：

• 現場表演（DJ、電子音樂 Live Set）
• 即興創作（你還不知道歌要怎麼編，只是想「玩」）
• 實驗階段（試不同的鼓組配不同的和弦）
  

備註：你可以在 Ableton Live 的學習網站>>上，體驗到這點！

Arrangement View（線性時間軸視窗）：像膠捲一樣精細剪接

當你在 Session View 裡找到滿意的組合後，按一下錄音鍵，Ableton 會把你剛剛「即興演奏」的過程錄進 Arrangement View。

然後你就可以在這裡：

• 確定歌曲的起承轉合
• 精細剪接（ 例如：把副歌重複兩次、加個前奏 ）
• 加入自動化控制（ Automation 讓音量慢慢變大.. ）
  

這就是 Ableton 的魔法：它讓你可以先「玩」，再「整理」。

為什麼這個設計改變了我的工作流程？

以前用 Logic Pro 時，我必須先決定：「這首歌的結構是什麼？主歌幾小節？副歌幾小節？」

但用 Ableton 後，我可以：

1. 先在 Session View 做一個 8 小節的鼓組循環
2. 再做一個和弦循環
3. 試著把兩個循環疊在一起聽
4. 如果不喜歡，馬上換一個鼓組，再試一次
5. 滿意後，按下錄音鍵，丟進 Arrangement View
6. 開始編排完整歌曲結構
   

整個過程就像在玩遊戲，而不是在「工作」。

📝 行動建議：如果你已經有 Ableton Live，現在就打開軟體，按一下 Tab 鍵，切換到 Session View。隨便拖一個 Drum Loop 進去，按播放鍵，感受一下「循環」的感覺。試著找一段合拍的 Bass 搭配看看？不需要錄音、不需要編排！就是重複播放，試著找可以搭配的 Clips 然後感受節奏的律動。

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Warping：為什麼 Ableton 能讓「對拍」變得超簡單？

如果你曾經試過把一段「現場錄的吉他」跟「電腦做的鼓」對在一起，你就知道有多痛苦。

因為人彈奏時不可能完美對準每一個拍點。

過往傳統做法是：手動剪接，把每個音符都拉到正確的位置。這可能要花幾個小時。

Ableton 的 Warping 功能，讓這件事變成 5 秒鐘搞定。

Warping 是什麼？

簡單說：Ableton 會自動把任何音訊「拉伸」或「壓縮」到你設定的 BPM，而且音高不變。

舉例來說：

• 你錄了一段吉他，彈奏速度是 BPM 90
• 但你的專案設定是 BPM 120
• 打開 Warp，Ableton 會自動把吉他「加速」到 BPM 120，但音高完全不變
  

這意味著：你可以隨意調整歌曲的速度，不用重錄。

為什麼現在我推薦新手從 Ableton 入門？

過去我會建議沒有 Mac 的學生用 Studio One，是因為當時它有免費的 Prime 版本。但 2024 年後 Studio One Prime 開始收費了（ 雖然還是有免費試用，但限制變多；現在似乎是幾乎沒有免費版了）。

「如果你想認真學習電腦音樂製作..」

現在階段最划算的入門方案： Ableton Live Lite + Ableton Note。

iPhone 用戶只要花 NT$300 買 Ableton Note（手機 App），就能免費獲得電腦版的 Ableton Live Lite。雖然 Lite 版有軌道數限制（ 最多 8 條音訊軌、8 條 MIDI 軌 ），但對新手來說完全夠用。

而且更棒的是：買任何一款錄音介面或 MIDI 鍵盤，幾乎都會送 Ableton Live Lite。

這意味著：

• 你買一個 NT$3,000 的錄音介面（ 例如 Focusrite Scarlett ）→ 免費獲得 Ableton Lite
• 你買一個 NT$2,000 的 MIDI 鍵盤（例如 Arturia MiniLab ）→ 免費獲得 Ableton Lite
• 或是直接花 NT$300 買 Ableton Note → 免費獲得 Ableton Lite
  

這就是為什麼我現在主推 Ableton 給新手的原因：入手門檻超低，而且學會後可以一路升級到 Standard 或 Suite 版本。

我第一次用 Warping 時的震撼

大概是在2015 年時，我幫一個學生修改他的混音。當時他人聲音軌，節奏錄得非常不穩——有時快、有時慢...

如果是用 Logic Pro，當時得手動用 Flex Time 調整每一句，全部調整完大概要花 3-4 小時。（ 現在各家軟體都有更方便的修改方式了 ）

但用 Ableton 的 Warping，我只花了 10 分鐘就完成了。

你只需要：

1. 把人聲拖進軌道
2. 打開 Warp
3. 設定 Warp Mode 為「Complex Pro」（適合人聲）
4. Ableton 自動分析，把每個音節對齊拍點
   

那一刻我才意識到：這不是功能的差異，而是工作效率的革命。

Warp Mode 速查表

📝 行動建議：找一段你之前錄的吉他或人聲（ 如果沒有，隨便下載一個 Sample ）把它拖進 Ableton，打開 Warp，試著把 BPM 從 100 調到 120，聽聽看音高有沒有變化？如果沒變，恭喜！你已經學會 Ableton 最強大的功能了。

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Racks & Max for Live：為什麼說 Ableton 是「音樂開發工具」？

大部分 DAW 的邏輯是：「這是一個音樂製作軟體，你用它來做音樂。」

Ableton 的邏輯是：

「這是一個音樂開發平台，你用它來創造自己的工作流程。」

這差異，體現在兩個功能上：

Racks：把複雜的效果鏈打包成「一個按鈕」

假設你做了一個「Lo-Fi 復古音色」，需要用到了：

• EQ（ 過濾高頻 ）
• 磁帶飽和效果
• Reverb（ 殘響 ）
• Delay（ 延遲 ）
  

比較笨的做法：每次要用這個音色，就得重新設定這 4 個效果器...

如果你會利用 Ableton Rack 的組合功能：

你就可以把這 4 個效果器「打包」成一個，並用 8 個 Macro 旋鈕，同時控制所有參數。

實際效果：

• 旋鈕 1：控制 EQ 的頻段
• 旋鈕 2：控制磁帶飽和的強度
• 旋鈕 3：控制 Reverb 的深度
• 更多…你想要控制的效果參數
  

一個旋鈕，控制 10 個參數。

Max for Live：社群驅動的無限擴充

Ableton 內建了一個程式開發環境叫 Max for Live（簡稱 M4L）。

在這個外掛的社群裡，充斥著各式各樣的大神！如果 Ableton Live 內建還缺什麼功能，社群裡就一定有人會用 M4L 把它寫出來..。

舉例來說：

• 想要一個「隨機生成旋律」的工具？有
• 想要一個「自動對齊和弦」的工具？有
• 想要一個「AI 分析節奏並建議音色」的工具？也有
  

M4L 工具真的多到不行，沒有一點時間你還真研究不完：

• Sound Similarity（音色相似度搜尋）：內建 AI 幫你找相似的 Sample
• LFO Tool：超強的側鏈壓縮工具，做 EDM 必備
• Probability Pack：隨機生成音符，做實驗音樂超好用
  

📝 行動建議：如果你有 Ableton Live 12 Suite 版本 ，打開瀏覽器，搜尋「Max for Live」，隨便下載一個免費的 M4L 工具試玩看看。

「就算你不懂程式,也可以感受到 Live 的 “可擴充性” 的威力！」

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Live 12 的三個「改變遊戲規則的核心概念」

如果你還在用 Live 11 或更早的版本，這三個新功能會讓你想升級：

1. Sound Similarity（AI 音色搜尋）

以前找 Sample 是這樣：

• 打開資料夾
• 一個一個試聽
• 找到喜歡的，拖進軌道
  

現在是這樣：

• 右鍵點擊任何 Sample
• 選「Find Similar Sounds」
• AI 自動幫你找出「聽起來像」的所有 Sample
  

找音色的時間從 30 分鐘縮短到 30 秒。

2. Roar（ 新一代染色效果器 ）

這是 Live 12 新增的 Saturation / Distortion 效果。

為什麼重要？因為它能讓數位音訊聽起來像類比錄音機錄出來的。

你可以試著在現有的軌道掛一個 Roar，加一點點染色，聽看看聲音溫度是否可以激發你對音色的想像。

3. Scale Mode（音階鎖定）

這個功能對「不懂樂理」的人來說是救星。

當你打開 Scale Mode，並選擇C Major（ C 大調 ）：

• Ableton 就會自動過濾掉不在這個音階裡的音符
• 你隨便亂彈，也不會彈到錯的音。
  

這意味著：即使你不懂和弦進行、不懂音階，也能做出 “聽起來和諧” 的旋律。

📝 行動建議：如果你有 Live 12，打開一個 MIDI 軌道，在鋼琴捲簾左下角找到 Scale 選項，選擇 C Major，然後隨便畫幾個音符；你會發現不管怎麼畫，聽起來都在調性裡面。

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五個讓你效率翻倍的快捷鍵！

掌握這五個快捷鍵，你的創作速度會提升三倍：

推薦給 Ableton 新手的工作流程

1. 打開 Live 按 Cmd + F，搜尋Drum
2. 拖一個 Drum Rack 進 Session View
3. 錄一段 8 小節的 MiDi 鼓循環
4. 按 Cmd + D 複製成 16 小節
5. 按 Cmd + G 把所有鼓組軌道群組
6. 按 Tab 切換到 Arrangement View
7. 開始編排完整歌曲
   

全程不需要碰滑鼠

「快捷鍵，是你製作音樂的加速器」

📝 行動建議：現在就記住這五個快捷鍵。不需要全部背，先記 Cmd/Ctrl + F（搜尋）和 Cmd/Ctrl + D（複製），這兩個就能大幅提升效率。

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給觀望者的三個建議：你應該學 Ableton 嗎？

如果你還在猶豫要不要學 Ableton Live，以下這三個判斷標準應該可以幫助到你：

適合學 Ableton live 的人：

✅ 想做電子音樂、Lo-Fi、Beat Making 的人
Ableton 在這些領域幾乎是業界標準。

✅ 需要現場表演的音樂人
Session View 的設計就是為了 Live Set。

✅ 預算有限，沒有 Mac 電腦的新手
花 NT$300 買 Ableton Note 就能獲得電腦版 Lite，或是買錄音介面直接免費獲得。

✅ 喜歡實驗、不想被「從左到右」線性邏輯限制的創作者
Ableton 讓你可以隨時調整、隨時試錯。

✅ 做影片後製，需要快速產出背景音樂的內容創作者
Warping + Racks 讓你可以快速組合音樂片段。

你可能更適合其他 DAW，如果你是：

❌ 只需要錄音和混音，不做電子音樂
那 Logic Pro（ Mac 用戶 ）或 Studio One（ 跨平台 ）可能更適合。

❌ 已經有 Mac，想要性價比最高的完整 DAW
Logic Pro 只要 NT$6,990（ 一次買斷 ）。

📝 行動建議：如果你還沒買 Ableton，先下載 90 天試用版（官網有提供）。不用看教學、不用學技巧，就打開軟體玩玩看 Session View。如果你覺得「欸，這樣做音樂好像挺有趣的嘛！」，那 Live 就是適合你的軟體。

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番外篇：Ableton Live vs Studio One vs Logic Pro，該選哪個？

第一次上課，最常被問到的問題：

「老師，我到底該學哪個 DAW？」

這是我教了十年後的答案：

如果你是 Mac 用戶 + 預算有限

首選：Logic Pro
NT$6,590 買斷，功能完整，性價比最高。我的網站上 Logic Pro 相關搜尋文章，流量一直都很高，因為它真的很適合 Mac 用戶做音樂以及聲音後製。

如果你是 Windows 用戶 + 想要免費/低成本入門

首選：Ableton Live Lite（搭配 Ableton Note）
花 NT$300 買 Note 就獲得電腦版 Lite，或買錄音介面直接免費獲得。雖然 Studio One Prime 以前是免費的好選擇；但現在收費後，Ableton 的入手門檻更低。

如果你想做電子音樂、Beat Making、現場表演

首選：Ableton Live
不用考慮，直接選 Ableton。這是全世界電子音樂人最多使用的軟體。

如果你需要專業錄音、混音、製作影視配樂..

Mac 用戶：Logic Pro
Windows 用戶：Studio One 或 Cubase、Digital Performer ( 其實很多軟體都可以啦 )

我自己的工作流程是：

• 編曲、Beat Making、影片配樂後置：Ableton Live
• 專業錄音、混音： Logic Pro 偶而會玩 UA 的 Luna
• 音樂製作教學：過去是會的軟體都教（ 因為學生的需求不同 ），但現在我會想要專注在 Ableton Live / Logic Pro 跟 LUNA
  

沒有「最好」的 DAW，只有「最適合你」的 DAW。

📝 行動建議：如果你還在猶豫到底該學哪一套軟體，我的建議是：先用免費 / 低成本的方案試試看（ Ableton Lite、GarageBand、LUNA 免費版 ）。試看看哪個用起來最順手，就選哪個。

「不要被別人的意見影響太多，最重要的是你自己用起來舒服就好。」

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番外篇：為什麼我現在連編輯影片配樂都用 Ableton？

有時候會被問到：「你做影片配樂為什麼不直接用 Final Cut Pro 或 Premiere 內建的音訊工具？」

答案很簡單：因為 Ableton 的 Warping 太好用了。

當你常常需要「把一段音樂剛好卡進 30 秒的影片」。

傳統做法：

• 手動剪接音樂
• 調整速度（ 但音高會變 ）
• 或是重新找一段剛好 30 秒的音樂
  

用 Ableton：

• 把音樂拖進來
• 打開 Warp
• 調整 BPM 讓它剛好 30 秒
• 音高完全不變
  

整個過程 10 秒搞定。

而且 Ableton 的音訊匯出品質很好，我現在做影片配樂的流程是：

1. 在 Ableton 裡 Mix 音樂跟影片的聲音
2. 匯出成 aiff 檔
3. 直接丟進 Final Cut Pro 取代原本影片的聲音
   

說到影片製作，如果你也是需要經常在戶外拍攝動的內容創作者，Mr. Renamer 是我現階段的素材管理工具。它能幫你快速整理 GoPro、Insta360 拍出來的亂數檔名，讓你不用再浪費時間找素材。

有興趣的朋友可以在這裡查看詳細資訊：Mr. Renamer

「好的軟體能提升工作效率，好的工具習慣能讓你更專注在創作上。」

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結論：Ableton 不是萬能，但它改變了我對音樂的理解

用了這麼多年的 Ableton Live 之後，我最大的感受是：這個軟體不是為了「做音樂」而存在的；而是為了讓你開心「玩音樂」而存在的。

Live 不會讓你瞬間變成更厲害的音樂人，但你會：

• 更願意實驗
• 更喜歡嘗試錯誤
• 更享受創作過程
  

備註：好的工具不是為了取代音樂人，而是為了釋放創意。當你不用再花時間對拍點、處理瑣事，你才能專注在「音樂本身」。

現在，就打開 Ableton，開始玩吧！

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我是 Wuli，一個教音樂製作超過十年的自媒體工作者、我自己做網站、寫文章、到現在創作短影音的內容。

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別讓軟體成為你創作的障礙；用對方法就能事半功倍！