Ese escenario cambió el viernes 29 de mayo, cuando el Gobierno de la Ciudad habilitó la primera etapa del nuevo Puente Labruna, una obra que duplica la capacidad del cruce al pasar de un carril doble a dos carriles por sentido. La intervención, impulsada por el Ministerio de Movilidad e Infraestructura a través de Autopistas Urbanas S.A. (AUSA), consiste en la construcción de un puente paralelo al existente, que funciona como mano hacia el río. El resultado es una conexión más directa y fluida entre el Parque de la Innovación, el estadio de River, la Ciudad Universitaria y el corredor de las avenidas Lugones y Cantilo.

La apertura de esta primera etapa no se limita a sumar asfalto: trae consigo una reconfiguración completa del tránsito en el entorno inmediato. Dos arterias del sector —la avenida Udaondo y la calle Campos Salles— cambian de sentido para adaptarse al nuevo esquema vial, y las líneas de colectivo 28 y 42 modifican sus recorridos.

El jefe de Gobierno porteño, Jorge Macri, destacó la dimensión del proyecto: “Esta es una obra fundamental, no solo desde el punto de vista de la movilidad urbana, sino también como símbolo de una Ciudad que busca reconectarse con el río y brindar mejores condiciones para quienes la transitan todos los días”.

La reorganización vial establece que Udaondo pasa a ser mano única hacia Libertador, desde la autopista Lugones. Campos Salles, por su parte, se convierte en la salida hacia Lugones desde Libertador, donde se instaló un semáforo con giro a la izquierda en la mano hacia el centro. Ambas vías operan como un par vial, un esquema que busca ordenar los flujos, reducir conflictos en los cruces y generar una conexión más directa con la autopista Lugones en sentido al centro.

El ministro de Movilidad e Infraestructura, Pablo Bereciartua, explicó el alcance del cambio: “Con este cambio de sentido, no solo se ordena el tránsito, también se simplifican los accesos y egresos del Puente Labruna y se aumenta la capacidad vehicular; esto va a agilizar los viajes en una zona de altísima concurrencia”.

La reconfiguración también implica modificaciones en los giros desde la avenida del Libertador. El giro a la izquierda hacia Udaondo —que antes se realizaba entre las calles Iberá y Quesada— se trasladó a la intersección con Campos Salles, con semaforización. A su vez, se suprime el giro a la izquierda hacia Campos Salles en sentido al centro. Quienes transiten por Libertador y quieran acceder a Lugones o al nuevo puente para ir a Cantilo o Ciudad Universitaria deben tomar Campos Salles. Para llegar a River o tomar Figueroa Alcorta, el recorrido es por Campos Salles hasta el final y luego retomar por Udaondo.

Para acompañar esta reconfiguración, se ejecutarán obras complementarias: el ensanche de Campos Salles para ampliar su capacidad, la adecuación de veredas y bulevares, la reorganización de isletas en Udaondo y la reubicación de las paradas de colectivos.

Las líneas 28 y 42 son las directamente afectadas. Para dirigirse a Libertador, ambas siguen usando Udaondo. Pero para circular en sentido contrario —hacia Lugones, Cantilo o Ciudad Universitaria— utilizan Campos Salles, donde tienen sus nuevas paradas.

Las obras no concluyen con esta primera etapa. El proyecto contempla la construcción de una pasarela peatonal de 4 metros de ancho entre ambos puentes, con una bicisenda de 2,40 metros. También se sumarán dos nuevas conexiones vehiculares: una para posibilitar el ingreso a Lugones desde arriba del Puente Labruna y otra subida adicional desde Cantilo. En paralelo, se desarrollará el espacio público con explanadas de acceso al puente que funcionarán como zonas de descanso y recreación, un aterrazado verde lindero al Parque de la Innovación con capacidad para ser usado como anfiteatro, áreas de juegos para niños, sectores deportivos, espacios gastronómicos y parquización integral tanto sobre el puente como en todo el entorno.

La zona donde se ejecuta esta transformación alberga, además de los polos ya mencionados, la estación Ciudad Universitaria del ferrocarril Belgrano Norte, el Club Ciudad de Buenos Aires, la Universidad Torcuato Di Tella, el Centro de Graduados del Liceo Naval y el club CUBA, entre otras instituciones. A medida que el Parque de la Innovación avanza en su desarrollo, el flujo de personas en el sector crece de manera sostenida, lo que convierte la ampliación del puente en una respuesta directa a una demanda ya instalada.

Concebida como una gran instalación y con el apoyo de la Asociación de Amigos «Somos Sívori”, “Retour” reúne videos, esculturas, objetos encontrados, textos y piezas gráficas en una propuesta que retoma y resignifica algunos procedimientos presentes en “Buenos Aires Tour”, realizada por Macchi en 2004.

A partir de materiales cotidianos y fragmentos recolectados al azar, la exposición construye una experiencia inmersiva atravesada por la memoria, el azar y las pequeñas historias anónimas de la vida urbana. La ambivalencia de sus hipótesis y la exposición de sus hallazgos convocan al espectador a pensar el futuro o el pasado de su propio andar, los hábitos cotidianos, los alimentos, las instrucciones, las lecturas, el absurdo o aquello que se pierde en el camino o queda sin resolver. De este modo, la exposición propondrá escenas donde los rastros cotidianos se transforman en situaciones atravesadas por el absurdo, la melancolía y la ironía características de la obra de este artista.

La muestra marca la primera exhibición individual de Jorge Macchi en el Museo Sívori y se incorpora al Programa Enlace Sívori, iniciativa que la institución desarrolla desde 2017 con el objetivo de fortalecer vínculos con la escena artística contemporánea porteña y dar visibilidad a prácticas comunitarias e inclusivas junto al proyecto Viva Estampa.

Sobre Jorge Macchi

Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1963. Realizó su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Recibió en el año 2000 el Premio Banco de la Nación Argentina y en 2001 la prestigiosa beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship.

Participó de programas de artistas en residencia en diversos países como Estados Unidos (Artpace, 2005), Italia (Civitella Ranieri, 2002), Alemania (Schloss Pluschow, 1998), Inglaterra (Delfina Studios Trust, 1997), Holanda (Duende Artists Initiative, 1996) y Francia (Cité des Arts, 1993/94, beca del Gobierno Francés). En 2005 representó a Argentina en la Bienal de Venecia, uno de los grandes hitos en su carrera.

Realizó cuatro muestras monográficas: “Perspectiva”, Malba, Buenos Aires (2016), “CA2M”, Madrid, España; “Espectrum”, CRAC, Montbeliard, Francia (2015); “Music Stands Still”, Museo de Arte Contemporáneo SMAK, Gante, Bélgica (2011); y “Anatomía de la melancolía” en Santander Cultural (Porto Alegre), Museo Blanton (Austin, 2007) y CGAC (Centro Gallego de Arte Contemporáneo en Santiago de Compostela, 2008).

Además realizó muestras individuales como “La Cathédrale engloutie”, Musée Cantonal de Beaux Arts, Lausanne, (2020); “Lampo”, NC Arte, Bogotá (2015); “Prestidigitador”, MUAC, México DF (2014); “Container” en Museo Moderno (Buenos Aires, 2013) y en Kunstmuseum Luzern, (2013); y “Last minute”, en colaboración con Edgardo Rudnitzky, Pinacoteca del Estado de San Pablo (2009).

Participó en las Bienales de Liverpool 2012, Sydney 2012, Lyon 2011, Estambul 2011, Auckland 2010, New Orleans 2008, Yokohama 2008, Porto Alegre 2007, San Pablo 2006, Venecia 2005, Praga 2005, San Pablo 2004, Estambul 2003, Porto Alegre 2003, Fortaleza 2002 y La Habana 2000.

El proyecto consistió en una obra nueva de un edificio entre medianeras que se desarrolla en planta baja y dos pisos, articulado alrededor de un patio central que garantiza la iluminación y ventilación natural de todos los ambientes.

La distribución del efector se organizó de la siguiente manera:

Planta Baja: Aloja las áreas administrativas y de soporte profesional, que incluyen la oficina de conducción, el sector de entrevistas y el depósito de medicamentos. Asimismo, cuenta con cocina, lavadero, un amplio estar-comedor, sanitarios adaptados y un patio posterior acondicionado con espacio para recreación y una huerta comunitaria.

Primer y Segundo Piso: Están destinados exclusivamente al sector residencial. Cada nivel cuenta con cuatro dormitorios, un estar para los residentes y una sala de descanso con sanitario propio para el operador socioterapéutico de guardia.

Las Casas de Medio Camino constituyen herramientas fundamentales dentro del sistema de salud pública actual. Al funcionar como un nexo intermedio entre la internación hospitalaria y la vida en comunidad, estos espacios permiten consolidar la rehabilitación psicosocial mediante el desarrollo de habilidades para la vida diaria y el fomento de la autonomía personal.

Con la puesta en funcionamiento de esta nueva infraestructura en Barracas, se continúan descentralizando los servicios de atención, para consolidar un modelo de salud mental basado en la cercanía, la dignidad y el acompañamiento integral de los jóvenes promoviendo el fortalecimiento de sus proyectos de vida.

La primera jornada se realizó el 20 de mayo en la Escuela Técnica Raggio y reunió a estudiantes con representantes de instituciones de educación superior universitarias y técnicas. A través de mesas informativas y charlas temáticas, los estudiantes pudieron conocer más sobre las distintas carreras y propuestas de formación, realizar consultas sobre planes de estudio, modalidades de cursada y explorar posibles salidas laborales.

Participan distintas instituciones, tanto públicas como privadas, como la Universidad Argentina de la Empresa (UADE), las facultades de la Universidad de Buenos Aires, la Agencia de Habilidades para el Futuro del Ministerio de Educación de la Ciudad, instituciones técnicas y organismos especializados.

La propuesta continua el 3 de junio en la Escuela Técnica N.° 15 “Maipú” y el 4 de junio en la Escuela Técnica N.° 11 “Manuel Belgrano”, con actividades en los turnos mañana y tarde.

Expo Universidades busca acompañar la transición entre la escuela secundaria y los estudios superiores, promoviendo el acceso a información y propuestas que acompañen a los estudiantes en la continuidad de sus estudios.

Por un lado, su arquitectura resuena en aquello que se está mostrando: el decorado de la casa de avenida Juramento al 2200 remite, si bien ecléctico, a los modos de ornamentación de fines del siglo XIX, con piezas de arte sacro, habitaciones dedicadas a celebrar el siglo de oro español, patio andaluz con fuente y mayólicas coloridas, tal y como la ideó el escritor argentino, autor de La gloria de don Ramiro.

Por el otro, la exhibición curada por Francisco Girelli y Fernando Martínez Nespral establece una relación entre la investigación que realizaron con la colección de piezas de cerámica esmaltada que pertenece al acervo patrimonial de la institución.

En el nombre de la muestra está la clave. Primero, porque refiere tanto al título del libro que Vicente Nadal Mora publicó en 1949, en los inicios del Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas (IAA) dirigido por Mario J. Buschiazzo.

Y luego, a la pesquisa que sustenta esta exhibición que fue realizada por los dos arquitectos antes mencionados, investigador y director del Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas “Mario J. Buschiazzo” (IAA) de la Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo (FADU) de la UBA, respectivamente.

Por su parte, Girelli se dedica a la historia de la arquitectura americana, con especialidad en la historia edilicia de la Ciudad de Buenos Aires en el periodo colonial y poscolonial, desde el registro arqueológico.

En este sentido, la fecha “2026” que está presente como cierre temporal de la exhibición remarca que después de 80 años de la publicación de ese “clásico”, uno de los primeros estudios académicos sobre el tema de todo el continente, los estudios de cultura material lo tienen en cuenta y siguen su legado.

El trabajo de Nadal Mora se ocupó de estudiar y catalogar los azulejos franceses, generalmente blancos con decoración azul, que fueron muy utilizados en la arquitectura de Buenos Aires desde mediados de siglo XIX, teniendo su auge entre 1860 y 1890. Estuvieron en patios y zaguanes, se destacaron en cocinas y hasta decoraron las cúpulas de las iglesias.

De ese pasado brillante, poco quedó en pie. Hoy se recupera como material arqueológico, gracias a la práctica del Centro de Arqueología Urbana (CAU–IAA) en la ciudad de Buenos Aires. El trabajo de rescate de las piezas enteras y de fragmentos de la variedad de mosaicos coloreados recrea no sólo para lo que eran usados en términos ornamentales sino el sistema de comercio de estos materiales en el Río de la Plata.

No sólo los azulejos franceses, llamados Pas de Callais, nombre que queda pegado al paso de origen, el de Callais, sino, tal como explican los curadores, “otros enfoques contemporáneos, iniciados con Daniel Schávelzon y el trabajo con vestigios arqueológicos, permitieron establecer que el uso de azulejos en Buenos Aires comenzó al menos desde el siglo XVIII con piezas españolas en su mayoría –producidas en Cataluña y Valencia–, pero también de otros centros de producción como Inglaterra, Holanda e Italia».

Por lo tanto, la exposición es más del recorrido libresco iniciado en 1949 por Nadal Mora, que una colección en particular o un conjunto de estos materiales. Es, sobre todo, un ida y vuelta de producciones impresas que fueron posibles gracias a esos azulejos. Folletos y recortes de prensa, manuscritos inéditos que pueden ser vistos por primera vez.

Asimismo, la exhibición da cuenta de cómo esa publicación fue señera para concitar el interés en este tema, no sólo en Argentina sino en otros países, como por ejemplo Uruguay que fue un polo de intercambio con coleccionistas locales.

“En general entre arquitectos, quienes con este material liviano, pequeño y estéticamente atractivo, podían de alguna manera conservar una parte de los edificios que desaparecían bajo la piqueta del progreso. José María Peña, Carlos E. Duchini, Alejandro Ruiz Luque, Álvaro Orsatti y Enrique Echavarría Coll, entre otros, se sumaron armando colecciones y produciendo publicaciones y exposiciones», explican los curadores en su texto.

Y agregan: «En paralelo surgió en Uruguay otro grupo de coleccionistas que intercambiaban con los de Buenos Aires. Los primeros de ellos fueron Francisco Mazzoni y Manuel Paz Morquio, y en la década de 1960 empezó Alejandro Artucio Urioste, fundador de dos museos dedicados al tema en Montevideo y Punta Ballena, y autor de una serie de libros indispensables”.

Quien seguramente vio ese libro fue el escritor Manuel Mujica Lainez, ya que la reproducción del azulejo con el hombrecito está impresa. En Misteriosa Buenos Aires, el libro que reúne la colección de cuarenta y dos relatos publicado en 1950, está “El hombrecito del azulejo (1875)”.

Todos los cuentos de ese libro están fechados y la idea de Mujica Laínez es, sobre todo, fusionar historia y ficción, una suerte de armado cronológico para volver a contar el pasado de la ciudad.

Están situados en el catastro citadino, tienen referencias a hechos reales y los elementos del fantástico redoblan a apuesta de ese misterio, de nuevas configuraciones desde un presente que necesita volver a narrar historias.

A su vez, en ese cuento se condensa a la perfección la historia del azulejo, pero también, la de los azulejos que podemos ver en la muestra: “El hombrecito del azulejo es un ser singular. Nació en Francia, en Desvres, departamento del Paso de Calais, y vino a Buenos Aires por equivocación. Sus manufactureros, los Fourmaintraux, no lo destinaban aquí, pero lo incluyeron por error dentro de uno de los cajones rotulados para la capital argentina, e hizo el viaje, embalado prolijamente el único distinto de los azulejos del lote», escribe el autor.

«Los demás –continúa–, los que ahora lo acompañan en el zócalo, son azules como él, con dibujos geométricos estampados cuya tonalidad se deslíe hacia el blanco del centro lechoso, pero ninguno se honra con su diseño: el de un hombrecito azul, barbudo, con calzas antiguas, gorro de duende y un bastón en la mano derecha”.

Si bien la composición del zaguán donde estaba destinado era geométrica, el obrero lo incluye a falta de una pieza. Así es que Martinito, nombre que recibe de Daniel, el niño enfermo de quien será amigo llega a Buenos Aires y al barrio de San Telmo: por un error y por la falta.

Su historia no es más que un fiel reflejo de la historia argentina: fue inaugurada el 9 de julio de 1894 y conecta Plaza de Mayo con Plaza del Congreso, en un intento simbólico de unir al Poder Ejecutivo con el Legislativo, algo que desde que el país se convirtió en Nación ha sido imposible. A fines del siglo XIX, Argentina se posicionaba como una potencia sudamericana a los ojos del mundo y en plena primera oleada inmigratoria que terminaría siendo decisiva en su estilo.

Se sabe que el país y su identidad fueron construidas por una fuerte influencia europea que se puede ver plasmada en varios sitios conocidos de Buenos Aires y esta avenida ciertamente no es la excepción. Podemos hacer dos divisiones claras: desde el Cabildo hasta 9 de Julio un estilo francés y desde 9 de Julio hasta Plaza del Congreso un estilo español que por momentos nos hace pensar que estamos de paseo por Madrid.

Para descubrirla hay que trazar una excursión imaginaria que podría comenzar en Plaza de Mayo un lugar mítico del país donde el pueblo ha manifestado sus mayores angustias como, entre otras, las primeras vueltas a la plaza de las Madres y Abuelas en la época de la Dictadura y no hace mucho cuando miles de fanáticos del fútbol hicieron largas horas de fila para poder despedirse de Diego Maradona y también su mayor felicidad cómo fue el regreso a la democracia en 1983.

La sala Cronopios alberga Borges: ecos de un nombre, curada por Rodrigo Alonso, Daniel Fischer y Maximiliano Tomas, en conmemoración de los 40 años de la muerte del autor de Ficciones, ocurrida el 14 de junio de 1986.

La muestra, realizada junto a la Fundación Internacional Jorge Luis Borges y con la colaboración de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, propone una mirada colectiva sobre su figura y su obra.

El recorrido está organizado en núcleos temáticos delimitados por una instalación textil del artista Pablo Lehmann. A través de textos y objetos, un equipo de especialistas —Lucas Adur, Gonzalo Aguilar, Germán Álvarez, Matías Bauso, Mariela Blanco, Pablo Gianera, Martín Hadis, Laura Rosato y Patricio Zunini— aborda el vínculo de Borges con Buenos Aires y su relación con la poesía, las bibliotecas, el cine, la amistad, el amor y su presencia en los medios de comunicación.

Entre los materiales expuestos figuran objetos personales, primeras ediciones, manuscritos, fotografías, memorabilia y una recreación del cuarto del departamento de Plaza San Martín en el que el escritor vivió la mayor parte de su vida. La muestra incluye también una cronología completa, gigantografías con imágenes inéditas, material audiovisual y una proyección animada en forma de holograma que recrea su figura, además de un espacio de lectura abierto al público.

“Al inicio, la muestra destrama los rumbos de su vida pública y la gravitación de sus múltiples afectos; este límite se vuelve más complejo a medida que se avanza en su recorrido. Hacia las profundidades de la sala el nombre propio se multiplica en sus ecos y la experiencia vital cede su lugar a la arquitectura de la palabra y la ficción”, explica Tomas, director general del Centro Cultural Recoleta (CCR).

La propuesta se pregunta no quién fue Borges sino quién es hoy para la Argentina: el apellido proviene del término germánico burg, que significa “ciudad”, “fortaleza” y “castillo”, una etimología que la muestra convierte en punto de partida conceptual.

En la sala J, Eduardo Molinari presenta Hijos de la Luna, con curaduría de Javier Villa. A cincuenta años del último golpe de Estado en la Argentina, la muestra pone el foco en las juventudes de los años setenta que optaron por no encajar y revisa la aparente dicotomía entre rock y militancia revolucionaria.

“El rock no fue únicamente un refugio hedonista ni la guerrilla pura máquina ideológica. Ambos compartieron una misma matriz de intensidad: la búsqueda de formas de desobediencia que disputaban los modos de vida disponibles”, sostiene Villa. El curador agrega: “Mientras que el universo contracultural circuló como flujo de electricidad y fuerza poética, el imaginario revolucionario tuvo a la sangre como flujo-savia dando dinamismo a su fuerza. Entre descargas eléctricas y pulsaciones sanguíneas, la exposición compone una suerte de sistema nervioso de época”.

El recorrido parte de los bombardeos a Plaza de Mayo de 1955 —escena inaugural de violencia militar desde el cielo— y llega hasta la recuperación democrática, con el período de la última dictadura como eje. La imagen de los aviones retorna en ese trayecto con los llamados “vuelos de la muerte”. Bajo ese cielo como campo de batalla, los astros organizan el imaginario de la exposición: la estrella roja de la guerrilla, el sol y la luna presentes en las líricas y gráficas del rock.

Los materiales reunidos e intervenidos por Molinari —ejemplares de la revista Pelo y gráfica clandestina— funcionan como documentos poéticos expandidos. La figura del dibujante-escriba aparece en su trabajo como referencia central: alguien que entiende los actos de recordar y narrar como una práctica colectiva de circulación de sentidos.

Molinari (Buenos Aires, 1961) es licenciado en Artes Visuales y docente investigador en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). En 2001 creó el Archivo Caminante, un archivo visual en progreso que indaga las relaciones entre arte, historia y territorio.

La sala C acoge Entusiasmo público, de Liv Schulman, con curaduría de Carla Barbero. Se trata de la primera exposición individual institucional de la artista en Buenos Aires y reúne obras realizadas entre 2011 y la actualidad.

“Las obras de Schulman interrogan los modos en que el lenguaje organiza la experiencia social y política: cómo los discursos —artísticos, terapéuticos, económicos— producen formas de vida», señala Barbero. A través de ficciones documentales, series de televisión, lecturas performáticas y novelas, la artista trabaja con el lenguaje como una tecnología política que gestiona los afectos y modula el deseo. El absurdo y el humor operan en su obra para exponer los mecanismos de control mediante los cuales las subjetividades se desenvuelven en el espacio social.

La selección de obras abarca más de una década, desde la serie Control (2011) hasta producciones recientes como Un círculo que se fue rodando, que recibió el Premio de la Competencia Flash en el Festival Internacional de Cine de Marsella en 2024.

Schulman (Buenos Aires, 1985) vive y trabaja entre Buenos Aires y París. Se formó en la École Nationale Supérieure d’Art de Cergy y en el programa Art Writing de Goldsmiths, de la Universidad de Londres. Su obra integra colecciones del Musée National d’Art Moderne–Centre Pompidou, el CNAP y varios FRAC de Francia, además del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario.

Las tres exposiciones se pueden visitar con entrada libre y gratuita para residentes y ciudadanos argentinos, de martes a viernes de 12 a 21 horas, y sábados, domingos y feriados de 11 a 21 horas. El CCR se encuentra en Junín 1930.

El ensamble Capilla del Sol, grupo residente del Museo, especializado en el repertorio del barroco americano y con 23 años de carrera tanto nacional como internacional será el conjunto porteño anfitrión. De la mano de su director musical Ramiro Albino, está conformado en forma federal con músicos de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Salta y Santa Fe y es referencia nacional y convocatoria obligada para un festival en nuestra ciudad.

En cuanto a los grupos de Bolivia, (Ensamble Moxos), Uruguay (Art Cantorum), y España (Harmonia del Parnas) resultan todos ellos de larga y reconocida trayectoria tanto en sus países como en el exterior. Cabe mencionar que en todos los ensambles invitados participan músicos locales, por lo que nos complace organizar este verdadero intercambio cultural, plasmado en un festival barroco, con su especial característica: la música del barroco hispanoamericano.

Dirección musical: Ramiro Albino

Coordinación: Leila Makarius / Jorge Cometti

Sede Palacio Noel (Suipacha 1422, Barrio Retiro)

Sábado 30 de Mayo, 17 h.

CAPILLA DEL SOL

En alas del Cóndor: Un recorrido sonoro por la columna vertebral de Sudamérica

Silvina Sadoly (soprano)

Griselda Lopez Zalba (soprano)

Gustavo Reyna (guitarra)

Marian Rosa Montagut (clave)

Ramiro Albino ( flauta y Dirección musical)

Coordinación: Leila Makarius / Jorge Cometti

Domingo 31 de Mayo, 17 h.

HARMONIA DEL PARNAS (España) – ¡Ay que me abraso de amor!

Marta Infante (Mezzosoprano)

Hiro Kurosaki (violín)

Guillermo Martínez (violonchelo)

Marian Rosa Montagut (clave y dirección)

Sábado 6 de junio, 17 h.

Paisajes del Barroco Italiano: de Nápoles a Venecia

Hernán Rodríguez (violín)

Claudia de Giannantonio (cello)

Federico Ciancio (clavecín)

Domingo 7 de junio, 17 h.

CORAL AUREA VOCE

Dirección: Mariana Rewerski

Umbral: Motetes y Madrigales entre el Renacimiento y el Barroco

Entrada $5.000. Se adquiere directamente el día del concierto en Boletería del Museo. No se reserva. Se ingresa por orden de llegada hasta colmar la capacidad de la sala. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años, ex combatientes de Malvinas y grupos de estudiantes de colegios públicos sin cargo.

El mural está inspirado en la tapa de “Clics modernos” y traslada la icónica esquina neoyorquina de Walker Street y Cortlandt Alley, donde Charly fue retratado, a la esquina de Corrientes y Callao, generando así un diálogo directo entre ambas ciudades.

Charly dio su aval al proyecto, el cual funciona «como una suerte de tatuaje urbano: una marca que el edificio lleva consigo».

Ron es autor de más de 400 obras en ciudades como Londres, Bristol, Miami, Tenerife y Berlín, además de murales icónicos en la Argentina dedicados a Maradona, Messi y el Papa Francisco, «El cuento de los loros» en Villa Urquiza y los homenajes a las víctimas del atentado a la AMIA, entre muchos otros. Su obra en la Torre de Agua de Miramar fue distinguida como Mejor Mural del Mundo por la plataforma Street Art Cities, y en 2021 La Legislatura porteña lo declaró Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

El 7 de diciembre de 2025 ya se había sido homenajeado en la ciudad de Buenos Aires con una serie de intervenciones que buscaron celebrar su trayectoria y su vínculo con el barrio que habita desde hace décadas, cuando quedó señalizada la esquina ubicada en Av. Coronel Díaz y Av. Santa Fe, un punto de referencia para sus seguidores por tratarse del lugar donde reside el músico.

Allí se descubrió una placa de la Legislatura porteña, mientras que el artista Mariano Cabrera presentó un mural inspirado en las célebres fotos que Gabriel Rocca le tomó al artista. “Es para él y para todos los fans”, expresó el autor de la obra durante la presentación.

La temática es libre con una única condición: el bar/café porteño y/o el barrio porteño en donde se ubica geográficamente deberán tener un papel relevante en la acción del texto o en la imagen concursante. Las obras seleccionadas pasarán a formar parte de una publicación que se editará posteriormente.

La idea central de este concurso es rescatar y promover el bar/café notable dentro de su barrio de pertenencia como un ámbito social o individual en el que transcurren o se recrean las historias de la comunidad, teniendo en cuenta que en la Ciudad la literatura y el bar constituyen un dúo de una rica y amplísima tradición que va desde las antiguas tertulias coloniales a los talleres literarios de hoy, convirtiendo a Buenos Aires en una de las ciudades con más actividad literaria del mundo.

Los Cafés y Bares Notables de Buenos Aires son parte fundamental del patrimonio cultural de los porteños. En su ámbito se preserva la cultura, la historia y las tradiciones de la Ciudad de Buenos Aires. Se destacan por ser centros de reunión, de trabajo, de charlas y de encuentro. Por sus mesas ha pasado y pasa la historia de la ciudad: músicos, escritores, artistas y políticos se funden en la atmósfera de estos espacios de debate urbano donde compartir un “cortado” se transforma en un ritual indiscutible de los porteños.

La convocatoria estará abierta hasta el lunes 6 de julio e invita a escritores e ilustradores a presentar un relato o una ilustración inéditos, con el objetivo de seleccionar trabajos que cuenten historias sobre un patrimonio cultural de Buenos Aires: sus bares y cafés notables. El jurado evaluará las obras entre el 7 de julio y el lunes 31 de agosto de 2026 y los resultados se darán a conocer a partir del lunes 7 de septiembre en la web y en las redes sociales de Patrimonio