Na sexta-feira acabei iniciando uma conversa muito agradável pelo Facebook por conta de um link que postei. A conversa (entre eu e mais três amigos) foi tão bacana que resolvi trazer pra cá.

A história

O McDonald’s vende produtos que são riquíssimos em gorduras, sódio, açúcares e outras elementos não tão bacanas para a saúde. Até ai, tudo bem. Cada um consome o que quer e se não é enganado sobre o que o produto é realmente não há problema nenhum. Contudo, o McDonald’s é muito criticado por ter uma comunicação voltada para crianças, com comerciais durante programas infantis, vinculação da imagem de seus produtos com personagens que as crianças gostam e pelos brinquedos como “brinde” para os pequenos.

Nos últimos anos cresceu o numero de organizações que condenam tais ações. Mas, nessas últimas semanas, o coro dos “conta-junkfood” foi endossado por médicos que, através do site Letter To McDonald’s, pedem para que a marca de sanduiches aposente seu famoso personagem Ronald McDonald e todo seu marketing para crianças. A ação reverberou em diversos jornais importantes dos EUA, como o Chicago Tribune, LA Times e The Wall Street Journal.

O McDonald’s rechaçou tudo isso em nota oficial (que infelizmente não consegui encontrar na íntegra). Mas no trecho citado no Meio&Mensagem fica muito clara a posição/visão da empresa a respeito disso:

Como rosto da Ronald McDonald House Charities [organização da empresa que busca promover a saúde infantil], Ronald é um embaixador a serviço do bem, que dá mensagens importantes às crianças sobre segurança, alfabetização e um estilo de vida ativo e equilibrado.

Comentário

Meu questionamento no Facebook ao compartilhar essa matéria foi o seguinte: será que marcas com comportamentos tão altivos, prepotentes e mentirosos como esse ainda têm lugar no mundo?

Não acredito em marcas que usam de publicidade mentirosa tem um bom futuro. As marcas hoje tem um papel muito maior do que apenas fornecer produtos. Precisam se preocupar com questões além dessas. Investir em ações, produtos e experiências que fossem realmente benéficas a seus consumidores seria muito mais útil do que pegar esse dinheiro e gastar para dizer “Ronald é um embaixador a serviço do bem. Ele é o logotipo de uma charitie.” Todo mundo, com o mínimo de informação, sabe que isso é uma grande bobagem, um engana que eu gosto. Marcas precisam entender que elas não são o que elas mesmas dizem ser, elas são o que as pessoas dizem que são.

É claro que o McDonald’s vai lutar com unhas e dentes pelo Ronald, simplesmente porque ele e seus amigos (+ os brinquedos) formam os futuros adultos consumidores. E, em outras palavras, que se dane as gorduras, sódios e açúcares que as crianças que estão aprendendo a amar.

Hoje as pessoas não acreditam no que você diz, mas no que você faz.

Será que ainda temos lugar para marcas que apenas querem lucro, sem se preocupar com seu impacto na vida das pessoas, ou mesmo sobre o que elas pensam sobre isso?

Fonte: Meio&Mensagem

E chegamos ao final do mês de comemorações pelos 3 anos do LOGOBR. Confesso que foi muito divertido todos esses dias. Vocês são sensacionais. E para fechar com chave de ouro temos um novo parceiro: a loja Meninos.us. E já quero de antemão agradecer ao Bruno e Diogo, fundadores do site, e à Mariana Magalhães que tão gentilmente conversou com o LOGOBR. Vida longa a parceria.

Sorteamos um curso e quatro livros. Ou seja, conhecimento. Dessa vez vamos cooperar para a decoração do seu quarto/escritório/estudio: vamos sortear uma almofada exclusiva. Quem ganhar escolhe uma entre as várias que estão no site. E dessa vez será mais fácil: seguir @LOGOBR e @meninos_us e tuitar a frase da promo.

O regulamento

1- Apenas UM tuite já é necessário para participar do sorteio. Tuitar a mensagem várias vezes não aumenta suas chances. A repetição de tuites e links são uma violação as Regras de Uso do Twitter, além de comprometer a qualidade dos termos na busca;

2- Esse sorteio irá conceder ao ganhador no endereço de sua preferência, dentro do Brasil, uma das almofadas exclusivas do site Meninos.us, sendo uma cortesia da loja.

3- Para concorrer é necessário seguir o @LOGOBR e @meninos_us no Twitter e tuitar a frase:

Última promo de #3anos do @LOGOBR e dessa vez eu ganho uma das almofadas da @meninos_us http://migre.me/4CRTk

4- Os tuites deverão ser enviados até às 15h (horário de Brasília) da próxima sexta-feira (27 de maio de 2011);

5- O resultado será anunciado logo após, com o ganhador sendo citado nos perfis @LOGOBR e @meninos_us e posteriormente, com tudo confirmado, atualizaremos esse post com o link do sorteio;

6- O ganhador, após anunciado, deverá enviar uma DM (mensagem) para o perfil @meninos_us com seu email. A equipe da loja entrará em contato com o ganhador para envio de dados;

7- Caso o ganhador não entre em contato até às 12h de segunda-feira, 30 de maio, será desclassificado e um novo sorteio será anunciado e realizado;

8- Se for anunciado que um novo sorteio será feito, em hipótese nenhuma, o antigo ganhador receberá o prêmio;

9- O novo ganhador terá até as 12h do próximo dia útil ao sorteio para entrar em contato conforme descrito no ítem 8 do regulamento. Caso contrário, um novo sorteio será feito até que um dos participantes receba o prêmio;

10- Em nenhuma hipótese o ganhador poderá receber o valor do prêmio em dinheiro ou trocá-lo por qualquer outro tipo de bem, mesmo outros produtos da loja Meninos.us;

11- O(a) vencedor(a) do concurso autoriza o uso do seu nome nos materiais de divulgação (fotos, citações via twitter e blog) da promoção e do curso sem ônus de espécie alguma para os seus organizadores;

12- Ao tuitar a mensagem da promoção, o participante estará concordando tacitamente com todas as normas contidas no presente regulamento e revogando quaisquer disposições contrárias.

Como é do saber de todos, no último dia 5 o LOGOBR completou 3 anos de vida. E, para comemorarmos essa data tão querida, estamos fazendo um mês de sorteios em parceria com algumas empresas que gostam do LOGOBR.

Essa já é a terceira semana e como o pessoal gosta muito de livros vamos em parceria com a Editora 2AB sortear mais dois.

O primeiro, Viver de Design, está em sua sexta edição. Revela detalhes da administração do dia-a-dia da nossa profissão, abrindo novos caminhos para a prática do design no país. O segundo é um lançamento. Naming é uma das primeira publicações sobre o tema no Brasil. Escrito pelo prof. Delano Rodrigues, ele busca mostrar caminhos de como se criar bons nomes para marcas. Esse ultimo está a caminho de minha casa, não vejo a hora de poder ler.

Como no sorteio de semana passada, um único ganhador vai levar essas duas gracinhas pra casa. Para isso é só ler o pequeno regulamente abaixo, completar a frase, tuitar e torcer!

PS: repare que desse vez será um pouco diferente =)

1- A repetição de tuites e links são uma violação as Regras de Uso do Twitter, além de comprometer a qualidade dos termos na busca;

2- Esse sorteio irá conceder ao ganhador um exemplar do livro Naming e um exemplar do livro Viver de Design, sendo uma cortesia da editora 2AB.

3- Para concorrer aos livros é necessário seguir o @LOGOBR e @2ABeditora  no Twitter e tuitar a frase abaixo completando com o pior exemplo de naming que você já viu:

Ei @LOGOBR e @2ABeditora, os 2 livros serão meus! http://migre.me/4z6qD Ex. de naming ruim:

Na frente de “Ex. de naming ruim:”  você completa com o pior exemplo de nome para uma empresa que você já viu.

4- Tuites que não estiverem completados devidamente como é pedido acima serão automaticamente desclassificados;

5- Os tuites deverão ser enviados até às 15h (horário de Brasília) da próxima sexta-feira (20 de maio de 2011);

8- Se o ganhador não estiver seguindo os perfis @LOGOBR e @2ABeditora será automaticamente desclassificado e um novo sorteio será realizado;

9- O ganhador, após anunciado, deverá enviar uma DM (mensagem) para @2ABeditora com seu email. A equipe da editora entrará em contato com o ganhador para envio de dados;

10- Caso o ganhador não entre em contato até às 12h de segunda-feira, 23 de maio, será desclassificado e um novo sorteio será anunciado e realizado;

10- Se for anunciado que um novo sorteio será feito, em hipótese nenhuma, o antigo ganhador receberá o prêmio;

11- O novo ganhador terá até as 12h do próximo dia útil ao sorteio para entrar em contato conforme descrito no ítem 9 do regulamento. Caso contrário, um novo sorteio será feito até que um dos participantes receba o prêmio;

12- Em nenhuma hipótese o ganhador poderá receber o valor do prêmio em dinheiro ou trocá-lo por qualquer outro tipo de bem, mesmo outros produtos da loja da editora 2AB;

13- O(a) vencedor(a) do concurso autoriza o uso do seu nome nos materiais de divulgação (fotos, citações via twitter e blog) da promoção e do curso sem ônus de espécie alguma para os seus organizadores;

14- Ao tuitar a mensagem da promoção, o participante estará concordando tacitamente com todas as normas contidas no presente regulamento e revogando quaisquer disposições contrárias.

Boa sorte!

Como é do saber de todos, no último dia 5 o LOGOBR completou 3 anos de vida. E, para comemorarmos essa data tão querida, estamos fazendo um mês de sorteios em parceria com algumas empresas que gostam do LOGOBR.

Essa semana teremos a honra de sortearmos dois títulos da nossa parceira de longa data editora Bookman.

Os dois títulos, A Empresa Orientada Pelo Design e The Brand Gap são de Marty Neumeier. O primeiro (que está na minha lista de espera para leitura) fala sobre a administração de empresa com uma cultura de inovação baseada no tão falado e estudado Design Thinking. O segundo fala sobre o abismo entre estratégia e criatividade que existe na gestão de marcas de muitas empresas e como superar esse “vão” em cinco etapas. Esse último é minha atual leitura diária e tenho que dizer: é um livro fantástico.

Repetindo: vamos sortear os dois livros, de uma vez só e para um único ganhador, pelo Twitter. Para participar é só dar uma olhada no rápido regulamento da promoção, tuitar e orar para sua divindade.

O regulamento

1- Apenas UM tuite já é necessário para participar do sorteio. Tuitar a mensagem várias vezes não aumenta suas chances. A repetição de tuites e links são uma violação as Regras de Uso do Twitter, além de comprometer a qualidade dos termos na busca;

2- Esse sorteio irá conceder ao ganhador no endereço de sua preferência, dentro do Brasil, os dois livros: The Brand Gap e A Empresa Orientada Pelo Design, sendo uma cortesia da editora Bookman.

3- Para concorrer aos livros é necessário seguir o @LOGOBR e @BookmanEditora no Twitter e tuitar a frase:

Não quero nem saber dos #3anos do @LOGOBR. Eu quero os dois livros da @BookmanEditora que irão sortear: http://migre.me/4v3KJ

4- Os tuites deverão ser enviados até às 13h (horário de Brasília) da próxima sexta-feira (13 de maio de 2011);

5- Os tuites recebidos após a data e o horário acima estabelecidos estarão automaticamente desclassificados;

6- O resultado será anunciado logo após, com o ganhador sendo citado nos perfis @LOGOBR e @BookmanEditora e posteriormente, com tudo confirmado, atualizaremos esse post com o link do sorteio;

7- Se o ganhador não estiver seguindo os perfis @LOGOBR e @BookmanEditora será automaticamente desclassificado e um novo sorteio será realizado;

8- O ganhador, após anunciado, deverá enviar uma DM (mensagem) para o perfil @BookmanEditora com seu email. A equipe da editora entrará em contato com o ganhador para envio de dados;

9- Caso o ganhador não entre em contato até às 12h de segunda-feira, 16 de maio, será desclassificado e um novo sorteio será anunciado e realizado;

10- Se for anunciado que um novo sorteio será feito, em hipótese nenhuma, o antigo ganhador receberá o prêmio;

11- O novo ganhador terá até as 12h do próximo dia útil ao sorteio para entrar em contato conforme descrito no ítem 8 do regulamento. Caso contrário, um novo sorteio será feito até que um dos participantes receba o prêmio;

12- Em nenhuma hipótese o ganhador poderá receber o valor do prêmio em dinheiro ou trocá-lo por qualquer outro tipo de bem, mesmo outros produtos da loja da editora Bookman;

13- O(a) vencedor(a) do concurso autoriza o uso do seu nome nos materiais de divulgação (fotos, citações via twitter e blog) da promoção e do curso sem ônus de espécie alguma para os seus organizadores;

14- Ao tuitar a mensagem da promoção, o participante estará concordando tacitamente com todas as normas contidas no presente regulamento e revogando quaisquer disposições contrárias.

Boa sorte!

O ganhador foi o @too_on. Parabéns! Aqui o link do sorteio.

Com muito prazer, no próximo dia 5 o LOGOBR completará 3 anos de vida. Muito trabalho, contratempos, posts e pesquisas. Mas principalmente, muitas conversas enriquecedoras. E esse sempre foi e continuará sendo o objetivo desse site: disseminar conhecimento.

Agradeço, primeiramente a Deus, e depois a todos vocês que passam por aqui. Vocês são a razão desse site ainda estar vivo, obrigado pelas cobranças, pelos elogios e principalmente pelas críticas. Saibam que é um prazer fazer parte disso. E que venham muitos anos!

E, diferente do que (não) fizemos ano passado, iremos ter um mês de comemorações. Posts especiais e sorteios todas as semanas. Por isso, estejam atentos. E primeiro sorteio começa agora.

O workshop

A Penso Eventos está organizando um workshop com Hugo Kovadloff para o mês de maio.

Hugo foi diretor da SAO por 10 anos, antiga divisão de design da DPZ; já trabalhou na NewcommBates (grupo de Roberto Justus) e hoje é diretor de criação na equipe de branding do GAD’.

Kovadloff apresentará todo o processo de concepção, criação e implementação de marcas e a metodologia utilizada pelo Gad’ para o desenvolvimento de projetos de branding. Claro, Ipiranga Química, CPFL Cultura e Vasp então entre os clientes que Kovadloff atendeu.

O workshop vai acontecer nos dias 13 e 14 de maio em Sorocaba/SP no hotel Shelton Inn. Para todas as informações, incluindo inscrições (se quiser garantir uma das limitadas vagas), basta acessar o site do evento. As inscrições terminam dia 8.

O sorteio

E o LOGOBR em parceria com a Penso Eventos sorteará um ingresso entre nosso leitores em comemoração aos 3 anos do site. Para concorrer, baste ler o curtíssimo regulamento, tuitar e torcer!

PS #2: por um motivo que falo depois das imagens, eu havia desanimado de publicar esse artigo. Mas foram muitas cobranças, principalmente do @nathankinapp. E por total respeito a vocês e a minha promessa, trago o post ao ar. Mesmo que tardiamente, espero que gostem!

Aloha!

Em agosto de 2010, comecei a fazer uma coleta, com a ajuda do pessoal no Twitter, sobre o design gráfico feito durante a campanha eleitoral. Motivo e tema: obamização. Logotipos, símbolos, tipografia, sites, ilustrações e até slogans. Isso poderia ser uma ótima notícia para o design eleitoral brasileiro, vide o excelente trabalho que Sol Sender e a Mo/De, sob direção de Scott Thomas, fizeram para Obama. Poderia. O que vimos foram cópias descaradas, inspirações mal traduzidas, praticamente um show de horrores. E o pior: falta de identidade aos candidatos.

PS: haviam mais imagens, mas infelizmente algumas se perderam durante um trânsito de dados. Peço perdão.

Como podemos ver (e vimos durante quatro meses de 2010) a política brasileira foi atingida pela furacão da campanha de Obama. Mais que isso, foi embebedada. Logotipos circulares com horizontes, sites em azul, direção de arte em fotos, ilustrações, mais logotipos circulares.

O design gráfico deveria ser usado, no mínimo, para criar uma identidade visual às figuras públicas (e não apenas aos candidatos), mas nem isso foi feito. Exemplo: nas eleições, enquanto concorriam a novos cargos, candidatos desenharam novos sites (apesar de obamizados) até que interessantes. Com fim das eleições muitos desses não venceram, então voltaram ao seus antigos sites (alguns ruins e bagunçados). Sem contar que, na campanha tinham um logotipo e cores específicas. Depois com o fim, não se vê nada além de seus antigos sites com seus nomes escritos em Arial ou Times New Roman.

Enquanto isso, Obama mantém seu logotipo desde o fim de 2007 e vai usá-lo nas campanha de 2012. Uma verdadeira marca, que não deixa a desejar se comparada a qualquer empresa/produto/serviço.

Sem roupa própria

Um candidato deve ter uma identidade (e aí inclui-se a identidade visual) para ser identificado pelos eleitores. Para isso, a equipe de design lança mão de diversos elementos: cores, formas, tipografia, direção de fotografia e etc. Baseado nisso, vem meu questionamento: como candidatos que queiram conquistar novos eleitores se sujeitam a uma identidade que não é deles? Muito pior, se sujeitam a falta de identidade? Um exemplo foi um dos candidatos que tinha um logotipo no primeiro turno e, no segundo, mudou radicalmente e até adicionou um símbolo.

Claro, falar que somente logotipos, cores, tipografia, patterns e etc. fazem a identidade de um político é besteira. Isso é o que chamamos de Identidade Visual (manifestação gráfica de uma marca), e é uma parcela do que deve ser construido em torno de uma marca para que essa seja reconhecida, admirada, desejada, querida e, nesse caso, eleita. Mas antes tivesse sido esse o problema.

Navegar na complexidade de projetos de inovação não é tarefa fácil. O maior problema é que quando procuramos criar algo novo e surpreendente, não sabemos no início qual será o resultado no final. O que escrevo parece algo simples e óbvio, mas a verdade é que não é. Se você, ao iniciar um projeto, sabe exatamente qual será seu resultado final, pode acreditar, ele não terá o impacto que está procurando e seu processo será inútil, pois você o tentará viciar para alcançar exatamente o que está querendo desde o começo.

Projetos de Design Gráfico ou até mesmo de Design de Produto deveriam utilizar a abordagem do Design Thinking, porém isso não é o que temos visto por onde passamos. Designers de produto até fazem pesquisa com usuários mas mais por aspectos ergonômicos e estéticos do que para entender exatamente como sua solução se encaixará na vida dessas pessoas. A prototipagem, quando acontece, é somente em estágios finais, para teste de conceito e avaliação estética, aprovação por parte da diretoria e desenvolvimento final dos engenheiros. Colaboração entre designer, usuário e cliente então é algo inexistente e essas pessoas, quando envolvidas, servem apenas de cobaias em focus groups que acontecem já nos estágios finais de validação e ajuste fino das ideias. Isso em um momento que já se gastou muito dinheiro e é tarde demais para voltar atrás… (Por favor, gostaria muito de ser corrigido neste aspecto e que me mostrem exemplos de projetos que me desmintam.)

Qualquer projeto, de qualquer área, conduzido por qualquer pessoa, deveria se abrir à possibilidade de navegar um pouco mais em águas de incerteza. Essa incerteza, desde que bem conduzida, aumentará seu nível de ansiedade durante mas garante grandes resultados ao final do projeto. Dê-se um tempo para conversar mais com os usuários, entender seus comportamentos e contexto de vida. Faça o mesmo com as pessoas que estarão associadas à entrega desse produto ou serviço que você está projetando e veja como elas podem ajudar você. Sei que não é tarefa fácil, mas um bom designer hoje não é um gênio que trabalha a portas fechadas e sim um profissional que consegue extrair de outras pessoas informações relevantes, as quais são conduzidas e processadas ao longo de uma controlada jornada caótica onde a complexidade dá lugar à simplicidade através de soluções relevantes.

Designers estão acostumados com grande parte desse processo, mas vejo que ainda falta o passo final: entender que eles estão ali para conduzir e dar sentido à informação adquirida com outros e estarem mais abertos a ter várias pessoas o ajudando em projetos. Se você fica preso em seu mundo, é bem provável que suas soluções não estejam alcançado todo seu potencial. Acredite no poder da empatia, colaboração e experimentação … no começo o salto de fé é grande mas os resultados lhe provarão que vale a pena viver e trabalhar assim.

Aloha!

Esses dias atrás recebi um link do Felipe Tofani que me fez pensar em muitas coisas. Aliás, não somente eu,mas diversas pessoas pelo Twitter também deixaram suas impressões, opiniões e perguntas sobre a nova identidade visual do MIT Media Lab.

Fundado pelo professor Nicholas Negroponte do Massachusetts Institute of Technology em 1985, o MIT Media Lab é um dos mais reconhecidos centros de pesquisa do mundo. Seus funcionários trabalham em projetos que vão desde a interação humana com computadores até métodos de ensino para crianças e nanotecnologia. Provavelmente parte das mentes mais brilhantes dos nossos dias estão desenvolvendo suas pesquisas por lá.

E é para esse centro de pesquisas que o designer E Roon Kang e o estúdio The Green Eyl foram contratados para projetarem uma nova identidade visual.

O desenho faz alusão a três spots de luz que se encontram. Os designers então criaram um algoritmo que, baseado nos três spots mais 12 combinações de cores, criou nada mais do que 40 mil variações do logotipo. Não não, é isso mesmo: 40 MIL! O video abaixo dá uma noção de como tudo funciona.

A parte mais divertida: junto com tudo isso, foi criado uma aplicação web onde cada funcionário faz um login e lá escolhe uma das 40 mil opções. Depois da escolha feita, ninguém mais poderá usar aquela variação. Sim sim, o logo é exclusivo. Segundo algumas contas, isso dá ao MIT Media Lab mais ou menos 25 anos de cartões de visitas inéditos. Chique, não?

O desenho

“Combinação do cores mal feita, formas simples, gradientes de gosto duvidoso”. Algumas coisas que li sobre o logotipo. Olha, não posso discordar muito. Entretanto, quando se vai projetar um logotipo que você planeja 40 mil variações, formas e cores simples é quase que inevitável.

A combinação de azul, amarelo e vermelho me deu uma idéia de anos 80. Mas, apenas impressões como de qualquer outro ser humano. Contudo, tenho pensado ultimamente sobre essa questão do desenho numa identidade visual. Algumas conversas me fizeram ouvir coisas como “um logotipo tipográfico não funciona”. É claro que isso é uma bobagem (e assunto para outro artigo), mas essa frase vem do mesmo berço onde nascem outros conceitos, muitas vezes inconscientes, como por exemplo o de que logotipos que não tenham um desenho elaborado pertecem a uma categoria abaixo dos demais; ou que o designer que o fez não é um bom profissional. Frase como “até um macaco poderia fazer isso” são mais que presentes em muitas discussões (basta dar uma olhada nos comentários no BrandNew).

Muitas vezes, um logotipo é nulo sem estar incluso em seu mundo, em seu ambiente (o que chamamos de identidade visual). Um grande amigo, Emerson Duarte, uma vez me disse que muitas vezes um logotipo se resolve apenas em suas aplicações. Eu vou mais além: muitas vezes, um logotipo se resolve quando vemos ele trabalhando. E é bem isso que vemos acontecer. No movimento, na “inconstância constante” o logo do Media Lab revela sua personalidade. Seu carater visual não está em formas elaboradas, em combinações cromáticas modernas ou numa tipografia com extrema personalidade. Seu carater visual, aquilo que o identifica, é percebido por seu comportamento e não por traços imutáveis.

O desafio: ser mutante e reconhecível

O designer Dado Queiroz escreveu um email informal para amigos em 2010 falando sobre logos dinâmicos (mutantes, cambiantes, moving brand…). Coma permissão dele, publiquei aqui o texto pois, de alguma forma, achei pertinente ao assunto que estamos falando nesse post.

Há alguns meses escrevi um email a alguns amigos designers, com algumas observações pessoais sobre identidades dinâmicas. Deixo claro, antes de mais nada, que não há nada de novo no texto e que estou muito longe de ser um estudioso de branding. É só um apanhado de reflexões. Com isso dito:

Tenho pensado muito sobre identidades dinâmicas ultimamente e, com base numa pesquisa rápida e não muito concentrada que fiz hoje pela manhã, percebi que já é possível criar um logo verdadeiramente dinâmico.

Por exemplo, um logo que tenha a posição, forma, cor e transparência de seus elementos sempre variando (em movimento, mesmo) e influenciadas por variáveis externas, como o número de tweets sobre bicicleta os últimos 2 minutos ou a cor predominante em uma pesquisa no google images sobre o trending topics mundial ou fatores como umidade e temperatura atuais ou qualquer outra coisa (p.ex.: um countdown para um evento como a copa do mundo, a média de subida do nível do mar no mundo, o número de votos de um candidato ou até coisas mais focadas no usuário, usando dados de seus perfis online ou de configuração de sua máquina/celular/tablet… as possibilidades são infinitas).
Ou seja, online o logo pode estar sempre se movendo (a partir de variáveis coletadas, como nos exemplos acima, ou arbitrárias, definidas por alguém) e, em casos estáticos como print e papelaria, pelo que entendi é possível “imprimir” o swf alimentado por esses dados dinâmicos para um arquivo vetorial, “congelando” as variações em um dado momento.

Isso muda completamente o processo de projeto de uma marca. Completamente. O pensamento passa por uma espécie de 4ª dimensão, que seria o fator dinâmico. Que elementos serão afetados e como? Quais os limites aceitáveis de variação que podem ocorrer sem comprometer o senso de identidade da marca?

Imagine um logo de refrigerante (que abrange tanto mídias digitais quanto tradicionais, impressões com restrições etc). Em serviços baseados na web, é possível ter uma identidade dinâmica em uma espécie de loop (mas não exatamente um loop, pois as coordenadas sempre estariam variando, dentro dos tais limites aceitáveis). Em motion graphics que sejam fechados em si mesmos, pode ser um loop com dados arbitrários, aleatórios (definidos no momento da exportação) ou por amostragem (por exemplo, num comercial direcionado ao público X, o logo morfa a partir de variáveis relacionadas a esse grupo na época em que o produto atingiu um pico de vendas entre este público). Em print, pode também variar de aplicação para aplicação. E mesmo nas embalagens. Enquanto não há embalagens feitas de algum tipo de material similar a um papel digital, cada lote de latas, por exemplo, pode sair com um logo específico. Cada região demográfica pode ter um logo ligeiramente diferente, e isso pode ser alimentado automaticamente no arquivo de saída da arte.

A tecnologia para tudo isso já existe ao alcance de qualquer um de nós. Existe também, porém, a dificuldade de se coordenar tudo isso dentro de um ambiente complexo como uma multinacional. Mas será que é tão mais complexo? E, o que me parece mais urgente, existe também a necessidade de pensar os novos paradigmas a respeito do que consiste um logo.

O iPad é o primeiro passo de alguma coisa que ainda não sabemos muito bem o que é. Mas o que importa é que é um passo inicial, de algo novo. Acho que nunca as premissas do que constitui um bom projeto de marca (e de design em geral) estiveram tão em aberto. Isso é legal. É a chance de redefinir nossa profissão todos os dias, em sintonia com a grande revolução digital que estamos vivendo. Muito mais legal do que ficar preso a um punhado de mandamentos que alguém escreveu há 50 ou 60 anos que, apesar de ainda terem grande valor, foram pensados para uma época onde os paradigmas e as formas de comunicação eram rudimentares, se comparados aos nossos.

Dado Queiroz

Sendo bem direto: não importa a variação que eu veja desse logo, vou sempre saber que é o MIT Media Lab. E esse é o desafio dos que arriscam transgredir as regras. Wolf Ollins faz isso brilhantemente. Seu projeto para a Aol. que o diga. O design para a Oi também. Eu e você conhecemos diversas pessoas que se simpatizam com a identidade da Oi e que a reconhecem, não importando sua variação.

Mas Daniel, a Oi tem variações que talvez não chegam a 15 ou 20. O MIT Media Lab tem 40mil!

Sim, mas quem disse que, para um logotipo dinâmico funcionar é necessário xis variações? Exagero, pela quantidade? Talvez. Mas o projeto permitia esse exagero.

MIT Media Lab, The Green Eyl, Richard The, Casa da Música e Stefan Sagmeister

Muitos dos que viram o design acima, com certeza, se lembraram do projeto de identidade visual que Stefan Sagmeister fez em 2007 para a Casa da Música, Portugal. Não só pelo lado “aleatório”, mas também pelo uso da tecnologia, pois no trabalho para a Casa da Musica também foi criado um software, que eles chamam de Logo Generator, para seleção das cores do logotipo dependendo da aplicação. Pois bem: Richard The, sócio do The Green Eyl, trabalhou como designer para e junto com Sagmeister de 2000 a 2010.

Aos que não conhecem o design que estou citando, segue o excelente video de apresentação (indico que o veja em HD no próprio Youtube).

A finalidade justifica tal projeto?

Algo que li no BrandNew e que, até então não havia pensado, é no fato desse logotipo não ser feito para o mercado.

Vamos lembrar do que falamos no artigo do logo para as Olimpíadas 2016: no fim das contas, quem decide se o design é bom é quem vai consumir tudo o que o logotipo vai estampar. Nesse caso do Media Lab, podemos usar a mesma ideia.

Pense bem: não haverão produtos em prateleiras com esse logo; não haverão comerciais durante o SuperBowl; o logo não tem que vender o Media Lab; o centro de pesquisa não precisa de uma comunicação constante com o mercado para poder ganhar dinheiro e se manter viva; o logo não tem que vender nada nem ninguém. Ele vende a si mesmo.

E esse pequeno detalhe faz a diferença no resultado. Os designers, nesse caso, puderem pensar e criar algo que, bem provavelmente, conceitos de branding recriminam. Chico Homem de Mello diz algo sobre isso em seu texto de 2010 sobre o que pensava vir no logo das Olimpíadas 2016 (aliás, artigo que indico muito a leitura):

(…) Em palavras mais fortes: um projeto surpreendente é inviabilizado pelos princípios do brandingque comandam o processo de escolha da marca. Quando digo que o milagre não virá, não estou duvidando da capacidade dos designers selecionados para desenvolver as propostas. O ponto é outro: acredito que esses mesmos designers seriam capazes de propor projetos muito mais contundentes e inovadores se não estivessem engessados pelas leis que regem o branding e seus estratégicos arredores.

(…)

E onde entra o branding nessa história? Ora, o branding não seria exatamente o campo de conhecimentos capaz de articular projetos com essa abrangência? Seria, mas não é.

O branding é fruto da lógica corporativa. Numa Olimpíada, estamos falando de esfera pública. Sempre é bom lembrar que nem tudo que é bom para o setor privado é bom para o setor público. (O que é bem diferente de dizer: ‘Se é bom para o setor privado, é ruim para o setor público’.) Aplicar o pensamento estratégico do branding na construção da identidade olímpica é projetar a lógica corporativa sobre a esfera pública.

No branding, não há espaço para a invenção; os resultados devem ser imediatos, objetivamente verificáveis. Melhor: mensuráveis. Ser mensurável é fundante no branding. Como a invenção não é mensurável…

Responderão os defensores do branding: “Errado! Um dos critérios a serem contabilizados na composição da nota de cada proposta é justamente a originalidade da solução’. Esse critério contempla a manifestação da invenção, devidamente colocada a serviço dos objetivos estratégicos a serem alcançados”.

Critérios, contabilização, nota… Isso mesmo, estamos de volta à mensurabilidade: um elenco de critérios, os mais objetivos possíveis, que são contabilizados numa nota final, com o objetivo de obter do público-alvo as respostas adequadas frente aos objetivos estratégicos pretendidos. Captei a mensagem. (…)
LINK

PS: Antes de forma sua opinião sobre o que Homem de Mello disse, por favor, leia o artigo completo ok.

Guardadas proporções, estilos de trabalho, criação e contemplação do branding, concordo com o texto. E consigo aplicá-lo nesse caso do Media Lab.

O branding pode ser engessante. Talvez esse seja o paradigma a ser quebrado. Num projeto sem a necessidade de vender algo, as possibilidades se multiplicam, e ai o grande desafio não é ser criativo no fechado ambiente corporativo. É ser revolucionário num ambiente que pode permitir quase tudo. E, sem dúvida, isso é muito mais difícil.

Isso transgride o branding. Sim, mas revolução é bem por ai: transgressão de velhas verdades. Não sou coolhunter de logotipos mas acredito na evolução, em qualquer aspecto da existência humana. E é isso que nos conduz. A fotografia fez isso, o modernismo fez isso, o pós-modernismo fez isso, a Helvetica fez isso. Hoje, tudo o que fazemos, nossos próprios paradigmas, nossa cultura, nossas referências, nossas certezas, tudo isso é apenas uma síntese de 6mil anos de história. Com design não é diferente. Se é o futuro? Não sei. O que sei é que nada dura pra sempre. Até o que hoje consideramos o certo. Alguém vai transgredir isso em algum momento. E vai mostrar novos caminhos.

Eu sei que isso vai render uma boa conversa. Então, simbora comentar. O que pensam sobre isso?

Depois de algum tempo tentando finamente consegui uma entrevista com o typedesigner Hannes von Döhren, classificado pelo MyFonts como “um dos mais versáteis e prolificos designers do site”. Pra quem não conhece o cara, ele é responsável por diversos projetos, entre eles ITC Chino, FF Basic Gothic (falamos dela aqui), Livory e Brandon Grotesque. Essa última foi a tipografia escolhida para o redesign do canal Comedy Central e está em segundo lugar na lista de best-sellers do MyFonts, só perdendo pra Helvetica; na mesma lista, temos a Livory. Ou seja, um grande profissional dos nossos tempos.

Hoje vamos falar da sua recém lançada big family Supria Sans, com 36 fontes no total.

LOGOBR – O que você pensava quando desenhou a Supria Sans? Que tipos de problemas queria resolver?
Hannes von Döhen – Supria Sans é uma grande família tipográfica que consiste em 36 pesos. Ela foi criada para resolver complexos problemas de design e tem a útil clareza do design tipográfico suíço. Curvas suaves e detalhamento fino transmite um carater mais fun à Supria Sans como um todo. Ela também possui versões condensadas que são 20% mais estreitas que o peso normal. Tudo isso faz da família uma “carregadora de piano do design”.

Quais foram suas inspirações para o desenho da fonte?
Supria Sans tem um feeling claro mas único, os pequenos detalhes são visíveis numa segunda olhada e mostram outro lado do projeto. Logo, a Supria Sans não é outro clone da Helvetica, ela tem uma personalidade própria que você pode descobrir observando as letras.

FF Basic Gothic (um projeto que você lançou poucas semanas antes) teve alguma influencia sobre a Supria Sans?
Basic Gothic tem formas abertas a uma arquitetura completamente diferente. Supria é mais fun, tem itálicos femininos e uma versão oblique mais convencional. Elas têm seus campos distintos de aplicação.

O site Fonts In Use postou um artigo sobre o constante uso da Helvetica no varejo norte-americano, onde 15 dos 20 principais varejistas dos EUA usam Helvetica em sua comunicação (link). O que você pensa desse uso excessivo da Helvetica no design gráfico com um todo?
Sim, a Helvetica é usada em todo lugar. Eu acho que é a tipografia mais famosa do mundo. Ela é muito versátil e é fácil criar marcas com ela. Isso formou um mundo em torna dela mesma, o que é realmente fascinante. Gosto da clareza do visual suíço e de como os designers usam isso. Mas se seu uso é sempre o mesmo, o design pode até funcionar, mas isso se torna entediante. Nós, typedesigners, fazemos novas tipografias para dar aos graphic designers o poder de criar diferentes imagens e sensações. Se todo mundo usa Helvetica do mesmo jeito ninguém vai perceber diferenças entre as marcas. Eu gosto mais da diversidade, é o que faz tudo mais interessante.

Por que comprar a Supria Sans?
(Antes de tudo: todo cliente que comprar a Supria Sans receberá alguns posters-specimens na faixa.) Supria Sans é uma alternativa bacana a Helvetica com uma cara contemporânea. Ela tem suporte para diversos idiomas, uma tipografia profissional. Lançada exclusivamente em OpenType, essas fontes vem com small caps, 5 tipos de numerais, setas e um extenso caracter set com suporte a línguas do centro, leste e oeste europeu.

TIPO: Supria Sans
FOUNDRY: HVD
PESOS: light, regular, medium, bold, heavy, black, condensed light, condensed regular, condensed, condensed bold, condensed heavy, condensed black + respectivos itálicos e obliques.
SPECIMEN: Download PDF
PREÇO: US$50,00 / peso
PROMOÇÃO: Preço especial para compra da família completa

Fonte: Artigo originalmente publicado na abcDesign

Designer Gráfico búlgaro, Stefan Kanchev é chamado de “o pai do design gráfico da Bulgaria”. Fez cartazes, capas de livros, embalagens e selos postais, mas é mundialmente conhecido por seu trabalho com  logotipos. Segundo o site LogoDesignLove, foram mais de 1000 logotipos. A Wikipedia fala em mais de 1600!

Em 1994, foi reconhecido como um dos 10 melhores designers de logotipos do mundo, um honra que recebeu ao lado de Paul Rand e Saul Bass. Há alguns anos, designers da Bulgária criaram o site StefanKanchev.com para trazer ao público a rica história e a produção de Kanchev.

Agora, a melhor parte do post: em 2009, durante o Sofia Design Week, aconteceu uma exposição sobre a obra do grande designer. Entre tantos trabalhos, estavam muitas páginas dos sketchbooks de Kanchev. Então o pessoal do site LogoBlink fez o incrível trabalho de fotografar essas páginas e montar um PDF. Simplesmente fantástico! Basta clicar na imagem acima para abrir o PDF.

Postei no Issuu do LOGOBR. Para fazer o download, basta ir no link que indico lá, que na verdade é do site de quem fez o trabalho. Nada mais justo ok?

Dica do Rodrigo Meyer

Para edição #34 da revista abcDesign, tive o prazer e a honra de entrevistar a designer brasileira Renata Graw. Porém, parte da nossa conversa não foi publicada (ficou muito grande, pra variar), por isso vamos colocar todo o bate-papo na íntegra aqui no LOGOBR.

A introdução é da Mariana Di Addario Guimarães.

A designer carioca Renata Graw, um mês depois de graduar-se em Desenho Industrial pela PUC-Rio, começou a trabalhar no respeitadíssimo escritório Ana Couto Design. Depois dessa grande escola, como ela mesma definiu a experiência, resolveu aventurar-se em Chicago. Lá montou o escritório Plural, com o qual conseguiu reconhecimento de algumas das mais importantes instituições do design gráfico, entre elas Art Director Club, Communication Arts Magazine, Print Maganize, How Magazine, Type Director Club e AIGA.

Durante um curso de verão na Universidade da Basileia, na Suíça, quando teve a oportunidade de estudar com o grande designer e tipógrafo Wolfgang Weingert, conseguiu decidir-se sobre onde estudar o sonhado mestrado em design. E foi na sua já morada Chicago que ela optou por estudar com Philip Burton, também ex-aluno de Weingert.

Hoje, ela está começando sua carreira acadêmica como professora na UIC, aproveitando a oportunidade que a Universidade de Illinois dá aos mestrandos. Além disso, Graw está envolvida com eventos da AIGA na cidade e ainda encontra tempo para realizar trabalhos de design voluntários para instituições como The Arts of Life e Public Media Institute, além de cuidar, junto com os sócios, dos trabalhos da Plural. Nesta edição do Design Sem Fronteiras (revista abcDesign), com participação especial do designer e blogueiro Daniel Campos como entrevistador, Graw fala sobre a visão de design e trabalho adquirida em sua experiência internacional.

1) Como era sua atividade com o Design Gráfico no Brasil, antes de ir para os EUA?
Eu me formei em Desenho de Produto. Um mês depois de terminar o bacharelado, fui trabalhar no escritório Ana Couto Design como designer gráfica. O escritório da Ana foi uma escola pra mim, aprendi muito com a equipe.

2) O que te levou a estudar fora do Brasil e por que decidiu fazer um mestrado em Design Gráfico?
Eu já estava morando em Chicago há um tempo quando resolvi fazer o mestrado. Na verdade, sempre quis fazer mestrado em Design, mas a decisão sobre a escola veio durante o curso de verão na Suíça com Wolfgang Weingart. Numa visita ao arquivo do Weingart, ele apresentou o trabalho de um ex-aluno seu. Era um estudo tipográfico em forma de livro como eu nunca havia visto. Quando ele fechou o livro, eu procurei o autor e reconheci o nome: Philip Burton, um professor da Universidade de Illinois em Chicago (UIC). Como mudar para a Suíça não estava nos meus planos, apliquei para estudar na UIC com o professor Burton.

3) Qual foi o tema da sua tese? Por que esse tema?
Meu tema foi desenhar uma fonte para a cidade de Chicago para ser usada especificamente durante as Olimpíadas de 2016 (que aliás será na minha cidade natal, o Rio!) Eu estava muito interessada nas questões de espaço-tempo no design gráfico. Geralmente designers querem atingir a atemporalidade; eu quis explorar a possibilidade de associar um lugar e momento histórico ao design da fonte. Queria fazer o exercício de tradução de um lugar específico, capturando o espírito e qualidades do lugar e traduzindo-os para a fonte.

4) Lemos constantemente que a diferença entre o ensino, aulas, professores e instituições no Brasil e EUA (e demais países que investem em educação) é gritante. Mas como é isso na prática?
Assim como no Brasil, existem muitas escolas superiores de design nos EUA. As melhores escolas geralmente são mais caras e têm mais candidatos, tornando o processo de seleção mais competitivo. Essas escolas produzem mais “talentos”, melhores portfólios e têm um número maior de pessoas entrando no mercado de trabalho. A faculdade aqui é muitas vezes vista como um investimento na carreira. As melhores escolas têm mais acesso a melhores professores e muitas vezes a melhores equipamentos.

5) Você estudou com Wolfgang Weingart na Suíça. Como foi isso? Por que a Suíça e por que Weingart?
A pergunta é por que não. Weingart é um grande professor de tipografia. Infelizmente ele já se aposentou da escola de design da Basileia. Quando vi que ele estava oferecendo cursos de verão, não tive dúvida, apliquei. Tudo que tinha aprendido antes de estudar com Weingart tinha sido na prática, trabalhando com design, então eu não podia deixar passar uma oportunidade dessas.

6) O livro History of Graphic Design, de Philip B. Meegs e Alston W. Purvis (História do Design Gráfico Ed. CosacNaify no Brasil), diz que Weingart defende o “enfoque Gutenberg” na comunicação gráfica: os  designers, como os primeiros tipógrafos, devem envolver-se em todos os aspectos do processo (conceito, composição, produção, pré-impressão e impressão) para garantir a realização do seu ponto de vista. Você, como aluna dele, acredita e trabalha com esse enfoque?
Eu acredito que é muito importante entender os processos de produção para atingir um bom resultado em qualquer projeto. Mas também acredito que a brincadeira e experimentação são fundamentais para o design. Às vezes, um designer que não sabe o que está fazendo tem um resultado muito bom, porque não conhece as restrições do meio.

7) Paula Scher (que aliás refutava o Estilo Internacional), em palestra aqui no Brasil em abril de 2010, disse que ela mesma conversa com o cliente, faz o briefing e que apresenta seus trabalhos. Tal visão do processo de trabalho no design, tanto da Paula como de Weigart, é quase impraticável dentro da maioria dos estúdios/agências brasileiras. Isso acontece por diversos motivos, mas o principal talvez seja a estrutura dessas empresas (prospecção, atendimento, criação, produção, etc.) Você acredita que para trabalhar da forma pregada por Paula e Weigart, é preciso ter um nome forte no mercado? Como as empresas/profissionais poderiam aderir a esse “enfoque Gutenberg”?
Paula Scher, no primeiro capítulo de seu livro “Make it bigger”, conta que no começo de sua carreira seus trabalhos passavam por muitas mudanças antes de serem aprovados. Nesse processo ela descobriu que se ela mostrasse o trabalho para a pessoa certa dentro da hierarquia, o layout seria aprovado imediatamente. Ninguém quer passar tempo discutindo os detalhes dos projetos – ou você acerta logo de cara ou o projeto se torna uma negociação dos pequenos detalhes. Quanto mais pessoas envolvidas, maior o nível de detalhe a ser negociado, o que muitas vezes coloca em risco a ideia principal.

8 ) Ainda citando o livro de Philip B. Meegs e Alston W. Purvis, Weigart pensa, desde 1968, quando se tornou professor na Escola da Basiléia, que talvez o Estilo Internacional tenha sido tão refinado e dominante em todo o  mundo que entrou numa fase anêmica. Compartilha dessa visão também? Por quê?
Weingar me disse pessoalmente que quando ele começou a dar aula na Escola da Basileia ele queria “colocar fogo na pedagogia de Emil Ruder e Armin Hoffman”. O Estilo Internacional acredita na objetividade e na simplicidade do design. Weingart é muito mais subjetivo que Hoffman e Ruder. Eu acredito que o “estilo internacional” foi um momento importante no contexto das artes e da arquitetura. Em 1968, quando ele começou a dar aulas, o mundo já estava mudando, o modernismo já não era uma ideia totalmente nova.

9) O que aprendeu de mais valioso na Suíça?
Aprendi a experimentar usando restrições. Quando você faz o mesmo exercício, nas primeiras 10 ou 15 vezes seu trabalho sai todo meio igual. Depois de 20 ou 30 vezes ele começa a mudar, o cérebro vai achando novas maneiras de representar o mesmo conteúdo de formas diferentes.

10) Hoje você também é professora de tipografia e design na Universade de Illinois em Chigado. Como e por que partiu para a carreira acadêmica?
Na verdade, eu sou professora adjunta, não sou parte do quadro. Durante o mestrado comecei a carreira acadêmica. A UIC oferece essa oportunidade para os alunos de mestrado e eu aproveitei. 

11) Como é o programa pedagógico da UIC em relação ao Design?
Todos os professores do quadro da UIC fizeram mestrado na Basileia ou em Yale, portanto a pedagogia segue um formalismo tipográfico e restrito. O curso de bachalerado tem um enfoque em forma e tipografia. Já no curso de mestrado, o enfoque é mais experimental e conceitual.

12) Como você prepara e ministra suas aulas? A Universidade dá liberdade nesse processo?
A universidade me dá liberdade nas aulas desde que os alunos aprendam o currículo que deve ser ensinado naquela matéria. Eu defino meus exercícios e em reuniões com os professores apresento minhas ideias. Ainda não tive exercício vetado.

13) Alguns dizem que compensa muito mais fazer cursos de pós-graduação fora do Brasil do que aqui, principalmente se for levada em consideração a relação de custos X benefícios (experiência, networking, nova cultura, novas possibilidades). Você concorda com isso? Por quê?
Não tenho certeza, é dificil responder sem ter a experiência do Brasil. Mas posso afirmar que o networking da universidade ajudou muito no sucesso da minha empresa. O importante é fazer o mestrado numa escola em que você acredita.

14) Ericson Straub diz que para se fundar uma empresa deve-se acreditar em algo. O que motivou você a abrir a Plural?
Acredito, como a Paula Scher, que o autor deve defender sua obra. Cansei de trabalhar em agências onde meu trabalho era picotado em partes por outras pessoas. A relação “commisioner x designer” é muito importante pra mim. Se o diálogo tem ruído, o processo se complica.

15) Como foram os primeiros jobs da Plural? E para você, pessoalmente, como foi (re)começar a carreira num país estrangeiro?
Recomeçar foi ótimo, muito melhor do que começar. Quando eu vim para Chicago, não tinha contatos, não conhecia a cidade. É muito dificil engressar num mercado totalmente novo. Depois do mestrado eu tive muitas indicações de professores e amigos na cidade. O networking realmente ajudou.

16) Sem querer partir para clichês (de minha parte), o que diferencia a Plural dos outros estúdios de design?
Na Plural acreditamos que a solução deve partir do conteúdo. Não queremos vender estilo, queremos vender ideias e processo de criação.

17) Algo que fica claro ao se apreciar o portfólio da Plural, mesmo que rapidamente, é o gosto pela experimentação que o estúdio possui (talvez herança de Weigart). Você acredita na experimentação como motor da inovação?
Acredito. Na Plural estamos sempre experimentado, brincando, sem medo de errar.

18) E os clientes da Plural, como é a relação com eles?
Depende do cliente. Temos clientes que nos deixam pirar, experimentar à vontade, outros gostam de controlar o processo.

19) Deixam o estúdio trabalhar? Não são do tipo “diretor de arte”?
Todo cliente é diretor de arte. Na Plural nós acreditamos na colaboração. O cliente geralmente dá opinião quando a solução não está satisfatória. O importante é descobrir por quê, e ajustar. Estamos abertos a ideias e questionamentos. Mas também sabemos que nós somos os especialistas e deixamos claro para o cliente que ele está nos pagando por esse know how.

20) No Brasil se atrela muito o título Diretor de Arte com Publicitário. Deixando esse fato brasileiro de lado, existe design gráfico sem direção de arte? Todo designer é (ou deveria ser) um diretor de arte?
Na verdade acho essa onda de títulos uma formalidade sem sentido. Na Plural todo mundo faz tudo, não temos títulos nos nossos cartões de visita.

21) Renata, você poderia comentar sobre alguns projetos que você considere primordiais na sua história e do estúdio?

Whistler Project
No ano passado fizemos uma instalação na vitrine do Whistler, um bar em Chicago. O brief era bem simples: “a vitrine é de vocês por dois meses, façam dela o que quiserem”. Não estávamos interessados em trazer um projeto pronto e encher o espaço. Acreditamos que o projeto deve sempre ser “site specific”, refletindo a colaboração entre “commisioner” e “designer”.

A solução veio depois de várias visitas ao local. Nós fotografamos todos os objetos encontrados no bar, tomando cuidado para não perdermos o senso de escala entre eles. Depois os reproduzimos em uma coleção de silhuetas pretas cortadas em vinil, mantendo a escala 1:1 dos objetos. A vitrine se transformou numa coleção de formas que poderiam ser encontradas no bar (todos os objetos inanimados do lugar).
Atrás da aplicação de vinil, nas janelas, fizemos uma instalação interativa: um microfone capturava o som ambiente do bar e, de acordo com o nível do barulho, uma luz projetada mudava de azul para vermelho passando por um spectrum de cores. A luz traduzia a energia do lugar.

Uma pequena publicação explicando o processo do projeto foi distribuída gratuitamente durante a duração da instalação. Esse projeto trouxe muitos dos nossos atuais clientes, como Lumpen Magazine e Volume Gallery, que viram nossa instalação no bar e nos acharam. Aliás, o Whistler também virou cliente da Plural. O vídeo da instalação pode ser visto abaixo.

The Whistler Installation from Plural on Vimeo.

http://weareplural.com/#whistlervideo
http://weareplural.com/#whistler

Logotipo: Isabela Capeto
Esse não é um projeto da Plural por si, mas considero fundamental para a minha carreira como designer. Fiz o logo para a Isabela Capeto de Chicago, em 2003. Isabela é amiga de infância e me pediu que eu fizesse o logo da marca que ela estava lançando. Nessa época eu estava trabalhando para uma agência grande em Chicago, minhas ideias não iam muito longe.

A marca apareceu pra mim quase que instantaneamente: uma boneca com cara de botão. Minha memória da Isabela era sempre desenhando bonecas. Fiz a minha interpretação da boneca, e ela aprovou. A tipografia foi mais demorada, ela me pediu um script mas eu não gostei muito da ideia, procurei muitos scripts e não achei nada que se encaixase com ela. Aí um dia abri um bilhete escrito por ela e vi a personalidade da Isabela na minha frente, a caligrafia da Isabela foi inspiração para a tipografia. A marca teve uma afinidade instantânea com o público da loja e virou chaveiro, estampa de roupa, vidro de perfume, estampa de carro. Foi a primeira vez que eu submeti um trabalho meu para um concurso de revista (Communication Arts e Print Magazine) e a marca foi publicada nas duas. O reconhecimento me deu confiança de mudar o rumo da minha carreira. Um ano depois sai da agência e fui estudar na Suíça.

22) Como você vende o trabalho da Plural? Aliás, o que você vende ao cliente: uma marca, prazo, retorno, um processo, expertise…?
Vendemos nosso processo e expertise, queremos ser consultores e não apenas vender serviço.

23) A Plural tem diversos prêmios e reconhecimento de entidades e publicações a nível mundial, entre eles Art Director Club, Eye Magazine, Print Maganize, How Magazine, Type Director Club e AIGA. Qual é o impacto que tal reconhecimento e exposição gera no estúdio?
Prêmio é importante até um certo ponto, traz reconhecimento entre outros designers e de vez em quando traz também outros trabalhos.

24) Em 2010 a Plural esteve envolvida com diversos trabalhos pro-bono. O que leva o estúdio a esses trabalhos?
O projeto pro-bono pode trazer possibilidades de experimentação. Ou pode trazer satisfação em saber que estamos participando para ajudar uma instituição que trabalha para melhorar a sociedade.
Fazemos quando acreditamos na mensagem, no colaborador ou na instituição.

25) Você nos disse que a Plural está fazendo trabalhos para clientes que viram os projetos do estúdio e se interessaram por vocês e pelo processo. Que processo é esse que atrai clientes?
Nós acreditamos que o conteúdo deve ser o gerador da solução, não vendemos estilo, vendemos o processo de tradução de conteúdo para forma.

26) Além do seu trabalho na Plural e das aulas na UIC, você desenvolve outras atividades relacionadas ao Design?
Eu estou envolvida com a AIGA aqui em Chicago, estou participando da organização da festa dos membros de 2011. Este é o maior evento anual da AIGA Chicago.

27) Como é a receptividade a designers/estudantes brasileiros no exterior?
Minha experiência sempre foi positiva.

28) Você tem algum conselho para quem deseja estudar/trabalhar com design gráfico fora do Brasil?
Nem toda escola é igual. Faça uma pesquisa sobre os professores, sobre a cidade onde vai morar. Se possível, visite pessoalmente e converse com ex-alunos. Quanto mais você souber antes de vir, melhor.

Não deixe se conhecer o portfólio completo da Plural.

Estamos vivendo nos últimos dias um drama imenso. As chuvas no RJ estão levando casas, carros, cidades e vidas. Dos que sobrevivem, muitos estão ilhados, racionando comida e água. Além de nossas orações, devemos fazer algo de concreto por eles.

We are living in recent days a huge drama. The rains in Rio de Janeiro state are taking houses, cars, cities and lives. Of those who survive, many are stranded, rationing food and water. Besides our prayers, we should do something concrete for them.

Por isso, meu amigo, designer e typedesigner Daniel Justi teve uma idéia incrível: a cada R$10 doados às vítimas das chuvas aos canais oficiais, você troca por uma de suas fontes. Tem projetos fantáticos, o meu preferido é a Ataxia. Para saber todas a infos, só clicar na imagem abaixo. Ajude!

So, my friend, designer and typedesigner Daniel Justi had an awesome idea: every US$10 donated to victims of the rains to official channel, you exchange one of his typefaces. It has fantastic projects, my favorite is the Ataxia. To find all the informations about how your can donate, just click the image below. Help!

Update

O Ricardo Esteves, outro parceiro nosso e typedesigner, adotou o mesmo estilo de doação. Clique na imagem para saber como doar e receber suas fontes do Ricardo Esteves.

Ricardo Esteves, another typedesigner adopted the same style of giving. Click the image to learn how to donate and receive the typefaces Ricardo Esteves.

Há 12 dias o mundo conhecia as Olimpíadas do Rio de Janeiro sob seu primeiro lampejo de identidade visual. O logotipo tão esperado foi mostrado momentos antes da meia-noite do dia 31 de dezembro de 2010. Era o projeto vencedor, produto do escritório Tátil e de uma concorrência entre 139 agências.

O logotipo oficial

Diversos significados foram dados ao desenho, como a representação de atletas em seus esportes (goleiro, atacante no voleibol, remador e alguns outros); a palavra RIO e uma clara inspiração nas formas do Pão de Açúcar.

Como não é do feitio desse site repostar tudo que já rolou na internet sobre o assunto, mas é do feitio desse site tentar trazer artigos completos que reunam os principais links, abaixo seguem videos e imagens sobre o projeto, só pra você ficar por dentro.

Making Of

Imagens e argumentação oficial sobre o projeto no Behance da Tátil

Fred Gelli e equipe da Tátil falam do projeto no telejornal carioca RJ

Jornal Nacional fala com cariocas e turistas sobre o logotipo

Video de lançamento do logotipo

Análise de Rodolfo Capeto e Elianne Jobim (pró)

Análise de Mario Amaya (contra)

Análise no BrandNew (pró)

Manifesto Rio 2016 do Caligraffiti

PS: eu tinha um video com a modelagem 3D do logotipo, mas ele foi retirado no Vimeo. Uma pena.

E falando do logotipo em 3D, taí algo que achei interessantíssimo. As possibilidade de aplicação e interação são inúmeras.

O lettering

Fica claro que o lettering derivou das mesmas curvas e pretensões do símbolo. Podemos ver um trabalho cuidadoso para dar equilibrio a composição, já que geralmente numerais são desproporcionais as letras minúscolas. O uso de numerais old style também pode ter sido descartado pela procura do equilibrio de uma linha base no desenho. A solução foi usar os pares “io” e “01” como itens de ligação entre as “capitulares” R, 2 e 6. Um estilo de ligadura diferente também foi usado para linkar os caracteres, provavelmente buscando um sabor humanístico, de escrita a punho. Contudo, mesmo não sendo um especialista de primeira linha, tenho a levíssima impressão de que o kerning entre o 1 e 6 está um pouco avantajado. Algo que também poderia ser diferente são os caracteres “o” e “0”. Geralmente o zero tem seu espaço em branco interno mais estreito quando comparado ao “o”. No lettering, tenho a impressão de ver esse dois glifos invertidos.

Mas claro, são duas observações pessoais e que não tiram a excelência e a beleza do trabalho, que me agradou muito e que, acredito, conversar muito bem com o símbolo. E outra: se existir qualquer tipo de aplicação onde somente aparecerá o lettering, ele representa muito bem todo o logotipo e, quando está junto com o símbolo, não o agride, tampouco desvia a atenção para si. Um ótimo trabalho.

Estudos

No video de Making Of feito pela Tátil (o primeiro video lá em cima), durante a fala de Fábio Lopez, provável responsável pela parte tipográfica do logotipo, aparecem diversas imagens dos estudos feitos para o logo. Elas passam muito rápido, por isso não dá para olhar com calma. Resolvi printar algumas dessas imagens pra gente poder ver com calma alguns caminhos que eles trilharam até chegar no resultado final.

O estudos mostram, não apenas as diversas experiências tipográficas que evidenciam a fala do Fábio no video, mas estudos de cores, tonalidades, posicionamento dessas cores, cores chapadas e com volume, gradientes, grayscale, preto e branco. Tem estudos de aplicações do logo, refinamento de linhas, outros logotipos (como Barcelona 92, Atlanta 96, Sidney 2000, Atenas 2004, Pequim 2008, Vancouver 2010, Londres 2012, Sochhi 2014 e Copa 2014) postos ao lado do logo do Rio, variações na própria aplicação do logo e outras coisas.

Só para registrar: essa imagens não foram vazadas. São prints do video que a própria Tátil postou na web ok.

ALÉM DO LOGOTIPO, OUTRAS HISTÓRIAS
O processo de escolha

Aos que não sabem, o processo de escolha do escritório que iria fazer esse projeto começou em abril de 2010 e contou com um grau de transparência de dar inveja na FIFA. Com a ajuda da ADG, o Comitê Organizador e o COB lançaram edital do concurso, com prazos estabelecidos, valores e condições para participar. Algo interessante que o professor Gabriel Patrocínio diz eu seu blog Políticas de Design é que o edital foi elaborado com base nas recomendações do Icograda, Conselho Internacional de Associações de Design Gráfico, com regras claras e justas.

Concorrências públicas e licitações de design devem ser conduzidas por associações profissionais de designers, ou com seu contínuo assessoramento. Existem regras claras e internacionalmente aceitas para gerenciar esses processos, desenvolvidas após décadas de experiência por instituições como o Icograda e o Conselho Internacional de Sociedades de Design Industrial, ICSID. Ignorar isso expõe ao risco o processo e os resultados. Prof. Gabriel Patrocínio

Pois bem, 139 empresas entraram na concorrência até que restaram oito. Esssas receberam um pró-labore para a criação de suas propostas. Essas foram: Brainbox Design, Dupla Design, Future Brand, Gad Design, Soter Design, Studio Lúmen, Tátil Design e Vinte Zero Um.

Dos projetos apresentados por esse oito escritórios de Design, a Tátil ganhou. Então você deve se perguntar: mas quem decidiu isso? Se você está falando do Juri que escolheu um dos oito projetos, ai vai a lista:

1- Carlos Arthur Nuzman – Presidente do CO da Olimpíadas Rio 2016
2- Leonardo Gryner –  Diretor Geral do CO de Rio 2016
3- Beth Lula – Gerente de Branding do CO de Rio 2016
4- Michael Payne – Consultor independente de Marketing
5- Brad Copeland – Designer gráfico e fundador da Iconologic, empresa de 30 anos de design de marcas em Atlanta
6- Theodora Mantzaris – Designer e fundadora da empresa de consultoria de marcas Theodora Mantzaris&Company em Atenas
7- Scott Givens – Fundador da empresa de criação e produção Five Currents, na California
8- Ricardo Leite Designer e sócio-diretor de criação da Crama Design Estratégico
9- Roberto Fernandez –  Diretor Geral de Criação da JWT
10 – Ricardo Cota – Subsecretário de Comunicação Social do Governo do RJ
11 – Marcella Muller –  Coordenadora de Comunicação Social da Prefeitura do Rio
12 – Jeanine Pires – Presidente da EMBRATUR – Instituto Brasileiro de Turismo

PS: Para um perfil detalhado de cada um, veja o post da abcDesign.

Pois bem, fazer um paralelo desse processo com o “processo de escolha” de quem faria o logotipo da Copa FIFA 2014 é inevitável. Como não desejo ser repetitivo, vou resumir tudo numa só palavra: seriedade. Quem quiser saber mais, pode ler o texto do LOGOBR Logo Copa 2014: Design e Negócios.

Original ou não

O que mais bombou na internet logo após o lançamento do logo foi o suposto plágio. Eu realmente não vou nem colocar as imagens comparando o logo das Olimpíadas com o da Telluride Foundation que é, me perdoem os que defendem tal ideia, descabido. Douglas Cavendish disse muito do que penso sobre essa história de plágio.

Mas, mesmo assim, gosto de ser literal no que expresso. Olhe bem os logos a seguir:

(imagens enviadas por @cadaumcoseu, @tgo_bob e @rafa_arruda)

Essa história de falar que é plágio apenas por terem pessoas abraçadas é muito descabido. Sendo assim, todos os logos que usam coração, um leão, uma xícara ou qualquer outro signo da cultura visual popular são cópias um dos outros? Endosso a defesa que o Douglas faz sobre o que é plágio e o que não é.

Não existe qualquer resquício de plágio no projeto da Tátil. Pessoas se abrançando? Ah, por favor. Faço aqui a pergunta que fiz ao UOL: a Telluride Foundation e/ou os decendentes de Henri Matisse tem os direitos sobre imagens de pessoas se abraçando? Acho que não.

Isso sem contar que o COI junto com os comitês organizadores de cada Olimpíada sempre faz uma varredura mundial no que tange a direitos de propriedade intelectual. Essa é uma prática corriqueira a qualquer escritório de design em qualquer lugar mundo em relação a seus projetos, guardadas as proporções de alcance de cada um. Como o COI não faria o mesmo com as marcas que são as mais vistas do mundo de tempos em tempos? Esse logo será mostrado a mais de 4 bilhões de pessoas. Se eles aprovaram e lançaram, é porque isso já foi aprovado em todos os orgãos de proteção a propriedade intelectual do mundo. E não estou dizendo isso porque o diretor de criação falou em dois do diversos videos postados acima. Isso é lógico.

PS: ao pedir por logotipos que tenham pessoas se abraçando ou mesmo que usem de itens do cotidiano de todos, recebi uma enxurrada de links. Infelizmente não pude usar todos no artigo, mas tem uma hashtag no Twitter onde estamos registrando esses logos para que todos vejam. Quem quiser enviar e/ou dar uma olhada no que estão mandando, só procurar por #Rio2016LOGOBR.

Design para designers

Li um comentário no Twitter que dizia “mas no fim de tudo, só é mais do mesmo”. Bem, pode até ser, mas é um projeto que divide águas no design nacional e na forma como ele é visto pelo mundo. Se tudo correr bem, mostraremos que temos profissionais capacitados para grandes projetos. De fato nao é um desenho ou conceito revolucionario (a não ser pelo “3D”) pelo contrário, é aquela velha solucao de “pessoas pictorias a la Otl Aicher” acrescido do sempre presente Pão de Açúcar quando se trata do Rio.

Mas analisar e formar opinião sobre o logotipo com base nesse clichê seria, no mínimo, falta de atenção a tudo o que ele representa. Estamos falando das Olimpíadas. É bem provavel que o briefing pediu algo humano, enérgico, quente, com movimento, acolhedor, coletivo, bem brasileiro e outros ítens que, aqui ou na China, levariam a uma solução não revolucionária. Aliás, algo previsto por Chico Homem de Melo no melhor artigo pré e pós apresentação do logotipo que li até agora.

O símbolo criado para a Copa de 2014 causou um misto de repulsa e indignação; enquanto isso, o símbolo da Olimpíada de 2016 está prestes a sair do forno… O que podemos esperar dele? Outra surpresa desagradável? Ou um projeto tecnicamente correto e competente? Ou, quem sabe, o espanto da linguagem?

Aposto minhas fichas na coluna do meio: vem aí correção e competência. O que já é uma grande notícia para o design brasileiro. É verdade que poderemos ter outra má surpresa, mas acredito que não vamos perder dois jogos seguidos. Já o milagre – o projeto surpreendente, a subversão das expectativas, a invenção da linguagem – é incompatível com o próprio processo de escolha. Chico Homem de Melo

E isso era inevitável, não só do lado nosso que precisava de um projeto melhor do que da Copa, mas também do lado do cliente (COB e COI), depois de todo o barulho que o logo de Londres 2012 causou. Ali o COI + o Comitê Olímpico Inglês arriscaram, chamou gente que sempre tem a cabeça lá nas alturas e deve ter dado uma liberdade absurda. Pois, pense comigo: se o COI não desse tal liberdade para a Wolff Olins desde o briefing, você acha que eles aprovariam o logo? Claro que não. Logo, por conta disso tudo, era quase que inevitável um logo competente mas dentro de parâmetros pré-estabelecidos e sucesso quase certo. Não estou dizendo que o projeto para Londres é ruim e o do Rio é maravilhoso. Tampouco que do Londres é lindo e que do Rio é uma merda. Estou falando de possíveis espectativas diferentes do cliente em ambos os casos.

Londres foi e é revolucionário. Aos poucos começo ir com a cara do logo. Depois de algumas aplicações que vi, até o achei simpático. Rio foi é um caminho comum, mas feito com competência. Agora deixo uma pergunta: pensando como um dos 3.8 bilhões de pessoas que verão as Olimpíadas além de nós: quem tem mais cara do quem: o logo de Londres em relação a Inglaterra ou do Rio em relação ao Brasil?

Detalhe: sempre o caminho comum será aceito mais facilmente do que o incomum. Isso é inerente do ser humano. Não podemos esquecer que também, além de ser belo e quando possível revolucionário, o design tem que funcionar, responder ao briefing, comunicar o que precisa, melhorar a vida/momento/experiência das pessoas, não ter problemas de aplicação, gerar receita e etc. Estética é limitado e/ou expandido pela capacidade dos olhos de quem vê. Olhe o meu caso em relação ao projeto para Londres 2012.

Design para donas de casa, taxistas, engenheiros, turistas, flanelinhas…

Porém, por outro lado, é nítido que as pessoas gostam do logo. E aqui entra um dos maiores paradoxos do mundo dos semi-deuses chamados designers: o produto de nosso trabalho é para reles mortais que desconhecem gestalt, trends, história da arte e outras coisas. Mas eles são mestres em algo: gostar de um símbolo/produto, passar a te-lo como parte de suas vidas e consumir produtos que fazem parte do universo desse símbolo/produto. E ponto. São eles que compram, eles que dizem se o design funciona, se melhorou alguma coisa para eles, se é bonito, se é cativante, se é bom o suficiente para gerar receita.

E é mais que claro que a grande maioria das pessoas gostam desse logotipo. Pergunte na rua, para sua mãe, para o amigo que trabalha no banco ou para a namorada que não aguenta mais ouvir você falar de Design. Basta observarmos os videos que estão no início do artigo. Seja carioca, bahiano, paulista ou gringo. As pessoas sorriem, tentam imitar, dançam (como foi relatado por quem esteve na orla de Copacabana na apresentação do logo), tiram fotos, querem uma miniatura para levar pra casa.

Não podemos dizer que o projeto não é ótimo, não podemos dizer que o projeto é revolucionário, não podemos dizer que as pessoas não gostaram. Ele simplesmente cumpre seu papel com muita excelência. Ponto para o Design brasileiro.

PS: só para registrar, a parte do semi-deuses e do reles mortais foi pura ironia.

Esse post não estava nos planos, mas como o documento pede tal quebra de pauta, ai vamos nós.

William Caslon foi um dos maiores fundidores de tipos que a Europa teve no século XVIII. Seu tipos não eram revolucinários no que tange a forma ou mesmo tido como elegantes, mas tinham altíssima legibilidade. Entre 1720 e 1780, praticamente toda a impressão inglesa usava fontes Caslon e esses tipos acompanharam o colonialismo inglês pelo planeta. Para você ter idéia, um tal impressor conhecido como Benjamin Franklin colocou os tipos Caslon nas colônias norte-americanas, onde foram amplamente usados, chegando a serem os tipos da versão impressa ofical da Declaração de Independência.

Seus descendentes deram continuidade aos negócios tipográficos, e entre eles estava Henry Caslon, irmão de William Caslon III. (Essa foi a única informação que encontrei sobre Henry Caslon. Aos amigos typefreaks pesquisadores, deixo os comentários abertos para qualquer correção e/ou adição de infomações.)

Pois bem, hoje recebi por email uma jóia: um specimen de 1841 feito por Henry Caslon. Impressões gigantes e em blocos de texto em tipos romanos, italicos, blackletters, script, serifados e também sans-serif! Tem também ornamentos lineares, de canto de página, arredondados, réguas e brasões. Um catálogo completo.

São quase 600 páginas digitalizadas, prontas para serem apreciadas, pesquisadas e degustadas. E o melhor: o download do PDF está liberado. Basta clicar na imagem abaixo e lá no Google Books tem o botão para download. Pra você ter noção da preciosidade, encontrei uma versão original dele impressa para venda: US$ 4.500,00.

Fonte (William Caslon I): A História do Design Gráfico – Philip B. Meggs – Ed. CosacNaify

A GAP, marca de roupas fundada em 1969 em São Francisco pelo casal Donald e Doris Fisher, mudou seu logo no início de outubro/2010, com um projeto da agência Laird+Partners. E como você deve saber, menos de 15 dias depois, voltou atrás jogando o novo logo no lixo e repatriando a antiga caixa azul. Nesse artigo, vamos tentar entender o porquê de Helvetica e o porquê de tanto movimento para se voltar ao antigo.

A agência e a Helvetica

Não há muito que comentar sobre a parte técnica do logotipo. Está em Helvetica e o quadrado azul virou um adorno sem sentido (segundo a defesa, é para remeter ao logo antigo). O que podemos fazer é tentar entender de onde ele surgiu.

Pela minha pesquisa, desde 2002 a GAP tem sua verba para publicidade nas mãos da badalada Laird+Partners, agência de Nova York especializada em comunicação para a fashion industry. Entre seus clientes estão Tommy Hilfiger, Donna Karan, Calvin Klein, Bottega Veneta e marcas de celebridades, como Beyoncé e Usher. Mas, pela quantidade de peças de cada cliente e pela própria disposição sequencial dos nomes, fica evidente que a GAP é a maior cliente da L+P.

Olhando o portfólio com mais calma, vemos Helvetica aparecendo aos poucos. Começou discretamente em 2003 na campanha Stretch, que apresentava uma nova calça. (Para levar a característica ‘leveza’ que provavelmente o produto possuia) foi usado o peso light. Muito pertinente.

Em 2005, aparece ela como parte forte da campanha Favotite:  bold e em grandes tamanhos (o único senão é o péssimo kerning de A e V na primeira imagem.)

Em 2006, na estrondosa e muito comentada camapanha Keep It Simple, Helvetica aparece ao lado de Audrey Hepburn.

Mas é a partir de 2009 que a Helvetica aparece com tudo e em tudo na campanha Born to Fit em comemoração aos 40 anos da marca. Envolvendo anúncios impressos, folders, outdoors, fachadas e interiores de lojas. Tudo muito bem feito. Não pra menos, já que 40 anos são 40 anos.

PS: Confesso que essa coisa de fundo branco, textos grandes em Helvetica em preto me lembrou uma grande concorrente da GAP, a AmericanApparel. Mais alguem teve essa impressão?

E depois disso, em 2010, temos a campanha Put It In The Fit. E lá está nossa querida sans-serif de novo. E dessa vez, rolou até um site (mesmo sendo em Flash, é bem interessante).

Daniel, por que está mostrando essas campanhas em vez de falar do logotipo?

Talvez seja o que você está pesando. Posto que ninguém faz algo do nada (mesmo que pareça), tentei mostrar três coisas:

1 – O uso crescente e (aos meus olhos) de muito bom gosto da Helvetica na comunicação da GAP;

2 – A competência da L+P no que seu pessoal é especializado;

3 – A falta de competência da L+P no que seu pessoal não é especializado.

Como agência de propaganda com know-how em produtos/empresas fashion, a L+P faz muito bem seu trabalho. Direção de arte impecável, bom uso da tipografia, fotos belíssimas. Eles sabem vender seus clientes. Não é a toa que possuem uma carteira de dar inveja.

Contudo, veja o que foi feito com o logotipo da empresa. Como no caso da Copa 2014, isso só mostra que uma velha máxima da internet é real: cada um no seu quadrado.

Eu acredito que não se pode ser bom em tudo, e isso inclui as empresas. Por isso que existem especialidades. Por que a GAP contratrou uma agência especializado em moda para sua publicidade e não uma especializado em agronegócio? Tal critério de seleção deveria ter sido também aplicado para selecionar a empresa que cuidaria de seu redesign. Essa história de comunicação 360, comunicação plural, comunicação total, comunicação geral são eufemismos para “somos uma agência especializada em nada”. Salvo raras exceções. Se bem que a L+P não de posiciona como uma dessas. Pelo contrário, ela própria diz que é especializada no mundo fashion, e não em design de marcas. Mas enfim, existem muitas “forças desconhecidas” que atuam em tais projetos e que, no fim das contas, ditam e/ou influenciam no resultado, sem ser de forma técnica e fria, mas política e pessoal.

O logo, a GAP e a marca

Pode ser que um logo seja somente um logo quando este ainda é desenhado. Não existem valores, não existe personalidade, não existe experiência do usário/consumidor/cliente em torno dessa represetanção visual. Por conta disso, ele continua sendo apenas um desenho e não uma marca.

De forma simples, marca é a imagem que clintes, consumidores, fornecedores, funcionários e outros stakeholders possuem de uma empresa/produto. Essa imagem é formada por todos os tipos de contato que se tem com tal empresa/produto. Isso vai desde publicidade, até a experiência na hora da compra, no atendimento, no pós-venda, na embalagem, no engajamento além da venda e até na hora de abrir a embalagem (Apple que o diga).

O que parece é que a GAP não entendeu isso. Ela, e ninguém, jamais iria convencer seus consumidores do seu novo logo enquanto achar que seu antigo logo é somente um logo, um desenho que pode ser substituido a qualquer momento por qualquer outra coisa que acharem interessante. São 20 anos (do logo caixa azul) de publicidade, de comportamento, de relacionamento com seus clientes. O logo é o ídolo que remete a tudo isso. Se esse ídolo é profanado, seus adoradores sentem que tudo que ele respresenta também foi. De fato, a intenções da GAP Inc. ao reformular o logo da GAP eram as melhores possíveis. A empresa passa por um momento de mudanças e nada mais previsível que mudar o logotipo para mostrarem essa nova fase. Contudo, ou esse novo logo mantém tudo o que o antigo respresenta e mostra o novo tempo, ou tudo vai para o espaço. Em nossos dias, uma marca não é mais um domínio de quem a criou ou a detém, mas sim pertencente ao seu público e empresas que ignoram se dão mal. Essas, em algum momento percebem isso. A GAP, assim como a PepsiCo com seu suco Tropicana e a Coca-Cola com a New Coke (aqui e aqui), tiveram que mandar um Command + Z para se darem conta.

E o mais interessante é que uma das principais características do branding é fazer com que o consumidor percebe os valores da marca, passe a admira-los, te-los como seus próprios valores e a mostra-los com orgulho (nessa caso, em suas roupas). A GAP tinha tudo isso e simplesmente ignorou. Ou não sabia.

Enquanto isso, outras empresas torram milhões para tentar construir alguma coisa, mas se tal posicionamento é metiroso, é um tiro no pé. Ou se simplesmente só ficam falando de posicionamento e valores e se esquecem de ter ótimos produtos e serviços, como a Telefonica e seu péssimo e irritante “Melhorar Sempre” (convido meus amigos Luis Alt, Tennyson Pinheiro e quem mais desejar para fala sobre).  Um outro exemplo bem brasileiro disso é o tal do “Branco do Planeta” do Bradesco. Não conheço um até hoje que tenha caido nessa, ou que passou a admirar o Bradesco por isso e ser seu cliente. Em contrapartida, conheço muitos que até hoje se lamentam pela venda do Banco Real, mesmo o Santander se esforçando em tentar convencer seus clientes que todos os atributos, posicionamento e ótimos serviços da marca Banco Real foram incorporados ao Santander. Mas isso é assunto para outro artigo.

A palavra do presidente

Desde que lançamos uma versão atualizada do nosso logotipo na semana passada em nosso site, temos visto uma enxurrada de comentários de clientes e da comunidade online de apoio ao logotipo da caixa azul.

Na semana passada, nós passamos a dar atenção a esse feedback e começamos a pensar como poderíamos aproveitar toda a paixão. Finalmente, nós aprendemos o quanto de energia existe em torno da nossa marca. Todas as estradas foram nos levando de volta para a caixa azul, então  tomamos a decisão de não usar o novo logo em nosso site gap.com.

Na Gap, nossos clientes sempre estão em primeiro lugar. Nós fomos ouvindo e assistindo todos os comentários na semana passada. Nós ouvimos repetidas vezes que eles são apaixonados pelo nosso logotipo “caixa azul”, e que querem ele de volta. Então, nós tomamos a decisão de fazer exatamente isso – vamos trazê-lo de volta em todos os canais. (…)

Aprendemos muito neste processo. E nós estamos cientes que não fizemos isso do jeito certo. Reconhecemos que nós perdemos a oportunidade de se envolver ainda mais com a comunidade online. (…)

Haverá um tempo para evoluir o nosso logotipo, mas se e quando esse momento chegar, nós vamos lidar com isso de uma maneira diferente.

Marka Hansen, presidente da GAP North America
Link original – Tradução livre

Interessante ler essa declaração do presidente da Gap. Lá ele comenta que os clientes diziam repetidas vezes que queriam seu logo de volta. Isso mostra que a ligação emocional com uma marca é talvez a grande alma de qualquer empresa/produto hoje. Essas pessoas não estavam pedindo seu logo de volta porque elas preferem tipografia serifada e um azul sólido e escuro. Elas o faziam porque aquele desenho, aquele design, aquela imagem representava algo na vida dessas pessoas, representava o que elas são, o que elas querem que os demais pensem sobre elas. Aquele logo, como muitos outros, é exibido como um selo que mostra a atitude e o modo de vida por qual esses clientes querem ser reconhecidos pelo mundo. Mais uma vez: um logo não é só um “desenho” depois de anos de publicidade, de relacionamento entre empresa/clientes. Se torna um ícone representativo de muitas emoções, idéias e ideais. Se torna uma bandeira. Ainda mais se tratando de um mercado como o da moda, onde a intríseca ligação emocional é perte fundamental para o sucesso de empresas/produtos. Tal mudança (feita da forma que aconteceu com a GAP), tavez não seria tão desastrosa para outros nichos do mercado, onde os clientes não usam dessa marca para dizer coisas tão pessoais.

O consumidor não está nem aí se a GAP está sofrendo de envelhecimento, se a concorrência está ganhando mercado ou qualquer outro tipo de problema. O que o consumidor quer são produtos de qualidade, valores que condizem como que ela pensa e/ou admira e um logo que represente tudo isso e que seja reconhecível por todos. Talvez seja necessário a GAP atualizar sua marca sim, como o próprio presidente sabe e disse, mas um projeto como esse é grande demais pra ser feito por não-especialistas, sem ouvir consumidores e se preocupando somente com a parte gráfica do logo.

O que pensam a respeito?

Antes dos posts GAP e Logos nas Eleições 2010, tenho o prazer de ajudar na divulgação do concurso cultural da Ed. Bookman (que já está se tornando uma tradição) em comemoração ao Dia do Designer, 05 de novembro.

O pessoal da editora irá presentear dois felizardos com a coleção Design Básico completa (é essa aí de cima). Para concorrer, basta seguir a @BookmanEditora no Twitter e enviar, em no máximo 140 caracteres, uma declaração de amor ao design. Vale tudo, desde que caiba em um tuíte e mencione @BookmanEditora e a hashtag #DesignBasico.

Um juri (a qual faço parte =) irá escolher a melhor frase, que vai levar uma coleção. Depois disso, as top 5 frases que não ganharam irão para votação popular no Facebook. A frase mais curtida leva a segundo pacotão. Antes de participar, leia o regulamento. É curtinho.

Liguem seus teclados e começem a tuitar e a movimentar suas redes no Facebook, pois já estamos recebendo as primeiras declarações.

Valeeeeeeendo!

Não, essas imagens não são simples anúncios em Helvetica, mas sim da própria Helvetica! Foram publicados pela Linotype em 1966. As imagens são uma cortesia de Michael Herman, tiradas de seu arquivo pessoal.

Design Estratégico, Design Gráfico, Design de Embalagem, Design de Produto, Design Thinking, Design de Interação, Design Research, Design de Serviços, Design Management … Design Etc Etc Etc.

Escrever um post falando sobre as diversas áreas e abordagens do Design não é tarefa fácil. Fazer isso sem provocar ou ter alguém que discorde completamente de minha opinião muito menos. De todas formas, esse não é meu objetivo e acho válido expôr aos leitores do blog minha visão de como tudo isso se entrelaça, alinhar conhecimentos e iniciar discussões para, a partir disso, começar a escrever específicamente sobre Design Estratégico, Design Thinking e Design de Serviços. O objetivo desse post é exatamente entender as diferenças entre eles sem desmerecer nenhum tipo de design, mas sim partindo do ponto de vista que todos são extremamente importantes. Gostaria então de preencher os espaços deixados em branco no meu último post e falar rapidamente sobre cada um deles.

Design Estratégico

Trata-se da área de atuação (ou momento) em que se tomam as decisões prévias a qualquer implementação de projeto. O design estratégico não pode ser considerado uma disciplina em si, mas sim a utilização de uma abordagem para questões estratégicas, que antecedem a implementação. Por isso, quero deixar bem claro que não estou dizendo que disciplinas tradicionais de design como gráfico, produto e embalagem, por exemplo, não envolvam aspectos estratégicos. O que estou colocando é uma nova forma de ver a atividade de design, separada em uma instância de definição de diretrizes para os projetos, e outra de execução desse planejamento.

Design Tático-Operacional

Por mais discriminante que possa parecer, vejo a grande maioria das diversas disciplinas de design no Brasil atuando apenas neste pequeno espaço. O design como forma e função … estética. Trata-se daquela velha utilização do (processo de) design apenas para a criação de uma casquinha bonita e, algumas vezes a partir daí criar algum impacto estratégico, se é que isso ainda é possível no momento em que o projeto já se encontra. A verdade é que um projeto onde o design começa nessa instância, dá pouca força ou autonomia para que os profissionais possam mudar algo na estratégia. E se o faz, isso infelizmente acaba acontecendo sem todo o embasamento necessário.

Design Thinking

Provavelmente o mais comentado, mal falado e pouco compreendido de todos, eu não colocaria o Design Thinking como uma disciplina concorrente mas sim uma abordagem (para qualquer coisa.) Trata-se de uma outra forma de fazer e muito mais do que isso, de uma ampliação das fronteiras tradicionais do design, levando o “pensar” com empatia, colaboração e experimentação a projetos em contextos mais complexos e que acabam tendo aplicações extramamente variadas. Falarei bastante sobre esse assunto nos próximos posts.

Design Management

Muito confundido com o Design Estratégico, a verdade é que o “Design Management” ou simplesmente Gestão do Design é o que o termo diz. Claro que envolve estratégia, mas também envolve operação. Tradicionalmente, a disciplina teve seu início para suprir as necessidades das empresas de ter alguém responsável por todo o processo de design internamente. O objetivo, simples assim, é se certificar que as estratégias do negócio sejam traduzidas e materializadas com a utilização do design e que, internamente, a empresa entenda e construa em cima desse valor agregado da abordagem do design. Resumindo, gestão de design só existe para garantir que exista um diálogo entre essas duas partes que não costumam se entender, fazendo com que projetos permaneçam dentro de sua estratégia e sejam efetivamente implementados com sucesso.

Para finalizar, acredito que é importante colocar antes de qualquer outro post meu, minha maneira de ver cada forma de atuação, mais do que cada disciplina, pois vemos em nossas aulas e palestras muitas pessoas sem entender muito bem quais as diferenças entre design thinking, design estratégico e design management, por exemplo. Particularmente não sou muito fã de ficar tentando definir as coisas, acredito muito no poder da semântica, mas vejo nesse post um importante começo para tudo que tenho a escrever daqui para a frente.

Há pouco mais de um ano, o LOGOBR levou ao ar um artigo com dicas para portfólios impressos e digitais, escrito por mim (Daniel) e pela designer Cítia Stela. E hoje quero falar específicamente sobre uma das ferramentas que apresentamos da outra vez, por dois motivos.

Motivo 1: o serviço

O Behance Network é um dos serviços do Behance, empresa que ofecere produtos e serviços que buscam facilitar a vida dos designers. O Behance.net é uma das maiores plataformas do mundo quando se trata de portfólios para profissionais criativos. Para você ter uma idéia, eles tem parcerias com: AIGA, TED, The Design Observer Group, ADC, Adobe e outros.

Para ter sua conta na rede, basta você se inscrever e aguardar o link de aprovação. No Bahance.net não existe limite de fotos, uploads, customização ou qualquer tipo de limitação. Ele permite embedar videos de diversos sites, textos com hiperlink, imagen e PDFs do Issuu. E o mais bacana: é totalmente free.

Ai talvez você diga “mas tem muitos outros sites para portfólios que fazem a mesma coisa”. De fato. Contudo o embaixador do Behance no Brasil, Felipe Tofani, mostra rapidamente o diferencial da rede:

O Behance tem duas coisas que acho muito interessante. Uma delas é a forma de frame viewo, o que facilita a visualização do mesmo como portfólio (e não como página de rede social). A outra é o lado social do site. A ideia é criar uma comunidade de cooperação. Por isso que foi criado um programa de embaixadores em diversos países, para que a interação entre os usuários se torne ainda maior e num ambito mais interessante.

Esse frame view permite que você envie seu portfólio para seus clientes, propects e sua mamãe de forma mais limpa e direta do que é a sua visualização orginal, que mostra contatos, comentários e outros serviços do viés “rede social” do site, algo que não é tão interessante para quem não está na rede. Para isso, basta colocar /frame na frente da URL do seu perfil (http://behance.net/SeuPerfil/frame).

Motivo 2: The Served Sites

Por volta de um ano atrás, o Behance teve a excelênte idéia de criar um depósito para os melhores trabalhos postados na rede, assim nascia o The Served. Dez sites mostrando trabalhos de Branding, Digital Art, Fashion Design, Illustration, Industrial Design, Motion Graphics, Photography, Toy Design, Typography e Web Design. Uma fonte de referências e, claro, ótima mídia para quem tem algum trabalho garimpado pela curadoria de Oscar Ramos Orozco.

Se tiver alguma dica a mais, mesmo sendo de outros serviços, coloca nos comentários.

Qualquer meio de comunicação que queira ter um conteúdo diferenciado tem que contar com uma boa rede de fontes e informantes. Dessa vez, esse ótimo manual que o LOGOBR irá compartilhar é fruto disso.

Estamos falando do brandbook da Nike Football, divisão futebolística da gigante dos esportes. Esse manual (em inglês) contempla diversos aspectos da marca, desde aplicações diversas do logotipo até cores, tipografia, fotografia, posicionamento, linguagem gráfica, PDVs, hierarquia de marcas, embalagens e outros.

Confesso que não consegui estudar esse manual inteiro, mas algo que gosto muito (além da tipografia, é claro) é como eles trabalham com as linhas diagonais. Mesmo sendo “moda” usar tal recurso gráfico, é bacana ver como a Nike incorporou isso em sua identidade. Claro que a Nike contrata os melhores estúdios/profissionais do mundo para seus jobs, mas isso não tira o mérito dos ótimos trabalhos. Aliás, todos os sites da Nike Football são demolidores. Não deixem de vistar um por um.

Uma aula de design de alto nível.

Como foi com o Brandbook do Carrefour, não vamos divulgar a fonte e, por pedido dela, não será habilitado o download. Conto com a compreensão de vocês. Mas fiquem tranquilos que o  manual estará no Issuu do LOGOBR continuamente. Espero que gostem.