Loira Pop

Tim Burton - uma filmografia

2012-06-20T20:44:00.000-07:00

Tim Burton, gênio ou louco. Não é preciso muito para descrever um dos mestres do cinema sombrio e fantástico. Burton começou a carreira com curtas, na década de 1970, e consagrou um universo autoral a partir do estilo gótico de seus filmes.

Em "Tim Burton - a filmography", a trajetória do cineasta é recriada pelo artista Martin Woutisseth, relembrando figuras bizarras que se tornaram ícones pop, como o clássico Beetlejuice. A animação foi produzida para uma competição organizada pela Cinemateca Francesa, que desafia filmmakers a prestar um tributo a Tim Burton em vídeos de até cinco minutos.

Em tempos de contagem regressiva para a estreia de "Sombras da Noite", adaptação do seriado sessentista "Dark Shadows", que chega aos cinemas nesta sexta-feira (22), é sempre bom rever a arte de um gênio louco.

Swimming pool

2012-06-16T19:23:00.000-07:00

Uma cidade grande, uma piscina e uma história de amor. "Swimming pool" mostra o encontro entre dois solitários, entediados com a vida na metrópole, que decidem dar um mergulho noturno na piscina do condomínio onde moram. A animação checa, assinada por Alexandra Hetmerová, foi premiada em 2010, no International Film Festival.

Cinema: o que esperar de 2012

2011-12-27T13:54:00.000-08:00

Seguindo as tradições de fim de ano, nada como fazer uma listinha dos principais filmes com lançamento em 2012 e já deixar tudo marcado no calendário. As datas previstas para estreia são do Filme B. Já a lista foi inspirada na seleção feita pelo blog SoothBrush. Já pode preparar o porquinho, porque 2012 é ano de gastar dinheiro com cinema, bebê!

27 de janeiro
À beira do abismo (Man on a ledge), de Asger Leth. Gênero: ação. Elenco: Sam Worthington, Elizabeth Banks, Jamie Bell. Sinopse: Um ex-policial, agora fugitivo, decide pular do topo de um prédio de Manhattan. A tentativa de suicídio serve, na verdade, como pano de fundo para o roubo de um diamante.

10 de fevereiro
A mulher de preto (The woman in black), de James Watkins. Gênero: suspense. Elenco: Daniel Radcliffe, Janet McTeer, Ciarán Hinds, Lucy May Barker. Sinopse: Um jovem advogado viaja para um vilarejo distante, onde descobre que o fantasma de uma mulher em busca de vingança está aterrorizando os moradores.

2 de março
Anjos da noite 4 (Underworld 4), de Màns Màrlind e Björn Stein. Gênero: ação. Elenco: Kate Beckinsale. Sinopse: Quando os humanos descobrem a existência dos clãs de vampiros e Lycans, uma guerra para acabar com ambas as espécies é iniciada. A vampira guerreira Selene lidera a batalha contra a humanidade.

Tão forte e tão perto (Extremely loud and incredibly close), de Stephen Daldry. Gênero: drama. Elenco: Tom Hanks, Sandra Bullock, John Goodman, Viola Davis. Sinopse: Um pequeno inventor de apenas nove anos vai até Nova York para procurar a fechadura certa, onde consiga encaixar uma chave misteriosa deixada por seu pai, morto nos atentados de 11 de setembro.

9 de março
O corvo (The raven), de James McTeigue. Gênero: suspense. Elenco: John Cusack, Alice Eve, Luke Evans, Oliver Jackson-Cohen. Sinopse: Em seus últimos dias de vida, Edgar Allan Poe persegue um serial killer cujos assassinatos são inspirados nas histórias do escritor.

23 de março
Jogos vorazes (The hunger games), de Gary Ross. Gênero: ação. Elenco: Jennifer Lawrence, Wes Bentley, Woody Harrelson, Elizabeth Banks. Sinopse: Em um futuro apocalíptico, dois jovens de cada distrito norte-americano são escolhidos todos os anos para lutar até a morte em um reality show.

John Carter, de Andrew Stanton. Gênero: aventura. Elenco: Mark Strong, Willem Dafoe, Taylor Kitsch. Sinopse: Transportado para Marte, um veterano da Guerra Civil encontra um planeta exuberante, habitado por criaturas bárbaras com 12 metros de altura.

13 de abril
Wrath of the titans, de Jonathan Liebesman. Gênero: aventura. Elenco: Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Edgar Ramírez. Sinopse: Perseus embarca em uma jornada pelo submundo para resgatar Zeus, feito prisioneiro por seu filho traidor, Ares, e seu irmão, Hades.

27 de abril
The Avengers – Os Vingadores (The Avengers), de Joss Whedon. Gênero: aventura. Elenco: Robert Downey Jr., Don Cheadle, Samuel L. Jackson. Sinopse: A agência S.H.I.E.L.D. reúne um time de super-humanos para ajudar a salvar a Terra de invasores alienígenas.

11 de maio
Battleship, de Peter Berg. Gênero: ação. Elenco: Liam Neeson, Alexander Skarsgard, Rihanna. Sinopse: Uma frota naval é forçada a enfrentar uma armada de navios desconhecidos.

18 de maio
The dictator, de Larry Charles. Gênero: comédia. Elenco: Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jason Mantzoukas. Sinopse: A heróica história de um ditador que arrisca a própria vida para garantir que a democracia nunca chegue ao país que ele amorosamente oprime.

25 de maio
Homens de preto 3 (Men in black 3), de Barry Sonnenfeld. Gênero: ação. Elenco: Will Smith, Josh Brolin, Tommy Lee Jones. Sinopse: O agente J volta aos anos 1960 para impedir que um vilão alienígena mate a versão mais jovem de seu parceiro, o agente K.

1º de junho
Branca de Neve e o caçador (Snow White and the huntsman), de Rupert Sanders. Gênero: aventura. Elenco: Kristen Stewart, Chris Hemsworth, Sam Claflin, Charlize Theron. Sinopse: Na nova versão do clássico conto de fadas, o caçador, encarregado de matar a bela Branca de Neve, torna-se seu protetor e inicia uma batalha para derrotar a Rainha Má.

7 de junho
Madagascar 3: Os procurados (Madagascar 3: europe most wanted), de Eric Darnell. Gênero: animação. Vozes: Ben Stiller, David Schwimmer, Frances McDormand. Sinopse: Alex, o leão, Marty, a zebra, Melman, a girafa, e Glória, a hipopótama, decidem se apresentar em um circo itinerante na tentativa de voltar para casa, em Nova York.

8 de junho
Prometheus, de Ridley Scott. Gênero: ficção científica. Elenco: Michael Fassbender, Charlize Theron, Noomi Rapace. Sinopse: Uma equipe de exploradores descobre uma pista sobre a origem da humanidade na Terra, que os conduz a uma jornada para os cantos mais escuros do universo. Agora, eles precisam lutar para salvar o futuro da raça humana.

22 de junho
Jack, the giant killer, de Bryan Singer. Gênero: aventura. Elenco: Ewan McGregor, Ian McShane, Stanley Tucci. Sinopse: No conto de fadas moderno, um camponês viaja até a terra dos gigantes para resgatar uma princesa, colocando em risco a paz de longa data entre homens e gigantes.

29 de junho
A era do gelo 4 (Ice age: continental drift), de Steve Martino e Mike Thurmeier. Gênero: animação. Vozes: Ray Romano, Queen Latifah, Denis Leary. Sinopse: Manny, Diego e Sid embarcam em uma nova aventura após a divisão dos continentes. Usando um iceberg como barco, eles viajam pelos sete mares, encontram criaturas do mar e lutam contra piratas.

3 de julho
O espetacular Homem-Aranha (The amazing Spider-Man), de Marc Webb. Gênero: aventura. Elenco: Emma Stone, Andrew Garfield, Rhys Ifans, Embeth Davidtz. Sinopse: Um Peter Park adolescente enfrenta os problemas humanos, enquanto tenta lidar com os novos super-poderes.

20 de julho
Valente (Brave), de Mark Andrews. Gênero: animação. Vozes: Emma Thompson, Kelly Macdonald, Billy Conolly, Kevin McKidd. Sinopse: Determinada a traçar o próprio destino, uma princesa escocesa desafia o pais e põe em risco todo o reino.

27 de julho
Batman: O cavaleiro das trevas ressurge (Batman: the dark knight rises), de Christopher Nolan. Gênero: aventura. Elenco: Christian Bale, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Anne Hathaway. Sinopse: Oito anos após os acontecimentos de "O cavaleiro das trevas", um líder terrorista chega a Gottam City, confrontando o Homem Morcego.

14 de dezembro
The Hobbit: an unexpected journey, de Peter Jackson. Gênero: aventura. Elenco: Martin Freeman, Elijah Wood, Cate Blanchett, Ian McKellen. Sinopse: Bilbo Baggins, um Hobbit, viaja até a Montanha Solitária acompanhado por um grupo de anões para recuperar um tesouro roubado pelo dragão Smaug.

Filmografia 2011

2011-12-25T16:21:00.000-08:00

Mais de 200 filmes lançados em 2011 em um vídeo com menos de seis minutos. Essa é a ideia de "Filmography 2011", uma ótima retrospectiva das produções que marcaram o ano, seja para melhor ou para pior. A lista com os títulos das obras pode ser conferida aqui.

Ho ho ho! Feliz Natal!

2011-12-23T12:34:00.000-08:00

Na animação interativa "Singing Christmas Hedgehogs", você escolhe um porco-espinho e confere suas habilidades natalinas. Os créditos são do Bird Box Studio, um estúdio de animação com sede em Londres, fundado pelo artista Ant Blades.

Festival do Rio: A civilização da barbárie

2011-10-28T06:39:00.000-07:00

Alçado ao título de filme mais controverso do último Festival Sundance, "A mulher selvagem" (2011) impressiona pelas verdades que jorram junto ao sangue e as tripas para desconforto do espectador. Visual e tematicamente violento, o longa toca no âmago de uma sociedade que gosta de bater no peito e bradar dizendo-se civilizada. É um incômodo nauseante pela fúria com que ataca o homem branco, educado e patriarca, aquele que esconde a própria selvageria sob a polidez do terno e gravata.

A produção, baseada no romance escrito por Jack Ketchum e pelo diretor Lucky Mckee, tem como enfoque central a instituição da família. Em uma pequena cidade, o advogado Chris Cleek (Sean Bridgers) descobre que uma mulher selvagem (Pollyanna McIntosh) vive na floresta onde costuma caçar. Decidido a civilizá-la, Chris captura a estranha, mantendo-a prisioneira no porão de sua casa. Tratada como um animal de estimação, a selvagem passa por sessões de tortura assistidas pela esposa e pelos filhos. Em meio às tentativas de domesticação, o público acompanha o esfacelamento dessa família, que revela, por trás das aparências, problemas doentiamente estruturais.

O roteiro trabalha, na maior parte do filme, com a expectativa de libertação da mulher e o perigo que representa caso consiga escapar. Há uma sensação constante de que o fim trágico (e sanguinolento) se aproxima. Ao mesmo tempo, o desejo de vingança passa a ser partilhado com o público, terrificado pela brutalidade com que a personagem-título é tratada. Chris é a epítome do garanhão bem-sucedido que, de civilizado, não tem nada. Extremamente sádico e cruel, bate na esposa submissa, estupra a prisioneira e — possivelmente, já que Mckee não deixa isso claro — mantem relações incestuosas com a filha mais velha, grávida de não se sabe quem. O filho, por sua vez, é a reprodução desse modelo de masculinidade, cuja violência é aceita naturalmente, como essência do sexo que detém o poder.

Longe de ser meramente a libertação da selvageria, o gran finale leva a repensar os paradigmas de civilidade. Não é a vitória da mulher selvagem. É a revolta contra uma civilização da barbaridade.

Durante a premiere do Festival de Sundance, um homem na plateia fez um escândalo durante a sessão de "A mulher selvagem" por se sentir ofendido com o filme. Veja o vídeo abaixo.

Festival do Rio: Comical-mentary

2011-10-21T20:53:00.000-07:00

De "Canibal Holocausto" (1980) ao mais recente "Atividade Paranormal" (2007), os mockumentaries tornaram-se um filão exaustivamente explorado quando o assunto é terror. A onda dos falsos documentários gosta de brincar com as crenças do espectador ao simular uma realidade. Essa, entretanto, não parece ser a premissa em "O Caçador de Trolls" (2010). Embora procure seguir o estilo em termos formais, o filme de André Ovredale apresenta-se muito mais como piada ao próprio gênero do que como tentativa de construir uma verdade.

Estruturalmente, todos os elementos de um tradicional mockumentary estão lá. A mensagem, nos créditos iniciais, trata de alertar o público: o filme é uma versão baseada em arquivos enviados anonimamente para a produtora Filmkameratene em 2008. As imagens foram analisadas por uma equipe especializada, que constatou a autenticidade do material. Leia-se "baseado em fatos". As sequências seguintes, contudo, tomam o caminho da sátira ao mostrar três estudantes da Universidade de Volda, na Noruega, à procura do misterioso Hans (Otto Jespersen), um caçador de... TROLLS! A paródia descamba ainda mais quando os jovens descobrem que o sujeito, na verdade, trabalha para um órgão secreto do governo norueguês — o Instituto de Segurança de Troll.

Utilizando recursos comuns ao gênero, como câmera na mão, visão noturna, cortes secos e cenas mal enquadradas, "O Caçador de Trolls" revela-se um documentário explicitamente falso, cuja principal preocupação não está em enganar ou assustar, mas sim em fazer rir. Apesar do ritmo lento estimulado por sequências dispensáveis, a produção encontra boas sacações nos detalhes e, principalmente, na atuação de Jespersen. Impossível não mostrar, pelo menos, aquele sorrisinho no canto da boca em algum momento — seja por achar graça de Hans berrando "Troll" em plena floresta, seja por rir de si mesmo. Afinal, você pagou para ver monstros gigantes, peludos e caricatos que adoram comer cristãos. Mas, vai, tem muito mockumentary pior por aí que quer ser levado a sério. A gente só tem a agradecer por esse não ser o caso de "O Caçador de Trolls".

Festival do Rio: Os aliens descobrem a periferia

2011-10-18T08:22:00.000-07:00

Alienígenas peludos, com dentes fluorescentes, invadem a periferia. É com um argumento simples que “Attack the block” (2011) consegue brincar com os clichês de um gênero e, de forma bem-humorada, assumir-se como metáfora social. Dirigido pelo estreante Joe Cornish, o longa transforma um ataque extraterrestre a um bairro pobre do sul de Londres em pano de fundo para a regeneração moral de uma gangue de adolescentes marginalizados.

Além de misturar temáticas sociais a diálogos bem construídos, a ficção científica parece fazer uma homenagem a clássicos dos anos 1980 ao resgatar o espírito aventureiro de “Os Goonies” (1985) e a bizarrice das criaturas gosmentas em “Os Gremlins” (1984).

Na produção, o distrito de Brixton é atacado por aliens na Noite de Guy Fawkes, feriado britânico comemorado com fogueiras e fogos de artifício. A chegada dos invasores acaba por se confundir às luzes pirotécnicas no céu de Londres, o que faz com que o fenômeno passe despercebido pelo restante da população. Liderado por Moses (John Boyega), um grupo de jovens é surpreendido com a queda de um “asteróide” no momento em que tenta assaltar Sam (Jodie Whittaker), enfermeira que mora no mesmo prédio em que os garotos (em inglês, usa-se “block” para se referir aos prédios de habitação popular, daí o título do filme). Ao perceber que o asteróide, na verdade, é um ser extraterrestre, Moses e sua gangue decidem matar a criatura. Logo, no entanto, um bando de "lobos-gorilas-what-the-fuck” caem no bairro e passam a perseguir os adolescentes.

Despretensioso e levemente satírico, “Attack the block” encontra seu principal mérito ao flertar com a verossimilhança. Afinal, por que, raios, marginais da periferia conseguiriam se tornar os melhores caçadores de extraterrestres? A resposta é clara: como afirma um dos jovens, eles estão acostumados a serem atacados diariamente por outros inimigos, e esses são humanos. Ao mesmo tempo, se a fórmula dos anti-heróis que ganham a admiração do público parece bastante óbvia, o roteiro trata de torná-la desconcertante ao mostrar que — antes de anti-heróis — Moses e seus amigos são produtos de uma sociedade marcada por problemas que vão das drogas ao confronto com a polícia.

Permeado por lições de moral que beiram o lugar-comum e deixam ainda mais transparente a tentativa de transformar os “vilões” da periferia em heróis, o primeiro longa-metragem de Cornish bate no liquidificador ficção científica, aventura e comédia, adoçando tudo com a sutileza das críticas sociais. Pode até ter jeitinho pipoca. Entretanto, ao transformar um jovem de 15 anos, que fuma maconha e assalta mulheres, em salvador do planeta, “Attack the block” revela-se menos gratuito e muito mais genial.

TV em 8-bits

2011-10-11T20:26:00.000-07:00

Em "Fox Retro", famosos personagens de seriados televisivos dos anos 80 são transportados para o clássico mundo dos videogames em 8-bits. A animação, desenvolvida para um canal da televisão italiana pelo grupo PUNGA, vai de Pac-Man à Mulher Maravilha. Um convite com gostinho nostálgico a quem já passou dos 30!

Paisagens sonoras

2011-10-02T08:01:00.000-07:00

Que tal reunir os ruídos presentes no seu dia-a-dia e transformá-los em música? Essa é a ideia do Fruit Bonus no vídeo "Soundlapse", construído a partir de áudios gravados no escritório do grupo de filmmakers, em Chicago. O trabalho lembra muito o conceito proposto pelo pesquisador canadense Murray Schafer, que desenvolveu a ideia de soundscape ─ com base no termo inglês "landscape" ─ para designar o conjunto de sons que compõem um determinado ambiente formando uma verdadeira paisagem sonora.

Um cinema de imagens

2011-09-17T21:10:00.000-07:00

Com um aceno explícito à sensorialidade do espectador, “A Árvore da Vida” (2011) leva o cinema a reafirmar-se não apenas como dispositivo das imagens em movimento. Desde os minutos iniciais, a obra do diretor norte-americano Terrence Malick mostra sua pretensão de valorizar a potencialidade imagética como arte. Distanciando-se da tradicional estrutura clássico-narrativa, Malick opta por uma forma distinta de contar histórias.

Em lugar de tornarem-se reféns de um estilo de montagem cujo objetivo principal é encontrar na invisibilidade a chave para a mimese, as imagens pulsam como um organismo vivo, pronto para fazer sentir e dar à visualidade espaço para narrar.

Dividido em três eixos temporais predominantes, o longa centra-se no cotidiano de uma família texana na década de 1950 ─ uma vida marcada pela austeridade e rigidez disciplinar do pai (Brad Pitt) e pela figura doce e acolhedora representada pela mãe (Jessica Chastain). Em um primeiro momento, acompanha-se o luto do casal pela perda do filho mais novo. Logo em seguida, imagens da formação do universo funcionam como marco divisor para um segundo bloco temporal, dando início a uma retrospectiva da vida de Jack, o primogênito, desde seu nascimento até a adolescência. Entrelaçando-se a tudo isso, um terceiro eixo desenvolve-se no presente, dedicado à versão adulta de Jack (Sean Penn), um homem assolado pelas lembranças do passado.

Destituído do didatismo próprio ao cinema dito dominante, o filme de Malick economiza nos diálogos e abusa das metáforas visuais. Foge às amarras das regras de continuidade e oferece extrema liberdade às imagens, organizadas em planos longos e dotadas de ritmo lento. Cabe ressaltar, contudo, que a valorização do plano imagético, em detrimento da textualidade mais palatável e compreensível das produções clássicas, não retira do longa-metragem a capacidade de produzir sentido. Há, na verdade, uma história a ser muito mais mostrada do que efetivamente contada ─ o que não diminui seu potencial como instrumento narrativo.

Ao buscar um afastamento das narrativas clássicas, “A Árvore da Vida” assume- se como uma obra aberta, mais preocupada em incitar perguntas do que em delimitar respostas. Usa o simbolismo visual para questionar a natureza da vida e incitar dúvidas sobre a existência humana. Concede ao espectador a possibilidade de inferir os próprios significados, sem defini-los como certos ou errados. O processo de identificação entre obra e público nasce, portanto, não da tentativa de mimetizar uma realidade na tela escondendo suas marcas de feitura, mas sim do poder de sensibilização dado às imagens.

A estética urbana de Nova York

2011-09-15T21:36:00.000-07:00

Da série "ideias para pôr em prática quando viajar". Após visitar a cidade de Nova York, o artista Christian Andersen transformou seu "material turístico" em um belo vídeo que procura transmitir a essência e o cotidiano da Big Apple. "The Street Aesthetic of New York City" inclui imagens, principalmente, de Manhattan e do Brooklyn.

Hakuna Matata... é lindo dizer!

2011-09-10T12:01:00.000-07:00

Ir ao cinema assistir a "O Rei Leão 3D" (2010) é entrar num túnel do tempo e ser transportado para uma época em que Hakuna Matata era o lema de nossas infâncias. Distante das parafernálias narrativas e da maquiagem infantil dada a muitas animações atuais, a história do pequeno Simba é, enfim, um filme feito diretamente para crianças, tamanha simplicidade e capacidade de encantamento. O poder de fascínio é proporcional a toda ingenuidade e singeleza que a produção carrega — elementos capazes de transformar adultos em verdadeiras crianças, em lugar de pedir às crianças a maturidade de um adulto.

Esqueça o pinguim rapper, a Chapeuzinho Vermelho karateca e as esquiletes Beyoncé. Lançado originalmente em 1994, "O Rei Leão" apresenta a trajetória do leãozinho Simba, filho de Mufasa, o rei da Pedra do Rei, e herdeiro do trono. Claramente inspirado nos conflitos shakespearianos presentes em Hamlet, o desenho centra-se na disputa pelo poder travada pelo invejoso Scar, que deseja acabar com o irmão e o sobrinho para assumir o trono. Após a morte de Mufasa planejada pelo vilão, Simba consegue fugir, mas culpa-se pela perda do pai. A narrativa segue, assim, para a progressiva metamorfose do filhote em Rei Leão.

Sustentada pela aura de imponência e magnitude construída inicialmente em torno da figura de Mufasa, a sequência de sua morte talvez represente o ápice emocional do filme. Não é à toa que ocupa o posto histórico: foi a primeira morte a ser realmente mostrada ao público em um filme da Disney. Já envolvido pelo mútuo relacionamento de admiração entre pai e filho, o espectador sofre junto com esse pequenino leão tão cheio de fofura. Alegoricamente, é aí que o cinema reafirma sua excelência como dispositivo da identificação.

As canções chiclete facilmente memorizáveis e a comicidade natural da dupla Timão e Pumba tornam a obra dos diretores Roger Allers e Rob Minkoff ainda mais cativante. Para emoldurar tudo isso, a exuberância visual de uma selva decorada com as cores vibrantes de pássaros, macacos e zebras torna o 3D quase dispensável, principalmente quando os efeitos da terceira dimensão transformam em borrões algumas cenas com muita movimentação.

A reexibição de "O Rei Leão" só faz, portanto, desejar que novas tecnologias continuem servindo de pretexto para trazer de volta às telas animações preciosas do passado. Longe de propor uma onda nostálgica no cinema de animação, saudosismos como esse só têm a acrescentar, já que ensinam que, embora nossas crianças pareçam mais maduras a cada geração, elas ainda continuam a ser crianças. Indo além, revelam que nós, adultos, também somos eternas crianças.

Neon movies

2011-08-25T16:07:00.000-07:00

A internet é mestre em produzir cartazes de filmes clássicos recriados das formas mais criativas (ou não) possíveis – de Lego a figuras minimalistas. Dessa vez, o trabalho é do designer Mr. Whaite, que dá a gifs animados os tons vibrantes do neon.

"Drácula de Bram Stoker" em quadrinhos

2011-07-09T11:24:00.001-07:00

O clássico "Drácula de Bram Stoker", dirigido por Francis Ford Coppola, já foi magistralmente adaptado para os quadrinhos por ninguém menos que a dupla Mike Mignola e Roy Thomas. A história foi dividida em quatro partes, todas disponíveis aqui: parte 1, parte 2, parte 3 e parte 4.

"Rooted"

2011-07-09T00:07:00.000-07:00

"Rooted" apresenta uma história de amor que encanta pela simplicidade. A animação leva a assinatura de quatro estudantes da Escola Superior das Artes de Utrecht, na Holanda.

Quando o cinema também faz poesia

2011-06-01T17:07:00.000-07:00

Combinando realismo e fantasia, o longa-metragem “Não se pode viver sem amor” (2010), dirigido pelo chileno Jorge Durán, constrói lirismos visuais para falar de uma necessidade pungente a todo ser humano, o amor. Durán faz poesia com imagens para contar três histórias paralelas que caminham, pouco a pouco, para um fim conjunto. Dotada de uma inventividade surrealista, a produção exige que o espectador vá além da mera passividade voyeurística e embarque em seu realismo fantástico. Brinca com o poder da imaginação ao desenvolver uma trama que, se começa com a procura, deslancha muito bem para terminar em encontro.

Na véspera de Natal, o menino Gabriel (Victor Navega Mott) chega ao Rio de Janeiro com a madrasta Roseli (Simone Spoladore) em busca do pai, que o abandonou quando ainda era um bebê. Na mesma cidade, Pedro (Ângelo Antonio) é um professor universitário dividido entre ficar com a família ou aceitar uma proposta de trabalho no exterior. Já João (Cauã Reymond), um advogado desempregado, procura desesperadamente uma forma de conseguir dinheiro para viver com a dançarina de boate Gilda (Fabiula Nascimento). Com a ajuda de uma câmera fluida, que assume certo grau de autonomia para passear pela cena, recortando olhares e trejeitos, o público vai sendo conduzido a cada eixo narrativo até que essas trajetórias interliguem-se em uma linha principal.

Sob o olhar minucioso de um poeta empenhado em extrair sentimentos entre rimas e estrofes, o cineasta chileno, que assina o roteiro ao lado de Dani Patarra, opta por encadear a narrativa a partir de três momentos principais, concluídos com o desfecho chave. A princípio, os três núcleos se cruzam por meio de objetos de cena e personagens secundários, em uma segunda etapa, os destinos de Pedro e João se encontram em uma situação de desespero, e, logo em seguida, a trajetória do professor atravessa a de Roseli e Gabriel.

Ao mesmo tempo, pontuando tudo isso, a mente fértil do menino oferece toques de ludismo e imaginação à história, suavizando as desilusões do mundo real para valorizar o poder de acreditar no improvável. Gabriel faz chover e ventar, dá vida a quadros e, inexplicavelmente, faz com que um homem pegue fogo. Invenção ou realidade? Pois é a partir desse jogo dúbio que Durán deixa, sabiamente, sua obra em aberto, a serviço da imaginação do próprio espectador, convidado a construir significados. Com nome de anjo, Gabriel pode ser dotado de poderes sobrenaturais e realizar milagres. Pode, ainda, ser apenas uma criança com o desejo de que o impossível aconteça. O objetivo não é definir certezas, mas dar espaço à fantasia.

Para ancorar a sensibilidade fílmica, o diretor vale-se de uma câmera que, a todo tempo, assume olhares e define posições, imergindo a plateia numa focalização interna aos personagens. Passa-se a tentativa de compartilhar experiências de subjetividade com alguém muito além da diegese. Na cena em que Pedro conversa com o pai, Antonio (Rogério Fróes), sobre relacionamentos amorosos, por exemplo, o emprego de um enquadramento frontal leva o personagem de Fróes a falar diretamente para a câmera. Por sua vez, quando ele diz que não se pode viver sem amor, a produção é conduzida a uma metalinguagem que reforça a noção desse espectador presente.

Filmado no centro do Rio de Janeiro, na Zona Portuária e no Morro da Conceição, “Não se pode viver sem amor” valoriza uma beleza urbana e passa longe das típicas imagens de cartão-postal. Deixa de lado praias cariocas e pontos turísticos para trabalhar com cenários que, indo além de uma função meramente figurativa, tentam dizer sobre os personagens. É assim que Jorge Durán consegue concatenar de forma coerente sua poética cinematográfica ao longo da narrativa, emoldurada com uma visualidade de cores fortes e vibrantes que marca sua primeira experiência com a tecnologia digital.

Com uma produção que emana subjetividade no roteiro e na técnica, o chileno derrapa apenas nos últimos minutos quando relega ao desfecho a superficialidade dos lugares-comuns, fazendo lembrar o típico final feliz e falso de telenovela.

O Deus dos Músculos

2011-05-14T21:02:00.000-07:00

Receita do dia: coloque algumas películas de 35 mm em uma panela cheia de purpurina dourada e taque o loiríssimo Chris Hemsworth no meio disso tudo. O resultado você pode chamar de “Thor” (2011). Inspirada nas histórias em quadrinhos sobre o Deus do Trovão, o longa não chega a desapontar tanto os fãs da HQ, mas infelizmente deixa a sensação de que poderia ser muito mais.

Dirigido pelo britânico Kenneth Branagh, o filme prepara terreno para “Os Vingadores”, também baseado nas obras de Stan Lee, com estreia prevista para o ano que vem. No fundo, “Thor” não passa mesmo de um aperitivo, cujo objetivo é enganar a fome para o prato principal.

No áureo reino de Asgard, Chris Hemsworth vive o arrogante e musculoso filho de Odin (Anthony Hopkins), enviado à Terra após desobedecer às ordens do pai (e rei) ao recomeçar uma guerra antiga com os Gigantes do Gelo. Sem seu poderoso martelo, Thor deve “aprender” com a humanidade. A partir daí, ele conhece a cientista Jane Foster (Natalie Portman), apaixona-se, descobre que o irmão Loki (Tom Hiddleston) é um traidor e quer tomar o poder, aprende lição de moral e, ufa, vira um herói cabeça.

Com um roteiro feito praticamente em grupo, a história do Deus nórdico esquece o verossímil para abraçar facilmente a superficialidade, sobretudo durante o tempo em que Thor passa na Terra. Como resultado, entrega uma trama que corre e não consegue convencer. Cá pra nós, como um guerreiro lindo e forte cai de amores por alguém do dia para noite? Precisa só ser uma Natalie Portman da vida, contar com a ajuda de um céu estrelado e acender a fogueirinha? Melhor ainda, é a facilidade com que Thor vai de brutamontes infantalóide a homem maduro. Simples assim: passe uma semana com três humanos e alcance a maturidade.

Ao mesmo tempo, piadas rasas e já entregues retiram qualquer pretensão de tornar o longa uma das melhores adaptações da Marvel. Ao apostar na fórmula músculos para as meninas e ação para os rapazes, “Thor” fica no leve entretenimento. Do tipo que você assiste aos domingos para fugir do Faustão. E, com o banho de dourado na direção de arte, ainda leva óculos escuro.

Olha o tapa-olho dourado aí, geeeeeeeeente!

A Love Story… In Milk

2011-05-12T21:11:00.000-07:00

Porque caixinhas de leite também amam e merecem ser recicladas juntas!

Frohe Ostern! Happy Easter!

2011-04-22T10:26:00.000-07:00

Em comemoração ao dia em que você garante endorfinas para o ano inteiro, uma seleção de memoráveis cenas de filmes recriadas com ovos de Páscoa. <3

"Tubarão"

"Digam o que quiserem"

"Brilho eterno de uma mente sem lembranças"

"Psicose"

"Kill Bill"

(Via pleated-jeans)

A gata borralheira do sexo

2011-04-16T19:48:00.000-07:00

Um conto de fadas ultramoderno que apresenta como elemento redentor o sexo. É assim que “Bruna Surfistinha” (2011), dirigido pelo estreante Marcus Baldini e protagonizado por Deborah Secco, passa longe de tecer uma leitura mais profunda sobre a indústria do sexo, para explorar o processo de transformação de uma menina em mulher por meio da prostituição. Inspirado na autobiografia “O Doce Veneno do Escorpião — Diário de uma garota de programa”, o filme narra a história de Raquel Pacheco, então uma tímida adolescente de classe média que decide fugir de casa e mudar de vida por sentir-se alheia a uma realidade marcada pela relação conflituosa com a família adotiva e pela perseguição na escola. Raquel passa a vender o próprio corpo como opção — rebeldia talvez, já que a necessidade é, sobretudo, moral, e não financeira.

Frente a esse processo de amadurecimento, a história de Raquel desenvolve-se em três atos principais: sua ascensão meteórica como garota de programa, seguida pela decadência provocada pelo abuso de drogas e, novamente, a ascensão para o desfecho feliz. A narrativa linear, permeada por flashbacks que tentam explicar o passado e as motivações da protagonista, inicia-se com um ensaio “sensual” de Raquel diante da webcam do computador. Vestindo uma camisola que remete ao infantil, ela dança e tenta seduzir o espectador voyeur. Em meio aos trejeitos desajeitados, afloram a tímida conquista do próprio corpo e a busca pela feminilidade. Um tanto atrapalhada, Raquel é apenas uma menina em constantes descobertas, inserida em um convívio conflituoso com as pessoas que a cercam. Em casa, enfrenta a rejeição do pai, a implicância do irmão e a omissão da mãe. Na escola, é perseguida e humilhada pelos colegas de classe. A prostituição aparece, portanto, como alternativa para conquistar a independência e sentir-se, de certa forma, desejada.

Ao fugir de casa, a jovem passa a trabalhar no clube privé da cafetina Larissa (Drica Moraes). Pode-se dizer que a nova realidade vai moldar uma “gata borralheira” às avessas. A Raquel menina assume, aos poucos, uma nova identidade para dar lugar à Bruna mulher. É a partir daí, então, que Baldini abandona o frescor inicial da inocência e oferece ao espectador uma profusão de cenas de sexo, sustentadas principalmente nas tomadas em close. O diretor centra-se na valorização de gestos, olhares e fisionomias, dando sempre enfoque ao corpo como objeto. A cena do primeiro programa de Bruna, por exemplo, é uma das mais emblemáticas do filme. Em plano fechado e sem cortes, a personagem encara a câmera, agarrada à cabeceira da cama, traduzindo apenas no olhar a carga emocional do momento. A sequência perde parte do impacto com a narração em off da protagonista, que confere um certo didatismo dispensável à cena.

No entanto, se o filme de Baldini começa razoavelmente bem, os blocos seguintes desenvolvem uma narrativa que tenta, mas não consegue fugir dos lugares-comuns. A trajetória de Bruna Surfistinha vai da ascensão social e financeira à total degradação pelo abuso de cocaína, com final feliz garantido pela reascensão da personagem. Há espaço ainda para a imagem da mulher moderna e independente, já que Bruna dispensa a ajuda do “príncipe encantado” (Cássio Gabus Mendes) e vai buscar, ela mesma, a redenção.

Com roteiro de José de Carvalho, Homero Olivetto e Antônia Pellegrino, “Bruna Surfistinha” transporta para as telas exatamente o que a protagonista fez em seu blog: detalha o dia-a-dia de uma garota de programa. Os poucos vislumbres apresentados inicialmente sobre quem está por trás da identidade Bruna permitem traçar apenas um esboço — e ainda assim descambam para os clichês. O longa opta por ficar na superficialidade. Perde-se entre o sexo, a nudez e a luxúria, tentando esconder moralismos típicos de contos de fadas.

Futurismo dançante

2011-04-15T20:35:00.000-07:00

Ele pode não ser um galã de novela, mas faz um som do c@%$!3*. Queridinho da cena electro atual, o alemão Anthony Rother mistura sintetizadores, bateria eletrônica e megafones para construir seu futurismo robótico. No último dia 25, o dj e produtor tocou na Fosfobox, em Copacabana (RJ), por mais de três horas. Foi um set histórico e hipnótico para nós, meros corpos dançantes.

Pra ser sincera, impossível descrever uma música que vibra tão fundo dentro da gente e, no dia seguinte, deixa os pés em pedaços.

Rother começou a se destacar no cenário electro com o lançamento do álbum "Sex with the machines", de 1997. Na sequência, vieram "Simulationszeitalter" (2000), "Little computer people" (2001), "Hacker" (2002) e mais um monte de boas produções. O artista "moderntronic", como ele mesmo se intitula, leva no currículo ainda parcerias com Sven Väth e o ex-Kraftwerk Karl Bartos. Tem como não ser chamado de mestre?

Duvida? Então, confere o player aí em baixo. De nada.

Nostalgia high tech

2011-01-01T00:52:00.000-08:00

Visualize: Garrett Hedlund caminha sensualmente contra a luz, com ar de gostosão e um sorriso que faz o tipo “vou salvar o mundo e roubar seu coração, gata”. Parece comercial de desodorante masculino. Parece, mas não é. Dando continuidade ao clássico de 1982, "Tron ― O Legado" chega aos cinemas como a promessa tecnológica da Wall Disney para fechar o ano de 2010. Feita para soar como uma grande aventura digital marcada por parafernálias high tech, a produção do estreante Joseph Kosinski pode até empolgar no visual, mas patina no roteiro.

A história, inicialmente mastigada em flashbacks, parte do ponto onde o título anterior, "Tron ― Uma Odisséia Eletrônica", parou: o desaparecimento do programador e dono de um império tecnológico Kevin Flynn (Jeff Bridges). Assombrado pelo misterioso sumiço do pai, o jovem e já crescidinho Sam (Garrett Hedlund) decide investigar uma mensagem enviada do antigo escritório de Flynn e (SURPRESA!) acaba conduzido ao mundo digital d’A Grade. Seguindo o clássico mimimi familiar, pai e filho se reencontram e seguem juntos numa jornada para derrotar o vilão tirânico Clue, versão eletrônica de Flynn. A partir daí, preparem-se, começam os clichês para a resolução do conflito entre pai e filho.

Para nossa tristeza, as cenas em 3D são pouco exploradas, tornando a tecnologia quase dispensável. A ideia de filmar trechos iniciais em 2D e deixar a terceira dimensão para o mundo cibernético não funciona — e ainda irrita por ter feito você pagar mais caro por isso. O destaque de Tron deve-se mesmo à ótima trilha sonora, assinada pela dupla francesa Daft Punk. O duo, inclusive, tem direito à aparição surpresa numa das melhores cenas do filme.

Se “Tron — Uma Odisséia Eletrônica” conquistou ares de clássico cult com efeitos especiais à frente de seu tempo, sua seqüência chega aos cinemas mais como promessa do que como evolução.

Delícia natalina: cupcake + nutella

2010-12-25T17:43:00.000-08:00

Ingredientes para a massa:

3 xícaras (chá) de farinha de trigo

1 colher (sopa) de fermento em pó

3 ovos

2 xícaras (chá) de açúcar

1 xícara (chá) de leite

4 colheres (sopa) de margarina

5 colheres (sopa) de chocolate em pó

1 colher de essência de baunilha

Ingredientes para a cobertura:

1 pote de nutella (180 gramas)

1/2 caixa de creme de leite

Modo de preparo:

Antes de começar a preparar a massa, misture, em uma tigela, a nutella e o creme de leite. Deixe na geladeira por 40 minutos.

Pré-aqueça o forno a 180° por cerca de 10 minutos.

Na batedeira, bata os ingredientes da massa até a mistura ficar homogênea. Coloque as forminhas de papel próprias para cupcake dentro das forminhas de alumínio. Distribua a massa, preenchendo 3/4 de cada forma. Leve ao forno por aproximadamente 40 minutos.

Depois de esfriar, use um saco de confeiteiro para acrescentar a cobertura. Decore com confeitos.

Dica: você encontra fácil fácil forminhas de alumínio e de papel, além de muitos confeitos fofos, na Aidan Festa (Rua da Alfândega, 333, Centro, RJ).

hello world, i'm your wild girl (NOT)

2010-10-30T05:12:00.000-07:00

"The Runaways - Garotas do Rock" (2010) tinha tudo para ser uma cinebiografia fodíssima sobre a primeira banda de rock and roll composta apenas por mulheres, mas infelizmente derrapa em clichês, cai em buracos, perde-se em atuações toscas e deixa saudosistas daqueles tempos putos da vida. O filme leva a direção da italiana Floria Sigismondi, que já assinou viodeoclipes para nomes como The White Stripes e Incubus, e tem roteiro baseado no livro "Neon Angel - A Memoir of a Runaway", escrito pela ex-vocalista do grupo, Cherie Currie.

Primeiro, vamos esclarecer um pouco sobre a história da banda, coisa que o longa não faz. The Runaways nasceu em 1975, na Califórnia, numa época em que não havia tradição feminina quando o assunto era rock. Gravou o primeiro álbum um ano depois, sob a formação: Joan Jett, Cherie Currie, Sandy West, Lita Ford e Jackie Fox. Em 1977, após o lançamento do segundo disco, Queens of Noise, as meninas embarcaram em apresentações pela Europa e pelo Japão. Com a primeira turnê internacional, vieram o auge e também a decadência. O abuso de drogas, as brigas internas e os desentendimentos com o empresário Kim Fowley acentuaram o declínio da banda. Após Cherie e Jackie deixarem o grupo, The Runaways gravou ainda mais dois discos, sendo enterrado de vez em 1979. Joan prosseguiu em carreira solo e, em 1982, lançou o famoso hino "I love rock and roll" (aquele mesmo que a Britney ecamente regravou).

A carreira da banda pode até ter sido curta, mas o filme peca ao fazer tudo acontecer da noite para o dia. Sem falar nos clichês. Acredite, tem a clássica cena de manchetes de jornais voando pela tela. E, ainda, ao apostar no clássico sexo, drogas e rock and roll, o roteiro acaba reduzido à dupla Joan (Kristen Stweart) e Cherie (Dakota Fanning). Parece muito mais interessado em mostrar (uau!) como as duas podem ser rebeldes e sair na pegação, transformando as demais integrantes em meras figurantes. Kristen pode até cortar o cabelo e fazer pose de roqueira, mas ainda lembra o jeito afetado Bella Swan de ser. Já Dakota tenta esbanjar sensualidade, mas passa longe da verdadeira Cherry Bomb. O ponto alto das atuações fica com o excêntrico Michael Shannon, que aparece como o produtor Kim Fowley. A trilha sonora também não é de se jogar fora, bem como a direção de arte, que reproduz muito bem o estilo da época.

Enfim, "The Runaways - Garotas do Rock" não foi feito para os fãs da banda, e sim para os fãs de Crepúsculo.

Um pouquinho de The Runaways aí embaixo: