Magazine de Humanidades

Placebo RE:CREATED: una relectura de un clásico que desafía la nostalgia

2026-07-22T03:44:23.336-04:00

RE:CREATED

Cuando Placebo lo anunció , muchos seguidores reaccionaron con escepticismo (me incluyo). Volver sobre un álbum debut tan influyente como Placebo (1996) parecía un riesgo innecesario. Después de todo, el disco original no solo definió la identidad de Brian Molko y Stefan Olsdal, sino que se convirtió en uno de los trabajos fundamentales del rock alternativo británico de los noventa. Sin embargo, el proyecto nunca pretendió ser una simple remasterización ni un ejercicio de nostalgia. La propia banda lo definió como un "director's cut": una oportunidad para completar las ideas que, según ellos, las limitaciones técnicas y la inexperiencia de la época no les permitieron desarrollar plenamente.

Un concepto más ambicioso que una reedición

El mayor acierto de RE:CREATED es entender que la memoria musical no necesita permanecer congelada. En lugar de reconstruir completamente las canciones, Placebo recuperó las cintas originales y añadió tres décadas de experiencia interpretándolas en directo. El resultado no es una reinvención radical, sino una evolución.

Las estructuras permanecen intactas; las melodías siguen siendo las mismas; la actitud desafiante continúa presente. Lo que cambia es la dimensión sonora.

El álbum posee ahora un volumen emocional mucho mayor.

Las guitarras son más densas.

Las baterías golpean con mayor autoridad.

Las voces de Brian Molko, inevitablemente diferentes tras treinta años, transmiten menos fragilidad adolescente y más desgaste existencial.

Paradójicamente, esa pérdida de juventud beneficia muchas canciones.

Producción: donde realmente ocurre la transformación

El debut de 1996 tenía un sonido casi improvisado: guitarras ásperas, mezcla comprimida y un encanto propio de una banda que todavía buscaba su identidad.

La producción constituye el cambio más evidente.

En RE:CREATED todo aparece más amplio.

Hay más espacio entre instrumentos.

Las armonías vocales se desarrollan con mayor claridad.

Los detalles escondidos durante décadas emergen por primera vez.

No obstante, esa limpieza tiene un precio.

Parte del carácter "sucio" del álbum desaparece.

Algunos seguidores consideran que el exceso de reverberación y la amplitud del sonido reducen la agresividad original, especialmente en canciones como Teenage Angst, donde la línea de bajo pierde protagonismo respecto a la mezcla de 1996.

Desglose canción por canción

Come Home

La apertura gana contundencia inmediatamente.

La guitarra posee un grosor casi metálico y el bajo ocupa un espacio mucho más importante.

Sigue siendo un inicio explosivo, aunque ahora parece interpretado por una banda veterana que domina perfectamente sus recursos.

Teenage Angst

Quizá la canción más polémica.

El nuevo tratamiento enfatiza las guitarras y las voces, sacrificando parte del protagonismo del bajo que hacía tan irresistible el estribillo original.

No deja de ser excelente, pero probablemente sea una de las pocas versiones donde muchos preferirán la grabación de 1996.

Bionic

Una de las mayores beneficiadas.

La batería adquiere una presencia enorme y los riffs poseen un peso que el álbum original nunca consiguió transmitir completamente.

Muchos aficionados la consideran uno de los grandes triunfos de esta recreación.

36 Degrees

La intensidad permanece intacta.

La mezcla moderna resalta el dramatismo del tema sin alterar demasiado su esencia.

Quizá sea una de las recreaciones más conservadoras.

Hang On To Your IQ

Las nuevas capas instrumentales aportan profundidad a una canción que siempre quedó algo eclipsada dentro del disco.

Aquí el nuevo enfoque demuestra que pequeños cambios pueden modificar completamente la percepción de un tema.

Nancy Boy

El gran clásico.

Sorprendentemente, Placebo evita reinventarlo.

La canción conserva toda su insolencia sexual y su energía glam, simplemente adquiere una producción acorde al sonido contemporáneo de la banda.

Es una decisión inteligente: tocar demasiado este himno habría sido un error.

I Know

Aquí aparecen algunos de los cambios más discutidos.

Elementos peculiares del original desaparecen, mientras nuevos arreglos sustituyen ciertos detalles psicodélicos.

Hay quien aprecia la claridad conseguida.

Otros sienten que perdió parte de su personalidad.

Bruise Pristine

Otra de las grandes ganadoras.

El riff resulta enorme.

La interpretación vocal posee más dramatismo.

Los nuevos coros elevan el clímax sin destruir la identidad de la canción.

Lady Of The Flowers

Probablemente la transformación más emocionante del álbum.

Las nuevas armonías vocales y la atmósfera expansiva convierten un cierre melancólico en algo casi cinematográfico.

Muchos críticos la consideran superior al original.

Swallow

Continúa siendo el epílogo extraño y experimental del álbum.

Los cambios son mínimos, aunque la producción moderna incrementa la sensación hipnótica.

Los bonus

La inclusión de Drowning By Numbers resulta especialmente bienvenida.

Durante décadas fue una joya escondida para los seguidores más fieles.

Ahora finalmente ocupa un lugar oficial dentro del repertorio del álbum.

H.K. Farewell, por su parte, mantiene prácticamente toda su esencia aunque presenta un tratamiento más atmosférico y una duración reducida respecto a la versión clásica.

Además en este 30 aniversario el proyecto viene con set box exclusivo esta increíble, La caja recopilatoria oficial de la tienda de Placebo añade todo el contenido en 3 LP, el sencillo de 7″, un casete con demos inéditas y este álbum en un hermoso casete

¿Funciona realmente la propuesta?

Sí.

Pero depende completamente de las expectativas.

Quien espere escuchar un álbum completamente nuevo probablemente termine decepcionado.

Las diferencias existen, pero rara vez modifican la composición.

En cambio, quienes conozcan el debut de memoria descubrirán decenas de pequeños detalles:

armonías nuevas

guitarras ampliadas

baterías más poderosas

voces reinterpretadas

mejores transiciones entre canciones.

Es una experiencia de redescubrimiento más que de sorpresa.

Las críticas

No todo resulta perfecto.

La producción moderna tiende a uniformar algunos contrastes dinámicos.

En ocasiones el exceso de reverberación hace que todo suene demasiado "grande", perdiendo parte del nerviosismo casi punk del original.

Los remixes incluidos en algunas ediciones deluxe tampoco alcanzan el mismo nivel creativo y han sido considerados el contenido menos interesante del paquete.

El verdadero significado de RE:CREATED

Lo más interesante del proyecto no reside únicamente en cómo suenan las canciones.

Reside en la forma en que una banda dialoga consigo misma treinta años después.

Muy pocos artistas poseen la confianza suficiente para intervenir una obra considerada clásica.

Muchos grupos optan por remasterizaciones superficiales.

Placebo eligió algo mucho más arriesgado:

Aceptar que las canciones también envejecen.

Que cambian junto con quienes las escribieron.

Y que una obra puede seguir evolucionando sin borrar su pasado.

En ese sentido, RE:CREATED no sustituye al álbum de 1996.

Lo complementa.

Es casi como observar dos fotografías tomadas con treinta años de diferencia.

Los rostros son los mismos.

La mirada, ya no.

Placebo RE:CREATED es mucho más que una reedición con mejor sonido. Es un ejercicio artístico de memoria, madurez y reinterpretación que consigue respetar uno de los debuts más importantes del rock alternativo británico mientras lo adapta a la identidad sonora que Placebo desarrolló durante las tres décadas siguientes. No todas las decisiones funcionan por igual, y algunos temas pierden parte de la crudeza que los hizo inolvidables, pero en conjunto el proyecto demuestra que revisitar un clásico puede ser un acto creativo y no simplemente comercial.

No reemplaza al Placebo de 1996; dialoga con él. Y ese diálogo resulta mucho más fascinante de lo que muchos esperaban. te invito a escucharlo

15 años de "New Amerykah Part Two: Return of the Ankh" de Erykah Badu delicia de Álbum

2025-01-04T00:26:00.003-03:00

New Amerykah Part Two: Return of the Ankh

Al cumplir 15 años (lanzado 1 de enero de 2010), este álbum continúa destacándose como uno de los trabajos más influyentes en el neo-soul y R&B moderno. Vamos a analizar esta obra maestra que ha resistido admirablemente el paso del tiempo:

desglosemos este magnifico álbum:

20 Feet Tall

La canción abre el álbum con una melodía suave y reflexiva, donde Badu explora temas de autoempoderamiento y crecimiento personal. La producción minimalista permite que su voz se destaque, creando una atmósfera íntima.

Window Seat

Uno de los sencillos más destacados, esta pista combina ritmos de neo-soul con letras que expresan el deseo de escapar y encontrar soledad. La producción, a cargo de ?uestlove, ofrece una base rítmica relajada que complementa perfectamente la voz de Badu.

Agitation

Aunque es una de las pistas más cortas del álbum, presenta una mezcla dinámica de jazz y funk, con una línea de piano que impulsa la canción y refleja la inquietud sugerida en el título.

Turn Me Away (Get MuNNY)

Esta canción es una reinterpretación del clásico "Get Money" de Junior M.A.F.I.A., transformándolo en una pieza funk que satiriza la superficialidad y el materialismo en las relaciones.

Gone Baby, Don't Be Long

Con una melodía pegajosa y una producción que recuerda al soul clásico, Badu canta sobre la anticipación y el anhelo en una relación amorosa.

Umm Hmm

Esta pista presenta una producción suave con samples de soul, donde Badu aborda la confianza y la comunicación en las relaciones. La canción fluye con una sensación relajada y meditativa.

Love

Construida sobre un beat de J Dilla, la canción es una oda al amor romántico, con Badu expresando admiración y devoción. La producción incorpora elementos de funk y soul, creando una atmósfera cálida.

You Loving Me (Session)

Un interludio humorístico donde Badu juega con la idea de aprovecharse de un amante por sus bienes materiales, culminando en una risa que indica la sátira detrás de la canción.

Fall in Love (Your Funeral)

Con influencias de G-funk, esta pista advierte a los potenciales amantes sobre las consecuencias de enamorarse de ella, mezclando humor y seriedad en las letras.

Incense

Un instrumental atmosférico que destaca por la inclusión de un solo de arpa, proporcionando un respiro meditativo en el álbum y mostrando la versatilidad musical de Badu.

Out My Mind, Just in Time

La canción más extensa del álbum, dividida en tres movimientos que exploran la recuperación emocional tras una relación. Comienza como una balada de piano y evoluciona hacia una pieza de soul psicodélico, reflejando la complejidad de las emociones post-ruptura.

Jump Up in the Air and Stay There

Este tema fusiona elementos de funk y hip-hop, destacando un sample vocal de "Hydraulic Pump" de Parliament-Funkadelic que se entrelaza con percusiones y acordes de clavecín.

Badu inicia con una lírica que compara la energía de un club con la de una iglesia, mientras que Bilal aporta coros etéreos que enriquecen la textura sonora.

Lil Wayne contribuye con un verso que añade una dimensión contemporánea al track, complementando la mezcla de estilos y épocas que caracteriza la canción.

Aunque no se incluyó en la versión estándar del álbum, "Jump Up in the Air and Stay There" fue lanzada como sencillo promocional, generando expectación por su innovadora combinación de géneros y colaboraciones destacadas.

Esta pistas adicional enriquece la experiencia de "New Amerykah Part Two", mostrando la versatilidad artística de Erykah Badu y su capacidad para explorar diversas facetas emocionales y sonoras.

Mirando hacia atrás

"Return of the Ankh" no solo fue un álbum revolucionario para 2010, sino que estableció un estándar que muchos artistas siguen persiguiendo década y media después. La fusión de soul orgánico con elementos modernos creó un sonido que trasciende el tiempo, y su influencia puede escucharse en múltiples artistas contemporáneos.

En su 15° aniversario, este álbum se mantiene como un testimonio del genio artístico de Badu y su capacidad para crear música que no solo captura un momento en el tiempo, sino que continúa resonando con nuevas generaciones de oyentes. Es un recordatorio de cómo la verdadera innovación musical puede permanecer relevante a través de los años.

La visión artística de Badu no solo definió un momento en la música, sino que ayudó a moldear el futuro del R&B y neo-soul que conocemos hoy. Quince años después, "Return of the Ankh" sigue siendo una obra maestra que merece ser celebrada y revisitada. Te dejo la playlist del álbum de Apple Music (la que contiene la canción extra)

16 años de Rockferry el debut de Duffy

2024-03-09T22:02:00.008-03:00

Rockferry (2008)

El álbum debut de la cantante galesa Duffy, fue lanzado el 3 de marzo en 2008 y se convirtió en un éxito comercial y crítico. El disco está compuesto por 10 canciones que mezclan el soul, el pop y el blues, con influencias de artistas como Dusty Springfield, Aretha Franklin y Amy Winehouse. Así que toca hacer una Reseña Perdida de una artista que extraño mucho, que espero que vuelva pronto. bueno vamos al desglose del álbum.

Rockferry

El álbum se abre con la canción homónima, que es una balada melancólica y atmosférica que evoca el sentimiento de escapar de una vida insatisfactoria. La voz de Duffy es potente y emotiva, y se apoya en una orquestación sutil y elegante. La letra habla de buscar un lugar mejor, donde pueda ser libre y feliz. Es una introducción efectiva que muestra el estilo y la personalidad de la artista.

Mercy

Fue el primer sencillo del álbum y el más exitoso. Se trata de una canción pegadiza y bailable, con un ritmo contagioso y un estribillo irresistible. La voz de Duffy se vuelve más ágil y expresiva, y demuestra su capacidad para cantar con energía y actitud. La letra habla de estar enamorada de alguien que no le conviene, y de pedir clemencia por su corazón. Es una canción divertida y fresca, que contrasta con la solemnidad de la anterior.

Warwick Avenue

Que es otra balada triste y nostálgica, que narra el final de una relación. La voz de Duffy es delicada y vulnerable, y se acompaña de un piano suave y unos coros soul. La letra habla de la despedida en una estación de metro, donde ella se da cuenta de que ya no lo ama. Es una canción conmovedora y elegante, que muestra la sensibilidad de la artista.

Serious

Es una canción más animada y funky, con un sonido más moderno y urbano. La voz de Duffy se adapta al cambio de registro, y canta con confianza y sarcasmo. La letra habla de un hombre que no se toma en serio su relación, y que le hace perder el tiempo. Es una canción con un toque de humor e ironía, que rompe con la monotonía del álbum.

Stepping Stone

Canción más oscura y misteriosa, con un aire de blues y jazz. La voz de Duffy es rasgada y sensual, y se fusiona con una guitarra eléctrica distorsionada y una batería minimalista. La letra habla de un hombre que solo la usa como un escalón para llegar a otra mujer, y que le miente y le engaña. Es una canción con un tono más crudo y rebelde, que revela el lado más duro de la artista.

Syrup & Honey

Una canción acústica y minimalista, que solo cuenta con la voz de Duffy y una guitarra. Es una canción dulce y tierna, que expresa el deseo de tener una vida simple y tranquila, sin complicaciones ni problemas. La voz de Duffy es suave y cálida, y transmite una sensación de paz y armonía. La letra habla de los placeres sencillos de la vida, como el jarabe y la miel. Es una canción relajante y reconfortante, que contrasta con las anteriores.

Hanging On Too Long

Balada dramática y desgarradora, que cuenta la historia de un amor no correspondido. La voz de Duffy es intensa y dolorosa, y se eleva sobre unos arreglos orquestales majestuosos. La letra habla del sufrimiento de seguir esperando a alguien que no va a volver, y de la necesidad de soltarlo y seguir adelante. Es una canción poderosa e impactante, que muestra la fuerza interpretativa de la artista.

Delayed Devotion

Más rítmica y optimista, con un sonido más pop y soul. La voz de Duffy es dinámica y divertida, y canta con desenfado y picardía. La letra habla de un hombre que se arrepiente de haberla dejado, y que ahora quiere volver con ella, pero es demasiado tarde. Es una canción con un mensaje positivo y liberador, que refleja la autoestima y el orgullo de la artista.

I'm Scared

Introspectiva y reflexiva, que expresa los miedos e inseguridades de la artista. La voz de Duffy es suave y melódica, y se acompaña de un piano delicado y unos violines sutiles. La letra habla de la dificultad de abrirse al amor, y de la vulnerabilidad que implica. Es una canción honesta y sincera, que muestra el lado más humano y cercano de la artista.

Distant Dreamer

Esperanzadora y optimista, que cierra el álbum con una nota positiva. La voz de Duffy es clara y luminosa, y se mezcla con una orquestación grandiosa y épica. La letra habla de los sueños y las aspiraciones de la artista, y de su fe en el futuro. Es una canción inspiradora y emotiva, que muestra el espíritu y la ambición de la artista.

No me olvido de la edición Deluxe:

En el año 2009, se lanzó una edición Deluxe de Rockferry,

que incluía un segundo CD con siete canciones adicionales, que fueron grabadas durante las mismas sesiones que el álbum original. Estas canciones son: "Rain on Your Parade", "Fool for You", "Stop", "Oh Boy", "Please Stay", "Breaking My Own Heart" y "Enough Love". Vamos.

Rain on Your Parade

Esta canción fue el primer y único sencillo del segundo CD, y es una de las más animadas y pegadizas del álbum. Con un ritmo frenético y una melodía contagiosa, Duffy canta sobre su deseo de vengarse de un ex amante que la traicionó. La canción tiene un aire de rebeldía y diversión, y muestra la faceta más rockera y desenfadada de la artista. Es una buena elección como sencillo, ya que capta la atención del oyente y lo invita a descubrir el resto de las canciones.

Fool for You

Esta es una balada soul que destaca por su elegancia y su delicadeza. Duffy interpreta con mucha sensibilidad una letra que habla sobre el amor incondicional que siente por alguien que no la valora. La canción tiene una atmósfera íntima y nostálgica, y cuenta con una hermosa orquestación que realza la voz de Duffy. Es una canción que demuestra la madurez vocal y emocional de la cantante, y que encaja perfectamente con el tono del álbum.

Stop

Otra canción con un ritmo rápido y un estilo pop-rock. Duffy canta sobre su decisión de terminar una relación tóxica que le hace daño. La canción tiene un mensaje positivo y empoderador, y muestra la fuerza y la determinación de Duffy. La canción tiene un sonido moderno y fresco, que contrasta con el resto del álbum, pero que también lo enriquece con su diversidad. Es una canción divertida y energética, que transmite optimismo y confianza.

Oh Boy

Con un estilo muy retro, que recuerda a las bandas sonoras de las películas de los años 60. Duffy canta sobre su enamoramiento por un chico que le gusta mucho, pero que no le hace caso. La canción tiene un tono inocente y dulce, y una melodía muy pegadiza. La voz de Duffy suena muy natural y expresiva, y se adapta muy bien al estilo de la canción. Es una canción que evoca nostalgia y romanticismo, y que tiene un encanto especial.

Please Stay

Muy emotiva y dramática, que muestra el lado más vulnerable de Duffy. La cantante suplica a su pareja que no la abandone, ya que no puede vivir sin él. La canción tiene una intensidad creciente, que culmina en un estribillo desgarrador. La voz de Duffy transmite mucho dolor y angustia, y se apoya en una orquestación épica que le da más fuerza a la canción. Es una canción que impacta al oyente por su honestidad y su pasión.

Breaking My Own Heart

Tranquila y reflexiva, que habla sobre el arrepentimiento y el perdón. Duffy reconoce sus errores en una relación pasada, y se culpa por haber roto su propio corazón. La canción tiene un ritmo lento y una melodía sencilla, pero muy bonita. La voz de Duffy suena muy suave y cálida, y se acompaña de una guitarra acústica y un piano. Es una canción que muestra la humildad y la sabiduría de Duffy, y que invita al oyente a reflexionar sobre sus propias experiencias.

Enough Love

Esta es la última canción del segundo CD, y es una de las más optimistas y alegres del álbum. Duffy canta sobre su felicidad por haber encontrado el amor verdadero, y lo agradece con mucha gratitud. La canción tiene un ritmo contagioso y una melodía luminosa, que reflejan el estado de ánimo de Duffy. La voz de Duffy suena muy alegre y entusiasta, y se mezcla con unos coros que le dan más dinamismo a la canción. Es una canción que cierra el álbum con una nota positiva y esperanzadora.

Y bueno esta es la versión Deluxe de Rockferry es una excelente adición al álbum original, ya que ofrece siete canciones de gran calidad, que muestran la versatilidad y el talento de Duffy. Las canciones tienen un estilo coherente con el disco, pero también aportan variedad y frescura.

Espero que mas pronto que tarde Duffy vuelva, se le extraña mucho es una artista increíble que le hace falta a la industria musical, TE EXTRAÑAMOS DUFFY.

Erebos de Venom Prison una joya del Death Metal

2024-02-08T01:28:00.001-03:00

Erebos

es el tercer álbum de estudio de la banda británica de death metal Venom Prison, lanzado el 4 de febrero de 2022 por Prosthetic Records. El álbum es una obra maestra del género, que combina una brutalidad implacable con una profundidad lírica y conceptual. En este post, analizaremos cada una de las diez canciones que componen Erebos, y cómo reflejan la visión artística y política de Venom Prison.

la banda está conformada por:

Larissa Stupar

Vocalista. Nacida en Alemania, se mudó al Reino Unido en 2012 y se unió a Venom Prison en 2014. Antes de eso, formó parte de otras bandas como Wolf Down y Brutality Will Prevail.

Ash Gray

Guitarrista. Originario de Gales, es el fundador y principal compositor de Venom Prison. También ha tocado en otras bandas como Desolated y Brutality Will Prevail.

Ben Thomas

Guitarrista. También procedente de Gales, se incorporó a Venom Prison en 2015. Ha participado en otras bandas como Spires y Continents.

Mike Jefferies

Bajista. Natural de Inglaterra, se unió a Venom Prison en 2016. Antes de eso, tocó en otras bandas como Martyr Defiled y Annotations of an Autopsy.

Joe Bills

Baterista. Nacido en Inglaterra, se integró a Venom Prison en 2017. Ha sido miembro de otras bandas como Renounced y Employed to Serve.

Ahora toca revisar el álbum

Born From Chaos

La canción que abre el álbum es una declaración de intenciones, que nos introduce en el universo oscuro y caótico de Erebos. La letra habla de la creación del mundo a partir del vacío primordial, y de cómo la humanidad ha corrompido la naturaleza con su violencia y codicia. La música es un torrente de riffs pesados, blast beats y voces desgarradoras, que crean una atmósfera opresiva y apocalíptica.

Judges of the Underworld

Nos lleva al inframundo griego, donde los muertos son juzgados por sus acciones en vida. La letra critica la hipocresía y la injusticia de los sistemas legales y religiosos, que oprimen a los más débiles y favorecen a los poderosos. La música es más melódica y dinámica, con cambios de ritmo y tempo que reflejan la tensión y el drama de la temática.

Nemesis

Está dedicada a la diosa griega de la venganza, Nemesis, que castiga a los que cometen actos de arrogancia y desmesura. La letra es una oda al empoderamiento femenino, que reivindica el derecho a resistir y combatir contra el patriarcado y sus abusos. La música es un himno de guerra, con un estribillo pegadizo y potente, que invita a levantar el puño y corear.

Comfort of Complicity

Cambia de registro, y nos muestra el lado más introspectivo y personal de Venom Prison. La letra habla de la dificultad de romper con las cadenas mentales que nos impiden ser libres, y de cómo a veces preferimos la comodidad de la complicidad con el sistema que la lucha por el cambio. La música es más lenta y atmosférica, con pasajes acústicos y voces limpias que contrastan con los momentos más agresivos.

Pain of Oizys

Retoma la mitología griega, y nos presenta a Oizys, la personificación del dolor y la miseria. La letra expresa el sufrimiento que provoca la existencia en un mundo cruel e injusto, y la necesidad de encontrar un sentido y una esperanza. La música es una montaña rusa emocional, que alterna momentos de calma y belleza con otros de furia e intensidad.

Golden Apples of the Hesperides

Nos cuenta la historia de las Hespérides, las ninfas que custodiaban las manzanas doradas del jardín de Hera. La letra es una metáfora sobre la tentación y el deseo, y sobre cómo a veces lo que parece un regalo puede ser una trampa. La música es más experimental y progresiva, con elementos orientales y psicodélicos que le dan un toque exótico y misterioso.

Castigated in Steel and Concrete

Una crítica feroz al sistema carcelario y a la violación de los derechos humanos que se produce en las prisiones. La letra denuncia las condiciones infrahumanas en las que viven los presos, sometidos a torturas físicas y psicológicas, y cuestiona la eficacia y la moralidad de la pena de muerte. La música es un martillo pilón, con riffs aplastantes, ritmos frenéticos y voces desesperadas.

Gorgon Sisters

Está inspirada en las Gorgonas, las monstruosas hermanas que podían petrificar con su mirada. La letra es una reivindicación del poder femenino, que desafía los estereotipos machistas que demonizan a las mujeres fuertes e independientes. La música es un himno de metalcore, con un estribillo melódico y contagioso, que contrasta con los versos más brutales y técnicos.

Veil of Night

Es una balada oscura y melancólica, que nos habla del amor y la muerte. La letra es una carta de despedida a un ser querido que se ha ido, y que expresa el dolor y la nostalgia de la pérdida. La música es emotiva y delicada, con guitarras acústicas, pianos y cuerdas que crean una atmósfera de tristeza y belleza.

Technologies of Death

La décima y última canción es una reflexión sobre el papel de la tecnología en la sociedad actual, y cómo puede ser usada para el bien o para el mal. La letra analiza los beneficios y los riesgos de la ciencia y la innovación, y cómo pueden servir para mejorar la vida de las personas o para destruirla. La música es una mezcla de metal extremo y electrónica, con sonidos industriales y sintetizadores que le dan un toque futurista y apocalíptico.

Erebos es un álbum imprescindible para los amantes del death metal, que demuestra la madurez y la calidad de Venom Prison. El álbum combina una ejecución impecable con una propuesta original y comprometida, que no deja indiferente a nadie. Erebos es un viaje por el infierno y el paraíso, por la luz y la oscuridad, por la vida y la muerte. Álbum que tienes que escuchar te lo dejo en el salto.

Palworld... ¿plagio a Pokémon? ¿Pokémon plagio a Dragon Quest?

2024-01-27T18:51:00.001-03:00

Palworld es un videojuego de mundo abierto que combina elementos de supervivencia, construcción, caza y combate con criaturas llamadas Pals. El juego fue desarrollado por el estudio japonés Pocketpair y fue anunciado en junio de 2021 para PC, ahora en enero 2024 esta disponible en Steam (PC) en calidad de Early Acces y Xbox incluido en Gamepass también como acceso anticipado.

Lo primero que llama la atención de Palworld es su apartado gráfico, que presenta un estilo colorido y caricaturesco, similar al de otros juegos del género como Minecraft o Fortnite. El juego cuenta con un amplio mapa que ofrece diversos escenarios, desde bosques y montañas hasta desiertos y ciudades. El nivel de detalle y variedad es bastante alto, y el juego aprovecha bien las posibilidades del motor Unreal Engine 4. Sin embargo, también hay algunos problemas técnicos que afectan a la experiencia visual, como bugs, glitches, popping y bajones de framerate. Estos problemas se hacen más evidentes cuando hay muchos elementos en pantalla, como Pals, enemigos o construcciones. Además, el juego tiene un diseño artístico algo inconsistente, que mezcla elementos realistas con otros más fantásticos o absurdos, lo que puede generar confusión o desconexión con el mundo del juego.

El aspecto más original y atractivo de Palworld es el sistema de Pals, que son unas criaturas que podemos encontrar, capturar, domesticar y usar para diversas funciones. Los Pals son muy variados y tienen diferentes habilidades y personalidades. Podemos usarlos como compañeros de aventuras, como armas, como herramientas, como vehículos o incluso como esclavos. El juego nos permite interactuar con los Pals de muchas formas, desde alimentarlos y cuidarlos hasta explotarlos y maltratarlos. Esta última opción ha generado mucha polémica entre los jugadores y la prensa especializada, ya que el juego muestra escenas de violencia y crueldad hacia los Pals que pueden resultar chocantes o incómodas. Algunos defienden que el juego solo ofrece una opción más de juego y que no pretende hacer apología de la violencia animal, mientras que otros critican que el juego trivializa el sufrimiento de los Pals y que no ofrece ninguna consecuencia moral o narrativa por nuestras acciones.

El juego también tiene otros modos de juego aparte del modo principal, que es el modo libre. Estos modos son el modo historia, el modo multijugador y el modo creativo. El modo historia nos ofrece una serie de misiones que nos permiten conocer más sobre el mundo del juego y sus personajes. El modo multijugador nos permite jugar con otros jugadores en línea, cooperando o compitiendo en diferentes actividades. El modo creativo nos da la libertad de construir lo que queramos con los recursos que recolectamos o compramos. Estos modos son entretenidos y añaden variedad al juego, pero también tienen algunos problemas. El modo historia es muy corto y simple, el modo multijugador tiene poca población y conexión inestable, y el modo creativo tiene limitaciones de espacio y opciones.

¿Plagio a Pokémon?

Llama la atención de Palworld es su estética, que recuerda mucho a la de los juegos de Pokémon, especialmente a los de la octava generación (Espada y Escudo). El juego utiliza un estilo gráfico similar al cel-shading, con colores vivos y personajes de aspecto aniñado. Además, el juego cuenta con más de 100 criaturas llamadas Pals, que son claramente inspiradas en los Pokémon, tanto en su diseño como en sus habilidades. Algunos ejemplos son el Pal llamado Lamball que es muy parecido a Wooloo, el Pal llamado Anubis, que es "una copia" de Lucario.

photo by beebom.com

Sin embargo, Palworld no es solo un clon de Pokémon, sino que también introduce elementos propios que lo diferencian del juego original. Por ejemplo, Palworld tiene un componente de supervivencia y crafting, que obliga al jugador a recolectar recursos, fabricar objetos y construir su propia base. Además, el juego tiene un tono más oscuro y adulto que el de Pokémon, ya que muestra situaciones como el uso de los Pals como armas, escudos o esclavos, la caza furtiva, el contrabando o la guerra. Estas escenas han causado mucha controversia entre los fans de Pokémon, que consideran que Palworld está explotando y maltratando a los Pals.

¿Es Palworld un plagio a Pokémon? La respuesta no es sencilla, ya que depende de cómo se defina el concepto de plagio. Por un lado, es innegable que Palworld se basa en gran medida en la obra de Nintendo y Game Freak, copiando muchos elementos visuales, sonoros y jugables. Por otro lado, también hay que reconocer que Palworld tiene una identidad propia y ofrece una experiencia diferente a la de Pokémon, con mecánicas y temáticas que no se encuentran en el juego original. En mi opinión, Palworld es un caso de inspiración excesiva más que de plagio descarado, pero entiendo que haya gente que piense lo contrario.

¿Plagio de Pokémon a Dragon Quest?

Voy a analizar el supuesto plagio de Pokémon a Dragon Quest, una acusación que ha generado mucha polémica en el mundo de los videojuegos. ¿Es cierto que Pokémon se inspiró en Dragon Quest para crear su exitosa saga de monstruos coleccionables? ¿O se trata de una coincidencia o una influencia superficial? Veamos los argumentos a favor y en contra de esta teoría.

Photo by screenrant.com

Para empezar, hay que reconocer que Pokémon y Dragon Quest tienen algunas similitudes evidentes. Ambas son sagas de rol japonés que se ambientan en mundos fantásticos donde los protagonistas pueden reclutar y entrenar a diversas criaturas para que les ayuden en sus aventuras. Además, ambas sagas tienen un estilo artístico muy característico, con diseños de personajes y monstruos muy coloridos y expresivos. También comparten algunos elementos de la mecánica de juego, como el sistema de combate por turnos, el uso de objetos y habilidades especiales, o la posibilidad de intercambiar y fusionar monstruos.

Sin embargo, estas similitudes no son suficientes para afirmar que Pokémon plagió a Dragon Quest. Hay que tener en cuenta que Dragon Quest no fue la primera saga en introducir el concepto de monstruos coleccionables, sino que se basó en otras obras anteriores, como la novela "El último unicornio" de Peter S. Beagle, el juego de cartas coleccionables "Magic: The Gathering" o el manga "JoJo's Bizarre Adventure". Por lo tanto, Pokemon también podría haberse inspirado en estas u otras fuentes, sin necesidad de copiar directamente a Dragon Quest.

Además, Pokemon y Dragon Quest tienen muchas diferencias que los distinguen como sagas originales y únicas. Por ejemplo, Pokemon se centra más en el aspecto competitivo y social de los monstruos, mientras que Dragon Quest se enfoca más en el aspecto narrativo y exploratorio de las aventuras. Pokemon tiene un sistema de tipos y evoluciones que le da mucha variedad y estrategia a los combates, mientras que Dragon Quest tiene un sistema de clases y habilidades que le da mucha profundidad y personalización a los personajes. Pokemon tiene una ambientación más moderna y tecnológica, mientras que Dragon Quest tiene una ambientación más medieval y mágica. Pokemon tiene una estética más infantil y simpática, mientras que Dragon Quest tiene una estética más adulta y humorística.

En definitiva, creo que no se puede acusar a Pokémon de plagiar a Dragon Quest, ya que ambas sagas tienen suficientes elementos propios que las hacen diferentes e innovadoras. Ni tampoco podemos decir que Palworld es plagio a Pokémon, si así fuera no podría existir Digimon. Creo que se trata de una cuestión de gustos personales, y que cada uno puede disfrutar de la saga que más le guste sin despreciar a la otra. Al fin y al cabo, lo importante es divertirse con los videojuegos, ¿no crees?

Critica de "Dirty Wars: September 11" el videojuego de rol basado en el golpe de estado de 1973 en Chile

2024-01-17T02:25:00.002-03:00

Dirty Wars: September 11

Es un juego de rol que recrea el golpe de estado de 1973 en Chile, que derrocó al gobierno socialista de Salvador Allende e instauró la dictadura militar de Augusto Pinochet. El juego se basa en hechos históricos y documentos desclasificados, y permite a los jugadores asumir el papel de agentes de la CIA, militares chilenos, miembros del movimiento de resistencia o civiles atrapados en el conflicto.

Desarrollado por Uglycat Studios y Sudaka Games

En esta reseña, voy a analizar los aspectos más destacados y controvertidos del juego, desde su diseño hasta su mensaje político. Mi objetivo es ofrecer una crítica detallada y objetiva, sin dejar de lado mi propia opinión personal como jugador y como chileno.

El diseño del juego

Dirty Wars: September 11 es un juego de rol narrativo, que utiliza el sistema Fate Core para resolver las acciones y los conflictos. El juego se divide en cuatro actos, que corresponden a las etapas del golpe de estado: la conspiración, el asalto, la represión y la resistencia. Cada acto tiene una serie de escenas predefinidas, que los jugadores pueden seguir o modificar según sus preferencias.

El juego incluye un manual de 200 páginas, que contiene la ambientación histórica, las reglas, los personajes pregenerados, las fichas y los mapas. El manual está bien escrito y documentado, con referencias a fuentes primarias y secundarias. El juego también cuenta con una banda sonora original, compuesta por el músico chileno Jorge Olivares, que acompaña las escenas con temas inspirados en la época.

El mensaje político

Es un juego que no pretende ser neutral ni imparcial. El juego tiene una clara posición crítica contra el golpe de estado y la dictadura, y denuncia las violaciones a los derechos humanos cometidas por el régimen militar. El juego también cuestiona el papel de Estados Unidos en el apoyo al golpe y en la intervención en los asuntos internos de Chile.

El juego no idealiza ni glorifica al gobierno de Allende, sino que reconoce sus errores y limitaciones. Sin embargo, el juego defiende el derecho del pueblo chileno a elegir su propio destino, sin injerencias ni imposiciones externas. El juego también celebra la resistencia y la lucha por la democracia, que culminó con el plebiscito de 1988 que puso fin a la dictadura.

El juego no es un simple ejercicio de ficción histórica, sino que busca generar reflexión y debate sobre los temas que aborda. El juego invita a los jugadores a ponerse en la piel de los protagonistas del golpe, ya sea para comprender sus motivaciones o para cuestionar sus acciones. El juego también propone escenarios alternativos y posibles consecuencias, que plantean preguntas sobre el pasado y el presente de Chile.

Mi opinión personal

Me pareció un juego decente, tanto desde el punto de vista lúdico como desde el punto de vista educativo, claramente el apartado grafico, modelaje de personajes y animaciones no es su fuerte tampoco es como esos juegos basura que hay en Steam, es de aura indie claramente no va ser jamás un GOTY o un juegazo, una pena porque el argumento histórico del juego es bueno, si su narrativa es básica . Pero logra recrear con fidelidad y rigor la atmósfera y los hechos del golpe de estado, sin caer en el sensacionalismo ni en el maniqueísmo. El juego también ofrece una experiencia emocionante e intensa, que me hizo sentir involucrado e interpelado por la historia.

De lo mas destacable del juego es su banda sonora:

Como jugador

disfruté mucho de la mecánica del sistema Fate Core, que permite crear personajes complejos y dinámicos, con aspectos que definen su personalidad, sus habilidades y sus conflictos. El sistema también facilita la narración colaborativa, dando espacio a la creatividad y la improvisación de los jugadores. El sistema es sencillo y flexible, pero al mismo tiempo ofrece suficiente profundidad y desafío.

Como chileno

Me pareció muy valioso el trabajo de investigación y documentación que hizo el autor del juego, Jorge Olivares. El juego no solo me enseñó cosas que no sabía sobre el golpe de estado, sino que también me hizo reflexionar sobre mi propia identidad y memoria. También me hizo cuestionar las heridas y las deudas que aún tenemos como sociedad.

Uncharted: Legacy of Thieves Collection para PC totalmente disfrutable en su ultimo Update

2024-01-14T02:30:00.005-03:00

Uncharted Legacy of Thieves Collection

es una remasterización de dos de los mejores juegos de la saga Uncharted: Uncharted 4: A Thief's End y Uncharted: The Lost Legacy. Ambos juegos fueron lanzados originalmente para PlayStation 4, pero ahora han sido adaptados para aprovechar las capacidades técnicas de PC, ofreciendo una experiencia visualmente impresionante y fluida.

En este artículo, vamos a analizar en profundidad los aspectos más destacados de esta colección, tanto a nivel narrativo como jugable, y cómo se benefician de la versión para PC. También vamos a evaluar el rendimiento y la optimización del juego, así como las opciones de personalización que ofrece. Por último, vamos a comentar el impacto que tiene esta colección en el mercado de los videojuegos y cómo puede ayudar a mejorar el posicionamiento de la franquicia Uncharted.

Uncharted 4: A Thief's End

Uncharted 4: A Thief's End es la conclusión de la historia de Nathan Drake, el carismático protagonista de la saga. En esta entrega, Nathan se ve obligado a volver al mundo de la aventura y el peligro cuando su hermano Sam reaparece después de años de haberlo dado por muerto. Juntos, se embarcan en una búsqueda del tesoro del legendario pirata Henry Avery, que los llevará a recorrer diversos escenarios exóticos y espectaculares.

La historia de Uncharted 4 es una de las más emotivas y maduras de la saga, ya que explora los conflictos internos de Nathan, su relación con su esposa Elena y su lealtad hacia su hermano. El juego también cuenta con unos personajes secundarios muy bien desarrollados, como el villano Rafe Adler o la mercenaria Nadine Ross. El guion está lleno de humor, acción y sorpresas, y consigue mantener el interés del jugador en todo momento.

El apartado jugable de Uncharted 4 es una evolución natural de las entregas anteriores, pero con algunas novedades que lo hacen más dinámico y variado. El juego combina secciones de exploración, plataformas, puzles, sigilo y tiroteos, con un equilibrio muy bien logrado. El juego también incorpora elementos como el gancho, el vehículo todoterreno o el deslizamiento por superficies, que añaden más posibilidades y diversión. Además, el juego ofrece una gran libertad al jugador para afrontar las situaciones como prefiera, ya sea usando el sigilo o la acción directa.

El aspecto más destacado de Uncharted 4 es sin duda su apartado gráfico, que es uno de los más impresionantes que se han visto en un videojuego. El juego cuenta con un nivel de detalle asombroso en los escenarios, los personajes, las animaciones y los efectos. El juego también tiene una iluminación y unas sombras muy realistas, así como un uso del color muy vibrante y llamativo. El juego también destaca por sus escenas cinemáticas, que están realizadas con el mismo motor gráfico y tienen una calidad digna de una película.

La versión para PC de Uncharted 4 mejora aún más el apartado gráfico del juego, al ofrecer una resolución hasta 4K y una tasa de fotogramas hasta 120 fps. El juego también permite ajustar diversos parámetros gráficos para adaptarse a las preferencias y al hardware del jugador. Además, el juego soporta monitores ultrapanorámicos, teclado y ratón, HDR y DLSS.

Uncharted: The Lost Legacy

Uncharted: The Lost Legacy es un spin-off de la saga Uncharted que tiene como protagonistas a dos personajes femeninos: Chloe Frazer y Nadine Ross. Ambas se unen para buscar la Presa del Colmillo Dorado, un antiguo artefacto indio que está relacionado con la diosa Shiva. Su aventura las llevará a viajar por la India, donde se enfrentarán a un peligroso señor de la guerra llamado Asav.

La historia de Uncharted: The Lost Legacy es más corta que la de Uncharted 4, pero no por ello menos intensa y emocionante. El juego profundiza en la personalidad y el pasado de Chloe y Nadine, dos personajes que habían tenido un papel secundario en anteriores entregas. El juego también explora la cultura y la mitología indias, con un gran respeto y rigor. El juego tiene un tono más ligero y humorístico que Uncharted 4, pero también tiene momentos de drama y tensión.

El apartado jugable de Uncharted: The Lost Legacy es muy similar al de Uncharted 4, pero con algunas diferencias que lo hacen más fresco y original. El juego tiene una estructura más abierta y menos lineal, con un capítulo central que se desarrolla en un gran mapa que el jugador puede explorar libremente. El juego también introduce nuevos elementos como el silbato, que permite distraer a los enemigos, o el rompecabezas del mapa, que requiere usar el teléfono móvil de Chloe. El juego también tiene secciones de vehículo, plataformas, puzles y tiroteos, con una gran variedad y espectacularidad.

El apartado gráfico de Uncharted: The Lost Legacy es igual de impresionante que el de Uncharted 4, ya que usa el mismo motor gráfico y tiene el mismo nivel de calidad. El juego destaca por sus escenarios indios, llenos de color, vida y belleza. El juego también tiene unas animaciones muy fluidas y expresivas, tanto en los personajes como en los animales. El juego también tiene unas escenas cinemáticas muy bien realizadas y con una gran dirección.

La versión para PC de Uncharted: The Lost Legacy ofrece las mismas mejoras que la de Uncharted 4, es decir, una resolución hasta 4K, una tasa de fotogramas hasta 120 fps, opciones gráficas personalizables, soporte para monitores ultrapanorámicos, teclado y ratón, HDR y DLSS.

Rendimiento y optimización

Uncharted Legacy of Thieves Collection es un juego muy exigente a nivel técnico, ya que requiere un hardware potente para poder disfrutarlo al máximo. Sin embargo, el juego está muy bien optimizado y ofrece un rendimiento muy estable y fluido en la mayoría de los casos. El juego también permite ajustar muchos parámetros gráficos para adaptarse al hardware y a las preferencias del jugador.

El juego cuenta con un modo rendimiento y un modo calidad, que se pueden cambiar en cualquier momento desde el menú. El modo rendimiento prioriza la tasa de fotogramas sobre la resolución, mientras que el modo calidad hace lo contrario. El juego también tiene opciones para activar o desactivar el HDR, el DLSS, el antialiasing, la oclusión ambiental, el motion blur, la profundidad de campo, el reflejo del agua o la calidad de las sombras.

El juego también tiene un modo foto muy completo y divertido, que permite capturar imágenes espectaculares desde cualquier ángulo y con diversos filtros y efectos. El juego también tiene un modo multijugador online muy adictivo y competitivo, que incluye modos cooperativos y competitivos, así como un editor de mapas.

Impacto e importancia

Uncharted Legacy of Thieves Collection es un hito en la historia de los videojuegos, ya que supone la llegada de una de las sagas más populares y aclamadas de PlayStation al mercado de PC. Esto significa que muchos jugadores que no habían podido disfrutar de estos juegos ahora tienen la oportunidad de hacerlo con la mejor calidad posible. También significa que la franquicia Uncharted se expande y se hace más accesible y conocida para un público más amplio.

Esto tiene un impacto positivo tanto para los desarrolladores como para los jugadores. Para los desarrolladores, significa una mayor rentabilidad y reconocimiento de su trabajo, así como una mayor libertad creativa para futuros proyectos. Para los jugadores, significa una mayor oferta y variedad de juegos de calidad, así como una mayor integración y colaboración entre las diferentes plataformas.

Ya toca Jugar Alan Wake 2 no hay excusas

2024-01-13T22:48:00.001-03:00

Alan Wake 2

Es la esperada secuela del juego de terror psicológico lanzado en 2010 por Remedy Entertainment. El juego nos vuelve a poner en la piel de Alan Wake, un escritor de novelas de suspense que se ve atrapado en una pesadilla donde sus propias historias cobran vida y amenazan con destruirlo. En esta ocasión, Alan debe enfrentarse a un nuevo enemigo: el Señor Chirrido, una entidad oscura que se alimenta de los miedos y las emociones de los humanos.

El juego mantiene la misma fórmula que hizo exitoso al original: una mezcla de acción, exploración, puzles y narrativa. El jugador debe usar la luz como arma para combatir a las sombras que acechan en la noche, mientras avanza por los escenarios y descubre los secretos que se ocultan tras la trama. El juego también incorpora algunas novedades, como la posibilidad de conducir vehículos, usar diferentes tipos de linternas y armas, y personalizar el aspecto y las habilidades de Alan.

La historia de Alan Wake 2 es más compleja y profunda que la del primer juego, y se desarrolla en varios niveles de realidad. El jugador debe seguir las pistas que le deja el propio Alan en forma de manuscritos, grabaciones y mensajes, para entender lo que está ocurriendo y cómo escapar de la oscuridad. El juego también hace referencia a otros títulos de Remedy, como Control y Max Payne, creando un universo compartido que los fans sabrán apreciar.

El apartado gráfico de Alan Wake 2 es impresionante, aprovechando al máximo las capacidades de la nueva generación de consolas y PC. Los escenarios son variados y detallados, desde bosques y montañas hasta ciudades y parques de atracciones. La iluminación es uno de los puntos fuertes del juego, creando una atmósfera envolvente y terrorífica. Los efectos de sonido y la banda sonora también contribuyen a crear una experiencia inmersiva y emocionante.

Alan Wake 2 es un juego que no decepcionará a los fans del original, ni a los amantes del género de terror. Es un juego largo, con una duración estimada de unas 20 horas, y con un alto nivel de rejugabilidad, gracias a los diferentes finales, modos de dificultad y coleccionables. Es un juego que ofrece una historia fascinante, una jugabilidad divertida y un apartado técnico sobresaliente. Es, sin duda, uno de los mejores juegos del año.

Juégate ya el DRAGON QUEST TREASURES

2024-01-13T21:21:00.010-03:00

DRAGON QUEST TREASURES es un video juego de rol y aventura desarrollado por Square Enix y lanzado en el año 2023 para PC y otras plataformas. El juego es un spin-off de la popular serie DRAGON QUEST, que se centra en la exploración de islas y la búsqueda de tesoros. El juego cuenta con dos protagonistas, Erik y Mia, dos hermanos que pertenecen a una familia de ladrones legendarios. El objetivo del juego es recorrer diferentes islas, resolver acertijos, combatir contra monstruos y encontrar tesoros ocultos.

Tiene un estilo gráfico muy colorido y detallado, que recuerda a los juegos clásicos de la saga. Los personajes y los escenarios están diseñados con mucho cariño y personalidad, y el juego hace uso de efectos de luz y sombra muy realistas. La música del juego es obra del compositor Koichi Sugiyama, que ha creado una banda sonora épica y variada, que acompaña perfectamente a las diferentes situaciones del juego. El juego también cuenta con un doblaje al español muy profesional y expresivo, que le da vida a los personajes y a las conversaciones.

La jugabilidad es muy divertida y adictiva, que combina elementos de rol, aventura, exploración y puzles. El jugador puede controlar a Erik o a Mia, o alternar entre ellos, y usar sus habilidades especiales para avanzar por las islas. Por ejemplo, Erik puede usar su lanza para saltar por lugares elevados o activar mecanismos, y Mia puede usar su arco para disparar a objetivos lejanos o cortar cuerdas. El jugador también puede reclutar a diferentes monstruos que se encuentran por el camino, y usarlos como aliados en los combates o como monturas para desplazarse más rápido.

Los combates son por turnos, y se basan en un sistema de comandos clásico. Puedes elegir entre diferentes acciones, como atacar, usar objetos, usar habilidades o huir. El juego tiene un nivel de dificultad equilibrado, que se adapta al nivel del jugador y a sus preferencias. El juego también tiene un sistema de progresión muy completo, que permite al jugador mejorar las estadísticas, las habilidades y el equipamiento de los personajes y los monstruos. El juego tiene una gran variedad de tesoros que se pueden encontrar por las islas, que van desde objetos útiles hasta piezas de arte o reliquias históricas.

Tiene una duración muy extensa, que puede superar las 100 horas de juego (40 horas si vas rápido). La historia principal es muy interesante y emocionante, que se va desarrollando a medida que el jugador explora las islas y descubre sus secretos. El juego también tiene una gran cantidad de misiones secundarias, que le dan más profundidad al mundo del juego y a sus personajes. El juego tiene un final abierto, que permite al jugador seguir jugando después de completar la historia principal, y seguir encontrando nuevos tesoros y desafíos.

Topaz Gigapixel AI el mejor escalador de imágenes

2024-01-12T02:33:00.000-03:00

Topaz Gigapixel AI es un software que promete mejorar la calidad y el detalle de las imágenes mediante el uso de inteligencia artificial. ¿Pero realmente cumple con lo que ofrece? En este artículo, voy a hacer una crítica detallada del software, analizando sus ventajas, desventajas y posibles aplicaciones.

Ventajas

- El software es capaz de aumentar el tamaño de las imágenes sin perder nitidez ni introducir artefactos o ruido. Esto es muy útil para restaurar fotos antiguas, mejorar imágenes de baja resolución o crear impresiones de gran formato.

- El software ofrece varios modos de procesamiento, según el tipo de imagen y el resultado deseado. Por ejemplo, hay modos para rostros, paisajes, arquitectura o arte. Cada modo aplica un algoritmo diferente que optimiza los detalles y la textura de la imagen.

- El software permite ajustar el nivel de nitidez, reducción de ruido y eliminación de halos. Estos parámetros permiten personalizar el resultado final y evitar efectos indeseados o excesivos.

- El software tiene una interfaz sencilla e intuitiva, que facilita su uso y aprendizaje. Además, cuenta con una función de vista previa que muestra el resultado antes y después del procesamiento, lo que ayuda a comparar y evaluar los cambios.

Desventajas

- El software requiere una computadora potente para funcionar correctamente. Según los requisitos mínimos, se necesita un procesador de 4 núcleos, 8 GB de RAM y una tarjeta gráfica con 2 GB de VRAM. Si no se dispone de estos recursos, el software puede ser lento o inestable.

- El software tiene un precio elevado, que puede ser un obstáculo para algunos usuarios. Actualmente, el software cuesta 99 dólares, aunque se puede obtener un descuento si se compra junto con otros productos de Topaz Labs. Sin embargo, hay que tener en cuenta que el software se actualiza constantemente y ofrece soporte técnico y garantía de devolución.

Posibles aplicaciones

- El software puede ser una herramienta muy útil para fotógrafos profesionales o aficionados que quieran mejorar la calidad y el detalle de sus imágenes. Con el software, se pueden obtener imágenes más nítidas, claras y realistas, que resalten los elementos más importantes de la composición.

- El software también puede ser una solución para diseñadores gráficos o artistas digitales que trabajen con imágenes de diferentes fuentes o resoluciones. Con el software, se pueden homogeneizar las imágenes y adaptarlas al tamaño y formato requerido para cada proyecto.

- El software puede tener un gran potencial para la preservación y difusión del patrimonio cultural e histórico. Con el software, se pueden restaurar y mejorar imágenes antiguas o deterioradas, recuperando su valor y belleza original.

En Definitiva

Topaz Gigapixel AI es un software innovador y poderoso que tiene muchas ventajas, como su capacidad para aumentar el tamaño de las imágenes sin perder nitidez, tener muchas aplicaciones prácticas para fotógrafos, diseñadores, artistas o conservadores que quieran mejorar la calidad y el detalle de sus imágenes.

El Tráiler de GTA 6 lo han hecho en LEGO 🖤

2024-01-08T18:34:00.003-03:00

World of Shrimpy un canal dedicado a recrear escenas de películas, videojuegos y series con piezas de Lego. Han logrado hacer una versión en Lego del primer tráiler de GTA 6, el esperado juego de Rockstar Games que aún no tiene fecha concreta de lanzamiento, solo sabemos que sale el 2025. El video tiene más de 7 millones de reproducciones y ha generado muchas reacciones entre los fans de la saga GTA.

El video dura 1 minuto y 27 segundos y está compuesto por varias escenas que muestran diferentes aspectos del juego, hay que destacar es la calidad técnica del video. El autor ha usado la técnica de stop-motion, que consiste en tomar muchas fotografías y unirlas para crear la ilusión de movimiento. Esta técnica requiere mucha paciencia y precisión, ya que hay que mover los objetos y los personajes muy poco a poco y mantener la misma iluminación y el mismo ángulo de cámara, un total de 3.086 fotografías incluso hasta la canción "Love Is A Long Road" de Tom Petty para así recrear a la perfección el tráiler de Rockstar. El resultado es impresionante, ya que el video tiene una fluidez y una nitidez muy buenas.

hay que elogiar es la fidelidad al tráiler original. El autor ha reproducido casi todos los planos y las escenas del tráiler de GTA 6, pero adaptándolos al universo LEGO. Así, vemos a los personajes con sus características cabezas redondas, sus manos en forma de pinza y sus expresiones faciales intercambiables. También vemos los vehículos, las armas, los edificios y los paisajes hechos con piezas de LEGO, lo que le da un toque muy divertido y creativo al video.

hay que aplaudir es el humor del video. El autor ha sabido aprovechar el contraste entre la violencia y la crudeza del tráiler de GTA 6 y la inocencia y la ternura de los juguetes LEGO.

El hermoso y Intimo Tiny Desk (Home) Concert de Men I Trust

2024-01-08T05:10:00.000-03:00

Men I Trust: Tiny Desk (Home) Concert es un video musical que muestra a la banda canadiense de indie pop tocando cuatro canciones en su estudio casero. El video fue publicado por NPR Music el 16 de Junio de 2021 y forma parte de la serie Tiny Desk, que presenta a artistas emergentes y consagrados en un formato íntimo y acústico.

En esta crítica, analizaré los aspectos más destacados del video, así como el estilo y la personalidad de la banda. Mi objetivo es ofrecer una opinión objetiva y fundamentada sobre el trabajo de Men I Trust, sin dejar de lado mi gusto personal y mi apreciación por su música.

- La calidad del sonido y la imagen es excelente, lo que permite apreciar los detalles de la producción y la interpretación de las canciones. Se nota el cuidado y el profesionalismo que la banda pone en su trabajo, así como el apoyo técnico de NPR Music.

- Las canciones elegidas son representativas del estilo de Men I Trust, que combina elementos del pop, el funk, el R&B y el jazz. Las melodías son pegadizas y agradables, las letras son sencillas y emotivas, y los arreglos son sofisticados y originales. Las canciones son: "All Night", "Lucky Sue", "Show Me How" y "Humming Man".

- La voz de la cantante Emma Proulx es dulce y expresiva, y se adapta perfectamente al tono de las canciones. Su forma de cantar es natural y sin pretensiones, lo que le da un encanto especial. Además, su pronunciación del inglés es muy buena, lo que facilita la comprensión de las letras.

- Los músicos que acompañan a Emma son muy talentosos y demuestran una gran química entre ellos. El bajista Cedric Martel, el guitarrista Jessy Caron, el baterista Eric Maillet y el tecladista Dragos Chiriac crean una base rítmica y armónica sólida y variada, que sostiene y enriquece las melodías. También se destacan los solos de guitarra y teclado, que muestran la creatividad y la habilidad de los instrumentistas.

- El ambiente del video es relajado y divertido, lo que refleja la personalidad de la banda. Se ve que los integrantes disfrutan de tocar juntos y de compartir su música con el público. También se aprecia el buen humor y la simpatía que tienen entre ellos, lo que genera una sensación de cercanía y complicidad con los espectadores.

Sin mas que decir pasemos a ver esta joya.

SET LIST

- Show Me How

- Lucky Sue

- Humming Man

- All Night

Puma Blue: A Late Night Special, Un deleite de concierto🖤

2024-01-06T19:34:00.005-03:00

A Late Night Special

El artista británico fusiona el jazz, el soul y el R&B con una sensibilidad indie. Su video concierto, es una muestra de su talento y su versatilidad, grabado en un estudio vacío con una banda de apoyo y una iluminación minimalista. En este post, voy a hacer una crítica detallada del video, analizando sus aspectos técnicos, musicales y emocionales.

El video se divide en cuatro partes

Cada una con estilo diferente. La primera parte presenta canciones del álbum debut de Puma Blue, In Praise of Shadows. En esta parte, el artista muestra su voz suave y melancólica, acompañada por una guitarra eléctrica y una sección rítmica. La música tiene un aire de nocturnidad y de intimidad, creando una atmósfera envolvente y seductora. El video capta la expresión facial y corporal de Puma Blue, que transmite su vulnerabilidad y su pasión.

La segunda parte presenta canciones como: "Oil Slick". Estas canciones tienen un sonido más experimental y electrónico, con elementos de hip hop, trip hop y ambient. Puma Blue usa un sintetizador, un sampler y un pedal de efectos para crear texturas sonoras complejas y originales. La música tiene un tono más oscuro y misterioso, reflejando las inquietudes existenciales del artista. El video usa planos más cerrados y ángulos más variados, creando un contraste con la primera parte.

La tercera parte presenta canciones como: "Moon Undah Water" y "Bath House". Tienen un estilo más soulful y funky, con influencias de Prince, D'Angelo y Frank Ocean. Puma Blue demuestra su versatilidad vocal, pasando de los susurros a los falsetes con facilidad. La música tiene un ritmo más bailable y contagioso, invitando al espectador a moverse. El video usa una iluminación más colorida y dinámica, creando un efecto de fiesta nocturna.

La cuarta y última parte presenta una sola canción: "Only Trying 2 Tell U", que es una versión acústica de la canción del mismo nombre del EP Swum Baby. Esta canción es una balada romántica y sincera, en la que Puma Blue le canta a su pareja sobre sus sentimientos. La música es minimalista y emotiva, solo con la voz y la guitarra acústica del artista. El video usa una iluminación tenue y cálida, creando un ambiente de ternura y cercanía.

Es una experiencia audiovisual que cautiva al espectador desde el principio hasta el final, con una calidad técnica impecable y una dirección artística cuidada. Es una prueba de que Puma Blue es uno de los artistas más innovadores e interesantes del panorama actual, te dejo el concierto en el salto.

Setlist

00:00:40 - Sweet Dreams 00:03:30 - Velvet Leaves 00:08:40 - (She's) Just A Phase 00:11:57 - Cherish (furs) 00:16:00 - Snowflower 00:19:20 - Already Falling 00:23:42 - Midnight Blue 00:28:40 - Want Me 00:34:16 - Opiate 00:37:10 - Oil Slick 00:43:18 - Silk Print 00:48:38 - Bath House 00:53:35 - Moon Undah Water 00:59:30 - Only Trying 2 Tell U

La Melancólica "Show Me How" de Men I Trust es un infaltable en tu playlist

2024-01-01T23:57:00.003-03:00

Show Me How

Del grupo canadiense Men I Trust es una pieza de dream pop que te sumerge en una atmósfera introspectiva y melancólica. La letra parece ser una conversación íntima o un monólogo dirigido a una persona ausente o inalcanzable, donde el narrador busca entender y conectarse con el otro a un nivel más profundo. El repetido estribillo “Show me how” sugiere un anhelo por compartir experiencias y emociones.

"Muéstrame cómo te preocupas, dime cómo te amaban antes, muéstrame cómo sonríes, dime por qué tus manos están frías. Me doy vuelta, estoy teniendo visiones de ti."

El video musical presenta una estética minimalista y elegante. Se centra en la vocalista de la banda, Emmanuelle Proulx, quien canta la canción mientras camina por calles vacía y lugares nocturnos.

Las locaciones parecen representar una soledad introspectiva y aislamiento, subrayado por la ausencia de otras personas en escena. Sólo vemos Emmanuelle en estos espacios urbanos, evocando un sentimiento de alienación melancólica.

La cámara se mueve lenta y suavemente, con tomas prolongadas que enfatizan la naturaleza contemplativa de la canción. Momentos como Proulx mirando distraídamente por la ventana

Visualmente, el video es simple pero efectivo para comunicar la vibra solitaria y ensoñadora de la canción con sus cuidadosos encuadres y énfasis en miradas pensativas. Logra representar líricamente ese sentido de aislamiento introspectivo.

La dirección de fotografía es impresionante, con una paleta de colores suave y tonos pastel que complementan la sensación de ensueño de la canción.

The Car: Un año del viaje nostálgico de los Arctic Monkeys

2023-10-26T17:34:00.000-03:00

El pasado 21 de Octubre The Car cumplió un año entre nosotros tiempo suficiente para tenerlo bien digerido y decir sin duda que este álbum marca un nuevo capítulo en la evolución sonora de Arctic Monkeys. Es su álbum más lento, meditabundo y cinematográfico hasta la fecha. Retoma el enfoque retro de Tranquility Base Hotel & Casino pero con una paleta sonora más rica y orquestal. Las guitarras crujientes, la batería motorik y los ritmos funky siguen presentes, pero envueltos en bellas texturas ambientales.

La instrumentación vintage da la sensación de un viaje introspectivo a través del tiempo. Los sintetizadores oscilantes, las cuerdas dramáticas y los pianos contemplativos transportan al oyente a un espacio onírico y crepuscular. Es como conducir de noche por una carretera vacía, perdido en pensamientos y recuerdos.

Las letras de Alex Turner capturan esta melancolía nostálgica a la perfección. Hay versos sobre intentar reconectarse con el pasado, sobre buscar esperanza en tiempos difíciles, y sobre hacer las paces con el caos del mundo. Su voz suena particularmente emotiva, vulnerable y humana.

Canciones como “There’d Better Be A Mirrorball” y “Perfect Sense” enmarcan el viaje introspectivo del álbum con baladas de piano minimalistas pero profundamente conmovedoras. Turner canta sobre encontrar un sentido de propósito duradero en medio de la confusión.

“I Ain't Quite Where I Think I Am” resume el tema de desorientación con una batería funky y letra críptica sobre sentirse perdido. Por otro lado, “Sculptures Of Anything Goes” es una oda nocturna al aislamiento, con la voz de Turner sonando solitaria sobre un piano solitario.

El álbum también tiene momentos de funk rock enérgico que agregan contraste, como el sarcástico sencillo “Jet Skis On The Moat” y la sensual “Body Paint” con su hipnótica guitarra funk.

Otros puntos álgidos son la exquisita balada “Big Ideas” con su ritmo pop orquestal contagioso, y la conmovedora “Hello You” donde Turner canta sobre conectarse profundamente con alguien.

La variedad de ritmos y texturas instrumentales hace que el álbum nunca se estanque. Canciones como “Mr Schwartz” equilibran la nostalgia con ritmos enérgicos y guitarras crujientes.

No me olvido de “The Car” el tema que da título al álbum tiene un ritmo motorik hipnótico y letras sobre estar en movimiento. Los arreglos de cuerdas y el bajo palpitante crean un trance interestatal. Una metáfora efectiva de seguir adelante en la vida.

Sin mas que decir, The Car presenta una nueva era sonora para Arctic Monkeys, más rica, orquestal y cinemática. Es un álbum de madurez lírica, consolida el estatus de la banda como una de las más innovadoras del indie rock y vemos como Alex Turner se esta convirtiendo en un crooner de Excelencia.

Te dejo el álbum en el salto

Se viene el 15 aniversario de la Banda Sonora de "Twilight"

2023-06-12T21:23:00.002-04:00

La banda sonora original de "Twilight" es una selección musical que complementa a la perfección la atmósfera romántica y misteriosa de la película. Con una combinación de artistas consagrados y emergentes, el álbum logra capturar los diferentes matices de la historia y los sentimientos de los personajes principales.

este 28 de octubre se cumplen 15 años de este "Soundtrack EMO" por excelencia

El álbum se abre con "Supermassive Black Hole" de Muse, una canción enérgica y poderosa que establece el tono y la energía del resto del disco. Le sigue "Decode" de Paramore, una elección acertada que combina la pasión vocal de Hayley Williams y los poderosos riffs de guitarra le dan el sonido de rock alternativo característico de la banda, evoca emociones intensas y letras que se relacionan directamente con la historia de amor prohibido entre Edward y Bella.

A medida que avanzamos en el álbum, nos encontramos con canciones como "Full Moon" de The Black Ghosts, que ofrece una atmósfera más oscura y electrónica, y "Leave Out All the Rest" de Linkin Park, una balada emotiva que refleja la angustia y la vulnerabilidad de los personajes.

Otras destacadas incluyen "Tremble for My Beloved" de Collective Soul, una balada melódica que transmite amor y devoción, y "Eyes on Fire" de Blue Foundation, una canción cautivadora y misteriosa que añade un toque de peligro a la banda sonora.

Es importante destacar la participación de Robert Pattinson, quien interpreta a Edward en la película, con su canción "Never Think". Esta balada acústica personal aporta una dosis de autenticidad y vulnerabilidad al álbum.

La banda sonora también cuenta con la pieza instrumental "Bella's Lullaby" compuesta por Carter Burwell, quien también se encargó de la música de la película. Esta melodía delicada y emotiva se ha convertido en un tema icónico y evoca una sensación de ternura y serenidad.

También viene "Flightless Bird, American Mouth" de Iron & Wine Esta canción suave y melódica tiene un encanto y una calidez únicos. Con su estilo folk y la voz suave de Sam Beam, Se convirtió en uno de los temas más memorables del álbum. La letra poética y la dulzura de la melodía evocan una sensación de romanticismo y añoranza.

"I Caught Myself" Paramore hace otra aparición en el álbum con esta canción enérgica y llena de emoción. Con su ritmo rápido y las letras introspectivas, habla sobre la lucha interna de los personajes principales y las expectativas impuestas por los demás. Las palabras transmiten una sensación de fortaleza y determinación para seguir adelante a pesar de las adversidades.

Se integra perfectamente en el álbum. La canción encaja con la temática general de la historia de amor complicada y conflictiva que se desarrolla en la saga.

En ese año todos andábamos pegados con Decode y I Caught Myself de Paramore y la tremenda Supermassive Black Hole de MUSE

"Party of One" el exquisito y emotivo EP de Mayer Hawthorne

2023-05-29T00:52:00.000-04:00

Party of One

El EP de Mayer Hawthorne (vocalista de Tuxedo) es una notable producción musical que muestra la versatilidad y el talento artístico del cantante y compositor estadounidense. Consta de seis canciones, en realidad son tres canciones mas sus versiones instrumentales que fusionan diversos géneros como el Soul, el R&B y el Funk de una manera fresca y atractiva.

Someone Like You

El disco comienza con esta canción es una balada suave y conmovedora sobre el deseo de encontrar a alguien con quien compartir tu vida. La voz de Hawthorne es cálida y acogedora, y la producción es exuberante y atmosférica. La canción es una escucha perfecta para cualquier persona que esté buscando el amor o que esté actualmente en una relación.

La canción comienza con una melodía de piano simple, a la que pronto se une la voz de Hawthorne. La letra retrata a un hombre que busca a alguien con quien compartir su vida. Canta sobre cómo está cansado de estar solo y cómo está listo para establecerse. Hawthorne canta sobre cómo está dispuesto a hacer cualquier cosa para encontrar a la persona adecuada.

A New Love

Otra balada conmovedora sobre la emoción y la incertidumbre del nuevo amor. La canción es una escucha perfecta para cualquiera que esté buscando un nuevo amor o que se encuentre actualmente en las primeras etapas de una relación.

La letra trata de un hombre que está completamente enamorado de un nuevo amor. Él canta sobre cómo ella lo hace sentir vivo y cómo no puede dejar de pensar en ella. La canción va in crescendo mientras Hawthorne canta sobre cómo está dispuesto a hacer cualquier cosa por este nuevo amor.

Time For Love

Es una pista de soul suave y funky sobre las alegrías del amor. y la producción es original y optimista.

La canción comienza con un riff de guitarra, y se suma la voz Hawthorne. La letra es de un hombre que está enamorado y que disfruta cada minuto. Él canta sobre cómo le encanta bailar con su amante y cómo no puede tener suficiente de ella. La canción va in crescendo mientras Hawthorne canta sobre cómo está listo para pasar el resto de su vida con la mujer que ama.

En definitiva es un hermoso EP que lo tienes que escuchar y que te va encantar.

Recordamos "Roseland NYC Live" la obra maestra de Portishead

2023-05-27T00:22:00.006-04:00

Roseland NYC Live

Show en vivo lanzado por Portishead en 1998 en esos años en VHS años después fue lanzado en DVD, que presenta una actuación grabada en el Roseland Ballroom en la ciudad de Nueva York. Captura el sonido único y atmosférico de la banda en un entorno en vivo, mostrando su talento como intérpretes y su capacidad para crear una experiencia cautivadora y envolvente para el público.

La actuación comienza con una inquietante introducción instrumental que establece el tono para el resto del espectáculo. La banda, liderada por la cautivadora voz de Beth Gibbons, ofrece interpretaciones poderosas y emotivas de sus canciones de su álbum debut "Dummy" y su segundo álbum "Portishead". La combinación de la voz llena de alma de Gibbons, la instrumentación atmosférica de la banda y la impresionante presencia en el escenario de todo el grupo crean una atmósfera fascinante que cautiva al espectador.

Sour Times

Uno de los momentos destacados del show es la interpretación de la banda esta exitosa canción. La melodía melancólica y las letras inquietantes se entregan con emoción cruda por parte de Gibbons, cautivando al público. La destreza musical de la banda brilla a lo largo de la actuación, con la meticulosa producción de Geoff Barrow y el uso creativo de samples, el trabajo atmosférico de la guitarra de Adrian Utley y la sólida sección rítmica.

El aspecto visual también es notable

con una cuidada dirección y una iluminación atmosférica que complementa perfectamente la música de la banda. Los planos y los ángulos de cámara capturan la energía y la intensidad de la actuación, brindando al espectador una experiencia inmersiva.

Es un show en vivo que muestra a Portishead en la cúspide de su talento

La banda ofrece interpretaciones poderosas y emotivas de sus canciones, creando una atmósfera cautivadora que transporta al espectador a su mundo sonoro único. Tanto los fanáticos de la banda como los nuevos oyentes apreciarán la calidad de la interpretación y la intensidad emocional que se desprende de cada canción. Es una joya imprescindible para cualquier amante de la música de Portishead.

Es un espectáculo icónico que tienes que ver, escuchar y disfrutar. después del salto les voy a dejar mis 3 canciones favoritas de esta obra maestra.

La magnifica Sour Times

No podía faltar Strangers una joya.

Y la espectacular Glory Box

Te dejo el álbum en el salto

"I like it when you sleep, for you are so beautiful yet so unaware of it" de The 1975 ya tiene 7 años 😮

2023-04-03T00:59:00.003-04:00

I like it when you sleep, for you are so beautiful yet so unaware of it

El segundo álbum de estudio de la banda 1975, que salió a la venta el 26 de febrero 2016, es una obra musical que no se puede ignorar. Este álbum presenta una gran variedad de sonidos y géneros, desde pop-rock hasta música electrónica, lo que demuestra la versatilidad y habilidad musical de la banda.

Es un álbum que vale la pena escuchar, son mas que la emotiva "Somebody Else". La banda ha creado un trabajo musical excepcional que trasciende géneros y generaciones, y que demuestra su capacidad para evolucionar y crecer musicalmente. Si eres un amante de la música y buscas una experiencia musical emocionante y conmovedora, este álbum es para ti.

Te lo desgloso en el salto.

The 1975

La canción que da inicio al álbum comienza con una introducción de piano y una voz robótica que da un mensaje importante acerca de nuestra dependencia de la tecnología. La canción es una mezcla de pop y rock y presenta una letra introspectiva y melancólica.

Love Me

Es un tributo a la cultura pop y la fama. El ritmo es pegajoso y la letra es sarcástica y satírica. La canción presenta un fuerte contraste entre el tono alegre y la letra superficial.

UGH!

Es un tema pop con una fuerte influencia de la música de los años 80. La letra habla de la adicción a las drogas y las consecuencias negativas que pueden tener en la vida de una persona.

A Change of Heart

Tiene un sonido más lento y suave en comparación con las anteriores. La letra habla de la angustia emocional y la vulnerabilidad en una relación amorosa. La melodía es dulce y melancólica.

She's American

Sonido pop y una letra irónica que critica la cultura estadounidense y su influencia en el mundo. La canción presenta una mezcla de instrumentos electrónicos y guitarra eléctrica.

If I Believe You

Tiene una influencia de música gospel y presenta una letra sobre la búsqueda de la fe y la espiritualidad. La canción es emotiva y presenta una melodía lenta y suave.

Please Be Naked

Es instrumental y presenta una mezcla de sonidos electrónicos y de piano. La canción es atmosférica y evocativa, creando una sensación de desnudez y vulnerabilidad.

Lostmyhead

Mezcla de sonidos electrónicos y de guitarra eléctrica, con una melodía que evoca la nostalgia y la tristeza. La letra habla de la confusión emocional y la pérdida de la identidad.

The Ballad of Me and My Brain

Presenta un sonido pop con una letra introspectiva y crítica sobre la salud mental y el autocontrol. La melodía es pegajosa y la letra es honesta y emotiva.

Somebody Else

La Favorita de muchos, presenta un sonido suave y dulce, con una letra emotiva sobre el dolor de una ruptura amorosa. La canción presenta una mezcla de instrumentos electrónicos y guitarra acústica.

Loving Someone

Influencia de música dance y presenta una letra sobre la importancia del amor y la conexión humana en una sociedad tecnológica. La canción presenta una melodía pegajosa y un mensaje poderoso.

I like it when you sleep, for you are so beautiful yet so unaware of it

La canción que da nombre al álbum presenta una mezcla de sonidos electrónicos y guitarra acústica, con una letra emotiva sobre la belleza y la vulnerabilidad en una relación amorosa. La canción presenta una melodía dulce y pegajosa.

The Sound

Tema pop-rock con una melodía pegajosa y una letra que critica a aquellos que juzgan y critican el trabajo de la banda. La canción presenta una mezcla de instrumentos electrónicos y guitarra eléctrica, con un ritmo animado y enérgico.

This Must Be My Dream

sonido pop suave y una letra que habla de la esperanza y la emoción del amor juvenil. La canción presenta una melodía dulce y pegajosa con una mezcla de instrumentos electrónicos y guitarra acústica.

Paris

presenta un sonido pop y una letra sobre la emoción y el romance de estar enamorado en la ciudad de París. La canción presenta una melodía animada y alegre, con una mezcla de instrumentos electrónicos y guitarra eléctrica.

Nana

Una balada emotiva y suave con una letra que habla sobre el amor y la nostalgia por los seres queridos que ya no están con nosotros. La canción presenta una melodía lenta y dulce con una mezcla de instrumentos acústicos y electrónicos.

She Lays Down

Es una balada emocional con una letra que habla de la depresión posparto y la lucha emocional de una madre. La canción presenta una melodía suave y melancólica con una mezcla de instrumentos acústicos y electrónicos.

Las letras de las canciones son sinceras y emotivas, y a menudo hablan de temas como el amor, la ansiedad, la depresión y la lucha emocional. Las letras se complementan con la música y la melodía de cada canción, lo que hace que cada canción sea única y especial.

Bitches Brew de Miles Davis joya de la experimentación musical cumple 53 años

2023-04-02T08:01:00.002-04:00

Bitches Brew

Lanzado un 30 de Marzo de 1970, es un hito en la historia del jazz. Fue un álbum que cambió el panorama musical en muchos sentidos, y se convirtió en una influencia importante en la música jazz, el rock y la música electrónica.

La producción del álbum fue innovadora para su época

con la incorporación de técnicas de grabación en capas y una gran cantidad de improvisación. El productor Teo Macero tomó las grabaciones de las sesiones de grabación y las editó y superpuso para crear una mezcla final que era única y sorprendente. La inclusión de guitarras eléctricas y teclados, así como de percusión africana y latín, también fue un nuevo enfoque para el jazz.

Las sesiones de grabación fueron muy intensas

Los músicos trabajaron largas horas durante varios días. Davis insistió en que los músicos tocaran sin partituras y que improvisaran, lo que llevó a muchos momentos sorprendentes e inspirados en las grabaciones. El baterista Jack DeJohnette recordó que fue una experiencia "caótica y emocionante", y que nunca había trabajado en nada parecido antes.

Una anécdota interesante sobre el álbum

Es que el título original era "Witches Brew", pero el esposo de la cantante Betty Davis, entonces esposa de Miles, sugirió que cambiara la palabra "Witches" por "Bitches", para reflejar el poder y la fuerza de las mujeres. Aunque la decisión fue controvertida en su momento, el título se convirtió en un símbolo de empoderamiento y rebeldía.

"Es alucinante este álbum, sugiero paciencia para escucharlo"

Ahora lo vamos a desglosar con su respectivo playlist (para mas calidad de sonido búscalo en QOBUZ)

Pharaoh's Dance

Canción de apertura del álbum es una odisea de más de 20 minutos que comienza con un ritmo de batería hipnótico que sirve de base para los solos de los músicos. La canción se construye a partir de capas de sonidos y texturas, con una sección de vientos que se introduce gradualmente. Es una pieza compleja, pero muy gratificante para los oyentes pacientes.

Bitches Brew

El tema que da título al álbum es una de las canciones más conocidas de Miles Davis. Es una canción de rock-jazz con un ritmo pesado y una melodía pegadiza. Los solos de los músicos son intensos y llenos de energía, y el uso de la guitarra eléctrica de John McLaughlin añade una dimensión rockera al sonido.

Spanish Key

Comienza con un ritmo inquietante y misterioso que evoca imágenes de un paisaje nocturno. El saxofón de Wayne Shorter y la trompeta de Miles Davis se entrelazan en una conversación musical llena de tensión y drama. La guitarra eléctrica de McLaughlin es nuevamente un punto destacado, con su sonido agudo y anguloso.

John McLaughlin

Es un homenaje al guitarrista, con un ritmo que combina el jazz y el rock. Los solos de los músicos son impresionantes, y la sección rítmica mantiene un pulso constante y fuerte. El sonido de la guitarra eléctrica de McLaughlin es especialmente impresionante en esta canción.

Miles Runs the Voodoo Down

tiene un ritmo funky y un sonido oscuro y misterioso. Los solos de los músicos son más minimalistas que en otras canciones del álbum, lo que le da un aire más espacial y etéreo. La sección de vientos es especialmente efectiva en esta canción, añadiendo una capa de textura y profundidad.

Sanctuary

La última canción del álbum es una balada lenta y emotiva. La trompeta de Miles Davis suena suave y melancólica, mientras que la guitarra eléctrica de McLaughlin añade un toque de color. La canción se desvanece suavemente al final, dejando al oyente con una sensación de paz y serenidad.

Feio

Es un BonusTrack La canción destaca por su energía y su ritmo rápido, y es un ejemplo perfecto del estilo fusión de jazz-rock de Davis.

comienza con una introducción de batería y percusión, que se construye gradualmente a medida que se unen los instrumentos. Davis toca la trompeta de manera enérgica y frenética, con un sonido que es distorsionado y eléctrico. La sección rítmica está compuesta por el bajista Michael Henderson y el baterista Al Foster, quienes mantienen un ritmo constante y sólido en toda la canción.

A medida que avanza la canción, el saxofonista Dave Liebman se une a Davis en una sección de improvisación, con ambos músicos intercambiando solos frenéticos y emotivos. La guitarra eléctrica de Reggie Lucas también tiene un papel destacado en la canción, con un solo lleno de distorsión y efectos.

Uno de los aspectos más interesantes de Feio es su estructura. Está compuesta por varias secciones diferentes, que se unen para crear un todo cohesivo. Cada sección tiene su propio groove y su propia sensación, pero se conectan sin problemas, creando una sensación de fluidez y continuidad.

Assassin's Creed: el porqué es de las mejores saga de los vídeo juegos

2023-03-30T05:03:00.003-03:00

Historia

Assassin's Creed es una saga de videojuegos de acción y aventuras que se desarrolla en diferentes épocas históricas y que se centra en la lucha entre la Hermandad de los Asesinos y los Templarios, dos grupos enfrentados desde hace siglos.

La saga fue creada por la compañía francesa Ubisoft y su primer juego, Assassin's Creed, se lanzó en 2007. La trama de este primer juego se sitúa en el siglo XII y sigue la historia de Altaïr Ibn-La'Ahad, un Asesino que debe enfrentarse a los Templarios para recuperar un artefacto místico conocido como el Fruto del Edén.

La saga ha continuado con más de diez juegos, incluyendo títulos como Assassin's Creed II, Brotherhood, Revelations, III, Black Flag, Unity, Syndicate, Origins, Odyssey y Valhalla, entre otros. Cada juego presenta una historia diferente y se sitúa en una época histórica diferente, como el Renacimiento italiano, la Revolución Francesa, la Guerra de Independencia de los Estados Unidos o la invasión vikinga en Inglaterra.

A lo largo de la saga, los jugadores han podido controlar a diferentes personajes, cada uno con su propia historia y personalidad. Además, la saga ha presentado diferentes mecánicas de juego, como el sigilo, la lucha cuerpo a cuerpo, las batallas navales o la exploración de entornos abiertos.

La saga también ha sido adaptada a otros medios, como novelas, cómics y ~~una película~~ protagonizada por Michael Fassbender en 2016. A la película no le fue tan bien una pena porque esta saga se merece unas buenas películas o serie, te dejo el Trailer en el salto.

Esa es la historia del juego, para ponerte un poco de contexto para que sepas lo que es en el mundo del gaming, bueno ahora te desmenuzo cada juego de peor a mejor

Aquí va del peor al mejor

Assassin's Creed Unity

Considerado uno de los "peores" juegos de la franquicia, Unity tuvo un lanzamiento lleno de problemas técnicos y errores. Aunque la ambientación de la Revolución Francesa es interesante, la trama y el protagonista no logran capturar el interés del jugador.

Assassin's Creed III

Aunque el juego presentó innovaciones como la posibilidad de cazar y una historia centrada en la Guerra de Independencia de los Estados Unidos, la trama es confusa y el protagonista no es muy carismático.

Assassin's Creed Syndicate

Aunque la ambientación victoriana de Londres es interesante, la trama y los personajes no logran conectar con el jugador. Además, la mecánica de la lucha y el sigilo se siente repetitiva y sin innovaciones significativas.

Assassin's Creed Rogue

A pesar de ser considerado un "spin-off", Rogue logra tener una trama interesante y un protagonista carismático. Sin embargo, el juego no presenta muchas innovaciones en mecánicas de juego y se siente muy similar a otros juegos de la franquicia.

Assassin's Creed Origins

Presenta una ambientación impresionante en el antiguo Egipto y una historia interesante sobre el origen de la Hermandad de Asesinos. Las mecánicas de juego también presentan innovaciones como la posibilidad de montar animales y la exploración de tumbas. Sin embargo, la historia se siente un poco alargada y el protagonista no es muy memorable.

Assassin's Creed Valhalla

Presenta una historia emocionante sobre la invasión vikinga en Inglaterra y una trama bien construida sobre la dualidad entre los Asesinos y los Templarios. Además, la mecánica de construcción de asentamientos y la exploración de la mitología nórdica son innovadoras y divertidas. Sin embargo, el juego se siente un poco largo y puede llegar a ser repetitivo en algunos momentos.

Assassin's Creed Odyssey

Es un buen juego. Tiene un mundo abierto impresionante, una jugabilidad emocionante y una historia interesante. Además, la posibilidad de personalizar al personaje y elegir opciones de diálogo que afectan el resultado de la historia lo hace aún más atractivo. Sin embargo, como cualquier juego, tiene algunas críticas y problemas que pueden afectar la experiencia del jugador. Algunos jugadores pueden encontrar abrumadora la cantidad de contenido que tiene el juego, y la atención excesiva en la exploración puede disminuir la importancia de la trama principal.

Assassin's Creed IV: Black Flag

Considerado uno de los mejores juegos de la franquicia, Black Flag presenta una trama emocionante sobre la vida pirata en el Caribe y una mecánica de navegación y batallas navales impresionante. Además, la ambientación y los personajes son muy memorables y carismáticos. Sin embargo, la historia de los Asesinos y Templarios se siente un poco relegada.

Assassin's Creed II

Considerado por muchos el mejor juego de la franquicia, Presenta una trama emocionante sobre la venganza de Ezio Auditore y la lucha de los Asesinos contra los Templarios en el Renacimiento italiano. Además, la mecánica de juego presenta innovaciones significativas como la posibilidad de comprar y mejorar equipamiento. La ambientación y los personajes también son muy memorables y carismáticos. (Recomiendo jugar completa la Saga de Ezio la venden como The Ezio Collection)

Son todos tremendos juegos, juégalos te los vas a disfrutar, tanto el Black Flag y AC II son unas obras maestras, el Odyssey, Valhalla y Origins son imperdibles.

Esto nos deja una gran cantidad de personajes entrañables, a continuación te dejo algunos de los más destacados:

Ezio Auditore

Protagonista de Assassin's Creed II, Brotherhood y Revelations, Ezio es uno de los personajes más queridos por los fans de la saga. Comienza como un joven noble italiano, pero después de la muerte de su familia se convierte en un Asesino y lucha contra los Templarios en el Renacimiento italiano.

Bayek

Protagonista de Assassin's Creed Origins, Bayek es un Medjay egipcio que busca venganza contra los responsables de la muerte de su hijo. Es un personaje muy emotivo y comprometido con su causa, lo que lo hace muy querido por los fans.

Edward Kenway

Protagonista de Assassin's Creed IV: Black Flag, Edward es un pirata británico que se convierte en un Asesino después de involucrarse en una guerra secreta entre los Templarios y los Asesinos. Es un personaje muy carismático y divertido, lo que lo hace muy popular entre los fans.

Jacob y Evie Frye

Protagonistas de Assassin's Creed Syndicate, los hermanos Frye son Asesinos que luchan contra los Templarios en la Londres victoriana. Jacob es un personaje muy impulsivo y divertido, mientras que Evie es más seria y reflexiva, lo que crea un buen equilibrio entre los dos.

Kassandra y Alexios

Protagonistas de Assassin's Creed Odyssey, Kassandra y Alexios son dos hermanos espartanos que luchan en la Guerra del Peloponeso en la Antigua Grecia. Son personajes muy fuertes y determinados, lo que los hace muy queridos por los fans.

Tremendos personajes, Ezio es queridos por todos pero en mi corazón esta Kassandra que casi me da un infarto cuando aparece en el Valhalla gran crossover

Dicho todo esto ¿por que es considerada una de las mejores sagas de videojuegos?
por varias razones:

Una historia intrigante

Desde el primer juego, la historia de Assassin's Creed ha sido muy interesante y ha mantenido a los jugadores enganchados. La saga sigue una guerra secreta entre los Asesinos y los Templarios, y la historia se desarrolla a lo largo de diferentes épocas históricas, lo que hace que la trama sea muy interesante y emocionante.

Un mundo abierto increíble

Cada juego de Assassin's Creed cuenta con un mundo abierto muy detallado y bien construido, lo que permite a los jugadores explorar diferentes ciudades y entornos históricos. Los desarrolladores de la saga han trabajado duro para hacer que el mundo de Assassin's Creed sea lo más realista posible, lo que crea una experiencia de juego inmersiva.

Jugabilidad emocionante

Los juegos de Assassin's Creed son muy emocionantes y divertidos de jugar. Los jugadores pueden realizar acrobacias y movimientos asesinos, escalar edificios y realizar misiones y objetivos. Además, cada juego cuenta con diferentes habilidades y armas para desbloquear, lo que hace que el juego sea más interesante y variado.

Personajes memorables

La saga de Assassin's Creed cuenta con una gran cantidad de personajes memorables, como Ezio Auditore, Altaïr Ibn-La'Ahad y Bayek, entre otros. Cada personaje tiene una historia interesante y única, lo que hace que los jugadores se involucren más en el juego.

Música y ambientación increíble

En cada juego de Assassin's Creed son increíbles y contribuyen en gran medida a crear una experiencia de juego inmersiva. Los juegos cuentan con música original que se adapta perfectamente al entorno histórico y a la trama.

Espero que los argumentos te motiven a jugar esta gran saga, que esto te sirva como una guía, lo que si es claro es que son grandes juegos marcaron la industria y lo mas importante los vas a disfrutar muchísimo.

La magnifica Shosanna Dreyfus 🖤

2023-03-25T07:33:00.007-03:00

Mélanie Laurent es una actriz y directora francesa reconocida internacionalmente por su amplia trayectoria en el cine y su talento interpretativo. Una de sus interpretaciones más icónicas es la de Shosanna Dreyfus en la película "Bastardos sin Gloria" de Quentin Tarantino.

Con su actuación, logró consolidarse como una de las actrices más talentosas de su generación y dejó una marca indeleble en la historia del cine. En esta publicación exploraremos más a fondo la critica y momentos de Laurent en su impresionante interpretación.

La historia de Shosanna Dreyfus en "Bastardos sin Gloria" es una subtrama importante en la película y está repleta de detalles interesantes. Aquí te contamos la historia completa, junto con algunas curiosidades y datos sobre el director Quentin Tarantino.

Shosanna Dreyfus es una joven judía que logra escapar de la masacre de su familia por parte de los nazis. Después de su escape, cambia su nombre a Emmanuelle Mimieux y comienza a vivir en la clandestinidad en París, trabajando en una panadería. Durante su tiempo en la clandestinidad, se entera de que el coronel Hans Landa (interpretado por Christoph Waltz), también conocido como "el cazador de judíos", será uno de los invitados de honor en el estreno de una película propagandística alemana en el cine que está justo debajo de su panadería.
Shosanna se da cuenta de que esta es una oportunidad para vengarse de los nazis y, después de heredar un cine de un amigo, decide organizar una proyección privada de una película para los líderes nazis. Con la ayuda de su amante, Marcel (interpretado por Jacky Ido), y de los "Bastardos", Shosanna planea una operación para asesinar a los líderes nazis durante la proyección.

Una de las curiosidades más interesantes sobre la historia de Shosanna es que el personaje estuvo inspirado en una película poco conocida de 1966 llamada "Cartes sur table" (Cartas sobre la mesa), dirigida por Jesús Franco. En la película, el personaje principal es una mujer que se venga de un grupo de nazis que mataron a su familia.

Otro dato interesante sobre la historia de Shosanna es que Tarantino inicialmente pensó en la actriz Mélanie Laurent para interpretar a Bridget von Hammersmark, pero después decidió cambiar el personaje para que fuera una judía en lugar de una espía alemana. Laurent fue elegida para interpretar a Shosanna después de que la actriz alemana Nina Hoss rechazara el papel debido a conflictos de agenda.

El nombre de Shosanna es una referencia a la actriz francesa Shoshanna Lonstein, quien es amiga de Quentin Tarantino.

La actriz no hablaba alemán antes de la película, pero aprendió el idioma para poder interpretar el papel con autenticidad.

Tarantino eligió a Laurent para interpretar a Shosanna después de verla en la película "Je vais bien, ne t'en fais pas" (Estoy bien, no te preocupes), en la que interpreta a una joven que busca a su hermano desaparecido.

El vestido rojo que usa Shosanna en la escena en la que conoce al actor alemán es una referencia al vestido que usa Kim Novak en la película "Vértigo" de Alfred Hitchcock.

Shosanna lleva una estrella de David en su cuello durante la mayor parte de la película, lo que simboliza su identidad judía.

En la versión original del guion, Shosanna sobrevivía al ataque al cine y se convertía en una famosa actriz en Hollywood, pero Tarantino decidió cambiar el final para que fuera más coherente con la naturaleza implacable de la historia.

La escena en la que Shosanna ensaya su discurso antes de la proyección del cine fue improvisada por Laurent y se convirtió en una de las escenas más memorables de la película.

La historia de Shosanna es una de las muchas subtramas intrigantes que conforman "Bastardos sin Gloria". La película es un homenaje a las películas bélicas y de venganza de los años 70 y está repleta de referencias y homenajes a otras películas clásicas. Quentin Tarantino es conocido por su estilo único y su amor por los diálogos ingeniosos y la violencia exagerada, y "Bastardos sin Gloria" es uno de los ejemplos más destacados de su estilo.

La actuación de Laurent es ampliamente considerada como uno de los puntos destacados de la película. Aquí te presentamos la historia detrás de su increíble actuación.

Para empezar, es importante mencionar que Mélanie Laurent fue una elección poco convencional para el papel de Shosanna. En ese momento, la actriz francesa era relativamente desconocida en Estados Unidos y no había interpretado muchos papeles en inglés. Además, no hablaba alemán, el idioma en el que gran parte de su diálogo estaba escrito en el guion.

Sin embargo, Quentin Tarantino estaba convencido de que Laurent era la actriz perfecta para el papel y trabajó de cerca con ella para preparar la actuación. Para empezar, la entrenó para que hablara alemán con fluidez, lo que le permitiría interpretar a Shosanna con autenticidad. Para ello, contrató a una tutora de alemán que trabajó con Laurent durante meses antes del inicio del rodaje.

Además, Tarantino trabajó con Laurent para desarrollar la personalidad y el carácter de Shosanna. Quería que el personaje fuera fuerte y decidido, pero también vulnerable y emocionalmente complejo. Para lograrlo, trabajaron en la psicología del personaje y discutieron su trasfondo, sus motivaciones y sus objetivos.

Laurent también se preparó para el papel por su cuenta. Leyó libros y vio películas sobre la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto para comprender mejor la historia y la experiencia de Shosanna. También visitó campos de concentración y habló con sobrevivientes del Holocausto para entender mejor la terrible realidad que enfrentó su personaje.

Todo este trabajo preparatorio llevó a una actuación impresionante por parte de Laurent. Shosanna es un personaje complejo y emocionalmente rico, y Laurent logra transmitir su dolor, su ira y su determinación con una actuación poderosa y convincente. Su dominio del alemán también es impresionante, lo que hace que la actuación sea aún más auténtica.

Es un personaje memorable que vive momentos intensos y emocionantes a lo largo de la película. A continuación, se presentan algunos de los momentos más memorables de Shosanna:

El asesinato de su familia: el flashback en el que se muestra el asesinato de la familia de Shosanna a manos de las fuerzas alemanas es uno de los momentos más impactantes de la película. La actuación de Laurent en este momento es conmovedora y dolorosa, y establece la motivación del personaje para buscar venganza.

La conversación con Frederick Zoller: cuando Shosanna se encuentra con Frederick Zoller en el restaurante, la tensión es palpable. La conversación entre ambos personajes es uno de los momentos más intensos de la película, y la actuación de Laurent es fundamental para transmitir la hostilidad y la desconfianza que siente su personaje hacia Zoller.

El discurso en el cine: la escena en la que Shosanna se dirige al público del cine antes de la proyección de "Nation's Pride" es un momento emocionante y poderoso. La actuación de Laurent en este momento es convincente y emotiva, transmitiendo la determinación y el coraje de su personaje.

La confrontación con Hans Landa: la escena en la que Shosanna y Hans Landa se encuentran en el cine es una de las más tensas de la película. La actuación de Laurent en este momento es magistral, transmitiendo el miedo y la desesperación de su personaje ante el peligro inminente.

Shosanna Dreyfus aparece en dos capítulos diferentes en la película. A continuación, te narro brevemente lo que sucede en ambos capítulos:

Capítulo 1: "Once Upon a Time... in Nazi-Occupied France"

Este capítulo comienza con la introducción del coronel alemán Hans Landa, apodado "el cazador de judíos", quien visita la granja de los Dreyfus en Francia para buscar a judíos que se esconden allí. A pesar de los intentos de Shosanna y su familia de mantenerse ocultos, Landa descubre su presencia y los mata a todos, excepto a Shosanna, quien logra escapar.

Capítulo 5: "Revenge of the Giant Face"

Este capítulo se desarrolla en torno a los planes de Shosanna para vengarse de los nazis. Han pasado varios años desde su escape y Shosanna ahora es dueña de un cine en París. Cuando se entera de que el líder nazi, el general Hans Landa, asistirá a la proyección de una película en su cine, decide aprovechar la oportunidad para llevar a cabo su venganza.

Shosanna recluta al grupo de soldados judíos liderados por el teniente Aldo Raine para ayudarla en su plan. Juntos, preparan una trampa en la que el cine se incendiará y matará a todos los presentes, incluido Landa. En el clímax del capítulo, Shosanna ve cómo se lleva a cabo su venganza y, finalmente, muere en medio del fuego y la explosión que acabaron con los nazis en el cine.

The Last Shadow Puppets - Everything You've Come To Expect (Deluxe Edition)

2023-03-24T22:13:00.010-03:00

Comenzamos con esta sección Reseña Perdida de álbumes que amo y algunos que no tanto. en esta ocasión vamos con un álbum que me encanta demasiado.

Everything You've Come To Expect

es el segundo álbum de estudio de la super banda británica The Last Shadow Puppets, liderados por el cantante y guitarrista Alex Turner, de la banda Arctic Monkeys, y el cantante y músico Miles Kane, esta joya fue lanzada en 2016, en esta edición compuesta por 12 canciones principales desmenuzadas en el salto.

Aviation

La canción de apertura es una explosión de energía rock con un ritmo contagioso y un coro pegajoso. La voz de Alex Turner suena poderosa y convincente, mientras que el guitarrista Miles Kane ofrece una gran cantidad de riffs impresionantes.

comienza con un riff de guitarra eléctrica pegadizo que establece el tono de la canción. La batería entra poco después, junto con la voz de Alex Turner, que canta con su estilo característico y emocionalmente cargado. La letra de la canción es una mezcla de imágenes surrealistas y metáforas, con Turner cantando sobre la experiencia de volar y la libertad que conlleva.

El coro de la canción es especialmente pegadizo y memorable, con Turner cantando "Oh, la aviación, alto en el cielo / Oh, la devoción, lo que está en tu mente". La canción también cuenta con un solo de guitarra eléctrica impresionante, que añade una capa adicional de emoción y energía a la canción.

A medida que la canción avanza, se añaden arreglos de cuerdas y teclados que aumentan la intensidad de la canción. El final presenta una sección instrumental épica que incorpora elementos de rock, música clásica y jazz, lo que demuestra la habilidad de la banda para mezclar diferentes estilos y géneros.

Miracle Aligner

Una canción de amor melódica y soñadora, que se apoya en una sección rítmica elegante y en una producción suave. La letra es ingeniosa y sutilmente seductora, mientras que la armonía vocal entre Turner y Kane es impresionante.

Dracula Teeth

Un número de estilo retro con un bajo contundente, guitarras saturadas y batería contundente, todo ello envuelto en un aura siniestra y misteriosa. La letra es oscura y poética, mientras que el estribillo es inquietante y fascinante. Mi favorita

La letra es una mezcla de humor y romance, con Turner cantando sobre las características extrañas del personaje del Conde Drácula y su amor por una mujer misteriosa. también toca temas más profundos, como la naturaleza oscura y atractiva del amor y la obsesión.

Everything You've Come To Expect

La canción principal del álbum es una balada glamorosa con una atmósfera teatral y un ambiente cinematográfico. Las voces de Turner y Kane se complementan perfectamente, mientras que los arreglos orquestales y las guitarras distorsionadas crean una sensación de grandeza y pompa.

The Element Of Surprise

Una pista más rítmica y animada que combina elementos de rock y pop, con una letra ingeniosa y juguetona que desafía las expectativas del oyente.

Bad Habits

Una canción de rock clásico con un riff de guitarra contundente y un estribillo pegadizo, en la que Turner canta con una actitud insolente y provocadora. Los arreglos de cuerdas añaden una sensación de elegancia y sofisticación a la canción.

Sweet Dreams, TN

Una balada lenta y emotiva con una letra apasionada y emotiva, que destaca por la emotividad de la voz de Turner y por los arreglos de piano y cuerdas. Kane hace una aparición discreta en la guitarra, lo que acentúa la sensación de intimidad y emoción de la canción.

Used To Be My Girl

Una canción de ritmo acelerado con un riff de guitarra animado y un coro pegajoso, que evoca la nostalgia por un amor pasado. La voz de Turner suena enérgica y llena de vitalidad, mientras que los arreglos de metales añaden un toque de funk y soul.

She Does The Woods

Una pista atmosférica y misteriosa, que evoca una sensación de misterio y peligro. La letra es evocadora y poética, mientras que los arreglos de guitarra y los efectos de sonido crean una atmósfera tensa y dramática.

comienza con un ritmo de batería suave y una línea de bajo melancólica que establece el tono de la canción. La voz de Alex Turner entra poco después, cantando con su estilo emotivo y profundo. La letra es poética y evocadora, con Turner cantando sobre una mujer misteriosa que tiene una conexión profunda con la naturaleza.

El estribillo es pegadizo y emotivo, con Turner cantando "Ella hace los bosques / Habla de ellos como si fueran amigos suyos". también cuenta con un puente instrumental que incorpora elementos de rock y jazz.

Pattern

Es un número oscuro y misterioso que destaca por sus riffs de guitarra fuertes y la voz enérgica de Alex Turner.

Comienza con un riff de guitarra estridente y una línea de bajo contundente, que establece la atmósfera tensa y siniestra. La batería también entra pronto, dando lugar a un ritmo que empuja la canción hacia adelante. La voz de Turner entra en el primer verso, con una actitud rebelde y desafiante que complementa perfectamente la energía de la música.

A medida que la canción avanza, se vuelven más evidentes las influencias de la música psicodélica y del rock progresivo de los años 60 y 70. Los arreglos de guitarra se vuelven más intrincados y complejos, y la voz de Turner se vuelve más emotiva y melódica en el estribillo.

La letra trata sobre la presión social y la necesidad de encajar en un mundo que parece estar cada vez más polarizado. Turner canta sobre cómo la gente trata de conformarse a ciertas "tendencias" y patrones, mientras él mismo trata de escapar de esta norma: "¿Quién quiere ser un hombre cuando se puede ser una leyenda?". El tema de la canción es algo pesimista, pero a la vez anima a los oyentes a buscar su propio camino en lugar de seguir las tendencias establecidas.

The Dream Synopsis

Es una canción emotiva y conmovedora que destaca por su estilo minimalista y la emotividad de la voz de Alex Turner.

Comienza con un piano delicado y un ritmo de batería suave, que proporciona un acompañamiento suave y minimalista a la voz de Turner. La letra es una especie de monólogo interior que describe un sueño en el que el narrador se encuentra con una figura femenina misteriosa. La canción tiene una sensación de melancolía y nostalgia, con Turner cantando sobre los recuerdos del pasado y la lucha por encontrar significado en la vida.

A medida que la canción avanza, se añaden cuerdas suaves y teclados atmosféricos, creando una sensación de aumento de la emoción y la intensidad. La voz de Turner también se vuelve más intensa y emotiva, alcanzando una nota alta impresionante en el clímax de la canción.

The Bourne Identity

La canción comienza con un ritmo de batería rápido y una línea de bajo funky que establece el tono de la canción. La guitarra eléctrica de Miles Kane entra poco después, añadiendo una capa adicional de energía y emoción a la canción.

La letra de la canción es una mezcla de humor y sarcasmo, con Turner cantando sobre la experiencia de ser perseguido y perseguido como si fuera una película de Bourne. La canción también toca temas de paranoia y ansiedad, con Turner cantando sobre la sensación de estar siempre vigilado y nunca poder escapar.

A medida que la canción avanza, se añaden arreglos de cuerdas y teclados que aumentan la intensidad de la canción. El estribillo es especialmente pegadizo y memorable, con Turner cantando "¿Quién eres tú? ¿Quién eres tú? ¿Quién eres tú realmente?" de manera repetida.

Le da un cierre perfecto a la primera parte del disco porque recordemos que es la edición DELUXE
que trae 6 canciones extras que son del EP The Dream Synopsis canciones Acústicas y Cover hechas en estudio, te las cuento en el salto.

Aviation

Esta es una versión acústica de la canción de apertura de su álbum Everything You've Come To Expect. En esta versión, la canción se convierte en una balada lenta y emotiva, con una sensación más íntima y personal. La voz de Alex Turner suena más vulnerable y emotiva, mientras que la guitarra acústica de Miles Kane agrega una sensación de calidez y organicidad.

Les Cactus

Una canción originalmente interpretada por Jacques Dutronc, que se presenta en una versión actualizada con una sensación rock and roll y un ritmo acelerado. La voz de Turner suena enérgica y vivaz, mientras que la sección rítmica se mantiene firme y constante. Los arreglos de metales y el solo de guitarra de Kane añaden un toque de clase y sofisticación a la canción.

Totally Wired

Otra versión de una canción clásica, esta vez de la banda británica The Fall. The Last Shadow Puppets hacen una interpretación intensa y emocionante de la canción, con Turner cantando con una actitud insolente y provocadora. La sección rítmica suena feroz y contundente, mientras que los arreglos de teclado añaden una sensación de psicodelia y surrealismo.

This Is Your Life

Una canción original de The Last Shadow Puppets, que presenta una melodía pegadiza y un coro alegre y optimista. La letra es ingeniosa y divertida, con Turner cantando sobre la naturaleza efímera de la fama y la fortuna. La sección rítmica suena sólida y animada, mientras que los arreglos de cuerdas añaden una sensación de elegancia y sofisticación.

Is This What You Wanted

Una versión de la canción de Leonard Cohen, que presenta una interpretación melancólica y emotiva de la canción. La voz de Turner suena triste y vulnerable, mientras que la guitarra acústica de Kane agrega una sensación de calidez y organicidad. Los arreglos de cuerdas y teclado añaden una sensación de drama y emoción a la canción.

The Dream Synopsis

Tremenda versión con una guitarra acústica suave y una voz solitaria. La versión del EP elimina los arreglos orquestales de la versión del álbum, lo que enfatiza la voz emotiva de Turner y la letra de la canción.

Es poética y emotiva, con Turner cantando sobre un sueño que tiene sobre una relación pasada. La letra es evocadora y está llena de imágenes surrealistas que muestran la habilidad de Turner como letrista.

Turner cantando "En el sueño sinopsis / Algo tocó mí desde el interior / Una imagen de mí mismo, aplastada y rota, flotando hacia el otro lado".

Y así termina este tremendo álbum que sin duda se lo van a gozar de principio a fin es una joya que tienes que estar si o si en tus favoritos, esta en todos los servicios de música streaming por supuesto que te recomiendo la versión que esta en QOBUZ BRUTAL! una delicia de calidad.

Regresa WINAMP 😲

2021-11-25T02:34:00.011-03:00

Tampoco lo creía pero si algo traman los de WINAMP SA, recordemos que AOL lo había comprado pero el 2013 nos dicen que el reproductor de música desaparecía para siempre, llegaba a su fin de esta manera la leyenda en la reproducción de audio en Windows.

Este reproductor fue fundamental incluso para otros software fue de base como el querido AIMP.

Nunca murió del todo, de hecho se puede bajar su ultima versión 5.8 el cual sigue funcionando perfecto, entonces ¿esto seria una actualización?

esto sale en su pagina web: winamp.com

Un espacio único para creadores
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Al parecer Winamp vendría a competir con los servicios de streaming de música quizá muchos músicos estarán interesados, sobre todo por lo de obtener ingresos de manera justa que es la gran piedra tope en el mundo de la música online.

estaremos muy atento con este regreso.

Reconócelo te encantó Cold Heart de Elton John con Dua Lipa y PNAU 🥰

2021-11-16T01:32:00.006-03:00

Si llevamos pegados un poco mas de un mes con esta canción es que los Australiano PNAU hicieron tremendo Remix, Samplearon 4 canciones de Sir Elton (Sacrifice/Rocketman/Kiss the Bride/Where's the Shoorah) además sumale a Dua Lipa que le quedó la canción como anillo al dedo, el video a cargo de Raman Djafari quedó genial.

Me pasa que después de escucharla me dan unas ganas de poner Something About Us de Daft Punk.