Lucas'Ville

MAKING OF - O Membro Decaído, um curta de Lucas Sá

2012-02-29T16:44:00.000-03:00

Laura Sá se maquiando para close nos olhos / Teste de ângulo com Isabela Noleto

Agora teste com Laura Sá / Gabriel Coelho ensaiando movimentos

Bartira Sá (Minha mãe!!!) limpando o chão de sangue / Rayssa Baldez com brinquedo de produção

Gabriel Coelho e o dedo da repetição / Laura Sá, Airton Rener e Gabriel Magalhães

Airton Rener com Refrigerante Jesus na boca (e baba) para um plano em close

Iniciam as filmagens do curta O MEMBRO DECAÍDO

2012-02-15T20:17:00.002-03:00

Por: Lucas Sá

O projeto O Membro Decaído surgiu nas aulas de roteiro ministradas pela professora Cintia Langie, no curso de Cinema e Audiovisual da Universidade Federal de Pelotas (UFPel).

Essa história já permeia em mim há algum tempo, quando meu tio de Salvador, me contou a um ano atrás sobre um caso de extrema violência urbana. Eu anotei essa história bizarra e a partir daí comecei a criar a minha versão do ocorrido, colocando fatos que me interessavam tanto esteticamente quanto narrativamente, além de ser uma invenção do que poderia ter ocorrido pela a mente de outro autor. Não sei se esse fato ocorreu realmente ou se foi só mais uma das mentiras que espalham por ai, mas está “mentira” me interessou muito.

O roteiro é denso e se estende mais na imagem do que nas palavras, buscando ser explicado por auxilio apenas da imagem, independente do texto ou dos diálogos, sendo guiados, sobretudo, pelas as ações. O personagem protagonista é sempre o centro dessas ações, mas ao mesmo tempo ele é o mais distante do meio que o cerca e que o encaminha para ocasiões indesejáveis.

O clima das cenas busca uma áurea de tensão e naturalidade tanto dos atores quanto do comportamento da câmera. Esta se mantém como uma observadora das ações, ela não interfere no espaço cênico, só nos encaminha à medida que o personagem central, o homem, se move. Os quadros na maioria das vezes são fixos e nos remetem a uma fotografia de enclausuramento do homem em relação ao espaço urbano, utilizando uma coloração fria contrastada com o laranja e o vermelho, que intensificam a violência gráfica e o clima de fim de tarde.

A equipe do curta é dividida entre amigos e familiares que já trabalharam comigo em outras produções, como os atores e primos Gabriel Coelho (You Bitch Die!!!), Verbena Sá (Verbena e Limão / You Bitch Die!!!) e Laura Sá, a musa Natasha Sharon de You Bitch Die!!! Já a equipe técnica é formada por Rayssa Baldez, que atuou e produziu o curta-metragem ABATE, Airton Rener (editor do Lucas'Ville) , Gabriel Magalhães, Lucas Kurz (dirigiu e escreveu comigo o Verbena e Limão) e Lucas Mendonça Fernandes, este último é responsável pela montagem e efeitos visuais, grande Mendonça!

Já gravamos quase metade das cenas. A montagem e finalização do curta estão previstos para a primeira quinzena de março, pegando o embalo para as inscrições nos festivais.

Os Pênis de A Pele que Habito

2012-01-02T15:31:00.001-03:00

Por: Lucas Sá e Airton Rener

O visual de Almodóvar está sempre unindo o objeto e as cores ao roteiro. Em A Pele que Habito, o teor sexual é a força motriz da trama, atrelada também a vingança. Mas além do ato do coito físico esse elemento está presente, sobretudo, no figurino exacerbado.

O estilista Jean-Paul Gaultier, que já trabalhou em outros dois filmes de Almodóvar, Kika e Má Educação, é responsável pelo figurino mais expressivo de A Pele que Habito. Assim como em Má Educação, onde realizou o vestido de Zahara com pelos pubianos, Gauldier pensa o figurino atrelando o teor sexual ao tecido. Sua participação é sempre pontual, fabricando apenas algumas peças para o filme, uma ou duas. Nesta nova produção ele produziu as vestimentas de Vera em sua reabilitação/prisão e a roupa carnavalesca de tigre do irmão tarado, Zeca. E são nessas roupas que se encontram os discretos símbolos fálicos...

A desconcertante cena da aparição de Zeca vestido de Tigre é a primeira delas. O seu rabo por si só já representa um volume sexual, mas é quando Zeca consegue dominar Vera e tirar sua roupa é que podem ser analisadas mais de perto suas vestimentas, em um plano das roupas jogadas no chão. Reparem na ponta do rabo do "tigrinho".

Outra cena, mais expositiva, é quando depois da operação total do corpo de Vera o Dr. Robert retira a mascara de proteção de látex do rosto da jovem. Os prolongamentos da boca ao nariz formam mais um clássico símbolo fálico.

O objeto em A Pele que Habito também é utilizado como metáfora visual. Na cena em que o Dr. Robert apresenta como deve ser tratada a vagina intrometida, é utilizada uma espécie de corpo cilíndrico para introduzir no canal e separar os lábios. A cena se estende, e em um plano ela se coloca atrás dos variados tamanhos do objeto cilíndrico, revelando uma profundidade entre o personagem e o objeto, o que seriam grades de uma prisão sexual.

Eu só digo uma coisa... Essa obsessão por símbolos fálicos de Almodóvar só não é mais interessante do que as de Ken Russel (Lisztomania) e de Robin Hardy (O Homem de Palha).

Crítica de ABATE e YOU BITCH DIE!!! por Cid Nader no III Festival de Cinema da Fronteira

2011-12-21T18:28:00.000-03:00

Por: Lucas Sá

Dia 17 ocorreu o último dia do III Festival de Cinema da Fronteira. O grande vencedor do prêmio de Melhor Filme foi o curta-metragem de animação O Céu no Andar de Baixo, do diretor Leonardo Cata-Preta. O filme é um retrato esquizofrênico e sentimental sobre um ângulo diferente do amor, merecido prêmio. E é nesse contexto que percebo como o cinema de animação vem se fixando na produção nacional, que tinha um espaço limitado em mostra e festivais por uma divisão fixa entre ficção e animação. Curioso saber que além de O Céu no Andar de Baixo outra animação tenha ganhado, no mesmo ano, o prêmio de Melhor Curta em um dos mais prestigiados festivais nacionais, Gramado. Falo de Céu, Inferno e Outras Partes do Corpo, curta do diretor gaúcho Rodrigo John, que também esteve na mostra competitiva, além de premiado por sua trilha sonora, no III Festival de Cinema da Fronteira, em Bagé. (Lista dos curtas premiado aqui).

Durante o festival foram homenageados o crítico Jean-Claude Bernardet e a musa do cinema marginal Helena Ignez. Dentre os convidados, a atriz Ingra Liberato, que apresentou o festival ao lado de Leonardo Machado. Além de Aurora Miranda Leão, a curadora da mostra competitiva de curtas, e o crítico Cid Nader, que acompanhou e escreveu sobre todos os curtas-metragens do festival em seu site Cinequanon.

E são essas críticas que posto a baixo, sobre dois dos meus curtas na mostra competitiva: ABATE e YOU BITCH DIE!!!

ABATE, de Lucas Sá. Brasil (MA), 14 min.

Por: Cid Nader

Uma novidade vinda do Maranhão (talvez indicando mais um polo difusor lá no nosso Nordeste), esse Abate bebe nitidamente da fonte dos filmes pernambucanos para contar uma história de revolta feminina por opressão machista: algo tão comum ainda no mundo, mas que toca muito mais profundamente em uma região de tradição absolutamente masculina.

Só que beber da fonte, somente, poderia resultar em cópia de estilo, vazio no mote e no modo. Negativo. Lucas Sá demonstra ter noção bastante complexa e bem elaborada de estética e técnica. O filme é de fotografia não conformada, que busca o inusitado nos ângulos (enquanto o momento “comum” subserviente da mulher existe, filma-se seus pés a caminho do açougue, para a inversão do ângulo quando uma outra possibilidade de continuidade de vida é pensada, por exemplo), e também bastante atenta às possibilidades de contrastes emprestadas pelo bom uso da iluminação.

No corte, na edição (e novamente lembrando alguns outros filmes de Pernambuco), o contar a história ultrapassa a “simples” barreira da fluidez, para que interferências intrometidas até na marra se façam responsáveis pelo adensamento do clima. Desde o início, a montagem não permite a acomodação do espectador, e a tela se enche de variações cromáticas ou de ritmo. Portanto, as invenções e tentativas que resultaram um curta bem interessante não são resultado – o que seria até razoável de se imaginar - de acumulação crescente, mas de ritmo imposto desde os primeiros instantes: algo bem mais difícil de ser mantido e obtido. (Veja o curta aqui).

YOU BITCH DIE!!! , de Lucas Sá. Brasil (MA), 03 min.

Por: Cid Nader

Brincadeirinha de Lucas Sá – o diretor talvez seja uma novidade maranhense surgindo para ser a vanguarda de mais uma cinematografia regional surgindo, e revelando-se com evidente característica urbana, ao compilar informações que extrapolam as distâncias de seu Estado -, filmada mais para ser vista na Internet do que numa telona. O tratamento é em cima da linguagem, dos filmes trash dos anos 70, com os típicos exageros necessários para tal reverência (falta de cuidado, hiper-cores, hiper-cafonices, seres estranhos habitando a tela e sangue, de preferência), e feito de modo bastante ligeiro, para que não se necessitasse muito espaço e tempo demais demandado para a conclusão.

Para tal ligeireza vista na telona, a ideia de representar um trailler revelou-se boa sacada. Mas, muitos trabalhos similares já foram vistos (aliás, há até uma certa moda no estilo se repetindo), e muitos, também, com melhor desempenho numa sala escura de cinema: o que faz notar o quanto esse deve ter sido pensado mais como uma ação para divertir amigos, nas madrugadas diante da telinha do computador. (Veja o curta aqui).

Xuxa e O Dia da Besta

2011-12-20T14:13:00.000-03:00

Por: Lucas Sá

Curioso saber como a fama de que a rainha dos baixinhos é adoradora do capeta. Não no Brasil, mas na Espanha! Ontem estava vendo O Dia da Besta quando me deparo com uma cena em que a imagem de Xuxa é apresentada de forma bem suspeita...

Nada como um bom e sacana humor negro de Alex de la Iglesa, diretor do recente e excelente Balada Triste de Trompeta, grande vencedor do Festival de Veneza de 2010. O exagero visual de la Iglesa está presente em todas as suas obras, já em seu segundo longa e o mais adorado, O Dia da Besta, é este exagero que proporciona grande parte do humor do filme. Dentre as piadas, e a mais sutil, está a de Xuxa e seu carinho por Satã.

A cena em questão é uma reportagem de TV do programa em que o professor e suposto médium Cavan apresenta. A reportagem sensacionalista investiga um caso de possessão demoníaca de um garoto com uns 10 anos de idade. A câmera documental entra nos corredores da casa enquanto Cavan explica o que está acontecendo no local. Eles abrem a porta e o que vemos é um garoto se debatendo na cama com uma espuma branca na boca, mas o que realmente chama a atenção (sobretudo para nós brasileiros) é o singelo e catito quadro de uma das capas do cd da Xuxa pendurado em cima da cama do garoto endiabrado.

Bem colocado Sr. Alex de la Iglesa... Bem colocado!

Lego, 8 Bits e uma idéia na cabeça!

2011-12-17T01:02:00.001-03:00

Por: Airton Rener

Lego - popularmente conhecido como brinquedo de montar - é um brinquedo com quantidade variada de peças que se encaixam permitindo inúmeras combinações. Não existe idade para “brincar” com LEGO, os únicos fatores limitantes são a criatividade e os cifrões. Seu potencial psico-criativo é tão forte que é usado como instrumento pedagógico em jardins de infância e até mesmo em universidades nas áreas de robótica e mecatrônica os quais geralmente usam a linha especifica LEGO Technic.

A dupla sueca Ninja Moped, também conhecida como Rymdreglag é uma banda eletrônica independente que foram além de suas imaginações ao "brincar de montar" e criaram um vídeo clipe simulando os clássicos jogos da Nintendo de 8Bits (Nes) através da técnica Stop Motion com o uso de peças de Lego. O resultado é tão surpreendente que chegamos até duvidar do uso de computação gráfica.

Para os Geeks de plantão é um prato cheio!

DEATH PROOF - Análise do cartaz

2011-12-15T15:31:00.001-03:00

Por: Lucas Kurz

À Prova de Morte (Death Proof, 2007, EUA) é um filme digirido por Quentin Tarantino e estrelado por Kurt Russell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito e Jordan Ladd, tem duração de 133 minutos e é do gênero Terror.

SINOPSE: Ao cair da noite, Jungle Julia (Sydney Tamiia Poitier), a DJ mais sexy de Austin, pode enfim se divertir com as suas duas melhores amigas. As três garotas saem noite adentro, atraindo a atenção de todos os frequentadores masculinos dos bares e boates do Texas. Mas nem toda atenção é inocente. Cobrindo de perto seus movimentos está Stuntman Mike (Kurt Russell), um rebelde inquieto e temperamental que se esconde atrás do volante do seu carro indestrutível.

SOBRE O AUTOR DO POSTER: Infelizmente, após muita pesquisa não foi encontrada NENHUMA informação técnica sobre o cartaz, muito menos a autoria do mesmo.

IDENTIFICAÇÃO DOS ELEMENTOS:

CÍRCULO: No cartaz foi encontrado um círculo perfeito, tangenciado pelo sol da paisagem. O círculo abrange também parte do carro, até a caveira estampada no capô, e se finaliza antes dos nomes ‘Kurt Russell’, ‘Quentin Tarantino’ e o título do filme.

ÂNGULOS/QUADRADO: Aqui vemos alguns ângulos formados pela estrada (que é meio desproporcional, errada) na perspectiva da cena. Vemos também o cartaz cortado ao meio horizontalmente e verticalmente, e o quadrado em perspectiva formado pelo automóvel.

ÂNGULOS: Aqui temos mais ângulo formados pelas linhas da estrada e no chão , formando pontos de fuga na composição.

TRAÇADOS REGULADORES

RADIAL: Traçando círculos podemos limitar vários elementos da composição. O primeiro círculo delimita a caveira no capô e as oito silhuetas femininas perfeitamente. O segundo delimita o sol. O terceiro delimita toda a parte da frente do automóvel, e o quarto delimita até o título.

PARALELOS: As únicas retas paralelas exatas presentes neste cartaz são a delimitação da faixa de cima e a linha do horizonte.

CENTRALIDADE: A composição apresenta linhas diagonais que vão ligeiramente à mesma direção, entretanto, não encontram o mesmo ponto de fuga.

CENTRALIDADE: Aqui podemos ver os vários pontos de fuga encontrados, o que indica que essas linhas de perspectivas não estão tão fiéis à realidade.

SIMETRIA/PARALELISMO: Como já foi dito, só existem duas retas exatamente paralelas. Muitos elementos no cartaz são simétricos horizontalmente, como o sol, a estrada, o automóvel, etc. O cartaz é bem equilibrado, e também apresenta uma simetria relativa verticalmente.

PROPORÇÃO

Primeiro foi usado o círculo que tangencia o sol para fazer uma escala procurando alguma proporção com o resto do cartaz. Os círculos encontrados, de certa forma, organizam bem a composição; o de baixo abrange a área do título, direção, etc. Os outros dividem as áreas da composição de forma razoavelmente uniforme.

Aqui temos a proporção alcançada pelo método do retângulo raiz de dois, usando o quadrado que delimita o sol temos a proporção das figuras do sol, as silhuetas, o automóvel e o título.

Aqui também foi usado o método raiz de dois, porém sem resultado satisfatório.

A primeira aplicação do método raiz de dois foi melhor explorada, encontrando outras proporções na composição, como o limite do carro e o tamanho do título.

MALHA

Numa primeira tentativa de encontrar uma malha, usando o diâmetro do círculo que tangencia o sol, a malha não ficou satisfatória.

Usando a altura da faixa que comporta os nomes ‘Quentin Tarantino’ e “Robert Rodriguez”, na parte superior do cartaz, foi possível desenvolver uma malha mais satisfatória, melhor definida.

Crítica - RICKY

2011-12-05T21:26:00.001-03:00

Por: Lucas Sá

François Ozon é um diretor que dentro de sua filmografia intercala obras muito diferentes entre si, tanto na forma quanto nos temas centrais do enredo. Sua carreira é formada por inúmeros curtas-metragens, mas é em 1998 que faz seu primeiro longa, Sitcom, uma crítica a burguesia moderna que assume certos tons surrealistas e macabros. Mas é em 1999 que se afirma na direção e nos principais festivais, com o longa Les Amants Criminels, uma espécie de João e Maria com pitadas de homossexualismo e agressão física. Se notarmos, desde 1998 até 2011, Ozon lançou onze filmes, uma média de um filme por ano, o que é uma grande quantia em relação ao tempo de espaço de um filme a outro. Talvez seja esse um dos motivos de sua filmografia ser repleta de variações, que passam desde comédias musicais (8 Mulheres) a crimes hitchcockianos (Swimming Pool - À Beira da Piscina ).

Ozon mesmo não se enquadrando a um padrão de cinema autoral fixo e rigorosamente religioso em sua estética, mantém certos traços que prevalecem em suas obras, sobretudo o humor ácido e a valorização da figura feminina como fonte de inspiração e de provocações. Ozon filma uma mulher excelentemente bem! Ele a observa em detalhes e nos passa um olhar apaixonado sobre elas, mas uma contradição é obvia, mesmo em 8 Mulheres, considerado o seu filme mais feminino, para mim é o mais distante e nada sincero com sua proposta. O feminismo de Ozon está na crueldade e no poder de interferência que a mulher pode imprimir em certas ocasiões, geralmente, nas menos confortáveis possíveis.

Em Ricky, filme de 2009, o diretor nos oferece uma narrativa clássica que provoca certa estranheza pela naturalidade em que sustenta o seu elemento de estopim ( não é exatamente isso...), um bebê que aos poucos nasce asas em suas costas. Ricky carrega grande parte dos pontos de convergência dos inúmeros temas em que Ozon já trabalhou, mas aqui eles estão juntos e mais evidentes do que nunca. A violência física, a família, o sexo, e não podia faltar, é claro, a mulher. O que vemos acontecer com o bebê é construído de forma gradativa e simples, não há tentativas de esconder o mistério ou as suas costas, mesmo que no trailer oficial este fato, as asas, sejam forçadamente omitidos. A questão é que para se crer neste absurdo cientifico Ozon coloca nossos pés no chão com uma grande e detalhada introdução aos personagens. Quase metade do filme é voltada para as mudanças na rotina da filha Lisa (Mélusine Mayance) com o novo namorado de sua mãe (Alexandra Lamy), que conheceu na fábrica em que trabalha, e antes mesmo desse aproximamento dos dois, a relação mãe e filha é o ainda mais explorado, como na cena em que Lisa prepara todo o café da manhã e é responsável por acordar sua preguiçosa mãe. Uma cena corriqueira, mas que torna o filme mais palpável e sensível.

A gravidez em Ricky é passageira e rápida, os planos em que descobrimos que Katie está grávida até ter de fato o bebê são acelerados, apenas alguns cortes para explicar a elipse temporal. O que importa são as consequências desse parto, não o seu longo e ardo período, fato que é contrário em seu próximo filme, O Refugio, onde esmiúça de forma intimista os meses de gestação de uma jovem viciada em heroína.

A estranheza presente em todo filme não é de se estarrecer ou causar incômodos, como em Trabalhar Cansa, o mais estranho do ano. O fato de Ricky nascer com asas é mais um motivo de desestabilização moral da família do que alguma premissa em que o filme se sustenta a todo instante, sendo essa mudança familiar acompanhada desde o envolvimento e a dominância do relacionamento de Katie com Paco. Este sim é apenas um dos reais assuntos da trama. As asas, além de impor um clima bizarro para filme é também o que traz em alguns momentos o humor negro de Ozon, mesmo que sejam suaves, como na cena em que o bebê voa pelo supermercado causando um caos entre os comprantes e também os variados planos em close do rosto de Ricky fazendo gracinha e sorrindo para a câmera, que subtamente conquistam o carisma. É na cena do supermercado que os franceses, e em seguida o mundo, descobrem o bebê voador. A partir dai inúmeros jornalistas e câmeras são frequentemente vistos em quadro, a mídia corre pelo caso efêmero do bebê com asas! Mas mesmo com toda essa atenção que Ricky atrai, não só da TV como também de nós, espectadores passivos, o filme não é dele. O pôster do filme é de Ricky com seu enorme rosto, os noticiários de TV são Ricky, Katie e Paco são de Ricky, menos o filme! O filme não é de Ricky, e sim de sua irmã, Lisa.

Interpretada de forma fria e concisa por Mélusine Mayance, Lisa que inicia com certa importância no enredo, não mais do que sua mãe e seu novo namorado, se desmancha após o nascimento de seu irmão. Sua relação com as pessoas é o que há de mais interessante em Ricky. Ela toma de conta da casa e do bebê, não mostra carinho por seu "novo pai" e sente um ciúme quase invisível, mas que está presente em suas feições apáticas, por seu irmão, agora importante por sua anomalia física. A mulher de Ozon neste filme é Lisa, ainda bem. A sua ação mais intensa, creio que do filme todo em si, é quando pega uma tesoura de papel e coloca entre as vértebras das asas de seu irmão, ela quer finalizar todo o show instalado, quer a normalidade de antes, de sua vida com sua mãe. De manhã escola e de noite jantar.

A sinceridade de Ozon em relação aos sentimentos de Lisa é o que me tocou profundamente, a cena final não é de Ricky e sim de Lisa, uma questão de escolha inusitada. Lisa anda de moto abraçada com paco, seu "novo pai", enquanto de fundo toca a bela canção The Greatest de Cat Power (já conhecida da trilha de Um Beijo Roubado, de Wong Kar-Wai). Ela está feliz, com um lindo e leve sorriso... Seu irmão fugiu, não voltou mais.

Mélusine Mayance se mostra uma das melhores atrizes mirins do cinema atual. Ricky foi o seu primeiro contato com a atuação, em seguida fez algumas séries de TV e atualmente pode ser vista nos cinemas novamente, com o filme A Chave de Sarah, de Gilles Paquet-Brenner. Mélusine Mayance doa grande parte da carga dramática para o filme de François Ozon, onde a mulher constrói gradativamente e pausadamente a sua importância nesse conto de horror, ao contrário dos outros de seus filmes, onde elas são de cara, a atração principal.

Só de Passagem

2011-12-04T18:57:00.001-03:00

Por: Airton Rener

Uma canção, um poema, uma ilustração. Esses são os mais reverentes meios de conexão com o mundo transcendental das artes. Portanto citarei aqui os meios que mais me chamaram atenção nesses últimos dias de maneira desconjunta e às vezes incoerente.Recentemente assisti em um curto espaço de tempo “A árvore da vida” e “Melancolia” dos quais foram filmes que mais instigaram meus pensamentos esses dias. Embora as duas películas sejam de roteiro e direção muito distintas, elas se convergem em um único ponto ao relatar a efemeridade da vida e nossa relação microscópica com o universo. Paro, então, para questionar o tanto em que a linguagem é positiva para a humanidade, pois somos nada mais que animais falantes dos quais no fundo de cada um de nós cabe um instinto selvagem. Somos como animais qualquer cuja evolução nunca chegou ao homem, por mais que a literatura didática nos mostre uma visão antropocêntrica, vivemos apenas ilusões.

ILUSÕES

(poema dramático para muitas vozes)

is aqui o morto

chegado a bom porto

Eis aqui o morto

como um rei deposto

Eis aqui o morto

com seu terno curto

Eis aqui o morto

com seu corpo duro

Eis aqui o morto

enfim no seguro

De barba feita, cabelo penteado

jamais esteve tão bem arrumado

De camisa nova, gravata borboleta

parece até que vai para uma festa

No rosto calmo, um leve sorriso

nem parece aquele mais-morto-que-vivo

Imóvel e rijo assim como o vês

parece que nunca esteve tão feliz

III

Morava no Méier desde menino

Seu grande sonho era tocar violino

Fez o curso primário numa escola pública

quanto ao secundário resta muita dúvida

Aos treze anos já estava empregado

num escritório da rua do Senado

Quando o pai morreu criou os irmãos

Sempre foi um homem de bom coração

Começou contínuo e acabou funcionário

Sempre eficiente e cumpridor do horário

Gostou de Nezinha, de cabelos longos,

que um dia sumiu com um tal de Raimundo

Gostou de Esmeralda uma de olhos pretos

Ela nunca soube desse amor secreto

Endoidou de fato por Laura Marlene

que dormiu com todos menos com ele

Casou com Luísa, que morava longe,

não tinha olhos pretos nem cabelos longos

Apesar de tudo, foi bom pai de família

sua casa tinha uma boa mobília

Conversava pouco mas foi bom marido

Comprou televisão e um rádio transístor

Não foi carinhoso com a mulher e a filha

mas deixou para elas um seguro de vida

Morreu de repente ao chegar em casa

ainda com o terno puído que usava

Não saiu notícia em jornal algum

Foi apenas a morte de um homem comum

E porque ninguém noticiou o fato

Fazemos aqui este breve relato

Não foi nada de mais, claro, o que aconteceu:

apenas um homem, igual aos outros, que morreu

Que nos importa agora se quando menino

O seu grande sonho foi tocar violino?

Que nos importa agora quando o vamos enterrar

se ele não teve sequer tempo de namorar?

Que nos importa agora quando tudo está findo

se um dia ele achou que o mar estava lindo?

Que nos importa agora se algum dia ele quis

Conhecer Nova York, Londres ou Paris?

Que nos importa agora se na mente confusa

ele às vezes pensava que a vida era injusta?

Agora está completo, já nada lhe falta:

nem Paris nem Londres nem os olhos de Esmeralda

Mas é preciso dizer que ele foi como um fio

d’água que não chegou a ser rio

Refletiu no seu curso o laranjal dourado

sem que nada desse ouro lhe fosse dado

Refletiu na sua pele o céu azul de outubro

e as esplendentes ruínas do crepúsculo

E agora, quando se vai perder no mar imenso,

tudo isso, nele, virou rigidez e silêncio:

toda palavra dita, toda palavra ouvida

todo riso adiado ou esperança escondida

toda fúria guardada, todo gesto detido

o orgulho humilhado, o carinho contido

o violino sonhado, as nuvens, a espuma

das nebulosas, a bomba nuclear

agora nele são coisa alguma

Mas no fim do relato é preciso dizer

que esse morto não teve tempo de viver

Na verdade vendeu-se, não como Fausto, ao Cão:

vendeu sua vida aos seus irmãos

Na verdade vendeu-a, não como Fausto, a prazo:

vendeu-a à vista, ou melhor, deu-a adiantado

Na verdade vendeu-a, não como Fausto, caro:

vendeu-a barato e, mais, não lhe pagaram

VII

Enfim este é o morto

agora homem completo:

só carne e esqueleto

Enfim este é o morto

totalmente presente:

unha, cabelo, dente

Enfim este é o morto:

um anônimo brasileiro

do Rio de Janeiro

de quem nesta oportunidade

damos notícia à cidade

Ferreira Gullar, grande conterrâneo meu e notório personagem da literatura brasileira, expressa bem as desilusões de um homem que acaba por cair em anonimato com no poema acima; “Noticia da Morte de Alberto da Silva (poema dramático para muitas vozes)”. Percebe-se em suas obras uma forte influência de Machado principalmente do clássico romance “Memorias Póstumas de Brás Cubas” do qual, segundo a crítica, introduziu o realismo no Brasil no século XIX. O Realismo na minha concepção é um dos momentos mais cruciais da história literária brasileira, pois sua radicalização com o romantismo rumo à objetividade acaba ascendendo para o naturalismo, onde a ciência, o natural, “o selvagem” são valorizados com uma forte influência das teorias evolucionárias de Charles Darwin, a ciência e a literatura nunca estiveram tão próximas. No naturalismo a morte que para muitos é trágico e deprimente, para a natureza ela é necessária, é um simples processo biológico.

UMA IMAGEM

Eduardo Belga é filho de ortopedista e de uma servidora pública, o acesso aos livros de anatomia do pai e uma boa coletânea de filme de terror fizeram dele um dos ilustradores mais excepcionais da arte contemporânea brasileira. A maioria de duas obras exploram a fantasia, a violência e a anatomia humana, fazendo uma combinação quase que perfeita. "Invertendo o Da Vinci Invertido" é o nome da obra acima feito com grafite e ferrugem salivoso em 2005, o mecanismo do sexo visto esboçadamente choca o observador, a dramaticidade é expressada pelo contraste do preto e do branco com alguns traços que dão idéia de movimento, penetração. Esta é apenas uma das inúmeras obras de Belga que podem ser encontrada no seu álbum virtual no flickr clicando nesse link: http://www.flickr.com/photos/eduardobelga/. Eduardo Belga se graduou no Instituto de Artes da Universidade de Brasília (UnB) onde aperfeiçoou suas incríveis ideias, sendo logo depois professor substituto entre 2005 e 2007, sortudos foram os alunos que estudaram com ele, ou não.

DESMATERIALIZANDO A MATÉRIA

(...) desmaterializando a obra de arte no fim do milênio/ faço um quadro com

moléculas de hidrogênio /fios de pentelho de um velho armênio / cuspe de mosca

pão dormido asa de barata torta /meu conceito parece à primeira vista /um

barrococó figurativo neo-expressionista /com pitadas de art-nouveau póssurrealista

/calcado na revalorização da natureza morta (...)

Um dos grandes cantores do atual movimento MPB, Zeca Baleiro, vem com uma bagagem mais do que "desmaterialista" em sua canção "Bienal" do qual talvez não seja tão popularmente conhecida como as badaladas "Telegrama" e "Flor da Pele", entretanto considero umas de suas melhores musicas composta por ele e interpretada por Zeca e Zé Ramalho. Com sua modéstia e inteligência, Zeca Baleiro critica o pós moderno nessa canção ao som de violão desprovido qualquer outro instrumento oq ue deixa a música com um tom mais poético. Baleiro fez essa canção inspirado Bienal Internacional de São Paulo de 1996, cujo tema era “A Desmaterialização da Obra de Arte no Fim do Milênio”. Em sua letra Zeca deixa sua percepção de arte contemporânea ao comparar "cuspe de mosca, pão dormido e asa de barata torta" se a qualquer coisa que pode virar arte que chegue apenas a um "resultado estético bacana". Zeca, ao contrário de muitos cantores da MPB, aborda uma temática diferente deixando seu ponto de vista em relação a arte pós moderna, ao mesmo tempo em que se mantém conservador. Falando em Zeca Baleiro e Bienal, Baleiro estará fazendo show em Brasília no dia 12 de dezembro nesse ano na abertura da 1º Bienal do Livro e da Leitura às 21h em frente ao Museu Nacional. (http://www2.uol.com.br/zecabaleiro/)

THE WICKER TREE - Trailer do reboot de O Homem de Palha

2011-12-04T15:34:00.001-03:00

Por: Lucas Sá

Saiu essa semana o novo trailer de The Wicker Tree. O filme é uma espécie de reboot do seu antecessor, O Homem de Palha, de 1973, este que para mim é um dos melhores filmes já feitos! É um misto de um horror sedutor com canções que pontuam a trajetória do Sargento Howie (Edward Woodward), que busca uma garota desaparecida em uma ilha escocesa.

Em The Wicker Tree o roteiro se baseia em um casal de cantores gospel do Texas que vão pregar a palavra do Senhor da igreja Cowboys for Christ em uma pequena vila na Escócia. Aos poucos, o que parecia ser receptividade dos moradores se mostra o caminho para um misterioso ritual para entidades celtas.

A direção ainda permanece com Robin Hardy, diretor do original de 1973. Hardy havia sumido do ramo cinematográfico desde o lançamento de O Homem de Palha, nesse tempo dirigiu um longa desconhecido em 1983, The Fantasist, e algumas séries de TV e peças de teatro, este último é sua paixão, já que antes de dirigir sua obra “palhesca” ele já era um grande e conhecido diretor de teatro.

Vendo um pequeno documentário do DVD lançado pela falida (infelizmente) Dark Side, sobre a produção do filme de 1973, os produtores e atores afirmam que O Homem de Palha nasceu da tentativa de reinventar o gênero de horror europeu, que na época era dominada pela grande produtora Hammer, que hoje tenta reerguer o seu legado depois de muitos anos em decadência, exemplo é o nome e o envolvimento da produtora no remake americano de Deixe Ela Entrar, dirigido por Matt Reeves, de Cloverfield. É nesse impulso de mudança que Robin Hardy insere no roteiro números musicais e variados elementos semióticos que nos remetem ao ser sexual que é o homem (e as crianças principalmente!), são esses elementos que causam certa estranheza narrativa e que fazem com que o filme sirva de base para análises mais profundas, fato que era praticamente anulado pelo os filmes da Hammer na época, já que suas produções eram apenas para entreter o público passivo e arrecadar a quantia necessária de dinheiro na bilheteria. Mas assim como as chanchadas brasileiras, o público não caia mais nessa formula, ele amadureceu! Logo, os filmes e a produtora foram entrando em crise.

Só para constatar... Em 2006 foi feito uma refilmagem dirigida por Neil LaBute (O Vizinho e Morte no Funeral), aqui no Brasil se chamou O Sacrificio. Na produção o Sargento Howie é interpretado por Nicalas Cage, em uma das suas piores atuações. O filme foi um fracasso de crítica e público, realmente é terrível, e o motivo é obvio. Todo o caráter "evolucionista" da obra, como as cenas musicas e a referência sexual a flor da pele foram retiradas dessa nova versão, o que deixou o filme bobo e quase infantil, se aproximando mais uma vez dos filmes cansados da Hammer.

The Wicker Tree estréia em 27 de janeiro nos EUA. O mestre Christopher Lee volta a atuar na produção, só não se sabe se ele vai encenar o mesmo papel do primeiro, o de Lord Summerisle, uma espécie de mestre e ditador do povoado.

III Festival Fronteira de Cinema

2011-11-29T16:54:00.001-03:00

Bela arte conceitual do III Festival Fronteira de Cinema

A organização do III Festival Cinema da Fronteira acaba de divulgar a relação de curtas brasileiros selecionados para a edição que começa no próximo dia 10 em Bagé, prosseguindo até dia 17. E com grande felicidade que informo que dois de meus curtas, ABATE e YOU BITCH DIE!!!, foram selecionados para a mostra competitiva do festival. Ambos foram realizados de forma independente, assim como o meu novo projeto ainda em fase de pré-produção: O MEMBRO DECAÍDO. Curta que pretendo filmar no início de 2012.

A curadoria do Festival é assinada pela jornalista e realizadora Aurora Miranda Leão, contando com a colaboração de uma comissão artística formada por Carmem Barros, Eliane Pacheco, Fabiane Lázzaris, Lisandro Moura, Sandra Carmerine, Vera Medeiros e Zeca Brito, artistas de Bagé. No júri de seleção da mostra competitiva Binacional, os realizadores gaúchos Boca Migotto, Frederico Ruas, Mariana Xavier e Virgínia Simone. Ao todo, foram inscritos mais de 120 filmes.

ABATE, de Lucas Sá

O Festival é uma Realização da Prefeitura Municipal de Bagé (RS), através da Secretaria de Cultura, o festival terá duas mostras competitivas – Bagé 200 anos e Mostra Binacional – e três mostras não competitivas – Yaya Vernieri, Festin Bagé – Mostra da Lusofonia, e Mostra de Longas-Metragens.

Os homenageados desta edição são o ensaísta, pesquisador e crítico Jean-Claude Bernadet, e a atriz e diretora Helena Ignêz, a grande musa do Cinema Marginal. Falando em Cinema Marginal, ocorrerá na programação a exibição do clássico deste movimento, o aclamado filme de Rogério Sganzerla, O BANDIDO DA LUZ VERMELHA.

Além das mostras, o festival apresenta uma programação paralela envolvendo shows, performance do grupo Falos e Stercus, apresentações ao ar livre, gastronomia e ações sócio-ambientais, estas um dos carros-chefe do evento. Para a abertura, o tenor Flávio Leite irá cantar, ao lado do Coral Auxiliadora, a belíssima Missa Crioula de Ariel Ramirez, conduzida pelo bispo Dom Gilio Felicio.

Dentre os selecionados estão o curta Marcovaldo, de Cíntia Langie e Rafael Andreazz, que retrata a vida de um catador de lixo na noite pelotense. Além dos excelentes: O Cão (Abel Roland e Emiliano Cunha), Mato Alto - Pedra Por Pedra (Arthur Leite), Apenas Um (Leo Tabosa), e as animações O Céu no Andar de Baixo (Leonardo Cata Preta) e Céu, Inferno e Outras Partes do Corpo (Rodrigo John). Este último ganhou o prêmio de melhor curta-metragem de ficção no 39º Festival de Cinema de Gramado.

Lista completa dos curtas selecionados:

- QUANDO A CASA CRESCE E CRIA LIMO, de Amanda Copstein e Filipe Matzembacher
- CÉU, INFERNO E OUTRAS PARTES DO CORPO, de Rodrigo Joh

Mato Alto

- CÉU NO ANDAR DE BAIXO, de Leonardo Cata Preta
- ABATE, de Lucas Sá
- MANTEGNA, de Meloo Viana
- CORNETEIRO NÃO SE MATA, de Pablo Muller
-O SILÊNCIO DO TEMPO, de Andre Cohim
- DOCE DE COCO, de Allan Deberton
- A FÁBULA DA CORRUPÇÃO, de Lisandro Santos
- BRECHA, de Júlia Araújo e Nathália D’Emery
- APENAS UM, de Leo Tabosa

O Cão

- UM CONTO à DERIVA, de Germano Oliveira
- PRONTA ENTREGA, de André Miguéis

- TRAVESSIA, de Kennel Rógis
- POLIAMOR, de José Agripino
- MATO ALTO - PEDRA POR PEDRA, de Arthur Leite
- AS FOLHAS, de Deleon Souto
- O CÃO, de Abel Roland e Emiliano Cunha
- KINOPOÉTICAS KATARI KAMINA, de Pedro Dantas
- SETE VOLTAS, de Rogério Nunes

Marcolvaldo

- TRAJETO, de Leonardo Wittmann
- O OGRO, de Márcio Júnior e Márcia Deretti
- O BRASIL DE PEDRO VAZ DE CAMINHA, de Bruno Laet
- MARCOVALDO, de Cíntia Langie e Rafael Andreazza
- YOU BITCH DIE !!!, de Lucas Sá
- BILIU - O MAIOR CARREGO DO BRASIL, de Lau Barboza
- ANTONINHA, de Laércio Ferreira
- A INVASÃO DO ALEGRETE, de Diego Müller
- UMA, de Alexandre Barcellor
- ASFIXIA, de Fábio Aguiar

O Monstro - Anamorfose Cronotópica

2011-11-27T22:27:00.003-03:00

Por: Lucas Sá

Hoje se tem o estudo do tempo no cinema mais focado na forma de duração numérica, ou seja, o tamanho dos planos em relação à montagem. Filmes como o brasileiro Ainda Orangotangos (2007) e o russo Arca Russa (2002), de Gustavo Spolidoro e Russki Kovtcheg, são sublimes exemplos dessa utilização do tempo no cinema contemporâneo. Esses dois longas se submetem em filmar a ação de forma continua sem pausas na gravação, buscando um plano sequência que torne a narrativa completa e verossímil ao seu tempo, o tempo real. Essas façanhas técnicas, o plano único, só foram possíveis com o advento das câmeras digitais, que permitem a gravação de horas em uma única fita ou arquivo, sem a necessidade de constantes interrupções como ocorre na película. A capacidade móvel e peso leve das novas câmera digitais permitiu que diretores pudessem inovar nos movimentos de câmera e nas viagens pelo o espaço cênico serem mais viáveis em relação a parafernália de equipamentos utilizados nas filmagens em película (tiro dessa afirmação Irreversível, de Gaspar Noé, que mesmo com a filmagem clássica conseguiu movimentos de câmera e tempos bem mais elaborados e impactantes), fato que prejudicou bastante a idéia original de Festim Diabólico (1948), de Hitchcock, já que o que era para ser um único plano sequência se tornou 8 longos planos invisíveis, pois as bobinas de película da época só filmavam 10 minutos no máximo.

O tempo nesses filmes, assim como em A Casa Muda (2010), filme de horror uruguaio, estão para a afirmação fiel do tempo em relação à ação, é o tempo se submetendo a imagem. Assim, no cinema atual, o que interessa mais é a possibilidade de um maior realismo e diminuição da técnica da montagem para torna a experiência fílmica mais intimista e acreditável para o espectador, como nos longos planos das obras de Michael Haneke e em Mãe e Filha (2011), de Petrus Cariry. Indo contra essa corrente, a do tempo se submetendo a imagem, existe o estudo e a prática da deformação da imagem sendo mediada pelo tempo, ou seja, o rastro do tempo se dilatando na imagem seja fixo ou em movimento. O caráter desse olhar é da criação de distorções, criando uma verdadeira indústria de monstros e aberrações visuais.

A este tipo de formação de imagem, o teórico e estudioso brasileiro Arlindo Machado a chamou de: Anamorfose Cronotópica. Classificação que estuda a deformação e mudança (anamorfose) no espaço e no tempo (cronotópica). Essa analise precisa da passagem temporal vem desde o Renascimento, onde a burguesia da época almejava o que a de mais real e cientificamente correto possível. É a partir desse desejo que se iniciam os experimentos da imagem que levaram o desenvolvimento da arte cinematográfica, como o estudo do movimento das patas do cavalo pelo fotógrafo Eadweard J. Muybridge, onde ele queria provar por meio de doze, depois vinte quatro e depois trinta câmeras que tiravam fotos sucessivas, que as quatro patas de um cavalo, em um dado momento, se mantinham no ar sem tocar a terra. E conseguiu! Outro que seguindo o seu antecessor se interessou pelo movimento das coisas naturais foi Étienne-Jules Marey, que no ano de 1882 cria o chamado "fuzil fotográfico", aparelho (em formato de arma) que capta inúmeros instantes da imagem em curtos intervalos de tempo. A grande diferença de Marey para Muybridge, é que o seu invento incorporava todos os instantes em um mesmo suporte físico, logo as imagens se fundem uma sobre as outras sendo possível analisar a passagem e o movimento do corpo em um único plano. Algo bem semelhante ao efeito que é utilizado nas provas de ginástica olímpicas transmitidas na TV. Assim, a percepção do tempo na imagem começa a ser visível, pois está indica o trajeto da imagem em um determinado intervalo de tempo, deformando o natural, o que ocasiona a anamorfose.

Na fotografia, esse modo de controlar a passagem do tempo na imagem, é realizado a partir do tempo de abertura do obturador. Quanto maior o tempo de abertura, maior será a deformação da imagem em relação ao movimento. Este efeito incrusta na imagem rastros de ações, que começou a ser utilizado por artistas plásticos, como nas pinturas futuristas, onde o rastro passou a indicar movimento acelerado de máquinas industriais. Essa afirmação pode ser percebida na obra Dinamismo de Um Cão na Coleira (1912 - Óleo sobre tela, 89.9 x 109.9cm), de Giacomo Balla. A obra indica uma anotação do movimento das patas e do rabo de um cão, além das pernas de seu dono, que pela a imagem, mesmo sem a presença da máquina que é figura típica das obras futuristas, percebemos o dinamismo e a aceleração do homem moderno.

Seguindo o desenvolvimento, ainda que contrário ao ideal científico e observatório das criações de Muybridge e Marey, o cinema surge. Mas a sua forma de projeção não instiga a percepção visual da trajetória do movimento, pois este movimento é originalmente falso, criado por sucessivas trajetórias de vinte quatro quadros fotográficos fixos por segundos. Logo, Arlindo Machado afirma no texto Anamorfose Cronotópicas ou a Quarta Dimensão da Imagem, que "a inscrição do tempo no cinema não afeta as imagens, não as transfiguram, não gera portanto anamorfoses" (MACHADO, 2004, p. 101). As imagens cinematográficas são intercaladas por invisíveis intervalos negros entre um quadro fixo e outro, gerando uma ilusão de movimento e continuidade, chamado de efeito Phi, que só é possível pela forma como o olho humano recebe em sua retina esse falso movimento.

Em contrapartida, a imagem eletrônica é fruto de um maior experimentalismo em relação ao tempo-espaço. Sua natureza digital é própria de um meio intocável e extremamente maleável, o que torna a sua utilização mais inventiva sob a distorção da imagem. A forma como o vídeo é gerado, a partir das linhas que através do processo de varredura são intercaladas, indica que está matéria é própria da anamorfose cronotópica, pois sua produção é um único conglomerado de números exatamente calculados, onde cada linha, que será intercalada pela varredura brevemente, indica um intervalo de tempo diferenciado. Em câmeras de vídeo mais antigas, como as de tubo, pode se perceber um atraso dessa varredura, sobretudo quando estas imprimem um movimento em relação às luzes, onde se enxerga um rastro de luz na imagem que persiste por algum tempo. Assim, esse rastro adquire uma espécie de memória do tempo.

O melhor exemplo de analisar a anamorfose no vídeo é através do experimento, The Fourth Dimension (1988), do polonês Zbigniew Rybczynski (um dos escritores e fotógrafos do bizarro filme Angst). Rybczinski idealizou um software que promove a imagem eletrônica com pequenos atrasos na varredura, diferenciando o tempo de cada linha horizontal do vídeo frame a frame. Assim, a imagem que se movimenta adquire uma deformação quase extraterrestre, pois a varredura atrasada cria certos rastros orgânicos na forma. Veja este experimento seguindo a mesma estética de Rybczynski, http://vimeo.com/1163538, produzido por André Mintz e Pedro Veneroso, os mineiros que idealizaram o Marginalia Project (http://marginalia-project.blogspot.com/), grupo que busca promover arte tecnológica.

THE FOURTH DIMENSION, de Zbigniew Rybczynski

O Roteiro Efêmero

2011-11-22T00:01:00.001-03:00

Por: Lucas Sá

A produção de uma obra cinematográfica carrega inúmeros e variáveis departamentos específicos. A trajetória do fazer fílmico inicialmente não se instala nas grandes proporções humanas e variados técnicos, como ocorre no momento de iniciar as gravações, que vai desde o set de filmagem, montagem, distribuição, telas dos cinemas e chegada do produto nas prateleiras das vídeos locadoras. O início, o ponto de partida, se desenvolve de uma idéia, mesmo que bem pequena. É a idéia a ação primordial para um encadeamento de pensamentos calculados que vão se moldando e criando formas, assim, o que era apenas um homem caminhando sob uma ponte tentando se matar, acaba se transformando em um grandiloquente filme dramático sobre a questão da fraca existência humana em uma grande cidade como Nova York. Esse homem passa a ter nome, família, emprego, perde o emprego, se envolve em um manifesto contra a prisão claustrofóbica do governo coreano, é preso, sai da prisão, e por fim faz um grande espetáculo final para que sua voz seja ouvida ao alto da ponte que liga o distrito de Manhattan com o Brooklin. Esse bobo exemplo mostra o desenvolvimento de uma idéia extremamente objetiva em algo que consequentemente, pela a persistência da mente, se transforma em um bolo de ações e situações que precisam ser moldados e trabalhados dramaticamente, sobretudo narrativamente, pelo o profissional da "escrita do cinema", no caso, o roteirista. O grande solitário coletivo das idéias.

O material físico do roteiro, ou seja, os papéis com cenas e diálogos do produto, são apenas palavras almejando serem imagens. Logo, não se permite que linhas e letras falem mais que o visual, uma questão bem discutida entre escritores em geral: o roteiro como literatura. A confusão deve se limitar na objetividade da imagem, se deleitar sob ela e não se entregar as emoções e sentimentos humanos, típicos dos romances clássicos. O ato da escrita deste tipo de texto torna o próprio roteirista mais frio em relação aos sentimentos subjetivos dos personagens e situações, claro, ele deve se apegar sempre a transpor esse sentimento obscuro do texto na imagem, tornando o ator e o seu espaço cênico o guia da subjetividade. Logo, o valor semiótico e observativo da figura do roteirista deve se espalhar como virose no papel.

O caráter frio e seco da leitura do roteiro é um fato que intriga vários escritores e os próprios leitores, que o julgam previamente como um texto sem emoção. A diferenciação da ARTE do cinema para a do roteiro é um dos motivos dessa frieza incrustada no texto, pois a FORMA acaba englobando a ARTE, algo que torna a linguagem do roteiro restrita a aquele ambiente de uso, a dos produtores e demais profissionais. Assim o texto se desenvolve a partir de etapas temporais, no caso as cenas, que são organizadas mediante a ação da trama central. É essa organização que propõem a está linguagem um caráter rigorosamente técnico que uni duas vertentes opostas, a palavra com a imagem, controladas pela figura do roteirista que além de um bom escrito deve ser também um bom cineasta. A técnica não se adquire sem conhecer em detalhes o seu meio de pulsação, ou seja, o bom e organizado roteirista deve ao menos se entender com as técnicas básicas do cinema, como o comportamento dos atores frente a câmera, enquadramento do espaço, e o mais importante, a montagem. O roteirista Jean-Claude Carriére, que já trabalhou em inúmeros projetos com o diretor surrealista Luis Buñuel, como em O Discreto Charme da Burguesia (1972) e Esse Obscuro Objeto do Desejo (1977), no livro Prática do Roteiro Cinematográfico, afirma que "o roteirista é - por necessidade, se não por gosto - muito mais um cineasta do que um escritor" (CARRIÉRE, 1990, p. 12).

Essa indagação demonstra a importância do domínio da técnica para se produzir um produto cinematográfico, esse domínio deve se manter desde sua origem, a "idéia" de partida que citei anteriormente, pois é a partir do roteiro sonhador (como muitos teóricos o chamam) é que a equipe terá contato com o que pode se tornar uma imagem final. A profundidade de interesse do cinema em relação ao roteirista é de certa maneira estranha, pois este geralmente é isolado do resto do grupo ativo de produção quando se inicia as filmagens, raramente o roteirista participar assiduamente a todas as etapas de produção de um longa, pois como é o ponto de partida e sua função é limitada ao papel, que é maleável e móvel, a sua participação se torna quase invisível quanto figura física no set. O próprio Carriére afirma haver de fato um distanciamento do roteirista com as demais etapas de produção, mas em seu caso, no início de sua carreira, foi diferente. Jacques Tati, com quem trabalhou a principio, o obrigou a sentar frente a montadora de seus filmes, Suzanne Baron, e ao seu lado tinha os roteiros dos filmes enquanto exibia as obras, o objetivo era analisar o roteiro e o filme, mais precisamente o corte, o que sai daqui e vai para ali, a manhã que se torna noite, o ano que é décadas. Assim, esse “exercício”, palavra chave para os roteiristas, é uma forma de perceber o cinema como forma e linguagem, se influenciando e se inspirando por ela.

O que Jacques Tati lhe propões é treinar o olhar do leigo para um desenvolvimento interno do roteirista, lhe indicando a idéia de tempo e sucessão de planos para que sua escrita, ainda prematura, se posicione de acordo com o filme, com a imagem. Assim, com essas técnicas temporais e rítmicas adquiridas, o roteirista passa a importar o corte invisível em sua escrita, propondo direcionamentos a decupagem e a montagem, passando a ser o "primeiro" montador do filme, pois este serve como um guia para a montagem. Este plano sai deste que vai para este, daquele para o outro. Esse contato direto comporta uma vertente ainda mais pessoal, o treino de um olhar sensível e sofisticado para a arte cinematográfica, gerando um apelo estético e conceitual mais abrangente, que além dessa forma, a do laço entre roteirista e produção, é possível ser exercitada (mas uma vez a palavra chave) vendo muitos e diferenciados gêneros de filmes. É plausível também que este saiba ter noções de orçamento, para que as ações do roteiro, e de sua criação pessoal, não extrapolem o provável em relação ao modo de produção, o orçamento.

Implementando a questão da união das equipes, o roteiro não é algo fixo em uma só unidade, a variadas formas de escrevê-lo captando quesitos de pontos de vistas variados, que por fim formam apenas uma só corrente. Seguindo o padrão europeu de se fazer cinema, ou seja, a busca de todas as unidades de produção unidas intimamente com o diretor da obra (o que é bem diferente na indústria hollywoodiana), o roteiro pode ser desenvolvido por grupos, como o produtor e o roteirista, sendo que na maioria das vezes essa fórmula visa, sobretudo, a grande bilheteria. Neste caso, o produtor entrega a "idéia" ou um breve argumento para o roteirista, escolhido por seu gosto em relação seu potencial e domínio do gênero sugerido. A partir dai o roteirista tem períodos de revisões, que faz juntamente com o produtor para a aprovação do andamento, e prazos específicos para a entrega finalizada do tratamento do roteiro. Geralmente isso ocorre ao contrário quando o roteirista trabalha por si só, sem previsões e grupos, mas é um risco que corre, pois o escrever "por conta própria" pode muitas vezes significar a não feitura do filme, caso não encontre produtoras interessadas em comprar os direitos do roteiro.

A parceria, diretor e roteirista, é de fato a mais interessante das formas de escrita de um roteiro, pois o encontro de ambos instaura olhares que se complementam por si, o lado visual da direção e a criatividade e montagem intuitiva do roteiro. Isso oferece um controle maior por parte de ambos na produção e filmagem, já que é comum o diretor (e até mesmo os roteiristas) não compreender ou negar o clima que o filme precisa, ocorrendo até mesmo a exclusão de cenas decisivas durante o processo.

Mas se for analisado o roteirista como um profissional único que trabalha só em seu roteiro, sem a parceria de produtores, diretores e outros roteiristas, a tendência é intuitivamente perceber que este profissional nunca trabalha só, em nenhum momento. Ele capta constantemente informações do exterior ao seu redor, das pessoas que o circundam, das conversas nos ônibus, das fofocas da fila do supermercado, e assim vai.

O roteirista primeiro escuta os outros para em seguida usá-los.

Referências e Fontes:

CARRIÉRE, Jean-Claude / BONITZER, Pascal. Tradução de Teresa de Almeida, Prática do Roteiro Cinematográfico. 1. Ed. São Paulo: JSN Ed., 1996

CARRIERE, Jean-Claude, A Linguagem Secreta do Cinema, 1.Ed. Rio de Janeiro, Editora Nova Fronteira. 2006s

Cannibal Holocaust + CSS

2011-11-16T12:25:00.014-03:00

Por: Lucas Sá

Lançado a cinco dia atrás o novo clipe da banda brasileira Electro-pop-cool-hipster-minha roupa é minha vida, Cansei de Ser sexy, me trouxe uma alegre surpresa. O vídeo da música City Grrrl do também novo álbum da banda, intitulado de La Liberación, traz em sua abertura uma trilha instrumental de um dos filmes mais emblemáticos do cinema italiano.

No primeiro minuto do vídeo a vocalista Lovefoxxx sai de um ônibus com o letreiro: New York. É ai que a trilha composta por Riz Ortolani, tema do filme Cannibal Holocaust, começa a tocar. No longa essa trilha é que entrega certos tons melancólicos ao filme, confesso que quase choro vendo as cenas de horror canibalescas acompanhada por essa música. Riz Ortolani já realizou a composição musical de mais de 200 filmes, trabalhando com o mestre da pornografia italiana, Tinto Brass. Suas trilhas também foram utilizadas nos filme Kill Bill e Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino, grande fã das obras do país (quem não é?).

City Grrrl narra a trajetória de uma garota do interior que almeja/deseja ir para a cidade grande, no caso, Nova York. O clipe é o segundo do novo álbum e é um misto de referências visuais e fílmicas, como a já cansada e óbvia cena de Pulp Fiction, onde Uma Thurman faz um quadrado com seus dedos, formando na tela o desenho do seu movimento. O clipe também se mantém em sintonia, pelo figurino e locações do subúrbio nova-iorquino, com o filme Procura-se Susan Desesperadamente, protagonizado por Madonna quase antes de estourar com Like a Virgin.

La Liberación é o terceiro álbum da banda que ficou sumida durante alguns anos. Este novo projeto retoma o espírito sarcástico e infantil das músicas de seu primeiro disco, que alegrou a fãs que não se acostumaram e desaprovaram o tom mais maduro do segundo disco, intitulado de Donkey. Em La Liberación as batidas eletrônicas são mais agudas e irritantes, tudo isso com um toque mexicano e latino americano, como pode se perceber na introdução de City Grrrl, a melhor e mais boba música do álbum.

Falando em Cannibal Holocaust...

Esse mês irá ocorrer entre os dias 22 de novembro e 4 de dezembro o 6º Cinefantasy, festival paulista dedicado ao cinema de horror e fantástico. Dentre os longas e curtas ocorrerá a mostra Deodato Day, que irá exibir 3 longas do diretor italiano Ruggero Deodato, dentre eles, claro, não poderia faltar Cannibal Holocaust. Os outros dois são filmes raros de Deodato, como: O Último Mundo Dos Canibais e House On The Edge Of The Park.

Além dos longas nacionais (destaque para A Noite do Chupacabras, de Rodrigo Aragão) e internacionais, o festival irá exibir inúmeros curtas de realizadores independentes, como: ESTRANHA, de Joel Caetano
A VIDA DA MORTE, de Maciel Edinei Fischer
A NOITE DE SAMEDI, de Pedro Gandolla
CÉU, INFERNO E OUTRAS PARTES DO CORPO, de Rodrigo John
MORTE E MORTE DE JOHNNY ZOMBIE, de Gabriel Carneiro
O OGRO, de Márcio Júnior e Márcia Deretti
VELHOR MUNDO, de Armando Fonseca

O 6º Cinefantasy terão suas atividades no Cinesesc, na Cinemateca Brasileira, no Centro Cultural São Paulo e na Biblioteca Viriato Corrêa, todos em São Paulo, com sessões das 16h às 23h59.
Site: http://www.cinefantasy.com.br/

YOU BITCH DIE!!! - Vote no meu curta no Festival Mini Curtas

2011-11-11T13:40:00.009-03:00

Por: Lucas Sá

Bom, meu curta-metragem YOU BITCH DIE!!! claramente inspirado nos trailers falsos e trash do filme Grindhouse (Planeta Terror e Á Prova de Morte) está participando de uma competição online no Festival Mini Curtas, sediado em Salvador. O vídeo mais votado irá ganhar 3 mil reais, dinheiro que estou almejando para comprar uma câmera e realizar minhas próximas produções, uma T2i ou quem sabe uma Canon 5D! A competição é entre 50 vídeos realizados por câmera de celular e câmeras digitais fotográficas.

Para votar é bem fácil. É só colocar o email na barra que está abaixo do vídeo. Não precisa confirmar nada na caixa de entrada e nem fazer cadastro no site. É bem simples e rápido. Você pode votar com variados emails, mas somente um voto por cada um deles. O cabreiro é que hoje é o último dia de votação, espero que me ajudem a conquistar esse dinheiro. Vai me auxiliar em grande parte da produção do meu novo curta, intitulado de O MEMBRO DECAÍDO. Mas informações sobre o curta vão está aqui no LucasVille em breve.

Veja e vote no curta neste link: http://www.minicurtas.com.br/minicurtas/video/?vid=105

Desde já agradeço a ajuda de vocês!
Natasha Sharon também agradece!

Obrigado.

O Caos Reina!

2011-10-31T22:32:00.010-03:00

Airton Rener

"O que é bom? – Tudo que aumenta, no homem, a sensação de poder, a

vontade de poder, o próprio poder.

O que é mau? – Tudo que se origina da fraqueza.

O que é felicidade? – A sensação de que o poder aumenta – de que uma

resistência foi superada.

Não o contentamento, mas mais poder; não a paz a qualquer custo, mas a

guerra; não a virtude, mas a eficiência.

Os fracos e os malogrados devem perecer: primeiro princípio de nossa caridade.

E realmente deve-se ajudá-los nisso.

O que é mais nocivo que qualquer vício? – A compaixão posta em prática em

nome dos malogrados e dos fracos – o cristianismo..."

Friedrich Nietzsche, O Anticristo

ORSON - Revista de Cinema

2011-09-20T16:42:00.021-03:00

Por: Lucas Sá

Será lançada nesta quarta-feira, dia 21, a primeira edição da revista eletrônica ORSON, que poderá ser lida através do site oficial, que será divulgado no dia do lançamento, com possibilidade de download no formato pdf de toda edição.

A publicação, com periodicidade semestral, é uma iniciativa dos cursos de Cinema e Audiovisual e Cinema de Animação da Universidade Federal de Pelotas – UFPel e tem como objetivo criar na internet um espaço de divulgação e reflexão em torno do audiovisual, reunindo convidados, em sua maioria docentes e discentes tanto ligados à UFPel quanto a outras universidades, através de artigos inéditos. Com isso, a ORSON imprime um conceito de diversidade de pensamento, que se estende à valorização de toda e qualquer obra audiovisual, produzida em qualquer dispositivo.

Pelo sumário da edição, é possível vislumbrar essa diversidade: de Orson Welles a Lisandro Alonso, de Stanley Kubrick a Gustavo Spolidoro, do cinema silencioso, à animação gaúcha e à videoarte. E como entendemos que a literatura será sempre a fonte maior e mais sagrada de informação e reflexão, apresentamos também uma seção de resenha de livros que abordam o audiovisual, tratando desde a encenação, passando pelo som até à crítica de cinema.

Por fim, por que o nome ORSON? Se para muitos são dispensáveis as explicações, para outros, como os alunos de cinema recém começando a vida acadêmica, vale lembrar que Orson Welles é o pai do cinema moderno, nas palavras de um dos grandes especialistas na sua obra, Youssef Ishaghpour. Quando Orson Welles morreu, em 10 de outubro de 1985, no dia seguinte a capa do jornal francês Libération estampava a manchete: “LE GEANT” e logo abaixo, o jornal trazia: Orson Welles a été retrouvé mort hier dans sa residende d’Hollywood. Enfant prodige avant de devenir artiste prodige, mystificateur radiophonique, acteur shakespearien, promoteur de projets jamais réalisés et de films qui restent parmi les plus grands.

Texto simples que dispensa tradução, o Libération disse nas entrelinhas que Orson Welles foi gigante porque entendeu o cinema em suas múltiplas linguagens ao realizar o insuperável Cidadão Kane. Gigante porque só tinha 25 anos quando realizou esta obra; gigante porque o seu primeiro filme é tido como o melhor de todos os tempos, gigante porque expôs como ninguém a relação entre o poder e a lei em A Marca da Maldade; gigante porque concebeu F For Fake, um documentário que de tão falso esgota a discussão em torno do que pode ser considerado fato e ficção em um filme. Gigante porque continua a produzir o brilho nos olhos de todos aqueles que amam o cinema, sejam da academia, ou longe dela.

O que: Lançamento da revista ORSON
Onde: Centro de Artes da UFPel (Alberto Rosa, 62 – Pelotas)
Quando: dia 21 de setembro, quarta-feira, das 17h às 19h

Orson nas redes sociais:
facebook.com/revistaorson
twitter.com/revistaorson

Cinema, Vídeo, Godard... TV, Dubois, Haneke e Tracey

2011-09-15T09:41:00.026-03:00

Por: Lucas Sá

A natureza videográfica é incompreendida por meio de sua vasta mobilidade de uso e possibilidades transformadoras, pelo seu estado mecânico e computadorizado, que o torna uma imagem ainda mais subjetiva e invisível, quase intocável fisicamente. O vídeo é temido por grande parte da indústria cinematográfica, por ser um meio alegórico e de entretenimento barato, chegam até mesmo duvidar se o vídeo se enquadra no estreito e mesquinho padrão do que chamam de arte. Em seu lançamento, como alternativa de se fazer imagens em movimento tendo princípios digitais, o vídeo foi incorporado e ovacionado por vastos teóricos e especialistas do meio, pois viam no vídeo a oportunidade de se fazer verdadeiras pinturas móveis, o que o torna mais adequado ao ambiente de museus e galerias de arte. Fato curioso, já que se percebe nos anos 70 até final dos anos 90, uma verdadeira aversão a essa nova forma de imagem, receio que não se incorporou de imediato entre os artistas e teóricos. Foi a fagocitose frenética da TV sob o meio videográfico que tornou a sua feitura e visualização algo ofensivo para o cinema, transformando-o em algo gratuito e instantâneo, algo passageiro, efêmero. Pode ser tomado como exemplo os telejornais, que iniciam com filmagens de suas reportagens em película (propriedade do cinema) 16 ou 8 mm, e em seguida com o aparecimento do vídeo, essas mesmas reportagens se ajoelham pela a imagem digital e heterogênea (propriedade do vídeo). A filmagem em 16 e 8 mm não nega o apego televisivo de uma imagem barata e mais instantânea, sendo o vídeo a alternativa mais plausível e viável, já que nele encontram a mobilidade das câmeras e da imagem, o que ao contrário do cinema, é barata. Assim, pode ser feita uma relação desse pensamento, a de que o vídeo é menor do que o cinema, da mesma forma que o cinema foi visto injustamente pelo teatro como uma arte inferior e precária em sua linguagem.

Mas o que torna o vídeo tão divergente do cinema? Ambos são frutos de uma efervescência industrial que almeja cada vez mais novidades constantes e reais, mas seu comportamento, tanto visual quanto mecânico, é específico em cada meio, mesmo que ambos resultem plenamente em imagens móveis. O vídeo se apega dos termos e técnicas que já existiam no cinema e que pouco a pouco foram sendo criados por teóricos, entre eles, Eisenstein e Kuleshov. A idéia de plano, decupagem, corte, espaço off e montagem, foi se expandido nas áreas midiáticas e se tornando erroneamente universal. Esse apego surge de uma dúvida em relação o que se fazer com o vídeo, o cinema já existia, já tinha sua linguagem concreta, como também essa mesma linguagem rompida e inovada, com os jovens e cientistas da imagem da Nouvelle Vague. Logo os termos foram se implementando no ainda inconcreto sistema de imagem digital sem se questionar se esse grupo de palavras tornaria o seu significado correto e equivalente ao do cinema. Tratando o vídeo como cinema, e o cinema como vídeo. Claro, foi uma relação imposta, já que os dois promovem um mesmo produto, o de imagens em movimento. Se voltarmos a essa relação conturbada de ambos os meios, o cinema se insere em um abismo entre sua revolução e ao mesmo tempo a sua queda, isso para muito teóricos, como Jean Claude Carriere, pois é a forma de ver o vídeo que antipatiza seu caráter fixo de imagem artística, o de "o vídeo querendo ser cinema", além da falta de um estudo e embasamento científico mais próprio e íntimo na área. O contexto das palavras anteriores são implementadas e sintetizadas por Philippe Dubois em seu livro Cinema, Vídeo, Godard, quando este afirma que o vídeo "constitui, portanto, um pequeno objeto, flutuante, mal determinado, que não tem por trás de si uma verdadeira e ampla tradição de pesquisa. E é precisamente por isto que nos parece útil e interessante examinar tal coisa, reveladora à sua maneira, discreta e circunscrita, de problemas que só foram crescer com o desenvolvimento das tecnologias informáticas. A problemática do vídeo conduz de fato à questão mesma dos desafios da tecnologia no mundo das artes da imagem" (DUBOIS, 2004, p. 69 e 70).

A noção de termos específicos do cinema não pode e não deve ser compreendida na mesma equivalência ao vídeo. As especificidades da imagem digital o tornam como uma massa heterogênea, ou seja, o vídeo apresenta uma maior flexibilidade e facilidade de intervenção. É nessa heterogeneidade que esse meio se confronta com o cinema, que é estático e de certa forma homogêneo em relação as possibilidades de rompimento. Em sua trajetória, o cinema, se impregna do clássico, do linear, da clareza visual e narrativa. Já o vídeo, por meio de experimentações (palavra que cada vez mais se aproxima da imagem digital) de artista e cineastas curiosos, como o japonês-americano Nam June Paik, transformaram essa tela conformada em quadros gradativamente pirotécnicos, permitindo assim o manuseio e o controle absoluto da imagem. A idéia de profundidade de campo no vídeo, que para o teórico francês André Bazin, é a técnica mais sofisticada e realista da arte cinematográfica, perde o seu significado clássico, o de espaços formados por lugares físicos que nos dão uma fuga no olhar, pois o vídeo permite ao artista a constituição de incrustações na imagem, algo como a retirada de uma cor que forma um buraco preenchível na imagem, onde esse "buraco midiático" é preenchido por um outro vídeo através do Chroma Key . É essa sobreposição e fusão de imagens que dão ao vídeo uma tendência irreverente ao conceito natural de profundidade de campo, dando um aspecto de espessura, de volume e camadas a essa imagem. Logo, o plano unitário no vídeo é um conjunto de diferentes planos, ou seja, uma composição. Sobre esse conjunto visual e orgânico, Philippe Dubois afirma que "em vídeo, tudo provavelmente não passa de imagem, mas todas estas imagens são matérias" (DUBOIS, 2004, p. 89).
É essa materialidade que confronta outra idéia básica do cinema, a decupagem, e consequentimente o que se conhece por plano. A divisão e organização de cenas em uma tela antes da imagem digital era linear, prezando pela clareza a favor da narrativa, do racional. Entretanto, a organicidade do vídeo permitiu que planos únicos se sobreponham em uma mesma tela, e até mesmo que se incorporem uma na outra, dentro da outra. São imagens antes solitárias que dividem um mesmo espaço em conjunto, derrubando a lei de Newton de que dois corpos não ocupam uma mesma área. Como proceder e decupar esse plano dentro do plano? O vídeo embaralha essa regra metódica e se orgulha disso, um exemplo é o filme Os Fragmentos de Tracey, de 2007, dirigido pelo canadense Bruce McDonald. A estética visual do filme é baseada nos fragmentos de uma período conturbado da vida de uma adolescente de 17 anos, Tracey, interpretada pela talentosa Ellen Page. São esses pedaços de uma mente efêmera e juvenil que acabam interferindo não só no emocional da personagem, mas como também na imagem em que o espectador visualiza do universo caótico em que essa adolescente vive, e é a tela unitária que recebe essa carga de fragmentação, onde o que se vê são inúmeros cortes e imagens geométricas que ocupam o mesmo espaço, detalhes e ações em conjunto, mas ao mesmo tempo separadas em uma mesma área retangular. Veja uma cena do filme neste link: http://www.youtube.com/watch?v=TilubjW-eCE. Outro que se apropria do vídeo como camadas é o incompreendido House, filme japonês do diretor Nobuhiko Ohbayashi. Este se volta mais para o uso psicodélico e caleidoscópico da imagem digital, o roteiro pouco importa no filme de Nabuhiko, sendo uma fábula de terror com um humor negro afetado. Em certas cenas macabras o corpo dos atores é retirado por meio do uso do chroma key (geralmente azul ou verde), restando o que realmente importa para a cena, um braço arrancando, uma cabeça zumbi que morde as nádegas de uma bela jovem , ou até mesmo cotocos de dedos tocando piano. Uma das cenas significativas de House, de Nobuhiko Ohbayashi: http://www.youtube.com/watch?v=xOBCMoDGGZU.

O vídeo quando usado em sua forma original e pura, sem trucagens e fusões, é o que a imagem pode nos dar de mais real possível. Quando implementados, esses elementos (sobreposições, incrustações e janelas) é o que de mais plástico e falso pode nos oferecer. Mas é claro, dependendo do seu uso estilístico e sofisticação técnica. Não é atoa que câmeras filmadoras digitais são constantemente utilizadas na realização de documentários, tanto por seu custo e mobilidade física como quanto a textura em pixels, que está mais próxima do real do que os grãos da película cinematográfica. Está última é intima na elaboração de um espaço sofisticado, fantasioso e irreal, típico da imagem ficcional, o que diminui o potencial verídico da ação. O cineasta austríaco Michael Haneke é mestre no uso da arte digital como símbolo e captação do instante, do real. Em seu filme O Vídeo de Benny, de 1992, somos apresentados a uma primeira e chocante imagem, a de um porco sendo abatido em uma fazenda por uma arma de pressão que é pressionada sob crânio do animal. Essa cena é um longo plano sem cortes, estes que são típicos da farsa narrativa do cinema, filmada com uma câmera caseira de VHS de sua família. Nessa abertura Haneke nos coloca em uma posição de desconforto por parte de imagens que no nosso subconsciente sabemos que podem ser realmente reais, e são. Em uma dada cena, o jovem Benny assassina uma garota com a mesma arma de pressão usada para o grande e roliço porco, mas antes de ativar sua ação de carnificina, Benny liga a sua câmera VHS. Nesse momento vemos todo o assassinato por meio de uma TV que emite a mesma imagem da filmadora (cena comentada do filme: http://www.youtube.com/watch?v=ypsXOm3VbCY). Haneke nos incorpora mais uma vez a sensação de realidade intensificada pela a cena de abertura, nos mostra que este horror é real e que a imagem digital se torna uma prova da concretização da morte, mesmo que caseira, desse emolduramento. Essa cena, que enquadra o digital filmado com película, serve até mesmo como uma metáfora para a relação do vídeo com o cinema, já que muitos o viam como a morte da arte cinematográfica.

Retomo o meu pensamento inicial. O vídeo ainda pode ser visto como um sobrinho de segundo grau do teatro? O que se percebe no momento, é que cinema e vídeo, estão mais interligados do que nunca em relação ao seu passado separatista, é a idéia de convergência dos meios defendida por Arlindo Machado, em seu livro Arte e Mídia, tomando formas. O cinema e sua montagem digital, efeitos especiais, incrustações por chroma key e sensores de movimentos, o torna cada vez mais vídeo. Já o vídeo, com suas novas experiências com foco, sensores sofisticados, captação em full frame, Canon 5d, Red One, se torna cada vez mais cinema.

Referências e fontes:

MACHADO, Arlindo, Arte e Mídia. 2.ed. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Ed., 2008

DUBOIS Philippe, Cinema, Vídeo, Godard. 1 ed. São Paulo: Cosac Naify Ed., 2004

OS FRAGMENTOS DE TRACEY (The Tracey Fragments, 2007, Dir. Bruce McDonald)

HOUSE (House, 1977, Dir. Nobuhiko Ohbayashi)

O VÍDEO DE BENNY (Benny’s Video, 1992, Dir. Michael Haneke)

As Marretas em Leilão

2011-09-03T22:13:00.009-03:00

Por: Lucas Sá

Trabalhar Cansa, de Marco Dutra e Juliana Rojas - 2011

O Sétimo Continente, de Michael Haneke - 1989

O cenário genérico do rei

2011-09-02T12:29:00.020-03:00

Por: Lucas Sá

O uso de uma mesma paisagem, cenários abertos e naturais em filmes é algo corriqueiro na arte cinematográfica. Imagens da Torre Eiffel e ruelas variadas no novo Meia Noite em Paris de Woody Allen não é mais nenhuma novidade, ou como também as clássicas cenas filmadas de helicóptero que dão um giro em volta da estátua da liberdade com uma música triunfante de fundo. Essas são imagens que nos remetem a um lugar comum, são símbolos de uma nação, de seu avanço, todos queremos mostrar nossos monumentos, mesmo que repetida vezes! Viva! Viva!

Mas voltando a algo mais recluso. Uma casa, uma rua, e vários artistas. O que a casa número 33 da Rua Portland Place, em Londres, teria de tão especial além de sua beleza georgiana?

No oscarizado e mediano O Discurso do Rei, grande parte das cenas se passam em uma sala da casa número 33. A parede do fundo descascada, é o que parece ser, é algo significativamente belo de ser visualizado, e sem dúvidas é uma das imagens que ficam e permeiam na consciência do espectador que vê o longa de Tom Hooper. Mas essa mesma sala e parede (principalmente ela!) também foi motivo de curiosos notarem certas semelhanças de locação em outros filmes e clipes musicais já realizados. A notícia que se espalhou no período de lançamento do longa foi que a casa já tinha sido utilizada como locação em um filme pornô gay do site U.K. Naked Men, intitulado de Snookered, algo como uma mesa de bilhar, móvel que serve como cama para os dois homens no filme. Outro caso menos caótico foi no clipe da música ''Rehab'', da já falecida Amy Winehouse.

Tá, isso já passou, todo mundo já sabe... Mas o que me faz escrever essa postagem, é que sem pretensão nenhuma eu estava vendo um clipe de uma banda inglesa que a tempos não via e acabei me deparando com o mesmo "caso" mais uma vez. As The Pipettes era um trio de belas garotas, agora é uma dupla, que utiliza da estética e sonoridade dos anos 60, acompanhada por letras bobas e infantis. Em 2010 a banda se desmanchou e voltou apenas com duas integrantes, do qual o nome não me lembro no momento, mas lembro que são bonitas! As The Pipettes, em sua nova fase, se desapegaram em parte de sua imagem retrô, anulando as roupas de bolinha e as coreografias repetitivas que faziam durante os shows ao vivo. O clipe da música "Stop The Music" (clique aqui para ver), da nova fase da banda, que vi há uns dois dias por um caso no youtube.com, utiliza adivinhem o que como cenário central?! A maldita casa número 33 da rua Portland Place, em Londres!

Parede da casa nº 33 em O Discurso do Rei

Parede da casa nº 33 em Stop The Music, The Pipettes

Parede da casa nº 33 em Snookered, filme pornô

Parede da casa nº 33 em Rehab, Amy Winehouse

I Am Divine - Trailer do documentário sobre a estrela obesa de John Waters, a transviada DIVINE!

2011-08-26T23:32:00.021-03:00

Por: Lucas Sá

É o momento da grande diva do cinema podre do diretor norte-americano John Waters ter seu brilho singular. Divine, que se sobressai em extravagância em relação a figura escatológica de John Waters, sempre se manteve, como se diz em Pink Flamingos, "a pessoa mais grotesca do mundo", mas neste caso, a atriz!

Há pouco saiu o trailer do documentário I AM DIVINE, do diretor independente Jeffrey Schwarz, o mesmo de Wrangler: Anatomy of an Icon, sobre o famoso ator pornô Jack Wrangler. Neste link (http://tinyurl.com/3f4okyw) você pode fazer doações via internet para a modesta equipe de produção do longa. O lançamento do documentário sobre a carreira de Divine está previsto para 2012.

"Divine foi a minha amiga e musa destemida. Quem mais poderia ser tão convincentemente sendo uma delinqüente adolescente a assaltante, a mãe de prostituta, solteira, abusadora de crianças, modelo, assassina, e jailbird? Todos no mesmo filme? É por isso que eu estou dando a minha bênção completa para um novo filme, I Am Divine, de Jeffrey Schwarz. "- John Waters

Pôster do meu novo curta SANTA NAS COXAS

2011-08-06T18:55:00.012-03:00

Por: Lucas Sá

Esse é o pôster do meu curta SANTA NAS COXAS, que realizei exclusivamente para o festival CeluCine (http://www.celucine.com.br/2011/), especializado em curtas feitos por mídias móveis e com no máximo três minutos de duração. Todos os anos o festival escolhe temas para os vídeos se embasarem. A edição de 2011 vai ser dividida em quatro etapas com temas variados, o primeiro é "Ditados Populares". Para o curta escolhi o ditado "Quem canta seus males espanta”, em um envolvimento de religião, sexo e música. Os resultados dos melhores curtas dessa primeira etapa vão ser divulgados dia 12 de Agosto, no penúltimo dia do Festival de Gramado. O curta vai está nas redes apartir da data de divulgação dos selecionados da primeira etapa.

SANTA NAS COXAS com VIRGÍNIA FERREIRA
Em parceria com A VAPOR Estúdio.

Direção: Lucas Sá
Roteiro Original: Lucas Sá
Produção: Lucas Sá, Luciano Mello, Patrick Tedesco e Pablo Herzberg
Dir de Fotografia e Arte: Patrick Tedesco
Trilha Original: Luciano Mello
Continuísta: Pablo Herzberg
Montagem: Lucas Sá

Pelotas - RS

2011

O cabelo afiado de COFFY

2011-07-22T19:35:00.005-03:00

Por: Lucas Sá

Coffy preparando o ataque

Ataque Efetivado

THAT'S .A BINGO!

Cinema - Attenberg

2011-07-21T01:58:00.021-03:00

Por: Lucas Sá

A beleza perfeita e idealizada dos corpos das
esculturas gregas encontra sua estranheza.

Durante os três últimos anos a Grécia vem se tornando um pólo sustentável e disseminador de excelentes filmes. Attenberg, que a pouco foi escolhido para representar seu país no Oscar 2012 e que ganhou o prêmio de melhor Atriz no Festival de Veneza em 2010 pela atuação da estreante Ariane Labed, com Tarantino na presidência do júri, se revela como um empreguinador de certas tendências temáticas e estéticas que anos antes já se permeava sobre o cinema grego. O de causar reações incógnitas e choques através de situações e ações estranhas por parte de seus personagens incompreendidos.

Este é o primeiro filme da diretora Athina Rachel Tsangari a ganhar reconhecimentos mais amplos, seu filme anterior, The Slow Business of Going, quase não se tem informações precisas ou até mesmo o seu trailer. Attenberg, bebe abruptamente da fonte de um dos filmes dessa tendência deste ano, Dentes Caninos. A todo o momento, durante a projeção, cenas e situações de Dente Canino adentravam ao meu pensamento, desde a minha primeira visualização da arte do cartaz até a cena final, eu não parava um minuto de relacioná-lo com o excelente Dente Canino. As disponibilizações dramáticas da protagonista e de sua amiga, são semelhantes ao estado emocional dos jovens que são presos em suas casas por seus pais desde o nascimento para não terem contato com a sociedade externa e mundana. Cenas como a dança de Marina no quarto do hospital onde seu pai está internado, faz uma intima ligação com a cena das duas irmãs e suas danças bizarras inspiradas pelo filme Dirty Dance, em Dente Canino. Até mesmo a mise en scene da câmera em relação ao espaço físico, comprova esta ligação conclusiva da nova "tendência" do cinema grego. E é nos créditos finais de Attenberg que me deparo com o nome de Giorgos Lanthimos, como um dos atores do filme, no caso, um homem com quem Marina tem suas primeiras experiências sexuais masculina. Lanthimos, que é nada mais do que o próprio diretor de Dente Canino! E foi pesquisando afundo que percebi que não existe só uma ponte estética de ambos os filmes, mas há também uma intimidade profissional, já que a diretora Athina Rachel Tsangari também foi uma das produtoras do filme de Lathimos, este que não só atua, mas também restabelece a parceria produzindo Attenberg. Logo, ambos formam um grupo de influências no mínimo esquisitas, com fortes influências do estilo fílmico do diretor austríaco Michael Heneke. Estaria nascendo um novo manifesto ou cinema de escola? A escola dos anos 2000? Grega?
Ao contrário de Dente Canino, o longa de Athina Rachel, não busca motivos racionais para explicar o comportamento e os sentimentos de sua protagonista, Marina (Ariane Labed). A cena inicial é um exemplo dessa brutalidade narrativa que permeia constantemente as cenas de seu filme. Uma parede branca com desgastes de tinta é enquadrada, duas moças aparecem, são Marina e sua amiga pervertida Bella, ambas iniciam um beijo com línguas desordenadas e lambidas desengonçadas, objetivo? Sabermos que Marina nunca obteve relações emocionais ou sexuais com qualquer humano, a não ser com sua amiga Bella, mas ai não é emocional, é apenas experimental e didático. Aprenda como beijar, aprenda como tocar, aprenda como chupar... Está é a única deixa que talvez seja a causa das possíveis atitudes esquizofrênicas de Marina, e esta não é nem de perto a causa mor de Attenberg, mas sim a relação da mulher com o sexo, com o homem e os membros carnudos de copulação. Marina e Bella formam um conjunto de idéias rebuscadas sobre o ato sexual e seus mistérios imbecis, ou tabus. Como a própria protagonista afirma: "Algumas coisas deveriam permanecer em tabu...”

Em Attenberg, a carga dramática não se apresenta nas palavras e nem nos diálogos, estes são curtos e objetivos. Ariane Labed interpreta Marina de maneira fria e inorgânica, suas feições faciais são estáticas e não demonstram sentimentos exarcerbados, até mesmo no ato sexual com o personagem de Lathimos. Assim, são os corpos e seus movimentos que atribuem aos personagens algo que não chega a serem emoções, mas sim caráter do mais sujo e animalesco possível. Athina Rachel estabelece no roteiro a constante relação do homem como animal, como mamífero selvagem, fato que é presenciado em inúmeras cenas, como segundos depois do beijo bizarro da cena inicial, onde as duas se tornam felinos (onças ou gatos?) e começam uma briga com rangidos e gritos selvagens. Fundindo o beijo e as ações felinas, Athina Rachel, consegue teorizar em imagens, todo o contexto de seu filme em apenas uma única cena de abertura, no caso, a relação da mulher com o sexo e o homem como animal amazônico. Poderia citar no mínimo mais cinco cenas em que Athina Rachel nos joga na cara essa relação selvagem, mas uma em especial me fez lembrar outro filme. A cena em questão é uma sequências do pai de Marina e a própria imitando vários animais enquanto assistem um documentário sobre gorilas na TV, do diretor David Attenborough, sendo este o motivo do título do filme. O filme que me recordo de ver algo parecido, pessoas imitando animais como ato sexual, é a clássica cena de Paul e Jeanne em O Último Tango Em Paris, do Bertolucci. Os corpos dançantes em Attenberg também podem se revelar importantes na trama, como nas constantes cenas de Marina e Bella dançando coreografias bizarras que intercalam uma cena a outra. Movimentos que me fazem recordar novamente a dança freak das duas irmãs em Dente Canino. Logo, o corpo e suas articulações falam mais do que a boca. É a palavra sendo contestada pela carne. Mas, mesmo a carne sendo o elemento principal para maiores atos dramáticos e explicativos, o rosto, que faz parte desses corpos, não entra neste contexto, já que em toda a projeção ele permanece intacto e rígido, não permitindo criar espaço para emoções passageiras e banais. Mesmo com a previsão de que seu pai vai morrer, fato que fica claro desde o princípio, sua relação é distante, com exceção de uma única cena, a final, onde Marina joga as cinzas de seu pai no mar. Seu rosto se desmorona por instantes, mas ainda sim continua intacto e extremamente frio.
O próprio pôster de divulgação do filme revela essa interação do cinema com o corpo. Na arte podem ser visualizados apenas os ombros da protagonista, em uma posição rígida e incomum. Mas seu rosto, "o cinema é dos rostos! Dos códigos do rosto...", como disse o diretor Peter Greenaway, Não aparece. Falando nisso, o pôster do filme foi minha principal motivação para vê-lo, é bastante instigativo e aguça a curiosidade de quem o vê. Este também teve forte ligação com a frase do Tarantino, quando o mesmo entregou o prêmio de Melhor Atriz em Veneza para Ariane Labed, ele disse: “Ficamos encantados pelo filme, que cresceu vagarosamente na nossa consciência. Não sabíamos que prêmio dar até começarmos a discutir melhor atriz. Aí ficou evidente que tinha de ser este, porque todo o filme é construído sobre seus ombros!”.

Outro elemento que ultrapassa a barreira do corpo são os objetos. A questão do sexo no contexto social é revertida em Attemberg para os objetos, uma relação de ambiguidade linguística e significativa. Como nas cenas de vários esguichos de água em jardins, que podem ser vistas como o sêmen masculino sendo arremessado pelo canal peniano. A água que rega e que permite disseminar as plantas ao seu redor se torna o sêmen, o elemento criador dos homens. Não é só aqui que o sexo está ligado a natureza. Em uma cena Marina corta pedaços de babosa e de dentro delas tira uma gosma semelhante a textura do sêmen masculino que em seguida a passa nas mãos de seu pai doente. Há também em um dos poucos diálogos longos do filme essa relação homem/natureza novamente, onde Bella afirma que sonha com árvores que os frutos que saem de seus galhos são pênis dos mais variados tipos. Mas em Attenberg, o que importa são os corpos!

- Algo como uma enorme pereira cheia de pênis...
Só que em vez de pêras, elas tinham pênis pendurados.
- Como assim?
- Grandes, pequenos, médios... Enrugados... Eretos, leitosos e suculentos. Alguns curvados à esquerda, alguns à direita, alguns com prepúcio, outros sem. Árvores com pênis. Árvores de pau!

Atividade Paranormal Aracaju: Entrevista com Marlon Delano

2011-07-18T23:42:00.056-03:00

Por: Lucas Sá

É a vez de o Brasil ter sua versão do filme de sucesso Atividade Paranormal! Com poucos recursos e em apenas uma noite, o diretor Marlon Delano, realizou um curta no mesmo estilo documental dos filmes desse novo estilo cinematográfico, que para mim, já está se tornando um gênero enraizado. Com 14 minutos de duração e a câmera-personagem, Atividade Paranormal Aracaju consegue manter-se tenso a todo o momento, atribuo isso, sobretudo, a atuação de Samara Peixoto, que me fez sentir com clareza o tormento sobrenatural que persegue sua personagem. Até em certos momentos cômicos, protagonizados pela própria Samara, o curta não se deixa levar a essa linha tênue que é o terror perante a comédia. Atividade Paranormal Aracaju foi realizado para o concurso cultural da distribuidora nacional Playarte, do filme tributo do original, que se passa em Tóquio, ao qual Marlon Delano foi o vencedor, faturando 5 mil reais e reconhecimento nacional, já que seu curta está sendo comentado em inúmeros canais midiáticos. Abaixo, realizamos uma entrevista exclusiva, por email, com o próprio realizador do curta, Marlon Delano, jovem que está no 6º período do curso de graduação em Audiovisual na Universidade Federal de Sergipe (UFS).

LV: Qual foi o custo e período de produção do curta?
Delano: Quando eu soube do concurso faltavam apenas 4 dias para o fim das inscrições que era por link no videolog, então foi tudo bolado nas pressas. Tive a idéia ter dois irmãos, já que na época Samara estava morando comigo temporariamente, o engraçado é que depois eu soube que o Atividade Paranormal Tóquio também eram sobre dois irmãos. Gravamos em uma única noite, na noite seguinte só refizemos umas 2 cenas tudo muito rápido e corrido, o custo da produção foi de R$1,50, do litro de álcool que comprei na vendinha perto de casa para a cena do fogo. Depois corri pra editar e postei o vídeo no último dia, acho que no total foram dois dias de produção.

LV: Em Atividade Paranormal Aracaju, vemos uma forte tendência ao gênero horror e ao novo estilo pseudo-documentário, como os filme REC, O Caçador de Trolls e Cannibal Holocaust. Além desses gêneros, quais diretores e filmes você é influenciado em suas obras em geral?
Delano: Então, o curta foi no estilo documental para seguir a linha do filme original e foi uma experiência legal, pois há algum tempo eu já tinha a idéia de fazer algo assim, então foi um empurrão, o chato é que tive que atuar, foi péssimo, não nasci para ser ator (rs). Eu nunca fui muito de me influenciar por outros diretores, não por querer ser original, nem nada disso, mas é algo que nunca parei para pensar, tipo seguir o estilo de “alguém”. Eu adoro filmes de drama e também de filmes pesados e densos, que te deixam pra baixo embora nenhum de meus curtas tenha sido ainda nesse estilo, gosto muito do trabalho do Esmir Filho, ele faz filmes sobre adolescentes de uma forma que faz agente realmente se lembrar de como eram as épocas de escola e dos 15 anos, gosto muito do trabalho dos caras do Trincheira Filmes de Recife, ao qual já tive a oportunidade de conhecê-los pessoalmente, mas resumindo, não sigo nenhuma linha, apenas faço o que vem na mente.

LV: Em seu canal no youtube, pode ser visualizado o teaser de alguns curtas, como o “Pupas”. Sobre o que é essa produção e o que você pretende fazer depois do sucesso de Atividade Paranormal Aracaju?
Delano: Tenho também o canal www.youtube.com/lastimus que tem uns trabalhos mais antigos e mais vídeos como os meus de desenhos e manipulações no Photoshop. O Pupas é um roteiro que escrevi para o futuro, ainda não tenho condições de fazer o filme, não é um filme difícil, mas eu quero muita realidade nele. Pupas, trata de abduções, mas não aquelas de mostrar naves mirabolantes ou ETs, é algo mais psicológico também, tenho também um teaser do A Última Fronteira, que foi um roteiro escrito para uma aula e que tirou nota máxima, era uma historia que eu tinha escrito na 8ª série, então só dei umas adaptadas, futuramente pretendo colocar ele para frente, é um filme pesado emocionalmente, tem algumas viradas que meus professores acharam geniais, então acho que é um roteiro com potencial. Não sei se o Atividade Paranormal Aracaju foi um sucesso (RS), muita gente amou e muita gente odiou, acho que está meio a meio, ele tem muitas falha, mas atribuído a correria que foi e toda a improvisação, mas gostei muito da experiência com o suspense, embora eu assista muitos filmes do tema nunca tinha feito nenhum, estou pensando em fazer um próximo trabalho com algo do tipo.

LV: No curta você utilizou variadas peripécias para realizar as trucagens macabras que atormentam a personagem da atriz Samara Peixoto. Você pode descrevê-las? E quais eram as outras que você pretendia colocar, mas que por motivos de tempo não foram postas na edição final do curta?
Delano: Pois é, primeiro coloquei a cena clássica da porta abrindo e fechando sozinha, eu fiquei atrás da porta e eu mesmo abri e fechei, o difícil é que quando fizemos muitas cenas só tinha eu, ela e meu amigo Cleiton Lobo, que só chegou um tempo depois para ajudar. Depois tem a cena das luzes que ascendem e apagam, a cena do fogo, que foi o gasto de produção de 1 real e 50 centavos(rs), fui comprar na mesma noite por que não tinha álcool em casa, então joguei no chão e toquei fogo, na edição eu só fiz inverter a cena, então é como se o fogo surgisse do chão. Logo em seguida vem a cena que eu mais gosto, a da cama se mexendo com ela em cima, foi meu amigo Cleiton que moveu a cama. A cena final, em que eu e Samara somos arrastados foi ele também que arrastou ela junto comigo. As cenas que eu queria fazer era algo flutuando e caindo na cozinha, queria também ter feito algo com vento abrindo todas as portas de vez, e também ter feito algo com sangue. Muitas das pequenas idéias que vinham na hora acabavam sendo inviáveis devido ao tempo.

LV:Voltando para o lado acadêmico. O que está achando, até o momento, do seu curso de graduação em Audiovisual na Universidade Federal de Sergipe (UFS)?
Delano: Não só o curso de Audiovisual da UFS, como também todo o departamento de comunicação estavam passando por muitas dificuldades, sem equipamentos, salas adequada, professores e sempre que solicitávamos algo nunca era concretizado. Alguns professores nossos tentam ajudar, alguns compraram equipamentos do próprio bolso para darem aula, então foi preciso medidas drásticas, até que resolvemos ocupar a reitoria. Invadimos e acampamos por quase duas semanas, só sairíamos quando o reitor se pronunciasse em uma assembléia pública e cedesse o material que precisaríamos. O interessante é que na sala dele encontramos vários pacotes de programas que usaríamos para edição, além de lentes e câmeras... Enfim, uma putaria. Então houve a tal assembléia e a secretaria da educação deu dois meses para eles conseguirem tudo que precisávamos. E rapidinho tudo mudou! Eu estou indo para o 6º período e digo que só agora vou começar a ter aulas de verdade.

LV: Você é um dos jurados do festival sergipano tr3s.minutos. Como surgiu o convite e o que você espera do resultado e das dimensões que o festival vai lhe proporcionar?
Delano: Quem começou a organizar o festival foram alguns amigos meus de turma, o festival, assim como também o Sercine, Festival de Cinema Universitário, foram criados por alunos em parceria com o NPD Orlando Vieira, com competência muito grande. Está dando resultados muito positivos, maior do que esperávamos. O convite surgiu numa simples pergunta, “Marlon você quer participar do festival como concorrente ou quer ser um jurado?” Então pensei rapidinho... Decidi ser jurado, até por ser uma experiência nova e como eu já participei de muitos festivas estava a fim de sentir como é a emoção de estar do outro lado e aprovar ou não os curtas. Em agosto irei ministrar uma oficina de vídeo digital e participarei da mesa de debate como realizador sergipano, eu sou o maior crítico de mim mesmo, às vezes sou muito inseguro, mas o pessoal me dá muito apoio e incentivo, sou um cara de sorte (rs). Com o crescimento desses festivais creio que em breve Aracaju começará a ser mais conhecido no meio cinematográfico, sendo que longas e novelas já foram rodados nas terras de “Serigy”. Orquestra dos Meninos, Aos ventos que Virão, O Senhor dos Labirintos, Tieta, Cordel Encantado são alguns exemplos. Existe também há 11 anos o Curta-SE, Festival Ibero Americano de Cinema, no qual fui selecionado ano passado com o curta Sede e Saudade e esse ano com o curta Lembranças, agora é torcer, mas esse ano está bem acirrado, pois as produções aumentaram, graças a divulgação de nossos trabalhos aqui em Sergipe. E é isso, valeu!