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Coletivo Êxodo apresenta “Amores Surdos” na Casa Farofa

2026-10-27T13:44:24.300-03:00

Coletivo Êxodo apresenta: “Amores Surdos” na Casa Farofa

Amores surdos - foto de Thaina Tibana

O Coletivo Êxodo apresenta “Amores Surdos: O Balde de Lama e o (Ch)amado Silêncio”, adaptação da dramaturgia de Grace Passô, na Casa Farofa – Sala Teatro da Vertigem, de 6 a 8 de novembro de 2026, com entrada gratuita. Dirigida e adaptada por Luize, a montagem reúne quatro atores e dois músicos em cena para investigar os conflitos, as ausências e os silêncios que atravessam as relações familiares.

Escrito em 2006, o texto acompanha uma família confinada em uma casa onde faltam dinheiro, espaço e diálogo. Enquanto a mãe tenta manter o cotidiano sob controle, os três filhos desenvolvem maneiras próprias de evitar os conflitos. A situação é atravessada pela presença dos vizinhos, que observam e comentam a dinâmica familiar, e por elementos absurdos, como um hipopótamo, que abre espaço para diferentes interpretações.

A montagem preserva a estrutura fundamental da dramaturgia original, mas incorpora cenas e situações criadas pelo coletivo durante o processo de pesquisa. A encenação combina música original executada ao vivo, dança, partituras corporais e projeções. Em determinados momentos, os atores deixam seus personagens para falar diretamente com o público, expondo os mecanismos da representação e estabelecendo uma relação entre ficção e realidade.

A trilha sonora, composta por Caos Nicioli, integra a ação cênica e contribui para a construção da atmosfera do espetáculo. Os músicos também assumem a função de personagens, representando os vizinhos da família central. Já a cenografia de Gustavo Feitosa utiliza caixas, objetos domésticos suspensos e outros elementos para criar a imagem de uma casa ameaçada pela instabilidade.

Criado no segundo semestre de 2025 por estudantes de Artes Cênicas da Universidade Estadual Paulista (UNESP), o Coletivo Êxodo desenvolve uma pesquisa baseada na criação coletiva, na experimentação de linguagem e na participação horizontal de seus integrantes. A montagem marca o início desse percurso artístico e integra um projeto de extensão universitária.

Coletivo Êxodo

Criado no segundo semestre de 2025, o Coletivo Êxodo reúne estudantes vindos de diferentes regiões do Brasil e de São Paulo que se encontraram no curso de Artes Cênicas da UNESP. O grupo surgiu do interesse em experimentar o fazer teatral de maneira coletiva e horizontal, permitindo que seus integrantes ocupem diferentes funções artísticas e técnicas ainda durante a graduação. “Amores Surdos: O Balde de Lama e o (Ch)amado Silêncio” inaugura essa pesquisa, que articula formação acadêmica, experimentação de linguagem e criação teatral.

A temporada integra um projeto de extensão universitária contemplado em edital da UNESP que teve apresentações gratuitas na universidade e agora em novembro, se apresenta na Casa Farofa, na Sala Teatro da Vertigem, ampliando a circulação da produção realizada no ambiente universitário para outros espaços e públicos.

Ficha Técnica

Direção e adaptação: Luize

Assistente de direção e iluminação: Dafne Ohana

Elenco: Débora Oliveira, Pedro Urbano, Lorena Rodrigues e Helena Bechara Nacarato

Músicos: Caos Nicioli e Caetano Nicioli

Composição musical: Caos Nicioli

Produção fonográfica: Adelmo Henrique

Cenografia: Gustavo Feitosa

Produção: Annaís Ballaminut

Coreografia: Giovanna Gomes

Assistente de coreografia: Maria Vintana

Fotos: Luísa Gastaldi e Thaina Tibana

Figurino: Anna Madrid

Confecção de Figurino: Rafaela Aventurato

Divulgação: Lorena Rodrigues e Helena Bechara

Designers: Luiza Latorre e David Horeglad

Orientação: Pedro Haddad

Provocação Vocal: Sofia Vilasboas Slomp

Serviço

Amores Surdos: O Balde de Lama e o (Ch)amado Silêncio

Datas: 6, 7 e 8 de novembro de 2026
Horário: sexta a domingo, às 19h
Local: Casa Farofa – Sala Teatro da Vertigem
Endereço: Rua Treze de Maio, 240, 1º andar, São Paulo (SP)
Entrada: gratuita, com ingressos via Sympla
Duração: 60 minutos
Classificação indicativa: 12 anos

Dicas de Filmes: Arte e Cultura: LOVE IS THE DEVIL (1998)

2026-10-23T09:27:26.006-03:00

Dicas de Filmes: Arte e Cultura: LOVE IS THE DEVIL (1998)

Para quem se interessa pela vida e pela obra de grandes artistas do século XX, Love Is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon (1998) é uma obra intensa e perturbadora que explora os aspectos mais sombrios da trajetória do pintor britânico Francis Bacon, um dos nomes mais importantes da arte contemporânea.

Dirigido por John Maybury, o filme acompanha o relacionamento turbulento entre Bacon, interpretado magistralmente por Derek Jacobi, e George Dyer, vivido por um jovem Daniel Craig, anos antes de alcançar fama mundial como James Bond. A narrativa concentra-se em um período específico da vida do artista, entre 1963, quando conhece Dyer, e 1971, ano em que seu amante comete suicídio na véspera da inauguração de uma grande retrospectiva de Bacon no Grand Palais, em Paris.

Mais do que uma cinebiografia convencional, Love Is the Devil mergulha no universo psicológico do pintor, reproduzindo visualmente a atmosfera angustiante, deformada e intensa presente em suas obras. A fotografia, a direção de arte e a montagem dialogam diretamente com a estética de Bacon, criando uma experiência cinematográfica que aproxima o espectador de sua visão de mundo.

O filme oferece uma reflexão profunda sobre criatividade, obsessão, amor, dependência emocional e os limites entre arte e vida. Embora não apresente um retrato completo da carreira do artista, constitui uma oportunidade valiosa para compreender as experiências pessoais que influenciaram parte significativa de sua produção artística.

Por que assistir?

Conhecer mais sobre a vida de Francis Bacon e sua produção artística.
Observar como a linguagem cinematográfica dialoga com a pintura contemporânea.
Refletir sobre as relações entre criação artística, sofrimento e experiência pessoal.
Apreciar as atuações marcantes de Derek Jacobi e Daniel Craig.

📽️ Ficha Técnica

Título: Love Is the Devil: Study for a Portrait of Francis Bacon
Ano: 1998
Direção: John Maybury
Gênero: Drama biográfico
País: Reino Unido

Uma obra visualmente impactante e emocionalmente intensa, recomendada para amantes da arte, da história da arte e do cinema biográfico.

DICAS DE FILMES: ARTE E CULTURA: AGONIA E ÊXTASE (1965).

2026-10-21T09:51:11.675-03:00

Dicas de Filmes: Arte e Cultura: Agonia e Êxtase (1965)

Agonia e Êxtase (1965): A Arte, o Poder e a Criação de uma Obra-Prima

Entre os filmes que todo apaixonado por arte deveria assistir, Agonia e Êxtase (The Agony and the Ecstasy, 1965) ocupa um lugar de destaque. Dirigido por Carol Reed e baseado no romance homônimo de Irving Stone, o longa-metragem recria um dos episódios mais fascinantes da história da arte: a realização dos afrescos do teto da Capela Sistina por Michelangelo Buonarroti.

A narrativa acompanha o intenso embate entre o genial artista renascentista Michelangelo e o poderoso Papa Júlio II. De um lado, um criador obstinado, perfeccionista e dedicado à busca da beleza ideal; do outro, um líder determinado a consolidar o poder da Igreja por meio de grandiosas realizações artísticas. O confronto entre essas duas personalidades fortes revela os desafios enfrentados pelos artistas, que muitas vezes precisam equilibrar sua visão criativa com as exigências de seus patrocinadores.

Interpretado com intensidade por Charlton Heston, Michelangelo surge como uma figura inquieta, apaixonada pela arte e constantemente atormentada pela busca da perfeição. Já Rex Harrison oferece uma atuação marcante como o Papa Júlio II, evidenciando a complexa relação entre poder, religião e produção artística durante o Renascimento.

Além de apresentar um importante capítulo da história da arte, Agonia e Êxtase encanta pela reconstituição de época, pelos cenários grandiosos e pela valorização do processo criativo. O filme convida o espectador a refletir sobre os sacrifícios, as dúvidas e a persistência necessários para transformar uma visão artística em uma obra eterna.

Mais do que uma cinebiografia, a produção é uma homenagem à força transformadora da arte e ao legado de Michelangelo, cuja pintura da Capela Sistina continua sendo uma das maiores realizações da humanidade. Para estudantes, pesquisadores, artistas ou simplesmente admiradores da arte, este clássico permanece uma experiência inspiradora e indispensável.

Se você aprecia filmes que unem história, arte e grandes interpretações, Agonia e Êxtase é uma obra obrigatória. Uma viagem ao coração do Renascimento e aos desafios criativos de um dos maiores gênios da história da arte. 🎨🎬

EXPOSIÇÃO: "Castelo de cartas" por Sonia Guggisberg

2026-10-19T13:30:13.468-03:00

EXPOSIÇÃO: "Castelo de cartas" por Sonia Guggisberg

EXPOSIÇÃO PICASSO, A CONSTRUÇÃO DE UM GÊNIO

2026-10-19T10:05:16.578-03:00

exposição: Picasso, a construção de um gênio

Foto reprodução: Dans l'atelier de Picasso, Femme Assise, coleção particular ® Successi

O Sesc Palladium, em Belo Horizonte/MG, apresenta exposição inédita com 80 obras originais de Pablo Picasso.

São 120 obras no total, e a exposição destaca a influência de Dora Maar e Françoise Gilot na trajetória do artista espanhol, um dos principais nomes da arte moderna e um dos criadores do Cubismo.

O percurso expositivo reúne gravuras, cerâmicas e fotografias que revelam diferentes momentos da produção do artista espanhol. Entre os destaques estão a gravura Le Repas Frugal (1904), a série Suite des Saltimbanques, a coleção Tauromaquia e trabalhos relacionados ao conto A Obra-Prima Ignorada, de Honoré de Balzac. A exposição também apresenta 12 cerâmicas produzidas por Picasso entre 1948 e 1959, no ateliê Madoura, em Vallauris, na França, além de fotografias de Robert Capa.

A mostra propõe uma abordagem que vai além da trajetória individual de Picasso ao destacar artistas que participaram de seu ambiente criativo. Dora Maar, fotógrafa, poeta e pintora francesa, está representada por 15 trabalhos, incluindo registros da criação de Guernica (1937). Já Françoise Gilot, pintora e escritora, aparece com 16 litografias da série Pages d’Amour (1951). Ao reunir essas produções, a exposição amplia o olhar sobre as relações artísticas e intelectuais que marcaram a trajetória do pintor.

Com curadoria de Luca Baroni, o projeto também oferece recursos digitais, materiais educativos, textos em linguagem acessível e ferramentas de acessibilidade para pessoas com deficiência visual. Visitas mediadas para estudantes de escolas públicas e privadas serão realizadas mediante agendamento. O percurso inclui ainda uma instalação interativa que permitirá aos visitantes produzir registros fotográficos inspirados no universo da exposição.

Integrado à programação comemorativa, o Espaço Sesc 80 anos em Minas apresenta obras da Coleção Arte Sesc em Minas, fotografias e documentos históricos sobre a atuação da instituição na preservação e difusão do patrimônio cultural mineiro. O núcleo também reúne sete obras de mulheres ceramistas do Vale do Jequitinhonha, estabelecendo um diálogo entre diferentes tradições e processos de criação.

Picasso, a construção de um gênio fica em cartaz de 24 de outubro a 13 de dezembro de 2026, no mezanino do Sesc Palladium, avenida Augusto de Lima, 420, Centro, Belo Horizonte/MG. De terça-feira a domingo e feriados, das 9h às 20h. A entrada é gratuita, sujeita à lotação do espaço. Os ingressos estarão disponíveis a partir de 20 de outubro, pelo Sympla, com liberação semanal de lotes às terças-feiras, às 13h.

Também será possível retirar ingressos presencialmente na bilheteria, conforme disponibilidade, que funciona de terça-feira a domingo, das 12h às 18h. As visitas têm entradas a cada 30 minutos, com tolerância de até 15 minutos em relação ao horário indicado no ingresso.

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Foto divulgação (outubro/2026): Dans l'atelier de Picasso, Femme Assise, coleção particular ® Successi

Exposição: Picasso, a construção de um gênio - 24/10/2026 a 13/12/2026
Fonte: Sesc Palladium
📍 Endereço: Avenida Augusto de Lima,420 – Belo Horizonte - MG, Brasil

📞 Contato: +55 (31) 3270-8100
🔗 https://sescmg.com.br/unidade/sesc-palladium/

O CÉU DE DURVALINA NO SESC BELENZINHO

2026-10-15T14:50:02.866-03:00

O CÉU DE DURVALINA

Cena de “O Céu de Durvalina” – Foto: Ariane Artioli

Causos de Rolando Boldrin chegam ao palco do Sesc Belenzinho em “O Céu de Durvalina”, com Geni Cavalcante

Às vésperas dos 90 anos que Rolando Boldrin completaria em outubro, “O Céu de Durvalina” tem direção artística de Ronaldo Aguiar e dramaturgia de Nereu Afonso da Silva.

Pesquisa de Geni Cavalcante nas ruas de São Paulo incorpora gestos, falas e movimentos de trabalhadores e migrantes à personagem por meio da Mimesis Corpórea.

Os causos de Rolando Boldrin chegam aos palcos às vésperas do aniversário de 90 anos que o artista completaria em 22 de outubro. A partir de 29 de outubro, o Sesc Belenzinho recebe “O Céu de Durvalina”, solo de Geni Cavalcante que retoma uma personagem criada entre 2009 e 2010, a partir da obra de Boldrin. A montagem é uma homenagem ao artista, cuja trajetória na música e na televisão esteve ligada à valorização da cultura popular brasileira.

A personagem Durvalina surgiu no espetáculo “Contando Causos”, dirigido por Ana Wuo, no qual Geni Cavalcante recriava figuras do cotidiano por meio da Mimesis Corpórea, procedimento de pesquisa desenvolvido pelo Lume Teatro. A atriz conheceu e trabalhou a personagem a partir da observação de pessoas reais e, mais de uma década depois, decidiu aprofundá-la em um solo. Para a nova montagem, os causos de Boldrin foram incorporados à dramaturgia de Nereu Afonso da Silva, com autorização de sua viúva, Patrícia Boldrin.

Em “O Céu de Durvalina”, Durvalina é uma mulher que deixou São João do Paraíso, no interior de Minas Gerais, há mais de três décadas, carregando o sonho de comprar uma máquina de costura para a mãe. Em São Paulo, vende bolos e café em um ponto de ônibus, onde compartilha causos e memórias com quem passa. A personagem atravessa histórias de migração, saudade e pertencimento, em diálogo com referências da música raiz caipira e com o universo dos causos populares.

A MONTAGEM - O espetáculo também recupera a relação de Geni Cavalcante com o repertório de Boldrin. Em “Contando Causos”, o artista acompanhou o trabalho da atriz e se emocionou com a criação. Agora, os causos voltam à cena em uma obra construída especialmente para Durvalina. O espetáculo traz ainda referências musicais ligadas ao universo de Boldrin, com canções e gravações de nomes como Milionário & José Rico, Pena Branca & Xavantinho e Helena Meirelles. Em uma das cenas, Durvalina dança com o vestido da mãe ao som de “Mãezinha Querida”, de Carlos Galhardo.

A relação com a cultura do interior também aparece em um momento em que a personagem convida o público a participar de uma lembrança da festa de São João do Paraíso, o “Segura Cano”. Em cena, o café servido por Durvalina reforça a proximidade com o público e o cotidiano da personagem.

A construção da atual Durvalina partiu ainda de uma nova pesquisa realizada por Geni Cavalcante nas ruas de São Paulo, com vendedores ambulantes, motoristas e cobradores de ônibus, porteiros, trabalhadores de supermercado, garçons e migrantes. Gestos, modos de falar e formas de caminhar observados nesse processo foram incorporados à personagem por meio da Mimesis Corpórea. A Durvalina apresentada agora, porém, é uma personagem ficcional, construída a partir dessas referências e da trajetória iniciada em “Contando Causos”.

Rolando Boldrin morreu em novembro de 2022, aos 86 anos. Durante 17 anos, apresentou o programa “Sr. Brasil”, na TV Cultura, dedicado à música e às manifestações da cultura popular brasileira. Em 2015, recebeu a Ordem do Mérito Cultural do governo federal. “O Céu de Durvalina” se soma às homenagens ao artista ao levar novamente seus causos para a cena, agora integrados à trajetória de uma personagem que nasceu justamente desse repertório.

SINOPSE - Em cena, Durvalina é uma mulher que deixou São João do Paraíso (MG) há mais de três décadas, carregando o sonho de comprar uma máquina de costura para a mãe. Hoje vende bolos e café num ponto de ônibus em São Paulo, onde compartilha causos e memórias com quem passa. Inspirado em "Contando Causos", espetáculo de 2010 sobre a obra de Rolando Boldrin, o solo tem atuação de Geni Cavalcante, direção artística de Ronaldo Aguiar e dramaturgia de Nereu Afonso da Silva. Uma homenagem à cultura popular brasileira e aos migrantes que vieram para a cidade grande.

FICHA TÉCNICA
Atuação: Geni Cavalcante
Dramaturgia: Nereu Afonso da Silva
Argumento e pesquisa: Geni Cavalcante
Direção artística: Ronaldo Aguiar
Co-direção: Leandro Simões
Preparação da atuação: Mawusi Tulani
Mimesis Corpórea: Ana Wuo
Colaboradora cênica: Cristiane Urbinatti
Designer de luz: Giovanna Gonçalves
Direção musical: Leandro Simões
Figurinos: Christiane Galvan
Costureira: Mariluce Constantina da Costa
Adereços e cenário: Bira Nogueira
Contrarregra: Paulo Pellegrini
Técnica de luz: Stella Politti
Técnico de som: Leandro Simões
Causos: Rolando Boldrin
Produtora Executiva e Diretora de Produção: Taís Cabral
Designer gráfico: Saulo Martin
Assessoria de Imprensa: Canal Aberto Comunicação
Mídias sociais: Flávio Petins
Fotos: Ariane Artioli
Realização: Justas Produções

SERVIÇO

O Céu de Durvalina
Sesc Belenzinho – Sala de Espetáculos II

De 29 de outubro a 13 de dezembro de 2026
Quinta-feira (29/10), sextas e sábados, às 21h; domingos e feriado (20/11), às 17h
22 apresentações

Sessões com acessibilidade em Libras:

14 de novembro, sábado, às 21h

20 de novembro, sexta-feira, às 17h

05 de dezembro, sábado, às 21h

13 de dezembro, domingo, às 17h
Duração: 70 minutos
Classificação: 12 anos

Sesc Belenzinho

Endereço: Rua Padre Adelino, 1000.  

Belenzinho – São Paulo (SP)  

Telefone: (11) 2076-9700  

sescsp.org.br/Belenzinho  
  

Transporte público    

Metrô Belém (550m) | Estação Tatuapé (1400m) 

Estacionamento  

De terça a sábado, das 9h às 21h. Domingos e feriados, das 9h às 18h.    

Valores: Credenciados plenos do Sesc: R$10,00 a primeira hora e R$4,00 por hora adicional. Não credenciados no Sesc: R$20,00 a primeira hora e R$5,00 por hora adicional.  

Fonte: Canal Aberto Assessoria de Imprensa

www.canalaberto.com.br

Um compromisso com a arte

2026-10-14T16:36:26.739-03:00

Um compromisso com a arte

Colagem 1 - Sidnei Lugouv, 2026

A arte deveria ser livre e acessível a todos os cidadãos. No entanto, essa realidade ainda está longe de ser alcançada. Cada vez mais, percebe-se um distanciamento entre as manifestações artísticas e a população socialmente mais vulnerável, que muitas vezes encontra barreiras para usufruir plenamente dos bens culturais.

Colagem 2 - Sidnei Lugouv, 2026

Quando penso em arte, imagino um mundo mais colorido, inclusivo e acessível. Penso na música, no teatro, nas artes visuais, no cinema, na arquitetura e no design como expressões capazes de transformar a sociedade. Todos os artistas e profissionais da cultura deveriam ter a oportunidade de compartilhar seus talentos, contribuindo para um mundo repleto de cores, sons, emoções, imagens e criações que inspirem, eduquem e aproximem as pessoas.

Colagem 3 - Sidnei Lugouv, 2026

A democratização da arte é um compromisso coletivo, pois a cultura deve ser um direito de todos e não um privilégio de poucos. Somente assim a arte poderá cumprir plenamente seu papel de enriquecer a vida humana e fortalecer os laços sociais.

Colagem 4 - Sidnei Lugouv, 2026

Sidnei Lugouv, outubro de 2026.

EXPOSIÇÃO: HYUNDAI TRANSLOCAL SERIES: VIA SATÉLITE – DIÁLOGOS COM NAM JUNE PAIK – CHARLOTTE MOORMAN E VIVIAN CACCURI

2026-10-14T12:39:34.526-03:00

Hyundai Translocal Series: Via Satélite
Nam June Paik, Charlotte Moorman e Vivian Caccuri em diálogo na Pinacoteca

A Pinacoteca apresenta a exposição “Hyundai Translocal Series: Via Satélite – Diálogos com Nam June Paik – Charlotte Moorman e Vivian Caccuri”, uma mostra que reúne diferentes gerações de artistas para refletir sobre as relações entre arte, tecnologia, comunicação e percepção sensorial.

O ponto de partida da exposição é a obra de Nam June Paik (1932-2006), artista sul-coreano reconhecido internacionalmente como o pai da videoarte. Pioneiro na utilização da televisão, do vídeo e de novas tecnologias como linguagem artística, Paik transformou a forma como a arte dialoga com os meios de comunicação de massa, antecipando discussões que permanecem extremamente atuais em uma sociedade hiperconectada.

A mostra coloca sua produção em conversa com a artista e violoncelista norte-americana Charlotte Moorman (1933-1991), parceira criativa de Paik durante décadas. Conhecida por suas performances inovadoras, Moorman contribuiu para expandir os limites entre música, corpo e tecnologia, tornando-se uma figura fundamental na arte experimental do século XX.

Complementando esse encontro histórico, a exposição apresenta obras da artista brasileira Vivian Caccuri (1986), cuja produção investiga o som como elemento capaz de reorganizar a percepção do espaço, provocar deslocamentos sensoriais e questionar experiências cotidianas. Em suas instalações e performances, o som deixa de ser apenas um recurso complementar e se torna matéria-prima para a construção de novas formas de interação com o ambiente.

Mais do que uma retrospectiva, “Via Satélite” propõe um diálogo transgeracional entre artistas de diferentes contextos culturais, revelando como questões relacionadas à tecnologia, comunicação, corpo e experiência sensorial continuam a inspirar e desafiar a arte contemporânea.

Esta é a primeira de duas exposições dedicadas ao projeto pela Pinacoteca. A segunda mostra será inaugurada em 28 de novembro, na Grande Galeria da Pina Contemporânea, reunindo obras de biarritzzz, Christine Sun Kim, Jane Jin Kaisen e Vivian Caccuri, ampliando ainda mais as reflexões propostas por Nam June Paik e sua influência sobre a arte contemporânea global.
Uma oportunidade imperdível para conhecer a trajetória de um dos artistas mais influentes do século XX e perceber como suas ideias continuam ecoando nas produções artísticas do presente.

Serviço Exposição: Hyundai Translocal Series: Via Satélite – Diálogos com Nam June Paik – Charlotte Moorman e Vivian Caccuri
Local: Pinacoteca de São Paulo – Pina Contemporânea
Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Foto divulgação (outubro/2026): Pina Contemporânea - Comunicação Multicanal
Fonte: Pinacoteca Contemporânea
📍 Endereço: Avenida Tiradentes,273 - São Paulo/SP, Brasil
📞 Contato: +55 (11) 3312-3439
🔗 https://pinacoteca.org.br/

A ARTE DE JOSÉ DAMASCENO

2026-10-11T11:21:17.522-03:00

José Damasceno: a poesia dos objetos comuns e a experiência do espaço

Foto: Sidnei Lugouv, São Paulo, 2008 – obra: Nota Sobre uma Cena Acesa ou os Dez Mil Lápis Amarelos, 2000 - José Damasceno

A arte contemporânea brasileira possui nomes que desafiam os limites tradicionais da escultura, e entre eles destaca-se José Damasceno Albues Júnior (Rio de Janeiro, 1968). Reconhecido nacional e internacionalmente, o artista constrói obras que transformam materiais cotidianos em experiências visuais surpreendentes, despertando no público novas formas de perceber o espaço, os objetos e a própria realidade.

Formado artisticamente no ambiente da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, Damasceno desenvolveu uma trajetória marcada pela experimentação e pela exploração dos limites da escultura. Sua produção transita entre instalações, desenhos, fotografias e objetos, sempre mantendo como eixo central a investigação das relações entre matéria, espaço e percepção.

O que torna sua obra singular é a capacidade de transformar elementos comuns em situações inesperadas. Martelos, pregos, fios de lã, lápis, papel, madeira, concreto e outros materiais do cotidiano são reorganizados de maneira a provocar estranhamento e fascínio. Ao deslocar objetos de suas funções habituais, o artista cria novas narrativas visuais, convidando o espectador a repensar aquilo que parecia familiar.

Mais do que observar uma escultura, o público é levado a vivenciar a obra. A experiência física ocupa um papel fundamental em sua produção. O visitante percorre instalações, contorna estruturas e descobre novas perspectivas à medida que se movimenta pelo espaço expositivo. Essa relação direta entre corpo, obra e ambiente faz com que a arte de Damasceno seja menos contemplativa e mais experiencial, transformando a percepção em parte essencial do trabalho.

Entre suas obras mais conhecidas está Trilha Sonora (2002), composta por longas sequências de martelos fixados na parede que formam uma espécie de paisagem visual, aproximando som e imagem. Outro exemplo marcante é Snooker (2001), instalação em que uma mesa de sinuca é coberta por milhares de fios de lã amarela, criando uma cena ao mesmo tempo absurda, poética e intrigante. Essas obras exemplificam a habilidade do artista em ampliar o significado dos objetos e criar ambientes que desafiam as expectativas do observador.

Sua carreira ganhou projeção internacional a partir dos anos 2000, com participações em importantes exposições e bienais, incluindo a Bienal de São Paulo e a Bienal de Veneza. Ao longo de sua trajetória, Damasceno consolidou-se como um dos artistas brasileiros mais relevantes de sua geração, com trabalhos presentes em coleções e instituições no Brasil e no exterior.

A produção de José Damasceno demonstra que a arte pode surgir dos elementos mais simples do cotidiano. Ao reorganizar materiais aparentemente banais, ele cria situações que expandem nossa percepção do espaço e revelam novas possibilidades de significado. Sua obra nos lembra que o extraordinário pode estar escondido nos objetos mais comuns, bastando um novo olhar para descobri-lo.

Foto: Sidnei Lugouv, São Paulo, 2008 – obra: Nota Sobre uma Cena Acesa ou os Dez Mil Lápis Amarelos, 2000 - José Damasceno

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia

fonte:

ENCICLOPÉDIA ITAÚ CULTURAL. José Damasceno. São Paulo: Itaú Cultural, 2026. Disponível em: Enciclopédia Itaú Cultural - José Damasceno. Acesso em: 09 out. 2026. [encicloped...ral.org.br]

PINACOTECA DE SÃO PAULO. José Damasceno: Moto-contínuo. São Paulo: Pinacoteca de São Paulo. Disponível em: Exposição José Damasceno: Moto-contínuo. Acesso em: 09 out. 2026. [pinacoteca.org.br]

WIKIPÉDIA. José Damasceno. Disponível em: José Damasceno - Wikipédia. Acesso em: 09 out. 2026. [pt.wikipedia.org]

ESCRITÓRIO DE ARTE. José Damasceno: obras, biografia e vida. Disponível em: Biografia de José Damasceno. Acesso em: 09 out. 2026. [escritoriodearte.com]

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A ARTE DO DESIGNER TINKER HATFIELD

2026-10-11T11:21:01.364-03:00

A Arte do Designer Tinker Hatfield

Quando se fala em design esportivo, poucos nomes são tão influentes quanto Tinker Hatfield. Antes de se tornar uma lenda na Nike, Hatfield construiu sua trajetória como arquiteto e atleta, duas experiências que moldaram profundamente sua visão criativa e revolucionaram o universo dos tênis.

Formado em Arquitetura pela Universidade de Oregon, Hatfield levou para o design de calçados conceitos como forma, funcionalidade, inovação e estética. Sua experiência nos esportes, especialmente no atletismo, proporcionou uma compreensão única das necessidades dos atletas, permitindo que seus projetos fossem muito além da aparência, oferecendo desempenho e conforto.

Foi essa combinação entre arquitetura e esporte que deu origem a alguns dos modelos mais icônicos da história da Nike. Entre eles, destacam-se os tênis da lendária linha Air Jordan, desenvolvida em parceria com Michael Jordan. Hatfield foi responsável por transformar os calçados esportivos em verdadeiros objetos de desejo, introduzindo conceitos inovadores como a unidade Air visível e designs inspirados em elementos arquitetônicos contemporâneos.

Seu trabalho ajudou a redefinir a relação entre esporte, moda e cultura urbana, influenciando gerações de atletas, designers e colecionadores ao redor do mundo. Mais do que criar tênis, Tinker Hatfield transformou o design esportivo em uma forma de expressão cultural, deixando um legado que permanece vivo em cada lançamento da Nike.

#TinkerHatfield

#DesignEsportivo

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#Inovação

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Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia

Fonte:

HATFIELD, Tinker. Perfil profissional e trajetória na Nike. Disponível em: https://en.wikipedia.org/wiki/Tinker_Hatfield. Acesso em: 09 out. 2026.

HIGHSNOBIETY. Tinker Hatfield Profile. Disponível em: https://www.highsnobiety.com/tag/tinker-hatfield/. Acesso em: 09 out. 2026.

90 SNEAKERS. Tinker Hatfield: From Architecture to the Air Max 1 and Air Jordan 3. Disponível em: https://90sneakers.com/history-tinker-hatfield/. Acesso em: 09 out. 2026.

JARARACA[S], do Grupo Pavilhão da Magnólia, faz temporada gratuita no TUSP, em São Paulo

2026-10-09T13:02:43.076-03:00

JARARACA[S], do Grupo Pavilhão da Magnólia, faz temporada gratuita no TUSP, em São Paulo

JARARACA[S] - Crédito Tim Oliveira

O Grupo Pavilhão da Magnólia retorna a São Paulo para uma temporada de JARARACA[S], seu mais novo espetáculo, que será apresentado gratuitamente no Teatro da USP (TUSP Maria Antônia), de 15 de outubro a 8 de novembro de 2026. As sessões acontecem de quinta a sábado, às 20h, e aos domingos, às 19h. A temporada foi contemplada pelo edital de ocupação do TUSP de 2026.

Com dramaturgia do multiartista pernambucano Giordano Castro e direção do cearense Murillo Ramos, JARARACA[S] parte dos últimos sete dias de vida de José Leite de Santana, o Jararaca, integrante do bando de Lampião. Após a frustrada invasão de Mossoró (RN), em 1927, Jararaca foi baleado, capturado, preso, torturado e assassinado pela polícia. Décadas depois, tornou-se uma figura reverenciada como santo popular na cidade potiguar.

É a partir dessa trajetória que o espetáculo investiga as relações entre memória, apagamento, violência e disputa de narrativas. Mais do que reconstruir um episódio histórico, a montagem pergunta quem tem o poder de decidir quais vidas serão lembradas, quais histórias permanecem e quais são empurradas para o silêncio.

Ao revisitar a morte de Jararaca, JARARACA[S] desloca o episódio de 1927 para o Brasil contemporâneo e questiona a permanência de estruturas de violência de Estado. A pergunta “Quem mandou matar Jararaca? Quem mandou matar Marielle?” aproxima tempos e histórias distintas para provocar uma reflexão sobre os mecanismos que definem quais corpos podem ser eliminados, quais mortes ganham reconhecimento e quais são naturalizadas ou esquecidas.

A montagem também coloca em tensão a própria ideia de memória. Quem conta uma história? A partir de que lugar? O que acontece quando diferentes versões de um mesmo acontecimento entram em conflito? Ao levar para a cena uma figura que transitou da condição de cangaceiro perseguido à de santo popular, o espetáculo investiga como memória, mito, violência e poder participam da construção das narrativas sobre o passado.

Nesse movimento, o espetáculo também revisita criticamente os imaginários construídos sobre o Nordeste e o cangaço. Em vez de reproduzir uma imagem folclorizada do sertão, a montagem procura revelar as contradições de uma história atravessada por disputas, desigualdades e diferentes formas de violência. Recuperar essas memórias significa, assim, não apenas olhar para o passado, mas interrogar o país que permanece sendo construído a partir dessas histórias.

“Nos interessa ir além da imagem folclorizada do cangaço e do estereótipo do sertão. O espetáculo investiga as contradições dessa história e as violências que permanecem presentes na sociedade brasileira”, afirma o ator Nelson Albuquerque.

Ao colocar um corpo morto novamente em cena, JARARACA[S] também reflete sobre o papel do teatro diante daquilo que a história oficial transforma em silêncio. A cena se torna espaço para reabrir histórias, confrontar versões e devolver presença a personagens e acontecimentos que permanecem disputando um lugar na memória coletiva.

SOBRE O ESPETÁCULO

JARARACA[S] investiga os últimos dias de vida de Jararaca, cangaceiro morto pela polícia e hoje reverenciado como santo popular em Mossoró (RN), tensionando as fronteiras entre memória, mito e apagamento histórico. A obra propõe um olhar crítico sobre as violências de Estado que atravessam passado e presente e sobre quem tem o direito de narrar a história.

A montagem lança perguntas inquietantes: quais vidas são marcadas para morrer? Quem tem o direito ao luto? Quem conta a história depois? E que outras versões ainda seguem soterradas pelo silêncio?

JARARACA[S] estreou em maio de 2026, no Itaú Cultural, em São Paulo, e passou por Fortaleza, com apresentações no Festival Bora e no Teatro Carlos Câmara. A montagem é uma parceria entre o Grupo Pavilhão da Magnólia, o Itaú Cultural e o Hub Cultural Porto Dragão, equipamento do Governo do Estado do Ceará voltado à difusão, formação e articulação da produção artística e cultural cearense.

Em 2025, o Grupo Pavilhão da Magnólia recebeu o Prêmio Shell de Teatro, na categoria Destaque Nacional, pelo espetáculo A Força da Água.

Ficha Técnica

Concepção e Criação: Grupo Pavilhão da Magnólia
Dramaturgia: Giordano Castro
Direção: Murillo Ramos
Elenco: Silvianne Lima, Jota Junior Santos, Nelson Albuquerque e rudriquix
Trilha Sonora e Performance: rudriquix
Música "Sete": Murillo Ramos
Música "Imã": Ednardo
Música "Quem é ele": Betto Douglas e Fernando Santos
Preparação Vocal: Thiago Nunes
Iluminação: Wallace Rios
Direção de Movimento: Clarissa Costa e Eder Soares
Direção de Arte, Objetos Cênicos e Vídeo: Daniel Torres
Cenografia: Rodrigo Frota
Figurinos: Themis Memória
Fotos: Tim Oliveira

Vídeos: Allan Diniz
Identidade Visual: Renan Costa Lima
Colaboração na Pesquisa: A Máscara de Teatro (Mossoró/RN)
Coordenação de Produção: Som e Fúria
Produção Executiva: Silvianne Lima e Jota Junior Santos
Apoio: Casa Absurda e Itaú Cultural
Co-produção: Hub Cultural Porto Dragão

SERVIÇO

JARARACA[S] – Grupo Pavilhão da Magnólia

De 15/10 a 08/11

Quinta a sábado, às 20h e domingo, às 19h

TUSP MARIA ANTÔNIA - Rua. Maria Antônia, 294 - Vila Buarque, São Paulo - SP

Classificação: 16 anos | Capacidade: 100 lugares | Duração: 90 min | Gratuito

https://usp.br/tusp/em-cartaz/ https://www.instagram.com/tusp.teatrodausp/

Certificado de Arte Contemporânea do MoMA

2026-10-09T11:13:10.075-03:00

Certificado de Arte Contemporânea do MoMA

A ARTE DE CHRISTOPH NIEMANN

2026-10-09T09:56:23.162-03:00

A Arte de Christoph Niemann – Quando a Criatividade Transforma o Cotidiano em Surpresa

Poucos ilustradores contemporâneos conseguem combinar humor, inteligência visual e simplicidade de forma tão marcante quanto Christoph Niemann. Com um traço minimalista e uma capacidade única de enxergar possibilidades onde a maioria vê apenas objetos comuns, o artista alemão transformou a ilustração em uma experiência de descoberta e interação.

Nascido em 1970, Christoph Niemann construiu uma carreira internacional que transita entre arte, design, animação e narrativa visual. Seu trabalho é frequentemente destaque nas capas de publicações renomadas, como a revista The New Yorker e a The New York Times Magazine, onde suas imagens provocam reflexão por meio de conceitos visuais criativos e surpreendentes.

O que torna sua obra tão fascinante é a maneira como ele brinca com a percepção. Em seus desenhos, um simples objeto pode assumir novos significados, transformando-se em personagem, cenário ou metáfora visual. Essa combinação de observação aguçada e imaginação faz com que suas ilustrações pareçam ao mesmo tempo espontâneas e profundamente elaboradas.

Além das páginas impressas, Niemann expandiu sua linguagem para diferentes mídias e tecnologias. Entre seus projetos estão a criação da primeira capa em Realidade Aumentada para a revista The New Yorker e uma animação em Realidade Virtual desenhada à mão para uma edição especial do US Open. Sua lista de clientes inclui instituições e marcas como MoMA, Google, Hermès e LAMY.

A relação entre arte e experiência também é uma marca constante em sua trajetória. Niemann já realizou desenhos ao vivo durante eventos internacionais como a Bienal de Arte de Veneza, os Jogos Olímpicos de Londres e até mesmo enquanto corria a Maratona de Nova York. Essas experiências demonstram como o artista incorpora a observação do mundo real ao seu processo criativo.

Seu trabalho também ganhou projeção entre novos públicos por meio da série documental Abstract: The Art of Design, da Netflix, dedicada a grandes nomes do design contemporâneo. No episódio que retrata sua trajetória, acompanhamos seu método criativo, baseado em experimentação, desenho diário e na busca constante por novas formas de contar histórias visuais.

Autor de diversos livros ilustrados, como Abstract City, Sunday Sketching, Idea Diary e DRAW, Niemann incentiva crianças e adultos a explorarem a criatividade sem medo do erro, mostrando que o desenho pode ser uma poderosa ferramenta de observação e imaginação.

Mais do que produzir imagens belas ou divertidas, Christoph Niemann nos convida a olhar para o mundo de forma diferente. Sua arte revela que a criatividade não está apenas nas grandes ideias, mas também na capacidade de encontrar poesia, humor e significado nos objetos mais simples do cotidiano.

#ChristophNiemann

#ArteContemporânea

#DesignGráfico

#AbstractNetflix

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Fonte: Site oficial de Christoph Niemann

🔗 https://www.christophniemann.com/

EXPOSIÇÃO: QUANTO MAIS DESEJO, MAIS INVENTO O QUE VEJO, FERNANDO LEMOS

2026-10-05T15:40:30.899-03:00

**EXPOSIÇÃO: Quanto mais desejo, mais invento o que vejo, Fernando Lemos**

A Exposição Quanto mais desejo, mais invento o que vejo, dedicada à trajetória do artista luso-brasileiro Fernando Lemos.

Em celebração ao centenário de nascimento de Lemos, a mostra percorre mais de 70 anos de sua produção e apresenta ao público o arquivo do artista, sob a guarda do IMS desde 2019, somado ao material conservado com a família. São cerca de 400 itens, entre fotografias, desenhos, projetos e documentos, que permitem acompanhar diferentes momentos de sua trajetória e a maneira como desdobrou as ideias surrealistas ao longo da vida.

Com curadoria de Thyago Nogueira e assistência curatorial de Laura Sapucaia, a mostra revê essa produção a partir da ideia de “desocultação”, conceito-chave para aproximar trabalhos em fotografia, desenho e poesia.

“A exposição se baseia no arquivo íntimo do artista, o material que estava com ele quando partiu. É uma rara oportunidade de entender a gênese de seu pensamento através do trânsito fértil que une esboços e obras prontas, sem a necessidade de estabelecer fronteiras precisas”, afirma o curador.

A mostra faz parte das comemorações do centenário de nascimento de Fernando Lemos, no Brasil e em Portugal, um projeto de parceria entre a Fundação Cupertino Miranda (Porto), a Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa) e o IMS.

Eu, poeta (Fernando Lemos), Lisboa, Portugal, 1949-1952. Fotografia impressa em papel de gelatina e prata em 2026. Arquivo Fernando Lemos/ Acervo Instituto Moreira Salles

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Foto divulgação (outubro/2026): IMS - Instituto Moreira Sales

Exposição: Quanto mais desejo, mais invento o que vejo, Fernando Lemos - 19/9/2026 a 7/2/2027
Fonte: IMS - Instituto Moreira Sales Paulista
📍 Endereço: Avenida Paulista,2424 - São Paulo - SP, Brasil

📞 Contato: +55 (11) 2842-9120
🔗 https://ims.com.br/unidade/sao-paulo/

EXPOSIÇÃO: NISE DA SILVEIRA, A REVOLUÇÃO PELO AFETO

2026-10-05T15:11:24.240-03:00

EXPOSIÇÃO: Nise da Silveira, a Revolução pelo Afeto

A CAIXA Cultural Curitiba apresenta até o dia 11 de outubro, a exposição Nise da Silveira, A Revolução pelo Afeto, dedicada à trajetória da médica que transformou a abordagem da saúde mental no Brasil. A mostra apresenta aspectos históricos, científicos e artísticos de sua atuação, destacando sua contribuição para a psiquiatria humanizada e para a valorização da expressão artística no cuidado de pessoas em sofrimento psíquico.

Segundo a curadora Isabel Seixas, a exposição propõe uma reflexão sobre os diferentes significados atribuídos à loucura ao longo do tempo, a partir da relação entre arte e saúde mental. O percurso reúne elementos da vida e da obra de Nise da Silveira e evidencia a produção artística desenvolvida por pacientes do Hospital Psiquiátrico do Engenho de Dentro, no Rio de Janeiro.

Em circulação pelo país desde 2021, a mostra já passou por sete cidades e recebeu mais de 320 mil visitantes. Em sua nona edição, apresenta em Curitiba mais de 150 obras e documentos, incluindo trabalhos de artistas como Adelina Gomes, Arthur Amora, Beta d’Rocha, Fernando Diniz e Carlos Pertuis. O conjunto dialoga com criações de importantes nomes da arte moderna e contemporânea brasileira, entre eles Abraham Palatnik, Lygia Clark, Alice Brill, Carlos Vergara, Tiago Sant’Ana e Leandro Lima.

A exposição convida o público a conhecer o legado de Nise da Silveira e sua defesa do afeto, da criatividade e da escuta como caminhos fundamentais para o cuidado em saúde mental.

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia

Foto divulgação (setembro/2026): Sidnei Luciano Gouveia
Fonte: CAIXA Cultural Curitiba
📍 Endereço: Rua Conselheiro Laurindo, 280 – Centro, Curitiba - PR, Brasil
📞 Contato: +55 (41) 3041-2155
🔗 https://www.caixacultural.gov.br/Paginas/Curitiba.aspx

EXPOSIÇÃO: VIRADOURO, DE ELIANE PROLIK

2026-10-05T15:08:39.203-03:00

EXPOSIÇÃO: Viradouro, de Eliane Prolik

A CAIXA Cultural Curitiba apresenta, até o 1º de novembro de 2026, a mostra da artista curitibana Eliane Prolik, reunindo aproximadamente 30 esculturas em aço inox produzidas entre 2022 e 2026. A exposição ocupa a Galeria Térreo com obras que ampliam o diálogo entre desenho, volume e espaço.

A montagem reúne esculturas distribuídas em diferentes pontos da galeria e relevos instalados nas paredes, formando um conjunto atravessado por linhas metálicas e superfícies reflexivas. Ao percorrer o espaço expositivo, o público é convidado a observar as relações entre matéria, movimento, luz e percepção.

A seleção apresenta trabalhos recentes que integram a pesquisa desenvolvida pela artista no campo da escultura contemporânea. Utilizando principalmente o aço inox, as obras investigam questões ligadas à forma, à ocupação do espaço e às possibilidades de interação entre volume e superfície.

Com trajetória iniciada na década de 1980, Eliane Prolik construiu uma produção que transita por diferentes linguagens, como escultura, desenho, fotografia, vídeo, objetos e trabalhos em papel, consolidando-se como um dos nomes de destaque da arte contemporânea brasileira.

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia

VISITA A CAIXA CULTURAL DE CURITIBA

2026-10-05T14:37:17.899-03:00

CAIXA Cultural Curitiba: um espaço de encontro entre arte, cultura e patrimônio

Localizada no coração da capital paranaense, a CAIXA Cultural Curitiba é um dos mais importantes centros de difusão artística da cidade. Inaugurada em 2004, a instituição integra o tradicional Corredor Cultural de Curitiba, região que concentra espaços históricos, equipamentos culturais e importantes pontos de convivência urbana.

Situada nas proximidades da Praça Santos Andrade, a CAIXA Cultural está cercada por hotéis, restaurantes e cafés, além de estar próxima ao Passeio Público, o parque mais antigo de Curitiba. Essa localização privilegiada transforma a visita ao espaço em uma experiência que combina arte, lazer e o patrimônio cultural da cidade.

Com uma programação diversificada, a instituição oferece ambientes dedicados às mais variadas manifestações artísticas. Entre eles estão a Galeria da CAIXA no Mezanino, que conta com foyer e ampla sacada para exposições, e a Galeria do Térreo, destinada a projetos expositivos de diferentes linguagens e formatos. O espaço também abriga o Teatro da CAIXA, com capacidade para 125 espectadores, palco de apresentações de música, dança, teatro, cinema e outras atividades culturais.

Ao longo dos anos, a CAIXA Cultural Curitiba consolidou-se como um importante ponto de encontro para artistas, pesquisadores, estudantes e apreciadores da cultura, promovendo exposições, espetáculos e ações educativas que aproximam o público da produção artística brasileira e internacional.

Mais do que um espaço expositivo, a CAIXA Cultural Curitiba reafirma o papel da arte como instrumento de reflexão, diálogo e transformação social, contribuindo para o fortalecimento da cena cultural paranaense e para a democratização do acesso à cultura.

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Foto divulgação (setembro/2026): Sidnei Luciano Gouveia
Fonte: CAIXA Cultural Curitiba
📍 Endereço: Rua Conselheiro Laurindo, 280 – Centro, Curitiba - PR, Brasil
📞 Contato: +55 (41) 3041-2155
🔗 https://www.caixacultural.gov.br/Paginas/Curitiba.aspx

VISITA AO MUSEU OSCAR NIEMEYER - MON

2026-10-05T14:15:26.283-03:00

Museu Oscar Niemeyer (MON): Arte, Arquitetura e Inovação em Curitiba

Foto: Sidnei Lugouv - Museu Oscar Niemeyer - set/206

Entre os mais importantes museus de arte da América Latina, o Museu Oscar Niemeyer (MON) é um dos maiores símbolos culturais de Curitiba e um marco da arquitetura brasileira contemporânea. Conhecido carinhosamente como "Museu do Olho", o espaço une arte, design e arquitetura em uma experiência única para visitantes de todas as idades.

Inaugurado em 22 de novembro de 2002, o MON está instalado em um conjunto arquitetônico projetado pelo renomado arquiteto brasileiro Oscar Niemeyer, cuja visão inovadora transformou o museu em uma verdadeira obra de arte. O complexo reúne edifícios icônicos que refletem a linguagem arquitetônica característica de Niemeyer, marcada por curvas ousadas, leveza estrutural e soluções criativas.

Com mais de 15 espaços expositivos, o museu abriga ao longo do ano cerca de 20 exposições, apresentando importantes mostras de artes visuais, fotografia, design, arquitetura e produção contemporânea nacional e internacional. Em 2024, mais de 700 mil visitantes passaram pelo MON, consolidando-o como um dos principais destinos culturais do país.

Durante a cerimônia de inauguração, Oscar Niemeyer manifestou sua emoção ao ver a obra concluída, comparando aquele momento à inauguração dos projetos de Brasília. Na ocasião, declarou:

“É uma arquitetura que foge a tudo que viram antes. Toda feita de audácia, de técnica e de fantasia.”

A frase resume perfeitamente a essência do museu: um espaço onde a criatividade, a inovação e a arte se encontram em harmonia. Mais do que um local para exposições, o MON é um convite à contemplação, à reflexão e ao encantamento, tornando-se parada obrigatória para quem deseja conhecer a riqueza da produção artística e arquitetônica brasileira.

Visitar o Museu Oscar Niemeyer é vivenciar a arte em todas as suas formas, dentro de um dos mais emblemáticos projetos arquitetônicos do século XXI.

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Fotos Visitação (setembro 2026): Sidnei Lugouv
Fonte: Museu Oscar Niemeyer - MON
📍 Endereço: Rua Marechal Hermes,999 – Centro Cívico, Curitiba – PR, Brasil
📞 Contato: +55 (41) 3350-4417
🔗 https://www.museuoscarniemeyer.org.br/

VISITA AO MUSEU PARANAENSE – MUPA

2026-10-05T13:31:54.600-03:00

Museu Paranaense (MUPA): tradição, memória e novas narrativas para o futuro

Foto: Sidnei Lugouv - Museu Paranaense - MUPA - Set/2026.

Fundado em 25 de setembro de 1876, o Museu Paranaense (MUPA), em Curitiba, é considerado o terceiro museu mais antigo do Brasil. Ao longo de quase 150 anos de história, a instituição passou por importantes transformações, tanto em sua estrutura física quanto em sua atuação cultural, acompanhando as mudanças da sociedade e ampliando suas formas de diálogo com o público.

Atualmente, o MUPA vive um momento de renovação e reposicionamento institucional. Mais do que preservar e pesquisar o patrimônio histórico do Paraná, o museu busca fortalecer seu papel como espaço de reflexão, encontro e produção de conhecimento. Esse processo envolve uma revisão crítica de sua própria trajetória, a reformulação de sua identidade institucional e a construção de novas narrativas expositivas que dialogam com temas contemporâneos.

Foto: Sidnei Lugouv - Museu Paranaense - MUPA - Set/2026.

Com uma proposta voltada para a pluralidade de vozes e perspectivas, o MUPA se consolida como uma plataforma cultural aberta ao diálogo, à criação de imaginários e à valorização das diferenças. Em sintonia com os propósitos da Secretaria da Cultura do Paraná, o museu promove ações que ampliam a escuta e incentivam a participação coletiva, reafirmando sua importância no cenário cultural brasileiro.

Um dos aspectos mais instigantes dessa nova fase é a aproximação entre os campos tradicionais de pesquisa do museu, como Arqueologia, Antropologia e História, e a arte contemporânea. Essa integração possibilita leituras inovadoras sobre os acervos, conectando objetos históricos a questões sociais, culturais e políticas do presente. A coexistência entre peças centenárias e produções artísticas contemporâneas estimula reflexões sobre memória, identidade e pertencimento, contribuindo para a construção de novos saberes e olhares sobre o futuro.

As ações e a programação cultural do MUPA são orientadas por quatro eixos temáticos: Identidades Múltiplas, Ecologia e Sustentabilidade, Memória e Cosmovisões. Esses temas norteiam exposições, pesquisas, programas educativos e projetos curatoriais, fortalecendo o compromisso do museu com uma atuação crítica, inclusiva e conectada aos desafios do nosso tempo.

Foto: Sidnei Lugouv - Museu Paranaense - MUPA - Set/2026.

Ao investir em curadorias compartilhadas, programas públicos e ocupações artísticas, o Museu Paranaense reafirma sua vocação como espaço de preservação, experimentação e troca. Mais do que guardar o passado, o MUPA propõe novas formas de compreender a história, aproximando patrimônio, arte e sociedade em um diálogo permanente.

Visitar o MUPA é mergulhar em uma experiência que conecta passado, presente e futuro, revelando como a memória pode ser constantemente revisitada, ressignificada e transformada por diferentes olhares e narrativas.

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Fotos Visitação (setembro 2026): Sidnei Lugouv
Fonte: Museu Paranaense - MUPA
📍 Endereço: Rua Kellers,289 – Alto São Francisco, Curitiba – PR, Brasil
📞 Contato: +55 (41) 3304-3301
🔗 https://www.museuparanaense.pr.gov.br/

EXPOSIÇÃO: TRILHOS E TRAÇOS – POTY 100 ANOS

2026-10-02T14:57:34.582-03:00

exposição: Trilhos e Traços – Poty 100 anos

A exposição Trilhos e Traços – Poty 100 anos, realizada pelo MON - Museu Oscar Niemeyer, reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.

Curadoria de Maria José Justino e Fabricio Nunes

Período em cartaz de 12 de abril de 2024 - Longa duração

Local Sala 6

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia

Fotos Visitação (setembro 2026): Sidnei Lugouv
Fonte: MON – Museu Oscar Niemeyer
📍 Endereço: Rua Marechal Hermes,999 – Centro Cívico, Curitiba – PR, Brasil
📞 Contato: +55 (41) 3350-4417
🔗 https://www.museuoscarniemeyer.org.br/

EXPOSIÇÃO: O VERSO DA PÁGINA CONTÉM O OUTRO LADO

2026-10-02T14:32:41.789-03:00

exposição: O verso da página contém o outro lado

A Exposição “O verso da página contém o outro lado”, da artista brasileira Juliana Stein, realizada pelo MON - Museu Oscar Niemeyer, propõe ao visitante uma experiência de leitura e vivências. Professores, alunos, pessoas 60+ e público em geral serão instigados a pensar na ideia da vida como um livro: para prosseguir, é preciso retomar a leitura sempre.

A exposição parte do livro homônimo, de autoria da artista, e propõe ao visitante uma experiência de leitura e vivências. Professores, alunos, pessoas 60+ e público em geral serão instigados a pensar na ideia da vida como um livro: para prosseguir, é preciso retomar a leitura sempre.

A artista

Juliana Stein nasceu em Passo Fundo (RS), formou-se em Psicologia pela UFPR em 1992 e viveu por dois anos em Firenze e Veneza para estudar história da arte, técnica em aquarela e desenho. Desde o final dos anos 1990, dedica-se à fotografia, construindo uma trajetória consolidada no Brasil e no exterior. Já participou da 55ª Bienal Internacional de Veneza e da 29ª Bienal de São Paulo, além de expor na Crone Gallery, em Berlim, na ShangART Gallery, em Xangai, e no Carreau du Temple, em Paris.

Suas obras já fizeram parte de outras exposições no Museu, como “Não está claro até que a noite caia”, em 2017, e “Afinidades II – Elas!”, em 2022.

Sala 12
A partir de 6 de agosto

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Fotos Visitação (setembro 2026): Sidnei Lugouv
Fonte: MON – Museu Oscar Niemeyer
📍 Endereço: Rua Marechal Hermes,999 – Centro Cívico, Curitiba – PR, Brasil
📞 Contato: +55 (41) 3350-4417
🔗 https://www.museuoscarniemeyer.org.br/

EXPOSIÇÃO: DAQUILO QUE NOS ESCAPA - EDER SANTOS

2026-10-02T13:49:39.484-03:00

EXPOSIÇÃO: Daquilo que nos escapa - Eder Santos

A primeira exposição do artista mineiro Eder Santos no MON - Museu Oscar Niemeyer reúne 12 videoinstalações e videoesculturas criadas entre 2003 e 2024.

A mostra “Daquilo que nos escapa” tem curadoria de Luiz Gustavo Carvalho. Um dos pioneiros da arte multimídia no Brasil, o artista é reconhecido internacionalmente por desenvolver projetos que mesclam artes visuais, cinema, teatro, vídeo e novas mídias. A exposição transforma a Sala 11 em uma proposta de experiências, na qual imagens e sons conversam com a arquitetura e convidam o visitante a percorrer a exposição de maneira não linear.

Reconhecido internacionalmente por desenvolver projetos que mesclam artes visuais, cinema, teatro, vídeo e novas mídias, o artista reúne na exposição 12 obras que traçam um panorama de sua múltipla produção, em um espaço de investigação das relações entre imagem, memória, tecnologia e percepção.

A exposição transforma a Sala 11 em uma proposta de experiências, naqual imagens e sons conversam com a arquitetura e convidam o visitante a percorrer a exposição de maneira não linear. Mais do que uma retrospectiva ou uma reunião de obras, a exposição propõe um encontro entre diferentes tempos e linguagens.

Do lado de fora do Museu, a videoinstalação “Iluminado” alcança e instiga o público na área externa. A obra promove um interessante diálogo da exposição com o projeto “MON sem Paredes – Arte ao Ar Livre” e a arquitetura do prédio.

“A primeira exposição do artista mineiro no Museu Oscar Niemeyer reúne videoinstalações e videoesculturas criadas entre 2003 e 2024 em torno dessa condição movediça”, explica o curador. “Cartas, garrafas, fios, aquários e mares atravessam o espaço expositivo e instauram uma geografia fluida, na qual a fronteira deixa de ser entendida como uma linha estanque de separação para converter-se em espaço de passagem, no qual toda trajetória comporta também a possibilidade do extravio”, diz Carvalho.

O artista

Nascido em Belo Horizonte (MG), Eder Santos é reconhecido como um dos pioneiros da arte multimídia no Brasil. Atuante desde os anos 1980, sua trajetória confunde-se com o surgimento da videoarte no país e com a incorporação do audiovisual como linguagem central nas artes visuais.

Sua obra integra acervos de instituições como o MoMA (Nova York), Centre Pompidou (Paris), Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e Coleção Itaú Cultural, entre outros. Participou de bienais e festivais nacionais e internacionais, como o Festival Videobrasil, a Bienal de São Paulo e o World Wide Video Festival (Amsterdã). Paralelamente à produção em artes visuais, desenvolve uma premiada carreira no cinema, com curtas, longas-metragens e séries para televisão.

Artista Eder Santos

Curadoria de Luiz Gustavo Carvalho

Período em cartaz de 4 de setembro de 2026 até 28 de fevereiro de 2027

Local - Sala 11

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia

EXPOSIÇÃO: ÁSIA: A TERRA, OS HOMENS, OS DEUSES

2026-10-02T13:14:55.541-03:00

exposição: Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses

A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, com obras do acervo do MON - Museu Oscar Niemeyer, inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibe obras inéditas, na Sala 5. Entre elas, peças doadas recentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty. A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos.

A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses – 130 anos de relações Brasil/ Japão”, na Sala 5, com obras da coleção permanente do Museu Oscar Niemeyer, se renova mais uma vez com o objetivo de alcançar públicos ainda maiores. Com curadoria de Fausto Godoy, a mostra exibirá ao público obras inéditas. A abertura será no dia 28 de novembro, às 18h30.

Essa nova edição inclui uma homenagem aos 130 anos das relações Brasil/Japão e exibe obras inéditas, doadas recentemente ao MON pela Embaixatriz Maria Ligaya Fujita, viúva do saudoso Embaixador Edmundo Fujita, primeiro diplomata nipo-brasileiro no Itamaraty.

A coleção reúne esculturas, porcelanas, pinturas, lacas, móveis, vestimentas e outros objetos adquiridos em feiras, mercados de pulga e antiquários da Ásia, sobretudo do Japão, da Coreia e da Indonésia. Cada peça guarda memórias pessoais e coletivas, traduzindo a diplomacia como prática de intercâmbio cultural.

Maior museu de arte da América Latina, o MON viu o seu acervo quintuplicar de tamanho nos últimos anos. Nesta trajetória, é imensa a importância da coleção de arte asiática, doada ao MON pelo diplomata Fausto Godoy.

A chegada de aproximadamente três mil obras de arte, anos atrás, coincidiu com o momento de redefinição do marco referencial do acervo do MON, que passou a dar ênfase também para as artes asiática, africana e latino-americana, tornando-o mais plural.

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática que pertence ao MON – e aos paranaenses – permite inúmeras leituras e abordagens, como a que entregamos com esta mostra.

Segundo o curador, "esta exposição é um tributo à amizade entre Brasil e Japão". Ele informa que as relações comerciais entre Brasil e Japão são robustas e crescentes, com um intercâmbio comercial de US$ 11 bilhões em 2024. “Mas é nas relações entre as pessoas que reside o apanágio da nossa amizade: a comunidade nikkei, no nosso solo, e a comunidade brasileira residente no Japão acrescentam o elemento humano à equação, solidificando a nossa parceria”, diz Fausto Godoy. “Num processo pendular entre os dois países, essas comunidades enfrentam desafios e buscam soluções para universos culturalmente distantes, apesar das histórias compartilhadas”.

A doadora Maria Ligaya conta que ela e o saudoso marido, o Embaixador Edmundo Fujita, viveram por 25 anos em centros geopolíticos como Londres, Tóquio, Moscou, Nova Iorque, Jacarta e Seul. A Ásia, porém, sempre foi uma grande paixão: berço de antigas civilizações. “Nessas experiências, construíram pontes entre culturas e, de forma espontânea, nos tornamos colecionadores acidentais”, diz.

“Inspirada pelo exemplo do Embaixador Fausto Godoy – que doou seu valioso acervo ao Museu Oscar Niemeyer, compartilho agora este conjunto de objetos como instrumentos de aprendizagem, memória e aproximação entre o Brasil e a Ásia”, afirma Maria Ligaya.

Curadoria de Fausto Godoy

Período em cartaz de 29 de novembro de 2025 - Longa duração

Local Sala 5

MON – MUSEU OSCAR NIEMEYER

EXPOSIÇÃO: ÁFRICA, EXPRESSÕES ARTÍSTICAS DE UM CONTINENTE

2026-10-02T13:02:17.072-03:00

Exposição: África, Expressões Artísticas de um Continente

A Exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, apresentada pela Copel, poderá ser vista pelo público a partir de 26 de agosto, na Sala 4. É um recorte da grandiosa doação feita pela Coleção Ivani e Jorge Yunes (CIJY) ao MON.

No total, são aproximadamente 1.700 obras de uma das mais importantes e significativas coleções de objetos de arte africana do século XX, que passam a pertencer ao acervo do Museu Oscar Niemeyer e, consequentemente, ao Estado do Paraná.

A vinda da coleção de arte africana é parte de um processo de consolidação do marco referencial do MON, que estabelece como diferencial da instituição prioritariamente colecionar arte paranaense e brasileira e expandir seu olhar não eurocêntrico para a arte latino-americana, asiática e africana. Buscamos incessantemente incrementar o acervo, pois aí está a alma de um museu, a sua essência.

Em 2018, o MON foi o museu escolhido por suas condições técnicas, capacidade de gestão e credibilidade da instituição a receber uma doação de quase 3 mil obras de arte asiática. Doadas pelo diplomata e professor Fausto Godoy e oriundas de vários países daquele continente, parte das obras pode ser vista pelo visitante do MON na mostra “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, na Sala 5.

Maior museu de arte da América Latina em área construída, com 35 mil metros quadrados, o MON triplicou o seu acervo nos últimos anos. Desde que foi inaugurado, em 2002, e até 2015, o MON contava com cerca de 3 mil obras. Atualmente, possui mais de 9.300 obras em seu acervo.

Mostra africana

Segundo o curador da exposição “África, Expressões Artísticas de um Continente”, Renato Araújo da Silva, as obras doadas ao MON foram adquiridas ao longo de mais de 50 anos pelo casal Ivani e Jorge Yunes, detentores de uma das maiores coleções de arte do Brasil.

Com a exposição de objetos de heranças culturais tão distintas, encontramos aqui um importante ponto em comum: dentro do Museu, essas artes são elevadas a uma mesma plataforma artística, igualando a arte africana ao patamar da arte mundial”, diz. “Eis uma maneira de honrar a ancestralidade visual do passado e de abrir os novos plantios, rotas e perspectivas dessa arte no futuro”, comenta Renato.

Fazem parte da exposição: máscaras, esculturas, bustos e cabeças de bronze, miniaturas metálicas, objetos do cotidiano e instrumentos musicais.

As obras têm origem em países como Costa do Marfim, Mali, Nigéria, Camarões, Gabão, Angola, República Democrática do Congo e Moçambique, entre outros.

Renato Araújo da Silva é historiador em Filosofia pela Universidade de São Paulo e coautor, entre outros trabalhos publicados, do livro “África em Artes”. Curador e pesquisador, atuou no Museu Afro e realizou outras exposições em museus, como o de Arte Sacra de São Paulo.

Curadoria de Renato Araújo da Silva

Período em cartaz de 1 de setembro de 2026 - Longa duração

Local - Sala 4

MON – MUSEU OSCAR NIEMEYER

EXPOSIÇÃO: MOIRÉ BEREGUEDÊ – MANO PENALVA

2026-10-02T11:18:43.567-03:00

EXPOSIÇÃO: Moiré Bereguedê – Mano Penalva

A exposição “Moiré Bereguedê – Mano Penalva”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer, reúne esculturas, pinturas, colagens e vídeos da produção recente do artista. A curadoria é assinada por Felipe Scovino.

A produção de Mano Penalva parte do deslocamento dos objetos do contexto cotidiano. Com sua obra, o artista realça a ideia de que a exponencial proliferação de objetos e imagens não se destina a treinar a percepção ou a consciência, mas insiste em fundir-nos com eles.

Curadoria de Felipe Scovino

De 26 de junho de 2026 até 25 de outubro de 2026

Local Sala 2

MON – MUSEU OSCAR NIEMEYER

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EXPOSIÇÃO: ÁFRICA, EXPRESSÕES ARTÍSTICAS DE UM CONTINENTE

EXPOSIÇÃO: MOIRÉ BEREGUEDÊ – MANO PENALVA

Pesquisa: Sidnei Luciano Gouveia
Fonte: Site oficial de Christoph Niemann

**EXPOSIÇÃO: Quanto mais desejo, mais invento o que vejo, Fernando Lemos**