MALBEC & BLUES

El padrino

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Tue, 31 Jan 2012 16:41:00 +0000

La influencia de Willie Dixon en el desarrollo del blues moderno fue decisiva e indiscutible. No por nada se ganó el apodo del Padrino del blues. Compuso los temas que hicieron brillar a los grandes. Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Bo Diddley, Little Walter, Koko Taylor, Little Milton y Eddie Boyd, entre tantos otros, se nutrieron de sus canciones. Dicon fue un compositor, arreglador y productor extraordinario, uno de los tipos que, juntando cuatro o cinco palabras, elaboraban frases que definían al género. “El Blues es la verdad de la vida, expresada en palabras y canción, inspiración, sentimiento, y la comprensión”, solía decir.

Junto a Muddy Waters en 1977.

Sus canciones –Hoochie coochie man, Little red rooster, I just want to make love to you, Spoonful, Back door man, I can’t quit you baby, You shook me- trascendieron a su época y su zona de influencia. De Chicago en los años cincuenta volaron sin escala a Inglaterra y California una década después. Fueron readaptadas por los Rolling Stones, John Mayall, Cream, Led Zeppelin, Jeff Beck, The Doors, Canned Heat y la Paul Butterfield Blues Band, por solo nombrar a algunos.

Pero más allá de ser un creador alucinante, también fue un gran contrabajista y un buen cantante, aunque su carrera solista nunca logró despegar del todo. En 1989, Chess Records editó una caja con dos discos que cubría gran parte de su carrera, pero que se nutría especialmente de interpretaciones de otros. No es fácil dar con los discos solistas del gran Willie: uno de los mejores, Catalyst (1973), es imposible de conseguir. Fue descatalogado hace muchos años y sólo los viejos coleccionistas lo han podido disfrutar.

Tal vez su álbum más popular es I’am the blues (1970). Allí interpreta sus clásicos, rodeado por una banda a la que llamó The Chicago All Stars. Otro disco imprescindible es el que grabó junto al pianista Memphis Slim en París, en 1962. Se trata de una presentación en vivo en la que ellos están acompañados solamente por el baterista francés Philipe Combelle. Lo bueno de este trabajo es que el repertorio es diferente al habitual y el contrabajo de Dixon forma una dupla fascinante con el piano de Slim. Otra buena forma de llegar a Dixon en vivo son los discos del American Folk Blues Festival, especialmente los de los años 1963, 1964 y 1970. También está el excelente álbum editado por Columbia, The Big Three Trio, con grabaciones anteriores a 1952, muy diferentes y más primitivas a sus creaciones para el sello Chess.

Como todo mortal, en un determinado momento de su vida, tuvo que enfrentar una enfermedad: con el tiempo la diabetes hizo mella en su cuerpo, en sus últimos años sufrió la amputación de una pierna que lo obligó a dejar los escenarios y lo postró en una cama. El 29 de enero de 1992 murió mientras dormía en su casa de Burbank, California. Tenía 76 años. Dos años después fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame. Hoy a 20 años de su muerte, su legado está más vigente que nunca. Sus canciones se siguen tocando de norte a sur y oeste a este, y su nombre nunca podrá ser desasociado de la palabra blues.

Señor Malbec

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 30 Jan 2012 03:25:00 +0000

Hace unos años conducía un programa de radio junto a Mariano Valdivieso y Maxi García Solla. Uno de los momentos más aburridos de El Descorche –primero por Radio Eter y luego por La Isla- era la entrevista de rigor al dueño o gerente de marketing de alguna bodega mendocina, salteña o riojana. Claro que esto lo teníamos que hacer para poder degustar vinos gratis. Y bueno la tarea del periodista es a veces así. Lo cierto es que los tipos con los que hablábamos obviamente se la pasaban enumerando las bondades de sus vinos y eso resultaba un bodrio. Todavía recuerdo las caras de fastidio de Maxi, como cierta humareda salía desde sus fosas nasales. Para molestarlos un poco, sin quedar agresivos, al final de la entrevista les pedíamos que recomendaran un vino de otra bodega. Al principio se mostraban incómodos. No están acostumbrados a hablar de la competencia. Pero después se animaban. Lo llamativo fue que casi el 80 por ciento de los que respondieron eligieron los vinos de Alta Vista, especialmente los malbec. Desde entonces comencé a prestarle más atención a los vinos de esa bodega. Y siempre que los bebí se amoldaron a cualquier tipo de comida. Ya sean los de la línea Classic o los Premiun. La otra noche descorché un malbec 2009 que estaba exquisito. Un vino con cuerpo y mucho vigor. Un señor malbec. Los años pasan y Alta Vista sigue produciendo vinos de excelente calidad.

Heterogenial

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 26 Jan 2012 03:51:00 +0000

Si la banda de sonido de la película I’m not there les pareció increíble, deberían escuchar Chimes of Freedom: The songs of Bob Dylan, cuatro discos de covers que celebran medio siglo de Amnesty International. Más de ochenta músicos, setenta y pico de canciones y una variedad de estilos que confluyen en un mismo lugar: reversionar al músico más creativo e influyente del siglo pasado. Sí, más que los Beatles y los Stones juntos.

El compilado estuvo a cargo de los productores Jeff Ayeroff y Julie Yannatta, quienes fueron los responsables de Save Darfour, la campaña solidaria que tuvo a las canciones de John Lennon como eje de la movida. Pero aquí fueron mucho más allá. Revolvieron los archivos, de arriba a abajo, y grabaron otras bandas y músicos tan heterogéneos que cuesta mencionarlos a uno al lado del otro: Pet Seeger y Adele, Dave Matthews y Carly Simon, Taj Mahal y Lenny Kravitz.

En las más de setenta canciones que integran este trabajo hay algunas buenas, otras muy buenas, unas pocas que son complicadas y un puñado que son alucinantes. En la última categoría, por ejemplo, entra la versión de Blowin’ in the wind que hace Ziggy Marley. Tal vez ese sea el tema más trillado de Dylan, pero aquí el hijo del Reggae interpreta una versión épica, con guitarra acústica, casi como un trovador solitario, probablemente inspirado en la época del Rolling Thunder Revue.

Otra interpretación sublime es la de One more cup of coffee de Steve Earle, donde su guitarra, un violín y un banjo conjugan el sonido de sus cuerdas de manera lasciva y enigmática. El rock and roll furioso desembarca en un tramo de este trabajo de la mano de los Queen of the Stone Age, con una versión garaje de Outlaw blues. Más popera, pero no por eso menos agradable, es la Mr. Tambourine man de Jack’s Mannequin. El espíritu campestre está bien representado por Johnny Cash y los Avett Brothers en One too many mornings. Y Diana Krall suda emoción y melancolía jazzera en la maravillosa Simple twist of fate. Otras versiones superlativas son Like a rolling stone, de Seal y Jeff Beck; Girl from the north country, de Sting; Love minus zero, de Jackson Browne; Changing of the guards, de The Gaslight Anthem; Buckets of rain, de Fistful of Mercy (la banda paralela de Ben Harper); y Señor, de Dierks Bentley. También está la ya clásica version de All along the watchtower de Dave Matthews Band y, cómo no, Joan Baez haciendo Seven curses.

Es un gran disco y ni siquiera están las tradicionales versiones de los Byrds, Hendrix y tantos otros artistas que se animaron a las canciones de Dylan durante más de cuatro décadas. Chimes of Freedom es un disco imprescindible para los fanáticos y para los que quieren profundizar más en la música del más grande poeta de la historia del rock.

Wine song 47

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Tue, 24 Jan 2012 05:33:00 +0000

Como dije en el post anterior, la mejor manera de recordar a Etta James es escuchando sus canciones. CHAMPAGNE AND WINE fue compuesta por Otis Redding y editada en su disco póstumo The inmortal Otis Redding, de 1968. No está entre sus temas más reconocidos, de hecho no figura en el exquisito box set de cuatro discos: Otis! The Definitive Otis Redding. Sin embargo, es una gran canción con una letra típica de las que Otis solía cantar. Champagne and wine / That's what it's gonna be / Everyday, is gonna just be like Sunday / Everynight your gonna have stars in the sky. Acaso Etta la eligió como parte del repertorio de su último disco, The Dreamer, porque le había quedado dando vueltas en la cabeza. Lo cierto es que esta wine song fue compuesta por uno de los mejores cantantes de la historia de la música contemporánea y reinterpretada cuatro décadas después por la Reina en su testamento musical.

El adiós a la Reina

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 20 Jan 2012 20:53:00 +0000

No hay mejor homenaje que escuchar sus canciones. Una detrás de la otra. Empezar con I’d rather be blind, ese tema enorme que hizo de Etta James una de las cantantes más grandiosas de la música contemporánea. Recuerdo ese video, en el que canta a dúo con Dr. John, ambos terminan abrazados y muy emocionados. Impresionante. At last es otro tema supremo de Etta, un himno al amor más puro: At last, my love has come along / My lonely days are over / And life is like a song. No dejen de ver la interpretación formidable que hace Beyoncé en la película Cadillac Records. Se la devora el personaje. Otras grandes interpretaciones de Etta son sus versiones de I just want to make love to you, I prefer you y Tell mama. Y tiene mucho más, claro. Entre discos oficiales, en vivo y compilaciones hay decenas de opciones para escucharla.

Etta hizo una gran carrera, con una voz increíble y una puesta en escena magnífica. No sólo se convirtió en un referente de las cantantes de blues, sino también que lo hizo con las de soul, R&B, jazz y rock. Desde Beth Hart y Lou Ann Barton hasta Shirley Johnson y Amy Winehouse. Todas se deslumbraron con su música.

Su vida había entrado hace rato en tiempo de descuento. Pese a ello, a fines del año pasado editó su último disco, The dreamer. Poco antes de Navidad, tuvo que ser internada en el Hospital Riverside, en Los Angeles. La leucemia estaba devorando su cuerpo y ya nada se podía hacer para salvarla. Hoy su vida se extinguió. Estaba rodeada por sus hijos y sus nietos. La Reina tenía 73 años.

Compilando

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 19 Jan 2012 15:52:00 +0000

El primer disco del año, al menos de los que se pueden rotular como blues o rock, viene en formato de compilado. No hits, no hype, just the best contiene doce canciones que sintetizan la carrera de uno de los guitarristas más extraordinarios de la última década: Joe Bonamassa. Aquellos que conocen su discografía no se van a sorprender con este disco, que cuenta con una selección de los ¿mejores? temas de sus trabajos editados. Pongo signos de pregunta porque creo que hay muchas más canciones excelentes que no están aquí, pero no se puede negar que las que están son muy buenas. Bueno, algo que siempre pasa, en mayor o menor medida, con este tipo de recopilaciones. Si bien No hits… no aporta nada nuevo a los fanáticos, es un buen disco para los que no conocen a Bonamassa o para aquellos que lo escucharon muy poco.

Todo empieza con un tema indiscutido. Blue and evil es uno de los estandartes de Black rock, discazo que Bonamassa editó en 2010. Luego sigue con otra canción reciente: Dust bowl, del disco homónimo, lanzado hace menos de un año. En tercer lugar aparece The ballad of John Henry, del álbum que lleva el mismo nombre y que vio la luz en 2009. El track cuatro, Sloe Gin, es una selección en vivo, de Live from nowhere in particular (2008), en el que Bonamassa no deja dudas que es un cantante formidable.

Más allá de que el título diga “No hits”, Miss you, hate you lo es. Producido por Tom Dowd en 2000, y editado en el álbum debut de Bonamassa, A new day yesterday, se trata de una balada blusera con un estribillo pegadizo y una guitarra incendiaria. En el track seis, Bonamassa vuelve al futuro con un tema Dust Bowl. Black lung heartache fue grabada en Grecia durante “el período negro de Joe”, comienza como un blues esquizofrénico con Bonamassa tocando la bağlama y deriva en un rock furioso, más emparentado con lo que suele tocar junto a su banda paralela, Black Country Communion. No es casualidad que el disco siga con un tema de ese grupo: The battle for Hadrin’s Wall, que parece rescatado de un álbum secreto de Led Zeppelin, fue lanzado en el primer trabajo de la banda, en 2010. Después aparece otro tema del súper grupo conformado por Glenn Hughes, Jason Bonham, Derek Sherinian y Joe, aunque de su segundo disco. Se trata del poderoso One last soul.

El tramo final de No hits... tiene a Bonamassa junto a Beth Hart, con quien a mediados del año pasado lanzaron Don’t explain. En Sinner’s player aparece la mejor faceta de Joe: solos enardecidos desde una Telecaster ’53, con Hart desnudando su alma en cada estrofa. En vivo, sin aditivos ni overdubs. Woke up dreamig integraba la lista de temas de su disco más blusero, Blues Deluxe (2003). Aquí Joe demuestra su destreza con la guitarra acústica. Para cerrar, dos canciones de You & me, de 2006: Palm trees, helicopters and gasoline y Asking around for you. En síntesis, un buen disco para acercarse a la música del power bluesman del nuevo milenio.

Vinho verde

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 16 Jan 2012 03:27:00 +0000

Estamos en la playa. Brasil. Lluvia, calor, borrachudos. Samba y buena onda. La cena será un pollo bastante hormonal que se está asando en la parrilla. Y no queremos acompañarlo con las cervezas livianas y sin carácter que los amigos brasileños trasiegan día tras día. Ni Antartica, ni Skol, ni Bohemia. Menos que menos, Brahama. En el súper las opciones no son muchas. La góndola de vinos apenas tiene unas pocas botellas. Maxi sugiere el vino verde portugués Casal García. Cuarenta reales parece un precio alto, pero apostamos a un sabor diferente.

En el portal Directo al paladar encontré esta descripción. “Los vinos verdes portugueses (vinho verde) deben su nombre más al color del paisaje donde se cultivan los viñedos, que al color ambarino de estos vinos blancos frescos y ligeros, los más populares de Portugal, como este Casal Garcia que nos ocupa. Se producen en el Minho, en el noroeste de Portugal, en una zona rica en lluvias y con unas condiciones naturales ideales. De contenidos en alcohol entre 8,5 a 11,5 grados y abundante anhídrido carbónico, que les proporciona mucha aguja. Son vinos semisecos, a veces marcadamente ácidos, y no muy maduros, cuyas vides se han cultivado en una de las zonas más pobladas del país”.

El vino y el pollo se llevaron de fiesta. El primero se acabó. Ni una gota quedó en las copas. Del ave sobrevivió una pechuga que tendrá destino de almuerzo al día siguiente. Un maridaje ideal.

Redescubriendo a Lonnie Johnson

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 09 Jan 2012 22:55:00 +0000

(Este texto lo escribí hace unos años para La Casa del Blues)

- "¿Eres Lonnie Johnson? ¿El Lonnie Johnson que grabó Blue ghost blues en 1938?". La respuesta sonó trémula del otro lado línea, apenas un "sí" alargado, inquietante. El que preguntaba era Joe Boyd, un joven entusiasta amante del blues y del jazz, quien junto a su hermano Warwick y a su amigo Geoff Muldaur hurgaba por entonces en lo más puro de la música tradicional norteamericana. Ahí estaban los tres, parados alrededor del teléfono. "¿Podrías venir a Princeton y dar un concierto la próxima semana?". Lonnie Johnson accedió a cambio de un pago de 50 dólares.

En las páginas de su libro Blancas Bicicletas, Boyd rememora el verano de 1960 cuando volvió a su casa de Princeton luego de un semestre duro en la Universidad de Harvard, y se reencontró con su hermano y Geoff, con quienes con el tiempo compartiría muchas aventuras musicales. En esa época los tres se habían deslumbrado con la serie de discos Encyclopedia of Jazz, del sello RCA-Victor, que contenía temas de King Oliver, Louis Armstrong y muchos más. Fue entonces cuando descubrieron una radio de Filadelfia que de madrugada emitía un programa de blues y jazz, cuando la mayoría de las emisoras difundían sólo música blanca. Una de esas interminables y sofocantes noches escucharon que el conductor, Chris Albertson, anunciaba que Lonnie Johnson estaba vivo y trabajaba como cocinero en un hotel de Filadelfia.

Johnson, que entonces vivía sólo a una hora y media de autopista de donde ellos estaban, era un guitarrista versátil y muy melodioso que había empezado tocando country blues y luego amplió su repertorio al jazz y las baladas. Entre 1925 y 1948 había grabado una cantidad asombrosa de material como solista, a dúo con el guitarrista Eddie Condon o en las orquestas de Louis Armstrong y Duke Ellington. La ruta de su vida era como la de muchos músicos de aquél entonces. Había nacido en Nueva Orleáns donde creció con la música a su alrededor, hasta que la necesidad post Gran Depresión lo llevó bien hacia el norte: Chicago, la meca.

Pero en los años cincuenta desapareció del mundillo musical, hasta que Joe Boyd agarró la guía telefónica y tuvo esa breve charla que derivó en una exclamación que arrancó unos cuantos gritos de felicidad de sus compinches. "¡Habíamos contratado a Lonnie Johnson!", recuerda con entusiasmo Boyd. Los tres jóvenes alquilaron un salón y empezaron a difundir el concierto entre amigos y conocidos, a quienes les dijeron que la entrada costaría un dólar. Cuando llegó el día, se subieron a un viejo Rambler y fueron a Filadelfia a buscar a Lonnie. "Delante de un hotel del centro, en el bordillo de la acera, estaba un hombre de pelo gris, impecablemente vestido, con una guitarra y un pequeño amplificador", rememora el autor de Blancas Bicicletas.

En el viaje hacia Princeton Lonnie Johnson les contó por qué había "desaparecido" en la última década. Cuando regresó de una gira por Europa en 1951 descubrió que su novia se había fugado con su dinero, sus guitarras y su colección de discos, y eso lo deprimió, lo dejó muerto en vida, lleno de blues. Su crisis amorosa coincidió con el auge del rock and roll, con Elvis a la cabeza, y quedó afuera del circuito musical como muchos otros bluesmen. Entonces empezó una vida errante que lo llevó a instalarse en Filadelfia, donde realizó distintos trabajos para sobrevivir.

Cuando Joe Boyd, Lonnie Johnson y los muchachos llegaron a Princeton, la sala estaba llena. Al músico no debió sorprenderle que en realidad apenas un puñado de chicos lo conociera vagamente. Pero había una onda especial en el ambiente, un músico con ganas de tocar y un público con ganas de expandirse. Era el comienzo de los sesentas, y mientras por un lado las políticas conservadoras y el "cinturón bíblico" segregaban a las razas, por el otro la música creaba una ambiente de paz multicultural. Lonnie empezó a rasgar su guitarra y "todos quedaron atónitos", cuenta Boyd. Tocó baladas y viejos blues como I cover the waterfront y Red Sails in the sunset, y durante el show hasta tuvo tiempo de coquetear con una jovencita negra que se había sentado en primera fila. El concierto fue un éxito. Todos quedaron deslumbrados por la música de Lonnie, por su carisma y por las breves historias que contó entre tema y tema. Joe, Geoff y Warwick habían recaudado 100 dólares y se los dieron al viejo Lonnie, que quedó más que satisfecho y agradecido con los muchachos.

Todavía faltarían diez años para su final: en 1969 fue atropellado por un auto en Toronto, Canadá. El accidente lo postró durante un año hasta que murió el 16 de junio de 1970. Pero durante toda esa década Lonnie Johnson volvió al ruedo con grabaciones para el sello Prestige Records (dejando discos memorables como Blues by Lonnie Johnson, Losing game o Another night to cry), presentaciones en festivales de blues y jazz y un concierto de reencuentro con Duke Ellington en el New York Town Hall. Su carrera no había terminado cuando su novia lo dejó sin sus discos, su dinero y su guitarra, y mientras Elvis movía la pelvis, sólo se había tomado un impasse hasta que alguien tomara el teléfono y lo llamara.

Blues 2012

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 06 Jan 2012 18:19:00 +0000

Rod Piazza, Lurrie Bell, Buddy Guy y Tom Principato.

El 2011 fue un gran año para los bluseros argentinos. Un aluvión de visitas internacionales coparon los escenarios de La Trastienda, Mr. Jones y otros pequeños reductos donde los doce compases fluyen como la sangre por las venas. La pregunta que muchos se hacen ahora es: ¿Qué nos espera para este año? Para empezar ya está confirmado el regreso de uno de los mayores exponentes del blues de las últimas décadas. Sí, el señor Buddy Guy vendrá por tercera vez a la Argentina y se presentará en el estadio Luna Park el jueves 10 de mayo. Será, sin dudas, el acontecimiento blusero del año.

Un par de meses antes, Gondwana Producciones anunció una nueva edición del Festival Buenos Aires Ciudad Blues Verano, esta vez con todos músicos nacionales. Serán dos fechas en La Trastienda: el sábado 4 de febrero tocarán Rubén Gaitán, Gabriel Lerma Trío, La Buenos Aires Blues Band y La Borgoña. Y el sábado siguiente, el 11, se presentarán Don Vilanova, Nico Smoljan & The Shakedancers, Mariano Slaimen y La Escocesa Blues Band.

Por ahora esos son los shows con fechas confirmadas. Pero consulté también a otros productores que ya tienen acuerdos cerrados con músicos internacionales, aunque todavía no definieron días y escenarios. Mariano Cardozo, de Baires Blues, me dijo que en agosto regresa, por tercer año consecutivo, el legendario Lurrie Bell. También tiene un par de nombres en carpeta pero prefiere esperar unas semanas más antes de anunciarlos. Roger Rugilo, de MJ Producciones tiene varios músicos confirmados: Claudio Gabis, Guy King, Kenny Brown, Tom Principato y J.C. Smith. “Con ellos haremos un tour por Argentina, Chile y Brasil. Además, todos tocaran en Mr. Jones”, me comentó.

Los chicos de MGB Producciones, Walter Loscocco y Juan Urbano López, también tienen algunos músicos de peso asegurados, aunque todavía resta saber cuándo y dónde se presentarán. Sin dudas el más destacado es Rod Piazza. Ojalá el genial armonicista venga con su banda completa o, al menos, con su mujer, Honey, una gran pianista. Otros nombres que desplegarán sus blues en suelo porteño son Billy Branch, Larry McCray, James Harman y Eddie Shaw. Por último, me comuniqué con Mariela Bonzi (el año pasado trajo a Willie Buck y Max Valldeneu) y con Ricky Muñoz (produjo el show de Duke Robillard) pero ellos por ahora no tienen nada cerrado.

En definitiva, parece que será otro gran año de blues. A ahorrar pesos porque habrá que ver al menos un show por mes.

Patagonia blues

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 04 Jan 2012 16:06:00 +0000

La Patagonia está bien al sur del Mississippi. Todo un continente separa a esas dos regiones. En medio hay miles y miles de kilómetros, un inmenso mar, cientos de ciudades y decenas de culturas diversas. Pese a ello, en Neuquén, un lugar que poco tiene que ver con el surgimiento y desarrollo del blues, se formó una banda que suena como si se hubiera curtido en los juke joints de Texas, California o Tennessee. Se llaman los Jackpots y ya están dando que hablar. Hace poco salió su primer disco. Playin’ the blues (by the rules) tiene doce temas, todos compuestos por ellos y en inglés. A diferencia de otras bandas de blues local creo que estos chicos pueden llegar a tener una buena proyección internacional. Suenan realmente muy bien y que los temas sean cantados en inglés (con muy buena pronunciación, por cierto) realmente puede abrirles varias puertas en el exterior. Damián Dulfós y Rafo Grin son los mentores de este trío que completa con el baterista Juan José Sobarzo. Dulfós tiene un swing natural para tocar la armónica, se nota que creció escuchando a Rod Piazza, Kim Wilson, William Clarke y Rick Estrin. Grin es de la escuela de grandes guitarristas como Junior Watson, Rusty Zinn, Hollywood Fats y Little Charlie Baty.

En los siete años que llevan tocando, los Jackpots sufrieron varias modificaciones. Recién ahora parecen haberse estabilizado. Así, lograron encontrar un sonido propio que se balancea entre el jump blues, el sonido de la Costa Oeste y Texas. El álbum tiene invitados que aportan más calidad a las interpretaciones: Andrés Fuhr en contrabajo –hace un solo bárbaro en Treat me right- Mauro Diana en bajo y Fabio Balbarrey en saxo. Diana además colaboró en la producción lo que le imprime a la banda el sello de Blues en Movimiento. Si ven por ahí el álbum, no se priven de comprarlo. Los chicos neuquinos saben lo que hacen y lo hacen bien. El futuro del blues está asegurado, hasta en tierras tan remotas como las nuestras del sur.

Los mejores discos del año

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 30 Dec 2011 16:41:00 +0000

Todos los discos fueron reseñados al momento de sus lanzamientos. No fue una elección fácil, ya que en 2011 hubo muy buenos álbumes.

MEJOR REEDICIÓN:

MEJOR DISCO EN VIVO:

MEJOR EP:

El vino del año

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Tue, 27 Dec 2011 15:05:00 +0000

Una noche, a comienzos de este mes, fui a cenar a Doppio Zero, un restaurante del Bajo Belgrano en el que se comen las mejores pastas de Buenos Aires. Antes de pedirme unos orechietti con reducción de cordero elegí el vino. La carta, muy amplia, me llevó a pedir un Felino cabernet sauvignon. Pero el dueño del restaurante, un flaco muy atento que recorre todas las mesas y no deja detalle librado al azar, me dijo: “Por el mismo precio te recomiendo uno que no tengo en la carta que es una delicia”. Lo dijo tan convencido que no me quedó otra que aceptar. Así, llegó a la mesa una botella de Palo Borracho, un cabernet fabuloso de Ernesto Catena. Uno de esos vinos que es difícil conseguir y que es muy grato disfrutar. El dueño del restaurante me contó que lo probó en una degustación y que cuando quiso adquirir unas cajas le dijeron que Frappé había comprado toda la partida. Así que, me explicó, no tuvo más remedio que comprarle unas cajas a la vinería. La cuestión es que el vino, en la temperatura justa, me pareció exquisito. Intenso, frutado, fresco. Fue de lo mejor que probé en el año.

Feliz Navidad

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 24 Dec 2011 20:24:00 +0000

A todos los que aman la música. A los que no pueden vivir sin ella. A los que no toleran que pase un día sin poder rasgar las cuerdas de su guitarra. A los que no ven el momento de soplar su armónica o acariciar las teclas de un piano. A los que necesitan casi como el aire golpear su batería. A los que tienen que tener siempre música de fondo y a los que les gusta escucharla a todo volumen. A todos ellos, les deseo la mejor Navidad posible. Les dejo esta fabulosa interpretación de Merry Christmas baby de Joe Bonamassa. Brinden y no paren de brindar!!!

Últimos lanzamientos del año

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 22 Dec 2011 17:09:00 +0000

The Black Keys – El Camino. Rock and roll, retro soul y espíritu indie son algunos de los componentes de la fórmula que dan materialidad a los Black Keys. Escuchar su música siempre es caminar por la cornisa de un precipicio. Es como si alguien pusiera a un yonqui a trabajar en una farmacia. Como si le dieran cientos de cascotes a un barrabrava descontrolado. Sus canciones son puro coqueteo trash altamente adictivo. Guitarras distorsionadas, melodías lisérgicas y arreglos vintage. Así y todo, los Black Keys miran hacia el futuro sin tener que recurrir a bases electrónicas. Todo lo que usan es electricidad en estado puro, al servicio de su power creativo, que parece absorbido del legado de los White Stripes. Entre tanta descarga, en la mitad del álbum, surge una hermosa canción, Little black submarines, que empieza con una guitarra acústica y termina como si Auerbach y Patrick Carney estuviesen poseídos por Robert Plant y Jimmy Page. El séptimo álbum de la banda en una década marca a las claras que lo de estos muchachos no es un capricho, es música en serio.

Pegi Young & The Survivors – Bracing for impact. Este disco es una gran sorpresa. Exquisita y grata. La mujer de Neil Young, a la que hemos visto cientos de veces haciendo los coros en los shows de su marido, acaba de lanzar su nuevo álbum, el tercero de su carrera. Bracing for impact es un obra fabulosa, en la que la música country, el folk, el rock y el blues conviven en la voz de esta gran cantante y compositora. Salvo por el cover I don't want to talk about it, que compuso Danny Whitten para Crazy Horse y popularizó Rod Stewart, los demás son todos temas propios. Trouble in a bottle es una joya que (no tengo dudas) está entre las cinco mejores canciones del año. Hay otras muy buenas: Med line -en clave de blues-, No heart beat sounds y Lie. La banda son todos viejos conocidos de su marido: Spooner Oldham, Rick Rosas, Ben Keith y Chad Cromwell, entre otros. Por supuesto que Neil Young tiene sus apariciones estelares, aunque siempre en un segundo plano para no empañar el trabajo de su esposa. Bracing for impact es un disco sensacional que todos deberían escuchar.

Nick Moss – Here I’am. El voluptuoso Nick Moss está camino a integrar las filas de la primera línea del blues. En un año que parece haber sido una visagra generacional –murieron Pinetop Perkins, Honeyboy Edwards, Hubert Sumlin, Big Jack Johnson- Moss aparece como uno de los mejores exponentes de la nueva camada de bluesmen. Después del excelente Privileged del año pasado, Here I’am es la consolidación de un estilo y el apuntalamiento de una carrera. Más allá de la influencia del blues clásico de Chicago aquí se perciben guiños a Led Zeppelin, Canned Heat y Jimi Hendrix. Entre tanto boogie y blues rock, surge la melodía divina de una canción que también se postula como las mejores de 2011: It’ II turn around, que viene en sus dos versiones, la original de nueve minutos y la editada para la radio. Tal como escribió mi amigo Claudio Ibarra en su reseña del álbum para el sitio 2120.cl “Una nueva inyección de fuerza para la música del alma”.

Lazos de familia

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 18 Dec 2011 17:33:00 +0000

El blues se renueva día a día y Trampled Under Foot es una prueba cabal de ello. Los hermanos Schnebelen son jóvenes pero saben bien lo que hacen. Al legado familiar, le sumaron talento, pasión y un profundo respeto por la tradición del blues. Wrong side of the blues es un álbum directo, formidable y sin retoques. Tiene doce temas, todos compuestos por los hermanos, en los que la guitarra de Nick Schnebelen se convierte en el general de esta tropa de asalto blusera. Danielle se encarga del bajo y de cantar en la mayoría de las canciones. Mientras que el tercer eslabón, Kris, también canta como sus hermanos y aporrea la batería con precisión y soltura.

Los “creadores” des esta gran banda son Bob y Lisa Schnebelen , los padres de los chicos. Ellos son músicos pero nunca salieron del área de Kansas City. Pusieron toda su dedicación en transmitirles y enseñarles a sus hijos todos los secretos y trucos que conocían y también a que aprendieran la historia de la música de raíces. Así, en 2006, los hermanos salieron al ruedo. Desde entonces vienen cautivando audiencias en EE.UU. y Europa. Wrong side of the blues es su quinto disco, todos editados por pequeños sellos independientes.

Los hermanos tocan blues sin tapujos. Get it straight abre el disco con un poderoso azote vocal de Danielle, mientras la guitarra de Nick hace honor al premio Albert King a la promesa del blues que recibió en 2008. Bad woman blues tiene el espíritu de Bo Diddley con ciertos retazos campestres, mientras que el tema que da nombre al disco, cantado por Danielle, es de esos que van camino a la vitrina que seleccione lo mejor del año. Pero no es el único, She's long, tall and gone combina una guitarra en llamas, la voz compenetrada de Nick y el aporte sublime de la armónica de Kim Wilson. Otros temas para destacar son Heart on the line, que tiene el sonido del bajo bien al frente con Danielle cantando como si se le fuera la vida en ello y la guitarra de Nick viboreando entre verso y verso. The fool tiene la impronta de un down home blues con swing gracias al aporte de Mike Finnegan con el Hammond B-3.

El productor Tony Braunagel dejó que cada instrumento brille, que las voces se escuchen bien adelante para captar lo que cada uno de los hermanos puede dar de sí mismo. Su idea fue que el álbum suene tal cual ellos lo hacen en vivo. Y creo que lo logró. Wrong side of the blues es un disco excepcional, en el que los lazos de familia están intactos, así como el futuro del blues.

El espíritu de los 60

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 14 Dec 2011 17:02:00 +0000

Sobre el escenario hay dos guitarras acústicas y una silla. Las luces se apagan y comienzan a sonar los acordes de My back pages, de Bob Dylan. Desde un costado asoma la silueta esbelta de Roger McGuinn. Viste camisa, pantalón y sombrero. Todo de negro, menos las botas que son marrones. Sostiene una guitarra eléctrica de doce cuerdas y canta con una voz notable “Ah, but I was so much older then / I’m younger than that now". El tema dura apenas dos minutos. Es su carta de presentación. Uno de los tipos más influyentes de la música de los sesenta está en Buenos Aires.

Roger McGuinn fue uno de los fundadores de los Byrds, banda que desvelaba a los Beatles y a Dylan, y fue uno de los primeros en lograr una amalgamada fusión entre el rock, el folk y el country. Hoy es un trovador itinerante, un storyteller como los de antes. Su show se compone de canciones y anécdotas casi por igual. The ballad of Easy Rider, que compuso para la emblemática película que protagonizaron Dennis Hooper y Peter Fonda, es la segunda canción de la noche. McGuinn ya está sentado y se lo nota cómodo y relajado. Comienza alternar entre la acústica de doce cuerdas y la de seis.

Sigue con Mr. Spaceman, “el primer country rock espacial”, y luego con dos temas del álbum Sweetheart of the rodeo: Pretty Boy Floyd y You ain’t going nowhere, donde se luce con el estilo finger picking. Es tiempo de un blues y se despacha con St. James Infirmary. Sigue rememorando: antes de empezar a cantar All I really want to do cuenta que cuando se la hicieron escuchar a Bob Dylan, éste preguntó qué canción era y que él le respondió: “Es una de las tuyas”. Antes de un pequeño intervalo de 15 minutos, McGuinn interpreta Rock island line, de Leadbelly; Parade of lost dreams, que compuso junto a su esposa; y Chimes of freedom, otro de los temas de Dylan que los Byrds hicieron propio.

El Teatro Coliseo no está muy lleno, pero la gente está muy entusiasmada. Un hombre y su guitarra, un show íntimo y un bagaje de canciones históricas que conforman un verdadero songbook de una época dorada son las claves de una noche mágica. McGuinn vuelve al escenario de la misma manera que antes. Asoma tocando los acordes de Lover of the Bayou, del disco de 1970 que se conoce como Untitled. Enseguida arremete con otro tema de ese mismo álbum: Chestnut mare. Luego dedica Jelly Roger, del disco Cardiff Rose, a la época en que acompañó a Dylan en su Rolling Thunder Revieu. “Por entonces viajábamos en micros que se desplazaban por la noche como barcos piratas”, recuerda.

Pete Seger y Gene Clark son los siguientes homenajeados de la noche: el primero con The bells of Rhymney. El segundo con You showed me. Se viene el final a puro éxito Byrd. Con la guitarra acústica interpreta los primeros acordes del Mr. Tambourine man de Dylan. “David Crosby me dijo que ese tema nunca podría llegar a ser un hit en la radio, entonces tomé la guitarra eléctrica y se me ocurrió hacer esto”. La transformación es notable, el público aplaude. Sigue con Eight miles high, esta vez dedicado a John Coltrane y Ravi Shankar. Corta una cuerda. No importa. Cambia de guitarra y cierra con Turn, turn, turn.

Hasta ahí, un show perfecto. Los bises traen una sorpresa, que sacude más desde lo emotivo que desde lo musical. Charly García se sienta frente a un teclado y juntos cantan, en español e inglés, Feel a whole lot better. La voz de Charly está arruinada, se lo nota fuera de tiempo. Tal vez por eso sólo acompaña con el teclado los dos temas siguientes: So you want be a rock and roll star y Knocking on Heaven’s door. Se van ovacionados. El público pide una más. Y Roger McGuinn regresa al escenario, por suerte solo, e interpreta May the road rise to meet you, una vieja canción irlandesa que elige para cerrar un show fabuloso, de esos imposibles de olvidar.

Desde la ruta

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 12 Dec 2011 15:33:00 +0000

Marcia Ball tiene 62 años, de los cuales pasó más de la mitad en la ciudad texana de Austin. Esa referencia es clave para entender sus blues. Porque el mismo tiempo que lleva viviendo en la Capital de la Música es el que ha pasado cantando y tocando el piano. A eso hay que sumarle sus raíces, esas que comenzaron a crecer en su Lousiana natal. Ese combo es la génesis musical de esta gran artista, que en este último lustro parece haber alcanzado su pico de madurez interpretativa y creativa. Roadside attractions, su álbum número 15, fue nominado para los premios Grammy como mejor disco de blues y es el cuarto trabajo consecutivo que peleara por uno de los premios que entrega la industria discográfica.

Editado por Alligator Records, Roadside attractions es un álbum poderoso y recargado de energía. La voz de Ball es potente y destila un swing fabuloso. Las letras de las canciones, todas compuestas por ella, aunque un par fueron coescritas junto al productor Gary Nicholson, son postales de las rutas de los Estados Unidos y funcionan como crónicas de la América actual. Es un disco personal y muy reflexivo, en el que Ball se rodeó de una buena selección de músicos como Colin Linden (guitarra), Reese Wynans (hammond B3), Joel Guzman (acordeón), Don Bennett (bajo), Lynn Williams (batería) y los Mingo Fishtrap Horns.

That’s how it goes, el primer track del album, es arrollador. El Hammond B3 vuela entre el slide de Linden. Hay un corte en el que Bennett arremete con un solo de contrabajo. Ball lleva la canción aporreando su piano y cantando con una fuerza orgánica sobrecogedora. El resto de las canciones se debaten entre el boogie woogie, el shuffle, el cajun y ciertos resabios del country western. Sobre el final, entona un blues tremendo, Mule headed man en el que su hombre hace lo que quiere y ella no puede evitarlo: Le gusta tomar whisky aunque sabe que lo va a matar / no se lo puedes hacer dejar / él prefiere tomar whisky a seguir viviendo. Low down Texas style.

Roadside attractions es un gran álbum, honesto, puro. La música fluye con naturalidad. Es un libro abierto de estilos, todos con un anclaje en el sur de los Estados Unidos, con el río Mississippi, el pantano del Delta y las rutas como epicentro.

Lanzamientos nacionales

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 08 Dec 2011 16:26:00 +0000

Don Vilanova – Don Vilanova y sus secauces. El contraste que hay entre el primer tema, Dobro intro, y el segundo, Vos ya sabes, es abismal. Miguel tocando blues es imbatible. Mucho feeling y demasiada experiencia. Pero enseguida arremete con un rock and roll exasperado, junto a la banda Nativo, que no le sienta muy. Esas dos caras de presentación inmediatamente obligan a una pregunta: ¿Cómo seguirá el disco? Sigue bien. Pese a que el tercer tema aparece acompañado por otra banda de rock, Pier, el blues comienza a tomar forma. La guitarra dobro y el slide vuelven a aparecer en escena un par de veces más volcando el espíritu del Delta. La Mississippi suma su sonido clásico, con la voz de Ricardo Tapia, en Blues hasta que salga el sol. Blues solamente, con Emmanuel Horvilleur, suena demasiado forzado. Podría esperarse lo mismo de Abre en el que Miguel le hace frente al legado jamaiquino junto a los Reggae Rockers. Pero no: el tema destila frescura y alegría. Ciro Fogliatta aporta toda su experiencia y virtuosismo en La mente, Blues en la radio y La hechicera. Celeste Carballo le da un toque femenino en Tiempo al tiempo y los Blues Motel se “sincronizan” con el viejo maestro en un blues poco flexible. Me gustó mucho más que el anterior, Adiós Botafogo... Es cierto que éste tiene un par de altibajos, pero mientras el Don siga cerca del blues las cosas estarán bien.

Tamesis – Aprendiendo a volar. Rock vintage, guitarras rabiosas y coros góspel. Canciones propias, espíritu sureño y muchas ganas. Esos son algunos de los condimentos de este disco novedoso en el que se perciben influencias muy marcadas de los Black Crowes. La banda está conformada por Guido Venegoni (voz), Julio Fabiani y Brian Figueroa (guitarras), Diego Gerez (teclados), Homero Tolosa (batería), Florencia Andrada y Natalia Pereira Pinto (coros). Todos chicos que tienen un promedio de edad de 23 años. Entre los invitados figuran Gabriel Grätzer (banjo), Nicolás Raffetta (teclados), Mauro Diana y Marcelo Saluzky (bajo). El álbum, de doce temas, tiene una notable calidad de sonido: fue grabado en el estudio Circo Beat, materizado por Max Scenna e impulsado por la Escuela del Blues. Los cuatro primeros temas son muy Crowes. El quinto, Canción para las batallas, marca un quiebre bárbaro con el aporte campestre de Grätzer. Cruel realidad tiene retazos de hit, al igual que el título que da nombre al disco, Aprendiendo a volar. Seguramente este es apenas el primer disco de una banda con mucho futuro. Bienvenidos.

Rubén Gaitán – Tuve que hacerlo. La primera pregunta que me surge luego de escuchar el disco es ¿Por qué tuviste que hacerlo Rubén? No hay dudas de que Gaitán es un referente de la armónica y del blues en la Argentina. Ha tocado con todos los músicos locales y con algunas figuras que vinieron del exterior. Todavía recuerdo con emoción esas noches de buena música, humo y Tía María en Betty Blues. Pero aquí y ahora, escuchando el álbum, pienso que un fiscal, durante una indagatoria, podría aceptar ese título como una confesión de culpabilidad. El disco también podría haberse llamado “Y qué le voy a hacer” o “Hice lo que me dijeron que hiciera”. Las letras de las canciones son un cliché y los invitados –Juanse, Sarcófago, Manuel Quieto de La Mancha de Rolando, entre otros- no logran levantarle la onda. Se trata de rocanroles obvios, previsibles, que bien podrían ser parte del repertorio de una banda de rock barrial adolescente. Rescato los solos en Me va a matar, Whisky para dos y Policías en acción, en los que Rubén Gaitán hace lo mejor que sabe hacer: tocar la armónica.

La historia grande del blues

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 05 Dec 2011 16:17:00 +0000

En marzo de este año, más precisamente el sábado 26, cumplí uno de los sueños que tenía en la vida. Vi a los Allman Brothers en vivo en el Beacon Theatre de Nueva York. Esa noche, majestuosa, única, inolvidable, hubo invitados de lujo: Dr. John, Susan Tedeschi y el legendario Hubert Sumlin, quien fue presentado con énfasis por Warren Haynes. El viejo Hubert subió al escenario acompañado por un asistente, se sentó en una silla y la banda empezó a tocar el clásico de Howlin’ Wolf, Smokestack lightning, y luego Key to the highway. Hubert sacó algunos débiles solos de su Fender Stratocaster y sus clásicos riffs. Yo estaba en la fila 20 y recién me di cuenta que estaba asistido por un tubo de oxígeno cuando un primer plano suyo apareció en la pantalla gigante. Esa noche me fui extasiado por el show de los Allman, pero me quedé con la sensación de que Sumlin ya estaba atravesando el último trecho de su vida. La noche siguiente, fui a ver a Hubert al Iridium Jazz Club, en pleno Times Square. Me senté en una mesa a pocos metros de distancia del escenario y contemplé su show con atención y cierto dolor. Vi a un hombre cansado y muy enfermo tocar su guitarra como si se le fuera la vida en ello. Fue muy conmovedor. Esa noche salí a caminar por la fría Manhattan con la sensación de que ya no lo volvería a ver.

A Hubert ya lo había visto en tres ocasiones durante los noventa: una en el Festival de Blues de Long Beach, en California, y un par de veces durante sus múltiples visitas a la Argentina. En cada una de esas presentaciones el tipo dejó en claro que sabía cómo entretener con sus blues. Hubert se había enamorado de Buenos Aires. Hizo muchos amigos y grabó dos discos: Made in Argentina 1993 y I’am the backdoor man. Creo que junto a John Primer es uno de los bluesmen que más veces vino al país.

Hubert fue dueño de un estilo propio, diferente al de los demás guitarristas y muy enérgico, que se complementó a la perfección con la forma abrasiva y feroz que tenía Howlin’ Wolf para cantar los blues. En los cincuenta, Wolf tomó a Hubert como su protegido y le pagó clases de guitarra en el Conservatorio de Chicago. Esa sociedad tuvo sus frutos: Wolf contó con uno de los guitarristas más innovadores de la ciudad y Hubert tocó en una de las dos mejores bandas de la historia. La leyenda cuenta que el eterno rival de Wolf, Muddy Waters, tentó a Hubert para que se pasara de equipo. Al margen de las decenas de grabaciones que Hubert hizo junto a Howlin’ Wolf, editó una buena cantidad de discos solistas para los sellos JSP; Blind Pig, Tone Cool, Evidence y Black Top.

El nombre de Hubert Sumlin no podrá ser borrado de la historia grande del blues. Murió a los 80 años como consecuencia de un paro cardíaco derivado de una severa complicación pulmonar que arrastraba desde hacía varios años. A Hubert lo estamos llorando en todo el mundo. Imagino a Keith Richards, a Eric Clapton, a Lurrie Bell, a James Cotton, a Bob Stroger y a Ronnie Earl en sus casas escuchando sus discos y recordando los buenos momentos vividos junto a uno de los máximos exponentes de los doce compases

Adiós, Hubert ¡Hasta siempre!

Reedición de luxe

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 01 Dec 2011 16:09:00 +0000

Los Rolling Stones se convirtieron en la banda más grande de la historia del rock. Por perseverancia y porque fueron los creadores de himnos de varias generaciones. En sus más de 50 años en el ruedo lanzaron decenas de discos: desde aquel álbum debut de 1964 hasta el último disco oficial de estudio, A bigger bang (2005), han editado obras monumentales como Exile on Main St., Let it bleed y Sticky fingers. Pero también otras bastante flojas como Dirty work, Still life o No security. En la década del sesenta brillaron por su combinación de blues y rebeldía juvenil. En los setenta tuvieron una explosión creativa arrolladora. Los ochenta los encontró peleados y desconcertados, casi sin rumbo. En los noventa lograron de alguna manera aggiornarse al sonido del momento sin perder identidad. En la última década, ya como reyes indiscutibles, siguieron paseando sus shows por el mundo y se volvieron uno de los fetiches de Martin Scorsese.

Pero lo mejor de estos últimos años viene por el lado del revisionismo histórico. Los Stones están reescribiendo su propia historia con reediciones de colección. El año pasado, lanzaron un disco doble de Exile on Main St., el álbum remasterizado junto a muchos temas que habían quedado afuera de la selección final. En paralelo, también salió la película Stones in exile.

Ahora sucede lo mismo con otro álbum emblemático de los setenta: Some girls. No hay dudas de que figura entre los cinco mejores discos del extenso catálogo de Jagger, Richards y compañía. Sólo basta con mencionar algunas de las canciones que contiene: When the whip comes down, Just my imagination (Running away with me), Far away eyes, Shattered, Beast of burden y Respectable. Así como también uno de los mejores temas que compuso Keith Richards en toda su vida, Before they make me run, y Miss you, la aproximación de Jagger a la música disco, pero sin perder ese sello rockero notable que siempre identificó a la banda.

La remasterización fue realizada por el productor Don Was y la edición “súper-deluxe” incluye un single de vinilo de 7″ con Beast of burden, además de fotografías inéditas de Helmut Newton realizadas en 1978, el año en el que se lanzó el álbum. Pero hay más: todo un cd con temas nuevos. En realidad temas que fueron grabados hace más de 30 años pero que, en su mayoría, recién se conocen ahora. Empieza con un rock and roll clásico, Claudine, dedicado a la cantante francesa Claudine Longet, que durante muchos años circuló en grabaciones piratas. Algo parecido sucede con el track Tallahasee Lassie.

El clásico e inconfundible sonido Stone aparece con todo su vigor en So Young, Do you think I really care y I love you too much, tres temas que cuesta creer que hayan quedado afuera de la edición original. El blues está muy presente en este reedición: When you’re gone, Keep up blues y Petrol blues, una joya de un minuto y medio que fue compuesta por Nicky Hopkins. El cover de Hank Williams, You win again, es simplemente maravilloso, y es muy emocionante escuchar a Keith Richards cantando We had it all.

Como si fuera poco, esta celebración en formato digital sale acompañada por el DVD Some girls live in Texas 1978. Si en su momento el álbum fue considerado como una verdadera obra maestra, este relanzamiento no es menos y además es una gran oportunidad para reencontrarse con lo mejor de los Stones.

El que sabe, sabe

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 28 Nov 2011 03:33:00 +0000

Por Mariano Valdivieso

No es mi intención que este texto sea algo parecido a un tratado de medicina, pero créase o no ciertas personas traen en su ADN algún tipo de código de buen gusto. Ustedes dirán; che, no, pará... qué el buen gusto es un invento del capitalismo y la modernidad. Pues no. Un estudio -de dudosa procedencia- asegura que una de cada 250 millones de personas cae en este mundo con una genética especial. Así que para mí, Bluesman es de esos tipos. No es índigo, no es albino ni ventrílocuo. Tampoco erudito ni médium, pero tiene buen gusto. Bluesman me trajo un vino francés de Francia. Se pasó, la verdad. No tenía obligación, vieron, pero él tiene BG (buen gusto). En la etiqueta, el Bourdeaux dice Mouton Cadet (2008). Típica botella bordelesa, el contenido es sorprendente para bien y para mal.
Hablemos del vino:
- Color tipo cereza pero a trasluz parece más oscuro. Brillante.
- En copa, cuando agité el vino, la lágrima tardó en caer, densa, pesada. Típico francés.
- En nariz, con buena intensidad.
- Y justamente por la intensidad de la nariz fue que pensé que se venía algo medio alcohólico. Pero no! Oh, sorpresa! El brebaje era suave, frutal, equilibrado. En una palabra: sólido
Me lo tomé, me lo tomé todo. Lo disfruté como quien manotea el bidón de agua en el entretiempo de un partido de casados contra solteros. Después, miré una película o hice zapping. Y así quedé.
Mi amigo Bluesman seguramente me entendería.

Blues sin fronteras

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 23 Nov 2011 16:45:00 +0000

No importa el idioma, no importa el país, no importa la religión. El blues está presente en cada rincón del planeta.

Rudy Rotta - Me, my music and my life. Rotta es un guitarrista italiano, nacido en Verona, que se formó musicalmente en Suiza, triunfó en su país, expandió su música al resto de Europa y pudo desembarcar con relativo éxito en los Estados Unidos. Allí compartió escenarios con Luther Allison, Al Green, Taj Mahal, Etta James, los Fabulous Thunderbirds y Brian Setzer. Su primer álbum, Reason to live, fue editado en 1990 y ahora acaba de salir a la venta este disco doble que recopila lo mejor de sus más de 20 años de carrera. Entre los temas elegidos para este compilado hay algunos que fueron compuestos por él -con versiones en italiano y en inglés- y otros clásicos del blues y del rock. Además hay una lista de invitados de lujo: Peter Green suma su voz gastada y su guitarra para una sutil interpretación de Black magic woman. El difunto Carey Bell aporta su armónica en So di blues y Mama save the children. Rotta y John Mayall, en armónica, arremeten con un cover de My babe, de Little Walter. Pero eso no es todo: los solos de la guitarra de Robben Ford acribillan en una notable St. James Infirmary y en It’s all over now baby blue, de Bob Dylan. Brian Auger, el último de los invitados, le aporta un toque jazzístico en Truth. El resto de las canciones –entre las que hay tres covers de los Beatles- tienen a Rotta y su Fender como protagonistas excluyentes.

Vidar Busk & his True Believers - Stompin' our feet with joy. Después de Kid Andersen, Busk es el otro gran héroe de la guitarra de blues de Noruega. Busk no es un tipo que pase desapercibido, luce sobretodos y trajes de colores. estrafalarios y un peinado que combina el jopo de los años cincuenta con una cresta punk. Más allá de su look, Busk es un cultor del blues clásico, ese que los gringos denominan red hot, y el del swing. Stompin’ out feet with joy fue grabado en 1997 y reeditado hace unos meses: es un combo de blues de Texas, boogie, shuffle, jump blues en el que Busk y su banda descargan un arsenal de yeites y solos formidables. Busk nació en la ciudad de Langesund y a los 15 años se fue a vivir a los Estados Unidos. Su inglés es perfecto, eso es evidente cuando canta, y se nota que su estilo ha sido moldeado en los mejores bares de blues de Alabama, Georgia y South Carolina. En los noventa volvió a Noruega y desde entonces es uno de los máximos exponentes del blues europeo. Stompin' our feet ... tiene 14 temas y la reedición incluye cuatro bonus. Una de las canciones, The ballad of Vidar Busk, es una crónica autobiográfica de sus peripecias en el mundo del blues.

Yuichiro Oda – East blues. Oda nació en Japón, en la ciudad de Kagoshima, y a los diez años empezó a tocar la guitarra. Su formación estuvo relacionado más que nada con la música clásica y el jazz. De hecho, el jazz marcaría sus comienzos como músico profesional y sus primeros discos. Oda tocó con músicos de las bandas de Sarah Vaughan y Tom Waits, y su primer álbum se lo produjo nada más y nada menos que George Duke. A fines de los noventa, durante una gira por los Estados Unidos, tocó con Larry Carlton y Ernie Watts. Ahora acaba de lanzar este álbum de blues y guitarras afiladas, en las que además de ser el compositor de todos los temas, canta con una fuerza desgarradora. Los arreglos de algunos temas incluyen coros femeninos y por momentos la aparición de un piano que rellena la armonía en segundo plano. Pero también hay otros, como Test of life, que tienen una inclinación un poco más pop por el efecto de la sección de vientos y los teclados. El track que da nombre al disco es un instrumental furioso en el que los solos de Oda surcan el aire como balas de punta hueca. Y Desert blues es un acústico con slide que ubica a Oda en el porche de una casa del Mississippi. Así como una oda es una composición poética de tono elevado, este Oda es un guitarrista al que hay que escucharlo con el volumen al máximo.

Éxtasis

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 19 Nov 2011 21:25:00 +0000

Se corrió el telón y los cuatro músicos empezaron con una descarga energética de blues, shuflle y otras yerbas que tuvo su pico de máxima intensidad sobre el final, cuando los cuatro se pusieron de espaldas al público: el bajista y el guitarrista cargaron sus instrumentos sobre los hombros mientras el batero golpeaba los tambores casi como si mirara por un espejo retrovisor. Debajo del escenario la gente estaba encendida. Fue todo tan intenso que ahora, varias horas después del show, sigo como percutido por uno de los mejores recitales de blues que vi en mi vida.

El frenesí musical fue in crescendo, al igual que el entusiasmo del público. La Trastienda estaba colmada, había muchos armonicistas que fueron a ver al ídolo, pero había otros que estaban por el combo completo. Ya de por sí la presencia de Rick Estrin era todo un acontecimiento. Pero que lo haya hecho junto a los Nightcats, mucho más. No por nada fueron nominados para los Blues Awards como la mejor banda del año. Lo excepcional de la noche de ayer estuvo más allá de las canciones. No tocaron clásicos del blues sino que se ciñeron a temas de su flamante álbum, Twisted, y otros de la extensa discografía de la banda, de cuando se llamaba Little Charlie & The Nightcats. Lo cierto es que los cuatro músicos tienen una serie de trucos y arreglos que los explotan a cada instante, combinando todo con una interacción corporal fabulosa.

El show empezó con una bienvenida de armónicas sudamericanas. Nico Smoljan y su banda tocaron dos temas, invitaron al brasileño Flavio Guimaraes a escena y luego a Mariano Massolo y Natacha Seara. Cuatro armónicas soplando en homenaje a quien estaba por venir, el heredero de Sonny Boy Williamson, el gran Rick Estrin.

Los Nightcats sonaron compactos. Lorenzo Farrell alternó entre los teclados, el bajo eléctrico y el contrabajo. Tiene un tempo fabuloso y un ritmo natural para llevar a la banda a trances demoníacos. J. Hansen es una verdadera bestia. Creo que al segundo tema ya tenía toda la camisa empapada. Golpea y golpea con rigor. Entre los dos se entienden a la perfección. No hubo ni una falla, ni un traspié. Pasión y precisión en su medida justa. Todo perfecto.

Kid Andersen merece un párrafo aparte. El guitarrista noruego tiene 31 años y en su curriculum figura que tocó con Charlie Musselwhite y Elvin Bishop. Estoy seguro que dentro de unos años va a estar entre los más grandes del blues. Toca lo que quiere y como quiere: blues de Chicago, Texas style, West Coast, jump blues, rock. Es un tipo corpulento y ayer, al verlo con su Epiphone –que compró un día antes por 600 dólares aquí en Buenos Aires-, me hizo acordar a Freddie King. En la mitad del show, Estrin dejó el escenario y Kid quedó al frente de la banda: se despachó con instrumental épico en el que hubo acordes de Paint black, de los Stones, y ciertas referencias tácitas a violeros como Dick Dale y Link Wray, que finalizó con un duelo entre su guitarra y el teclado de Farrell.

Otro duelo tremendo fue el que tuvieron Kid y Estrin al final, luego de que el segundo hiciera su clásica imitación de Sonny Boy, sosteniendo la armónica sólo con su boca. Kid no se quedó atrás e hizo un punteo con los dientes para después ejecutar el estribillo de Don’t cry for me Argentina mezclado con Baby please don’t go. En ese momento el público ya estaba muyen llamas. La comunicación entre el cantante y la gente tuvo momentos de fluidez. Si bien Estrin al principio dijo sólo “Uola”, luego se animó a algunas palabras más, aunque siempre en inglés. Cuando presentó su tema My next ex wife le pidió a los divorciados que levantaran una mano. “Vamos, vamos, no hay que tener vergüenza de sus fracasos”, alentó entre risas a los que la levantaban tímidamente.

Fue un show impresionante. Éxtasis puro. Lo bueno del blues es que no hace falta consumir una pastillita sintética para poder dejarse llevar por la música. Aquí todo fluye por vía sanguínea. Estrin y compañía hicieron una transfusión espontánea que nos dejó a todos culo para arriba.

La última aventura de la Reina

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 17 Nov 2011 15:03:00 +0000

Lo malo: este es el último disco de Etta James. Debido a una prolongada y gravísima enfermedad, la cantante anunció que con The Dreamer se retira del mundo de la música. Lo bueno: es un álbum fabuloso y con un sonido vintage, en el que ella no parece haber perdido el don del canto que la hizo una estrella en la década del cincuenta.

The dreamer comienza con Groove me, de King Floyd, con guitarras funky y una sección de vientos que acompañan el balanceo rítmico de una Etta encendida. Champagne & wine es uno de los dos covers que hace de Otis Redding. El otro es Cigarettes & Coffee. En ambos, se nota que ella los canta con una naturalidad asombrosa. La melodía fluye y su voz es poderosa y sutil a la vez. Algo similar pasa cuando canta Dreamer, de Bobby “Blue” Bland o In the evening, de Ray Charles. Esa combinación de blues y soul es el traje que mejor le queda.

Su interpretación de Misty blue, de Bob Montgomery, recuerda mucho a la pasión desmedida que ella le ponía al cantar I’d rather go blind (Recuerden la interpretación en vivo junto a Dr. John ¡Memorable!). También es muy emotiva Let me down easy, de Little Milton. Etta canta blues como pocas y ese, por ser el track que cierra el álbum, el último de su vida, tiene una significación especial. A otro artista al que le reversiona dos canciones es a Johnny “Guitar” Watson: Too tired tiene el espíritu texano intacto y That's the chance you take revive el recuerdo de Percy Mayfield y los años dorados. Es rara la versión de Welcome to the jungle, de los Guns N’ Roses, bah en realidad lo raro es que haya elegido ese tema para que integre el álbum. Está como descolgado. Algo parecido pasa con Boondocks, del grupo de country contemporáneo Little Big Town. Ambos suenan forzados.

La banda no tiene nombres rutilantes, pero todos son músicos híper profesionales que se amoldan al juego que plantea Etta. Entre ellos están dos de sus hijos, Sametto y Donto, que además de tocar el bajo y la batería, coproducen el disco junto al guitarrista Josh Sklair. También se destaca el otro violero, Leo Nocentelli, que fue uno de los miembros originales de los Meters, y el trompetista Lee Thornburg, ex Tower of Power y Supertramp.

Su última aventura discográfica se suma a una larga lista de álbumes que en los últimos 50 años escribieron páginas importantes de la historia musical y que influenciaron a toda una generación de cantantes que hoy no pueden ignorar que ella fue (y será) la Reina del blues y el soul.

La leyenda de Austin

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 14 Nov 2011 16:47:00 +0000

Su álbum Bird nest on the ground está guardado en mi discoteca entre In the beginning, de Stevie Ray Vaughan, y Welcome, el trabajo debut de su hijo Doyle Bramhall II. Lo saco de su reposo y lo empiezo a escuchar. Me conmueve el soul de I can see clearly now, la potencia rockera de She’s gone y la pasión blusera de I’m in the mood. Es un disco fabuloso, de esos a los que es imposible olvidar. Doyle Bramhall lo empezó a grabar en 1980, pero recién logró editarlo en 1994, gracias al esfuerzo del sello discográfico Antone’s. Esas once canciones resumen y definen el blues de la ciudad texana de Austin, la Capital de la Música, como le gusta llamarla a sus habitantes. Doyle Bramhall, en batería y voz, está secundado por una legión de músicos impresionante: Stevie Ray incendia su guitarra en Too sorry y después aparecen Jimmie Vaughan, los Double Trouble, Smokin’ Joe Kubek, los Memphis Horns, Robin Syler y un muy joven Doyle Bramhall II.

Podría decirse que Doyle Bramhall descubrió a SRV, aunque no sería la forma correcta de expresarlo. Creo que mejor es decir que fue quien le dio una gran oportunidad. Lo sumó a su banda, los Nightcrawlers, cuando él apenas era un jovencito. Y luego compuso algunas de las canciones que hicieron de Stevie una leyenda: Dirty pool, The house is rockin’, Looking out the window y Life by the drop. Pero lo más sorprendente de todo es como Bramhall influyó en la forma de cantar de SVR. En Bird nest on the ground todo eso queda de manifiesto.

El legado de Doyle Bramhall va más allá de SRV. Doyle Bramhall II es hoy un referente ineludible de la guitarra eléctrica y del blues rock, que ha llegado a tocar en las bandas de Eric Clapton y Roger Waters.

El domingo, el corazón de Doyle padre dijo basta. Tenía 62 años. Una verdadera pena: se acaba de ir otro grande del blues. Además de Bird… dejó otros dos discos muy buenos: Fitchburg Street (2003) y Is it news (2007), así como también su participación en Family Style, de los hermanos Vaughan y algunas otras colaboraciones. Termino de escribir estas líneas mientras suena el último tema del disco, Take your time, son. Padre e hijo zapan con ganas junto a Jimmie Vaughan. El blues fluye con naturalidad, como fluyó durante toda su vida.