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Mi Denon DJ PRIME GO+: de las fiestas privadas a los grandes escenarios

2026-08-17T19:14:12.012+02:00

Experiencia real · Desde el 11 de noviembre de 2024

Mi Denon DJ PRIME GO+: de las fiestas privadas a los grandes escenarios

Una cabina autónoma que cabe en una mochila, pero que ha terminado ocupando un lugar enorme en mi forma de trabajar.

Imagen de producto: Denon DJ.

Artículo actualizado el 17 de agosto de 2026.

El 11 de noviembre de 2024 compré mi Denon DJ PRIME GO+. A estas alturas de mi trayectoria podría parecer difícil que una máquina volviera a despertarme aquella impaciencia de los primeros años, pero ocurrió: desde aquel día sigo ilusionado como un niño cada vez que la enciendo.

No fue solo el entusiasmo de estrenar equipo. Fue descubrir que podía llevar una cabina realmente autónoma, con batería, pantalla, mezcla, efectos, biblioteca y conexiones profesionales, en un formato que cambia por completo la logística. Al principio la reservaba sobre todo para bolos pequeños, fiestas privadas y situaciones en las que la rapidez y la movilidad eran decisivas. Poco a poco empecé a confiarle actuaciones más exigentes. Hoy también la utilizo ante mucho público y, en algunas ocasiones, incluso prefiero trabajar con ella aunque el rider tradicional de CDJ y mesa Pioneer esté disponible.

En directo con mi PRIME GO+: un equipo compacto que ya forma parte de actuaciones ante mucho público.

¿Qué es exactamente la PRIME GO+?

Es un sistema DJ autónomo de dos canales y dos decks: no necesita un ordenador para reproducir, analizar y mezclar música. Integra una pantalla táctil multigesto de 7 pulgadas, dos jog wheels capacitivos, controles de mezcla, ecualización de tres bandas, pads de interpretación, efectos y su propio sistema operativo, Engine DJ. Puede leer una biblioteca local desde tarjeta SD o memoria USB y también acceder por Wi‑Fi a servicios compatibles.^[1]

3,68 kgde peso

411 × 274 mmde planta

7 pulgadasde pantalla táctil

Hasta 4 hde batería según Denon; el uso real varía

Las dimensiones oficiales son 411 × 274 × 53 mm y el peso, 3,68 kg. Denon anunció hasta cuatro horas de reproducción con la batería interna, aunque la propia marca advierte de que el brillo de pantalla, el Wi‑Fi, el Bluetooth y otros ajustes cambian la autonomía real.^[2]^[3] Es importante conservar ese “hasta”: una cifra de laboratorio nunca debe convertirse en una promesa para cualquier bolo.

Lo que me conquistó de verdad

1. Libertad sin ordenador

Para mí, “autónoma” no es una palabra de catálogo. Significa llegar, conectar el máster al sistema de sonido, insertar mi soporte, encender y trabajar. Menos bultos, menos fuentes de alimentación, menos cables y menos tiempo mirando una pantalla de ordenador. La atención vuelve a donde debe estar: en la selección musical, la mezcla y la reacción de la pista.

La pantalla permite navegar por playlists, buscar, ver formas de onda, trabajar con hot cues y loops y ajustar distintas vistas. El modo diurno es especialmente útil en actuaciones al aire libre, donde una interfaz oscura puede desaparecer bajo el sol.

2. Batería: movilidad y tranquilidad

La batería no sirve únicamente para pinchar lejos de un enchufe. También permite preparar música, hacer pruebas, atender un cóctel, una terraza o un cambio de ubicación sin desmontar media cabina. En una actuación importante, si tengo corriente estable la conecto a la red: la autonomía es una ventaja, no una invitación a prescindir de una buena alimentación eléctrica.

3. Conexiones pequeñas solo por fuera

Aquí está una de las razones por las que no la considero un juguete. Dispone de salida máster XLR balanceada, salida máster RCA, salida de cabina balanceada en jack de 6,35 mm, entrada auxiliar RCA, dos entradas combinadas de micrófono y salidas de auriculares de 6,35 y 3,5 mm. También ofrece entrada y salida Bluetooth.^[1]

En un escenario sigo prefiriendo cable balanceado para el máster. Bluetooth es muy práctico para usos auxiliares, pruebas o situaciones especiales, pero no reemplaza una conexión física cuando la latencia, la estabilidad y la sincronía son críticas.

4. Mi música local y un catálogo enorme cuando lo necesito

La PRIME GO+ trabaja con tarjeta SD y USB, analiza internamente BPM, tonalidad y beatgrid, y permite preparar una biblioteca con Engine DJ. A eso se suma el acceso por Wi‑Fi a servicios compatibles. En la actualidad, la documentación oficial incluye Apple Music, Amazon Music Unlimited, TIDAL, Beatport, Beatsource, SoundCloud GO+ y Dropbox; las suscripciones, extensiones DJ, disponibilidad regional y conexión a internet que corresponda siguen siendo necesarias.^[1]^[6]

Para un DJ abierto a peticiones, ese acceso puede resolver un momento inesperado. Pero mi regla profesional es clara: el streaming complementa, no sustituye, una biblioteca local bien preparada y duplicada. La música esencial del set debe viajar conmigo aunque la cobertura decida tomarse la noche libre.

5. Herramientas creativas de una cabina seria

Cada deck incorpora cuatro pads de doble capa para Hot Cue, Loop, Saved Loop, Roll y Sampler. El equipo ofrece 26 efectos principales, dos Sweep FX controlados por potenciómetro, Fader Echo y diez Touch FX interactivos.^[3] Los jogs y los faders de pitch son más compactos que los de un reproductor de tamaño completo, pero los controles esenciales están ahí y, una vez interiorizado el espacio, la rapidez de trabajo sorprende.

6. Un equipo que sigue creciendo

La máquina salió con Engine DJ 4.1 y ha continuado recibiendo actualizaciones. En la fecha de revisión de este artículo, la página oficial marca Engine OS 5.0.4 como versión más reciente. La rama 5 añadió, entre otras mejoras para el ecosistema compatible, formas de onda RGB y valoración de pistas por estrellas.^[4]^[5]

Conviene hacer aquí una precisión para no mezclar titulares: el renderizado de stems directamente en el propio aparato que Denon destaca en Engine DJ 5 está ligado al RANE SYSTEM ONE, no a la PRIME GO+. Que el sistema operativo evolucione no significa que todas las funciones aparezcan en todo el hardware.

7. Luces integradas en el flujo de trabajo

Engine Lighting puede sincronizar el set con Philips Hue y Nanoleaf; mediante una interfaz SoundSwitch Micro DMX también puede controlar luminarias DMX compatibles. No sustituye a un técnico de iluminación en un gran evento, pero abre posibilidades enormes para bolos móviles y montajes compactos.^[1]

La misma cabina en dos momentos del trabajo: preparar bien la música y llegar al espacio lista para actuar.

De “me la llevo por comodidad” a “quiero trabajar con ella”

Durante los primeros meses mi planteamiento era muy práctico: usarla en fiestas privadas, celebraciones, bolos de formato contenido, pruebas y montajes donde no tenía sentido desplazar una cabina grande. Era perfecta para entrar y salir rápido, adaptarme a espacios reducidos y mantener un nivel de conexión profesional con el sonido.

Sin embargo, la confianza no se construye leyendo una ficha técnica. Se construye actuación tras actuación: aprendiendo la respuesta de los controles, organizando la biblioteca, creando copias de seguridad y comprobando cómo se comporta el equipo bajo presión. Con el tiempo dejé de verla como “la cabina pequeña” y empecé a verla como mi cabina.

Ese cambio explica que hoy también la lleve a actuaciones importantes, con escenarios y mucho público. No porque el tamaño del evento deje de importar, sino porque he comprobado que el número de personas delante no determina por sí solo el formato de la cabina. Lo determinan el tipo de sesión, el número de decks y fuentes que necesito, el relevo entre artistas, la integración técnica, el espacio y el plan de contingencia.

PRIME GO+ frente a CDJ-2000/CDJ-3000 + DJM-900: la comparación honesta

Cuando hablamos del rider tradicional solemos abreviar generaciones: “dos CDJ-2000 o CDJ-3000 y una DJM-900”. Para comparar sin hacer trampas, conviene concretar. El CDJ-2000NXS2 y la DJM-900NXS2 aparecen hoy como productos archivados en la web de Pioneer DJ; el fabricante señala la DJM-A9 como sucesora de la 900NXS2 y ya existe el CDJ-3000X como nueva generación. Aun así, los modelos NXS2 siguen presentes en muchas cabinas existentes y el CDJ-3000 continúa siendo una referencia habitual.^[7]^[8]^[9]

También hay una diferencia fundamental: la PRIME GO+ es un sistema completo de dos canales dentro de un único chasis. Los Pioneer son reproductores separados que necesitan una mesa. Por tanto, no estamos comparando dos productos equivalentes, sino dos filosofías de cabina.

Aspecto	Denon DJ PRIME GO+	2 × CDJ + DJM-900NXS2
Arquitectura	Todo en uno, dos decks y dos canales.	Modular; mesa de cuatro canales y reproductores independientes.
Peso del equipo	3,68 kg.	Unos 19 kg con dos CDJ-3000 y una DJM-900NXS2, antes de flight cases y cableado; con dos CDJ-2000NXS2, unos 19,4 kg.
Montaje	Muy rápido, poco espacio y pocas conexiones.	Más alimentación, audio y red; necesita una superficie mayor.
Controles	Jogs y pitch compactos, pantalla única de 7 pulgadas y cuatro pads de doble capa por deck.	Jogs de tamaño completo, más espacio físico; cada CDJ-3000 tiene pantalla de 9 pulgadas y ocho Hot Cues.
Fuentes y canales	Ideal cuando dos canales cubren toda la sesión.	Más apropiada para tres o cuatro fuentes, invitados, instrumentos, B2B o cambios complejos.
Redundancia	Un solo chasis: es imprescindible llevar soportes duplicados y un plan B.	Los módulos separados permiten más rutas de contingencia si falla un elemento.
Relevos entre DJs	Excelente como cabina personal; el relevo requiere planificar la conexión.	Flujo muy conocido en cabinas compartidas y riders de varios artistas.
Mejor escenario	DJ móvil, montaje ágil, espacio limitado, set de dos decks y control total del propio flujo.	Club o festival con varios DJs, más canales, integración técnica compleja y máxima modularidad.

La diferencia de peso es objetiva y enorme: un CDJ-3000 pesa 5,5 kg y una DJM-900NXS2, 8 kg. Dos reproductores y la mesa suman aproximadamente 19 kg sin contar maletas, soportes ni cables.^[7]^[8] La ventaja logística de la Denon no necesita exageraciones.

Lo que la cabina Pioneer hace mejor

Los reproductores separados ofrecen jogs grandes, pitch de recorrido más cómodo, pantallas independientes y una superficie física generosa. La mesa de cuatro canales admite más reproductores y fuentes externas, y un conjunto modular facilita ciertos B2B, relevos de artista y planes de contingencia. El CDJ-3000 añade funciones como Touch Preview, Touch Cue, forma de onda apilada, ocho Hot Cues y Pro DJ Link.^[7]

Lo que la PRIME GO+ hace mejor para mí

Centraliza todo en un espacio mínimo, arranca con rapidez, funciona con batería, ofrece una integración directa de servicios de streaming y me permite trabajar con un flujo que conozco y preparo de principio a fin. En un set de dos decks, transportar una cabina modular completa puede aportar capacidad que no voy a utilizar y logística que sí voy a pagar.

¿Y la calidad de sonido?

No voy a convertir números de fichas técnicas en una comparación falsa. Ambos planteamientos ofrecen salidas y procesamiento concebidos para trabajo profesional, pero las especificaciones no están necesariamente medidas bajo el mismo método y, además, una cabina modular incluye la conversión y mezcla de varios equipos. Sin una prueba controlada, ajustada al mismo nivel y escuchada en el mismo sistema, afirmar que uno “suena mejor” sería propaganda, no análisis.

En una actuación real también mandan la estructura de ganancia, la calidad de los archivos, la mesa o procesado del recinto, el sistema de PA, su ajuste y la acústica. Mi conclusión práctica es más sencilla: conectada correctamente por XLR y con niveles bien trabajados, la PRIME GO+ tiene la conectividad y el rendimiento que necesito para sonar con seriedad.

PRIME GO+: dos decks, mezcla, pantalla, batería y conexiones profesionales en un único equipo. Imagen: Denon DJ.

Lo que no idealizo

Querer un equipo también significa conocer sus límites. La PRIME GO+ tiene dos canales, jogs pequeños y pitch faders cortos. Su pantalla es excelente para el tamaño del aparato, pero no ofrece el espacio visual de dos pantallas de 9 pulgadas. Todo está concentrado en un solo chasis, de modo que una avería afecta al conjunto. Y la versión “+” eliminó el puerto Ethernet físico del modelo original, aunque Denon admite adaptadores USB a Ethernet.^[3]

Tampoco confío una actuación importante a una única tarjeta, un solo pendrive o una conexión de streaming. La libertad funciona cuando va acompañada de método.

Mi lista de seguridad para un bolo importante

Biblioteca principal preparada y analizada.
Segundo soporte local con la música esencial.
Prueba previa de XLR, cabina, auriculares y micrófonos.
Alimentador conectado cuando el montaje dispone de corriente fiable.
Streaming configurado solo como complemento o contingencia.
Cableado de repuesto y adaptadores identificados.
Plan de relevo acordado si actúan varios DJs.
Firmware probado con tiempo; nunca actualizar justo antes de actuar.

Mi PRIME GO+ sobre el escenario del Teatre La Sala de Rubí: una imagen que explica mejor que cualquier ficha técnica hasta dónde ha llegado mi confianza en ella.

Por qué sigo ilusionado como un niño

Después de tantos años detrás de una cabina, la tecnología solo me interesa cuando elimina obstáculos o abre ideas. La PRIME GO+ hace las dos cosas. Me permite montar donde antes era incómodo, aceptar formatos nuevos, preparar una sesión en cualquier lugar y llevar mi propio entorno de trabajo sin convertir cada desplazamiento en una mudanza.

Pero la ilusión no nace únicamente de la portabilidad. Nace de sentir que una herramienta se adapta a mí y no al revés. De llegar a una actuación grande con un equipo sorprendentemente pequeño, conectarlo y comprobar que la pista no pregunta cuántos kilos pesa la cabina. La gente percibe la música, el ritmo, la historia del set y la energía que compartimos.

Por eso algunas veces elijo mi Denon aunque delante tenga una pareja de CDJ-2000 o CDJ-3000 con una DJM-900. No rechazo esas cabinas: las conozco, las respeto y sé todo lo que aportan. Simplemente ya no doy por hecho que el rider más grande sea automáticamente la mejor herramienta para cada sesión.

Tres recuerdos del camino: la llegada de la máquina, una sesión de eclipse solar y una cabina compartida con Mike Platinas.

Conclusión

La PRIME GO+ empezó siendo la solución para los bolos pequeños. Terminó ganándose mi confianza para los grandes.

La compré el 11 de noviembre de 2024. Desde entonces ha pasado de ser una idea práctica a convertirse en una compañera de actuaciones. Continúa sorprendiéndome, continúa aprendiendo conmigo a través de Engine DJ y, sobre todo, continúa recordándome algo esencial: después de más de cuarenta años de música, todavía puedo estrenar una cabina y volver a sentirme como aquel niño que solo quería que llegara la siguiente sesión.

Manel López “MAMOMO”

Keep on moving, don’t ever stop.

Fuentes consultadas

Las especificaciones y el estado de los productos se revisaron el 17 de agosto de 2026. Los servicios, versiones y compatibilidades pueden cambiar.

Fotografías personales: archivo de Manel López “MAMOMO”, alojado en Blogger. Las imágenes se pueden ampliar pulsando sobre ellas.

Mi visita al Museo Ghibli de Japón: un pequeño sueño que cumplí en 2007

2026-08-15T13:13:43.664+02:00

Junto al Robot Soldier de El castillo en el cielo, en el Museo Ghibli de Mitaka. Japón, noviembre de 2007.

Hay viajes que con el paso de los años se convierten en algo más que un conjunto de fotografías. Mi viaje a Japón en noviembre de 2007 es uno de ellos.

Durante aquellos días fui publicando pequeñas crónicas en este mismo blog. Osaka, Nara, Tokio, Hiroshima, templos, electrónica, música, discos... Japón era exactamente ese contraste que esperaba encontrar y, al mismo tiempo, conseguía sorprenderme continuamente.

Pero había una visita que esperaba especialmente.

El Museo Ghibli.

De hecho, cuando escribí sobre ello desde Japón el 23 de noviembre de 2007, lo definí como una de las visitas más esperadas del viaje y «un pequeño sueño en mi vida».

Han pasado casi veinte años desde entonces y me ha parecido un buen momento para recuperar aquellas fotografías y aquellos recuerdos. Más aún ahora que Studio Ghibli ha sido reconocido con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2026.

Cómo descubrí Studio Ghibli

Mi relación con Studio Ghibli empezó principalmente con El viaje de Chihiro.

Probablemente, como ocurrió con mucha gente fuera de Japón, el éxito internacional y el Óscar de la película ayudaron a que me fijara en ella. La descubrí y a partir de ahí empecé a interesarme cada vez más por el trabajo de Hayao Miyazaki y por todo aquel universo.

Mi vecino Totoro, La princesa Mononoke, Porco Rosso, El castillo en el cielo... Había algo diferente en aquellas películas.

Me interesaban las historias, evidentemente, pero también la parte visual y técnica. Siempre me ha gustado saber qué existe detrás de una imagen: cómo está hecha, cómo se mueve y cómo una idea acaba convertida en algo que vemos en una pantalla.

Por eso visitar el Museo Ghibli no era simplemente visitar un museo dedicado a unas películas que me gustaban.

Era entrar, de alguna manera, dentro de ellas.

Museo Ghibli de Mitaka durante mi visita de noviembre de 2007.

Rumbo a Mitaka

Aunque normalmente hablamos del Museo Ghibli de Tokio, en realidad se encuentra en Mitaka, al oeste del centro de la capital japonesa y junto al parque de Inokashira.

Desde la estación de Mitaka se puede llegar caminando y también existe un pequeño autobús que conecta la estación con el museo.

Y el autobús ya deja bastante claro hacia dónde te diriges.

Junto al autobús que llevaba al Museo Ghibli. Mitaka, noviembre de 2007.

Recuperar ahora estas fotografías tiene algo especial. En aquel momento eran simplemente las fotos que iba haciendo durante el viaje. Hoy se han convertido en pequeños documentos de cómo recuerdo aquel Japón de 2007.

El museo tampoco aparece como una enorme construcción monumental. Está integrado en un entorno lleno de vegetación y su arquitectura parece formar parte del mismo lugar.

Y allí está, por supuesto, uno de los personajes más reconocibles de Studio Ghibli:

Totoro.

Totoro recibe a los visitantes desde una especie de taquilla, aunque aquella no es realmente la entrada. Una pequeña broma que ya anticipa que este no es un museo convencional.

Un museo pensado casi como una película

El Museo Ghibli no está planteado simplemente como una sucesión de salas llenas de objetos.

El propio edificio forma parte de la experiencia.

Escaleras de caracol, pasadizos, terrazas, puentes interiores, vidrieras y pequeños rincones hacen que uno pueda ir descubriendo el espacio en vez de limitarse a seguir un recorrido rígido.

Es una manera de plantear un museo que encaja perfectamente con el cine de Miyazaki: curiosidad, descubrimiento y tiempo para mirar.

Ver cómo nacían aquellas películas

En la pequeña entrada que publiqué desde Japón aquel mismo día escribí algo muy sencillo:

«Hemos visto cómo crean estas películas...»

Y esa era precisamente una de las partes que más me interesaban.

El museo permite acercarse al proceso con el que nace una película de animación: dibujos, fondos, bocetos, storyboards, mesas de trabajo, objetos de referencia y todo ese trabajo que normalmente queda escondido detrás de la película terminada.

Antes de convertirse en Totoro, Chihiro, Mononoke o Porco Rosso, todo empieza con algo tremendamente sencillo:

una idea, un lápiz y una hoja de papel.

Para alguien al que siempre le ha interesado la imagen, el vídeo, el diseño y la animación, poder observar este proceso tenía un atractivo añadido.

Y quizá resulte todavía más interesante verlo desde 2026.

Hoy disponemos de herramientas digitales capaces de hacer en minutos cosas que hace unos años podían requerir días de trabajo. La tecnología ha avanzado de forma espectacular. Pero ver cómo se construían artesanalmente estas películas recuerda algo bastante importante:

la herramienta nunca debería ser más importante que la idea.

Cuando unos dibujos empiezan a moverse

Otra de las partes fascinantes del museo explica algo aparentemente muy sencillo pero que está en el origen de todo el cine: cómo nuestro cerebro convierte una sucesión de imágenes inmóviles en movimiento.

Zootropos, proyectores y otros dispositivos muestran los principios de la animación.

Figuras completamente inmóviles empiezan a cobrar vida cuando el mecanismo gira y la iluminación entra en juego.

Puede parecer elemental comparado con la animación digital actual, pero precisamente ahí está buena parte de su encanto.

La magia empieza siendo mecánica.

Un museo que no quiere que lo mires a través del teléfono

Una de las características más particulares del Museo Ghibli es que no se permiten fotografías ni vídeos en el interior.

Si aquello ya resultaba peculiar en 2007, en 2026 parece casi una declaración de principios.

Vivimos acostumbrados a fotografiarlo absolutamente todo. En ocasiones parece incluso que primero tenemos que guardar una imagen en el móvil para poder disfrutar después de lo que tenemos delante.

Aquí sucede exactamente lo contrario.

Hay que mirar.

Eso explica también por qué las fotografías que conservo de aquel día son principalmente de los espacios exteriores.

Y paradójicamente, después de casi veinte años, quizá tenga algo positivo: no puedo reconstruir artificialmente cada segundo de la visita mirando cientos de fotografías.

Lo que permanece es el recuerdo de haber estado allí.

Un cortometraje que solamente podías ver allí

En mi artículo original de 2007 anoté también:

«...y un cortometraje inédito... espectacular.»

En el sótano del museo se encuentra el Saturn Theater, una pequeña sala con alrededor de 80 localidades en la que se proyectan cortometrajes originales de Studio Ghibli.

La programación va cambiando y estas producciones forman parte de la propia experiencia del museo.

Aquí prefiero ser especialmente cuidadoso: después de casi veinte años no puedo afirmar cuál fue exactamente el cortometraje que vimos aquel 23 de noviembre de 2007 sin disponer de una documentación que lo confirme.

Lo que sí puedo afirmar porque lo escribí aquel mismo día es que vimos uno.

Y mi valoración quedó bastante clara:

«Espectacular».

El Gato-Bus existe... pero los adultos nos quedamos fuera

Otro de los espacios más conocidos del museo está dedicado al enorme Gato-Bus de Mi vecino Totoro.

Ghibli convirtió aquel extraño vehículo de la película en un espacio real para que los niños pudieran tocarlo, subirse y jugar.

Los adultos, sin embargo, tenemos que limitarnos a observarlo.

Actualmente el propio museo sigue indicando que el Cat Bus está reservado a niños de hasta 12 años.

Y, pensándolo bien, me parece absolutamente coherente con la filosofía de Miyazaki.

Por una vez, somos los mayores quienes nos quedamos mirando desde fuera.

El Robot Soldier de El castillo en el cielo

Y finalmente llegamos a uno de los símbolos del museo.

Desde una escalera de caracol se accede al jardín de la azotea y allí, rodeado de vegetación, aparece el gigantesco Robot Soldier de El castillo en el cielo.

Mide aproximadamente cinco metros de altura.

Manel López junto al Robot Soldier de El castillo en el cielo. Museo Ghibli, Mitaka, 23 de noviembre de 2007.

Esta fotografía es probablemente una de las que mejor resumen aquella visita.

Una enorme máquina rodeada de plantas.

Tecnología y naturaleza conviviendo.

Algo creado por el ser humano que parece haberse integrado nuevamente en el bosque.

Es difícil encontrar una imagen que resuma mejor algunas de las constantes del cine de Miyazaki.

Y después... Akihabara

Y aquel día todavía no había terminado.

Después del Museo Ghibli fuimos a Akihabara, uno de los barrios más famosos de Tokio por la electrónica y la cultura popular japonesa.

En mi crónica de 2007 comentaba precisamente la enorme cantidad de gente que llenaba el barrio y cómo algunas calles llegaban a cerrarse al tráfico.

Y ahora, visto con perspectiva, aquella combinación representa bastante bien una de las sensaciones que me produjo Japón.

En unas pocas horas habíamos pasado del trabajo artesanal de Ghibli, los dibujos, los bosques y Totoro a un lugar lleno de electrónica, luces, tecnología y cultura pop.

Dos mundos muy diferentes y, al mismo tiempo, absolutamente japoneses.

Mi viaje a Japón de noviembre de 2007

Ghibli era una de las visitas que tenía señaladas incluso antes de partir.

De hecho, el 5 de noviembre de 2007, pocos días antes del viaje, publiqué una pequeña entrada titulada Viaje a Japón en la que enumeraba algunas de las cosas que quería ver.

La primera de aquella lista era precisamente:

Museo Ghibli.

Durante aquellos días fui dejando pequeñas crónicas en mamomo.com. Eran textos muy diferentes de los artículos que publico hoy: unas pocas líneas escritas desde Japón para contar dónde estaba, lo que había visitado y enlazar las fotografías.

Por ejemplo, el 18 de noviembre escribía desde Osaka después de haber pasado prácticamente todo el día visitando los templos de Nara.

Y había un detalle que en aquel momento me pareció suficientemente importante como para dejarlo registrado:

hacía muchísimo frío.

Ahora aquellas entradas tan sencillas se han convertido accidentalmente en mi propio diario del viaje.

De Heidi a Chihiro

Hay además una conexión curiosa con quienes crecimos viendo televisión en España.

Mucho antes de saber quién era Hayao Miyazaki, muchos ya habíamos visto parte de su trabajo.

Heidi, la serie japonesa de 1974 dirigida por Isao Takahata, contó con Hayao Miyazaki en un papel esencial dentro de su concepción visual y escénica.

Años después, Miyazaki y Takahata serían figuras fundamentales en la creación de Studio Ghibli.

Es curioso pensar que posiblemente algunos habíamos entrado en ese universo visual muchos años antes de conocer siquiera el nombre de Miyazaki.

Casi veinte años después

Cuando vuelvo a mirar estas fotografías hay algo evidente:

ha pasado muchísimo tiempo.

La visita fue el 23 de noviembre de 2007.

En aquellos años escribía desde Japón en el blog y enlazaba las fotografías del viaje mediante Picasa, el antiguo servicio de Google.

Picasa terminó desapareciendo como servicio independiente, los teléfonos han cambiado completamente, las cámaras también, Internet no se parece demasiado al de entonces y nuestra forma de viajar y compartir lo que hacemos es radicalmente distinta.

Pero el recuerdo de aquella visita continúa siendo muy claro.

Studio Ghibli, Premio Princesa de Asturias 2026

Existe además una buena razón para recuperar precisamente ahora esta historia.

El 6 de mayo de 2026 se anunció oficialmente que Studio Ghibli había sido galardonado con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2026.

Entre los aspectos destacados del estudio se encuentran precisamente la sensibilidad de sus historias, su animación artesanal, el respeto por las personas y la naturaleza y esa capacidad tan característica de encontrar belleza en situaciones aparentemente cotidianas.

Leer eso casi veinte años después de aquella visita me lleva inmediatamente de nuevo al museo.

Porque gran parte de esa filosofía estaba allí.

Un museo que sigue funcionando a su manera

El Museo Ghibli sigue estando en Mitaka y continúa manteniendo muchas de las características que lo hacían diferente cuando lo visité.

Las entradas deben comprarse con antelación para una fecha y una hora determinadas. No se pueden comprar directamente al llegar al museo.

El Saturn Theater sigue proyectando cortometrajes de Studio Ghibli, el Cat Bus continúa esperando a los niños y el Robot Soldier de cinco metros permanece en el jardín de la azotea.

Y dentro del edificio sigue sin estar permitido hacer fotografías ni grabar vídeos.

En un mundo que ha cambiado enormemente desde 2007, resulta agradable comprobar que algunas cosas continúan funcionando a su manera.

Un pequeño sueño cumplido

Podría intentar explicar ahora, casi veinte años después, qué significó para mí aquella visita.

Pero creo que hay una versión de mí mismo que lo explicó mucho mejor.

La que acababa de salir del museo.

El 23 de noviembre de 2007 escribí:

«...una de las visitas más esperadas de este viaje y un pequeño sueño en mi vida.... visitar el museo Ghibli».

Creo que no hace falta adornarlo demasiado más.

Había viajado hasta Japón y estaba en el lugar donde podía descubrir cómo se creaban algunas de las películas de animación que más me habían impresionado.

Y, por lo que parece también en las fotografías, estaba feliz.

De hecho, alguien llamado Mayka dejó entonces un comentario en aquella entrada:

«Por fin estás en el museo, ahora sí que se te ve feliz de verdad, por lo menos sonríes en las fotos.»

Y probablemente tenía razón.

Casi veinte años después, estas fotografías ya no son simplemente las imágenes de unas vacaciones.

Son el recuerdo de un viaje, de una época y de aquel día en Mitaka en el que durante unas horas pude entrar en el universo de Studio Ghibli.

Un pequeño sueño que, efectivamente, pude cumplir.

Del archivo de mamomo.com

Mi publicación original desde Japón, 23 de noviembre de 2007:
Ghibli y Akihabara

Antes de iniciar el viaje:
Viaje a Japón — noviembre de 2007

Información actual consultada: Museo Ghibli de Mitaka y Fundación Princesa de Asturias.
Ghibli Museum, Mitaka — web oficial · Studio Ghibli — Premio Princesa de Asturias 2026

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Modern Talking: ¿Debe volver el dúo más famoso del eurodisco? La polémica que divide a millones de fans

2026-07-30T01:44:29.524+02:00

Durante las últimas semanas, una noticia ha vuelto a sacudir a los seguidores de la música de los años 80: la posibilidad de una nueva reunión de Modern Talking. Lo que en un principio parecía una simple declaración de Dieter Bohlen ha acabado generando miles de comentarios en redes sociales, debates entre aficionados e incluso opiniones enfrentadas sobre qué representa realmente Modern Talking.

Pero... ¿realmente tiene sentido un regreso? ¿Por qué genera tanta polémica? ¿Quién tiene razón?

El origen de la polémica

Todo comenzó cuando Dieter Bohlen explicó públicamente que existían propuestas muy importantes para reunir nuevamente a Modern Talking.

Según comentó, sobre la mesa había proyectos como:

Una gira de aproximadamente diez conciertos.
Un documental.
Un musical basado en la historia del grupo.

Sus declaraciones despertaron inmediatamente la ilusión de millones de seguidores que llevan más de veinte años soñando con volver a ver juntos a Thomas Anders y Dieter Bohlen.

Sin embargo, la respuesta de Thomas Anders fue totalmente distinta.

A través de un comunicado oficial dejó muy claro que una reunión no entra en sus planes. Explicó que está orgulloso del legado de Modern Talking, recordó que sus canciones siguen acumulando cientos de millones de reproducciones cada año y afirmó sentirse plenamente feliz con su carrera en solitario.

Con ello, la puerta volvió a cerrarse... al menos por ahora.

Un grupo que sigue más vivo que nunca

Lo curioso de todo esto es que Modern Talking nunca ha dejado de estar presente.

Pocos grupos de los años 80 pueden presumir de seguir sonando diariamente en:

Spotify
Apple Music
YouTube
TikTok
Instagram
Radios especializadas

Canciones como:

You're My Heart, You're My Soul
Cheri Cheri Lady
Brother Louie
Atlantis Is Calling

siguen siendo auténticos himnos para varias generaciones.

Y eso explica perfectamente por qué cualquier noticia relacionada con una posible reunión tiene tanta repercusión mundial.

¿Modern Talking eran dos personas... o mucho más?

Uno de los debates que más he leído estos días es el siguiente:

"Modern Talking no eran solo Dieter Bohlen y Thomas Anders."

Y aquí creo que conviene hacer una aclaración.

Es completamente cierto que detrás del sonido de Modern Talking existía un equipo extraordinario.

Entre las personas fundamentales encontramos, por ejemplo:

Luis Rodríguez, coproductor y uno de los grandes responsables del sonido característico del grupo.
Rolf Köhler, una voz imprescindible en los coros.
Michael Scholz.
Detlef Wiedeke.
Además de numerosos músicos de estudio y técnicos que participaron en las grabaciones.

Todos ellos ayudaron a construir ese sonido inconfundible que todavía hoy reconocemos en pocos segundos.

Pero también es cierto que Modern Talking, oficialmente, siempre fue un dúo.

Los únicos miembros oficiales fueron:

Thomas Anders
Dieter Bohlen

Ellos aparecían en las portadas, videoclips, giras, entrevistas y toda la promoción internacional.

El resto eran colaboradores imprescindibles, pero no miembros del grupo.

Es exactamente lo mismo que ocurre con muchísimos artistas internacionales que trabajan rodeados de grandes músicos sin que éstos formen oficialmente parte de la banda.

El eterno debate: ¿es mejor no volver?

Y aquí aparecen dos posturas muy claras.

Los que desean la reunión

Muchos pensamos que sería histórico volver a verlos juntos.

No solamente por la nostalgia.

También porque ambos siguen llenando recintos por separado y porque una gira mundial tendría una repercusión enorme.

Sería uno de los acontecimientos musicales más importantes relacionados con el eurodisco en décadas.

Los que prefieren dejar el recuerdo intacto

Otros seguidores opinan justo lo contrario.

Consideran que Modern Talking ya tuvo dos etapas históricas:

1984-1987
1998-2003

Y que insistir una tercera vez podría romper parte de la magia.

No olvidemos que la relación entre ambos siempre ha sido complicada y que las anteriores separaciones no fueron precisamente amistosas.

Las redes sociales han vuelto a hablar

Es curioso comprobar cómo prácticamente cada noticia sobre Modern Talking acaba convirtiéndose en un enorme debate.

Se leen comentarios como:

"Sin Dieter no existe Modern Talking."
"Sin Thomas tampoco."
"Luis Rodríguez era el verdadero genio."
"Los coristas eran el auténtico sonido."
"Ya son mayores."
"Que hagan una última gira."

Y probablemente todos tengan parte de razón.

Porque Modern Talking no fue únicamente una colección de canciones.

Fue un fenómeno cultural.

Mi opinión personal

Como DJ y como alguien que creció escuchando esta música, reconozco que Modern Talking fue uno de los grupos que más me marcaron durante mi juventud.

Muchos de aquellos temas siguen emocionándome exactamente igual que hace cuarenta años.

Además, sigo disfrutando de la carrera en solitario de Thomas Anders, del trabajo de Dieter Bohlen como productor y compositor, e incluso de proyectos paralelos como Blue System, que dejó auténticos clásicos de la música pop.

¿Me gustaría volver a ver juntos a Thomas Anders y Dieter Bohlen?

Sinceramente, sí.

Creo que sería un momento histórico para millones de seguidores.

Pero también entiendo perfectamente la postura de Thomas Anders. Después de tantos años, cada uno ha construido su propia vida profesional y personal, y nadie debería sentirse obligado a revivir una etapa simplemente porque los fans la deseen.

Pase lo que pase... el legado ya es eterno

Quizá Modern Talking nunca vuelva.

O quizá algún día nos sorprendan.

La historia de la música está llena de reuniones que parecían absolutamente imposibles.

Mientras tanto, hay algo que nadie puede discutir.

Modern Talking sigue sonando en pistas de baile, emisoras de radio, recopilatorios, plataformas de streaming y sesiones remember de todo el mundo.

Y eso demuestra que, independientemente de si vuelven o no, muy pocos grupos han conseguido mantener viva su música durante cuatro décadas con tanta fuerza.

Porque, al final, las mejores canciones no entienden de separaciones, polémicas ni comunicados oficiales. Simplemente siguen emocionando a quienes las escucharon ayer... y también a quienes las descubren por primera vez hoy.

¿Y tú qué opinas?

¿Crees que Thomas Anders y Dieter Bohlen deberían hacer una última gira juntos o piensas que es mejor conservar el magnífico recuerdo que ya nos dejaron? ¡Déjalo en los comentarios!

Carlos Giménez recibe la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio: homenaje al maestro de la historieta española

2026-06-17T21:06:53.333+02:00

Hay noticias que simplemente informan, y otras que de alguna manera reconcilian un poco con la cultura. La concesión de la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio a Carlos Giménez Giménez pertenece claramente a este segundo grupo.

El Gobierno ha concedido al historietista, autor y guionista madrileño esta alta distinción oficial en reconocimiento a una trayectoria inmensa, profundamente personal y absolutamente necesaria dentro de la historieta española. Y aunque muchas veces, por comodidad, podamos hablar de “premio”, conviene remarcar que estamos ante algo incluso más institucional: una condecoración oficial del Estado, publicada en el Boletín Oficial del Estado mediante el Real Decreto 506/2026, de 16 de junio.

Para quienes llevamos años siguiendo la obra de Carlos Giménez, la noticia no sorprende por el mérito, sino quizá por lo mucho que ha tardado en llegar un reconocimiento de este nivel. Porque si hay un autor que ha demostrado que el cómic, el tebeo o la historieta —llamémoslo como queramos— puede ser memoria, emoción, denuncia, humor, testimonio y arte popular al mismo tiempo, ese autor es Carlos Giménez.

Un reconocimiento que va más allá del cómic

La Orden Civil de Alfonso X el Sabio distingue méritos en los campos de la educación, la ciencia, la cultura, la docencia y la investigación. En el caso de Carlos Giménez, el reconocimiento tiene un sentido especialmente potente: no se premia únicamente a un dibujante extraordinario, sino a un creador que ha utilizado la historieta como herramienta para contar la historia de un país desde abajo, desde la calle, desde los niños, desde los trabajadores, desde los perdedores y desde todos aquellos que muchas veces no aparecen en los grandes relatos oficiales.

Carlos Giménez ha demostrado durante décadas que una página de viñetas puede tener la misma fuerza que una novela, una película o un documental. A veces, incluso más, porque sus personajes parecen hablarnos directamente. No hay distancia fría. No hay artificio innecesario. Hay humanidad, hay dolor, hay ternura y hay una mirada absolutamente reconocible.

Y esto es lo que hace que la noticia sea tan importante. No es solo un homenaje a Carlos Giménez. Es también una forma de reconocer que la historieta española ha sido, y sigue siendo, una parte fundamental de nuestra cultura.

Carlos Giménez, el autor que convirtió la memoria en viñetas

Hablar de Carlos Giménez es hablar inevitablemente de Paracuellos. Una obra dura, autobiográfica, necesaria y profundamente emocionante, donde el autor retrata la vida de los niños en los hogares del Auxilio Social durante la posguerra franquista.

Pero reducir a Carlos Giménez únicamente a Paracuellos sería quedarse corto. Su universo creativo es mucho más amplio. Barrio, Los Profesionales, 36-39 Malos tiempos, España: Una, Grande y Libre, Dani Futuro, Hom, Pepe o sus adaptaciones literarias demuestran la enorme variedad de registros de un autor capaz de moverse entre la memoria histórica, la ciencia ficción, el retrato social, la autobiografía y la crónica de una profesión.

Lo impresionante de Giménez es que, incluso cuando habla de algo muy concreto, acaba hablando de todos nosotros. Cuando cuenta la infancia en la posguerra, no solo está hablando de unos niños concretos. Está hablando de miedo, de hambre, de injusticia, de supervivencia y también de imaginación. Cuando retrata a los dibujantes de agencia en Los Profesionales, no solo habla del mundo del cómic; habla de vocación, de precariedad, de ilusiones, de amistad, de juventud y del paso del tiempo.

Esa capacidad de transformar lo personal en universal es una de las grandes virtudes de su obra.

Paracuellos: la obra que nadie debería ignorar

Paracuellos es una de esas obras que deberían formar parte de la memoria cultural de cualquier lector. No hace falta ser aficionado al cómic para entender su importancia. De hecho, quizá esa sea una de las claves: Carlos Giménez ha conseguido que muchas personas que no leen habitualmente historietas entiendan que una viñeta también puede ser literatura, historia y testimonio.

La fuerza de Paracuellos está en su equilibrio imposible. Es una obra durísima, pero no se queda solo en el golpe emocional. Tiene humor, tiene ternura, tiene niños que sueñan, que se ayudan, que se pelean, que imaginan, que sobreviven. Y precisamente por eso duele más. Porque no habla de conceptos abstractos, sino de vidas pequeñas atrapadas en un sistema enorme y cruel.

En mamomo.com ya he hablado en otras ocasiones de esta obra y de lo que significa. Recuerdo especialmente esa sensación de reencontrarme con Carlos Giménez cada vez que aparece un nuevo volumen o una nueva edición. En mi caso, no lo vivo como una novedad cualquiera, sino como el regreso de alguien cuya obra llevo siguiendo desde hace mucho tiempo. Es esa clase de autor que no se compra solo para leer: se compra también para conservar, para mirar, para volver, para recomendar.

Los Profesionales: el homenaje a una generación de dibujantes

Otra de las obras fundamentales de Carlos Giménez es Los Profesionales, una serie que siempre me ha parecido especialmente entrañable porque habla de la pasión por crear, pero también de las dificultades reales de vivir de esa pasión.

En Los Profesionales, Giménez retrata a los dibujantes de agencia, a aquellos jóvenes que soñaban con hacer tebeos y acabaron formando parte de una generación importantísima de autores españoles. Hay humor, hay anécdotas, hay caricatura, pero también hay una mirada muy lúcida sobre el oficio.

En mamomo.com comenté en su momento Los Profesionales 6: La última cena de los veteranos, una obra que funciona casi como despedida y balance. Me gustó especialmente esa idea de los veteranos que se reencuentran, que miran hacia atrás y que de alguna manera representan a toda una generación que trabajó muchísimo, que exportó talento y que muchas veces no recibió el reconocimiento que merecía en su propio país.

En ese sentido, la Gran Cruz concedida ahora a Carlos Giménez también puede leerse como un homenaje indirecto a todos aquellos profesionales del dibujo que hicieron grande la historieta española desde talleres, agencias, revistas y editoriales.

El cómic, el tebeo, la historieta: una cuestión de respeto

Siempre me ha gustado reivindicar la palabra “tebeo”. A veces parece que necesitamos llamar “novela gráfica” a todo para que parezca más serio, como si la historieta necesitara disfrazarse para ser aceptada por la cultura oficial.

Carlos Giménez demuestra precisamente lo contrario. Sus tebeos son importantes porque son buenos, porque son honestos, porque están bien narrados, porque emocionan y porque cuentan cosas que importan. No necesitan etiquetas sofisticadas para justificar su valor.

El reconocimiento oficial a Giménez debería servir también para recordar que el cómic español no es un género menor. Es una forma de expresión con una historia riquísima, con autores enormes y con una capacidad extraordinaria para llegar a lectores de generaciones muy distintas.

Durante demasiado tiempo, el cómic ha sido tratado como entretenimiento secundario, como algo juvenil o menor. Pero autores como Carlos Giménez han desmontado ese prejuicio página a página. Sus historietas tienen memoria, tienen estructura, tienen lenguaje propio y tienen una potencia narrativa que muchos otros medios envidiarían.

Una trayectoria que dialoga con la historia de España

Uno de los grandes valores de Carlos Giménez es que su obra ayuda a entender España. No desde los discursos oficiales, sino desde la vida cotidiana.

En Paracuellos aparece la posguerra vista por los niños. En Barrio aparece la salida al mundo, la adolescencia, la calle. En Los Profesionales aparece el mundo laboral de los dibujantes, las agencias, la Barcelona de una época y el oficio contado desde dentro. En 36-39 Malos tiempos aparece la Guerra Civil con una mirada directa y humana. En otras obras aparece la ciencia ficción, el humor, el desencanto, la vejez, el miedo, la amistad y la memoria.

Carlos Giménez no ha construido una obra aislada, sino un gran mosaico. Un mosaico en el que cada serie aporta una pieza distinta de una misma mirada: la de un autor que observa la realidad con dureza, pero también con compasión.

Ese equilibrio es muy difícil. Hay autores que caen en el sentimentalismo. Otros se quedan en la denuncia seca. Giménez, en cambio, consigue algo mucho más complejo: contar cosas terribles sin perder nunca la humanidad de sus personajes.

El Maestro y yo en la feria del cómic

Mi relación personal con Carlos Giménez desde mamomo.com

En mi caso, Carlos Giménez no es un nombre que aparezca ahora por la noticia de la Gran Cruz. En mamomo.com llevo años dedicándole espacio porque siempre lo he considerado uno de los grandes maestros de la historieta española.

En la propia web hay una sección dedicada a Carlos Giménez, y en diferentes entradas he ido comentando obras y novedades relacionadas con él. He hablado de Paracuellos, de Los Profesionales, de sus nuevos trabajos y de esa sensación tan especial que produce encontrar una nueva obra suya en una tienda de cómics.

Me gusta especialmente esa mezcla de admiración y cercanía que provoca su obra. Carlos Giménez es un autor enorme, pero sus páginas no se leen desde la distancia. Se leen como si alguien te estuviera contando algo importante al oído. Algo que ha vivido, algo que ha visto, algo que no quiere que olvidemos.

Y quizá por eso esta noticia me alegra de una manera especial. Porque no es solo que se reconozca a un gran dibujante. Es que se reconoce a alguien que nos ha enseñado que la memoria también puede dibujarse.

Un maestro reconocido por fin desde las instituciones

Carlos Giménez ya había recibido numerosos reconocimientos a lo largo de su trayectoria, incluyendo premios importantes dentro del mundo del cómic y de la cultura. Pero la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio tiene una dimensión simbólica distinta.

Que el Estado reconozca a un historietista de esta manera significa que algo ha cambiado. Significa que el cómic ya no puede ser apartado como una cultura menor. Significa que las viñetas de Carlos Giménez forman parte del patrimonio cultural y emocional de este país.

Y eso es importante para los lectores, para los autores, para los editores y para las nuevas generaciones. Porque muchos jóvenes creadores han aprendido de Giménez que se puede contar la propia vida sin caer en la vanidad, que se puede hablar de política sin hacer panfleto, que se puede emocionar sin manipular y que se puede dibujar la realidad con una personalidad absolutamente única.

La importancia de leerlo hoy

Leer hoy a Carlos Giménez sigue siendo necesario. Quizá más que nunca.

Vivimos en una época donde todo pasa muy rápido, donde la memoria se convierte a menudo en un titular breve, en una polémica o en una opinión de redes sociales. Frente a eso, la obra de Giménez nos obliga a mirar despacio. A detenernos en una viñeta. A observar una expresión. A escuchar a un personaje. A recordar que detrás de cada época histórica hubo personas concretas, con hambre, miedo, sueños, rabia y esperanza.

Sus tebeos no son solo documentos del pasado. También son advertencias para el presente. Nos recuerdan lo fácil que es olvidar, lo cómodo que resulta mirar hacia otro lado y lo necesario que es conservar las historias de quienes no tuvieron voz.

Y además, algo que a veces se olvida: Carlos Giménez también entretiene. Su obra no es importante solo por lo que cuenta, sino por cómo lo cuenta. Hay ritmo, hay oficio, hay sentido del humor, hay personajes inolvidables y hay una manera de narrar que engancha desde la primera página.

Un reconocimiento merecido y una invitación a leerlo

La concesión de la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio a Carlos Giménez es una magnífica noticia para la cultura española. Pero también debería ser una invitación.

Una invitación a quienes ya lo conocen para volver a sus obras.
Una invitación a quienes solo han oído hablar de Paracuellos para descubrirlo de verdad.
Y una invitación a quienes todavía creen que los tebeos son algo menor para acercarse a uno de los autores que mejor ha demostrado lo contrario.

Carlos Giménez ha dedicado su vida a contar historias con viñetas. Historias que nacen de la memoria, del oficio, de la imaginación y de una mirada profundamente humana. Esta Gran Cruz reconoce esa trayectoria, pero también reconoce algo más grande: que la historieta española tiene maestros, tiene historia y tiene obras imprescindibles.

Desde mamomo.com, donde tantas veces he hablado de música, cine, cultura visual, diseño, televisión y también de cómics, esta noticia me parece una alegría enorme. Porque Carlos Giménez no solo es un autor admirado: es uno de esos creadores que forman parte de nuestra educación sentimental.

Y cuando un país reconoce a alguien que ha sabido dibujar su memoria, también se reconoce un poco a sí mismo.

Enhorabuena, maestro.

Video de la entrega.

https://www.youtube.com/watch?v=nAExnbaY_fY

Fuente oficial: Boletín Oficial del Estado - Real Decreto 506/2026

Michael Jackson en el cine: opinión personal sobre la película Michael

2026-04-23T19:14:07.624+02:00

Hay algo que todos tenemos bastante claro desde hace años: imitar a Michael Jackson es prácticamente imposible. No hablo solo de copiar unos pasos o una voz, sino de esa mezcla única de carisma, sensibilidad artística y presencia escénica que tenía. Eso no se aprende, se nace con ello.

Por eso, cuando supe que su propio sobrino, Jaafar Jackson, iba a interpretarlo en la nueva película Michael, confieso que tenía curiosidad… pero también ciertas dudas. Y después de verla, puedo decir que me ha sorprendido para bien.

Jaafar no intenta hacer una imitación forzada. Y eso, para mí, es clave. Hay momentos en los que te olvidas de que estás viendo a un actor. Evidentemente, nadie puede ser Michael, pero sí que consigue capturar esa esencia, esa forma de moverse, esa energía tan especial. Se nota que hay respeto, pero también un trabajo muy serio detrás.

La película, además, está muy bien llevada. No busca el morbo fácil ni se mete de lleno en las polémicas que todos conocemos. Y sinceramente, creo que es un acierto. Aquí el enfoque es otro: el artista. El genio. El creador.

Se centra mucho en su faceta artística, en cómo entendía la música y el espectáculo. Hay partes que destacan su forma de trabajar el baile, su obsesión por el detalle, su manera de convertir cada actuación en algo casi mágico. Y eso es lo que muchos admiramos de él.

También toca su infancia, como no podía ser de otra manera, pero lo hace sin recrearse demasiado. Lo justo para entender de dónde viene todo, sin que eso eclipse lo importante: su evolución como artista.

A nivel emocional, la película funciona porque no intenta ser más de lo que es. No pretende darte respuestas a todo ni posicionarse en temas delicados. Simplemente, te invita a recordar por qué Michael Jackson fue quien fue.

Y eso, en los tiempos que corren, ya es bastante.

Como alguien que lleva muchos años vinculado a la música, al espectáculo y a la cultura DJ, agradezco cuando una película entiende lo que significa un artista de verdad. Aquí no hay postureo. Hay respeto, hay cariño y hay una mirada bastante limpia hacia su legado.

En resumen: no es una película perfecta, pero sí es una película necesaria si eres fan de Michael o si simplemente te interesa la historia de uno de los mayores iconos de la música. Sales con la sensación de haber conectado otra vez con su arte. Y eso, sinceramente, no es poca cosa.

Lee mi artículo de cuando falleció Michael Jackson:

Que puedo decir de MICHAEL JACKSON (Manel López)

El resurgimiento del vinilo en Japón: un Regreso a los surcos y a la textura analógica

2026-01-22T23:07:00.005+01:00

En un mundo dominado por el streaming y la música digital instantánea, los discos de vinilo están viviendo un renacimiento notable, especialmente entre los jóvenes y en mercados como Japón. El episodio de Biz Stream de NHK World-Japan, titulado "Back to Grooves and Grain" (Gracias por el aviso Freddy Soro), dedica una sección especial a este fenómeno, explorando cómo el encanto analógico del vinilo conquista de nuevo a las nuevas generaciones y cómo una empresa japonesa ha sido clave para que este revival sea posible.

cnn.com

El streaming se ha convertido en la norma para consumir música. Plataformas como Spotify o Apple Music ofrecen acceso ilimitado a millones de canciones con solo un clic. Sin embargo, desde alrededor de 2015, las ventas de vinilos han crecido de forma espectacular en Japón. En 2024, la producción alcanzó casi 3,15 millones de unidades y los ingresos por ventas rozaron los 8.000 millones de yenes (aproximadamente 50 millones de dólares). Gracias al aumento de precios, el valor total superó incluso los niveles de 1989, en plena era dorada del formato analógico.

Este auge no es exclusivo de Japón: el mercado mundial del vinilo también está en expansión. En grandes tiendas de discos de Shibuya, como la que se muestra en el reportaje, un piso entero está dedicado exclusivamente a vinilos y siempre está lleno de jóvenes compradores.

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mainichi.jp

Los clientes explican su pasión: “Compré un tocadiscos cuando empecé mi primer trabajo a tiempo completo y desde entonces no he parado de caer en la madriguera”. Otro añade: “Me encantan los delicados surcos del sonido y disfruto del proceso de poner el disco”. Un tercero valora “el impacto que tiene el vinilo; aunque el audio pueda sonar un poco granulado o crudo, creo que añade sabor al sonido”.

Jonathan Sobel, comentarista del programa y coleccionista de vinilos de toda la vida, comparte su entusiasmo: “Me gusta cómo suenan, cómo se sienten en las manos, cómo se ven”. Aunque también escucha mucho streaming, defiende que no se trata de elegir uno u otro: “Si encuestas a la gente que colecciona discos analógicos, probablemente también descubras que escuchan mucho streaming. Son personas que aman la música”.

El secreto detrás de este boom radica en la producción física. Para fabricar un disco de vinilo nuevo se necesita un disco máster de laca (lacquer master disc), que sirve como plantilla original. Actualmente, solo existe una empresa en todo el mundo que fabrica estos discos en blanco: está ubicada en la prefectura de Nagano, Japón, y comenzó a producirlos en 1982.

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pbr.co.jp

El proceso es meticuloso: se pulen discos de aluminio, se recubren con una capa precisa de laca de nitrocelulosa de 0,2 mm de grosor, y se ajusta manualmente la velocidad de la cinta transportadora según las variaciones estacionales de la viscosidad del material. Cada disco se inspecciona reflejando luz sobre su superficie y se corta una ranura de prueba para verificar la calidad.

Este disco máster se utiliza luego para crear un stamper metálico, que permite la producción en masa de vinilos. La empresa, con 45 empleados, produce actualmente 150.000 discos al año y opera a plena capacidad, recibiendo pedidos de todo el mundo. Planean ampliar líneas de producción en el próximo año.

Durante los años 90, cuando la demanda de vinilos cayó en picado, la compañía sobrevivió diversificando su actividad industrial. Estuvieron a punto de cerrar varias veces. “Estuvimos colgando de un hilo durante mucho tiempo y nos preguntábamos cuándo sería el momento adecuado para cerrar”, recuerda su presidente. “Pero de repente las cosas dieron un giro para los vinilos, y creo que somos parcialmente responsables de ello”.

thevinylfactory.com

billboard.com

Shalva Vogue y Jonathan Sobel coinciden en aplaudir su tenacidad: sin esta empresa, el resurgimiento del vinilo podría no haber alcanzado la magnitud actual. Japón es reconocido por la altísima calidad de sus prensados, y muchos sellos internacionales prefieren fabricar allí cuando es posible.

¿Por qué vuelve el vinilo en plena era digital? Sobel lo explica con claridad: “En un mundo digital donde todo es infinitamente copiable y accesible en cualquier momento, hay un subgrupo de personas que valora algo tangible, escaso, que se puede tocar y sentir. Aunque no te consideres coleccionista, tener algo que no todo el mundo tiene resulta especial”.

El vinilo no es solo nostalgia para generaciones mayores; atrae especialmente a jóvenes que buscan experiencias sensoriales únicas: el ritual de sacar el disco de la funda, colocarlo con cuidado, bajar la aguja y escuchar el crujido inicial antes de que empiece la música. En un entorno saturado de contenido efímero, el vinilo ofrece permanencia, calidez y autenticidad.

Este segmento de Biz Stream demuestra que, incluso en 2026, lo analógico sigue encontrando su espacio. El groove del vinilo no solo resiste: está volviendo con más fuerza que nunca.

¿Tú también has vuelto a los discos de vinilo o sigues fiel al streaming? ¡Comparte tu experiencia!

Nova temporada 5 de Deejays de Lleida

2025-12-23T21:57:00.004+01:00

🎧 Nova temporada de Deejays de Lleida
Arrenca la cinquena temporada del programa dedicat a la música, la cultura DJ i la seva història.

Un espai on parlem de com ha evolucionat la música, del paper dels DJs i dels records que ens han fet ballar durant dècades.

📺 Estrena: dissabte 27 · 23:55 h
🔁 Reemissió: diumenge 28 · 23:30 h
📍 Lleida TV

Amb Manel López i la participació de Mike Platinas, i molts col·laboradors i convidats que han marcat les pistes de ball.

🎶 Música, memòria i emocions… des de Lleida.

Fiesta del 40º Aniversario del Max Mix en Be Disco: Crónica Personal de una Noche Histórica

2025-11-16T22:39:00.009+01:00

El pasado 15 de noviembre de 2025, la discoteca Be Disco de Molins de Rei acogió uno de los eventos más importantes de la historia reciente del remember en España: la celebración del 40º aniversario del Max Mix, el megamix que marcó a generaciones enteras y que transformó la música de baile en nuestro país.

Como DJ, presentador y coleccionista, tuve la suerte de vivirlo desde dentro, y además con un vínculo muy especial:
Mike Platinas es colaborador de mi programa de televisión “Deejays de Lleida” desde el primer día, y Toni Peret también forma parte del proyecto, dos auténticos referentes que con los años se han convertido en amigos personales.

Esta es mi crónica —emocional, cercana y desde mi punto de vista— de una noche que quedará en mi memoria para siempre.

Un homenaje a 40 años de historia del megamix

La fiesta del 40º aniversario no fue un simple evento remember: fue un auténtico homenaje a una era dorada. Sonido impecable, iluminación cuidada al detalle, público entregado y un ambiente que mezclaba nostalgia con una energía muy actual.
Se notaba que todos los presentes sabíamos que estábamos viviendo un momento histórico.

Actuaciones memorables que marcaron la noche

1. Miko Mission – emoción pura y piel de gallina

Uno de los momentos más potentes y personales de la noche fue la actuación de Miko Mission.
Escuchar en directo temas tan míticos, auténticos himnos que forman parte de nuestras vidas, consiguió emocionarme. Fue un instante mágico, un viaje directo a la música que nos hizo soñar.

2. Scotch – energía, conexión y efusividad total

La actuación de Scotch fue pura entrega. Su efusividad, su carisma y la manera en que conectó con la sala hicieron que el público explotara en aplausos y baile desde la primera nota.

3. Mike Platinas – técnica, arte y una intro que puso los pelos de punta

Tras las actuaciones estelares llegó otro momento épico:
la aparición de Mike Platinas con su típica intro, esa mezcla de varias canciones enlazadas con precisión milimétrica que solo él sabe construir.
Fue un inicio emocionante, lleno de técnica, humor y arte, que demostró por qué sigue siendo uno de los nombres más importantes del megamix a nivel mundial.

4. Toni Peret – ímpetu, fuerza y una sesión que hizo bailar hasta las piedras

Luego llegó el turno de Toni Peret, que una vez más dejó claro que su experiencia y su talento siguen intactos.
Una sesión con energía, alegría y mucha personalidad.
Tal y como decimos los DJs… una mezcla capaz de hacer bailar incluso a las piedras.

5. Roberto Turatti – una exhibición de los clásicos que él mismo creó

La sesión de Roberto Turatti fue otro de los platos fuertes de la noche.
Lo espectacular fue que pinchó gran parte de sus propias producciones de los años 80, esos clásicos que él mismo creó y que hoy siguen siendo auténticos himnos del Italo Disco.
Un lujo verlo en acción, con ese sonido tan característico y tan suyo.

5. Fred ventura – Pura musica italo-dance

Canciones con ese estilo puramente disco italiano...

Encuentros inolvidables con protagonistas de la historia del Max Mix

Durante la noche tuve la oportunidad de compartir momentos con personas clave del universo Max Mix:

Mike Platinas, firmando mi copia de Max Mix 30 aniversario con la frase:

Has pensat alguna vegada que el Max Mix podria haver sigut lleidatà?
Però vaig néixer a Girona.
Encara que un tros de mi és com si fos de Lleida…
Per molt mamomo a les vides de molta gent!

Ricardo Campoy, fundador de Max Music, el sello que inició toda esta revolución en los 80.
DJ Tedu, responsable de la edición vinilo del Max Mix 40 Aniversario, con quien intercambié impresiones sobre el proceso creativo.
Xavier Aimar, figura importantísima y a quien quiero destacar de manera muy especial:
es el autor del estilo visual de las portadas del Max Mix, el diseñador del logo y de gran parte de los dibujos icónicos de la saga.
Su trabajo marcó una estética reconocible al instante. Verlo allí fue como ver al artista detrás de la imagen que todos tenemos en la mente.

También tuve la oportunidad de saludar y compartir conversación con Carreras, un amigo con el que siempre es un placer reencontrarse y hablar de música, mezclas y vida.
Y, por supuesto, me encontré con muchísima gente que sigue de cerca mi programa “Deejays de Lleida” en Lleida Televisión, personas que me saludaron con cariño y que forman parte de esa comunidad que tanto valoro. A todos ellos, gracias.

Mis compras de la noche: tesoros para cualquier coleccionista

No podía irme sin llevarme estas joyas, que ya forman parte de mi colección:

Max Mix 40 Aniversario – Vol. 1
Max Mix 40 Aniversario – Vol. 2
Max Mix 30 Aniversario – Vol. 1 (Mike Platinas)
Max Mix 30 Aniversario – Vol. 2 (Toni Peret)
Reducción 40 Aniversario – Max Mix 1 (Edición especial)
Reducción 40 Aniversario – Max Mix 2 (Edición especial)
Megamix especial del 40º aniversario – Edición coleccionista

Una auténtica maravilla para los que amamos el formato físico.

Conclusión personal: una noche irrepetible

Salí de Be Disco con el corazón cargado de música, emociones y nostalgia.
Ver a mis amigos y colaboradores —Mike Platinas y Toni Peret— en pleno estado de forma, disfrutar de actuaciones históricas como las de Miko Mission o Scotch, reencontrarme con amigos y seguidores, y vivir un homenaje tan bien hecho… fue sencillamente inolvidable.

El Max Mix no es solo música: es parte de nuestra historia, de nuestras vidas y de una cultura que sigue viva gracias a todos los que la mantenemos en movimiento.

Larga vida al megamix. 🎛️🔥🎧

🎃 Mike Platinas explica la historia de Halloween y los videoclips que marcaron una era

2025-11-01T16:12:00.002+01:00

El mítico Mike Platinas, pionero del megamix y una de las figuras más respetadas de la cultura DJ española, volvió a dejar huella en el programa 118 de Deejays de Lleida, presentado por Manel López (Mamomo) y emitido por Lleida TV.
En esta ocasión, Mike nos regaló una clase magistral sobre el origen de Halloween, su evolución cultural y su conexión con algunos de los videoclips más influyentes de la historia de la música.

👻 De los druidas al pop: el verdadero origen de Halloween

Mike comenzó su intervención situando la raíz de esta celebración miles de años atrás, en la antigua cultura celta.
Los druidas celebraban el fin de la cosecha con un festival llamado Samhain, considerado el fin del año celta. Era una noche mágica en la que se creía que el mundo de los vivos y el de los muertos se unían por unas horas.

Cuando los irlandeses emigraron a Estados Unidos, llevaron consigo esta tradición. Con el tiempo, el Samhain se mezcló con la cultura cristiana y pasó a llamarse All Hallow’s Eve —la víspera de Todos los Santos—, de donde deriva el término actual Halloween.

Mike también compartió algunas curiosidades sorprendentes:

En el estado de Alabama está prohibido disfrazarse de sacerdote.
En Belleville, Illinois, los mayores de 12 años no pueden pedir caramelos; la multa puede llegar a 1000 dólares.
Y en Estados Unidos, todavía hoy, muchas protectoras prohíben adoptar gatos negros en Halloween por miedo a rituales satánicos.

Una combinación de historia, superstición y anécdotas que solo un comunicador tan apasionado como Platinas puede convertir en puro entretenimiento.

💿 La música del miedo: tres videoclips imprescindibles de Halloween

Como buen melómano y técnico del sonido, Mike no se limitó a contar el origen de la fiesta: la llevó directamente al terreno musical.
Durante la charla con Manel López, repasaron tres himnos que definieron el sonido y la estética del terror en el pop.

🧛 Michael Jackson – Thriller (1983)

Considerado el videoclip más famoso de la historia, fue dirigido por John Landis y contó con la voz del legendario actor Vincent Price en su narración final.
La canción fue compuesta por Rod Temperton, quien reescribió la letra original (“Starlight Sun”) en apenas dos horas.
Mike recordó cómo el ingeniero Bruce Swedien grabó la voz de Michael con varios micrófonos y a diferentes distancias para crear esa sensación de profundidad y presencia que aún hoy impresiona.
El resultado: una pieza audiovisual que cambió la industria musical para siempre.

👀 Rockwell – Somebody’s Watching Me (1984)

Otro clásico que Mike destacó por su atmósfera paranoica y su conexión con el miedo cotidiano.
La canción, con coros de Michael y Jermaine Jackson, fue número uno en EE. UU., Francia y España.
Detrás del seudónimo Rockwell estaba Kennedy Gordy, hijo del fundador de Motown, Berry Gordy.
Platinas explicó cómo el tema, más allá de su estética ochentera, anticipa el sentimiento de vigilancia constante que hoy vivimos en la era digital: redes sociales, cámaras, algoritmos y la obsesión por ser observados.

✨ Stevie Wonder – Superstition (1973)

Cerrando su repaso, Mike se detuvo en este himno funk sobre las creencias irracionales.
Compuesta e interpretada íntegramente por Stevie Wonder, la canción ganó dos Grammys y alcanzó el número uno en Estados Unidos.
Mike detalló cómo el riff de clavinet Hohner y el uso de un bajo Moog sintetizado marcaron una nueva era en el sonido funk.
Además, explicó el truco del shuffle, un desplazamiento rítmico que hace parecer la canción más rápida de lo que realmente es.

🧠 El toque Platinas: historia, técnica y pasión

Lo más fascinante de esta intervención no fue solo el contenido, sino la forma.
Mike Platinas combina como nadie la divulgación histórica con la técnica de estudio, consiguiendo que cada dato cobre vida.
Su relato convierte el Halloween musical en una mezcla de misterio, cultura pop y análisis sonoro, haciendo disfrutar tanto a los fans de los 80 como a los DJs actuales.

El segmento termina con el tono habitual de Deejays de Lleida: cercano, divertido y siempre con ese toque nostálgico que conecta pasado y presente.

🎧 Una entrega imprescindible de Deejays de Lleida

El programa 118 demuestra, una vez más, por qué Deejays de Lleida es mucho más que un espacio televisivo: es un punto de encuentro entre generaciones de DJs, locutores y amantes de la música electrónica.
Bajo la dirección de Manel López (Mamomo), el programa sigue siendo una referencia en Lleida y en toda la comunidad remember del país.

🔗 Referencias y enlaces recomendados

Rockwell – Somebody’s Watching Me (YouTube)
Stevie Wonder – Superstition (YouTube)
Michael Jackson – Thriller (YouTube)
Artículo sobre Halloween en Capman.es
[Wikipedia: Thriller, Superstition, Somebody’s Watching Me]

📺 Fragmento emitido en “Deejays de Lleida #118” en Lleida TV.
🎤 Colabora: Mike Platinas
🎧 Presenta: Manel López “Mamomo”

https://youtu.be/dzJT7bxh1WA

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John Candy: Yo me gusto — El hombre bueno que nos hacía reír de verdad

2025-10-20T00:45:00.002+02:00

🎬 John Candy: Yo me gusto — El hombre bueno que nos hacía reír de verdad

Hay actores que marcan la historia del cine, y luego hay otros que, sin necesidad de premios ni alfombras rojas, se quedan grabados en la memoria por pura humanidad. John Candy pertenece a ese segundo grupo. No fue el más importante, ni el más aclamado por la crítica, pero —y esto lo digo sin dudarlo— siempre fue uno de mis actores preferidos. Desde la primera vez que lo vi, sentí que tenía “algo” diferente. Y ahora, con el estreno del documental John Candy: Yo me gusto (I Like Me), dirigido por Colin Hanks y producido por Ryan Reynolds, vuelvo a recordar por qué.

🌟 Un gigante amable

Candy no era solo un cómico canadiense de talento; era una presencia cálida, un tipo bueno en el sentido más completo de la palabra. Este nuevo documental —estrenado en el Festival de Toronto y disponible en Prime Video— nos sumerge en su vida a través de imágenes inéditas, entrevistas con su familia y compañeros de rodaje, y una gran cantidad de material restaurado que nos muestra su carácter generoso, tímido y profundamente humano.

El director Colin Hanks (hijo de Tom Hanks, amigo y compañero de Candy en Splash) consigue algo muy especial: retratar la bondad como una forma de arte. A través de los testimonios de Steve Martin, Catherine O’Hara, Bill Murray, Macaulay Culkin o el propio Tom Hanks, uno entiende que todos coincidían en lo mismo: nadie tenía una mala palabra para decir de John Candy. Y eso, en un mundo como Hollywood, ya es un milagro.

🎭 El humor que curaba

John Candy tenía un talento enorme para la comedia física, pero lo que realmente lo hacía único era la emoción detrás de cada gesto. Tenía ese tipo de humor que te hace reír y, al segundo siguiente, te deja con un nudo en la garganta. Quizás por eso Mejor solo que mal acompañado (Planes, Trains and Automobiles) siempre será, para mí, una de las películas más conmovedoras sobre la soledad y la bondad. Cada vez que la veo, esa mirada suya al final —mezcla de tristeza y ternura— me sigue rompiendo por dentro.

El documental toma su título precisamente de una frase de esa película: “I like me” (“Yo me gusto”), una afirmación sencilla pero profundamente humana, que define muy bien quién era él: un hombre que, pese a sus inseguridades, se aceptaba con humor, con ternura, con verdad.

❤️ Un hombre querido, dentro y fuera del set

El film recoge recuerdos de sus hijos Jennifer y Chris, y de su esposa Rosemary, quienes hablan de él con ese tipo de nostalgia luminosa que solo se tiene por alguien realmente bueno. También muestra su enorme sentido de la amistad, su pasión por el trabajo, y su capacidad para reírse de sí mismo antes de que nadie más lo hiciera. Incluso se abordan temas delicados, como la gordofobia mediática que sufrió durante su carrera. Ryan Reynolds quiso mantener algunos fragmentos incómodos de entrevistas antiguas, no para exponer a nadie, sino para mostrar la fuerza de Candy para responder siempre con humor.

🕊️ El hombre detrás del comediante

Candy murió en 1994, con apenas 43 años, de un infarto mientras rodaba Wagons East! en México. El documental no elude ese final abrupto ni sus problemas de salud, pero lo que deja es una profunda sensación de gratitud. Porque más allá del mito cómico, lo que nos queda es el recuerdo de un hombre que dio todo lo que tenía para hacer feliz a los demás.

🎬 Lo que queda después de la risa

Confieso que, mientras veía John Candy: Yo me gusto, tuve esa mezcla de sonrisa y lágrima que solo logran las historias auténticas. Candy me recuerda por qué la comedia también puede ser profundamente espiritual. Hacer reír, cuando se hace con el corazón, es una forma de amor. Y él lo entendía mejor que nadie.

A veces pienso que en el mundo del cine hay grandes estrellas… y luego hay grandes personas. John Candy fue ambas cosas, aunque su verdadera grandeza estaba en su humanidad. No necesitaba ser perfecto: le bastaba con ser él mismo. Y eso, en estos tiempos, sigue siendo revolucionario.

🕯️ Epílogo personal

Ver este documental ha sido, para mí, como reencontrarme con un viejo amigo. Con alguien que me acompañó en tardes de cine, en risas familiares, en momentos en los que solo necesitaba desconectar del mundo. John Candy me enseñó que, a veces, reírse de uno mismo es la forma más sincera de quererse.

Puede que John Candy no figure en las listas de los “mejores actores de todos los tiempos”, pero para mí, es uno de los que más me ha marcado. Porque sus películas, por simples que parezcan, siempre me dejan algo bueno. Y eso —igual que él decía— me hace pensar que sí: yo también me gusto un poco más después de verlas.

“I like me.”

自分が好きだ (Jibun ga suki da)

— John Candy, Planes, Trains and Automobiles (1987)

✨🎧 Una nit llegendària amb Mike Platinas i Manel López 🎧✨

2025-10-02T17:21:00.008+02:00

Parlar de Mike Platinas és parlar d’història viva de la música de ball. Des dels anys 80 ha estat pioner en l’art del megamix, co-creador de treballs que van revolucionar les pistes i que encara avui són referència: Max Mix, Mas Mix Que Nunca, Disc Jockey Mix… Veritables obres d’enginyeria sonora que van portar la tècnica del cut & paste a un nivell mai vist, convertint-lo en una icona dins i fora de les cabines.

Amb dècades de trajectòria, Mike ha estat DJ, productor, locutor, divulgador i mestre, capaç d’influir en generacions senceres de DJs i amants de la música. El seu talent meticulós i la seva passió l’han consolidat com un dels grans noms de la cultura dance a Espanya i a escala internacional.

Aquest cop, tenim el privilegi de viure’l en directe al costat de Manel López “Mamomo”, en una sessió que promet ser un viatge musical ple d’energia, records i connexió amb el públic. Una combinació perfecta entre història i actualitat, amb la força de dos DJs que comparteixen la mateixa passió: fer ballar i emocionar.

🔥 Una oportunitat única per reviure clàssics, descobrir curiositats i gaudir de la música amb dos veritables apassionats de l’escena.

📅 No hi pots faltar. Vine a viure una nit que quedarà gravada a la memòria!

Photoshop se cuelga al usar la herramienta de texto: soluciones definitivas y alternativas

2025-09-11T14:54:00.004+02:00

Uno de los problemas más frustrantes en Adobe Photoshop es cuando la aplicación se bloquea o se cierra de golpe al usar la herramienta de texto. Este error suele estar relacionado con fuentes corruptas o incompatibles que el programa intenta cargar. Después de investigar y probar distintas opciones, he encontrado una solución definitiva y además varias alternativas que también funcionan.

✅ La solución definitiva que me ha funcionado

Al abrir Photoshop y antes de crear el primer cuadro de texto, basta con cambiar la fuente predeterminada. En mi caso, la fuente configurada por defecto era Bebas Neue, y al intentar escribir con ella, Photoshop crasheaba. Al cambiar la fuente inicial a Arial (una fuente estable del sistema), el problema desapareció por completo.

Esto demuestra que el fallo estaba en la fuente predeterminada (corrupta o mal instalada). Al sustituirla por una fuente segura, Photoshop dejó de colgarse.

🔄 Otras soluciones que también puedes probar

1. Eliminar fuentes problemáticas

Si instalaste fuentes de sitios poco fiables (por ejemplo, ofont.ru), es muy probable que alguna esté mal empaquetada y cause el error.

Ve a: C:\Users\TU_USUARIO\AppData\Local\Microsoft\Windows\Fonts
Mueve las fuentes sospechosas a otra carpeta como copia de seguridad.
Borra el archivo FNTCACHE.DAT en C:\Windows\System32\.
Reinicia Windows.

2. Borrar la caché de fuentes

La caché de Windows puede quedar dañada y provocar que Photoshop se cuelgue al cargar fuentes:

Detén el servicio Windows Presentation Foundation Font Cache.
Borra el archivo C:\Windows\System32\FNTCACHE.DAT.
Reinicia Windows para que se regenere limpio.

3. Reinstalar fuentes desde fuentes oficiales

Si quieres seguir usando la misma tipografía que da problemas, lo ideal es descargarla desde un sitio seguro como Google Fonts o Adobe Fonts. Evita versiones de páginas no verificadas.

4. Desactivar la GPU temporalmente

Algunos bloqueos están relacionados con la tarjeta gráfica y el renderizado de texto. Para probarlo:

Ve a Edición → Preferencias → Rendimiento.
Desactiva la opción Usar procesador gráfico.

Si así funciona, revisa tus drivers NVIDIA Studio o prueba otra versión más estable.

5. Restablecer preferencias de Photoshop

Como último recurso, puedes restaurar la configuración:

Cierra Photoshop.
Manten pulsadas Ctrl + Alt + Shift al abrirlo.
Acepta la opción de eliminar los ajustes.

📌 Conclusión

El problema de los cuelgues al usar la herramienta de texto suele estar provocado por fuentes corruptas. La solución más rápida es cambiar la fuente predeterminada en Photoshop a una fuente estable como Arial.

Si eso no funciona, eliminar las fuentes sospechosas, limpiar la caché y reinstalar versiones oficiales es la manera más segura de dejar el programa funcionando correctamente.

imagenes imagenes

Mamomo: el artista electrónico japonés que suena como mi seudónimo

2025-08-08T22:39:00.007+02:00

日本語訳はこちら（記事末尾）

¿Quién es mamomo?

mamomo es un músico y productor japonés especializado en electrónica experimental, con una propuesta sonora rica, envolvente y llena de matices. Combina influencias del ambient, el glitch y la avant-garde, construyendo paisajes sonoros que se descubren poco a poco, como un rompecabezas emocional. Entre sus trabajos más destacados:

Cosmos (2018), con piezas como sea of flowers, que envuelven al oyente en una atmósfera onírica.
Hometown (2020), más introspectivo y melancólico.
Otros trabajos igual de sugerentes disponibles en su Bandcamp.

Su música es ideal para quienes disfrutan de lo no convencional, con composiciones que se viven como un viaje más que como una simple escucha.

Mamomo en japonés: ¿cómo se escribe y qué significa?

Aunque el artista firma como “mamomo” en caracteres latinos, es interesante explorar posibles escrituras y significados en japonés:

魔物 (mamono): palabra muy parecida que significa “criatura mágica” o “ente sobrenatural”. En el folclore nipón, los mamono son seres misteriosos, vinculados al mundo de los yōkai.
桃萌 (momomo): posible forma poética que combina los kanjis de “melocotón” (桃) y “brotar/germinar” (萌), evocando la imagen de la “floración del durazno”.

Es probable que el artista japonés simplemente use el nombre en alfabeto latino, pero la coincidencia fonética abre la puerta a estas interpretaciones tan curiosas.

¿Y qué tiene que ver conmigo?

Pues… mucho más de lo que parece.
Mamomo es mi seudónimo desde hace décadas, mucho antes de que internet fuera lo que es hoy. De hecho, ya a principios de los 90 me hacía llamar así en las redes sociales de la época, que no eran webs ni aplicaciones, sino BBS (Bulletin Board Systems) a las que nos conectábamos con módems ruidosos, y donde coincidíamos aficionados a la informática, especialmente del sistema Amiga. Eran tiempos en los que la palabra “online” significaba algo muy distinto, y el concepto de redes sociales como hoy ni existía.

Así que sí: yo utilizaba Mamomo mucho antes que este artista japonés empezara su carrera. Es un alias que me ha acompañado en foros, chats, proyectos creativos y, cómo no, en mi faceta como DJ y creador de contenidos.

La coincidencia que inspira

Por eso, cuando descubrí que hay un productor japonés que se hace llamar igual, sentí una mezcla de sorpresa y simpatía. Al principio pensé que sería un grupo idol japonés, pero la realidad me sorprendió para bien: un artista con un universo sonoro único, que encaja perfectamente con mis gustos musicales.

Si buscas una experiencia musical diferente, te recomiendo que escuches a mamomo. Y si alguna vez lees esto, querido tocayo de seudónimo… que sepas que, sin quererlo, hemos creado un curioso puente entre las BBS de los 90 y la electrónica experimental japonesa del siglo XXI.

Nota: La información sobre escrituras y posibles significados en japonés es orientativa y se incluye a modo cultural/lingüístico.

日本語訳

mamomoとは？

mamomoは、実験的なエレクトロニカを得意とする日本のミュージシャン／プロデューサーです。アンビエント、グリッチ、アヴァンギャルドの影響を取り入れ、感情のパズルのように少しずつ姿を現すサウンドスケープを作り上げます。主な作品は次のとおりです。

Cosmos（2018年）：sea of flowers など、聴き手を夢見心地に包み込む楽曲を収録。
Hometown（2020年）：より内省的でメランコリックなトーン。
そのほかの作品は Bandcamp で聴くことができます。

型にはまらない音を好み、音楽を「旅」として味わいたい人に最適です。

日本語で「mamomo」はどう書く？どんな意味？

アーティスト本人はラテン文字の “mamomo” で表記していますが、日本語の書き方や連想される意味としては次のようなものがあります。

魔物（まもの）：発音が近く、「妖怪」「超自然的な存在」を指す語。日本の民間伝承に登場します。
桃萌（ももも）：「桃（もも）」と「萌（めばえ）」を組み合わせた造語的表記で、「桃の花の芽吹き」を思わせる詩的なイメージ。

実際にはラテン文字表記を用いている可能性が高いものの、こうした連想は名称に詩的なニュアンスを与えてくれます。

私との関係は？

私にとって「Mamomo」は、何十年も使ってきたインターネット上のハンドルネームです。1990年代初頭、現在のようなインターネットが登場するより前、AmigaユーザーのコミュニティなどのBBS（電子掲示板）で既にそう名乗っていました。ダイヤルアップ・モデムで接続していた当時の「オンライン」は、今とはまったく別物でした。

つまり、私が「Mamomo」を使い始めたのは、この日本人アーティストの活動よりもずっと前のこと。フォーラムやチャット、創作プロジェクト、そしてDJ／コンテンツ制作の場面でも、ずっと私の相棒であり続けています。

偶然がくれたインスピレーション

同じ名前を名乗る日本のプロデューサーを知ったとき、驚きと親近感を覚えました。当初はアイドル・グループかと思いましたが、実際は独自のサウンド・ユニバースを持つアーティストで、私の嗜好にもぴったりでした。

定型にとらわれない音楽体験を求めるなら、ぜひ「mamomo」を聴いてみてください。

注：ここで述べる日本語表記や意味は、文化・言語的な参考情報です。

Mamoru Samuragōchi: El Mito del “Beethoven Japonés” y la Gran Revelación

2025-08-04T14:53:00.002+02:00

👉 English version available below

Mamoru Samuragōchi: La Caída del "Beethoven Japonés"

Mamoru Samuragōchi, alguna vez aclamado como el "Beethoven japonés" por componer música a pesar de ser supuestamente sordo, fue durante años una figura venerada en Japón. Sin embargo, su historia dio un giro escandaloso que dejó en shock al mundo de la música y los medios. A continuación, exploramos en profundidad cómo pasó de ser un ícono cultural a protagonista de uno de los fraudes más sonados de la música contemporánea.

🎼 Los Orígenes de una Leyenda

Samuragōchi nació en 1963 en Hiroshima, Japón. Desde joven mostró gran interés por la música, aprendiendo a tocar el piano de manera autodidacta. A pesar de no recibir una educación musical formal completa, fue ganando reputación por sus composiciones intensas y emotivas.

🔇 La Historia de la Sordera

Durante la década de los 90, Samuragōchi comenzó a afirmar que había perdido completamente la audición debido a una enfermedad degenerativa. Esta condición no solo fortaleció su imagen como genio incomprendido, sino que también le valió una enorme simpatía por parte del público.

En 2003, su popularidad explotó tras componer la "Hiroshima Symphony", una obra dedicada a las víctimas de la bomba atómica. Su música fue promocionada como un testimonio de la resiliencia humana.

🎮 La Música y los Videojuegos

Samuragōchi también fue responsable de la banda sonora de varios videojuegos famosos, como Resident Evil: Dual Shock Ver. y Onimusha. Su combinación de orquesta con elementos oscuros lo convirtieron en un compositor codiciado.

📺 Fama Nacional

Revistas, noticieros y programas de televisión hicieron de él una estrella. Se lo comparaba constantemente con Beethoven por su supuesto talento "sobrehumano" frente a la adversidad de la sordera.

💥 El Escándalo: Una Verdad Inaudita

En 2014, el escándalo estalló: Samuragōchi no componía su propia música. El verdadero autor era el compositor Takashi Niigaki, quien reveló que había escrito para él durante casi 20 años. Niigaki también afirmó que Samuragōchi no era completamente sordo.

🎿 El Caso del Patinador Olímpico

El escándalo cobró una dimensión internacional cuando se supo que el patinador artístico Daisuke Takahashi había utilizado una de sus composiciones para su rutina en los Juegos Olímpicos de Sochi 2014. La noticia se dio a conocer apenas unos días antes del inicio de las competencias.

📰 La Reacción Pública y Mediática

Japón reaccionó con furia y vergüenza. Los medios exigieron explicaciones, y los fans se sintieron traicionados. Samuragōchi emitió una disculpa pública, admitiendo su falta de ética pero insistiendo en que sus problemas auditivos eran reales aunque intermitentes.

📉 Consecuencias

Se cancelaron presentaciones de su música.
Su imagen fue retirada de materiales promocionales.
Su autobiografía fue retirada del mercado.

📘 El Legado del Engaño

Hoy, Mamoru Samuragōchi es recordado como un símbolo de cómo el marketing puede construir ídolos falsos. También abrió un debate sobre el papel de la autenticidad en la música clásica contemporánea.

🎵 Mamoru Samuragōchi: The Rise and Fall of the "Japanese Beethoven"

Mamoru Samuragōchi, once hailed as the "Japanese Beethoven" for composing music despite being reportedly deaf, was long admired in Japan. But his story took a shocking turn that shook the world of music and media. Here is the detailed story of his meteoric rise—and his devastating fall.

🎼 The Origins of a Legend

Born in 1963 in Hiroshima, Samuragōchi taught himself piano and began composing in his youth. Despite lacking formal academic training, he developed a name for himself thanks to his emotionally rich compositions.

🔇 The Deafness Myth

In the 1990s, he claimed to have lost his hearing due to a degenerative illness. This added a layer of mystique and heroism to his work. His 2003 "Hiroshima Symphony" brought him international acclaim.

🎮 Video Game Fame

He composed for games such as Resident Evil: Dual Shock Ver. and Onimusha, blending orchestral tones with dark atmospheres, earning widespread admiration.

📺 National Icon

Japanese media dubbed him a modern-day Beethoven. His supposed triumph over disability made him a household name.

💥 The Scandal

In 2014, the truth came out: Samuragōchi did not compose his own music. The real author was Takashi Niigaki, who had been ghostwriting for nearly 20 years. He also claimed Samuragōchi was not truly deaf.

🎿 The Olympic Controversy

One of his pieces was used by Olympic figure skater Daisuke Takahashi at Sochi 2014. The revelation came days before the event, causing global media uproar.

📰 Public Backlash

The Japanese public was furious. Samuragōchi apologized, but his reputation was destroyed. His autobiography and promotional materials were quickly pulled.

📉 Aftermath

Concerts were canceled.
CDs and books were recalled.
He became a cautionary tale in Japanese culture.

📘 Legacy of a Lie

Samuragōchi's fall became a case study in media manipulation and the hunger for inspirational stories. It left a permanent stain on the Japanese classical music scene—and a lesson in critical thinking for all of us.

🎼 What do you think? Redemption or disgrace? Leave your thoughts in the comments below.

🎵 Twisted Tenderness de Electronic: entre guitarras, sintetizadores y dos leyendas

2025-08-01T21:48:00.002+02:00

🔗 "👉 English version available below this message"

Cuando se habla de proyectos paralelos, muchas veces se piensa en pequeñas aventuras creativas sin demasiadas consecuencias. Pero Electronic es otra historia. Este dúo formado por Bernard Sumner (New Order, Joy Division) y Johnny Marr (The Smiths) no solo fue un supergrupo con pedigree, sino también un espacio de libertad total, donde las guitarras y los sintetizadores se dieron la mano de forma única. Y entre todas sus composiciones, "Twisted Tenderness" —la canción que da nombre a su tercer y último álbum de estudio— merece un capítulo aparte.

🔀 Un título que encierra un giro (Twist) y una sensibilidad (Tenderness)

Publicada en 1999, "Twisted Tenderness" representa un punto de inflexión en la evolución sonora de Electronic. A diferencia de sus dos primeros discos, este trabajo apuesta por una energía más directa, más orgánica, más guitarrera. Sin embargo, de forma irónica, la canción que da título al álbum es precisamente la más electrónica.

“Tenía una canción pop que ya no me gustaba. Se la mosté a Bernard tocada con guitarra y me dijo: ‘Me encanta’. Entonces dijimos: ‘Vamos a convertirla en un tema bailable’” —Johnny Marr

🔁 Dos versiones, dos almas

La versión del álbum es electrónica, con programaciones, sintetizadores oscuros y una producción más industrial.
Existe también una demo guitarrera, más cercana al origen del tema, donde se aprecia el enfoque inicial de Marr.

Ambas versiones muestran la dualidad del proyecto: la frialdad digital de Sumner y la calidez melódica de Marr.

📅 Grabación, colaboraciones y detalles técnicos

Twisted Tenderness fue grabado en Clear, RAK y Real World Studios, mezclado en Mayfair Studios y masterizado entre Metropolis y Abbey Road.

Músicos y productores destacados:

Ged Lynch (Black Grape): batería y percusión
Jimi Goodwin (The Doves): bajo y coros
Arthur Baker: productor, armónica, scratches
Mac Quayle y Merv De Peyer: programación y teclados

La edición original en CD (EMI/Parlophone 7243 498345 2 1) incluye 11 canciones con duraciones reales diferentes a las impresas.

Problemas de masterización

Varios usuarios en Discogs coinciden en que este álbum fue uno de los primeros afectados por la llamada "loudness war". El volumen del CD es extremadamente alto (¡25+ decibelios!), lo que compromete la dinámica y produce fatiga auditiva.

🔼 Recepción crítica en Discogs: división total

Algunos lo consideran un álbum infravalorado con temazos como "When She's Gone", "Late at Night", "Vivid" o "Warning Sign".
Otros lo ven como su disco más flojo, con sonido uniforme y sin la magia de Get the Message o Some Distant Memory.
Hay quienes lo consideran un paso hacia el sonido Crystal-era de New Order.
Críticas también a su sonido muy Y2K y al hecho de que "todas las canciones suenan igual".

🔖 Reedición en vinilo anunciada para agosto de 2025

Uno de los comentarios recientes más celebrados en Discogs confirma que finalmente tendrá una edición en vinilo oficial, algo largamente esperado por los fans del grupo. Esto podría traer consigo mejoras en la masterización y quizás versiones extendidas o tomas alternativas.

🤔 Filosofía y legado

Electronic fue un espacio libre de egos. En palabras de Sumner, competir contra su propio pasado (Joy Division, New Order) no era fácil, pero este proyecto le permitió experimentar sin presiones. Marr, por su parte, confiesa que se reenamoró de la guitarra en esta época y que la canción "Twisted Tenderness" fue esencial en ese redescubrimiento.

"No fue un proyecto paralelo. Vivimos nueve años en el bolsillo del otro. Electronic fue una verdadera banda." — Johnny Marr

🌐 Curiosidades y detalles

El track 5 es una versión de Can't Find My Way Home de Stevie Winwood.
Hay scratches de Jason Mad Doctor X en varios temas.
La edición japonesa (TOCP-65178) incluye bonus tracks.
El diseño de portada fue realizado por el estudio The Attik.

📆 Conclusión

Twisted Tenderness no es solo un álbum. Es el resultado de una amistad profunda, de una libertad creativa sin igual, y de un momento en que dos de las mentes más brillantes del pop británico decidieron volver a las bases.

¡Y ahora, tras 25 años, podríamos redescubrirlo como se merece, en vinilo, con mejor sonido y con la perspectiva del tiempo!

¿Y tú? ¿Con cuál versión te quedas? ¡La guitarrera o la electrónica?
Te leo en los comentarios. 🎵

🎵 Twisted Tenderness by Electronic: Between Guitars, Synths, and Two Legends

When we talk about side projects, we often imagine small creative adventures without lasting impact. But Electronic is a different story. This duo, formed by Bernard Sumner (New Order, Joy Division) and Johnny Marr (The Smiths), was not only a supergroup with pedigree, but also a space of total freedom—where guitars and synthesizers merged in a unique way. And among all their compositions, "Twisted Tenderness" — the song that gives name to their third and final studio album — deserves a special chapter.

🔀 A Title That Embodies Both Twist and Tenderness

Released in 1999, "Twisted Tenderness" marked a turning point in Electronic's sonic evolution. Unlike their two previous records, this album leans into a more direct, more organic, and more guitar-driven sound. Yet, ironically, the title track is the most electronic one of the entire record.

"I had a pop song I didn’t like anymore. I played it to Bernard on guitar and he said, 'I love it.' So we said, 'Let’s make it a dance track.'" —Johnny Marr

🔁 Two Versions, Two Souls

The album version is electronic, with programming, dark synths, and a more industrial production.
There’s also a guitar-driven demo, closer to the song’s origins and to Marr’s initial intent.

Both versions show the duality of the project: Sumner’s digital chill vs. Marr’s melodic warmth.

📅 Recording, Collaborations, and Technical Details

Twisted Tenderness was recorded at Clear, RAK, and Real World Studios, mixed at Mayfair Studios, and mastered between Metropolis and Abbey Road.

Notable Musicians and Producers:

Ged Lynch (Black Grape): drums and percussion
Jimi Goodwin (The Doves): bass and backing vocals
Arthur Baker: producer, harmonica, scratches
Mac Quayle and Merv De Peyer: keyboards and programming

The original CD edition (EMI/Parlophone 7243 498345 2 1) includes 11 tracks with actual durations differing from those printed.

Mastering Issues

Several users on Discogs noted that this album was one of the early victims of the so-called "loudness war". The CD volume is extremely high (25+ decibels!), affecting dynamics and causing listening fatigue.

🔼 Discogs Reception: A Mixed Bag

Some fans see it as an underrated gem with standouts like "When She's Gone", "Late at Night", "Vivid", or "Warning Sign".
Others find it their weakest album, citing a uniform sound and lack of the magic found in Get the Message or Some Distant Memory.
Some listeners view it as a bridge toward New Order’s Crystal-era sound.
Additional critiques point to its very "Y2K" feel and that "every track sounds the same".

🔖 Vinyl Reissue Announced for August 2025

A recent comment on Discogs confirmed that an official vinyl release is finally coming in August 2025—long awaited by fans. This may bring improved mastering and perhaps extended versions or alternate takes.

🤔 Philosophy and Legacy

Electronic was a space free of egos. According to Sumner, competing against his own past (Joy Division, New Order) was never easy, but this project allowed him to experiment without pressure. Marr, meanwhile, says he fell back in love with the guitar during this era—and that "Twisted Tenderness" was crucial to that rediscovery.

"It wasn’t a side project. We lived in each other's pockets for nine years. Electronic was a real band." — Johnny Marr

🌐 Curiosities and Details

Track 5 is a cover of Can't Find My Way Home by Stevie Winwood.
There are scratches by Jason Mad Doctor X on several tracks.
The Japanese edition (TOCP-65178) includes bonus tracks.
The artwork was designed by The Attik studio.

📆 Conclusion

Twisted Tenderness is more than just an album. It's the result of a deep friendship, creative freedom, and a moment when two of Britain’s brightest musical minds decided to go back to basics.

Now, 25 years later, we may finally rediscover it the way it deserves: on vinyl, with better sound, and with the clarity of time.

So… which version do you prefer? The guitar-based one or the electronic one? Let me know in the comments. 🎵

🥊 ¿Michael Jackson golpeó a Tupac? El rumor más explosivo del hip-hop, contado con detalle

2025-07-28T20:14:00.002+02:00

En el universo de los rumores musicales, hay historias que parecen sacadas de una película de ficción. Una de las más sorprendentes —y que en los últimos años ha vuelto a circular con fuerza en redes sociales— es la que afirma que Michael Jackson y Tupac Shakur tuvieron una pelea física… y que incluso Jackson llegó a golpear al rapero. ¿Es cierto? ¿Qué pasó realmente? ¿Y por qué hay más de una versión?

En este artículo te explico con detalle las dos principales versiones de esta historia, qué fuentes las respaldan, qué opinan los expertos, y qué sabemos realmente de la relación (o falta de relación) entre estos dos gigantes de la música.

🕶️ Versión 1: La fiesta, Kidada Jones… y un puñetazo inesperado

Esta versión, que ha ganado fuerza a través de declaraciones del ejecutivo musical Wack 100, nos sitúa en una fiesta privada en la que coincidieron Michael Jackson y Tupac a mediados de los años 90. Allí, según el relato, se desató el conflicto cuando Tupac comenzó a burlarse o hablar con tono ofensivo sobre Kidada Jones, hija del legendario productor Quincy Jones y pareja de Tupac en aquel momento.

Según esta historia, Michael Jackson habría estado presente en esa fiesta como amigo cercano de Quincy Jones y su familia. Recordemos que Quincy fue el productor de los discos más icónicos de Jackson (Off the Wall, Thriller, Bad) y mantenían una relación familiar muy estrecha.

🔥 El momento clave

Durante la fiesta, Tupac —quien era conocido por su fuerte carácter y por no tener pelos en la lengua— habría hecho comentarios desagradables hacia Kidada Jones, ya fuera por una discusión previa o por estar bajo los efectos del alcohol. Wack 100 afirma que Michael, al escuchar cómo Tupac insultaba a la hija de su productor y amigo, se acercó sin decir palabra y le dio un puñetazo.

La frase exacta que se cita en varios sitios como testimonio de Michael es:

“I watched that girl grow up. Don’t you dare talk to her like that.”

("He visto crecer a esa chica. No te atrevas a hablarle así.")

El impacto de la historia es tal que muchos fans se preguntan: ¿es real que Michael Jackson, de naturaleza tranquila y reservada, llegó a golpear a Tupac?

La respuesta es ambigua. No existe material audiovisual, ni testimonios sólidos contemporáneos que lo confirmen, pero la versión se ha mantenido viva en la cultura urbana, lo que indica que al menos para muchos dentro del entorno musical, la historia tiene cierto grado de credibilidad.

🎤 Versión 2: La colaboración fallida y el enfado de Tupac

La segunda versión del conflicto no habla de una fiesta, sino de un proyecto musical que nunca llegó a realizarse.

Tupac, admirador de la figura de Michael Jackson, habría querido colaborar con él durante su etapa más productiva en Death Row Records. Según esta historia, se organizó una sesión de grabación en la que Jackson participaría. Tupac llegó al estudio, preparado para grabar su parte, pero Michael Jackson nunca apareció. En lugar de él, llegó su representante o su equipo, explicando que Jackson no grabaría nada.

💥 El desencuentro

Tupac se habría sentido humillado. Según testigos anónimos y comentarios en foros como Reddit y TheColi, salió furioso del estudio y comenzó a hablar mal de Jackson en círculos privados. Algunos rumores van más allá y afirman que en otra ocasión, durante un evento o backstage, ambos artistas se encontraron y discutieron. Hay incluso quien sostiene que llegaron a forcejear o empujarse, aunque esta parte carece totalmente de respaldo verificable.

El motivo por el cual Michael Jackson habría rechazado colaborar con Tupac también es debatido. Unos dicen que no le gustaba el estilo agresivo y polémico del rapero, otros que simplemente no le interesaba el proyecto, o incluso que fue una decisión de sus asesores por cuestiones de imagen.

📉 ¿Qué hay de cierto en todo esto?

A día de hoy, no existen pruebas oficiales ni testimonios directos confiables que confirmen que Michael Jackson golpeara o se peleara físicamente con Tupac. Ningún medio de la época lo recogió, ni existen entrevistas grabadas donde se confirme. Tampoco hay fotos ni grabaciones de la supuesta fiesta o encuentro.

El propio Suge Knight, productor de Tupac y fundador de Death Row, ha negado en entrevistas que algo así ocurriese, calificando la historia como “absurda”.

Por tanto, estamos ante un caso claro de leyenda urbana musical: posible, plausible… pero no verificable.

🧠 ¿Por qué este rumor ha sobrevivido tanto tiempo?

El rumor se mantiene vivo por varias razones:

La fascinación por los íconos enfrentados: Michael Jackson y Tupac representaban mundos distintos —el pop elegante frente al rap callejero— y el morbo de imaginar un choque entre ambos es irresistible.
La naturaleza misteriosa y volátil de Tupac, que acumuló múltiples conflictos públicos.
Y por supuesto, el hecho de que ambos murieron jóvenes y de forma trágica, lo que ha llenado sus figuras de misticismo y teorías conspirativas.

✍️ Conclusión para mamomo.com

Aunque el rumor de que Michael Jackson golpeó a Tupac sigue circulando, ninguna de las versiones puede considerarse confirmada. La historia de la fiesta con Kidada Jones es la más detallada, pero se basa únicamente en testimonios indirectos. La del rechazo en el estudio parece más plausible, pero también carece de pruebas.

Aun así, estas leyendas forman parte del folclore del hip-hop y del pop. Nos hablan de egos, de relaciones cruzadas, de cómo los artistas más grandes a veces también chocan en la vida real. Y aunque no sepamos si fue verdad, la idea de imaginar a Michael Jackson enfrentando a Tupac seguirá siendo parte de la cultura pop... aunque solo sea en nuestra imaginación.

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🌀 Descubriendo Blender: el futuro de la animación y el diseño 3D... ¡gratis!

2025-07-28T16:05:00.005+02:00

En el mundo de la creatividad digital, hay nombres que resuenan cada vez con más fuerza. Uno de ellos es, sin duda, Blender. Un software que no solo se ha ganado el respeto de la industria audiovisual, sino que también ha conquistado a miles de artistas, diseñadores, animadores y creadores independientes de todo el mundo. Y no es para menos: es gratuito, es potente y está de moda.

Desde mi espacio en mamomo.com, donde suelo compartir proyectos musicales, audiovisuales y alguna que otra reflexión sobre tecnología creativa, hoy quiero hablaros de mi nuevo reto: empezar a trabajar con Blender.

🎨 ¿Qué es Blender y por qué todo el mundo habla de él?

Blender es un software de código abierto para modelado, animación, renderizado, composición, edición de vídeo, simulaciones físicas, efectos visuales y hasta creación de videojuegos. Sí, todo eso en un solo programa... ¡y sin pagar ni un euro!

Lo mejor es que no se queda corto frente a herramientas de pago como Cinema 4D, Maya o 3ds Max. Al contrario: Blender ha logrado posicionarse como una opción seria tanto para estudios independientes como para grandes productoras. Su potencia y versatilidad hacen que lo veamos en cortos animados, efectos de películas, arte conceptual, diseños para videojuegos y, cada vez más, en contenido publicitario y redes sociales.

💡 Lo que más me ha llamado la atención

Al empezar a investigar sobre Blender, estas son algunas de las cosas que me han atrapado:

🔓 Es completamente gratuito y legal. Nada de versiones de prueba, licencias limitadas ni agua en el desierto. Todo el potencial de Blender está disponible para todo el mundo.
🔌 Tiene cientos de plugins y addons gratuitos: desde motores de física como MantaFlow hasta sistemas de partículas, efectos volumétricos o herramientas para crear árboles, líquidos o ropa en movimiento.
🧠 La comunidad es increíblemente activa, con miles de tutoriales, foros, canales de YouTube y cursos (muchos de ellos también gratuitos). Nunca te sientes solo aprendiendo.
💥 El motor de render Cycles (y ahora Eevee en tiempo real) ofrece resultados espectaculares, incluso para quienes venimos del mundo del vídeo.

🎬 Blender y mi trabajo como creador de vídeos y cartelería 3D

Uno de mis objetivos con Blender es aplicarlo a otro de mis campos de trabajo: la creación de vídeos, animaciones y cartelería 3D. Hasta ahora he trabajado con herramientas como After Effects o Cinema 4D, pero Blender me ofrece un nuevo mundo por explorar:

Puedo crear animaciones realistas para promociones de eventos.
Diseñar carteles en 3D con luces y materiales impresionantes, ideales para redes sociales o para render en gran formato.
Y además, integrar elementos 3D con vídeos reales, algo que antes solo me atrevía a hacer con ayuda externa o con mucho trabajo previo.

El simple hecho de poder trabajar con simulaciones de líquidos, humo, iluminación cinematográfica o animaciones tipo "motion graphics" dentro de un mismo entorno ya lo convierte en una herramienta única.

🚀 En resumen

Blender no es solo una herramienta más. Es una puerta de entrada a todo un universo creativo, y encima, sin barreras económicas. Si tienes ganas de aprender, explorar y llevar tu contenido al siguiente nivel, este software es uno de los mejores compañeros de viaje que puedes tener.

Yo empiezo ahora mi aventura con Blender. No será fácil al principio (como todo lo bueno), pero iré compartiendo mis avances y descubrimientos aquí en el blog. Si tú también lo estás usando o tienes curiosidad, estaré encantado de intercambiar ideas.

¡Nos vemos entre polígonos y keyframes!

🎬 Magix Vegas Pro 23 está en camino: ¡confirmado por una fuente muy fiable!

2025-07-17T19:00:00.009+02:00

👉 English version available below

⚠️ Nota: Esta entrada se basa en una información preliminar compartida por David Hague, que posteriormente ha sido matizada por miembros del equipo de desarrollo de Vegas Pro. Aunque el entusiasmo por Vegas Pro 23 sigue vigente, no se trata de una reescritura total del software, sino de una gran actualización en fase beta. Aun así, he decidido mantener el texto original como reflejo del entusiasmo inicial y de las conversaciones surgidas en la comunidad.

Hace unas horas me llegó una información que me ha alegrado muchísimo como usuario veterano y fan declarado de Vegas Pro. Según ha compartido David Hague, un reputado profesional del sector audiovisual y gran conocedor del entorno Vegas (colaborador habitual en Auscam Online y otras publicaciones), Vegas Pro 23 está vivo, en desarrollo activo y a punto de entrar en fase beta. 👏👏👏

David explicaba que, aunque ha habido cierta preocupación por el futuro de Vegas —tras la ruptura del contrato con su agencia de comunicación y los rumores tras la reestructuración interna de MAGIX—, ha podido confirmar directamente con una fuente del equipo de desarrollo que el programa no solo sigue adelante, sino que están trabajando en una reescritura total desde cero. Es decir, Vegas Pro 23 será un nuevo comienzo.

🧠 Algo de contexto que me ha contado este amigo…

Vegas Pro tiene una historia bastante curiosa: nació en los 90 de la mano de Sonic Foundry, pasó por Sony, y más tarde fue adquirido por MAGIX. Aunque el programa ha tenido momentos brillantes, también ha pasado por etapas en las que quedó un poco atrás respecto a su competencia directa.

David fue incluso betatester de la primera versión en los años 90 (¡de la versión 0.9 nada menos!). En su post comenta que participó en manuales junto a Douglas Spotted Eagle, uno de los grandes divulgadores de Vegas. Por tanto, cuando él afirma que este nuevo Vegas Pro 23 es una reescritura completa, me lo tomo muy en serio.

🧩 Mi visión como usuario

Yo personalmente sigo utilizando Vegas Pro como editor principal. No solo porque tenga la versión original (¡que también!), sino porque me resulta muy intuitivo, rápido, y en muchos aspectos más libre que otros programas más encorsetados.

He probado alternativas como DaVinci Resolve o Premiere, pero Vegas siempre me ha permitido trabajar más a mi ritmo, sobre todo en proyectos con mezcla de vídeo y audio complejos, como los que preparo para televisión o locución profesional.

Y sí, reconozco que había cierta sensación de que Vegas se estaba quedando estancado. Pero esta noticia me devuelve la ilusión. ¡Un Vegas 23 desde cero puede suponer una auténtica revolución!

📣 Compartiendo la noticia

He compartido esta información también en el grupo de Telegram donde hablamos de Vegas Pro en español, así como en el foro especializado donde participo activamente. Creo que muchos usuarios veteranos como yo la estaban esperando.

Además, he enviado un mensaje directamente a David Hague para agradecerle la información y pedirle, si es posible, que nos tenga al tanto de futuras novedades. Si hay algo más que pueda compartir, lo publicaré aquí en el blog.

🔽 Aquí te dejo una imagen conceptual de cómo podría verse la portada de Vegas Pro 23 (no oficial, solo ilustrativa):

Seguiremos atentos, porque si todo va como se ha anunciado, en unos meses podríamos tener entre manos una versión totalmente renovada de Vegas Pro que devuelva al software a lo más alto del panorama de la edición profesional.

¿Tú también eres fan de Vegas Pro? ¡Déjamelo en los comentarios o únete al grupo de Telegram donde compartimos trucos, dudas y novedades!

Enlace al grupo de Telegram

🇬🇧 English Version

⚠️ Note: This post was originally based on preliminary information shared by David Hague, which has since been clarified by members of the Vegas Pro development team. While the excitement around Vegas Pro 23 remains, it is not being completely rewritten from scratch, but rather undergoing a significant update currently in beta. I've decided to keep the original text as a reflection of the initial enthusiasm and the conversations it sparked in the community.

A few hours ago, I received some great news that truly made my day as a long-time user and declared fan of Vegas Pro. According to David Hague —a respected audiovisual expert and regular contributor to publications like Auscam Online— Vegas Pro 23 is alive, actively in development, and about to enter beta testing. 👏👏👏

David explained that despite recent concerns about Vegas’ future —after the PR agency contract ended and rumors about MAGIX’s internal restructuring—, he managed to confirm directly with a member of the Vegas development team that not only is the software still going, but it’s being completely rewritten from scratch. In other words, Vegas Pro 23 will be a fresh start.

🧠 A bit of context my friend shared…

Vegas Pro has a rather interesting history: it began in the '90s under Sonic Foundry, was acquired by Sony, and later by MAGIX. While it has had many highlights, it also went through periods where it lagged behind the competition.

David was even a beta tester for version 0.9 in the late '90s! He even collaborated on user manuals with Douglas Spotted Eagle, a major Vegas Pro advocate. So when he says this is a full rewrite, I take it seriously.

🧩 My perspective as a user

I still use Vegas Pro as my main editor. Not only because I own the original version (which I do), but because it's fast, intuitive, and in many ways more flexible than other more rigid options.

I’ve tried other editors like DaVinci Resolve and Premiere, but Vegas always feels more natural for my workflow, especially for complex audio-video projects like the ones I produce for TV and professional voiceover.

And yes, I felt like Vegas was starting to fall behind. But this news reignites my excitement —a complete rebuild could be the turning point!

📣 Spreading the word

I’ve also shared this information on our Spanish-speaking Vegas Pro Telegram group and a dedicated user forum where I’m quite active. Many long-time users like me were waiting for this kind of news.

I’ve personally reached out to David Hague to thank him and kindly asked if he could keep us posted on future updates. If there's anything more I can share, I’ll post it here on the blog.

Let’s stay tuned — if all goes as planned, we could soon be using a completely revamped version of Vegas Pro that brings it back to the forefront of professional editing.

🔊 Temporada 2024-2025 de Deejays de Lleida en Lleida TV: Música, recuerdos y comunidad DJ

2025-07-16T12:28:00.012+02:00

Durante toda esta temporada, Deejays de Lleida se ha consolidado como el espacio de referencia para la cultura DJ en Ponent y más allá. El programa, que forma parte del magazín televisivo L’Adiari dirigido por Santi Roig, se emite cada viernes por la noche en Lleida TV, y está presentado por Manel López. Cada capítulo ha sido una cita con la música electrónica, el espíritu remember y la pasión por los platos.

🎧 El maestro Mike Platinas nos ha guiado semana tras semana con secciones temáticas sobre la historia del megamix, entrevistas a figuras históricas como Toni Peret, Quique Tejada o Fernandisco, y un repaso por los discos y portadas que han marcado época.
📻 José AM, DJ de Tomorrowland, nos ha sorprendido con frases ocultas en canciones electrónicas, descubriendo mensajes curiosos y divertidos.
💿 JM Sánchez, por su parte, ha aportado el toque clásico con los grandes éxitos de las pistas de baile que nunca fallan.
💥 También han participado Abel Almena, Xar Lee, OBK, UNER, Corey Smith, entre otros.

Además, hemos tenido entrevistas destacadas a DJs internacionales como Carlos Willengton, Manu García (UNER), y diversos DJs de la escena local que han compartido les seves vivències, com DJ Joseph, Santy Roig, DJ Ramos, Julio Posadas o Johan Müller.

🆕 Novedades y actualidad musical

Esta temporada ha estado llena de novedades musicales y avances tecnológicos. Hemos presentado en primicia videoclips como el de Universe of Love de L.A. Estudios vs Mainslead feat Pau.lean, o el tema Warriors of Light de Abel Purroy ft Andrea Blanco, grabado íntegramente en Lleida.

También se ha informado sobre las últimas noticias del sector musical y DJ, como el lanzamiento del MusicFX DJ de Google, la evolución de la tecnología Apple Haptics, el regreso de los DJ Awards en Ibiza o las nuevas controladoras de Alphatheta, como la XDJ-AZ y los auriculares HDJ-F10.

Los festivales también han tenido un gran protagonismo: desde el Lleida Airport Remember, al Super90s Festival, pasando por fiestas remember en Biloba, la Llotja o el Comèdia, en las que los DJs de Lleida han tenido una fuerte presencia.

🎬 Comentario sobre el programa 149: Una despedida con sorpresa

El último episodio de la temporada, el programa 149, fue especialmente emotivo y diferente. Además de cerrar el ciclo anual, se publicó en versión ampliada en YouTube, donde su duración es prácticamente el doble que en televisión, incluyendo un minutaje extra muy interesante.

Este contenido adicional incluye una charla más extensa y personal con Toni Peret, comentada por Mike Platinas, y otros momentos que por cuestión de tiempo no pudieron emitirse por TV. Un episodio perfecto para los fans más fieles, lleno de anécdotas, nostalgia y buen rollo.

🙌 Gracias por una temporada llena de ritmo

Con 149 programas emitidos, Deejays de Lleida ha sabido mantenerse fresco, cercano y fiel a su esencia: la música como punto de encuentro entre generaciones, estilos y emociones. Y todo, integrándose dentro del projecte televisivo L’Adiari, que nos ha dado visibilidad y un espai perfecte per compartir passió musical amb Lleida i el món.

Esperamos con ilusión la próxima temporada, que seguro seguirá ofreciendo mucho más de lo que nos gusta: pasión por los platos, por la pista y por el público.

Nos reencontramos muy pronto… y mientras tanto, ¡no dejéis de bailar!

Mi tercer año poniendo ritmo en la Trobada Empresarial al Pirineu 🎧✨

2025-06-20T19:09:00.000+02:00

¡Qué pasada han sido estos dos días en la Trobada Empresarial al Pirineu 2024 en La Seu d’Urgell! Este ha sido ya mi tercer año participando en este evento, y sinceramente, cada edición me sorprende más. Rodeado de grandes profesionales, charlas inspiradoras y un ambiente de networking increíble, pero… ¿sabéis qué es lo que más disfruto? ¡Ser el encargado de poner el broche final musical a cada jornada!

Ver a empresarios, directivos y emprendedores soltarse la corbata, dejar a un lado el protocolo y lanzarse a la pista es, sencillamente, genial. La música tiene ese poder mágico de unirnos, romper el hielo y hacer que los mejores recuerdos de un evento surjan cuando menos te lo esperas… ¡bailando!

Quiero dar las gracias a todos los que, un año más, os animasteis a disfrutar conmigo. Las risas, el buen rollo y la energía que se vivieron estos dos días fueron espectaculares.

Siempre digo que, a veces, las mejores ideas y los grandes proyectos nacen fuera de la sala de conferencias… ¡y quién sabe si este año alguna colaboración surgió en la pista de baile!

Estoy feliz de aportar mi granito de ritmo y diversión a un evento tan importante para nuestra tierra.

Nos vemos en la próxima edición… ¡y recordad: la vida, con música, siempre suena mejor!

#TrobadaEmpresarialAlPirineu #Mamomo #DJ #Networking #Eventos #Música #BusinessAndFun

Una noche mágica en el Celler de Raimat

2025-06-02T12:40:00.009+02:00

El pasado 30 de mayo tuve el honor de amenizar con música como DJ el sopar de cloenda de la temporada 2024-2025 del programa "Empresaris" de Ràdio Lleida – Cadena SER. Un evento que reunió a más de 90 representantes del tejido empresarial, institucional y asociativo de Lleida en un entorno tan emblemático como el Celler de Raimat Cadena SER.

Fue una velada muy especial, no solo por el ambiente profesional y distendido, sino también porque coincidió con el 90º aniversario de Ràdio Lleida, la emisora decana de la ciudad. Durante la noche, se rindió homenaje a la trayectoria del programa "Empresaris", que lleva más de 20 años dando voz al sector empresarial de Lleida .

Como DJ, fue un privilegio aportar la banda sonora a este encuentro, acompañando con música la celebración de tantos logros compartidos. Ver cómo la música ayudaba a crear conexiones y a cerrar la temporada con buen ritmo fue, sin duda, una experiencia inolvidable.

Gracias a Ràdio Lleida por confiar en mí para formar parte de este evento tan significativo. ¡Seguimos sumando experiencias y compartiendo momentos únicos!

#Networking #EmpresarisLleida #RàdioLleida #CellerDeRaimat #DJ #Música #EventosEmpresariales #CadenaSER #Lleida

Recordando New Order - Be a Rebel el regreso elegante de una leyenda

2025-05-22T10:29:00.007+02:00

Pocas bandas tienen una trayectoria tan singular como New Order. Después de redefinir la música electrónica en los 80 con clásicos como Blue Monday, Bizarre Love Triangle o True Faith, el grupo ha sabido reinventarse sin perder su esencia. En 2020, cuando muchos dábamos por hecho que no habría nuevo material en un buen tiempo, sorprenden con "Be a Rebel", una canción que marca su regreso tras el álbum Music Complete (2015).

Desde el momento en que escuché "Be a Rebel" supe que tenía algo especial. No busca romper moldes ni inventar nada nuevo. Es elegante, melódica, positiva. Y en medio de un año tan complicado como lo fue 2020, ese mensaje luminoso fue un soplo de aire fresco. Desde Deejays de Lleida, lo comentamos también en el programa: esa forma de volver sin estridencias, pero con una producción impecable y el sello New Order en cada nota, es algo que muy pocos pueden lograr.

Un sencillo... y luego una colección de remezclas

Lo interesante de Be a Rebel es que no se quedó solo en un single. En agosto de 2021 se publicó "Be a Rebel Remixed", un recopilatorio que reúne las versiones oficiales del tema. Entre los nombres que firman remixes están Paul Woolford, Maceo Plex, JakoJako, Melawati, Mark Reeder, y también los propios Bernard Sumner y Stephen Morris. El disco salió en edición limitada en doble vinilo (dove grey) y CD, convirtiéndose en un objeto muy deseado por coleccionistas.

Y aquí llega una joya para los fans de siempre: el remix de Arthur Baker, productor histórico de New Order y coautor de himnos como Confusion o Thieves Like Us. Su versión incluye coros de su esposa Tina B, y tiene ese sabor clásico que conecta directamente con el sonido de los 80. Un detalle que comentamos también en el programa de la tele y que muchos no conocen.

La portada, el vídeo y la filosofía New Order

Siguiendo con la tradición visual del grupo, Be a Rebel vino acompañado de una portada sobria y elegante, y un videoclip dirigido por NYSU, lleno de simbolismo y estética cuidada, como ya es costumbre en el universo New Order.

Un detalle personal que me encanta es que en el primer programa de la temporada, llevaba puesta una camiseta oficial de New Order con el número 619, que corresponde al catálogo de Mute Records (I1MUTE 619), precisamente el de este lanzamiento. Un pequeño guiño para los que compartimos esta pasión desde dentro.

El programa: https://youtu.be/3Z90Ugn9FQg

Las críticas: entre el amor y la nostalgia

Como suele pasar con New Order, no faltaron opiniones divididas. Algunos fans más clásicos consideran que sin Peter Hook el grupo perdió parte de su esencia. Otros señalan que Be a Rebel es "demasiado pop" o que no arriesga. Pero para muchos de nosotros, este tema es justo lo que necesitábamos: un recordatorio de que la música también puede reconfortar sin necesidad de reinventarse cada vez.

Y sí, hay nostalgia. Pero también hay evolución. Hay madurez. Hay una banda que tras cuatro décadas sigue teniendo algo que decir, y que lo hace a su manera. Con estilo, con clase, y con ese pulso melódico que sigue emocionando.

Un regreso que vale la pena

Para mí, Be a Rebel es más que una canción. Es un punto de encuentro entre el pasado y el presente, entre la herencia de una banda legendaria y su capacidad de seguir conectando con nosotros. Y sí, lo digo con orgullo: New Order sigue estando muy vivo.

Si eres fan, escúchalo de nuevo. Si no lo conoces, descúbrelo. Y si lo ves en vinilo, no lo dudes: merece un lugar en cualquier colección que ame la música con alma.

Manel López "Mamomo"

De Directory Opus en Amiga a Total Commander en Windows

2025-05-06T11:44:00.006+02:00

Durante los años 90, viví una etapa inolvidable con el Commodore Amiga, una máquina que me enseñó a mirar la informática desde una perspectiva creativa, eficaz y avanzada para su época. Como usuario intensivo, descubrí herramientas que marcaron un antes y un después en mi flujo de trabajo. Una de ellas fue, sin duda, Directory Opus, el mítico gestor de archivos con doble panel que se convirtió en parte fundamental de mi día a día.

🌀 Directory Opus: la herramienta perfecta para el Amiga

Recuerdo perfectamente cuando conocí Directory Opus. Venía de navegar por Workbench y otros exploradores del sistema, pero cuando instalé DOpus en mi Amiga 500 (y más adelante en el Amiga 4000), algo cambió. Esa interfaz con dos paneles paralelos me permitía copiar archivos entre disquetes, discos duros y carpetas de forma rápida y visual. Podías hacer batch renaming, abrir imágenes, descomprimir archivos, y hasta lanzar scripts desde la interfaz. En resumen: fue una revolución.

✨ Para quienes no lo vivieron: en un mundo sin ratón óptico ni escritorios multitarea reales, Directory Opus era como tener un Ferrari para navegar por los archivos.

💻 El salto a Windows: Windows Commander y la continuidad lógica

A principios de los 2000, cuando ya usaba Windows de forma más habitual por temas laborales, sentía que algo me faltaba. El Explorador de Windows me parecía limitado, especialmente cuando comparaba con lo que podía hacer años antes con Opus. Por suerte, descubrí Windows Commander, que más tarde se convertiría en el conocido Total Commander.

Desarrollado por Christian Ghisler, Total Commander recuperaba el alma del Norton Commander de MS-DOS pero con esteroides: soporte para arrastrar y soltar, compresión y descompresión integrada, clientes FTP, sincronización de carpetas, y todo, como a mí me gustaba: en doble panel.

⚙️ Aplicaciones prácticas de Total Commander hoy en día

Aunque pueda parecer una herramienta nostálgica, Total Commander sigue vivo y más útil que nunca. Lo uso a diario y estas son solo algunas de sus funciones más potentes:

🔄 Sincronización de carpetas: Ideal para hacer copias de seguridad entre discos duros, carpetas locales y unidades externas. Puedo detectar solo los archivos nuevos o modificados.
🗂 Comparación de directorios y archivos: útil para proyectos de audio o vídeo donde tengo muchas versiones de archivos similares.
🗃 Descompresión integrada: olvídate de WinRAR o 7-Zip; TC abre ZIP, RAR, ISO y más, sin salir del programa.
🔍 Búsqueda avanzada: puedo buscar por texto dentro de archivos, por tamaño, fecha, extensión… ¡mucho más potente que el buscador de Windows!
🧩 Soporte de plugins: le he añadido vistas previas de imágenes, reproducción de audio, visualización de metadatos e incluso conectores FTP/SFTP.
🖥 Trabajo con servidores FTP/SFTP: puedo gestionar archivos en servidores remotos sin necesidad de abrir FileZilla.
🧼 Batch rename y limpieza masiva: muy útil para reorganizar archivos con patrones, numeración, eliminar caracteres especiales, etc.

🔁 Una filosofía que nunca abandoné

Más allá del programa en sí, lo que me une tanto a Directory Opus como a Total Commander es la filosofía de trabajo eficaz: tener control, ser rápido, y poder hacer tareas complejas con unos pocos clics o teclas. Esa forma de trabajar me acompañó desde el Amiga hasta hoy, y me ha ahorrado miles de horas en mis proyectos de audio, vídeo y gestión de archivos

📝 Conclusión

Mi historia con los gestores de archivos comenzó con Directory Opus en el Amiga y sigue viva hoy con Total Commander en Windows. Cambian los sistemas, cambian las pantallas… pero la necesidad de eficiencia, orden y control sigue igual de vigente. Y si tú también eres de los que buscan productividad sin artificios, te invito a probar Total Commander. A veces, lo clásico sigue siendo lo mejor.

Cómo la inteligencia artificial está haciendo realidad productos imposibles: el caso de los Funko Pop! personalizados con ChatGPT

2025-04-02T14:08:00.002+02:00

Cómo la inteligencia artificial está haciendo realidad productos "imposibles": el caso de los Funko Pop! personalizados con ChatGPT

Durante años, imaginar productos que nunca existieron en la realidad era cosa de soñadores, diseñadores gráficos o creativos con amplias herramientas y conocimientos técnicos. Pero eso ha cambiado radicalmente con la llegada de la inteligencia artificial generativa. Hoy en día, herramientas como ChatGPT, combinadas con modelos de generación de imágenes como DALL·E, permiten que cualquier persona pueda visualizar productos que jamás se han fabricado… ¡con resultados espectaculares!

El fenómeno Funko y los sueños que nunca llegaron a la estantería

Los Funko Pop! se han convertido en objetos de culto. Desde personajes de películas, series y videojuegos, hasta estrellas de la música y el deporte, estas figuras cabezonas han invadido vitrinas en todo el mundo. Sin embargo, hay personajes icónicos de ciertas subculturas o movimientos que nunca llegaron a tener su versión en vinilo… hasta ahora.

¿Te imaginas un Funko Pop! de Mike Platinas o Toni Peret, los creadores del mítico Max Mix? Pues eso es justo lo que he conseguido crear gracias a ChatGPT y DALL·E: versiones hiperrealistas y perfectamente empaquetadas de estos pioneros del megamix, como si hubieran sido fabricadas por la propia Funko.

Y no solo ellos: ¡hasta yo mismo tengo ya mi propia figura Funko personalizada! Algo que parecía reservado a grandes estrellas o franquicias globales, hoy está al alcance de cualquier creativo, artista o fan con una idea clara y una buena herramienta de IA.

¿Cómo lo hace la IA?

A través de una conversación con ChatGPT, le proporcioné imágenes de referencia, los nombres y un poco de contexto (por ejemplo, la relación de estos DJs con Max Music). Con esa información, el modelo generó una descripción detallada y visualmente coherente, que luego fue enviada al generador de imágenes DALL·E para crear el resultado final: figuras de Funko Pop! completamente inventadas, pero creíbles hasta el último detalle.

La caja tiene todos los elementos clásicos:

El logo de Pop!
El número de la colección
El nombre del personaje
La ilustración del muñeco
Y hasta el logo de Max Music o Max Mix, como si fuera una línea oficial

De la imaginación al "producto": una revolución en marcha

Esta capacidad de la IA no solo sirve para crear figuras coleccionables. También se está utilizando para:

Prototipar ideas de negocio
Diseñar productos de merchandising
Visualizar campañas de marketing antes de invertir un solo euro

Las posibilidades son enormes: desde visualizar líneas de ropa con rostros personalizados, hasta diseñar juguetes o imaginar portadas de discos imposibles.

¿Qué significa esto para creadores y fans?

Para los creadores de contenido, músicos, artistas o incluso nostálgicos del movimiento remember, estas herramientas abren una puerta creativa que antes requería muchos recursos. Ahora, con solo tener una idea y saber cómo pedirla, puedes ver cómo se hace "realidad visual" en cuestión de segundos.

Y para los fans, la inteligencia artificial ofrece una manera de rendir tributo a sus ídolos o momentos favoritos de la cultura pop, creando objetos que deberían existir, aunque nunca hayan llegado a la tienda.

Conclusión: de lo imposible a lo inevitable

La tecnología avanza tan rápido que lo que hace un año parecía imposible, hoy es cotidiano. Herramientas como ChatGPT no solo entienden lo que quieres, sino que lo convierten en imagen, idea o contenido visual, haciéndote sentir como si fueras el director creativo de tu propia marca.

¿Y tú? ¿Qué "producto imposible" te gustaría ver hecho realidad?

El enigma de 'Colder Than Ice': Grant Miller, Fancy y un clásico del Italo Disco que sigue dando que hablar

2025-04-02T10:19:00.007+02:00

El mundo del Italo Disco está lleno de historias curiosas, producciones paralelas y artistas que se mezclan en un mar de sintetizadores, portadas brillantes y ritmos que siguen haciéndonos bailar décadas después. Uno de esos casos es el clásico "Colder Than Ice", un tema que ha generado más de una conversación entre fans y coleccionistas. ¿De quién es realmente esta canción? ¿Grant Miller o Fancy?

La respuesta corta: "Colder Than Ice" es oficialmente un tema de Grant Miller, lanzado como single en los años 80 y producido por uno de los grandes del Italo: Fancy. Sin embargo, aquí empieza la historia interesante. Fancy no solo produjo la versión original de Miller, sino que también realizó su propia versión del tema, cantada por él mismo.

Este tipo de "doble vida" de las canciones era relativamente común en la escena eurodisco de la época, donde un productor podía reinterpretar o versionar sus propias creaciones para diferentes mercados o bajo distintos nombres.

De hecho, Fancy fue conocido por usar varios pseudónimos en sus trabajos como productor, y uno de los más destacados fue "Tess", que aparecía en los créditos de algunas de sus producciones, incluyendo la de "Colder Than Ice". Bajo este alias, Fancy dejaba su huella como productor sin firmar directamente con su nombre artístico principal, algo que le permitía diversificar su presencia en la industria musical de la época.

Pero no fue el único alias que utilizó. Fancy, cuyo nombre real es Manfred Alois Segieth, también firmó trabajos bajo nombres como Danny Jones, Jimmy Hollywood, Kai Robinson, Ric Tess, Ric Toss, Ringo, Tess Teiges o incluso Timerider. Cada uno de estos alias estuvo ligado a distintos proyectos musicales y estilos, lo que demuestra su enorme versatilidad y presencia dentro del panorama musical de los 80 y 90.

Desde mi experiencia personal, recuerdo perfectamente cuando compré la versión de Grant Miller. Fue en una época en la que aún ibas a la tienda con tus ahorros, escuchabas los discos en los auriculares del mostrador, y salías con una bolsa llena de ilusión.

En el youtube del capítulo 138 de Deejays de Lleida en los comentarios hablamos precisamente de este tipo de joyas del Italo Disco y del legado de artistas como Fancy, que además de tener su carrera como intérprete, estaba detrás de un montón de proyectos que marcaron una época.

La discusión sobre la autoría del tema resurge con frecuencia entre coleccionistas y DJs, como compartía el usuario @CarlosPelao-oo4on en el canal de YouTube del programa. La confusión es comprensible: ambas versiones circularon en vinilo, con sellos distintos y en algunos casos con estéticas visuales similares. Pero si hay que poner un nombre al lanzamiento original, ese es el de Grant Miller.

Este caso es solo uno de tantos que demuestran lo fascinante que es bucear en la historia del Italo Disco. Canciones que parecían sencillas ocultan capas de producción, decisiones estratégicas y nombres en la sombra que ayudaron a crear una época dorada del dance europeo. Y lo mejor de todo: aún seguimos descubriendo detalles que nos hacen apreciarlas más.

¿Y tú con cuál versión te quedas?