MANGA CENOGRÁFICA - cenografia, figurino e adereços

O ACRÓBATA - SERES DE LUZ TEATRO

2013-04-02T15:17:00.001-07:00

Foto Alexandre D'Angeli

De acordo com a Companhia Seres de Luz, participante da MOSTRA SEU NARIZ com o espetáculo O Acróbata, no Festival de Curitiba, a figura do clown nos revela aspectos essenciais da condição humana. Dotado de uma lógica própria, estabelece uma comunicação direta com aquele que o assiste, “levando-o pela mão” para um longo caminho de reencontro com o patético, o lírico e o cômico de cada um. Com sua aparência desajeitada e ridícula cria situações inusitadas, provocando hilaridade e ternura, num exercício livre, corajoso e generoso.

Foto Fundación La Cueva

Na peça, vemos o clown Jasmim tentando inutilmente fazer com que o seu mascote Pippo realize proezas acrobáticas. Trata-se de um clássico trabalho de clown e fruto do intercâmbio da artista Lily Curcio com o mestre Nani Colombaioni, na Itália, em 1998. Desde sua estreia em Berna-Suíça no mesmo ano, já foi apresentado para os mais diversos públicos, desde campo de refugiados de Kosovo, asilos de idosos, hospitais, escolas, praças, circos e teatros na Itália, Romênia, Espanha, Colômbia, Brasil, Peru e Argentina.

Lily, conversou com o Manga e falou um pouco a respeito da vestimenta de Jasmin.

MOSTRA TRAMA - COISAS DE CENA

2013-04-01T08:14:00.001-07:00

Amanhã, dia 2/4 acontece o evento de lançamento da Mostra TRAMA no D4 Boteco Galeria em São Paulo. A primeira mostra organizada pelo COISAS DE CENA, traz escultura e peças de vestuário inspirados em cenários e figurinos de teatro e dança produzidos pelos profissionais da LUPA art.

1325 - PERIPÉCIA TEATRO

2013-03-29T07:53:00.001-07:00

Participante do Fringe, a companhia portuguesa Peripécia Teatro toma como base para o espetáculo a resolução do Conselho de Segurança das Nações Unidas que exorta os Estados membros à inclusão das mulheres na construção e manutenção da paz. Conduzido pelo talentoso trio de atores, Ángel Fragua, Noelia Domínguez e Sérgio Agostinho sob a direção de José Carlos Garcia, a montagem passou por São Paulo integrando o Festival Ibero-Americano de Teatro realizado no Memorial da America Latina.

No espetáculo 1325, três avós vivem num espaço habitado por roupas e memórias e são elas que nos guiam pelo universo da mulher e sua relação com a paz. Por meio de uma narrativa formada por vários quadros o público é convidado a conhecer diversas situações,onde a mulher é a protagonista, quer seja na luta pela preservação e manutenção da vida, como porta voz em processos de paz nas regiões de conflito ou como as que colocam em risco sua própria vida pela igualdade e justiça de um povo.

A participação do grupo português no Fringe é um achado dentro das centenas de peças que integram o evento, que novamente, comete o erro de não destacar boas montagens que poderiam estar melhor divulgadas caso passassem por uma curadoria durante a seleção.

O espetáculo abusa com qualidade das 1325 peças de roupas que compõem a cenografia, que no início do espetáculo ambientam uma espécie de brechó onde as três senhoras costuram, passam e escovam os casacos. Estes mesmos adereços vão se transformando de forma muito criativa nas cenas que seguem. Destaque pela belíssima cena que remete ao domínio nazista onde a mesma arara com os casacos, que ao ser girada revela nos braços das peças o símbolo judeu. Em seguida surge um macacãozinho num cabide que é animado pelo ator Sérgio Agostinho e se transforma num bebê. Ao longo da montagem pilhas de roupas vão se transformando em um mapa da África ao abordar a difícil condição das mulheres no país, ou num muro, numa bela cena sem palavras que trata dos limites entre Israel e a Palestina.

1325, utiliza ainda outros elementos importantes para a ambientação do espetáculo, como um rádio com fita cassete operado pelos próprios atores que além de conduzir a trilha sonora de toda a peça, ocupa um lugar especial no brechó das três senhoras. Há ainda um pequeno móvel antigo de costura que se abre e toma funções diferentes ao longo do espetáculo. Outra qualidade é a forma como o trio utiliza os figurinos que, percebe-se, estão totalmente ligados ao processo de criação do ator, pois é visível a forma como estão inseridos na montagem.

Veja o que o ator Sérgio Agostinho nos contou após sua apresentação no festival:

Outras imagens do espetáculo.

Assista trechos do espetáculo:

1325

PERIPÉCIA TEATRO - Portugal

Duração: 75 minutos

Local: TEUNI - Teatro Experimental da UFPR

Quando: 29 e 30/3 às 12h.

Quanto: R$ 12,00

Enrique Diaz em CINE MONSTRO - VERSÃO 1.0

2013-03-28T07:42:00.000-07:00

"Cine Monstro - versão 1.0" é uma das estreias nacionais do Festival de Teatro de Curitiba, cuja programação prossegue até o dia 7. A montagem ainda não tem data para estrear em São Paulo e no Rio. Em 2009, o diretor Enrique Diaz montava pela primeira vez no Brasil um texto do canadense Daniel MacIvor, ‘It on it’. Depois disso, voltou ao autor em ‘À Primeira Vista’ e agora escolheu uma outra peça do dramaturgo para uma empreitada solo como ator – seu primeiro monólogo. A peça é baseada em ‘Monster’, de MacIvor, e teve ontem sua estreia por aqui, numa montagem especial, ainda em processo de construção.

Annelize Tozetto / Divulgação

“Ele trabalha com vários elementos que me são comuns”, destaca Enrique Diaz falando sobre Daniel MacIvor, de quem pretende montar outras duas peças. “Eu me reconheci muito no texto, numa história que é contada dentro de outra história, e os personagens dessas duas camadas, embora por um outro momento tenham trajetórias independentes, acabam entrelaçados. Outro ponto que destaca é o fato de ser uma peça de produção muito simples, fiquei com aquilo na cabeça por 6, 7 anos”, comenta sobre ´Cine Monstro versão 1.0´, que agora finalmente chega aos palcos.

Foto divulgação/ Festival de Curitiba

A trama

‘Cine Monstro’ começa na escuridão de uma sala de cinema. Depois de uma longa espera, alguém na plateia pede silêncio à pessoa sentada a seu lado e tem início o espetáculo. Em cena, o ator se transforma em diversos personagens cujas vidas se revelam curiosamente relacionadas. Na verdade, ele é uma espécie de mestre de cerimônias que apresenta e vive cada personagem: um adolescente que conta a história de um vizinho que trancou o pai num porão; o casal que vive de brigar e fazer as pazes, que decide se casar depois de ver um filme sobre um rapaz que tranca o pai no porão; o ex-junkie que sonhou um filme inteiro, mas não ganhou crédito porque disseram que ele havia roubado a ideia de um famoso filme inacabado, e o cineasta que fez um filme pela metade, interrompendo as filmagens porque achou que era violento demais…

Cenografia e figurinos
Cine Monstro tem uma cenografia com estrutura de instalação. Uma área livre cerceada por três grandes tapadeiras brancas, que servem de suporte para as projeções ao longo do espetáculo. Segundo Henrique trata-se de uma estrutura cinematográfica, rígida e extremamente bem cuidada na sua edição, que segue como uma dramaturgia de imagens - são parte do cotidiano feito de coisas extremamente prosaicas. Estas projeções, ora desfocadas ou com vídeos que retratam parte de uma casa simples, a partir do foco na maçaneta de uma porta, sugere espaços habitados ou imaginados pelos personagens que transitam pelo solo. Destaque para o vídeo de uma estrada a noite por onde Théo, um outro personagem, dirige acompanhado pela namorada, numa conversa intensa a respeito da ovulação da moça e seu desejo de ser mãe. Também potente, é a edição do vídeo na história maluca de um dependente químico onde Gary Oldman, Uma Thurman, Pamela Anderson e um anão são protagonistas de uma vigem maluca que passa por uma longa avenida, entre peixes e chegam numa praia paradisíaca.

foto Lenise Pinheiro

Um triciclo também é parte da cenografia enxuta, que é utilizado na cena inicial e no final do espetáculo. Há na postura do personagem/ ator algo que sugere uma passagem pela infância, mas que não se enfatiza. Fica uma sugestão de passeio, talvez o trânsito pelo estar em cena, a brincadeira, o jogo e a manipulação da estrutura teatral.

Já o figurino: calça, camiseta preta e o par de tênis all star vermelho, são peças que funcionam bem dentro da montagem construída por Diaz. Cabe ao público, que figura como cúmplice dos respectivos personagens que aparecem ao longo da montagem, criá-los e paramentá-los.

‘Cine Monstro versão 1.0’ é uma co-produção do Festival de Curitiba e Instituto Cultural Itaú.

CINE MONSTRO VERSÃO 1.0

QUANDO hoje,28/3 às 21h
ONDE Teatro Guairinha - Rua 15 de Novembro, 971, Curitiba, tel. (41) 3304-7999
QUANTO R$ 60
CLASSIFICAÇÃO 16 anos

SP Escola de Teatro promove Encontro Internacional Sobre o Ensino da Cenografia

2013-03-11T08:40:00.006-07:00

Entre os dias 11 a 16 de março, acontece o Palco SP – Encontro Internacional sobre o Ensino da Cenografia, organizado pela SP Escola de Teatro – Centro de Formação das Artes do Palco, instituição da Secretaria de Estado da Cultura, em sua Sede Roosevelt (Praça Roosevelt, 210, Centro, São Paulo), um encontro inédito no Brasil dentro dos moldes da pedagogia da cenografia e arquitetura de cena.

As inscrições, gratuitas, se encerraram ontem (10).

O evento reúne os mais importantes profissionais nacionais e internacionais da área, vindos dos Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Nigéria, Japão, Suécia, Nova Zelândia. Na ocasião, público e palestrantes debatem temas como a cenografia, iluminação, áreas técnicas do teatro e o ensino cenográfico contemporâneo.

“Pela primeira vez no âmbito da América Latina a cenografia e seu ensino são discutidos por representantes de todos os continentes. A cenografia brasileira está em festa no mês de março. A SP Escola de Teatro promove o maior encontro já acontecido no Brasil que discutirá a cenografia, iluminação cênica e o ensino dessas áreas por todo o mundo. Todos os continentes aqui representados mergulharão numa profunda reflexão sobre o assunto”, comenta J.C. Serroni, curador do encontro.

Além do próprio Serroni, entre os palestrantes nacionais estão, Joaquim Gama (SP Escola de Teatro – SP) Daniela Thomas, Simone Mina, André Cortez, José de Anchieta, Carla Vilardo (Spectaculu – RJ); Lorena Peixoto (Teatro Castro Alves - BA), Ronald Teixeira (UFRJ - RJ).

Já a delegação internacional conta com Kazue Hatano (Japão), Peter Mckinnon (Canadá), Eric Fielding (E.U.A.), Sam Trubridge (Nova Zelândia), Osita Okagbue (Nigéria), Ian Herbert (Reino Unido), Sara Erlingsdotter (Suécia), Peter Claes Hellwing (Suécia).

“O fórum, assim como a SP Escola de Teatro – Centro de Formação das Artes do Palco, tem caráter multidisciplinar. Ou seja, como na Escola, onde um aprendiz de Direção acaba sendo impelido a trocar experiências com um aprendiz de Figurino, por exemplo, no fórum, embora o tema central seja a Cenografia, ele vai abranger todas as áreas que estão intrinsecamente ligadas a ela, como a Iluminação, Sonoplastia e Técnicas de Palco”, explica Ivam Cabral, diretor executivo da SP Escola de Teatro e completa. “E assim como acontece na nossa Escola, quando há esse diálogo constante e intenso, surge a troca de experiências, que gera o conhecimento, novas descobertas, enfim, o progresso da arte.”

O Palco SP – Encontro Internacional Sobre o Ensino da Cenografia surgiu após sugestão de J. C. Serroni - que é um dos colaboradores (América do Sul e Central) do “World Scenography” -, em se fazer o próximo encontro de cenografia em São Paulo. Assim, toda a equipe de profissionais propôs a SP Escola de Teatro a promover um evento mundial de cenografia.

Na semana que antecedeu o evento, entre os dias 04 ao dia 10 de março, foi oferecido um workshop sobre figurino teatral ministrado pela figurinista e cenógrafa japonesa Kazue Hatano, que resultará numa apresentação performática no dia de abertura do evento. Foi uma semana de ensino prático dirigido a aprendizes da Escola, cujo objetivo está relacionado com a construção de figurinos com materiais alternativos como papel e outros recicláveis.

O grupo de profissionais do “World Scenography”, anualmente se reúne para articular o trabalho que os seus editores realizaram ao longo dos últimos anos. Trata-se de um trabalho de pesquisa focado em discutir a atividade cenográfica mais relevante e inovadora surgida nos cinco continentes, desde 1975. Com o primeiro volume do livro já editado “World Scenography 1975-1990”, os editores preparam o lançamento da próxima edição (1990-2005). No último encontro desta equipe no Japão com a presença de profissionais gabaritados foram proporcionadas algumas palestras, ministradas pelos mesmos, sobre os próprios trabalhos e o que é realizado em suas áreas em seus países.

“Um dia sonhei ser cenógrafo, e hoje sou. Um dia prometi a mim mesmo ajudar a mudar os rumos da cenografia brasileira e estou conseguindo! Não só, é claro! Muito se tem feito por ela. Mas, hoje, com a SP Escola de Teatro, estamos dando mais um passo. O fórum internacional de cenografia e seu ensino pelo mundo que agora acontece, é sem duvida um grande acontecimento que fortalece a todos: cenógrafos, técnicos, iluminadores, arquitetos, aprendizes e todos aqueles que lutam por um teatro maior”, afirma Serroni.

Por fim, o encontro dará visibilidade a jovens cenógrafos, que terão participação ativa no evento através de rodas de conversa e discussões. O principal objetivo do Palco SP é projetar o ensino da cenografia e áreas correlatas para a esfera mundial, onde a SP Escola de Teatro levará o testemunho do Brasil e da América Latina. Com este evento serão fortalecidos laços entre escolas do Canadá, Estados Unidos da América, Grã Bretanha, Japão, Nova Zelândia, Suécia e Nigéria.

Clique na imagem para acessar a galeria deste primeiro dia de encontro.

Serviço

Fórum: Palco SP – Encontro Internacional Sobre o Ensino da Cenografia

Quando: 11 a 16 de março

Abertura hoje (11), às 18h

Onde: SP Escola de Teatro – Sede Roosevelt

Praça Roosevelt, 210 – Centro

Mais informações: (11) 3775-8600

*Haverá telão para o público acompanhar o evento no saguão da Escola. Sujeito a lotação.

Assista aos vídeos que registram as palestras que integraram o evento Palco SP:

Abertura do "Palco SP" - Encontro Internacional de Cenografia

JC Serroni fala a respeito da história da cenografia no Brasil.

Mesa de Discussão Sobre o Ensino da Cenografia no Brasil

Mesa de Discussão "Resenhando a Cenografia"

Para mais vídeos acesse a página da São Paulo Escola de Teatro.

DESIGN DA PERIFERIA - MOSTRA NO PAVILHÃO DAS CULTURAS BRASILEIRAS EM SP

2013-03-07T11:21:00.003-08:00

A mostra Design da Periferia, que está no Pavilhão das Culturas Brasileiras - Parque do Ibirapuera até 29 de julho, tem curadoria de Adélia Borges, é o resultado das pesquisas realizadas por todo o Brasil em busca de preciosidades do “design brasileiro” que devem ser notadas. Devido à precariedade da vida de alguns brasileiros, soluções foram criadas em artefatos que procuram suprir as necessidades cotidianas. Segundo a curadora, “o conceito de periferia é sempre relativo, ele depende de um centro, que pode ser geográfico – um país periférico aos que têm mais voz no mundo, ou a parte de uma cidade que está distante do seu centro, por exemplo – ou pode ser metafórico, no sentido de não pertencer ao mainstream. É com esse sentido que estamos trabalhando.”

O Manga recomenda. Não deixem de prestigiar.

Visitação: 25 de janeiro de 2013 a 29 de julho de 2013

Horário: de terça a domingo, das 9h às 17h, com permanência até às 18h

Visitas monitoradas: a equipe está disponível para atendimento de grupos escolares, organizações da sociedade civil, associações de moradores, entre outros. Agendamento pelo e-mail: educativopcb@prefeitura.sp.gov.br

Telefone: (11) 5083-0199

Endereço: Pavilhão das Culturas Brasileiras

Parque do Ibirapuera

Rua Pedro Álvares Cabral, s/n

04094-000 – São Paulo – SP

Telefone: (11) 5083-0199

Site: www.culturasbrasileiras.sp.gov.br

E-mail: culturasbrasileiras@prefeitura.sp.gov.br

Valor do ingresso: GRATUITO

Mais info acesse aqui: Design da Periferia

MOVE

2013-03-07T11:03:00.000-08:00

Quer tomar um banho de moda e tinta ao mesmo tempo? Apareça na mostra Move!, vinda de Nova York para o Sesc Belenzinho.

A partir do dia 09 de março, os passantes da Radial Leste (Zona Leste, São Paulo) e da avenida Pedro Álvares Cabral, na altura do prédio da Fundação Bienal, serão surpreendidos por árvores vestindo a última tendência da moda em jeans. E no Sesc Belenzinho poderão entender o que está acontecendo na cidade: trata-se da mostra Move! Uma exposição interativa que une artistas visuais, estilistas brasileiros e de outros países em instalações que integram moda e arte.

Também vem pra cá "Looks", de Marc Jacobs e Rob Pruitt

Criada e apresentada originalmente em 2010, no espaço PS1, dedicado à arte contemporânea e vinculado ao Museu de Arte Moderna – MoMA, de Nova York, a mostra Move! foi idealizada por Cecilia Dean, fundadora da revista Visionaire e pelo jornalista de arte e moda David Colman.

Em São Paulo, a dupla de curadores conta com a direção geral de Antonio Haslauer, consultor brasileiro de moda para reeditar a grande exposição interativa. Instalações que estiveram presentes na primeira edição, trabalhos inéditos e um novo conjunto de performances especialmente concebidos por artistas brasileiros e estrangeiros para o Sesc Belenzinho, ocuparão espaços com cenários criados pelo arquiteto Guto Requena.

Trabalho de Peter Coffin vestindo árvores com peças em jeans

O público tem participação ativa no Move!, que interage com a maioria das obras, como a criada pelo artista suíço Olaf Breuning e a estilista americana Cynthia Rowley. A dupla se inspirou no filme Carrie a Estranha para conceber a instalação Splash, na qual o participante veste peças da coleção criada por Cynthia Rowley e em seguida toma um banho de tinta e tem seu momento registrado em fotografia. O resultado é uma “linha” de roupas, agora estampadas e uma mostra fotográfica que retrata o processo criativo.

"Splash", de Cynthia Rowley e Olaf Breuning, está na programação do Move! em SP

Além de Splash, mais sete instalações formam a mostra:

Looks, de Rob Pruitt e Marc Jacobs

Kalos, de Vik Muniz e Francisco Costa para Calvin Klein

Pose, de Ryan Mcnamara, Diane von Furstenberg e Oskar Metsavaht para Osklen

Pé de Jeans, de Peter Coffin e Ellus

Ligatura, de Maurício Ianês e Alexandre Herchcovitch

Graficouture, de Banzai Studio e Pedro Lourenço

The Big Picture, de Ricardo de Castro e Dudu Bertholini para Neon

Leve sua câmera, celular ou qualquer outro dispositivo para registrar e compartilhar sua experiência no Move! Use a hashtag #compartilhemove no Instagram e faça parte da exposição virtual no aplicativo do Facebook, criado especialmente para reunir os registros Move! 2013. Além de obter informações sobre as instalações, seus criadores, visualizar galerias de fotos, além de acompanhar as transmissões ao vivo das mesas de debates.

o que:	Move!
quando:	de 9 a 19 de março de terça a sexta, das 11h às 21h30 sábado e domingo, das 10 às 20h
onde:	Sesc Belenzinho \| Rua Padre Adelino, 1000 - 11 2076-9700
ingressos:	grátis

E aproveite que as inscrições estão abertas para as mesas de debate da Mostra!

Entre as ações educativas para mostra MOVE! será realizado no Sesc Belenzinho nos dias 12 e 13 de março as mesas de debates: A Arte como Inspiração na Moda e Sinergia Criativa – Artistas e Estilistas Criando Juntos; que propõe discussões sobre um novo paradigma entre estilista e artista. Estes debates são voltados para educadores e profissionais das áreas de moda, arte e design; além de artistas em geral.

A Arte como Inspiração na Moda

Dia 12/03 - Terça, às 19h30

Mediação: Lilian Pacce

Participantes: Pamela Golbin, Cynthia Rowley, Dudu Bertholini, e Ricardo de Castro.

Faça sua inscrição agora

Sinergia Criativa – Artistas e Estilistas Criando Juntos

Dia 13/03 – Quarta, às 19h30

Mediação: Lilian Pacce

Participantes: Cecilia Dean, Ryan Mcnamara e David Colman.

Faça sua inscrição agora

INSCRIÇÕES

- Inscrições gratuitas;

- Vagas limitadas;

- A inscrição é pessoal e intransferível; não podendo ser ocupada por outra pessoa;

- Você deve preencher um formulário para cada mesa de debate.

Informações importantes:

- Sua vaga só estará garantida após a confirmação por parte do Sesc;

- Este debate não dá direito a certificado ou atestado de presença aos inscritos;

- Não é permitida a entrada de acompanhantes e/ou ouvintes ou qualquer tipo de filmagem durante os debates;

- Dispomos de um serviço de alimentação que inclui restaurante, lanchonete e cafeteria;

- A organização reserva-se o direito de substituir os palestrantes caso haja imprevistos.

Para participar preencha com os seus dados os formulários de inscrição acessando a página do SESC.

Conheça mais a respeito dos participantes e da mediadora

Lilian Pacce

Estudou no London College of Fashion e na Saint Martin's School of Fashion, em Londres, a mesma que teve em seus bancos pessoas como os estilistas John Galliano, Alexander McQueen e Marcelo Sommer.

No jornal Folha de S. Paulo, começou a cobrir os desfiles do eixo Paris-Milão-Londres-Nova York. Foi deretora do Boletim da Moda e consultora de moda do programa Moda Esporte Clube da MTV.

Crítica de moda do Caderno 2 do jornal O Estado de São Paulo desde 1996, Lilian é autora dos livros Herchcovitch;Alexandre (ed. Cosac & Naify), Dicionário Adesivo para brincar, colar e pintar (ed. Ática) e do capítulo sobre biquíni em O Pretinho Básico (ed. Planeta).

Foi consultora da coleção Universo da Moda da editora Cosac & Naify e colaboradora de revistas como Big, Vogue, Elle, Daslu e Ícaro. Leciona no MBA Gestão de Luxo da FAAP e no curso Negócios da Moda, da Fundação Getúlio Vargas.

Pamela Golbin

É curadora chefe do Museu da Moda Têxtil de Artes Decorativas do Louvre, local onde tem recebido atenção devido às exposições trazidas por ela.

Formada na Universidade de Columbia, em Nova York, a franco-chileno cita muitas influências em sua vida que levou na moda, desde a avó de alta-costura à coleta para estágios de verão no Costume Institute no Metropolitan Museu de Arte.

Figura de renome internacional na indústria da moda, com extenso conhecimento histórico nas questões culturais e de design; é um dos principais especialistas em moda contemporânea.

Organizou exposições incluindo grandes retrospectivas sobre lendas ícones fashions, como Balenciaga e Valentino. Sua mais recente exposição foi uma retrospectiva premiado do trabalho de Madeleine Vionnet.

Cynthia Rowley

Fez seu primeiro vestido quando tinha sete anos de idade. Cresceu em uma família de artistas, e estudou na Escola do Instituto de Arte com o objetivo de graduar-se na área. Logo, a combinação de desenho e costura levou-a para a moda. Sua primeira coleção completa foi comprado quando ela ainda estava na escola, incentivando-a a mudar-se para Nova York e estabelecer sua coleção.

Desde então tem crescido incluindo em suas criações roupa feminina, óculos, jóias, bolsas, sapatos, malharia, moda praia, produtos de costura doméstica e outros.

Colaborou com artistas como Will Cotton, Phillips Richard, McNamara Ryan, Olaf Breuning no projeto MOVE PS1 MoMA!; além de marcas como Target, Johnson & Johnson Band-Aid, Roxy, Brand e Tweezerman

Duddu Bertolini

Estudou moda na Faculdade Santa Marcelina. Em 2002 fundou a NEON, marca que é hoje um destaque da moda nacional e internacional, conhecida por sua estamparia exclusiva e formas exuberantes. A cada coleção são chamados diferentes artistas para criar as estampas, entre eles, Fernando Vilela, Fabio Gurjão, Andrés Sandoval e Goya Lopes.

Como estilista, trabalhou para diversas marcas, como Triton, André Lima, Cris Barros, NKStore, Arezzo e já assinou editoriais para as revistas Vogue Brasil e I-D. Ele é também palestrante e professor. Já deu aulas na IED, Senac, Escola São Paulo, Oficina Oswald de Andrade.

Na cidade de Limeira ele participa do bazar anual da ALlCC, desenhando modelos de turbante que as voluntárias produzem para serem vendidos para as mulheres que estão em tratamento de câncer.

Ricardo de Castro

Através de instalações, vídeos, performances e esculturas, Ricardo de Castro propõe o deslocamento do indivíduo que abre-se a novos espaços mentais, à renovação de atitudes cotidianas, à destruição de padrões e ao redesenho de um pensamento livre. Ideias de magia, ciclo, morte e renascimento estão bastante presentes na produção do artista.

Cecilia Dean

Considerada uma das mulheres mais elegantes do universo fashion, a ex-modelo de origem filipina é professora de desing na Parsons News School for Design em Nova York.

Fundou em 1991 a revista Visionaire - juntamente com Stephen Gan (ex-"Details") e James Kaliardos; com o intuito de abrir espaço para trabalhos pessoais de artistas a revista.

Inovou o conceito de publicação ao subverter seu formato alcançando o status de arte, com produção artesanal, formatos múltiplos e tiragens muito limitadas. Seus números já tiveram como curadores ou colaboradores nomes como David Bowie, a fotógrafa Nan Goldin, o designer Philippe Starck, o cartunista Robert Crumb, o ator James Franco e cineasta chinês Wong Kar-Wai.

Ryan MacNamara

Seu trabalho artístico possui um foco em vídeo e performance entrelaça a comunidade artística, redes sociais e tecnologia. Já trabalhou em projetos temporários e diversas exposições, bienais, museus, e performances; entre elas o Greater New York, MoMA PS1, o Atenas 2009 Bienal, o Museu Whitney de Arte Americana, o Instituto do Artista, Performa 09 no X Iniciativa, e MoMA, em Nova York.

David Colman

Jornalista, escritor, editor, stylist e artista, David é assíduo colaborador do jornal The New York Times nas seções de arte, moda e sociedade. Assinou edições especiais da revista New York Magazine, produzindo editoriais de moda, e foi colaborador de revistas como a Artforum e Vogue.

Antes de mudar-se para Nova Iorque, em 1993, estudou Literatura e História da Arte na Universidade Brown e Artes na Rhode Island School of Design

Fonte: SESC

LABORATÓRIO IN.USE COM AGUS COMAS ABRE INSCRIÇÕES

2012-10-10T17:34:00.000-07:00

O encontro tem como proposta reconstruir peças não vendidas por grifes de moda através de experimentações práticas com técnicas de modelagem

Atenção, criativos: já estão abertas as inscrições para o Laboratório IN.USE com Agus Comas. O encontro teórico-prático integra o projeto Criativos Dissonantes e acontece nos dias 19 e 20 de outubro no Centro Técnico do Teatro Castro Alves, em Salvador, com a proposta de apresentar aos profissionais dos segmentos criativos a metodologia de trabalho da designer. Partindo de um questionamento do grande volume de “lixo” produzido pelas marcas de moda a cada temporada, com peças que não são vendidas, Agus propõe técnicas de modelagem para promover a desconstrução de itens antigos, em experimentos criativos para se chegar a novas tipologias de vestuário.

Conteúdos como o design por restrição, as sobras da indústria têxtil no Brasil e sua reciclagem industrial como nova forma de criação de produtos e conceitos serão abordados no laboratório, que refletirá ainda sobre a simbiose entre sistemas criativos e industriais paralelos ao sistema tradicional da moda. As atividades acontecem das 9h às 13h e das 15h às 19h, e as inscrições podem ser feitas até a meia noite deste domingo, 14 de outubro, no site oficial do Criativos Dissonantes <www.criativosdissonantes.com.br>. Na página, os interessados deverão preencher uma ficha com seus dados e anexar um currículo/portfólio, além de escrever uma carta-intenção de até 500 caracteres. A seleção seguirá como parâmetros a escolha de profissionais de áreas criativas variadas, tendo como critérios a compatibilidade do participante com o conteúdo do laboratório e a coerência na justificativa de seu interesse em participar da atividade.

Sobre Agus Comas

Designer na marca IN.USE, Agustina Comas trabalha com sua sócia Ana Piriz remixando estoques de peças de marcas famosas que não chegam a ser vendidas. Graduadas em Design Industrial com habilitação em Têxtil e Moda pelo Centro de Diseño Industrial de Montevideo, ela vive em São Paulo e Ana em Montevideo, e por morarem em cidades diferentes, usam as ferramentas da internet como interface de comunicação e criação. Agus Comas também é estilista na marca Daslu Homem e curadora do Núcleo de Moda do Projeto Contém. Trabalhou com Jum Nakao em diversos projetos, como o desfile “A Costura do Invisível”, e é criadora e colaboradora do coletivo Blog Couture. (http://blogcouture.info / www.in-use.com)

Sobre o projeto Criativos Dissonantes

Com a proposta de apresentar aos profissionais baianos a importância de novos olhares e experiências em um mundo que valoriza cada vez mais a imaterialidade, o projeto Criativos Dissonantes realiza em Salvador, de forma inédita, cinco laboratórios com profissionais reconhecidos no campo da criação nacional, advindos de diversas áreas de conhecimento, mas todos com um método próprio que fez de suas carreiras cases de sucesso: Agus Commas, Karlla Girotto, Fabrício da Costa, Susy Okamoto e Julia Valle. Promover na cidade uma ambiência de discussão e oportunidades, de forma gratuita, para os atuantes no mercado criativo também é um objetivo do projeto, que foi contemplado pelo edital No 01/2012 – Economia Criativa da Secretaria de Cultura do Estado da Bahia e nasceu da união entre os designers Tarcisio Almeida e Thaís Muniz e o administrador Vitor Barreto.

Serviço

O quê: Laboratório A ressureição das roupas, remixagem de peças como processo criativo - IN.USE por Agus Comas
Data: 19 e 20 de outubro
Local: Centro Técnico do Teatro Castro Alves (Praça Dois de Julho, s/n Campo Grande)
Horário: das 9h às 13h e das 15h às 19h
Custo: gratuito
Período de inscrição: até 14 de outubro - 25 vagas
Resultado da seleção: 16 de outubro

Exposição - Gepetos de Praga - A Arte Viva das Marionetes

2012-09-29T18:04:00.001-07:00

A mostra retrata a secular tradição de confecção de marionetes na República Tcheca. São cerca de 100 peças, de diferentes artistas, clássicos e contemporâneos, e cenografia inspirada no universo imaginário, permitindo livre circulação e interatividade. Monitores estarão à disposição do público. A entrada é franca.

Caixa Cultural - Sé

Praça da Sé, 111 - Sé - Centro
(011) 3321-4400

- Acesso para deficiente

De 29/09/2012 até 04/10/2012
Terça: 9h, 21h
Quarta: 9h, 21h
Quinta: 9h, 21h
Sexta: 9h, 21h
Sábado: 9h, 21h
Domingo: 9h, 21h

De 05/10/2012 até 02/12/2012
Terça: 9h, 21h
Quarta: 9h, 21h
Quinta: 9h, 21h
Sexta: 9h, 21h
Sábado: 9h, 21h
Domingo: 9h, 21h

Os Bem-Intencionados do LUME Teatro por Warner Reis

2012-07-27T13:40:00.001-07:00

OS BEM-INTENCIONADOS, novo espetáculo do LUME Teatro investiga as intenções de um grupo de aspirantes a artistas que, numa conversa de bar, vasculham suas vidas à procura dos motivos que os levaram a querer ser artistas. O espetáculo é um elogio à arte, uma reflexão irreverente sobre suas perspectivas em nosso tempo e do trabalho artístico como expressão ou degrau para a fama, e dilui a separação entre palco e plateia, envolvendo atores e público em um mesmo espaço cênico, que recria um ambiente de bar com música ao vivo.

Criação colaborativa entre Grace Passô, que assina a dramaturgia e direção, e LUME Teatro, a montagem estreia logo mais, hoje, dia 27 e 28 de julho, no salão de baile da União Fraterna, dentro da MOSTRA SESC DE ARTES e depois segue temporada a partir de 1º de agosto no SESC Pompeia.

O Manga aproveitou para conversar com Warner Reis, figurinista do espetáculo. Acompanhe abaixo nosso papo.

Como foi trabalhar o figurino, relevante a pesquisa individual de cada ator no desenvolvimento de suas respectivas personagens? Em que momento entrou o figurinista? Isso ocorreu ou os próprios atores já definiram as vestimentas?

Warner Reis: Se não me engano este deve ser o terceiro figurino do guarda-roupa de “Os Bem-Intencionados”. O primeiro foi criação do Lume; o segundo, resultado da parceria com Juliana Pfeifer para um filme produzido pelo Labortório Cisco e esta versão final, embarquei na viagem do Lume com a diretora e dramaturga Grace Passô.

Quando os atores me apresentaram o guarda-roupa dos Bem-Intencionados, fizemos uma sessão de fotos, que já ficou sensacional. Como personal stylist, conheci naquele dia os meus "novos clientes" – com os quais venho desenvolvendo este trabalho desde o projeto “Abre-Alas”, espetáculo de rua de 2009. Cada ator foi muito sincero ao expor suas figuras, inspirações e gostos. Aprecio muito o olhar estético do Lume e já havia trabalhado com os atores Naomi Silman, Ricardo Puccetti e Carlos Simioni, como consultor, e indiretamente, com os outros atores por conta do “Abre-Alas”. Praticamente, foi uma relação a três: eu, a figura e o ator, traçando conjuntamente a silhueta, as cores, definindo texturas e as formas sintagmáticas dos trajes; além da ampliação e reforma das peças do guarda-roupa e dos acessórios da figura. O resto foi correr atrás para adaptar, reformar, comprar, mandar fazer e garimpar brechós, costureiras e alfaiates, tarefas próprias do ofício de figurinista. Acho até que esqueci do Lume enquanto grupo de pesquisa e me relacionei mais com as figuras/personagens: Melisse Z, que é interpretada pela atriz Naomi Silman, Márcio Mártin do ator Ricardo Puccetti, Rodrigo Ometto por Renato Ferracini, Maria Alice Élice personagem da Raquel Scotti Hirson, Gonçalves Rodrigüez do Jesser de Souza, Nataly Menezes da Ana Cristina Colla e Dagoberto Leão interpretado por Carlos Simioni.

Apresentei à diretora Grace o material colhido dos meus "clientes" e, assim, fechamos o campo semântico dos trajes. As atrizes me apresentaram uma proposta interessante, que foi o desejo de que os Bem-Intencionados tivessem um guarda-roupa. E o trabalho tomou este formato. Portanto, só tenho melhorado atuando com pessoas tão exigentes, caprichosas e, sobretudo, generosas.

2)Tomando pelo viés os figurinos, quem são os bem-intencionados? Quais os tipos?

Só posso falar dos Bem-Intencionados por meio de suas roupas. Em conversa com o ator Jesser de Souza, chegamos à conclusão de que o “ser” bem-intencionado é aquele que, ao copiar a norma da aparência do outro acrescenta muito mais de si do que do outro - recriando-se em novas formas. Quanto aos tipos dos bem-intencionados, não gosto de conceituá-los como “bregas”, pois acredito que este tipo já virou estilo e a massa que gerou o brega já esta em outra. Os tipos em os "Bem-Intencionados" são tipos populares e procurei dar um toque mais sofisticado para as figuras, pois acredito que o futuro, mesmo para os mais populares, será de sofisticação; as pessoas tem tido acesso cada vez mais à moda e aos cuidados com o corpo e isso deve gerar uma mudança na forma como se vestem.

Acompanho os “Bem-Intencionados” desde o início de sua formação, há mais de 10 anos, e, sinceramente, ficava incomodado com aquelas figuras que pareciam demasiadamente caricatas – ainda bem que a Grace deu aparência real para elas – e eu embarquei nessa pegada empenhando-me em deixá-los mais singulares e, portanto, mais próximos do desejo coletivo. Gosto dos tipos - dessas figuras - são simpáticas e divertidas. Quando ando na rua, brinco de identificar as figuras do espetáculo nos transeuntes. A Élice, por exemplo, a personagem da Raquel, que poderia ser uma Nem, Cachorra, Vadia, Periguete, mas que no seu campo semântico é apaixonada pelo Rei da Jovem Guarda. A partir de informações como estas, busquei inspiração nas figuras femininas chamadas de "cachorras", além de elementos que compõem o estilo do Rei (Roberto Carlos). Estas informações aparecem na composição do figurino. Eu chamaria a Élice de garota papo-firme. Enfim, eles ainda são meus clientes e talvez eles não gostem que fale muito sobre eles (risos).

3) O que destaca do processo de trabalho que mais contribuiu para a criação ou definição dos figurinos?

Talvez eu seja contaminado demais pelo Lume e por isso, destacar algo do processo seria difícil, mas a relação básica ator-corpo-figurino já era algo que havia assimilado com o grupo. Sempre tive este princípio como meta. O fato das figuras terem uma construção psicológica casou muito bem com o trabalho do "personal", pois podíamos discutir as figuras como usuárias ativas e tratá-las individualmente. Isso foi muito importante para pensar o guarda-roupa, enfatizo isso, pois não era o figurino. Essa ideia de guarda-roupa ainda é um processo. O Lume tem um jeito muito particular de se relacionar com o figurino: as peças são tratadas com muito carinho, como se fossem parte deles, coisa que admiro muito.

4) Como é trabalhar como figurinista em uma companhia como o LUME que preza tanto pela pesquisa de seus atores encenadores? O que destaca?

Trabalhei como figurinista e aderecista para o Lume no espetáculo “Sonho de Ícaro” de 2010, depois disso colaborei na criação de figurinos para o espetáculo “Abre-Alas” – projeto itinerante do grupo. Também trabalhei em projetos menores com atores do Lume, mas fora do grupo, como foi o caso de Naomi Silman e Ricardo Puccetti. Também estive no espetáculo “Concertato” (2011), com os clowns Teotônio, de Ricardo Puccetti e Carolino, de Carlos Simioni. Acho que este é o grupo com o que mais trabalhei até agora. Em cada uma dessas oportunidades pude aplicar o que venho estudando como designer de moda mais do que como figurinista. Aprendo muito com esta parceria e, neste momento, só posso agradecê-los de coração por esta nova oportunidade, neste que é um projeto muito especial para eles.

Fotos do espetáculo de Alessandro Soave e fotos do processo e imagens dos croquís integram o acervo pessoal e pesquisa de Warner Reis.

Warner Reis é graduado em Artes Visuais pela Unicamp e Design de Moda pela CEUNSP. Visite a página http://picasaweb.google.com/warner.reis.junior

OS BEM-INTENCIONADOS – Criação – Atores do LUME Teatro e Grace Passô. Dramaturgia e Direção – Grace Passô. Elenco – Ana Cristina Colla, Carlos Simioni, Jesser de Souza, Naomi Silman, Raquel Scotti Hirson, Renato Ferracini e Ricardo Puccetti. Músicos – Marcelo Onofri (teclado), Leandro Barsalini (percussão) e Eduardo Guimarães (acordeão). Direção Musical – Marcelo Onofri. Desenho de Luz – Nadja Naira. Figurinos e Acessórios – Warner Reis.Cenotécnico – Elias Abrahan. Coordenação Técnica – Maria Emília Cunha. Projeto Gráfico – Chico Homem de Melo. Fotos e Vídeo – Alessandro Poeta Soave. Assessoria de Comunicação– Carlota Cafiero. Produção Executiva – Dani Scopin. Direção de Produção – Cynthia Margareth. Realização – LUME Teatro. Duração – 120 minutos. Espetáculo recomendável para maiores de 18 anos. Ingressos – R$ 24,00; R$ 12,00 (usuário matriculado, estudante com carteirinha e aposentado) e R$ 6,00 (trabalhador no comércio e serviços matriculado e dependentes).

Dias 27 e 28 de julho, sexta-feira e sábado, às 21 horas

SOCIEDADE BENEFICENTE UNIÃO FRATERNA – Rua Guaicurus, 27 – Água Branca. Telefone: (11) 3672-0358). Ingressos à venda em todas as unidades do SESC. Capacidade – 150 lugares. www.sescsp.org.br.

De 1º de agosto a 30 de setembro, de quarta-feira a sábado às 21 horas e domingo às 19 horas. Dia 26 de setembro (quarta-feira) não haverá apresentação.

SESC POMPEIA – Espaço Cênico – Rua Clélia, 93 – Pompeia. Telefone: (11) 3871-7700. Acesso para deficientes físicos. Bilheteria – De terça a sábado das 9 às 21 horas e domingos e feriados das 9 às 19 horas (ingressos à venda em todas as unidades do SESC). Capacidade – 80 lugares. www.sescsp.org.br.

Exposição sobre Georges Méliès no MIS

2012-07-14T08:39:00.000-07:00

Na semana passada estive no MIS para conferir a exposição a respeito de Georges Méliès. Confesso que é uma sensação maravilhosa ver os poucos objetos, croquís e registro do que foi a obra desse artista. Entretanto, fiquei um pouco decepcionado com a curadoria e a concepção do espaço, sobretudo com a iluminação, que em alguns momentos atrapalha a leitura dos textos e legendas, não valorizam os croquís (ricos em detalhes) e, nem tão pouco, criam uma ambientação que poderia sugerir elementos tão importantes e presentes na obra de Méliès - a ilusão e a busca pela poética dos sonhos. Outra tentativa frustrada são os mobiliários expositivos e a ambientação das salas, desde a entrada principal, que são economicamente caracterizadas e não chegam próximas do clima da belle époque francesa, algo que potencializaria ainda mais o trajeto dos visitantes no encontro com a obra do artista. Na sala onde o público pode atuar num pequeno cenário, composto por réplicas de algumas peças do estúdio de Mélies, novamente falta uma pesquisa e um trabalho de arte na reconstrução dos adereços utilizados pelos visitantes, um trabalho que pudesse trazer objetos que reforçassem o espírito criativo e cuidadoso do artista com a sétima arte. É evidente o quanto a exposição é importante e se sustenta pelo próprio trabalho de George Méliès, mas sem dúvida, hoje, com tantas referências, valeria uma pesquisa mais elaborada por parte da empresa responsável por traduzir e distribuir tal acervo.

Numa carta de 1929, Georges Méliès escreveu que se não fossem os enormes esforços de seu pai, um fabricante de sapatos de luxo contrário à carreira de artista do filho, ele provavelmente teria ingressado na Escola de Belas-Artes e se tornado pintor. A história do cinema registra que não foi esse o destino do jovem francês e a partir daí deve-se a sua persistência e decisão em largar os negócios da família muito da origem da arte de filmar.

É, portanto, sempre tempo de celebrar Méliès. No ano passado, Cannes exibiu uma cópia restaurada em cores deViagem à Lua (1902), um de seus filmes referenciais. Também em 2011 Martin Scorsese fez sua homenagem ao pioneiro em A Invenção de Hugo Cabret. Essa memória agora é detalhada na exposição Georges Méliès – Mágico do Cinema.

Vem da Cinemateca Francesa e do espólio sob a guarda da neta Madeleine Malthête-Méliès uma centena de peças, entre cartazes, desenhos, documentos, figurinos, objetos e fotografias, além de 11 filmes, que dão conta da ampla atuação do inventor. O mágico a que se refere o título não é mera expressão. Méliès se interessou pelo ilusionismo e tornou-se ele mesmo um profissional da arte quando em 1895 presenciou a primeira sessão dos irmãos Lumière.

Um ano depois, adaptou as engenhocas que começavam a surgir e estreou seu primeiro filme, baseando-se nos truques que o entusiasmavam para criar efeitos especiais. Com a própria produtora Star realizou mais de 500 títulos. Era comumente ator, cenógrafo, produtor e distribuidor. Na mostra, Viagem à Lua será exibida numa nave espacial projetada para o evento. Na película, lançada em 1902 e a mais conhecida do pioneiro francês, foram utilizados recursos que consagraram o cineasta como inventor dos efeitos especiais para o cinema.

Os mundos construídos por Méliès, povoados com demônios, fantasmas, fadas e seres interplanetários, são apresentados em mais de 120 peças. São desenhos, fotografias, itens de figurino e filmes reunidos ao longo de 100 anos. Os objetos narram a história de como Méliès começou como ilusionista em um teatro e transportou suas habilidades para as telas de cinema.

“É uma exposição que foi montada pela cinemateca francesa, em Paris. Tem acervo da própria cinemateca e tem o acervo da família que foi comprado pelo governo francês”, explica o diretor do MIS, André Sturm.

A partir da exposição o visitante poderá entender um pouco melhor como o cineasta conseguia fazer seus efeitos especiais sem auxílio dos recursos técnicos disponíveis atualmente.

“Os efeitos eram feitos no set ou, no máximo, na câmera, com truques de filmagem, como filmar quadro a quadro, filmar o negativo duas vezes, para ter duas imagens no mesmo negativo. Mas tudo em operações que davam muito trabalho, mas que resultaram nesses filmes incríveis”, explica Sturm.

No dia 15, é a vez de os bisnetos de Méliès, Marie-Hélène e Lawrence Lehérissey, narrarem histórias dos filmes. A renovação artística da família é significativa ao destino desse precursor morto em 1938, aos 76 anos, depois de um declínio que o levou a abrir uma loja de brinquedos na Gare Montparnasse, ponto de partida do filme de Scorsese.

Essas imagens feitas essencialmente a partir da criatividade chamam a atenção de quem trabalha com a tecnologia de hoje. No processo artesanal, o artista algumas vezes pintava à mão cada um dos fotogramas do filme.

As peças trazem ainda um pouco do contexto da época, pouco depois da invenção da

imagem em movimento apresentada ao mundo pelos irmãos Lumière. “A tentativa foi de ambientalizar esse universo dele. Tentei recriar essa época do final do século 18, a belle époque francesa”, ressalta a diretora de arte da exposição, Carol Nogueira. Segundo ela, a mostra busca ainda fazer com que o público sinta a sensação de estar dentro do universo de ilusão criado por Méliès.

Para completar a experiência, os visitantes poderão fazer um filme usando os mesmos recursos do artista. Em uma das salas da mostra, foi montado um cenário com dinossauros, peixes-voadores e asteróides, onde os inscritos terão meia hora para montar um filme. As imagens serão editadas e disponibilizadas no dia seguinte em versão de 30 segundos.

exposição / cinema

04jul a 16set2012
Horário de visitação: terças a sextas, das 12h às 21h; sábados, domingos e feriados, das 11h às 20h

exposições 1º andar / Espaço Expositivo 2º andar

R$ 4,00 (50% de desconto para estudantes) | Entrada gratuita às terças

Material teórico para iluminadores - CADERNO LUZ

2012-05-28T14:29:00.000-07:00

Acima, imagem do espetáculo Cabaret Stravaganza, iluminação de Rodolfo García Vázquez e Leonardo Moreira Sá, vencedores da 24ª edição do Shell SP

A São Paulo Escola de Teatro possui formação em diversos segmentos, entre eles o de iluminação, que é coordenado pelo light designer Guilherme Bonfanti. Segundo ele, sempre houve escassez de material teórico a respeito do assunto e ainda hoje, pouquíssimo se escreveu sobre o assunto - completa. Motivado por esta lacuna, Guilherme inagura no portal da escola, uma série de seminários, organizada no que chamou de CADERNO DE LUZ, que nada mais é que o resultado de dois anos de estudos e pesquisas da sua primeira turma.

O Manga, compreende a importância desse material, sem citar a conexão com a cenografia, figurinos e adereços - temas constantemente abordados no blog. Sendo assim, divulgamos este material que está disponível em arquivo PDF acessando o link abaixo:

http://www.spescoladeteatro.org.br/cadernos-de-luz/a-luz-natural-e-o-teatro.pdf

Foto divulgação

Exposição Kabuki na Fundação Pierre Bergé Yves Saint Laurent em Paris

2012-05-19T07:24:00.001-07:00

Kabuki é um tipo de teatro tipicamente japonês que une canto e dança encenados de maneira muito peculiar. Além disso, os figurinos são ricamente trabalhados para manter as tradições orientais e ressaltar ainda mais a cultura local. Na exposição “Kabuki – Costumes du Théâtre Japonais”, estão reunidas 34 peças que pertencem ao acervo de figurinos da companhia Shochiku, uma das mais renomadas na arte do Kabuki. A mostra é realizada através de uma parceria da embaixada japonesa na França com a Fundação Pierre Bergé-Yves Saint Laurent e apresenta também fotos e vídeos das performances de teatro. Além dos quimonos estarão expostos acessórios, estampas e fotos, além da exibição de vídeos das performances.

O kabuki existe desde o século 17 e foi anunciado como um dos patrimônios imateriais do mundo pela Unesco em 2005. Esta é a 1ª expô totalmente dedicada a ele na capital francesa. Com curadoria de Aurélie Samuel e cenografia de Christophe Martin, ela teve início em 7/03 e segue até 8/07 – ou seja, quem estiver por lá ou tem viagem marcada neste período consegue fazer uma visita!

Figurino masculino dos anos 80 para teatro kabuki, direto do acervo da companhia Shochiko.

Quimono dos anos 40, que também está exposto na Fundação Pierre Bergé-Yves Saint Laurent.

Junto de 34 looks, fotos e amostras de estampas como essas, dos anos 70 e 80.

Kimono feminino dos anos 90.

Figurino feminino, dos anos 70, usado em espetáculos kabuki

Figurino feminino dos anos 60.

Acessórios dos anos 2000: sombrinhas, sandálias e leques também integram a exposição.

Veja o vídeo da exposição:

Abaixo o link para o release da exposição (em francês)

http://www.fondation-pb-ysl.net/medias/fichiers/DP_Kabuki_2012_FR_LwR_WEB.pdf

Kabuki – Costumes du Théâtre Japonais
Fundação Pierre Bergé - Yves Saint Laurent
3 rue Léonce Reynaud, 75116, Paris – França
Até 8 de julho de 2012
De terça a domingo, das 11h às 18h
Ingresso a 7 euros (cerca de 16 reais)

Fonte: Reprodução/fondation-pb-ysl.net

COMO SE TORNAR UMA SUPER MÃE EM 10 LIÇÕES

2012-05-11T11:58:00.001-07:00

Dia das mães está chegando e aproveitando esta data tão bacana recomendo uma boa comédia em cartaz na cidade que é baseada no best seller Manual da Mãe Judia, de Dan Greenburg, que vendeu mais 2,5 milhões de exemplares só nos EUA. O texto foi adaptado para o teatro e alcançou grande sucesso nas montagens realizadas em outros países. No Brasil a peça foi montada na década de 90 por Wolf Maya, com Eva Todor e Daniel Dantas nos papéis principais.

Como se tornar uma super mãe em 10 lições é uma divertida comédia que pretende dialogar com todas as idades e retrata a grandeza e complexidade desta que é uma das mais árduas artes da natureza humana: A arte de ser mãe, ou melhor, da tentativa das mulheres por se tornarem super mães.

A peça, traz um elenco experiente e que já têm longa estrada quando nos referimos a comédia. Contada a partir das lembranças de Daniel (Danton Mello), típico judeu e bom filho, que tenta ministrar uma palestra no dia em que recebe um importantíssimo prêmio de “algebrologia sintagmática”. Na primeira fila do auditório está sua mãe (Ana Lucia Torre), que o interrompe a todo o momento. Após diversas investidas da mãe protetora, ele resolve então contar sua história e as consequências da educação de uma mãe superprotetora.

Dessas lembranças também surgem Papa (Ary França), um pai apático, que nunca fala, apesar de estar sempre presente, e Annete (Flavia Garrafa), a irmã que se recente pela atenção da mãe ser quase toda voltada ao filho homem, mas que acaba por se tornar uma típica mãezona quando cresce. Há também um médico psiquiatra - namorado de Annete, duas namoradas de Daniel e um casal de amigos judeus, mais velhos, todos interpretados pela dupla de atores Flávia Garrafa e Luciano Gatti.

Apesar de não ter assistido a montagem de Wolf Maya, o diretor Alexandre Reinecke lembra-se do estrondoso sucesso. Para ele, faz parte da história da dramaturgia falar de mães superprotetoras e problemas de família. “Esta é uma peça divertidíssima e extremamente atual que sempre é montada pelo mundo, pois apesar de ser calcada numa típica família judia e seus chavões, fala um pouco de cada um de nós - nossas carências, medos, desejos e consequências do modo como fomos educados”, afirma Reinecke. E completa: “a superproteção é o grande perigo do ato de educar, agora e sempre, pois quando nos pegamos protegendo um filho de tudo e de todos, corremos o risco de vê-los crescerem inseguros, tímidos e despreparados para o mundo lá fora, cada vez mais competitivo e egoísta”.

Ana Lucia Torre já conhecia o texto e disse sim ao casamento proposto por Reinecke: “o Alê, me propôs esse casamento gostoso, que já existia entre diretor e atriz por termos trabalhado juntos duas vezes. Eu adoro o texto, disse sim, trocamos alianças e estamos aqui”, conta a atriz que também é produtora associada ao lado de Reinecke e Marcella Guttmann.

“Eu, sinceramente, não me considero uma mãe superprotetora, mas o que fazer se meu filho “NÃO VIVE SEM MIM" e, definitivamente e com toda sinceridade, "ELES NÃO CUIDAM DOS MEUS NETOS COMO ELES MERECEM?”, diverte-se a atriz citando trechos de sua personagem.

A cenografia do espetáculo ficou a cargo do premiadíssimo José de Anchieta, artista pernambucano que iniciou sua carreira no final dos anos 1960.Como cenógrafo e figurinista criou cenários e figurinos para diversas montagens do Teatro do Ornitorrinco: "O Doente Imaginário", de Molière (1989); "Sonho de uma Noite de Verão", de William Shakespeare (1991); "A Comédia dos Erros", de William Shakespeare (1994); "O Avarento", de Molière (1998); "O Marido Vai à Caça", de Georges Feydeau (2006); e "A Megera Domada", de William Shakespeare (2008). Também assinou a cenografia e figurinos dos espetáculos: “Em Família”, de Oduvaldo Vianna Filho, dirigido por Antunes Filho; “Bodas de Sangue”, de Federico Garcia Lorca, dirigido por Antunes Filho; a ópera “O Homem que Confundiu Seu Chapéu com a Sua Mulher”, de M. Neimam; e o musical “José e Seu Manto Technicolor”, de Andrew Loyd Weber, ambos dirigidos por Iacov Hillel. Anchieta coleciona quatro prêmios APCA, dois Mambembe, além do Grand Prix - Triga de Ouro pelo conjunto do trabalho na Quadrienal de Cenografia de Praga. Já os figurinos são da talentosa Renata Young que assina também os figurinos de EQUUS em cartaz no Teatro Folha em São Paulo.

Teatro Gazeta - Avenida Paulista, 900 - Térreo - 700 lugares

Sextas às 21h15 (R$ 50), sábados às 22h (R$ 60) e domingos às 18h (R$ 50)

Informações: 3253.4102 - Bilheteria: de terça a quinta e domingo, das 14h às 20h. Sexta e sábado das 14h às 22h.

Aceita cartões de débito e dinheiro. Cartão de crédito somente pelo site ou telefone.

Estacionamento: convênio com MultiPark (Rua São Carlos do Pinhal, 303 - subsolo do teatro. R$ 12. Ou Av. Paulista, 867 (com selo do Teatro) R$ 12

Vendas:www.teatrogazeta.com.br e 4003.1527

Duração: 80 minutos / Recomendação: livre / Comédia

Até 26 de agosto.

Fotos João Caldas

BARAFONDA - Cia. São Jorge de Variedades

2012-05-06T12:47:00.001-07:00

Estive na tarde de sexta-feira, dia 4/6 acompanhando a Cia. São Jorge de Variedades pelas ruas do bairro da "BARAFONDA", alias, Barra Funda - o primeiro é o nome da nova montagem da premiada companhia. Com duração de 4 horas e com um trajeto de quase dois quilômetros, que confesso, não se percebe, o espetáculo tem início na Praça Marechal Deodoro, depois segue pela Rua Lopes de Oliveira, atravessa a linha do trem por uma passarela e termina na Praça Nicolau de Morais Barros. São 25 atores e 4 músicos em cena, 150 figurinos e dois pequenos carros alegóricos.

Em 2010, entrevistei o coletivo de arte CASA DA LAPA, que novamente assina a direção de arte desse novo trabalho. Um grupo afinado com a pesquisa da cia. e que neste novo projeto parece traduzir ainda mais as aspirações estéticas da São Jorge. Materiais que são descartados pela cidade, aparecem em diversos adereços ou complementando parte da cenografia que tem a cidade em plena atividade como pano de fundo. É interessante e vale ressaltar a maneira como o coletivo se utiliza da cenografia e dos fugirinos em Barafonda, sem se render a facilidade de alegorizar ou mesmo criar vestimentas sofisticadas e espaços mega elaborados. Houve um momento que a dança de um dos personagens em frente a banda, bem no início do espetáculo, me conduziu aos parangolés de Hélio Oiticica. Vale salientar outras belas imagens criadas por recursos simples, mas de grande impacto, como um longo pedaço de tnt branco em que um ator, sobre as grades de ventilação do metrô, se desenrola numa dança - caos e beleza, carros, buzinas, curiosos, cidadãos admirados - o que será isso? Um flâmula dançante bem debaixo do Minhocão. Atores se misturam a objetos em lojas de conveniências domésticas, ocupam peças de antiquário, se apropriam de máscaras plásticas: uma Emília, Homem Aranha, Shrek, Batman. Impossível não reconhecer o modo como esses artistas se apropriam da cidade e de elementos banais ou já desgastados, que são resignificados a partir da arte, do teatro.

Passado, presente e futuro da Barra Funda são mostrados durante a apresentação de BARAFONDA. Bairro residencial e pacato há 20 anos, a Barra Funda, é hoje alvo da verticalização e especulação imobiliária, por isso a Cia São Jorge de Variedades decidiu apresentar o espetáculo durante o dia para que o mesmo pudesse dialogar com as pessoas, o trânsito e o comércio do bairro.

O BERÇO DO SAMBA PAULISTA

Prometeu Acorrentado e As Bacantes são as duas tragédias gregas que estão mescladas com a história da Barra Funda na montagem de BARAFONDA. Para Patrícia Gifford, a tragédia de Prometeu remete a condição do progresso, história e morte e As Bacantes por sintetizar a festa. “O espetáculo busca o lugar idílico de convívio público da arte e da possibilidade dos artistas existirem e coexistirem com a cidade”, comenta a atriz.

O bairro da Barra Funda foi palco do 1º Cordão Carnavalesco Paulista, o Grupo Carnavalesco Barra Funda, que mais tarde viraria a Escola de Samba Camisa Verde e Branco. Formado por negros, que se sentiam excluídos das comemorações de Carnaval, o cordão foi fundado por Dionísio Barbosa no Largo da Banana (onde hoje está o Memorial da América Latina), que no início do século passado, era um local para as rodas de Tiririca e de batuque trazidos pelos ex-escravos.

Dionísio Barbosa, fundador do primeiro cordão de Carnaval e o deus Dionísio, da tragédia grega As Bacantes estão presentes no espetáculo. O ator Alexandre Krug dá vida aos personagens, dividindo seu corpo em dois.

PROMETEU NO MINHOCÃO

BARAFONDA tem início na Praça Marechal Deodoro bem embaixo do Elevado Presidente Costa e Silva, mais conhecido como Minhocão. Lá estará preso nas vigas do Elevado, o personagem Prometeu, que será libertado e encontrará Dionísio. Um cortejo levará os personagens pelas ruas do bairro até a sede da Cia São Jorge de Variedades, na Rua Lopes de Oliveira.

Na sede da Cia, o público poderá entrar e conferir mais um trecho do espetáculo. Na parede estará um mapa com o trajeto da montagem. “Nossa sede estará aberta e na linha de tempo da peça simboliza o momento presente, onde os artistas criam e refletem sua leitura do mundo de hoje. Camarins abertos, adereços, figurinos e contrarregragens a mostra, o público terá a oportunidade de conhecer nossa casa/teatro”, conta Patrícia.

Para amarrar todo enredo do espetáculo, o ator Flávio Porto, 75 anos, morador da Barra Funda e integrante da Companhia Paidéia de Teatro, foi convidado pela Cia São Jorge para ser o Senhor Barafonda, uma espécie de narrador. O personagem, uma figura fantasmagórica, estará num triciclo e será o responsável pro contar as histórias do bairro.

Depois da sede da Cia, a montagem segue pela Rua Lopes de Oliveira atravessa a linha do trem por uma passarela e termina na Praça Nicolau de Morais Barros. “Faremos uma festa com comes e bebes e muita música. O desejo é reunir a plateia que vem de fora com moradores do bairro”, finaliza a atriz.

Assista trechos do espetáculo:

A Cia São Jorge de Variedades já venceu duas vezes o Prêmio Shell de Teatro com os espetáculos O Santo Guerreiro e o Herói Desajustado (melhor figurino) e Quem Não Sabe Mais Quem é, o Que é e Onde Está, Precisa se Mexer (categoria especial pela pesquisa e criação).

Olha eu aí embaixo, sentado na barbearia do Sr. Miguel Arcanjo, durante o espetáculo.

Fotos de Alexandre D'Angeli

BARAFONDA – Estreou no dia 4 de maio, sexta-feira, às 15 horas, na Praça Marechal Deodoro (cruzamento da Av. Angélica com a Rua das Palmeiras). Criação, Dramaturgia e Direção – Cia São Jorge de Variedades. Coordenação do Projeto – Patrícia Gifford. Elenco – Alexandre Krug, André Capuano, Angela Maria Prestes, Anna Cosenza, Bárbara Bonnie, Caco Pontes, Camilla Martinez, Carol Portela, Cristiano Kunitake, Dárcio de Oliveira, Fernanda Machado, Georgette Fadel, Isa Santos, Ivan Zancan, Jonathan Silva, José Andery, Antonia Mattos, Juliana Amorim, Leandro Rosario, Majo Sesan, Marcelo Reis, Maria Carolina Macari, Marina Donati, Marita Prado, Mauro Grillo, Patrícia Gifford, Paula Klein e Rogério Tarifa. Participação especial – Flávio Porto. Direção Musical – Lincoln Antônio. Música Original – Jonathan Silva, Lincoln Antônio e elenco. Direção Vocal – Lucia Gayotto. Direção de Movimento – Jorge Garcia. Direção de Arte – CasadaLapa – Julio Dojcsar e Silvana Marcondes. Design Gráfico – Sato – CasadaLapa. Direção de Produção – Carla Estefan. Assistente de Produção – Isabel Soares. Duração – 240 minutos. Temporada – Sextas-feiras às 15 horas (dias 19 de maio, 2 e 16 de junho, sábados, também haverá apresentação às 15 horas). Indicação livre (não recomendado para menores de 10 anos desacompanhados). Grátis. Até 22 de junho.

Informações importantes

*Espetáculo itinerante, percorre 2km de ruas do bairro da Barra Funda.

*Sugerimos não carregar volumes pesados e usar calçados e roupas confortáveis.

*Em caso de chuva o espetáculo não será apresentado. Confirme as apresentações pelo telefone (11) 3824-9339.

*Para maior conforto, a Cia São Jorge de Variedades sugere ao público que não for utilizar transporte público, que deixe seu veículo nas proximidades da sede da Cia São Jorge, localizada no meio do percurso que o espetáculo faz pelas ruas da Barra Funda.

CASA DE SÃO JORGE – Rua Lopes de Oliveira, 342 – Barra Funda (próximo a estação Marechal Deodoro do metrô). Telefone: (11) 3824-9339. Acesso para deficientes físicos.

A ÚLTIMA GRAVAÇÃO DE KRAPP - Robert Wilson

2012-04-13T15:09:00.001-07:00

Robert Wilson (1941, Texas) é um multiartista norte-americano internacionalmente aclamado como o maior vanguardista do teatro e da ópera mundial. segundo Susan Sontag, nenhum artista da área desenvolveu até hoje um trabalho tão abrangente e tão influente como Wilson. suas produções para os palcos são visionárias e transformaram significantemente o mundo do teatro. durante sua carreira, desenvolveu trabalhos como coreógrafo, performer, pintor, escultor, video-artista e designer de som e luz.

Bob Wilson, como é chamado, está em São Paulo para cinco únicas apresentações, que acontecem a partir de amanhã, dia 14/4 no SESC Belenzinho, mas com ingressos esgotados. Com texto de Samuel Beckett - A última gravação de Krapp - o artista assina a direção, desenho de cenário, concepção de luz, além de atuar. A peça, mostra Krapp, um velho homem, que sozinho em seu quarto na noite em que completa seu 70º aniversário confronta-se com um amargo balanço que tenta fazer de sua vida - repleta de frustrações e sonhos perdidos. As esperanças e emoções de um homem maduro, registradas há mais de 40 anos em um gravador de rolo, deram lugar ao alcoolismo, a um sentimento de impotência e a um duro ceticismo. Repetidas a cada aniversário, as gravações cobrem a existência de Krapp desde os 24 anos. Pesquisando em suas fitas antigas, o protagonista procura uma em especial, coloca-a no gravador e escuta a si próprio narrando fatos e sensações do passado, período em que ainda tinha fé na construção de uma vida. As lembranças servem de estímulo para um solitário e desiludido Krapp ridicularizar a si mesmo com uma boa dose de escárnio, sem compreender as transformações de uma fase de vida para a outra, como se estivesse ouvindo fitas de outras pessoas, irreconhecíveis. O que pesa é a insatisfação consigo mesmo, quando se vê tendo de encarar a mudança de perspectivas promissoras para fiascos confirmados.

O escritor, dramaturgo e poeta irlandês Samuel Beckett , considerado um dos mais representativos do Teatro do Absurdo , consegue fazer de um simples gravador um personagem complexo de sua obra: a memória registrada de Krapp sai do passado, atua no presente e remete o público à discussão do ser humano sem saída, tentando entender o sentido da vida. Desde os anos 60, as produções de Robert Wilson tem influenciado decisivamente o cenário mundial do teatro e da ópera. Por meio de sua assinatura no uso da luz, suas investigações sobre a estrutura de um simples movimento e o clássico rigor de sua cenografia, Wilson tem continuamente articulado a força e a originalidade de sua visão. Conhecido por seus trabalhos como coreógrafo, ator, pintor, escultor, videoartista, diretor de iluminação e som, não somente dirige e assina o projeto, mas também atua no espetáculo . Espetáculo em inglês, com legendas em português. Duração 1h20. Teatro.Ingressos a venda pela Rede IngressoSESC a partir das 14h do dia 04/04, limitado a 02 ingressos por pessoa para a temporada.

A ÚLTIMA GRAVAÇÃO DE KRAPP (Krapp´s Last Tape)

SESC Belenzinho

14/04 a 20/04.

14 anos
Quarta a sábados às 21h; domingo às 18h.

Bob Wilson no CineSESC

Não é só no teatro que os fãs do encenador e dramaturgo Robert Wilson poderão conferir sua trajetória. Em paralelo à temporada do monólogo “A última gravação de Krapp” no Teatro do SESC Belenzinho, o CineSESC exibe, no dia 16/4, às 20h30, Absolute Wilson, documentário produzido pela diretora alemã radicada em Nova York Katharina Otto-Bernstein.

O filme traz um olhar de candura sob a história do homem que se tornou um dos artistas de teatro mais visionários da atualidade. Narra a infância solitária e tumultuada como o filho do prefeito de Waco, no Texas (EUA), local em que a segregação racial e o fanatismo religioso só o tornavam um garoto ainda mais deslocado; suas primeiras dificuldades de aprendizagem e o uso da terapia como ferramenta para expressão artística; sua saída de casa e o fascínio que a cena avant-garde da Nova Yorkdos anos 60 exerceu sobre Wilson.

Pelas lentes de Katharina, é possível observar o trabalho terapêutico precoce do artista com crianças hiperativas e a profunda influência que essa experiência catártica teria em seu relacionamento com a linguagem e o movimento. O que emerge é uma vida cheia de impressões, cores e ritmos, tornando ainda mais pungente a maneira como as primeiras dificuldades deram forma à sua visão estética inovadora e permitiram a criação de algumas das produções mais marcantes do século XX.

Absolute Wilson conta com depoimentos de personalidades como David Byrne, fundador da também vanguardista banda Talking Heads e colaborador de Wilson em “The Knee Plays” e “The Forest”; Willian Burroughs, escritor da geração Beat e autor do clássico “Almoço Nu”; Philip Glass, compositor minimalista responsável por inúmeras trilhas sonoras e um dos mais influentes músicos do século XX, entre outros.

Robert Wilson estará presente na sessão.

Absolut Wilson
Dia 16/4, às 20h30.
CineSESC
R. Augusta, 2075 – Cerqueira Cesar
Entrada gratuita – Retirada de ingressos 1h antes apenas no CineSESC

Fotos divulgação

LICHT + LICHT, NOVO ESPETÁCULO DE CAETANO VILELA EM SÃO PAULO

2012-04-10T16:15:00.004-07:00

Depois de estrear nacionalmente no Festival de Teatro de Curitiba com apresentações dias 4 e 5 de abril, no Teatro Guairinha, na capital paranaense, o espetáculo LICHT + LICHT, da Cia. de Ópera Seca, faz duas apresentações especiais em São Paulo. A montagem, com direção, dramaturgia e iluminação de Caetano Vilela, sobe ao palco do Auditório do Ibirapuera nos dias 11 e 12 de abril, quarta e quinta-feira, às 21 horas.

As apresentações de LICHT + LICHT na capital paulista são uma extensão, realizada pela primeira vez, do Festival de Teatro de Curitiba. Neste ano, a parceria do Itaú Cultural com o Festival leva a São Paulo alguns espetáculos da mostra de Curitiba com apresentações na sede do instituto na Paulista e no Auditório do Ibirapuera, administrado por ele.

Segunda direção de Caetano Vilela para a Cia. de Ópera Seca (a primeira foi Travesties, de Tom Stoppard, que também esteve no Festival de Curitiba em 2010) LICHT + LICHT é uma homenagem a Goethe, que em 2012 terá comemoração de 180 anos de sua morte. O espetáculo parte das últimas palavras pronunciadas por Goethe antes de morrer: “Licht mehr Licht” (Luz, mais Luz). Em um delírio segundos antes, o autor alemão vê seus personagens (Fausto/Mephisto, Werther/Willelm Meister e Margarida/Charlotte) em relações bem diferentes das imaginadas por ele.

A montagem, já vale a pena ser conferida pela qualidade da iluminação criada por Caetano, que é um dos mais respeitados profissionais da área, além de profundo conhecedor da "luz teatral" na sua relação com a caixa cênica. Por meio de seus refletores, a iluminação exerce papel fundamental nos multiplos espaços que se apresentam durante a montagem. Há uma elaborada metodologia no que se refere ao uso da cor, intensidades, definição e relação de diferentes planos numa mesma cena, alcances, geometria, volumes - além das belíssimas nuances de sombras. Imperdível!

Óperas inspiram dramaturgia

Em LICHT + LICHT Caetano volta ao jogo cênico dinâmico e a metalinguagem teatral presente na direção de Travesties, resgatando de Goethe seus pensamentos e teorias sobre o teatro. Responsável também pela dramaturgia do espetáculo, o diretor conta que se baseou no ‘romance de formação’ pouco lido no Brasil Os Anos de Aprendizado de Wilhelm Meister para montar o texto. “A adaptação que fiz não foi só baseada no livro, mas principalmente nas óperas Werther, de Jules Massenet; Faust, de Charles Gounod e Cenas de Goethe – Faust, de Robert Schumann, todas baseadas nas obras de Goethe”, explica ele.

Para ambientar o espetáculo no século XVIII, mas com uma pitada de contemporaneidade, Cássio Brasil assina os figurinos e a direção de arte do espetáculo. “Todos os figurinos foram feitos sob medida com costureiras e alfaiates e são modelados em diferentes tipos de jeans”, adianta o diretor.

Protagonista de LICHT + LICHT, o ator Wagner Antônio também é iluminador e começou seu trabalho com iluminação há 11 anos como estagiário e depois como assistente de luz de Caetano Vilela. Em 2010, Wagner foi indicado ao Prêmio Shell de iluminação pelo espetáculo Hamlet, mesmo ano que Caetano foi o vencedor da categoria pela luz de Dueto para Um. “Nada mais justo que o nome do espetáculo ser Luz mais Luz”, diverte-se o diretor.

Sobre a Cia. de Ópera Seca - Gerald e Caetano

Formada em São Paulo em 1985 por Gerald Thomas, a Cia. de Ópera Seca já se apresentou em 15 países. Com a Cia. Thomas escreveu e dirigiu os seguintes espetáculos: Eletra Com Creta, A Trilogia Kafka, Carmem Com Filtro, Mattogrosso, The Flash and Crash Days, A Trilogia da B.E.S.T.A e M.O.R.T.E, Nowhere Man, Os Reis do Iê Iê Iê (A Hard Day’s Night), Ventriloquist, Nietzsche Contra Wagner, Esperando Beckett, UnGlauber, O Príncipe de Copacabana, O Império das Meias Verdades, Deus Ex Machina, Terra em Trânsito, Cinzas no Congelador, Um Bloco de Gelo em Chamas e, como homenagem a Beckett pelo seu centésimo aniversário, Asfaltaram o Beijo. A Companhia tem se apresentado pelo mundo em vários locais de prestígio tais como o Lincoln Center, em New York, teatros regulares e alternativos da Dinamarca, o Teatro Estatal de Munique, Wiener Festwochen de Viena, o Festival Taormina, Zagreb e muitos outros. Em 2009, Thomas convidou o diretor e iluminador Caetano Vilela para dividir os projetos de direção na Cia., formando assim um núcleo de pesquisa teatral único no Brasil.

Fotos de Rubens Nemitz Jr e Lenise Pinheiro pela foto doTablet

LICHT + LICHT

Dias 11 e 12 de abril, quarta e quinta-feira, às 21 horas, no Auditório Ibirapuera. Concepção, Dramaturgia, Direção e Iluminação – Caetano Vilela.

Elenco – Fabiana Gugli, Germano Melo e Wagner Antônio. Assistente de Direção – Emerson Meneses. Figurino e Direção de Arte – Cássio Brasil. Música Originalmente Composta e Engenharia de Som – Edson Secco. Duração - 60 minutos. Espetáculo recomendável para maiores de 14 anos. Ingressos – R$ 20,00 e 10,00 (meia-entrada)

AUDITÓRIO IBIRAPUERA – Av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portão 2 - Parque Ibirapuera (Entrada para carros pelo portão 3). Telefone: (11) 3629-1075. Acesso para deficientes físicos. Capacidade – 800 lugares. Informações – www.auditorioibirapuera.com.br ou info@auditorioibirapuera.com.br.

Eiko Ishioka

2012-04-10T12:09:00.001-07:00

Faz um tempo que estou ensaiando para criar um post a respeito de Eiko Ishioka, premiada figurinista, designer gráfica e artista multimídia, que morreu em janeiro deste ano vítima de um câncer no pâncreas aos 73 anos. Mais conhecida por seus figurinos ousados e surreais, atrelados à produções de fantasia e sinônimos de visuais arrebatadores, Eiko foi vencedora de um Oscar por “Drácula de Bram Stoker” (1992). Nascida em Tóquio em 12 de julho de 1938, ela sempre foi encorajada artisticamente por seu pai, um designer gráfico, que apesar do apoio também a alertou que seria mais fácil ser bem-sucedida em outra área que não a artística – felizmente, estava errado.

Eiko se formou em 1961 na Universidade Nacional de Belas Artes de Tóquio e juntou-se à divisão de propaganda da gigante dos cosméticos Shiseido. Em 1973, recebeu o convite para desenvolver seu primeiro comercial – para a Parco, uma rede de complexos de butiques.

A peça trazia uma mulher negra alta de biquini preto, dançando animadamente ao lado de um homem diminuto em trajes de Papai Noel. O surrealismo da imagem causou sensação e Ishioka atendeu a Parko por mais de uma década. A ousadia marcou a parceria com a Parco e ajudou a firmar sua reputação – seus anúncios impressos às vezes traziam modelos nuas ou semi-nuas, uma raridade para a propaganda japonesa da época.

Sua incursão no cinema aconteceu no ano de 1985, através de um convite do cineasta Paul Schrader (roteirista de “Táxi Driver”) para desenvolver os figurinos de “Mishima: Uma Vida em Quatro Tempos”, sobre a vida do escritor e dramaturgo japonês Yukio Mishima. Pela obra, Eiko foi premiada no Festival de Cannes com um troféu especial de Melhor Contribuição Artística.

O filme tinha produção de Francis Ford Coppola, que se encantou com o trabalho da estilista e a convidou para desenvolver o figurino de sua última obra de impacto cinematográfico. A parceria resultou na extravagância gótica “Drácula, de Bram Stocker”, em 1992.

No filme, Ishioka misturou várias referências para compor um visual único, que tinha como base suntuosas peças do fim do século 19, mas trazia também modelos arrojados, como uma armadura usada pelo Conde Drácula (Gary Oldman, de “O Espião Que Sabia Demais”), que simulava tecido muscular exposto – carne viva e sangrenta. Também havia um vestido de noiva vampira, com uma enorme gola de babados, baseada na anatomia de lagartos.

O visual inovador foi consagrado pela Academia de Arte e Ciências Cinematográficas com o Oscar de Melhor Figurino.

No entanto, sua parceria de maior sucesso foi com o diretor indiano Tarsem Singh, que rendeu quatro filmes: “A Cela” (The Cell, 2000), “Dublê de Anjo” (The Fall, 2006), “Imortais” (Immortals, 2011) e o ainda inédito “Espelho, Espelho Meu” (Mirror, Mirror, 2012). Ou seja, todos os filmes da carreira do cineasta.

Em “A Cela”, Ishioka montou um adereço facial para a atriz Jennifer Lopez, que evocava um colar ortopédico. Incomodada pelo enfeite, Lopez pediu para que Ishioka tornar o objeto mais confortável, entretanto, a figurinista negou o pedido dizendo: “Não. Você está sendo torturada na história, então deve se sentir torturada”.

Outras contribuições ao cinema foram feitas nos figurinos do drama independente “Closet Land” (1991), sobre tortura de presos políticos, e o espanhol “Teresa, el Cuerpo de Cristo” (2007), em que explorou a iconografia dos santos católicos.

Além dos filmes, ela assinou os uniformes de alguns membros das equipes japonesas, suíças, espanholas e canadenses nas Olimpíadas de Inverno em Salt Lake City em 2002, mesmo ano em que desenvolveu os figurinos do festejado espetáculo “Varekai”, do Cirque du Soleil. A experiência com os espetáculos ao vivo lhe rendeu convite para trabalhar como diretora de design da cerimônia de Abertura das Olimpíadas de Pequim, em 2008.

Para os palcos da Broadway, a artista criou sets e figurino da montagem de ““M. Butterfly”, que lhe rendeu duas indicações ao prêmio Tony em 1988, e, mais recentemente, também assinou os figurinos da montagem da peça do Homem-Aranha, “Spider-Man: Turn Off the Dark”, atual sensação da temporada teatral nova-iorquina.

Seus dotes artísticos ainda se estenderam ao campo da direção, quando dirigiu o estranhíssimo clipe da canção “Cocoon”, da cantora Björk, em 2002. O vídeo trazia Björk aparentemente nua, enquanto fios vermelhos saíam de seus mamilos, eventualmente envolvendo-a num casulo, cujo conceito mais se aproxima de uma instalação de arte contemporânea.

Sua relação com as artes resultou em obras variadas, que levaram sua criatividade tanto para espetáculos de mágica de David Copperfield quanto a shows musicais da cantora Grace Jones.

O último trabalho de Eiko Ishioka pode ser visto no filme de Tarsem Singh, ESPELHO, ESPELHO MEU, uma das releituras da história de Branca de Neve. Como o filme tem tom de fábula e é voltado para o público infanto-juvenil, é interessante ver como Ishioka brinca com essas referências para construir todo o figurino.

Abaixo, detalhe do minucioso trabalho em Espelho, Espelho Meu desta grande artista que foi Eiko Ishioka.

JC Serroni em editorial sobre decor inspirado em obras teatrais e ópera

2012-04-05T13:57:00.000-07:00

Sob a batuta do mestre da cenografia J. C. Serroni, Casa Vogue produziu para sua edição 320 um ensaio fotográfico que leva a magia do teatro para o universo da decoração de interiores. São ambientações que convidam o leitor a imaginar espaços residenciais como verdadeiros cenários de peças e óperas como A Flauta Mágica, de Mozart, Dias Felizes, de Samuel Beckett, Senhora Macbeth, adaptação de Griselda Gambaro para Macbeth de Shakespeare, e a brasileiríssima Toda Nudez Será Castigada, de Nelson Rodrigues.

Toda Nudez Será Castigada, de Nelson Rodrigues.

A Flauta Mágica, de Mozart

Dias Felizes, de Samuel Beckett

Senhora Macbeth, adaptação de Griselda Gambaro para Macbeth de Shakespeare

Na página da Casa Vogue é possível conferir o vídeo com o making of da sessão de fotos:
http://casavogue.globo.com/interiores/video-teatro/

CIA ELEVADOR DE TEATRO PANORÂMICO ESTREIA IFIGÊNIA NO SESC BELENZINHO

2012-03-24T07:18:00.000-07:00

Com direção de Marcelo Lazzaratto e dramaturgia de Cássio Pires, que partiu do clássico de Eurípedes para uma reinvenção da fábula, espetáculo – totalmente improvisado – usa o sistema de linguagem Campo de Visão, onde os nove atores em cena improvisam e se revezam nos personagens da peça. Todos os atores sabem o texto integral da montagem, que a cada apresentação se constrói de uma maneira diferente.

Uma das passagens mais contundentes da dramaturgia universal, a tragédia Ifigênia em Áulis, de Eurípedes é o ponto de partida de IFIGÊNIA, a nova montagem da Cia. Elevador de Teatro Panorâmico. O espetáculo, que estreia dia 27 de março, terça-feira, às 21 horas, na Sala de Espetáculos I do SESC Belenzinho, tem direção de Marcelo Lazzaratto e dramaturgia de Cássio Pires. Na fábula, Agamêmnon, comandante das forças gregas que se preparam para atacar Tróia, é compelido a sacrificar sua filha Ifigênia para que a deusa Ártemis cesse o longo período sem ventos que impede o embarque dos gregos. A inesperada chegada de Clitemnestra em companhia da filha e a intervenção de Aquiles, alheio à trama, complicam seus planos.

A montagem de IFIGÊNIA segue com a pesquisa da Cia. Elevador de Teatro Panorâmico sobre o homem contemporâneo e a sociedade e faz parte do projeto Cia. Elevador e o Trágico, contemplado pela Lei de Fomento ao Teatro da Cidade de São Paulo. O diretor Marcelo Lazzaratto conta que o texto de Eurípedes foi escolhido como ponto de partida do novo espetáculo devido à sua estrutura formal e temática, onde se pode fazer emergir claramente os questionamentos e tensões entre coro e protagonista, entre indivíduo e sociedade.

“Nessa tragédia de Eurípedes, vemos com clareza como o individuo, além das vontades dos deuses usa de sua consciência para escolher o seu destino. Ifigênia compreende a função e o valor de sua vida quando percebe a necessidade de sua nação e se entrega ao sacrifício. Eurípedes mostra o embate interior que a protagonista sofre entre seu desejo individual e a necessidade do coletivo, antevendo o homem como senhor de suas ações”, explica o diretor.

Nas oito cenas de IFIGÊNIA os atores trabalham o tempo inteiro com o sistema do Campo de Visão. “A montagem apresenta um coro de nove atores que podem fazer qualquer personagem durante o espetáculo. É um jogo coletivo com ações individuais e muita sintonia”, afirma Lazzaratto. A trilha do espetáculo também será improvisada em cena por dois músicos, juntamente com a iluminação.

Areia, sol e tapetes

Cenário e figurinos assinados por Lu Bueno trazem para IFIGÊNIA tons terra, além de amarelo e vermelho. No centro, um espaço vazio rodeado por areia e tapetes, além de alguns objetos criados especialmente para a montagem que podem lembrar um guarda sol ou um cogumelo.

Outro destaque do cenário é uma cabaça que representará o sol. Dela cairá uma fina areia até o início do espetáculo. Durante a apresentação a areia não cairá, fazendo uma analogia com a peça, um momento de suspensão, sem vento. Ao final do espetáculo, a areia volta a cair.

IFIGÊNIA – Estreia dia 27 de março, terça-feira, às 21 horas, na Sala de Espetáculos I do SESC Belenzinho. Dramaturgia – Cássio Pires. Direção – Marcello Lazzaratto. Cenografia e Figurino – Lu Bueno.

Duração – 80 minutos. Espetáculo recomendável para maiores de 14 anos. Temporada – Terças e quartas-feiras às 21 horas, sábados às 20 horas e domingos às 17 horas. Ingressos – R$ 24,00; R$ 12,00 (usuário matriculado, estudante com carteirinha e aposentado) e R$ 6,00 (trabalhador no comércio e serviços matriculado e dependentes). Até 29 de abril. Espetáculo contemplado com a Lei de Fomento ao Teatro da Cidade de São Paulo.

SESC BELENZINHO – Sala de Espetáculos I – Rua Padre Adelino, 1000 – Belenzinho (próximo a estação Belém do metrô). Fone: (11) 2076-9798. Acesso para deficientes físicos. Bilheteria – De terça a sábado das 9 às 21h30 e domingos e feriados das 9 às 19h30 (ingressos à venda em todas as unidades do SESC). Capacidade – 120 lugares. Estacionamento – Para espetáculos com venda de ingressos R$ 6,00 (não matriculado) e R$ 3,00 (matriculado no SESC). www.sescsp.org.br.

Fotos, João Caldas

FAAP tem mostra sobre Grace Kelly até 10/7

2011-05-22T15:53:00.001-07:00

Momentos marcantes da trajetória percorrida pela princesa Grace de Mônaco poderão ser apreciados na exposição Os Anos Grace Kelly, Princesa de Mônaco, realizada em parceria entre a Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP) e o Grimaldi Forum – Mônaco, no Museu de Arte Brasileira da FAAP, entre 5 de maio e 10 de julho de 2011, com entrada gratuita.

Com curadoria de Frédéric Mitterrand, atual ministro da Cultura da França, a mostra, que aqui no Brasil está dividida em 14 salas, foi originalmente criada em 2007 pelo Grimaldi Forum, reúne cerca de 900 objetos que revisitam a vida da diva que conquistou Hollywood, o Principado de Mônaco e a realeza monegasca. Entre eles, fotografias, filmes, vestidos, joias, acessórios, quadros, cartas que escrevia e recebia de amigos como rainha Elizabeth, Greta Garbo, Frank Sinatra, Alfred Hitchcock, Jacqueline Kennedy, todos conservados e organizados pelo Palácio Principesco.

Durante a visita, o público terá a oportunidade de ver registros de sua infância e juventude na Filadélfia, sua carreira bem-sucedida como atriz, seu casamento com o príncipe Rainier III e seu destino como princesa. Além disso, o visitante poderá conhecer a mãe dedicada, a amiga solidária, a incentivadora das artes, a presidente da Cruz Vermelha de Mônaco e a defensora de diversas causas humanitárias.

Entrevista com Elisa Rossin

2011-05-08T10:12:00.001-07:00

Elisa, qual sua formação e e como teve início seu trabalho com máscaras, sobretudo, com a confecção? Eu me formei em Artes Cênicas na Universidade de São Paulo em 2003 e atualmente realizo, na mesma universidade, uma pesquisa de mestrado voltada ao estudo de confecção de máscara e o trabalho do ator. O interesse pela máscara surgiu há quase dez anos, quando tive meu primeiro contato com a modelagem de uma máscara. Participava como atriz de um grupo de teatro de rua e decidimos naquele momento criar nossas próprias máscaras, a partir das figuras conhecidas da Commedia dell´Arte. Criei minha primeira máscara, a “Kina”, inspirada no arquétipo de Arlequim, de cor vermelha e uma grande abertura na parte inferior, possibilitando um largo sorriso. A consistência da argila, sua mistura resultando em expressões e fisionomias diversas, despertou enorme interesse, passei então a confeccionar outras máscaras, um mergulho entre volumes e formas.

Durante os processos de modelagem das máscaras para os espetáculos da Cia Troada, fui percebendo que para poder desenvolver maior autonomia na criação das máscaras era preciso maior instrumentalização na arte de confecção. Então em 2008 realizei um estágio com a companhia alemã Familie Flöz em Berlim, acompanhei o trabalho de criação de máscaras de Hajo Schüler, um processo muito rico que me mostrou novas técnicas e procedimentos. Ainda com desejo de me aprofundar nos estudos de confecção de máscaras me inscrevi e fui aceita na XXIV edição do Seminário Internazionale Arte della Maschera, no Centro Maschere e Estrutture Gestuali em Abano Terme, na Itália em 2009, conduzido por Donato Sartori. (Esse seminário é um curso de especialização na área de confecção de máscaras teatrais conhecido mundialmente, freqüentado por artistas plásticos, atores e arquitetos de diferentes países. Nesse curso aprendemos várias técnicas de modelagem, inclusive a modelagem em couro, a partir de um trabalho de escultura na madeira. Sem dúvida uma experiência única, de mergulho na tradição de confecção de máscaras, fundamental para o meu trabalho.

E a respeito da máscara no trabalho da Cia. Troada, mais especificamente no espetáculo “A porta”? A Cia Troada nasceu do desejo de trabalhar com máscaras, mais especificamente, do desejo de trabalhar com novos tipos de máscaras que fugissem dos tipos conhecidos da Commedia dell´Arte. Dentro dessas perspectivas realizamos a montagem de quatro espetáculos e, nesse percurso, paralelamente ao trabalho de atriz, assumi no grupo a responsabilidade como “mascareira”, buscando novas concepções de máscaras. Para cada espetáculo realizei uma pesquisa de imagens e de artistas que melhor representavam o universo que pretendíamos abarcar e esse era o meu ponto de partida para a elaboração das máscaras.

Ao longo da trajetória, construímos três espetáculos na busca de uma poética própria, calcada no trabalho corporal e na utilização da máscara como elo para a construção de um universo mais onírico/ fantástico. Foi no quarto espetáculo, A PORTA, que melhor conseguimos atingir nosso objetivo; uma construção cênica mais poética e visual, um desapego ao texto e a palavra. Trata-se de máscaras mais humanas, aproximando-se da caricatura. São máscaras inteiras, um pouco maiores proporcionalmente em relação ao rosto humano, e não permitem a fala. Assim, o trabalho de interpretação com elas pede aos atores uma escolha dos gestos e maior precisão nas ações. Ao mesmo tempo como são máscaras grandes, elas também estabelecem uma relação de tempo distinto do tempo cotidiano, que se torna vezes mais lento para que o público acompanhe as pequenas mudanças e sutilezas.

Como nasce uma máscara?

Inicialmente nasce da minha imaginação, a partir do roteiro da peça e das descrições do caráter e definição dos personagens. Estabeleço algumas características físicas básicas e em seguida parto para uma pesquisa de imagens. Assim, para cada espetáculo procuro referências iconográficas distintas que se aproximam da estética relacionada à encenação. Para nossa primeira montagem “Espera”, uma adaptação de Esperando Godot, obra de Samuel Beckett, obtive como base um estudo sobre o universo do grotesco e utilizei imagens da obra de Pieter Bruegel. Da mesma forma, para a Metamorfose, nosso segundo espetáculo, uma adaptação do texto de Franz Kafka, utilizei imagens de Francis Bacon e assim por diante.

No espetáculo A Porta, utilizei como base para a criação, caricaturas que se aproximavam das figuras da peça. Fiz também desenhos e pinturas para no momento da modelagem na argila poder me aproximar mais do ideal esperado.

A modelagem da máscara é feita na argila, em seguida faço um negativo de gesso ou silicone, sobre o qual será feita do empapelamento (papel machê). No final essa máscara de papel tem um tratamento e é realizada a pintura. Então, quando a máscara está no rosto do ator, sendo experimentada é que sei se ela é capaz de ter vida e se “funciona” na cena. Pois uma boa máscara para o teatro, não é necessariamente bela, ela precisa ser “maleável”, ter anglos que permitam a configuração de expressões distintas através da movimentação do ator. Posso dizer que é um trabalho de grande expectativa, pois só sei se atingi meu objetivo no final de um processo longo e trabalhoso.

O que destaca do processo de trabalho do espetáculo “A porta”? Confeccionar as máscaras para esse espetáculo foi sem dúvida uma experiência muito intensa, pois durante o dia eu trabalhava na oficina, criando as máscaras, e à noite era o nosso período de ensaio. Foram seis meses dedicados a esse trabalho, e apenas isso, ou tudo isso! Durante os ensaios, enquanto atuava como atriz, ficava mais claro para mim como eram as máscaras que precisávamos para o espetáculo. E enquanto eu confeccionava e modelava as máscaras, também podia visualizar a cena e materializar algumas ideias discutidas com o grupo. Ou seja, uma pesquisa relacionada à estética da concepção cênica e, ao mesmo tempo, uma pesquisa interna relacionada ao trabalho de interpretação.

Veja abaixo um trecho do espetáculo que faz hoje sua última apresentação da tempora realizada no Teatro João Caetano em São Paulo.

A PORTA–Máscaras de Elisa Rossin

Fotos divulgação.

Entrevista com Beto Bruel para a Folha de São Paulo

2011-04-25T07:24:00.001-07:00

Beto Bruel ilumina cena teatral desde os anos 70
Iluminador possui perfil obsessivo que agrada a muitos diretores do país
Veterano autodidata já trabalhou no cinema, iluminou shows de MPB e diz que tenta "entrar no cérebro do diretor"
Se teve alguém que marcou presença nesta edição do Festival de Curitiba -encerrada no último dia 10- foi o iluminador Beto Bruel.
Era comum vê-lo em plateias, pelas ruas da cidade acompanhando o fluxo de espectadores com seu jeito bonachão. Ou, ainda mais frequente, no "backstage" de algum espetáculo.
Isso porque cinco montagens tinham iluminação assinada por ele, entre elas "Murro em Ponta de Faca", dirigida por Paulo José, e "Trilhas Sonoras de Amor Perdidas", de Felipe Hirsch, impulsionada pela meia-luz do aconchego de um lar.
Veterano autodidata que iniciou sua carreira nos anos 70 com um grupo amador de Curitiba, Bruel tem um perfil obsessivo que os diretores adoram. Obsessivo no bom sentido. "Quanto mais ensaios eu vejo, quanto mais ouço sobre o conceito da peça, mais posso entrar no cérebro do diretor", explica.

Hirsch, parceiro de trabalho há mais de 15 anos, conta que Bruel não desiste nunca de um projeto, mesmo quando as soluções parecem inalcançáveis. Caso de "Não Sobre o Amor" (foto ao lado), quebra-cabeça que em 2009 rendeu a Bruel o principal prêmio de iluminação no World Stage Design, o Oscar de quem trabalha com recursos cenográficos, em Seul.
No espetáculo, cabia a ele iluminar a cena com holofotes que deveriam ficar localizados atrás das paredes do cenário. Luz frontal estava fora de cogitação. Os fachos, enfim, vazavam por duas janelas. "Cenário grandiosos são nossos inimigos mortais. Alguns diretores acham que luz faz curva", ele brinca.
MUITA PESQUISA
Para conseguir um bom resultado, Bruel passou dias pesquisando tipos de madeira (e de verniz) que pudessem refletir esses fachos e tornar a ambientação nítida e uniforme. O madeiramento foi usado pela cenografia de Daniela Thomas, outra velha parceira da Sutil Companhia, dirigida por Hirsch.
Foi com Thomas e com a Sutil que Bruel fez seus principais trabalhos. Sete deles foram indicados ao Shell, e três foram vencedores.
São todos trabalhos meticulosos que revelam o olhar de alguém dedicado a uma pesquisa que entrelaça conceito e tecnologia.
Bruel hoje está de olho nas marcas de LED que não gastam energia como as tradicionais lâmpadas parabólicas. "O cenário de "Pterodátilos" fica um forno", ele protesta. "Não sei como o [Marco] Nanini aguenta."
Sua sensibilidade visual também aponta para um outro problema crônico: ano a ano, espetáculos necessitam de mais de luz. "Perdemos referência do que é o escuro, porque não ficamos nunca no escuro." Da porta de um teatro no centro de Curitiba ele aponta a rua: "Tudo ali fora está iluminado demais".
Suas experiências também lhe conferiram um papel incomum entre iluminadores. Ele dá palpites na direção. Peças baseadas em contos de Dalton Trevisan, por exemplo, pedem luz indireta "para não quebrar o clima sórdido, acentuar a mesquinhez dos personagens".
Também houve o famoso caso em que ele determinou que uma cena do espetáculo "Colônia Cecília" deveria ter luz clara e chapada. O diretor Ademar Guerra havia pedido "clima de penumbra" para representar o dia que seguiria uma manhã com geada. Só que Bruel apontou um erro: depois de geada sempre faz dia de sol forte e claro, principalmente em Curitiba.
Além do extenso trabalho com a Sutil, o iluminador trabalhou com os diretores Edson Bueno e Hector Babenco e também fez projetos para shows de Caetano Veloso com Roberto Carlos.

Técnico é exímio descobridor de novos talentos
"Beto Bruel é de uma geração de técnicos autodidatas formada principalmente no convívio com alguns mestres do teatro nacional", explica Valmir Santos, editor do "Jornal do Teatro" e membro do júri do Prêmio Shell, o mais importante no Brasil.
O diretor Ademar Guerra (1933-1993) foi um desses mestres, de quem -conta Santos- Bruel herdou as possibilidades de uso da luz branca, o que pode ser visto em espetáculos curitibanos como "Colônia Cecília (Um Pouco de Ideal e de Polenta)", "Noite na Taverna" e "O Vampiro e a Polaquinha".
O crítico aponta outras duas virtudes no trabalho de Bruel: a generosidade de formar jovens talentos que lhe fizeram assistência, como Nadja Naira, iluminadora e atriz integrante da Companhia Brasileira de Teatro, grupo que despontou no cenário curitibano, vencedor de um prêmio Bravo em 2010.
"É também um profissional com capacidade de falar a mesma língua de criadores que têm assinaturas visuais poderosas, como a cenógrafa Daniela Thomas e os diretores Felipe Hirsch e Hector Babenco", conclui.
Hirsch afirma que, com seu perfil perfeccionista, Beto Bruel assume um papel fundamental na Sutil Companhia. "A gente pensa no conceito do espetáculo juntos: eu, ele e a Daniela [Thomas]. E ele cobra bons resultados".
Segundo o diretor, Bruel é também um excelente criador de frases rebuscadas. Hirsch diz que se lembra "de uma situação em que as coisas ficaram muito complicadas perto da estreia. Quando entramos em cartaz, ele soltou "Invadimos a Rússia no Inverno'".

MATÉRIA DE GUSTAVO FIORATTI EM COLABORAÇÃO PARA O JORNAL A FOLHA DE SÃO PAULO

De Natura Sonoris na Mostra Internacional de Teatro de Rua

2011-04-22T08:44:00.001-07:00

Nesta segunda-feira (25/04), o TUSP recebe a performance de Laura Colombo e Luca Ruzza, das 18h30 às 21h.

De Natura Sonoris da Open Lab Company–vídeo 1

De Natura Sonoris da Open Lab Company–vídeo 2

Natura Sonoris

Fragmentos de narrativa onde a escrita coreográfica e luminosa substitui a dramaturgia textual. Uma percepção microscópica que ressalta uma análise introspectiva por meio do silêncio e da proximidade. Natura Sonoris explora a complexidade da relação entre dois elementos, a dialética entre duas linguagens, duas matérias, orgânica e não-orgânica, vivente e não-vivente, corpo e luz. A composição não segue um princípio combinatório, mas respeita a especificidade e a natureza de cada elemento. Alimentam uns aos outros e ganham vida. No palco vazio o escuro é seguido por sinais luminosos desenhados em tempo real e que enquanto se propagam interceptam os limites do espaço revelando a matéria e o corpo da performer.Universos em contínua multiplicação são revelados no encontro com o movimento, nas suas evoluções perdem e reencontram seus significados criando e transformando identidades infinitas. A extensão do corpo re-configura a relação elástica entre espaço e tempo, empresta do passado e evoca o futuro, desafiando a percepção normal das coisas. O abstrato e figurativo confundem nosso olhar, abalam a fronteira entre o corpo humano e a paisagem. Fragmentos de narrativa onde a escrita coreográfica e luminosa substitui a dramaturgia textual. A palavra é perdida. O som evoca outro lugar.

A Companhia

A Open Lab Company nasceu em 1991 do encontro de Laura Colombo –performer – e Luca Ruzza – arquiteto e cenógrafo. Desde então a companhia está presente no teatro internacional com performances e instalações que utilizam uma linguagem onde a ausência da palavra, aliada a composição e elaboração do movimento, dá formas e complexidade à uma peculiar escritura cênica. Nos últimos anos a companhia atinge sua maturidade através de intercâmbios e projetos, resultado das suas pesquisas com alta tecnologia ligada às artes cênicas.

Laura Colombo encontra em 1977, os atores do Teatr Laboratorium de Jerzy Grotowski, e inicia suas pesquisas nas artes cênicas. Em 1978 faz uma viagem à Kerala, Índia, onde estuda profundamente a dança Katakali. Funda em 1980 o Gruppo Internazionale l’Avventura em Volterra e foca seus estudos na investigação das possibilidades perceptivas conectadas ao movimento físico. Trabalha como atriz com diretores de renome internacional como Roberto Baci e Gerald Thomas no teatro, Pascal Delignee, Raoul Ruiz e Mariane Arhne no cinema.

Em 1991 funda, com Luca Ruzza, a Open Lab Company, onde aprofunda seu trabalho de pesquisa formando com o cenógrafo uma dupla flexível e aberta a colaboração de diversas linguagens.

Luca Ruzza recebeu o Prêmio ARCE Europeu em 1998 pela arquitetura inovadora do projeto do atelier onde vive e trabalha, dirigindo ali a Open Lab Company. Seu foco de maior interessetem sido o desenho do espetáculo e sua arquitetura através do uso de alta tecnologia. Colabora com teatros nacionais e internacionais na criação de projetos multimídiadedicados a examinar/investigar a relação entre imagens e espaços de identidades diferentes. Ensina Cenografia Virtual na Prima Università degli Studi di Roma “La Sapienza”. Luca Ruzza é autor de diversas publicações sobre o espaço teatral e sobre a cenografia virtual, produtor de projetos multimídia, utiliza e experimenta a tecnologia inovadora para o tratamento e “fruição” do ambiente “imagem”. Pesquisador da percepção humana conjuga a atividade produtiva pormeio de uma intensa programação de encontros e estudos sobre este objeto. Recebeu o XVI° Premio Stregato edição 2001/2002, pela cenografia e arquitetura multimídia do espetáculo Bella & Bestia, produzido pelo Kismet OperA Teatro. Membro do projeto Hyperopticon-Dinamarca e do TAFT-Noruega.

Fotos divulgação

Figurino de "Cordel Encantado" é totalmente artesanal; conheça o estilo de cada "reino"

2011-04-20T16:06:00.001-07:00

Marie Salles e Karla Monteiro são as responsáveis pelo figurino da novela das seis da Globo, “Cordel Encantado”, as duas sabem como ninguém o que é ver o resultado de quase seis meses de trabalho árduo no ar. “Começamos a pesquisar o figurino da novela em novembro. Foi um mês de pesquisa 24 horas por dia”. lembra Marie.

Da esquerda para a direita, as figurinistas Marie Salles e Karla Monteiro posam ao lado dos figurinos de Brogodó, Seráfia do Sul e Seráfia do Norte no Projac, zona oeste do Rio

Amigas há 20 anos, Marie e Karla se reuniam na casa da primeira e se dividiam entre os computadores para pesquisar sites de história dos mais variados países. Karla afirma que, no início, a dupla ficou tão imersa nesse universo de pesquisa que chamou a atenção do filho mais velho de Marie, Mateus, de nove anos. “Ele ficava muito impressionado com a nossa quantidade de trabalho. Foi aí que tivemos ideia de pedir a ele para desenhar como ele imaginava que seria o rei Augusto [personagem do Carmo Dalla Vecchia]”, conta.

As figurinistas contam que a iniciativa de pedir ao menino para que ele imaginasse um rei partiu da conversa que elas tiveram com o diretor de núcleo Ricardo Waddington e a diretora-geral Amora Mautner. “A encomenda do Ricardo e da Amora para a gente foi encontrar o rei no imaginário coletivo. Até porque, por mais que a novela tenha como fio condutor os anos de 1890 e 1900, ela é uma fábula. E, como tal, nos dá uma certa liberdade criativa”, argumenta Marie.

Encerrada a vasta pesquisa geral do figurino – elas pesquisaram mais de nove gigabytes de material e assistiram a mais de 40 filmes –, Marie e Karla começaram a fazer uma pesquisa individual para cada um dos 55 personagens da trama de Thelma Guedes e Duca Rachid. “Fizemos uma pesquisa de acordo com os quatro núcleos da história: Seráfia do Norte, Seráfia do Sul, Brogodó e cangaceiros”, lembra Marie, acrescentando que elas criaram pranchas com informações sobre cada personagem.

Vestido de noiva de Carlota

Para criar o figurino do rei Augusto (Carmo Dalla Vecchia), da Seráfia do Norte, Marie e Karla afirmam que se inspiraram no último czar russo, Nicolau II. “O personagem do Carmo foi todo pautado no Romanov, que é o pai da princesa Anastácia. Foi o período mais rico da história.

Detalhe da roupa do rei Augusto (Carmo Dalla Vecchia). O figurino do personagem foi baseado no rei russo Romanov.

Detalhe da gola feita em metal trançado e banhado a ouro do rei Augusto, papel interpretado por Carmo Dalla Vecchia

A Alexandra, mulher dele, era a rainha mais chique. A gente se baseou nela para criar os figurinos da rainha Efigênia [Berta Loran] e da duquesa Úrsula [Deborah Bloch]”, conta Karla.

Como a novela é de época, todas as roupas e acessórios precisaram ser produzidos na Central Globo de Produção. “Nada estava pronto. Até reaproveitamos alguns figurinos do acervo da emissora. Mas só os tecidos. Até porque, o conceito do figurino da novela é muito específico”, explica Marie, acrescentando que os personagens de Seráfia do Norte usam cores solares, como dourado, tons claros, bege e marrom – com exceção dos vilões, que usam verde, bordô e preto.

Aliás, Karla explica que todas as peças da novela – de todos os núcleos – são artesanais. “As peças de todos os 55 personagens da história sofrem intervenções. Tudo passa pela mão de uma bordadeira, ou é tingido, envelhecido. A roupas da Ternurinha [Zezé Polessa], por exemplo, passam por, pelo menos, duas bordadeiras”, explica.

Detalhe do chapéu e dos bordados do vestido de Ternurinha, personagem interpretada por Zezé Polessa em "Cordel Encantado"

Detalhe do chapéu de Ternurinha, personagem interpretada por Zezé Polessa em "Cordel Encantado"

Karla emociona-se ao lembrar de quando as bordadeiras criaram o vestido de noiva para a princesa Carlota [Luana Martau]: “O vestido é todo bordado. Deu um trabalho e tanto para as bordadeiras. Quando a Luana veio fazer a prova, todo pessoal da costura e do bordado parou de trabalhar para vê-la experimentando o vestido. As bordadeiras ficaram emocionadas. Foi uma comoção”.

Detalhe da frente do vestido de noiva da princesa Carlota. A peça foi toda bordada à mão

Uma das maiores dificuldades que Marie e Karla enfrentaram na hora de criar o figurino de Seráfia do Norte foi encontrar o material para a gola e a dragona do rei Augusto. “Só conseguia imaginar o metal. Fomos a um monte de ferro velho, fui a uma feira no Bixiga, em São Paulo, atrás de uns puxadores de porta. Mas nada ficava bom. Na hora que bordávamos no manequim, caía. Era pesado demais. Até que a Karla descobriu um menino que trançava metal numa feira aqui no Projac [complexo de estúdios da Globo]. Conseguimos, então, o que procurávamos”, recorda Marie, afirmando que as dificuldades não pararam por aí: “Aí começamos a busca pela cor. Porque existem vários tipos de ouro. Só que no alumínio não pega. Então dá um trabalho danado. Porque temos que colocar uma química, depois banhar de ouro. Enfim, é tudo artesanal”.

Detalhe da gola do rei Augusto

Para o figurino de Seráfia do Sul, Marie e Karla optaram pelas cores prata, azul marinho e preto. “Seráfia do Sul é o meu xodó”, entrega Karla. Todo feito à mão, o figurino de Brogodó também não fica atrás na preferência da figurinista. “Brogodar virou verbo para a gente. Significa acrescentar o feito à mão. Por isso dizemos que demos uma brogodada no figurino”, diverte-se.

Com tons claros e materiais naturais, como a juta e o algodão, o visual brogodense recebe aplicações de madeira, sementes, palha e coco. “As toalhas de mesa viraram vestidos para os personagens de Brogodó”, conta Karla, acrescentando que o povo brogodense usa muitas peças com crochê, renda filé e patchwork.

Detalhe da bolsa de Açucena (Bianca Bin). O guarda-roupa da personagem privilegia peças feitas de toalha de mesa, com crochê, renda filé e patchwork .

Já para as peças usadas pelos cangaceiros, Marie e Karla foram buscar inspiração nos guerreiros como os samurais, por exemplo. Marie conta que descobriu um menino no Ceará que faz artesanato em couro. “A cultura do artesanato em couro é muito forte no Ceará, passa de pai para filho. Conheci o trabalho desse menino e achei perfeito para a novela. Aí começamos a montar esses desenhos com a chapa de metal”, lembra ela, que também aplica tachas e placas de prata nas roupas de Herculano (Domingos Montagner) e Zóio-furado (Tuca Andrada).

Satisfeitas com o resultado de tantos meses de pesquisa e criação, Marie e Karla fazem questão de dizer que só chegaram ao figurino que desejavam porque contaram com um belo trabalho de equipe. “Fazer um bom trabalho dá muito trabalho. E o diferencial da equipe dessa novela é a dedicação”, elogia Karla, confessando que tem vontade de ver o figurino de “Cordel Encantado” fora da novela. “Adoraria fazer um livro com os figurinos. Quem sabe?”, conclui.

Da esquerda para a direita, figurinos de Seráfia do Sul, Brogodó e dos cangaceiros

Da esquerda para a direita, figurinos da Seráfia do Sul, Brogodó, cangaço e Seráfia do Norte

Fotos de André Durão

FONTE UOL