Maniobrarte

Erkut Terliksiz, por los caminos de un pintor

2010-08-07T19:29:00.000-07:00

Tiene una persistencia que no se compara a la del coyote queriendo atrapar al correcaminos, sus diseños llevan el adjetivo de perfección, tiene 31 años y ha logrado cosas inimaginables. Le gusta trabajar acompañado de la Luna y las estrellas, él es: Erkut Terliksiz.

Desde la secundaria sus amigos incondicionales fueron el lápiz y el papel, nació en Estambul, Turkia, el 29 de setiembre de 1978, apenas acabó el colegio quizo estudiar diseño como pieza principal en el rompecabezas de su exitosa vida. Después que culminó sus estudios de Diseño Gráfico en la Universidad de Mimar Sinan, empezó haciendo trabajos freenlace (profesional independiente) siempre dándole su toque especial a todas sus obras o como él las llama: arte.

Erkut se dedicó a trabajar en varias empresas como diseñador e ilustrador, ganando conocimientos y realizando prácticas que lo ayudarían a futuro. Viajó a Londres en el 2003, se fue por un año y regresó cargado de creatividad, ya que no podía abandonar el país que lo vio nacer y en donde disfruta la creación de sus pinturas, para él Turquía es un país bueno, Turquía es excelente, Turquía está de moda.

Le encanta su país, es el lugar donde realiza las obras de artes más estupendas, en donde siente que no hay miedo al momento de diseñar y mucho menos límites. Prefiere trabajar a altas horas de la noche, es noctámbulo por excelencia, le gusta amanecerse diseñando y escuchar las campanas anunciando que se aproxima el amanecer.

Ha trabajo en grandes agencias de publicidad, logrando tener importantes clientes como el Museo de Arte Moderno de Estambul también Vitra, pero a pesar de que lleva una vida ajetreada se da tiempo para realizar uno de sus pasatiempos favoritos: pintar. Tuvo su primera exposición individual en el 2007 llamada “Debut” en donde tuvo la dicha de exponerse en la Galería de Xist en Turquía, y su arte ha logrado exhibirse en todo el mundo desde Barcelona CCCB a Australia, desde Italia a China y Suecia, llegando a todas esas personas que aman el arte, el buen arte.

El día perfecto de Erkut Terliksiz es tomar un desayuno tardío, observar el atardecer y tener un pincel en su mano derecha acompañado de un cojín para que no le duela las rodillas mientras empieza a crear un poco de arte.

http://www.erkutterliksiz.com/

Genaro DeSia Coppola, su arte es pop

2010-06-05T12:33:00.000-07:00

Le gusta vivir plenamente y excitadamente en la clandestinidad, es joven con un talento innato que es digno de respetar, no le gusta ser el centro de atención, pero sí que sus diseños capten toda admiración, y es que simplemente su arte es inexplicable, él es: Genaro DeSia Coppola.

Nació en Venezuela, pero en la actualidad reside en Barcelona, España, lugar donde realiza sus proyectos como diseñador gráfico. No se sabe mucho de él, pero lo que sí se puede asegurar con toda firmeza, es que el talento que tiene para el diseño es inigualable y maravilloso.
Con sólo 27 años ha logrado alcanzar metas a las que jamás imagino llegar. Caracterizándose por su autenticidad Genaro ha logrado encontrarse entre los diseñadores más reconocidos de América Latina.

A pesar de sus cuatro años de trayectoria, tiene entre sus más diversas obras arte, sus famosos, reconocidos y coloridos diseños con vectoriales que le dan una chispa de particularidad que solo sus diseños pueden tener, ello se traduce en la desconexión del espectador con el mundo cosmopolita.
En su espléndido portafolio resaltan las ilustraciones psicodélicas que son inspiraciones de la época de los ochenta. Siendo su estilo electrovectorial retro y las composiciones de color que han tomado inspiración de los símbolos del arte pop, íconos y héroes de culto.

http://www.behance.net/surround

Adolfo Correa, el sueño de un creativo

2010-06-04T19:33:00.000-07:00

Muchos piensan que se necesita “ser muy grande” para poder triunfar. Pero en este caso no importa la edad ni el nivel que hayas alcanzado, sólo importa el empeño y el esfuerzo con que lo hayas logrado. Tengo el agrado de escribir de un joven como tú y yo, que gracias a su extraordinaria creatividad se ha convertido en un joven con un talento que discrimina límites, él es: Adolfo Correa

Acaba de cumplir 23 años y eso no es impedimento para que su creatividad tome un descanso, es apasionado al arte y al diseño y esto es reflejado en sus extraordinarios y geniales diseños. Es uno de los mejores estudiantes de diseño gráfico en la Universidad de Chile, cada trabajo que realiza lo hace con una dedicación y una energía admirable; existe una conocida frase que describe su éxito perfectamente “cada esfuerzo tiene su recompensa” y Correa ya la tiene.

Es uno de los diseñadores más jóvenes que ocupa uno de los 5 primeros puestos de los 100 mejores diseñadores latinoamericanos.
Se ha convertido en un orgullo latinoamericano y en todo un ejemplo a seguir, con tan sólo 23 años se está forjando un camino que para muchos sería imposible seguir. Adolfo nunca le pone restricciones ni limitaciones a su imaginación, ya que toda idea que expresa se convierte en una realidad física, capaz de hacer explorar a jóvenes y adultos, mundos inexplicables.
Es muy talentoso en el arte digital, dirección de arte, en las ilustraciones y la tipografía. Con todas estas habilidades creo que no cabe duda que al gran Correa le espera un futuro igual de grande que su creatividad. En sus diseños le encanta mezclar colores fosforescentes y muy luminosos, logra armar una combinación casi perfecta que logra producir una armonía visual.

En su amplio portafolio de diseños logra dejar sorprendidos a muchos espectadores y seguidores, siempre se caracterizan por conseguir una mezcolanza de colores en sus diseños realzando a los protagonistas de sus ilustraciones. También incorpora a sus excepcionales obras de arte, algunos efectos espaciales que logran que el espectador se sienta sumergido en distintas galaxias.
Aporta a sus diseños algo que los hace especial y únicos, utiliza fotografías y no dibujos para resaltar la realidad combinada con un poco de fantasía; dejando a las personas volar libremente su imaginación y que sus ideas no tengan prohibiciones. Porque soñar es el camino necesario para poder diseñar. Uno de los últimos premios que ha recibido es el del Concurso Cátedra Michel Foucault, siendo uno de sus diseños el que dejó encantado al jurado.
Sin lugar a dudas, Adolfo Correa, es un joven que brinda un aporte esencial al diseño, es tan valioso lo que ha logrado en tan poco tiempo. Gracias a Adolfo que hace que nuestros sueños y nuestra imaginación se convierta en algo realizable.

http://www.adolfocorrea.com/

David Murawsky, fuente de inspiración

2010-06-01T19:37:00.000-07:00

Su nombre es conocido por todos los creativos, le fascinan los objetos y las letras ya que utilizando esos dos componentes logra armar un espectáculo de arte. Está muy orgulloso de su trabajo porque a todo le aplica un toque de inspiración, él es: David Murawsky.

Nació en Vancouver, Canadá. Nunca pensó que se dedicaría al arte, eso sólo lo tomaba como un pasatiempo y un desahogo en sus momentos de tención. Empezó su larga y fascinante historia con un título en una carrera profesional de Ciencia, después logro obtener una licenciatura en Ciencias de la Universidad de British Columbia.

Después de algunos años de arduo trabajo, logró conseguir un empleo como investigador asociado en el campo de la biotecnología, realizando investigaciones de laboratorio en el área del desarrollo de productos farmacéuticos terapéuticos. Fue aquí el gran comienzo para su camino casi infinito de un gran diseñador, durante ese tiempo, se metió en el campo de diseño gráfico, que resultó convertirse en una intensa mezcla de expresión creativa y la aplicación de esta en su trabajo.

David Murawsky siempre fue una persona decidida a enfrentar nuevos retos y a seguir sus sueños, porque de eso es lo que se disfruta. Dio el primer paso para seguir su pasión, se inscribió en el programa de Diseño Digital, en la Escuela de Cine de Vancouver (VFS). Fue en la escuela que asumió una responsabilidad y una pasión admirable con el diseño, se dio cuenta que era capaz de combinar sus intereses por la historia del diseño y la teoría, junto con la práctica de una educación de habilidades y técnicas para el sector industrial. Como era de esperarse el magnífico David se graduó con honores en el año 2007.
Mientras estudiaba en la VFS, fue contratado como Gerente de Proyecto Asociados para el Adobe Real Ideas Studio, que fue un proyecto desarrollado en colaboración de Adobe. Su gran trabajo tuvo el honor de ser reconocido en el 2007 por Adobe Design Achievement Awards, donde su grandiosa y excelente obra “Anatomía” logró ser seleccionada como semifinalista en la categoría de gráficos de movimiento.

Este apasionado diseñador gráfico, ilustrador y tipográfico es co-fundador de la empresa de diseño Normal Design Inc., asumió el papel de director de diseño y esto le obligaba a vigilar, dirigir y producir todo lo relacionado con el proceso y desarrollo de lo creativo, otro de los labores qu e que realizaba y le fascinaba era relacionarse con los clientes para poder desarrollar conceptos de diseño de producción y para tener una variedad de impresión, interactivas y de proyectos gráficos en movimiento.
Como parte esencial de la Normal Design, David fue capaz de trabajar con muchas organizaciones diferentes, como: Tribal DDB Canadá, Canadá Turismo Comisión, Sarah McLachlan Fundación y la Galería de Arte de Vancouver.

En la actualidad Murawksy es un ilustrador, diseñador freelance y consultor, trabaja en la su empresa David Murawsky Diseño Gráfico e Ilustración. Se encarga de lo que más le gusta, la creación de gráficos utilizando una amplia cantidad de disciplinas como son: ilustración, la identidad y por supuesto el desarrollo de la marca.
No nos sorprendamos si mientras nosotros descansamos, David está creando un magnífico y espectacular diseño, que dejará boca abiertos a todos. Porque lo esencial para él es la creación siempre y cuando vaya de la mano con la inspiración.

Millennium Promise from David Murawsky on Vimeo.

http://www.davidmurawsky.com/index

Bruno Porto, el diseño se mantiene puro

2010-05-17T20:28:00.000-07:00

No puede evitar esconder la sonrisa cada vez que escucha la palabra diseño, él es un gran ejemplo de que tan sólo usando la creatividad y la imaginación se puede llegar tan lejos, es totalmente sencillo, no le gusta las cámaras pero si le gusta contemplar el arte, él es: Bruno Porto.

Nació en 1971 en Río de Janeiro, Brasil. Porto era uno de los estudiantes más empeñoso de su carrera, estaba aprendiendo algo que para él era todo un sueño convertido en realidad, quería ser diseñador y lo consiguió. Se graduó con una licenciatura en Diseño Gráfico y con un postgrado en Marketing y Gestión Empresarial. Gracias a sus habilidades y su inmenso talento para con el diseño, logró estudiar en la New York School of Visual Arts en el cual culminó sus estudios con muchos distinguidos profesionales y con casi infinitas premiaciones. ÉL es todo un genio, yo lo sé.

Sus diseños y sus ilustraciones de un arduo y satisfactorio trabajo de Bruno Porto, con mucha frecuencia han logrado exhibirse y publicarse en diversas revistas muy conocidas de diseño en Brasil y por supuesto también es publicaciones internacionales. Su portafolio de obras de arte ha sido premiado, expuesto, seleccionado y publicado por innumerables eventos desde 1995. Le encanta leer, escribir y hacer libros, específicamente y especialmente que traten sobre diseño, ilustración, cómic y la tipografía.

Bruno Porto es ex director de la Asociación Brasileña de Diseñadores Gráficos (ADG Brasil), orgulloso miembro de la Sociedad Brasileña de Ilustradores (SIB), integra el Comité de Ética ( 2009-2011) y ha participado en varios comités como jurado, también atiende y organiza congresos internacionales de diseño, debates, conferencias, talleres, encuentros y exposiciones.

Es autor de dos libros sobre la tipografía y el diseño gráfico, en la actualidad está trabajando para lanzar otros dos libros que se cree que serían puramente de diseño, mantiene una columna mensual en el Portal de diseño web Brasil y suele escribir artículos sobre diseño y la ilustración para una gran cantidad de publicaciones. A pesar de los años transcurridos desde que se inició como diseñador y ahora convertido en un brillante diseñador, no deja de dictar conferencias y talleres en instituciones educativas.

Actualmente es cuerpo docente del Departamento de Diseño Gráfico de Raffles Design Institute en Shanghai, China. Es imposible no dejar de admirar a este diseñador que sobre todo aún conserva la sencillez de sus inicios y sigue siendo un excelente ser humano.

http://blog.brunoporto.com/

Andrea Berretta, todo un superhéroe

2010-05-17T15:54:00.000-07:00

No conoce otra palabra que no sea “arte” y su fuente de energía es el diseño. Cuando coge un lápiz es mejor dejarlo sólo, porque en ese momento su creatividad es la causante de una explosión, él es: Andrea Berretta más conocido como Pepper.

Nació en Italia el 14 de enero de 1983, desde pequeño solía quitarle los colores a sus amigos ya que ellos lo usaban para ser simples garabatos, mientras Pepper los usaba para convertir sus pequeños dibujos en grandes obras de arte. Estudió en la Facultad de Arquitectura de Génova donde culminó sus carrera con una especialidad en diseño industrial, al salir de la universidad su imaginación estaba estallando de fascinantes proyectos hacia el futuro, decidiendo poner un pie derecho hacia adelante y nunca mirar atrás.

Pepper es un amante y apasionado del diseño y del dibujo a mano alzada, cuando empieza a diseñar hay algunas cosas que son imposibles que no se encuentren en su estudio, ya que son sus fieles compañeros: sus peces de colores, lápices y un té negro. Es una persona soñadora que siempre busca encontrar el lado positivo de las cosas, y afirma que el desarrollo de un país está en la juventud que junto con el arte son las puertas abiertas al éxito.

Se quiere convertir en todo un superhéroe de los gráficos, de la ilustración y como director creativo del diseño siempre busca ser el mejor. Junto con un grupo de amigos que como él son amantes del diseño, utilizaron su tiempo libre para crear algo diferente, innovador y picante.

En esta mezcla de ideas fue que nació Pícame, una revista que transforma las palabras en contenidos que tienen vida y acompañado de ideas. Utilizan una gráfica sencilla pero atractiva, en donde las personas pueden estar enteradas de las últimas tendencias en diseño, arte, moda, fotografía e ilustración. Lo que busca Pìcame es que todas las personas que se encuentren fascinadas por el arte brinden sus opiniones por eso que también es un blog. Andrea Berreta, director creativo de Pìcame, logra mostrar diferentes contenidos a diario y consigue interactuar con sus lectores, está se ha convertido en una revista única, con un alto nivel de creatividad. Y es que todo lo que hace Pepper lleva por nombre arte.

Es un gran admirador de Michael Jackson, lo dibujó cuando falleció y su diseño fue acompañado con estas palabras: “Las palabras provienen directamente de las letras de sus canciones y hablar de amor, el amor a los demás, amor por la naturaleza, el amor a la tierra y el amor por la vida en toda su clase y expresiones. Ellos son de verdad hoy y siempre será. Descansa en paz, dondequiera que estés”.
No se puede dudar de que Andrea Berretta, lleva en su sangre todo lo relacionado con el arte, sus diseños son simplemente fascinantes, ¿cómo es que en un ser humano puede caber tan grande imaginación?

Love Words - A tribute to Michael Jackson from SBROKKED on Vimeo.

http://www.pepperdesign.it/
http://www.facebook.com/andreapepperberretta

Seymur Chwast, un diseñador rebelde

2010-04-17T18:31:00.000-07:00

Sus diseños están llenos de humor y de mucha gracia, cuando empieza a diseñar es muy difícil que alguien lo detenga, no le gusta rendirse porque su segundo nombre es “luchar”,siempre tiene nuevas ideas y no le gusta que se apropien de ellas, él es: Seymour Chwast.

Nació el 18 de Agosto de 1931, en el Bronx de Nueva York y logró estudiar diseño gráfico e ilustración en New York’s Cooper Union. Consiguió uno de sus más grandes deseos, en 1954 fundó junto Milton Glaser y Edward Sorel el estudio “Push in”, con la creación de este estudio pudo contribuir a un cambio en el paradigma tradicional del diseño gráfico instaurando entre el modernismo y el postmodernismo, imponiendo su impronta en el diseño norteamericano, utilizando como uno de los modelos preferidos de Saymur la ilustración pseudo-infantil, el perfil esteticista y está relacionándose en el límite con el Pop art.

Todos sus diseños convertidos en piezas valiosas de arte, hicieron que Seymour se convirtiera en una figura reconocida en el mundo del diseño gráfico y la ilustración, él es un rebelde del diseño no le gustan las reglas y odia los parámetros, tiene una mirada ecléctica y algunas veces historicista, mostrándose como una alternativa radical a las propuestas de esas épocas logrando influir a un buen número de diseñadores en los años 1960 y 1970.
Chwast siempre se ha caracterizado por tener el perfil de un diseñador prolífico y versátil, entre los estilos muy diversos que él imparte, se mueve con habilidad y destreza, brindando un humorismo visual muy personal que se convierte en una propuesta futura del nuevo diseño.

Ha logrado destacar a lo largo de su vida como diseñador e ilustrador por sus carteles, por sus pósters anti-belicistas, en el diseño packaging, revistas, en las ilustraciones de libros infantiles, etc. Chwast también ha realizado numerosas exposiciones en diferentes museos de EE.UU y ha recibido innumerables premios. La mayoría de sus trabajos está presente en las colecciones permanentes de distintos museos como el Museum of Modern Art de Nueva York.
Hablar de Saymur es hablar de un diseño actualizado, un diseño que no tiene límites, gracias a él se puede ver el diseño en otros ángulos y siempre con una perspectiva diferente.

http://www.graphic-design.com/DTG/chwast/index.html

César Moreno, creatividad innata

2010-04-17T11:21:00.000-07:00

“Nací en la ciudad de México en 1978, mi genética me permitió vencer sólo por 1.60 mts. a la gravedad, lo que me hizo un portero muy limitado, y un delantero poco efectivo en el fútbol de mi calle cuando niño, ante esto, no me quedo más remedio que refugiarme en las caricaturas del canal cinco y así empecé a dibujar cuanto carton animado salía en la televisión. Dos décadas más tarde me encuentro satisfactoriamente ejerciendo la profesión del diseño gráfico y la ilustración a manera de terapia para sobrellevar el no estar anotando goles los domingos en la primera división del fútbol mexicano” César Moreno.

La mayoría de personas lo conocen con el apodo de “El Moreno” y es que lo que él hace no tiene nombre, pues lo que el dibuja y grafica sobrepasa lo que llamamos arte ya que se convierte en su estilo de vida. Es Egresado de la UNITEC en la Licenciatura de Diseño Gráfico, trabaja como parte del equipo de Golpeavisa, y también en la agencia interactiva Grupo W, también ha trabajado para grandes empresas como director de arte en Ogilvy, diseñador interactivo del periódico Excélsior e ilustrador editorial de la Editorial Televisa.

César Moreno consigue crear personajes dinámicos y frescos, algunos colmados de varios colores que produce la mezcla perfecta entre estos, con una enorme flexibilidad para adecuarse a intereses de proyectos de ilustración y animación. Sus trabajos de ilustrados y diseñador mexicano han sido reconocidos y galardonados por medios nacionales e internacionales lo que ha logrado que se convierta en uno de los ilustradores más talentosos del país, además de impartir conferencias en varias universidades de todo su país. Empezó dibujando ya que siempre tuvo una afición por el dibujo y terminó usando la computadora como medio gráfico, pero esto no quiere decir que no se tome un poco de su tiempo y se dedique a dibujar con grafito. Sus diseños son únicos y es que tiene un estilo particular como ilustrador que por más que se busque compararlo, esto es imposible.

Tiene una gran pasión por la música y esto se ve reflejado en una serie de diseños que llevan por nombre Puro Rock! , en que se encarga de ilustrar a sus músicos favoritos como las piezas que hizo para Madinspain, Radiohead, etc.

Finalmente, es grato saber que César Moreno, un creativo innato, sigue creyendo en la idea de que la ilustración puede cambiar el mundo: “Todo movimiento social, cultural, bélico, pacifico, etc. ha tenido y tiene algún acercamiento con la gráfica para ser más eficiente, masivo e identificable. Así que definitivamente creo que es posible y comprobable que se han podido hacer o de menos contribuir a cambios en el mundo mediante la ilustración y el diseño” (César Moreno).

http://1978.com.mx/1978/#miInfo

Jeff Soto, arte es sinónimo de naturaleza

2010-04-11T20:58:00.000-07:00

Su arte no está inspirado en el mundo terrenal, su arte pertenece al más allá. Tiene como musa a la naturaleza y cuando necesita un poco de delirio siempre recurre al amor, él es: Jeff Soto.

Nació llevando el arte en la sangre, el 3 de junio de 1975 en California. Es un ilustrador, diseñador y artista por excelencia; desde muy joven empezó a hacer graffitis y a pesar del transcurso de los años sigue siendo un participante activo del arte de la calle. Después que terminó el colegio participó en el Riverside Community College y trabajó en empresas relacionadas al cómic, ilustración, pintura mural y diseño gráfico, años más tarde logró estudiar en el Art Center of Design y fue graduado con todos los honores que se merece.

Es dueño de la creatividad que rodea el planeta, en donde su estilo gráfico que adorna calles y cuadros regala armonía social. Participa en el movimiento surrealista pop en donde todo lo que realiza es inevitable que no se vuelva arte, logrando poco a poco que sus obras de arte se expongan en todo Estados Unidos.
Jeff Soto es reconocido como un ilustrador que deja al descubierto su sensibilidad especial y única, cuya orientación es hacia el mundo interior en donde mezcla las experiencias de su niñez con los sentimientos que generan de manera intrínseca sus recuerdos. Esa sensibilidad artística tiene como origen su niñez ya que se puede observar que todo el trabajo de Soto habla mucho de ese periodo de vida, que es como una máquina del tiempo que se estancó en esa etapa de su vida y no piensa avanzar hacia un futuro y mucho menos retroceder.

La manera que combina los colores en sus pinturas es realmente fascinante, logran formar una armonía visual; otras de las cosas que destacan dentro del trabajo de Soto es la temática que contiene una infancia nostálgica, llena de juguetes, sensaciones y objetos que evoquen y representen a ella.
Todas sus ilustraciones muestran una gran preocupación por la naturaleza y los daños que muchas veces el hombre ocasiona a esta, en donde se muestra a un hombre que no ha sido bondadoso con el medio ambiente sino que saca provecho de la generosa madre tierra. Dibujándolos con coloridos arcoíris, vegetación de bosques y la vida que habita en todo su entorno.
Se ha convertido en todo un genio en el campo artístico, los colores distintos, la técnica y el uso de temas importantes que involucran a cada uno de nosotros hace que su expresión artística resuene en el mundo y que a pesar de los problemas siempre se vive con deseos y esperanzas.

http://www.jeffsoto.com/

KISS : Keep It Simple and Stupid (Mantenlo simple y tonto) – Jeff Fisher

2010-04-10T16:15:00.000-07:00

Él es un ingeniero de identidad corporativa, cuando le preguntan cómo hace para continuar diseñando por más de 3 décadas, él sólo responde: Esto es mi pasión. Lleva como nombre Jeff Fisher, vive diseñando desde los 13 y desde ahí no hay nadie que lo detenga.

Es uno de los personajes más relevantes del diseño de la identidad corporativa, también particip en diferentes campos como escritor de libros de diseño, consultor de mercado y se hac convertido en un excelente blogger.

Desde pequeño sintió un gran interés por el diseño, las primeras pruebas de ese gran interés que más adelante se convirtió en pasión, es un dibujo realizado con tinta de la línea histórica de la arquitectura de Oregon que se lograron vender en diversas galerías y se comercializó como estampas y tarjetas. En la secundaria leyó un libro de diseño de Milton Glaser y así fue como dio dirección y sentido a su futuro como diseñador.

Estudió en la Universidad de Oregon, y al princio de su carrera era director de arte y coordinador del departamento de diseño en donde trabajaba para un grupo de publicaciones médicas, también se convirtió en director de arte de una agencia de publicidad y director creativo de un fabricante de ropa, desde que se inició como diseñador siempre le ha gustado hacer su trabajo de una manera independiente y eso no quiere decir que no trabaje bien en grupo, es sólo que a él le gusta elegir dónde, cuándo y con quien trabajar. Para él ser un diseñador independiente le da una total libertad para trabajar con una amplia variedad de clientes, en donde están incluidos los grupos sin fines de lucro y con grandes corporaciones. Cada proyecto nuevo es un reto que Fisher no piensa dejarlo, debido a la variedad inmensa tipos de cliente su trabajo nunca es aburrido y al no ser aburrido hace que mantenga viva la pasión por el diseño. Y esta misma libertad es la que le permite trabajar desde cualquier lugar y en cualquier momento por eso se siente feliz con lo que hace.

En 1995 dio otro paso hacia adelante y comenzó a especializarse en el diseño de identidad y en 1997 adoptó oficialmente el nombre comercial “Jeff Fisher LogoMotives”, otorgándole el título de Ingeniero de identidad creativa. Desde el año 1994 todos sus esfuerzos han sido magníficamente galardonados con más de 600 premios regionales, nacionales e internacionales de diseño y su nombre aparece resaltando en más de 130 libros sobre logos.

Es miembro de la Junta de Asesores de CÓMO revista y tiene la satisfacción de escribir para la misma revista. Es el autor de Crisis de identidad!: 50 rediseños que transformó la identidad rancio en marcas de éxito. Actualmente está escribiendo un nuevo libro de nombre “Logotipo” que trata sobre la tipografía en el diseño del logo.

Jeff Fisher es un diseñador que está dispuesto a realizar cualquier tipo de retos artísticos porque lo que le da seguridad es su “instinto propio” que siempre es uno de sus mejores asesores empresariales personales.

http://jefffisherlogomotives.blogspot.com/
http://logopond.com/members/profile/showcase/662&page=1

Ivan Chermayeff, el diseño de pies a cabeza

2010-04-06T21:24:00.000-07:00

El diseño corre por sus venas y bendito Dios porque lo creo Diseñador, odia las adulaciones pero ama la creatividad : Ivan Chermayeff.

"El diseño no es lo que un considerable número de diseñadores piensa que es... el diseño no es arte. El diseño no es extremadamente significativo...el diseño no siempre es mejor que nada. El diseño es la solución a problemas reales, importantes o insignificantes; los problemas del diseño no son problemas de los diseñadores, son los problemas del cliente. Por tanto, el diseño debe surgir de una comprensión razonable de estos problemas, sus metas y aspiraciones", Ivan Chermayeff.

Este prestigioso diseñador gráfico y arquitecto, nació en Londres, Inglaterra, en el año 1932. Culminó sus estudios en la Universidad de Harvard y se graduó en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale.

Ivan Chermayeff es un diseñador, artista, arquitecto e ilustrador por excelencia, ha logrado presentar todos sus trabajos en los Estados Unidos, Europa, la Unión Soviética y el Japón.

Innato artista y amante del arte, no dejó que nada ni nadie lo venciera y logró fundar junto a Tom Geismar la agencia "Chermayeff & Geismar" ambos diseñadores legendarios ya que todas las identidades corporativas que han creado son reconocidas por el gran talento que los dos tienen cuando se trata de diseñar y su firma se ha destacado por sus altos estandares, desde 1960 logrando convertir su agencia en una de las mejores del mundo.

Se encargó de realizar el logo de la NBC, de la señalización del National Park Service, de las empresas Chase Manhattan Bank, Xerox Corporation, The Museum of Modern Art, The New York Public Library, entre otros más. Además, es un prestigioso miembro de la Industrial Designers Society of America y de la Alliance Graphique Internationale (AGI). Chermayeff también ha sido premiado y galardoneado con el grado de doctor Honoris Causa por el Corcoran Museum of Art Washington y por The University of the Arts en Philadelphia.

"Creo que es extremadamente importante para los diseñadores que se interesen más por áreas que están fuera de las que son propias. El diseño es una operación de servicio. Pensar y desarrollar soluciones a los problemas de la gente", está es una de las tantas frases dichas por Ivan Chermayeff cuando se le menciona la palabra diseño.

Sus obras han recibido numerosos premios del Instituo Estadounidense de Artes Gráficas, de la Sociedad de Iustradores y directores del Club de Arte de Nueva York. En 1979 Chermayeff junto con Thomas Geismar recibieron la medalla de oro del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas.
No se puede dejar de hablar de él sin escribir una de sus tantas admiradas y geniales frases: "Los diseñadores generalmente no escriben muy bien, los diseñadores generalmente no comunican muy bien, aunque la comunicación o una forma de ella, es el trabajo de su vida. Los diseñadores deberían leer, los diseñadores deberían estar al corriente de todo, los diseñadores deben ser selectivos y por último pero más importantes los diseñadores deben pensar".

http://www.cgstudionyc.com/

Steven Heller, talento mezclado con arte

2010-03-28T15:51:00.000-07:00

Una síntesis de los grandes logros de toda la vida, en la práctica del diseño, la edición y la enseñanza: Steven Heller.

Nació en el año 1950, en la ciudad de Nueva York. Es autor, coautor y editor de más de 100 libros sobre el diseño gráfico, la ilustración y sobre el arte político. Fue director de arte en The New Your Times por 33 años y por casi 30 años en el New York Times Book Review. Dictó clases durante 14 años de la historia de la ilustración en Ilustración AMF y también en la Escuela de Artes Visuales como programador visual, también fue director durante 10 años del Modernismo de SVA. Heller es co-fundador y co-presidente con Lita Talarico del Departamento de Diseño de la MFA donde imparte clases sobre la historia del diseño gráfico.

Durante más de dos décadas, ha sido editor asociado de la Print, Eye, Baseline y revistas de ID (identificación), además ha contribuido con cientos de artículos, ensayos críticos y en columnas de cultura y de diseño.

Como editor general de la revista Aiga de diseño gráfico, logró entrevistar a decenas de escritores, críticos y a periodistas que estaban relacionados con el diseño. Heller con su revista, busca ayudar a los futuros diseñadores contribuyendo con investigaciones y formando con un vocabulario crítico dentro del campo artístico.

Steven ha producido una inmensa cantidad de exposiciones, entre ellas tenemos: “Arte contra la Guerra”, “La imagen satírica: pintores y caricaturistas” y muchos más. Ha organizado varias conferencias, una de las más importantes es: “Historia del diseño gráfico y crítica”.

Ha recibido la Medalla de AIGA, por toda su espléndida carrera (1999), también de Art Directors Club Hall de la Fama de Educadores, premio especial (1996), el Pratt Institute Levitt, premio Hershell (2000) y la Sociedad de Ilustradores Richard Gangel, premio de Dirección de Arte (2006). Definitivamente Steven Heller es uno de los “grandes”: diseñador proactivo, excelente editor y un maestro ejemplar. Creativo de nacimiento y multifacético de profesión, sin lugar a dudas y mucho menos a equivocaciones Steven Heller se ha convertido en un gran ejemplo a seguir.

http://www.hellerbooks.com/

"La gente viene primero, nuestros diseños así lo corroboran" (David Carson)

2010-03-28T10:23:00.000-07:00

Para algunos es considerado un Dios en el diseño, para otros un simple hereje; logró ser amado y odiado por muchos y él solo prefiere que lo citen como: David Carson.

Nació en 1956 en Texas, Estados Unidos. Licenciado en Sociología y surfeador profesional, llevó un curso de diseño gráfico por dos semanas y desde ese momento empezó a amar el diseño y convertirlo en toda una vocación. Actualmente trabajo como director y diseñador en su estudio “David Carson Design” con oficionas en Nueva York y Charleston, SC.

Carson comenzó diseñando en la revista surf “Beach Culture”, las bases que tenía como diseñador destrozaban todos los esquemas del diseño gráfico editorial de su época, remplazaba la letra “S” por el “5” y la letre “E” por el número “3”, por lo que sus artículos eran difíciles de leer; por tal motivo sus diseños han sido muy criticados, pero a él no le interesa y tampoco a sus clientes.

Gracias a la revista “Beach Culture”, a pesar que le pagaban muy poco le permitían un 100% de libertad creativa y esto lo animó a seguir diseñando, ganó los premios al Mejor Diseño y Mejor Diseño de Portada por La Asociación de Diseñadores Editoriales de Nueva York. Se convirtió en director de arte de Ray Gun, una revista musical alternativa, en donde marcó decididamente el inicio y futuro de sus diseños.

Sus trabajos más famosos fueron resultado de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Ray Gun (los primeros treinta números, 1992). En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre algunos de sus clientes están: Burton Snowboards, Game Net Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.

David Carson, es por convicción, un radical del diseño, es siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo por muchos es catalogado y criticado como “ilegible” y sin “estructura”, dicen que sus diseños son más que obras de arte y no de diseño cuya función principal es comunicar. Carson niega totalmente esa idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un buen diseñador no puede permanecer pasivo ante el diseño y ser completamente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que todo su trabajo se basa principalmente en la intuición más que en el pensamiento racional.

Sus diseños llegan a la emoción de la gente y comunican más que un texto, en sus trabajos combina distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra. Sus obras de arte no son un contenedor de palabras e imágenes; son diseños en su propio contenido sin orden aparente. Carson es considerado como un rebelde que busca siempre nuevos desafíos, sus diseños no siguen la linealidad tradicional de la lectura. El lector está siendo constantemente desafiado con cambios de líneas y bloques de textos girados, que le obligan a adaptarse a un nuevo recorrido de lectura que si quieren lograr entender tendrán que interactuar con la revista que tienen en sus manos.

Tiene cuatro libros publicados, en donde se expone todo sus diseños: The End of Print, 2nd Sight, Fotografiks y el más reciente Trek. Y como dice David Byme: “El trabajo de David Carson comunica, pero a un nivel que sobrepasa los centros lógicos y racionales del cerebro y va directamente a una parte que entiende sin tener que pensar. De esta forma su diseño es como la música: entra a nuestras mentes antes de que pueda ser detenida”.

http://www.davidcarson.com/index.html

El arte se esconde en los libros

2010-03-21T15:38:00.000-07:00

Los libros más bellos del mundo que han sido diseñados en las últimas décadas, son realizados por una diseñadora reconocida internacionalmente por la hermosura iconoclasta de sus obras, ella es: Irma Boom.

Nació en Holanda en 1960, su pasión por el arte y el diseño la impulsó a estudiar en la Escuela de Bellas Artes AKI, después de graduarse trabajó durante cinco años como diseñadora en la Oficina de Publicaciones del Gobierno Holandés. Posteriormente decidida a enfrentar nuevos retos y guiada por su innata vocación al diseño dio apertura a Irma Boom Office en Amsterdam en 1991, ha diseñado más de 200 libros y además es profesora de la Universidad de Yale, en Estados Unidos, y la Van Eyck Akademie en Maastricht.

Irma Boom ha creado algunos de los mejores libros editados en estos últimos años, leer las obras que contienen sus diseños es como sumergirse en una aventura visual, en el cual su estilo artístico predomina en cada una de las páginas.

Trabaja con importantes clientes como son las Naciones Unidas, El Rijksmuseum de Amsterdam Ferrari, Camper, Vitra (Workspirit), Aernout Mik, entre otros más. Uno de sus proyectos más importantes y ambiciosos fue el diseño de un libro con motivo de la celebración del centenario de SHV en 1996, al cual le dedicó cinco años de trabajo, Boom describió su proyecto como: “ el sueño y la pesadilla, sueño por causa de los ideales y pesadilla porque es un proceso muy largo e intenso”. El libro consta de 2,136 páginas, pero carece de números de página e índice, ya que está hecho en la lucha contra el orden cronológico.

Todo su arte está compuesto por una perfección y belleza en bruto con yuxtaposiciones de tipo audaz, incluyendo troquelados en donde el texto adorna el borde de la página. Exige a sus clientes la libertad para hacer su trabajo, reinterpretando las formas según sus propias reglas.

Respeta los libros tradicionales, pero ella tiene como ambición ensanchar el significado y los límites del libro. Sus impulsos son los nuevos medios y el modo en que tratan los textos y la imagen, le gusta experimentar y no asustarse al provocar completos desastres; porque a pesar de eso, sabe el libro siempre mantendrá su vitalidad. Irma está empeñada en explotar el contenido y la forma de los libros, ya que su papel no sólo es atender los requerimientos de los clientes, sino ser parte de un proceso creativo total.

http://www.irmaboom.nl/

Todo es diseño, ¡todo! (Paul Rand)

2010-03-20T11:04:00.000-07:00

Considerado uno de los más grandes creativos del siglo XX, calificado por muchos como un eminente, innovador e influyente diseñador gráfico norteamericano. Todos estos denominadores pertenecen a una persona que usando hoja y papel convierte lo inverosímil en arte, él es: Paul Rand.

Reconocido por la creación de logotipos en algunas identidades corporativas más importantes de los Estados Unidos: IBM, Westinghouse, Unite Parcel Service, ABC y muchas más que se han convertido en íconos de su época.

Nació en Brooklyn, Nueva York, en 1914. A una edad muy joven descubrió su pasión por el dibujo y el arte, logró estudiar en el Pratt Institute, la Parsons School of Desing y el Arts Students League; su carrera comenzó con tareas sencillas, creó imágenes de archivo para varios periódicos y principalmente sus diseños se convirtieron en portadas de revistas solicitando a cambio la libertad artística completa. Con el transcurso del tiempo su trabajo comenzó a sembrar fama internacional.

Su imaginación, vitalidad y calidad no han sido probablemente igualadas por ningún otro diseñador editorial de nuestros días, a los veinticuatro años asume la dirección artística de las famosas revistas Esquire y Apparel Arts. Investigó el vocabulario formal de los movimientos de vanguardia europeos y desarrolló un estilo gráfico único que se caracterizó por la simplicidad, el ingenio y una aproximación racional a las soluciones del problema.

Los diseños publicitarios de Paul Rand están mezclados con humor e ingenio; creó la Tipografía Futura, siendo este su principal aporte al diseño tipográfico, es realizada con trazos geométricos con rectas y círculos, en el caso de la “O” que es una circunferencia perfecta, esta tipografía es de una lectura fácil.
Una de sus mayores aportaciones que forma parte de su amplio arco profesional, fue la utilización de la retícula para estructurar sobre ella sus composiciones gráficas, la emplea en su trabajo ya que la retícula equivaldría al pensamiento, a la idea estructural y metafísica que luego no aparece en el impreso final.

Rand recibió el merecido Premio Internacional Florencia en 1986, concedido por un jurado compuesto por las personas más representativas del diseño gráfico universal de nuestros días. Fallece en noviembre de 1996. Este impresionante y multifacético diseñador impregna en nosotros una de sus incontables frases que nos lleva a la reflexión:

"Hay una gran diferencia entre diseño abstracto sin contenido y diseño abstracto con contenido. Se puede ser un gran manipulador de la forma, pero si la solución no es la más apta, no tiene sentido”.

http://www.paul-rand.com/

El arte hecho letras

2010-03-14T01:01:00.001-08:00

“Que peligro cuando los diseñadores usan una lengua que la gente no puede entender” Paula Scher.

Es reconocida como una de las mejores diseñadores del mundo. Paula Scher, prestigiosa artista gráfica, integra desde 1991 el Pentagram Desing, un estudio famoso, es responsable de su sede en New York y es miembro de los Arts Director Club Hall of Fame y un pasgado destinatario del Chrysler Award por la innovación del diseño. Ella ha participado en la junta nacional del Instituto Americano de Artes Gráficas (AIGA), y en el 2001 le concedieron el honor más alto de la profesión, la medalla de AIGA, en el reconocimiento a sus distinguidos logros y contribuciones en el campo.

Estudió en la escuela Tyler School of Art en Filadelfia y comenzó su carrera gráfica del diseño como directora de arte de portadas de discos en Atlantic y CBS Records en los años 70.

Durante su trayectoria hizo lo que cualquier diseñador quiere realizar: packaging, afiches, portadas de discos, libros y mucho más; incluyendo numerosas exposiciones, individuales y grupales. Ha desarrollado sistemas de identidad y de marca, materiales promocionales, gráficos ambientales, el envasado y la publicación de los diseños para una gran diversidad de clientes. Paula crea imágenes que hablan a las audiencias contemporáneas con un impacto emocional y capturando su atención, estas imágenes se han identificado visualemente con la vida cultural de New York City. Sus obras son influenciadas de la historia del arte y del diseño, de la iconografía pop y la obra clásica, de la literatura, música y del cine.

Lo que nosotros vemos como simples letras, ella nos muestra en sus diseños como la tipografía se puede convertir en imagen; a medio camino entre el pop art y la cartografía fantástica, dibuja mapas completamente llenos de nombres y datos que son completamente originales y como ella misma dice: “ Son, totalmente, cien por cien inexactos”.

Su trabajo se ha expuesto por todo el mundo y se encuentra en las colecciones permanentes del Museum of Modern Art, el Cooper- Hewitt National Design Museum en New York y en otros más.

Después de 30 años diseñando ha aportado una mirada reflexiva, profunda y con un poco de humor acerca de lo que denominamos como “arte”.

http://stendhalgallery.com/?page_id=174

I love Milton Glaser

2010-03-13T15:38:00.000-08:00

Así nos encontremos en Japón o en Perú, así vivamos en el norte o en el sur. ¿Quién no ha usado un polo con la frase: I love New York?

Esta frase se convirtió en todo un emblema, en todo un ícono y sin lugar a dudas en todo un símbolo. Es el logotipo de la ciudad de Nueva York, es uno de los gráficos más famosos, reproducidos y copiados de la historia. La frase “I love NY”, en donde se observa que un corazón rojo reemplaza a la palabra “love”, fue creado en 1973 por un extraordinario e inigualable diseñador que tiene como nombre: Milton Glaser.

Milton Glaser es un multifacético diseñador, innato creativo y apasionado del arte. Su perspectiva intelectual abarca desde la ilustración hasta la arquitectura, es un hombre del renacimiento moderno que trae una profundidad del entendimiento y pensamiento conceptual que combinados con una riqueza audiovisual, a su gran inventiva y trabajo individual. Ha pasado la mayor parte de su larga y asombrosa vida diseñando, ha sido un prolífico creador de afiches, tiene un gran impacto en esta profesión que es formidable por eso es una figura influyente en el pensamiento del diseño y la educación en la actualidad. Gracias a él se ha comenzado a ver cambios significativos en las actitudes y estilos de los estudiantes, así como en el uso de las herramientas.

Estudió arte del grabado en Italia, en la escuela de Giorgio Morandi, también curso estudios en la High School of Music and Art y en la Cooper Union Art School de la que años más tarde fue director. Gracias a una beca tuvo la grandiosa oportunidad de ingresar en la Academia de Bellas Artes en Bologna, Italia. Actualmente continúa trabajando en New York, su ciudad de nacimiento, en la Escuela de Artes Visuales donde su profunda perspicacia cultural continúa inspirando a nuevas generaciones de diseñadores. Glaser actúa en todos los campos de la comunicación visual con una sensibilidad que lo lleva a extenderse desde el Art Nouveau hasta el lenguaje narrativo del cómic. Es autor de carteles publicitarios y portadas de revistas, ilustrador de libros y diseñador de juguetes, creador de logotipos e inventor de caracteres alfabéticos.

Sus obras están expuestas en lugares importantes como es el MOMA (Museo de Arte Moderno de New York), el Museo de Israel (Jerusalén) y el Smithsonian Institute (Washington, D.C). Este excelente diseñador ha recibido diferentes premios por sus impecables trabajos que se han convertido en toda una obra de arte.

Milton Glaser se ha convertido en el representante más famoso de la escuela norteamericana de diseño gráfico, a sus 76 años no deja de sorprendernos, es personalmente responsable del diseño e ilustración de más de 300 afiches para editoriales, teatro, música, películas, asociaciones civiles y diversos productos y servicios; pero lo más importante de este gran ser humano es que su moral y su ética han permanecido intactas.

http://www.miltonglaser.com/pages/milton/mg_index.html

Simplemente Maitena

2010-03-07T17:04:00.000-08:00

“Hay que elegir: o la vida es bella o la bella es una”

Cuántas veces hemos pensado no salir a tomar el sol porque arruga, no tomar café porque oxida, no tomar alcohol porque fija las grasas, no comer dulces por la celulitis, no comer fritos por los granitos, no comer pastas porque engordan, no fumar porque enferma, no trasnochar porque demacra, no envejecer porque no se usa… estas y otras cosas más nos relata Maitena en sus historietas que tratan sobre la vida diaria que con un poco de ironía logramos reírnos de nosotras mismas.

Maitena Burundanera, es una historietista argentina, empezó dibujando tiras eróticas en Argentina para Sex Humor, Fierro, etc. Sus primeras publicaciones europeas fueron para Makoki, de Barcelona. Fue ilustradora gráfica tanto como para revistas y diarios como para publicaciones especializadas en textos escolares. Fue también guionista de televisión, propietaria de un restaurant y dueña de un bar. Su primera tira cómica, “Flo”, se publicó en Tiempo Argentino, un diario porteño.

Mujeres Alteradas, es el título de su página de historieta humorística, en donde podemos ver las peculiaridades del mundo femenino y la relación con su entorno, especialmente con los hombres (maridos, novios o amantes) y con los hijos. Las historietas son protagonizadas por mujeres casadas, soltera, viudas, adolescentes, de diferentes edades, algunas son feas, guapas, gordas, delgadas, con o sin novio, envidiosas, vanidosas, dramáticas; todas estas mujeres aparecen reflejadas en las viñetas de Maitena.

Maitena, quien escribe sobre las complicadas pero también divertidas mentes de nosotras las mujeres, ha escrito varios libros entre ellos tenemos: Mujeres alteradas (cinco ediciones), Curvas peligrosas (dos ediciones), Superadas (tres ediciones) y Todas Superadas. Ha vendido más de un millón de copias y sus libros están traducidos a más de 20 idiomas, logrando cautivar al público internacional.

Sus temas preferidos son el amor, el desamor, el enamoramiento, la angustia, la soledad, el fracaso, el éxito y mucho más; todo esto se expresa en una vida cotidiana llena de humor.

Concluyendo con este humilde acercamiento a la vida de Maitena, ella se toma la molestia de hacernos recordar cuatro inútiles certezas: Si tomas sol te arrugas, si no tomas sol pareces un pollo crudo; la dieta te adelgaza, la comida te da placer; las zapatillas son cómodas; los tacos te hacen mujer, si te operas se nota y si no te operas también.

Un viaje por el mundo de Jeremyville

2010-03-07T12:44:00.000-08:00

¿Quién no tuvo unas converse con uno de los dibujos de Jeremyville? y ¿Quién no tiene un skate con el arte de Jeremyville?

Jeremy Andrew, más conocido como Jeremyville, es uno de los artistas más importantes del momento; tiene un concepto iconoclasta respecto al arte y diseño para un nuevo siglo. Se encarga de diseñar, producir y hacer exhibiciones de arte; toda su creatividad se puede observar en zapatillas, cientos de miles de polos, skates, gorras y libros. Sus comics son mudos para que cualquier persona pueda entender la narrativa, lo símbolos de las viñetas cuentan una historia universal que tiene un final lo suficientemente abierto para que otros añadan su propia interpretación, el objetivo general que tiene cualquier proyecto de Jeremyville: conectar con la gente en un nivel muy personal pero también alcanzar a muchas personas, de manera universal.

Estudió Arquitectura en Sidney, ciudad de origen de este extraordinario artista, era editor de un periódico escribiendo columnas y entrevistando a personas, después tuvo la necesidad de llenar los huecos de algunos artículos con dibujos y así empezó su carrera de artista. A los 19 años convenció al periódico más grande de Australia, el Sydney Morning Herald, de darle un trabajo regular haciendo dibujos de editorial e ilustraciones. El nombre de Jeremyville, decidió crearlo ya que vive un mundo moderno y este nombre es como una etiqueta inspirada en la web. “La revolución y el cambio son todo para mí. Mi propio ejército interno sufrió un golpe de Estado y estableció el nuevo estado mental Jeremyville”, menciona Jeremy Andrew en una entrevista realizada por la revista Dedo Medio.

Le inspira la música ya que es crucial para su trabajo, también el ejercicio, el aire libre, los buenos amigos y la buena comida. Las pesadillas y sueños como la realidad son parte de la vida y el arte de este artista, puesto que pueden ser una herramienta poderosa si se sabe como entrar en ellos y utilizarlos. El estilo de sus comics es un poco denso, muy vacíos, pero complejos y ricos en lo narrativo, tienen una naturaleza cíclica aludiendo al hecho de que no importa cuán grandioso o malo sea algo, existe ese equilibrio universal que encuentra un balance y lo nivela.

Tras navegar un poco por el mundo de este espectacular artista, nos damos cuenta que le emociona la condición humana, su fuerza y su fragilidad, su eternidad y fugacidad. Pare él todo es magnífico y hermoso.

http://www.jeremyville.com/home/jeremyville_home.html