Mannish Blog

John Pizzarelli plays... Duke Ellington

2012-01-18T10:59:00.000-08:00

Texto: Eugênio Martins Júnior

Fotos: Leandro Amaral e Marcos Rodrigues

Mais uma entrevista que vem com atraso. Pelo menos sete meses. Dou a velha desculpa: falta de tempo. Mas sei que não vai colar.

Por quatro vezes trabalhei duro para fazer o show do cantor e guitarrista John Pizzarelli em Santos, mas só na última, em julho de 2011, consegui conversar com ele sem ninguém para atrapalhar. Foi no jantar, no restaurante do hotel, após o show no Teatro Coliseu.

As passagens do artista pela cidade são recheadas de histórias e almoços e noitadas regados a muitas caipirinhas e cervejas. Contando sempre com o bom humor dele e da banda.

Na primeira vez que o cantor e guitarrista veio a Santos armou-se uma visita ao Santos Futebol Clube, onde foi recebido pela diretoria do clube que o presenteou com uma camisa autografada por Pelé, além de uma bola, também autografada, diretamente das mãos do artilheiro Pepe, o Canhão da Vila.

Na segunda vez, quase o show não acontece. Consegui reverter a situação nos quarenta e cinco do segundo tempo com a ajuda do Secretário de Cultura Carlos Pinto. A data disponível era a mesma da Virada Cultural em Santos e o teatro estaria ocupado. Depois de alguma negociação o pessoal da Virada acabou comprando o show e John Pizzarelli se apresentou com entrada gratuita à população. Sorte de quem estava lá.

Na terceira, Pizzarelli veio para uma noite beneficente arranjada pelo radialista Cássio Laranja. O show foi no salão de um hotel chic da cidade. Esse espetáculo também contou com a produção do Thiago e da Carol, nossos associados naquele ocasião. O Thiago fez uma ótima entrevista com John Pizzarelli para a revista Ao Vivo.

Dessa vez fomos jantar em um restaurante na Ilha Porchat e a dupla de músicos, por coincidência os amigos Rogério Baraquet e Ricardo, sacaram Beatles do repertório. Talvez já estivessem mal intencionados, pois reconheceram Pizzarelli quando esse chegou ao local. Rogério o chamou e Pizzarelli nem fez doce. Subiu ao pequeno palco e mandou Can’t Buy Me Love. Mais uma vez, sorte de quem estava lá.

Na quarta e última visita, realizei essa entrevista. John Pizzarelli acabara de lançar Rockin’ In Rhythm – A Tribute to Duke Ellington, um de seus melhores álbuns. Recheado de preciosidades, o CD tenta reproduzir em estúdio uma atmosfera de "ao vivo", com a banda, é claro, ao vivo no estúdio.

Além de Martin Pizzarelli (baixo acústico), Tony Tedesco (bateria) e Larry Fuller (piano), entre os convidados estão célebres figuras do jazz do passado e da atualidade. A começar pelo velho Bucky Pizzarelli (guitarras acústica e elétrica), Harry Allen (sax tenor) e Aaron Weinstein (violino). O disco conta ainda com Tony Kadleck (trompete), John Mosca (trombone), Andy Fusco (sax alto e clarineta), Kenny Berger (sax barítono) e Kurt Elling e Jessica Molaskey (esposa de Pizzarelli), nos vocais em Perdido. A produção é de seu parceiro de longa data Don Sebesky.

Todos esses shows não teriam acontecido sem a parceria de Herbert Lucas, Thais Lucas, Roberto Tolotti e Edgar Radesca.

Eugênio Martins Júnior – Qual a importância de Duke Ellington para a cultura norte-americana?

John Pizzarelli – Duke Ellington é uma das estrelas para o Jazz americano, assim como Tom Jobim é para a Bossa Nova. Como Jobim, tocava piano, escrevia música, liderava uma banda, etc. Todas essas coisas somadas o tornaram um dos maiores artistas da América.

EM – Mas Ellington também está entre os grandes que lideraram orquestras como Count Basie e Stan Kenton.

JP – Sim, mas ele escreveu um monte de músicas diferentes e fez com que a banda tivesse um som próprio. Quero dizer, sou um grande fã de Count Basie, mas a contribuição de Duke Ellington é sem dúvida muito maior por causa das suas composições instrumentais e por achar a banda tão importante.

EM – Conte quando e como surgiu a idéia de homenagear Duke?

JP – Uma das idéias que eu tinha era de fazer um disco com o jazz de verdade. Em todos os discos anteriores eu nunca havia homenageado Duke Ellington, o verdadeiro jazz. E ele oferece muitas oportunidades.

EM – Através dos anos você gravou temas de outros artistas. Qual é seu principal cuidado quando faz a sua versão de um velho tema?

JP – Conheço várias pessoas cujas músicas eu gravei. Conheci James Taylor e trabalhei com Natalie Cole e acho que eles gostaram das versões que fiz. Uma das coisas que eu espero é que as pessoas gostem. Como as próprias versões que fiz dos Beatles. Isso é muito bom.

EM – Sim, muitos artistas cantam versões dos Beatles, mas você representa a tradição do Jazz.

JP – Certo, mas não interessa o que você grava, independente de sua tradição ou seu estilo, você pode se comunicar. Tanto Beatles, quanto James Taylor são: John Pizzarelli plays...

EM – Você é filho de Bucky Pizzarelli e viu muita coisa dentro de sua própria casa, mas quando foi que a música realmente se apossou da tua alma?

JP – (risos) Acho que foi com os Beatles. Quando era garoto pegava uma ripa de madeira e fazia de guitarra, imitava o jeito dos Beatles. Adorava vê-los tocar. Quando meu pai me deu um banjo eu percebi que podia tocar música. Era 1965, 66, 67, quando ouvir música e aprender a tocar um instrumento era uma coisa muito excitante. Peguei uma guitarra quando tinha dez anos e aprendi sozinho.

Em – Qual foi a real influência de Bucky Pizzarelli em sua música? E todos aqueles artistas na sua casa...

JP – Nem era tanto pela música, era mais pela diversão Zoot Sims ia e tocava saxofone tenor e tomava uns drinks. Les Paul jantava, tomava uns drinks e se divertia. E, claro, às vezes tocavam música. Mas os próprios caras eram interessantes. E eu pensava: “Uauu!! Como eu poderia ser amigo desses caras?”. E o meio de ser amigo desses caras era aprendendo Honeysuckle Rose, Rose Room, Satin Doll...

Eles não tocavam sempre, mas eram sempre muito engraçados, estavam sempre de bom humor. Era incrível.

EM – Você gravou Bossa Nova em 2004, mas a música brasileira tem muitos ritmos, como o samba e ritmos do nordeste do país. Em todas essas vezes que esteve no Brasil, teve contato com esses ritmos?

JP – João Gilberto foi o começo, mas quanto mais eu venho ao Brasil, mais posso ouvir outras coisas, como o Chorinho e outros tipos de ritmos. E espero aprender outras coisas, diferentes sons, diferentes canções para incorporar em minha música.

EM – Sei que você conhece João Bosco (a imitação de Bosco feita por Pizzarelli em I Like Jersey Best é impagável), Ivan Lins...

JP – Toninho Horta, Milton Nascimento, Chico Buarque, Gilberto Gil, Djavan e alguns da geração anterior também.

EM – Aqui nós chamamos de MPB, Música Popular Brasileira, mas hoje em dia ela não é tão popular.

JP – É verdade, assim como nos Estados Unidos. É música pop, mas é outro tipo de música pop. É um gênero que comporta vários tipos de música. É uma música que eu gosto muito.

EM – Você reuniu um time perfeito. Há quanto tempo estão juntos?

JP – Todos sabem o que tem de fazer no grupo. Não há estrelas. Esse grupo esta junto há seis anos. Larry é o mais novo e é maravilhoso. Tem um piano suingado que é perfeito e é raro achar um pianista com essa intensidade. Tony bate um bolão. Larry é o Pelé e Tony é o Pepe (risos). Mas é mesmo como se fosse um time. Por isso soamos tão bem. Também nos damos bem fora do palco.

EM – Você gravou mais de vinte álbuns em 20 vinte anos de carreira. Como faz para manter esse ritmo?

JP – É divertido. Eu amo o processo. Amo fazer os arranjos, pensar no time para a gravação. Pode ser Duke Ellington, Bossa Nova, canções pop ou canções românticas. Gosto de pensar como vai ser. É sempre um desafio. É como um intenso e curto caso de amor. Você tem as idéias, grava o disco e depois a coisa acaba. Acho que essa é uma boa analogia.

EM – O grupo é muito mais solto quando está no palco do que nos álbuns, gostaria que falasse sobre isso. A hora que estão apenas os quatro em cima do palco é a hora da verdade?

JP – Certo. Acho que é porque não temos de nos preocupar com o tempo e fazemos o que queremos fazer. Tentamos gravar os discos assim também, mas é difícil. Fazer as mesmas coisas que fazemos ao vivo no estúdio. No estúdio não há a reação da audiência, como tivemos hoje. Isso te energiza. Nós nunca sabemos como ela irá se sentir.

EM – Em tempos de internet, downloads, e música eletrônica, o que é preciso fazer para as pessoas manter o interesse no jazz?

JP – Grandes apresentações ao vivo. Elas nunca serão substituídas. Acredito que subir ao palco e causar uma boa impressão é a única coisa que temos. Quero dizer, manter sua personalidade ao vivo. Música ao vivo nunca vai acabar.

EM – Nunca tirar o fator humano da equação?

JP – Sim é isso. Nada substitui isso. Temos muito prazer em tocar em lugares onde as pessoas estão com fome de música.

EM – Já que estamos falando nisso, o que você acha dos downloads?

JP – Ohh, acho bom. É como esse negócio é. Vejo de uma forma que isso acaba trabalhando a nosso favor. Nesse meio muitos pensam: “Como vou ganhar dinheiro com isso?”. Eu digo que ganhamos dinheiro fazendo shows. Enquanto você nos prestigiar e as pessoas vierem nos ver, continuaremos tocando ao vivo.

EM – Sei que devem ter acontecido muitos, mas gostaria que destacasse um grande momento em sua carreira.

JP – Vou falar do Brasil. Foi quando toquei Garota de Ipanema a primeira vez em São Paulo. Toda a audiência cantou em português e depois em inglês. Foi no Bourbon Street. Foi muito louco porque foi uma coisa inesperada. Depois disso Diana Krall me encontrou e disse: “Cara, toquei Garota de Ipanema no Bourbon Street e todo mundo cantou junto”. Eu disse: “Eu sei, eu também”. (risos)

Ficamos surpresos com a beleza, o ritmo e a unidade das vozes cantando. Foi maravilhoso.

EM – O que você mais gosta no Brasil e o que mais odeia?

JP – Acho que não existe alguma coisa que eu odeie. As pessoas são alegres. Nos divertimos muito nos lugares onde tocamos. Passamos bons momentos bebendo, fazendo música, rindo e fazendo piadas. O que eu gosto no Brasil é que há culturas diferentes em cada cidade. Em São Paulo, Santos, Belo Horizonte , todos têm orgulho de alguma coisa. Você vai a um lugar e eles têm o melhor churrasco, em outro eles têm a melhor cachaça, no outro o melhor chopp, aqui é o melhor futebol. É impressionante. A cultura é riquíssima.

Sam Rivers morre na Flórida aos 88

2011-12-28T06:09:00.000-08:00

Considerado um dos grandes nomes da vanguarda do jazz por sua capacidade de improvisação, o saxofonista Sam Rivers morreu de pneumonia aos 88 anos de pneumonia em Orlando, estado da Flórida, EUA.
Nascido em uma família de músicos, Rivers integrou a banda da diva Billie Holiday nos anos 50 e tocou com Miles Davis nos 60.
Adepto do Be Bop, o saxofonista de Oklahoma gravou uma série de álbuns inovadores de sua própria autoria para o selo Blue Note, entre eles Fuchsia Swing Song. Também tocou junto com o baixista Dave Holland e o baterista Tony Williams.
Em 1970, Rivers e sua esposa Bea compraram um apartamento no coração de Nova York, vindo a se tornar um local de encontro para músicos e aficionados por jazz. O nome do lugar era Studio Rivbea.
Em pouco tempo, este lugar se converteu na pedra angular do movimento "Loft jazz scene", que se popularizou nos anos 70 em Nova York e que consiste em fazer shows em grandes apartamentos, que são de fato reciclagens de fábricas e armazéns em desuso.
Nos anos 80, Rivers tocou durante quatro anos com a banda United Nations de Dizzy" Gillespie, para logo se estabelecer em Orlando e formar sua própria banda.
"Para mim, meu pai esteve de férias a vida toda", disse sua filha e empresária Monique Rivers Williams na segunda-feira, ao jornal The Orlando Sentinal, ao informar sobre o falecimento.
"Ele costumava me dizer: 'Estou trabalhando, mas aproveito cada momento dele'", explicou. "Aposentaria não fazia parte de seu vocabulário. Ele costumava me perguntar: Para que temos essa palavra?", acrescentou.

A história do blues brasileiro passa por Flávio Guimarães

2011-12-25T12:31:00.000-08:00

Texto: Eugênio Martins Júniors

Fotos: Divulgação

Flávio Guimarães é o gaitista mais respeitado da cena blueseira brasileira. Tanto aqui como lá fora. Integrante do pioneiro grupo Blues Etílicos, está por aí há 25 anos, tocando, gravando e escrevendo a história do gênero no Brasil.

Participou de um dos primeiros e mais importantes festivais de blues realizados no país, o Festival Internacional de Blues de Ribeirão Preto, em 1989, onde eu mesmo tive o prazer de assistir a lenda viva, o guitarrista e cantor Albert Collins.
O show teve a participação da guitarrista, na época principiante, Debbie Davis, e foi a primeira vez que vi um músico usar um cabo de trinta metros para descer e tocar no meio da multidão. Mr Collins incendiou a já quente e abafada noite de Ribeirão Preto. Pois é, não falei que o cara participou da história. Flávio conta um pouco desse grande evento na entrevista abaixo.
Considerado um dos músicos mais técnicos em seu instrumento, em seus trabalhos mais recentes, Flávio Guimarães e Prado Blues Band, The Blues Follow Me e Flávio Guimarães and Friends, o gaitista carioca mergulhou profundamente no estilo tradicional de tocar a harmônica blues.
Ele também é responsável por um dos eventos ligados ao blues mais legais realizados em São Paulo, o Encontro Internacional de Harmônica, no Sesc Pompéia, que reúne nomes do Brasil, América do Sul e Estados Unidos e que em 2011 chegou à décima edição.
Joe Filisko, Mitch Kashmar, Gonzalo Araya, Adrian Jimenez, Rick Estrin, Andy Just, Ivan Márcio, Big Chico, Harmônicos e muitos outros já participaram.

Eugênio Martins Júnior – Como foi que você chegou à harmônica?
Flávio Guimarães – Desde a infância, na minha casa, havia bons discos. Desde música brasileira até de jazz. Meu pai ouvia jazz, me lembro de ter ido com ele aos, sei lá, dez anos de idade, ver uma banda de Dixieland americana, de New Orleans, no Teatro Municipal do Rio. Ele deu um jeito de eu entrar, era um cara que curtia jazz, então eu já tinha essa sonoridade do jazz na minha cabeça. E o tipo de jazz que meu pai ouvia, um jazz mais antigo, tinha blues no meio. No caso da harmônica eu já tinha vários amigos músicos e eu atacava de roadie de vez em quando. Um dia assisti a um show do Rildo Hora no Parque da Catacumba e achei incrível o som que saia do instrumento. Um instrumento que ficava quase invisível na mão. Ali me despertou o interesse. Menos de um mês depois assisti o Maurício Einhorn e o procurei para ter aulas. Tive muitas aulas com o Maurício ao longo de vários anos, ia e voltava, mas fiz um aprendizado formal de (harmônica) cromática com ele. Naquela época, em 1983, por aí, a gente não tinha muita importação no Brasil, os discos de blues eram raros. Que eu me lembre, o que saiu no Brasil com gaita, eram os discos do Muddy Waters e do Johnny Winter, acho que o White, Hot and Blues, um disco muito bom com o Pat Ramsey na gaita. Esses discos foram lançados no Brasil e tocaram na Rádio Fluminense, a Maldita. Não sabia se era gaita ou se era guitarra. Um dia um amigo me deu uma fita do Sugar Blues e eu mostrei ao Maurício e perguntei se era gaita diatônica. Ele disse não de jeito nenhum, isso é uma gaita (Hohner) Koch. É uma diatônica de chave. Fiquei louco atrás dessa gaita e naturalmente descobri que não era Koch coisa nenhuma. O Maurício nunca havia visto ninguém tocar de fato uma diatônica bem e não acreditou que era. Ela chamava a gaita diatônica de “porrinhola”. Dizia que era um brinquedo. Aí eu comprei umas duas gaitas diatônicas e comecei a aprender de ouvido com Bob Dylan, Neil Young. O Primeiro LP dos Rolling Stones tinha o Brian Jones tocando gaita. Aí cheguei em Muddy Waters. Através da loja do Carlitos Patroni, a Chess Carlitos, no Rio, conheci Charlie Musselwhite, Big Walter Horton, Sonny Boy Willianson, Little Walter e fui aprendendo de ouvido. Quando eu já tinha tomado gosto pela coisa, para tristeza do Maurício, comecei a tocar a cromática. Continuo tocando cromática, voltei para ela, mas a sonoridade da diatônica me apaixonou.

EM – Então na diatônica você começou como autodidata?
FG – Comecei como autodidata em 85 e tive a idéia de montar uma banda de blues sem pretensões profissionais, só para me divertir. Já conhecia o baixista Cláudio Bedran e nós conhecemos o Otávio Rocha que tinha um estúdio em sua casa. Começamos a ensaiar e aquilo foi o embrião do Blues Etílicos. Um ano depois a banda estava formada. Dois anos depois o Blues Etílicos estava lançando o disco. Três anos depois estávamos sendo contratados por uma gravadora de São Paulo, a Eldorado. Ou seja, a brincadeira e o profissionalismo foram dois ou três anos. Começamos a tocar em São Paulo, fazer programas especiais na TV Manchete, TV Cultura, depois MTV e aconteceu o boom no Brasil, nessa época.

EM – Então o Blues Etílicos foi a banda seminal do blues no Rio e em São Paulo foi o André Christovam?
FG – Sim, o único cara que a gente ouviu falar que estava ligado ao blues e que havia acabado de chegar dos Estados Unidos era o André. Conheci-o em 88. O segundo disco do Blues Etílicos foi por uma grande gravadora, na época a Eldorado era grande, saiu praticamente junto com o nosso. O André participou do nosso e eu participei do dele.

EM - Hoje as bandas de blues brasileiras têm em quem se inspirar ou até mesmo quem pode dar uma força no começo da carreira. Na época em que o Blues Etílicos começou não havia isso. Conta como foi esse momento. A criação do Blues Etílicos?
FG – Existia uma ascendência do rock brasileiro dos anos 80 que era muito forte. Mas como não era o nosso universo, nós não tínhamos a pretensão de virar um artista de rock, com aquela coisa do rock da época com um cantor dançando na frente, com pose e atitude rock and roll. A gente não se identificava com aquilo, mas éramos apaixonados pelos discos de blues do Muddy Waters, Johnny Winter, Little Walter. A gente montou uma banda de blues cuja intenção era tocar nos finais de semana em um bar ou outro no Rio de Janeiro. Naquele momento que montamos a banda não imaginávamos que aquilo ia virar a nossa profissão. Todos com vinte e poucos anos de idade. Aconteceu que a gente começou a tocar, o bar começou a encher, começou a entrar dinheiro. Uma loja de discos do Rio, a Satisfaction, resolveu bancar um LP independente e esse LP atraiu a atenção de uma gravadora. Aí quem estava com vinte e poucos anos, sendo impelido a trabalhar de segunda à sexta, oito horas por dia ou mais, para poder ganhar algum dinheiro, estava ganhando mais tocando do que trabalhando. Pensamos: “Pô, isso é muito melhor do que trabalhar!”. Sem conta que sempre ficamos em bons hotéis, comemos bem, tem cerveja de graça, conhecemos mulheres interessantes, fomos bem tratados. Isso aqui é vida, trabalhar, tô fora.

EM – O André Christovam me disse que os álbuns dele Mandinga e A Touch of Glass e Água Mineral e San-Ho-Zay do Blues Etílicos venderam mais de 40 mil cópias. Juntos, os quatro venderam mais do que todos os discos de blues nacionais e internacionais lançados no Brasil até então. Vinte anos depois, como você lembra dessa época?
FG – Saiu uma matéria na Folha de S. Paulo, acho que em 92, e tinha os discos de blues mais vendidos no Brasil. Em primeiro lugar estava um disco do B.B. King que vendeu 50 mil cópias. Depois vinha o Blues Etílicos San-Ho-Zay com 35 mil cópias. A contagem era feita em cima de LPs e fitas cassetes. Lembro que o Água Mineral vendeu 25 mil cópias. Imagino que o Mandinga, do André, tenha vendido em torno de 20 mil. O André teve mais espaço na mídia do que o Blues Etílicos, mas acho que, não só naquela época, o fato de sermos uma banda era uma coisa inédita. O artista isolado faz o seu trabalho e tem seu fã clube, mas uma banda tem um potencial maior e, claro, tem a galera que gosta do Greg Wilson, um cantor americano que toca guitarra pra caramba, uns gostavam da slide do Otávio, outros gostavam da gaita. Nessa soma toda a gente acabava ganhando. A importância do André na cena do blues paulista é até maior do que a nossa e fizemos vários eventos bem sucedidos, inclusive juntos. Os shows das duas bandas, um dia o André abria e no outro era a gente. Levamos o André pra tocar no Rio e ele trouxe a gente pra tocar em São Paulo, foi um período muito legal.

EM – Gostaria que você lembrasse aquela viagem à Ribeirão Preto. Com todos aqueles cobras viajando juntos e aqueles shows.
FG – O Festival de Blues de Ribeirão Preto, produzido pelo César Castanho, em 1989, foi o grande divisor de águas para o blues no Brasil. Além de ter tido o melhor cast de todos os tempos, com Buddy Guy, Albert Collins, Etta James, Magic Slim com uma banda maravilhosa, o Teardrops em sua formação original com o John Primer na guitarra, a guitarrista Debbie Davis. O clima do festival foi muito bom, teve interação entre os músicos, jam sessions e tal. O Blues Etílicos abre o festival na primeira noite para o Buddy Guy e ele me convida ao palco pra tocar com ele. Entrei com as mão e pernas tremendo e quando saí o Junior Wells me deu um tapinha no ombro e entrou no palco. Foi emocionante, o festival colocou o Brasil no mapa do blues aqui no Brasil. Por que? Passou duas vezes no Fantástico, quatro vezes no Jornal Nacional, no Jornal da Cultura, na Folha de S. Paulo. Um mês antes do festival foi fretado um avião para Ribeirão Preto pra uma coletiva de imprensa. A imprensa cobriu 100% do festival. O Blues estourou no Brasil, naquele momento a gente pegou a crista da onda. O César castanho manteve bons festivais até meados dos anos 90. Teve também um festival muito bom que foi o Top Cats, que trouxe o Willian Clarke, Little Charlie and The Nightcats, Robert Cray e muita gente boa. O Bourbon Street entrou na jogada e foram anos muito bacanas e o blues seguiu crescendo aproximadamente até 2002. Aí acontece uma mudança dentro do cenário do blues, houve um excesso de bandas novas surgindo e essas bandas ocuparam o espaço das bandas anteriores, porque as bandas que vinham antes, nós o André o Nuno Mindelis, tinham um cachê um pouco menor do que as bandas de rock. Entrou uma geração nova de músicos de blues que se dispõe a tocar de graça nos bares ou por pequenas percentagens de bilheteria ou de graça mesmo. Então o dono de bar começa a pensar porque ele vai pagar alguém se eu tenho esses caras que tocam de graça. Essas bandas, muitas vezes, eram formadas por médicos, dentistas, jornalistas, bancários que curtiam blues e montavam suas próprias bandas para divertimento. E eram tantas bandas ruins tocando em São Paulo que o público de blues se evadiu, os bares fecharam ou mudaram sua programação, colocando bandas de cover de rock.

EM – Que também é ruim.
FG – Sim e houve uma ressaca. Os grandes meios de comunicação começaram a considerar o blues uma coisa que não era mias relevante no cenário cultural brasileiro. Claro que com o tempo, o joio se separa do trigo e quem curte tocar e toca com qualidade se manteve. Também surgiu uma nova geração de músicos que levam o blues à sério, Igor Prado, Ivan Márcio, Flávio Naves. Uma galera que ta aí pra viver de música e o blues volta a ter qualidade no Brasil. As bandas mais amadoras foram desistindo. Isso foi um ciclo que aconteceu no blues do Brasil.

EM – E com relação às letras em português, você acha que atrapalhou ou ajudou? O André me disse que se vocês continuassem a fazer letras em português o sucesso continuaria.
FG – Eu concordo com ele. O André é um grande letrista em português, aquele disco Mandinga. Acho que as letras dele era superior às nossas, mas o nosso lance do humor despretensioso. Acho que nós desistimos de fazer letras em português por dois motivos: um público mais radical que queria ouvir blues em inglês e a outra é que a música popular brasileira tem uma exigência muito alta no quesito letra. Quer dizer, não há essa exigência quando é o sertanejo, o pagode, nada disso. Como a gente estava em um seguimento, digamos, de música com qualidade, porque era considerado dessa forma pelas gravadoras, rádios e jornais, então queriam que a gente fizesse letras com a profundidade e a riqueza métrica e poética do Caetano Veloso ou do Chico Buarque e a gente não tinha isso. Até porque o blues original não é profundo, são letras muito simples, muito populares, com duplo sentido e com bom humor. Não só concordo com o André, como acho curioso que 90% dos trabalhos de blues no Brasil não são autorais. Trabalhos de blues em português são raríssimos. É um entrave pra você expandir o público. No caso do blues, quando você entende a letra, o humor, o duplo sentido, a malícia. Às vezes o cara entende ao pé da letra e aí a letra fica tosca. Mas é como o nosso forró, tem uma sacanagem, tudo com conotação sexual. Quando você entende, você se diverte. O blues nada mais é do que uma boa história contada e com uma instrumentação rica, um bate bola legal. Realmente, o blues brasileiro acabou sendo uma coisa de solistas de guitarra, solistas de gaita, tendo mais destaque que a letra ou o cantor. Perdeu um pouco o sentido, mas faz parte.

EM - Em que momento você sentiu que era a hora de sair em carreira solo?
FG – Em 94 gravei o Little Blues que saiu em 95. Depois tive um hiato de cinco anos e em 2000 lancei o On The Loose. Quando rolou essa ressaca de blues, tanto eu quanto o Blues Etílicos, tentamos fazer uma coisa mais dentro do universo da música popular brasileira, sem muita definição, mas não era blues, os discos Cor do Universo e o Navegaita. Foram tentativas positivas porque geraram boas músicas, coisas interessantes como O Repente, Balada de Robert Johnson, misturas originais e criativas que achei que foram válidas. Deu certo até certo ponto, mas a gente retornou ao segmento blues. Era isso que gerava o nosso sustento e nossa alegria. O Blues Etílicos é uma das raras bandas no Brasil que tem material próprio, temos um DVD que tem um monte de músicas nossas e parcerias. Existe uma mistura com a música brasileira sem forçar a barra, onde o blues se integra naturalmente. Uma mistura que deu certo.

EM – Nesse tempo em que você está em carreira solo, se distanciou um pouco do teu estilo inicial. Quer dizer, antes você era muito mais técnico, com solos mais fortes, cheios de notas e tal. Mas agora está com um estilo mais tradicional. Você concorda?
FG - No início tocava rock e blues rock com embocadura de bico, muitas vezes focado em velocidade e técnica. Timbre e melodia vêm substituindo essa fase que considero como uma espécie de adolescência na gaita.

EM – Tua parceria com a Prado Blues Band vem de encontro ao que eu perguntei antes. Entre as tuas parcerias, essa é, sem dúvida, a mais prolífica, já rendeu participações de ambos os lados. Gostaria que falasse sobre isso.
FG - O Blues é um tipo de música que se toca em time. Pra blues tradicional, Igor e Cia. preencheram uma lacuna que faltava no Brasil. Sabem acompanhar um gaitista tradicional como poucos.

EM – O CD Flávio Guimarães and Friends acaba de sair do forno. Como nasceu a idéia de gravar todas essas parcerias. Ou elas já estavam no baú só esperando a oportunidade de serem publicadas?
FG - Tive a sorte e felicidade de trabalhar e aprender com alguns dos melhores mestres da gaita blues e esse CD registra nossa parceria.

EM – Nesse CD tem Rick Estrin, Peter Madcat Charlie Musselwhite, Joe Filisko, Steve Guyger, Gary Smith e sei que cada momento deve ter sido especial. Mas qual foi o mais emocionante?
FG - Todos foram momentos especiais e inspirados. Mesmo achando que o CD tem um certo excesso de gaita, acho que vale muito a pena pelo contraste de estilos e pelo valor histórico de reunir tantos ícones da gaita blues num mesmo CD.

EM – O Brasil tem uma cena blues hoje?
FG - Sem dúvida o Brasil se tornou um dos 10 maiores mercados de blues no mundo. Ainda existe muito amadorismo, mas cada vez mais estamos nos profissionalizando.

EM – Você é o principal nome da harmônica blues no Brasil. Já pensou em gravar ou até mesmo fazer uma temporada nos Estados Unidos? Conhecimento é o que não lhe falta?
FG - Já toquei nos EUA, oficialmente em festivais e bares de blues com remuneração além de muitas canjas em bares. Tocar blues na Europa e EUA é pura curtição, bom pra quem não tem filhos ou outros compromissos financeiros. Vale pela experiência e intercambio, mas, em geral, se computarmos as despesas e os presentes que trazemos pra família, o músico brasileiro volta com menos dólares do que levou.

EM – Qual é o equipamento que você usa no palco?
FG - Amplificador Serrano e mic Astatic JT 30 é minha configuração ideal.

EM – Qual é a tua orientação para desenvolver aquele timbre super?
FG - 100% tongue blocking pra se tocar blues é a resposta. Tem uns 10 caras no Brasil apenas que conseguem tocar dessa forma. Em CDs e gravações podemos maquiar o timbre com alguns recursos de gravação e mixagem, mas ao vivo o buraco é mais embaixo.

Morre Hubert Sumlin, a guitarra de Howlin' Wolf

2011-12-05T07:05:00.001-08:00

Hubert Sumlin, um dos últimos ícones da guitarra blues, morreu ontem aos 80 anos em Nova Jersey (EUA).

Parceiro de Howlin 'Wolf, participou das lendárias sessões na Ches Records que registraram clássicas canções como o Wang Dang Doodle, Spoonful e Backdoor Man.

Seu jeito de tocar foi referência para gerações de guitarristas, entre eles, Budy Guy e Jimi Hendrix. Além deles, Keith Richards, dos Rolling Stones, Jimi Hendrix e Frank Zappa já disseram ser influenciados pelo músico, que ficou no 43º lugar na mais recente lista dos 100 maiores guitarristas da revista "Rolling Stone.

Sumlin foi um dos principais nomes da cena blues de Chicago, tendo conseguido um espaço no Hall da fama do blues em 2008.

Nasceu no Mississippi, foi criado em Arkansas e se mudou para Chicago para tocar com Howlin 'Wolf. Após a morte de Wolf, em 1976, continuou a tocar com o resto da banda, quando adotaram o nome The Gang Wolf.

Ele foi diagnosticado com câncer nos pulmões em 2002 e teve um pulmão retirado, mas continuou tocando.

VIDA DE LOJISTA: A ordem dos fatores não altera o produto

2011-11-22T10:08:00.001-08:00

Abro aqui uma exceção e publico uma matéria escrita para outro veículo. O motivo é que a Harmonica Master, uma loja especializada em gaitas, cresce graças ao esforço de dois amantes do instrumento: Rodrigo Morenno e Fabíula.

Por Juliana Cruz

Para Música e Mercado

Empresário há 12 anos, Rodrigo Morenno fez o caminho inverso da maioria dos lojistas brasileiros do setor de instrumentos musicais. Em 2006, o comerciante, habituado a vender cartuchos e prover assistência técnica para impressoras, começou a comprar e vender gaitas pela internet, abrindo, em março do ano seguinte, uma loja virtual especializada no instrumento.

A escolha da gaita se deu pelo fato de Morenno tocar harmônica. Ele começou a estudar em 2000 e, em 2001, fundou o Gaita-BS (Gaitistas da Baixada Santista), grupo regional que reunia entusiastas do instrumento. “Notando a imensa dificuldade dos gaitistas em conseguir o produto desejado nas lojas e pela internet, encontrei a oportunidade de vendê-los. O sucesso foi imediato”, conta.

Para abrir a loja virtual foi necessária muita dedicação do empresário, que não sabia utilizar ferramentas como Corel Draw, Photoshop ou qualquer software de programação. “Escolhi um sistema de loja virtual de software livre (Virtua Store), fiz alguns ajustes e contratei um programador para corrigir os erros. Aprendi tudo sozinho consultando a internet”, orgulha-se.

A expectativa inicial do lojista era ser referência no comércio de harmônicas e, segundo ele, o objetivo foi alcançado rapidamente. O comerciante atribui o êxito à sua vivência de 12 anos como empresário. Além disso, ele sabia que precisava prover um serviço satisfatório para manter os clientes sempre voltando ao seu site.

Após um ano na web, a então Harmônica Master optou por locar um sistema mais robusto, seguro e com mais recursos. Foi quando Morenno se profissionalizou e contratou uma agência de publicidade para criar o logotipo da empresa. O site foi lançado oficialmente em 1º de março de 2007 e, embora ainda hoje dependa de sistema alugado, a empresa já conta com webdesigner e SEO próprio (veja quadro na pág. XX).

Primeiros passos - Como em qualquer novo negócio, o comerciante também enfrentou problemas para abastecer seu site de compras com produtos. “Tínhamos dificuldade em negociar com os fornecedores, pois muitos não vendem para comércios virtuais que não tenham uma loja física”, explica. Porém, superando as dificuldades com empenho, dois anos depois de entrar no mercado de gaitas, em abril de 2009, a empresa inaugurou sua loja física, dentro do Embaré Shopping, uma galeria com 50 lojas localizada na cidade de Santos, SP. “Inauguramos a primeira loja física especializada em gaitas do Brasil e do mundo”, afirma o empresário.

Com a abertura da Harmônica Master, Morenno, que divide as responsabilidades da loja apenas com sua esposa, Fabíula Morenno, teve de enfrentar novos desafios em termos de organização. “Não foi como montar uma loja virtual. Não se tratava mais de editar uma imagem para colocar no site e embalar um produto para envio. Tudo se tornou mais complexo e minha esposa e eu precisamos aprender sozinhos, sem auxílio ou referências”, explica o comerciante sobre a expansão inversa de seu negócio.

Com a expansão, Morenno descobriu um dos pontos importantes em ter um negócio onde se atende o consumidor face a face. Quando vendia somente pela internet, não sabia quem eram seus clientes, por isso se surpreendeu quando descobriu que não se tratava necessariamente de músicos profissionais. “Na realidade, a maioria das vendas é para os iniciantes”, comenta. Assim, começou a mudar a abordagem do negócio a fim de alcançar de forma mais efetiva também os músicos profissionais. Inclusive, um nicho especial de clientes da loja, tanto virtual quanto física, é formado até hoje por músicos de blues, e, para garantir sua satisfação, a Harmônica Master já compra produtos nas cores e modelos que os bluesmen mais gostam.

Tamanho não é documento - Com estrutura enxuta, a loja é completamente informatizada, com apenas dois vendedores atuando sob a supervisão de Morenno e de sua esposa. “Damos preferência a funcionários músicos. O conhecimento específico do assunto é essencial”, complementa.

Em relação aos produtos que vende, orgulha-se por ter sido um dos primeiros clientes da Bends, empresa que encerrou suas atividades no ano passado. “Sempre apoiamos a iniciativa deles, disponibilizávamos toda a linha de produtos em estoque e indicávamos aos consumidores”, afirma.

Para Morenno, a Bends teve papel importante na divulgação da gaita no Brasil e agitou a concorrência. Os produtos da marca estavam entre os mais vendidos da loja, mas o fechamento da fábrica não impactou muito nos negócios da Harmônica Master. “Após a notícia de que a Bends ia parar de fabricar, os clientes compraram mais, o que afastou o receio de os produtos encalharem”, relembra. “Os músicos que utilizavam Bends hoje optam por outras marcas tradicionais, sempre disponíveis na loja, então não houve impacto negativo no faturamento”, conclui.

Ainda assim, o produto mais vendido na loja sempre foi a gaita Hering Free Blues afinada em C (Dó), muito indicada na internet pelos próprios usuários, conta Morenno. Como o segmento ia ‘muito bem, obrigado’, somente em 2010 o casal decidiu diversificar o mix, com acessórios e instrumentos de corda, sempre acrescentando, pouco a pouco, um novo item, como microfones, amplificadores, percussão etc.

Apostando em áudio, o empresário revela que o aumento da oferta de produtos garantiu excelentes resultados em vendas, com mais de 300% de crescimento no faturamento. “Áudio tem ótima saída no comércio virtual, diferentemente de um instrumento de corda, que o músico faz questão de testar vários e comparar”, explica.

Focados, mas sem medo de arriscar - Embora 80% dos lucros da Harmônica Master provenham do comércio virtual, Morenno planeja ampliar a loja física, atualmente com 50 m². De acordo com o empresário, o espaço já não atende às suas necessidades, pois desde 2010 também funciona a Escola de Música no piso superior. “Estamos buscando um novo local, de 150 a 200 m²”, comenta.

Morenno prefere mudar de estabelecimento em vez de abrir uma filial por estar seguro de que uma loja é suficiente, ainda mais porque seu foco é web.

Em Santos, além da Harmônica Master, existem oito lojas de instrumentos musicais e, nas outras cidades da Baixada Santista, apenas quatro. “O consumidor tem se voltado cada vez mais para o e-commerce e assim a concorrência passa a ser até internacional. Investimos e apostamos muito mais em nossa loja virtual, pois já temos clientes em todo o Brasil”, explica.

Com tanto investimento na web, é claro que a Harmônica Master precisa prezar pela eficácia da entrega dos pedidos da loja virtual e pelo atendimento personalizado aos clientes: “Oferecemos diversas formas de contato, telefonamos, nos preocupamos em somente vender aquilo que vai satisfazer a necessidade. Nosso foco é cliente satisfeito”.

O retorno de tamanha personalização tem sido satisfatório, pois a loja recebe diariamente e-mails espontâneos de consumidores elogiando o serviço. Já na loja física, a empresa aposta na flexibilidade na hora da negociação. “Em uma loja pequena, cada cliente é importantíssimo. Temos uma agenda repleta de contatos e os convidamos para os eventos que realizamos, além de avisarmos quando chegam novos produtos. Damos atenção personalizada a esses clientes também”, destaca.

Para sua felicidade, Morenno tem notado que, no segmento das harmônicas, a procura por instrumentos de melhor qualidade vem crescendo a cada dia: “Os gaitistas estão amadurecendo e encarando cada vez mais a gaita como um instrumento sério e completo, adequado a todo tipo de música”. O comerciante acredita que a facilidade de acesso às informações na internet tenha contribuído muito pra isso.

No próximo ano, além de instalar a loja e a Escola de Música num espaço físico maior — ajudando, também, na disseminação do estudo musical —, o empresário espera tornar a Harmônica Master tão conhecida na região quanto ela já é no comércio virtual. Para tal, Morenno e sua esposa pretendem explorar outros segmentos. “Já nos consolidamos no comércio virtual de gaitas, e sabemos que as harmônicas não devem representar nem 1% do faturamento de outras lojas. Vamos agora aplicar nossa qualidade de serviço a outros nichos que, embora sejam muito concorridos, representarão um crescimento expressivo para a Harmônica Master”, antecipa, otimista, o comerciante.

De volta aos palcos de Santos, Maria Rita vai emocionar em show com canções inéditas

2011-11-18T14:58:00.001-08:00

A cantora se apresenta no sábado, dia 10 de dezembro, às 22 horas, no Mendes Convention Center. O repertório conta com sucessos da carreira e canções de seu novo trabalho

Maria Rita volta ao palco em Santos com um espetáculo que promete emocionar e divertir seu público. A cantora usa a canção como foco e a voz como instrumento, em um show que reúne canções dos três discos gravados ao longo da carreira, além de músicas de projetos dos quais ela participou e inéditas para celebrar o lançamento de seu mais recente trabalho.

O show de Maria Rita tem encantado os fãs e é sinônimo de sucesso por onde passa. Em julho, a cantora viajou para uma curta temporada na Europa, onde se apresentou na França, Portugal e Suíça e, na volta ao Brasil, se prepara para celebrar seu quarto e tão esperado novo trabalho.

Maria Rita sobe ao palco acompanhada pelo trio composto por Thiago Costa (piano), Sylvinho Mazzucca (baixo) e Cuca Teixeira (bateria). No repertório, a cantora apresenta músicas como Caminho das Águas, O que é o amor, Num Corpo Só, Conceição dos Coqueiros, Santana, Só de Você, Encontro e Despedidas, entre outras.

Além das músicas já conhecidas do público e canções escolhidas porque, segundo a cantora, são músicas que gosta de cantar e que a emocionam, os fãs terão a oportunidade de conhecer trabalhos inéditos.

Serviço:

Show: Maria Rita

Local: Mendes Convention Center

Data: sábado, dia 10 de dezembro

Horário: 22 horas

Endereço: Av. Gen. Francisco Glicério, 206

Classificação: 14 anos

Ingressos no site WWW.compreingressos.com ou pelo telefone 4062-0027

E também nos pontos de venda:

Loja Ferrs’ – Av. Ana Costa, 549 – lojas 53/54 – Gonzaga – (13) 3284-8669 – Santos

Papelaria Marchiori – Av. Marina, 713 – Centro - Mongaguá

Preços:

Primeiro lote – 1300 ingressos

Setor Vip – R$ 170,00

Setor A – R$ 120,00

Setor B – R$ 100,00

Setor C1 – R$ 70,00

Setor C2 – R$ 70,00

Segundo lote

Setor Vip – R$ 200,00

Setor A – R$ 150,00

Setor B – R$ 120,00

Setor C1 – R$ 80,00

Setor C2 – R$ 80,00

Realização: Hub Entretenimento

Produção: Mannish Boy Produções Artísitcas

Apoios: Clube Assinante A Tribuna, TV Tribuna, Ferrs' e Papelaria Marchiori

OBS: Sócio Clube Assinante A Tribuna ganha 20% de desconto na compra de qualquer ingresso com apresentação de comprovante.

Chicago e São Paulo dividem o coração de Donny Nichilo

2011-10-27T07:04:00.000-07:00

Donny no Sesc Santos em 2010 - Produção do Mannish Blog

Texto: Eugênio Martins Júnior

Fotos: Marcos Rodrigues

Imagens: Chico Blues

Donny Nichilo nasceu em um dos lugares mais quentes do mundo para o blues: West Side Chicago. Em suas próprias palavras, “um bairro animado e turbulento”. Luther Allison, Magic Sam e Jimmy Dawkins são alguns nomes que assinam o som dessa parte da cidade.

Cresceu na lendária Maxwell Street, onde todos os domingos se instalava um mercado informal onde se vendia de tudo. Os aromas de churrasco de porco e frango frito se misturavam com o som do mais puro blues que poderia existir.

Naquela época, anos 60 e 70, a passagem pela Maxwell era obrigatória a todos os blueseiros, conhecidos ou não.

Essa atmosfera proporcionou um grande aprendizado ao jovem Donny que, em buscar do “Santo Graal”, tocava como, quando e com quem podia. Ainda havia os clubes onde a coisa real acontecia todas as noites. Sem exceção.

De tanto acender velas aos deuses do blues, um dia eles atenderam os pedidos de Donny e ele entrou para a banda de Buddy Guy. Aí sim, estava numa boa. No primeiro time, finalmente. Nesse período tocou com Junior Wells, Floyd McDaniel e Mighty Blue Kings. Além de cruzar com as personalidades da música na estrada, como veremos na entrevista abaixo. Algumas imagens são do show em Santos, em fevereiro de 2010. A produção foi do Mannish Blog e Agência Urbana.

Mas a vida é uma caixinha de surpresas e o coração de Donny foi fisgado pro uma brasileira. Assim, se instalou no Brasil e passou a desenvolver uma carreira solo na terra do Xote e do Baião.

Desde então, participa de shows por todo o país com as mais diferentes bandas de blues brasileiras. Lançou no começo de 2011 o CD Long Way From Chicago, com a participação da Igor Prado Band (eles de novo) e Sax Gordon. Uma história que une o frio (não a frieza) do hemisfério norte com o sol aqui de baixo. Isso dá blues.

Eugênio Martins Júnior - Quando e como foi seu primeiro contato com o blues?

Donny Nichilo – Conto uma pequena história na contracapa do meu CD, Long Way From Chicago, que responde essa pergunta. Tinha uns 17 anos e ouvia o rádio quando Little Walter tocou Key to the Highway. Senti como se estivesse ouvindo a melhor coisa que já havia ouvido em minha vida. Senti como se tivesse sido atingido por um raio. No mesmo dia corri pra comprar um álbum do Little Walter chamado Hate to See You Go e também comprei uma harmônica. Me tranquei no quarto até poder tocar um riff ou dois. Foi amor à primeira ouvida.

EM – Como foi o seu primeiro contato com a cena de Chicago? Conheceu a Maxwell Street nos bons tempos?

DN – Comecei a trabalhar na Maxwell Street na mesma época, vendendo coisas em uma barraca numa esquina. Havia bandas e músicos de blues andando em todos os lugares. Foi a última grande era da Maxwell Street. Às vezes eu sentava e ficava com as bandas. Isso faz parte da minha educação e paixão pelo blues. Sentia como se estivesse no céu.

EM - E o piano, como foi essa escolha?

DN – Comecei com a harmônica, que, é claro, ainda amava. Após tocar a harmônica, que toquei por mais ou menos um ano, percebi que precisava de outro instrumento para me expressar por completo, musicalmente falando. Então, comecei a aprender piano. Sempre amei o piano e foi nessa época que descobri Otis Spann, outro herói pra mim. Toquei meus discos do Otis Spann tantas vezes que os destruí, ficaram muito arranhados e impossíveis de ouvir. Às vezes eu comprava o mesmo álbum duas ou três vezes.

EM – Você tocou com o Buddy Guy, considerado um dos maiores nomes da atualidade e porque não dizer de todos os tempos. Como foi a experiência?

DN – Ter tocado com Buddy Guy foi a “virada” na minha carreira musical. Uma tremenda experiência. Viajei pelo mundo e toquei com pessoas como Albert King, Albert Collins, Gatemouth Brown, Junior Wells, Dr John, John Lee Hooker, Carlos Santana, Stevie Ray Vaughan, Ron Wood, e muitos nomes importantes da música. Isso obriga você a melhorar suas habilidades, tocar em um nível mais alto. Costumávamos tocar noite após noite por meses.

Todas essas coisas, mais as conexões e exposição, e todo aquele aprendizado se impõe em você. Isso me colocou em um lugar e em um nível musical diferente. Então, foi uma experiência inestimável. Foi maravilhoso.

James Wheeler, Donny e Igor Prado Band - Sesc Santos - Fevereiro de 2010

EM – Tenho a impressão de que tocar com o Buddy é caminhar em um campo minado. Ou seja, você tem sempre de estar atento, porque ele muda a toda hora. Procede?

DN – Uau! Boa pergunta... e muito verdadeira, muito perspicaz! Buddy é um grande showman, e como você sabe, muito espontâneo, pra dizer o mínimo. Buddy nunca prepara listas de músicas e não sei se você sabe às vezes ele não toca as músicas até o final! Então, você tem de prestar atenção, totalmente focado... todo o tempo. Por outro lado, é a outra face do meu grande aprendizado.

Espontaneidade e jogo de cintura são cruciais na música improvisada. Então, havia comunicação e respeito entre os membros da banda. Estamos em cima do palco trabalhando juntos, apoiando um ao outro, contando uma história como um grupo. Foi um ótimo treinamento.

EM – Você está morando no Brasil há quanto tempo? O que acha do país?

DN – Estou morando em São Paulo há três anos, indo e vindo de Chicago. Amo o espírito das pessoas daqui. Quando faço um show por aqui, é mais do que uma experiência interativa. As pessoas fazem parte do show e eu realmente gosto disso.

EM – Mesmo vivendo no Brasil, você continua tocando com os blueseiros norte-americanos por conta do intenso intercâmbio entre os músicos dos dois países. Fale um pouco sobre isso.

DN – Quando os blueseiros dos Estados Unidos vêm tocar no Brasil, sempre sou honrado com o convite para tocar piano com eles. Acho que é por que os músicos brasileiros sabem que tenho 35 anos de experiência profissional. E eu sempre posso ajudá-los com relação à cultura, de um ponto de vista norte-americano. Além disso, alguns já são velhos amigos e colegas de tocar nos EUA, acho que todas estas coisas ajudam a torná-los mais confortáveis aqui.

EM - Quais as diferenças e semelhanças entre os blueseiros brasileiros e os norte-americanos?

DN – Acho que em qualquer tipo de música, levamos toda a experiência de vida à maneira de tocar. Claro, os brasileiros têm seu próprio sentimento e abordagem. Isso não significa que o blues feito aqui é menos válido do que o dos norte-americanos. Por exemplo, ninguém irá dizer que George Shearing, ou Hermeto Pascoal, ou Oscar Peterson, ou Michel Petrutianni não são reconhecidos como grandes jazzistas, mesmo que nenhum deles seja norte-americano.

EM - Você tem desenvolvido uma carreira no Brasil. Como vê a cena brasileira?

DN – Acredito que a cena brasileira de blues está crescendo e se desenvolvendo. Parece que há alguns anos no Brasil só havia blues rock e blues tradicional. Acredito que agora a cena está amadurecendo e se tornando mais rica, com uma ampla representação em todas as formas e estilos de blues. Além disso, às vezes eu penso que existe uma paixão ainda maior para o blues aqui no Brasil e na América do Sul, porque ainda está sendo descoberto por muitos ouvintes.

EM – Você tocou nos discos e shows da Igor Prado Band e eles tocaram no teu CD. É uma parceria que está dando certo. Fale sobre isso.

DN – A primeira vez que toquei com o Igor foi no Sesc Araraquara, em 2004. Ele era muito novo naquele tempo, mas eu percebi que ele e seu irmão, Yuri, e a banda, eram especiais. Igor tem um profundo amor e entendimento sobre o blues norte-americano e acredito que nossa amizade pessoal e musical é boa para ambos.

Disse na contracapa do meu CD que não acredito que poderia ter achado uma banda mais apropriada do que Igor, Yuri e Rodrigo, para esse trabalho. Em Chicago ou em qualquer outro lugar... é verdade. Esses caras são os grandes novos talentos e acredito que todo o mundo do blues vai saber disso em breve.

EM – Fale-me sobre o teu CD. Como surgiu a idéia e oportunidade de gravá-lo?

DN – Houve um longo atraso em meu primeiro CD solo. Quero agradecer e creditar ao Chico Blues e ao Igor por ter me empurrado e ajudado a torná-lo realidade. E tenho de dizer, fiquei muito satisfeito com o resultado. Não poderia ter feito sem o Chico Blues, Igor, Yuri, Rodrigo e Sax Gordon. Suas contribuições fizeram esse CD ficar bom, se é que posso dizer assim.

EM - Você abriu o show do James Wheeler em Santos com Lately, a única composição sua no CD. Fale-me sobre ela.

DN – Lately é a única composição original do CD. É uma canção muito pessoal, escrita sobre uma experiência de vida minha. Sou muito crítico e exigente com relação às minhas composições. Inclui Lately por causa do que ela significa pra mim e porque acredito que ela é uma das minhas melhores composições... de longe. Mas virão mais por aí.

EM - O que você mais gosta e o que mais odeia no Brasil?

DN – Amo uma porção de coisas! Amo a comida, o clima, a natureza, as praias... muitas coisas. Mas, como disse antes, o que eu mais gosto é o espírito das pessoas e quanto elas são calorosas. Especialmente a intensa conexão com a audiência que eu sinto por aqui. Não odeio nada por aqui. Só gostaria de ver o país e sociedade melhores, para que mais pessoas possam ter uma vida mais próspera, segura e pacífica.

Donny’s interview

Eugênio Martins Júnior – When and how was your first contact with the Blues?

Donny Nichilo - I tell a little story in the liner notes of my CD, " Long Way from Chicago", which gives the answer to this question. I was around 17 years old, and I was listening to the radio, when I heard Little Walter playing " Key to the Highway". I felt like I heard the greatest thing I had ever heard in my life. I felt like I was struck by lightning !! That same day, I ran out and bought the Little Walter album " Hate To See You Go" and I also bought a harmonica and locked myself in my room until I could play a riff or 2. It was love at "first hearing".

EM – How was your contact with the local scene. Did you knew Maxwell Street?

DN – Around the same time, I started working on Maxwell St., selling goods from a street- corner stand. There were bands and strolling blues musicians playing everywhere !!. This was the last "great" era of Maxwell St. .I got to "sit in" with the bands sometimes.It was another great part of my blues passion and education. I felt like I was in heaven!

EM – How did you start to play piano?

DN - Started with harmonica, which , of course, I still love. After playing harp for a year or so, I knew I needed another instrument to express myself more fully, musically,... so I started to learn piano. I had always loved piano, and also around this time, I discovered Otis Spann, another early "hero" of mine. I would play my Otis Spann records so many times, that I would destroy them. After playing them so many times, they would be too scratched -up to hear. Sometimes I would have to buy the same album 2 or 3 times !!

EM – Did you play with Buddy Guy, one of the greats of all times. How was the experience?

DN – Playing with Buddy Guy was actually the "turning point" in my musical life. It was a tremendous experience. I toured the world and played on shows with people like Albert King, Albert Collins, Gatemouth Brown, Jr Wells, Dr. John, John Lee Hooker, Carlos Santana, Stevie Ray Vaughn, Ron Wood, and many more of the great names in Music at that time. This forces you to really sharpen your skills and play at a very high level. We would play night after night for many months at a time sometimes.

All of these things, plus the connections and exposure, and the great learning that it imposes on you, raised me to a different musical level and place. So, it was an invaluable experience. It was great!!!

EM – I feel that play with Buddy Guy it is walk in a minefield. I mean, you always have to pay attention because they change everytime. That is true?

DN - Wow! Great question!!... and very true, very perceptive!! Buddy is a great showman, and as you know, very spontaneous, to say the least! Buddy never prepared set lists, and as I think you know, Buddy sometimes doesn't even play the same song to the end!! So, you had to be paying attention, with extreme focus,... at all times! But this was another part of the great learning experience that it was for me. Spontaneity and thinking on your feet are crucial to improvisational music. So is this communication and respect for your band members. You're up on that stage working together, supporting each other, in order to tell a story,.... as a group. So, it was great training!

EM – How many time do you live in Brasil.? What do you think about the country?

DN - I've been living in Sao Paulo on and off for 3 years, but I sometimes stay in Chicago.

I love the spirit of the people here. When I do a show here, it is more of an interactive experience. The people make part of the show, and I really like that.

EM – Even live in Brasil a few years, you continue to play with USA bluesmen. This is possible because reciprocal exchange between both countrys. Tell me about it.

DN – When blues players from the U.S. come here to do shows, I am often honored to be requested to play the piano with them. I think this is because they know I have 35 years of professional experience with this music, and I also can help to show them around... teach them the culture a little bit, at least from an another Americans perspective. Also, some are already old friends and colleagues from playing in the U.S. I think all of these things help to make them more comfortable here.

EM – Describe the difference or similarities about brasilians and North-american bluesmen.

DN – I think that in any kind of music, you bring all of your life experience to your playing. So of course, Brazilians having their own feeling and approach. But that does not mean that their blues playing is any less valid than Americans. For example, nobody would say that George Shearing or Hermeto Pascoal or Oscar Peterson or Michel Petrucianni are NOT great and valid jazz musicians, even though none of them are American.

EM – You have been developing a career in Brasil. How can you see the brasilian blues scene.

DN - I believe the Brazilian Blues scene is growing and developing. It seems to me that years ago blues in Brazil meant only either traditional or blues-rock. But now, I believe the scene is maturing and become richer, with a fuller representation of blues in all of its many styles and forms. Also, sometimes I think that there is an even greater passion for the blues here in Brazil and in South America because it is still being discovered by many new listeners.

EM – Did you played at Igor Prado Band’s CDs and shows as they played in yours. The’re a apositive partnership. Tell me about it.

DN – I first played with Igor at a show in SESC Araraquara in 2004. He was very young at the time, but I perceived very quickly that he and his brother, Yuri, and band ,were something special. Igor has a deep love and understanding of American blues music and I believe that our personal and musical friendship has been good for both of us. As I said on the liner notes of my CD, I don't believe that I could have found a more fitting band for my CD than Igor, Yuri, and Rodrigo, in Chicago or anywhere ... really!

These guys are great young talents that I believe the whole world of blues will know about very soon!

EM – Tell me about your first solo CD. How appear the idea and oportunity to record?

DN – My first "solo" CD was long overdue. I want to give thanks and credit to Chico Blues and Igor for giving me the push and help that I needed to make it a reality. And I have to say, I am really pleased with the result! I couldn't have done it without Chico Blues, Igor Prado, Yuri Prado, Rodrigo Montovani, and Sax Gordon. Their contributions all make the CD the very nice CD it is, if I may say so!

EM – Did you opened the James Wheeler’s gig in Santos with Lately, the song you wrote to your firt solo CD. Tell me about this composition.

DN - Lately is the one original composition on the CD. It's a song that is very personal to me, written from experiences from my own life. I am very critical and demanding of my own songwriting, but I included LATELY because of it's meaning to me, and because I believe it is one of my best compositions,... so far. But, there will be more to come!!

EM – What you love more in Brasil and what you hate more?

DN – I love a lot of things!!.... I love the food, the weather, the nature, the beaches...many things. But as I said before, mostly, I love the spirit and warmth of the people. I love the special, intense connection to the audience that I feel here in Brazil.

I don't hate anything here...., or anywhere. I just would like to see the country and society here improve so that more people could have a more prosperous, safer and peaceful life.

You can run but you can't hide: Shirley King segue seu destino dentro do blues

2011-10-15T16:32:00.000-07:00

Shirley King - São Bernardo

Texto: Eugênio Martins Jr

Fotos: Gondwana Producciones, Eugênio Martuins Jr

Shirley King e o saxofonista Gerald Noel desembarcaram na madrugada de 23 de agosto em Guarulhos, vindos de dois shows, na Argentina e Uruguai. No Brasil, foram seis apresentações: Bauru, Santos, Sorocaba, Piracicaba, São Bernardo e São Paulo.

O único ensaio entes das apresentações brasileiras aconteceu no dia 23 no estúdio Cake Walking em São Paulo. Começou tenso. Como lutadores que nunca se enfrentaram, banda e Shirley começaram estudando-se mutuamente.

Shirley está acostumada a se apresentar fora do circuito blues, por isso, seu repertório usual inclui soul music e alguns funks. Mas não era isso que a gente queria. Quando fechamos o show, o combinado era injetar blues na veia. Não se tratava de um problema real, foi mais uma falta de sintonia fina. Sem nenhuma objeção a moça topou montar o repertório em cima de temas de blues conhecidos por ela e já ensaiados pela banda.

Tema após tema, Ivan Márcio, Giba, Julio, Wagner, Gerald e Shirley começaram a se entender e se soltar. No final da noite, o som alto do bom e velho blues soou nos amplificadores e todo mundo ficou numa boa.

No repertório, Next Time You See Me e Crossroads (abertura com a banda de Ivan Márcio); Futher Up Down the Road e Shotgun (Gerald Noel); e Thrill Is Gone, Let the Good Times Roll, Mustang Sally, Hoochie Coochie Woman, Sweet Home Chicago, Proud Mary, Wang Dang Doodle, Rock Me Baby e outras.

Shirley e Gerald ficaram 12 dias no Brasil, quatro deles em Santos, quando ambos tiveram a oportunidade de conhecer um pouco a cidade, pelo menos o bairro do Gonzaga, onde ficaram hospedados, e a orla da praia, lugar de vários passeios.

Para alguns, ser filha de um dos maiores nomes do Blues não a habilita a ser uma grande artista. A rigor, a afirmação é verdadeira. Para muitos, principalmente as pessoas que foram aos shows, Shirley provou ter herdado um pouco do talento do pai, como cantora e como entretainer. Sua voz é forte e quando sobe no palco, àquela senhora de 62 anos sabe como agradar. Ela mexe com o público o tempo inteiro e instiga a banda dar o melhor de si.

Essa entrevista foi realizada em um dos dias em que Shirley esteve em Santos. Frente à frente com a filha do blues.

O giro de Shirley foi uma parceria entre o Mannish Blog, Lucas Shows e Eventos e Ivan Márcio Blues Band. Em Santos a co-produção foi de Cássio Laranja.

Os agradecimentos vão para Dayse Marchiori, Mendes Hotéis, TVB Litoral, Studio A, Gondwana Producciones e restaurante Kenzo pelo ótimo jantar oferecido à artista.

Shirley King - Sorocaba

Eugênio Martins Júnior – Você começou a carreira de cantora de blues profissional aos 40 anos. Porque demorou tanto tempo?

Shirley King – Não comecei minha carreira de cantora aos 40, comecei a cantar aos três anos. Só não tentei fazer dinheiro cantando até os 40 porque tinha uma frustração com relação a isso. Como dançarina tinha mais controle da minha carreira e das coisas que fazia e não precisava me envolver com agentes, promotores e esse tipo de pessoas. Também odiava o blues porque ele afastou o meu pai, então nunca me vi como cantora profissional de blues. Então, quando completei 40 anos e abandonei a dança fiquei sem ter o que fazer. Tive de entrar no show business e o blues era o caminho mais fácil.

EM – Você disse que odiava o blues porque achava ele havia afastado o seu pai da família. Quando foi que mudou de idéia?

SK – Acho que tenho um caso de amor e ódio em relação ao blues. O estilo de vida me afetou muito, mas quando passei a me apresentar em diferentes clubes e comecei a perceber como as pessoas que curtem blues são diferentes, pude ver como elas amam o blues. O que eu mais queria era ser aceita e amada, então quando percebi que essa música pode fazer as pessoas se divertirem ou até mesmo ser usada para esquecer os problemas, vi sua real importância. Passei a levá-lo mais a sério quando passei a cantar na escola para as crianças. Agora ensino às crianças a não odiarem o blues, assim como eu fazia quando era jovem. Quando comecei a ensinar sobre o blues nas escolas, isso mudou completamente minha forma de vê-lo, porque encontrei as formas de entender e conhecer mais sobre as pessoas envolvidas com ele e sua história.

EM - Você nasceu perto de Memphis e agora mora em Chicago. São duas cidades chaves para a música norte-americana. Gostaria que falasse sobre essas diferenças musicais.

SK – Na verdade nasci em Arkansas, mas cresci em Memphis com meu pai. A diferença é que o blues de Chicago é mais tradicional, com baixo, bateria, guitarra e harmônica, ou uma segunda guitarra. Às vezes um teclado. O blues de Memphis sempre pede o som de big bands e sempre inclui uma seção rítmica com metais. É mais jump ou be bop blues, mais contador de histórias. O blues de Chicago é “Got My Mojo Working”. É tradicional, como nos campos e nas juke joints. Diferente do que o meu pai fazia quando ficou conhecido, contando os altos e baixos da vida.

Pra mim o Chicago blues é mais alegre comparado com o que é feito em Memphis, traz aquela sensação de diversão, não é como aquelas histórias de The Thrill is Gone ou Sweet Little Angel.

EM - Quando está no palco mostra a mesma empatia pelo público que o velho B.B. No campo musical o que mais B.B. King influenciou na sua música?

SK – Estar sempre perto de meu pai ajudou bastante, mas vi que ele fazia as pessoas amá-lo porque agia como se elas fossem seus melhores amigos. Elas se sentiam tocadas pessoalmente. Também acho que o fato de ter sido dançarina e feito as pessoas dançarem comigo ajudou. Sempre agi assim quando era dançarina. Não sei por que eu e meu pai temos tantos traços artísticos semelhantes, mas acontece desse jeito. Eu não fico sentada assistindo o que ele faz no palco para depois copiar. Às vezes eu vejo meu pai e vejo que ele está fazendo o que eu já havia feito. (risos). Não sei, talvez seja alguma conexão espiritual. Ou simplesmente herdei esse jeito por estar sempre por perto dele assistindo seus shows.

Teatro Municipal Brás Cubas - Santos

EM- Seguindo a pergunta interior, no campo musical, qual foi a principal lição que aprendeu com B.B. King? De onde vêm suas principais influências?
SK – Essa é uma pergunta que sempre me fazem. Em grande parte sempre me ajudou. Por outro lado eu sou a “filha de B.B. King”. Não sou a Shirley King. Essa é parte ruim, porque as pessoas passam a não reconhecer o meu talento. Principalmente quando faço alguma coisa igual a ele. Todos os dias tento fazer as coisas diferentes do meu pai para que não haja comparação. Eu não toco guitarra, digo às pessoas que eu balanço os quadris. Em outras palavras, não sou uma instrumentista, sou uma entretainer. Gosto de estar no controle no palco.

EM - Até que ponto ser filha do rei do blues atrapalha e até que ponto ajuda?
SK – Sempre andei com meu pai e percebi que quando ele andava pela cidade as pessoas o colocavam em um pedestal.
As pessoas às vezes me usam por causa disso. Quero apenas que elas me aceitem por mim, mas nem sempre acontece. Nunca o aborreci para estar no show, as pessoas vivem me perguntando isso, mas eu digo que a coisa tem de ser natural, pra mim está tudo bem.
Não sei, parece que com o passar do tempo ele queria ver o que eu havia aprendido com os anos e eu mostrei que estava totalmente à vontade.

EM - Você já subiu ao palco com seu pai?
SK - Nesse ano meu pai me chamou ao palco mais do que em todos os outros anos. Em janeiro eu estava em um show quando ele me chamou ao palco e disse para as pessoas pegarem suas câmeras, seus gravadores e disse que estávamos a ponto de fazer história. Ele me apresentou como sua filha e cantamos um blues. Fiquei muito nervosa, porque não estava preparada, mas cantei.
Na noite seguinte subi ao palco e tive uma lição de como não roubar o show de outro artista. As pessoas pediram para eu cantar um número a mais e eu disse sim. E ele me disse para não tomar conta do show. Eu disse: “Ok é o seu show”. E ele me disse: “Então não faça isso, ok?”. Eu disse: “Ok Sr.” (risos).
Em março ele me chamou e foi bem diferente de janeiro. Dessa vez eu estava calma e nós cantamos: “You Are My Sunshine, My Only Sunshine”. Adoramos esse momento, ele me deu o microfone e eu fiquei lá ouvindo os aplausos e dessa vez não houve problema, porque fiz o que ele disse.

EM – Demorou quanto tempo para isso acontecer?
SK – Acho que ele me chamou umas cinco ou seis vezes. Na primeira vez ele veio ao meu show. Ele me disse que as pessoas poderiam me usar para atraí-lo aos meus shows e tocar de graça e os empresários não gostam disso. Se eles pagam centenas de milhares de dólares para você e outros o têm de graça. Então apareceu por alguns momentos, porque não queria ferir meus sentimentos. Enfim, ele apareceu uma noite e eu te digo, o que ele disse que ia acontecer, aconteceu. Eu estava cantando e ele andou em direção ao palco e as pessoas começaram a gritar. Eu disse: “Uau, o que eu fiz?”. Mas eles não gritavam por minha causa, eu não havia visto que ele estava atrás de mim. Em outra ocasião ele disse que não apareceria, porque não estava sendo pago para estar no festival, mas para não me deixar chateada ele apareceu. Mais uma vez eu estava no palco e a audiência estava sentada. Quando ele entrou pela porta eu passei a cantar para as poltronas. Todos desapareceram.
Em outras palavras, meu pai é da escola antiga, ele gosta de ir direto ao ponto. Ele não gosta de falar as coisas e você não acreditar. Ele gosta de mostrar para você acreditar. Ele estava tentando me mostrar que é uma grande pessoa.

The Orleans - São Paulo

EM - Quando recebi seu repertório para planejar a turnê brasileira havia muitas músicas de soul e funk e poucos blues. Porque essa escolha?
SK – Bem, a primeira vez que escolhi com o líder de minha banda, o guitarrista Glen Nelson, as músicas que cantaria em Chicago, eu não atuava só em clubes de blues. Não tínhamos de tocar blues todas as noites. As cenas são distintas, mas no South Side de Chicago não tocamos apenas aquele estilo de blues. No East Side idem. Então, quando enviei pra você o primeiro set list achava que as pessoas gostariam que eu misturasse as músicas e não quisesse ouvir só blues todas as noites.

EM - Seus CDs são dos anos 90. Porque passar tanto tempo sem gravar? Não sente necessidade de apresentar um novo trabalho?
SK – O que aconteceu quando fiz o CD The Daughter of the Blues, foi que uma jovem veio até mim com muito dinheiro após me ouvir cantar. Ela era cantora profissional em Las Vegas e ficou impressionada ao me ouvir e quis gravar imediatamente. Então, ela criou o CD e um selo de gravação para mim. Tudo estava bem até ela querer... a mim. Mas eu não estou nessa. Pra mim é puramente negócio.
Então deixei tudo para traz, o selo, a gravação e tudo o que havia realizado. Não queria contrariar, mas quando as pessoas ganham dinheiro por você, você faz o que elas querem e foi isso que aconteceu. Depois de um tempo conheci um produtor em Toledo, Ohio, e estávamos trabalhando em um CD que seria lançado em outubro de 2009. Fui diagnosticada com câncer em abril do mesmo ano. O médico me disse que se eu continuasse a trabalhar e subir aos palcos não poderia me ajudar. Tive de parar de trabalhar no CD e tudo mais para me submeter a uma cirurgia e depois a sessões de quimioterapia. Então tive de parar e o CD nunca foi lançado.

Shirley King, Gerald Noel, Ivan Márcio Blues band em ação - São Bernardo

EM – Você me disse que tem um trabalho inacabado e que faltam apenas duas canções para colocar.
SK – Estou parada com esse projeto porque o produtor e meus dois compositores preferidos não se dão bem. O produtor não quer trabalhar com os compositores e vice versa. Mas o produtor é o fator principal na gravação. Tive de começar novamente em Shelter in the Storm estão tentando me ajudar. Tenho outras canções, Agravation que é do CD The Daughter of the Blues, e It Ain’t Easy Bein’ a Diva, escrita por mim e por meu baixista, sei que é uma grande canção por que todos me pedem para cantar.

EM - Você tem tocado no Brasil com a banda de Ivan Márcio, o que achou deles? Quero dizer, você nem os conhecia, houve apenas um ensaio antes de pegar estrada. Com está sendo esse entrosamento?
SK – Costumo ir sempre à Itália e a banda é de lá, vou à Argentina e a banda é de lá. Não sou o tipo de pessoas que por ser a cantora tenho que ficar acima da banda. Tento fazê-los tocar o melhor que podem. Não são músicos de Chicago, mas respeitam nossa música. Eles estudam, aprendem e tentam tocar bem para mim. E eu tento não deixá-los constrangidos quando as coisas não saem bem. Não canto para a banda, canto para a audiência e ela sabe que pequenos erros ocorrem e isso não é nada demais. Procuramos tocar as músicas de forma diferente, todo mundo faz isso.

Ivan Márcio e Giba Byblos

EM – É a sua primeira vez no Brasil e você viajou por várias cidades do estado de São Paulo. Tirando o cansaço por estar na estrada, o que tirou dessas viagens?

SK – São tão poucas as coisas que vi por aqui e não gostei. As pessoas me trataram tão naturalmente, exceto pelo fato de não falarem a minha língua. Passei um tempo muito bom, as pessoas foram cuidadosas. Não são estressadas, são relaxadas. Quando fui à praia e me sentei em frente ao mar, uma das coisas que passou pela minha cabeça foi: ”O meu deus, como deve ser bom morar em frente à praia”. (risos)

Todas as coisas que vi aqui, a praia, as montanhas, me relaxaram muito porque eu sou de Chicago, uma cidade grande. Andei hoje pelas ruas em volta ao hotel e as pessoas que encontrei não falavam minha língua, mas tentavam responder. Fui a uma loja de discos e a um café e eles tentaram me ajudar o máximo que puderam. Então não é tão ruim mesmo não entendendo a língua e sendo uma pessoa falante como eu. Um dos melhores momentos foi quando fui ao Bourbon Street. Adorei aquele clube e eles me trataram muito bem porque meu pai inspirou aquelas pessoas. Na noite passada também foi muito bom, fomos a um restaurante japonês onde a comida era ótima. Há muitas coisas pra fazer aqui. Ao mesmo tempo em que tive a oportunidade de entreter as pessoas, tive a oportunidade de conhecer sua cidade. Voltei da praia ontem e as pessoas me paravam na rua pra tirar fotos, até as crianças.

EM – Notei que você ouviu algumas músicas brasileiras nos ambientes que freqüentou e ficou bem ligada nela. O que você conhece da música brasileira?

SK – No dia do nosso ensaio ouvi uma banda de jovens no estúdio que chamou minha atenção, fui até tirar fotos com eles. (a banda Conex). Ouvi um pouco de Bossa Nova e Samba. Quando fiquei sabendo que ia fazer alguns shows por aqui, entrei na internet para me informar sobre o público, sobre a música brasileira, procurei conhecer alguns artistas. Tentei aprender sobre a audiência a qual iria a trabalhar. Percebi que os brasileiros curtiam a música, cantavam juntos, adoravam o show, mas não aplaudiam. (risos). Quando vi isso pensei: “Oh, oh!”.

Isso é o meu termômetro. Então, quando fizemos o primeiro shows (em Bauru) as pessoas estavam enlouquecidas e eu pensei: “Que porra era aquela que eu vi na internet? Olhem essas pessoas. Dançando e subindo no palco”. Não esperava uma reação daquelas logo no primeiro show. E depois desse foram todos iguais. Eles não queriam me deixar ir embora. E quanto mais as pessoas ficam excitadas nos meus shows, elas me deixam mais excitada também.

EM – Ontem no jantar você estava me falando das suas influências. E entre elas estava a dançarina Josephine Baker. Gostaria que falasse um pouco sobre isso.

SK – Josephine Baker era uma dançarina muito famosa. Etta James não era uma dançarina, mas ela era uma cantora muito boa e também é uma de minhas influências. Ela pode cantar diferentes estilos como blues, country, jazz, R&B. Eu gostaria de ser uma versão das duas coisas, gosto de fazer tudo no show, como Take 6 que assisti aqui no Brasil, eles colocam Gospel, Hip Hop, Michael Jackson. As pessoas não gostam de um só estilo de música, todos amam todos os tipos de música. Então, Etta James tem esse seu estilo. Koko Taylor é uma cantora de blues tradicional, do mais puro Chicago Blues. Me identifico com Josephine porque eu mesma era uma dançarina. Não consigo apenas ficar em pé no palco e cantar. Não é assim que acontece.

Ruth Brown me ensinou muito sobre como ter classe. Ela conversava comigo sobre os dias de glamour de Diana Ross, porque elas eram muito próximas. Ela era uma mulher muito elegante e cuidadosa com os detalhes. Aprendi com ela como me comportar no palco. Você sabe, as pessoas querem ver isso. Se você for ver no passado as mulheres que subiam ao palco estavam sempre elegantes.

The Orleans - São Paulo

EM – Quais as cantoras de hoje que você curte?
SK – Para ser honesta com você, aprecio novos talentos que se inspiraram nas mais velhas, como Tina Turner, Madona e Aretha Franklin. Que não esqueceram essas influências.
Agora, pessoas como Lady Gaga. Não sei. Não me inspira a fazer algumas coisa, não vou ser uma Lady Gaga de 60 anos. As coisas que ela faz nos shows são criativas, mas parece que as pessoas assistem seu show mais para ver essas coisas do que a para ouvi-la. Admiro Beyoncé, duas ou três mais. Essa geração está tentando fazer sua música, mas muito do que elas fazem remete às cantoras antes delas. Beyoncé foi colocada em um filme, mas o que ela sabia sobre a Chess? (N.R. Shirley se refere ao filme Cadillac Records, o qual Beyoncé interpreta Etta James).

EM – Ontem recebemos a notícia sobre a morte de Honeyboy Edwards. Gostaria que você falasse um pouco sobre ele.
SK – Todos os anos eu era convidada para uma festa de fim de ano em um clube em Chicago. Com álcool grátis e toda a família de Chicago. E o que acontecia era que tocávamos o blues tradicional e Honeyboy sempre estava lá. Foi quando o conheci pessoalmente. Até então só havia ouvido falar dele. Na comunidade do Blues de Chicago, todos se conhecem. Todos iam lá, Billy Branch, Big Time Sarah, Zora Young, Eddie Shaw, Eddy Clearwater, Lonnie Brooks, Buddy Guy. Todos eles vivem em Chicago. Tenho algumas fotos com Honeyboy. Ele era uma verdadeira lenda porque foi contemporâneo e amigo de Robert Johnson. Ele Robert Lockwood Jr e meu primo Booker (Bukka White) eram da mesma região. Meu pai é da geração após essa.

Eric Clapton encerra turnê brasileira com show de blues

2011-10-14T08:09:00.000-07:00

Texto: Eugênio Martins Jr

Foto: Dayse Marchiori

Depois de tantos anos de estrada, o guitarista britânico Eric Clapton atingiu um status como poucos artistas no mundo. O cara faz o que quer, grava com quem quer a hora que bem entende.

A introdução tem a intenção de justificar a atitude de Clapton de não abrir a boca para se comunicar com o público que foi ao Morumbi no dia 12 de outubro, último show da turnê brasileira daquele que é considerado o deus da guitarra. E também para justificar o repertório calcado em velhos blues e músicas antigas repassadas com muita competência por Clapton e sua banda, em 1h40 de show. São Pedro ajudou.

É certo que Clapton nunca foi muito chegado a arroubos de afetividade, mas após tantos anos sem mostrar a cara no Brasil não custava um pouco mais de empatia. Ele já havia dito que não excursionaria fora dos Estados Unidos e Europa, mas a crise econômica tá brava lá pra cima e isso deve ter influenciado a sua decisão de atravessar a linha do Equador rumo ao sul.

Paciência, se não teve conversa fiada, o show compensou. Calcado em velhos blues e composições próprias, Clapton mostrou que sua Fender Stratocaster continua afiada.

Key to the Highway abriu o espetáculo seguida por outros clássicos da música negra dos Estados Unidos, entre elas Hoochie Coochie Man, de Willie Dixon, conhecida na versão de Muddy Waters; Driftin' Blues, standard de 1945 de Johnny Moore's Three Blazers; Nobody Knows When You're Down And Out, de Bessie Smith; Before You Accuse Me, de Bo Diddley; e duas de Robert Johnson, inspirador da carreira de Clapton e de tantos outros guitarristas: Little Queen of Spades e Crossroads. Essa última com direito à participação do novato Gary Clark Jr, competente guitarrista do Texas.

De sua lavra, Tell the Truth que não constou no set list dos outros dois shows, em Porto Alegre e Rio de Janeiro, Wonderful Tonight, Tearing Us Apart, Lay Down Sally e Badge (emocionante) e a mais recente When Somebody Thinks You’re Wonderful, do disco Clapton, lançado ano passado. Layla apareceu em uma versão bluesy de arrepiar os cabelos da nuca (das meninas, é claro) e... Cocaine. Tema composto por J.J. Cale e registrada em vinil por Clapton que levantou o estádio.

A cozinha foi composta pelos fiéis Steve Gadd (bateria) e Willie Weeks (baixo), e nos teclados seu velho amigo Chris Stainton e também Tim Carmon. Duas maravilhosas backing vocals completaram o time, Michele John e Sharon White.

Blues Jam com Ivan Márcio e Giba Byblos no Ao Café em Santos

2011-10-06T12:42:00.000-07:00

O negócio é o seguinte: quem chegar com o instrumento pode tocar, claro, desde que saiba o que está fazendo. A iniciativa é da Harmonica Master e do Mannish Blog, que sempre trazem o melhor do blues para Santos

Acompanhado pelo seu fiel escudeiro, o guitarrista Giba Byblos, especialista em Gibsons, o gaitista de São Paulo se apresenta no sábado, dia 08 de outubro, a partir das 08h30 no bar lá na av. Siqueira Campos.

Ivan faz questão de fazer parte da tradição dos gaitistas de blues de Chicago. É opção. Ex-integrante da Prado Blues Band, uma das bandas de blues mais atuantes no Brasil e nos Estados Unidos, Ivan Márcio desenvolveu técnica e feeling únicos que o tornaram um dos maiores representantes do gênero no país.

Sucesso de público e crítica, veio direto de Chicago para a décima edição do Encontro Internacional da Harmônica realizado no Sesc Pompéia em março de 2011. Ivan se apresentou ao lado de grandes nomes brasileiros e estrangeiros, entre eles, Joe Filisko, Rick Estrin, Andy Just, Flávio Guimarães e Big Chico.

Recentemente lançou dois grandes CDs gravados na terra do blues: Chicago Sessions Vol.1 com uma banda local que inclui Merle Perkins na bateria, Michael Coleman na guitarra e Michael Morrison no baixo; e Chicago Sessions Vol. 2 com a participação de Jon McDonald na guitarra e vocal.

Serviço:

Jam Session com Ivan Márcio e Giba Byblos

Data: 08 de outubro

Horário: a partir das 20h30

Local: Ao Café

Endereço: Av. Siqueira Campos, 462 – Boqueirão – Santos.

Couvert: R$ 10,00

Ativista Carlos Moore lança biografia de Fela Kuti em Santos

2011-10-05T17:18:00.000-07:00

Fela Kuti - Musicalmente ele é tão importante quanto Bob Marley. Politicamente, quanto Malcoln X. O artista Fela Kuti tornou-se um dos principais nomes das artes e ativismo racial africanos a partir dos anos 70.

Só podia dar nisso, sendo filho de um pastor protestante, diretor de escola e o primeiro presidente da União Nigeriana de Professores, e de uma ativista feminista.

Nascido e crescido na Nigéria, Fela Anikulapo Kuti foi o forjador do Afrobeat, gênero musical baseado no rock, jazz fusion e ritmos africanos.

Mais do que isso, mesmo perseguido e espancado pelas autoridades de seu país, trabalhou como produtor de rádio, fundou conjuntos musicais e viajou pelo país e pelo mundo pregando igualdade.

Pelos rotuladores de plantão, a música vibrante de Fela empalideceu, passou a ser reconhecida como “World Music”, excrescência midiática que permanece até os dias de hoje.

Sobre tudo isso, o professor Carlos Moore vem a Santos para falar de Fela Kuti a partir da biografia escrita por ele mesmo. “Fela foi um gigante e usou seu poder criativo, como músico, para propagar essa nova orientação ideológica do panafricanismo. É por isso que me juntei a ele e que estimei que havia que escrever um livro sobre sua vida. Eu queria que o mundo inteiro ouvisse a mensagem que carregava na sua musica maravilhosa e nos seus pronunciamentos”, conta o ativista político.

Carlos Moore Wedderburn - Nasceu e cresceu em Cuba. Recebeu uma formação interdisciplinar (Etnologia, Sociologia, História, Antropologia) na Universidade de Paris. Obteve dois Ph.Ds, inclusive o prestigiado Doutorado de Estado. Morou e trabalhou na Europa por quinze anos (França), na África por oito anos (Egito, Nigéria e Senegal), no Caribe por dezoito (Trinidad-Tobago, Guadalupe, Martinica), e viajou intensamente pelo sudeste da Ásia (Filipinas, Australia, Ilhas Fidji, Papua Nova Guiné, Indonésia) em projetos de pesquisa, tendo agora fixado residência permanente no Brasil.

Fluente em cinco línguas (francês, inglês, espanhol. Português e creoulo), Moore Wedderburn possui expertise em assuntos internacionais e o impacto que questões de raça, etnia e gênero exercem sobre a sociedade. Ele foi Consultor Pessoal em Assuntos Latino-Americanos do Dr. Edwin Carrington, Secretário Geral da Organização da Comunidade do Caribe (CARICOM), de 1966 a 2000, e do Dr. Edem Kodjo, Secretário Geral da União Africana (UA), de 1982 a 1983.

Moore Wedderburn é Chefe de Pesquisa na Escola para Estudos de Pós Graduação e Pesquisa, na Universidade do Caribe (UWI), Kingston, Jamaica.

Serviço:

Lançamento - Fela Kuti por Carlos Moore

Data: 08 de outubro

Horário: 17 horas

Local: Sesc Santos

Endereço: Rua Conselheiro Ribas, 136 - Aparecida

Preço: Grátis

Nem só do rap vive Los Angeles. Kirk Fletcher é uma das revelações da cena blues local

2011-09-26T16:22:00.000-07:00

Assistir Albert Collins, Staple Singers e Bobby Bland em um mesmo festival deve provocar uma revolução na cabeça de qualquer um. Foi o que aconteceu com Kirk Fletcher quando tinha doze anos e dava seus primeiros passos no blues, em 1979.

Angeleno por natureza (é feio eu sei, mas é o nome que se dá para quem nasce em Los Angeles), com certeza foi tocado pelo West Coast Blues, mas não foi esse o caminho seguido por Fletcher. Foram os ventos do meio oeste que chamaram sua atenção e o “Chicago sound” virou marca de gado em sua música.

Lá, a tradição manda que os novatos devem tocar com os cobras até que mudem a pele. Kirk Fletcher correu seu trecho nas mãos de Charlie Musselwhite, Janiva Magness e mais recentemente com o Fabulous Thunderbirds. Também tocou informalmente com James Cotton, Pinetop Perkins, Hubert Sumlin, Robben Ford, Elvin Bishop, Ronnie Earl e outros.

Conheceu Lynwood Slim e Al Blake que se tornaram seus mentores. Depois desse período, juntou-se aos Thunderbirds a convite de Kim Wilson, ganhando musculatura até andar com as próprias pernas.

Atualmente Fletcher vem construindo sua reputação no blues excursionado pelos Estados Unidos e fora de seu país. O artista ESTÁ No Brasil para uma série de shows, um deles será nesta quarta-feira, dia 28, no Tom Jazz, em São Paulo. Kirk será acompanhado pela Igor Prado Band.

Texto: Eugênio Martins Júnior

Foto: Divulgação

Eugênio Martins Júnior - Quando e como foi seu primeiro contato com o blues?

Kirk Fletcher - Meu primeiro contato com o blues foi por causa dos meus pais e irmãos mais velhos que tocavam os discos de B.B. King.

EM - Você tocou com os grandes James Cotton, Pine Top Perkins e Hubert Sumlin. Ninguém passa por isso sem sofrer influências desses caras. Fale sobre isso.

KF - A primeira vez que toquei com os caras foi na casa noturna Antone’s, em Austin, Texas. Kim Wilson e Clifford Antone foram os responsáveis por isso ter acontecido. Também fiz outros shows com eles e sempre foi muito divertido. Aprendi a ser eu mesmo e fazer meu próprio som.

EM - Nos anos 80 e 90 Los Angeles era dominada, e ainda é, por artistas de rap, como era a cena blueseira nos anos 80?

KF - Eu era muito jovem para saber como era a real cena de blues nos anos 80, mas havia uma cena. Caras como a Hollywood Fat's Band, Mighty Flyers, James Harman eram lendas na cidade e nos arredores.

EM - Consta que Al Blake foi seu mentor no começo de carreira. Como foi esse encontro e esse aprendizado?

KF - Al foi muito importante em meu desenvolvimento e aprofundamento no blues, de onde veio o blues e essas coisas. Ele possui um conhecimento impressionante.

EM - Você também tocou com o Lynwood Slim e ele é um cara muito engraçado, com todas aquelas histórias sobre a máfia e tal. Fale um pouco sobre Lynwood. Parece que ele está muito doente.

KF - Lynwood me deu a chance de tocar e aprender como dar suporte à harmônica e me ensinou muito sobre a arte do suingue. Amo Slim e saber que ele não está bem de saúde me entristece. Mantenham suas preces nele.

EM - Fale sobre seu recente trabalho, o CD My Turn. Tem vários convidados.

KF - My Turn é o CD que eu quis fazer depois de sair do Fabulous Thunderbirds. Quis fazer um disco com as coisas que amo com as pessoas que amo. O próximo disco será mais focado em canções de blues cantadas.

EM - Nesse CD você gravou temas completamente diferentes como Found Love de Jimmy Reed e Let Me Have it All, de Sly Stone. Qual é o cuidado que você tem ao pegar temas de outras pessoas e fazer sua versão?

KF - Simplesmente tentei achar canções de outras pessoas uma mensagem que eu pudesse contar e que fosse funky. E então tentei torcer um pouco.

EM - Como surgiu a parceria com o Michael Landau e como foi trabalhar com ele?

KF - Sou seu fã desde criança. Nos tornamos amigos em 2004, tocamos juntos e somos muito chegados. Então, trabalhar com ele foi realmente muito fácil.

EM - Você conhece a cena brasileira de blues?

KF - Não muito, conheço o grande Igor Prado que é um dos melhores cantores/guitarristas e alguns outros.

EM - Essa é para os guitarristas: qual o seu equipamento de palco?

KF - Uso essencialmente uma Fender super reverb, um Morgam AC 20, um amplificador Fender Bogner Prototype. Também uso um novo amplificador Redplate. Por anos eu uso as guitarras Telecaster e Stratocaster da Suhr, com captadores Grinning Dogs e peças vintage Raw. Sempre uso os pedais Love COT 50, The Zendrive, Xotic RC booster, Madprofesser, delay Deep Blue, tremolo e mais algumas coisas. Tudo isso ligado a uma pedalboard da Vertex.

Kirk Fletcher’s interview

EM - When and how was your fist contact with blues?

KF - My first contact with the blues was through hearing about them from my parents and older brothers. And my brother playing B.B King records.

EM - You have played with the great James Cotton, Pine Top Perkins and Hubert Sumlin. Nobody goes through this without been influenced by these guys. Tell us about that.

KF - I first played with all those guys at Antones night club in Austin Texas. Kim Wilson and Clifford Antone where the ones responsible for that happening. I also done other shows with those guys as well. It was always super fun. and I learned to be myself and do my own thing.

EM - In the 80`s and 90`s Los Angeles was dominated, it still is, by Rap artists, how was the Blues scene in LA in the 80`s?

KF - I was a little too young to really know about the scene in the 80's but there was a scene! Guys like the Hollywood Fat's band, Mighty Flyers, James Harman, Legends coming to town and so forth.

EM - I heard that Al Blake was your mentor in the beginning of your carrer. How was this meeting and the learning?

KF - Al was very important in my developing a deeper understanding of Blues and where it came from. He is awesome and I owe him alot!!

EM - You have also played with Lynwood Slim and he is a very funny guy, with all that mafia stories. Tell us a little about Lynwood Slim. It seems that he is health is not well.

KF - Lynwood gave me a chance to play and learn how to back a Harmonica, and he taught me alot about the art of swing! I love Slim

and it sadden me he is not in the best of health. Keep him in your prayers!

EM - Tell us about your recent work, My Turn. There`s a lot of guests.

KF - "My Turn" is a cd I wanted to make after leaving the Fabulous Thunderbirds. I just wanted to make a record of all the things I loved with the people I love. The next record will be more focused on songs and singing and the blues.

EM - On this CD you have recorded completely diferent songs like Found Love from Jimmy Reed and Let Me Have It All from Sly Stone. How carefull you are when you perform your version of other people songs.

KF - I just try and find in other people songs a message I can relate to and is it funky. And then I try and twist it up a bit.

EM - How did began your partnership with Michael Landau and how was working with him?

KF - I have been a fan of Michael's playing since I was a kid. We became friends in about 2004. we hit it off right away and became really close friends. So working with him was really very easy!

EM - Do you know the Brazilian scene of blues?

KF - Not that much, I know of the great Igor Prado who is one of the best singer/guitarist anywhere! and a few others.

EM - This one if for guitarplayers. Whats your stage gear?

KF - I mainly use a Fender super reverb, a morgan ac20, a Bogner Prototype fender style amp. Also waiting on a new redplate amp! Guitars I use and have been for years are Suhr guitars a tele style with a P90 in the neck position. and a strat style. Also Fender strats

and teles with Grinning Dog pickups. As well as Raw vintage parts. Pedal wise I use Love pedal COT 50 all the time, The Zendrive, Xotic RC booster, Madprofesser pedals Deep blue delay and tremolo. and many more. All wired by Vertex pedalboard company.

Compor, arranjar, viajar, tocar: as contínuas atividades de André Mehmari

2011-09-19T07:46:00.000-07:00

Parecia uma sociedade secreta. Não mais do que cem pessoas assistiram no Teatro Coliseu, dentro da Série Solistas, com regência do maestro Luís Gustavo Petri, o concerto do pianista André Mehmari com a Orquestra Sinfônica Municipal de Santos.
Ficou uma dúvida na cabeça, os veículos de comunicação da Baixada Santista ignoraram solenemente o concerto ou faltou mais empenho na divulgação do evento por parte da realização?
O fato é que as pessoas que assistiram ao concerto na quarta-feira, dia 14 de setembro, lavaram a alma com tão boa música. Oportunidade rara nesses dias regidos por Luans e Paulas.
O programa incluiu Beatriz (Edu Lobo e Chico Buarque), Choro da Contínua Amizade (André Mehmari) e Odeon de Ernesto Nazareth) na abertura. A Rosa, de Pixinguinha, ganhou um belo arranjo, e a magnífica Lachrimae, do próprio Mehmari, fechou a primeira parte do concerto baseada em temas populares.
A segunda foi baseada em temas eruditos que fogem do lugar comum: Ballo ”Suíte para Orquestra de Cordas” a partir de uma dança do Ballo delle Ingrate, de Monteverdi. E também Uma Valsa em Forma de Árvore, de André Mehmari, com clarinete solo de Mário Cesar Borges Marques, entre outras. No final, uma brincadeira, Mehmari e Petri dividiram um piano em um concerto para quatro mãos de Mozart.
Mehmari vem se consolidando não só como um dos mais importantes instrumentistas do país, mas também como um dos maiores compositores. Daqueles que transitam nos três mundos: erudito, popular e o híbrido entre ambos, o bom e velho jazz. Não liga muito para rótulos, aliás, como nenhum músico, quem liga pra isso é acadêmico e jornalista.
Mehmari compõe em ritmo alucinante e grava na velocidade do trem bala. Já fazia isso antes da viagem ao Japão, abordada na entrevista abaixo. Ele também fala sobre sua amizade/parceria com Hamilton de Holanda, uma das mais prolíficas parcerias da atualidade. Já rendeu dois discos e inúmeras apresentações Brasil a dentro.

Texto: Eugênio Martins Júnior

Foto: Dayse Marchiori

Eugênio Martins Júnior - Em que pé anda a musica instrumental brasileira? Ela é mais reconhecida lá fora do que aqui, você não acha?
André Mehmari – Acho que são reconhecimentos diferentes. O Tom Jobim brincava que a grande saída para o músico brasileiro era o aeroporto. Eu não iria tão longe, assim. Tive muitas alegrias como músico na minha terra, tocando em diferentes lugares, em grandes centros como São Paulo, Rio. E lugares menores, interior de São Paulo, onde você espera que as pessoas não irão conhecer o seu trabalho. O brasileiro tem um pouco essa cultura de valorizar o seu músico quando ele faz sucesso fora. É um pouco da nossa baixa auto estima como brasileiro. A música brasileira é muito valorizada e respeitada no mundo todo. Estive no Japão esse ano fazendo uma turnê de piano solo e conheci muita gente que conhece muito. Tem uma loja em Nagoia só de música brasileira. Eu não conheço nenhuma loja aqui no Brasil que tenha todos os meus CD, e você vai em Nagoia e tem. É um paradoxo, a gente adora esse nosso país, mas vê também que muitas vezes precisa ter essa vida ativa fora do país pra manter a música rodando. Agora eu acho também que as novas tecnologias de difusão musical na internet estão democratizando muito a minha música e de tantos outros. Então, você tem a agradável surpresa de tocar em uma cidade escondida e descobrir que você tem lá um fã clube.

EM - Logo após o terremoto você embarcou para uma série de apresentações no Japão. Lembro que você disse que estava apreensivo, mas que precisava ir e fazer os shows para os japoneses. Como foram essas apresentações?
AM - Foi uma experiência emocionante, até pelo que você falou sobre a tensão que envolveu os últimos meses de preparação. É uma turnê que estava planejada há um ano. Envolvia meu contrato com a Yamaha e envolvia escolher um piano lá na fábrica, envolvia concertos em Tóquio, em Nagoia, em Yokoyama e envolvia o esforço de uma japonesa que é uma verdadeira heroína que é a Michico Mikata, que é uma super técnica de piano, ela não é produtora, e que é muito fã do meu trabalho e resolveu me levar pra lá. Fazendo esforços e fazendo a produção acontecer. Foi muito tenso aquele mês que antecedeu a viagem, por que a cada minuto, você sabe, tinha uma informação nova sobre a situação lá em Fukushima, sobre a contaminação dos alimentos. Isso pra mim foi muito triste, um momento de muita ansiedade. A verdade é que o povo japonês é maravilhoso. É um povo que sempre me impressionou, estive lá em 2005 com a Joyce o Dori Caymmi e eu confio muito nesse povo. Eles nunca seriam capaz d me colocar em uma situação de risco. E eles me garantiram que isso não ia acontecer. Eu confiei e, de fato, acho que eles estavam precisando dessa confiança e desse carinho que eu levei pra eles. E essa música que eles amam, né? Onde eu tocava via na platéia gente rindo, gente chorando. Eles adoram de verdade essa música. Foi impressionante. Os lugares onde toquei, os pianos maravilhosos que toquei, as pessoas que eu conheci. Eu acertei na mosca indo. Se não tivesse ido teria enorme prejuízo de várias naturezas, até por que fui lá na Yamaha e escolhi meu piano. Fui super bem recebido, tinha a bandeira do Brasil lá na fábrica, uma coisa muito bonita.

EM – Você chegou perto de alguma região atingida pelo terremoto ou pelos tsunamis?
AM – Não, fiquei em Tóquio. Foi o mais próximo que estive do problema. O tsunami foi no nordeste do país e o problema com a usina radioativa é ao norte de Tóquio. Eu toquei em Tóquio, Nagóia e Yokayama que é dentro da ilha, longe do litoral. Cheguei lá um pouco preocupado com a alimentação, mas percebi que podia relaxar, porque todos estavam me colocando em uma situação de muita segurança. O tratamento foi formidável, o único pedido que eu havia feito era de água mineral européia e a produtora ficava o tempo inteiro me oferecendo a água mineral, com todo cuidado. As pessoas lá têm um senso de respeito, de colaboração que é uma aula para o mundo. Agora, por exemplo, os mais idosos estão se oferecendo para trabalhar em Fukushima pra deixar os jovens fora do perigo. Recebi dez vezes mais em troca o meu voto de confiança e carinho de ir lá tocar. Colhi bons frutos, saiu um disco meu lá, por um selo japonês, então também iniciei um trabalho no Japão à longo prazo, que deve ter uma continuidade.

EM - Acompanho a tua carreira a do Hamilton e tenho visto que vocês não têm folga. Tocando direto no Brasil, mas também na Europa, Japão, Estados Unidos, às vezes por temporadas. Hoje você toca com uma orquestra, amanhã já faz duo. Não é muita coisa. Às vezes a cabeça não dá um nó e pede pra diminuir mo ritmo?
AM - Você sabe que eu gosto dessa diversidade de trabalho? Então, você falou no duo com o Hamilton, mas tem o trio, tem o duo com a Mônica Salmaso, com a Ná Ozetti, com o Gabriele Mirabassi, com quem eu toquei agora na Itália, tem o trabalho de arranjador constante. Recebo encomendas de arranjo para orquestras, composição. Acabei de receber uma encomenda grande para o Sergipe, outra de Curitiba, outra do Mato Grosso, outra de Portugal. Escrevo para a Sinfônica de Heliópolis tocar na Alemanha. Toco piano solo que também não é brincadeira, tocar sozinho parece fácil, mas não é. Olha, acho que uma coisa alimenta a outra, né? São experiências diferentes, com preocupações diferentes, pontos de tensão diferentes, mas eu sempre fui um músico eclético e os meus ídolos foram músicos ecléticos também. São músicos que botam a mão na massa em diversas situações.

EM – Na música o brasileiro também tem de se virar?
AM – O brasileiro tem de se virar. Se eu tiver um único trabalho e achar que ele vai me dar tudo é ingenuidade. Na verdade, há a preocupação artística, de não ficar fazendo a mesma coisa trinta vezes por mês que a gente também não agüenta. A versatilidade do brasileiro tem uma natureza de ordem prática também. Temos de estar abertos a novas oportunidades de trabalho. É uma cultura de resistência essa coisa que a gente faz com o jazz, o erudito. De fato, se você for olhar, há uma coisa de guerrilha, porque o suporte que nós temos não chega perto, não faz jus a essa grande tradição de música brasileira, infelizmente.

EM - Gostaria que você falasse sobre a amizade com o Hamilton de Holanda. Quer dizer, é uma amizade que se transformou em parceria musical que rende muitos frutos.
AM – Os trabalhos com ele têm sido os melhores recebidos. A gente tocou em oito países da Europa, tem conseguido tocar bastante no Brasil. Acabamos de vir de Olinda, foi sucesso o show lá. O Philip Glass estava na platéia, o Gismonti. Esse duo é muito feliz, transcende os instrumentos, piano e bandolim. Na verdade é uma combinação de nossas músicas. E nós temos uma postura que eu definiria como uma humildade no fazer musical. Uma disponibilidade de ouvir o que o outro tem a dizer e complementar, às vezes a gente toca mais com o ouvido do que com os dedos. Em nenhum momento existe uma vontade de um se impor ao outro. Isso a pessoa escuta, né? Por isso a gente é muito bem recebido em qualquer lugar onde a gente toca. Da Finlândia até Olinda.

EM – Um desses frutos que eu falei foi o Gismonti Pascoal, uma bonita homenagem a dois grandes nomes da música brasileira. Como nasceu a idéia de fazer esse trabalho?
AM – A gente tinha terminado a turnê do primeiro disco, o Contínua Amizade, e começou surgir a idéia de como seria o segundo disco. Já que a gente fez um disco com vários compositores, resolvemos fazer um segundo disco temático, dedicado à obra de um ídolo nosso, um cara que seja importante para a nossa formação. Aí, já que somos um duo, vamos convidar dois caras e Egberto e Hermeto foram os nomes que vieram com muita rapidez. Ao mesmo tempo veio aquele medo de mexer com dois gênios desse tamanho, mas um medo bom, porque a gente sabia que daria conta. Com muito respeito, muito carinho, energia e trabalho, e foi o que a gente fez. Então o resultado está aí. Ta na cara que é um disco com a máxima honestidade musical, com o maior amor por essa música.

EM – Você disse uma vez que não se via como um compositor erudito, mas que isso tem acontecido muito ultimamente?
AM – Talvez eu seja hoje o compositor brasileiro jovem que receba mais encomendas. É um mercado muito pequeno no Brasil, mas eu recebo encomenda de todas as partes do país. De Manaus até o Paraná. Pra mim é uma alegrai inesperada, nunca fiz planos de virar um compositor clássico, viver e ter uma renda com isso, mas a vida me convidou a isso e eu aceitei de coração aberto. Eu adoro, me vejo muito mais como um compositor que toca do que um tocador que compõe. Escrever para uma OSESP e ouvir aquilo bem tocado é uma emoção muito grande. Muitos meses de trabalho. Agora a Petrobrás Sinfônica gravou uma obra minha de quase meia hora de musica orquestral e está lindo. É muito gostoso ver aquele tanto de gente empenhado em fazer a sua música soar.

EM – Você entrega a obra e supervisiona como ela será interpretada? Esse trabalho de composição envolve isso também?
AM – Quando é possível, sim. Uma obra nova sempre envolve um trabalho intenso no começo. Você não está tocando uma sinfonia que já foi tocada setenta milhões de vezes. Envolve sim um trabalho, o compositor vai lá e pega no pé um pouco. Acha nota errada na partitura, muda alguma coisa no ensaio que não resultou tão bem. A Petrobrás, por exemplo, me pagou uma passagem pra supervisionar a gravação. Na maioria das vezes consigo trabalhar as composições com as orquestras.

EM – O erudito, o jazz e a música popular são universos diferentes? Quero dizer, existem peças populares tão lindas quanto as eruditas e orquestras tocando música popular pelo mundo. Gostaria que você falasse sobre isso. Essa distância parece ter diminuído muito nos últimos anos?
AM – Se você pegar minhas primeiras composições, aos 13 e 14 anos, já tem essa natureza indefinida. Não fico pensando: “Aqui uma pitada de erudito, aqui uma de popular”. Passo muito longe disso. Não é da minha natureza como músico e como pessoa. Uma natureza, digamos, humanista, de ouvir aqui e ali e achar que é bonito e verdade, pra mim está valendo, não quero saber o rótulo. Se é um compositor Tcheco, se é um cara que toca choro no morro.

EM – Existe essa distinção quando você trabalha por encomenda?
AM – Acho que a pessoa que encomenda já sabe que vem uma coisa inclassificável. Se me pediram é porque querem isso. Se não chamariam um compositor que é assumidamente “o compositor”. Nesse caso, já vem uma visão de música que tem a minha cara. Felizmente eles gostam, a platéia gosta e todo mundo fica feliz. Eu faço música brasileira contemporânea.

EM - Você participou do Festival Música Nova em Ribeirão Preto. O festival foi idealizado e realizado até pouco tempo pelo Maestro Santista Gilberto Mendes. Você teve a oportunidade de conhecê-lo?
AM – Eu toquei no Festival Música Nova com quinze anos. Minha primeira composição para piano solo. Foi em Ribeirão Preto, antes de vir para São Paulo. Infelizmente não tive contato, mas sou grande admirador do Gilberto Mendes.

EM – Você sabe que ele também é apaixonado por cinema e uma vez ele me disse que se não fosse compositor queria trabalhar com cinema.
AM – É fantástico, grande senso de humor. Adoro as coisas que ele escreve. Os textos e as obras. Principalmente o lado crítico que está embutido em suas obras.

EM - Gostaria que falasse sobre dois trabalhos que eu gosto muito: Piano e Voz com a Ná Ozetti e Contínua Amizade com o Hamilton de Holanda. Como foi que surgiram as idéias para esses dois trabalhos?
AM – A parceria com o Hamilton começou em 2004, numa séria chamada Sem Fronteiras, de música que não é nem popular, nem erudita. Com a Ná foi na mesma época. A gente recebeu um convite da (Universidade) Federal do Rio Grande do Sul pra fazer um projeto chamado Piano e Voz. Aí nós começamos ensaiar, você sabe que lá em casa eu tenho um estúdio, onde começamos a gravar os ensaios. Quando chegamos ao final do trabalho de preparação para o show decidimos gravar. Era uma pena a gente fazer tudo isso para um único show. E a chance de gravar na minha casa, com todo o relaxamento, todo o cuidado. Como fiz os dois discos com o Hamilton, o Miramari com o Gabriele, o De Árvore e Valsas. Todos esses discos saíram prontos da minha casa. O show com a Ná foi um grande sucesso e aí nós ganhamos energia para acreditar no trabalho. O disco foi o mais comentado do ano de 2005.

EM – É impressionante a freqüência que você grava discos. Acaba de gravar o CD Afetuoso pelo selo japonês Celeste e assinou recentemente um contrato com o selo italiano EGEA. Trata-se de um selo que investe no novo mundo do jazz, ou seja, Esperanza Spalding, Roberto Fonseca, Tânia Maria e tantos mais. Você já tem algum projeto pronto para eles? Alguma coisa em vista pra gravar?
AM – Vai sair uma compilação chamada Veredas, que é dos meus discos brasileiros. Vai sair principalmente nos mercados italiano e japonês. O Miramari já saiu lá e tem o Miramari 2 já gravado. Acabamos de voltar da Itália onde gravamos em trio com o Gabriele Mirabassi e a Mônica Salmaso. Esse disco foi gravado em um oratório maravilhoso do século XVII, tem uma acústica excepcional. Não sei quando vai sair, mas vai ser o meu primeiro grande projeto pela EGEA, depois do Miramari.

EM – Esses discos gravados pelo EGEA serão lançados no Brasil?
AM – Espero que sim. A conversa é que seja disponibilizado aqui. A gente vai fazer de tudo para que isso aconteça.

Programa:

Beatriz (Edu Lobo e Chico Buarque)
Choro da Contínua Amizade (André Mehmari)
Um Anjo Nasce (André Mehmari)
A Rosa (Pixinguinha)
Odeon (Ernesto Nazareth)
Eu te Amo (A.C. Jobim/Chico Buarque c/ arranjo de André Mehmari)
Lachrimae (André Mehmari)

Intervalo

Ballo ”Suíte para Orquestra de Cordas” a partir de uma dança do Ballo delle Ingrate, de Monteverdi.
Uma Valsa em Forma de Árvore (André Mehmari)
Fantasia Mozartiana para Piano e Orquestra
1 – Cherubino piano concerto
2 – Concerto Chorado – Andrè Mehmari
3 – Non so piú cosa son

Morre Willie "Big Eyes" Smith

2011-09-16T10:56:00.000-07:00

O site de Willie"Big Eyes" Smith divulgou que o artista morreu esta manhã de derrame em sua casa em Chicago.
Willie ficou conhecido no mundo do blues por integrar as bandas de Muddy Waters nos anos 60 e na retomada de sua carreira no final dos anos 70 e começo dos 80. Também é ele que aparece tocando bateria ao lado de John Lee Hooker na Maxwell Street, em Chicago, no filme Blues Brothers de 1980. Willie também tocou com Pinetop Perkins e James Cotton.
Em 1995 gravou seu primeiro disco solo, Bag Full of Blues, com as participações de Kim Wilson, James Wheeler e Nick Moss. De lá pra cá dedicou-se à carreira solo trocando as baquetas pela harmônica e pelo microfone.
Dezenas de pessoas, principalmente artistas que atuaram com Willie, manifestaram a tristeza pelo Facebook assim que a notícia foi divulgada no site.
A última vez vez que Willie veio ao Brasil foi no final de 2009, cuja apresentação no Sesi da Av. Paulista rendeu a seguinte entrevista para o Mannish Blog: http://mannishblog.blogspot.com/2010/01/muddy-waters-era-como-um-pai-para-mim.html

Judas Priest e Whitesnake dividem o palco em São Paulo... e o Judas fica com a maior parte

2011-09-11T18:38:00.000-07:00

Foto: Lucimara Torres

Não assisti ao show do Withesnake na primeira vez que a banda abriu para o Judas Priest, em 2005. Preso no trânsito maluco de São Paulo, quando cheguei ao entorno da Arena Anhembi a banda já estava no palco apresentando seu set list. De fora, o som me parecia estar bom. Quando consegui estacionar e entrar no lugar o show já havia acabado.
Portanto, a expectativa de vê-los ontem era grande. Confesso que a banda formada na década de 70 por David Covadale após sua saída do Deep Purple nunca foi das minhas favoritas, mas um show de hard rock é sempre melhor do que dez shows de pagode e vinte de sertanejo, certo?
O show que estava marcado para começar às oito da noite, começou com apenas dez minutos de atraso, mas começou mal. Quem estava na Arena Anhembi da metade para o fundo não conseguiu ouvir direito quando David Covardale (vocal), Doug Aldrich (guitarra), Reb Beach (guitarra), Michael Devin (baixo) e Brian Tichy (bateria) mandaram Best Years. Quem estava na porra da pista vip deve ter ouvido bem, claro, eles pagaram, e muito, para ter o privilégio de ouvir bom som.
Além do som ruim, a voz da tia Covardale também não está lá essas coisas. E manter o nome Whitesnake sendo ele o único remanescente original é pura besteira. Porque não assume a carreira solo recrutando os músicos que quiser, vai dar na mesma. Quer saber, nome não ganha jogo e o show dos caras ficou abaixo das expectativas, da minha pelo menos.
Quando tocaram as mega conhecidas Love Ain't no Stranger, Is This Love e Here I Go Again a coisa parecia que ia ficar boa. Tudo bem que a banda queira e deva tocar as músicas do seu mais recente trabalho, são os casos de Forevermore (faixa título) e Love Will Set You Free, mas ignorar Guilty of Love, Ain't No Love in the Heart of the City, Fool For Your Loving, Crying in the Rain e perder tempo com solos chatos de bateria e guitarra foi uma mancada daquelas.
Ou seja, o Whitenake não entregou. O show foi legal... e apenas isso. Como disse, não sou fã de carteirinha da banda, mas esperava mais e não sei o que os fãs de verdade acharam. Pra mim foi burocrático. Quando fecharam com Soldier of Fortune e Burn/Stormbringer ficou um espaço vazio.
Após um curto tempo de espera, passados alguns minutos das 22 horas, a cortina preta com o nome da turnê do Judas Priest, Epitaph, subiu com os primeiros acordes de Rapid Fire. Como por encanto, o som melhorou cem por cento. Toneladas de decibéis desabaram sobre nossas cabeças. Em seguida os deuses do metal emendaram Metal Gods (notaram o trocadilho genial?).
A formação atual do Judas Priest é Rob Halford (vocal), Glen Tipton (guitarra), Richard Falkner (guitarra), Ian Hill (baixo) e Scott Travis (bateria). Heading Out To the Highway foi a terceira e percebemos que, a performance de Halford está melhor do que seu show anterior da dobradinha Judas/ Whitesnake, em 2005.
Deu pra perceber a extensão da voz de Halford com Victim Of Changes. Essa música é um clássico das antigas, da época que Bob gritava mesmo. Outra clássica, Diamonds and Rust, chegou a emocionar. Começou lenta para acabar na porrada habitual.
Do meio para o final a banda desfilou um clássico atrás do outro, contemplando diversas fases da banda, o que o Whitesnake deveria ter feito com mais generosidade. Em Breaking the Law, Halford deixou a audiência cantar a música do começo ao fim. Lembro de ler as matérias nas revistas especializadas em rock dos anos 80, que Halford se orgulhar do fato de ser uma banda 100% heavy metal. Ouvir The Sentinel, Painkiller, The Hellion, Electric Eye, Hell Bent For the Leather, You've Got Another Think Comin' lavam a alma de qualquer cristão que venera o Judas. É bom dizer que as quatros últimas, Halford cantou montado em sua super bike.
Passava alguns minutos da meia noite, Living After Midnight, encerrou a noite que sem dúvida foi do Judas Priest que tranformou o Whitesnake em uma mera banda de abertura.
São Pedro ajudou. Ventou um pouco e fez um pouco de frio, mas não choveu. A cerveja, se não estava gelada, também não estava quente. A maconha não cheira como antigamente. Tem um cheiro estranho e às vezes embrulhava o estômago. Esses caras estão fumando química pura. Tô ficando velho.

Set list Whitesnake:
- Best Years
- Give Me All Your Love
- Love Ain't No Stranger
- Is This Love
- Steal Your Heart Away
- Forevermore
- Guitar Duel
- Love Will Set You Free
- Drum Solo
- Here I Go Again
- Still Of The Night
- Soldier of Fortune (DEEP PURPLE cover)
- Burn / Stormbringer (DEEP PURPLE cover)

Set list Judas Priest:
- Rapid Fire
- Metal Gods
- Heading Out To The Highway
- Judas Rising
- Starbreaker
- Victim Of Changes
- Never Satisfied
- Diamonds & Rust (JOAN BAEZ cover)
- Night Crawler
- Turbo Lover
- Beyond The Realms Of Death
- The Sentinel
- Blood Red Skies
- The Green Manalishi (With the Two Pronged Crown) (FLEETWOOD MAC cover)
- Breaking The Law
- Painkiller
Bis:
- The Hellion
- Electric Eye
- Hell Bent For Leather
- You've Got Another Thing Comin'
Bis 2:
- Living After Midnight

Futuráfrica é a feira livre dos ritmos africanos

2011-09-08T08:35:00.000-07:00

O tronco principal é a África. Os enxertos são Cuba, Brasil, Colômbia, Harlem (NY), Jamaica e Oriente Médio. A árvore multicolorida e multirrítmica nascida desse cruzamento gerou frutos saborosos e dançantes como Salsa, Rumba, Samba, Cumbia, Jazz, Afrobeat, Funk e Soul.
Futuráfrica é a banca da feira que mostrará tudo isso aos sedentos consumidores de ritmos. AfroJazzLatino e outras Quissassas garante a happy hour de sexta que veio para conectar os neurônios e os quadris à África mãe.
As Quissassas cujos significados são lugar distante, tranqueiras, entre outros, será a parte surpreendente dessa discotecagem. Tudo poderá acontecer na noite onde o público celebra a rica cultura africana.
O DJs Wagner Parra, Lufer e Stefanis Caiaffo comandam as pick ups e esquentam as válvulas até umas horas, celebrando a rica cultura.

Serviço:
Futuráfrica - AfroJazzLatino e outras Quissassas
Data: 09/09/11
Horário: 21 horas
Local: Studio G
Endereço: R. Dr. Carvalho de Mendonça, 80 - Encruzilhada
Preço: R$ 10,00 (na portaria)

Contemporâneo de Robert Johnson, David "Honeyboy" Edwards morre aos 95

2011-08-29T16:04:00.000-07:00

O contemporâneo de Robert Johnson, David “Honeyboy” Edwards, morreu com problemas no coração, ontem de manhã em seu apartamento em Chicago. Ele tinha 95 anos e era considerado o último blueseiro do Delta, uma história viva do blues.

Nascido em Shaw, Mississippi, Edwards ganhou a primeira guitarra de seu pai, um modelo da Sears comprada por quatro dólares de um trabalhador em uma fazenda das redondezas. Aos 14 anos, já com uma forma agressiva de tocar a slide, Edwards juntou-se a Big Joe Willians na estrada.

Ao chegar em Chicago, em 1953, automaticamente foi conhecido como lenda, pois a notícia de que estava no local quando Robert Johnson bebeu o derradeiro gole de uísque correu a cidade rapidamente.

Gravou Drop Down Mama, para a Chess Records e entre suas músicas mais conhecidas estão Long Tall Woman Blues, Gamblim Man e Just Like Jesse James. Também ganhou uma biografia chamada The World Don't Owe Me Nothing, publicada em 1997. Em sua carreira acompanhou inúmeros músicos, podendo ser considerada uma verdadeira "who's who of blues": Robert Johnson, Charlie Patton, Robert Johnson, Charlie Patton, Sonny Boy Willianson (Rice Miller), Howlin' Wolf, Sunnyland Slim, Lightinin' Hopkins, Big Walter, Little Walter, Magic Sam e Muddy Waters.
Em 2008 ganhou um prêmio Grammy na categoria de melhor disco tradicional de blues e em 2010 ganhou outro pelo conjunto da obra. Sua última apresentação foi em 17 de abril no Juke Joint Festival and Cathead Mini-Festival in Clarksdale, no Mississippi.

Promoção exclusiva Sesc Santos e Mannish Blog: cinco pares de ingressos grátis para show de Bobby Sanabria

2011-08-18T06:31:00.000-07:00

No sábado, dia 27 de agosto, às 21 horas, Santos recebe pela primeira o grande baterista, percussionista, compositor e arranjador novaiorquino Bobby Sanabria.

Em uma promoção exclusiva, o Sesc Santos e o Mannish Blog oferecem 05 pares de ingressos às primeiras cinco pessoas que mandarem uma mensagem ao seguinte e-mal: eugeniomjr@hotmail.com

Não é sorteio. As primeiras cinco pessoas levam ingressos para si e para um acompanhante. A mensagem deve conter a seguinte frase: “ Eu quero assistir Bobby Sanabria no Sesc Santos”, e também o nome, telefone e RG da pessoa. Os dados serão deixados em uma lista na bilheteria do Sesc.

Os ingressos devem ser retirados com pelo menos meia hora de antecedência no dia do show. Após isso, a promoção perde a validade.

Biografia – Filho de porto riquenhos imigrados aos Estados Unidos, Sanabria cresceu no Bronx, bairro mais barra pesada de Nova Iorque. Inspirado e encorajado por Tito Puente começou a levar a sério a possibilidade de ser músico. Entrou para a Boston Berklee School of Music tornando-se bacharel em música.

Ao longo da carreira foi indicado a inúmeros prêmios Grammy. Snabria é um dos nomes mais ativos da cena latin jazz, tocou e gravou com Dizzy Gillespie, Tito Puente, Paquito D'Rivera, Arturo Sandoval e outros.
Com o quarteto Ache, o baterista faz uam fusão de ritmos afro-cubanos e afro brasileiros com gêneros como o joropo, da Venezuela, a cumbia da Colômbia e o free jazz norte americano. Após o show haverá um bate papo com o artista no hall do teatro.

Temas instrumentais e Chicago Blues tradicional são as viagens de Dave Specter

2011-08-12T07:38:00.000-07:00

Chicago Blues Festival 2011

Texto: Eugênio Martins Júnior

Fotos: arquivo pessoal Dave Specter

O som de Dave Specter está entre um dos mais vibrantes da nova geração de blueseiros de Chicago. Ele não bebe na fonte do blues rock tanto em voga atualmente. Sua praia é outra, a dos grooves na guitarra, temas instrumentais e timbres nada convencionais. Além disso, sempre está na companhia de um bom Hammond B3.

Ousado a ponto de gravar discos apenas instrumentais, são os casos de Speculatin’ (2000) e Specified (2010). Perto do jazz, sem dúvida, mas sem esquecer suas raízes blueseiras.

Nasceu e cresceu em Chicago, cidade onde o blues ganhou corpo e ficou valente. Formou sua primeira banda em 1989 e não parou mais de excursionar pelo mundo, levando sua música a Israel, Espanha, Inglaterra, Holanda, Dinamarca, França, Itália, Alemanha, Noruega, Bélgica, Suíça, Polônia, Luxemburgo, México, e Canadá. Veio ao Brasil – São Paulo – acompanhando Pinetop Perkins no começo dos anos 90.

Quando usa cantor, opta pela diversidade. Gravou discos com Tad Robinson, Barkin’ Bill Smith, Lynwood Slim, Lenny Lynn e Sharon Lewis. O formato permite a Specter explorar caminhos diferentes a cada CD, injetando personalidade nos trabalhos e proporcionando uma surpresa ao ouvinte a cada trabalho.

Morando na cidade que é referência para o blues desde os anos 50, Specter conviveu com artistas do gênero, respirando seus shuffles e aprendendo tudo o que os cobras podiam ensinar. Foi funcionário da Delmark Records até começar a gravar pela mesma e se tornar um dos principais nomes do cast. Eis Dave Specter que espera vir ao Brasil em Breve. Se depender do Mannish Blog será em dezembro desse ano.

Eugênio Martins Júnior – Costumo perguntar quando foi a primeira vez que o artista teve contato com o blues, como na música do Buddy Guy. Mas você nasceu em Chicago e imagino que tenha nascido e crescido com o blues. Então, quando começou no blues como músico?

Dave Specter – Cresci em uma família muito musical, ouvindo no rádio junto com meus pais artistas como Big Bill Broonzy, Leadbelly e Howlin' Wolf e Muddy Waters e a coleção de discos dos meus irmãos mais velhos. Comecei a tocar guitarra quando tinha dezoito anos e fui enfeitiçado pelo blues logo em seguida. A visão de B.B. King, Junior Wells e Buddy Guy, Otis Rush e Koko Taylor teve um impacto muito forte em mim e decidi mergulhar na música e seguir carreira como músico de blues.

EM – Você começou a tocar guitarra tarde, mas aprendeu com Steve Freund, músico de Sunnyland Slim. Fale sobre esse tempo. Você conheceu o velho Sunnyland?

DS – Sim, conheci. Às vezes tocava com ele e sua banda. Ele tocava regularmante nas noites de domingo no B.L.U.E.S., na Halsted St., onde eu trabalhava como porteiro, minha primeira entrada na cena blues. Steve foi um dos meus primeiros professores e desempenhou um grande papel no meu desenvolvimento como músico. Sunnyland sempre foi muito animador com os músicos mais jovens e foi um verdadeiro patriarca do blues de Chicago.

EM - Conte-me sobre o seu tempo na Jazz Record Mart. O Bruce Iglauer, da gravadora Alligator me disse que lá era um ponto de encontro dos cobras. Você teve um contato com a nata da cena de Chicago?

DS - Trabalhava em tempo parcial na Jazz Record Mart, como balconista, e em tempo parcial na Delmark Records como despachante. Conheci um monte de músicos, escritores, produtores e pessoas da indústria enquanto trabalhava para Bob Koester. O mais importante foi o que eu aprendi sobre a música durante aqueles primeiros anos da minha carreira.

EM – Fale-me sobre os cantores, você teve alguns bons nomes, como Bill Barkin 'Smith, Tad Robinson, Lenny Lynn e Lynwood Slim. Você os escolhe para cada trabalho?

DS – Geralmente, a Delmark Records se interessa em gravar com cantores diferentes, tive sorte em ter trabalhado com alguns grandes.

Eu trouxe Lynwood Slim a minha cidade natal no estado de São Paulo. Ele é um grande gaitista, tem um ótimo timbre e é também um ótimo cantor e cheio de histórias para contar. Ele gravou um álbum com uma banda brasileira chamada Igor Prado Blues Band, você os conhece?

DS – Sim, ouvi no Lucerne Blues Festival, na Suíça, no ano passado. Eles realmente soam muito bem e fiquei surpreso quando vi o quão jovens eles eram.

EM – Acho que Speculatin’, seu álbum instrumental de 2000 será lembrado como um divisor na sua carreira. Quero dizer, antes dele havia gravado alguns números instrumentais, mas em Speculatin’ você fez uma mistura de blues e jazz bem interessante. E a presença do Hammond B3 é mais forte neste trabalho também. Você concorda?

DS - Sempre adorei escrever e gravar músicas instrumentais em todos os meus álbuns. Nos dois álbuns instrumentais, Speculatin e Spectified espero poder transmitir meu estilo e minha abordagem como um músico, escritor e produtor. Sou um grande fã do órgão Hammond desde a primeira audição dos registros de B.B. King nos anos 60. Também sou apaixonado pelos mestres do B3 Jimmy Smith e Jack McDuff.

EM - Ainda em Speculatin', que tem Birk's Works de Dyzzy Gillespie, Look Ka Py Py dos Meters e outras. Parece que gravar este álbum foi divertido pelo repertório. Fale um pouco sobre essas sessões.

DS - Meu repertório instrumental é composto de canções originais, juntamente e principalmente de versões de artistas que amo e respeito. Eu escuto de tudo, desde blues de Chicago, New Orleans R&B, Soul Jazz, Country Blues. Minha escolha de músicas instrumentais mergulha nesses estilos e tento colocar minha própria marca nelas.

EM - Dez anos depois você gravou Specified, um álbum similar. Quero dizer, um disco intrumental que não funciona apenas no mundo do blues, mas que pode levar você a outros públicos.

DS - Estou definitivamente interessado em atingir um público mais amplo com a minha música, bem como ganhar mais notoriedade no mundo do blues.

EM – Um amigo me disse que quando ele grava uma música instrumental é como se estivesse purgando uma música que está vivendo na sua cabeça. Você concorda?

DS- Como eu não canto, vejo a guitarra como a minha voz musical. E sim, para responder a sua pergunta, eu vejo temas instrumentais como a música que vive dentro de mim ... e precisa sair.

EM – Para mim a Delmark e a Alligator são as marcas de blues mais respeitadas de hoje. Juntos, elas juntaram o que melhor foi produzido no blues últimos anos. Como você vê a cena de blues hoje?

DS - A cena de blues ainda é bastante forte, embora eu não sou muito louco sobre o som de blues/rock que domina a cena atual. Como a indústria fonográfica mudou dramaticamente, definitivamente será um desafio para os rótulos estabelecidos como Delmark e Alligator permanecerem fortes e viáveis. Espero que mais artistas e bandas novas apareçam na cena e continuem a tradição dos mestres do blues e ao mesmo tempo, criando seus próprios sons e estilos, o que é vital para manter o blues contemporâneo – em vez de parecerem e soarem como um museu de história.

Dave Specter's interview

Eugênio Martins Júnior - I use to ask how was the first time the artists met the blues, like a Buddy Guy song, but you was born and grew up in Chicago. I can imagine that you born and grew up with the blues. So, when and how you get in to the blues as a musician?

Dave Specter - I grew up in a very musical family and heard records by Big Bill Broonzy, Leadbelly, Howlin' Wolf and Muddy Waters from my parents' radio listening and older brother's record collection. I started playing guitar when I was 18 and fell under the spell of the blues soon after that. Seeing B.B. King, Junior Wells and Buddy Guy, Otis Rush and Koko Taylor had a very powerful impact on me and I decided to immerse myself in the music and pursue a career as a blues musician.

EM – You started learn guitar later, but started well with Steve Freund, sidemen of Sunnyland Slim, tell me about that time. Did you knew the old Sunnyland?

DS - Yes I knew - and sometimes sat in with Sunnyland Slim and his band.

He played a steady Sunday night gig at B.L.U.E.S. on Halsted St. where I worked as a doorman when I first broke into the blues scene.

Steve was one of my early teachers and played a huge role in my development as a musician. Sunnyland was always very encouraging with younger musicians and was a true patriarch of Chicago blues.

EM – Tell me about your time in Jazz Record Mart. Alligator boss, Bruce Iglauer, told that was a point of Did you had a contact with the cream of Chicago scene?

DS - I worked part time at Jazz Record Mart as a sales clerk and part time at Delmark Records as a shipping clerk. I met alot of musicians, writers, producers and industry people while working for Bob Koester. Most important was what I learned about the music during those early years in my career.

EM - Tell me about the singers, did you had some good of then, like Barkin' Bill Smith, Tad Robinson, Lenny Lynn and Lynwood Slim. You choose each according a new job?

DS - Often Delmark Records was interested in recording me with different singers and I was lucky to have worked with some great ones.

EM – I brough Lynwood Slim's to my hometown in São Paulo state. He is a great harp player – a good tone – and singer and he is full of history to tell. He recorded an album with a brasilian band call Igor Prado Blues Band, do you know they?

DS - Yes. I heard them at the Lucerne Blues Festival in Switzerland last year. They really sounded great and I was surprised when I heard how young they were.

EM – I think Speculatin', your 2000 instrumental álbum, it's aways still remember as your career divisor. I mean, before they, did you recorded some instrumental numbers but in Speculatin' did you make a blues and jazz blend like never before. And a presence of Hammond B-3 is most strong in this job. Do you agree?

DS - I've always really enjoyed writing and recording instrumental tunes and my 2 all-instrumental albums, Speculatin' and Spectified hopefully convey my style and approach as a musician, writer and producer.

I've been a big fan of the Hammond organ since first hearing late 60s B.B. King records and also falling in love with the music of B3 masters like Jimmy Smith and Jack McDuff.

EM – Still in Speculatin', it's a Dyzzy Gillespie's Birk's Works, The Meters' Look Ka Py Py and others. Looks like to record this álbum was very funny. Tell me about this repertoire and the sessions.

DS - My instrumental repertoire consists of mostly original tunes along with covers that reflect artists and songs that I love and respect.

I listen to everything from Chicago Blues to New Orleans R&B, Soul Jazz to Country Blues. My choice of instrumental tunes draws from many of these styles and I try to put my own stamp on them.

EM – Ten years later you recorded Specified, a similar álbum. I mean, that instrumental open doors not even in blues world but you can play in jazz festival and get more public.

DS - I'm definitely interested in reaching a wider audience with my music as well as gaining more notoriety in the blues world.

EM – A friend told me when they record a instrumental number is like flowing out the music that lives in his head? Do you agree?

DS - As I don't sing, I see the guitar as my voice in music. And yes, (to answer your question) I see instrumentals as the music that lives inside of me...and needs to come out.

EM – To me Delmark and Alligator are the most respect blues labels today. Together they joined what better was produced in the blues last years. How do you see the blues scene today?

DS - The blues scene is still fairly strong although I'm not too crazy about the blues/rock sound that dominates the scene today.

As the record business has dramatically changed, it will definitely be a challenge for established labels like Delmark and Alligator to remain strong and viable. I hope that more younger artists and bands appear on the scene that will carry on the tradition of the blues masters - while also creating their own sounds and styles that keep the blues contemporary and vital - rather than sounding like exhibits at a history museum.

Choro de Bolso relembra Jacob do Bandolim no Teatro Municipal de Santos

2011-08-12T06:35:00.000-07:00

Choro de Bolso com Edinho e Mauro Sete Cordas

No domingo, dia 14, às 20 Horas, o Teatro Municipal de Santos recebe a dupla Choro de Bolso, com o violonista Canduta e a flautista Débora com o show De Coração a Coração, a Música de Jacob do Bandolim. A apresentação vai contar com as participações especias de Babi Mendes, Julinho Bitencourt, Edinho Schmidt e do Trio Choratta.
Além destes, o percussionista Edinho, no pandeiro, que já é quase um terceiro elemento do Choro de Bolso. Assim como os três mosqueteiros eram quatro, em vários momentos o duo Choro de Bolso são três. Edmur Vianna vai tocar violino numa valsa estilo flamenco chamada Santa Morena.
Segundo Canduta, a idéia do show é a de aproveitar que no dia 13 se completam 42 anos sem Jacob, e tocar Jacob, lembrar Jacob, falar sobre Jacob para as pessoas. “Muita gente ainda não sabe quem foi Jacob do Bandolim e a importância dele para a música brasileira, então partimos da premissa de apresentar Jacob para quem ainda não conhece e, para quem já conhece, sempre importante relembrar”, diz Canduta.
Ele explica que o repertório foi pensado de modo a mostrar o quanto Jacob era inspiradíssimo ao compor. “Jacob é autor de algumas das mais belas melodias que já ouvi na vida. Então pensamos em mostrar esse lado de extraordinário melodista que foi Jacob. Vamos desde Treme treme, o primeiro choro dele a ser gravado em 1947, a até Vibrações, de seu último LP, e que é uma verdadeira obra prima”. Sem deixar de lado os dois maiores sucessos de toda a carreira de Jacob, Noites Cariocas e Doce de Coco.

Serviço:

Show: Choro de Bolso

Data: 14 de agosto

Horário: 20 horas

Local: Teatro Municipal de Santos

Endereço: Av. Pinheiro Machado, 48 – Vila Mathias

Preços: R$ 5,00

Classificação: Livre

Bourbon Street recebe festa da revista Blues' n' Jazz com Freak Heads

2011-08-10T06:31:00.000-07:00

O grupo Freak Heads será a principal atração da festa da revista Blues’n’Jazz em 17 de agosto, no Bourbon Street. A abertura será da banda de classic rock e blues Royal Flush; jazz lounge com o saxofonista e guitarrista Adriano iJazz, e divertidos números do mágico e gaitista Nicola Sena.

E você pode pagar apenas R$ 19 de couvert artístico (o preço normal é R$ 38). Basta entrar em contato com a revista e aguardar o flyer promocional. Reenvie o flyer a seus amigos, que podem imprimi-lo e ganhar o desconto também. http://www.bluesnjazz.com.br/index.php

Freak Heads - fazem dançar com uma fórmula pouco usual hoje em dia: música totalmente instrumental. Basta o talento dos músicos, a densidade do som e o repertório infalível: James Brown, Herbie Hancock, Maceo Parker, Tower of Power, Santana, Kool & The Gang e outros.

Royal Flush - formada pelo veterano baterista de blues Leonardo Uzunian e os músicos de rock Luiz Ribeiro (voz), Lucas Bittencourt (guitarra) e Rafael Guedes (baixo). Disso resultou um repertório de clássicos de artistas como Eric Clapton, Robert Cray, Joe Cocker, The Commitments e Doobie Brothers.

Adriano iJazz - improvisa ao sax e à guitarra sobre bases pré-gravadas, criando um clima agradável enquanto o público chega na casa.

Nicola Sena - já se apresentou em programas do SBT, da Band e da TV Cultura. Ele fará vários números de mágica ao longo da noite, interagindo com o público em todos os ambientes da casa.

Serviço:

Dia: 17/08 (quarta-feira)

Local: Bourbon Street Music Club

Endereço: R. dos Chanés 127, Moema - São Paulo

Informações: heltonribeiro@terra.com.br ou (11) 5072-2765 / 8555-7702 (Helton Ribeiro - Blues'n'Jazz)

Fone para reservas: (11) 5095-6100 (ATENÇÃO: O call center faz apenas reservas de mesas, não informa sobre a promoção, horários etc.)

Horário: 21:30

Couvert artístico mediante apresentação do flyer da Blues'n'Jazz ou nome na lista: R$ 19,00

Couvert artístico normal: R$ 38,00

Shirley King, a filha do Blues, pela primeira vez no Brasil - South American Tour 2011

2011-08-04T17:41:00.000-07:00

A realização é do Mannish Blog e Lucas Shows e Eventos. A co-produção em Santos é do Projeto Jazz, Bossa & Blues

Os shows acontecem no final de agosto e começo de setembro e fazem parte da Shirley King South American Tour - 2011 que inclui Argentina, Chile, Paraguai e Brasil.

Por aqui os shows acontecem em 24 de agosto no Sesc Bauru; 25 no Teatro Municipal de Santos; 26 Sesc Sorocaba; 27 Sesc Piracicaba e 02 de setembro no The Orleans, em São Paulo.

A cantora será acompanhada pelo saxofonista Gerald Noel e pela Ivan Márcio Blues Band em todas as apresentações. Produção e realização de Mannish Blog (www.mannishblog.blogspot.com) e Lucas Shows e Eventos. Em Santos, o Projeto Jazz, Bossa & Blues participa da produção.

Seu repertório inclui temas de Etta James, Proud Mary, Hoochie Coochie Woman, e canções de seu pai como Every Day I Have the Blues e Rock Me Baby e Let the Good Times Roll.

Biografia - Não deve ser fácil ser filha do homem que mudou a história da música. Ainda mais quando se resolve cobrir as pegadas do pai no mesmo ramo.

Shirley King, filha de B.B. King, sempre teve de conviver com isso. E se há um músico que merece a alcunha de lenda viva, esse alguém é o velho B.B. King, o homem que popularizou o blues pelo mundo.

Ela mesma reconhece que ser filha de uma lenda viva tem seu lado bom e seu lado ruim. Por um lado, pagou o preço emocional por ter crescido com a constante ausência do pai e com medo de cometer qualquer deslize que manchasse sua reputação. Talvez por isso Shirley tenha decidido tarde se tornar cantora profissional, somente aos 41 anos.

Começou com o pé direito em Chicago, a cidade que é considerada a Meca do blues mundial. Em 1990 tornou-se cantora regular no Kingston Mines, uma das principais casas da cidade. Um ano depois gravou seu primeiro disco, Jump Through My Keyhole, o que a levou a excursionar pela Islândia, Itália, França e Inglaterra.

Nascida em Memphis, os pais nunca se casaram o que a levou a alternar sua convivência com ambos. Porém, a cidade proporcionou contato com o ambiente musical e com amigos de seu pai, entre eles Sam Cooke, Jackie Wilson, Albert King, Etta James e Ruth Brown, suas principais influências. “Uma vez subi ao palco e lá estava Etta, meu Deus, não podia acreditar naquilo, ela era uma mulher tão bonita! Ela entrava no palco e mandava ver. Eu queria ser como ela. Hoje quando subo no palco quero ver ação”, lembra Shirley.

A lembrança que tem de Ruth Brown também é a melhor possível: “Ela me ensinou sobre Bessie Smith e Dinah Washington, pois ela fazia parte daquela dinastia. Era uma pessoa muito boa, passou mais de uma hora falando sobre música e show business e eu nunca esqueci isso”.

O DNA artístico se manifestou cedo na vida de king e mesmo muito nova ela já sabia que queria ser entretainer, pois sempre cantava, dançava para os primos e fazia-os rir. Ironicamente, nunca pensou em ser cantora, achava que um dia seria uma dançaria ou atriz.

Sua primeira forma de expressão foi como “dançarina exótica” com a anuência de seu pai, desde que seguisse dois conselhos: Nunca se envolver com drogas e prostituição.

Seus shows refletem toda essa energia, certa vez ela estava se apresentando no Days Inn, em Chicago, e sua voz rompia todas as barreiras até chegar à rua, chamando a atenção das pessoas que estavam passando. O detalhe curioso dessa história é que ele cantava sem o auxilio do microfone, somente ao piano.

A mais notável característica sobre a voz de King é que ela pode cantar em camadas. Ela sabe mudar de timbre com facilidade. “Minha voz está entre Etta James e Tina Turner”.

Shirley admite que ter um pai ilustre ajudou em sua carreira, mas quem escuta essa verdadeira representante da tradição musical norte americana. “Ser filha de B.B. King tem a vantagem de que todas as pessoas o respeitam, admiram e amam. Mas eu sempre tive de lutar pelo que quero. Saio todas as noites, se não estou cantando, estou em algum lugar tentando ganhar a aprovação dos meus fãs”.

Além de Etta James e Ruth Brown, outra grande influência foi Mahalia Jackson, a quem via se apresentando na televisão. Koko Taylor também é considerada por King como um divisor de águas em sua carreira. “Ela passou muito tempo comigo. Ela me dizia que esse meio é muito duro com as mulheres, os homens não as respeitam. As cantoras são usadas como show de abertura, é difícil ser a estrela principal”.

Atuou com os maiores do gênero, entre eles B.B. King, Albert King, Bobby Bland, Little Miton, Koko Taylor, Lonnie Brooks, Eddie Clearwater e Billy Branch.

Ivan Márcio – Gaitista e ex-integrante da Prado Blues Band, uma das bandas de blues mais atuantes no Brasil e nos Estados Unidos, Ivan Márcio desenvolveu técnica e feeling únicos que o tornaram um dos maiores representantes do gênero no país.

Sucesso de público e crítica, veio direto de Chicago para a décima edição do Encontro Internacional da Harmônica realizado no Sesc Pompéia em março de 2011.

Lá Ivan se apresentou ao lado de grandes nomes brasileiros e estrangeiros, entre eles, Joe Filisko, Rick Estrin, Andy Just, Flávio Guimarães e Big Chico.

Recentemente lançou dois grandes CDs gravados na terra do blues: Chicago Sessions Vol.1 com uma banda local que inclui Merle Perkins na bateria, Michael Coleman na guitarra e Michael Morrison no baixo; e Vol. 2 com a participação de Jon McDonald na guitarra e vocal. A banda inclui Giba Byblos (guitarra), Julio Cesar Scansani (bateria), Vagner Dantas (baixo).

Serviço:

Show: Shirley King

Data: 25 de agosto

Horário: 21 horas

Local: Teatro Municipal de Santos

Endereço: Av. Pinheiro Machado, 48 – Vila Mathias

Preços: R$ 50,00 e R$ 25,00

Classificação: 14 anos

Aos 20 anos da morte do artista, chega ao Brasil a maior exposição sobre Miles Davis

2011-08-02T08:52:00.000-07:00

Chegou ao Brasil a mega exposição iconográfica que pretende capturar a essência Miles Davis, ícone e um dos músicos mais controversos do jazz.

A mostra We Want Miles inclui discos, instrumentos, revistas, fotografias, painéis e vídeos. Tudo dividido em partes, o que permite que mesmo os neófitos possam entrar com facilidade no maravilhoso e misterioso mundo do Príncipe das Trevas, que era como o próprio se intitulava.

Por exemplo, “In The Studio For Columbia”, uma de suas fases mais prolíficas, contém fotos das sessões das clássicas gravações de Kind Of Blue to Porgy and Bess.

Entre as preciosidades há o fuglehorn usado por Miles em um de seus maiores discos, Sketches of Spain, parceria com o pianista Gil Evans. Junto ao instrumento a foto usada no disco original.

O mesmo tratamento é dado aos outros instrumentos, entre eles o trompete verde que usou por anos e as capas dos discos de seu segundo grande quinteto que incluía Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter e Tony Willians.

A partir de hoje, a coleção que já pasou por Paris e Montreal, pode ser vista no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio de Janeiro até o dia 28 de setembro. Em São Paulo, ficará no Sesc Pinheiros de 19 de outubro a 25 de janeiro. Tudo grátis.

O gênio polêmico Miles Davis – Nascido em uma família abastada de Saint Louis, Miles começou a estudar música de forma clássica, mas assim que conheceu o blues não quis mais saber de nada.

Saiu da conceituada Juilliard School of Music de Nova York para tocar nos bares onde uma verdadeira revolução musical estava em curso. O principal deles era o Minton’s Playhouse.

Conheceu Billie Holiday, Lester Young, Fats Weller, Billy Ekstine, Thalonios Monk, Dizzy Gillespie e Charlie “Bird” Parker. Juntou-se aos dois últimos no início do Be Bop e fez parte dessa história.

Mas sua praia era mesmo as baladas, que aprendeu ouvindo um de seus ídolos, o saxofonista Colemans Hawkins.

Em meados dos anos 50 fundou seu primeiro grande grupo que revolucionou o jazz: John Coltrane (sax tenor), Julian “Cannonball” Aderley (sax alto), Philly Joe Jones ou Jimmy Cob (bateria), Paul Chambers (baixo) e Bill Evans e Red Garland (piano).

Envolveu-se em polêmicas raciais e foi viciado em heroína por anos, o que acabou prejudicando sua arte. Ao final da vida, já com a saúde prejudicada e com muitas dores nos quadril gravou discos de conotação pop provocando mais polêmicas ao redor de sua figura. Morreu em setembro de 1991, aos 65 anos. Seus discos estão entre os maiores trabalhos do jazz.

Living Blues Magazine elege nomes de 2011: Mavis Staples, Marcia Ball, Buddy Guy e James Cotton são os melhores, segundo leitores e críticos

2011-07-29T07:29:00.000-07:00

James Cotton foi o eleito pela crítica o melhor artista do ano

Como de costume, anualmente o Mannish Blog publica uma lista com os melhores trabalhos e artistas de blues, segundo críticos do gênero e leitores da Living Blues Magazine.

A publicação é editada pelo Centro de Cultura Sulista, ligado à Universidade do Mississippi, direcionada principalmente à pesquisa da cultura musical dos Estados Unidos.

O objetivo principal é divulgar o blues, mas também mostrar o que foi feito no último ano pelos veteranos e abrir espaço aos novos artistas. A Living blues Magazine tem 40 anos de existência e se não for a publicação mais importante dedicada ao gênero, com certeza é uma das mais respeitadas.

Esse ano, mais uma vez Buddy Guy foi unanimidade entre os leitores, escolhido como melhor guitarrista, performer e lançamento com o CD Living Proof. Entre os críticos, o destaque foi para o veterano gaitista James Cotton. Para os entendidos James Cotton levou como melhor artista do ano, melhor gaitista e melhor CD, com Giant. Entre as mulheres Marcia Ball e Mavis Staples são as melhores.

Veja também a votação nos anos anteriores:

2010: http://mannishblog.blogspot.com/2010/08/leitores-e-jornalistas-da-living-blues_2144.html

2009: http://mannishblog.blogspot.com/2009/10/living-blues-solta-lista-com-melhores.html

Mavis Staples a melhor artista do ano, também segundo a crítica

Votação dos leitores

Artista do ano – homem

Buddy Guy

Artista do ano - mulher

Marcia Ball

Melhor álbum de 2010 - lançamento

Buddy Guy – Living Proof – Silvertone/Jive

Melhor álbum de 2010 – gravação histórica

Dinah Washington - The Fabulous Miss D! The Keystone, Decca, & Mercury Singles 1943-1953 - Verve/Mercury/Hip-O Select

Melhor DVD de blues de 2010

Albert King with Stevie Ray Vaughan - In Session - Stax Records

Guitarrista mais admirado

Buddy Guy

Gaitista mais admirado

Charlie Musselwhite

Tecladista mais admirado

Marcia Ball

Melhor performance ao vivo

Buddy Guy

Melhor cantor de blues

Buddy Guy

Votação da crítica

Artista do ano - homem

James Cotton

Artista do ano - mulher

Mavis Staples

Cantora de blues mais admirada

Mavis Staples

Guitarrista mais admirado

Lurrie Bell

Gaitista mais admirado

James Cotton

Tecladista mais admirado

Pinetop Perkins

Baixista mais admirado

Bob Stroger

Baterista mais admirado

Kenny Smith

Artista de sopro mais admirado

Eddie Shaw (saxofone)

Músico mais admirado

Major Handy - Acordeão

Melhor performance ao vivo

Lil’ Ed & the Blues Imperials

Retorno do ano

James Kinds

Artista que merece mais atenção

The Relatives

Eddie Shaw foi eleito o melhor instrumento de sopro - capa da própria Living Blues

Melhores trabalhos de blues de 2010

Álbum do ano

James Cotton – Giant – Alligator Records

Lançamento/ Soul Sulista

Denise LaSalle – 24 Hour Woman – Malaco Records

Lançamento/ Estreante

James Kinds – Love You From The Top – Delmark Records

Lançamento/ Acústico e tradicional

Eric Bibb – Booker’s Guitar – Telarc Records

Lançamento/ Blues contemporâneo

Kenny Neal – Hooked On Your Love – Blind Pig

Lançamento/ Histórico

Junior Wells – Live In Boston 1966 – Delmark Records

Livro de blues do ano

Scott Barretta and Ken Murphy – State Of The Blues – Proteus Publishing

Nunca mais piso em um Cinemark

2011-07-15T10:21:00.000-07:00

Acabo de ver no Jornal da Tribuna - retransmissora da Rede Globo na Baixada Santista - em sua primeira edição, uma matéria sobre as salas de cinemas lotadas por conta da Estréia do filme Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte 2, uma matéria mostrando o sucesso de sua estréia.

Um dos apresentadores adjetivou Potter como um "bruxinho simpático" ídolo da juventude. A referida matéria mostrou jovens de todas as idades vestidos como os personagens e exaltando valores como amizade, solidariedade e lealdade passados pelo último capítulo da saga.

Mas o que a matéria não conta é que, para lotar sessões em maior número de salas de exibição possível, o Cinemark cancelou outras sessões, como a de Meia Noite em Paris, o mais recente filme de Woody Allen. Quem se abalou de casa para assistir a película (até os anos 80, quando o cinema ainda não era totalmente produzido no formato digital a gente chamava de película), se deu mal.

Eu fui um desses trouxas. Após enfrentar fila pra comprar um ingresso das 20h55 fui informado que a sessão fora cancelada. Mas o pior está por vir. Ao requisitar a presença da gerente ela simplesmente mandou o funcionário me mostrar a seguinte mensagem no site do Cinemark: " A Cinemark reserva o direito de alterar a programação sem previo aviso". O grifo é do próprio site.

Olha, nasci e cresci em Santos em uma época em que a cidade tinha mais de 30 cinemas e até pouco tempo atrás anotei em um caderno os filmes que assisti na vida. Parei quando chegou em cinco mil. Depois disso assisti ainda algumas centenas de filmes e NUNCA, repito, NUNCA, uma sessão de cinema havia sido cancelada para que a empresa exibidora pudesse ganhar mais dinheiro em cima do consumidor incauto, que é o que se pode dizer dos jovens que compareceram ontem naquela estréia.

Não tenho nada contra o filme e nem contra os jovens, muito ao contrário, o ato de ir ao cinema é saudável pra caramba e eu cultivo desde os 11 anos. O blockbusters da minha época foram Tubarão, Guerra nas Estrelas, Superman, Caçadores da Arca Perdida e outros. Também formavam-se filas enormes nas portas dos cinemas Iporangas, Roxy, Alhambra, Atlânticos Indáia e Indaiá Arte, Caiçara, Cinema 1, Itajuba, Ouro Verde, Avenida, Praia Palace, Independência e outros que não me lembro mais.

Mas, além dos blockbusters, que nem tinham esse nome, assistíamos (e curtíamos de montão) filmes de Woody Allen, Martin Scorsese, Stanley Kubrick, Federico Felini, Akira Kurosawa e uma porrada de coisa boa. O fato é que, NUNCA, uma sessão foi cancelada. Isso é exclusividade do Cinemark.

Tenho quarenta e cinco anos e é a primeira vez que vejo isso acontecer em um cinema em Santos. Mas não é a primeira vez que tenho uma história escabrosa com o Cinemark. Um dia desses, de tarde, não faz muito tempo, no filme Guerra dos Mundos - A Batalha de Los Angeles, os funcionários esqueceram de começar a sessão. Havia umas trinta pessoas na sala, ar condicionado desligado, e mais de meia hora depois do que deveria ser o início da sessão, eu e mais dois ficamos incomodados com a situação e fomos reclamar com a gerência. Para nossa surpresa, os funcionários haviam "esquecido" de ligar o equipamento e começar o filme. Diante das reclamações, a gerente, que deve ser a mesma de ontem, queria nos devolver o dinheiro e cancelar a sessão. Depois de longa discussão, o filme iniciou com quarenta minutos de atraso.

É assim a forma que o Cinemark, empresa norte americana de "fast filme", trata seus consumidores. Esse texto é um protesto, já que não tive nem a chance de falar com a gerente do cinema ontem.

Por tudo isso, NUNCA MAIS PISO EM UMA SALA DO CINEMARK.

Aproveito aqui e manifesto todo respeito ao dono do Cine Roxy que aumentou o número de salas, mas não perdeu a dignidade. Sabemos quem é o dono do Cine Roxy, uma empresa santista que tem compromisso com a cidade e com sua audiência. Abaixo o Cinemark.