Mannish Blog

A música de Amaro Freitas é a crônica do Brasil redescoberto

2026-07-06T13:59:52.760-03:00

Amaro Freitas na passagem de som no Sesc Santos - 25/04/2026

Texto e fotos: Eugênio Martins Júnior

A primeira vez que conversei com o Amaro Freitas foi em setembro de 2019. Naquela época o recifense consolidava sua assinatura musical com os álbuns Sangue Negro e Rasif.

Muitas águas turvas passaram pelos canais de Recife desde então. As pandemias de covid 19 e de ignorância devastaram muitas famílias e a vida cultural no Brasil.

Com resistência, músicos e produtores tocaram a vida, projetando novas rotas para a arte. Amaro Freitas transformou a reclusão em um mergulho ainda mais profundo em suas raízes. Seu piano percussivo tornou-se um canal de cura e conexão espiritual.

Em Sankofa e Y'Y o ruído das cidades deu lugar ao “mantra da natureza” e à “ancestralidade amazônica”, expandindo as fronteiras de sua criação.

Ao deixar de ser uma promessa musical, Amaro consolidou-se como um dos principais nomes da música instrumental do planeta. E essa consagração nos palcos internacionais mostra que mesmo quando as águas dos canais sobem, nossas raízes são profundas demais para serem arrancadas. E pensar o Brasil a partir de sua ancestralidade exige afastar o ufanismo e encarar nossas fraturas históricas.

Em O Povo Brasileiro - A Formação e o Sentido do Brasil, o antropólogo Darcy Ribeiro defende que o povo brasileiro nasceu de uma “matriz integradora” violenta, uma fusão dolorosa, mas profundamente inventiva, com raízes indígenas, africanas e europeias.

Essa “Nova Roma”, descrita por ele, não se consolidou pela pureza, mas pela síntese e pela resistência cultural daqueles que foram submetidos ao processo de descaracterização. E mais, de desumanização.

Penso que é precisamente no território da reinvenção que a música de Amaro Freitas se conecta à tese darcyana.

O pianista pernambucano subverte a tradição do jazz europeu e norte-americano ao injetar no piano de cauda o conteúdo e a forma das culturas afro-brasileiras e indígenas. Uma engenharia genética que misturou o DNA do instrumento ocidental com o dos tambores da floresta e da África.

Evocando os mistérios dos povos originários e as polirritmias do frevo, do maracatu e do coco, Amaro constrói a crônica da Nova República de Darcy, onde a ancestralidade é vanguarda.

A riqueza da nossa música, portanto, não reside em uma harmonia pacífica e idílica, mas na capacidade contínua de deglutir a violência histórica e transformá-la em potência criativa.

Ribeiro teorizou a fundação desse povo, Amaro Freitas compõe a sua trilha sonora contemporânea, provando que o Brasil profundo continua vivo, complexo e em constante estado de criação.

Eugênio Martins Júnior – Muita coisa mudou desde o nosso último encontro em 2019. Você já havia gravado Sangue Negro e Rasif. Agora, em 2026, após os lançamentos de Sankofa e YY, você ganhou o mundo. O que muda ao apresentar a música brasileira para o mundo?

Amaro Freitas – Quanto mais eu conheço o mundo mais conheço o Brasil. Acessando espaços como Estados Unidos, Japão, Europa entendi também essa música brasileira que é consumida fora do Brasil, mas que o país não conhece. Entendi que os heróis brasileiros são outros. Você chega em um teatro em Oslo e vê uma foto do Hermeto Pascoal. O produtor que me chamou para aquele festival dizer que o Naná Vasconcelos esteve ali há vinte anos. Veja, Naná, Hermeto, Egberto foram responsáveis por colocar essa música criativa no mundo. Deram uma cara a esse tipo de música. E quando estou fora no Brasil para apresentar o meu trabalho já existe um caminho de compreensão. Já existe um lugar para mim no mundo. Através de uma estrada que foi pavimentada antes. Esses caras entraram no mato e abriram o caminho para eu passar. E para vários músicos que representam essa música brasileira.

Também foi interessante perceber o quão próximo é um instrumentista e um cantor. A valorização e o posicionamento da música instrumental fora do Brasil são mais fortes do que o canto. É óbvio que as pessoas vão adorar Gilberto Gil, Caetano Veloso, Djavan, Maria Bethânia, Liniker, mas o lugar de prestígio, de escuta da música instrumental brasileira nesse circuito é muito grande. Principalmente quando a gente vê como o Hermeto é venerado. Lembro do festival Jazz in Marciac em que um dia estavam o Hamilton e o Egberto e no outro eu e o Hermeto e havia seis mil pessoas para ouvir. Houve outro no Japão que era no Blue Note, onde tinha quinze mil pessoas. Toquei antes da Norah Jones, mas eu era o representante da música brasileira.

Foi importante compreender que a música que eu faço não é a mais famosa do mundo e nem no meus país, mas é a melhor música que o mundo consome.

EM – Quando conversamos em 2019 não tínhamos noção do que nos esperava, uma pandemia de Covid 19. Como foi atravessar esse período?

AF – Foi um período muito difícil, mas curiosamente tive muito trabalho. Fiz várias gravações online. O Sesc deu um suporte muito forte para vários artistas. Ia ao estúdio fazer lives e depois viajava para tocar em teatros vazio. Esse período foi complicado, desenvolvi uma crise de ansiedade e cheguei a chorar em um voo. Levei um tempo para conseguir me recuperar. Entrava no avião e ficava tenso com aquela situação, todo mundo de máscara. Foi em um voo para o Rio de Janeiro, quando fui gravar para um edital da Lei Aldir Blanc. Perdi a minha avó para a Covid 19. Vi vários amigos músicos saindo da música, indo trabalhar em outra coisa para se sustentar. Muito difícil para todos e para mim não foi diferente.

EM – Penso que a gravação do álbum Sankofa marca uma guinada no rumo, remetendo à ancestralidade africana na cultura brasileira. Talvez até representando um grito de resistência com o que estava acontecendo no país naquele momento. Estávamos vivendo sob um governo que era contra a cultura, a ciência e a educação. Procede?

AF – Acho que várias pessoas ficam com medo de gravar quando veem um governo como esse. Que não é a favor da cultura, a favor da arte, que quer tolher... a gente sabe que cortando acesso a isso fica mais fácil de manter o povo na ignorância e na insensibilidade. E sempre pensei o contrário. Acho que esse momento é que temos de enfrentar, com a ideia que seja intelectual, que seja artística, profunda. Que, de alguma forma, isso transforme e fortaleça o coração das pessoas que lutam por essa causa.

Quando faço o disco Sankofa estou falando sobre o conhecimento de uma história que não tive acesso quando era

criança. Não estudei a história real das pessoas que vieram de África. O olhar bonito sobre Tereza de Benguela, Aqualtune ou Baquaqua. Gostaria de ter estudado sobre esses personagens que foram reis e rainhas que lideraram quilombos. Queria ter estudado sobre o candomblé, as matrizes africanas. Queria ter estudado sobre o povo Xambá, sobre a igreja Rosário dos Pretos no Pelourinho. Não tive acesso a isso. Então, quando começo a entender que existe um motivo pelo qual eu posso me orgulhar, de ter nascido nesse solo, vindo da periferia e ter colocado um som de piano original, pensei que precisava fazer

um álbum celebrando essa história. É em um momento da vida no qual estou saindo muito do Brasil, presente na Europa, Estados Unidos, passando por vários festivais e percebendo a diáspora africana. Lembro de ter visto Jeff Parker no Cork Jazz; a Brandee Younger; o Hamid Drake, no festival de jazz da Macedônia; Christian Scott, no Liubliana Jazz Festival. Músicos que vêm da Inglaterra, França, Estados Unidos. De Cuba vi Roberto Fonseca, Chucho Valdez e Gonzalo Rubalcaba. Todos esses artistas expressando a musicalidade da África em todos esses lugares onde ela foi plantada. Mas entendendo que em todos eles, o tambor é o centro. A rítmica é muito presente. Nesse momento estou estudando muito polirritmia, isorritmia, ritmo negativo. No qual começo a trabalhar a célula do tamborim, do partido alto. Começo a pensar em Baquaqua e em polirritmia. Na situação de vida desse personagem, que foi tão difícil no Recife, no Rio de Janeiro. E ele consegue se libertar quando chega aos Estados Unidos. De uma forma polirrítmica, harmônica, pensando nesse acorde frio, que traz uma sensação de garganta entalada, de alguém que quer botar pra fora, que quer explodir. E de uma forma subjetiva, expressar todos esses processos que Baquaqua viveu.

Sankofa é um disco que fala sobre o reconhecimento do meu povo. E quando cheguei em New York para tocar pela primeira

vez na Lincoln Center, queria conhecer a Times Square, mas acabei no Brooklyn. Aí eu digo: “Que porra de Times Square. Quero ficar no Brooklyn, no Harlem. Aí vou a uma feira afro e conheço o Ali, um cara de Senegal que estava vendendo uma bata. E eu compro e uso no show da Lincoln Center. Nessa bata havia o símbolo da sankofa. Um amigo meu comentou que aquilo era lindo e descobri que a sankofa era o último sinal para eu gravar esse disco. Um símbolo que significa continuar indo pra frente, mas sem esquecer suas raízes. Não deixar o elo se quebrar.

Rodrigo "Digão" Braz

EM – E ao mesmo tempo que reflete sobre o passado, você está pensando no futuro. O olhar para traz e o olhar para frente. O que eu quero dizer é que há atualmente uma luta sendo travada por espaço, por liberdade, por humanidade. Quero dizer, lutas do povo negro, indígena, LGBT, feminismo.

AF – É a luta pelas mulheres trans, feminista, das mulheres brancas, mulheres pretas, dos nordestinos, dos nortistas. O movimento indígena ocupa um espaço na política e tem nas redes sociais uma forma de protesto muito intensa. Veja, o Brasil evoluiu muito nesses temas, mas ainda é o país que mais mata mulheres, que mais mata mulheres trans, um país extremamente desigual...

EM – Riquíssimo e desigual.

AF – Sim. Imagina que um por cento da população brasileira recebe mais do que o resto. Existem escalas, mas é basicamente isso. Ainda falta muita coisa para mudar nesse país.

EM - Em YY você foi além do ruído urbano, buscado os sons da floresta, dos rios e da ancestralidade amazônica. Você se distanciou do “mantra urbano” dos viadutos, buzinas e sirenes para o “mantra da natureza”? Fale um pouco sobre isso.

AF – Foi uma grande oportunidade. Inesperada. O Brasil é um país muito diverso. E essa diversidade se encontra em várias coisas. Um povo que tem vários rostos. Vários dialetos. Tem DNAs diferentes. Tem temperaturas diferentes. Tem uma cultura musical muito ampla. O samba e suas variações, maracatu, frevo, baião, coco, cavalo marinho, ciranda, caboclinho. Aí vamos ao Maranhão com tambor de crioula, semente, bumba meu boi. As lendas do norte, cazumbá, capinguari, uiara, o boto e todos os encantamentos. E aí vamos à culinária e à floresta. Então, é muito interessante, porque quando eu vejo o show de um inglês, de um israelense, percebo uma unidade. A primeira música não é diferente da segunda e que não é diferente da terceira. E na música brasileira eu começo tocando um improviso livre e depois toco um frevo e depois um maracatu e quem está fora do Brasil abre a boca de espanto. Estamos acostumados com essa diversidade, mas o mundo não. Talvez essa diversidade deveria ser mais o nosso orgulho. Olhando para o Brasil real e não o oficial, que é caricato, cafona, brega, ele separa as classes. O Brasil real é alegre, vai à luta, é o Brasil criativo. Aquele que resolve as coisas que parecem não ter mais jeito.

Respondendo a sua pergunta, quando chego na Amazônia, eu descubro um outro Brasil. Era pra eu ter ficado dois dias, mas

troquei a minha passagem. Tema aquela coisa coletiva de você comer em círculo, olhando um para o outro, de igual para o igual. Ver como os indígenas tratam as árvores e os animais como se fossem parentes. E que eles dão nomes às árvores. Eles conversam e entendem os rios. Um deles me chamou e disse: “Amaro, você está vendo essa área? Aqui é a área do rio. De oito em oito anos o rio que você está vendo ali chega até aqui e a gente não invade”. Você entende?

Então eu estou aqui morando em São Paulo e quero desmatar a Amazônia, quero que o agronegócio funcione de maneira desenfreada. E aí os indígenas ensinam que é de lá que saem os rios flutuantes e que as próprias árvores são responsáveis por isso. E que o volume de água desses rios é maior do que o que o rio Amazonas despeja no oceano. E que essa água é responsável por chuvas equilibradas em São Paulo.

Sidiel Vieira

EM – Gostaria que você falasse sobre o time que te acompanha hoje, o Digão na bateria e o Sidiel no baixo.

AM – A gente vem aprendendo muito juntos. Sou extremamente atento à vivência. Admiro muito o Digão e o Sidiel. Estou falando de dois artistas que têm seus discos

lançados em diferentes formatos. São professores muito requisitados e têm um extremo profissionalismo em tudo o que fazem. Trabalho com o Digão há três anos e o Sidiel há um ano e sempre experimentando. Por exemplo, hoje você está vendo

dois monitores ali para eu ouvir os loops e a voz, mas não tenho o som do piano nos monitores. Eu quero ouvir o som real e a gente passou alguns shows tentando chegar em uma sonoridade crua...

EM – Mas o baixo e a bateria chegam pra você no monitor?

AF – Nada. Vamos nos ouvir com o que temos ali. O baixo tem o “cheirinho”do som dele no monitor. Digão não tem nada no monitor dele e eu não coloco nada no meu.

EM – Por isso que vocês tocam juntinhos.

AM – Sim. É uma dinâmica. Antes da mixagem de Vinicius – técnico de som de Amaro – primeiro no palco, com a gente tocando. Eugênio, levou um tempo pra gente conseguir. Hoje me considero jogando na Champions League. Porque eu toco e logo depois vem o Chris Potter, toca o Gonzalo (Rubalcaba), na outra semana toca o Stefano Bollani. Aí eu vejo como as pessoas trabalham os sons. O mundo é um pouco menos ruidoso do que o Brasil. Somos muito quentes. Logo, tudo deles é um pouco mais baixo, mais tranquilo. Primeiro a gente estranha porque confunde intensidade com volume. E na prática você percebe que pode ser intenso sem machucar os ouvidos. Ser intenso e ser presente. Sem perder o controle do teu corpo. E é isso que tentamos fazer, ser tudo isso, e de uma forma muito elegante, manter o domínio dessa sonoridade.

EM – A última vez que a gente se encontrou eu te fiz a seguinte pergunta: “Estou reunindo entrevistas para um livro que pretendo lançar um dia, sei lá quando, e que vai se chamar Do Samba ao Jazz*. Se esse livro tiver 300 páginas e levando em conta que o samba está na página 01 e o jazz na página 300, onde fica a música de Amaro Freitas?”. Você respondeu que a música de Amaro Freitas é pós sambajazz, ou seja, depois da página 300. Meu próximo livro se chamará Música do Mundo. E volto a te perguntar: Onde fica a música de Amaro Freitas no mundo? Você reconhece esse rótulo de WORLD MUSIC?

AF – Acho que faço uma música que tem influência do que acontece no mundo. Que está conectada com a cena de jazz atual. Quando você pensa na música de Arooj Aftab, que é uma

cantora paquistanesa; Tigran (Hamasyan), que é armênio; Shai Maestro, que é israelense; o Shabaka (Hutchings), um europeu/africano que vem da Inglaterra, acho que minha música está conectada com essa cena. Mas uma coisa que eu descobri é que na forma que eu falo, na forma que eu me visto e na forma como eu toco, quero ser mais brasileiro.

EM – O Brasil está na moda, Amaro? Tenho conversado com muitos músicos estrangeiros e todos tem vindo ao Brasil para aprender a nossa música. É um movimento inverso do que aconteceu nas últimas décadas.

AF – O Brasil sempre esteve na moda. Sempre rolou esse interesse. O Brasil sempre teve um problema muito grande. Não é o mundo que não queria aprender música brasileira, mas o Brasil que produzia algo genial e não tinha a capacidade de catalogar, registrar e ensinar isso aos outros. Europa e Estados Unidos fizeram isso de forma muito organizada. Tudo é uma escola. Acho que agora o Brasil tem uma estrutura e tem um repertório pensando os vários movimentos. A música de Moacir Santos, Milton Nascimento, Laércio de Freitas, Baden Powell, que deixou uma marca no violão. Que deixa um jeito de tocar piano, de ser compositor.

*O livro foi lançado em 2024 com o nome de Do Choro ao Jazz.

Morre aos 86 anos o indomável James “Blood” Ulmer

2026-06-11T16:40:14.618-03:00

Ulmer em Londres, 16 de junho de 2009

. (Foto: Helen Boast PhotographyRedferns)

Esse obituário vem com atraso, mas com a reverência devida. Problemas da vida e a correria do trabalho me afastou do noticiário musical por um tempo e não li sobre a morte do grande James “Blood” Ulmer, aos 86 anos, no dia 03 de junho. Vamos a ele.

Em um comunicado nas redes sociais, sua família informou sobre a morte do guitarrista e acrescentou: "Sua música era destemida, assim como seu espírito". A mais pura verdade.

Nascido Willie James Ulmer na Carolina do Sul em 1940, a carreira musical de Ulmer começou em bandas de funk, viajando de Pittsburgh a Columbus e Detroit – acompanhando músicos como Jewel Bryner e Hank Marr – antes de se estabelecer em Nova York no início dos anos 1970.

James “Blood” Ulmer não se prendia a um estilo. Além de tocar com Art Blakey, Joe Henderson e Rashied Ali, teve como mentor Ornette Coleman.

Esse espírito livre reinou por toda a carreira de Ulmer, caracterizada por uma execução instintiva e sem limites, mesmo quando começou a se dedicar à composição.

O próprio Coleman coproduziu eu álbum de estreia, Tales of Captain Black. Seu álbum seguinte, Are You Glad to Be in America?, foi lançado pelo selo britânico Rough Trade.

O comentário social provocativo da faixa-título a tornou uma canção marcante, e ele acabou, vejam vocês, abrindo shows para bandas do pós-punk e rock, entre elas, Public Image Ltd e Captain Beefheart. Sobre o público nesses shows, ele disse mais tarde: "Eu ficava no microfone e mandava eles calarem a boca. Eles tinham cinco minutos para entrar no clima ou vazar!"

Após a passagem pela Columbia, assinou brevemente com a Blue Note para mais um álbum dando uma cutucada na América: America – Do You Remember the Love? (1987).

Continuou lançando álbuns de estúdio durante as décadas de 1990 e 2000, focando menos no jazz e mais no blues: "Blue Blood" (2001) contou com uma banda que incluia Bill Laswell, Amina Claudine Myers e Bernie Worrell, do Funkadelic. Lançado no mesmo ano, Memphis Blood: The Sun Sessions lhe rendeu uma indicação ao Grammy na categoria de melhor álbum de blues tradicional.

Ele também foi requisitado por outros artistas para contribuir com seu inimitável estilo de tocar guitarra: participou de gravações como a trilha sonora de Ry Cooder para o filme The End of Violence, de Wim Wenders (1997), e do álbum Phenology, do grupo de hip-hop The Roots.

Finalmente se aposentou em 2024, fazendo seu último show no festival de jazz de Detroit.

Consegui assistir James Blood Ulmer apenas uma vez. Foi em agosto de 2028 no festival Sesc Jazz (antes chamado de Jazz Na Fábrica).

James "Blood” Ulmer e Memphis Blood Blues Band convidaram o ET Vernon Reid para apresentar um show de blues visceral e elétrico, misturando composições autorais com releituras clássicas de lendas do gênero, como Willie Dixon e Muddy Waters. Por sorte, o show foi gravado e está disponível no ambiente do Selo Sesc no Spotify.

Time Traders - 2001 - Peter Green/Splinter Group

2026-06-09T14:38:04.317-03:00

O guitarrista inglês que despontou nos anos 60 com Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page, mas que nunca teve um décimo da fama destes, mesmo após substituir o próprio Clapton nos Bluesbreakers de John Mayall e fundar o grupo de blues/rock Fleetwood Mac, gravou seu melhor disco em anos. Green andava afastado da cena por causa do seu envolvimento com drogas pesadas, coisas da vida rock and roll.

Time Traders é, em todos os sentidos, um biscoito fino: produção, composições, arranjos e execuções. Tudo ancorado pelo ótimo Splinter Group.

É a volta definitiva dele ao bom e velho blues, mas sem o fantasma da urgência ou de algum virtuosismo vazio. O que se ouve aqui é a pura essência do gênero, filtrada pela sabedoria de quem já viveu o suficiente para cantar a dor com autoridade.

Acompanhado por Nigel Watson na segunda guitarra, Pete Stroud no baixo, Roger Cotton nos teclados e Larry Tolfree na bateria, Green encontra o colchão perfeito para desfilar seu fraseado econômico e expressivo.

A pedrada começa com Until The Well Runs Dry, uma dor de corno daquelas que só os blueseiros e os sertanejos brasileiros sabem cantar.

Real World tem um Hammond B3 de fundo sob uma batida classuda daquelas que o batera toca olhando para os lados com cara de paisagem, mas que marca o tempo perfeito para a cantoria sobre os dias idos e perdidos e que não voltam mais. Green e Watson solam bonito.

O Splinter Group não funciona apenas como grupo de apoio, mas como uma engrenagem coesa que entende o tempo e o espaço que o mestre precisa para brilhar e deixar brilhar. Prova disso é a mudança de dinâmica de tirar o folego em Running After You.

Enquanto temas mais diretos mostram que sua pegada rítmica continua impecável, tipo Shadow On My Door, um bluesão da porra. O som é limpo, quente e sem os excessos que muitos discos de blues na virada do milênio apresentaram.

Se voz de Green já carrega as marcas do tempo e dos excessos passados, ela ganha em expressividade e crudeza quando ele canta... you tell me lies, lies, em Lies. Com direito a backing vocals e metais.

O repertório do álbum equilibra com maestria canções originais e releituras, como Underway, com uma atmosfera hipnótica e melancólica que tornou Green e sua icônica Les Paul lendas da música. Qualquer semelhança com Albatross pode não ser mera coincidência.

Longe dos holofotes, Time Traders se consolidou não apenas como um grande registro de estúdio da época, mas como o testamento de um sobrevivente que escolheu a música como sua redenção final. Com alma de blueseiro.

Músicas:

1 - Until The Well Runs Dry

2 - Real World

3 - Running After You

4 - Shadow On My Door

5 - Lies

6 - (Down The Road Of) Temptation

7 - Downsize Blues (Repossess My Body)

8 - Feeling Good

9 - Time Keeps Slipping Away

10 - Wild Dogs

11 - Home

12 - Underway

13 - Uganda Woman

São Paulo ganha a primeira edição do Underground Jazz Fest em junho

2026-06-05T15:32:13.135-03:00

Improviso e ousadia. Músicos da cena de São Paulo, a cidade mais jazz do Brasil, se reúnem num evento em homenagem à liberdade artística

A proposta do Underground Jazz Fest é tocar música livremente para os amantes do improviso. E, de preferência, música autoral.

Sim, respeitando e dando espaço aos músicos que tocam na noite paulistana e que têm o compromisso apenas com a música. São eles: Renato Alves Quarteto, Igor Bollos Trio, Stefano Moliner Quinteto e Sintia Piccin Quarteto.

Segundo Stefano Moliner, organizador do Underground Jazz Fest, os festivais usam a nomenclatura “jazz”, mas não tocam jazz: “Tem pop, rock, reggae, soul tudo muito maquiado, muito blasé. Mas aquela urgência, aquele improviso, o som indigesto que pega fogo, a criatividade ativa em tempo presente ali na tua cara, não vejo nesses festivais”, polemiza o músico e produtor.

Portanto, o Underground Jazz Fest, desde sua primeira edição, será uma experiência indispensável para quem busca o jazz feito com alma, criatividade viva e total liberdade.

Renato Alves

Renato Alves – É guitarrista e compositor de Marília (SP). O músico apresenta os temas de seu mais recente álbum, Casa Viva.

O show conta com composições autorais que transitam entre o jazz-fusion, grooves contemporâneos e a riqueza rítmica da música brasileira, criando uma sonoridade moderna e cheia de nuances.

A guitarra conduz a narrativa musical, sempre abrindo espaço para a improvisação, a interação e o diálogo entre os músicos no palco.

Além de Renato, a banda é composta por Adauto dias (baixo), Fernando Amaro (bateria) e Gabriel Gaiardo (piano e teclado).

Igor Bollos

Igor Bollos - Para o UJF, enfant terrible da guitarra apresenta pela primeira vez composições autorais que serão executadas com o novo trio formado por Igor Willcox (bateria), Jackson Silva (baixo).

O show também marca a estreia ao vivo do single Cloud Nine, que está previsto para ser lançado ainda esse mês. Seu trio inclui Igor Willcox (bateria) e Jackson Silva (baixo).

Stefano Moliner

Stefano Moliner – Lança no festival seu terceiro álbum, Codex Ultra Deum, seguindo a trilha evolutiva traçada desde o primeiro trabalho, Miração de 2018, seguido por Apotheosis de 2022.

O trabalho segue a linha de jazz rock ou fusion, como preferir, ainda com referências bastante declaradas ao campeão Hermeto Pascoal, porém, agora assume um caráter ainda mais denso e pesado, flertando até com o heavy metal e texturas e harmonias soturnas de Wayne Shorter e Miles Davis.

Tal gama de influências traz ao Codex Ultra Deum uma digital bastante particular que busca romper bolhas sem tornar-se uma caricatura ou colcha de retalhos. O time de Stefano Moliner é Igor Bollos (guitarra), Rafael Abissamra (bateria) e Cassio Ferreira (saxofone).

Sintia Piccin – Apresenta Freedom of Mind, espetáculo que abraça a liberdade musical e a exploração criativa, estendendo-se ao território do jazz fusion.

O grupo guia o público numa jornada sonora sinuosa, onde a improvisação e a composição se entrelaçam em um tapete sonoro imprevisível e cativante.

O groove é parte essencial dessa experiência musical, fornecendo uma base sólida para as explorações musicais do saxofone e da flauta de Sintia, combinando os talentos individuais dos sidemen, sempre sob a visão moderna da frontwoman.

No palco, Sintia Piccin (saxofone), Richard Fermino (trompete), Jackson Silva (baixo) e Fernando Amaro (bateria).

Serviço:

Evento: 1º Underground Jazz Fest

Local: Jai Club

Horário: das 15 às 22h

Endereço: Rua Vergueiro, 2676 – Vila Mariana

Ingresso: 1º lote = R$ 30,00; 2º lote = R$ 40,00; 3º lote R$ 50,00.

Vendas: https://shotgun.live/pt-br/events/undergroundjazz

O mundo oculto de Ada Rovatti

2026-06-02T18:47:59.697-03:00

Em entrevista exclusiva, a saxofonista italiana radicada em Nova York fala sobre seu álbum mais pessoal, a parceria de 25 anos com Randy Brecker e a relação com a música brasileira

Texto e fotos: Eugênio Martins Júnior

Nascida na Itália e radicada em Nova York, a saxofonista e compositora Ada Rovatti consolidou-se como uma das vozes mais autênticas e versáteis do jazz contemporâneo.

Dona de uma sonoridade robusta no sax tenor e de um ágil fraseado no soprano, Rovatti equilibra o respeito à tradição do bop com fusões estéticas que passam pelo R&B e música instrumental de matriz latina.

Além do virtuosismo técnico, sua trajetória também é marcada pela inventividade nos arranjos e na liderança de seus próprios conjuntos, características que a colocaram na vanguarda da cena instrumental global.

Sua discografia confirma minha tese. Em Ada Rovatti & Elephunk (2003) escancara sua forte inclinação pelo groove e pela fusão do jazz com elementos do funk e do soul.

Nos anos seguintes, trabalhos como Under the Hat e Airbop evidenciaram sua sólida ancoragem no hard bop.

Em Green Factor a saxofonista expande ainda mais sua paleta sonora ao incorporar nuances da música celta e folclórica, mostrando sua busca incessante por texturas raras.

Em lançamentos mais recentes, como Breaker (2019), Rovatti entrega uma obra densa, investindo na força das interpretações. E em The Hidden Side (2024), mergulha em uma faceta intimista e sofisticada, reafirmando seu papel como uma compositora de mão cheia e improvisadora nata.

A busca por novas fronteiras culminou em The Hidden World of Piloo, um trabalho profundamente pessoal, gestado em um período de intensas transformações.

Longe do formato de um registro de jazz convencional, focado estritamente na improvisação, o álbum funciona como o espelho de uma fase de isolamento e autodescoberta durante a pandemia de covid 19.

Nele, a saxofonista revela um lado vulnerável e sensível, o que de forma alguma significou a perda do controle absoluto sobre o processo de criação, misturando pop e jazz. Eu não paro de ouvir.

Eugênio Martins Jr – Como foi sua infância musical?

Ada Rovatti - Comecei a tocar piano muito cedo, por volta dos quatro anos de idade. Minha avó tocava piano e tanto eu quanto meu irmão tínhamos aulas com ela, então minha primeira linguagem de verdade foi a música. Eu sabia ler partituras antes mesmo de ler palavras.

EM – Sua transição da música clássica para o jazz aconteceu quando você trocou o piano pelo saxofone? Gostaria que você falasse sobre isso.

AR - Toquei piano clássico por uns doze anos, e só no final da adolescência comecei a tocar saxofone. Na Itália, não tínhamos muita música nas escolas. Naquela época, tínhamos coral ou flauta doce no ensino fundamental, história da música no ensino médio e nenhuma educação musical no ensino superior, a menos que você estivesse matriculado em um conservatório. Então, a chance de experimentar um instrumento e ter contato com qualquer tipo de música era muito limitada. E ainda é mais ou menos assim hoje em dia.

Então, sempre me senti privilegiada por ter música na minha família. A mudança foi bastante ditada pela minha curiosidade; meu irmão ouvia R&B e blues e meio que despertou meu interesse por esses gêneros. Na minha adolescência, também ouvia muito rock e rock/pop inglês e ficava intrigada com a ideia de improvisar, a liberdade que isso me proporcionava, e comecei a compor ainda jovem, antes mesmo de tocar saxofone.

EM – Algum artista em particular motivou essa mudança?

AR - Lembro-me de ouvir os Blues Brothers e o álbum Room Full Of Blues e adorava a seção de metais.

EM – Houve uma época em que você dividia sua vida entre estudar nos Estados Unidos e na Itália, seu país. Mas você acabou se mudando para Nova York, a cidade do jazz. Foi uma necessidade profissional? Você sentia que a cena jazzística de Nova York era necessária?

AR - Entre a mudança para Boston e depois para Nova York, morei um ano em Paris. Acho que cada mudança foi ditada pela necessidade de encontrar minha voz e algum espaço e apoio para aprender e praticar essa forma de arte. Na Itália, me sentia muito limitada, havia preconceito de gênero e não havia situações suficientes onde eu pudesse aprender e ser ouvida. A França e, definitivamente, os EUA eram mais abertos e mais receptivos.

Ada Rovatti e Randy Brecker - Bourbon Street Music Club

EM – Foi com Under The Hat que sua parceria com Randy Brecker começou? Vocês já trabalharam juntos em muitos projetos, e muitos deles ganharam prêmios. É uma parceria musical muito prolífica. Gostaria que você falasse sobre isso.

AR - Under The Hat foi a primeira vez que gravei com Randy, mas não foi a primeira vez que toquei com ele. Aliás, talvez você saiba, talvez não, mas sou casada com o Randy há 25 anos!

Não foi minha primeira gravação tocando minhas próprias músicas. Eu tinha feito algumas demos antes, mas não queria a pressão de tocar com ele, então não pedi para participar da minha gravação anterior. Mas quando a oportunidade surgiu, quis ter certeza de que ele estaria no meu primeiro projeto de verdade. Adoro a maneira como ele ouve as coisas - quem não gosta? - e sempre traz algo novo. Ele tem me apoiado muito ao longo do ano e é sempre uma inspiração, tanto musical quanto profissionalmente. Temos um gosto musical muito parecido e, quando tocamos juntos e compartilhamos nossas músicas, definitivamente existe uma busca musical em comum. Depois de tantos anos tocando juntos, desenvolvemos uma ótima sintonia e uma maneira semelhante de pensar sobre fraseado e fusão do nosso som.

EM – Ada, adoro seus álbuns. Mas não entendi algumas coisas. Uma italiana morando em Nova York gravando temas do folk irlandês. Gostaria que você me explicasse o conceito do Green Factor.

AR - Ah! Meu amor pela música celta e irlandesa começou na infância, quando meus pais fizeram uma viagem de um mês para a Irlanda.

Por uma série de circunstâncias que não vou detalhar, acabei na Sardenha, que é uma das grandes ilhas da Itália, em um mosteiro de freiras durante o verão. Com sete anos de idade, você pode pensar que foi uma experiência brutal ou difícil, mas, ao contrário disso, tive uma das experiências mais espirituais e divertidas da minha vida. Quando meus pais voltaram, compraram um LP de um famoso cantor irlandês cantando músicas tradicionais irlandesas, e acho que combinei a experiência e a carga emocional, e isso me acompanhou por todos esses anos. Duas músicas dessa gravação acabaram entrando no meu projeto: Danny Boy e Wild Colonial Boy. A segunda também tem um lugar especial para mim, pois estava em um filme que meus pais adoravam, Depois do Vendaval, dirigido por Ford e estrelado por Maureen O'Hara e John Wayne.

Mal sabia eu que, anos depois, fiz um teste de DNA e descobri que sou 24% irlandesa e escocesa... então, talvez a gaita de foles esteja no meu DNA, afinal! (risos)

EM – Quando nos conhecemos, você tinha acabado de lançar The Hidden World of Piloo. Um álbum de jazz moderno com muitos ritmos e com cantoras muito especiais: Fay Claassen, Alma Naidu e Niki Haris. Gostaria que você falasse sobre essa obra maravilhosa.

AR - Eu queria me apresentar ao público em um formato diferente das minhas gravações anteriores. Piloo é o apelido que meu pai me deu. Era o nome de um gatinho travesso em um livro que eu adorava ler quando criança, e esse apelido ficou comigo todos esses anos... e até deu nome à minha gravadora, a Piloo Records. Meu pai faleceu em setembro de 2021 e dediquei essa gravação a ele.

Comecei a compor algumas das músicas durante a pandemia. Como muitos artistas, a pandemia desencadeou uma gama incrível de emoções, e a criatividade certamente se alimentou delas.

Então, considero meu projeto um "filho da pandemia". Isso expôs uma parte mais oculta e vulnerável de mim, e decidi expandir meus limites e explorar qualquer talento ou arte que estivesse fora da minha zona de conforto para ver onde isso me levaria.

Não se trata de uma gravação de jazz clássico onde a improvisação é o ponto central, mas a ideia principal destaca outras facetas da minha personalidade. Desde tocar outros saxofones e flauta, até fazer arranjos para cordas, escrever letras e até mesmo controlar todas as etapas da produção, edição, design do LP/CD, sessão de fotos, maquiagem, e até mesmo as roupas que estou usando na capa são de minha autoria e costura.

EM – A cena do jazz sempre foi dominada por instrumentistas homens, mas há um grande movimento de mulheres assumindo a liderança em bandas com destaque no cenário mundial. Posso citar algumas: Ada Rovatti, Badi Assad, Esperanza Spalding, Nubya Garcia, Yissi Garcia. Gostaria que você falasse sobre isso.

AR - Acho que as mulheres sempre estiveram presentes, mas nunca foram reconhecidas o suficiente, corretamente ou simplesmente receberam o mesmo destaque que os homens. Devido a restrições culturais, fomos minoria por muito tempo, mas nas últimas décadas o número tem crescido exponencialmente e devo dizer que algumas das minhas artistas favoritas e mais inovadoras atualmente são mulheres.

EM – Recentemente, entrevistei a saxofonista israelense Hillai Govreen, que também mora em Nova York e que convidou o Café da Silva para tocar em seu álbum. Qual foi a participação dele no seu álbum? E você também costuma tocar com Marco Bosco, outro percussionista brasileiro. Qual é a sua relação com a música brasileira?

AR - Convidei o Café da Silva para tocar nos meus dois últimos álbuns. Ele é um mestre da percussão, tem uma musicalidade incrível e sabe exatamente como complementar cada música. Marco Bosco teve a oportunidade de tocar ao vivo com ele em São Paulo no ano passado e fiquei totalmente hipnotizada pela sua arte. Entrei em contato com ele para tentar gravar algo e espero que tenhamos a chance de fazer isso em breve. Ouço muita música de diferentes partes do mundo e a música brasileira definitivamente tem um grande impacto na minha maneira de ouvir música, tanto rítmica quanto harmonicamente.

EM – Leo Susi me disse que você fará uma turnê pela China. Ela contará com um trompetista americano, um saxofonista italiano, um baterista e um percussionista brasileiros – uma verdadeira "Nações Unidas da Música". O conceito de World Music faz algum sentido para você?

AR - Claro, a música NÃO tem fronteiras. A música não se importa com cores, religião ou gênero e fala ao coração de todos, com uma linguagem que todos entendem. Nestes tempos conturbados, a música e a arte são como um refúgio seguro.

Backstage Bourbon Street

Com Leo Susi - Camarim do Bourbon Street

Morre Sonny Rollins, o colosso do saxofone, aos 95 anos

2026-05-27T00:54:06.986-03:00

Sonny Rollins em Viena/2006 - Foto: Jeff Pachoud/AFP via Getty Images

Morreu no dia 25 de maio, véspera de aniversário dos 100 anos de Miles Davis, Sonny Rollins, aos 95.

Nascido em Nova York, Rollins cruzou caminhos com Miles ainda jovem, quando o trompetista de St. Louis já atuava como um arregimentador de prodígios.

Juntos, compartilharam inúmeras gigs, gravações históricas e a rotina da patota da heroína no Harlem dos anos 1950, um círculo que incluía Dexter Gordon, Tadd Dameron, Art Blakey, JJ Johnson e Jackie McLean.

Na chamada época de ouro do jazz improvisado e cabeçudo, Sonny Rollins integrou o lendário conjunto de Miles ao lado de McLean, Cannonball Adderley e John Coltrane, fechando o círculo dos derradeiros representantes do jazz pós II Guerra Mundial.

Com Coltrane, manteve uma relação afetuosa, definindo os rumos do instrumento. Lembrando dele, décadas mais tarde, Sonny declarou: "Um ser humano belo, belo".

Rollins ganhou a alcunha de colosso graças ao seu influente álbum Saxophone Colossus, com o qual rompeu as limitações estruturais do jazz, consolidando o hard bop.

Lançado no concorrido ano de 1956, Saxophone Colossus concorreu com gravações lendárias: Ella and Louis, com Ella Fitzgerald e Louis Armstrong; Ellington at Newport, de Duke Ellington; Pithecanthropus Erectus de Charles Mingus; Fontessa do Modern Jazz Quartet e a série Cookin', Relaxin', Workin' e Steamin, do Miles Davis Quintet, que incluía John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers e Philly Joe Jones.

Ao contrário de muitos de seus contemporâneos que morreram cedo, Sonny alcançou a longevidade, aperfeiçoando sua obra após completar 80 anos. Superou problemas respiratórios com o auxílio da ioga, que o ajudou a manter-se longe dos excessos. Nos últimos anos exibia a modéstia dos sábios: “Continuo vivo porque continuo aprendendo”, confessou em 2016.

Para além da música, Rollins utilizou o saxofone como ferramenta de forte comentário social, político e espiritual.

Em 1958, lançou a emblemática Freedom Suite, peça instrumental de 20 minutos que ecoava abertamente as dores e as esperanças dos afro-americanos na luta pelos direitos civis.

Na contracapa do disco, registrou um manifesto sobre a ironia de a cultura negra representar o soft power norte-americano, enquanto seu povo era recompensado com a perseguição e a desumanidade.

Seu sopro também se conectou com o misticismo que descobriu em longos retiros na Índia e no Japão. Quatro dias após os atentados terroristas de 11 de setembro de 2001, Rollins também subiu ao palco em Boston para um show gravado ao vivo em homenagem às vítimas.

Com sua morte, silencia-se o sopro que desenhou a liberdade no século XX, deixando um legado indestrutível na história da música.

Sonny Rollins morreu na segunda-feira, 25 de maio, em sua residência em Woodstock, New York.

A 100 Miles

2026-05-26T01:00:00.000-03:00

“Em retrospecto não lembro muita coisa de meus primeiros anos – e jamais gostei de olhar muito pra trás mesmo. Mas uma coisa eu sei: no primeiro ano depois que nasci, um furacão varreu St. Louis e destroçou a cidade. Tenho a impressão de que lembro um pouco disso – uma coisa no fundo da memória. Talvez por isso eu tenha um gênio tão ruim às vezes; aquele furacão deixou em mim alguma coisa de sua violenta criatividade. Talvez tenha deixado um pouco de seus ventos fortes. Sabe, a gente precisa de um sopro forte para tocar trompete. Eu acredito no mistério e no sobrenatural, e um furacão é misterioso e sobrenatural”

Trecho extraído da biografia de Miles Davis

O som

Tutu, de Miles Davis, foi meu primeiro disco de jazz e, além da música que saia dos sulcos do vinil, a capa com sua foto em preto e branco faz parte da minha vida desde então. Esteticamente, tanto quanto as fotos de jazz de William Claxton.

Lançado em 1986, o álbum marcou a estreia triunfal de Miles Davis na gravadora Warner Bros., após três décadas de uma histórica e desgastada relação com a Columbia Records.

O projeto, concebido originalmente para ser uma colaboração com o astro pop Prince — que acabou se afastando por incompatibilidade de agendas —, tornou-se o testamento definitivo do jazz dos anos 1980. E mais uma vez Miles mudaria os rumos da música.

Como disse, o impacto começava na capa: um retrato em close-up de Miles em preto e branco, fotografado por Irving Penn com direção de arte de Eiko Ishioka. A imagem faturou o prêmio Grammy de melhor capa de álbum.

Musicalmente, a obra dividiu a crítica tradicional, mas capturou uma audiência jovem e global ao abraçar de forma radical a tecnologia da época. Sob a produção cuidadosa e composições do multi-instrumentista Marcus Miller, o disco substituiu a dinâmica de uma banda tradicional em estúdio por sobreposições de texturas sintetizadas.

O arquiteto por trás dessa paisagem sonora futurista foi o programador de sintetizadores Jason Miles, que ao lado de Adam Holzman, utilizou um arsenal que incluía o PPG Wave 2.3, o E-mu Emulator II e o Yamaha DX7 para esculpir samples e timbres que fugiam do genérico.

Em 2009 conversei com Jason Miles em Rio das Ostras e ele foi enfático em dizer que Davis era um futurista. “Estava sempre à frente. Não se prendia ao que havia feito no passado, ele sempre falava isso quando estávamos juntos. Passamos cinco anos trabalhando e aprendi muito com ele, sobre como encarar a vida, música, comida, ele sacava tudo profundamente”.

Sobre a cama eletrônica de funk, R&B e pop-jazz, a trompete de Miles Davis flutuava com sua icônica surdina, provando que sua expressividade continuava intacta em meio às máquinas.

O álbum foi batizado em homenagem ao arcebispo sul-africano Desmond Tutu, tornando-se também um manifesto político de resistência contra o regime do Apartheid. Comercial e artisticamente bem sucedido, Tutu rendeu a Miles o Grammy de Melhor Performance de Jazz Instrumental Solo em 1986.

Os números exatos globais de toda a sua história no catálogo da Warner variam na casa de centenas de milhares de cópias físicas e Tutu consolidou-se em paradas internacionais, alcançando o Top 20 do Reino Unido e é considerado o maior clássico da fase tardia do trompetista.

Conceitualmente, fica evidente que Tutu não foi apenas mais um capítulo na discografia de Miles Davis, mas um acontecimento preciso no tempo, quando os olhos do mundo estavam voltados à urgência humanitária da África do Sul e as engrenagens do racismo global e que o trompetista sempre combateu por toda a vida em seu próprio país.

Artisticamente, ao cruzar a sofisticação tecnológica, o álbum Tutu consolidou a transição iniciada na virada dos anos 1980 com a série The Man With the Horn (1981), We Want Miles (1982), Star People (1983), Decoy (1984) e You’re Under Arrest (1985), eternizando-se como um manifesto político e estético.

A fúria

Mesmo com a consciência sobre a situação racial na África do Sul e por trás da genialidade revolucionária que redefiniu a arte moderna, no coração de Miles Davis habitava uma personalidade complexa e frequentemente destrutiva.

Sua vida pessoal foi marcada por uma dualidade brutal, onde a beleza de sua música contrastava com seu comportamento errático.

O envolvimento profundo com a heroína na juventude, e mais tarde com a cocaína e o álcool, potencializou um temperamento que oscilava entre o isolamento paranóico e a agressividade explícita. Nos últimos meses de sua vida Miles Davis levava uma arma onde quer que fosse.

Mesmo diante do abismo das drogas que tragou alguns dos gênios do jazz; Charlie Parker, John Coltrane, Chet Baker e tantos outros, Miles Davis revelou um instinto de sobrevivência e uma visão de negócios únicos.

Enquanto a dependência química desmantelou a capacidade funcional de Charlie Parker, que vivia em um caos administrativo crônico que o levou a penhorar o próprio instrumento, Miles conseguia controlar sua fúria em detrimento da disciplina exigida nos palcos. Antes de sua guinada espiritual, o vício também paralisou John Coltrane até sua demissão do lendário grupo de Miles nos anos 50.

Por fim, Chet Baker, que se tornou um nômade, uma sombra de si mesmo, até morrer quase esquecido de forma trágica ao cair de uma janela, tendo o crânio esfacelado pela queda.

Miles, contudo, teve a autoconsciência de parar com a heroína em 1953, trancando-se no quarto da fazenda de seu pai, limpando o sangue do opióide por pura força de vontade. Mesmo quando enfrentou recaídas com outras substâncias ao longo das décadas seguintes, ele jamais abriu mão de sua postura de CEO do jazz.

Suas relações afetivas carregavam o peso da misoginia, documentada pelo próprio músico em sua autobiografia; casamentos e namoros foram sufocados pelo ciúme patológico e por episódios de violência doméstica.

No entanto, essa mesma fúria interna alimentava uma postura combativa intransigente contra a opressão social. Em uma América segregada, Miles recusava-se a adotar a postura subserviente que a indústria fonográfica, geralmente dominada por brancos, esperava dos artistas negros. Sempre exigiu ser tratado como um gênio da música contemporânea, renegando o rótulo de entertainer.

Sua postura altiva nas entrevistas e aparições ao vivo, o figurino impecável de alta costura e a recusa em sorrir para plateias condescendentes eram atos políticos de afirmação.

Nem mesmo a violência policial, como a infame agressão que sofreu em frente ao Birdland em 1959 amansou sua índole.

Miles Davis personificou o paradoxo do artista extraordinário cuja raiva, embora destrutiva na esfera íntima, foi o combustível necessário para confrontar o racismo estrutural de sua época e cravar seu nome na eternidade como um dos maiores artistas do século XX.

O legado

Ao celebrar o centenário de nascimento de Miles Davis, fica evidente que sua antecipação à fusão do trompete com as inovações tecnológicas deixou um mapa genético que se tornou a fundação da música urbana no século 21.

Esse marco de 100 anos não serve apenas para exaltar o passado, mas celebrar a passagem por esse mundo do grande visionário que foi o músico Miles Davis e seu flerte com as máquinas, abrindo caminhos para que o hip-hop e a música eletrônica redescobrissem o jazz como matéria-prima.

Sua visão futurista ecoou no acid jazz do Us3 e no projeto Jazzmatazz do rapper Guru nos anos 1990, estendendo-se até a revolução contemporânea de DJs e artistas como Robert Glasper, que confundem as fronteiras entre o acústico, o digital e o neo-soul.

O verdadeiro legado do gênio do trompete, reforçado neste centenário está na coragem de usar a tecnologia para desafiar os puristas de sua época.

Ao provar que a expressividade humana se mantém intacta mesmo em meio aos sintetizadores e samplers, Miles Davis chega aos 100 anos ainda apontando para o futuro, como o arquiteto definitivo do som do nosso tempo.

C6 Fest 2026 consolida curadoria elegante com Robert Plant, The xx e ícones do Jazz

2026-05-18T19:04:49.432-03:00

Branford Marsalis - Foto: Mark Sheldon (Extraida do site da Downbeat)

Entre os dias 21 e 24 de maio de 2026, São Paulo se transforma mais uma vez no epicentro da vanguarda musical global com a realização da quarta edição do C6 Fest. Ocupando os gramados e as estruturas do Parque Ibirapuera — incluindo a Tenda MetLife, a Arena Heineken, o Pacubra e o prestigiado Auditório Ibirapuera —, o evento traz ao Brasil um elenco de 28 atrações vindas de quatro continentes.

O festival reafirma seu compromisso de costurar, em uma mesma lona, o peso histórico de lendas vivas, o frescor do pop alternativo e a sofisticação da improvisação instrumental contemporânea.

Fruto da parceria entre o C6 Bank e a Dueto Produções — produtora de herança inestimável, responsável por desenhar o Free Jazz Festival nas décadas de 1980 e 1990 —, o C6 Fest nasceu em 2023 com a missão de resgatar o espírito dos antigos festivais de nicho, focados na experiência e no ecletismo refinado.

Em suas edições anteriores, o palco paulistano testemunhou momentos históricos, que variaram do experimentalismo eletrônico do Kraftwerk e do pop orquestral de Jon Batiste em 2023, passando pelo neo-soul catártico do Black Pumas e o lirismo de Cat Power em 2024, até chegar à celebração dançante de Nile Rodgers & Chic e o pós-punk do The Pretenders em 2025.

Em 2026, o festival dá um passo além em sua maturidade conceitual, inaugurando o palco C6 Lab, espaço inteiramente dedicado a novas sonoridades e apostas experimentais da cena mundial.

Brandee Younger - Foto: Erin O'Brien

Quinta-feira, 21 de maio – Jazz no Auditório Ibirapuera

O festival abre suas portas no Auditório Ibirapuera a partir das 19h, dedicando sua primeira noite à profundidade do jazz instrumental contemporâneo e transfronteiriço.

20h00 – 21h05 | Anouar Brahem Quartet: O mestre tunisiano do oud (o alaúde árabe) apresenta o aclamado concerto After The Last Sky. Conhecido por fundir a tradição musical árabe ao jazz ocidental, Brahem sobe ao palco amparado por um quarteto de gigantes: o contrabaixista britânico Dave Holland, o pianista Django Bates e a violoncelista alemã Anja Lechner.

21h35 – 22h25 | Julius Rodriguez: Jovem prodígio do piano e multi-instrumentista do Brooklyn, Rodriguez personifica a nova era do jazz. Apelidado de "Orange Julius", o músico costura com fluidez as fronteiras do hard bop com o R&B, o hip-hop e o gospel, trazendo uma energia vibrante e urbana ao festival.

22h45 – 00h00 | Branford Marsalis Quartet: Um dos saxofonistas mais reverenciados da história do jazz moderno, o norte-americano Branford Marsalis lidera seu refinado e longevo quarteto. Dono de uma técnica irretocável que transita entre o clássico e o avant-garde, o músico traz a São Paulo a sofisticação do jazz acústico em sua máxima expressão de improvisação e diálogo coletivo.

Sexta-feira, 22 de maio – Jazz e Fronteiras Musicais no Auditório Ibirapuera

Na segunda noite, os portões abrem às 19h para celebrar a expansão do jazz em direção à world music, à vanguarda brasileira e ao pop eletrônico.

20h00 – 21h00 | Brandee Younger: Harpista norte-americana indicada ao Grammy, Younger tem sido a principal responsável por revolucionar o papel de seu instrumento na música contemporânea. Mesclando o jazz espiritual de Alice Coltrane com pulsações modernas de hip-hop e soul, ela entrega uma sonoridade hipnótica e profundamente melódica.

22h30 | Hermeto Pascoal Big Band: O "Bruxo" da música universal, patrimônio vivo da cultura brasileira, comanda sua enérgica Big Band. Hermeto Pascoal desafia os limites da composição rearranjando sua vasta e imprevisível obra com metais robustos, ritmos nordestinos e aquela liberdade harmônica genial que o tornou cultuado no mundo inteiro.

22h50 – 23h50 | Knower: Duo norte-americano de pop-jazz eletrônico formado pelo baterista Louis Cole e pela vocalista Genevieve Artadi. Conhecidos por apresentações hiperenergéticas e vídeos virais, eles misturam linhas de baixo colossais, harmonias de jazz complexas e texturas eletrônicas pesadas com muito humor e virtuosismo.

Sábado, 23 de maio

Alternativo, Rock e Eletrônica no Ibirapuera

O sábado marca a expansão do festival para as grandes arenas montadas no parque. Os portões se abrem às 13h para uma maratona de música alternativa que se estende até a madrugada.

Arena Heineken

15h40 – 16h40 | Amaarae: Cantora e compositora americano-ghanesa, Amaarae é um dos nomes mais incensados do afropop e do R&B alternativo atual. Com sua voz sussurrada marcante e produções que misturam dancehall, trap e música tradicional da África Ocidental, ela traz um ambiente pop global e sensual para o palco principal.

17h20 – 18h20 | Mano Brown part. Rincon Sapiência: Substituindo o cantor americano Dijon (que cancelou por motivos pessoais), a lenda do rap nacional Mano Brown apresenta um show focado nas texturas dançantes e românticas de seu celebrado álbum solo Boogie Naipe. O show passeia pelo funk, soul e disco, contando ainda com a rima certeira e elegante de Rincon Sapiência e clássicos históricos de sua trajetória.

18h50 – 20h00 | BaianaSystem part. Makaveli e Kadilida: O combo baiano traz seu tradicional paredão sonoro de sound system e guitarra baiana ao Ibirapuera. Para esta catarse rítmica, o grupo convida o rapper cearense Makaveli e a cantora Kadilida, aprofundando o diálogo entre as batidas periféricas e a urgência das ruas.

20h45 – 21h55 | The xx: O trio britânico indie pop faz seu aguardado retorno ao Brasil. Conhecidos pela estética minimalista, guitarras ecoantes e vocais sussurrados divididos entre Romy Madley Croft e Oliver Sim, amparados pelas batidas eletrônicas precisas de Jamie xx, eles encerram a arena com sua atmosfera melancólica e cinematográfica.

Tenda MetLife

14h40 – 15h40 | Horsegirl: Trio de jovens de Chicago que vem revitalizando o rock alternativo e o noise pop de garagem. Com influências diretas do lo-fi dos anos 1990 e de bandas como Sonic Youth, o grupo entrega guitarras barulhentas e melodias indie cativantes.

16h40 – 17h40 | Baxter Dury: O cantor e compositor britânico, filho da lenda punk Ian Dury, traz seu carisma singular de "crooner sarcástico". Com seu spoken-word peculiar sobre bases de indie pop e funk minimalista, Dury canta crônicas afiadas sobre a vida noturna e as excentricidades de Londres.

18h10 – 19h10 | Wolf Alice: Liderada pela magnética Ellie Rowsell, a banda britânica de rock alternativo transita sem esforço entre o shoegaze, o grunge pesado e o pop etéreo. Vencedores do cobiçado Mercury Prize, trazem ao festival um show vigoroso e cheio de texturas.

19h40 – 20h45 | Matt Berninger: O icônico e barítono vocalista da banda The National apresenta-se em seu projeto solo. Com interpretações densas e teatrais, Berninger traz baladas confessionais embaladas por arranjos folk e indie rock, destilando melancolia e composições líricas profundas.

Pacubra & C6 Lab

20h45 – 23h00 | Aline Rocha: DJ e produtora brasileira em franca ascensão internacional, conhecida por sets elegantes que passeiam pelo deep house, soulful e clássicos da house music.

23h00 – 03h00 | Marten Lou: O DJ e produtor parisiense traz sua assinatura de melodic house para a madrugada paulistana, arrastando pistas com seus remixes sofisticados de texturas profundas.

23h00 – 00h00 (C6 Lab) | Mabe Fratti: A violoncelista e compositora experimental guatemalteca (radicada no México) apresenta sua fusão de arranjos barrocos de violoncelo com sintetizadores e vocais etéreos, criando uma atmosfera vanguardista hipnotizante.

Domingo, 24 de maio – Pop alternativo, indie e clássicos do rock

O encerramento do festival mantém os portões abertos a partir das 13h, equilibrando o pop alternativo mais refinado com a presença histórica da realeza do rock mundial.

Robert Plant

Arena Heineken

15h30 – 16h30 | Magdalena Bay: Duo de synthpop de Los Angeles formado por Mica Tenenbaum e Matthew Lewin. Unindo uma estética visual inspirada no início da internet a um pop eletrônico cirúrgico, recheado de camadas de sintetizadores e ganchos viciantes, eles abrem a arena principal em tom futurista.

17h00 – 18h00 | Os Paralamas do Sucesso part. Nação Zumbi: Um encontro histórico do rock nacional. O power trio canônico do pop-rock e do ska brasileiro convida os herdeiros do manguebeat da Nação Zumbi. Juntos, prometem uma parede percussiva e de guitarras celebrando clássicos que moldaram a música brasileira moderna.

18h30 – 19h45 | Beirut: O projeto do multi-instrumentista Zach Condon retorna ao Brasil com seu aclamado e nostálgico "indie folk do mundo". Misturando elementos da música folclórica do Leste Europeu, acordeões, ukuleles e metais com o pop alternativo, a banda cria paisagens sonoras poéticas e bucólicas.

20h30 – 22h00 | Robert Plant's Saving Grace feat. Suzi Dian: A lendária voz do Led Zeppelin encerra o palco principal com seu mais recente e íntimo projeto. Ao lado da vocalista Suzi Dian e da banda Saving Grace, Robert Plant mergulha em suas profundas paixões pelas raízes do folk britânico, pelo blues de garagem americano e pela música mística oriental, entregando uma apresentação mística, acústica e de extrema sensibilidade.

Tenda MetLife

15h00 – 15h50 | Samuel de Saboia: O artista visual e pesquisador brasileiro apresenta um set performático, conectando pesquisas sonoras que dialogam com ancestralidade, batidas afro e texturas urbanas contemporâneas.

16h30 – 17h30 | Benjamin Clementine: Cantor, pianista e poeta britânico, vencedor do Mercury Prize. Dono de uma voz operística dramática e arrebatadora, as apresentações de Clementine ao piano são experiências quase teatrais, marcadas por um expressionismo cru que flerta com a chanson francesa e o avant-garde.

18h00 – 19h00 | Oklou: Produtora e cantora francesa que se tornou referência no movimento do hyperpop e do R&B ambiente. Suas produções trazem vocais carregados de auto-tune sob bases minimalistas e melancólicas de sintetizadores, desenhando paisagens digitais introspectivas.

19h20 – 20h30 | Lykke Li: A cantora e compositora sueca encerra a Tenda MetLife trazendo seu pop alternativo melancólico e sensual. Com sucessos mundiais na bagagem, ela apresenta canções que equilibram batidas eletrônicas soturnas com vulnerabilidade acústica e vocais marcantes.

Pacubra & C6 Lab

20h00 – 21h30 | Jude Paulla: A DJ brasileira traz sua pesquisa focada em ritmos tropicais, música brasileira de pista e black music, injetando descontração e ginga na reta final do evento.

21h30 – 23h30 | DJ Nyack B2B Pathy Dejesus B2B Eduardo Brechó: Um encontro de peso da discotecagem nacional. Unindo o consagrado DJ Nyack (conhecido por seu trabalho com Emicida), a versatilidade de Pathy Dejesus e a bagagem de Eduardo Brechó (líder do Aláfia), o trio comanda uma sessão de encerramento focada no hip-hop, r&b, soul e grooves brasileiros.

23h00 – 00h00 (C6 Lab) | Cameron Winter: O vocalista e principal compositor da cultuada banda de indie rock novaiorquina Geese encerra os trabalhos do palco experimental. Em sua apresentação solo, Winter expõe suas composições em formato cru, passeando pelo art-punk e pelo folk torto com sua habitual entrega vocal excêntrica.

Mike Del Ferro, entre o rigor de Chopin ao balanço de Jobim

2026-05-01T11:39:00.001-03:00

Texto: Eugênio Martins Jr

Fotos: Divulgação Mike Del Ferro

Mike Del Ferro carrega um DNA artístico singular: É filho de cantor de ópera que dividiu estúdios com Maria Callas. E cresceu sob a égide do rigor clássico de Chopin e Beethoven, mas encontrou sua voz no improviso ao descobrir o jazz de Oscar Peterson.

Pode-se dizer que essa dualidade permeia toda a sua obra, equilibrando a música erudita europeia à música do mundo, África, Ásia e Oriente Médio, incluindo o balanço das músicas latina e brasileira.

Sua relação com o Brasil foge do encantamento superficial do turista. Na nossa conversa, Del Ferro mostrou-se um observador atento, reconhecendo os desafios da sobrevivência do artista no país, mas que, ao mesmo tempo, deixando-se seduzir pela profundidade melódica dos nossos compositores, enaltece os nomes de Milton Nascimento e Tom Jobim.

Essa conexão se materializou em parcerias com Oscar Castro Neves, Badi Assad e Fernanda Porto, além de uma fraternidade musical duradoura com o baterista Márcio Bahia.

A ponte aérea Amsterdam/São Paulo lhe serve duas vezes por ano, ocasiões as quais aproveita para tocar e trocar com os músicos brasileiros de todos os estilos.

Dentro da diversidade do seu catálogo encontra-se Sintonia, no qual a sua ligação com o Brasil se torna mais profunda.

Além da compreensão real das harmonias brasileiras, Mike entende o nosso balanço, transformando o piano em uma extensão dessa linguagem.

A cantora holandesa Femke Smit faz o contraponto vocal a esse refinamento. Sua interpretação é marcada por uma dicção cuidadosa e uma sensibilidade que respeita a tradição da bossa nova e da MPB. Fruto de suas inúmeras viagens de “estudos culturais” ao Rio de Janeiro.

Ao dividir o protagonismo com o piano, Smit adiciona uma camada de suavidade e elegância às melodias, consolidando o disco como um verdadeiro encontro cultural entre o jeitão europeu e o jeitinho brasileiro.

Eugênio Martins Júnior – Como foi a tua infância musical?

Mike Del Ferro – Foi cheia de música. Nasci em Amsterdam e meu pai foi um cantor de ópera que atuou com Maria Callas em algumas gravações. Então, cresci ouvindo ópera e música clássica. Mas sempre fui muito interessado em piano e meu pai me acompanhava nos estudos. Comecei a tocar, improvisando um pouco e depois estudei seriamente a música clássica. Mas sempre sentia falta de alguma coisa. Veja, adoro a música clássica e tenho muitos projetos, mas sempre senti a falta da liberdade. E quando descobri o jazz e a música latina, com o ritmo, harmonia, improvisação vi que era aquilo que eu queria fazer. Me tornei um aficionado pelo jazz e pela música latina. Não só a música brasileira, mas a música cubana também. E claro, o jazz.

EM – Quantos anos você tinha quando percebeu isso? Já era profissional?

MDF – Tinha uns quinze anos e já tocava Chopin, Beethoven e Mozart, mas meu pai era um cara de mente aberta e quando Oscar Peterson fez um concerto em Amsterdam ele me levou eu pensei: “Ohhhhh”. Foi como um vírus, entende?

EM – Como é a cena de jazz de Amsterdam atualmente?

MDF – Tem músicos muito bons. E possui um fantástico conservatório internacional que recebe músicos do mundo inteiro, entre Brasil e Coréia. O nível é realmente muito alto, mas o problema é que não há muitos lugares para tocar, porque apesar de Amsterdam ser uma cidade cosmopolitana, oficialmente com um milhão de pessoas, não é tão grande como São Paulo ou Rio. Eu toco oitenta por cento fora da Holanda. Na Europa, América do Sul, muito no Brasil, China, Itália, muitos lugares.

EM - Você tocou e gravou com Oscar Castro Neves, Badi Assad e Fernanda Porto, como foi isso? Gostaria que falasse sobre a sua relação com a música brasileira.

MDF – Minha íntima relação com a música brasileira se deu através do meu amigo Márcio Bahia. Somos como irmãos. Estive no Brasil tantas vezes e conheci pessoas fantásticas. Também conheci o Gabriel Grossi, que para mim é tão criativo quanto Toots Thielemans, com quem toquei por muitos anos. No Rio Grande do Sul conheci um baterista fantástico chamado Ricardo Arnold. Amanhã me encontrarei com o André Mehmari e quem sabe aconteça um piano duo. Amo esse país, mas acho um país desafiador. Sei que muitos músicos superam dificuldades para sobreviver. Não sou daqueles que ficam romantizando. Amo vir para cá, mas como estrangeiro tenho uma visão realista sobre as dificuldades. Para os músicos e pessoas ligadas às artes é um grande país, mas com muitos desafios.

EM - Você disse que iria encontrar com o André Mehmari. Ele também é um músico que transita entre o jazz e a música erudita. Gostaria que explicasse isso, como é andar nessa linha divisória?

MDF – É a combinação entre curiosidade e respeito pela música clássica que está aí por muitos séculos. Vamos voltar à ópera. Temos grandes óperas de Puccini, mas acho que elas podem ser apresentadas de outras formas. Especialmente suas árias, um material incrível que permite fazermos outras harmonizações. Essa é a minha curiosidade por todos os tipos de música. Pegar os ingredientes e colocá-los juntos para criar uma coisa nova, mas sempre respeitando o original.

EM – É possível fundir o balanço do samba jazz com a rigidez da música clássica europeia?

MDF – Acho que essa é uma das principais razões para eu ter me conectado tão bem com o Brasil. Adoro tocar música secular (acho que ele está falando do choro), samba e outros ritmos, mas ao mesmo tempo trago a beleza do meu país, minha herança cultural para junto apresentá-la. Toco a música lenta como a de Tom Jobim e as pessoas gostam porque não toco muitas notas e insiro outros elementos.

Mike Del Ferro e Femke Smit

EM - Você gravou um disco de músicas brasileiras com a cantora Femke Smit que se chama Sintonia, que é um termo muito bacana. O que representa nesse contexto? A sintonia entre ambos ou com a música brasileira?
MDF – Temos em comum que nossos pais foram ambos cantores de ópera. Então Femke já carrega essa influência. E ela é uma apaixonada pela música brasileira. Viveu aqui por algum tempo. Seu português é fantástico. Ela conhece muitas cantoras brasileiras de MPB. Quando estive com Femke no Rio de Janeiro ela me levou aos lugares do samba, como aquele famoso, o Samba do Trabalhador. E interessante que os sambistas a conheciam e a chamavam para cantar. Ela conhece muitos sambas tradicionais, conhece o Paulinho da Viola e todas as suas músicas. É uma grande coisa para quem cresceu em Amsterdam e essa é a sintonia, o amor pela música brasileira. Nós amamos canções que não são tão famosas fora do Brasil, sei que isso também é relativo, estou falando de Encontros e Despedidas ou Beatriz, por exemplo, que são incrivelmente bonitas.

EM – Nós brasileiros ouvimos música do mundo inteiro, especialmente o jazz norte-americano. Mas atualmente esse movimento se inverteu e a música brasileira, inclusive a música instrumental, o nosso jazz, está sendo muito exportada. Você consegue ver esse movimento?
MDF – Acho fantástico. Porque esse país é um planeta musical. Se você pegar Tom Jobim que escreveu inúmeras canções incríveis como Garota de Ipanema, One Note Samba, How Insensitive, que muitos fora do Brasil conhecem e usar o exemplo do Filó Machado, um artista incrível, que viveu em Paris um curto período, mas que as pessoas na Europa não conhecem. Veja, ainda há muito o que ser descoberto. O advento da internet proporcionou acesso às pessoas a música de todo o mundo.

EM - O que é o programa American Voices?
MDF – É uma organização cultural. Trabalhei com eles por 15 anos como embaixador. Rodei o mundo apresentando jazz tradicional. A filosofia era criar pontes musicais entre os países. Visitei o Afeganistão, Cazaquistão, Mauritânia, onde há uma música inacreditável. Tocava com músicos tradicionais. Minha curiosidade não se limitou ao jazz e se expandiu para a world music da África e Ásia. Estive na Sibéria, Mongólia e parte da Rússia. A filosofia de American Voices é conectar os músicos. Uma potente forma de comunicação.

EM – E ao mesmo tempo conectando as pessoas de diversas culturas.
MDF – Sim. Estive no Afeganistão duas vezes em 2005. Ensaiei com alguns músicos, mas também conheci o fantástico público local. Os músicos me convidavam para conhecer suas casas e cozinhavam para nós. Essa parte do mundo recebe tanta propaganda negativa, mas a música nos unia. Não ligávamos para a política, religião ou cor da pele.

EM – Sim. Geralmente as pessoas são boas, mas os governantes é que fodem tudo. Eles dividem os povos para continuar governando.
MDF – Sim, é verdade, eles fodem com tudo. Conheço grandes músicos palestinos e judeus que colaboram entre si.

EM – Acho que a música acaba tornando o mundo um lugar pequeno, onde todas as conexões são possíveis e aceitáveis.
MDF – Concordo cem por cento com você. As pessoas rotulam de fusion ou crossover e eu acho uma besteira. São apenas terminologias erradas.

EM – Após essa recente turnê, quais são os próximos planos para o Brasil?
MDF – Venho duas vezes por ano ao Brasil. Mais ou menos a cada seis meses. Desta vez toquei em Porto Alegre, São Pedro, amanhã em São Paulo com Victor Cabral e Thiago Alves, músicos fantásticos. Provavelmente volto em outubro e novembro para fazer Sescs. Em janeiro de 2027 volto ao sul do Brasil, em Pelotas e depois cruzo a fronteira para o Uruguai. Sempre que tiver chance virei ao Brasil. O aeroporto de Amsterdam tem dois voos diários de apenas onze horas para o Brasil, um para o Rio e outro para São Paulo.

Marco Bosco, 70 anos: Uma odisseia percussiva de Torrinha para o mundo

2026-04-28T05:00:00.090-03:00

Marco Bosco e sua parafernália

Texto e fotos: Eugênio Martins Júnior

Marco Bosco rodou o mundo com a música. A música do Marco Bosco rodou o mundo. E cada pedaço do mundo mora na música de Marco Bosco. Ouvi-la, é presenciar um fenômeno, no qual as fronteiras geográficas simplesmente não fazem sentido.

Com seu cúmplice, o tecladista Paulo Calasans, Bosco opera uma central que une sintetizadores a equipamentos rústicos de percussão, criando artérias sonoras que ligam o pulsar do Japão ao coração da África, passando pela ancestralidade da China e os sons vivos da floresta amazônica.

Essa fusão, no entanto, não é fruto do acaso, mas da natureza intrínseca da percussão brasileira, uma linguagem com portas sempre abertas.

No tabuleiro da música do mundo - world music - o Brasil não apenas participa, ele fornece a gramática rítmica que permite a conversação entre diferentes continentes.

Quando Marco Bosco utiliza o couro de um tambor ou o metal de um chocalho, ele convoca uma herança que já nasceu mestiça, capaz de absorver a complexidade dos ritmos orientais sem perder a identidade.

E desculpe a redundância, nesse cenário a percussão deixa de ser apenas marcação de tempo para se tornar a própria arquitetura sonora. É o elemento que humaniza o sintetizador e dá textura ao caldo sonoro global.

Ao priorizar a batida da terra, Bosco reafirma que a música do mundo não se faz apenas com tecnologia, mas com a sensibilidade de entender que o balanço do maracatu ou o choro de a cuíca possuem frequências que transformam a diversidade geográfica em um elemento compartilhado.

Sua discografia é tão grande quanto diversa. Ouvir Metalmadeira (2014) e Metalmadeira II (2025) é essencial. Online (2016) com Paulo Calasans foi um disco gravado...online. Mais uma possibilidade da tecnologia à serviço da música.

No Spotify ainda é possível achar pérolas avulsas colocadas lá para o nosso deleite e o do mundo: Flora Brasileira (com Flora Purim), Inventando Moda, Electricwood I e Electricwood III.

Uma passada nessa discografia também nos encontramos com Airto Moreira, Egberto Gismonti, Oscar Castro Neves, Ruriá Duprat, César Camargo Mariano, Dominguinhos, Marlui Miranda e muitos outros.

Marco Antônio Bosco nasceu hoje, 28 de abril, há 70 anos atrás. Essa matéria é uma homenagem a esse grande músico que leva o nome do Brasil para onde vai.

Abraço, Bosco. Feliz aniversário.

Eugênio Martins Júnior - Como foi a tua infância musical?

Marco Bosco – Olha. Desde meu avô paterno, que era violeiro, todo mundo canta. Tinha minha tia Selma rodou o mundo como bailarina espanhola. Os caras iam ensaiar em casa e lembro de ouvi-los tocando. O tio Nenê era o Frank Sinatra brasileiro. Minha mãe fala que quando cheguei em Aparecida do Norte para ser batizado escolhi uma violinha como presente. Já no ginásio havia uma fanfarra. Aí pensei: “É essa parada aí que eu quero”. Virei corneteiro, trompetista.

Em São Paulo fui morar na Peixoto Gomide, esquina com a Itararé, onde ensaiava a (escola de samba) Vai Vai. Aquele baita barulhão. Aí fui lá, né? Com 16 anos fui tocar na avenida Ibirapuera. O shopping não existia, só casas de samba.

EM – Deixa eu me situar. Você já tinha ido morar em São Paulo com a tua família?

MB – Meu pai morreu quando eu tinha três anos. Saímos de Torrinha e fomos para São Paulo. Onde cresci, casei e servi o exército. Mais tarde, já na música, fui estudar em Campinas. Estava tocando em uma casa noturna e tinha um show do Zé Rodrix na cidade. Ele me pediu os timbales emprestados e eu disse: “Emprestar eu não empresto. Eu toco”. Quando acabou o show ele disse que estava montando uma banda em São Paulo e me chamou. Eu disse: Só se for agora”. Fui para São Paulo. Mas aí conheci o seu Liu, da dupla Liu e Léu. Ele todo chique e tal. Ele gostou de mim e me colocou para gravar com todos os sertanejos. Gravava três discos por dia com o Julião Batera, que me ensinou pra caramba. Toquei com o Zé Rodrix, Luiz Ayrão, um monte. Daí estou um dia na RCA Victor quando chega uma delegação do Japão. O Reinaldo Barriga não sabia falar inglês e eu fui como intérprete. Conversa vai, conversa vem eu disse que era primo da Sônia Rosa, uma cantora que ganhou tudo o quanto era festival da época. Ela era conhecida por ter participado da feira de Osaka em 1970. Ela e o João Bosco. O Sadao Watanabe a adotou e ela nunca mais voltou.

EM – Essa tua prima foi com uma banda e o João Bosco?

MB – Não. Só ela e o João Bosco. Ela cantava bossa nova, era compositora, ganhou festivais, inclusive com a Odete Lara cantando uma música dela. Ela gravou um disco no Japão com o Sadao que vendeu seis milhões de LPs.

EM – Se deu bem logo de cara.

MB - Então, mas naquele dia, na RCA Victor o japonês pediu meu contato e depois me chamou. Em 1980 montei uma banda chamada Grupo Acaru, com o Ruriá Duprat e o Leandro Brás. Mas o Leandro saiu. Ficou o Turquinho Alves, Zé Américo Antônio e o Ruriá. E fomos para Tóquio.

EM – Espera um pouco, já vamos chegar no Japão. Quero voltar um pouco. Nunca tinha ouvido falar de Torrinha até te conhecer. Parece que a cidade não mudou em décadas. Ainda possui somente nove mil habitantes. A cidade ainda te inspira de alguma forma?

MB – Nove mil no município. Na cidade tem sete mil. É do ladinho de Brotas. Velho, eu sou da viola. Cresci aqui. Onde ninguém fala você. Todo mundo fala “Cê”. Vou fazer 70 anos e meu projeto novo vai se chamar “Cê Tenta em Casa”. Com os violeiros a Orquestra de Campinas e convidados.

EM - Nos anos 2000 você realizou um projeto musical com jovens da cidade. Fale sobre isso.

MB – É o seguinte (risos). Minha mãe estava muito doente em São Paulo e eu pensei: “Vou levá-la pra roça para ela morrer em paz no cantinho dela”. O médico falou que ela tinha seis meses e aqui ela durou mais dois anos. Aqui tem muito eucalipto e eu conheci o maior produtor local de óleo de eucalipto. E descobri que ele tinha um depósito de latas de óleo daquelas de 20 litros. Mas tinha umas quinhentas. Arrumei um caminhão e peguei todas. Aí fiz esse projeto com a molecada, desde pintar a lata até tocar. Não tinha outro instrumento, só lata.

EM – Para quem quisesse participar?

MB – Sim. E a estação do trem estava desativada e a gente ensaiava lá.

EM - Pesquisando para fazer essa entrevista li que você produziu trilhas para dança, teatro e cinema. Eu ia te falar mesmo que acho a tua música bem visual. Posso estar falando groselha e se estiver me corrija, mas gostaria que falasse sobre isso.

MB – Acertou na mosca. Sou percussionista, mas gosto do Pink Floyd. Porque as imagens sonoras são as que ficam. Saio aqui na porta e tem seriema, tucano e eu gravo tudo. Minha vida inteira foi reproduzir os sons da natureza. Voltando ao Zé Rodrix, fui com ele tocar em Vitória. Quando acabou o show conheci o Maurílio Coelho. Manja esse cara?

EM – Não.

MB – Ele me deu uma caixa de madeira, grande, linda, com quarenta e oito cantos de passarinhos. É o que uso até hoje. Quando você coloca um reverb ou um delay parece que você está no mato. Cresci no mato, mas gosto de Pink Floyd, Santana. Como é que eu vou tocar conga como o Giovanni Hidalgo? Impossível. Mas se tocar do meu jeito ele também não vai tocar o que eu toco. Fui construindo assim. Você chega no lugar e não é o que você quer tocar, é o que o cara quer. Você está lá para isso. Já gravei com Deus e o mundo. Aprendi muito com vários artistas. Pô, gravei o original de Fuscão Preto. Trabalhei com Liu e Léo, Zico e Zeca, Pena Branca e Xavantinho, Chitãozinho e Xororó. Chegava no estúdio: “Hoje é esse, vamo simbora”.

Marco Bosco e Leo Susi no Bourbon Street

EM - Vejo em muitas das tuas composições uma fusão de elementos eletrônicos e instrumentos acústicos. Posso citar alguns exemplos aqui: 33 e o EP mais recente, o Metalmadeira II e a música Sol da Manhã que parece que tem um berimbau com wha wha. Isso foi um planejamento no sentido de “eu quero falar com o mundo”, “eu quero fazer isso mesmo” ou foi acontecendo naturalmente?

MB – É um berimbau com arco de violino. Em 1980 eu fui para o Japão para ficar quatro meses, que era o máximo que podia. Levei instrumentos brasileiros velhos, sabe como é. Quando cheguei lá comprei uma bateria eletrônica da Yamaha. Uma de cartucho. Na época não existia midi. Me aprofundei na bateria eletrônica, nas levadas que eu queria, como queria. Por exemplo, esse disco que saiu agora, o Metalmadeira II, é de 1983.

MB – Como chama aquele cara que foi produtor do U2?

EM – Daniel Lanois?

MB – Não.

EM - Steve Lillywhite?

MB – Não, aquele outro famosão. Na bienal de São Paulo de 1984 eu dei um disco para ele, assinado e tal. Passaram-se trinta e poucos anos o John Gomes, DJ fodão lá da Inglaterra, encontrou esse disco assinado num sebo e comprou.

MB – Lembrei, Brian Eno. Você falou todos menos ele. (risos)

O Brian Eno tinha aquele disco Music For Airports que eu pirava.

Mas então o DJ achou o disco e entrou em contato comigo. Ele produziu um álbum duplo no qual tenho três músicas. Cara, esse álbum vendeu quarenta mil cópias. Uma DJ brasileira que nasceu em Curitiba e mora em Milão comprou o Metalmadeira e via gravadora Soundway Records juntou vários DJs para gravar alguns remixes. Diziam que eu fui o primeiro cara da música a fazer o que eu faço hoje. Porque lá nos anos 70, eu e o Paulo Calasans, ainda moleque, fazíamos um som acompanhando um ao outro com bateria eletrônica, sequencer, era uma onda. Você trocava o programa com a fita cassete. A cada duas músicas alguém tinha que falar alguma coisa para dar tempo de trocar. Fomos caminhando assim desde o começo.

EM - Fale sobre essa parceria com o Paulo Calasans. Ele completa o lado eletrônico do teu som. Programações, sinths, teclas.

MB – Tenho 16 álbuns e ele tocou em 14. No álbum Online de 2015 fizemos tudo online. Até ensaiar. Só nos encontramos no dia do show. O lance com o Calasans foi o seguinte. Íamos tocar em Jundiaí e o pianista deu o cano. Mas o equipamento dele estava com a gente. E quando acabou o show em questão fomos comer e beber em um lugar onde o Paulinho estava tocando. Nós perguntamos se ele queria seguir turnê com a gente e ele aprenderia as músicas no ônibus e ele foi.

EM – Tá de sacanagem?

MB – É. Aí o Sá e Guarabyra também o chamou. Depois o Lô Borges.

EM – Você fez com ele a mesma coisa que o Zé Rodrix fez contigo. Chamou o músico e deu uma chance.

MB – Exatamente. E ele tocava pra caramba. O pai dele tocava violoncelo e os irmãos violino, baixo e viola. Tinham um quarteto clássico.

EM – Que história legal. Mudando de assunto, muita gente chama isso que você faz de world music. Você reconhece esse rótulo?

MB – Faz sentido. Não faço música para nenhum lugar específico. Quando estou gravando não penso em nada. Eu recebo algumas gravações, edito e gravo do meu jeito. Ninguém se encontra mais pra tocar.

EM – Por um lado isso legal. A tecnologia encurtou as distâncias, mas o calor do estúdio, da troca de ideia ao vivo se perdeu.

MB – É, você pode testar, mudar, editar. Bicho, tocar em disco é uma coisa e ao vivo é outra. O tratamento é diferente em cada música.

EM - O teu kit de percussão é o maior que eu já vi até hoje. Você tem noção de quantos instrumentos tem?

MB – Ah não sei. Tem o básico, né? Timbales, conga, djembe, bongô e o resto. Sei lá. Fui para Portugal e um cara fez um monte de sino de barro. Outro dia estava andando aqui no pasto e trombei com um cavalo morto e roubei o queixo dele. Está aqui. Vou te mostrar. (ele pega o negócio coloca em frente à tela do computador, é um trambolho que nem dá pra ver direito). É um dos instrumentos mais antigos do mundo. A primeira vez que ouvi foi na música Disparada. É o pai do vibraslap.

E agora ganhei um berimbau feito em São Paulo que é o melhor do planeta, feito pela Berimbau Brasil. É um absurdo. Com tarraxa de contrabaixo, corda de pianos que afina. Você vai juntando instrumentos, cabaças da África, sementes.

EM – Bosco, você teve uma vida musical prolífica no Japão. Não sei nem por onde começar, você fez muita coisa lá naquele país. Gostaria que contasse um pouco dessa história.

MB – A primeira vez fiquei quatro meses. Só que esse disco que gravamos lá, Live at Hot-Crocket, o lugar onde a gente trabalhava, vendeu sessenta mil cópias. Pô, comprei um apartamento. Tirava até foto do dinheiro e tal. Depois, em 1989/90 mandei uma trilha que fiz para um balé em São Paulo sobre danças indígenas. A Odeon do Japão, que tinha um selo com um nome brasileiro, me chamou. Fui e gravei mais algumas faixas, num disco que se chama Hánêréa (The Power of Nature), usando algumas coisas que gravei em Manaus. E foi pintando trampo e eu fui ficando. Mas tinha que arrumar alguma coisa para fazer lá. Naquele momento entre o Brasil e o Japão havia começado a modalidade de “visto cultural” e eu me matriculei numa escola chamada Edo Sukerocu Daiko. Fui aprender a tocar instrumentos japoneses, o taiko. Fiquei cinco anos com eles. No disco chamado Tokyo Diary coloco junto com a galera do samba.

Depois conheci um cara chamado Nick Wood, que era sócio do Simon Le Bom do Duran Duran. Eles têm uma produtora chama SYN Productions e eu comecei a gravar com eles e fui ficando. Fiquei mais de 20 anos.

EM – A família foi junto?

MB – Não. Fiquei viúvo aos 37 anos. Minha filha ficou morando com as tias e só foi quando ficou adolescente. Minha mãe estava muito doente e eu voltei em 2000, mas ela acabou falecendo. Em 2004 voltei para o Japão e depois voltei ao Brasil em 2012. Depois fui para a Europa, Portugal, Macedônia, um lugar maravilhoso. No final de 2019 voltei para trocar o meu visto e estourou a pandemia e eu vim para Torrinha. E estou aqui desde então.

EM - Tokyo Diary é um álbum com uma constelação de bambas. Já que você tocou no assunto, gostaria que falasse sobre esse álbum.

MB – A parada é a seguinte. Minha prima Sônia que morava lá e está viva até hoje, era muito amiga do Sérgio Mendes e do Oscar Castro Neves. O Sérgio me chamou para trabalhar com ele. Também fiquei muito amigo do Oscar Castro Neves, ele era o professor, né? Me ensinou tudo.

Depois conheci um cara chamado Jun Otsu, que era programador de uma grande rádio, porque no Japão há quatro grandes rádios estatais. E naquele tempo o programador saia para comprar discos. Ele comprou o Hánêréa - The Power of Nature e passou a tocar. E nada é por acaso, velho. O Seigen Ono, que era engenheiro de som me apresentou ao Otsu que disse: “Olha, eu recebi uma herança e quero fazer seu disco. Mas quero fazer um “puta” disco”. Eu Disse: “Você paga? Ele concordou. Falei com o Oscar e ele montou uma banda de cair para trás: Airto (Moreira), Flora (Purim), César Camargo Mariano, Ruriá Duprat, Don Grusin, Alex Acuña. Muitas percussões coloquei depois aqui no Brasil. Tinha que apresentar um trabalho pelo tempo que estudei lá. Daí escrevi uma peça com os toques deles e misturei com samba.

EM – Foi malandro. Juntou as duas coisas, a tese com a gravação.

MB – A primeira vez que eu fui, cabeludo, barbudo, era parado na rua e as pessoas pegavam na minha barba. Quando cheguei no lugar havia trinta e seis brasileiros. Quando saí tinha mais de 300 mil. Logo de cara conheci o Tsuyoshi Yamamoto, inclusive temos um disco gravado. Ele está vivo até hoje e naquela época já era importante. Quando o Acaru gravou no Japão me disseram que precisava ter um convidado e quando o ouvi tocar já disse que seria ele. Somos amigos até hoje.

EM – Você também morou na China? Sei que cruzou o país com o Leo Susi. Conta essa história.

MB – Fui doze anos seguidos para a China. Na última vez que eu fui com o Randy Brecker, antes da pandemia, tocamos em 48 cidades, ficamos sessenta dias, quase morremos de tanto tocar.

EM – Imagino. A China é gigante igual ao Brasil.

MB – Por isso que eu falo, se aquilo é comunismo eu não vejo a hora de chegar aqui.

EM – A lista de músicos importantes que você tocou é infindável. Mas não dá para não perguntar essa. Você tocou com a Nina Simone. Como foi isso? Só se encontravam na hora de tocar? Como ela era?

MB – Não, viajávamos juntos. Era bem louco. Tinha um moleque que viajava com ela, e que nós apelidamos de Miltinho por parecer com o Milton Nascimento, que andava com um cooler em uma bolsa chique e uma taça de cristal, champanhe e um monte de baseado.

A gente ensaiava, mas os caras tocavam com ela há vinte, trinta anos. Ela só ia no final do ensaio. Quando chegava na hora do show ela mudava tudo. Foda-se o ensaio. Quando veio tocar no Brasil ela lembrou que eu era daqui. Eu disse que não tocava aqui havia uns oito anos. Na hora do show, naquele lugar enorme, não lembro onde foi, um lugar conhecido. Ela disse: “Olha tem um cara que não toca aqui há muito tempo e vai tocar agora pra vocês”. E ela saiu e me deixou sozinho. E eu mandei pau. Aí ela aparece com um adereço da África e eu tocava e ela ficava dançando e fazendo umas rezas em cima de mim. A casa veio abaixo.

EM – E no trato, no dia a dia? Como era ela?

MB – Convivência normal. Ficava muito na dela. E tinha umas coisas malucas, assim, dela. Antes do show ficava no camarim e a gente no nosso. Mas todos os músicos tinham que ir ao camarim dela e falar: “Nossa, como você está bonita!” Era só isso. Muito louco, bicho!

EM – Bosco, estamos chegando no final da entrevista. Como está a tua vida hoje?

MB – Em 2024 lancei um projeto chamado 40 e Manos, que é um álbum duplo chamado Em Canto, só cantado. E outro chamado Em Toque, que é só tocado. E um detalhe importante: tem um cara brasileiro chamado Carlos Freitas, que é o gênio da masterização no mundo. Ele mora em Miami, mas era do time do lendário estúdio Vice e Versa, em São Paulo. Recentemente fizemos um Single em Atmos chamado Awá, sobre a história de um índio da Amazônia, cuja família foi assassinada. Fizemos eu e o Jether Garotti com a orquestra dele, ficou legal. E agora estou preparando os singles, um chama Abraçando Vida, Natural Mentes e outro, Acordado no Sono. Essa coisa eletrônica que eu sei fazer. Vamos ver. Agora eu faço 70 anos e estou preparando um projeto para sair o ano que vem que se chama Cê Tenta em Casa. Com os violeiros, só que do meu jeito, com eletrônica e a Orquestra de Cordas do Jether Garotti.

EM – Fazendo a fusão que é a tua assinatura?

MB – Exatamente. Tentando manter a música viva.

Armandinho Macedo, um dos grandes inventores da música brasileira

2026-04-02T11:21:00.000-03:00

Armandinho Macedo e Eric Assmar - Sesc Taubaté 16/08/2025

(Foto: Eugênio Martins Jr)

Texto e fotos; Eugênio Martins Júnior

O dia 16 de agosto de 2025 parecia ser como qualquer outro. A única diferença era que eu deveria levar as minhas irmãs ao aeroporto de Guarulhos para um embarque.

Daí recebo uma mensagem do Eric Assmar me convidando para assistir seu show com o Armandinho Macedo no Sesc Taubaté.

Mesmo para mim, de humanas, foi fácil calcular. Saindo de Santos e chegando em Guarulhos já estaria quase na metade do caminho para Taubaté. Com uma ligação resolvi a hospedagem. Um hotel legal, onde costumo ficar quando também produzo alguma coisa no Sesc. Tudo certo, vamos nessa.

Cheguei com meus dois livros Do Choro ao Jazz e A Música Instrumental debaixo do braço e o Armandinho já se amarrou. Presenteei-o com um de cada e com o Eric troquei pela biografia do seu pai Álvaro Assmar – Uma Vida Blues, que está na fila de leitura desse ano.

Feitos os agrados, partimos para a entrevista. Quem diria, uma sexta-feira a qual eu provavelmente passaria bebendo até vomitar em algum boteco de Santos rendeu uma entrevista de uma hora com uma lenda da música brasileira.

Antes de continuar, vamos refletir juntos sobre alguns pontos. Armandinho não é um músico comum. É do grupo dos inovadores. E poucos podem vestir esse casaco. O que acham de Hendrix, Santana, Muddy Waters, Johnny Alf, João Gilberto?

Armandinho também é um cara de fases. Cresceu na sombra do inquieto Osmar Macedo, seu pai, inventor do trio elétrico ao lado do amigo e gênio, Dodô. Desde cedo Armandinho sentiu-se à vontade para criar e desenvolver sua linguagem musical.

Ao longo da vida testemunhou a evolução da guitarra elétrica, do cavaquinho e do bandolim. E, principalmente, do trio elétrico.

Ao lado de Mu Carvalho, no grupo A Cor do Som, estabeleceu um diálogo pioneiro entre o bandolim e os sintetizadores, fundindo a pulsação do frevo ao rock em uma época de experimentação no Brasil. Anos 70, brother. Massaranduba e Arpoador, talvez reverências ao fraseado de Carlos Santana, e as complexidades rítmicas de Ping Pong e Frutificar provaram que a música instrumental brasileira poderia ser popular e vanguardista.

A trajetória de Armandinho Macedo no A Cor do Som representou um marco na sofisticação técnica, criando uma estética própria. Seu domínio sobre as cordas, alternando entre a tradição do bandolim e o vigor da guitarra baiana, criada por ele, conferiu à música brasileira uma nova dimensão elétrica, capaz de dialogar com o jazz-rock, o fusion feito na gringa.

A Cor do Som personificou o desbunde carioca do final dos anos 70, traduzindo o espírito de uma juventude que trocava o peso político pela leveza solar do Posto 9.

Com letras imersas no vocabulário bicho-grilo celebravam a natureza, a liberdade e o misticismo, sob o brilho e a luz de um Rio de Janeiro intensamente azul.

Faixas como Magia Tropical, Abri a Porta e Zanzibar funcionavam como hinos de uma geração que buscava o prazer e as cores da vida. Vejo esse lirismo ensolarado não como alienação, mas uma forma de resistência através da alegria e da expansão sensorial.

Entre o surf no Arpoador e o píer de Ipanema, o grupo uniu o virtuosismo técnico a uma poesia descompromissada, que falava de voar, frutificar e “vamos viver a vida, pooooorraaa!

Mais tarde, seu encontro com Raphael Rabello uniu a eletricidade da guitarra baiana à profundidade do violão de sete cordas. Em apresentações antológicas, a dupla promoveu um duelo soft – acabei de inventar – de agilidade e sensibilidade, fundindo o choro tradicional a improvisações que beiravam o jazz. Um arrebatamento sonoro.

Já o álbum Assmar & Osmar (Ao Vivo), fruto da parceria com o guitarrista Eric Assmar, é uma celebração ao legado das cordas na Bahia. Gravado em novembro de 2024 no Cineteatro 2 de Julho, em Salvador, o projeto une duas gerações: de um lado, a lendária guitarra baiana do mestre Armandinho; do outro, o blues refinado de Eric, filho do saudoso Álvaro Assmar, blueseiro da pesada.

O repertório é uma fusão enérgica entre o frevo, o rock e o jazz, destacando a improvisação como fio condutor de faixas como Assmar e Osmar e Blues para Armando.

Na entrevista aconteceram duas coisas inusitadas. A primeira foi o Armandinho ter usado o termo “música do mundo” duas vezes. Que será o título do meu próximo livro de entrevistas: A Música do Mundo.

E a segunda foi que ele lamentou o fato de que Hamilton de Holanda, um dos maiores nomes da música instrumental brasileira, nunca deu crédito a uma de suas inovações, o bandolim de dez cordas. Na verdade, foi bem enfático e sempre que podia voltava ao assunto. Como jornalista apenas registrei o protesto. Por favor, não atire no mensageiro.

Eugênio Martins Júnior – Desde cedo você carrega nas costas duas tradições musicais, a familiar e a da Bahia. Ao mesmo tempo foi um inovador e hoje você é um representante dessa mesma tradição. Gostaria que falasse sobre isso.

Armandinho Macedo - Meu pai tinha paixão por música desde menino. Ele inventou uma modalidade. O cavaquinho com afinação de bandolim, que no fim gerou a guitarra baiana. Minha avó tocava bandolim em casa e minha tia tinha um grupo de mulheres no interior da Bahia que tocavam bandolins. E ela tinha um bandolim de cuia italiano, com madrepérolas. E meu pai começou a tocar com 12 anos. Ele queria levar aquele instrumento para rua, mas ela não deixava. Um bandolim que era uma relíquia. E meu pai comprou o cavaquinho e afinava como um bandolim.

Nesse momento o filho do Armandinho entra na sala onde rola a entrevista.

Olha o Manduca aí. Acredita que esse moleque nasceu num dia 22 de 2023, mesmo dia que o meu pai nasceu, só que em meses diferentes. Mas meu pai também nasceu num dia 22 em 1923. Ele parece muito com meu pai. É muito observador. E em dois momentos ele fez coisas que meu pai fazia. Um é colocar a guitarra nas costas. Pegou o cavaquinho dele e colocou nas costas. E quando ele finge que está tocando minha irmã diz que parece que está vendo meu pai. Como ela é espírita e mãe de santo, disse que está no tempo exato de reencarnação, realmente. Faz 27 anos que meu pai morreu. E segundo ela acontece essa coisa com os espíritos, do avô, filho, neto ficam rodando na mesma família. E meu pai tinha uma ligação muito grande comigo.

EM – O jovem Osmar já era um prodígio. Não é comum um garoto com 12 anos afinar um instrumento como se fosse outro.

AM – É que era mais prático, o cavaquinho não tem tantas cordas, o bandolim tem cordas duplas e ele poderia levar para qualquer lugar. Nesse instrumento ele desenvolveu sua musicalidade. Ouvindo o irmão dele estudando violino clássico e captando todas aquelas coisas.

Meu pai foi um grande músico e compositor. Compôs vários frevos de trio elétrico. Ele gostava de frevo porque é uma música que exige muita habilidade instrumental. O pai dele, meu avô, era pernambucano, então ele tinha uma ligação com a música pernambucana muito forte.

Aos 19/20 anos de idade ele se ligou ao Dodô, que era um eletrotécnico e tocava violão com o Dorival Caymmi. Mas no final dos anos 30 o Dorival foi fazer sua carreira no sul. A partir dos anos 40 meu pai começou a tocar com o Dodô nesse mesmo conjunto, o Três e Meio. Um conjunto de seresta que tocava as músicas do Dorival. Mas meu pai a colocou os frevos e as marchinhas e coisa começou a mudar. Entraram os chorinhos que ele também gostava muito. Ouvia muito Lupércio Miranda e Jacob do Bandolim. Essa era a escola musical dele. E eu cresci ouvindo isso.

EM – A tua mãe também era ligada à música?

AM – Minha mãe não gostava desse lado do meu pai. Porque ele tinha que ir encontrar os amigos para essas reuniões musicais. Ela não queria que a gente participasse. Teve quatro filhos com meu pai e não queria nenhum participando dessa história. Não deixava ter instrumento em casa.

Até o tempo que eu convivi com a minha mãe só pegava em um instrumento escondido. Meu pai deixava lá por acaso e eu ia e dava uma palhetada e minha mãe chegava logo para tirar da minha mão.

EM – Era brava?

AM – Não era brava, mas rejeitava esse lado musical. “Não quero que meu filho seja músico porque isso acaba o casamento”. Achava que o casamento dela com meu pai estava indo para as cucuias por causa da música. Mas minha mãe morreu quando eu tinha oito anos. Meu pai casou novamente e eu fui morar com a minha avó e minha tia. Mas ele morava perto e quando eu ia na casa dele e pedia para me ensinar a tocar. Mas só a partir de nove anos. Fiquei um ano mal pela perda da minha mãe. Ele começou a me ensinar e percebeu que eu já tinha pegado a forma de tocar dele. Por tê-lo visto tocar tantas vezes. Ele só precisava colocar meus dedinhos em cima das notas e com uma semana eu já estava tocando Vassourinha. Com um mês, outras músicas e ele passou a cada dia me ensinar uma música. Melhorando a minha técnica, me dando uns frevinhos mais difíceis. Para você ter uma ideia, nove meses depois, o tempo de uma gestação, ele dizia que eu estava pronto. Aí ele fez um trio pequeno.

EM – Armandinho, há muitos músicos no mundo. Ótimos e geniais. Mas poucos são os inovadores. O teu pai foi um desses, um inventor. Gostaria que falasse sobre isso.

AM – Ele inventou o trio com o Dodô. Inventaram a modalidade da guitarra maciça, que chamavam de cavaquinho elétrico. Violão elétrico. Eles estavam eletrificando tudo.

A partir de 1942, Dodô, um técnico em eletrônica, fez um captador. Coisa que não tinha e não vendia. Ele trabalhava com bobina, fazia transformador. Ele aprendeu depois de ver Benedito Chaves e seu violão elétrico, um violonista que tinha na Bahia. A invenção de Dodô era bem rudimentar. Um captador que ainda fazia ruído, microfonia. Ele botava no cavaquinho de meu pai, aquele com afinação de bandolim, e no violão dele e jogava nos amplificadores. Naquela época aquilo já era uma coisa impressionante.

Meu pai encheu o cavaquinho dele de estopa e teve um ganho de uns 50% a mais. Nessa o Dodô pensou: “Pô, se o cavaquinho soa melhor abafado é porque não precisa da caixa. Vamos fazer um corpo sólido”. Mas o Dodô Tinha 16 filhos e trabalhava para uma rádio e tinha que entregar os equipamentos. E meu pai ficava em cima dele para modificar o instrumento. O Dodô prendeu uma corda em uma bancada nos dois lados, mudou a posição do captador e ganhou grave, agudo, deu um sonzão redondão. Meu pai disse que quase estourou o falante. BAAAAAAMMM! O vizinho achou que era o sino da igreja.

Mas o Dodô não sabia fazer um instrumento, nunca havia feito uma escala. Meu pai não teve dúvida, foi na loja, comprou um cavaquinho e um violão. Ainda brincou com o vendedor: É bom mesmo esse instrumento?”, e quebrou os dois na frente do vendedor. Ele foi chamar o dono da loja dizendo que tinha um maluco quebrando tudo. O homem já estava chamando a polícia quando meu pai saiu atrás dele dizendo que ia pagar e que só queria o braço dos instrumentos. Aí foi a vez do dono perguntar se ele não queria quebrar mais coisas.

EM – Mas ele ia reconstruir os instrumentos?

AM – O Dodô era um cara inteligente e fez o complemento com jacarandá. Pronto. Quando ligava naquelas cornetas metálicas o cavaquinho gritava. Não deu outra. O Dodô, com a capacidade inventiva dele, de eletrônica e conhecimento, se ligou que em vários lugares que eles tocavam não tinha luz. Então ele ligava os instrumentos em bateria de carro. Aí no carnaval eles ligavam na bateria do carro e saiam tocando. Os percussionistas andavam atrás, igual bloco de rua. Quem estava na rua enlouquecia.

EM – Nasceu o trio elétrico.

AM – Pois é. Mas era dupla elétrica. Mas tinha um terceiro, que Dodô fez um violão para ele também. Aí colocaram o nome do conjunto de Trio Elétrico. Saiam no carro que meu pai usava na metalúrgica dele, a “fobica”. Era um ferro velho que meu pai pintou. Depois disso os percussionistas também queriam sair motorizados. Meu pai fez uma caçamba e os percussionistas iam junto. Dodô ampliou o som. Botou mais cornetas. Duas para trás, duas para frente e escreveram o nome do conjunto na lateral: TRIO ELÉTRICO. No ano seguinte entrou um patrocinador e botaram um caminhão e toma alto falante. Daqueles redondos. O cavaquinho era o sucesso do negócio.

EM – Aos poucos foram incorporando as tecnologias do momento?

AM – Sim. No ano seguinte entrou um patrocinador que colocou um caminhão. Tudo movido a gerador. Junto com o patrocinador também chegou as lâmpadas fluorescentes rodeando todo o trio elétrico. Era um negócio impressionante. Meu pai tinha conhecimento de como lidar com gerador, motor diesel, metalúrgica, trabalhou muitos anos com isso. Era para ter se formado em engenharia, mas parou para trabalhar. E Dodô era o mestre da eletrônica. Mas a paixão de ambos era a música.

EM – Ele levava duas vidas.

AM – Para desgosto da minha mãe a coisa foi crescendo. Outros músicos começaram a se interessar e eles passaram a vender os equipamentos para outros trios. Mais ou menos cinco anos depois da estreia do Trio Elétrico do meu pai - porque o nome do conjunto era Trio Elétrico – apareceu o Conjunto Atlas, Conjunto Cinco Irmãos. Quando os carros chegavam aí sim parecia que começava o carnaval. E as pessoas falavam: “Olha, lá vem o outro trio elétrico”. Aí a coisa pegou. Elétrico era o moderno da época, foi quando surgiu torradeira elétrica, geladeira elétrica, ferro elétrico.

EM – Tá legal. Então nessa época você já tocava frevo elétrico com o teu pai. Logo apareceu o Jimi Hendrix, Alvin Lee, Santana. Como isso te influenciou?

AM – Aí eu fiz o que Gil e Caetano chamaram de tropicalismo. A forma de fazer a música brasileira com uma linguagem, como uma música do mundo.

Olha, com dez anos meu pai já havia feito para mim um minitrio elétrico, no qual eu já entrava solando. Em 1965 os Beatles entram na minha vida. Nunca tinha ouvido nada de fora. Só escutava as músicas que meu pai tocava, chorinho, frevo, música brasileira. Então começo também a tocar a guitarra e aprender tocar aquelas músicas, com 12 anos de idade. Dois anos depois fundei um grupo de iê iê iê para tocar Renato e Seus Blues Caps, Roberto Carlos. Só que nesse conjunto, todas as vezes que as festas iam chegando ao fim eu pegava o cavaquinho e tudo virava trio elétrico. Sempre acabava em carnaval.

EM – Era o lugar que você se sentia mais forte, né? Quero dizer, o teu conhecimento musical partia daí.

AM – Para você ter uma ideia, aos quinze anos de idade entrei em um concurso, A Grande Chance, no programa do Flávio Cavalcanti, ia ter uma eliminatória na Bahia. Meu pai me preparou para tocar o bandolim. Então era a minha base musical. Ele sabia que na final, no Teatro Castro Alves, iam estar o próprio Flávio e o Sérgio Bittencourt, filho do Jacob (do bandolim). Meu pai fez um arranjo para Modinha, do Jacob, que virava marcha e virava frevo. O Sérgio pirou. Eu tinha uma habilidade danada e meu pai sabia disso. Meu aprendizado culminou com o Moto Perpétuo, de Paganini. Mas isso é outra história. A plateia do Castro Alves veio abaixo. E o Flávio disse que eu ia para o Rio de Janeiro participar da grande chance.

Eu fui. Fiz o programa no Teatro Municipal do Rio. De novo meu pai sabia que lá cada jurado gosta de uma coisa e preparou um pot pourri com valsa, música de novela, e a Modinha no final. E ainda me colocou para tocar com o Dino 7 Cordas. Fui ao Municipal do Rio no dia 15 de maio de 1969, a uma semana de fazer 16 anos e a poucos dias do homem descer na lua. O teatro igualmente veio abaixo. Eu chorava. Me tiraram da escola e me levaram para o Rio de Janeiro para me apresentar para o Sargentelli, Nelson Motta, Mariozinho Rocha, o filho do Jacob.

EM – Mas você ganhou?

AM – Não, tirei em segundo lugar.

EM – Você lembra quem foi o primeiro.

AM – Foi a Aurea Martins, cantora de bossa nova. O Nelson Motta me deu nota quatro. E ela teve cinco de todos. Ele era muito fã de bossa nova e queria que ela ganhasse. A Aurea está com oitenta e poucos anos, encontrei-a outro dia no Rio de Janeiro. Eu estava recebendo um prêmio da música no Municipal do Rio e ela também estava. Ficamos lembrando do dia que aquele tinha sido o nosso palco. A apresentação foi gravada ao vivo e meu nome está no álbum como Armando Macedo. Um compacto que vendeu como água, dez mil cópias em uma semana, muita coisa para a época.

EM – Quero voltar à guitarra. Naquele lance que você falou que fazia tropicalismo. Ou o antropofagismo brasileiro. Você, Pepeu Gomes, Robertinho do Recife, o pessoal da guitarrada do Pará, pegaram um instrumento estrangeiro e fizeram um som brasileiro.

AM – Temos essa base brasileira. Lá em Campinas (do Pirajá, bairro de Salvador), onde meu pai tinha a metalúrgica, tinha uma rádio que transmitia os programas por alto falantes por toda a vila. Tocava muito Waldir Azevedo, Delicado. Como eu ouvia isso, rapaz. Brasileirinho também. Essas músicas faziam muito sucesso nas paradas. Rivalizavam com os cantores da época. Viajei muito com o Altamiro Carrilho e ele me contava isso. Delicado era tão famosa que tocava até em caixinha de música no Japão. Como instrumentista, o Waldir tinha uma posição como nenhum outro aqui no Brasil.

A partir dessa base é que a gente foi ouvir Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Led Zeppelin. A gente passa a absorver, passa a fazer parte do nosso organismo. Então comecei a mostrar que na minha guitarrinha elétrica, no meu cavaquinho, eu também tocava Beatles, Jimi Hendrix (Armandinho solfeja Machine Gun).

EM – Você é da geração mais antiga e o Eric é um jovem que bebeu na fonte do blues rock, com outra técnica. Como se dá a parceria?

AM – Ele é filho do Álvaro Assmar um blueseiro que gostava do que eu fazia com o trio elétrico. Ele compôs uma música que a gente toca nesse show que eu dizia que parecia muito com A Cor do Som, aqueles baiões que a gente fazia. Não chegamos a tocar juntos, mas ele me ligava e a gente conversava e conversava. A minha escola elétrica vem muito mais do frevo. Quando começo a tocar meu cavaquinho elétrico no trio, os meninos dos Novos Baianos, Dadi, Moraes, Pepeu subiram logo no trio comigo. Olhavam o cavaquinho e perguntavam que afinação era aquela. O Dadi falava que eu parecia o Jimi Hendrix tocando cavaquinho e eu ainda nem tinha distorção no instrumento. A distorção que tinha vinha das válvulas e das cornetas (alto falantes).

Em 1974 o Moraes me chamou para tocar com ele. Fui para o Rio de Janeiro e eu adorava os Novos Baianos, o Pepeu com aquela guitarra misturando com o samba. Quer dizer, o bandolim e o chorinho me levavam para o mundo de meu pai. E eles me mostraram que não, que essa música poderia estar no mundo jovem também. Essa é a importância dos Novos Baianos.

EM – Entrou a eletrificação na tua vida?

AM – Gravei o primeiro disco do trio homenageando meu pai e o Dodô, que já não tocava mais. Coloquei-os como os donos do disco. Meu pai reclamou que o disco tinha que ser meu, ele já botava meu nome no trio elétrico. Ele que mudou para Armandinho, dizendo que era mais musical. (risos). Ele sempre com essas ideias.

E no segundo disco do trio eu já injeto mais chorus, distorção e começo a botar o meu tropicalismo em ação. Daí meu cavaquinho começa a chamar os cabeludos.

EM – E quando surgiu o A Cor do Som?

AM – Quando comecei a tocar com o Moraes Moreira a gente formou outra banda. O Dadi era baixista dos Novos Baianos e saiu junto com o Moraes. O núcleo do A Cor do Som eram eu e Dadi. Ele conhecia um baterista que tocava com o Raul Seixas, o Gustavo. Nos ensaios para o primeiro disco o Mu entrou nos teclados para fazer uma música e ficou. O Ari Dias estava no Rio com a banda dele e eu chamei para gravar Trio Elétrico e acabou ficando.

No terceiro disco, em 1978, com essa ideia de cavaquinho/guitarra é que coloquei o nome de guitarra baiana. Na boca do povo era guitarra baiana pra lá e pra cá. Era a voz do trio elétrico.

Uma vez levei o Moraes para assistir o trio elétrico e tinha um microfone só para o meu pai dar o boa noite. E toda noite meu pai pegava o microfone e: “Boa noooooite, meus amigos”. Aí apelidaram o microfone de “meus amigos”. O Moraes falou “Armando pega lá o meus amigos. Vamos cantar o Jubileu de Prata aqui. Eu digo: “Mas o microfone é para as cornetas”. O Moraes: “Não tem problema, o povo ajuda”. Não deu outra, estourou e foi a música do carnaval daquele ano.

EM – E foi nessa época que o A Cor do Som gravou em Montreux.

AM – Sim. Gravamos um disco lá. Aqui disseram que fomos vaiados. Que houve uma crítica, um protesto dos caras do jazz porque não queriam que tivesse bandas de rock. Éramos tidos como uma banda de rock. Era uma vaia lá no fundo, mas era organizada. Eu disse: Dadi, você está ouvindo uma vaia?”. Ele respondeu que sim. Ficamos incomodados, mas tinha um pessoal dançando ali na frente. Mas cortou a nossa onda. O Gil entrou no palco e falou: “Olha, o A Cor do Som faz a música de hoje. Essa música é brasileira e tem essa roupagem”. A vaia se manifestou quando tocamos Eleanor Rigby em versão de frevo. Mas foi um disco maravilhoso. Tanto que fizemos essa regravação em 2021 e ganhamos o prêmio Grammy.

EM – De maneira geral os brasileiros sempre foram bem recebidos lá. O próprio Pepeu Gomes gravou um disco na mesma pegada.

AM – O Pepeu foi depois. Esse clima foi melhorando. E melhorou tanto que chegaram ao ponto de levar o É o Tchan!, que foi o maior público do festival. E em 1996 teve a noite baiana, a gente foi também.

EM – É o Tchan! foi sacanagem.

AM – Mas essa história da guitarra baiana é mais interessante para mim. Em 1983 eu vim com a história da quinta corda. Achando também que ninguém iria se interessar por isso, mas no ano seguinte o Luiz Caldas fez uma para ele.

Em 1989 eu tocava bandolim com o Raphael Rabello e ele me levou na Do Souto, onde era fabricado o instrumento do Jacob do Bandolim, no Rio de Janeiro. Ele me disse que o Silvestre, luthier que fazia os bandolins do Jacob, estava encerrando a carreira e tinha três bandolins para vender. Eu cheguei lá e propus ao Silvestre fazer um bandolim de dez cordas. Fiz a minha guitarra baiana e todo mundo passou a usar. Ele disse que eu tinha que falar com o dono da Do Souto. Falei com os dois donos e eles alegaram que não ia vender, que teria que criar toda uma estrutura e que não era rentável. E eu fiquei com essa ideia.

Em 1994 apareceu o batera Jorge Brasil e disse que havia um luthier lá no Carmo que faria o bandolim de dez cordas. Fui a ele, Jorge Itacaranha, que me disse que faria o bandolim. Eu fiz um desenho que é exatamente o bandolim que eu tenho hoje, o cebola. Ele disse que tinha uns formatos dele e eu disse tudo bem, faça como preferir. Só respeite o círculo do bandolim. Quando estava fazendo, ele me diz: “Olha, eu não trabalho com totalmente acústico. Vou pegar uma madeira, cavar e será um semiacústico”. Rapaz, ele levou um ano e tanto para me entregar, em 1996. Tudo bem, tinha dez cordas, mas só funcionava elétrico. Testei e não era muito elétrico e nem acústico. Não. A minha ideia era fazer um acústico.

Ele ficou parado até 1999. Demorei porque na época comecei a tocar um (bandolim) Ovation, cuja sonoridade no palco me agradava muito. Foi quando o Hamilton (de Holanda) foi passar uma semana lá em casa, dormindo no meu estúdio. E meu bandolim de dez ficava lá. A namorada dele me disse que ele ficava praticando todas as noites. E eu falei para ele a minha ideia de fazer um bandolim acústico de dez cordas. Estou há dez anos tentando fazer esse instrumento e ainda vou encontrar um luthier. Só que o Hamilton foi mais rápido. Ele saiu dali com o objetivo de fazer.

EM – Eu ia mesmo te perguntar sobre essa paternidade do bandolim de dez cordas. O Hamilton me disse que um luthier de Sabará fez a pedido dele.

AM – Ele é meu amigo. Fico até numa situação... Eu já perguntei: “O primeiro de dez que você viu foi o meu, né?” E ele disse que foi. Eu disse: “Então porque você não fala?”. Até num show do Sesc que a gente fez em São Paulo, perguntei isso no palco. Estava contando a história: “Aí fiz a guitarra baiana de cinco cordas, porque eu fui o mentor dessa quinta corda, e a guitarra baiana é afinação de bandolim. E aí fiz o cavaquinho de cinco cordas e o bandolim de dez cordas, o que ele conheceu lá em casa, não é Hamilton?”. Mandei essa no palco. E ele: “É, mas o teu bandolim era elétrico”.

Não, era um bandolim de dez cordas, que eu tinha a ideia de fazer um acústico. Só que não me apressei. Ele fez em segredo. Levou uns dois anos. Fez um e não deu certo e depois fez outro. E não me dizia nada. Fiquei nessa cobrança com ele porque o vi com o bandolim e já lançando disco. Confesso que tomei um susto. Espera aí. Eu estava conversando com o cara outro dia e ele não me falou nada. A história é essa. Acho que foi em 1999. Foi um carnaval que ele passou uma semana lá em casa. Não tive a menor preocupação. Não era um segredo meu. Devia ter lançado o semiacústico. Gravei um disco em 1998 que ele aparecia na capa. Comigo cabeludo, com uma faixa no cabelo estilo Van Halen, porque sempre tive esse lado guitarrista, né?

Mas tudo bem. O Hamilton é um fenômeno. E deslanchou com o bandolim de dez cordas. Porque até então era um seguidor de como eu atuava. Conheci o Hamilton com sete anos de idade e ficou entusiasmado porque eu tocava igual a um guitarrista, com correia. Ele era da escola do pai dele, de choro tradicional. Em mim ele viu outra postura no bandolim. Ele me disse que quando me ouviu tocar o Assanhado com A Cor do Som havia mudado seu panorama. “Pô, ali tive outra abertura”, disse. Então eu o via como um seguidor. E com a maior técnica, porque o som é limpíssimo. E começou a estudar e abrir o leque musical para o jazz.

EM – Aproveitando a deixa, você acompanha a música instrumental brasileira? Está chegando um pessoal novo.

AM – Não sou ouvidor de música, rapaz. Gosto de ouvir ao vivo, de ver tocar. A Tereza Rolemberg lá de Brasília fez um projeto Guitarra Brasil que juntou dez guitarristas e vi Frank Solari e Kiko Loureiro. Eu e Pepeu também nos apresentamos. Como tem gente boa na guitarra. O interessante do Frank Solari é que ele toca chorinho. Eu fui estudioso só até os quinze anos, depois deslanchei tocando. É assim que eu vivo.

EM – Mas a tua agenda está cheia. Tem espaço para a música instrumental.

AM – Graças a Deus. Acabei de voltar do Japão. Toquei no festival Brasil Latino. A primeira vez que fui ao Japão, fiz três apresentações. Tenho tocado muito. Semana passada fiz o Blue Note Rio e esse show com o Eric em Brasília.

EM – Com 72 anos ainda há alguma coisa que você queira fazer no campo da música?

AM – Acho que desde meu trabalho instrumental com o Raphael Rabello eu venho buscando. O último foi com o Yamandú e ganhamos o prêmio da música. E ainda ganhei como instrumentista competindo com o Yamandú, o Hamilton de Holanda e o Romero Lubambo. Me deram um prêmio, cara. Mas o que eu busco é mais projeção da música instrumental. Não na grande mídia, mas em alguma mídia. É tudo muito manipulado. Parece que só há um caminho, a música de sucesso. Tem um público que busca, mas ainda é muito restrito. O que sinto e o que eu busco é uma projeção maior para o músico brasileiro. É o que eu almejo aos meus 72 anos, um público mais aberto à música instrumental.

Meu trabalho mais novo é essa parceria com o Eric, que junta as coisas novas que ele faz com as minhas. O Eric é um grande guitarrista, um músico maravilhoso, criativo, com uma sonoridade muito bonita e que faz essa ligação com a música do mundo.

EM – Engraçado, você usou o termo “música do mundo” duas vezes nessa entrevista. E a minha ideia desde o começo é usá-lo no meu próximo livro de entrevistas. E vou te falar que eu acordei hoje de manhã e não sabia que iria entrevistar o Armandinho Macedo. As coisas acontecem assim.

AM – Viu Eugênio, essa parte que eu falo sobre o Hamilton de Holanda é poque realmente quero que isso se esclareça. É como se fossem filhos meus, a guitarra baiana. O Dodô e o Osmar pariram e eu criei a criança. Fui eu quem projetou, quem gravou, fui o profissional da música que meu pai não foi, mas ele me preparou para isso. Então tenho isso como um filho, botar uma quinta corda, nasceu da minha busca. Tenho interesse que se fale. Que se lembre. Até na Bahia tem gente que não considera que Dodô e Osmar não inventaram a guitarra maciça, tem gente no mundo que diz que Santos Dumont não inventou o avião. Já temos esse histórico do não reconhecimento. Esse reconhecimento é legal. As coisas que você desenvolveu, as coisas que você faz.

O jazz no meio do caminho de Jo Mayasi

2026-03-30T15:28:00.004-03:00

Jo Mayasi no Jazzb 19/03/2026 - Foto Eugênio Martins Jr

Texto e fotos: Eugênio Martins Jr

A trajetória do baterista suíço Jo Mayasi é um estudo de caso sobre como as fronteiras musicais do século XXI se tornaram porosas, capaz de fundir memórias religiosas do Congo à estética do R&B televisivo.

Nascido em Berna e radicado na Basileia, lugar que abriga um dos mais importantes polos de ensino de jazz na Europa, o Jazz Campus, Mayasi carrega múltiplas camadas identitárias. Ao mesmo tempo sua formação intercala o autodidatismo da infância com a busca constante do aprimoramento profissional na fase adulta.

O que torna seu percurso particularmente relevante para a tese da globalização do jazz que eu tanto bato na tecla do computador aqui de casa é a sua disposição em aprender os ritmos alheios.

Imerso nos estudos rítmicos apresentados pelo percussionista Paulo Almeida, o baterista suíço buscou no Brasa – toma essa Nike - não só o conhecimento, mas a vivência: recentemente circulou pelo Samba do Trabalhador, no Rio de Janeiro, e estudou a técnica do “monstro” Celso de Almeida, em São Paulo.

Essa disposição para o mistura aparece em sua curta discografia. No EP Until We Met (2021), funde o R&B e o soul na faixa título e em West Coast, onde a bateria marca o tempo e esbanja elegância.

A pluralidade expande-se em seus singles mais recentes, em Flight Mode (2024), gravado com Anatole Muster e James Iwa, sentimos a precisão do relógio suíço em harmonia com um groove relaxado, quase hipnótico. São faixas que podem ser ouvidas olhando para uma parede de elevador em um hotel design na Europa ou contempladas degustando uma boa erva. Você escolhe.

Já Perto De Mim, colaboração com David Mrakpor, denuncia a influência brasileira muito antes de ele desembarcar por aqui.

Entre o deboche sofisticado de Kebab Sauce e a vibração urbana de London Callin’, Jo Mayasi prova que a globalização do jazz não é sobre perder a identidade, mas sobre ter a audácia de transformar cada batida em um tijolo na ponte entre o frio dos alpes e o fervo carioca.

Thiago Alves

Eugênio Martins Júnior – Como foi a tua infância musical?

Jo Mayasi – Fui criado desde muito novo com música religiosa congolesa. Acostumado a ir à igreja. Mas também assistia muita televisão e rolava muito R&B.

EM – Começou tocando instrumento na igreja?

JM – Não toquei na igreja. Comecei sozinho em casa, tinha uns cinco anos. Uma bateria para criança. Mas aí fui para a parte francesa, porque nasci em Berna, na parte alemã. Parei por um período e só voltei a tocar de verdade aos 22 anos.

EM – Você parou esse tempão e voltou do nada?

JM – Sim. Fui para Dublin aprender mais sobre a língua inglesa e decidi que iria estudar bateria, voz e violão. Tinha uns 18 anos na época. O professor me incentivou dizendo que eu tocava bem. Quando voltei para Suíça comecei profissionalmente aos 22 anos.

EM – Há pouco tempo falei com o Marc Perrenoud sobre a cena local, mas ele está em Genebra. Gostaria que falasse sobre a cena de onde você mora, a Basiléia.

JM – Tem uma cena mais voltada às pessoas da escola, o Jazz Campus. Tem um bom nível. Todos tocam bem. Os professores são muito bons, o Jeff Ballard (baterista) e o Mark Turner (saxofonista). É uma escola famosa na Europa que recebe estudantes do mundo inteiro, Japão, Coréia, Estados Unidos.

EM – A Suíça é um país que fica bem no meio do caminho, circundada por países germânicos e latinos. Isso já é uma vantagem, várias línguas oficiais, várias influências. Ao mesmo tempo, muitos dos ritmos atuais vêm da África. Como você situa a tua música nessa geografia?

JM – Sim, quatro línguas oficiais, alemão, francês, italiano e o romanche. Não tenho influência nem da música clássica. Talvez alguma harmonia, porque tudo vem daí. E nem da música africana. Não sinto isso. Mas sou muito black music norte-americana e música brasileira.

Jo Mayasi e Diego Garbin

EM – E quando se interessou especificamente, pelo jazz, pela improvisação?

JM – É uma coisa bem recente. Comecei aos 24 anos. Porque já gostava de hip hop e neosoul, mas já entendendo que esses ritmos têm uma conexão com o jazz, que é a matriz. Estou estudando para entender os outros tipos de música que gosto de fazer.

EM – Você é um ritmista de uma escola musical diferente da brasileira. Como vê a nossa profusão de ritmos e o desenvolvimento da percussão no Brasil?

JM – Estudo bastante os ritmos brasileiros com o professor Paulo Almeida que ensina lá na Suíça. Ele é daqui de São Paulo. Faço aulas há três anos e ele me ensinou quase tudo sobre ritmos brasileiros. E meu amigo Wagner Vasconcelos que esteve na minha cidade e me mostrou alguns ritmos no pandeiro, como o pagode. Deu para acostumar os ouvidos, mas não tocar. Quem me mostrou mesmo foi o Paulo. Os diferentes tipos de samba: samba enredo, samba de raiz, samba jazz. E outros ritmos como ijexá, maracatu, tambor de crioulo, maxixe, boi e outros.

EM – E você usa esses elementos na tua música?

JM – Não uso muito. Lá não há uma cena de música brasileira. Já aconteceu de tocar com alguns amigos brasileiros. Há três meses comecei a tocar bateria num coletivo de samba, o Samba do Tio Pé. O Paulo me disse que ia me botar no fogo (risos).

Caio Reigadas

EM – E como aconteceu essa turnê no Brasil e a reunião desse time?

JM – O plano era tocar com a minha banda da Suíça, dois brasileiros e um porto riquenho, mas não conseguimos juntar o dinheiro para pagar a viagem. Decidi vir para encontrar alguns músicos no Rio e em São Paulo. Lá no Rio o meu amigo guitarrista, Pablo Barroso, me ajudou a reunir a banda. E aqui em São Paulo foi o Thiago Alves, contrabaixista. Nos encontramos na Basiléia e ele me ajudou a fechar alguns concertos. O Caio Reigadas (guitarra) foi indicação do Thiago. E o Diego Garbin (trompete) é grande amigo do Paulo e do Thiago.

EM – É a sua primeira vez no Brasil? Como está sendo?

JM – Sim, primeira vez. No Rio fui ao Samba do Trabalhador, Pagode da Garagem e Grupo Balacobaco. Aqui em São Paulo ouvi mais jazz brasileiro. Vi a Banda Mantiqueira e tive uma aula com o celso de Almeida.

Do Chile ao Brasil, Samuka Cartes faz jazz ao sul do mundo

2026-03-03T15:45:00.001-03:00

Samuka Cartes (Jazzb - 02/2026)

Texto e fotos : Eugênio Martins Júnior

Samuel Cartes chegou ao Brasil com o objetivo de estudar música. Após passar um período na Bahia em contato com todos aqueles ritmos, o que lhe deu régua e compasso, foi para Tatuí estudar no famoso conservatório.

Já em São Paulo, adotou o apelido dado pelos músicos brasileiros como nome artístico e hoje mora e apresenta a sua arte na cidade mais vibrante para a música da América Latina.

Há um ano lançou Ao Sul do Mundo, seu primeiro disco solo, reunindo um time com músicos de Cuba, Venezuela, Peru e Brasil.

Além de composições originais, o álbum apresenta algumas releituras, incluindo a catártica La Muerte Del Angel, de Astor Piazzolla; El Cigarrito, de Víctor Jara; O Futebol, de Chico Buarque; e Anu Preto do lendário baixista brasileiro Sizão Machado, que participa em diversas faixas do disco.

Das onze faixas, oito são instrumentais e três cantadas. Uma parceria póstuma com o poeta Paulo Leminski, a canção Um Passarinho Volta Pra Árvore, que contém um trecho do poema Dança da Chuva, do livro Toda Poesia. A canção é interpretada por Talitha Lessa, que também assina a composição ao lado de Paulo Leminski e Samuka.

Ainda com Thalita, Samuka mantém um trabalho há alguns anos, o Duo Camaleão, que apresenta músicas brasileiras e latino-americanas.

Na noite a qual a entrevista foi realizada, Samuka se apresentou no Jazzb com o Surtango agrupamento com músicos argentinos, Marcelo Ahumada (bandoneón) e Luiz Maria Lanzani (violão); brasileiros, Carolina Ribeiro (violino) e Carlos Ribeiro (contrabaixo).

“O grupo nasceu em 2022. Tem a formação do quinteto do Piazzolla. Sentimos a necessidade de uma formação aqui em São Paulo dedicada ao tango. O Luiz que é de Buenos Aires e o Marcelo que é de Córdoba”, explica Samuka.

Eugênio Martins Júnior – Como foi a tua infância musical?

Samuka Cartes – Foi em Santiago, no Chile. Estudava em uma escola pública onde havia um projeto social que ensinava música às crianças aos sábados. Foi quando comecei a levar a sério a minha formação musical. Tinha alguns parentes que já tocavam músicas chilenas em festas populares e outros na igreja, mas ninguém era profissional.

Fui o primeiro da minha família a levar a música como profissão. E foi uma história engraçada. Fiquei sabendo sobre esse projeto social em cima da hora de fazer a inscrição. Queria aprender violão porque eu já tocava. Mas só tinha vaga para o curso de teclado e o diretor me disse que era pegar ou largar. Então eu entrei com o objetivo de passar mais tarde para o violão, mas acabei me apaixonando pelas teclas e virei pianista.

EM – Bacana. Um projeto que ensina música na escola pública?

SC – Sim. E esse projeto já existia na Venezuela e o Chile imitou. Era um projeto de formação musical para crianças e jovens. No Chile se chamava Formação de Orquestras Infanto Juvenis.

EM – De que ano a gente está falando?

SC – Estamos falando em 2003. Estava saindo do ensino fundamental e indo para o ensino médio.

EM – E quando começou a vida profissional?

SC – O professor percebeu que eu tinha aptidão para o piano. Quem nos dava aula eram estagiários que estudavam na Universidade do Chile e que por sua vez também recebiam aulas de professores, esses sim, mestres.

Ele me disse para preparar um bom repertório que ia me apresentar para a sua professora. Por sua vez, essa professora me aconselhou a fazer piano clássico com a sua mestra. Assim a história começou.

No Chile você não estra direto na faculdade. Primeiro você faz quatro anos e conservatório e depois passa oito anos estudando na universidade. Mas quando entrei no conservatório já foi num nível avançado e me formei em piano clássico. Depois disso passei um tempinho na Alemanha.

Marcelo Ahumada e Carlos Ribeiro (Jazb - 02/2026)

EM – E como foi a transição entre a música clássica e o Jazz?

SC – Eu tinha um gosto muito forte pela improvisação. Pelo jazz, mas principalmente pela música sul-americana. Conheci rudimentos da música cubana, a improvisação e a mistura com o jazz por meio de alguns maestros cubanos que moravam no Chile Me apaixonei por esse mundo. E fui um pouco malvisto pelo meio da música erudita, um sentimento de traição. E percebi que na Alemanha o foco não era esse. Frequentava os clubes de jazz, em Berlim tem o B-Flat, festivais, etc. E decidi que queria fazer jazz. Mas achava o jazz europeu um pouco frio, né? Sem aquele motor rítmico que a gente tem aqui na América Latina. Um colega chileno me perguntou se eu gostaria de vir ao Brasil, para o Conservatório de Tatuí. Eu já gostava muito da música do Hermeto Pascoal, do André Marques, seu pianista. Estudar a música brasileira e a improvisação me abriu um horizonte.

EM – Realmente a música brasileira é muito rica em todos os aspectos.

EM – O que hoje me pega muito é a canção brasileira. Com relação às letras, não há nada igual. Você pode ter lindas canções em espanhol ou em inglês, mas as brasileiras são foda. Você escuta o Milton Nascimento e percebe como é impressionante.

EM – Com quantos anos você chegou no Brasil?

SC – Cheguei com 21 anos e fui direto pra Salvador. Fiquei impressionado com a música baiana, afro-brasileira. E tive a sorte de, sem saber quem era, conhecer o maestro Letieres Leite. Me disseram que ia ter um ensaio e me perguntaram se eu gostaria de ir. Quando vi era o Letieres Leite. Mas na época eu não sabia de sua importância.

Luiz Maria Lanzani (Jazzb - 02/2026)

EM – Como vê a cena musical de São Paulo?
SC – Como você falou, é a Meca do jazz no Brasil e na América do Sul. Não há outro lugar igual a São Paulo. Mesmo um lugar que é forte culturalmente como Buenos Aires não se compara a São Paulo. Aqui você tem tudo.
Vejo a cena instrumental muito forte e a cada dia abre-se mais espaço para a música latino-americana. Me disseram que há anos também aconteceu isso. Mas hoje está chegando um pessoal novo. Está acontecendo uma troca muito linda e interessante entre os músicos brasileiros e latino-americanos.

EM – E em Santiago, há uma cena de jazz?
SC – Tem uma cena interessante. Muitos musicistas, mas não existe a visão que se teve no passado no Brasil de misturar o jazz com a música nacional. Lá toca-se muito jazz norte-americano, estuda-se muito a escola do bebop, anos 40, mas misturar isso com os ritmos regionais é uma visão muito recente.

EM – O músico brasileiro tem essa facilidade em fundir os estilos. Fazemos isso há muito tempo, até antes da bossa nova. É uma liberdade artística, né?
SC – Antes da ditadura o Chile estava fazendo muitas parcerias artísticas com o mundo todo. Victor Jara fez parcerias com músicos cubanos, fez parcerias na Rússia. Violeta Parra foi mostrar sua arte na França. (O Chile) Era aberto para o mundo. E quando chega a ditadura do Pinochet, em 1973, tudo isso acaba. Muitos desses artistas foram mortos. Na Universidade do Chile havia um enorme acervo de composições de ritmos latino-americanos. Ao mesmo tempo que o país sofre uma influência norte-americana muito grande.
O que é legal aqui nas escolas de música é que você pode aprender sobre o bebop, mas também vai aprender sobre os ritmos brasileiros. E ainda temos a sorte te poder ver esses grandes maestros da música brasileira que estão vivos. E tenho visto ultimamente os brasileiros aprendendo linguagens sul-americanas. Tem músicos da latino-americanos dando aula por aqui.

EM - Mais de 15 músicos de nacionalidades diversas participam desse disco: Cuba, Venezuela, Peru e diversos lugares do Brasil. A diversidade também vigora na escolha dos músicos. Gostaria que falasse sobre isso.
SC – Gosto muito de respeitar as linguagens dos gêneros musicais. Tive a sorte de gravar com o mestre Sizão Machado. O Eduardo Cubano é um músico importante. Eu precisava ter um pouquinho da América Latina, dessa identidade. O artista que entende a música do país dele toca com um tempero diferente. Gosto de manter isso. Por isso optei por essa diversidade. Geralmente os discos de jazz são de trio e de quarteto do começo ao fim, mas eu optei pela mistura, por aquela coisa colorida. Seja na canção ou no ritmo. Tenho uma parceria com o Marcelo Ahumada, que é argentino, em uma música do Astor Piazzolla. Ele me ensinou muito sobre a música da Argentina. Quando tocamos com o músico do país nós aprendemos o sotaque daquela música, aprendemos as gírias de cada lugar.

EM – Bola Pa’ Frente é uma expressão brasileira muito usada em várias situações, por exemplo, para encerrar uma discussão sobre algum desentendimento: “Vamos nessa. Bola pra frente”. Gostaria que falasse sobre essa tua adaptação aqui no Brasil, com toda a complexidade do português e nossas expressões.
E pensei também que essa canção leva em conta o passado dos nossos países que sofreram com governos ditatoriais. Os países latino-americanos que sofreram com a repressão acertaram as contas com o passado melhor do que o Brasil lidou com isso. Paraguai, Uruguai, Argentina e Chile viraram essa página, menos o Brasil. Ou é uma viagem minha?
SC – Essa canção nasceu no momento da pandemia, mas tem a ver sim. Inclusive temos trechos parecidos com os do Chico Buarque onde o Daniel canta: “Amanhã vai ser um novo dia”.
Mas essa música nasce no contexto da pandemia. Havia acabado de perder amigos e aquele momento de incertezas, o tempo inteiro com notícias ruins. Me fechei no piano e pensei em colocar no papel as minhas ideias musicais e me dedicar aos estudos. Nasceu Bola Pa’ Frente.
E vejo como uma mistura da rumba cubana, essa coisa alegre: “Vamos em frente que a vida segue”. O arranjo foi uma influência do Chick Corea, que escreve para os sopros. Havia acabado de escutar um dos últimos discos que ele gravou, o Antídoto (Antidote). Gostei muito dos arranjos para o sopro. A letra é uma parceria com o Daniel Barauna, cantor brasileiro que canta num grupo de música latina, o Quimbara.

Carolina Ribeiro (Jazzb 02/2026)

EM – O que significa morar ao sul do mundo em termos culturais e políticos? Qual é a história que você quer contar com esse disco?

SC – Ao Sul do Mundo tem o mesmo significado da imagem do mapa criada por aquele artista uruguaio. (Ele se refere ao manifesto político criticando o eurocentrismo do artista Joaquín Torres-Garcia, de 1943, que inverte o mapa colocando a América Latina no norte do planeta). É a ideia de que nós, como sul-americanos, conseguimos nos influenciar uns aos outros, construindo uma identidade própria. Mas o sul do mundo não é só a questão latino-americana. Também há a influência africana. Nós, como latino-americanos, recebemos as informações e conseguimos interpretar isso, e eu que sou do Chile, lá no final do planeta.

EM - Você também gravou O Futebol, do Chico Buarque, que é uma levada samba jazz, só que a tua versão é instrumental, mas mantém o ritmo.

SC – Aconteceu uma coisa engraçada. Essa música foi gravada por músicos que gostam muito de música brasileira, se dedicam a estudar a linguagem do samba jazz, mas que não são brasileiros. Temos o Jehison (Cruz Chávez) que é peruano, na bateria e o Alejandro Osorio, que é venezuelano, meu grande parceiro, tocou baixo. A letra fala sobre uma partida de futebol e eu sou apaixonado por futebol. No arranjo eu quis trazer isso, esse diálogo, essa interação que acontece no samba jazz. Se você escuta o Zimbo Trio, Sambrasa Trio, Trio Corrente eles interagem muito. Parece que estão brincando. É um diálogo nas células rítmicas do samba. E a letra fala sobre isso, “passa a bola”, vamos fazer o gol”, essa foi a ideia.

EM – A seleção do Chile não se classificou para a copa do mundo de 2026. Agora ficou mais fácil torcer para o Brasil, né?

SC – (risos) Mas o Brasil também não está tão bom. O futebol mudou muito. Hoje é um futebol diferente do jogado nos anos 80 e 90.

EM - E esse projeto que vai apresentar hoje?

SC – Muitos arranjos são meio “sagrados” ficam nas famílias do compositor, ou num círculo fechado, e não gostam que sejam difundidos. E muitas vezes tivemos que transcrever as gravações antigas. E são essas as versões que nós tocamos. Fazemos versões de tangos antigos, Osvaldo Pugliese, Astor Piazzolla, mas sempre respeitando a linguagem como eu te falei. Porque tem gente que traz muito do jazz, mas existe um sotaque que não deve se perder.

John Paul Hammond, um dos grandes músicos brancos de blues, remanescente dos anos 60, morreu no último dia de fevereiro de 2026

2026-03-02T16:10:00.002-03:00

Foto: Cezar Fernandes - Rio das Ostras 2009

Hammond sempre estará entre os nomes mais importantes da cena de jovens músicos brancos fãs de blues que apareceram nos anos 60.

O impressionante revival que trouxe à tona nomes como Mississippi John Hurt, Skip James, Son House, Rev. Gary Davis e outros, teve em Hammond uma de suas principais vozes. Ele interpretou temas dos anos 30, 40 e 50 como poucos. Tocava guitarra (acústica e elétrica) e gaita presa no pescoço e cantava como um verdadeiro bluesman.

Já nos anos 60 gravou seus principais discos: Big City Blues(1964), é considerado um dos primeiros discos de blues/rock; Country Blues (1964), que traz temas de seus ídolos, Robert Johnson, Blind Willie McTell, Sleepy John Estes, John Lee Hooker, Willie Dixon e Jimmy Reed, um de suas maiores influências, que Hammond teve a sorte de ver o show no Apollo Theatre, em New York, sua cidade natal; So Many Roads (1965), um marco registrado pelo selo especializado Vanguard, que contou com as presenças de Robbie Robertson, Garth Hudson e Levon Helm, que mais tarde formariam The Band. Também participam Charlie Musselwhite e Paul Butterfield. E ainda I Can Tell (1967), pela Atlantic. Ao longo de sua carreira gravou mais de 20 discos importantes em qualquer discografia.

Filho de John Hammond Sr, um dos produtores mais importantes para o blues e jazz dos Estados Unidos, com seu nome ligado a Billie Holiday, Bob Dylan, Stevie Ray Vaughn, Hammond Jr não ligava para a fama. Fez sua trajetória longe da influência do pai.

Em 1966, após sair da faculdade e voltar para a sua cidade, já estabelecido no Village, Hammond conheceu um jovem que procurava emprego como guitarrista e colocou-o na sua banda. Esse jovem era Jimi Hendrix. Eles se apresentavam no Cafe Au Go Go, quando Chas Chandler - baixista da banda The Animals – viu Hendrix pela primeira vez e o levou para a Inglaterra. O resto é história.

Nas redes sociais a comoção foi grande. Charlie Musselwhite, Shemekia Copeland, Duke Robillard, Bob Corritone, Bruce Katz (seu tecladista), Kim Wilson, Ronnie, além de muitos perfis dedicados ao blues lamentaram a passagem de John Paul Hammond.

Até o momento a família se limitou a informar a morte de Hammond, mas não o que a causou.

Tive a oportunidade de assistir a três shows desse grande artista. O primeiro em 1991, no Sesc Santos, e os outros dois no Rio das Ostras Jazz e Blues Festival, onde pude conversar com o cara. E entrevista está nesse blog.

Também foi em Rio das Ostras, no hotel onde ficávamos hospedados, antes da entrevista, registrei o encontro de Hammond com o Jefferson Gonçalves e o Kleber Dias após o café da manhã. Jefferson mostrou as gaitas com sua assinatura e o Klebão os instrumentos que fabrica. Lembro que tiraram o som de How Long ali, à queima roupa.

Segue a entrevista:

https://mannishblog.blogspot.com/2009/09/john-blues-explosion-hammond.html

Foto: Dayse Marchiori

Foto: Eugênio Martins Jr

Hillai Govreen é a nova estrela na constelação de jazzistas de Israel

2026-02-20T11:29:00.004-03:00

Hillai Govreen e Arthur Scarpini no Jazzb

Texto e fotos: Eugênio Martins Júnior

Se você trabalha a semana inteira e descansa no domingo agradeça a tradição judaica do Shabat, o sétimo dia da semana, o dia da consagração, o descanso de Deus após a criação.

Sim, o costume de parar as atividades para focar na família, na espiritualidade e no lazer, ouvir música por exemplo, foi adaptado pelo cristianismo para o domingo e posteriormente estruturado no conceito moderno do "fim de semana" de dois dias. Aqui no Brasil, folga de dois dias é só para quem pode, né?

Sobre Israel estamos muito acostumados a falar sobre a política, sobre religião, sobre os problemas regionais e territoriais, mas pouco sobre a cultura do país.

Brincadeiras sérias à parte, há tempos tenho acompanhado os sons que vêm do oriente e percebido uma cena musical vibrante em Israel, país com quase dez milhões de habitantes.

Cercado pela milenar e maravilhosa música Árabe e às vezes recebendo sua influência, Israel tem oferecido ao mundo grandes músicos, entre eles, Omer Avital (contrabaixo), Itamar Borochov (trompetista, filho de Yisrael Borochov), Hadar Niberg (flautista), Ester Rada (cantora), Avishai Cohen (contrabaixo) e os conjuntos Shai Maestro Trio, LayerZ. Todos já visitaram o Brasil em diferentes edições do extinto festival Jazz na Fábrica, promovido pelo Sesc Pompéia.

A clarinetista e saxofonista Hillai Govreen é a nova estrela dessa diversa constelação musical.

Radicada nos Estados Unidos, onde dá os primeiros passos no mundo do jazz, acaba de lançar Every Other Now, álbum com nove faixas e muitas participações, entre elas a do percussionista Café da Silva, nas faixas 3, 4 e 8.

É um álbum classudo, de jazz tradicional e, como já disse, muitas participações: o excepcional Steve Cardenas (guitarra), Noah Stoneman (piano e rhodes), Ben Meigners (contrabaixo), Eden Ladin (piano e sinth), Eric McPherson e Willian West (bateria) e Café da Silva.

Em uma quinta-feira, subi a serra para bater um papo com Hillai antes de seu show no Jazzb que contou com Arthur Scarpini (guitarra), Jonatas Sansão (bateria), Daniel Grajew (teclados) e Ben Meigners.

Espero que curtam a conversa. E enquanto a folga de dois dias não chega, vamos tocando a vida e ouvindo boa música aqui no brasa. Shalon!

Eugênio Martins Júnior - Como foi sua infância musical?

Hillai Govreen – Comecei tocando piano aos seis anos em Israel. Também tocava ukelelê em uma orquestra para crianças. Mais tarde passei para o clarinete, mas sempre no campo da música clássica. Meu pai tocava muita música. Ele ama a música brasileira que é muito popular em Israel. Muitos artistas são influenciados, como Matt Caspi, por exemplo, que fez versões para músicas de Chico Buarque.

EM – Há outros músicos na tua família?

HG – Sim, meu irmão toca guitarra, meu primo contrabaixo e meu pai e autodidata. Ele toca flauta e guitarra, mas não é profissional.

EM - E como foi a transição do piano para os sopros? E do clássico para o jazz?

HG – Você sabe, meu professor de piano dizia que o piano era como se fosse o Deus dos instrumentos e que os sopros eram mais fáceis de tocar. Mas não é verdade. São dificuldades diferentes. Os sopros são parecidos com cantores. Você tem muitas opções, tenor, alto, soprano, etc.

EM – A cena jazzística é muito forte em Israel. Possui grandes nomes, como Omer Avital, Avishai e Anat Cohen, Ester Rada e muitos outros. Que inclusive já tocaram aqui em São Paulo. Gostaria que falasse sobre essa cena.

HG – Apesar de um país pequeno há muitos músicos e todos se conhecem e exercem influência mútua. As pessoas cresceram juntas e têm motivação em tocar. Há um músico que exerceu uma grande influência que foi Amit Golan. Ele foi para New York e tocou com muitos músicos e voltou a Israel para abrir uma escola e ensinar. Foi um movimento muito importante. E não era apenas um professor, ele convidava os alunos para ouvir música. E isso faz uma grande diferença.

EM – A troca de experiência?

HG – Sim. Acho que isso é que é importante. Você pode sentar e ensinar alguém e essa pessoa irá aprender. Mas quando você coloca um disco e há a troca de ideias sobre o que estão ouvindo é diferente. É um momento especial quando você é jovem.

EM - Mesmo essa cena sendo forte, você sentiu a necessidade de ir para New York a grande cidade do jazz nos Estados Unidos. Como aconteceu isso?

HG – Lá há músicos de todo o mundo, América do Sul, Europa, África, Nova Zelândia. E quando se juntam o resultado é sempre interessante, porque apesar de culturas diferentes produzem uma música universal. Há muitos músicos brasileiros em New York.

EM - Costumo dizer que mesmo a música instrumental não possuindo letras, ela também conta uma história. Qual é a história contada por Every Other Now?

HG - Acho que esse trabalho contém muita memória. Comecei a escrever as músicas quando a guerra começou, em 7 de outubro de 2023. Eu já estava em New York e foi muito duro saber que dois amigos do ensino médio morreram naqueles ataques. O tema The Day After é dedicado a um deles. E esse álbum também é uma cooperação com os integrantes da banda, porque tocamos muito juntos. Tocávamos todas as noites no meu estúdio sem parar, coletando material para o disco e chamando mais pessoas para se juntar a nós.

EM - É um disco onde os outros instrumentos também brilham, principalmente o piano e a guitarra. Gostaria que você falasse sobre isso.

HG – O guitarrista Steve Cardenas foi meu professor na escola de música. É um músico brilhante, tocava com Charlie Haden. Usamos uma de suas composições, Lost and Found. Seu jeito de tocar é minimalista, só usa as notas necessárias. Noah, o pianista, veio da Inglaterra. Toca muito, mas sem interferir. Tentamos muitas combinações e chegamos a essa conclusão a qual um complementa o outro. Às vezes com o Noah saindo da harmonia e depois voltando. E Steve tem um som lindo, muito melódico.

Ben Meigners e Jonatas Sansão

EM – Sei que é sua primeira vez no Brasil. Mas você disse que ouvia música brasileira desde criança, pode falar sobre isso?

HG – Sou apaixonada pela música brasileira. Tenho conhecido pessoas que têm me apresentado muitos discos. Gosto do conjunto, melodia, harmonia, ritmo. Os músicos estão abertos à improvisação e à conversação. O Café da Silva, um grande músico que tocou com Djavan e Stevie Wonder, tocou percussão no meu álbum. Quando estou em New York costumo tocar com ele no Central Park. Lá os músicos brasileiros sempre são muito bem-vindos. Conhecem tudo de música.

EM – Sim, temos uma tradição percussiva muito forte. Exportamos percussionistas para o mundo. Em todos os nossos gêneros musicais damos importância ao ritmo. Falando nisso, achei que The Day After, que tem a participação do Café, termina como um samba. Mas depois que você me falou sobre a inspiração que a levou a compor essa música mudei de ideia.

HG – (Hillai ri, solfeja a música junto comigo e... discorda). É um 5X4. Conheci o baterista que toca nessa música em New Orleans. E o Café foi impressionante. Ele apareceu no estúdio, ouviu uma vez e tocou. Ele é muito rápido, muito profissional. Ele me ensina bastante falando sobre os ritmos.

EM - Você é uma imigrante nos Estados Unidos, como se sente com relação à política de imigração de Donald Trump?

HG – É um grande problema. Horrível o que está acontecendo. Para mim, Bibi (Benjamin Netanyahu, primeiro-ministro de Israel), Trump e Putin são pessoas do mal. Temos amigos venezuelanos que não podem mais ficar nos Estados Unidos. O processo de concessão de vistos foi dificultado para que as pessoas sejam deportadas. É horrível e não sabemos o que fazer a respeito.

EM - Como se deu essa parceria com os músicos brasileiros para que essa turnê acontecesse?

HG – Conheci o Thiago Alves na Suíça há cinco anos e mantivemos contato esse tempo. Conversa vai, conversa vem acertamos alguns shows. Fui recebida aqui pela cantora Stephanie Borgani. São grandes músicos e têm me dado o suporte e me mostrado muitas coisas. Após um show fomos ao Bar do Julinho onde ouvi uma roda de choro. Uma música fascinante. Depois de São Paulo vou para o Rio de Janeiro.

The Adicts volta ao Brasil em turnê definitiva

2026-01-29T01:07:00.002-03:00

Foto: Flávio Santiago

A banda punk The Adicts, fundada nos anos 70 e cuja estética é inspirada no filme Laranja Mecânica, traz a São Paulo, no dia 18 de março, a Adios Amigos Tour. O show acontece no Carioca Club, coroando quase cinco décadas de carreira.

The Adicts é mundialmente conhecida pelo visual droog, em alusão à forma como se vestiam os colegas do carismático sociopata Alex (Malcolm McDowell) no filme Laranja Mecânica.

Assim como a estética, a sonoridade do grupo inglês causou impacto na indústria fonográfica ao longo de décadas, seja pelo vigor do punk rock cultuado desde os primórdios, seja pelos experimentalismos nos anos 80. Sem nunca abandonar o som visceral.

As últimas passagens do The Adicts pelo país aconteceram em 2016 e 2019, em ambas as ocasiões com shows lotados em apresentações vibrantes com o público cantando, suando, gritando e pogueando em cada música.

O The Adicts tem à frente o carismático vocalista Keith Monkey Warren, um showman que atravessou décadas prestando serviço ao punk rock. Suas performances são entretenimento garantido, com muito confete, glitter e serpentina.

De volta à capital paulistana em 2026, The Adicts promete uma festa, com hits de todas as décadas, como Viva la Revolution, Bad Boy, Falling in Love Again, Chinese Takeaway, Johnny Was A Soldier, Easy Way Out, Numbers, Songs Of Praise, Steamroller e muitas outras.

Serviço:

Show: The Adicts

Data: 18 de março de 2026 (quarta-feira)

Horário: 19h (abertura da casa)

Local: Carioca Club

Endereço: Rua Cardeal Arcoverde, 2899, Pinheiros - São Paulo/SP

Ainda por complicações causadas pela Covid 19, morreu Dave Riley, cantor e guitarrista de de blues

2026-01-06T18:58:00.002-03:00

Parceria certeira: Dave Riley e Bob Corritone

Recebi ontem um e-mail do amigo Bob Corritone, gaitista de Chicago, sobre a morte de seu grande parceiro, o guitarrista e cantor Dave Riley.

O som de Riley remete às mais profundas raízes do blues de seu estado, o Mississippi.

Bob ressalta isso em sua mensagem e lembra a parceria prolífica que rendeu muitas gravações em inúmeros discos.

Dave Riley nasceu em 19 de março de 1949 e morreu em 04 de janeiro de 2026 por complicações causadas pela Covid 19. Segue a mensagem:

“É com tristeza que informo o falecimento do meu amigo e parceiro de longa data no blues, Dave Riley. Nascido e criado em Hattiesburg, Mississippi.

O blues autêntico de Dave Riley refletia suas raízes nos bares de blues do Delta. Ele ficou conhecido no mundo do blues por seu trabalho com Frank Frost, Sam Carr, John Weston e Fred James.

Dave tinha uma personalidade marcante e sempre incentivava seu público a se divertir muito. Nos conhecemos no King Biscuit Blues Festival de 2004, por intermédio de Tom Coulson.

Dave morava na região de Chicago e tinha família em Phoenix, que visitava com frequência. Começamos a trabalhar juntos em 2005 e imediatamente percebemos a grande afinidade estilística entre nós. Isso nos levou a gravar o primeiro de nossos três álbuns, o que nos rendeu shows, apresentações em festivais e turnês internacionais. Tantos shows incríveis e aventuras fantásticas!

Mas quando a pandemia chegou, em 2020, Dave contraiu Covid e sofreu um AVC grave que o deixou impossibilitado de tocar ou cantar. A saúde dele foi se deteriorando gradualmente e, nos últimos meses, Dave estava entrando e saindo do hospital. Recebi a notícia do falecimento de Dave por meio de seu filho, Yahni, ontem à tarde. Dave fará muita falta. Tantas lembranças lindas. Tantas apresentações incríveis de blues. Descanse em paz, querido Dave”.

PIL, a banda do encrenqueiro Johnny Rotten, toca em São Paulo em abril

2025-10-06T21:26:00.003-03:00

Foi uma espera de 34 anos, mas Public Image Limited (PIL), banda do John Lydon (Johnny Rotten) pós Sesx Pistols, pisa no brasa em abril de 2026 para show único. A apresentação acontece no dia 08 de abril de 2026, no Terra.

O PIL é aclamado como uma das bandas mais criativas e viscerais do pós punk, por colocar rock, dub, dance, folk e pop, tudo no mesmo balaio.

A música e visão da banda renderam cinco singles no Top 20 do Reino Unido e 5 álbuns no Top 20. O álbum Metal Box, de 1979, por exemplo, é considerado um marco do pós-punk, que esticou os limites do rock, levando-o a territórios mais ambiciosos.

O show no Brasil em 2026 faz parte da This Is Not The Last Tour (“Esta Não é a Última Turnê”), que começou em maio de 2025 em Bristol, Reino Unido, e já passou por importantes festivais como o Forever Now Festival, Rebellion Festival e o Putting the Fast in Belfast.

A extensa turnê acontece após Lydon acreditar que a banda não voltaria mais a excursionar. Seu amigo de longa data e empresário, John Rambo Stevens, faleceu repentinamente após a última turnê do PiL, em dezembro de 2023, pouco depois da morte da esposa de Lydon, Nora, em abril de 2023. Naquele momento, Lydon achou que seus dias de turnê haviam terminado.

No entanto, ele ficou impressionado com o apoio dos fãs durante sua turnê de Spoken Word pelo Reino Unido, realizada na primavera deste ano. À época, Lydon disse: "O que aconteceu é que as pessoas foram incrivelmente positivas, e me pediram para excursionar com o PiL novamente. Com tanta gente pedindo, e sabendo o quanto a banda significa para eles, eu não podia simplesmente ficar no meu sofá sem sair em turnê — por mais tentador que isso fosse.”

Após liderar os Sex Pistols, John Lydon formou os pioneiros do pós-punk Public Image Ltd (PiL). Com uma formação em constante mudança e um som único, Lydon guiou a banda desde o álbum de estreia “First Issue” (1978) até “That What Is Not” (1992), antes de um hiato de 17 anos e no retorno em 2009.

A reunião de 2009 mostrou que o PiL não era apenas um projeto de juventude, mas uma banda com vida longa, capaz de reinventar-se e manter relevância. Para muitos críticos, essa volta deu a Lydon a chance de reafirmar sua faceta mais criativa, muito além do legado dos Sex Pistols.

O álbum mais recente do Public Image Ltd (PiL) é End of World, lançado em agosto de 2023. A Pitchfork destacou que a voz de Lydon continua “cativante e, ocasionalmente, surpreendentemente comovente”.

Além de John Lydon nos vocais, o PiL de hoje é Lu Edmonds (conhecido como guitarrista do The Damned no fim dos anos 1970 - guitarra, teclados, backing vocals e outros instrumentos como sax, banjo), Scott Firth (baixo, teclados, backing vocals) e Mark Roberts (bateria desde 2025).

Vale mencionar que o próprio Lydon desenhou a nova versão do logo do PiL para o merchandising da atual turnê. Ele falou que simboliza um novo começo para a banda. Mas a antiga é mais legal.

Serviço:

Show: Public Image LTD em São Paulo

Data: 8 de abril de 2026

Local: Terra SP (Av. Salim Antônio Curiati 160, São Paulo, SP)

Ingresso: https://fastix.com.br/events/public-image-ltd-em-sao-paulo

Fantazmaz chega ao Brasil em outubro em cinco shows

2025-10-05T10:57:00.001-03:00

O punk ácido, feroz e rápido da Fantazmaz, banda com raízes brasileiras baseada em Londres, chega ao Brasil em outubro em cinco shows.

O primeiro será no dia 17 de outubro em São Paulo, no Bay Area na capital e 18 no Maali, em Campinas; no dia 19 no festival Lucky Friends Rodeo, em Sorocaba; de volta a São Paulo, dia 23/10 no La Iglesia; encerrando, dia 25 na Cervejaria Tarantino, também em São Paulo.

Mas o primeiro compromisso da Fantazmaz no brasa é dia 15 de outubro na loja London Calling, na Galeria do Rock (São Paulo/SP). Será um encontro com os fãs e a banda venderá merchandising neste dia, como o vinil Fantazmaz, o álbum de estreia.

"Estamos super empolgados pra voltar pra casa com os Fantazmaz, depois de tantos anos fora, e ainda levar nosso batera gringo: o Jamie (ex-UK Subs e SNFU) vai com a gente, o que vai deixar a tour ainda mais especial", conta Thamila.

Ela conta que desde que começaram a anunciar a turnê, já receberam muitas mensagens de antigos e novos fãs. "Também recebemos várias mensagens de fãs da nossa banda antiga, o Vilania, dizendo que vão colar nos shows. A gente tinha uma fanbase bem fiel".

Os shows do Fantazmaz, revela Thamila, são rápidos. "A gente até brinca antes de subir no palco: “bora, show Zeke, né?” Que significa: rapidão, altíssimo e non stop! A gente adora tocar uma música atrás da outra e suar muito".

Fantazmaz, o disco, foi gravado no Monolith Studio, na Zona Norte de Londres, conhecido por gravar bandas de metal e HC. Nas plataformas digitais, o álbum saiu via Repetente Records, selo de dois músicos do CPM 22, Badauí e Phil Fargnoli junto ao diretor artístico Rick Lion.

“A chance de sairmos desse caos global é mínima e, pra ser sincera, a gente nem se importa mais em explicar o porquê. Tá tudo aí, escancarado. Esse é o sentimento. Escuta o álbum", comenta a vocalista Thamila Zenthöfer.

Os ingressos estão à venda pelo link: https://linktr.ee/fantazmaz

Saiu a programação 2025 do Sesc Jazz com mais de 27 atrações basileiras e estrangeiras

2025-10-01T20:39:00.001-03:00

Os shows acontecem em nove unidades do Sesc no estado de São Paulo: Pompeia, 14 Bis, Franca, São José dos Campos, Rio Preto, Centros de Música do Sesc Consolação, Guarulhos, Vila Mariana e Centro de Pesquisa e Formação do Sesc São Paulo, entre 14 de outubro e 02 de novembro

O ícone Dom Salvador faz parceria com Amaro Freitas (foto: Daniel Franco)

O Sesc Jazz é um festival cuja proposta é surpreender pela sua curadoria. Desde que era chamado de Jazz na Fábrica o festival de jazz do Sesc primou pela diversidade musical dando espaço para artistas pouco conhecidos por aqui.

Além de unidades da capital, a edição de 2025, a 6ª desde que se tornou o Sesc Jazz, vai incluir várias unidades do iterior, apresentando artistas do Brasil e do mundo, valorizando encontros, preservando legados, mas também muita inocvação.

Para além dos espetáculos, o Sesc Jazz oferece uma experiência expandida com ações formativas que aproximam artistas brasileiros e internacionais, acadêmicos e jornalistas do meio ao público em geral. Estão previstas oficinas teóricas e práticas de composição, canto e percussão, cursos, masterclasses, aulas-show, conversas, workshops e audições comentadas que pretendem estreitar o intercâmbio de conhecimentos e culturas entre todos os participantes.

O conceito de Sul Global, que permeia a curadoria do festival, valoriza o protagonismo de artistas da América Latina, África e diáspora africana, ratificando o jazz como uma tecnologia de resistência e contracultura frente à herança colonial. Essa perspectiva, firmada nas últimas edições, é o eixo que orienta as discussões e os encontros artísticos do evento, que também aumentou a participação de mulheres, não só intérpretes, mas também musicistas, compositoras, bandleaders, mediadoras e profissionais de backstage no festival.

Para o diretor do Sesc São Paulo, Luiz Deoclecio Massaro Galina, “o Sesc Jazz reafirma seu compromisso com a diversidade, a inovação e a valorização do jazz como linguagem viva, plural e afrodiaspórica".

Amaro Freitas (foto: Micael Hocher)

O festival oferece uma safra de apresentações brasileiras inéditas, entre elas, o encontro histórico de gerações entre os pianistas Amaro Freitas e Dom Salvador, que transformaram o jazz brasileiro em épocas diferentes. Pioneiro do samba-jazz, Dom Salvador se une ao pianista pernambucano reconhecido internacionalmente, com show e bate-papo com o público.

Evinha, ex-integrante do Trio Esperança, radicada há mais de 40 anos na França e redescoberta por jovens ouvintes via samples de BK e Alok, faz show especial com Marcos Valle, revisitando as canções que ele escreveu para ela no final dos anos 1960 e início dos 1970, consolidando um diálogo artístico e afetivo que atravessa seis décadas.

Indiana Nomma, Rosa Marya Colin e Eliana Pittman fazem uma homenagem à diva do samba-jazz Leny Andrade (1943–2023), enquanto os mestres do frevo de Olinda Carlos Rodrigues, Lúcio Henrique, Oséas Leão e Maestrina Lourdinha Nobrega se reúnem no show Abafo, Coqueito e Ventania para mostrar a riqueza rítmica do ritmo ao universo da improvisação com arranjos preparados exclusivamente para o Sesc Jazz.

Criado pelo percussionista e ogã Luizinho do Jêje, o grupo baiano Aguidavi do Jêje é outro destaque brasileiro, preservando a tradição oral e percussiva em saudação a ancestrais, pretos-velhos, juremeiros, orixás, voduns e sambadeiras, além de Virgínia Rodrigues revisitando seu disco de estreia, Sol Negro, lançado em 1997 e que a projetou internacionalmente, e Luedji Luna, com participação de Alaíde Costa, na turnê de seu recente projeto duplo Um mar pra cada um, Antes que a terra acabe.

Outro encontro, este de intercâmbio internacional, será apresentado pelo grupo Diáspora Lyannaj, resultado artístico do projeto Résidence Croisée França-Brasil, este ano formado pelos brasileiros Fábio Leandro, pianista, compositor e arranjador e pela contrabaixista Vanessa Ferreira em integração com os franceses Boris Reine-Adélaïde (percussionista, especialista no tambor Bèlè da Martinica), e o saxofonista Samy Thiebault. “Lyannaj”, palavra do criolo antilhano, significa “aliança”, “elo”, “união”.

Acesso gratuito - Parte da programação de shows será em um palco externo e gratuito, na área do deck do Sesc Pompeia. Nele acontecerão, aos domingos, os shows do grupo paulistano Aláfia em uma homenagem ao grupo Parliament, coletivo que marcou a música negra estadunidense nos anos 1970, o projeto Coisas supremas: Conexão entre Coisas e A Love Supreme, com Allan Abbadia, um tributo às obras de Moacir Santos e John Coltrane e o Trio Mocotó tocando o clássico Força Bruta (Jorge Ben), com a participação especial de Ellen Oléria. O grupo, pioneiro na fusão entre samba e soul, também participa de uma audição comentada com o público para contar sobre os bastidores e o legado do disco, gravado por eles em 1970.

Moonlight Benjamin

O mundo no Sesc Jazz - A América Central está representada pela haitiana Moonlight Benjamin, cantora e sacerdotisa que mistura os ritmos cerimoniais do vodu haitiano com blues, rock psicodélico e guitarras elétricas, criando um som potente e espiritual, e pela cantora e pianista cubana Aymée Nuviola, que apresenta um mergulho no filin, no bolero e na tradição noturna de Havana das décadas de 1950 e 1960.

Da América Latina, o festival recebe artistas que traduzem a riqueza e a pluralidade do jazz contemporâneo em diálogo com suas raízes afro-indígenas. A colombiana Lido Pimienta, indicada ao Grammy Latino e ao Grammy Awards, combina synthpop e música eletrônica com influências tradicionais afro-colombianas. Já o lendário Fruko & La Bonita celebra a colaboração entre gerações em um espetáculo que une salsa, psicodelia tropical e cumbia. O coletivo De Mar Y Río traz a força das vozes e percussões ancestrais da costa pacífica colombiana e conduz uma oficina dedicada à música de marimba, reconhecida pela UNESCO como Patrimônio Cultural Imaterial da Humanidade — título também concedido ao candombe, ritmo afro-uruguaio defendido pelo mestre Hugo Fattoruso, que participa do festival com show e com a atividade formativa Candombe do Sul.

Sélène Saint-Aimé

A Europa aporta no Sesc Jazz com nomes que exploram diferentes caminhos do jazz contemporâneo. A contrabaixista e cantora franco-caribenha Sélène Saint-Aimé apresenta um som que une tradição e modernidade; do Reino Unido, Bryony Jarman-Pinto destaca-se pela fusão de jazz, soul e folk com letras de tom social. O pianista Tigran Hamasyan, da Armênia, completa o bloco europeu, unindo improvisação, rock progressivo e melodias do folclore de seu país.

Da música afro-norte-americana, três referências de Chicago (EUA) reforçam a tradição e a inovação do gênero: o percussionista Kahil El’Zabar, comemorando os 50 anos de formação de seu grupo; a pianista e educadora Amina Claudine Myers, figura marcante do jazz e do gospel. De Montreal (Canadá), Dominique Fils-Aimé, expoente do jazz vocal com letras que refletem sobre as realidades sociais que moldaram o blues, o jazz e o soul.

Gabi Motuba

Com repertório voltado a temas de política global, estudos negros e espiritualidade, a sul-africana Gabi Motuba traz um trabalho que reflete sobre identidade e resistência. Também do continente africano, o ganês Alogte Oho mostra a força do Frafra Gospel, o grupo Etran de L’Aïr apresenta o rock do Saara e o cantor, guitarrista, ativista e embaixador cultural senegalês Baaba Maal mescla tradições da África Ocidental com sonoridades eletrônicas em composições que refletem sobre os desafios tecnológicos, políticos e ambientais do continente africano. O artista, cuja voz já ecoou em produções icônicas como A Última Tentação de Cristo, de Martin Scorsese, e na trilha dos filmes Pantera Negra, ambientados na fictícia Wakanda, abre o festival com show na unidade Pompeia.

Experiências ampliadas - Além dos espetáculos e das atividades formativas, o Sesc Jazz contará com um menu gastronômico exclusivo criado por algumas unidades para o festival. Programe-se para experimentar um cardápio de aperitivos, pratos e drinks inspirado na atmosfera do festival.

Artes visuais - A artista visual multidisciplinar Negana é a ilustradora convidada desta edição. Sua pesquisa é centrada na figura da mulher negra como corpoterritório — portador de memória, espiritualidade e potência. Nascida em João Pessoa e filha de costureira, a artista aprendeu desde cedo a confiar no gesto e na criação manual. Da costura à arte, transformou o fazer em escuta e em trama de afetos, produzindo em bordado, pintura e ilustração narrativas que entrelaçam ancestralidade, memória e transformação.

Serviço Sesc Jazz 2025

São Paulo, Franca, São José dos Campos e São José do Rio Preto

14 de outubro a 02 de novembro de 2025

Programação completa em: https://www.sescsp.org.br/sesc-jazz

Orientações de venda de ingressos

Este ano, a venda de ingressos para o Sesc Jazz terá um período de exclusividade para quem tem a Credencial Plena do Sesc válida. Atenção para as datas:

2/10, a partir das 17h - Venda on-line exclusiva para Credencial Plena, com limite de dois ingressos por pessoa para cada apresentação. O acompanhante não precisa ter Credencial.

3/10, a partir das 17h - Venda presencial e on-line dos ingressos para todos os públicos. Com limite de 2 ingressos para cada sessão por CPF.

Valores: R$60 / R$ 30 / R$ 18

14 Bis: quinta a sábado às 20h, domingo às 18h - Teatro

Pompeia: quinta a sábado às 20h, domingo às 18h - Teatro; quinta a sábado às 21h, domingo às 18h30 - Comedoria; domingo às 16h - Deck

São José dos Campos: quinta a sábado às 20h, domingo às 18h - Ginásio

Rio Preto: quinta a sábado às 20h, domingo às 18h - Ginásio

Franca: quinta a sábado às 19h30, domingo às 18h - Teatro

A dobradinha Ratos de Porão e D.R.I. vai se repetir em breve em São Paulo

2025-09-24T10:46:00.001-03:00

As produtoras Maraty e Powerline anunciaram que o Cine Joia (SP) vai receber as duas bandas icônicas em 22 de março de 2026. O cartaz matador no fima da matéria, criado especialmente para essa tour, é do artista Cristiano Suarez.

D.R.I., Carioca Club (SP), 2023 (foto: Eugênio Martins Jr/Mannish Blog)

Com mais de 40 anos de estrada, D.R.I. pode ser considerada uma das bandas mais icônicas do crossover, vertente musical que misturou o punk com o metal.

No show de 2023 no Carioca Club os "sujos, podres e imbecis" do Texas tocaram, em uma hora e meia de show, porradas clássicas da sua discografia, entre elas, Manifest Destiny, Beneath The Wheel, Gun Control, Snap, All For Nothing, Modern World e tantas outras.

E lá estavam os velhos do Ratos na abertura. Não é sempre que podemos assistir duas bandas com 40 anos de estrada e que sempre permaneceram na ativa. Vai ser o inferno na terra. Ou o céu, dependendo do ponto de vista.

A turnê inclui o Ocidente, de Porto Alegre, em 17 de março, com abertura do Troll. POA será o único lugar que não haverá o show do Ratos. Em Curitiba os shows acontecem no Tork'n Roll, no dia 19, com abertura da Tifo. O show do Rio de Janeiro será no não menos icônico Circo Voador, no dia 20, com as aberturas de Pavio e Minissaia. No Mister Rock, em Belo Horizonte, os shows acontecem no dia 21 sem abertura. As bandas Imflawed (groove/thrash metal) e Questions (hardcore) farão a abertura do evento no Cine Joia.

D.R.I., Carioca Club (SP), 2023 (foto: Eugênio Martins Jr/Mannish Blog)

As duas bandas contam com mais de 40 anos de estrada. O primeiro trabalho D.R.I. data de 1983, a demo “Dirty Rotten EP”, com 22 músicas em apenas 18 minutos. O material depois foi relançado como “Dirty Rotten LP”, um dos discos mais rápidos e intensos da época, no qual já aparecem riffs mais pesados, aproximando o hardcore do thrash metal.

A marca registrada do D.R.I, a amálgama do hardcore com o metal, foi cravada de vez em 1985, quando a banda se muda para São Francisco, na Bay Area, o berço do thrash metal. O álbum Dealing With It! marcou a guinada: ainda punk, mas com guitarras mais pesadas e estruturas complexas.

A formação recente inclui o membro fundador Kurt Brecht (vocais), Spike Cassidy, o único guitarrista da banda em toda a discografia, Greg Orr (baixo, conhecido por ter tocado na lendária banda de crossover/thrash californiana Attitude Adjustment, ativa desde os anos 80 e igualmente pioneira no estilo) e Danny Walker (bateria, com passagens pelo Exhumed, Intronaut e Jesu).

Ratos de Porão, Carioca Club (SP), 2023 (foto: Eugênio Martins Jr/Mannish Blog)

O Ratos de Porão é incansável, segue em turnê pelo Brasil e América Latina e sua relação com o crossover é histórica, considerado o maior representante latino-americano do estilo.

A banda foi formada um ano antes do D.R.I., em novembro de 1981, durante a explosão do movimento punk paulista. Seu primeiro disco, Crucificados pelo Sistema, saiu em 1984 e tinha músicas que se tornaram hits instantâneos como a própria Crucificados, Agressão Repressão e Morrer.

A partir da segunda metade dos anos 1980, influenciados por bandas como D.R.I., Suicidal Tendencies e Corrosion of Conformity, o Ratos começou a incorporar riffs pesados, solos e a pegada do thrash metal.

Isso ficou cristalizado em álbuns como Descanse em Paz (1986), Brasil (1989), já completamente crossover, com produção internacional e letras de impacto social, e Anarkophobia (1991), gravado em Berlim, é um dos discos de crossover mais respeitados no mundo.

Ratos de Porão, Carioca Club (SP), 2023 (foto: Eugênio Martins Jr/Mannish Blog)

Serviço:

D.R.I. e Ratos de Porão em São Paulo

Data: 22 março de 2026 (domingo)

Horário: 17h (abertura da casa)

Local: Cine Joia (Praça Carlos Gomes, 82 - Liberdade, São Paulo - SP)

Ingressos: fastix.com.br/events/d-r-i-e-ratos-de-porao-em-sao-paulo

Novembro fecha com o punk oitentista de T.S.O.L. e The Adolescents

2025-09-22T15:29:00.001-03:00

Os libertadores do T.S.O.L. e...

T.S.O.L. e Adolescents, duas bandas oitentistas, grandes referências do hardcore californiano, estão com datas confirmadas para o Brasil dentro do festival Rockside, que nasce com a proposta de celebrar o rock em suas vertentes mais pesadas.

A estreia do Rockside acontece em três capitais brasileiras: Curitiba (28/11), São Paulo (29/11) e Porto Alegre (30/11). Produzido pela Magnetar em parceria com a ND Productions, o evento já chega com peso histórico ao reunir dois ícones que atravessam gerações e continuam a influenciar a cena punk mundial.

T.S.O.L. - Formado no início dos anos 1980, em Long Beach/Huntington Beach, o T.S.O.L. (True Sounds of Liberty) se consolidou pela fusão de punk, death rock e hardcore. Liderados pelo vocalista Jack Grisham, os americanos seguem em plena atividade e, em 2024, lançaram o álbum A-Side Graffiti, prova da vitalidade de uma carreira que inclui clássicos como Dance with Me.

The Adolescents - Também nascidos na Califórnia no mesmo período, The Adolescents conquistou seu lugar na história com o icônico Blue Album (1981), um marco do hardcore que inspirou nomes como Bad Religion, NOFX, Pennywise, The Offspring e Green Day. Com shows sempre enérgicos, a banda mantém a chama da primeira geração do punk vivo nos palcos do mundo.

Rockside - O Rockside surge como um novo selo de shows dedicado ao rock, reforçando a importância do Brasil como destino para grandes turnês internacionais.

...os coroas do The Adolescents

Serviço Rockside:

Ingressos estão disponíveis no site Fastix, com valores a partir de R$ 180.

Curitiba (PR)

Quando: 28 de novembro de 2025 – 20h (abertura da casa)

Onde: Tork n’ Roll – Av. Mal. Floriano Peixoto, 1695 – Rebouças

Ingressos: Fastix Curitiba

Valores: R$ 180 (meia/solidária – 1º lote) | R$ 360 (inteira – 1º lote) | Camarote: R$ 220 (meia/solidária) | R$ 440 (inteira)

São Paulo (SP)

Quando: 29 de novembro de 2025 – 19h (abertura da casa)

Onde: Cine Joia – Praça Carlos Gomes, 82 – Liberdade

Ingressos: Fastix São Paulo

Valores: R$ 180 (meia/solidária – 1º lote) | R$ 360 (inteira – 1º lote) | Camarote: R$ 220

(meia/solidária) | R$ 440 (inteira)

Porto Alegre (RS)

Quando: 30 de novembro de 2025 – 18h30 (abertura da casa)

Onde: Opinião – R. José do Patrocínio, 834 – Cidade Baixa

Ingressos: Fastix Porto Alegre

Valores: R$ 180 (meia/solidária – 1º lote) | R$ 360 (inteira – 1º lote) | Camarote: R$ 220 (meia/solidária) | R$ 440 (inteira)

A lendária Cro-Mags volta ao Brasil para show único

2025-08-29T12:19:00.006-03:00

Foto: Divugação

Pilar do movimento que fundiu o hardcore punk com o thrash metal e que hoje sustenta o status de lenda da música, a banda nova-iorquina Cro-Mags está de volta ao Brasil em outubro com show único, dia 8/10, em São Paulo, no Burning House.

Fundada na efervescente Nova Iorque (EUA) do início dos anos 1980, Cro-Mags marcou para sempre a cena hardcore com o seu álbum de estreia, The Age of Quarrel (1986), uma obra-prima e divisor de águas do gênero.

A sonoridade crua, agressiva e energética, aliada a letras contundentes, tanto apenas consolidou a banda como referência como ajudou a moldar o que seria conhecido como o crossover entre hardcore e thrash metal.

Ao longo das décadas, o impacto do Cro-Mags foi sentido muito além do underground, influenciando grupos que redefiniriam a música pesada em diferentes estilos, entre eles Metallica, Sepultura, Biohazard, Green Day, Madball e Hatebreed.

Nos últimos anos, Cro-Mags reafirmou sua relevância com o lançamento de álbuns como In the Beginning (2020), que mostrou ao público mundial que a energia original permanece intacta. A atual formação, liderada pelo icônico Harley Flanagan, mantém a essência da banda.

Em 2024, Harley Flanagan ganhou um documentário sobre sua vida, Harley Flanagan: Wired for Chaos. O registro é um retrato intenso da trajetória do fundador do Cro-Mags e muito bem recebido pela crítica. O filme conta com depoimentos de figuras icônicas, tanto do universo punk quanto de outras esferas culturais e artísticas, como Flea (Red Hot Chili Peppers), Henry Rollins, Ice-T, Glenn Danzig (Misfits), Scott Ian (Anthrax), Ian Mackaye (Minor Threat, Fugazi), Keith Morris, Darryl Jenifer (Bad Brains), Kate Schellenbach (Beastie Boys), entre outros.

Antes do show em São Paulo, o Cro-Mags realizará uma extensa turnê em setembro pelos Estados Unidos. Um destaque é a apresentação que encerra o giro, dia 27/09, no CBGB Fest, evento em memória à lendária casa de shows CBGB, que foi o berço do punk rock e da new wave em Nova Iorque.

A realização é da Xaninho Discos em parceria com a Caveira Velha e Solid Music Ent.

Serviço:

Show: Cro-Mags

Data: 08 de outubro de 2025

Local: Burning House

Endereço: Av. Santa Marina, 247 - Água Branca, São Paulo/SP

Venda online: https://101tickets.com.br/events/details/Cro-Mags-em-Sao-Paulo

Bourbon Street Fest acontece entre 24 e 31 de agosto Em São Paulo

2025-08-21T09:03:00.005-03:00

O festival promete transformar São Paulo na sucursal de Nova Orleans, com apresentações de artistas brasileiros e estrangeiros. Tem muita coisa grátis

Ivan Neville

Criado em 2003, o Bourbon Street Fest precisou ser paralisado durante os dois anos de pandemia, como os eventos culturais em geral, retornando às atividades em 2022. Por isso, em 2025, será celebrada a 20ª edição do festival mais esperado do ano.

A abertura, no palco do Parque Villa-Lobos, com entrada gratuita, no dia 24 de agosto, a partir das 13h, terá DJ apresentando sons de New Orleans. Às 14h, o guitarrista Ari Teitel, criado em Detroit e radicado em Nova Orleans, faz sua primeira apresentação no festival.

Cofundador da banda The Rumble, referência no estilo Mardi Gras Indian Funk, Ari traz uma fusão única de influências como R&B, funk, gospel, jazz, hip-hop, blues e rock psicodélico – um verdadeiro "gumbo" musical, típico da riqueza cultural de Nova Orleans.

Tom Worrell e Luciano Leães

Ao lado do pianista brasileiro Luciano Leães, o virtuoso pianista norte-americano Tom Worrell, também fazendo sua estreia no Bourbon Street Fest, se apresenta às 16h com o projeto The Piano Twins & The Oak Street Troublemakers.

Outro grande destaque do festival é a banda The Rumble, que marcou presença neste ano no New Orleans Jazz & Heritage Festival, um dos mais importantes e tradicionais festivais de música dos Estados Unidos. Indicada duas vezes ao Grammy, The Rumble sobe ao palco às 17h30 com Aurélien Barnes (trompete/percussão), José Maize Jr. (trombone), TJ Norris (baixo), Ari Teitel (guitarra), Andriu Yanovski (teclados) e Trenton O’Neal (bateria). The Rumble entrega uma sonoridade poderosa, moldada por influências que vão do funk ao hip hop, passando por brass band, gospel, jazz e até música clássica.

No intervalo dos shows principais, a Orleans Street Jazz Band contagia a plateia com seu estilo irreverente e contagiante, inspirados nas lendárias street bands de New Orleans, símbolos da cidade.

No Parque Villa-Lobos, a programação do dia se encerra com a apresentação do The Rumble, mas continua no Bourbon Street Music Club. Ainda no domingo, dia 24, às 19h, a abertura da noite fica por conta da Orleans Street Jazz Band, que prepara o terreno para, às 20h, o palco ser tomado pela poderosa Keeshea Pratt, diretamente do Mississippi.

No palco, Pratt estará muito bem acompanhada pela Prado Brothers Band, liderada pelos irmãos Igor e Yuri Prado, reconhecidos mundialmente como uma das bandas mais influentes do cenário.

The Rumble

No intervalo dos shows principais, a Orleans Street Jazz Band contagia a plateia com seu estilo irreverente e contagiante, inspirados nas lendárias street bands de New Orleans, símbolos da cidade.

No palco, Pratt estará muito bem acompanhada pela Prado Brothers Band, liderada pelos irmãos Igor e Yuri Prado, reconhecidos mundialmente como uma das bandas mais influentes do cenário.

Keeshea Pratt e Prado Brothers

A Orleans Street Jazz Band volta a abrir os trabalhos entre os dias 26 e 29, a partir das 19h, no Bourbon Street Music Club; já no dia 30, é a vez da Torres Jazz Band.

Na terça-feira, dia 26, às 20h30, o destaque é o Dennis Chambers Trio, liderado por um dos bateristas mais respeitados do mundo. Chambers construiu uma carreira brilhante tocando com lendas como Santana, Parliament/Funkadelic, John Scofield e Brecker Brothers. Às 22h, a banda The Rumble retorna ao festival, para encerrar a noite.

A atração da quarta-feira, dia 27, às 20h30, é o Danny Abel Hammond Quartet, que faz seu début no festival. O guitarrista Danny Abel, indicado ao Grammy com o grupo Tank and The Bangas, é um nome consolidado na cena de Nova Orleans, onde lidera projetos autorais em clubes e festivais, com uma sonoridade que transita com naturalidade entre funk, jazz tradicional, gospel e R&B.

Às 22h, o público terá chance de ver – ou rever – o projeto The Piano Twins & The Oak Street Troublemakers, encontro visceral dos pianos de Tom Worrell e Luciano Leães, reverenciando New Orleans.

Tony Hall

Na quinta-feira, dia 28, às 20h30, a trilha da noite é conduzida pelo DJ New Orleans. Em seguida, às 22h, o Playing For Change, coletivo musical global aclamado internacionalmente, retorna aos palcos pela primeira vez desde 2019, em um show exclusivo.

O line-up de sexta-feira, dia 29, traz duas atrações inéditas nesta 20ª edição do festival. Às 21h, a indicada ao Grammy Shannon McNally, que também integrou o seleto grupo de artistas do prestigiado New Orleans Jazz & Heritage Festival, mostra um repertório que abrange outros aspectos da música norte-americana, o folk, o country, passando pelo blues e o rock.

Na sequência, às 23h, é a vez de Tony Hall, um dos grandes mestres do funk de Nova Orleans e veterano no Bourbon Fest, assumir o palco. Multi-instrumentista e vocalista, Hall é membro fundador da banda Dumpstaphunk e coleciona colaborações com nomes como Harry Connick Jr., Emmylou Harris, Dave Matthews & Friends.

Shannon McNally

No sábado, dia 30, às 21h, o New Orleans All-Stars — grupo formado por grandes nomes da cena musical de New Orleans — recebe no palco a cantora Shannon McNally para um feat especial.

Em seguida, às 23h, o grupo retorna com a presença de Ivan Neville, multi-instrumentista, cantor e compositor reconhecido como um dos maiores representantes da música de Nova Orleans.

Membro da lendária família Neville, Ivan já tocou com seu tio Cyril Neville no icônico Neville Brothers, integra a renomada banda Dumpstaphunk e está atualmente em turnê pelos Estados Unidos ao lado de Trombone Shorty — uma das maiores estrelas do New Orleans Jazz & Heritage Festival e símbolo vivo da musicalidade da cidade.

O Bourbon Street Fest – 20 Anos chega ao seu último dia de celebração no domingo, 31, com entrada gratuita, assim como foi na abertura. A programação começa às 15h com DJ Léo Lucas e abrindo os trabalhos, New Orleans Experience com o maestro Marcelo Torres.

Uma das gratas surpresas do 15º Bourbon Festival Paraty, em junho de 2025, a cantora americana J.J. Thames volta ao Brasil e se apresenta às 16h30. Nascida na Motowniana Detroit, "The Hurricane", como é conhecida, traz um show poderoso que combina blues, rock e soul, mantendo a crueza do blues tradicional, mas com um tempero moderno que agrada também ao público mais pop. Inspirada por lendas como Etta James e Koko Taylor, J.J. promete uma performance intensa e cheia de alma.

Às 18h, Ivan Neville Neville e os New Orleans All-Stars retornam ao palco, desta vez com a participação especial de Shannon McNally, em um encontro que promete sintetizar a alma e a diversidade musical de Nova Orleans.

Na sequência, o Playing For Change recebe novamente os holofotes com um super show de encerramento, relembrando o espírito vibrante das grandes festas que o festival já realizou em frente à sede do Bourbon Street na Rua dos Chanés.

O Playing For Change é um coletivo aclamado internacionalmente e conhecido por reunir músicos de diversas partes do mundo como República Democrática do Congo, Holanda, Israel, África do Sul, Japão, Brasil e Estados Unidos para promover mensagens de união e paz.

Maffuletta especial

Gastronomia - Além da música, a 20.ª edição do Bourbon Street Fest celebra a cultura gastronômica da Louisiana com um cardápio seguindo a inspiração dos sabores de New Orleans em drinks e pratos típicos da culinária cajun e créole.

O famoso Jambalaya – em versões adaptadas - e o retorno de um clássico, o sanduíche Muffuletta, tradicionalíssimo em New Orleans com seu pão redondo e bastante recheado com frios diversos, queijos e uma pasta especial de azeitonas. Entre os drinks especiais, destaque para o Shot Copa Sazerac: a base de cognac, peychaud’s bitters e absinto, vem acompanhado de crispy de copa especial. Uma experiência aromática e cheia de personalidade.

Serviços:

Festival - Bourbon Street Fest - 24 a 31 de Agosto

Line UP - Dj Crizz (New Orleans Sounds); Ari Teitel (Jazz Funk Fusion); Tom Worrell & Luciano Leães (Piano New Orleans);

The Rumble (Funk Soul New Orleans)

Data: 24 de agosto

Horário: 13h às 19h

Local: Parque Villa Lobos - Avenida Professor Fonseca Rodrigues, 2001

Alto dos Pinheiros - São Paulo - SP

Classificação indicativa: livre

Ingressos: Gratís

Bourbon Street Music Club – 24 a 31 de Agosto

24/7 - Domingo às 20h - Keesha Pratt & Prado Brothers Band

26/7 - Terça-feira, 20h30 - Dannis Chambers Trio visits New Orleans e The Rumble (Funk Soul New Orleans)

27/7 - Quarta-feira, 21h - Danny Abel Hammond Quartet; Tom Worrell & Luciano Leães (Piano New Orleans)

28/7 - Quinta-feira, 22h - Playing For Change

29/7 - Sexta-feira, 22h - Shannon McNally (Folk Rock) e Tony Hall (R&B Soul Funk)

30/7 - Sábado, 22h - Torres Jazz Band (Traditional Jazz); Nola All Stars Band feat Shannon McNally (R&B Soul Funk); Ivan Neville & Nola All Stars Band (New Orleans Funk)

Local: Bourbon Street | Rua Dos Chanés, 127 – Moema – SP

Couvert Artístico: R$ 50 a R$ 95 (2 shows por noite)

Vendas online: www.sympla.com.br

Classificação indicativa: 18 anos e 16 anos acompanhado de responsável

Reservas na casa: Rua dos Chanés 194 – de segunda a sábado das 10h às 18h e domingos das 12h às 16h – sem taxa de conveniência

Encerramento gratuito na rua dos Chanés Data: 31 de agosto

Line up - Dj Léo Lucas; J.J. Thames (Blues); Ivan Neville & Nola All Stars Band feat Shannon McNally (New Orleans Funk); Playing For Change

Local: Bourbon Street | Rua Dos Chanés, 127 – Moema – SP

Horário: 15h às 21h

Gratuito

Gustavo Figueiredo toca em Santos em projeto solo

2025-08-21T07:36:00.004-03:00

Considerado um dos grandes pianistas de jazz do Brasil, o mineiro faz única apresentação na cidade em show grátis no Sesc

Gustavo Figueiredo

Neste sábado, dia 23 de setembro, às 20h, o pianista mineiro Gustavo Figueiredo participado de um projeto piano solo no Sesc Santos.

O repertório inclui releituras de compositores brasileiros, jazz e temas autorais, entre eles, Alegre Menina (Dori Caymmi), Samba Dobrado (Djavan), Lamento Sertanejo (Dominguinhos e Gilberto Gil), Clube da Esquina 1 (Milton Nascimento, Lô Borges e Márcio Borges), Anjo (Gustavo Figueiredo), Eu e a Brisa (Johnny Alf), Thelonious Groove (Gustavo Figueiredo), Bala com Bala (João Bosco), Waltz for Debby (Bill Evans) e Palco (Gilberto Gil).

Com o intuito de envolver ainda mais a plateia, além de tocar, o pianista e compositor

Gustavo Figueiredo fala uma pouco sobre cada obra e seus compositores, dando algumas referências de gravações e um pouco da histórica de cada um deles.

Gustavo Figueiredo - É pianista, compositor e arranjador, trabalhou com importantes músicos pelo país, como: Vander Lee, Beto Guedes, Nivaldo Ornelas, Marku Ribas, Leila Pinheiro, Ceu, Paula Lima, Toninho Horta e outros. Ganhador do Prêmio BDMG Instrumental em 2007.

Com seu trabalho próprio vem tocando em diversos festivais e shows pelo país. Em 2014 lançou o CD intitulado “Trio” e em 2015 gravou um DVD ao vivo. No final de 2018 estreou um novo trabalho interpretando importantes compositores da música brasileira, com novos arranjos e uma linguagem contemporânea. Em 2019 estreou sua carreira na Europa com shows em Lisboa e Cascais (Portugal). Em 2020 lançou dois singles autorais “na mente” e “viva.” Em outubro/2021 lançou seu novo álbum, “Antes do fim”, que além do seu trio, conta com a participação de Kadu Vianna e Marcelo Dai nos vocais. É curador do “Tudo é Jazz”, um dos maiores festivais de jazz do país, assina a produção musical e arranjos do projeto “Nossa Batida, projeto “Taí, Carmem Miranda por Sônia Andrade”, arranjador do show “Beatles da Esquina”, com Daniel Lima, Flávio Venturini e Roberta Campos, além de idealizador, arranjador e diretor musical do projeto “Nossa Batida”.

Serviço:

Show: Gustavo Figueiredo

Data: 23 de agosto

Horário: 20h

Local: Sesc Santos

Endereço: Rua Conselheiro Ribas, 136

Ingressos: Grátis

Classificação: Livre