Marivaudage

Orfeu Negro

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Mon, 12 Apr 2010 02:00:00 +0000

Marcel Camus, 1959

Encore un grand classique que je découvre bien tardivement. Le genre de films où l’on se dit « Mais pourquoi ai-je attendu aussi longtemps ? ». Mais bon, dans 10 ans je serai probablement encore en train de me lamenter de voir beaucoup trop tard tel ou tel chef-d’œuvre multi-encensé. Plus j’avance dans ma découverte des films, plus il me semble que les frontières reculent et que la richesse du cinéma est insondable. Tant mieux.

Donc, Orfeu Negro, Palme d’Or à Cannes en 1959, est un film français de Marcel Camus (et non d’Albert comme je le croyais jusqu’à ce jour … hum), transposition dans le Rio actuel du mythe antique d’Orphée aux enfers.

Pendant les toutes premières minutes, j’ai eu peur qu’Orfeu Negro ne soit qu’une espèce de carte postale d’un français en goguette à Rio qui tomberait amoureux de ce pays à tel point que son film n’aurait aucune nuance et aucun discernement. En lisant quelques articles sur le Web, c’est d’ailleurs une critique qu’on retrouve souvent : on remercie Marcel Camus d’avoir fait découvrir la bossa nova au monde occidental mais on lui reproche d’avoir une approche légèrement condescendante à l’égard de la culture noire brésilienne. En bref, on l’a accusé d’avoir un peu la même ligne éditoriale que ces crétins du Guide du Routard (« dont les têtes de cons s’étalent en 4ème de couverture » … dans mes bras Michel Houellebecq !).

Comme pour Tout ce qui brille (eh oui !), je ne suis pas du tout d’accord avec cette approche critique qui restreint le film à un propos de société ou à un clash fantasmé entre deux cultures trop différents pour que l’une puisse être représentée par l’autre sans taxer son auteur de vilaines arrière-pensées. Encore une fois, je m’en fous complètement. Le film raconte de manière tellement belle une histoire tellement universelle, mythologique en l’occurrence, que ces propos de pisse-vinaigre passent complètement au-dessus de moi, si je puis me permettre une telle image (en me relisant, et en y réfléchissant, je me dis que j’ai peut-être tort de n’évaluer un film qu’à ses qualités purement cinématographiques et que je devrais être un spectateur un peu plus citoyen - mais je dois avouer qu’une telle approche m’ennuie terriblement, en bon épicurien égoïste que je suis).

Donc au diable les moralisateurs, le film est splendide visuellement, traversé d’images oniriques (ah cet escalier circulaire qui descend aux Enfers !), le tout baignant dans de belles couleurs chaudes. La musique est également envoûtante mais au final ce sont les destinées de ces personnages qui m’ont enthousiasmé. De toutes façons, dès qu’il y a des jeux amoureux basés sur des masques et des travestissements, bref, dès qu’on baigne dans du Marivaux, je craque complètement. On a beau connaître le mythe d’Orphée et Eurydice et savoir que tout cela va mal se terminer, on s’attache immédiatement à cette histoire d’amour tant les protagonistes sont aimables. Marpessa Dawn est d’une beauté juvénile saisissante, d’abord tout en retenue dans son ingénuité et ensuite extrêmement sensuelle lorsqu’elle danse. Et Breno Mello est vraiment touchant de bout en bout.

Le plus beau moment est peut-être tout simplement la scène finale (ci-dessus), poétique, sublimée par la musique, et débordante d’optimisme après la tragédie que nous venons de vivre. Une scène étonnante de simplicité et de pureté qui illustre si bien cette philosophie que j’aime tellement retrouver au cinéma : « Vivre malgré tout ».

La Polizia Chiede Aiuto

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sun, 11 Apr 2010 00:45:00 +0000

Un jour peut-être, j'aurai un peu de force et un peu d'inspiration pour pouvoir vous parler comme il se doit du plus beau film de l'année, de la décennie même si Mulholland Drive n'avait pas existé. Les personnes qui m'ont fréquenté et supporté depuis quelques mois savent que je parle de AMER, l'extraordinaire et inattendu chef-d'œuvre d'Hélène Cattet et Bruno Forzani.

En attendant ce jour, et pour ne pas vous laisser en reste, voici donc le sublimissime titre de Stelvio Cipriani qui accompagne si bien ce film. Docteur, est-ce grave de l'écouter 675 fois par jour depuis bientôt deux mois ?

Stelvio Cipriani - La Polizia Chiede Aiuto

Et bon allez, tant qu'on est dans les superlatifs, la montée en puissance, à 0'55 de la chanson, correspond, dans le film, au plus beau moment de cinéma que je n'ai jamais vécu. Ces gros plans sur les cheveux, le chapeau, le décolleté sont d'une beauté inouïe, d'une sensualité ahurissante. Je ne trouve pas les mots, je ne m'en remets pas.

Les Chaussons Rouges

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Wed, 07 Apr 2010 23:00:00 +0000

Red Shoes
Michael Powell & Emeric Pressburger, 1949

Le premier Powell/Pressburger que je vois, et sans doute pas le dernier.

Tout comme comme A Star is Born & Singing In The Rain, que j'ai vu et revu tout récemment, Red Shoes est un film musical qui montre les coulisses du show-business. C'est amusant, il semble que cette typologie de film comporte une trame cyclique récurrente : exposition d'une star (de cinéma, théatre ou ici ballet), déchéance de cette dernière au profit d'une nouvelle étoile montante, love story entre cette nouvelle star et un protagoniste-clé (ici le compositeur/chef d'orchestre) et puis, variante possible, nouvelle déchéance ou happy end. En l'écrivant, je me rends compte que c'est aussi le pitch de All About Eve.

Voilà bien un inconvénient à regarder trop de films : on finit par les disséquer, les comparer, les ranger dans des cases et au final on prend le terrible risque d'en ôter la magie. C'est MAL.

Quoiqu'il en soit, la magie du cinéma, celle qui me fait toujours courir, a opéré à plein pendant la scène centrale, à savoir la représentation des Chaussons Rouges le ballet au sein des Chaussons Rouges le film. Cette fascinante mise en abîme d'une trentaine de minutes est d'une inventivité et d'une grâce inoubliables. Powell & Pressburger s'écartent très vite du simple cadre d'un ballet filmé : le champ s'élargit, les décors deviennent gigantesques, l'onirisme et le fantasme s'immiscent et on ne peut que rester bouche bée devant une telle beauté. Remplacer une vague d'applaudissements par une vraie vague de la vraie mer est une idée aussi audacieuse que géniale. Et quand Moira Shearer agite ses petits pieds pour se débarrasser de ses chaussons, je vous défie de ne pas fondre devant une telle grâce.

Après un tel climax, la fin du film est un tantinet moins enchanteresse. Certes j'ai également jubilé devant cette idée très astucieuse (et pas trop appuyée) de transposer la trame du conte d'Andersen dans la vie de notre danseuse-étoile mais bon, le rythme s'étiole quelque peu.

Soulignons enfin que l'image, en Technicolor, est absolument superbe ; le film a été restauré tout récemment, avec le concours de Martin Scorsese d'ailleurs, et méritera largement une 2e vision. Courez le voir chers lecteurs.

Holiday

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Wed, 07 Apr 2010 20:00:00 +0000

Vacances
Georges Cukor, 1938

Hésitant entre ce film et Les Poings dans les Poches qui a l'air pas mal mais un peu plombant, j'ai demandé conseil à l'ouvreuse : "Bah je sais pas trop, Holiday c'est une comédie ...". Banco alors. Je l'ai crue, la menteuse d'ouvreuse, Holiday n'est pas selon moi une comédie, en tout cas pas une screwball comedy, comme le laissait entendre son casting (Cary Grant + Katherine Hepburn). J'ai peu ou pas ri. Les scènes sensément drôles ne le sont pas vraiment et les dialogues ne sont pas aussi étincelants que chez Lubitsch ou McCarey.

En fait voilà, Holiday m'a plutôt fait penser à une fable à la Capra, à savoir une histoire trop belle pour être vraie mais suffisamment bien foutue pour qu'on soit touché par l'universalité du propos. Le propos ici, c'est "Trace ta route, suis ton chemin, écoute ton corps, écoute ta soif" (en gros). Avec une happy end à la clé.

J'avoue avoir été vraiment ému par la scène du réveillon pendant laquelle Cary Grant et Katherine Hepburn, après avoir joué au chat et à la souris depuis le début du film, se retrouvent seuls, silencieux, soudain maladroits, réalisant enfin à quel point ils sont destinés l'un à l'autre et ne sachant comment passer à la suite, bloqués par les convenances sociales.

Cary Grant est comme toujours parfait mais la vraie étoile de ce film est évidemment Katherine Hepburn, d'une classe et d'une vitalité folles. A tomber. Personnage intéressant du frère, alcoolique, touchant, faible et prenant toujours la tangente - le genre de caractère très humain auquel il est si facile de s'identifier. Très bon film au final, je n'ai pas insulté l'ouvreuse en sortant.

Tout ce qui brille

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sat, 03 Apr 2010 02:20:00 +0000

Géraldine Nakache, 2010

Comme le dit bien l'ami hal9100 (dont je vous invite à découvrir le blog tout juste éclos, alerte et drôle), il ne fallait pas se fier à la bande-annonce pour se faire une idée juste de Tout Ce Qui Brille. Ce qu'on pouvait craindre être une énième comédie pas drôle et agaçante s'avère être un vrai régal.

En lisant ici ou là un peu de littérature au sujet de ce film, j'ai lu qu'on lui collait souvent l'étiquette réductrice de "film de banlieue". Je ne suis pas du tout d'accord avec ça.

Pour faire simple, je crois que j'en ai rien à foutre de cette histoire d'ascenseur social ou d'un supposé choc des civilisations entre Puteaux et le XVIe arrondissement. Si c'est effectivement le propos du film, ce n'est en tous cas pas ce que j'ai vu ni apprécié. Pour moi, le film raconte tout simplement l'histoire de deux jeunes filles, de leur amitié et de leur quête d'accomplissement de soi. Et si le film arrive à transcender le cadre social dans lequel il se situe, c'est tout simplement parce-qu'il est juste et réussi. Dans une plus forte mesure, et pour prendre un film comparable, j'avais eu la même impression d'universalité-de-propos-qui-sublime-le-contexte avec L'Esquive.

Tout Ce Qui Brille est réussi en grande partie grâce à ses trois comédiennes principales (j'inclus Audrey Lamy en plus de Géraldine Nakache et Leïla Bekhti). Elles sont tout simplement vraies, vivantes, imparfaites (pas super belles, un peu connes parfois, souvent menteuses), bref très attachantes. Les dialogues sont drôles, surtout quand ils sont débités à deux ou trois voix (et à la mitraillette). En plus du texte, on a droit à du vrai comique de situation (l'arrivée d'Audrey Lamy dans le restaurant, la mère qui enfile son vison lorsque les riches débarquent), à du suspense (les scènes d'attente devant le digicode) et même à une certaine épaisseur psychologique via ces scènes familiales, émouvantes (arrivée du père en taxi devant sa fille et ses nouvelles copines) bien que parfois un peu trop appuyées.

Bon ensuite, tout n'est pas parfait. Les personnages périphériques (les riches donc) sont un peu taillés à la truelle, l'intrigue hoquète au bout d'une heure, certains gags tombent à plat mais, ainsi que le dit Rob Gordon, on a envie de tout pardonner à ces filles si attachantes, qui se prennent plein de coups et plein de pieds dans le tapis mais qui gardent une vitalité à toute épreuve.

Et tout comme smwhr (que de name-dropping dans ce billet), j'ai succombé à la vidéo de la chanson phare du film. D'ailleurs, à 30 secondes, les images qu'on voit sont extraites de ce que j'ai trouvé être la plus belle scène du film.

Alors oui la chanson est une reprise de l'épouvantable Véronique Sanson (raaaah !), oui il y a des fautes de français atroces ("je fais ce QUE j'ai envie" - raaaaah) et oui cette vidéo est en permanence à deux doigts d'être mièvre, agaçante et idiote. Mais en fin de compte ça fonctionne, sur le fil du rasoir (ce qui est souvent le propre d'une chanson qui suscite l'adhésion). Tout comme dans le film, le naturel de ces filles emporte toute critique que je pourrais émettre. C'est vraiment le genre de choses qui me rappellent pourquoi je suis, a priori, amoureux de toutes les filles - je verrais assez mal des garçons interpréter cette chanson avec un premier degré si désarmant.

Si Les Porcs Avaient Des Ailes

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Thu, 01 Apr 2010 21:50:00 +0000

(... on les appellerait des aéroporcs ?)
Porci Con Le Ali
Paolo Pietrangeli, Italie, 1977

Film vu complètement au hasard à la Cinémathèque, sur la seule foi de son pitch.

Nous sommes en Italie à la fin des années 70 et nous suivons les tribulations d'un jeune couple d'étudiants, Antonia et Rocco. Ils s'aiment un peu, font l'amour, se disputent, se séparent, se parlent à nouveau - le tout dans un contexte universitaire associatif fortement politisé (et très à gauche).

Comme toujours lorsque je ne suis pas emballé par un film, je cherche d'autres œuvres qui lui ressemblent. Là, j'ai donc trouvé un mélange de La Maman et la Putain, pour le côté post-68 désenchanté, et de Je Suis Curieuse (ce film suédois dont j'avais parlé ici), pour sa description d'un couple rendu intenable en raison de l'utopisme de ses protagonistes. Tout comme Je Suis Curieuse, le film est assez explicite dans son traitement de la sexualité : les mots sont crus, les plans frontaux. Et assez rapidement, le propos politique s'efface devant le constat que les idéaux sociétales et sexuels de "cette" jeunesse sont incompatibles avec une histoire d'amour exclusive et passionnée.

Antonia revendique une vraie décontraction dans l'approche de sexualité mais, assez vite, elle se plaindra de n'être "qu'un trou, un orifice, un entonnoir" pour Rocco. Celui-ci vit par ailleurs une intéressante schizophrénie ; belle scène où il répond à ses propres questions, via un magnétophone, seul sur son lit avec ce miroir entêtant et qui ne cesse de le regarder. On trouve d'ailleurs ici et là de beaux moments de mise en scène : les filles discutant sur des fauteuils dans un camion, Rocco s'imaginant qu'Antonia le trompe avec son mentor devant toute une assemblée, Rocco et une fille marchant le long d'immenses baies vitrées dans un entrepôt désaffecté. L'atmosphère ultra-urbaine du film est assez esthétique.

Mais au final, c'est un vrai désenchantement que nous montre ce film, pour lequel il est donc difficile de s'enthousiasmer. Paolo Pietrangeli semble nous dire : vous aurez beau rêver, vous resterez des porcs et de toutes façons, à l'image du sexe de Rocco (que l'on voit beaucoup dans le film), la chair est triste et flasque.

Lifeboat

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Tue, 30 Mar 2010 22:37:00 +0000

Alfred Hitchcock, 1944

Je crois que c'est le premier Hitchcock que je découvre sur grand écran.

Ce film est un huis-clos : nous suivons la vie et la survie de 8 rescapés d'une attaque de U-Boot. Evidemment, on jubile dans un premier temps face à cette gageure cinématographique : le film ne sort jamais des quelques m2 du canot et n'est constitué que de gros plans ou plans moyens. Mais, comme toujours chez Hitchcock, la prouesse technique n'est pas une fin en soi et se met toujours au service d'un propos.

Ici, Hitchcock nous propose une description psychologique de simples humains face à un événement dont l'ampleur et les enjeux les dépassent : la 2e guerre mondiale. Nos 8 personnages, bien qu'a priori assez typés, évolueront sous nos yeux et gagneront tous en profondeur, en un mot s'humaniseront.

"Plus le méchant est réussi, meilleur est le film" est un vieux théorème formulé par Hitchcock lui-même (et dont Inglourious Basterds est à mes yeux le seul contre-exemple). Dans Lifeboat, cet adage est complètement validé. Le personnage de Willi, le seul allemand à bord, est fascinant et, de scène en scène, il provoque chez le spectateur des réactions contradictoires mais toujours fortes. Là on s'apitoie sur son sort, ici on se méfie, là on souhaite qu'il soit enfin écouté, juste après on découvre sa duplicité et on finit presque par s'identifier à cette meute qui le lynche dans une scène stupéfiante de sauvagerie. Tous les acteurs sont bons mais je retiens également l'interprétation ultra-convaincante de Tallulah Bankhead (dont je vous conseille de lire l'étonnante biographie), en journaliste sophistiquée revenue de tout.

Les personnages de ce Koh-Lanta sur un canot (de gauche à droite) : l'allemand, le redneck, la journaliste, le riche, l'ouvrier, la folle, l'infirmière, le Noir, le marin

Bref, au fur et à mesure que le film avance, on finit par oublier complètement l'artifice de mise en scène, on se passionne pour ces naufragés, on change dix fois d'avis sur eux, on se rend compte que chacun d'eux déborde de la boîte dans laquelle on l'avait rangé au début, on se délecte de ces dialogues, on tombe un peu amoureux de l'infirmière et on ne peut qu'applaudir lorsque le carton The End arrive, de manière forcément trop abrupte. Du grand art.

Superbad

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Mon, 29 Mar 2010 23:06:00 +0000

Supergrave
Greg Mottola, 2007

Après Les Rois du Patin et Retour à la Fac, qui m'ont tant amusé, et malgré Zoolander, qui m'a pour le moins ennuyé, je continue mon rattrapage de toutes ces comédies américaines décérébrées des années 2000 (d'ailleurs, comment peut-on qualifier ce mouvement Appatow / Will Ferrel / Ben Stiller / etc ? Y a-t-il un nom officiel ?)

Superbad est un peu une relecture d'American Pie, en plus condensé (le film se déroule presque sur une seule journée), en plus concentré (les parents sont inexistants) et en plus trash, dans le vocabulaire principalement. En gros, Superbad est un college movie où nous suivons trois jeunes losers qui tentent d'acheter de l'alcool pour une soirée à laquelle ils sont miraculeusement invités. Tout cela dans le but de coucher avec des filles évidemment. Bien que leur vernis respectif soit assez différent, nos héros sont de vrais frustrés mal dégrossis doublés d'obsédés sexuels. En bref, des ados.

Ne nous voilons pas la face, le film est très gros, très gras, très lourd mais les personnages sont suffisamment bien brossés, et surtout suffisamment attachants, pour qu'on s'intéresse à leurs tribulations. Après l'étonnant Juno qui m'avait très agréablement surpris, je deviens vraiment fan de Michael Cera, incarnation vivante de la coolitude geek.

Et puis, il faut bien l'avouer, toutes ces œuvres du petit garçon de 12 ans qui ne peut s'empêcher de mettre des bites partout dans ses dessins, m'ont fait rire, rire, rire.

Carrie

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Mon, 29 Mar 2010 14:59:00 +0000

Carrie au bal du diable
Brian de Palma, 1976

En revoyant Carrie pour la troisième fois, le premier mot qui me vient à l'esprit est "brillant" - comme souvent pour les films de Brian De Palma.

Mais bon, à part ça, que dire d'intéressant, neuf ou personnel qui n'a déjà été dit sur ce chef d'œuvre fantastique (en tous les sens du terme) ? Rien de bien consistant je crois mais bon, essayons de décrire sincèrement, et sans se la raconter, quelques impressions laissées par cet extraordinaire film.

Soulignons encore une fois la faiblesse du titre français : Carrie au bal du diable, n'importe quoi. Quel diable ? Comme dans tous les bons films du genre (je pense notamment à Cronenberg), l'horreur est endogène. Le basculement vient des personnages eux-mêmes, de leurs entrailles, de leurs cerveaux malades ou de leur sexualité dérangée. Pas de diable donc ni de monstre surnaturel ou de deus ex machina. C'est bien plus efficace ainsi.

Je reste complètement stupéfait par la maîtrise totale de LA scène du bal - stupéfaction doublée d'une vraie jouissance cinéphile. La mise en place a certes été longue (trop longue ? c'est ma seule réserve sur ce film) mais en quelques minutes tout s'accélère et c'est un véritable coup de force esthétique et scénaristique qui nous est asséné. On est pour moi proche de la perfection cinématographique. Je ne me remets pas de ce plan-séquence DE OUF MALADE qui voit la caméra se déplacer du couple au seau de sang en passant par tous les protagonistes et rouages de la scène qui s'annonce. Cette maîtrise de l'espace cinématographique me laisse pantois.

Concentrons-nous sur un court extrait voulez-vous (qualité pourrie, désolé).

A ce moment, le piège a fonctionné et le sang de porc s'est déversé sur l'infortunée Carrie. On sent que ses super pouvoirs vont l'aider pour se venger mais on est encore loin de se douter de la manière dont elle va s'en servir et de l'ampleur des dégâts qu'elle va causer. Et c'est à ce moment que De Palma sort de sa poche l'effet qu'il n'a certes pas inventé mais largement remis au goût du jour : le fameux split-screen.

Cette astuce formelle est pour moi tout sauf un gadget dans cette scène. Elle en décuple l'efficacité et l'intensité. D'un côté nous voyons Carrie utilisant, en un terrible coup d'œil, ses pouvoirs télékinétiques, de l'autre nous voyons les conséquences de ses pouvoirs. Et, comble du plaisir, notez à 0'47 la translation de droite à gauche du visage de Carrie. Pour des raisons que je ne maîtrise pas totalement, je suis subjugué par ce déplacement - c'est tellement malin, tellement inédit et tellement justifié. Tout se tient. En 20 secondes, nous passons du college movie au film d'horreur. La maîtrise est totale.

Ah et puis ces éclairages rouges qui s'allument à la fin de l'extrait, que c'est beau. Ah et aussi cette utilisation des notes de la scène de la douche de Psychose, quel bonne idée là encore ! Ah et aussi... mais mais oui, je l'ai déjà dit, cette scène est parfaite et Brian de Palma est un génie.

Top 5 des discothèques

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sat, 21 Nov 2009 17:06:00 +0000

Je vais moins en club mais j'aime toujours autant les tops qui ne servent à rien. Petit top 5 (dans le désordre) de mes lieux de nuit favoris.

APT, New York
Comme son nom l'indique, ce petit club ressemble à un appartement. On longe un couloir tapissé de papier peint à rayures avant de se voir offrir deux options : soit rester à l'étage, ambiance cosy, avec une petite terrasse pour cloper (et faire des rencontres), soit descendre au sous-sol pour trouver une ambiance plus groovy et radicalement urbaine. Je connais mal New York mais, bizarrement, j'ai eu vraiment l'impression d'être enfin DANS la ville au moment où j'ai poussé la porte de cet endroit proche de l'idée platonicienne que je me faisais d'un club new-yorkais : cher, chic, branché et cosmopolite. Très peu européen en fin de compte.

Meilleur moment : le physio qui fait oui de la tête pour me laisser rentrer alors que j'étais vraiment habillé comme un sac.
Moment honteux : avoir été habillé comme un sac dans cet endroit sooo chic.
Musique emblématique : les 2/3 fois où j'y ai traîné, j'ai toujours fini par entendre du hip-hop old school, mixé par un DJ en kippa ce que je trouvais être le summum du cool.

Kurtis Blow - The Breaks

Panorama Bar / Berghain, Berlin
Là, on touche LE club, the one and only. Si il ne devait en rester qu'un, ce serait celui-là. Un monstre qui vous avale et dont vous ne sortez pas indemne. Tout paraît possible dans cet endroit extravagant, aux volumes aussi démesurés que les biceps des danseurs torses nus, et ouvert NON STOP du vendredi minuit au dimanche après-midi (il faut le souligner). Le seul endroit où j'ai fait 1h de queue en plein jour.
Meilleur moment : les persiennes qui s'ouvrent furtivement et qui rappellent à la foule en sueur qu'il fait grand jour dehors. Hurlement général. Fermeture des persiennes. Reprise du beat monstrueux. Incroyable.
Moment honteux : m'être fait jeter la veille, sous prétexte que "You don"t fit in", par "The Hardest Bouncer in Europe" - avec lequel on n'a pas du tout, mais alors pas du tout, envie d'argumenter (il a même eu droit à son petit reportage ici)
Musique emblématique : de l'électro bien sûr, allemande, désincarnée et trans-genre (ces 2 titres se suivent).

DJ Koze - Tausend Tränen Tief (Steve Bug Loverboy Remix)

DJ Koze - Telefunken (Adolf Noise Remix)

Razzmatazz, Barcelone
Le club le plus réjouissant de Barcelone, nettement moins Erasmus que les autres endroits de la ville, Dans cet immense dédale industriel, on navigue entre dance-floors géants et salles intimistes par des passerelles en plein air, des escaliers dérobés et des couloirs tordus. On se croirait presque dans le Cabinet du Dr Caligari. La foule est plutôt jeune, décontractée et avenante. La programmation tabasse.
Meilleur moment : le DJ-set de James Holden, pendant lequel même la boucle la plus minimale et la plus répétitive mettait la foule en transe - le tout dans une ambiance tellement moite qu'il était difficile de s'allumer une clope.
Moment honteux : avoir lâché tout le monde pour suivre une fille, qui était un peu l'incarnation féminine de Pierre Richard, dans une épopée de la loose qui s'est terminée dans un commissariat de police.

Musique emblématique : il y a évidemment l'hymne de Nathan Fake, depuis lequel "trance" n'est plus un gros mot.

Nathan Fake - The Sky Was Pink (James Holden Remix)
Mais ce club me rappelle toujours cette excellente chanson de Pulp

Pulp - Razzmatazz

333 / Mother Bar, Londres
Mon club fétiche. Tous les anglais ont leur local pub. Moi j'avais mon local club dans lequel il m'est parfois arrivé d'aller tous les soirs de la semaine. Le must de cet incroyable endroit est le Mother Bar, au dernière étage, à l'ambiance lynchienne : espace restreint, papier peint imprimé rouge, carrelage noir et blanc, boule disco, canapés vintage, grandes fenêtres ouvertes sur Old Street - ça préfigurait un peu Le Baron, en 1000 fois plus friendly. Foule extrêmement hétéroclite, entre les über-cools graphic designers super sapés, les décroissants limite clochards, les City boys égarés et tout un tas de gens qui n'avaient pas peur de se trémousser le dimanche soir jusque 4h.

Meilleur moment : en début de soirée, sur une piste encore déserte, le DJ qui passe Sugar Spun Sister, plus belle chanson des Stone Roses. J'en avais presque les larmes au yeux.
Moment honteux : emporté par mon enthousiasme, perte d'équilibre et rattrapage in extremis en mettant la main sur la platine vinyl du DJ. Gros scratch, musique interrompue, regard courroucé du DJ, des barmen et de toute la clientèle, envie de m'enfoncer dans le sol et de disparaître.

Musique emblématique : ce titre des Stones Roses donc. Pas vraiment dansant mais quelle mélodie mes amis.

The Stone Roses - (Song for my) Sugar Spun Sister

Pulp, Paris
De retour à Paris, j'avais décrété qu'il n'y avait aucun club valable dans cette ville (j'étais déjà snob et péremptoire). J'ai bien changé d'avis quand on m'a emmené à une de ces fameuses soirées du Jeudi (hélas défuntes) : ce soir-là, la qualité des sets de The Hacker et d'Arnaud Rebotini m'avait mis une bonne claque. Musique pointue et sexy, foule hétérogène et tolérante (rare à Paris), toilettes mythiques. Ces soirées ont été responsables de beaucoup de vendredi très douloureux.

Meilleur moment : ma petite chouchoute, Chloé, qui passe son propre tube, Take Care, sous les vivats de la foule.

Moment honteux : pas de moment honteux possible dans les boîtes à Paris. Verre & clope à la main, on reste digne, on mate, on juge, on jauge. On n'est pas là pour rigoler.

Musique emblématique : ce titre de Chloé donc, hypnotique et racé.

Chloé - Take Care

Questionnaire Libé

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Fri, 06 Nov 2009 01:17:00 +0000

Voici mes réponses à un questionnaire cinéma, récemment posé par Libération à Steven Soderbergh, et relayé par le Dr Orlof (dont je vous invite à lire les chroniques, régulières et fort documentées, bourrées de parti-pris et d'avis tranchés comme j'aime). Dans la mesure où je suis in-ca-pa-ble d'écrire sur les films en ce moment, cet exercice un peu idiot est le mieux que je puisse faire en ce moment pour alimenter mon blog chéri.

Le film que vos parents vous ont empêché de voir ?
Les Valseuses. Quand il est passé à la télé au début des années 90, mes parents, en en ayant gardé un bon souvenir lors de sa sortie en salles, nous ont autorisés à le regarder avant de le couper précipitamment dès la première scène crue - assez tôt dans le film donc. Était-ce révélateur du vieillissement de mes parents ou plutôt d'un certain recul de l'esprit contestataire des années 70 ? Je penche de plus en plus pour la deuxième explication.
Et aussi, un peu plus tôt, A la Recherche de Mr Goodbar, censuré à base de "Va te coucher, ce film n'est pas pour toi", qui reste un film éminemment mystérieux pour moi dans la mesure où je ne l'ai toujours pas vu.

Une scène fétiche ou qui vous hante ?
Le mariage de The Deer Hunter. Vu que ce passage est long, s'il ne fallait retenir qu'une scène, je choisirais la pré-chauffe au bar sur Can't Take My Eyes Off You.

Vous dirigez un remake : lequel ?
Les Jeux de l'Amour et du Hasard, la fameuse (et si puissante) pièce de Marivaux.

Une deuxième tempête spatio-temporelle s'abat sur l'USS Nimitz dans l'inusable Nimitz, Retour Vers l'Enfer

Le film que vous avez le plus vu ?
J'hésite entre La Folie des Grandeurs, Nimitz Retour vers l'Enfer et La Ruée vers l'or. Je n'ai évidemment pas compté mais ça doit être de l'ordre de la trentaine pour chacun.

Qui ou qu’est-ce qui vous fait rire ?
Cary Grant qui se pète la gueule pendant l'aria de son ex-femme dans Cette Sacrée Vérité : ça dure 10 secondes mais je ne peux m'empêcher de rire devant la 'justesse' de la cascade et la tête d'ahuri qu'il prend (la scène est ici sur YouTube : le passage en question est à 3' pile - c'est absolument prodigieux, vraiment, je ne connais rien de plus drôle au monde, sans parler de la tête du petit vieux à côté et du rire sooooo charming de Irene Dunne à 3'25, c'est à se pâmer).
Et sinon :
- Chaplin à peu près tout le temps, notamment dans Le Cirque (le plus sous-estimé des Chaplin ?) quand il tombe dans un tonneau.
- Jean Dujardin dans le premier 0SS 117 (eh oui).
- Mike Myers dans le premier Austin Powers (eeeeh oui, je ne me souviens pas avoir tant ri au cinéma).

Votre vie devient un biopic…
Il portera forcément le titre d'une chanson des Smiths / Morrissey. Cinq parmi ceux qui me touchent le plus :
- I Started Something I Couldn't Finish
- The Last of The Famous International Playboys (la meilleure chanson de Morrissey peut-être, bourrée de mélancolie, d'ironie et d'auto-dépréciation)
- Heaven Knows I'm Miserable Now
- Barbarism Begins At Home
- We Hate It When Our Friends Become Successful (n'est-ce pas ?)

Morrissey - The Last Of The Famous International Playboys

Le cinéaste absolu ?
Comme chez les catholiques, ma Sainte Trilogie, qui n'est qu'une seule et même personne incarnée en trois entités (ou le contraire je ne sais plus), est la suivante : David Lynch, Woody Allen, Eric Rohmer.

Le film que vous êtes le seul à connaître ?
Aucun, vraiment.
Mais, en dehors de mon ex-coloc avec qui on est tombé dessus par le plus grand des hasards, je n'ai encore rencontré personne qui a vu Auch Zwerge Haben Kleine Angefangen, le génial et WTF-issime premier film d'Herzog (pour vous donner une idée, je vous conseille d'aller regarder le plan final, absolument hallucinant).
Et dans le genre 'film dur à voir mais qui mériterait largement d'être multi-diffusé', je suis plus que content d'avoir assisté à une rare reprise du Plein de Super, l'impayable road-movie d'Alain Cavalier, toujours introuvable en DVD.

Une citation de dialogue que vous connaissez par cœur ?
"For a moment ... I thought .... " susurré par Ingrid Bergman dans Dr Jekyll & Mr Hyde. Je n'ai vu ce film qu'une fois ou deux, cette phrase n'est pas très longue mais, pour des raisons que j'ignore, cette ligne de dialogue me hante depuis 20 ans et je me la remémore presque quotidiennement.

L’acteur que vous auriez aimé être ?
Jean-Paul Belmondo dans les années 60 : il pouvait tout jouer, du plus intello au plus populaire, avec une désinvolture et une justesse incroyables. Rarement une personne ne m'a donné autant l'impression d'incarner une époque - tout en flottant largement au-dessus de la mêlée. Il a aussi embrassé les plus belles femmes.

Le dernier film que vous avez vu ? Avec qui ? C’était comment ?
Pulsions de Brian de Palma, seul sous ma couette. Très bien.

Un livre que vous adorez, mais impossible à adapter ?
Malevil de Robert Merle, que j'ai lu 50 fois et dont je connais des chapîtres entiers par cœur. Il y a eu une adaptation assez faiblarde en 1980 par Christian de Chalonges.
Le livre est pour moi trop riche et trop subtil pour en faire un vrai bon film - une série peut-être.

Quelque chose que vous ne supportez pas dans un film ?
La fausse connivence, le deuxième degré, Clovis Cornillac.

Le cinéma disparaît. Une épitaphe ?
Silencio.

Bon et je ne suis pas trop branché "chaîne de blog", mais je serais très curieux de lire les réponses de Camille, Rob Gordon, FredMJG & IMTheRookie à ce questionnaire.

Top 10 des cinéastes américains en activité

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Thu, 08 Oct 2009 02:27:00 +0000

Aujourd'hui a circulé sur Twitter ce Top Ten Working American Directors avec lequel je suis parfois d'accord mais, en fait, à la réflexion, non. Relevé par David, l'absence de David Lynch est un scandale. Et ma réaction sur Twitter, bien que contestée, appelait à un point de vue un peu plus fourni. Voici donc mon Top 10, parfaitement subjectif et assumé, des meilleurs cinéastes américains en activité.

1. David Lynch
Mulholland Drive étant le plus beau et le plus grand film de tous les temps, David Lynch était assuré de figurer dans ce top 10. Or il se trouve que ses autres films, bien que peu nombreux, ont tous été pour moi de grands moments de cinéma : Lost Highway m'a retourné le cerveau, Dune a troublé mes 10 ans, Eraserhead m'a donné l'illusion d'être un cinéphile intello, Blue Velvet m'a fait voir le monde différemment, Sailor & Lula m'a donné envie d'avoir une veste en peau de serpent et Inland Empire m'a vraiment fait chier mais a incrusté en moi des images impérissables (ces lapins !).

Si on ajoute à cette oeuvre cinématographique ahurissante la série Twin Peaks, nous obtenons tout simplement avec David Lynch le plus grand faiseur d'images de ces 30 dernières années. Respects éternels. Et puis Mulholland Drive quoi ... la beauté faite cinéma.

2. Woody Allen
En 1977, Woody Allen signait un des meilleurs films américains de la décennie avec Annie Hall. En 2009, il m'a offert (merci, merci) un des meilleurs films de l'année avec Whatever Works, pur feel-good movie bourré d'intelligence, de finesse et d'humour. Et entre-temps, il enfile les chefs-d'œuvre comme d'autres enfilent des perles : Manhattan (la scène finale avec Mariel Hemingway, oh my God !), Le sortilège du scorpion de Jade (LE film jubilatoire par excellence), Match Point, Melinda & Melinda (le plus sous-estimé de tous les Allen ?) et 15 autres encore que j'ai eu le bonheur de voir.

Le mot génie me paraît avoir été inventé pour qualifier Woody Allen, homme doté d'une science inouïe du langage cinématographique doublée d'une finesse d'analyse inégalée. Tous en choeur : génie, génie, génie.

3. Steven Spielberg
Autant je refuse catégoriquement de parler à des personnes qui contesteraient la moindre once de génie chez Woody Allen ou David Lynch, autant je suis prêt à reconnaître quelques failles dans l'oeuvre de Spielberg : je veux bien croire qu'il a participé, avec la nouille Georges Lucas, à une certaine infantilisation et décérébralisation du cinéma américain - nivellement par le bas dont nous subissons hélas toujours les effets.

Mais bon, comment ne pas être immensément admiratif d'un cinéaste qui a effrayé le monde entier avec Jaws, l'a fait pleurer (moi le premier) avec La liste de Schindler, l'a amusé avec Catch Me If You Can ou La Guerre des Mondes, l'a traumatisé avec Saving Private Ryan ou l'a fait vivre (tout simplement) avec ce chef-d'oeuvre du divertissement qu'est la trilogie Indiana Jones. Derrière cette productivité hallucinante, je sens chez Spielberg un vrai respect de son spectateur et un réel amour du cinéma et je suis prêt à me battre à mains nus avec les snobs du cinéma intello qui ne voient en lui qu'un saltimbanque.

4. Martin Scorsese
Les Affranchis, le plus beau film de gangsters que j'ai pu voir, et un des plus beaux films tout court, donne par défaut une bonne place à Martin Scorsese. Ensuite, il y a évidemment Taxi Driver, Raging Bull et Casino, dans lesquels les histoires quasi-bibliques et les interprètes bigger than life insufflent une grandeur qui est de l'ordre de l'épique. Et j'ai une tendresse particulière pour Mean Streets, film-matrice dans lequel Robert de Niro crève l'écran par son insouciance et sa douce folie.

La religiosité des films de Scorsese, loin de les plomber, leur donne pour moi un souffle à nul autre pareil - décuplé par une science cinématographique incroyable (ah ce plan-séquence des Affranchis !).

5. Francis Ford Coppola
Après Scorsese et Spielberg, il est vrai que c'est un peu facile de citer Coppola. Mais bon, je dois avouer que la fresque Apocalypse Now, par son esthétisme, son lyrisme, sa dimension résolument poétique et son refus du réalisme (enfin, c'est pas vraiment un refus, c'est plutôt un point de vue qui n'est pas dans la réalité, un point de vue qui n'appartient qu'au cinéaste et dans lequel il parvient miraculeusement à nous faire rentrer, à l'opposé du documentaire en somme), bref j'avoue que ce film me fascine profondément.

Ensuite, dans des genres radicalement différents, j'admets deux gros faibles pour Peggy Sue Got Married et Dracula (et oui ... malgré l'endive Keanu Reeves). Et, me direz-vous, la trilogie du Parrain ? Et bien, là aussi j'avoue, oui j'avoue que je ne suis pas emballé par cette trilogie, certes magistralement interprétée et scénarisée, mais manquant pour moi d'un je-ne-sais-quoi pour la rendre aussi flamboyante qu'un chef-d'œuvre de Scorsese. Je les ai vus trop tard je crois.

6. Brian de Palma (encore un barbu)
On continue dans la facilité et dans le courant de ces wonderkids qui, au début des années 70, ont réinventé le cinéma américain et le cinéma tout court par la même occasion. Je suis loin d'avoir vu tous les films de De Palma mais je suis vraiment admiratif de l'insistance qu'il donne à la forme de ses films. Bien qu'étant un héritier auto-proclamé d'Hitchcock, je le vois pour ma part comme un Dario Argento américain : tant pis pour l'histoire, tant pis pour les acteurs, la virtuosité formelle compte über alles.

Cette volonté de faire des plans superbes et des mouvements de caméra grandioses donne par exemple Carrie, chef-d'oeuvre qui va bien au-delà d'un 'simple' film d'angoisse. Parfois, cela nous donne des films controversés mais que j'aime beaucoup : Phantom of the Paradise, Snake Eyes ou Les incorruptibles (que je trouve brillantissime, quoiqu'on en dise). Hélas, ça donne aussi parfois de belles horreurs clinquantes et putassières comme Scarface mais je suis toujours vivement intéressé par ces cinéastes qui sont en quête de beauté esthétique pure. Il me tarde vraiment de voir Furie, Obsession & Redacted.

7. Michael Cimino
Il n'est pas mort donc on peut dire qu'il est encore en activité - bien que je ne sois pas sûr qu'il fasse encore des films. Mais, ne serait-ce que pour The Deer Hunter, Michael Cimino mérite largement d'être parmi les plus grands. J'ai déjà parlé sur ce blog de ce film époustouflant qui m'avait rendu amoureux de Meryl Streep (alors qu'elle est même pas belle !) et dont la scène de roulette russe avait engendré chez moi quelques nuits blanches (j'avais 17 ans).

A côté de ça, j'ai du m'endormir devant Heaven's Gate il y a 10 ans, je garde un bon mais confus souvenir de L'Année du Dragon et je n'ai carrément pas vu The Sunchaser et Le Sicilien (Christophe Lambert, bigre !). Quand j'ai le cafard, je regarde, re-regarde et regarde encore cette scène magique de Deer Hunter - pour Christopher Walken et son déhanché hors du temps, pour John Cazale et sa sincérité, pour le sérieux et la casquette de Robert de Niro.

8. Paul-Thomas Anderson
Bon là, je commence à rentrer dans le domaine de l'escroquerie parce que je n'ai vu que Boogie Nights mais ce film m'a tellement impressionné (et ce type est encore très jeune) que j'ai tout de suite eu envie de le placer parmi les grands.

Moi qui aime les plan-séquences, j'ai été plus que gâté dans ce film brillant sans être clinquant - une sorte de relecture des Affranchis dans le milieu du porno.

Je sais, je sais, il faut que je voie Magnolia et There Will Be Blood.

9. Sofia Coppola
Un choix un peu moins défendable mais plus honnête dans la mesure où j'ai vu chacun de ses trois films : le gracieux Virgin Suicides, l'émouvant Lost in Translation et le moins bon Marie-Antoinette. Sofia Coppola est encore jeune, elle traine beaucoup de casseroles avec elle (sa filiation, son côté un peu trop dans l'air du temps) mais j'ai envie de croire qu'elle va continuer à nous surprendre et nous charmer.

10. (ex-aequo) Steven Soberbergh & David Fincher
Je ne connais pas complètement, parfois j'aime, parfois moins. Voilà voilà. (et si les Cahiers du Cinéma veulent m'embaucher, no soucy). Mention spéciale à Sex, Lies & Videotape ainsi qu'à Zodiac tout de même.

Non classés
- Quentin Tarantino : serait dans mon top 10 si il n'était pas autant surcôté et si content de lui. 2 premiers films et 2 chefs-d'œuvre. Après, je suis très sceptique et très refroidi par les louanges unanimes qu'il reçoit.
- Clint Eastwood : j'en ai vu trop peu pour juger. Au-delà de Mystic River qui m'a bouleversé, de Million Dollar Baby qui m'a ému tout court d'Un Monde Parfait qui m'a intéressé, j'en ai raté plein que je veux voir (Impitoyable, Dans la ligne de mire) et plein d'autres qui m'ont été tellement déconseillé que je reste hésitant.
- Les frères Coen : évidemment, il y a le méga-LOL Big Lebowski, que j'aime sincèrement. Mais bon, avant, après, les deux frères nous servent des films qui sont vraiment trop peu sincères pour que j'accroche. Je ne suis pas votre pote les gars, et je n'ai pas envie de l'être, alors arrêtez de me donner une tape dans le dos en me disant "Tu vois ce que je veux dire ?". Non, je ne vois pas. Leur cinéma est ultra-surcôté, et ne restera pas.

Même pas dans mon top 200.000

Darren Aronofsky : je n'ai vu ni Pi, ni The Foutain, ni The Wrestler mais Requiem for a Dream est un film tellement ignoble que je jette le bébé avec l'eau du bain en pleine conscience de ma mauvaise foi.

Ce type est un escroc, un menteur, un salaud. Pouah.

Yoghurt Mudflap etc

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Wed, 30 Sep 2009 23:12:00 +0000

En mode 'j'ai pas le temps d'écrire mais pourtant j'en ai l'envie alors hop hop hop ...'

J'ai enfin réussi à remettre la main sur une veille chanson qui m'avait longtemps obsédé et dont je n'arrivais absolument pas à me souvenir du titre (so last decade, ce genre de problèmes non ?).

Bref, au-delà d'une ligne de basse fatale, au-delà d'un flow des plus smooth, au-delà de cette mélodie qui tue, vraiment, j'adore le nom de la chanson et le nom du groupe : voici donc Yoghurt Mudflap (?) par The Mexican (??).

Une petite bombe underground qui mérite largement les vivats de la foule. A propager, à diffuser (et je suis preneur de toute info sur ce groupe : qui sont-ils ? que sont-ils devenu ?).

The Mexican - Yoghurt Mudflap

Maintenant que j'ai retrouvé la mémoire, je me souviens que j'avais découvert cette dernière chanson sur une étonnante compile, Straight Out from the Cat Litter Vol. 2 (dont la pochette fait très lolcat avant l'heure - pour les geeks avertis), compilation sur laquelle on trouvait cet excellent titre des norvégiens de Pépé Deluxe .

Et ça, ça devrait faire tilt dans vos oreilles aiguisées. Mais si, souvenez-vous, la période fin 90s / début 00s : le bug de l'an 2000, la défaite de Gore, Loana et ... les jeans twistés de Levi's. Et bien, c'était Pepe Deluxe qui faisaient la BO de cette pub Levi's. C'est vrai, les pubs Levi's ont apporté beaucoup d'horreurs (je suis encore crispé en repensant à Babylon Zoo) mais, 10 ans plus tard, celle-ci reste franchement jouissive.

Pepe Deluxe - Woman In Blue

Et puisqu'on est dans les vieilleries tendance WTF, j'en profite pour poster un autre titre des 90s qui me fascine terriblement, à savoir le fameux Hobo Humpin' Slobo Babe des suédois de Whale.

Démarrage grungy pied au plancher, arrivée à 25'' de la voix féminine faussement naïve sur une ligne de basse des plus groovy, refrain destroy avec de grosses guitares bien sales, les "Yeah yeah yeah" hurlés régulièrement (à 1'35 par exemple) et surtout ce "Yoooo .... Hobo Humpin' Slobo Babe" aboyé à 3' pile en fin de break.
Le défouloir parfait.

Whale - Hobo Humpin' Slobo Babe

Et j'adore par-dessus tout le clip ha-llu-ci-nant de ce titre : on nage en plein délire avec ces deux guitaristes en robe aux allures de catcheur qui font mine de s'arracher la mâchoire ou cette fille avec son appareil dentaire et sa robe Vichy qui inspecte des aisselles d'adolescents. On navigue entre Jodorowsky, Bunuel et David Lynch, c'est ahurissant - et assurément très réussi.

Si vous avez passé comme moi les années 95-2000 à vous abreuver de Boulevard des Clips sur M6 entre 1h et 4h du matin, vous vous en souviendrez sûrement.

Fuck Buttons II

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Mon, 24 Aug 2009 22:33:00 +0000

Haut les coeurs, Fuck Buttons est de retour.

Leur label propose en écoute depuis aujourd'hui leur nouveau single, Solar Surf, dans une version raccourcie de 3 minutes. La "vraie" chanson en durera sept de plus sur l'album à venir, Tarot Sport, prévu début octobre.

Même dans cette version "edit", on retrouve les caractéristiques de ce groupe fabuleux, à savoir des sonorités noisy et abrasives sous lesquelles des mélodies planantes et hypnotisantes affleurent. Par rapport aux titres de leur album précédent (Street Horrsing, un des mes albums préférés de 2008), le rythme semble s'être quelque peu accéléré et il manque ces voix sur-saturées complètement destroy qui m'avaient tant impressionné. Attendons de voir ce que ça donnera en version longue et sur un album - toutes ces chansons ne prenant leur vraie valeur qu'en concert ou en écoutant l'album d'un seul tenant.

Voici donc le titre en question, tout récent, brut de fonderie et fraîché du matin pêché. Vous verrez, on est toujours à cheval entre Aphex Twin et My Bloody Valentine. Je suis devenu instantanément accro.

Fuck Buttons - Surf Solar (Edit)

J'en profite pour remettre mon titre préféré de leur premier album, Sweet Love for Planet Earth, que j'avais déjà posté dans un article précédent sur Fuck Buttons. La construction est superbe : début vraiment très calme, arrivée progressives des instruments, thème-qui-tue à 4'35 et enfin ces incroyables sonorités vocales (ce n'est pas vraiment du chant n'est-ce pas ?) à 5'35. Très, très, très impressionnant.

Fuck Buttons - Sweet Love for Planet Earth

Parisiennes et parisiens de tout bord, notez dans votre carnet de bal la venue des génies de Fuck Buttons le 23 octobre au Nouveau Casino pour un franchissement orgasmique du mur du son (et n'oubliez pas vos boules Quies).

Inglourious Basterds

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sun, 23 Aug 2009 00:46:00 +0000

Quentin Tarantino, 2009

Pitch : des juifs et des nazis s'étripent sous l'Occupation.

Un premier constat s'impose : il s'agit bien d'un film de Quentin Tarantino. En dehors des habituels dialogues sur-écrits (j'y reviendrai), on retrouve un certain nombre de tics cinématographiques du réalisateur le plus sur-côté de ces 10 dernières années : histoires croisées, élimination soudaine et sans gloire de ses héros (à la Travolta dans Pulp Fiction ou De Niro dans Jackie Brown), intertitres entre chaque chapitre du film etc. Et ce gros plan de profil sur les lèvres de Mélanie Laurent se mettant du rouge à lèvres est une copie conforme de la scène de Pulp Fiction avec Uma Thurman - tout comme le mitraillage d'une voiture allemande par les basterds qui est directement issu de Reservoir Dogs. Mais ces auto-emprunts ne sont pas des défauts selon moi.

En revanche, la manière dont cette histoire multicéphale nous est racontée est beaucoup plus problématique. Jusqu'à la scène finale, dans le cinéma, à l'issue de deux heures étirées à un point où la crispation l'emporte parfois sur l'ennui, un deuxième constat m'a sauté aux yeux : Quentin Tarantino n'est pas un cinéaste intéressé par la narration mais par la situation. Il sait poser des personnages dans une pièce, il sait les faire parler (mais pas les faire vivre !) et il sait bien contextualiser sa scène. Mais, coincé comme il est dans sa volonté de faire prononcer par ses acteurs des "dialogues qui tuent", je trouve qu'il ne sait pas vraiment faire avancer son histoire.

La scène de l'auberge est pour moi symptomatique de ce travers - même si elle n'est pas la plus ratée. L'exposition des personnages et du contexte dure un temps incroyablement long, dix, quinze minutes je ne sais pas mais Dieu que c'est laborieux (et suis-je le seul à trouver que la lumière est très laide pendant toute cette scène ?). Certes, la tension monte mais à quel prix ! Au bout d'un temps infini, la fusillade, attendue, libératrice tant on s'ennuie, est effectivement brillante mais terriblement frustrante par son immédiateté. Au bout de 20 secondes à peine, l'ultra-violence retombe comme un soufflé et c'est reparti pour un dialogue qui se veut "déjà culte" (entre Brad Pitt et le survivant). J'avais ressenti la même frustration avec le premier accident de Death Proof qui nous est montré comme un flash après 45 minutes (!) de dialogues inintéressants à souhait.

En dehors de la dernière demi-heure, Inglourious Basterds est donc une succession de scènes verbeuses jusqu'à l'écœurement. Entre ces scènes, il se passe des choses, l'histoire (la petite comme la grande) avance mais rien ne nous est montré. Les ellipses au cinéma ne sont pas pour moi une mauvaise chose en soi mais je suis surpris par leur utilisation systématique. On trouve parfois cela dans les films fauchés mais là, avec les moyens dont Quentin Tarantino dispose et que j'imagine illimités, on se demande vraiment quel propos justifie ce parti-pris narratif. Peut-être se dit-il que ses dialogues sont tellement géniaux qu'ils suffisent à créer du cinéma. Mais je me répète, passons.

Christoph Waltz, qui fait une entrée dans mon TOP 5 des méchants au cinéma

Un mot sur le casting que je trouve incroyablement inégal. Si Christoph Waltz est effectivement brillantissime et n'a vraiment pas volé son Prix d'interprétation masculine, si Brad Pitt n'est en fin de compte pas si gonflant (malgré un premier quart d'heure qui m'a fait très peur), si tous les Basterds sont assez crédibles (Eli Roth en particulier), le film est pour moi fortement handicapé par des rôles franchement mal incarnés. Mélanie Laurent n'est pas tellement plus enthousiasmante que Marion Cotillard, c'est-à-dire pas enthousiasmante du tout. Diane Kruger, avec son accent allemand archi-forcé, est bien fadasse - tout comme Daniel Bruhl. Mention spéciale au projectionniste qui est d'une nullité invraisemblable pour une production de cette ampleur (ils ont été le chercher dans Plus Belle La Vie ou quoi ?).

Bref, au bout de deux heures, j'étais prêt à crier à l'escroquerie. Et puis ... un petit miracle se produit lors de la scène de l'attentat au cinéma. A ce moment, Tarantino met en veilleuse les défauts cités plus haut et en action son immense talent. Les personnages se taisent enfin, les ellipses disparaissent et on nous montre enfin une vraie, longue scène de cinéma avec de l'action, du suspense, des rebondissements, des beaux acteurs et de belles actrices, et même de la vie : on finit (enfin !) par vibrer pour ces personnages et cette histoire.

En plus de ce sens retrouvé de la narration, Quentin Tarantino nous gratifie dans cette scène finale de superbes images. La vision du tas de bobines derrière l'écran est assez exceptionnelle mais la palme de l'image la plus marquante revient à ce plan absolument hallucinant où l'écran prend feu tout en nous montrant l'image terrifiante de Mélanie Laurent annonçant aux nazis le châtiment qu'ils méritent. Les cinq secondes que durent cette image époustouflante m'ont presque fait oublier tout ce que j'ai pu dire plus haut. Et le mitraillage des nazis par les deux derniers basterds, avec force gros plans et ralentis, en devenait jubilatoire : on est vraiment dans leur camp et on a presque envie de tenir la mitraillette à leur place.

Pas moyen de trouver des images marquantes de la scène finale - en dehors de celle-ci. L'excellent Eli Roth à droite

Cette dernière scène nous fait donc sortir de la salle avec un réel sentiment d'excitation mais je ne suis pas sûr que le temps de la réflexion soit favorable à une oeuvre aussi inégale qu'Inglourious Basterds. J'ai lu aujourd'hui (dans Paris-Match !) une interview de Tarantino himself donnant son avis sur Kill Bill 2, qu'il a revu tout seul chez lui : "C'est mon meilleur film. Je l'adore." déclare-t-il avec sa modestie légendaire. Mouais. Quand il n'aura plus la grosse tête et qu'il arrêtera de se regarder et (surtout) de s'écouter, peut-être refera-t-il un film aussi brillant que Reservoir Dogs. Là, avec Inglourious Basterds, à mon humble avis, il en est encore assez loin.

Twin Peaks - Fire Walk With Me

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Wed, 19 Aug 2009 23:35:00 +0000

David Lynch, 1992

Ça fait une semaine que je suis obsédé par Twin Peaks : le film, les 20 épisodes de la série et la bande originale. Je ne me lasserai jamais de répéter à quel point cette œuvre protéiforme de David Lynch, Mark Frost (co-scénariste de la série) et Angelo Badalamenti (compositeur des BO) est fondamentale dans la pop culture des ces vingt dernières années. Si on ne regarde que la série, on se rend compte qu'elle fut la première série télévisuelle moderne, ouvrant une voie, alors inédite, dans laquelle s'engouffreront plus tard tous les Lost, Sopranos, Mad Men et Nip/Tuck. Bien avant tout ce monde-là, David Lynch créait l'événement.

Mais je voudrais particulièrement parler du film qui est un peu mal-aimé, y compris parmi les aficionado de la série. Pour rappel, le film, Twin Peaks - Fire Walk With Me, a été écrit et tourné après la série, ce qui est hautement inhabituel. Ce film réussit le tour de force d'être à la fois un prequel, en racontant les derniers jours de Laura Palmer, et un sequel, en répondant, de manière parfois sibylline, à un certain nombre de questions laissées ouvertes à l'issue des deux saisons de la série.

Je reconnais volontiers que Twin Peaks est un film imparfait. L'intrigue est hachée, l'histoire est parfois incompréhensible pour les non-initiés à la série et la bizarrerie l'emporte trop souvent sur la volonté de tenir le spectateur par la main (contrairement à Mulholland Drive, dans lequel on se sent impliqué jusqu'à l'ultime seconde). Mais Twin Peaks est aussi bourré de scènes absolument stupéfiantes, qui vont au-delà d'un simple plaisir visuel.

Kiefer Sutherland & David Lynch

Chris Isaak, la méga-classe internationale

Je suis par exemple complètement fasciné par les 20 premières minutes qui mettent en scène Chris Isaak (quel sens du casting !) en special agent du FBI, d'une classe folle, jamais égalée, Kiefer Sutherland dans un rôle Docteur-Watsonien à rebours total de la série 24h et David Lynch lui-même en boss du FBI, sourd comme un pot et au discours crypto-énigmatique. L'apparition de la fille aux cheveux rouges à l'aéroport, pour donner des indices, est incroyable, du jamais vu au cinéma pour moi.

La fille en rouge de l'aéroport : une des scènes les plus intrigantes (et des plus WTF) que je connaisse

Mais je voudrais me concentrer sur deux scènes qui me hantent depuis 10 jours. Enfin, il s'agit plutôt d'une seule scène car ces deux instants se suivent. Au milieu du film à peu près, nous suivons nos héroïnes dans deux lieux de nuit distincts : le Roadhouse et le Pink Room.

The Roadhouse
Rappel : Laura Palmer mène une double vie. D'un côté, elle est une fille modèle, college queen, maquée avec le capitaine de l'équipe de foot du lycée, de l'autre, elle fume, boit, se drogue, se prostitue - à l'insu même de sa meilleure amie Donna. Un soir, celle-ci décide de suivre Laura dans une de ses sorties dépravées. La première étape de leur virée est un bar appelé The Roadhouse. On y retrouve Jacques Renault, barman et maquereau, ainsi que deux jeunes gars sans relief qui seront leurs clients pour la nuit.

La scène de l'arrivée des deux filles au Roadhouse est extraordinaire. Laura prend place avec l'assurance désespérée qui la caractérise. Donna semble être un oiseau tombé du nid dans un endroit qui la dépasse. La tension est à son comble : Donna va-t-elle ramener Laura à la raison ou va-t-elle plonger avec elle ? Et, pendant ce temps, sur la scène de ce bar de bikers et de cowboys, joue un groupe en complet décalage avec la clientèle. La chanteuse (Julee Cruise), toute de blanc/bleu éclairée, susurre une chanson d'une beauté à vous tirer des larmes et d'un calme vraiment inquiétant qui annonce, par contraste, les drames à venir.

Angelo Badalamenti - Questions in a World of Blue (feat. Julee Cruise)
Vraiment, il faut avoir un cœur de pierre pour ne pas être bouleversé par cette chanson.

Arrivée de Laura

Arrivée de Donna

The Pink Room
Après avoir ferré leurs deux bûcherons, Laura et Donna les emmènent au Pink Room, endroit terrifiant auprès duquel le Quartier Général (croisement Oberkampf-St Maur), un samedi à 6h du matin, ressemble à un salon de thé Pompadour pour vieilles bigotes rhumatisantes. Mais retournons en Amérique. Donna la novice & Laura l'habituée fument, boivent, prennent des drogues, s'embrassent, embrassent n'importe qui, se déshabillent. On sent que la catastrophe est imminente et il est difficile de ne pas vibrer pour ces deux adorables jeunes filles en espérant qu'elle ne tomberont pas plus bas.

Cet endroit cauchemardesque, saturé de lumière rouge et de stroboscope, est la négation même de toute vie. Nous y retrouverons Jacques Renault, qui, tout en pointant son index sur sa tempe à la manière d'un pistolet, déclare "Guess what? There's no tomorrow... Know why, baby? 'Cause it'll never get here."

Mais, au-delà des dialogues, des personnages et de l'intrigue, cette scène est pour moi absolument obsédante par sa musique. Sur la scène du Pink Room, nous voyons en effet cinq musiciens grimés en cowboys, masqués derrière des lunettes noires, apparemment impassibles, qui jouent la musique la plus sexuelle et lancinante qu'on puisse imaginer. Les filles se déhanchent lascivement sur ces interminables boucles blues-rock et, comme elles, je dois avouer que je suis complètement hypnotisé par cette musique de fin du monde, gavée de guitare reverb', répétitive à souhait et triste à pleurer.

Angelo Badalamenti - The Pink Room
Jamais pour moi une chanson n'avait évoqué avec autant de force la drogue, le désespoir et la dépravation.

Allez, la pêche !

Contes Immoraux

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sun, 16 Aug 2009 23:34:00 +0000

Walerian Borowczyk, 1974

Dans ma quête du film érotique intelligent, qui me ferait changer d'avis sur le traitement frontal de la sexualité au cinéma, je m'attaque à l'œuvre de Walerian Borowczyk. Ce cinéaste polonais établi en France jouissait apparemment dans les années 70 d'une certaine respectabilité, voire d'une forme de caution du milieu intello. Allons voir ce que ça donne.

Premier signe encourageant : le titre du film est un clin d'œil aux Contes Moraux d'Eric Rohmer, dont Walerian Borowczyk nous propose une forme de relecture érotique. Le film présente quatre contes qui illustrent différentes facettes de l'immoralité - sexuelle principalement. Pour faire comme le Maître (ai-je déjà dit que Rohmer était le plus grand cinéaste de tous les temps ?), Borowczyk avait prévu six contes : les quatre premiers donneront ce film, le cinquième deviendra un long-métrage à part (La Bête, dont je parlerai un jour si j'ai le courage) et je crois que la sixième a été tourné plus tardivement.

Avant de tirer des conclusions sur Walerian Borowczyk ("Boro" pour les intimes), essayons de résumer chacune de ces histoires, résolument grivoises mais jamais scabreuses. En image s'il vous plaît.

1. La Marée
Pitch : de nos jours, durant l'été, deux jeunes gens partent en vélo se promener sur les galets, entre la mer et la falaise. Le garçon, 20 ans, en impose à sa jeune cousine, 16 ans, et semble commander en tout. Ainsi, il lui propose de l'initier à la fellation tout en lui donnant un cours sur l'origine des marées. La jeune fille consent. Bien bien.

A plus d'un titre, cet épisode est le plus rohmérien des quatre. On y trouve d'une part un jeune Fabrice Luchini, acteur fétiche de Rohmer (et révélé par lui), et d'autre part, le contexte de l'histoire (et non son traitement !) fait penser à des oeuvres comme La Collectionneuse ou Le Genou de Claire : l'été, les jeunes filles en fleur, l'insouciance, les jeux de l'amour ...

La Marée est peut-être mon préféré des quatre Contes Immoraux. Il faut d'abord reconnaître que cette jeune (et courageuse) actrice, Lise Danvers, qui joue la jeune cousine, est très sensuelle et extrêmement troublante. Et puis franchement, avouons-le, pour nous les garçons, qui n'a jamais rêvé à l'adolescence de connaître une jeune fille (pas une cousine, hein ! c'est péché avec une cousine) qui serait coopérative pour nous faire rentrer plus rapidement dans l'âge adulte, le tout dans un contexte estival où tout semble plus permissif ?

A côté de cette projection que fera tout spectateur masculin, les images de La Marée sont assez belles, Fabrice Luchini est (déjà !) égal à lui-même, à savoir brillant, et Walerian Borowczyk nous gratifie de plans très sensuels, au plus proche du corps de sa jeune actrice. Une petite réussite donc, malgré la trivialité du pitch.

Une des images emblématiques du film

Walerian Borowczyk assume : ce plan dure bien 5 secondes

La cousine (Lise Danvers)

Le cousin (Fabrice Luchini)

2. Thérèse philosophe
Passons rapidement sur ce deuxième conte qui n'est pas franchement palpitant et dont le pitch est des plus sommaires : Thérèse, une jeune paysanne, est punie et enfermée par sa tante dans un grenier. Seule et livrée à elle-même, elle découvre de vieux ouvrages licencieux qui trainent dans un coffre. Émoustillée par ces lectures, elle voit, dans une assiette déposée par sa tante, un ... concombre ! Ah ah, à votre avis, que va-t-elle faire avec ce concombre ?

Au-delà de ce pitch vraiment trop basique pour moi, j'ai été quelque peu rebuté par la laideur des images, ou plus précisément de la lumière. Vraiment, on a l'impression qu'un seul méga-spot blanc de 5000W éclaire l'unique pièce dans laquelle se déroule cet épisode. L'infortunée actrice en devient d'une pâleur cadavérique assez peu propre à émoustiller le spectateur. Bref, image laide, absence de dialogue, érotisme qui ne décolle pas, histoire sur-téléphonée ... non vraiment, il n'y a pas grand chose à garder de ce conte.

Tous les éléments du conte sont sur cette image, par ailleurs assez joliment composée

3. Erzsebet Bathory
Pitch : cet épisode évoque la vie dissolue de Erzsebet Bathory, noble roumaine de 17e siècle et qui est peu la cousine des Carpathes de notre Gilles de Rais national. Sa grande occupation consistait en effet à enlever des jeunes vierges de son fief pour en abuser sexuellement et les massacrer afin de prendre des bains dans leur sang - dans un but de conserver une éternelle beauté. Cette sympathique femme a vraiment existé mais, d'après Wikipédia, il semble que ces agissements soient plus de l'ordre du mythe que de la réalité. Mais bon, de frêles jeunes filles livrées en pature, du sexe, du sang, de la perversion ... il y avait tout les ingrédients pour que 'Boro' en fasse un conte immoral

Par son sujet, sa longueur, la richesse de ses décors et le nombre impressionnant de figurantes, ce conte est le plus ambitieux des quatre. Dans le rôle de la comtesse, on trouve Paloma Picasso (et oui ! la fille de), vénéneuse à souhait dans son rôle de grande maîtresse SM. J'ai toutefois été plus frappé par la beauté de la jeune actrice qui joue le rôle de ce page androgyne qui entretient avec la comtesse une relation lesbienne assez ambiguë. Pascale Christophe, si vous me lisez, qu'êtes vous devenue ? En tous cas, vous me rappelez fortement l'über-troublante Sandra Julien qui hantait Le Frisson des Vampires.

Et ce n'est pas un hasard si j'évoque Jean Rollin : le cadre du château de la comtesse, le surréalisme de certaines scènes, le fétichisme de certains plans et l'aspect très cérémonieux, lent et sensuel, de l'ensemble ne sont pas sans rappeler les films de mon réalisateur préféré de films vampiro-érotiques. Ce troisième conte, à défaut d'être totalement captivant, se laisse donc regarder sans déplaisir. Je garde.

La comtesse face à son harem de jeunes filles

La comtesse dans son bain de sang

La comtesse Bathory (Paloma Picasso) et sa servante (la très troublante Pascale Christophe)

4. Lucrèce Borgia
Pitch : nous sommes en 1498 et nous suivons les tribulations du trio que forment Lucrèce Borgia, le pape Alexandre VI (son père) et la cardinal César Borgia (son frère). Vous vous en doutez, leurs tribulations seront d'ordre licencieux. Au programme donc : amour à trois, inceste et blasphème à go-go. Là encore, merci à Walerian Borowczyk de me faire réviser l'histoire en général et la vie des papes du 15e siècle en particulier - même si il y a une part importante de fantasme populaire dans cette description des mœurs papales.

On peut reprocher à ce dernier des quatre contes son absence presque totale de scénario. Le conte se résume à la phrase suivante qui sonne comme une blague : Lucrèce, le pape et le cardinal sont dans une pièce, à quels jeux sexuels vont-ils pouvoir se livrer ? Toutefois, il faut reconnaître que cet épisode est assez élégant dans son traitement et assez juste dans son approche de la sexualité : ce n'est pas vulgaire, encore moins graveleux, mais plutôt onirique et très sensuel.

Bizarrement, le mélange de sexualité et d'objets ecclésiastiques (tiare, croix, étole, trône) ne m'a pas paru tellement blasphématoire. A la réflexion, je ne pense pas que Walerian Borowczyk soit une personne radicalement anticléricale : j'ai plutôt l'impression qu'il utilise ces symboles forts pour composer des images surréalistes et marquantes. Je comprends évidemment que ça puisse choquer mais je ne pense pas que ça soit le but recherché.

Deux images, belles comme des tableaux, qui montrent tout de même un grand talent pictural chez Borowczyk

Apparemment, on savait s'amuser au Vatican en 1498

Concluons ...
Alors, au final, tient-on enfin avec Contes Immoraux un film érotique de bonne facture ? Eh bien, courageusement, je dirais : oui et non.

Dans l'ensemble, j'apprécie le traitement souvent frontal que propose Borowczyk dans ses cadrages. Il n'a pas peur (il est décomplexé dirait notre président) de nous proposer des gros plans sur les parties des corps qui l'intéressent (poitrine, sexe, fesses), plans souvent appuyés mais jamais anatomiques comme on peut le voir dans les films pornographiques. C'est le sexe qui intéresse Borowczyk et il ne cache pas non plus cet intérêt par des détours de scénarios qui n'apporteraient rien à son propos.

Cette franchise est plutôt réjouissante et démarque instantanément Contes Immoraux des infâmes films érotiques mâtinés de comique troupier (version Max Pécas) ou d'exotisme toc (version Just Jaeckin) qui fleurissaient en France dans les années 70 - et qui n'ont d'érotique que le nom. Walerian Borowczyk est largement au dessus de la mêlée.

En revanche, je pourrais lui reprocher l'hétérogénéité de son film. A côté de deux contes assez réussis (La Marée et Erzsebet Bathory), on trouve un épisode plutôt moyen (Lucrèce Borgia) et un autre franchement dispensable (Thérèse philosophe). Au sein mêmes des contes, certaines scènes paraissent inutiles et forcées. En fait voilà, malgré toutes les qualités qu'on peut lui trouver, on peut déplorer dans ce film un certain amateurisme général, un côté un peu cheap et parfois brouillon.

Avec les mêmes matériaux de base (histoire, acteurs, décors), je n'ose imaginer le chef d'œuvre qu'un cinéaste comme Kubrick ou Lynch aurait pu réaliser. On peut encore rêver.

Pour finir, une des images les plus connues du film, extraite de Erzsebet Bathory. Toute une époque quand même !

Retour sur Suspiria

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Tue, 11 Aug 2009 00:13:00 +0000

Amis parisiens bloqués dans la capitale, je vous propose de sauver votre mois d'août en courant à la séance de cinéma la plus réjouissante depuis des lustres : la projection de Suspiria au Max Linder Panorama le samedi 15 août à minuit. Compte tenu de la beauté inouïe de ce film et de sa rareté sur grand écran, cette reprise est un vrai événement, inratable pour tous les forçats de l'été amateurs de sensations fortes.

J'y serai pour ma part, au premier rang pour être complètement absorbé, avec mon T-Shirt mal coupé des Goblin, ma coupe de cheveux au bol à la Dario Argento et mes yeux aussi écarquillés que ceux de Jessica Harper !

Quand je relis l'article que j'ai écrit en janvier à propos de Suspiria, je le trouve très naïf et un peu à côté de la plaque. Il y a 8 mois, je n'étais encore qu'un jeune padawan bien novice en cinéma bis. Je dis même de grosses bêtises dans cet article : Suspiria n'est pas franchement un slasher et encore moins un giallo. Nous sommes plus dans un univers qu'on peut qualifier d'horreur fantastique. Dès le premier meurtre, les bras poilus du tueur nous montrent clairement que ce film se situe en marge de la réalité, dans un monde onirique très personnel et à l'esthétique très marquée.

J'ai du voir Suspiria cinq ou six fois depuis janvier (et je crois avoir scotché plus de 50 fois sur la maîtrise ébouriffante des 15 premières minutes) et je suis tout d'abord frappé de voir à quelle point l'histoire importe peu dans ce film - et pourtant Dieu sait à quel point j'aime qu'on me raconte des histoires au cinéma. A l'extrême opposé d'Eric Rohmer par exemple, Dario Argento n'est pas un cinéaste qui s'adresse à notre intelligence ou même à notre culture. Il touche en nous des cordes beaucoup plus basiques : nos sens bien sûr (son et image sont époustouflants) mais également nos sensations primales (peur, dégoût, angoisse). Suspiria est pour moi un film éminemment physique et qui pénètre le spectateur comme les coups de couteau au coeur reçues par l'infortunée première victime. Tout cela est très charnel.

Enfin, dans les suppléments du coffret Suspiria édité par Wild Side et que je ne saurais que trop vous recommander, j'ai trouvé mille informations passionnantes sur la genèse de ce chef d'oeuvre. On y apprend notamment que les fameuses tonalités rouges n'étaient pas crées par des gélatines classiques mais par des spots blancs ultra-puissants sur lesquels des tentures de velours rouge étaient disposées ! Ce procédé explique la chaleur si particulière de ces couleurs. On découvre également que les murs rouges des couloirs de l'école de danse sont en fait des panneaux translucides sur lesquels les motifs et la couleur étaient projetés.

Dans le même genre, Dario Argento raconte qu'au départ son film devait mettre en scène de toutes jeunes filles. Il a du s'incliner devant le refus des producteurs de voir des filles de 12 ans se faire massacrer à l'arme blanche mais il a conservé malgré tout les dialogues (qui sont en décalage complet avec l'âge des jeunes filles que nous voyons à l'écran) et il a demandé à ce que toutes les poignées de portes soient rehaussées afin d'accentuer le côté "petite fille" des pensionnaires.

Murs rétro-éclairés et poignées rehaussées font partie de ces détails qu'on ne remarque pas mais qui contribuent à renforcer l'étrangeté de tous ces plans

Dans un autre registre, j'ai découvert, par les multiples interviews de lui-même ou de ses collaborateurs, un certain nombre d'aspects de la personnalité de Dario Argento. Contrairement à son père spirituel Mario Bava et aux autres spécialistes italiens du giallo, qui étaient tous des personnalités de droite, Argento était un militant d'extrême-gauche convaincu, fortement politisé, même si cela n'apparaît pas du tout dans ses films (selon moi). Au-delà de sa couleur politique, Dario Argento apparaît comme un homme affable, d'une grande gentillesse et d'une modestie rare. Un de ses collaborateurs raconte qu'il était terrorisé par les films d'angoisse/horreur de ses confrères et qu'il a entrepris de faire des films terrifiants dans une volonté d'exorciser cette peur panique.

A la réflexion, Dario Argento est tout simplement un geek, le genre de personne introvertie dont les "mecs cools" se moquaient au collège et qui s'est vengé d'eux plus tard en les terrifiant dans les salles obscures. Cela explique sans doute pourquoi ses films sont si populaires dans la communauté des ciné-geek 2.0 - communauté dont j'ai bien peur de faire partie par un certain nombre de côtés.

Bon, et dernière chose, on trouve dans ce coffret la BO complète du film. Étonnamment, je trouve que cette musique de Goblin n'est pas très enthousiasmante dès qu'elle sort du cadre de Suspiria. En fait, quand je l'entends, j'ai avant tout envie de regarder le film - même si le film serait vraiment boiteux si cette musique était absente. Je vous propose tout de même le titre-phare.

Goblin - Suspiria

Bref, rendez-vous samedi au Max Linder !

La rupture en chansons

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sun, 21 Jun 2009 23:41:00 +0000

Ah les joies d'une bonne vieille rupture. Tout cela est très banal mais on y trouve toujours de grands moments de rock'n'roll. Laissons-nous donc accompagner, dans chacune des étapes de ces moments de notre existence, par des petites perles de pop music . "It builds character" comme disait le père de Calvin.
PS : ce texte n'est lié à aucune actualité précise :-)

Etape 1 : Les gros doutes
Où l'on sent que la personne en face n'est plus tellement à fond. La boule que l'on a au fond de la gorge commence dangereusement à descendre vers l'estomac. La peur gagne. A ce sentiment se rajoute parfois un intolérable doute : ai-je déjà été remplacé par un AUTRE ? Cette perte de confiance ne fait en général qu'accélérer l'inéluctable dénouement.
Ce sentiment est fort bien illustré par cette interminable et si belle chanson de Rare Earth : (I know) I'm losing you.

Your love is fadin', I feel it fade
Ah, your love is fadin', I feel it fade
Ah, your love is fadin', woman I feel it fade

Ah, woman, woman your touch, your touch has gone cold
As if someone else controls your very soul
I've fooled myself long as I can
Can feel the presence of another man

It's there when you speak my name
It's just not the same
Ooo babe, I'm losing you
It's in the air
It's there everywhere
Baby, baby, babe, I'm losing you

Rare Earth - (I Know) I'm Losing You

Ca rigole, ça rigole mais ça chante aussi des textes diablement tristes

A ce stade, matériellement, peu de choses ont encore changé mais bon, ça commence à sentir le sapin. "Elle n'y est plus" et il faut commencer à se préparer au pire. Ce qu'il y a de bien avec les Beatles, c'est qu'on trouve toujours une chanson d'eux qui colle exactement à notre état d'esprit amoureux. Dans la phase de gros doute, For No One est parfaite.

Your day breaks, your mind aches
You find that all her words of kindness linger on
When she no longer needs you

She wakes up, she makes up
She takes her time and doesn't feel she has to hurry
She no longer needs you

And in her eyes you see nothing
No sign of love behind the tears
Cried for no one
A love that should have lasted years

You want her, you need her
And yet you don't believe her when she says her love is dead
You think she needs you

And in her eyes you see nothing
No sign of love behind the tears
Cried for no one
A love that should have lasted years

You stay home, she goes out
She says that long ago she knew someone but now he's gone
She doesn't need him

The Beatles - For No One

Etape 2 - Le déni ou les tentatives foireuses de rattrapage
A cette étape, la rupture est tombée comme la lame d'une guillotine mais tout cela a été si brutal et on n'était en fin de compte si peu préparé qu'on commence par nier la situation et qu'on essaie de la rattraper par des tentatives de récupération qui sont irrémédiablement vouées à l'échec. C'est l'étape qu'on regrette le plus par la suite, où socialement, on touche le fond du ridicule et de l'aveuglement

Cette superbe chanson de Pulp, Don't you want me anymore?, raconte fort bien cette période de refus de la réalité.
A 0'45, Jarvis Cocker prend tranquillement son train dans le but de reconquérir sa belle

Now I'm two hours from the station.
Yeah I'm coming home again.
I'm gonna show this time who's master - as soon as I get off this train
You're gonna love me more than ever,
and the sun will shine again.
And I will kiss your face,
and I will make you smile again

A 2'45, la confrontation avec la réalité va lui mettre une terrible claque (car il y a un AUTRE, l'abject autre, celui qui va être à l'origine d'horribles nuits blanches)

And I can't, I can't believe it's happening.
I know that, oh there must be some mistake.
You found yourself another lover,
and you're glad we made the break.
Oh you don't even, you don't even want to see me.
You just wanna wave and say "Goodbye.
Go away now, and leave us alone,
No this house is not your own"

Et tout le monde se moque du pauvre Jarvis

And now the whole damn town has come on out to laugh at me.
Oh yeah.
Oh they can stare for evermore; you do not care for me.
Oh no.
Oh they can stare now for a hundred thousand years.
Don't you want me anymore?

Pulp - Don't You Want Me Anymore?

Etape 3 - La réalité en pleine gueule
OK, là on a compris, on n'est pas encore terrassé mais on a déjà un genou à terre. La réalité de la rupture apparaît maintenant clairement. On comprend qu'on va devoir se battre contre un terrible ennemi : l'irrémédiable absence de notre ex-moitié.

C'est aussi à ce moment-là qu'on partage ses affaires, les CDs, les photos, les bouquins et qu'on la voit nous rendre des cadeaux qui avaient pourtant été spécialement choisis pour elle ("Non, non je te le rends. Pour moi, ça t'appartient"). Certes, le dégoût nous envahit mais on fait bonne figure. On sent bien qu'il faut passer à autre chose. "Oublie-moi !", semble ainsi chanter les Strokes sur ce superbe titre.

I want to be forgotten,
and I don't want to be reminded.
You say "please don't make this harder."
No, I won't yet.

I wanna be beside her.
She wanna be admired.
You say "please don't make this harder."
No, I won't yet.

Suivi d'un terrible "You don't miss me, I know." (à 1'30)

The Strokes - What Ever Happened?

Et ABBA nous rappelle par cette chanson sublime (ma préférée de ce groupe phénoménal, que j'ai viré depuis bien longtemps de mes plaisirs coupables), qu'une relation amoureuse peut être vue comme un jeu à l'issue duquel le gagnant prend tout et le perdant n'a plus que ses yeux pour pleurer (avec, pour une fois, un point de vue féminin).

I don't wanna talk
About the things we've gone through
Though it's hurting me
Now it's history
I've played all my cards
And that's what you've done too
Nothing more to say
No more ace to play

The winner takes it all
The loser standing small
Beside the victory
That's her destiny

Et, à 2'20, ce terrible passage sur l'AUTRE où la chanteuse crève de jalousie tout en essayant de rester digne

But tell me does she kiss
Like I used to kiss you?
Does it feel the same
When she calls your name?
Somewhere deep inside
You must know I miss you
But what can I say
Rules must be obeyed

ABBA - The Winner Takes It All

Etape 4 - La loose totale
L'étape 3 était un peu le dernier éclair de lucidité, une espèce de sursaut de dignité guidé par l'instinct de survie, avant que toute estime de soi ne soit balayée par la loose auto-destructrice que représente l'étape 4. Le sentiment qui domine est alors le rejet. Dans ces moments, la commune mesure et la modération n'ont plus droit de cité dans notre esprit démoli. On est une merde et on est presque content de l'être.

Une attitude à adopter, proposée par Jarvis Cocker toujours (sur le bien-nommé album Separations de Pulp, dont j'aurais pu prendre toutes les chansons une par une pour illustrer cet article), consiste à boire, sortir et rencontrer d'autres filles. C'est la réaction la plus simple mais pas toujours la plus constructive. En tout cas, on met souvent son foie et son portefeuille en péril.

Oh now the lonely nights begin and
there is nowhere left to go
But watch my spirit melt away, down at the D-I-S-C-O
I must have died a thousand times
The next day, I was still alive
And I still believe in you
Yes I do
Let's do it now

Et plus loin, à 2'45, les paroles que je préfère de cette chanson magnifique

Alright you can go out and make love to
whoever, or whatever you like babe
So I go out and fill my eyes with other women
Oh they look good to me and I think that I might kiss them
Oh now it´s 2 a.m. and I´m still stood here waiting
So I go home and wonder why I bother going

Pulp - Death II

Ensuite, un peu d'auto-apitoiement ne faisant jamais de mal dans ces moments-là, on peut se réfugier comme Morrissey dans une posture romantique où l'amour n'existerait plus qu'en rêve.

Last night I dreamt
That somebody loved me
No hope, no harm
Just another false alarm

Last night I felt
Real arms around me
No hope, no harm
Just another false alarm

The Smiths - Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me

Et suivons Fischerspooner dans leur logique jusque-boutiste : tant qu'à faire, dans ces périodes d'hyper-loose, autant se considérer comme une catastrophe naturelle, ce qui permet d'expliquer à moindres frais tous les échecs passés. De toutes façons, je suis un raté alors à quoi bon lutter ?

All alone...
I've gone out
So many nights
Nobody's there
Lost and wasted
Why am I alone?
Who made me this way?
Na-tural disaster...

Fischerspooner - Natural Disaster

On peut enfin se lancer à corps perdu, tel Fuzzati du Klub des Loosers (quel nom pour un groupe composé d'une seule personne !), dans un dégoût de soi et du monde, cette fois-ci sous un angle trash, outrancier et suicidaire. Et donc extrêmement drôle au final. A partir d'une minute :

Bizarrement, le Klub des Loosers semble plaire à quelques personnes
Ils ont fortement apprécié mon sens de l'autodérision
Je me demande ce qu'ils diront en apprenant que mon corps pourrit lentement à une corde
Ca c'est mon sens de l'autopendaison

etc etc ... tout le texte est vraiment drôle mais un peu trop long pour être intégralement recopié ici.

Klub des Loosers - Il faut qu'on parle

Etape 5 - La résurrection
Un matin, on se lève et on n'a plus envie de vomir - sans forcément qu'on trouve une explication rationnelle à ce retournement de situation. Ou peut-être était-on ainsi depuis quelques semaines mais on avait tellement l'habitude de dire "C'est la loose, je déprime à mort" qu'on avait arrêté d'analyser objectivement notre état. Bref, le monde nous apparaît alors comme un territoire verdoyant à explorer, on rencontre de nouvelles personnes, le soleil brille et on retrouve 20 € au fond de sa poche pour offrir une caïpirinha à cette belle inconnue.
Comme le chante cette fille sur ce titre enthousiasmant de The Avalanches : "Since I left you / I've found the world so new".

The Avalanches - Since I Left You

Etape 6 - La nostalgie
Les années passent, l'eau coule sous les ponts, certes les plaies ne se referment jamais vraiment mais elles ne saignent plus et on peut regarder en arrière avec une certaine sérénité : la haine de soi et des autres a disparu, les remords ardents se sont transformés en doux regrets, les erreurs commises nous apparaissent clairement (ce qui ne veut pas dire qu'on n'en fera plus : ça serait trop simple !).
C'est l'heure de la sagesse (point de vue optimiste) ou de la résignation (point de vue pessimiste) et on peut alors chanter avec Charles Trénet : que reste-t-il de nos amours ?

Que reste-t-il de nos amours ?
Que reste-t-il de ces beaux jours ?
Une photo, vieille photo
De ma jeunesse
Que reste-t-il des billets doux
Des mois d'avril, des rendez-vous
Un souvenir qui me poursuit
Sans cesse
Bonheur fané, cheveux au vent
Baisers volés, rêves mouvants
Que reste-t-il de tout cela ?
Dites-le moi

Charles Trénet - Que reste-il de nos amours ?

Et cela me permet de terminer sur une note cinéphile : le titre de Baisers Volés de François Truffaut est un hommage à cette chanson de Charles Trénet.

La grande question de Rob : What came first, the music or the misery?

Tout cela n'est pas très gai, me direz-vous. Peut-être, mais pour les amateurs de pop music, il y a des circonstances atténuantes à cette vision des choses, ainsi que l'explique très bien ce cher Rob Fleming (mon héros, à qui je dédicace cet article) :

(...) some of these songs I have listened to around once a week (..) since I was sixteen or nineteen or twenty-one. How can that not leave you bruised somewhere? How can that not turn you into the sorts of person liable to break into little bits when your first love goes all wrong? What came first, the music or the misery? Did I listen to music because I was miserable? Or was I miserable because I listened to music? Do all those records turn you into a melancholy person?
People worry about kids playing with guns, and teenagers watching violent videos (...). Nobody worries about kids listening to thousands - litterally thousands - of songs about broken hearts and rejection and pain and misery and loss. The unhappiest people I know, romantically speaking, are the ones who like pop music the most."

Nick Hornby in High Fidelity (Penguin Fiction, p.19)

Ouf !

[Musique] Top 5 des plaisirs coupables

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Thu, 18 Jun 2009 00:14:00 +0000

5 chansons que j'adore contre vents et marées. 5 chansons que j'aurais toutes les raisons de détester. 5 chansons qui vont à rebours de toutes les règles de bon goût que je me suis fixées depuis tant d'années.

C'est parti pour un petit coming out musical.

1. Supertramp - School
Note de culpabilité : 9/10
Note de plaisir : 7/10
Les raisons qui devraient me faire détester :

Le côté radicalement anti-glamour et anti-sexe de ces ahuris de Supertramp avec leurs T-shirts tout moches et leurs barbes pas nettes (et ce gilet !)
Une certaine prétention très pink-floydienne dans la construction de la chanson
L'horrible solo de piano à 3'15. On dirait presque du jazz.
De manière générale, toute la discographie de Supertramp que je me suis infligée à l'adolescence (est-on masochiste à cet âge !), que je nie maintenant avoir écouté tel Saint-Pierre au Jardin des Oliviers, et qui me ferait presque jeter le bébé avec l'eau du bain

Les raisons qui me font aimer après tout :

Le démarrage de la batterie (à 1'44) avec ce furtif cri d'enfant
Le passage "Don't do this / Don't do that" accompagné d'une espèce de guitare funk complètement improbable (à 4'15) et la reprise du thème du début à 4'48
Le texte qui n'est pas si mal en fin de compte - pas très loin de Another Brick In The Wall en beaucoup moins gonflant

Supertramp - School

2. Yianna Katsoulos - Les autres sont jaloux
Note de culpabilité : 4/10 (pas super connue donc pas super coupable quand on la cite dans un dîner)
Note de plaisir : 8/10
Les raisons qui devraient me faire détester :

La laideur inouïe et très 80s des coiffures, décors et costumes tels qu'on les voit dans le clip
Tout ce break entre 2'30 et 2'45 avec cette espèce de slap bass suivie d'un court passage chanté en anglais et qui est quelque peu ridicule.
L'impression de rejoindre, en aimant cette chanson, l'horrible revival 80s qui avait sévi il y a quelques années et qui avait remis au goût du jour des calamités comme Images, Partenaire Particulier ou Gold (Gold !). "Mais c'est du 2ème degré" m'expliquait-on avec un sourire complice. Super le deuxième degré.

Les raisons qui me font aimer après tout :

La mélodie du couplet, du refrain et même des choeurs ("Oh-oh-oh Oh-oh-oh "), qui est redoutablement efficace
Le texte vaguement nihiliste "Le monde n'est pas du tout mon maître / Je veux vivre ma vie et disparaître", ambiance Ni Dieu Ni Maître.
L'énergie, l'envie de vivre, l'anti-conformisme et l'oubli du ridicule qu'on ressent dans toute la chanson et aussi dans le clip, malgré sa laideur. Franchement, ils n'avaient peur de rien à cette époque et c'est en fin de compte assez réjouissant.

Yianna Katsoulos - Les autres sont jaloux

Status Quo en train de mouiller la chemise. Le genre de vision qui me donne envie de partir en courant.

3. Status Quo - You're in the Army Now
Note de culpabilité : 8/10
Note de plaisir : 9/10
Les raisons qui devraient me faire détester :

Status Quo déjà, non pour ce qu'ils sont mais pour ce qu'ils représentent, à savoir le rock mou, les groupes de stade des années 80, dont les chansons formatées rock FM constituaient les tous premiers CDs qui inondaient le marché. Les pires représentants de cette espèce sont Dire Straits, Genesis et Simple Minds. Tout ce petit monde a tranquillement fini sur Europe 2.
Le côté faussement ironique de la chanson qui penche en fin de compte beaucoup du côté du "We support our troops" que dans l'anti-miltarisme de bon aloi.
Ce son de guitare très daté et très laid, qu'on entend furtivement à 1'15 et plus longuement hélas vers 2'50

Les raisons qui me font aimer après tout

Comme souvent, la mélodie, imparable
Ce micro-solo de batterie super cool, à 1'40, qui lance de manière assez inattendue une rythmique très réussie et fait vraiment décoller la chanson
Le "Stand up & fight !", aboyé à 2'08, que je chante systématiquement quand je l'entends et qui me donne toujours un petit frisson de plaisir, presque l'impression de vivre un moment vraiment fort

Status Quo - You're In The Army Now

4. Alphaville - Big in Japan
Note de culpabilité : 9/10
Note de plaisir : 7/10
Les raisons qui devraient me faire détester :

Le nom du groupe, genre on a vu des films de Godard et on aime ça, alors que tout le monde sait que tous les films de Godard sont mortellement ennuyeux (en dehors de A bout de souffle, Le mépris et Pierrot le fou)
La vision flippante de ces troupeaux de jeunes filles CPCH (collier de perles / carré Hermès), dans des apparts parquet-moulures-cheminée de 800 m2, dansant le rock'nroll versaillais sur cette chanson, poussant le vice jusqu'à fermer les yeux en chantant le refrain (horrible !) et finissant souvent par me coller un râteau.
Les petites giclées de synthé (à 1'30 par exemple) qui sont quand même un peu hard

Les raisons qui me font aimer après tout :

Le nom du groupe, cinéphile, ce qui n'est pas si fréquent
Le texte qui n'est franchement pas si bête et qui parle de ces gens qui se disent "Big In Japan" pour contre-balancer un statut un peu loose dans nos contrées. Exemple : Richard Clayderman est big in Japan.
La mélodie des paroles, et la manière dont elles sont chantées, que je trouve sincèrement émouvante. Big in Japan est une chanson triste en fin de compte.

Alphaville - Big In Japan

5. Ricchi e Poveri - Sara perche ti amo
Note de culpabilité : 1/10
Note de plaisir : 10/10
Les raisons qui devraient me faire détester :

En cherchant bien, le côté "Je suis rital et je le reste" pourrait m'agacer mais en fait non, je n'arrive pas à trouver de vraies bonnes raisons de ne pas adorer cette chanson

Les raisons qui me font aimer après tout

Tout : la mélodie, les synthés-violons, la voix de la chanteuse, la voix du chanteur (spécialement à 32'' quand il démarre), le refrain, la moustache du mec et enfin, surtout, cette envie de vivre, cette amour de la musique, cette joyeuse mélancolie qui transpirent dans chaque seconde de ce chef d'œuvre indépassable de la chanson populaire.
Et puis cette chanson est la bande-originale de L'Effrontée - film qui m'avait beaucoup marqué

Ricchi e Poveri - Sara perche ti amo

Perversion Story

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Wed, 17 Jun 2009 01:30:00 +0000

Una sull'altra / One on Top of the Other
Lucio Fulci, 1969

Depuis que je m'intéresse aux films de genre, j'ai souvent entendu parler de Lucio Fulci (1927-1996), présenté comme le spécialiste ultime du film d'horreur italien, le successeur de Dario Argento, lui-même successeur de Mario Bava - deux réalisateurs que je porte aux nues maintenant que j'ai vu la grande majorité de leurs films (et dont il faut absolument que je parle bientôt sur ces pages, les innombrables chef-d'oeuvres d'Argento et Bava étant devenus pour moi des clés de voûte de ma culture cinématographique). Pour revenir à Fulci, mes réticences face à la violence trop explicite, trop gore, m'avaient toujours retenu d'aller m'intéresser de près à ses films. J'ai donc commencé allegro ma non troppo la filmo de Lucio, avec un giallo de 1969.

Alors, que trouve-t-on dans cet oeuvre précoce de Lucio Fulcio, avant qu'il ne bascule irrémédiablement dans le gore le plus sauvage ? Eh bien, du point de vue du scénario, nous avons ici affaire à un polar des plus classiques.

Pitch : dans un San Francisco très 60s, nous suivons les tribulations d'un jeune chirurgien ambitieux qui trompe sa femme. Celle-ci meurt subitement et inexplicablement. Effondré, notre héros échoue dans un bar à strip-tease dans lequel il tombe nez-à-nez avec une affriolante danseuse qui ressemble comme deux gouttes d'eau à se défunte femme. Intrigué, il la suit, la séduit et tente de se l'approprier - avant de se rendre compte qu'il n'était qu'un pion dans cette histoire.

Bon, évidemment, quand je vous dis "SAN FRANCISCO - STOP - FEMME BRUNE MORTE - STOP - RE-APPARITION EN BLONDE - STOP - HOMME QUI LA REMODELE A SA GUISE - STOP - COMPLOT - TERMINE", vous vous étranglez et criez d'une seule voix : VER-TI-GO ! Et oui, et oui, Perversion Story est sous perfusion hitchcockienne et assez vite on se demande comment Fulci va s'y prendre pour se détacher de cette écrasante influence.

Et bien, ce qui saute tout d'abord aux yeux est une différence générationnelle : entre Vertigo et Perversion Story, 10 ans se sont écoulés et une révolution sexuelle est passé par là. La Californie que nous montre Fulci est autrement plus sexy et dévergondée que la gentleman-attitude de James Stewart. Quoi que. J'ai encore des ... sueurs froides en repensant à cette scène elliptico-érotique de James Stewart déshabillant hors-champ Kim Novak après l'avoir sauvée des eaux.

Au-delà de cet érotisme affleurant et que je ne trouve hélas pas toujours exempt de vulgarité, Lucio Fulci laisse déjà paraître un certain goût pour l'imagerie de l'angoisse : plans saisissants sur le cadavre de la femme, tête de macchabé décomposé, effusions de sang bien rouge. On trouve également dans Perversion Story un vrai fétichisme visuel, si présent chez Bava et Argento (et là encore, sous influence d'Hitchcock) et qui s'exprime par des cadrages inhabituels et quelque peu angoissants, des gros plans sur des objets a priori anodins mais signifiants pour le scénario (ici, un flacon de somnifère) ou encore d'éclairages qui sont certes complètement irréels mais qui toujours illustrent un point de vue.

Un cadrage comme je les aime tant

Le macabre lit de la femme défunte

Toutefois, malgré toutes ces qualités esthétiques, je dois bien avouer que j'ai quelque peu baillé devant Perversion Story, principalement en raison des invraisemblances du scénario et du jeu bien terne des acteurs. Malgré sa belle gueule, Jean Sorel est aussi expressif qu'une endive. Le reste du casting est peu remarquable ... sauf ... sauf l'explosive Marisa Mell, bien sûr, dont j'avais pu apprécier la plastique dans Danger: Diabolik, de Mario Bava justement.

Le vulgarissime mais ébouriffant Marisa Mell Show (et pourtant je ne suis pas fan de strip-tease en général)

Ce qui est bizarre avec Marisa Mell, c'est que je n'arrive pas à savoir si elle est franchement belle. En fait, non, je crois que, fondamentalement, cette fille n'est pas très jolie mais, subjectivement, inexplicablement, elle dégage une charge érotique enivrante qui sauve toutes les scènes dans lesquelles elle apparaît. Elle est une bonne illustration du mot sex symbol.

En fin de compte, pour la troublante Marisa Mell et pour la maitrise visuelle de Fulci, Perversion Story est un film qui mérite largement d'être vu.

Pour finir, j'ai noté que les plans du héros dans la chambre à gaz ressemblent étrangement à ceux de Fred McMurray dans Double Indemnity (Billy Wilder, 1944). Dans ce dernier film (et au passage, chef-d'oeuvre) ces scènes avaient été coupées au montage mais elles apparaissent dans le livre Les Films Noirs de Patrick Brion. Voilà, c'était la remarque ciné-geek du soir, bonsoir.

Mansfield.TYA

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Thu, 11 Jun 2009 00:29:00 +0000

Han ! Je le savais, j'en étais sûr !

Oui, j'étais sûr que derrière l'exubérante, l'outrancière, l'ordurière chanteuse de Sexy Sushi, la joliment-nommée Rebeka Warrior, se cachait une fille d'une sensibilté à fleur de peau. C'était évident. La découverte de Mansfield.TYA, son side-project, m'en a apporté ce soir une preuve éclatante. Enfin c'est plutôt Sexy Sushi qui est un side-project de Mansfield.TYA, mais peu importe.

Mansfield.TYA est donc un duo composé de deux nantaises : Carla Pallone au violon et Julia Lanoë (qui ne s'appelle donc pas Rebeka Warrior pour de vrai) à tous les autres instruments. Ces deux filles nous proposent une pop-folk dépouillée, acoustique, aux mélodies envoutantes et aux textes mordants.

Je ne rêve plus, extrait de leur album Seules au bout de 23 secondes sorti en février, est de toute beauté, servie par une instrumentation minimale mais très juste et des textes vraiment poignants. Une chanson certes légèrement désespérante mais totalement dénuée de mièvrerie complaisante. A écouter en boucle, les yeux et les oreilles grand ouverts.

Mansfield.TYA - Je ne rêve plus

Pour oublier je dors était un peu le tube du premier album de Mansfield.TYA, June, sorti il y a déjà 3 ans. Derrière cette chanson toute belle toute calme, on trouve déjà, par ces textes noirs et glaçants, le vitriol qui est la base des brûlots incendiaires de Sexy Sushi.

Mon livre de Victor, sent le Calvin Klein,
Il me rappelle encore ces souvenirs lointains
Depuis ma femme est morte, et je peux me saouler
Au vin de l'assassin, j'ai tué ma bien aimée
Un planté de couteau n'aurait pas suffit
Il m'a fallu voir grand pour lui ôter la vie

Si je vais mieux maintenant,
Je n' me le demande pas
Mais j'ai défoncé ses dents
Pour qu'on ne me retrouve pas

Mansfield.TYA - Pour oublier je dors

Amis parisiens, notez comme moi dans vos agendas que les deux muses saphiques de Mansfield.TYA jouent à la Bellevilloise vendredi prochain. Je pense que ça sera beaucoup plus posé (mais pas moins enthousiasmant) que la prestation punkissime de Sexy Sushi à la Maroquinerie le 8 mai dernier.

Et tant qu'on y est, en ce jour où Christine Albanel et son projet Hadopi qu'elle traîne comme un chien galeux ont encore été blackboulés (à la régulière cette fois : c'est carrément le Conseil Constitutionnel qui a renvoyé notre infortunée ministre dans ses 22), bref, en ce jour particulier, écoutons, encore une fois, Sexy Sushi nous donner leur intéressant point de vue sur l'industrie du disque via cette réjouissante chanson sobrement intitulée Rien à foutre.

Sexy Sushi - Rien à foutre

Difficile de croire que c'est la même chanteuse qui susurre d'un côté les douces complaintes ci-dessus et qui débite par ailleurs cette invraisemblable (et si drôle) logorrhée pro bling-bling :

Moi j'trouve ça respectable la chanson française et la variété et j'serais fière de passer à Nostalgie, rien à foutre du ghetto indépendant, faut pas s'voiler la face, y'a que le fric qui compte et puis j'vois pas pourquoi on se priverait d'avoir des piscines et des baraques à 30 millions ... tout ça pour la gloire de l'art. C'est pas parce qu'on est underground qu'on fait des trucs mieux et le mythe de l'artiste maudit c'est une grosse connerie et nous si on nous demandait d'aller à la Star Ac' et ben on le ferait et pareil pour Vivement Dimanche. J'vois pas pourquoi on devrait croupir dans notre flaque, y'en a ras le cul de cracher sur les gens connus puis moi Madonna je l'aime et pareil pour les Fugees j'trouve ça bien, lalalalaaaa, par contre j'aime pas Jean-Jacques Goldman mais c'est pas le sujet et ce qu'il faut savoir y'a aussi des merdes dans le milieu indé.
Alors faut arrêter le délire là, rien à foutre du ghetto, rien à foutre ... ad lib

Il profumo della signora in nero

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Tue, 09 Jun 2009 23:52:00 +0000

The Perfume of the Lady in Black
Francesco Barilli, 1974
(film pas sorti en France en salles ou en DVD, mais j'imagine qu'on peut traduire ce titre par Le parfum de la dame en noir)

Pitch : Le jeune et belle Silvia (Mimsy Farmer) mène une existence bien remplie et apparemment bien réglée. Son travail de chercheuse en laboratoire ne lui laisse que peu de temps pour voir Roberto, son fringant petit ami. Lors d'un banal dîner, un mystérieux invité évoque des rites occultes de magie noire et sème le trouble chez notre héroïne. Et petit à petit, son existence va se dérégler. De pénibles souvenirs d'enfance remontent à la surface : la villa abandonnée et pleine de secrets, la vision de son beau-père faisant brutalement l'amour avec sa mère, la mort (accidentelle ?) de celle-ci. Pour la pauvre Silvia, ces souvenirs envahissent tellement son esprit qu'elle ne sait (pas plus que le spectateur) si ces évènements qu'elle revit sont réels ou non. A grands coups de hachoir, tout cela va très mal se finir, jusqu'à une épouvantable scène de cannibalisme à vous glacer le sang.

Je ne suis d'habitude pas très friand des films qui louvoient en permanence aux frontières de l'onirisme. Je préfère toujours savoir si ce que je vois à l'écran est dans le domaine du rêve ou du réel (enfin réel je m'entends, je sais bien que tout cela est pour de faux mais j'essaie de l'oublier au maximum). Je n'aime pas tellement ces scènes où l'on voit un personnage, qui après avoir subi mille tourments, se réveille subitement en disant "Ah mon Dieu, heureusement tout cela (i.e. la dernière demi-heure de film) n'était qu'un rêve !". J'ai alors l'impression d'avoir été trompé et qu'on m'a volé cette demi-heure justement. Souvent, après avoir été dupé de la sorte, je ne crois plus à rien de ce que je vois à l'écran, j'ai trop conscience que tout ceci n'est que du cinéma et arrive alors la pire chose qui puisse se produire entre un spectateur et le film : la rupture du contrat narratif, l'adieu à la magie du cinéma.

Shining et surtout - avant tout - Mulholland Drive, sont d'excellents contre-exemples à cet écueil et sont deux preuves éclatantes qu'on peut manipuler le spectateur sur la notion de réel vs imaginaire sans l'exclure du film qui est montré. Il profumo della signora in nero en est une autre, bien qu'un cran en dessous de ces chefs-d'oeuvre.

Belle image de l'exubérant appartemment de Francesca, l'amie de Silvia

De prime abord, on constate que Il profumo della signora in nero utilise les codes formels et un certain nombre de ressorts dramaturgiques propres au giallo : jeune fille seule, perdue et menacée, meurtres montrés comme des mises à mort, utilisation exclusive d'armes blanches, effusions d'hémoglobine, figures récurrentes et flippantes d'enfants etc, (j'ai du voir une quinzaine de gialli depuis un mois et j'essaierai d'en faire prochainement une espèce de synthèse). Francesco Barilli s''affranchit toutefois assez vite des limites du giallo, introduisant, à l'instar de Dario Argento dans Suspiria, des éléments fantastiques, ou en tous cas psychanalytiques et schizophréniques.

Dans Il profumo della signora in nero, Barilli réussit fort bien, et de manière très progressive, sans hiatus brutal ou coup de théâtre, à nous faire rentrer dans la tête malade de Silvia. La symbolique et le propos sont certes assez lourds (refus de l'âge adulte, Oedipe refoulé, sexualité torturée) mais, d'une part, tout cela est illustré par de superbes images qui sont de plus en plus cauchemardesques au fur et à mesure que le film avance, et d'autre part, ces artifices de forme parviennent à insuffler une atmosphère franchement angoissante : on retrouve cette idée très lynchienne que derrière une apparente banalité de la vie quotidienne, se cache au fond de nous d'indicibles horreurs. Par bien des aspects (cadre restreint à un appartement, focalisation sur une femme en plein perdition psychologique) ce film m'a également fait fortement penser à Rosemary's Baby de Roman Polanski (en mieux ! j'avoue m'être un peu ennuyé devant ce dernier et n'avoir pas tellement "marché", malgré toute la beauté de ce film).

Enfin, il faut souligner l'impressionnante performance de Mimsy Farmer, qui est de tous les plans, et qui, bien que cette expression soit un peu galvaudée, porte le film sur ses épaules. Elle m'avait séduit dans Quatre mouches de velours gris du maestro Dario Argento ; elle m'a subjugué dans Il profumo della signora in nero.

Elle est blonde, elle est belle et elle est incroyablement expressive sans jamais en rajouter : d'un pincement de lèvres ou d'un regard oblique, elle arrive à nous communiquer son angoisse, sa folie et, pour finir, sa démence.

Silvia confrontée à ses trauma d'enfance

Motif récurrent de la petite-fille-flippante-en-robe-blanche

Ca devient de plus en plus sanglant

Et cette scène me fait bigrement penser à Shining

Le cauchemar de Silvia se termine par une incroyable (et insoutenable) scène d'anthropophagie

Rallumer le feu

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Tue, 09 Jun 2009 00:34:00 +0000

Emporté par mon nouveau job, exilé permanent au mois de mai, vidé par la semaine du sexe qui a épuisé toutes mes ressources, j'ai laissé mon modeste blog et mes fidèles lecteurs (rappel : je vous aime) à l'abandon. Mais j'espère bien que ce site va renaître de ses cendres. Nous avons perdu une bataille, mis un genou à terre, mais la croisade de l'étrange, du mauvais goût assumé et de l'outrance n'a pas dit son dernier post.

Pour nous donner du cœur à l'ouvrage, je vous propose trois extraordinaires chansons qui, non contentes d'user mon iPod, partagent un certain nombre de qualités : électro-pop, chantées par des filles, aux refrains imparables et résolument hédonistes (que j'aime ce mot !). En trois tubes incontestables à défaut d'être de la toute première fraîcheur, voici donc un avant-goût de l'été. Soleil massif, marivaudage au Macumba et bière coulant à flot sur les T-shirts brûlants. Préparons-nous !

Sous influence directe de Blondie, et marchant sur les traces des regrettés Cardigans, voici les suédois de The Sounds - emmenés par la ravissante, horripilante et bisexuelle Maja Ivarsson. J'avoue ne pas bien connaître leur discographie mais il faut tout de même reconnaître que ce titre, Tony the Beat, qui date de 2006, est une vraie réussite, un de ces chansons dont on devient tout de suite addictif. Après une intro délicieusement bitchy (qui n'est pas sans rappeler les Ting Tings), arrive alors un refrain absolument dévastateur et qu'il est im-po-ssible de ne pas aimer instantanément.

This song is not for you lovers
Woo-oo-oo
Don't stop push it now
And I will give it all to you
Don't just stop now
And try to give it all up

The Sounds - Tony The Beat
OK, tout cela est flashy & superficiel et ne marquera sans doute pas l'histoire mais combien de groupes peuvent revendiquer de telles pépites pop et sucrées ?

Dans un registre très proche, on trouve ce groupe anglo-canadien qui répond au nom légèrement ridicule de Dragonette. Ils avaient apparemment jouï d'un excellent buzz en 2005 et leur premier gros single, I Get Around, ci-dessous, était attendu comme le Messie par la presse musicale anglaise. Las, malgré tout le battage médiatique dont ils ont fait l'objet, ce titre n'a pointé qu'à une piteuse 92e place avant de retomber dans un relatif anonymat.
Quel dommage ! Cette chanson si sucrée, si entêtante, au refrain simple et addictif (Here I come when I better go / I say yes when I ought to say no) méritait largement une place de #1 dans le monde entier. Les voies des charts et du succès sont impénétrables.

Dragonette - I Get Around
Et je mets également l'excellent remix qu'en ont fait les australiens de Midnight Juggernauts. Proche de l'original, un peu moins spontané peut-être mais plus orienté dancefloor. Très très efficace.

Dragonette - I Get Around (Midnight Juggernauts Remix)

Mes idoles du moment : l'inénarrable duo Sexy Sushi en tenue de scène

Pour compléter en finesse ces perles estivales, voici un titre inouï que je ne me lasse pas d'écouter depuis un mois : le flamboyant Enfant de Putain / Salope Ta Mère, signé par mes chouchous Sexy Sushi (pardon, Maman). Comme disaient les Inrocks la semaine dernière, à côté de Sexy Sushi, Orelsan c'est Soeur Sourire.

J'ai vraiment beaucoup écouté cette chanson et je cherche sérieusement à comprendre pourquoi elle me fascine autant, au-delà d'un certain plaisir, ouvertement infantile, à transgresser tous les interdits de langage. Par ce tombereau d'injures, je trouve que Rebeka Warrior explore de nouvelles manières de jouer avec le langage, se présentant ainsi comme une espèce de fille indigne de Georges Pérec. Une telle accumulation d'injures ordurières finit par vider les mots de leurs sens premier (un peu comme quand on répète un mot à l'infini, même le plus simple : au bout de 50 répétitions, il ne veut plus rien dire). Cette logorrhée, compacte et homogène, se mue au bout de quelques minutes en une étrange mélopée de laquelle plus aucune mot ne se détache vraiment. Enfin, c'est comme ça que je l'entends. Quoi qu'on en pense, cette démarche, passionnante et presque dadaïste, est tous cas très drôle. Sexy Sushi rules !

Sexy Sushi - Enfant de putain / Salope ta mère

Et je reparlerai très bientôt de cinéma sur ces pages. J'ai continué à voir beaucoup de films ces dernières semaines, de grands classiques à de superbes gialli en passant par de petites perles de série B d'horreur.
En guise de preview, voici quelques belles images de films qui m'ont particulièrement marqué récemment et dont je parlerai bientôt. Stay tuned!

Celui ou celle qui arrive à identifier les films dont sont extraites ces captures gagne un pin's parlant collector des Crados. A très vite !

Summer of 42

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sun, 26 Apr 2009 21:59:00 +0000

Un été 42
Robert Mulligan, 1971

Terminons en douceur cette semaine du sexe avec des propos plus émouvants, plus fleur bleue et surtout plus personnels. Vu aujourd'hui, Summer of 42 est peut-être un film quelque peu dégoulinant de bons sentiments et de bien-pensance, artificiel dans la construction de son histoire, manichéen dans sa peinture des personnages mais, pour moi qui l'ai vu à 14 ans pour la première fois, il reste avant tout un film doté d'une charge érotique inouïe et inoubliable. Adolescent, on ne remet pas si vite de ce genre de films.

Pitch : Hermie (Gary Grimes) a 15 ans et passe ses vacances chez ses parents au bord de la mer, avec deux copains de son âge. Leur principale préoccupation est évidemment les filles et, en toile de fond, la périlleuse quête de la perte de la virginité. Même si tout ce petit jeu se passe plutôt avec des filles qui leur sont contemporaines et qu'ils draguent au cinéma ou à la plage, Hermie paraît fasciné par une "vieille" de 25 ans : la belle Dorothy (Jennifer O'Neill), dont le fiancé vient de partir se battre (nous sommes en 1942, rappelons-le), et qui habite cette maison en bois au bord de la mer, isolée du reste du village. Sans bien savoir où il va, ne pensant jamais à mal, Hermie va petit à petit se rapprocher de Dorothy. Jusqu'à un fameux soir où il frappe à sa porte ...

En le revoyant ce week-end, j'ai d'abord vu dans Summer of 42 un propos qui m'avait échappé à l'époque, à savoir une peinture du mal-être de l'adolescence (je ne m'en rendais pas compte, j'étais en plein dedans !). Franchement, j'avais complètement oublié que le film parlait de ça, dans une veine très proche, bien que nettement moins intellectuelle, de Mes Petites Amoureuses de Jean Eustache.

Par des scènes conventionnelles, qui sonnent parfois très juste (les errances sur la plage, le cinéma, l'achat de préservatifs) ou parfois artificielles (la scène de nuit sur la plage avec les deux filles), Summer of 42 m'a rappelé à quel point l'adolescence est un âge difficile, que je ne souhaiterais revivre à aucun prix, l'âge où les aspirations sont grandes mais les moyens limités, où la concurrence est féroce, où personne ne se fait de cadeau, où tout le monde parle beaucoup plus qu'il n'agit ou ne sait, où on ne sait vraiment pas comment se positionner etc etc. Tous ces atermoiements, assez bien décrits, occupent en fin de compte les trois quarts du film jusqu'à cette fameuse scène qui m'avait tellement chamboulé à l'époque.

LA scène inoubliable de Summer of 42
Hermie s'est fait beau pour rendre visite à Dorothy. Personne ne répond quand il frappe à la porte. Il entre et, sur la table, entre un cendrier plein et une bouteille de whiskey, il découvre une lettre de l'armée qui annonce la mort au front du fiancé de Dorothy. Celle-ci sort alors de sa chambre, s'excuse de sa mine affreuse et se jette dans les bras d'Hermie qui n'ose piper mot.

... Gasp ! (et je m'en veux un peu de la qualité très moyenne de ces captures)

Voilà, comme vous pouvez le voir, tout cela n'est pas très explicite sexuellement, pas très bien éclairé ni même très bien joué mais je n'ai jamais pu oublier cette scène qui m'a hanté pendant de (trop) longues années. Il existe beaucoup de fantasmes féminins qui sont devenus comme des clichés et que l'on a pu voir maintes et maintes fois au cinéma : la jeune fille innocente et ingénue (avec la variante écolière aux socquettes blanches), la fille vulgaire et experte, la MILF assoiffée de sexe, les deux filles lesbiennes qui ne sont pas contre accueillir un homme dans leur lit, la soubrette/infirmière/doctoresse qui n'a pas froid aux yeux et tant d'autres qui font partie de l'imaginaire collectif mâle et hétéro.

Et bien pour moi, pendant longtemps, le fantasme ultime était Dorothy dans Summer of 42 : la femme inaccessible devenant accessible, plus âgée et donc initiatrice mais également la femme douce, aimante et prête à accueillir dans son lit un jeune homme de quinze ans qui souhaite avancer dans la vie tout en restant à l'écart de la brutalité si caractéristique de l'adolescence.

Suis-je le seul pour qui ce film a eu une influence fondamentale ?

Sexy Sushi

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sat, 25 Apr 2009 01:34:00 +0000

Hasard du destin ou puissance de l'inconscient, c'est en plein milieu de la semaine du sexe que je découvre un groupe absolument fabuleux qui répond au nom de Sexy Sushi. Ils sont deux, une fille (Rebecca Warrior) et un garçon (Mitch Silver), ils sont nantais et ils sont déjantés à un tel point qu'on peut s'interroger sur leur santé mentale.

Moi qui aime l'outrance, je suis vraiment servi avec cette electronica barrée aux textes d'un mauvais goût ahurissant. Les titres de leurs excellentes chansons sont déjà un vrai poème : Pétasse t'enflamme pas, Petit pd, Rien à foutre, Fautkjaretdeboire ou encore le flamboyant Enfant de putain/Salope ta mère (grâce auquel j'ai découvert le groupe - via le podcast des Inrocks).

Vue la thématique de la semaine, commençons par la chanson la plus cul, la bien nommée Sex Appeal, qui raconte l'invraisemblable histoire d'une rencontre de la chanteuse avec une policière branchée SM. Évidemment, tout l'attirail fétichiste de la femme-flic y passe : menottes, matraque, uniforme, latex etc. Un peu comme dans un film X, il n'y a pas vraiment de préliminaires et Sexy Sushi va droit au but dès le premier couplet :

Le sex appeal de la policière
Me fait mouiller, devant, derrière
Le sex appeal de la policière ...

Je lui demande ma direction
La policière est super canon
Elle m'amène jusqu'à sa maison
Et là j'enlève mon pantalon

La policière aux cheveux bouclés
Dans son uniforme, super moulée
Rend mes tétons tout pointés
Je prends mon pied, je prends mon pied

Elle m'attache avec ses menottes
La policière se déculotte
La policière a du chagrin
Et moi j'enlève mes escarpins

Sexy Sushi - Sex Appeal

A côté de cette première chanson, Pétasse t'enflamme pas sonne presque comme une tendre bluette. J'ai l'impression que cette chanson est un peu le tube de Sexy Sushi - en particulier dans la communauté lesbienne. Malgré une captation très mauvaise, la vidéo de cette chanson en concert est assez impressionnante (et je suis bien content d'avoir booké mes billets pour leur passage à la Maroquinerie le 7 mai).

On notera sur ce titre des taglines assez distinguées qui sonnent comme de vrais leçons de vie du style "L'important c'est d'être heureux / pour les salopes y compris" ou encore "Dans la vie faut se respecter / avec son cul on y arrive aussi".

Sexy Sushi - Pétasse t'enflamme pas

Rachida, mon p'tit chat
On termine avec Rachida que je trouve absolument sublime, ma chanson de l'année 2009 pour le moment. Si vous ne deviez en écouter qu'une, choisissez celle-ci ! Musique et paroles, ce titre est une tuerie et me rappelle, dans un autre genre, l'excellent Nicolas et Rachida de La Chanson du Dimanche. Je ne peux que me réjouir d'une chanson qui joue de manière si drôle avec l'image de Rachida Dati.

Plutôt que de nous servir une énième chanson engagée et moralisatrice sur notre ministre de la Justice en sursis ("On ne tire pas sur une ambulance" disait Bayrou hier matin), les trublions de Sexy Sushi ont une approche bien différente en regardant Rachida Dati à travers un prisme SM, fétichiste, sexuel et en fin de compte presque tendre et admiratif. Je trouve ce point de vue bien plus percutant. Franchement, le "Rachida mon p'tit chat", quelle belle trouvaille.

A bien regarder, j'aime ta position
Les jambes croisées, jupe et pantalon
A bien regarder, j'aime ta position
La justice garde les sceaux de la nation

Rachida, mon p'tit chat
T'as besoin que d'un seul doigt
Pour m'envoyer en prison
Me filer cent coups de bâton

Ca me donne envie de dominer
C'est tellement bon de tout contrôler
J'ai comme une soif de pouvoir
Qui me rend les choses obligatoires

Oh oui, oh oui je veux gouverner
Votez pour moi, vous serez recompensés
Je vais transformer le pays en charnier
Vous exploiter pour ensuite vous supprimer

Rachida, femme de loi
Je crois que je suis jalouse de toi
Moi aussi je veux être ministre
Délégation de l'Antéchrist

Ma première loi sera d'obliger
Les gens comme toi à se déshabiller
Ma deuxième loi en vigueur
De castrer tous les chasseurs

Sexy Sushi - Rachida

On pense évidemment à Yelle et TTC en entendant tout cela. Mais, personnellement, je trouve Sexy Sushi plus subtil (si si, j'insiste !) que ces derniers groupes et je les comparerais plutôt à Peaches (pour l'outrance), Stereo Total (pour le côté punk) ou Miss Kittin & The Hacker (pour le côté porno pas chic).

Bon et je m'arrête là car quand je relis les mots employés dans ce billet, je me dis qu'on pourrait croire que j'ai le syndrome de la Tourette. Allez, une dernière saillie pour la route : "J'ai sodomisé un louveteau / Avec un manche de marteau" (sur la chanson Hibernatus). Oh mais sérieux, qui écrit aujourd'hui des textes aussi subversifs ? Qui peut revendiquer une telle trash-attitude ?

Nude on the Moon

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Wed, 22 Apr 2009 23:54:00 +0000

Doris Wishman et Raymond Phelan, US, 1961

Semaine du sexe encore et toujours avec une curiosité de 1961 qui enfonce allègrement toutes les limites du bon goût : Nude on the Moon, dont wikipedia me dit qu'il a acquis un statut de film culte. Oh ? Même si ce n'est pas le plus mauvais film du monde, je n'ai jamais rien vu d'aussi crétin.

Pitch : deux nigauds touchent un héritage ("one million dollar !") et décident d'utiliser cette somme pour construire une fusée qui doit les emmener sur la Lune. Bien qu'ils aient l'air complètement incompétents, qu'ils ne soient que deux et que leur bureau ressemble plus à un labo de TP de chimie de collège qu'aux usines de la NASA, ils réussissent dans leur entreprise et posent le pied sur la Lune, mettant ainsi fin à un préambule ultra-lourdingue qui dure tout de même une bonne demi-heure.

Grosse surprise en alunissant : l'atmosphère est respirable (ils gardent quand même leurs casques, on ne sait jamais), la végétation est luxuriante, et surtout la Lune est un gigantesque camp naturiste peuplé de créatures dénudées qui communiquent entre elles via des antennes qu'elles ont sur le crâne. Après avoir pris plein de photos, nos deux andouilles ne vont finalement pas s'attarder sur la Lune, et l'un deux aura même connu un début d'idylle avec la cheftaine du camp. De retour sur Terre, ils se rendent compte qu'ils ont oublié leur appareil photo sur la Lune : caramba, il va falloir qu'on les croit sur paroles. Vu leurs têtes d'idiots du village, ce n'est pas gagné !

Le film date de 1961 et à cette époque, le code Hays se fendille doucement et les nudies commencent à fleurir dans les salles spécialisées. Sous le prétexte d'être des documentaires sur des camps naturistes, ces films étaient en fin de compte des catalogues animés de filles nues, sans recherche de scénario. On ne peut que saluer la volonté de Doris Wishman (une femme !) de vouloir marier le genre nudie avec la science-fiction, dans un but évident de sortir ces films du ghetto dans lequel ils étaient enfermés.

Vous les avez reconnus ? Mais oui, c'est les deux mecs de Daft Punk ! Notons l'étanchéité exemplaire de ces combinaisons spatiales.
Ceci dit, j'aime bien ce plan, le seul que je sauverais du film.

Donc on salue l'initiative mais au final, le résultat est une vraie catastrophe, sans aucun moyen, sans idée, sans poésie et parfaitement sans intérêt. Ce qui est consternant, c'est de voir que ces filles ne sont même pas jolies ou appétissantes. Regarder Nude on the Moon, c'est un peu comme feuilleter un Playboy : c'est sympa au début mais au bout de 2 minutes, soit on souhaite en voir plus, soit on souhaite passe à autre chose mais en aucun cas on a envie de continuer à regarder ces filles aussi excitantes que Roselyne Bachelot.

Nude on the Moon film culte ? Encore un complot du lobby des snobs de la série Z !

Sur son trône, voici la cheftaine du camp ...

... qui connaîtra une romance de courte durée avec Jeff

Ca glande dans tous les coins

Bains publics

Saurez-vous retrouver les 666 différences entre la fusée au décollage et à l'alunissage ?

Deux allusions phalliques qui m'ont frappé par leur subtilité

Après cette épopée, le brave Jeff ne verra plus jamais son assistante de la même manière

Glauque et sexy

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Tue, 21 Apr 2009 23:57:00 +0000

On continue la semaine du sexe en musique avec trois groupes qui ont un certain nombre de points en commun : ils sont français, ils aiment la musique électronique mais pas uniquement, ils s'habillent en noir et, surtout, ils nous proposent des pochettes de disques fortement suggestives et qui dégagent un érotisme sombre et légèrement glauque.

Poni Hoax
Je suis content de pouvoir poster ici cette chanson que je dois écouter 10 fois par jour depuis que j'ai vu ce groupe en concert il y a trois semaines. Derrière le nom Poni Hoax se cachent cinq dandy, à l'attitude résolument punk et qui dégagent sur scène une présence forte, sombre et très élégante. Mais Poni Hoax n'est pas qu'un groupe d'image comme le prouve cette extraordinaire chanson qui n'est plus toute jeune (elle date de 2006) mais dont je ne me suis pas encore remis.

J'adore la manière dont Budapest se complexifie avec l'arrivée progressive des différentes couches qui la composent : basse et simple kick pour débuter, suivis par la voix sombre et sexy d'Olga Kouklaki, légères touches de guitare, arrivée de violons mélancoliques, thème de synthé imparable etc etc. Sur ce titre pourtant orienté électro, je suis ultra-fan de la ligne de batterie (pas de boîtes à rythme ici) qui sonne divinement bien, martiale et solide, mais pleine de roulements très jouissifs, surtout à partir de 1'40. Au fur et à mesure que la chanson avance, la tension monte, la chanteuse s'énerve superbement, les synthés deviennent abrasifs et Budapest se termine par un final très noisy et apocalyptique.

Ce titre est un indiscutable chef-d'oeuvre, un sérieux prétendant au titre de plus belle chanson pop de tous les temps.

Poni Hoax - Budapest

Scratch Massive
On continue dans l'électro sombre, racée et sexy avec le duo parisien qui répond au nom très efficace de Scratch Massive et qui affolent les dancefloors du monde entier depuis près de dix ans. Nous sommes ici loin d'un certain hédonisme Sea, Sex & Sun mais plutôt dans l'obscurité moite d'une back-room glauque peuplée de clubbers gavés au MDMA. Je vénère ce groupe.

Je n'arrive pas à choisir parmi tous les titres de Scratch Massive que j'adore alors j'en mets cinq. Que ce soient des versions originales ou des remix, tous ces morceaux sont de vraies tueries. Commençons avec le single Girls on Top : démarrage sur-efficace, paroles explicites et prodigieuse rupture de rythme à 1'20.

Scratch Massive - Girls on Top

On continue avec Make It High, dans sa version originale d'abord (refrain im-pa-ra-ble à 1'45), puis sous la forme d'un remix très pop et presque joyeux (Showgirls Remix), et enfin une autre relecture (Sex Schön Remix), très orientée dancefloor et non moins efficace (la fin est un peu bizarre parce que ce titre vient d'une compilation mixée). Je suis épaté de voir à quel point ces trois versions d'une même chanson sont différentes les unes des autres.

Scratch Massive - Make It High

Scratch Massive - Make It High (Showgirls Remix)

Scratch Massive - Make It High (Sex Schön Remix)

On termine avec Shining In My Vein, un titre nettement plus deep, encore plus sombre, à jouer dans le noir total, à l'heure où les corps torrides se frottent dans une grande communion extatique. Notez ce break de toute beauté à 1'40.

Scratch Massive - Shining In My Vein (Manthraxx Mix)

Black Strobe
Voici pour finir les deux tueurs de Black Strobe : Arnaud Rebotini et Ivan Smagghe (pour être précis, ce dernier a quitté le groupe qui s'est maintenant transformé en quatuor rock assez bourrin).

En dix ans d'existence en tant que duo, Black Strobe n'a produit qu'une poignée de maxis mais chacun de leurs titres atteint un tel niveau de perfection qu'on ne pourra pas leur reprocher leur paresse - et il faut savoir que chacun d'eux poursuivait en parallèle une intense activité de DJ et de remixeur.

Me & Madonna est un des titres les plus connus de Black Strobe, l'hymne du mouvement electroclash. Derrière de séduisantes paroles ("Madonna is in love with me / Me and Madonna / It's so sweet to be with you / You're my silicon love"), la mélodie est redoutablement efficace et ces synthés franchement réjouissants - comme toujours chez Black Strobe.

Black Strobe - Me and Madonna

Sur Innerstrings, je suis fasciné par la mise en place de la chanson. Comme souvent en électro, les couches se rajoutent les unes aux autres pour arriver, à 1'15, à ce que je considère comme la boucle électro parfaite : batterie lourde, basse disco, synthés 80s. Franchement ils pourraient faire une chanson en n'utilisant que les 15 secondes entre 1'15 et 1'30 et je la considérerais toujours comme parfaite.

Black Strobe - Innerstrings (Original Mix)

Et on termine avec Nazi Trance Fuck Off, une chanson qui me plait particulièrement par son outrance : mauvais goût assumé du titre (qui est un hommage direct à Nazi Punk Fuck Off des Dead Kennedys), sècheresse de la construction (la chanson ne varie guère en 10 minutes) et surtout une vraie radicalité dans la violence qui en émane. Je trouve que ce titre est en fin de compte proche du punk voire du metal - Black Strobe ne s'est d'ailleurs jamais caché de ces influences et ils définissent leur musique comme de l'Italo-Disco-Goth. J'adore ! Notez l'hallucinante fin de break à 5'30.

Black Strobe - Nazi Trance Fuck Off

Et je suis ravi de voir que la semaine du sexe a été lancée pour de bon sur le blog de Vodkaster via un inévitable TOP 5 cochon, ainsi que sur le blog d'Henry Michel, via une intéressante chronique de Rock'n'Roll Rocco, un film réalisé, scénarisé, joué et produit par Rocco Siffredi, et qui m'a l'air assez godardien en effet.

Extase

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Mon, 20 Apr 2009 23:17:00 +0000

Extáze / Ecstasy
Gustav Machaty, Autriche / Tchécoslovaquie, 1933

Commençons cette semaine dédiée au sexe par un film fondateur, Extase, qui a marqué l'histoire du cinéma en représentant pour la première fois la nudité féminine associée au plaisir charnel. Il s'agit bien d'une première pour un "vrai film" (j'exclus les films érotico-pornographiques apparus dès l'invention du cinéma, joués souvent par des prostituées et qui ne sortaient jamais des maisons closes dans lesquelles ils étaient tournés - ces films ont pour la plupart disparu).

Pitch : Extase s'ouvre sur la nuit de noces entre la toute jeune Eva (Hedy Lamarr) et Emil, un vieil homme assez peu glamour. Celui-ci n'essaie même pas de connaître sa femme (au sens biblique du terme), ni le premier soir ni les suivants. Eva, bien dépitée, se sépare assez vite de son mari pour retourner chez son père à la campagne. Lors d'une baignade en tenue d'Eve justement, elle rencontre un bel ingénieur nommé Adam (!) qui saura lui apporter le plaisir sexuel qu'elle devinait possible sans le connaître. Toute chamboulée par cette première nuit, Eva rejette son mari qui tente un improbable come-back et finit même par abandonner son amant pour commencer une nouvelle vie qui s'annonce bien prometteuse maintenant qu'elle a été éveillée aux plaisirs de la chair

La baignade
Avant d'avoir vu le film, j'avais déjà entendu parler de la fameuse séquence de la baignade dans laquelle Hedy Lamarr est totalement nue. Alors sans plus attendre, je vous en propose quelques images (attention, couchez vos enfants et/ou vérifiez que votre boss n'est pas derrière vous avant de regarder ces photos incroyablement licencieuses).

1. Eva se baigne nue dans le lac

2. Elle a posé sa robe sur sa jument

3. Voilà, elle se baigne donc.

4. Mais sa jument est parti voir un étalon (<= symbole)

5. Elle court pour rattraper son cheval

6. Mais son cheval (et donc sa robe) est déjà loin

7. Heureusement, un homme parvient à l'arrêter

8. Mais Eva panique de se sentir ainsi nue devant un homme

9. Et elle fuit à nouveau à travers bois

10. Ce qui amuse l'homme

Eva nue et désarmée

Outrageux n'est-ce pas ?

L'orgasme
L'autre scène scandaleuse du film (et qui je pense lui donne son titre) est la première scène d'amour entre Adam et Eva. Là, aucune chair n'est montrée et nos personnages restent habillés mais le film a l'audace de nous montrer, en gros plan, le visage d'Eva s'abandonnant totalement au plaisir.

1. Arrivée d'Eva chez Adam (quel éclairage !)

2. Un autre plan suprenant

3. Ils s'embrassent

4. Adam descend le long d'Eva

Cette scène est très marquante car elle s'affranchit de toute représentation explicité des corps, de toute chorégraphie sexuelle, pour ne se concentrer que sur l'orgasme qui se lit sur le visage d'Eva. Tout cela est troublant il faut bien l'avouer - bien plus que la séquence de la baignade, que je ne trouve pas très subtile (bien que non dénuée d'un certain charme champêtre).

Et sinon ?
Au-delà de ces deux scènes scandaleuses pour l'époque, Extase se révèle être un film très surprenant : si le fond du propos n'est en fin de compte pas très éloigné de celui de l'Aurore de Murnau, Gustav Machaty impose à son film un parti-pris formel très marqué. Extase est truffé de gros plans fétichistes (sur des objets anodins, une main, un collier, un verre, une cigarette), de cadrages de guingois ou encore de contre-plongées très appuyées. Si on ajoute à cela un vrai talent pour l'éclairage de ces scènes, on obtient un film qui est très proche de l'expressionnisme allemand.

Et puis ajoutons que Hedy Lamarr est une très belle femme, qu'on voit évoluer psychologiquement et physiquement tout au long du film. De la jeune fille pleine de naïveté du début du film, elle devient à la fin une femme sûre d'elle même, de ses envies sociales et de ses désirs charnels : non au mariage, oui à la jouissance sans entrave. En fin de compte, c'est peut-être ce propos qui a choqué.

Si vous avez un peu de temps à tuer, je vous conseille de lire l'étonnante biographie de Hedy Lamarr qui, après ce premier rôle dont il ne doit pas être facile de se défaire, s'est ensuite mariée avec un autrichien qui est devenu nazi, a fui l'Autriche, a connu une carrière fort honorable à Hollywood, s'est lancée dans la recherche en physique et a découvert une espèce de méthode de cryptage utilisé pour le guidage de missiles et plus tard pour le protocole Wifi grâce auquel vous lisez ces lignes. Elle a fini sa vie dans les tribunaux pour vol à l'étalage !
Un vrai scénario de film. A quand un biopic sur la sublime Hedy Lamarr ?

La semaine du sexe

noreply@blogger.com (Marivaudage) — Sun, 19 Apr 2009 21:26:00 +0000

Sur les bons conseils du sémillant Henry Michel, qui a un avis sur tout, je vais tenter de lancer la semaine du sexe sur ce blog. Je ne peux que me sentir solidaire de ce genre d'initiative, à savoir de sortir la représentation de la sexualité d'un certain ghetto dans laquelle elle est enfermée.

En ne regardant que le cinéma, on se rend compte que tous les "genres", même les plus obscurs, ont tôt ou tard été traités de manière intelligente par de grands réalisateurs qui ont donné à chacune de ces sous-catégories de cinéma leurs lettres de noblesse : la science-fiction par Stanley Kubrick, le cinéma d'horreur par Dario Argento ou Peter Jackson, l'ultra-violence par Martin Scorsese, les films de kung-fu par John Woo etc etc.

La seule catégorie qui me paraît résister au bon goût et au talent est la représentation explicite de la sexualité. C'est d'autant plus étonnant que nous sommes tous concernés par cette thématique - contrairement aux westerns ou aux films de zombie par exemple, qui ne peuvent nous toucher qu'indirectement. J'avoue n'avoir toujours pas trouvé d'explication satisfaisante à cette anomalie : pourquoi les films sexuellement explicites sont-ils en général si laids, si vulgaires et en fin de compte si peu excitants ?

Je n'arriverai sans doute pas à trouver la réponse mais, en attendant, mon objectif pour cette semaine est donc d'écrire ~~un article par jour~~ au moins 4 articles sur des films ou de la musique qui ont un rapport avec l'érotisme, la pornographie ou tout représentation "artistique" de la sexualité. Mon but ne sera pas de dresser une histoire objective de l'érotisme au cinéma (je suis loin d'avoir vu suffisamment de films - surtout dans ce domaine) mais plutôt de parler de quelques films qui m'ont touché, interpellé ou repoussé dans leur approche de la sexualité. Et bien sûr de poster quelques images représentatives.

Laura Elena Harring et Naomi Watts dans Mulholland Drive
(et en haut à gauche : Michèle Mercier dans Tirez Sur Le Pianiste de Truffaut)

Ce blog sera donc réservé à un public averti dès demain et jusqu'à dimanche prochain. Enjoy !