Memorias de una cinta VHS

Scooby-Doo siempre se cuela en la loca fiesta de Simple Plan

2026-10-28T00:00:11.303+01:00

Dicen que la edad es un número. También dicen que una de las crisis en la que los hombres sufren más es la de los 50. Justo la cifra a la que van en camino los 'niños' de cuarenta y tantos que forman Simple Plan, quienes se conocieron en la escuela secundaria y llevan media vida juntos con la mochila cargada de ilusión y discos, nada menos que seis de estudio.

Simple Plan es la inmadurez convertida en música. La juventud al poder con un eterno Síndrome de Peter Pan. Un verano que no tiene fin encima de un monopatín. Música que invita a la positividad, aunque en el trasfondo esté presente la angustia y la frustración propia de la adolescencia. La paradoja mental de crecer.

Hace un año, Simple Plan tocó en España de la mano de The Offspring, hermanos mayores de este movimiento musical. Ahora han venido a Madrid como primeras espadas a la Plaza de Toros de Vistalegre bajo un sugerente nombre para la gira como 'Bigger Than You Think'.

Simple Plan + Neck Deep + Charlotte Sands en el Palacio Vistalegre (Madrid), 27 de octubre de 2026

El lema era cierto: "más grande de lo que piensas". El pop-rock eurovisivo de la artista Charlotte Sands —con su característico pelo azul como un personaje de anime japonés— y los británicos Neck Deep abrieron la noche. Estos últimos con su punk popero muy influenciado por Green Day y una desbordante energía a cargo del guitarrista Matt West.

A las 21:20h saltaba el cuarteto de Montreal encabezado por el siempre divertido Pierre Bouvier. Sonaban I'd Do Anything, Nothing Changes, Shut Up!, Jump, que provocó saltos colectivos como si se tratara de un número circense, Jet Lag o Addicted. El inicio era repasar la playlist de cualquier representante de las generaciones X,Y y Z, y porque el alfabeto termina ahí. Tampoco su repertorio.

Simple Plan siempre se ha movido con alegría entre el pop y el punk, dos extremos que parecían irreconciliables y que viven una noche de baile de fin de curso con estos canadienses. El repaso era antológico: Welcome To My Life, número uno en España en 2004, tenía que aparecer para dinamitar todo.

Summer Paradise era una tarde eterna al sol con amigos en la playa coreando Pedro a su amado Pierre, y Untitled (How Could This Happen To Me?) ponía el contrapunto con su melancolía trágica. Una hermosísima balada a piano interpretada con la dulzura que se merece y desde el fondo del escenario, junto a un graderío que veía embobado cómo Pierre trepaba hasta los vomitorios entonando el Million Pictures Of You. Esta escena hizo que el mayoritario público joven tomara sus selfis y vídeos ante su cercanía.

Los temas iban apareciendo de manera íntegra: Astronaut demuestra lo bien que se mueven estos norteamericanos con las baladas y los medios tiempos. O en pequeñas píldoras: como los popurrís de All Star de Smash Mouth, Sk8er Boi de Avril Lavigne o el Mr. Brightside de The Killers, anticipando a ese cachondo momento que es el What's New Scooby Doo?, el tema con el que la Warner Bros relanzó la serie animada Scooby Doo con Simple Plan como ejecutores en 2002, y que con el paso del tiempo se ha convertido en un baile de disfraces sobre el escenario. La primera parte de la fiesta la cerraba Where I Belong tras esta catarsis grupal.

El bis contenía alguno de los éxitos más populares de la formación en estas casi tres décadas de música que les ha permitido arrastrar a muchos seguidores y ahora sumar a la nueva hornada surgida al calor de TikTok y los videojuegos. Por todo ello I'm Just A Kid era coreada y alargada al máximo. Chuck Comeau cedió las baquetas y se enfundó la camiseta de la selección de España de fútbol, mientras Jeff Stinco y Sébastien Lefebvre seguían con sus cuerdas, ajenos al ir y venir de su batería surfeando en volandas en la pista.

Tras ella llegaba la sanadora This Song Saved My Life que sirve de salvavidas emocional para esos pozos de depresión por los que podemos llegar a caer.

Ya son adultos y tampoco pretenden ser perfectos. Incluso habrá quien los tilde de comerciales o más pop que punk, pero demostraron que buscan la perfección a su manera. Con Perfect cerraron de nuevo en Carabanchel, dejándonos con una sonrisa nostálgica y la hermosa sensación de haber regresado, por un instante, al lugar donde las preocupaciones eran cosas de niños. Lo sentimos, no pueden ser perfectos, pero intentaron entretener, justo el mismo objetivo que esta crónica.

A Oasis, Kurt Cobain y a Charlize Theron les encantaba Teenage Fanclub

2026-10-15T23:31:21.814+02:00

No todo el mundo puede presumir de recibir halagos de los hermanos Gallagher, especialmente de Liam, cuando dijo que Teenage Fanclub era la "segunda mejor banda del mundo" por detrás de Oasis, obviamente. No es la única estrella que elogió a esta formación escocesa. Hasta Kurt Cobain se refería a ellos como "la mejor banda del mundo", ni siquiera nombraba a Nirvana en la ecuación. Cumplidos de calidad.

Aún así, Teenage Fanclub es uno de esos grupos de culto que contó con su mayor impacto comercial en la década de los 90, justo en la época en la que otros compatriotas recibían la misma atención del público: Simple Minds, que ya venía de romperla en los ochenta, Garbage -al menos su cantante Shirley Manson-, Texas, The Almighty, Travis, The Jesus And Mary Chain... Escocia estaba de moda en los 90. 'Braveheart' también ayudó en esa reconquista de su espacio.

Teenage Fanclub practica una música sanadora, un cruce entre el rock y el pop, entre lo indie y el folk. Un bonito barco de madera flotando entre aguas tranquilas. Una relajada merienda bajo unos rayos de sol en la Isla de Skye. Un sorbo de whisky al caer la noche. Los Beach Boys cambiando California por las Highlands. Eso es Teenage Fanclub.

Teenage Fanclub + Euros Childs en la Sala Lab/Wagon (Madrid), 15 de octubre de 2026

En realidad queda muy escocés celebrar un concierto encima de la Estación de trenes de Chamartín. Un lugar idóneo para hacer 'Trainspotting' mientras alimentas tus adicciones, en este caso la música y nada menos que un repaso a la extensa discografía de la formación, desde 'A Catholic Education' (1990) hasta 'Do Not Dare To Dream' (2026).

Antes había sido Euros Childs, el galés que toca los teclados y canta para los propios TFC, el que dio la bienvenida a los primeros seguidores de la tarde. Minimalismo absoluto. Todo quedaba en casa en esta gira europea con un telonero tan familiar.

Teenage Fanclub posee muchas particularidades, como el hecho de contar con varios miembros asumiendo el rol de vocalista, según el tema que se toque y un repertorio que ha ido variando el orden según la ciudad en la que tocaran, algo que se agradece en un panorama donde parece que muchas bandas descargan lo previamente grabado, por todo ello es un placer ver y oír las cuerdas de Norman Blake y Raymond McGinley.

It's All In My Mind, About You, Tired Of Being Alone, Alcoholiday, Tomorrow People, entre otras, representando esta última a lo más reciente de la cosecha del grupo, iban cayendo en el setlist elegido para Madrid casi sin mediar palabra, con ese aspecto de profesores de universidad que exhiben ahora. Reservados y callados, pero con una excelsa ejecución para que hablen los instrumentos. Pocas palabras y mucha música.

Era el momento de The Concept, ese tema que escuchaba el personaje de Charlize Theron en un bucle obsesivo durante la película 'Young Adult', la cual habla de idealizar y añorar el pasado mientras no se avanza en el futuro. Nostalgia pura. Una bonita metáfora para esta hermosa pieza que podría haber sonado constantemente esta noche.

Llegaba el desenlace con Neil Jung, Can't Feel My Soul y Everything Flows para cerrar, el mismo broche que en el resto de ciudades de la gira, aunque hayan cambiado el orden de las canciones en casi todos los conciertos, evidenciando que todo fluye en su luminosa música, por algo le gusta al mismísimo Liam Gallagher.

La cuenta atrás nunca termina: Europe celebra 40 años de The Final Countdown

2026-10-11T00:45:49.717+02:00

No hay nada como estar en el momento justo y el lugar adecuado. Suecia posee muchísima tradición musical, especialmente desde que ABBA se coronara como reyes del pop, después llegaría el dúo Roxette, el indie de The Cardigans y el ritmo más bailable de Ace Of Base. Entre medias se colaba el rock melódico de Europe y un sinfín de artistas relacionados con el dance y el metal: desde Avicii o Swedish House Mafia a Ghost u Opeth. Un país donde se aprecian los buenos discos sin importar el estilo. Y ahí, en casa, es donde despuntó Europe en sus dos primeros trabajos.

El tercer álbum llegó en el instante oportuno. A mediados de los 80 el rock era popular. A mediados de los 80 el pelo largo era atractivo. En cualquier momento un hombre sueco joven con el pelo largo iba a ser popular y atractivo. Este quinteto de nórdicos conquistaban Europa, haciendo honor a su nombre, y particularmente a España, con un hard rock muy accesible, similar al que ejecutaban Bon Jovi o Whitesnake, cuyas fotografías empezaban a compartir espacio en las paredes de muchos adolescentes.

'The Final Countdown' (1986) fue un éxito absoluto. Un trabajo notable con un ramillete de temas muy interesantes por parte de un grupo que ha luchado muchas veces por no ser considerado un One Hit Wonder, es decir, una banda a la que solo se le conoce por una canción, la cual pudo quedarse escondida en un cajón acumulando polvo y que pasó a ser todo un icono global.

Con motivo de los 40 años de la publicación de 'The Final Countdown' y después de idas y venidas de los integrantes y de silencios creativos, Europe se ha embarcado en una gira para recordar los grandes éxitos, interpretar entero su mejor vinilo, uno de los más importantes de aquella era, para cerrar el espectáculo con un himno Patrimonio de la Humanidad. Un plan perfecto.

Europe + The Damn Truth en La Cubierta de Leganés (Madrid), 10 de octubre de 2026

El hard rock con aroma añejo de los canadienses The Damn Truth precedía a los escandinavos en una noche de sonidos de otras décadas, aunque Europe también quería mostrar en el coso de La Cubierta de Leganés, en esta ocasión parcialmente descubierta, lo que han sido capaces de hacer desde 2003, cuando volvía la alineación clásica con Tempest, Norum, Levén, Michaeli y Haugland para firmar una segunda etapa muy desconocida para el gran público.

La guitarrera Scandinavian Eyes, sacada del 'Come This Madness' (2026), y con ramalazos a lo Medina Azahara o Triana en los teclados y orquestación, ejercía de tarjeta de presentación de los suecos junto a Walk The Earth, otro corte moderno y sinfónico, de 2017, con el objetivo de mostrar su más reciente legado.

Superstitious tiene un estilo descaradamente ochentero y un aire a Whitesnake en el tono de voz de Joey Tempest muy parecido al de David Coverdale. El viaje de vuelta al siglo XXI se realizaba con Last Look At Eden, menos épica que en estudio, y War Of Kings recordaba que no siempre han abrazado el rock más melódico y a veces se han pasado a un lado más experimental e incluso progresivo, gracias a las seis cuerdas que tan bien toca John Norum.

Prisoners In Paradise se asomaba como una cara conocida en la fiesta ante los menos conocedores de la discografía de la banda. Un bonito medio tiempo que arrancaba sin guitarras y encajaba bien con las pegadizas The Cult Of Ignorance —con trazas de Def Leppard en los coros— y On Broken Wings, una antigua cara B de 1986, para que hubiera un poco de cada.

Era el instante del concierto en el que un radiocasete imaginario se ponía en marcha para darle al reproductor y tocar 'The Final Countdown' en el mismo orden que la obra original, solo que empezando por Rock The Night y siguiendo con la grandísima balada Carrie, aunque los mecheros iluminados hayan sido sustituidos por luces artificiales de móvil. Estéticamente hemos perdido, aunque se haya ganado en seguridad.

Danger On The Track ofrecía un divertido número teatral y humorístico, como si el quinteto estuviera en un local de ensayo, con el personal de la gira apareciendo para ofrecer comida, cambiar el pie del micrófono, con el que Joey Tempest jugaba como si fuera una majorette, o incluso los platos de la batería.

La aplaudida Ninja, junto a Cherokee, con una atmósfera muy a lo Van Halen, tenía su contrapunto en Time Has Come, con Tempest luciéndose con la guitarra acústica. Ahora Heart Of Stone, On The Loose y Love Chaser no cerraban el álbum, porque el último brindis estaba reservado desde hace mucho tiempo.

La cuenta atrás marcaba el desenlace con este regreso a mediados de los 80, como si fuera un DeLorean, a través de este himno atemporal e intergeneracional que suena a otra época, por ejemplo a las campanadas en Estocolmo en el fin de milenio, porque The Final Countdown es una radiofórmula eterna con su mítico estribillo que seguro estás tarareando en este instante, aunque no hayas estado esta noche en Leganés.

Pasaron 30 años, sin Placebo y sin móviles no somos nadie

2026-10-01T23:48:45.875+02:00

Dicen que hay que volver al sitio donde uno fue feliz: a veces no es solo el lugar, son las sensaciones. Dicen que un placebo es una sustancia o tratamiento sin valor médico que te hace mejorar porque crees que funciona.

El grupo Placebo siempre funcionó muy bien, desde sus inicios, creando maravillosas sensaciones con un rock alternativo en ocasiones muy melancólico pero que ha hecho muy feliz a sus seguidores. Ahora, 30 años después de su homónimo álbum de debut, Brian Molko y Stefan Olsdal nos devuelven a su pasado discográfico, al espacio donde fuimos felices.

Placebo + Elisabeth Elektra en el Movistar Arena (Madrid), 1 de octubre de 2026

La idea de Placebo para este tour no es novedosa. Molko y Olsdal quieren homenajear estas tres décadas sobre los escenarios tocando canciones de sus dos primeros trabajos: 'Placebo' (1996) y 'Without You I'm Nothing' (1998), con el que sedujeron al mismísimo David Bowie, casi nada. Y eso son palabras mayores, porque el éxito ha sido vasto y a la vez comedido. Nunca han llenado estadios ni su merchandising ocupa millones de estanterías, pero su calidad es incuestionable. Una banda de culto masivo. Un 'mainstream' entre minorías, especialmente fuera del Reino Unido. La contradicción por bandera, como una pastilla no hecha para curar, pero que cura. Es decir, un Placebo.

Uno no sabe cómo actuar cuando escucha a Placebo. No sabe si reír, si llorar, si mirar al infinito o las tres cosas a la vez. El Movistar Arena, antiguo WiZink Center y perpetuo Palacio de los Deportes, recibía al belga de nacimiento, nacionalizado británico y estadounidense, Brian Molko, y al sueco más madrileño del planeta, Stefan Olsdal. Tan internacionales como algunos de sus temas.

El electropop de la escocesa Elisabeth Elektra precedía al repaso por los dos primeros álbumes de Placebo, como si fuera 1998 de nuevo y el nuevo milenio nos estuviera esperando. Sin móviles. Una exigencia habitual del grupo y que esta noche adquiría un especial sentido por este imaginario retroceso en el tiempo a 1996. Disfrutando del momento y la gente aceptando el reto de no sacar fotos ni grabar vídeos. Disfrutando de los primeros acordes de Pure Morning, con el que iniciaban el homenaje a los exitosos comienzos de la formación. Desde el estilo más sucio e influenciado por el grunge de 'Placebo' al más melancólico y maduro del 'Without You I'm Nothing'.

Sonaban Come Home, You Don't Care About Us, Bionic, con ese maravilloso solo de guitarra tan noventero y tan propio de la música que se cocinaba en Seattle en aquel momento, Without You I'm Nothing, palabras mayores ante esta maravilla, Allergic, un casi irreconocible 36 Degrees con un tempo muy distinto y ese registro tan personal que tiene Brian en su voz... si fueran jugadores de baloncesto, el Movistar Arena estaría viviendo un partido de las estrellas. Un All-Star Game en toda regla. Molko y Olsdal se intercambiaban los papeles y guitarras constantemente, con unas perennes reivindicaciones tanto políticas, con guiños a Palestina o Ucrania, como sexuales, suponiendo otra de las firmas habituales de la dupla, cuyo aspecto andrógino y ambiguo ha arrastrado tanto fieles como detractores.

La lista no paraba: I Know, que mejora en directo con los años y es otra de las cualidades de este dueto en la actualidad, aunque convertido en sexteto para el tour, porque dan un toque distinto a sus temas en vivo que en el estudio. Lo cual se agradece y es casi una rareza en un panorama musical más dado a llevar partes pregrabadas que a interpretar de otro modo sus propias canciones.

Era el momento de las piezas menos habituales de estas décadas y que han recuperado su hueco en el repertorio para lucirse como se merecen: Scared Of Girls, la destructiva y a la vez reparadora My Sweet Prince, Lady Of The Flowers, la reciente Helen Keller, que ahora sale a la palestra como nuevo single tras haber sido una pista oculta. Mientras que Bruise Pristine y Nancy Boy aceleraban el espectáculo a su primer final.

El bis concluía con el guitarreo espectacular de Every You Every Me y dos versiones clásicas, ahora llamadas covers para que parezcamos más modernos: el erotismo de I Feel You de Depeche Mode y el que usan para cerrar los shows, que no es otro que el embrujador Running Up That Hill de Kate Bush, el cual bordan espectacularmente, como todo lo que tocan Molko y Olsdal. Un par de reyes Midas que no paran de recetarnos su mejor medicina en píldoras musicales desde 1996, cuando apenas había móviles.

The Sisters Of Mercy: himnos oscuros que no pierden el tren

2026-09-25T00:08:36.653+02:00

The Sisters Of Mercy pertenecen a ese selecto grupo de bandas que pueden presumir de ser un referente en su género. Y es que aunque al cantante británico Andrew Eldritch, único miembro original de la formación, no le guste la etiqueta, el rock gótico debe mucho a Sisters, como se lo debe también a Bauhaus, The Cure, Siouxsie and the Banshees o Fields of the Nephilim.

Otra de las curiosidades de los Sisters es que sobreviven gracias a su patrimonio musical. Un legado que no es amplio, de apenas tres álbumes de estudio, pero que ha seducido a varias generaciones con su atmósfera oscura y envolvente. Es más, el último trabajo es el 'Vision Thing' (1990). Más de siete lustros viviendo de las rentas sonoras, como un buen ahorrador que invirtió bien sus dividendos.

The Sisters Of Mercy + Real Farmer en la Sala Wagon (Madrid), 24 de septiembre de 2026

La Sala Wagon, situada en el ático de la Estación de tren de Chamartín, fue en el pasado la mítica Sala Macumba. Una curiosa metáfora de la trayectoria de The Sisters Of Mercy, legendarios hasta finales del milenio y con una fiel legión de seguidores, siempre teñidos de negro, que no abandonan a la hermandad.

Pero primero fueron los neerlandeses Real Farmer los encargados de comprobar el estado del local y del público con una ejecución muy heredera del punk y una actitud rebelde que recordaba por momentos, en el plano estético, a Eddie Vedder en los primeros Pearl Jam. Cumplieron, sin más.

Después le tocaba el turno a los hombres de oscuro —en este caso los guitarristas Kai (japonés) y Ben Christo (inglés), acompañados por el propio Andrew, cómodo e incluso sonriente—, quienes, lejos de ser previsibles, tiraron de un repertorio en el que se mezclaban los himnos de toda la vida, rarezas y alguna joya que nunca ha entrado en ningún disco oficial.

First And Last And Always era la primera de una sorprendente lista donde se cruzaban obviedades como la minimalista y contundente Alice, siempre muy celebrada, junto a piezas más inéditas con una gran melodía como Don't Drive On Ice o I Will Call You, nuevo guiño post-punk que bien habrían firmado The Mission, si me perdonan el comentario. Todo fluía, aunque gran parte del sonido estuviera enlatado a través de la caja de ritmos denominada Doktor Avalanche. Otro más de la familia, en este caso desde las sombras.

En Eyes Of Caligula y Quantum Baby se nota la entrada del nuevo siglo. Se palpa que son cortes nuevos de las últimas giras donde distintas influencias, incluso más metaleras, inspiran la nueva era. Ambas hacían de prólogo para More, con esos sintetizadores e inconfundibles coros alargando el clímax. Es aquí cuando el público madrileño se hizo sentir. También con la dulce Here, que combina muy bien la guitarra española con la eléctrica.

El tramo final llegaba con On The Beach, I'm On Fire y el hedonismo que contiene Temple Of Love, con la cual se daba paso al necesario receso para los músicos e innecesario para el aficionado, quien ya ha entrado en ebullición y necesita mantener la temperatura.

Los bises eran esperados y también inesperados, muy a la altura del setlist de la noche. Colours, de la etapa de The Sisterhood, para acabar con dos grandes éxitos —si es que el resto no lo eran— como Lucretia My Reflection, con las guitarras llevando el timón a buen puerto, y ese eterno repique que es This Corrosion. Una clásica manera de terminar un atípico repertorio de un singular grupo que mantiene siempre su encanto y sello propio.

Actors: la elegancia del post-punk viene de Canadá

2026-09-20T00:08:13.156+02:00

No es nada fácil sobrevivir en la industria musical en la actualidad. Nunca lo fue. El grupo canadiense Actors pertenece a ese colectivo que suena bien en estudio, genial en directo, y que sigue su ruta por locales pequeños mostrando su calidad a la espera de un salto mayor.

La banda cuenta con múltiples influencias, desde The Cure a Joy Division con trazas de David Bowie, especialmente en el timbre de voz, y un estilo que lejos de etiquetarse como post-punk, cuenta con detalles propios del synth-pop de la década de los 80, la melodía del new wave y el estilo sombrío del darkwave.

Actors + Hallows en la Sala Nazca (Madrid), 19 de septiembre de 2026

La Sala Nazca tiene la ventaja de poner en contacto al músico y al aficionado con una cercanía y visibilidad que no tienen los grandes estadios o pabellones de deportes. Además, ya era conocido por el grupo de descargas anteriores por la capital.

El dúo de dark electronic Hallows, afincados en Los Ángeles pero con orígenes en la exótica Isla Mauricio fue el encargado de abrir el concierto. El dueto, pese a haberse formado en 2019, cuenta con una cohesión propia de aquellos que llevan tiempo compartiendo tablas. Mucha sensualidad.

Hallows, en su concierto en Madrid

De la cálida Isla Mauricio a la fría Vancouver, pero todo ello bajo un parecido paraguas sonoro impregnado de oscuridad. El cuarteto canadiense, que ya empieza a ser habitual en hacer una parada en Madrid durante sus tours, mostró su habitual sello sobre el escenario, empezando por un convaleciente Jason Corbett, cuyos dolores le impiden separarse de una silla.

El aire ochentero, pero con revisionismo del siglo XXI, que había marcado Hallows lo seguía firmando Actors, incluso elevando la apuesta. El set no lo podía hacer de otra manera que con Dead Inside y la bailable y discotequera Object Of Desire, ambos pertenecientes a este último trabajo, 'Our Love Will Live Forever' (2026), tercero del combo norteamericano tras 'Acts Of Worship' (2021) e 'It Will Come To You' (2018).

Love U More es tan cinematográfica gracias a la melodía de los sintetizadores que podría haberse colado en la BSO de Drive, con Ryan Gosling, también canadiense, conduciendo al caer la noche por los túneles de AZCA que se encuentran debajo de donde se celebraba el concierto.

Like Suicide, mantiene la misma línea, y permite al vocalista Jason Corbett lucirse más gracias al estribillo y a una melodía evocadora. Tanto o más que Left On Read, donde los pies se animan a danzar entre guitarras fascinantes y bajos rotundos. La habitual firma de los canadienses, que con In Real Life es capaz de transportarte al festival Tomorrowland, por ese espíritu dance que tiene.

Las maravillosas atmósferas invitan a cerrar los ojos y cuando uno los abre, especialmente con Strangers y Slaves, parece estar en un cruce de laboratorio entre Depeche Mode, Daft Punk, The Sisters Of Mercy y The Cure, porque aunque suenan a décadas pasadas lo hacen con un aire más actual y oscuro.

Kendall Wooding, bajista canadiense de Actors

La esperada CTRL, con esos repetidos coros que le otorgan un toque industrial y secuencial. Bryan Ferry o New Order también podrían verse reflejados en el buen hacer de este cuarteto, especialmente con We Don't Have To Dance o Youth. El ritmo decaía más tras un inicio fulgurante.

Jason Corbett – voz y guitarra –, Shannon Hemmett – teclados, sintetizadores y coros, y con un aire futurista a lo Matrix a la actriz también canadiense Carrie-Anne Moss –, Kendall Wooding – bajo y coros – y Adam Fink – batería –, ofrecían sus últimas plegarias tras un obligado parón. La pausa eléctrica de Face Meets Glass junto a la serenidad de PTL chocaban con la fuerza por momentos de How Deep Is The Hole.

La última en sonar fue Bury Me, atravesando el alma gracias a su lánguido mensaje que cala hondo, tanto como este grupo canadiense que no para de buscar la luz entre tanta oscuridad, con tremenda elegancia y aires ochenteros.

La melancolía y la infinita tristeza de Billy Corgan regresan 30 años después en formato operístico

2026-09-12T00:19:30.345+02:00

Smashing Pumpkins escribieron en los años 90 dos trabajos memorables, 'Siamese Dream' (1993) y 'Mellon Collie and the Infinite Sadness' (1995). La banda de Chicago, muchas veces enmarcada de forma equivocada dentro del 'grunge', el sonido nacido de Seattle que copaba las radios y la MTV en aquella década, vivió su mayor éxito en esta etapa.

Mientras la mayoría de grupos musicales tienen su disco de referencia, Smashing Pumpkins puede presumir de contar con dos álbumes muy diferentes entre sí y con himnos generacionales en su interior. Del sonido denso y trabajado del 'Siamese', obra del productor Butch Vig, al más barroco y directo del 'Mellon', del rock alternativo de 13 temas a una amalgama encerrada en un doble LP con 28 cortes que caminan entre varios estilos, como quien se acerca a un bufet libre y combina carne, pescado y un sinfín de salsas en el mismo plato.

En el panorama actual musical donde muchas formaciones de los 80 ó 90 sacan a pasear una gira temática basada en sus mejores momentos, el cantante Billy Corgan ha sido presa de esta nostalgia pero con un giro de tuerca muy personal, dejando su sello característico, porque para algo siempre se ha salido de los estándares habituales. Arriesgado y atrevido, como es él.

Con motivo del 30º aniversario de la gira del 'Infinite Sadness', Corgan se ha embarcado en un ambicioso tour más sinfónico y visual, donde toda la escenografía y la imaginería lucen más. Un proyecto personal donde el perfeccionismo es llevado a su máximo esplendor.

Billy Corgan en el Palacio Vistalegre Arena (Madrid), 11 de septiembre de 2026

Los primeros acordes del álbum, que casualmente coinciden con las últimas notas del disco para sellar esta obra maestra, daban paso a esta sinfonía de imágenes, sonido y emociones, con el público debidamente sentado para otorgar mayor solemnidad a ese tono operístico que acompaña a esta gira, con orquesta, coro y sopranos incluidos, como si fuera el Fin de Año en Viena, todo ello en lugar de haber contratado músicos de estudio e interpretado el disco íntegro como sonaba en el vinilo o CD. Una experiencia sensorial reservada para unos pocos. Megalomanía en estado puro.

Y la ocasión era un espectáculo creado por y para Billy Corgan, cuya melodía del Tonight, Tonight era suficiente reclamo para atraer a un público que ha hecho llenar el Palacio Vistalegre de Carabanchel por dos noches en un espectáculo distinto al habitual, porque en realidad Corgan es distinto a los habituales. Un genio incomprendido, como en esta ocasión.

De la canción más representativa de los Smashing, con permiso de Disarm o de 1979, seguía este hermoso paseo onírico donde la edulcorada versión de la potente Jellybelly, rivalizaba con la sensibilidad de Galapogos, la calma de Thirty-Three, ya con Billy Corgan al micrófono para este tema, o la belleza de Beautiful, convirtiendo la plaza de toros en una inmensa habitación donde se entonaban delicadas nanas.

Era difícil conciliar el sueño con esos cambios de ritmo que tiene el 'Mellon', aunque quedaran algo amortiguados presentados de forma orquestada, porque si algo tiene este disco es un inusual estilo ecléctico donde se mezclan estilos que no parecen encajar como ese barman del que dudas si está usando algún criterio al agitar tantos zumos y alcoholes en una coctelera, aunque luego confiesas que encajan y que se te ha subido, justo la misma experiencia que este elepé.

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Si el 'Mellon Collie' es una alegoría del tiempo, del paso de la juventud a la madurez, a su ya maduro público se le pasaba el tiempo mirando la colorida escenografía y esa imaginería que en la portada es un cruce entre la obra del genial artista Rafael y los efectos especiales del cine mudo de Georges Méliès, pero que en este tour son un guiño al modernismo y retrofuturismo.

Muzzle es energía pura y Lily (My One And Only) sosiego absoluto. La vida misma. Una jornada en la gran ciudad. Stumbleine suena todavía más grandiosa con orquesta, como un árbol que va perdiendo hojas lentamente en otoño mientras es pintado. Puro arte con breves pinceladas, como las que ofrecía Corgan cantando de vez en cuando, hasta cinco ocasiones, menos de lo que desearíamos.

Zero reclamaba su papel de gran canción del grupo, llevando buena parte del merchandising de la banda su nombre, por lo que Billy regresaba a su papel de maestro de ceremonias, para así cerrar este primer acto, y momentáneamente los ojos con Thru The Eyes Of Ruby, un acertado broche final, que no definitivo.

El segundo acto arrancaba con la hermosa In The Arms Of Sleep, un prólogo estupendo para escarbar todos nuestros recuerdos mientras evocábamos en nuestra imaginación aquel viaje nocturno en coche junto a la formación clásica de los Smashing —con James Iha, D'arcy Wretzky y Jimmy Chamberlin en el recuerdo— al ritmo de la eterna 1979, transformada en añoranza en esta ocasión.

La noche todavía era lo suficientemente joven para seguir desgranando medios tiempos como By Starlight —otro de esos cortes que ganan en este formato —, embobarse con la ternura de To Forgive o Cupid de Locke para revolucionarse con la locura que supone adentrarse en el vértigo de X.Y.U. o un siempre enrabietado Bullet With Butterfly Wings reclamando su rol de estrellas en el firmamento de los Smashing, convertidas ambas en melodías menos reconocibles pero también disfrutables.

El desorden en el orden de las canciones lejos de no parecer organizado, estaba premeditado para acabar con ese Porcelina Of The Vast Oceans, que es una invitación a surcar el mar de nuestros recuerdos con sus virajes a estribor y babor. Los mismos tumbos que daban algunos en sus sillas, decepcionados ante tanta parafernalia en escena, tan poca guitarra y tan poco Corgan.

Si el disco terminaba con las mismas notas del inicio, mostrando ese bucle temporal que al sol le sigue la luna, por lo que Tonight, Tonight —esta vez sí cantada por Corgan—, era la noche a la que seguirá el día. Y qué noche de emociones, de melancolía y de una infinita tristeza de Billy Corgan que hoy ha hecho muy feliz a parte de su público, mientras que ha defraudado a otros y confundido a los que no sabían a lo que iban. Así es él y así somos el resto del mundo.

Mundial 2026: España logra su segunda estrella

2026-07-20T00:12:36.161+02:00

Historia de los Mundiales: Copa Mundial 2026

Es la primera ocasión en la que una Copa del Mundo de fútbol masculino cuenta con tres sedes: Estados Unidos, Canadá y México, repitiendo este último país por tercera vez: tras las ediciones de 1970 y 1986.

Sedes (16): Estados Unidos cuenta con Atlanta, Boston, Dallas, Houston, Kansas City, Los Angeles; Miami, Nueva York / Nueva Jersey, Filadelfia, San Francisco y Seattle; Canadá: Toronto y Vancouver; México: Guadalajara, Monterrey, Ciudad de México.

Máximo goleador: Mbappé (Francia), 10 goles

Número de goles: 308 (2,96 goles por partido).
Partidos disputados: 104. Récord en una Copa del Mundo
Número de espectadores: 6.527.410 (65.483 espectadores por partido)

Participantes: 48
(África, 10) Argelia, Cabo Verde, Costa de Marfil, Egipto, Ghana, Marruecos, RD Congo, Senegal, Sudáfrica y Túnez.
(América, 12) CONMEBOL: Argentina, Brasil, Colombia, Ecuador, Paraguay y Uruguay. CONCACAF: Canadá (Anfitrión), Estados Unidos (Anfitrión), México (Anfitrión), Curazao, Haití y Panamá.
(Oceanía, 2) Australia, que compite por Asia pese a ser oceánico, y Nueva Zelanda.
(Asia, 8) Arabia Saudí, Catar, Corea del Sur, Irak, Irán, Japón, Jordania y Uzbekistán.
(Europa, 16) Alemania, Austria, Bélgica, Bosnia y Herzegovina, Croacia, Escocia, España, Francia, Inglaterra, Noruega, Países Bajos, Portugal, República Checa, Suecia, Suiza y Turquía.

Final: 19-julio-2026, Nueva York/ Nueva Jersey, España 1-0 Argentina.

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Grandes ausencias y debutantes

Cabo Verde, Curazao, Jordania, Uzbekistán., son los cuatro debutantes, siendo Curazao el país más pequeño en participar nunca en un Mundial.

Entre las grandes ausencias del Mundial volvían a estar Chile e Italia, en su tercera ocasión consecutiva en la que no se clasifica, siendo Bosnia-Herzegovina en esta ocasión su verdugo. También faltaban en esta Copa del Mundo tres habituales como Dinamarca, Perú o Nigeria.

En cuanto a las ausencias: Gianluigi Donnarumma, Robert Lewandowski, Victor Osimhen, Khvicha Kvaratskhelia, Dominik Szoboszlai, dado que sus selecciones no se clasificaron. Por otro lado, las lesiones se cebaron con piezas claves como Rodrygo, Fermín López, Xavi Simons, Abde, De Ligt o Éder Militão. Además, futbolistas como Foden o Palmer, por Inglaterra, o Carvajal, por España, no eran convocados por temas deportivos.

Por otro lado el Real Madrid no contribuyó con ningún jugador a la selección española, un hecho sin precedentes en la historia del club blanco.

Para terminar, hasta cuatro futbolistas 'sobreviven' desde el Mundial 2006 de Alemania: 'Memo' Ochoa de México, Luka Modric (Croacia), Cristiano Ronaldo (Portugal) y Leo Messi (Argentina), precisamente estos dos últimos, Ronaldo y Messi, disputan su sexto Mundial. Un dato que también comparte Ochoa, aunque el guardameta azteca no ha jugado en todas las ediciones.

Solo 4 jugadores sobreviven del Mundial de 2006. pic.twitter.com/4OnnO9udFO
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El balón

El balón diseñado por Adidas recibe el nombre de Trionda, dado que son tres las naciones organizadoras y de ahí que tres sean los colores principales que lo forman: un águila verde por México, rojo con hoja de arce por Canadá y azul con estrellas por los Estados Unidos.

La mascota

En realidad son las mascotas, y son tres, una por cada país. Sus nombres son Maple, que es un alce y su color característico es el rojo, Zayu, es un jaguar que habita en el sur de México y se representa con el verde, mientras que Clutch es un águila y está representado por el color azul.

Mundial 2026

Primera fase (ronda de grupos)

Las 48 selecciones de esta edición forzaban a una fase de grupos más densa, pasando de ocho grupos de cuatro equipos a doce, y una ronda más, la de dieciseisavos de final. Todo ello hizo que los ocho mejores terceros pudieran pasar de fase, lo que forzó a sacar la calculadora a muchos aficionados para predecir lo que suponía un gol anotado o encajado.

Una de las curiosidades de esta Copa del Mundo ha sido el uso de zapatillas rosas por parte de la mayoría de futbolistas. La mayoría de marcas, Nike, Puma, Adidas o New Balance, han coincidido en elegir este color.

Otra de los elementos a analizar por si se quedan para el futuro es la pausa de hidratación, aunque la temperatura no lo aconseje, como excusa para un espacio publicitario y un entretiempo dentro de cada periodo.

Grupo A
México consiguió el pleno de puntos con Sudáfrica escoltándola. Ambos arrancaron el certamen con un partido inaugural que será recordado por las tres expulsiones, la primera vez que ocurría en un estreno de un Mundial. Por su lado, en el República Checa - Sudáfrica, por su parte, una terna arbitral femenina pitaba por primera vez en un Mundial masculino.

Grupo B
El punto sumado por la Catar de Julen Lopetegui ante Suiza fue el primero del emirato en una Copa del Mundo, pese a ello, fue el único en caer eliminado, siendo los propios helvéticos, Canadá y Bosnia los que pasaron de ronda.

Grupo C
Brasil y Marruecos, ambos con 7 puntos, cumplieron con su papel de favoritos y ocuparon las dos primeras posiciones del grupo. Escocia, como es habitual, venció en las gradas y perdió en el verde, mientras que Haiti puso la nota exótica.

Grupo D
Turquía, pese al buen papel del madridista Arda Guler, quedó como colista ante el poder de Estados Unidos, Australia y Paraguay.

Grupo E
Otro de los grupos movidos del Mundial. Ecuador logró una histórica victoria ante Alemania para sellar su clasificación, junto a los propios germanos y la siempre combativa Costa de Marfil. Curaçao, una de las debutantes, firmó un valioso punto.

Grupo F
Países Bajos, Japón y Suecia se repartieron los billetes y las goleadas ante una floja Túnez que nunca dio la talla, encajando hasta 12 goles en tres encuentros.

Grupo G
Hasta el final se decidió el orden de los clasificados, siendo Bélgica primera y Egipto como segunda. Irán no se hizo con la plaza como mejor tercero.

Grupo H
España y una sorprendente Cabo Verde, con tres empates y ninguna derrota, dejaron fuera a una decepcionante Uruguay, con Valverde como capitán y Bielsa en los banquillos, y Arabia Saudí, cerrando el grupo.

Grupo I
Mbappé superaba de una tacada con su doblete ante Senegal a dos históricos artilleros del fútbol galo: Giroud y Fontaine, para convertirse el jugador del Real Madrid en el francés con más goles con la camiseta del gallo y con más tantos anotados en los Mundiales. A los galos se les juntaron Noruega, con Haaland también con el fusil cargado, como clasificados.

Grupo J
Un 'hat-trick' de Lionel Messi ante Argelia, primero para el '10' en una Copa del Mundo, abrió la caza del rosarino a Klose como el máximo goleador de los Mundiales, terminando esta primera ronda con un total de 19 dianas en todas sus participaciones.

A la Albiceleste le acompañó la Austria de Alaba y la Argelia de Mahrez, viviendo un bonito duelo entre ambos que se saldó con un espectacular 3-3 definitivo.

Grupo K
Colombia desatada, liderado por un huracán llamado James, se llevó el grupo ante la Portugal de Cristiano Ronaldo, el único futbolista que ha marcado en seis participaciones mundialistas, y la RD Congo, ejerciendo el papel de Cenicienta.

Grupo L
Inglaterra, Croacia y Ghana mantuvieron una pelea hasta los últimos instantes del tercer partido. con Bellingham y Kane como 'killers' de los tres leones, y Modric como eterno capitán,a sus 40 años, del cuadro ajedrezado.

Dieciseisavos de final

Sudáfrica 0-1 Canadá
Curiosa la circunstancia de que uno de los anfitriones no jugara en casa esta eliminatoria. Eustáquio rompió el sopor y evitó el tiempo extra.

Brasil 2-1 Japón
Los dibujos animados de Oliver y Benji inundaron las redes con memes e imágenes evocando a aquellos personajes nipones de ficción que se medían ante Brasil.

Sobre el verde, los samuráis azules estuvieron cerca de dar la campanada con el gol de Sano. Casemiro, de certero testarazo, y Martinelli, sobre la bocina, salvaron el primer 'match-ball' de Ancelotti.

Alemania 1-1 (3-4)* Paraguay
Ya no es una sorpresa que Alemania se vaya antes de tiempo de un Mundial. La tetracampeona fue superada en juego por Paraguay, quienes también fueron mejores en las penas máximas.

Países Bajos 1-1 (2-3)* Marruecos
En una jornada marcada por el acierto desde los once metros, Marruecos forzó la prórroga en el descuento y después, con el acierto de Bono bajo palos, dejó fuera a los Países Bajos, quienes caen por tercera vez tras una tanda de penaltis.

Costa de Marfil 1-2 Noruega
Haaland es uno de los protagonistas de la Copa del Mundo. El 'killer' de Manchester City se ha estrenado a lo grande. En esta ocasión, gol de la victoria y quinta diana en el Mundial.

Francia 3-0 Suecia
Otra exhibición de Mbappé, con doblete incluido del madridista, y otra muestra del poderío ofensivo del conjunto dirigido por Deschamps, que cuenta además con Olise, Barcola y Dembélé en el frente de ataque.

México 2-0 Ecuador
El inagotable olfato goleador de Raúl Jiménez cerró una victoria que había iniciado el colombiano Quiñones, que junto al español Álvaro Fidalgo, forma parte de los naturalizados de la escuadra azteca.

Inglaterra 2-1 RD Congo
Un tanto del exjugador del Castellón Cipenga, junto a los paradones de Mpasi, tuvieron contra las cuerdas a los ingleses, los cuales tuvieron que recurrir al acierto de Harry Kane para dar la vuelta al electrónico.

Bélgica 3-2 Senegal
Espectacular duelo que los belgas pudieron remontar pese a ir perdiendo en el minuto 85 por 0-2 y teniendo al equipo roto física y anímicamente. Tuvo que ser Lukaku y luego Tielemans a pase de Trossard, quienes habían discutido previamente en la pausa de hidratación, quienes forzaran la prórroga. Después un penalti del propio Trossard obraba el milagro para los 'diablos rojos'.

Estados Unidos 2-0 Bosnia
Balogun pasó de héroe a villano, de anotar uno de los goles a ser expulsado y complicar la contienda para los estadounidenses, cuyo papel va a más en este Mundial.

España 3-0 Austria
Partido serio de la 'Roja' y, por momentos, cómodo, para un conjunto nacional que va de menos a más en el torneo. Un doblete de Oyarzabal y un tanto de Porro supusieron el adiós de Alaba del Mundial y, a la espera de confirmación, de su carrera profesional con Austria.

DON UNAI SIMÓN. HISTORIA DE LOS MUNDIALES 🌟🇪🇸

Se convierte en el portero con más minutos consecutivos sin encajar gol en un Mundial 🤯#DAZNMundial #FIFAWorldCup pic.twitter.com/aHjfutKI5S
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Portugal 2-1 Croacia
Era un cara o cruz para dos leyendas del fútbol: Cristiano o Modric. El eterno y siempre solvente Perisic abrió el marcador. Cristiano Ronaldo empató desde los once metros, en su primer tanto en una eliminatoria de una Copa del Mundo, y Gonçalo Ramos firmó la victoria lusa en un choque con dos goles milimétricamente anulados por fuera de juego. Uno por cada conjunto.

La derrota supone el más que posible adiós de la generación dorada croata que contaba todavía con Kovacic, Perisic y, especialmente, Modric, como baluartes.

LA DESOLACIÓN DE LUKA MODRIC 🥺💔🇭🇷#DAZNMundial #FIFAWorldCup pic.twitter.com/9yQ3OR7oNd
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Suiza 2-0 Argelia
Pocos países en el mundo, con un tamaño tan pequeño y una liga no muy mediática tienen el gran impacto que posee Suiza en los Mundiales. No solo es que vuelven a participar en una Copa del Mundo, es que otra vez pasan de ronda y se colocan entre los mejores.

Australia 1-1* (2-4) Egipto
Primera eliminatoria ganada por los faraones en toda su historia. Salah, en la tanda de penaltis, mostró sangre fría al lanzar una pena máxima a lo Panenka. Los egipcios se imponían en los lanzamientos tras el empate durante los 120 minutos.

Argentina 3-2* Cabo Verde
Cabo Verde ya sorprendió a España y Uruguay, y no iba a ser menos con la vigente campeona. Arrancó la cita bien para la albiceleste con otro gol de Messi, igualado por Duarte, y luego otro de Lisandro en la prórroga que adelantaba a los de Scaloni; sin embargo un golazo de Lopes Cabral equilibraba la contienda. Finalmente, Argentina tuvo que esperar al 111' para respirar aliviada tras batir de nuevo al cancerbero caboverdiano Vozinha, una de las sensaciones del torneo.

Colombia 1-0 Ghana
Los 'cafeteros' están demostrando ser uno de los planteles más sólidos y efectivos del certamen. En esta ocasión fue Jhon Arias el que logró el tanto de la victoria colombiana.

The Round of 16 is set ✔️#FIFAWorldCup
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Octavos de final

Canadá 0-3 Marruecos
Ounahi lideró el ataque marroquí con un doblete y así hizo olvidar momentáneamente la preocupante lesión de Saibari. Rahimi cerró la cuenta del conjunto africano, quien ostenta el título de campeón continental tras la polémica final ante Senegal, quienes lo ganaron en el césped pero lo perdió en los despachos.

Paraguay 0-1 Francia
Partido bronco, aunque no se reflejara en el número de cartulinas mostradas, y que se decidió por un penalti anotado por Mbappé, manteniendo una bonita pugna con Messi y Haaland por ser el máximo artillero del campeonato.

Brasil 1-2 Noruega
Podría decirse que es una de las sorpresas del torneo, pero la 'canarinha', pese a contar con Vinicius y Ancelotti, suma decepción tras decepción mundialista. Ante llos, el poder de los Odegaard, Sorloth o Haaland, cuyo doblete dio un triunfo maquillado al final por el tanto desde los once metros de Neymar, en su despedida de una Copa del Mundo.

México 2-3 Inglaterra
El Tri volvió a irse antes de tiempo de un Mundial, ni siquiera llegando a esa barrera que son los cuartos de final. Y eso que jugaban en el Azteca y que el conjunto inglés jugó con uno menos por expulsión de Quansah a los 54'.Bellingham por dos ocasiones adelantó a los 'tres leones', Quiñones acercó a los mexicanos pero Kane fue el encargado de dar la puntilla y Raúl Jiménez de poner algo de emoción para el tramo final.

Portugal 0-1 España
Enfrentamiento muy táctico, y con acento español, entre De La Fuente y Robert Martínez. Cuando todo parecía indicar que llegaría la prórroga, Mikel Merino ejercía de improvisado ariete y ropía el sueño mundialista de Cristiano Ronaldo, quien podría estar disputando su último partido en una gran cita con la 'Seleçao'.

🚀 𝗩𝗔𝗬𝗔 𝗖𝗛𝗨𝗣𝗜𝗡𝗔𝗭𝗢, 𝗠𝗜𝗞𝗘𝗟.

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Estados Unidos 1-4 Bélgica
La intervención directa del presidente Donald Trump al llamar a Infantino para evitar la sanción a Balogun —quien en principio no iba a jugar— salpicó el inicio de la eliminatoria. Sin embargo, en la cancha, los Diablos Rojos resolvieron el encuentro con contundencia, siendo Romelu Lukaku el encargado de cerrar la cuenta europea con el 1-4 definitivo.

Argentina 3-2 Egipto
Pocos hubieran pronosticado tantas emociones en este partido. Polémicas aparte —que las hubo—, Messi volvió a guiar a su selección, con su juego y otra diana pese a marrar una pena máxima, para remontar el 0-2 con el que los Faraones llegaron al minuto 78. Enzo Fernández anotó el tercero en el descuento y evitó sustos mayores.

Suiza 0-0* (4-3) Colombia
Dos selecciones a un paso de hacer historia que tuvieron que resolverlo en la tanda de penaltis. La generación formada por James, Luis Díaz o Suárez se quedaba sin la posibilidad de repetir los cuartos de 2014. Casualidades, el suizo Vargas anotó el lanzamiento decisivo ante el cafetero Vargas.

SUIZA SE MEDIRÁ A ARGENTINA EN CUARTOS 🇨🇭#DAZNMundial #FIFAWorldCup pic.twitter.com/vYD9Z6Q9ay
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Cuartos de final

Francia 2-0 Marruecos
Los dos futbolistas más relevantes de Francia cumplieron con sus papeles de estrellas: Mbappé primero y Dembélé después —flamante Balón de Oro masculino 2025— acababan con las esperanzas marroquíes.

España 2-1 Bélgica
Mikel Merino volvía a disfrazarse de héroe para desnivelar unas tablas que habían firmado Fabián Ruiz y De Ketelaere. De este modo, la selección española se desquitaba de aquella eliminación por parte belga en 1986 y repetía el éxito de 2010, la anterior ocasión en la que España había jugado una semifinal.

Noruega 1-2* Inglaterra
El madridista Jude Bellingham está mostrando un gran nivel en esta Copa del Mundo, muy por encima de su rendimiento en el Real Madrid. Un doblete del '10', el segundo en la prórroga, evitaba la proeza de Noruega, que se había adelantado con un centro-chut del benfiquista Schjelderup.

Argentina 3-1* Suiza
Una polémica expulsión de Embolo, con 1-1 en el marcador, dejó a Suiza con un hombre menos desde el minuto 70 hasta el final del choque, que se marchó a los 120 minutos tras el alargue. Julián Álvarez y Lautaro Martínez cerraron la cuenta del vigente campeón.

XHAKA ESTÁ MUY CALIENTE TRAS LA EXPULSIÓN DE EMBOLO 😡🇨🇭#DAZNMundial #FIFAWorldCup pic.twitter.com/aJ3FvmcmL1
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Semifinales

Francia 0-2 España
El conjunto dirigido por Luis de la Fuente anuló completamente a la gran favorita del torneo, cuyo cuarteto de ataque formado por Mbappé, Olise, Barcola y Dembélé se quedó sin su tercera final de Mundial consecutiva.

Oyarzabal de penalti, tras un claro derribo de Digne a Lamine Yamal, y Pedro Porro, finalizando una acción conjunta, doblegaron a los 'bleus' y llevaron a España a su segunda final.

Inglaterra 1-2 Argentina
Un choque con muchas connotaciones, tanto políticas como deportivas: el recuerdo de la Guerra de las Malvinas, del mítico partido de 1986 con la 'Mano de Dios' de Maradona y 'el Gol del Siglo'.

La 'Albiceleste' mostró otra vez resiliencia y remontó una eliminatoria que había abierto Gordon y que tuvo todas las tanganas que uno podía esperar. Messi volvió a aparecer, esta vez como asistente, y Enzo Fernández y Lautaro Martínez como ejecutores.

The Final is set: 🇪🇸🆚🇦🇷#FIFAWorldCup pic.twitter.com/3M7bZ7cXjD
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Tercer y cuarto puesto
Francia 4-6 Inglaterra
Este tipo de partidos al ser intrascendentes puede darse el caso de que sea alocado, como en esta ocasión. Los ingleses fueron un vendaval y dejaron el electrónico con un contundente 0-4. Un doblete de Mbappé, llegando a las 10 dianas y a confirmarse como Bota de Oro del torneo, no pudo con el 'hat-trick' de Saka más los tantos de Rice, Konsa y un renacido Bellingham.

La gran final
España 1-0* Argentina
El Atlético de Madrid volvía a ser el club, por tercera vez, que aportaba más jugadores a una gran final de la Copa del Mundo. Otro detalle era que se trataba de la segunda final de la historia entre dos selecciones de habla hispana, después del Uruguay - Argentina de 1930, tuvo una primera parte igualada, aunque con mejores sensaciones para la 'Roja' sobre el seco césped del MetLife, la casa de los New York Giants y los New Jersey Jets.

Pese a las oportunidades de España, el partido se decidió en la prórroga donde Ferran Martínez culminaba una dejada con la testa de Nico Williams. De este modo, la Selección se hacía con la segunda estrella de su historia en el más que posible adiós de Messi de los Mundiales.

👋🏼💫 Hola, estrella.

Has estado 16 años sola, pero ya es hora de que tengas compañía encima de nuestro escudo.

¿Te parece?#VamosEspaña | #CopaMundialFIFA pic.twitter.com/C13AiBJL3I
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Mundial 2026

España
Argentina
Inglaterra
Francia

MCR conquista Madrid reinterpretando el 'Black Parade'

2026-07-19T00:57:56.454+02:00

Las etiquetas en la música siempre crean controversia. El movimiento emo tuvo una nueva explosión a principios del siglo XXI, justo en el instante en el que la formación estadounidense My Chemical Romance arrancaba su historia musical.

Etiquetados por momentos como emos, debido a la emotividad y al dramatismo recargado de sus canciones y a la estética usada —caracterizada por largos flequillos y el uso de rímel—, se han pasado algunos periodos de su vida desubicados o maltratados por parte de la escena metalera, mientras sus éxitos no dejaban de aparecer con fuerza.

Especialmente en 2006, cuando el interesantísimo álbum conceptual 'The Black Parade', con un rock alternativo con algo de base punk, ecos de Queen y un grupo en estado de gracia compositivo, convencía a algunos escépticos y enamoraba a las multitudes.

Ahora, años después, y tras el anunciado regreso en 2019, MCR ha engrasado la maquinaria para una gira de recuerdo del 'The Black Parade'. Un álbum que cumple 20 años; curiosamente, la misma edad que tenían muchos de aquellos primeros incondicionales que descubrieron a la banda en sus orígenes, allá por el año 2001. Y otros tantos que todavía estaban creciendo o no habían nacido, pero que iban a convertirse con el tiempo en adeptos.

My Chemical Romance + Mogwai en el Iberdrola Music (Madrid), 18 de julio de 2026

Sobre el mismo emplazamiento en el que unos días antes se había celebrado el décimo aniversario del Mad Cool —aunque en esta ocasión con mayores errores logísticos que el festival, como el nefasto acceso a los servicios desde una de las pistas—, los escoceses Mogwai abrieron camino con su post-rock muy elegante, basado en densas atmósferas de guitarras continuas, cambios de ritmo y mucha clase

Gran preámbulo para la ejecución completa del 'The Black Parade', la ópera-rock perpetrada por MCR para un sector de la generación triste, desencantada y desenganchada de la vida, y que encontraba en estas melancólicas letras, a modo casi de epitafio, la alegría, la fe y el vínculo con unos ídolos que parecían leer sus pensamientos.

Un disco al que se le caen los temazos y que merecía esta gira personalizada con un espectáculo a lo grande, al estilo estadounidense, donde se mezclan sobre el escenario actores, coristas, llamaradas y hasta un toque gore, mientras se va desgranando la teatralidad de Welcome To The Black Parade, con púlpito incluido, el drama de I Don't Love You o Mama, el exceso de Sleep, la pausa con Disenchanted... todo ello con un tono distópico y orwelliano, con ese ojo que lo ve todo, y un aire circense en algunos instantes, mientras la banda lucía las chaquetas militares negras con las que los hermanos Way, Gerard y Mikey, Ray Toro y Frank Iero conquistaron el mundo y millones de corazones.

La segunda parte del concierto se realizaba en otro escenario, más pequeño y más centrado, donde interpretaban una curiosa selección entre éxitos de otros álbumes y canciones menos esperadas, como cuando pides un entrecot y te sorprende el arroz de la guarnición, pero no contabas con la zanahoria. Las reacciones iban por momentos, por oleadas que llegaban a las tres pistas del recinto Iberdrola. Eso sí, la voz de Gerard Way había ganado firmeza y seguridad tras la pausa de hidratación.

Aquí ya no había ropa marcial ni se guardaba el orden del disco; aquí era la anarquía y una ruleta de canciones que han sonado en unas ciudades sí y en otras no, con la salvedad de que algunas sí han aparecido en todas las citas, como si fueran las estrellas de un equipo dentro de una convocatoria.

¿Entre las sorpresas? The Foundations Of Decay o Our Lady Of Sorrows, que no son muy habituales en los repertorios de los chicos de New Jersey.

¿Entre las más esperadas? Obviamente Na Na Na (Na Na Na Na Na Na Na Na Na), I'm Not Okay, SING o Helena, con ese ritmo endiablado y ese inolvidable videoclip muy cinematográfico que es imposible de quitar de la cabeza. No en vano fue obra del director Marc Webb. Un himno con el que cerraron su actuación, de un modo abrupto y sin posibilidad de bis.

Todas no podían estar, pero algunas deberían haber estado. Desgraciadamente, en Madrid no sonó Boy Division, ese secundario de lujo que es como un gregario que podría ganar el Tour de Francia, ni tampoco Demolition Lovers, esa poética y rebelde versión personal de Bonnie & Clyde tan alocada como la vida de esos famosos prófugos. O The Kids From Yesterday, algo imperdonable viendo el setlist de otras ciudades.

Edit this setlist | More My Chemical Romance setlists

Y es que los chicos de ayer ya son los adultos de hoy. Las lágrimas del pasado en unos casos son sonrisas y en otros sigue habiendo dolor. El seguidor de My Chemical Romance ha madurado, pero ansiaba ver junto a su padre —o sin él, desgraciadamente— a su banda marchando en este oscuro desfile al que ha acabado dando una calurosa bienvenida.

La gran noria de Villaverde: 10 años girando con el Mad Cool

2026-07-09T09:22:33.859+02:00

En una época donde varios festivales han tenido que cancelar su cartel por falta de financiación público o privada y por falta de público, evidenciando que la oferta supera a la demanda y que el público demanda otro tipo de oferta, el Mad Cool sigue afianzándose como uno de los colosos en España, junto al Sónar y el Primavera Sound (ambos en Barcelona), el BBK Live (Bilbao), Festival Internacional de Benicàssim, el FIB (Castellón), el Arenal Sound de Burriana, también en la provincia de Castellón o el Resurrection Fest Estrella Galicia (Viveiro, Lugo), cuya apuesta metalera pasó de ser arriesgada a un rotundo acierto. Un camino que quiere emular el Rock Imperium, en Cartagena (Región de Murcia).

El Mad Cool, asentado actualmente en el distrito madrileño Villaverde tras su periplo por Valdebebas y la Caja Mágica, ha soplado las velas por sus diez años de música, diversión, gastronomía y entretenimiento. Todo ello bajo la atenta mirada de su característica noria, nuevo símbolo de la capital.

Para celebrar esta fecha tan redonda, la organización ha pasado de ofrecer tres días de actuaciones a los cuatro de esta edición. Más de 70 artistas y cinco escenarios donde disfrutar y vivir la música: un parque de atracciones musical para adultos con noria incluida.

Mad Cool Festival en Villaverde (Madrid), del 8 al 11 de julio de 2026

El cartel, tan variado como siempre, ha contado con cabezas de cartel como Foo Fighters, Moby, Florence And The Machine, Lorde, Twenty One Pilots, Kings Of Leon, Pixies, A Perfect Circle -el otro proyecto musical del cantante de Tool-, Nick Cave & The Bad Seeds, las tres hermanas mexicanas que forman el grupo The Warning, Arde Bogotá, que apareció por sorpresa bajo un seudónimo, Pulp o The Black Crowes, entre otros.

Un popurrí de bandas que han seducido a distintas generaciones, y a veces a las mismas, que se mueven entre el pop y el rock, entre el indie y la electrónica, entre los elementos más tradicionales a los más vanguardistas.

Y, en parte, es uno de los encantos del Mad Cool. Un lugar de reunión de fanáticos de la música que encuentran en varios días a algunos de sus grupos favoritos, mientras descubren otros que estaban fuera de su radar.

Dicen que la vida es una tómbola, y también una gran noria donde disfrutas del panorama para bajarte cuando quieres. Lo mismo que en el Mad Cool.

Haga calor o llueva; todos somos felices con Garbage

2026-07-06T00:31:56.002+02:00

Los años 90 vivieron un repunte para el papel de las mujeres en el rock. Varios grupos o solistas de distintos estilos, como The Cranberries, Hole, Skunk Anansie, Alanis Morissette, Portishead, Dover, The Cardigans, L7, Guano Apes y No Doubt, entre otros, reinaron en el panorama musical con voces femeninas liderando sus formaciones en ese decenio.

Garbage fue uno de ellos, con la polifacética Shirley Ann Manson al frente. Una escocesa pelirroja, al más puro estilo de la princesa Mérida en 'Brave', cuyo carisma contribuyó al éxito del grupo, convirtiéndose sus dos primeros álbumes 'Garbage' (1995) y 'Version 2.0' (1998) en auténticos referentes del rock alternativo, lo que les llevó a escribir, posiblemente, uno de los mejores temas principales para una película del agente 007 James Bond: The World Is Not Enough (El Mundo Nunca Es Suficiente).

Casi tres décadas después de su creación y con un reciente disco publicado, 'Let All That We Imagine Be The Light' (2025), el octavo de estudio del grupo estadounidense al que se le añade ese toque escocés de Shirley, como un buen trago de whisky, Garbage vuelve a Madrid, en esta ocasión, no al Mad Cool —su 'jardín' festivalero habitual—, y sí al Botánico, el rincón verde más doctorado de la capital.

Garbage en el Festival Noches del Botánico de Madrid, 5 de julio de 2026

El gran aval de la formación es la actitud rebelde de Shirley Manson, cuyo apellido es real y no tiene ningún vínculo familiar con el cantante apodado como Marilyn Manson, una casualidad que los llevó a conectar más allá de su imagen oscura. De hecho, ambos llegaron a trabajar juntos en una canción que nunca vio la luz.

Había empezado a anochecer cuando Garbage empezaba su actuación, bonita metáfora para este grupo de rock alternativo con múltiples variantes: como la música electrónica, el trip-hop, toques industriales, densos y tenebrosos. Un cóctel musical que bien venía para refrescar otra noche tropical. Y lo hacía tras la hermosa melodía que Angelo Badalamenti escribió para el personaje Laura Palmer de la icónica serie Twin Peaks. Otro guiño a los noventa y a la figura de la mujer misteriosa de la mano de David Lynch.

Mejor embrujo musical no podría haber escogido el cuarteto, convertido en este tour en quinteto con la presencia de Nicole Fiorentino, para este repaso discográfico personal, desde los años 90 hasta la actualidad, de una banda cuya fama sigue en el anterior siglo y no ha sabido, quizás, replicarlo en las últimas etapas.

No en vano, fueron más celebradas las apariciones de himnos como Stupid Girl (1995) o I Think I'm Paranoid (1998) que el fatalista There's No Future In Optimism o la pegadiza e industrial Hold (2025) con las que empezaron el set. Entre medias se cruzaban cortes que no eran tan antiguos ni tan modernos, pero que han calado hondo, como ese melancólico It’s All Over But The Crying (2005) o ese guitarrero Empty (2016).

Shirley no paraba de interactuar, bromear y hablar sobre la Copa del Mundo de fútbol, acerca de política, destacando la belleza de Pedro Sánchez, también había hueco en su discurso para el feminismo y el edadismo, centrado en la figura de Madonna, a través del tema Chinese Fire Horse, que le sirvió de excusa para mostrar su amor por Escocia y España, un país que siempre le recibe con calor, real y metafórico.

Shirley Manson abanicándose en su actuación en Madrid

La noche se prestaba también para un homenaje directo a The Cure en forma de Lovesong y uno indirecto a Joy Division con No Horses, cuya densa atmósfera post-punk puede recordar a un cruce entre Depeche Mode y Nine Iinch Nails.

Pocos artistas tienen esa vitalidad que posee Manson entre tanta atmósfera sombría y recuerdos tristes. Pocos artistas tienen el bagaje de Butch Vig, uno de los cerebros del grupos, además de productor, con un bagaje tan sobresaliente a su espalda como el 'Nevermind' de Nirvana, culmen del grunge, o el 'Siamese Dream' de Smashing Pumpkins, otro referente de la época junto a la ópera prima de Garbage.

Un dueto así, junto a los habilidosos Duke Erikson y Steve Marker, no podían decepcionar, por ello guardaron para el tramo final la artillería pesada que el público madrileño rugía por escuchar When I Grow Up y Push It. Haciendo vibrar a todo el mundo para luego meterlo en formol con esa adictiva confesión íntima llamada The Day That I Met God. Una lluvia de notas hechas con sintetizadores y entremezcladas con melancolía.

Para terminar, no podía faltar la ironía hecha temazo con un título tan sugerente como I'm Only Happy When It Rains, precisamente una crítica a ese grunge al que contribuyó Butch Vig a hacer internacional y con el que tuvo que pelear Garbage para sacar la cabeza desde los más profundo de la 'basura' a todos los rincones del planeta, aunque el mundo nunca parezca suficientemente grande.

Pennywise: pogos, payasos y un himno punk

2026-07-02T00:40:07.377+02:00

California ha sonado durante varias décadas a punk. El sol golpeando en el cielo, las ruedas del skate surcando el asfalto y las tablas de surf jugando con las olas, mientras muchas bandas se protegían bajo la sombrilla de Epitaph, el sello discográfico fundado por Brett Gurewitz, guitarrista de Bad Religion.

Uno de esos grupos que salieron a la luz a finales de los 80 fue Pennywise, homenajeando al terrorífico payaso creado por el novelista Stephen King, con un punk, hardcore melódico, tan habitual de esas calles y playas, sin la fama internacional de otros paisanos, como NOFX, Blink-182, Green Day, The Offspring o los propios Bad Religion, pero con un directo demoledor y son autores de uno de los himnos más representativos del género.

Con este enorme legado se presentaba el cuarteto estadounidense en su gira por la Península Ibérica, una parada poco habitual en sus tours, especialmente en Madrid, que convertía todavía en más especial su visita por la capital española.

Pennywise + End It + Bladders en la Sala La Riviera de Madrid, 1 de julio de 2026

Los madrileños Bladders fueron los encargados de calentar motores, en otro sofocante día en la capital. Su punk-rock fue una agradecida brisa sonora. Los siguientes en pasar por vicaría eran End It, procedentes de Baltimore con un hardcore tan crudo que el bajo parecía afilarse con los amplificadores. La peculiar voz de Akil Godsey ofrece un resultado final distinto a otros grupos del gremio.

Pocas presentaciones necesita Pennywise. A estas alturas de la película, ninguna. Peaceful Day sonaba a una cruel ironía, porque la pista de La Riviera se convertía en una improvisada zona de combate con pogos, crowd surfing, empujones, cuerpos sudorosos y gargantas que amenazaban con resquebrajarse.

A las canciones propias, como Same Old Story o Waiting, se le sumaban chascarrillos entre Fletcher Dragge y Jim Lindberg, confesiones políticas y proclamas anti-Trump, además de homenajes a un sinfín de grupos: por un lado, los improvisados al ver qué bandas llevaba el público en sus camisetas, y por el otro, algunos más preparados como el popurrí dedicado a NOFX o el Do What You Want de los admirados Bad Religion.

Tampoco podía faltar el tema homónimo Pennywise, también el Society, con los fans haciendo los coros e incluso una versión distinta del popularísimo Stand By Me, que empezaba calmado para transformarse en un vendaval que parecía difícil de superar. Pero sí, obviamente había una bala más.

Muchas canciones tienen el calificativo de himno, pero pocos himnos pueden calificarse en un nivel tan alto como Bro Hymn. Una catarsis colectiva, una gota de sudor cayendo lentamente mientras suena el bajo y crece un coro mágico donde grupo y público rompen la cuarta pared para unir el alma y cuerpo en esta oda afligida a la amistad ideada por Jason Thirsk, que con el paso del tiempo se ha transformado en un festivo homenaje póstumo a él mismo. De esas paradojas que tiene la vida. De esas contradicciones que tiene el punk.

Linkin Park ya no empieza de cero con Emily Armstrong

2026-06-24T02:33:51.474+02:00

Olvidar a alguien que ha sido muy importante en tu vida es muy complicado. Sustituirlo es todavía más complejo. Cuando el grupo Linkin Park se planteó volver a la carretera tras el suicidio de su guía Chester Bennington, pocos podían sospechar que el relevo iba a ser una mujer. Una manera de acabar con las especulaciones para elevar el debate a otra dimensión.

Las comparaciones son siempre odiosas. Es algo que sabemos todos y que Emily Armstrong también asume. Su papel no es fácil, y hay aficionados que no se lo ponen sencillo, pero el resultado está ahí. El nuevo disco, muy inteligentemente llamado 'From Zero' (2024), es un regreso a los orígenes sabiendo lo que eres y lo que puedes ofrecer. Un álbum que mira al futuro pero asentándose en el pasado.

Desde el fallecimiento del cantante Chester Bennington, 20 de julio de 2017 —justo el mismo día en el que su gran amigo Chris Cornell hubiera cumplido años, lo que demuestra que el vínculo de amistad entre ambos músicos era extraordinario—, el silencio se apoderó lógicamente de la banda y las giras quedaron como recuerdos en papel y fotografías.

Huérfanos de su música y viudos del nu metal, Linkin Park devolvía la ilusión con el último disco y el posterior tour que vuelve a traer a los californianos a España. La cuenta se ha vuelto a iniciar.

Linkin Park + Clipse + Phantogram en el Auditorio Miguel Ríos de Rivas Vaciamadrid, 23 de junio de 2026

El dúo estadounidense Phantogram, Sarah y Josh —muy en la línea de Massive Attack con unas elegantes atmósferas de trip-hop—, y los también norteamericanos Clipse —hip hop urbano a cargo de los hermanos Thornton con mucha temática racial que quizás no cuaja tan bien en Europa—, ambas formaciones pelearon contra el calor y encendieron a la audiencia con sus bailables propuestas musicales. Quizás el cambio de orden de los teloneros hubiera sido un acierto.

Si uno vuelve, que sea a lo grande. Una máxima que ha aplicado Linkin Park en esta gira por España. Un concierto largo, espectacular y donde no han faltado los grandes clásicos ni los nuevos temas. Más de veinte canciones y dos horas tocadas con pasión e intensidad ante un público sediento de su música, especialmente en un día tan tórrido como el que asolaba España.

Si el Barça superó la salida de Messi y el Real Madrid la de Cristiano Ronaldo, los grandes grupos musicales también se reinventan para hacer frente a la marcha de sus ídolos, aunque ese ídolo sea Chester Bennington.

Porque era una noche para centrarse en el 'From Zero', pero sin olvidarse del 'Meteora' o el 'Hybrid Theory', las dos columnas de Hércules de los estadounidenses en su carrera musical y los dos grandes referentes para algunos despistados que siguen encerrados en aquellos discos, aunque el grupo no haya parado de evolucionar, como un sistema operativo con sus actualizaciones y parches de seguridad.

Desde cero comenzó el show con varios actos divididos en canciones de distintas etapas y un desenlace. Pronto las guitarras se fusionaron con los teclados y los samplers de Joe Hahn. Pronto las voces de Emily y Mike Shinoda se empezaban a solapar y relevar, cada vez con mayor complicidad. Linkin Park había regresado en una nueva versión tras nueve años de ausencia en Madrid.

The Emptiness Machine o Up From The Bottom se mezclaban con Points Of Authority y Somewhere I Belong. El segundo acto lo arrancaba The Catalyst, que bien podría aparecer en el Sonar, con algunas sorpresas como Where'd You Go, que incluso queda mejor en este formato que con Fort Minor, y un ramillete de canciones nuevas y alguna que otra versión, como ese bonito guiño a Tears For Fears.

La sentida versión de Lost fue acortada, y fue una auténtica lástima, aunque se compensó con Breaking The Habit y What I've Done, porque tirar de clásicos es algo que ha funcionado siempre. El grupo se gustaba, especialmente Emily, cuya actitud punk es muy notoria e iba a más.

Cualquiera podría pensar que sonarían pocos temas más, pero siempre hay que dejar sitio para el segundo plato y el postre, porque a todos nos gusta el dulce. From The Inside, Numb, Heavy Is The Crown y Bleed It Out daban la oportunidad a las nuevas generaciones de probar este material vintage en vivo junto a las nuevas propuestas, porque se notaba gran presencia juvenil entre el público, evidenciando que hay una nueva hornada de fanáticos.

Papercut, In The End y Faint hacían vibrar definitivamente las cuatro pistas, algunas muy alejadas del escenario, y las también remotas gradas del Miguel Ríos, aquejadas de problemas de sonido. Un desenlace muy bienvenido que ponía fin a la actuación.

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Al final de la noche, con los ecos de los viejos himnos flotando en el aire caluroso de Rivas, quedó claro que no se trataba de olvidar a Chester, sino de homenajearlo de la única manera que una banda y sus aficionados saben hacerlo: reviviendo su legado musical. Las lágrimas, ya casi secas, siguen ahí, pero la música ha vuelto a sonar. Linkin Park ha restablecido su sistema y la cuenta, efectivamente, se ha iniciado. Con fuerza. Ya no desde cero.

Todos los raros fuimos al Botánico a ver a John Boy bajo la lluvia

2026-06-16T00:56:52.884+02:00

Un nicho de mercado a veces es más rentable que una campaña global. Sin buscarlo, Love Of Lesbian firmaron esta sentencia a partir de 2005 al aparcar el inglés en sus letras y abrazar el castellano. Con este gesto, llegó su explosión comercial, convirtiéndose en una de las banderas del 'indie español' desde principios del siglo XXI.

A veces un error es también un acierto, la grabación accidental de una película porno lésbica dio al traste con los recuerdos de la infancia del cantante barcelonés Santi Balmes, pero otorgó un nombre con gancho para este proyecto musical que camina con soltura entre el pop y el rock, siempre con un trasfondo poético en sus letras.

Ahora que se acerca su trigésimo aniversario, el grupo catalán ofrece tres conciertos en Madrid dentro del Festival Noches del Botánico, emulando e su paisana Rigoberta Bandini —con quien han colaborado musicalmente—, y demostrando el poder de convocatoria de ambas formaciones.

Love Of Lesbian en el Festival Noches del Botánico de Madrid, 15 de junio de 2026

Un poco más tarde de lo acordado, el habitual cuarteto catalán, convertido para esta gira en una sección de diez músicos, se presentaba ante su Ejército De Salvación de Madrid. Título homónimo de su último disco y una grandísima canción, de esas que navegan con soltura entre el pop, con un arranque suave y otoñal, para desembocar en el rock más independiente en una noche tormentosa de primavera.

Se empezaba por lo más nuevo para seguir con lo más antiguo, como los primeros días en la playa, donde muestras lo primero que te has comprado y luego sigues con las prendas de siempre, que venían en forma de Cuando No Me Ves, Bajo El Volcán o 1999.

Entre medias llegaba otra de las nuevas, Contradicción, con Rigoberta Bandini en la grabación de estudio asomando en las pantallas, lo que restaba naturalidad al dueto, justo sobre el mismo escenario donde Paula Ribó había estado una semana antes.

La Champions Y El Mundial, título tan apropiado en estas fechas, sí que es una contradicción. En un vídeo que sirve como homenaje a Tarantino —que cuenta con la colaboración de Leiva— y donde el grupo disfruta por TV de la primera Copa de Europa del Barça, la de Koeman, que también está en el Mundial, aunque aquello no fuera todavía la Champions. Una pequeña contradicción que se perdona.

No fue el único guiño futbolístico a la noche, porque el nombre de Cucurella y su fichaje por el Real Madrid también salió a colación entre tema y tema.

Santi Balmes, y Julián Saldarriaga se marcaban un set acústico con mucha nostalgia y sensibilidad. Música Para Ascensores elevaba el directo a otro nivel de intimidad, a la planta elegida por los soñadores, quienes también se habían tomado Un Día En El Parque muy tranquilo y evocador, especialmente estando en el Jardín Botánico de la Complutense.

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25 años son muchos, y también muchos éxitos y pocos fracasos. La noche no se iba a alargar, pero La Noche Eterna se volvía épica con la aparición de la lluvia. La cual espabilaba a los 4.000 seguidores de la banda, hasta entonces tímidos y apocados.

El diluvio, lejos de estropear el desenlace, ofrecía una estampa única y mística. El nuevo himno La Hermandad —que podría también firmarlo Arde Bogotá— sonó más creíble, con una comunidad envuelta en chubasqueros azules que bailaban la nueva danza de la lluvia. Los mismos que forman parte del Club De Fans De John Boy. como el viejo himno que no podía faltar a la cita. Lo nuevo y lo viejo dándose el relevo.

¡Aquí está LA HERMANDAD! @loveoflesbian 🙏💙 pic.twitter.com/FdBWbU7E7H
— Noches del Botánico (@nochesbotanico) June 15, 2026

Y no, lejos de terminar, el espectáculo seguía con Allí Dónde Solíamos Gritar, Los Irrompibles y Oniria e Insomnia, digna despedida para mandar a dormir a su público, y aprovechar para secarse por tanta agua acumulada y melancolía desbordada.

Rigoberta Bandini encuentra su centro de gravedad

2026-06-06T01:27:37.493+02:00

Los apodos o alias son muy habituales en el mundo de la música. Rigoberta Bandini, cuyo verdadero nombre es Paula Ribó, adoptó su seudónimo de sumar el nombre de Rigoberta -homenaje indirecto a la activista guatemalteca Rigoberta Menchú- y el apellido Bandini -un guiño al personaje de ficción Arturo Bandini, de John Fante-, con esta identidad, se ha consolidado como una de las figuras relevantes del indie español.

La artista catalana eleva el término "artista" a lo más alto. No solo canta, compone, escribe y actúa; también brilla en el papel de presentadora, como en la gala de los Goya, galardón que obtuvo en 2024, y fue la voz de personajes tan icónicos como Chihiro, Caillou o la princesa Mérida en 'Brave', dada su vertiente de actriz de doblaje. Aunque no fue hasta 2019 cuando el proyecto musical ve la luz y es en 2022, a raíz de su participación en el Benidorm Fest, cuando salta realmente a la fama.

Y es que aquella edición histórica del Benidorm Fest de 2022, con Chanel, Tanxugueiras y Rigoberta Bandini como grandes candidatas a acudir a Eurovision, dio con la hispano-cubana como candidata de RTVE al certamen y Paula Ribó junto a su equipo fueron agraciados con el cariño del público, demostrando la máxima de que a veces los "perdedores" terminan siendo ganadores, especialmente con ese Ay, Mamá que va camino de ser un nuevo himno generacional.

En estos últimos años Paula Ribó no deja de añadir buenas noticias a su intensa vida, más ahora con su segundo embarazo recién anunciado. En el apartado musical, dos son sus creaciones: 'La Emperatriz' y 'Jesucrista Superstar', haciendo alusión a su edad en el momento de gestación del disco, 33 años, y a la reivindicación de la mujer, una temática habitual y presente en su obra.

Rigoberta Bandini en el Festival Noches del Botánico de Madrid, 5 de junio de 2026

En una edición especial como es el décimo aniversario del Noches del Botánico, Paula Ribó y su proyecto musical Rigoberta Bandini no podían faltar a la cita, abriendo el festival y firmando tres noches consecutivas de actuaciones, a la altura de una gran estrella, a la altura de lo que es.

El pop electrónico, a veces psicodélico e inclasificable, evidenciado en JAJAJA arrancaba un repertorio tan variado como la vida misma: Simpática Pero Problemática, con ese aire ochentero, e In Spain We Call It Soledad, con su atmósfera más vanguardista y experimental; ambas igualmente bailables y disfrutables. Si Almodóvar hubiera nacido en este siglo, habría compartido una versión de la Movida Madrileña con ella.

Sonaron otros temas más intimistas, como esa carta de amor de una madre a su hijo hecha canción y que toma por nombre Canciones De Amor A Ti o Amore Amore Amore, presentada con una ronda de chupitos para las primeras filas y con un leve toque de radiofórmula italiana clásica, tanto como el homenaje a Massiel con El Amor, la gran bandera eurovisiva en España. Hablando de banderas e iconos, Pamela Anderson también tenía su homenaje particular en el concierto, al igual que Julio Iglesias.

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La ternura de Aprenderás o Cançó De Primavera, cantada en su lengua materna, se cruzaban con el humor de rescatar aquel célebre Mayonesa, que todavía no ha caducado, y que se agitaba con el contorneo de las simpáticas coristas, empezando por Belén Barenys, prima de Paula, cuyo rol va más allá haciendo duetos y voces de apoyo.

Llegaba el instante de repasar los grandes temas de la barcelonesa, como ese pegadizo Kaiman, formado por unos estribillos geniales y modernos, que rivalizan con los de Perra, donde el sonido de los sintetizadores flotaba como libélulas en una noche estrellada como las de Van Gogh y coloridas como un cuadro de Gauguin.

Ayer vivimos una de esas noches que se quedan grabadas. ✨@rigobandini volvió a demostrar por qué es única y Julia Cry puso el mejor arranque posible en nuestra Z. Momentos Alhambra. 🙌💥

Nos vemos hoy para completar el 3/3 de la Jesucrista Superstar ✨

📸 Fer González pic.twitter.com/RR833qjDXN
— Noches del Botánico (@nochesbotanico) June 6, 2026

Si algo tiene Rigoberta Bandini es el espíritu positivo de su mensaje, a la par que reivindicativo, tras pasar por una batidora emocional que diluye los grumos de la realidad. Too Many Drugs precedía al duelo de cabeza, como si fuera un pulso entre Real Madrid - Barça o un Barça - Real Madrid, club muy vinculado al padre de la barcelonesa, Pepe Ribó, quien es presidente de las Peñas del Real Madrid en Cataluña. Otra contradicción más dentro de este genial rompecabezas.

Ay Mamá se transformaba en una nana grupal y reivindicativa, escenificado al mostrar los pechos, para culminar con Busco Un Centro De Gravedad Permanente porque, como dice el tema, ella busca "un lugar del que no se quiera bajar". Un lugar que, al menos, ya ha encontrado su público madrileño después de estas noches.

Suede: sensualidad, verdades y cintas de vídeo

2026-03-24T00:00:00.020+01:00

Así como hay cuatro jinetes del Apocalipsis, 4 fantásticos y cuatro tortugas ninjas, en el rock también hay cuatro grandes: los del thrash metal (Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax), los de Seattle (Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden) y los del brit-pop (Oasis, Blur, Pulp y Suede).

Suede era el más elegante de este cuarteto de grupos británicos, como ese chaval que no se mete en problemas mientras sus compañeros de viaje hacen el gamberro, especialmente Oasis y Blur, con esa pugna que recordaba al pulso que mantuvieron en su momento los Rolling y los Beatles. Suede era ese chico triste que dibujaba en el recreo mientras fumaba. Pura sofisticación.

Eran la enésima banda favorita del Reino Unido, justo en el instante en el que surgían muchas bandas favoritas para algunas generaciones. Los dos primeros discos, 'Suede' (1993) y 'Dog Man Star' (1994), fueron dos obras maestras, muy similares en algunos aspectos y distintas en otros, pasando de publicar un disco crudo, directo y con aires juveniles, a un trabajo más reflexivo, nihilista y musicalmente recargado con arreglos orquestales. El virtuosismo del guitarrista Bernard Butler encajaba en la sensualidad que impregnaba Brett Anderson. Una fórmula que apuntaba a ser más exitosa que la de Coca-Cola.

La química entre ambos se rompió en 1994 con la marcha de Butler, pero no la trayectoria del grupo, el cual reclutó a un jovencísimo y talentoso Richard Oakes para seguir seduciendo. Sería en 2004 cuando la formación se tomó un largo paréntesis que se abriría de nuevo en 2010. Así hasta el presente, tras muchos aciertos, algunos errores y un sinfín de recuerdos sobre el asfalto.

'Antidepressants' (2025) es el décimo disco, con Brett Anderson al micrófono, Mat Osman al bajo y Simon Gilbert a la batería, tres de los pilares del grupo desde su fundación; Richard Oakes a la guitarra y al piano, y Neil Codling como guitarrista y teclista. Quinteto actual de garantías para otra nueva gira. Aquel chico que fumaba y dibujaba en el recreo ha crecido, pero no ha perdido la intensidad en su mirada.

Suede + Swim School en la Sala La Riviera de Madrid, 23 de marzo de 2026

Parafraseando al protagonista del libro de Alta Fidelidad, escrito por Nick Hornby, no sé si escuchamos a Suede porque estamos tristes, o si estamos tristes porque escuchamos a Suede.

En un universo musical donde los grupos suelen calcar el repertorio de una ciudad a otra, Suede está cambiando el patrón en este tour, demostrando que son un grupo distinto, ajeno a las reglas. Es una metáfora perfecta de su propia propuesta: personal e impredecible.

Tras una buena actuación de los escoceses Swim School, muy en la onda de Garbage, Suede saludaba a La Riviera con dos muestras del último álbum: Disintegrate, con una fuerte papel en la percusión, y el tema homónimo al último trabajo Antidepressants, con aires post-punk a lo Joy Division o New Order. Mientras que Trash y Animal Nitrate devolvían al grupo al siglo anterior con un estilo pop y más indie.

A Brett le ha cambiado la voz, ahora es más áspera y menos aterciopelada, será cosa de la edad o del tabaco, o de ambos factores, pero sigue siendo un timbre igual de magnético. Porque él es de esas personas que conquistan con su cuerpo, su carisma y su voz. Bendita voz, aunque esta noche no estuviera en su mejor versión.

Concierto de Suede en La Riviera, vía www.setlist.fm

The Drowners fue el single con el que debutó Suede en un ya lejano 1992. Lo bueno es que se mantiene fresco, actual y cercano, máxime si la estrella baja de los cielos para mezclarse con el público, para delirio de sus fans masculinos y, especialmente, femeninos.

El combo británico no quería dejarse ninguna etapa, aunque ello supusiera sacrificar clásicos, y diluir la actuación. It Starts And Ends With You, Pale Snow, con esa interesante atmósfera que dan los sintetizadores, y I Don't Know To Reach You rebajaban la frecuencia cardiaca hasta la aparición de la siempre alegre Filmstar, recibida con un tono festivo, al igual que Can't Get Enough, con esos coros que buscan y encuentran complicidad.

Brett no paraba de moverse, contornearse, hacer girar al micrófono sobre sí mismo o subirse a los monitores como un Cristo del Corcovado sobre un pedestal. A estas alturas, llevaba la camisa tan ceñida y empapada que más que ropa parecía un océano de su propia deshidratación, como un sufrido veraneante disfrutando de la playa.

Pocos grupos encajan tan bien en una tarde lluviosa como Suede. Pocos grupos suenan tan bien en un coche, en una carretera oscura. Pocos grupos pueden hacerte llorar de emoción, ya sea bajo la lluvia o conduciendo. Eso es Suede: una banda que convierte cualquier momento en algo íntimo, especialmente si suena June Rain, de los mejores temas que han compuesto en las últimas décadas.

She Still Leads Me es una elegía a la madre de Brett. Instrumentalmente es positiva, muy en la línea armónica de Echo & The Bunnymen o The Cure, pero frágil en su esencia.

Trance State rezuma a escena de Miami Vice, ochentera, con los sintetizadores sonando mientras la brisa te despeina en un descapotable. Michael Mann al imaginario volante en este tema tan cinematográfico. 'Autofiction' es la versión punk de Suede, potente pero sin perder el glamour.

The Wild Ones llegaba en formato acústico, con Richard a la guitarra, y Brett a capela, permitiéndose el lujo de cantar una parte sin la ayuda del micrófono, pese a que tenía la voz tomada. Otro logro más que desbloqueaba el artista, que sigue en su prime gracias a la implicación.

El tramo final era un maravilloso discurrir entre nuestra vidas, entre las adolescencias y etapas juveniles de los presentes. Todo a ritmo de palmas y de éxitos como Everything Will Flow, Beautiful Ones, Metal Mickey o So Young. Ya no somos tan jóvenes como cuando sonaba, pero Brett sabe que es eternamente atractivo y arrebatador y juega con ello, y los que no somos guapos y arrebatadores jugamos a serlo a veces, aunque sabemos que perdemos esa partida. Él es el Dorian Grey del rock alternativo.

Todavía había tiempo para un bis, aunque en el camino se quedaran tantas joyas sin asomar. Decía Brett Anderson que escribió Dancing With The Europeans por la inspiración que tuvo en España por su especial conexión con el público, como el de esta noche de Madrid, que después de tanta nostalgia y melancolía no ha parado de bailar con sensualidad al ritmo de Suede.

Grey Daze: el legado grunge de Chester Bennington está vivo

2026-03-15T00:21:00.020+01:00

Sustituir a un cantante es una de las tareas más complicadas que existen para un grupo musical. Sustituir a un cantante por fallecimiento es una labor todavía más delicada. Linkin Park ha sufrido ese trance tras la pérdida de Chester Bennington en 2017, quien dejó huérfanos a millones de fans.

Antes de que Linkin Park se convirtieran en ídolos de masas, Chester había hecho sus primeros pinitos musicales en la década de los 90 junto al baterista Sean Dowdell, en una época marcada por el estilo grunge que impregna el sonido de aquel proyecto musical llamado Grey Daze, heredero del estilo de Alice In Chains y Stone Temple Pilots.

Tras dos décadas de silencio prolongado y tras dos álbumes de estudio 'Wake Me' (1994) y 'No Sun Today' (1997), Grey Daze volvió en 2016 a la actividad, pero la muerte de Chester truncó el plan. Tras un concierto homenaje en 2023, con gran recibimiento de los seguidores, reavivaron la llama que ya había empezado a crepitar con 'Amends' (2020), una versión instrumental modernizada manteniendo la voz de Chester, al igual que con 'The Phoenix' (2022).

Ahora, con un nuevo EP y ya con la voz de Cris Hodges como pieza angular desde 2023, han llegado a España por primera vez, en una gira de escenarios pequeños con la que conectar mejor con su fiel audiencia, y ver cuál es su dimensión. Empezar nunca fue fácil. Empezar cuando ya habías empezado es todavía más complicado.

Grey Daze + Jack Bennett en la Sala UNI de Madrid, 14 de marzo de 2026

La Sala UNI es un pequeño local en Madrid, en el corazón de Chamberí, que pasa bastante desapercibida desde el exterior. Una bonita metáfora que encaja con la carrera profesional de Grey Daze, quienes han tenido una discografía bastante inadvertida en el mundo del rock, pese a su calidad, pero conocida entre los adeptos de Chester y Linkin Park.

Unos cuantos privilegiados pudimos asistir previamente a un breve epílogo a cargo de Cristin Davis y Kenny Bulka a la guitarra, Evan Nichols al bajo, Cris Hodges al micrófono y Sean Dowdell en la batería, fundador en el pasado y líder espiritual presente de Grey Daze. El quinteto de Phoenix, Arizona, tocó Monster You Adore y Shadows, esta última elegida por una seguidora.

Antes de la descarga definitiva de Grey Daze, Jack Bennett actuó él solo como telonero, y se bastó, con sus guitarras eléctricas y un cartón de gazpacho que no le terminó de convencer. Mucho arte y paciencia para el neoyorquino, que sí convenció a los presentes.

Se iba llenando la sala para comprobar el directo de la banda, que no ha defraudado en absoluto, tanto en fondo como en forma, con una entrega de las que se echan últimamente de menos en el panorama musical.

Arrancaban con More Than I Can Offer, del nuevo EP homónimo, con un Cris desatado que se mostraba como un león enjaulado, dando vueltas entre sus compañeros, pese a la estrechez del escenario. La tranquilidad asomaba parcialmente con She Shines, con esos vaivenes que seducen constantemente. Saturation con los años, y tras la remasterización, se ha vuelto más electrónica y fascinante; cruzando el siglo con estilo.

El vértigo seguía con Fake Little Lies, que pertenece también a su reciente EP y muestra la ruta que puede conducir al grupo en los próximos años: algo menos 'grunge' y más experimental, pero igual de contundente.

Las sombrías guitarras de Just Like Heroin, tan poéticamente derrotistas, recuerdan a las baladas de Nirvana. Por su lado, Holding You en su reciente versión es un pelotazo que pone patas arriba cualquier escenario. Ese "Stop Me, If You Can" del estribillo es premonitorio, porque a partir de ese punto la canción se acelera. Cris se había metido al público en el bolsillo, con su alegría contagiosa y sus ganas de congeniar con todos.

Sometimes arranca muy suave para dar gas después, como una Ducati en MotoGP. Un tema que podría haber firmado perfectamente Alice In Chains en los 90. Una década tan creativa como autodestructiva para las estrellas musicales, pero tremendamente estimulante para los que seguimos aquí.

La melancolía se iba brevemente para dar paso a la felicidad con ese cover popero y divertido que es el Anything, Anything (I'll Give You). Sin descanso, Wake Me y Monster You Adore, aportaban lo viejo y lo nuevo, como las tradiciones de las bodas. Para levantar las copas con Drag, la cual era solo una voz en la sala, con unos coros espectaculares llenos de desolación.

Cada grupo tiene un tema bandera, a veces tres o cuatro para ondear, por lo que Morei Sky podría izarse como una de ellas. No es solo una canción, es también una confidencia hecha en un diario imaginario. Frases que se tatúan en el alma como "If I had a second chance, I'd make amends. Only to find myself Losing in the end". Y Cris se lo tomó al pie de la letra, porque abandonó el escenario para perderse literalmente entre la gente en otro de los momentos de la noche. Una catarsis grupal.

Still Screaming es otra muestra de lo más reciente del quinteto, perteneciente al recién publicado EP 'More Than I Can Offer' (2026). Justo antes de la sorpresa en forma de Man In The Box, de otra gran voz desaparecida del rock como era la de Layne Staley y sus Alice In Chains.

Más recuerdos y miradas al cielo con Soul Song, otro corte intimista, de los que invitan a ser escuchados en la soledad de la noche y que se quedan perennemente en la cabeza en estado latente, aquí llegó uno de los grandes homenajes a Chester, y es que la canción lo merece, y el artista también.

Sickness ponía el primer cierre del repertorio con su alternancia de riffs pesados y cambios en el registro de voz, donde se lucía de nuevo Cris, cuyo timbre es muy similar al de Chester, no en vano participó en una banda tributo a Linkin Park.

El bis final lo rubricó Shadows, y si se alguien necesitaba un chute de vitamina, B12, tan apropiado por el nombre como por el ritmo que marca el bajo y la batería. Es de esos cortes que provocan maremotos sonoros sobre mareas humanas; y en el epicentro, la voz de Cris. Una gran elección para cerrar una grandísima actuación, de las que crean adeptos.

Con Grey Daze siempre uno se plantea lo siguiente: por qué no tuvieron tanto éxito en el pasado y cuándo van a tenerlo en el futuro. El mundo necesitaba a Chester y el circo del rock necesita a grupos como Grey Daze: honestos, con un puñado de grandes canciones y con mucha energía.

Equipos históricos en España: la primera edición de LaLiga

2026-02-21T14:45:00.002+01:00

Febrero es el mes del amor, es cuando se celebra el Año Nuevo Chino, también es época de Carnaval y el Día de la Marmota, la celebración de la Super Bowl es en las dos primeras semanas, al igual que el All Star de la NBA. En el fútbol español también es un momento especial, dado que la primera jornada de LaLiga se disputó un 10 de febrero de 1929.

¿Qué clubes son los históricos en España?

Depende de a qué consideremos histórico: si es por antigüedad, aunque desde hace un tiempo hay clubes que han variado la fecha de fundación, por títulos conseguidos o por la masa social que movilizan. Lo que sí es innegable es que diez instituciones fueron las que jugaron la edición inaugural de la Primera División de España de fútbol, y una, el Real Club Recreativo de Huelva, es la más antigua (1889), el Decano del fútbol español.

🗓✨ El 10 de febrero de 1929, un DÍA PARA LA HISTORIA.

😍🔙 ¡Se cumplen 97 años de la disputa de la PRIMERA JORNADA en #LALIGAHistory!#LALIGAEASPORTS pic.twitter.com/p9TCEf8BJb
— LALIGA (@LaLiga) February 10, 2026

Los 10 clubes fundadores de LaLiga en España

Después de varios intentos fallidos, se decidió hace un siglo que participaran en una liga los campeones coperos (Athletic, Real Madrid, Barça, Real Unión, Arenas y Español), y algunos subcampeones del Campeonato de España, actual Copa del Rey -como el Athletic de Madrid o el Europa-, ocupando la Real Sociedad la plaza que le correspondía al Ciclista Foot-ball Club de San Sebastián, campeones coperos de España en 1909 y entidad predecesora de los guipuzcoanos.

La décima posición de la lista la ocupó el Real Racing Club, quienes superaron tres duras eliminatorias de promoción, ante el Valencia, Betis y Sevilla, en una final que se llegó al tercer partido para cubrir esta histórica última plaza disponible.

Curiosidades de la época: Cabe recordar que el RCD Español no cambió su actual denominación a RCD Espanyol, hasta 1995, y que el Atleti se denominaba por aquel entonces Athletic de Madrid, dada la influencia vasca en su nacimiento, y que no sería Club Atlético de Madrid hasta 1947, antes fue Club Atlético Aviación. Otra anécdota es que el Real Madrid había estrenado en esa década su condición de Real.

El Europa, actualmente conocido como CE Europa, siempre vinculado al barrio de Gràcia de Barcelona, es junto al Real Unión de Irún, los únicos de la lista que disputan en la actualidad sus partidos fuera de la liga de fútbol profesional, pese al poso histórico que acumulan.

Es decir, había cuatro equipos vascos:

Athletic Club, de Bilbao
Arenas Club, de Getxo, Bizkaia - Vizcaya
Real Sociedad, de San Sebastián - Donosti
Real Unión de Irun, Gipuzkoa - Guipúzcoa.

Tres equipos catalanes, todos de Barcelona:

FC Barcelona
Español, por aquel entonces
Europa

Tres equipos castellanos, ya que la Comunidad de Madrid no estaba constituida y Cantabria no tuvo su Estatuto de Autonomía hasta 1982.

Real Madrid
Athletic Club de Madrid, el actual Atlético
Real Racing Club, de Santander

Primer gol en la historia de la Liga, obra de Pitus. Fuente: RTVE

El primer gol de la historia de LaLiga en España

Hablando del Espanyol, el conjunto perico logró el primer gol de la historia de LaLiga en España. Fue el 10 de febrero en el Estadio de Sarriá de Barcelona y su autor fue José Pitus Prat, en un encuentro ante el Real Unión de Irún que terminó 3-2. El guardameta del conjunto vasco era Antonio Emery, cuya familia siempre ha estado vinculada al fútbol, como su nieto Unai Emery, exjugador y entrenador de renombre, y a la entidad irundarra, caso de Igor Emery, hermano de Unai.

El primer campeón de LaLiga en España y ningún descendido

El FC Barcelona fue el campeón de la primera edición de la Liga en España, temporada 1928-29. Los azulgranas sumaron 25 puntos, mientras que el subcampeón fue el Real Madrid con 23 unidades. El Racing quedó último y disputó una promoción para el descenso que logró eludir.

Clasificación de LaLiga 1928-29, fuente: Bdfutbol

En la Segunda división, el campeón fue el Sevilla, que promocionaba al ascenso, y empatado a 22 puntos con el Iberia Sport Club, desaparecido equipo de la ciudad de Zaragoza. Cabe recordar que en aquella época la victoria era solo de dos puntos. No fue hasta el curso 1995-96 cuando se contabilizaron los tres puntos por partido ganado.

Casualmente, Sevilla y Racing, que ya se habían visto las caras para ver quién ocupaba la plaza para la primera edición de LaLiga, tuvieron que medirse de nuevo, esta vez en un doble partido para la permanencia: el Racing por haber ocupado el 10º puesto en Primera y los hispalenses por su primera posición en Segunda. Los santanderinos remontaron en los Campos de Sport de El Sardinero, por lo que el campeonato se cerró sin ningún descendido en esta histórica primera edición de LaLiga que va camino de celebrar su 100 años.

Candlelight: Metallica a la luz de las velas

2026-02-16T00:29:00.005+01:00

No es extraño escuchar a Metallica a través de un cuarteto de cuerdas o con un tono más clásico. Es más, el grupo finlandés Apocalyptica nació interpretando versiones de Metallica con cellos en la década de los 90, en su ya célebre disco 'Plays Metallica by Four Cellos' (1996).

Antes de que terminara el milenio, era la propia banda estadounidense la que se unían con la orquesta sinfónica de San Francisco, bajo la batuta del malogrado Michael Kamen, para publicar aquel álbum llamado 'S&M' (1999), en el que Metallica mezclaba el thrash metal con la música clásica, logrando momentos únicos como el Nothing Else Matters. Este disco fue el último trabajo del bajista Jason Newsted.

Para aquellos que nunca han podido ver ni escuchar a Apocalyptica y/o que nunca hayan podido ver ni escuchar el 'S&M' de Metallica, existe la posibilidad de vivir emociones similares a través del formato Candlelight: una experiencia distinta donde se realizan tributos de tus artistas favoritos a través de la música clásica, con el aliciente de vivirlo en lugares únicos y bajo la luz de las velas. ¡Planazo!

Candlelight de Metallica en el Hotel Wellington de Madrid, 15 de febrero de 2026.

El Hotel Wellington es uno de los lugares más lujosos y exclusivos de Madrid. Un cinco estrellas que ha contado con el escritor Ernest Hemingway como selecta clientela, pasando por toreros, porque posiblemente sea el hotel más taurino de la capital, hasta actores de Hollywood. Un elenco tan variopinto como selecto, dentro de un distrito ya de por sí famoso por su glamour como es el de Salamanca.

Una hora aproximadamente duró el repertorio de los cuatro músicos interpretando los grandes clásicos de los 'Cuatro Jinetes', como se los conoce a los miembros de Metallica. Una hora que se hizo corta y amena gracias al cuarteto Parallel Quartet: el grupo musical formado por Alfredo Ancillo, Laura Hidalgo, Fátima Poblete y Stamen Nikolov. Un diez en ejecución y un diez en interacción con el público, a través de comentarios personales con mucho sentido de humor.

El repertorio arrancaba con ese himno antibelicista que es One, pasando por la pesadilla personal que dibuja el Enter Sandman, siguiendo con dos de los grandes medio tiempos de la formación Fade To Black y The Unforgiven. Las habituales guitarras de Metallica adquirían otro sonido distinto. Otra nueva dimensión.

Seguía el espectáculo con Sad But True, Seek & Destroy, For Whom the Bell Tolls, con letra inspirada en la visión de Hemingway por la Guerra Civil en España, para anticipar la fiesta de San Patricio con ese clásico folk irlandés que es Whiskey in the Jar.

Emulando a James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo, el concierto acababa con dos de las habituales para cerrar un concierto de Metallica: la rejuvenecida Master of Puppets, que ha sido descubierta por toda una generación gracias a la serie Stranger Things y la eterna Nothing Else Matters, tan apropiada para estas fechas tan románticas y para poner el broche de oro a una hora de Metallica entre velas.

Seattle gana su segunda Super Bowl al son de Bad Bunny

2026-02-09T04:07:00.011+01:00

Hay veces que las revanchas no se producen. Otras veces llegan enseguida y, en ocasiones, es un plato frío que se sirve frío once años después. En aquella ocasión, en 2015, fue Tom Brady el que guió a los Patriots a la victoria. En esta ocasión, la defensa de los Seahawks, junto al acierto del californiano Jason Myers, que jugaba en casa, ha dado el segundo anillo de los Seahawks (29-13). Un partido que también será recordado por la actuación reivindicativa de Bad Bunny sobre el Levi's Stadium de Santa Clara (California).

De este modo se ponía fin a una temporada de fútbol americano profesional que ha sido histórica para España por vivir en directo un partido de la NFL de liga regular, el cual fue celebrado entre los Dolphins y los Commanders en el Santiago Bernabéu de Madrid. Una cita que se repetirá la próxima temporada con otro enfrentamiento de fútbol americano en el césped del estadio del Real Madrid.

Seahawks vs. Patriots

Una de las principales noticias antes del encuentro era la figura del Presidente Donald Trump, quien mantiene una gran amistad con Robert Kraft, dueño de los Patriots, y cuya ausencia se terminó confirmando, pese a ser el evento deportivo, y cultural, más importante del año en los Estados Unidos.

Primer cuarto

En el primer cuarto Seattle logró una pequeña victoria, y New England un mal menor, al anotar Jason Myers un field goal de 33 yardas. Empezaba el partido movido con apenas unos pocos minutos de juego disputado para después calmarse, como una canoa que alcanza aguas tranquilas tras superar unos rápidos.

Segundo cuarto

El juego terrestre era el mejor aliado de Seahawks. Como decía Al Pacino en 'Un domingo cualquiera', pulgada a pulgada y yarda a yarda, los de Seattle avanzaban, pero los Patriots frenaban de nuevo la embestida, aunque no el castigo, dado que el FG sumaba otros tres puntos en su contra: 6-0 para los del estado de Washington, alejando el foco por el momento del duelo entre los mariscales Darnold y Maye.

Porque las cámaras se centraban en el colombiano Christian González, el cual evitaba dos touchdowns, transformados en otro FG para Seattle, confirmaba el mayor papel en esta cita de las defensas sobre los ataques. Con 9-0 se cerraba este acto para dar paso al 'halftime show'. donde otro latino iba a brillar.

ESTO NO LO VISTE VENIR 😂

Así se armó el halftime show de Bad Bunny en la Super Bowl 😁#SBLX #NFLenDAZN pic.twitter.com/ykG855Tbot
— DAZN España (@DAZN_ES) February 9, 2026

El puertorriqueño Bad Bunny, quien venía de hacer historia en la gala de los premios Grammy, fue el encargado del espectáculo del entretiempo, siendo el grupo estadounidense Green Day el que se había encargado de abrir el apartado musical. Bad Bunny reivindicaba el poder latino en el continente americano. Un mensaje muy necesario en la Estados Unidos actual, donde la polémica figura del ICE ha emergido en una nación siempre caracterizada por la presencia migratoria.

No estaba solo, rodeado de muchos extras y otras figuras, como Lady Gaga o Ricky Martín, Bad Bunny dejó un mensaje de paz, de reivindicación de todas las naciones de América. Todo ello en un espectáculo cantado en español y con un guiño especial, por lo tanto, a la población de habla hispana. Todo sea dicho, también en contra de las decisiones de la administración de Donald Trump, evidenciándose cuando el cantante entregó el galardón a un niño, en clara referencia a Liam Conejo.

Tercer cuarto

Si González y Bad Bunny habían sido los protagonistas hasta entonces, Darnold despertaba con pases certeros y un ramillete de acciones positivas, pero no suficientes para un touchdown. De nuevo, Seattle se resignaba con otro gol de campo de Myers, cuarto de la noche. La distancia empezaba a ser significativa, pero salvable. 12-0 para los Seahawks.

Una recuperación de Murphy en los últimos segundos del cuarto aclaraba el camino de los Seahawks hacia el título, aunque si hay un rival al que se le dan bien los milagros: esos son los Pats.

Último cuarto

El anillo ya estaba casi adjudicado cuando caía el primer touch down del día tras conectar Darnold con Barner por la ruta 88 hacia la end zone. 19-0 para Seattle a falta de menos de quince minutos.

88 to the END ZONE.🕺 @_ajbarner_

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— xz* - Seattle Seahawks (@Seahawks) February 9, 2026

En ese momento las prisas se apoderaban de Patriots, como ese alumno que recuerda la noche del domingo que tiene que llevar sí o sí una tarea para el lunes. Hollins recuperaba la emoción al electrónico con un 19-7. El muerto había resucitado tras un coma inducido.

Una intercepción a Maye, quien había espabilado en este cuarto, condenaba a los suyos a falta de 9 minutos. Máxime si Myers firmaba el quinto FG del día para situar el casillero en un claro 22-7, preludio del último clavo puesto por Nwosu (29-7) sobre la tumba simbólica de su rival. La resurrección de los Pats había sido un espejismo, aunque maquillara los números al final. De este modo, Seattle obtenía su revancha más de una década después, con Bad Bunny robando protagonismo al deporte.

Atrapados en el tiempo de Nightwish con Tarja Turunen y Marko Hietala

2026-02-03T00:35:00.004+01:00

Todos tendemos a relacionar a la cantante finlandesa Tarja Turunen con el grupo finés Nightwish, cuando lleva más tiempo fuera de la banda que desarrollando su carrera como solista. No en vano, el maravilloso disco 'Once' (2004) fue su última participación como vocalista del grupo antes de su expulsión. Tiempo suficiente como para que una generación no haya visto nunca a Tarja con Nightwish. Tiempo suficiente como para hacernos a la idea de que los caminos entre Tarja y Nightwish se separaron hace mucho.

Del mismo modo que los caminos de ambos se separaron, Tarja empezó a profundizar más en su registro musical. La versatilidad de su voz de soprano le han permitido moverse con comodidad en un amplio abanico que puede ir desde un estilo operístico, pasando por el pop y llegando al metal sinfónico.

Dicen que los amigos son la familia que no eliges. A lo largo de su carrera, Tarja ha tenido muchos compañeros y colegas sobre el escenario, algunos incluso amigos. Ahora, y para esta gira, ha rescatado al gran Marko Hietala, también finlandés, también vocalista, además de bajista, y también excompañero de Nightwish, formación que dejó en 2021.

Un tour denominado 'Living The Dream Together' que, sin querer, recupera la esencia de la etapa más exitosa de Nightwish, cuando 'Once' llegó a vender más de dos millones de ejemplares, justo la que vivieron Tarja y Marko juntos, porque aunque ellos no pertenezcan actualmente a Nightwish, para muchos siguen siendo gran parte del alma de Nightwish, y que Tuomas Holopainen nos perdone por pensar esto.

Tarja Turunen + Marko Hietala, Rok Ali And The Addiction y Serpentyne, en la Sala La Riviera de Madrid, 2 de febrero de 2026

Con un tiempo invernal y un Madrid recién nevado, parecía la mejor estampa para dar la bienvenida a dos iconos musicales de la fría Finlandia. Antes de su actuación, dos grupos liderados por dos mujeres tomaban las riendas de la tarde-noche: primero eran los más habituales: los británicos Serpentyne, quienes caminan entre el folk y los arreglos orquestales, destilando mucha simpatía, y después llegaban los estadounidenses Rok Ali and The Addiction, con atmósferas de guitarras sucias, maravillosamente conducidas por el virtuoso guitarrista, para confeccionar un grunge que son un cruce entre Soundgarden y Alice In Chains, quizás lo que menos encajaba era la voz en un guiño noventero.

Marko Hietala, quien conoce perfectamente España ya que vive aquí, descargó posteriormente su show: potente y con un sonido clásico de la escuela de Deep Purple o Judas Priest, pero a veces también con ecos medievales, por ese toque tan de obra de Tolkien. El genio barbudo de las cuatro cuerdas interpretó diez temas, destacando Rebel Of The North, con ese porte tan imponente que parece sacado de una película Robert Eggers, para más tarde deleitar con la melancólica Isäni Ääni, cantada en finés.

El timbre de Marko se volvía de nuevo aterciopilado para cantar la épica Roses From The Deep. La misma Tarja salió para hacer un dueto con Marko en Left On Mars, para finalizar con un tono más de música tradicional como Stones, que podrían entrar en cualquier álbum de Blind Guardian, solo que en una versión más vikinga.

Bill Murray se quedó atrapado en el tiempo durante la gran comedia que recrea el día de la marmota, el cual se produce todos los 2 de febrero. Creo que no nos hubiera importado a todos los presentes vivir este día en bucle junto a Marko Hietala y Tarja Turunen, cuyo español ya no es que haya mejorado, es que es propio de una chulapa. Tarja, al igual que otros muchísimos compatriotas, tiene a la provincia de Málaga como su particular refugio.

Y bajo ese refugio que era en ese momento La Riviera, la reina Tarja se dirigía a sus súbditos con el señuelo de su voz tarareando Eye Of The Storm, un guiño a Argentina y al tango, un guiño a la etapa en la que vivió en Buenos Aires. Undertaker invitaba a bailar a su ritmo, con la alegría contagiosa con la que cimbreaba.

Había que repasar muchos temas, porque la discografía de la cantante empieza a ser considerable. Demons In You o Victim Of Ritual ya son clásicos personales. Y también compartir escenario con Marko, ahora con un set semi acústico que transformaba y fusionaba The Crying Moon, Eagle Eye, ¡qué bien queda en este formato a dos voces y con guitarra española!, Feel For You o Higher Than Hope, las primeras de la noche bajo el sello de Nightwish. Como si fuera el Sorteo de Navidad, los premios iban cayendo.

Slaying The Dreamer y Wishmaster eran el tercer y segundo gran premio, con una sala volcadísima en esos momentos. Todo ello se mezclaban con éxitos ya consolidados de la propia Tarja, como ese emotivo Silent Masquerade o el grandioso I Walk Alone, aunque hoy no estuviera sola y tuviera a su lado a Marko. El único pero a tantos halagos y alabanzas es habernos privado en el repertorio de la personal versión que realizan sendos artistas del Fantasma de la Ópera.

El bis final era muy potente, Dead Promises servía de aperitivo para otro regreso de Marko Hietala para cantar el premio gordo: Wish I Had An Angel. Y ya, casi sin aliento, se acababa con Until My Last Breath, la guinda habitual de Tarja en una gira especial por ver a ambos juntos en concierto. Un tour maravilloso que nos ha devuelto a todos a la época del 'Once', aunque sea solo por esta vez.

The Waterboys muestra su homenaje a Dennis Hopper

2025-12-02T01:03:00.017+01:00

The Waterboys tiene la particularidad de sonar a ochenteros y muy auténticos, algo muy positivo para subsistir en la música. Ese tono folk - celta convertía inmediatamente la Sala La Riviera en un pub rodeado de cervezas y de televisiones emitiendo partidos de rugby y fútbol, aunque la selección escocesa o irlandesa no jugara en esos momentos.

Por The Waterboys han pasado tantos músicos en el escenario como años los contemplan. Una treintena sobre las tablas y más de cuatro décadas produciendo discos y grandes canciones, porque en eso consiste esta industria.

The Waterboys, en la Sala La Riviera de Madrid, 1 de diciembre de 2025

El lunes no es el día favorito de la semana. Ya lo decían y cantaban los irlandeses The Boomtown Rats con su célebre I Don't Like Mondays. Pese a ello, la pista no presentaba ningún hueco, ni siquiera en la planta superior, donde la gente se asomaba con curiosidad. Tampoco había huecos en el repertorio del grupo. Extenso y largo como un lunes.

El espectáculo tenía tres partes bien diferenciadas. Una primera sección repasando temas de distintas épocas, entre ellas cortes como Medicine Bow o Be My Enemy, alargando las canciones y dándole un toque de improvisación, por momentos, como si fuera un grupo de jazz divirtiéndose con cada instrumento.

También hubo tiempo para homenajear a otros artistas con clásicos atemporales, como el Knockin' On Heaven's Door de Bob Dylan, interpretada también tantas veces por Guns N' Roses que incluso en internet existe una entrada para aclarar si el tema es de ellos. Esta versión es mucho más country que cualquiera de las dos mencionadas.

Después sonaba Fisherman's Blues, una canción tremendamente cinematográfica con aire melancólico que se ha colado en tantas cintas como Dennis Hopper, y digo Dennis Hopper porque iba a ser el siguiente homenajeado, y de forma prolongada con una decena de temas.

Dennis Hopper, el fallecido cineasta estadounidense, era el centro neurálgico de la segunda parte del show. Y es que el último disco tiene su nombre, su imagen, su memoria, su trabajo, incluyendo la faceta como fotógrafo. Así es su último trabajo, pero podría haber sido encontrado en una cápsula del tiempo y ser mostrada actualmente, porque Mike Scott sigue su instinto y no a las modas.

Aprovechando el papel de improvisada traductora de una de las coristas, Mike iba poniendo contexto a su disco, mostrando con mimo las distintas eras de la vida de Dennis Hopper: desde su icónico papel en 'Easy Rider' pasando por su fugaz matrimonio de apenas ocho días de duración y terminando con su muerte. Una vida de excesos y no exenta de polémica. Una fijación curiosa por un artista inclasificable.

El tono country, acrecentado por los sombreros cowboys que lucían, se había instalado en la Riviera, pasando éste de ser un pub en Edimburgo a un salón en mitad de una zona rural de Estados Unidos, con un eterno atardecer posándose en el horizonte, solo que el atardecer ya había pillado horas antes a la capital española.

Live In The Moment, Baby tiene un aire clásico y un guiño a Elvis Presley, sabe a último trago de bourbon en la barra, porque precisamente el disco homenaje póstumo a Dennis Hopper suena tranquilo y a décadas pasadas. Demasiado pausado en algún momento, todo sea dicho. Más alegre, y hasta bailable, es Hopper's On Top (Genius), con un divertido estribillo. Así se iba desgranando esta sección dedicada a Hopper.

Don't Bang The Drum era la encargada de romper el tributo a Dennis Hopper para repasar uno de esos himnos que tienen The Waterboys. La batería aporreando el ritmo y las melodías fundiéndose bajo los teclados en un vibrante duelo a piano entre Brother Paul Brown y James Hallawell. Toda una experiencia sensorial.

Los grandes éxitos se iban agolpando como unos grifos atascados que por fin van liberando agua. A Girl Called Johnny, Spirit, también perteneciente a esa obra maestra que es 'This Is The Sea' (1985), junto a The Pan Within, cuyas notas transportan sin billete a cualquier lugar. Una canción con una atmósfera mágica que te atrapa.

Llegaba ya el bis y no había que preguntar cuál iba a sonar: el célebre The Whole Of The Moon, que cumple con el papel de tema famoso al que sorprendentemente le costó ser reconocido, aunque lo tenía todo para triunfar, y que tuvo a la MTV también como aliado para hacer crecer su popularidad por el gran número de veces emitido el videoclip. Y, pese a ello, no nos cansaremos de escucharla, sea a plena luz del día, viendo una película de Dennis Hopper o mientras contemplamos la luna.

La 'gente guapa' de Marilyn Manson vibra en Vistalegre

2025-11-28T23:53:00.012+01:00

Marilyn Manson ha tenido una carrera profesional irregular, pese a su prometedor inicio. Su segundo disco 'Antichrist Superstar' (1996), producido por ese visionario genio llamado Trent Reznor, agitó los cimientos del metal con un sonido potente y vanguardista, inclasificable y sublime. Rabia imparable en forma de acordes crudos. De este modo, arrancaba una trilogía musical que situó al grupo estadounidense en la cumbre. La estrella del rock, que siempre deseó ser, lucía mucho a finales del siglo XX.

Todo lo que sube, baja; y en este caso planea. Las idas y venidas de miembros importantes en la formación, como Twiggy Ramirez, y los vaivenes discográficos, algunos más acertados que otros, como ese elegante 'The Pale Emperor' (2015), han hecho que pasara de llenar estadios y aparecer en todas las portadas a conformarse con giras en pabellones de tamaño mediano y ser noticia por otras circunstancias.

Brian Hugh Warner, el nombre real de Marilyn Manson, siempre ha vivido en el filo de la navaja, y disfrutaba de esa controversia. Era el hombre al que había que temer. La provocación era parte de su espectáculo, de su teatro de emociones sobre los escenarios. Hasta que la polémica salpicó a su vida personal de manera pública, acusado de agresiones sexuales.

La llegada de Tyler Bates a la formación dibujan una nueva etapa, menos rebelde y más reflexiva, más acorde con el devenir de los años. No va a haber una segunda parte del Antichrist Superstar porque la expectación no es la misma que en 1996, ni siquiera la banda es la misma. Tampoco el público es el mismo. La crisálida quedó atrás y la metamorfosis ha traído un nuevo mundo. Y ese nuevo mundo no parece necesitar a Marilyn Manson.

Marilyn Manson + Dead Posey en el Palacio Vistalegre (Madrid), 28 de noviembre de 2025

El cariño y el amor muchas veces no se puede explicar. Uno quiere a veces al que no puede y otras veces al que no debe. Se puede apreciar mucho la música de Marilyn Manson, entender a las víctimas y señalar al verdugo de este juicio popular. Se puede separar arte de artista, y en ese proceso nos encontramos.

Se puede adorar su hipnótica voz, sus letras, la evolución y la transformación que se ha producido en cada disco, madurando su discografía tras haber vomitado toda su cólera en los primeros trabajos. Sé que quienes comparten esta pasión, entienden esta locura y las dudas.

Como polillas que se acercan a la llama, el Palacio Vistalegre se fue llenando para asistir a otro concierto del 'reverendo' en la capital, quien va camino de cumplir las tres décadas de actuaciones en Madrid. Algunas mejores y otras mejorables, porque su relación con esta ciudad siempre ha sido singular.

La simbología ha tenido mucho peso en Marilyn Manson, especialmente el tarot y la imaginería cristiana. Siete Cruces de Lorena parpadeaban en tonos rojos y blancos entre la oscuridad para indicar el inicio del ritual, el cual necesitaba magia tras el fuego avivado por Dead Posey, cuya cantante Danyell Souza, una mujer con mucho carisma, se llegó a entremezclar por la pista en su brillante actuación.

Marilyn Manson salía a las 21:00 horas entre la penumbra luciendo un evidente gran estado físico, después de varias giras donde su aspecto era menos saludable, y lo hacía con Nod If You Understand el cual parece una pista descartada de finales de los 90, pero sin la fuerza de entonces. El objetivo era presentar el último álbum y así lo constataba con esta apertura que pillaba todavía fría a la audiencia que ya rebosaba la Plaza de Toros cubierta del distrito madrileño de Carabanchel.

Pronto asomaba la particular Santísima Trinidad discográfica del que fuera sacerdote de Satán en su día. Sonaban la potente Disposable Teens, del 'Holy Wood (In the Shadow of the Valley of Death)' (2000), esas guitarras afiladas con las que rasga el Angel With The Scabbed Wings, del 'Antichrist Superstar' (1996), y la vuelta a la superficie con el Great Big White World del 'Mechanical Animals' (1998). Tres muestras de su mejor época, y el público lo agradecía. Y enloquecía.

Si algo caracteriza tradicionalmente a Manson en los directos es la escasa interacción con el público, un repertorio lleno de sorpresas, con ausencias notables, y una duración por debajo de dos horas. Cumplió con casi todo el guion, menos con su actitud. De hecho, estuvo dialogante, reivindicativo, dirigiéndose a los fans y muy metido en su papel de frontman.

One Assassination Under God, el título homónimo del último trabajo, era de esperar que sonara en el setlist. Y lo hizo que ese tono muy cinematográfico, oscuro y gótico gracias al apoyo de los teclados y que lleva la inconfundible dirección de Tyler Bates. Temazo envuelto en terciopelo negro que habría aplaudido David Lynch.

Como si fuera una ruleta rusa con pocas balas y muchos huecos, This Is The New Shit precedía a The Reflecting God, otra de esas piezas de orfebrería que tiene el Antichrist. Un álbum difícil de escuchar al principio pero difícil de olvidar después. Sacrilegious es como un autoplagio de éxitos anteriores en su carrera. En directo gana más, pero sigue siendo menos de lo que apunta.

El espectáculo ya había cruzado su ecuador en un visto y no visto. The Dope Show y I Don't Like The Drugs (But The Drugs Like Me) se solapaban y recuperaban la época glam de la formación para llegar al As Sick as the Secrets Within. Una confesión hecha canción, una temática que se repite en el álbum, y que destaca en este último disco, especialmente por los primeros riffs, marca de la casa.

Repertorio de Marilyn Manson en Carabanchel (2025), via www.setlist.fm

Marilyn Manson es muy dado a las versiones. No hay duda que con el Sweet Dreams de Eurythmics lo bordó. El tono tétrico y pausado fue un tremendo acierto para modernizar y oscurecer un hit ochentero del synth pop. Un clásico que no debe de faltar nunca en un concierto suyo, donde le añade un tono aún más lúgubre cantando ante un micrófono iluminado. Aquí Vistalegre pidió su turno para cantar y Manson concedió el deseo.

Antes del doble bis llegaba mOBSCENE, que bebe mucho, demasiado, del Be Agressive de Faith No More, especialmente en los coros, y The Beautiful People, el himno de Marilyn Manson por el que fue aclamado en su momento por crítica y público. Y el público siempre desea botar, vibrar y dejarse las gargantas en el estribillo.

Tras la pausa, se abrían las heridas de nuevo con Tourniquet, el cual conducía de nuevo a Vistalegre por esa colosal sinfonía industrial que es el 'Antichrist Superstar'. Lo hacía como antaño, subido en unos interminables zancos y conservando el equilibrio. Meritorio y circense.

Antes de que las trompetas del Apocalipsis llamaran al final del mundo, Coma White cerraba la noche bajo unos copos llovidos, como si fuera Vistalegre una gran bola de nieve agitada, con ese críptico mensaje "eras de un mundo perfecto, un mundo que me desechó hoy", aunque por esta noche sigamos teniendo a Marilyn Manson entre nosotros, por fortuna para el arte y para su verdadera 'gente guapa', quienes han disfrutado de un renovado artista.

Dolphins - Commanders, primer partido de la NFL en España

2025-11-16T21:10:00.005+01:00

Los Juegos Olímpicos, la final de un Mundial de fútbol y la Super Bowl ocupan el podio de eventos deportivos más importantes, y rentables, del mundo. Los dos primeros se han celebrado en distintos países, mientras que el tercero, la Super Bowl, nunca ha salido de los Estados Unidos.

La Super Bowl empareja a los campeones de las dos conferencias en las que se divide la National Football League. Estos partidos de liga regular sí que han sido disputado fuera de los EE.UU., ejerciendo Londres y Ciudad de México como habituales anfitriones. Ahora, y por primera vez en España, Madrid acoge un encuentro de la NFL.

Miami Dolphins ejercía de conjunto local en Madrid ante Washington Commanders, renombrados así desde 2020 y dejando atrás su anterior denominación como Redskins, por considerarse ofensiva y racista. No solo es casualidad el papel de los Dolphins como anfitriones, dado que Miami es una de las ciudades estadounidenses con más hispanohablantes y en su momento, 2014, las por entonces alcaldesas de Miami y Madrid, firmaron un hermanamiento.

El Santiago Bernabéu, que oficialmente pasaba desde este encuentro a ser solo identificado como Bernabéu, casa habitual del Real Madrid, cambiaba sus profundas porterías por postes de gol, y por unas horas los metros pasaban a ser yardas.

Dolphins - Commanders, en el Santiago Bernabéu de Madrid, 16 de noviembre de 2025

Las largas colas a causa de las estrictas medidas de seguridad, en el perímetro alrededor del estadio Santiago Bernabéu, hicieron que mucho público tardara en ocupar sus asientos.

Miami Dolphins venció en la prórroga por 16 a 13 a Washington Commanders en el primer partido de liga regular de la NFL celebrado en España, concretamente en el estadio Santiago Bernabéu,

FINAL: @MiamiDolphins win an OT thriller in the first ever NFL game in Madrid 🔥 pic.twitter.com/0zmxNblvXe
— NFL (@NFL) November 16, 2025

Un field goal de Riley Patterson a una distancia de 29 yardas daban los tres puntos al conjunto de Florida en el tiempo extra después de haber llegado al final del partido con empate a 13 puntos.

EL PRIMER PARTIDO DE LA NFL EN ESPAÑA ES PARA LOS MIAMI DOLPHINS 🐬

La patada de Riley Patterson decide un choque vibrante 💥#NFLenDAZN 🏈 pic.twitter.com/8nJm3l9cis
— DAZN España (@DAZN_ES) November 16, 2025

El encuentro fue parejo del inicio al final. El primer cuarto se saldó con dos field goals para ambos, circunstancia que se repitió en el siguiente cuarto, por lo que se alcanzó el descanso con un escaso guarismo de 6-6.

Tras el entretiempo, cuyo espectáculo musical corrió a cargo de Daddy Yankee y Bizarrap. Washington logró el primer touchdown, que fue igualado en el siguiente cuarto por Miami, que ejercía de local en este encuentro en la capital de España.

Un field goal errado por los Commanders en el último minuto de juego condujo al partido al tiempo extra, donde una intercepción de Jack Jones al pase de Mariota, con apenas 7 segundos disputados, dio la posibilidad a los de Miami de cerrar la muerte súbita, circunstancia que aprovecharon para llevarse este juego por 16-13 merced a un field goal ganador.

Helloween sopla su tarta de cumpleaños con 40 calabazas

2025-11-16T01:06:00.019+01:00

El grupo alemán Helloween ha alcanzado a sus 40 años el cenit de su carrera profesional. Ha recuperado en el camino a dos de sus hijos pródigos, -Kai Hansen y Michael Kiske- y sigue manteniendo su impronta en cada disco, demostrando que son los padres del 'power metal' y que no paran de crecer musicalmente.

España no podía faltar en este tour; es un país fetiche para el septeto germano. No en vano, dos son las citas en la Cubierta de Leganés para soplar la tarta de cumpleaños, y ya de paso repasar la discografía, empezando por el reciente 'Giants & Monsters' (2025), el 17ª disco del grupo. Casi nada.

Helloween + Beast In Black en la Nueva Cubierta de Leganés (Madrid), 15 de noviembre de 2025

Los finlandeses Beast In Black son los segundas espadas de Helloween en este tour. Una banda de garantías, consagrada, con una década sobre las tablas pero capaces de asumir su rol de teloneros en esta ocasión. Caras conocidas para una fecha tan señalada.

El cantante griego Yannis Papadopoulos, que tiene apellido de ser alero de Olympiacos o Panathinaikos, demostró su poderío vocal. El batería Atte Palokangas puso la nota de humor constantemente, aunque sufriera todo el rato el mal sonido que nacía de su bombo. Una pena, porque las ganas que estaban echando merecían más. Gustaron mucho, como siempre.

Preparar el repertorio de un tour debe de ser lo más parecido a ser seleccionador nacional antes de un Mundial. Hay nombres que no han de faltar, algunos que hay que promocionar y otros que van a sorprender. Casi siempre el público tiene un listado en su mente que, muchas veces, no se corresponde con la realidad.

Andi Deris, Michael Kiske, Michael Weikath, Kai Hansen, Markus Grosskopf, Sascha Gerstner y Dani Löble salieron a lo grande en la Cubierta, como diestros en la plaza de toros. Meter March Of Time o Future World, Twilight Of The Gods, que no sonaba en directo desde los 80, entre los seis primeros temas de la noche era una declaración de intereses. Honrar el pasado. Y es que no nos olvidemos que el doble álbum 'Keeper Of The Seven Keys' (1987 y 1988) es una de las claves de bóveda de este género musical.

Era un día para rememorar el legado vivo de Helloween, aunque no toda los álbumes salieran a relucir, para presumir del sello que han dejado en forma de guardianes, llaves y anillos mágicos, y lo que deparará todavía el futuro. The King For a 1000 Years, que es todo vértigo y melodía, We Burn, con número de pirotecnia a lo Rammstein incluido, y la sorprendente This Is Tokyo, con esos coros más propios del hard rock, se movían con soltura entre tanto clásico.

El desfile era continuo, al igual que los cambios a la hora de llevar la voz cantante, nunca mejor dicho, porque Andi Deris, quien no paraba de hablar un español de "puta madre", y Michael Kiske se alternaban en el micrófono según el tema que sonara, no parando de derrochar simpatía y regalar sonrisas. O incluso jugaban con los duetos, como con la balada Into The Sun, dejando a Kai Hansen los cortes de la primera etapa de la formación, como en Ride The Sky, mientras sus dedos bailaban sobre el mástil de la guitarra como un patinador surca el hielo.

Está visto que algunos temas del último trabajo funcionan mejor fuera de los estudios, Universe (Gravity For Hearts) es muy agradecido en directo y Hell Was Made In Heaven es una de esas sorpresas que tiene esta gira. Un tema que llevaba más de una década sin aparecer en los setlists, aunque fuera recibido con más tibieza que otros grandes éxitos.

Después del genial solo de batería llegaba el tema más célebre de Helloween, porque I Want Out conserva la esencia y suena igual de rápido y adictivo que siempre. El espectáculo era redondo, con un escenario muy profundo y con grandes paneles luminosos que no dejaban de mostrar vídeos o impactantes imágenes. Todos, a excepción del impertérrito Weikath, aunque siempre profesional y discreto, disfrutaban con el resultado.

De la potencia a la frenada, pero con estilo, porque In The Middle Of A Heartbeat demuestra la sensibilidad de estos teutones para los temas lentos. Andi Deris y Michael Kiske podrían ganarse la vida como cómicos, afortunadamente se la ganan como cantantes, y aprovecharon este set acústico para evidenciarse como dos de las mejores voces, hasta homenajearon a Elvis Presley.

Pink Bubbles Go Ape era otro de los tapados, reducida a pocos acordes, el cual no habría entrado en ninguna quiniela, porque A Tale That Wasn't Right debía sonar obligatoriamente, y lo hizo con la suavidad que caracteriza a uno de las baladas más hermosas de la historia del metal. Piel de gallina.

Los siguientes temas mostraban algunas de las características tradicionales de Helloween: el sentido del humor, A Little Is a Little Too Much, la celeridad, la melodía y cambios de ritmo, con dos piezas esenciales: Heavy Metal (Is the Law) y ese eterno Halloween que nos devolvía a principios de noviembre y a décadas anteriores.

Muchos de los presentes se hubieran conformado con este repertorio, pero es cierto que no todos los días se cumplen años, y menos una cifra redonda como 40, por lo que había que seguir con la fiesta. Y la fiesta era antológica, de más de dos horas de duración.

Eagle Fly Free, con ese pegadizo estribillo, la fuerza de Power, como el nombre lo indica, precedían al cachondeo musical y lírico de Dr. Stein para culminar con la clase, aunque fueran unos breves retazos del extenso Keeper Of The Seven Keys, el título homónimo de la llave que abrió la cerradura del éxito para Helloween y de los corazones de sus millones de fans, adictos a las calabazas desde 1985.