Mentiras y ostentaciones

Dios los cría...

2011-10-21T02:24:00.001+02:00

El trono del rey del cine ‘indie’ actual parece disputarse entre varios realizadores: Spike Jonze, Wes Anderson, Gus Van Sant, Lars Von Trier, el ‘recién llegado’ al mundo del largometraje Anton Corbijn… No entraré en este debate por dos motivos: 1- La definición de independiente es tan ambigua en el séptimo arte como en la música y 2 - mis conocimientos cinematográficos son tan limitados que seguramente sobren y falten muchos nombres en la anterior lista.

Sin embargo, cualquiera que se haga con el título estará obligado a aceptar como consorte indiscutible a Sofía Coppola. La hija del director de ‘Apocalypse Now’, alternativa por naturaleza, ha conseguido labrarse una respetable carrera en Hollywood como directora, después de que su futuro como actriz quedara enterrado en su papel en la tercera parte de ‘El Padrino’. Breve resumen de su filmografía: Sofía debutó en 1999 con ‘Las vírgenes suicidas’, a la que siguió la exitosa ‘Lost in Translation’ (ganadora de un Oscar al mejor guión original y varios Globos de Oro). Tres años más tarde, en 2006, quiso experimentar con el cine histórico en ‘Maria Antonieta’ y en 2010 volvió con ‘Somewhere’, la ¿historia? de una estrella de cine que ve alterada su superficial vida al tener que cuidar de su hija durante unos días.

Nada nuevo (ni bueno) bajo el sol. La cinta, para mi gusto, es lenta y aburrida –no opina lo mismo el jurado de Cannes, que le otorgó el León de Oro en 2010–. Lo único que me cautivó fue la escena de la piscina, en la que Stephen Dorff y Elle Fanning bucean al son de ‘I’ll Try Anything Once’, de The Strokes. La canción es una demo del tema que abría el tercer disco de los de Julian Casablancas, ‘You Only Live Once’ y que fue incluida en el single ‘Heart In a Cage’.

Coppola ya dejó ver en la BSO de ‘María Antonieta’ su gusto por la música ‘indie’ en general y por The Strokes en particular. Y es que estaba cantado. Jóvenes, neoyorkinos, atormentados (o beneficiados) por la etiqueta de ‘hijos de papá y con éxito inmediato en los inicios del nuevo siglo. Sofía comparte demasiadas cosas con el quinteto americano. Incluso las malas críticas por sus últimos trabajos. Mientras la banda recibe palos sin cesar por no repetir la excelencia de ‘Is This It’ –y aquí podríamos comenzar otro encendido debate–, la directora agota el crédito de ‘Lost in Translation’ con dos filmes prescindibles como son ‘María Antonieta’ y ‘Somewhere’. Sofía parece tan perdida como los personajes de Bill Murray y Scarlett Johansson en Tokyo. Tal vez su reciente matrimonio con Thomas Mars, cantante de Phoenix, devuelva la lucidez a su cine y la salve de una sobredosis de modernidad.

Perfil bajo

2011-06-05T04:11:00.010+02:00

Cada vez creo más en hacer las cosas sin esperar grandes resultados. En moverse por instintos, por motivaciones y pasiones o por la ciega creencia en un determinado proyecto. Así, sin albergar grandes esperanzas, es como se obtienen resultados. Y si no llegas a la cima, al menos después no vendrá el batacazo, sino un leve tropezón. Es eso que ahora llaman 'el perfil bajo', que, si no entiendo mal, es la virtud de desarrollar tu trabajo sin buscar notoriedad -lo que no significa ser mediocre, ojo, pues se puede ser el mejor en la sombra-.

Traslado esta idea a la música y admiro a aquellos a los que el éxito les importa más bien poco, a los genios de andar por casa que consiguen moldear pequeñas obras de arte que sólo aprecian unos cuantos y que probablemente en unos años recibirán la incómoda etiqueta de ‘de culto’. Admiro a Juan Manuel Ruiz Arjonilla. Este madrileño, profesor de Tai Chi, se ha sacado de la mollera diecinueve canciones –repartidas en dos discos, más el regalo titulado ‘Little Boy Lost or Stevie’s Song’- que en mi opinión son de lo mejor que le ha pasado a la escena musical de este país en el último año. Y lo ha hecho adoptando el perfil bajo como forma de ser. Sobre el escenario, su mirada triste cuando canta parece decir: “Esto es lo que hacemos. Si os gusta, perfecto. Si no, también.”

Y dice “hacemos” porque Juan Manuel no está solo. En realidad nadie le conoce como Juan Manuel. Le llaman ‘Ari’, porque Juan Manuel no es un nombre muy adecuado para un chamán, para un líder espiritual como él que parece plasmar tanto de su personalidad en las letras y la música de sus canciones. Ari está al frente de una secta que recibe su nombre de un poema de Walt Whitman: Hola A Todo El Mundo. Cinco músicos a tiempo parcial –todos siguen con sus trabajos, sólo giran los fines de semana- a los que muchos aún intentan sacar defectos sin conseguirlo. Son auténticos, son honestos, sin máscara, sin trampa ni cartón. Lo que ves es lo que hay. Capas, pinturas, guirnaldas y lucecitas de colores incluidas. ‘Our nature is not a trap’ cantan en su himno más conocido. Y de verdad no lo es. Como cualquiera que comienza un proyecto así en la música, lo hacen con ilusión. En más de una entrevista han confesado que les gustaría que sus discos triunfaran fuera de España, pero lo hacen con la boca pequeña, sabiendo que serán igual de felices en una sala de Murcia que de cabezas de cartel de un festival europeo.

AMOR FATI - HOLA A TODO EL MUNDO from treintayunacanciones.com on Vimeo.

Escapan velozmente de las comparaciones y hacen lo que les apetece siempre con una sonrisa en la boca. En su segundo trabajo, ‘Estela Castiza’, resulta que también suenan bonito en español. Eso a muchos les costará digerirlo, porque parece que en España no puedes ser guapo y encima listo, o acaban por odiarte. El caso es que los HATEM, sin levantar la voz, sin mayor pretensión que la de hacer canciones, han conseguido una legión de fieles seguidores –entre los que, obviamente, me incluyo- que no encuentran mejor definición para su estilo que la que aparece en su página de mySpace: “Música de sanación y meditación”.

Lo mejor de mi 2010

2011-01-04T18:43:00.007+01:00

En algún libro leí que en la Primera Guerra Mundial, para averiguar a qué distancia exacta se encontraba la trinchera del enemigo, los capitanes pedían a sus soldados que se asomaran y calcularan a ojo los metros que separaban ambos bandos. Cuando todos habían dado un número, el capitán los sumaba y dividía el resultado entre el número de soldados. Entonces ajustaba el mortero a esa distancia y disparaba el proyectil. Casi siempre acertaba en su objetivo.

Algo parecido ocurre con las listas musicales que pululan por Internet estos días. Hacer una clasificación realista y justa de los mejores discos o canciones del año es muy difícil, no solo porque cada persona tiene un gusto diferente, sino porque hoy en día es imposible estar al tanto de todo lo que ocurre en la escena musical. La lista perfecta no existe, aunque Diego Manrique dé las claves para confeccionar una. Pero en mi opinión, los 'rankings' de medios y blogs, además de parecerse entre sí, aciertan bastante porque unen las opiniones personales (todas están redactadas por varios melómanos) para hacer algo general. Y si seguimos esa regla, la más fiable debería ser la que ha resultado de los votos de los lectores de Jenesaispop. Arcade Fire y una tal Robyn se llevan el primer puesto en las listas de álbumes y canciones, respectivamente. En este caso, creo que la democracia no funciona. Me quedo con la de los chicos de JNSP, aunque no haya escuchado la mitad de lo que proponen.

A continuación os dejo mi propia lista, simplemente porque me apetece. Posiblemente esté muy lejos de ser medianamente exacta y demasiado influenciada por los grupos a los que he visto en directo, pero es lo que hay, para eso es mi blog.

Nacionales

1 - Hola A Todo El Mundo - "HATEM"

Hola A Todo El Mundo - A Movement from CANADA on Vimeo.

2 - Me and The Bees - "Fuerza Bien"

It Could Be Real

Me and the bees | Myspace Music Videos

3 - Triángulo de Amor Bizarro - "Año Santo"

TRIANGULO DE AMOR BIZARRO - DE LA MONARQUÍA A LA CRIPTOGRAFÍA (WAAAU.TV) from WAAAU.TV on Vimeo.

4 - Tachenko - "Os reís porque sois jóvenes"

TACHENKO El Respland'or

TACHENKO | Myspace Music Videos

5 - Maga - "A la hora del sol"

MAGA - Sal y otras historias from Mushroom Pillow on Vimeo.

Internacionales

1 - Beach House - "Teen Dream"

2 - The Black Keys - "Brothers"

The Black Keys - Tighten Up from Viinyscrib on Vimeo.

3 - MGMT - "Congratulations"

4 - The Drums - "The Drums"

5 - Vampire Weekend - "Contra"

Bonus Album : Jenny & Johnny - "I'm Having Fun Now", teloneros de Vampire Weekend y posiblemente mi descubrimiento del año. Mejores que Best Coast.

J.A.S.P

2010-12-01T01:37:00.001+01:00

Jóvenes Aunque Sobradamente Preparados. Están por todas partes. En el deporte, en el cine, en las nuevas tecnologías, en el mundo empresarial... Cuando los descubrimos nos invade esa sensación que roza la línea entre la envidia y la admiración, que nos hace pensar profundamente que quizá si nosotros nos hubiéramos empleado a fondo habríamos llegado a ser uno de ellos. Que nadie se engañe. Ellos tienen un don. Aunque hubieras pasado tu infancia en una pista de tenis, en la final de Roland Garros te ganaría Nadal. Aunque estudiaras en Harvard y tuvieras una idea brillante que puede cambiar el mundo, vendría Mark Zuckerberg y crearía Facebook antes y mejor que tú. Ésa es la clave. Siempre hay alguien mejor que tú. Asúmelo.

Fleet Foxes - A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Por supuesto, también hay J.A.S.P en la música. El último es Robin Pecknold. A sus 24 primaveras es líder y fundador (en 2006, con 20 añitos) de Fleet Foxes. En enero de 2008, aún con 21, su grupo lanzó uno de los mejores discos de la década y puso de moda el look de barba y camisa de cuadros, de bicicleta sin marchas y mochila de cuero rescatada del baúl de la abuela, piezas clave de lo que se ha conocido como ardillismo. Robin es un tipo entrañable, alguien con una sensibilidad (y sobre todo una voz) especial, al que al ver interpretar un tema no te imaginas haciendo otra cosa. Decidí escribir esta entrada tras ver hace ya algún tiempo un pequeño documental sobre la colaboración de Robin Pecknold en algunas de las fechas de la gira de Joanna Newsom por los Estados Unidos. En un cuarto de hora Pecknold te convencerá de que por muchos años de conservatorio que tengas a tus espaldas él siempre estará por encima. Por cierto, Fleet Foxes prepara nuevo disco.

(Y si no quieres ver el vídeo entero, en el minuto ocho del vídeo bromea con el público sobre su edad)

El indie vende

2010-10-05T01:28:00.001+02:00

Acostumbrados ya a escuchar a The Temper Trap en los partidos de La Sexta y a Kings of Convenience en "Granjero busca esposa", lo que ha ocurrido con el anuncio de Decathlon era cuestión de esperar.

Parece ser que por aquello de la asociación de ideas (camiseta interior - frío - invierno) a alguien le gustó tanto la canción "White Winter Hymnal" de Fleet Foxes que decidió hacer una adaptación (llámenle adaptación, llámenle copia) para no pagar derechos de autor e incluirla en el spot. Ni se os ocurra quejaros, que las camisetas están a solo 17€.

P.D.: Uno de los comentarios del vídeo de Decathlon dice: "They do say copying is the best form of flattery. You guys must love Fleet Foxes." ("Dicen que copiar es la mejor forma de halagar. A vosotros (a los de Decathlon o a la agencia publicitaria) os deben encantar Fleet Foxes.). Robin Pecknold y los suyos estarán muy orgullosos de que una burda versión de una de sus canciones sirva de sintonía para un anuncio de camisetas interiores deportivas.

Nostalgia

2010-09-15T04:15:00.000+02:00

"Lo hecho, hecho está. Entonces, ¿por qué toda esa nostalgia por los sesenta y los setenta? Mirar hacia atrás para buscar la inspiración es copiar el pasado. Eso no es rock'n'roll. Sé tú mismo, haz algo nuevo, vive tu vida...ahora. ¿Sabes lo que quiero decir?"

Esta entrada del blog habría quedado mucho más bonita si debajo de estas palabras yo hubiera escrito el nombre de John Lennon. Sin embargo, la sentencia se le ocurrió seguramente a algún creativo de la agencia de publicidad contratada por Citröen y fue puesta en boca del bueno de John de una forma bastante creíble.

Sea como fuere, la frase me viene al pelo para hablar de algo que me reconcome desde hace tiempo. Os pongo en situación. Allá por el año 2005, yo, en plena adolescencia, estaba totalmente abducido por el disco American Idiot, de Green Day, uno de los primeros discos de rock que escuché. Acostumbrado a escuchar a Nirvana (separados tras la muerte de Cobain en el 94) y a Red Hot Chili Peppers (en una fase de inactividad pre-decadencia confirmada después por Stadium Arcadium), el videoclip de “American Idiot” fue un verdadero shock para mí. Esos tíos estaban vivos y se estaban cagando en Bush y en todo lo que pillaban. Con 15 años las hormonas te piden que estés en contra de todos y de todo, así que aunque yo no supiera muy bien por qué los americanos se llamaban idiotas a ellos mismos, Green Day me cautivó.

Como decía, era mayo de 2005 cuando por casualidad vi a los tres miembros en la portada de una revista. Era la Rolling Stone, edición española, número 67. Hace una semana compré el número 131. Todas las revistas que se han publicado entre esas dos están en mi estantería. Desde ese número 67 caí rendido a los pies de la Rolling Stone.

Será por la edad o porque el amor no es eterno, pero lo cierto es que hace tiempo que dejé de interesarme por Green Day (hasta tal punto que no he escuchado su último disco) y que empecé a encontrar grandes defectos en mi publicación favorita. Al director de Rolling Stone se le debería aparecer por la noche el fantasma de Lennon y pronunciar la frase que encabeza esta entrada, como si de una versión rockera del Cuento de Navidad de Dickens se tratara. Creo que sólo así se daría cuenta del problema de enfoque que ha convertido a su revista en un cementerio de elefantes. Y ni siquiera hace falta ver las páginas interiores para darse cuenta. Rolling Stone España parece tener sólo cuatro opciones a la hora de elegir foto para sus portadas:

1- Lo que yo llamo “el cuadrado mágico”, a saber: The Beatles, Rolling Stones, Bruce Springsteen y U2 (o en su defecto, una estrella ya fallecida como Jimi Hendrix o Freddy Mercury).

2- Listas predecibles cuyos primeros puestos suelen estar copados por álbumes y canciones de los artistas mencionados en el punto 1.

3- Portadas recicladas de la edición americana, como por ejemplo las de Johnny Depp (creo que ya lleva tres) o Black Eyed Peas.

4- Artistas españoles (da igual si han sacado disco o no, Alejandro Sanz, Bosé, Sabina o Bunbury siempre vienen muy a mano).

Siempre se ha dicho que conocer el pasado ayuda a entender el presente, y eso en la música se traduce en que tener una cierta cultura musical histórica ayuda obviamente a detectar influencias, de dónde viene y por dónde se mueve cada grupo. No quiero ser irrespetuoso con ese pasado, ni pretendo que de un día para otro Rolling Stone se convierta en la NME y saque en portada a la última revelación del indie español, pero creo que deberían preocuparse algo más por el aquí y el ahora. Ahora mismo son como el típico abuelo que cuenta batallitas y nunca sabe cuándo parar. Con esto tampoco estoy diciendo que sea una revista alejada de la actualidad, pero el exceso de conservadurismo no les beneficia en absoluto, sobre todo en un mundo, el de la música, en el que es tan necesario arriesgar y prima tanto lo novedoso. Mientras escribo esto ojeo el último número: U2, Tom Petty, Robert Plant, Pink Floyd, Calamaro, Kiko Veneno….nombres que podrían haber aparecido en la misma revista hace veinte años. Ahora mismo hay millones de grupos haciendo cosas interesantes, girando por España y por todo el mundo, probando cosas nuevas por Internet y tú mientras crees tener un déjà vu porque estás leyendo en la Rolling algo sobre la relación Jagger-Richards o sobre la grabación del Álbum Blanco por quinta vez. Eso, amigos, es nostalgia, es mirar hacia atrás, y no es nada rock’n’roll.

The End

2010-09-06T02:59:00.000+02:00

No tengo excusa que explique el abandono de esta humilde atalaya durante nada menos que dos meses. Bueno, en realidad sí, tengo una excusa, y es que he estado "trabajando" como responsable de prensa del Victoria Wild Weekend Festival, del que hablé en la anterior entrada. Las comillas quieren decir que más que como un trabajo me lo he tomado como un pasatiempo que me ha tenido entretenido este verano y que además me ha permitido conocer los entresijos de un festival y a los muchos grupos que por él han pasado.

Si soy sincero lo único que me ha mantenido alejado de mi blog ha sido la falta de inspiración y de ganas de escribir parrafadas como las tres primeras. Por eso, para mantener este rincón un poco más activo, a partir de ahora prometo dar cabida a reflexiones más breves, que alguien tan sumamente vago como yo pueda escribir de una sola tacada y sin parar cada minuto a ojear redes sociales y demás basura digital. Sin más rodeos, aquí va la primera:

La experiencia le ha dado la razón a mi madre con eso de que "cada cosa tiene su tiempo". Yo lo he corroborado leyendo libros y escuchando discos. No soy un lector muy constante, así que me ocurre con frecuencia que comienzo un libro y no llego a la décima página. Lo mismo con cualquier álbum que me recomiendan: lo escucho una vez (a veces ni eso) y no le presto más atención. Pero por suerte a ambas cosas les suelo dar una segunda oportunidad, y, a veces, si me pilla en un momento o en un lugar determinado, lo que en su momento me pareció mediocre o infumable puede convertirse en un fetiche. La última vez que me ha pasado ha sido hoy gracias a este disco: Beach House – Teen Dream

Como he prometido no excederme, sólo daré unos cuantos datos. Victoria Legrand y Alex Scally son de Baltimore y en 2004 se unieron para formar Beach House. Desde entonces han sacado tres discos. El último de ellos es Teen Dream, que escuché por primera vez varios meses atrás prestándole atención únicamente a "Zebra", uno de los singles. Hoy, coincidiendo con el último día del festival, me he dado cuenta de que Teen Dream, en su totalidad, es la banda sonora perfecta para el final del verano. Y para cualquier final de cualquier historia, sea triste o feliz.

P.D.: Gracias a un par de amigos (M&M) por inspirarme de nuevo.

Algo se mueve al sur...

2010-06-29T01:47:00.000+02:00

Como cualquier adicto, el verdadero melómano necesita sus dosis de música en directo para sobrevivir. Dejar por un día el iPod, Spotify y Last.fm y disfrutar de las mismas canciones que escucha cada día pero transformadas en esa dimensión superior que es el escenario de un concierto.

Cualquier amante de la música “alternativa” (qué repelús me da esa palabra) sabe que España no es un mercado tan importante como para que las bandas del momento pasen mucho tiempo de gira por nuestro país, por lo que se limitan a actuar en Madrid, Barcelona y algún festival veraniego. El que esto escribe tiene la suerte y la desgracia de vivir en Málaga, por lo que ha aprendido a conformarse con el producto nacional (ojo, con esto no estoy diciendo que los grupos extranjeros sean mejores que los españoles, Dios me libre) que de vez en cuando tiene la amabilidad de pasar por aquí para presentar su último disco. Soy realista, Málaga es un desierto musicalmente hablando (eso sí, Bisbal viene todos los años o al menos a mí me lo parece) incluso ahora que los grupos se aferran al directo para mantener los ingresos que antes proporcionaba la venta de discos. Por eso mismo uno se alegra cuando ve que alguien (promotores, empresas, instituciones…) se mueve un poco para que los malagueños disfrutemos de nuestra merecida dosis.

Algunos, como el Teatro Cervantes, lo llevan haciendo años, no sólo ahora que Málaga aspira a ser Capital Cultural Europea en 2016 y el Ayuntamiento está que lo tira. La de 2010 es la séptima edición del Festival de Verano Terral, que desde 2004 ha traído a la capital de la Costa del Sol a artistas como Elvis Costello, Lou Reed, Belle & Sebastian, The Magnetic Fields, Diana Krall o Joe Cocker. Este año las actuaciones se dividirán entre el Cervantes y el renovado Teatro Echegaray. El cartel, aunque desierto de estrellas internacionales como en pasadas ediciones (maldita crisis), mantiene el nivel con interesantes propuestas de nuestro país entre las que se encuentran Marlango (2 de julio), Arizona Baby (9 de julio) y Vinila Von Bismarck and The Lucky Dados (11 de julio).

Al Fuengirola Pop lo podemos considerar un recién nacido en esto de los festivales de verano, pero da gusto ver lo rápido que ha crecido en tan pocos años. A este ritmo y con las ayudas necesarias no sería descabellado pensar que se pudiera convertir en una versión andaluza del Contempopranea. Si en su primera edición contaron con Lori Meyers como cabezas de cartel, el año pasado consiguieron superarse con bandas como Briatore, Elastic Band o The Right Ons. En 2010 se han propuesto confirmarse como uno de los mejores (y pocos) festivales de música indie en Andalucía y han tirado la casa por la ventana contratando a The Sunday Drivers (que darán aquí su antepenúltimo concierto) y Love of Lesbian para que actúen el 10 y el 11 de julio, respectivamente, en la Playa del Castillo Sohail.

Aunque oficialmente naciera en 2006, el Festival Ojeando comenzó a tomar unos derroteros más indies en su edición de 2008, en la que actuaron Triángulo de Amor Bizarro, Niños Mutantes y La Habitación Roja entre otros muchos grupos. Desde entonces compite con el Fuengirola Pop por traer a los mejores grupos españoles (sin olvidarse de promocionar a bandas locales). Este año los de Ojén se lo han puesto difícil a sus vecinos de la costa al contar con nada menos que Los Planetas y La Bien Querida (cuya cantante ha colaborado en el último disco de los granadinos) para el día grande del festival, el sábado 3 de julio. Lo mejor de todo es que, incluso en este año de “recesión económica”, la entrada sigue siendo gratis hasta completar aforo.

Para el final he querido dejar la propuesta más nueva y arriesgada de todas. Se trata del Wildweekend Festival, creado por el colectivo Wild Weekend y que se jacta de ser el festival de verano más barato del mundo, pues su presupuesto es de 0 euros. Sólo cuentan con la cesión por parte del Ayuntamiento de La Caja Blanca, donde 40 bandas del panorama indie nacional actuarán entre el 15 de julio y el 4 de septiembre. En el extenso cartel destacan nombres como Klaus & Kinski o Guadalupe Plata.

Más allá del “hype”

2010-06-13T02:35:00.000+02:00

Son dos de las mejores bandas del momento. Los reyes del mambo. Venden millones de discos y los mejores festivales se los rifan. Isla de Wight, Benicàssim, Coachella, Glastonbury, Bonaroo, T in the Park… Están en todas partes. Son jóvenes, ricos y famosos. Hablo de MGMT y Vampire Weekend, dos bandas muy diferentes musicalmente hablando pero cuyas carreras parecen ir de la mano.

Ambos grupos debutaron en 2008 con dos discos que sorprendieron gratamente al público y a la crítica, y que los situaron entre lo mejor del año en todas las revistas especializadas. Tras el éxito inmediato, la digestión. Después de las giras, entrevistas, actos promocionales, borracheras y resacas, las dos formaciones tenían ante sí el difícil reto de superar el “boom” provocado por su primer álbum y confirmarse definitivamente en el panorama musical. Era hora de enfrentarse a la maldición del segundo disco y desprenderse de la etiqueta de grupo “hype”.

2010 ha sido el año elegido por MGMT y Vampire Weekend para lanzar sus nuevos trabajos. Han pasado ya unos meses desde que salieran a la luz y ha habido tiempo para escuchar y dejar reposar ambos discos. El tiempo suficiente para dictar sentencia. Obviamente, nunca hay unanimidad de la crítica a la hora de puntuar un álbum (cosa por otra parte bastante difícil, por no decir cruel, la de otorgar una nota al trabajo de un artista), pero se puede decir que las dos bandas han superado con éxito la prueba. Y lo ha hecho cada una a su manera.

Los neoyorquinos de Vampire Weekend han callado muchas bocas con su disco Contra. Nadie podrá decir ahora que son “demasiado pijos para el rock”. Porque ése es precisamente su encanto, el haber propuesto algo diferente tanto dentro como fuera del escenario. ¿Se puede hacer pop indie mezclado con ritmos africanos y violines, todo ello acompañado de unas letras que a veces ni el propio Ezra Koenig (cantante y líder del grupo) puede explicar? Por supuesto. Contra y su predecesor, Vampire Weekend son la mejor prueba de que no todo está inventado en la escena musical. ¿Se puede subir a los escenarios de los mejores festivales de rock del mundo vestido con un polo Ralph Lauren, pantalones chinos y náuticos? Al cuarteto estadounidense no le importa que se les tache de ser otro grupo de “niños ricos” (lo mismo se decía de The Strokes, que realmente lo eran). Su actitud es pura ironía, una manera de burlarse de lo que ellos mismos parecen representar. Sea como sea, y aunque ellos digan que su única regla es “no llevar nunca camiseta”, Vampire Weekend han impuesto una moda, y eso es algo que sólo consiguen los mejores.

Si del debut de VW se dijo que recordaba a un paseo otoñal por el campus de una universidad americana, Contra suena más a unas vacaciones de primavera y atardeceres en una playa californiana. Escuchando las diez canciones podemos afirmar que el disco es una continuación del anterior, una continuación tan descarada que incluso podemos jugar a las parejas con las canciones de ambos trabajos (“A-Punk”/ “Cousins”, “Taxi Cab”/ “Campus”, “Holiday” / “Oxford Comma”). Sinceramente, tras escuchar detenidamente el disco, esperaba que la crítica lo fusilara injustamente como ya hizo con el segundo de The Strokes (siguen los paralelismos entre neoyorquinos), pero VW han sabido darle al álbum un aire diferente con canciones como “Horchata” y “I Think Ur A Contra”, que demuestran que también lo bordan a la hora de componer temas más pausados. Además, al final de Contra nos encontramos con la magnífica “Diplomat's Son”, que como single no tiene nada que hacer ante “Giving Up The Gun”, por ejemplo, pero es igualmente pegadiza y deja claro que los experimentos con sonidos étnicos sólo acaban de empezar para Vampire Weekend.

MGMT, siempre tan especiales y excéntricos, han optado por tomar otro camino para ir más allá del shock que supuso su Oracular Spectacular en el año 2008. Un camino más duro, más arriesgado, más adecuado a su personalidad. Mientras que Vampire Weekend se han asegurado dos o tres singles clarísimos en su disco, MGMT se han suicidado comercialmente hablando con Congratulations. No parece que los que esperaban encontrar en el álbum un “Kids” o un “Time to Pretend” les vayan a dar la enhorabuena. Pero Ben Goldwasser (la mitad del grupo) ya lo avisó meses antes. A pesar de todo han conseguido cautivar a la prensa con un repertorio de temas más equilibrado, en el que ni siquiera el primer single, “Flash Delirium”, sobresale del todo. Goldwasser y VanWyngarden (la otra mitad) han firmado un trabajo compacto, difícil de escuchar pero que, como es habitual en ellos, contiene millones de armonías y matices que les hacen cada vez más inclasificables. En “Congratulations” hay para todos, cada una de las nueve pistas puede contener algo que enganche al fan más exigente. El final “punk” de “Flash Delirium”, la inmediatez y el ambiente tenebroso de “Brian Eno”, el comienzo surfero de “It´s Working” o la tranquilidad y la sencillez de “I Found a Whistle”. Cada segundo de Congratulations merece ser analizado al milímetro para darnos cuenta de que estamos ante uno de los discos del año y que MGMT son algo más que una moda pasajera.

Diez años bajo las luces blancas

2010-05-09T01:53:00.000+02:00

Hace unos días fui a darme un paseo por la fnac de mi ciudad. Era el típico paseo que sólo sirve para ponerte los dientes largos, básicamente porque no llevas un duro encima. Ojeé libros, cómics, escuché discos, sobé vinilos y packs de series (sí, también jugué una partida al FIFA, ¿pasa algo?)…y de repente lo vi http://whitestripes.com/ugwnl_boxset/. Allí estaba, en una estantería de cristal, entre la discografía remasterizada de los Beatles y un muñeco de Joey Ramone. Y allí estaba también, junto a la caja abierta, el pequeño cartel plastificado que con cinco cifras me dejaba claro que ese tesoro nunca iba a ser mío. Lástima, chaval.

Normalmente no me suelen emocionar este tipo de cajas recopilatorias (o “box set”, si lo prefieren) por eso mismo, porque son recopilatorias, lo que significa que quieren venderte lo mismo pero con distinto envoltorio. En este caso me dejé llevar por la euforia simplemente porque son The White Stripes. Y eso ya es suficiente.

Under Great White Northern Lights es el título de álbum en directo que acaba de publicar el dúo de Detroit. La grabación tuvo lugar durante el concierto que celebraba los diez años en activo de la banda en Glace Bay, una de las paradas en su gira por Canadá en 2007. Lo que yo no sabía es que también es el título de un documental dirigido por Emmet Malloy sobre ese mismo tour que fue estrenado en septiembre de 2009 en el Festival de Cine de Toronto. No tener el disco no me importaba tanto (sabía que más tarde o más temprano iba a estar en Spotify The White Stripes – Under Great White Northern Lights), pero no haber visto el documental estaba matándome lentamente, como diría Pitingo. Nada que no arregle una buena búsqueda en Internet. Después de mirar decenas de páginas, descargarme códecs y ver el tráiler unas veinte veces, lo encontré http://www.now-movies.com/movies/The_White_Stripes_Under_Great_White_Northern_Lights/98673.html.

Empecé a verlo con la misma ilusión con la que escuché por primera vez Get Behind Me Satan, el quinto álbum de The White Stripes allá por el año 2005. Poco antes había caído en mis manos su anterior disco, Elephant, el que hizo que por un tiempo para mí sólo existiera en el mundo un grupo de rock y tres colores: el rojo, el negro y el blanco. Ésos son los colores corporativos de The White Stripes, marca registrada. Porque según el propio Jack, él y su hermana lo tienen todo premeditado desde que en 1997 comenzaron a agitar la escena underground de Detroit. Todo está controlado: el escenario, los instrumentos, la ropa, las entrevistas, los conciertos, hasta la relación entre él y la batería del grupo, Meg White (en el año 2001 se supo que no eran hermanos, sino que habían sido pareja). Todo forma parte del encanto del grupo, y Jack lo sabe. Pero confiesa que hay algo que deja a la improvisación: la música. De hecho, la banda no elige antes de cada concierto las canciones que van a tocar. “Así, cada show tiene vida propia”, explica White.

En los diez años que han pasado entre su primer bolo y el concierto de Glace Bay, The White Stripes se han convertido en una de las bandas de rock más importantes del planeta, aunque parece como si ellos no lo supieran. En la gira canadiense Jack White se propuso tocar en todas las provincias del país, y no sólo en las grandes ciudades. No contentos con el concierto que ofrecían cada noche y con el fin de llegar a la mayor cantidad de gente posible, la pareja dedicaba sus ratos libres durante el día a actuar improvisadamente en cualquier lugar. Un autobús, un club de billar, un colegio, un barco, la plaza de un pueblo o una residencia de ancianos (en su mayoría inuits) le sirven al grupo para demostrar lo grandes y a la vez lo pequeños que son.

De todo lo que he leído sobre la persona de Jack White, me quedo con una definición: “es el Kurt Cobain de la primera década del siglo XXI”. Desde luego Jack, al igual que Kurt, es un genio de la música, una de esas almas inquietas (recordemos que el americano lleva adelante otros dos proyectos, The Raconteurs y The Dead Weather) que surgen de vez en cuando para dar un revolcón a la escena musical y erigirse en profeta de una nueva corriente. Mientras que el malogrado líder de Nirvana lideró el movimiento grunge, White fue una de las cabezas visibles del revival del garage rock allá por el año 2000, de esos grupos bautizados por la prensa como “los salvadores del rock and roll”. Si seguimos con la comparación, Under Great White Northern Lights puede convertirse de aquí a unos años en un documento que reconozca de verdad la importancia de la figura de John Anthony Gillis, verdadero nombre de Jack White, y lo encumbre a la categoría de mito. Algo así como el MTV Unplugged para Kurt Cobain.

Me parece justo que se anuncie el documental como la mejor película de rock and roll de la década. A lo largo del largometraje se suceden imágenes y declaraciones realmente conmovedoras que derrumban el secretismo que en muchos momentos ha rodeado a The White Stripes. De todos esos momentos, me quedo con dos: el primero, las lágrimas de Meg al escuchar a su “hermano” interpretar la canción White Moon al piano. El segundo comienza con una frase del director: “A pesar de todo lo que ha ocurrido en estos diez años, haya sido para vosotros bueno o malo, aún podéis volver atrás y sentaros con vuestros primeros instrumentos y sentir que nada ha cambiado, que sois la misma banda que érais hace diez años”. Ni Jack ni Meg son capaces de responder, pero cruzan una mirada que vale más que mil palabras.