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Algunas cifras de meseon

nospam@example.com (Aitor Argomaniz) — Mon, 14 Jul 2008 14:56:45 +0200

Recientemente acabamos de alcanzar algunas cifras redondas que nos gustaría compartir. En los pocos meses desde que se inicio el proyecto, meseon este ya aloja más de 4000 obras de arte, registra cerca de 500 usuarios, 300 de los cuales son artistas, se han publicado más de 200 noticias o eventos, se pueden disfrutar de más de 100 exposiciones virtuales, y se han realizado más de 10.000 votaciones.

Muchas gracias a todos, que tanto nos estáis ayudando a construir meseon.

Por nuestra parte en los próximos meses esperamos ofreceros algunas novedades que seguro os van a gustar. Y si teneis cualquier duda, o sugerencia de característica que os gustaría incluyese meseon, la venta de arte está en camino ;), no dudeis en comentarnoslo.

Entrevista: CarneServida

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Tue, 08 Jul 2008 11:48:35 +0200

Hoy tenemos la ocasión de charlar y aproximarnos a la obra de Fernando Lozada y Antonio Marsiglio, ambos pertenecientes al grupo de artistas argentinos CarneServida (web personal).

CarneServida:

"Un nexo común entre las obras es la revalorización de la carne y por ende de la vida, porque creemos que la única certeza que poseemos los hombres es que somos de carne y estamos vivos."

P: Hola Antonio y Fernando. Para comenzar y conoceros un poco mejor, hablarnos un poco de cada uno y de como decidisteis formar vuestro conjunto artístico. ¿Como surge la idea de formar CarneServida? ¿Fue una iniciativa creada por parte de ambos?

R: El grupo CarneSerVida surge aproximadamente a principios del 2005, pero como entidad, ya que informalmente como amigos veníamos trabajando juntos en el aspecto filosófico desde tiempo atrás y teníamos en “cocción” la idea de formalizar un grupo de arte contemporáneo. En esa afinidad se encuentra: el arte, el humor desprejuiciado, la valorización de la vida, el compromiso social y una fluida interacción científico-tecnológica.
Fue una iniciativa común a partir de encontrarnos con la posibilidad técnica de preservar tejido orgánico. Nos interesó aplicar esta tecnología al arte partiendo del enfoque filosófico que te decíamos.

P: Como ya os habrán preguntado muchas veces, ¿por que usar carne? ¿no podríais expresar lo mismo con otros materiales?

R: El elemento distintivo dentro de la obra es la carne, ya que creemos que es el mejor material para expresar por medio de una lente existencialista la realidad. Encontramos que existe con este elemento un potencial ilimitado de juego entre sus connotaciones culturales y la resignificación artística, con lo cual obtenemos el significado simbólico de la obra. La carne es el único patrimonio directo de la vida, lo que esta hecho de carne está vivo o alguna vez lo estuvo, es por eso que su manipulación nos produce placer porque nos acerca a nuestra esencia. Nos atrae también, la reacción irracional que le provoca al espectador enfrentarse con la carne desnuda, a pesar de que seguramente está acostumbrado a consumirla cómo alimento y es carne el único elemento que a el lo compone.

Carne, Abuso e Infancia

P: ¿Que queréis expresar o comunicar por medio de vuestro trabajo?
R: Con nuestra obra buscamos romper estructuras políticas, religiosas y culturales arraigadas históricamente. Por eso con rebeldía y humor tratamos de trasmitir lo absurdo de los prejuicios y tabúes.
Un nexo común entre las obras es la revalorización de la carne y por ende de la vida, porque creemos que la única certeza que poseemos los hombres es que somos de carne y estamos vivos.
Cómo nuestro arte nace de lo conceptual encabezamos con un manifiesto la obra, donde creemos que se expresa claramente lo antes dicho.
¡Sólo carne somos!
Carne que goza, carne que piensa, carne que sufre, carne que ama, carne que destruye, carne que siente, carne que crea, carne que vive.
El pensamiento es carne, el sentimiento es carne, las sensaciones son carne, el deseo es carne, el espíritu es carne, la carne es vida y la vida es también carne.
El tiempo son nuestras vivencias impresas en la carne.
Vivimos entre la carne, por la carne y a través de la carne.
La carne es la esencia y el sentido.
La vida es el trajín de la carne, que se manifiesta en arte.
Porque el arte expresa al hombre.
Y el hombre, solo es carne.

P: Algunas de vuestras obras podrían “dañar” algunas sensibilidades, ¿tenéis contemplada esta posibilidad? ¿o ya contabais con ello?

R: La palabra “dañar” tal vez es muy fuerte. Diríamos mejor conmover. Y si, somos totalmente concientes de que conmovemos y de hecho lo buscamos, así de esa manera poder transmitir más eficientemente el concepto. Un amigo sociólogo nos comentaba que hacíamos “filosofía visual” y que era muy efectiva ya que las personas con solo ver la obra, les guste o no, se van pensando.

P: ¿Cual es la obra, según creéis, que más ha “dañado” o provocado al público?
R:Las dos mas polémicas por lo que nos han escrito en los libros de visitas son Carne, Abuso e Infancia y Club de Paris.

Club de Paris

P: Personalmente, una de las obras que más me ha impactado ha sido “Club de Paris”, ¿podríais hablarnos un poco de ella?
R: Tenemos que referirnos al año 2001 en Argentina específicamente ciudad de Rosario provincia de Santa Fe. En plena crisis política de la que se escribió y se enviaron imágenes terribles por todo el mundo. Entre otras de las noticias que circulaban era que en la ciudad de Rosario se comían a los gatos. Una de las razones importantes de la crisis económica del país era la deuda con organismos como El Club de Paris y el FMI.

P: ¿Que tipo de carne empleáis?¿Estaríais dispuestos a usar carne humana?
R: Hemos empleado hasta ahora carne de vaca, cerdo, gato, pescado, cordero y gallina. Estamos realizando en este momento una obra con humanos.

P: Me imagino que conoceréis la exposición “bodies”, en la que utilizan cuerpos humanos para conocer y saber más acerca de la anatomía humana. Como sabréis, hay personas que están en contra de esta práctica, vosotros.. ¿que opináis al respecto? ¿donaríais vuestros cuerpos a esta causa?

R: Nos parece que el cuerpo no merece ninguna reverencia cuando no está vivo. Salvo el valor sentimental que suelen tener los deudos, como lo podrían tener con una foto o cualquier otra pertenencia del muerto.
Como lo de bodies lo vemos como un negocio (no como una causa), si nos pagan no tenemos inconveniente.

P: Cambiando un poco de tema, ¿nos podríais explicar la técnica que empleáis?

R: La técnica para conservar la carne imputrecible e indemne en su apariencia, consiste en retirar por medios termoquímicos (algunos artefactos construidos por nosotros) todos los fluidos orgánicos, luego el tejido adiposo, para mas tarde reemplazar a ambos por un polímero, el cual funcionará como sustento físico y también actuará como barrera aislante del tejido proteico que deseamos conservar. Este debería permanecer inalterable en condiciones normales por un período de tiempo similar al de una obra clásica.
Nosotros elaboramos las muestras como una obra, tal vez este sea otro elemento distintivo. O sea, primero pensamos casi en su totalidad la muestra con un prolongado debate conceptual y estético. De hecho es esa etapa una de las de mas prolongada duración. Luego comenzamos a hacer una a una las obras. Las proyectamos y comenzamos el proceso de tratamiento de la carne. Este último puede llevar entre dos o cuatro meses dependiendo de su tamaño y la cantidad de lípidos que posea. Una vez tratada la carne la fotografiamos para poder manipular digitalmente la imagen y analizar así los colores y formas de los elementos que la acompañarán. A través de software de modelado tridimensional y simulación mecánica logramos proyectar la obra antes de realizarla. Luego construimos las partes que acompañan a la carne y armamos el proceso final. Claro que con el fin de optimizar procesos obteniendo mejores tiempos y calidad, agrupamos a distintas tareas comunes de distintas obras. Se seleccionan aquellas tareas que se enviaran a mano de obra calificada externa, se prepara la documentación con las especificaciones constructivas y de calidad, después de ejecutadas se auditan para comprobar que se obtuvieron los resultados deseados. Ejemplo, cortes y grabado láser, ploteados, baños electroquímicos de piezas metálicas, etc.

P: ¿Realizáis investigaciones antes de realizar una obra?
R: Si en distintos aspectos dependiendo de la obra. En algunos casos investigamos sobre el concepto a tratar en la obra, en otros sobre los materiales auxiliares a la carne, en otros sobre imágenes asociadas a la obra, etc.

P: De todo vuestro trabajo, ¿cual es la obra favorita o a la que más cariño tenéis?
R: Carne y Sentimiento, y Carne, Abuso e Infancia

P: En que estáis trabajando en la actualidad, ¿nos podríais dar un adelanto?

R: Trabajamos siempre en varios proyectos en paralelo, esto es debido al tiempo que demora el proceso químico que le realizamos a la carne. Por un lado una muestra-obra-instalación donde tu entras a un cubículo tipo morgue, esta muestra esta referida a la idea del endeble limite entre lo vivo y lo no vivo. Un poco como el Frankenstein de Mary Shelley. Una muestra de armas hechas con carne en referencia a la violencia urbana. Una muestra de diversas obras con carne de pescado apuntando hacia el expolio que se hace del mar. Y lo que te comentábamos de carne humana, pero este por ahora es un súper secreto.

Carne, hambre y ambición

P: Para terminar, ¿Tenéis alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?

R: En nuestras muestras el comportamiento de los asistentes siempre fue bipolar. Logramos un fuerte impacto en la gente. Lo apreciamos en lo que nos dicen y nos escriben en el libro de visitas, que siempre termina lleno. Nos ponen comentarios como: “genial!!! Esto realmente es arte” “muy creativo” o “ espantoso! Que mal gusto! Esto no es arte” e incluso uno nos puso “ENFERMOS llámenme (y nos puso su numero de celular) así les doy una paliza”. Incluso a veces se generan verdaderas discusiones en el libro de visitas ya que uno escribe contestando sobre lo que escribe otro. En una muestra que realizamos en una feria internacional de arte (enlace a vídeos) vimos como una pobre mujer anciana intentaba huir con su andador de nuestro stand a pasos de tortuga y con un gesto de horror en su rostro. Hemos observado que la franja etaria en la cual tenemos muy buena aceptación y fans es entre los 15 y 30 años.

Muchas gracias por vuestro tiempo y os deseamos lo mejor desde meseon.

Exposición Walter Eugene Smith

nospam@example.com (Aitor Argomaniz) — Thu, 03 Jul 2008 15:05:00 +0200

Hace unos días estuve con Silvia en la exposición fotográfica Más real que la realidad de Walter Eugene Smith.
La exposición nos permite disfrutar de un amplio recorrido por algunos de los más famosos ensayos fotográficos del autor. El formato de la exposición es perfecto para dejarte sumergir en la historia que nos quiere contar W.Eugene Smith, siempre de la mano de sus obsesiones.
Una gran exposición para la descomunal calidad del trabajo de W.E Smith. No puedo más que recomendar a todo el que esté por Madrid hasta el 27 de Julio, que se pase a verla.
Por mi parte no pude dejar pasar la oportunidad de comprar el libro sobre el trabajo del autor. El libro promete, y su formato amplio permite disfrutar del genial trabajo de W.E Smith.

Noche y Día de Antonio López

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Thu, 03 Jul 2008 11:53:48 +0200

Día y Noche de Antonio López

Como ya sabréis ayer se instalaban las esculturas "Noche y Día" de Antonio López García en la Madrileña estación de atocha. Mucha gente asistió a la instalación de las mismas, en la cual se podía ver al artista muy contento y emocionado.

Las obras representan a la nieta del autor con sólo unos meses de edad. En "Día" la niña atenta y despierta mira hacia los espectadores, mientras que en "Noche", duerme tranquilamente. Ambas esculturas crean una sola obra, completándose mutuamente. Ya estoy deseando acercarme a la estación para poder disfrutar de estas obras de primera mano.

Visto en el mundo.
Imágenes vía el mundo.

Entrevista: Carmen Sanzsoto

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Thu, 26 Jun 2008 10:46:35 +0200

Una semana más y para esta ocasión, nos acercamos a Carmen Sanzsoto (web personal), artista expresionista residente en Barcelona.

Carmen: "He pasado por muchas etapas, todas ellas en una concepción mas o menos abstracta pero fuertemente enmarcada en el expresionismo, no es cuestión de estilos o de etapas si no de necesidades, es un grito de protesta de inconformismo, un ir más allá… "

P: Hola Carmeta, para comenzar creó que lo mejor es que nos cuentes algo sobre ti, hablanos de tu infancia, de tu vida, de cuando descubriste que querías ser artista.
R: Mi infancia vista en el tiempo fue una infancia introvertida, poco comunicativa, llena de fantasías, de preguntas sin respuestas, empleaba mi tiempo en ingenios mil para llevar a la práctica lo que yo de aquella llamaba inventos, sentía gran curiosidad por todo aquello que de alguna forma podía manipular y reconvertir en nuevas formas, creo que de aquella me hubiera gustado ser alquimista.

P: ¿Siempre tuviste claro que te querías dedicar al arte?
R: No, no puedo afirmarlo, necesitaba dejar constancia de mis fantasías en un papel o cualquier otro medio que tuviera a mi alcance y lo encontraba normal, aun no sabia lo que era el arte, tuve verdadera consciencia de que mi vida era el arte cuando accedí al mundo de la escuela y me sentí en mi casa.

P: ¿Como te iniciaste en la pintura?
R: Difícil pregunta de recordar, posiblemente cuando me regalaron mi primera caja de óleos.

P: ¿Has trabajado o indagado en otras técnicas además de la pintura?
R: Desde luego, me apasiona todo lo que no conozco, dominar nuevas técnicas hacerlas de alguna forma mías, he trabajado esmaltes al fuego, grabado, tapices, técnicas digitales… aunque después siempre vuelva a mis raíces, la pintura.

P: En referencia a tu evolución pictórica, actualmente, tus obras están fuertemente enmarcadas en el expresionismo, ¿cuantas etapas has pasado o cuanto ha ido cambiando tu obra hasta llegar ahí?
R: He pasado por muchas etapas, todas ellas en una concepción mas o menos abstracta pero fuertemente enmarcada en el expresionismo, no es cuestión de estilos o de etapas si no de necesidades, es un grito de protesta de inconformismo, un ir más allá… la forma, la manera en que llevamos nuestro hacer a la tela depende simplemente de los elementos con los que nos sentimos mas identificados

Apocalipsis, tecnica mixta.

P: Tu obra vibra y esta llena de fuerza, ¿que es lo que quieres enseñar con tu trabajo? Tienes algún mensaje o concepto a transmitir a todo aquel que contempla tu obra?
R: Algo complejo de explicar, no hay nada que no lleve implícito un mensaje, el arte como alternativa, como forma de interpretar la vida siempre va más lejos de la comprensión de nuestra propia existencia, es lo que yo siento sin lógica alguna que lo avale y ese sentir es el que me gusta trasladar a la tela

P: ¿Crees que tienes fuertes influencias con respecto a otros artistas y obras? Hablanos un poco de ello.
R: Hay obras de arte cuya sola contemplación me emociona con independencia de la tendencia que en ellas se refleja y algo queda impreso sin duda en nuestra retina y en nuestro recuerdo, un rictus… un contraste… un color…, nuestra propia vida, los acontecimientos en la que esta se formó, habría que ser ciego sordo y mudo para que ello no sucediera, pero a la vez careceríamos de esa gran riqueza que nos es dada a diario, ¿pero como interactúa el entorno en cada uno de nosotros? Esa es la piedra angular, el gran reto, la gran aventura de encontrarse a uno mismo y es lo que yo busco en mi trabajo.

P: ¿Estas influencias se solapan con tus artistas favoritos? ¿Nos podrías hablar de ellos y decir en que forma te han influido pictóricamente?
R: Parte de la respuesta ya casi ha quedado reflejada en la anterior pregunta…, mis artistas favoritos… ¿y quien no los tiene?... verás, cuando una obra me motiva necesito adentrarme en la misma, saber todo lo posible no solo sobre la obra en particular si no sobre todo el trabajo del artista y sobre sus motivaciones, lo que le lleva a expresarse como lo hace, comparar hasta formas de trabajo y ante ese minucioso estudio, aun no queriendo ¿quien podría quedar libre de alguna influencia?

P: Cambiando un poco de tema, sabemos que eres licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, ¿como crees que te han influido tus estudios en tu forma de entender y comprender el arte? ¿Has tenido algún profesor que te haya influido en esto y en la consecución de tu estilo?
R: Primero habría que situarse en la escuela de entonces, donde en el conjunto del profesorado predominaban los artistas, poco más de 30 alumnos por curso, con lo que las aulas mas pronto se convertían en nuestro propio taller de trabajo, fue un tiempo de autodisciplina, de aprendizaje tanto venido de los profesores como de nuestros propios compañeros y era esa pluralidad de modos y maneras lo que hacia mas comprensible el significado del arte. Aun así tuvieron que pasar años para entenderlo, a veces hasta las libertades son difíciles de asumir, así que todos de alguna forma influyeron aunque agradezco que no quisiera hacerlo ninguno.

Principio, 2007.

P: Hablando de la técnica: ¿Realizas investigaciones o bocetos previos antes de comenzar una obra?
R: A veces pienso que debería, pero no disfrutaría el trabajo de la misma manera, me gusta enfrentarme a ese miedo que me da la tela en blanco con solo la idea de lo que quiero conseguir en mi cabeza.

P: ¿Nos podías hablar del procedimiento que empleas en tus obras?. Preparación, desarrollo y acabado.
R: Suelo emplear técnicas mixtas en las que hay un poco de todo, trabajo con espátulas con pinceles, con las manos en fin con todo lo que tengo a mi alcance, pero necesito darle una buena preparación a la tela para poder trabajar la pintura con fluidez, los acabados siempre resultan los más aburridos cuando ya está conseguido el cuadro

P: ¿Que sientes cuando has terminado una obra?
R: Paz

P: Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿que piensas a ese respecto?
R: Lógicamente una obra siempre podría ser objeto de múltiples modificaciones, pero dejaría de ser esa obra para pasar a ser otra, yo considero terminada una obra cuando cualquier gestualidad que quisiera colocar sobre la misma la siento como superflua.

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: No, no me gusta dejar obras a medias, prefiero destruirlas

P: Supongo que el arte es toda tu vida, ¿que pasaría si no pudieras continuar pintando? ¿Que otra profesión elegirías?
R: A día de hoy, si puedo afirmar que el arte es toda mi vida, si no pudiera pintar buscaría cualquier otro medio de expresión que me permitiera seguir avanzando en el.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejar la pintura de lado?
R: Artísticos desde luego no, pero imagino que como todos he pasado por tiempos en que me ha sido imposible dedicarme por entero a la pintura

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Acceder a grandes espacios para poder trabajar mis obras

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Bacon
Una ciudad : Donde nací Barcelona
Un sueño: Una gran obra

P: De todo tu trabajo, ¿cual es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: La última que estoy realizando

P: ¿Nos podrías dar un adelanto sobre lo que estas trabajando?
R: En estos momentos estoy trabajando sobre una obra de gran formato de aproximadamente dos metros y medio por cuatro cuyo tema es “Los amantes”.

P: Para terminar, ¿Tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
R: Soy tremendamente despistada, con lo que las anécdotas en mi vida ya pasaron a ser cosas normales, pero en este momento no recuerdo ninguna así como muy especial.

Muchas gracias Carmen por esta fantástica entrevista, y esperamos sinceramente que todas tus metas se cumplan.

El Coloso de Asensio Juliá

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Thu, 26 Jun 2008 09:57:43 +0200

El Coloso de Asensio Juliá

Tras varios meses de investigaciones, el Museo Nacional del Prado ha hecho un comunicado esta mañana diciendo que la obra El Coloso atribuida a Francisco de Goya no pertenece al mismo, sino a un amigo y colaborador, el pintor valenciano Asensio Juliá.

Los encargados de la autentificación y de la explicación de la autoría del cuadro son Gabriele Finaldi, Director Adjunto de Conservación del Museo, Manuela Mena, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya, y José Luis Díez, Jefe de Conservación de Pintura del siglo XIX. El hecho clave que ha hecho atribuirle esta obra al pintor valenciano es el haber encontrado las iniciales A.J en la base inferior izquierda.

Igualmente, las investigaciones en torno al cuadro continuarán, siendo dadas las conclusiones definitivas en unos meses en el boletín del Museo del Prado.

PhotoEspaña 2008: Galardonados

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Wed, 25 Jun 2008 17:55:44 +0200

Javier Vallhonrat #72 2003. Galería Helga de Albear

Como en cada edición PhotoEspaña hace entrega de unos premios a artistas, especialistas y entidades vinculadas al mundo de la fotografía. A continuación os dejo la lista de los premiados este año:

El Premio PHotoEspaña Baume & Mercier 2008 ha sido para Martin Parr como reconocimiento a su trayectoria profesional y a su influencia en la fotografía contemporánea gracias a su trabajo sobre la clase trabajadora britanica.
El Premio Bartolomé Ros ha sido concedido al fotógrafo Ricard Terré.
La galería Moriarty obtiene el Premio Festival Off Saab por la exposición de Nicolás Combarro Línea de sombra.
El Premio del Público M2-El Mundo ha sido concedido al Teatro Fernán-Gómez. Centro de Arte / Fundación Banco Santander por la exposición W. Eugene Smith. Más real que la realidad.
El Premio Descubrimientos PHE Epson es para Yann Gross que expondrá individualmente su trabajo en PHotoEspaña 2009.
El Premio Revelación Room Mate Hotels ha recaido en Germán Gómez.
Olivia Arthur es la ganadora del Premio PHotoEspaña OjodePez Volkswagen de Valores Humanos.
El Premio al Mejor Libro de Fotografía del año ha recaído en Marín de Fundación Telefónica y A Maysles Scrapbook Photographs/Cinemagraphs/ Documents, editado por Steidl y Steven Kasher Gallery en las categorías nacional e internacional respectivamente. La editorial Twin Palms ha sido reconocida como Editorial Destacada del Año.

Visto en la web dePhotoEspaña2008
Fotografía: web de PhotoEspaña 2008.

Entrevista: Mirta Benavente

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Wed, 18 Jun 2008 11:11:24 +0200

Una vez más nos acercamos a los artistas de la comunidad de meseon. Hoy hablamos con Mirta Benavente, artista plástica ubicada en Argentina.

Mirta: "Me considero curiosa y atenta a todo lo que me rodea, mi comunidad, a la problemática humana en general sin embargo a la hora de explicar porque me habitan unas imágenes y otras no, me resulta imposible conceptualizarlas, pero estoy segura que resumen mis inquietudes y mi mundo interior."

P: Hablanos de ti Mirta, ¿Quién es Mirta Elena Benavente? ¿Podrías definirte rápidamente para que la comunidad de meseon te conociera mejor?
R: No me resulta fácil definirme, pero creo ser una artista plástica que plasmo con mis pinceles una búsqueda permanente de equilibrio entre sueño y realidad.

P: Nos podrías contar algo acerca de tu trayectoria artística, los principios, la dificultad, tu primera exposición. Hablanos acerca de tu pasado, tu infancia y tu vida en Argentina.
R: Desde que tengo memoria me recuerdo dibujando, estudié en la escuela de Arte Martín Malharo en la ciudad de Mar del Plata donde pasé mi infancia y mi adolescencia.
Con respecto a mi país, seguramente en ningún lugar es fácil que los artistas encuentren apoyo e interés, pero en Argentina es casi imposible.

P: ¿Recuerdas tus inicios en la pintura?
R: Creo que como la mayoría mis comienzos fueron pintando limones y retratos hasta intuir el camino para decir lo que siento a través de la textura, la sombra, el color y poder volcar mis emociones y mis incertidumbres.

P: ¿Siempre has estado interesada en el arte?
R: Me interesa el arte en casi todas sus representaciones, sobre todo soy una lectora incansable, amo y disfruto la música pero a la hora de expresarme uso mis pinceles.

Obra: Mujer 2

P: Hemos visto por medio de tu usuario en meseon, que todas de tus obras son pintura, ¿Practicas otra técnicas además de esta?
R: No, solo pintura. En otras épocas dibujaba mucho con grafito y carbonilla también pintaba con óleo, hoy actualmente solo utilizo pigmentos al agua que mezclo con todo tipo de materias (polvo de mármol, de cuarzo etc.)

P: Cambiando un poco de tema, ¿Cuales son tus artistas favoritos? ¿ Crees que han influido en tu trabajo?
R: De alguna forma siempre recibís influencias genéricas. Por nombrar algunos Kandiski, Paul Klee, Delaunay, entre muchísimos.

P: Mediante tu obra, ¿Tienes algún mensaje a transmitir a tu público?
R: Me considero curiosa y atenta a todo lo que me rodea, mi comunidad, a la problemática humana en general sin embargo a la hora de explicar porque me habitan unas imágenes y otras no, me resulta imposible conceptualizarlas, pero estoy segura que resumen mis inquietudes y mi mundo interior. No intento dar ningún mensaje específico con mi trabajo, la mayoría de mis obras no tienen titulo precisamente para no influenciar a quien las mire, en muchas oportunidades he quedado asombrada por la devolución y las interpretaciones de la gente, sin lugar a dudas completan la obra de un pintor.

P: ¿Tus enseñanzas o estudios te han influido en tu estilo o se considera más autodidacta en la consecución del mismo?
R: Seria mucha ingratitud no reconocer las enseñanzas de algunos maestros que han sido muy importantes para mi en cuanto a la técnica pero a la hora de realizar una obra me inclino por la intuición.

P: ¿Realizas investigaciones antes de comenzar a desarrollar una obra?
R: Siempre idealizo trabajar en series y trato de proponérmelo, pero a la segunda obra ya hay otra obsesionándome y así trabajo en un montón de series inacabadas que retomo según las épocas.

P: Nos podías hablar del procedimiento que empleas en tus obras. Preparación, desarrollo y acabado
R: Según el trabajo que este realizando puedo hacer bocetos y pruebas de colores que comienzan con idea general pero siempre derivan en algo diferente.

P: ¿Que sientes cuando has terminado una obra?
R: Ya estoy pensando en la próxima

P: Algunos artistas dicen que una obra nunca se acaba totalmente sino que simplemente decides darla por terminada, ¿que piensas a ese respecto?
R: Si me sucede en muchas ocasiones.

P: ¿Tienes obras inacabadas?
R: Si, varias.

Monstruos Alegres y Divertidos (inquieta)

P: ¿Tienes pensado dedicar al arte toda tu vida? En el supuesto de que no pudieras continuar ¿cual sería el oficio o actividad que desarrollarías en su defecto?
R: Es inevitable dedicarme al arte, cuando por alguna circunstancia dejo de pintar por un corto tiempo lo vivo con mucha angustia.

P: ¿Has tenido malos momentos artísticos en los que hubieras decidido dejarlo todo?
R: Nunca he decidido dejarlo, ni en los peores momentos económicos.

P: ¿Tienes algún reto o meta que te gustaría alcanzar?
R: Me gustaría vivir exclusivamente de mi pintura.

P: Unas cuestiones rápidas:
Un artista: Velázquez
Una ciudad: Nueva York
Un sueño: No dejar nunca de aprender.

P: De todo tu trabajo, ¿cual es tu obra favorita o a la que más cariño tienes?
R: Actualmente mis obras favoritas siempre son las últimas que termino, pero tengo un cariño especial por mi pintura abs4 porque me trajo muchas satisfacciones por las críticas y las múltiples interpretaciones que ha tenido.

P: ¿Nos podrías dar un adelanto acerca de lo que estas trabajando actualmente?
R: Estoy trabajando sobre la serie Monstruos Alegres y divertidos, unos seres bastantes coloridos pero monstruos al fin.

P: Para terminar Mirta, ¿tienes alguna anécdota que quisieras compartir con todos nosotros?
Me siento feliz de formar parte de esta comunidad de artistas y deseo lo mejor para
Meseon. Un saludo grande desde una convulsionada Buenos Aires.

Muchas gracias Mirta, igualmente te deseamos lo mejor desde meseon.

Hablando sobre Arte: Maurizio Cattelan

nospam@example.com (Silvia Alonso) — Fri, 13 Jun 2008 13:21:56 +0200

En esta ocasión hablaremos del polémico y controvertido artista Maurizio Cattelan y su también polémica y emblemática obra "La Nona Hora, 1999". En esta obra, como podemos ver en la imagen, aparece la figura del papa tumbado en el suelo, el cual ha sido golpeado por un meteorito. Asimismo en la instalación vemos cristales rotos producidos por el impacto que el meteorito hubiera producido en el techo.

Esta obra como es de esperar creo una enorme polémica, y yo me pregunto, ¿no será eso lo que precisamente quería conseguir el artista?. Como podemos ver, todo el trabajo que realiza Cattelan gira entorno a la pólemica, caricaturiza e ironiza acerca de temas políticos, religiosos, temas que pueden herir la sensibilidad de las personas, no podemos olvidar las esculturas de niños colgados por el cuello expuestos en diferentes museos del mundo.

Aquí os dejo esta frase, tal vez nos ayude a entender mejor su trabajo:
Maurizio Cattelan: "Para ser vencido, el poder debe ser abordado, recuperado y reproducido hasta el infinito"1

1: Bibliografía: Art Now, Taschen. Pag, 90.

Entrevista en Baquia

nospam@example.com (Aitor Argomaniz) — Wed, 11 Jun 2008 23:08:30 +0200

Hace unos meses le hicieron una entrevista a Silvia en Baquia TV. Aunque la entrevista se realizó cuando aun estabamos empezando con las primeras pruebas en meseon, en la misma se cuentan algunas cosas sobre que es meseon y a quien queremos ayudar.
Las cifras han cambiado, y la herramienta web ha mejorado gracias a vuestras aportaciones. Es divertido ver estas cosas con la perspectiva que da el tiempo.

No podemos olvidarnos de dar las gracias a Rodolfo Carpintier de Digital Assets Deployment por hacerle a Silvia la entrevista para Baquia TV.