Mi Tema del Día

Set Fire to the Rain - Adele

2012-02-28T14:28:00.001-03:00

Hay un disco del cual todavía no había hablado en Mi Tema del Día, aunque sí lo hice en Discos Perfectos, y ese es 21 (2011) de Adele. Claramente uno de los mejores del año, aunque tampoco es una novedad que lo diga ya que tiene pergaminos suficientes como para sustentarse por sí solo:

6 Grammy's de 6 nominaciones recibidas, que incluyen Mejor Disco y Mejor Tema del 2011
Mejor disco británico y mejor cantante británica en los BRIT Awards 2012
21 semanas como nº1 en el Billboard 200, algo que no pasaba desde Please Hammer, Don't Hurt 'Em de MC Hammer en el año 1990

Tantos premios son consecuencia de una excelente composición por donde se la mire. En primer lugar las letras se llevan los grandes laureles. Un disco que fue escrito luego de una ruptura con su ex pareja, cada tema refleja ese duro proceso por el cual el ser humano atraviesa luego de finalizar una relación. Es una mezcla de bronca, con resignación, nostalgia y un evidente corazón roto. Una cruda confesión de sentimientos.

Por otro lado, la música es muy buena. Realmente tiene de todo. Por momentos un soul clásico salido de los sesenta con coros brillantes que te trasladan a esas imágenes en blanco y negro, con las coristas negras de vestido apretado, minifalda y rodete, haciendo la coreografía mientras cantan, pero aggiornado a los tiempos que corren. Otros temas tienen más influencia del rock o del pop.

Claramente lo otro que tienen este disco y su predecesor, es justamente a Adele. Pareciera una obviedad, pero no lo es. Tiene una voz espectacular, muy clara y con un rango muy extenso. Puede tirar gritos desgarradores como los de Take It All, cantar con un gran dolor como lo hace en Turning Tables o Someone Like You, o llegar bien arriba, perfectamente afinada, como en Rolling in the Deep.

El tema de hoy, Set Fire to the Rain, es el más popero de todos y ha sido remixado por una incontable cantidad de DJ's. La letra lo tiene todo. Narra la relación de principio a fin. En los primeros dos versos nos cuenta el comienzo, cuando todo parece ser ideal:

I let it fall, my heart,

And as it fell you rose to claim it

It was dark and I was over

Until you kissed my lips and you saved me

My hands, they're strong

But my knees were far too weak

To stand in your arms

Without falling to your feet

En el 3ero ya la cosa cambia y nos muestra el lado oscuro de este acompañante, que aparentemente no era del todo honesto con la cantante:

But there's a side to you

That I never knew, never knew.

All the things you'd say

They were never true, never true,

And the games you play

You would always win, always win.

Más adelante nos cuenta eso que todos sentimos... Porque si bien es cierto que la mayoría de las relaciones tiene principio y fin, todos sabemos que en nuestras cabezas nunca se terminan en esa fecha final. Uno siempre se queda pensando en lo que hubiera sido, en los proyectos que se terminan; uno todavía puede sentirse identificado con los sentimientos que se tuvo por esa ex-pareja...

When I lay with you
I could stay there
Close my eyes
Feel you here forever
You and me together
Nothing is better

[...]

Sometimes I wake up by the door,
That heart you caught must be waiting for you
Even now when we're already over
I can't help myself from looking for you.

Si queremos hilar bien fino, podríamos decir que esta nunca fue una relación sana, no sólo por las mentiras, la falta de confianza o la manipulación que la artista nos relata, sino también por el alto grado de dependencia que muestra la autora hacia esa ex-pareja.

Pero como este no es un blog de psicología sino de música, les dejo lo que realmente nos importa. Set Fire to the Rain en una excelente versión en vivo. Que la disfruten!

Break On Through - The Doors

2012-02-24T13:04:00.003-03:00

Pareciera chiste, pero en Argentina tenemos un segundo fin de semana largo consecutivo. Siendo que es verano y está haciendo calor, es ideal para escaparse a la costa o algún lugar fresco como la montaña, con algún río para refrescarse.

Para mi todo viaje debe estar acompañado de buena música, y mate. El segundo a veces puede ser prescindible con el fin de evitar paradas técnicas y optimizar el tiempo en la ruta, pero lo primero es infaltable. Un viaje sin música se vuelve tedioso, monótono.

Cada viaje tiene su música acorde. Si viajás solo o en grupo, la gente que te acompaña, el destino, el medio de transporte, son todos detalles que influyen en la decisión final de ponerle play a una canción de los Beatles, de ACDC o de Above & Beyond.

Dentro de mi grupo de amigos del colegio primario hay distintos estilos musicales, pero hay un auto en el que solemos escuchar a los Rolling Stones o los Doors. Así que en honor a esos viajes con Tuto, hoy el tema del día es uno que te invita a viajar con amigos, a encarar la ruta cargado de energía, anhelando llegar a ese destino final y divertirte.

Break on Through es el tema que abre el primer disco de la banda, The Doors (1967) y casualmente fue el último tema que tocaron como banda, en el festival de la Isla de Wight de 1970, de acuerdo a Manzarek. Otras fuentes dicen que el último fue en Diciembre de ese mismo año en EEUU, en un recital en Nueva Orleans que debió ser suspendido ya que Morrison a la mitad del show se negó a seguir cantando.

Hay muchas teorías sobre qué significa la letra. Para mi, es una invitación de Morrison a escapar a otra realidad, a alejarse de la rutina (made the scene, week to week, day to day, hour to hour) y animarse a abrir la mente y cruzar al otro lado (The gate is straight, deep and wide, break on through to the other side). Una manera de rendirle tributo a William Blake, a quién la banda le debe su nombre por la siguiente linea en uno de sus poemas: "If the doors of perception were cleansed everything would appear to man as it is, infinite. For man has closed himself up, till he sees all things through narrow chinks of his cavern" y también a Aldous Huxley y su libro "The Doors of Perception", ambos influenciados por el poeta.

Así que hoy Viernes los invito a viajar por unos pocos minutos con este tema y cerrar la semana de rutina con un tema brillante. Como propuesta adicional, les propongo hacer justamente lo que nos sugieren los Doors con su mensaje, es decir, quebrar con lo habitual y hacer algo completamente diferente, ya que "al otro lado" se puede llegar de muchas maneras.

Money for Nothing - Dire Straits

2012-02-22T13:40:00.002-03:00

En Argentina tanto el Lunes como el Martes fueron feriados de Carnaval. Por lo tanto, si bien la semana laboral se acorta considerablemente, cuesta volver a arrancar. Y como si fuera poco, hay que ponerle mucha pila para hacer en tres días el trabajo de cinco. Nada fácil. Pero no me quejo...

Por eso, lo mejor es arrancar con música que te lleve de a poco para arriba. En mi caso empecé con un poco de electrónica progresiva de la mano de Jody Wisternoff y después con el funky-jazz de Big Boss Man. Luego de una hora y media la pregunta fue, ¿con qué sigo? Necesitaba algo de rock, pero nada demasiado pesado. La respuesta recayó en una de las mejores bandas de rock de los años '80 y su disco en vivo On The Night (1993).

Desde muy chico conocí a Dire Straits justamente a través de este disco que, para variar, formaba parte de la discoteca de mi hermano mayor, esa que solía "asaltar" sin que él lo supiese durante mis tardes luego de volver de la escuela.

La banda liderada por el virtuoso Mark Knopfler tiene la combinación exacta de rock n' roll con música country y blues, sin jamás ser estridente, sino más con una onda relajada, como la voz de su líder. Incluso su estilo como guitarrista de tocar con los dedos le suman a esa sensación de paz que transmiten los temas.

Dire Straits tuvo una carrera ascendente, llegando a su punto máximo con el disco Brother in Arms (1985), uno de los más vendidos de la historia, con más de 30 millones a nivel mundial y que contiene además del clásico Money for Nothing, tema de hoy, Walk of Life, Brother in Arms y So Far Away, cuatro de sus más conocidos temas.

En el 88 se separaron para volver a juntarse a principios de los 90 y editar un último disco de estudio, titulado On Every Street (1991), que los llevó a hacer una gira mundial de la cual grabaron On the Night y del cual extraigo la versión del tema de la fecha.

La letra, de acuerdo a Knopfler, la escribió en un negocio de electrónica en Nueva York, escuchando las muletillas de los vendedores. En la versión original, la segunda voz está a cargo de Sting, que tiene créditos sobre la letra, aunque su aporte real fue solamente el "I Want My MTV" que se escucha los minutos finales. Lo de MTV nace debido a que en este negocio, tenían una pared de televisores en los que sólo sintonizaban este canal y aparentemente el vendedor, no muy culto, no consideraba la tarea del músico como un trabajo. De ahí el money for nothing and chicks for free (dinero por nada y chicas gratis) y el lenguaje, usando palabras como "faggot" o "chicks" que son muy despectivas y tendrían su equivalente en castellano en "maricón" y "mina" o "minita", respectivamente.

Esto queda reflejado en el siguiente pasaje de la canción:

We gotta install microwave ovens

Custom kitchen deliveries

We gotta move these refrigerators

We gotta move these color TV's

I shoulda' learned to play the guitar

I shoulda' learned to play them drums

Look at that mama, she got it stickin' in the camera

Man we could have some fun

And he's up there, what's that ? Hawaiian noises ?

Bangin' on the bongos like a chimpanzee

That ain't workin' that's the way you do it

Get your money for nothin' get your chicks for free

Acá el vendedor se queja de su duro trabajo y reflexiona diciendo que debería haber aprendido a tocar la guitarra o la batería, para luego ironizar sobre un músico tocando los bongos, diciendo que eso no es trabajo y nuevamente, que eso es conseguir dinero sin hacer nada y mujeres gratis.

Una excelente canción que le pega a todas las personas que menosprecian la profesión del músico, sin saber todo lo que deben estudiar y practicar para ser realmente buenos y luego, todo lo que tienen que trabajar y moverse para lograr vivir bien de la música.

A nivel musical propiamente dicho, es decir, instrumentalmente hablando, el tema es brillante. Tiene un comienzo lento con un órgano que va subiendo de a poco y luego de fondo comienza a aparecer la batería con algo de eco, para luego que luego llegue la guitarra de Knopfler y ese clásico riff inicial que todos conocemos. Después de eso se acelera y se acerca a un rock 'n' roll tranquilo pero lo suficientemente rápido como para bailar.

Así que a subirle el volumen a este eterno clásico y disfrutar de la buena música, que con tanto trabajo nos hacen llegar tipos talentosos como Mark Knopfler y compañía.

This is a Call - Foo Fighters

2012-02-21T13:21:00.001-03:00

Ayer mientras recordaba lo que hubiera sido el cumpleaños nº45 de Kurt Cobain, me preguntaba hacia dónde se hubiera dirigido en términos creativos y en gran parte qué habría sido de Nirvana, de no haber tomado la definitiva decisión de quitarse la vida. Hoy me propongo hablar un poquito sobre eso, con la ventaja de hacerlo casi 20 años después de su muerte.

En primer lugar, In Utero (1993) fue el primer paso para alejarse de ese sonido mainstream que la banda nunca había terminado de querer para el exitoso Nevermind (1991). Las letras de este álbum son más crudas, el sonido más agresivo, la voz de Cobain mucho más seca y desgarradora. La batería suena más pesada y hay líneas de bajo mucho más marcadas. En términos generales es un disco de rock mucho más alternativo que su predecesor.

En una entrevista le escuché decir a Kurt que estaba contento de tener en la banda a alguien como Grohl, ya que sentía que le quitaba la presión de ser la única fuerza creativa dentro del grupo. Si bien son contadas con los dedos de la mano las letras en las que participó Dave, parte del sonido sí se debe a su capacidad e influencia artística.

Lo que nadie puede negar es que Kurt Cobain llegó para poner en el mapa a la música alternativa, como nadie lo había logrado. Su pronta partida de este mundo dejó un enorme vacío que ninguna otra figura pudo llenar, y que al poco tiempo fue ocupado por lo que yo llamo, Los Años de Plástico, que comprenden un progresivo declive del rock en general y un firme ascenso del pop.

Si miramos con detenimiento, en el año 1995 Alice in Chains sacó su último disco con Layne Staley mientras que Radiohead llegó a un pico de popularidad en 1997 con Ok Computer para luego meterse en terrenos experimentales, poco apreciados por la masa. En ese mismo año se disolvió Soundgarden. Un año antes Pearl Jam había sacado su cuarto disco, No Code, que marcó el inicio de la famosa guerra contra Ticketmaster, o en realidad, contra las corporaciones que buscan lucrar con los artistas a costa del público (si sos argentino esta historia te tiene que sonar conocida). La vida de los Ramones también llegaría a su conclusión en 1996. Todo indicaba que el rock alternativo parecía estar muriendo.

Y si miramos al rock pesado y al metal, vemos algo similar. Los Guns N' Roses se separaban en 1993; al exitoso Disco Negro de Metallica le siguieron los criticados Load, Reload y años después un St. Anger que poco se parecieron a todo lo que habían hecho. Pantera sacó su último disco de estudio en el 2000 con pocas ventas, para disolverse en el 2003 y que las esperanzas de una posible reunión muriesen en el 2004 con el asesinato de Darrell.

¿En paralelo qué pasaba? Los Backstreet Boys sacaban su primer disco en 1996 y eran una sensación mundial y tapa de la Rolling Stone. Un año después llegaría 'N Sync con otro gran ascenso a la fama. Luego, en 1999 vendrían Britney Spears y Christina Aguilera para terminar de instalar el pop en el mainstream musical y dejar al rock casi en el olvido.

Si bien la cosa pintaba mal, no todo estaba perdido. 1994 fue el año que catapultó a Green Day a la fama con su disco Dookie y a The Offspring con Smash. Un año después llegaría el primer disco de Foo Fighters (homónimo) y en 1996 el primero de Nickelback. 1995 también sería el comienzo de Incubus y un lento ascenso a la fama, que les llegaría con Make Yourself (1999) y Morning View (2001). A partir de los primeros años de la década del 2000, hubo un lento declive del pop, una vuelta al rock con Audioslave, Velvet Revolver y el surgimiento del rock retro; sumado a la eterna presencia de Pearl Jam, la última de las bandas de Seattle (mientras esperamos el disco nuevo de Soundgarden, producto de su vuelta a la escena, para mitad del 2012).

Si hay algo que se puede destacar de todo este tiempo, es la presencia de Dave Grohl en la escena musical. Luego de perder a su amigo y de que se disolviese su banda, tranquilamente podría haberse retirado o deprimido. Todo lo contrario, él solo grabó todo el primer disco de Foo Fighters, armó la banda y tomó la posta de la lucha por el rock.

Desde 1995 hasta la actualidad, Dave grabó 7 discos de estudio con Foo Fighters y 1 de covers (Medium Rare); 1 disco de metal con Probot, proyecto propio en el que reunió a figuras del metal como Max Cavalera, Lemmy, King Diamond y otros; y 1 disco con Them Crooked Vultures, banda que reunió al mítico bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones con Josh Homme de Queens of the Stone Age, para dejar en claro que el rock estaba más vivo que nunca.

En el medio ha colaborado con cuanto artista se nos ocurra. Desde Tony Iommi hasta Paul McCartney, pasando por Queens of the Stone Age, Nine Inch Nails, Garbage, David Bowie y la lista sigue.

Por eso cuando nos preguntamos qué hubiera sido de la música si Kurt Cobain no se hubiese suicidado, creo que nos habríamos perdido de todo lo que Dave hizo por su cuenta y todo lo que aportó a la música en general. Las cosas por lo general tienden a acomodarse solas. Luego de picos de crecimiento, se suelen vivir etapas de declive en la que se cuestionan muchos principios y surgen otras tendencias que cobran fuerza, pero eso sucede hasta que uno se vuelve a reagrupar y encara la nueva etapa con más sabiduría y conocimiento. Eso es lo que en mi opinión le pasó al rock luego de la partida de Cobain.

Si hoy miramos al rock, vemos que Pearl Jam sigue vigente y Foo Fighters es sensación mundial. Arcade Fire, Arctic Monkeys, Kings of Leon y The Strokes (para nombrar solamente unas pocas), son todas bandas surgidas en los últimos 10 años y han alcanzado un incuestionable éxito.

Por lo tanto, en honor al que lleva la antorcha del rock, Mi Tema del Día es el que abre toda la discografía de Foo Fighters. This is a Call pareciera el nombre perfecto para todo lo que vino después. No hay dudas de que la disolución de Nirvana fue su "llamado" al centro de atención de la música y del rock, su oportunidad de hacer algo completamente suyo. No es casual que cante "This is a call to all my past resignations" y que al hacerlo, signifique ponerle nombre y apellido a toda la música que se había guardado para él, a la que había renunciado para sentarse detrás de la batería de una de las bandas más grandes que dio el rock, por más efímero que haya sido su paso por la historia de la música.

Gracias Dave. Nos vemos muy pronto en River.

Dejo primero la versión original, con mejor sonido y letras.

Para cerrar, imágenes de la presentación del disco en el show de David Letterman, año 1995. La calidad de imagen y sonido no son muy buenas, pero son una anticipo de lo que vendría.

Gracias por leer.

The Man Who Sold The World - Nirvana

2012-02-20T12:41:00.003-03:00

Las vueltas de la vida, una recurrente depresión, problemas de salud y adicción a la heroína, hicieron un cocktail fatal que un 5 de Abril de 1994 tuvo su trágico desenlace, con Kurt Cobain decidiendo terminar con su vida, a la emblemática edad de 27 años.

Con los años su figura fue creciendo hasta convertirse en un mito del Rock y hoy su imagen sigue tan vigente como en sus años de Nirvana, esa banda que rompió con los esquemas, que fusionó al punk con el rock y lo hizo más accesible a las masas, sobretodo a partir de Nevermind (1991).

Hoy 20 de Febrero, Cobain estaría cumpliendo 45 años y ese número genera cierta melancolía. Por siempre joven, inmortal, uno se pregunta qué hubiera pasado si no se hubiese quitado la vida. Qué habría sido de Nirvana, del rock, qué más habría hecho. Son todas preguntas teóricas, obviamente.

Viendo el documental de Pearl Jam, PJ20, hay un tramo en el que se lo recuerda a Kurt y se trata la relación de ambas bandas. Dos escenas en particular son las que más llegan. La primera es de un recital de Pearl Jam, ese 5 de Abril del '94, luego de que se supiese la triste noticia. Se podía ver a la banda muy triste, y a un Vedder dedicándole palabras y afirmando que si en ese momento ellos estaban ahí, se debía en gran parte a ese señor. La otra escena nos lleva a la actualidad y nos vuelve a mostrar a Eddie, con más arrugas pero igual de pensativo, reflexionando sobre qué hubiese pasado si Cobain estuviese vivo... La conclusión es que le habría gustado mucho vivir esta etapa.

Siguiendo con lo que dijo Vedder, asumo que se refería a que después de la tormenta que fueron esos primeros años de explosión de bandas de Seattle, de tanta prensa y consumismo mediático, de una industria que glorifica imágenes como las de Eddie o Kurt y al mismo tiempo, de un día para el otro, los desechan por la nueva figura, fresca, que vende más, el pasar los 30 y acercarse a los 40 significa un salto de madurez. Significa dejar de lado las locuras del adolescente y "nuevo adulto", limpiarse de las drogas y realmente disfrutar de la profesión, de hacer música, de recorrer el mundo conociendo a sus fans.

Por eso hoy en Mi Tema del Día recordamos a Kurt Cobain en uno de los momentos más íntimos que hayan quedado grabados de él y su banda en vivo.

El MTV Unplugged (1994) de Nirvana es de los mejores que hay dentro de su clase, ya que logran un sonido muy distinto al que acostumbraban hacer en su shows. El tema, un cover del incomparable David Bowie, es una verdadera joya. Es una de esas canciones que uno no se cansa jamás de escuchar.

Walk - Pantera

2012-02-17T15:56:00.000-03:00

Siguiendo con la temática de la semana, "temas que escuchás cuando estas de mal humor" (#MalHumorMusical), llega un clásico del Trash Metal y uno de mis temas preferidos, tanto de la banda como del género.

Walk pertenece al gran disco de Pantera, Vulgar Display of Power (1992), uno de los más pesados que se puede encontrar. Sin lugar a dudas, junto con Cowboys from Hell y Far Beyond Driven, de lo mejor de esta banda.

Vulgar fue un disco que descrubrí en el año 96 y logré copiarlo en un cassette hasta que años más tarde compré el CD original, usado, en la feria del Parque Rivadavia (Caballito, Buenos Aires). 16 años después me gusta tanto como esa primera tarde que lo escuché, poco después de terminar la escuela primaria (pobres mis viejos ahora que lo pienso).

Es un album que ya con los primeros acordes de Mouth of War, me transporta por completo a otro lado. Cualquier cosa que esté haciendo, si lo hago escuchando este disco lo hago a una velocidad superior. Si estoy trabajando, me vuelvo mucho más eficiente y enfocado. Es raro de explicar. Mucha gente me pregunta cómo hago para concentrarme con "esa música" (porque cuando me lo preguntan, ponen cara... cualquiera que escuche música pesada me entiende), pero para mi es tan natural como para otros lo es tener a Ricardo Montaner de fondo. Claramente no estoy incluido en ese grupo.

Walk tiene una letra provocativa que incita a violencia. Los cortes son ideales para corear la letra. Darrell abandona la afinación en Re para este tema, y adopta en cambio una que se ubica entre un Re# y un Mi, es decir, 1/4 de tono más abajo del Mi.

La voz de Philip Anselmo es perfecta para este tipo de música. Rex Brown y Vinnie Paul son el complemento perfecto de esta banda que arrancó con un sonido distinto, más tirando al glam y que tomó forma con el correr de los años, aunque a fines de los 80 casi se desarma, ya que Darrell había quedado para tocar en Megadeth.

Por suerte la vida lo dejó en Pantera y así llegaron grandísimos discos de ambas bandas.

Como bonus track, Domination de Cowboys from Hell (1990), otro para irse a las manos.

Otros temas de la serie #MalHumorMusical:

Treat Me Like Your Mother - The Dead Weather

Tiny Dancer - Elton John

Treat Me Like Your Mother - The Dead Weather

2012-02-16T14:56:00.000-03:00

Ayer comentaba en blog sobre mi repentino y marcado mal humor. Por unas horas Tiny Dancer pudo sacármelo, pero a veces estás en esas rachas en las que cualquier cosa te vuelve a tu estado mental anterior, y la mala onda reaparece... y con eso las canciones que escuchás cuando estás de mal humor.

Entre varios tweets que leí hoy, uno decía "You blink when you breathe - And you breathe when you lie - You blink when you lie" de @DiscosPerfectos. Inmediatamente supe que conocía esa letra. Mi memoria tardó unos segundos y del archivo salieron tres palabras: The Dead Weather. Busqué en mi iTunes el disco Horehound (2009) y escuché el tema en cuestión.

Un par de tweets más y terminé en YouTube mirando el video de dicha canción, que hacía mucho tiempo no veía. Con eso terminó de cerrar la temática de esta semana y conociéndome, probablemente la que viene: "Temas que escuchás cuando estás de mal humor", resumido bajo Hashtag #MalHumorMusical.

Sí. Los seres humanos somos así. Cuando estamos contentos escuchamos canciones alegres. Cuando estamos tristes, nos matamos con las que nos llegan a lo más profundo de nuestro ser y revuelven sentimientos que creíamos haber olvidado. Pero cuando estamos enojados, las paredes tiemblan. Sino pregúntenle a mis vecinos.

Mis estados de enojo suelen estar acompañados de los más duros metales y discos de rock pesado. Mientras más grave suenen, más desgarradores sean los gritos y más violentos los videos, mejor.

Este es el caso del tema de hoy. Una letra brava, que bien podría ser el diálogo para una escena de discusión de pareja.

El video una joya, simple y efectivo. Jack White y Alison Mosshart matándose a los tiros, representando muy bien el significado de la letra. Los últimos segundos, las caras de resignación, las luces atravesando los cuerpos. Brillante.

The Dead Weather nació casi de casualidad. En un recital de la segunda banda de Jack White, The Raconteurs, el tipo se quedó sin voz y le pidió a la cantante de la banda soporte (Mosshart) que cantara unos temas. Esto fue en el 2008. Ya en el 2009, se juntaron los que formarían la banda a zapar en el estudio de White. El sonido les gustó y en poco tiempo grabaron el disco.

The Dead Weather tiene una mezcla de blues con rock pesado y a la vez un sonido casi de garage. Muy crudo. Jack White detrás de los parches, la excelente voz de Mosshard, las lineas pesadas de bajo de Jack Lawrence y la cruda guitarra de Dean Fertita hacen que todo cierre a la perfección.

La banda sacó dos discos de estudio y uno en vivo. Si bien nunca se separaron, su futuro siempre es incierto ya que Jack White es un músico muy inquieto. En 15 años publicó 6 discos con The White Stripes, 2 con The Racounters, otros 2 con The Dead Weather y en Abril de este 2012 saldría su primer disco solista, Blunderbuss (sin contar con todas las colaboraciones que ha hecho).

Sin más, el video del que tanto hablé. Que lo disfruten.

Otros temas de la serie #MalHumorMusical:

Walk - Pantera + Bonus Track

Tiny Dancer - Elton John

2012-02-15T18:06:00.000-03:00

Hoy mi día transcurrió con una gran variedad de música. Nada me conformó. Sí, hoy tengo un humor de perros (expresión rara si las hay). ¿Motivos? No se muy bien... mezcla de sueño, con mucho trabajo y mucho para estudiar. Nada del otro mundo, pero lo suficiente como para ponerme de mala onda.

Afortunadamente a media tarde, me llegó una canción de parte de mi amiga Ansil que me salvó el día (además de malhumorado, extremista!!) con garantía de que me iba a "poner feliz", y no se equivocó.

Tiny Dancer es una esas canciones que por su melodía ya te levanta. Un tema hijo de la eterna y exitosa dupla creativa Bernie Taupin - Elton John, forma parte del 4to disco de Elton, Madman Across the Water (1971).

Interpretada por una gran cantidad de artistas, su fama cobró un nuevo impulso en el 2000 con la película Casi Famosos (Almost Famous).

De acuerdo a Rolling Stone, está dentro de las 500 grandes canciones de todos los tiempos. Para mi un poco excesivo... Igualmente no deja de ser una canción muy alegre y fácil de escuchar.

Les dejo entonces la versión original interpretada por Elton John y unos regalitos:

Tiny Dancer, por Dave Grohl (genio total).

Tiny Dancer por John Frusciante

La famosa escena de Casi Famosos en donde cantan Tiny Dancer :)

Otros temas de la serie #MalHumorMusical:

Walk - Pantera + Bonus Track

Treat Me Like Your Mother - The Dead Weather

Old Love - Eric Clapton

2012-02-14T11:07:00.004-03:00

Hoy es el día de San Valentín, o también conocido como el Día de los Enamorados. Para ser sinceros, esta es una festividad relativamente nueva en Argentina, si bien la conmemoración de esta fecha tiene casi dos milenios de vida, aunque por esa época nada tenía que ver con el amor...

Lo cierto es que se ha vuelto bastante popular, pero también se ha hecho eco la movida Anti San Valentín. Los que están solos, desconsolados, con el corazón roto, o simplemente solos, buscan festejar su soltería o ahogar sus penas, y quizás muy en el fondo, conocer a alguien que les encienda la chispa del amor.

Hace cuatro años fui a una de estas fiestas (cómo pasa el tiempo!!) y fue muy divertida. Pero no deja de haber cierto sentimiento de melancolía.

Uno sabe que en temas del amor, no todo es color de rosas. Lo que nos llevan varias décadas saben de lo que hablo. Todo en la vida es aprendizaje, prueba y error; y el amor no está exento de esta ley universal. Por lo tanto se encaran relaciones pensando que son para siempre, y cuando se terminan, pareciera que se viene el mundo abajo. No querés salir, te volvés menos social. Te autoflagelás escuchando los temas y discos más depresivos de la historia de la música, deseando que se termine el dolor.

Cada uno sigue distintos procesos. El dolor eventualmente se termina y volvés a escuchar temas alegres, te reinsertás a la sociedad y te llenás de optimismo. Conocés gente nueva y estás más preparado para tu siguiente relación.

El tema de hoy va dedicado a los que alguna vez se sintieron así. Esta versión de Old Love es una joya del Blues, que escuché por primera vez hace 10 años y nunca dejó de emocionarme. Los solos de Clapton y Carmon me ponen la piel de gallina. La letra lo dice todo, pero la pasión con la que canta Clapton y el dolor que transmite al hacerlo, hace que en conjunto, esta sea una canción extremadamente profunda y sentida.

Espero que la disfruten tanto como yo.

Starlight - Muse

2012-02-10T17:22:00.000-03:00

El Viernes es un día clave en la semana. Llegamos muy cansados a enfrentar el último día laboral, pero el hecho de saber que son 9 horas las que te separan de dos días seguidos de descanso nos revitaliza y agrega un toque de energía extra a nuestros cuerpos.

Quizás por eso sea entendible que los Viernes queramos escuchar temas potentes o alegres.

Starlight es uno de esos temas que te levantan cualquier tarde y forma parte del exitoso 4to disco de la banda, Black Holes and Revelations (2006).

Buen fin de semana!

Tu Nombre Sobre Mi Nombre - Luis Alberto Spinetta

2012-02-09T12:36:00.001-03:00

Qué difícil es hablar cuando la tristeza ahoga a las palabras. Estaba convencido de que se iba a recuperar, de que iba a superar el maldito cáncer que se sigue llevando vidas valiosas.

La reacción inmediata es volver a escuchar esos temas que te marcaron, pero no puedo evitar sentir una enorme melancolía al hacerlo.

Se fue muy temprano. Demasiado. Al menos podemos estar agradecidos de todo lo que dejó en esta tierra, no sólo con su obra artística sino también con sus valores, con su actividad solidaria, con su pasión por la vida.

No me salen más palabras. Gracias por todo Flaco.

Anarchy In The UK - Sex Pistols

2012-01-20T01:30:00.001-03:00

Después de mucho tiempo vuelvo a escribir en el blog. En realidad tengo varios posts en draft que mi vida personal y laboral me han impedido terminar. Esta vez decidí no dejar pasar la oportunidad, no dejar que se escape la tortuga como diría El Diego, y plasmar en la net un tema que va muy ligado a lo que acontece hoy en día.

En los últimos días se han visto grandes movimientos a lo largo del mundo en contra de las Leyes SOPA y PIPA. Desde Mark Zuckerberg, CEO y fundador de Facebook, pasando por Google hasta llegar a Wikipedia, se han manifestado en contra de las mencionadas leyes, que han tenido votos positivos en el Congreso de EEUU, alegando de que impondrían graves controles sobre los contenidos subidos a Internet.

Sumado a ésto, ayer Jueves el FBI cerró la conocida página de intercambio de archivos, Megaupload. Las protestas no tardaron en llegar, y el grupo de mal llamados hackers sino crackers, Anonymous, comenzó a atacar sitios del Gobierno de los EEUU y sellos discográficos, entre otra entidades. Ya se afirma que estos ataques son los mayores realizados por dicha agrupación, superando a los que realizaron en protesta por el cierre de WikiLeaks y que el próximo objetivo es nada más y nada menos que el FBI.

Por eso no hay mejor tema para cerrar la semana que Anarchy in the UK de los Sex Pistols. El punk ya desde el vamos es sinónimo de rebeldía y desafío al status quo, y en muchos casos va de la mano con las ideologías anarquistas. Y es esto lo que vemos en Internet en la actualidad. Los grandes jugadores del medio luchan por regulaciones que protejan a los usuarios y a sus empresas, pero a la vez que pelean para que no se le pongan trabas a los contenidos subidos a la web ya que todavía, Internet, sigue siendo libre.

Hay algo que tiene que quedar bien claro. Internet es lo que se viene. Mejor dicho, Internet llegó hace rato y cada vez tiene más fuerza. Todo va a tender hacia lo digital y va a existir muy pronto una clara convergencia entre el mundo offline y el online. Google TV, la posibilidad de navegar desde televisores, señales de TV subiendo sus series en HD, etc son unos pocos ejemplos. Por lo tanto es importante que las leyes se actualicen de acuerdo al nuevo mundo que ya se vino. Es por eso que los manotazos de ahogado como son estas leyes, escritas por personas ajenas al medio, lo único que generan es ponerle palos en la rueda a una Internet que crece como ningún medio de comunicación lo ha hecho en la historia de la humanidad.

Por otro lado están los dueños de contenidos. Músicos, sellos discográficos, cadenas de TV y productoras de películas, artistas plásticos, etc.. Está clarísimo que se debe proteger la propiedad intelectual y que deben ser remunerados por sus obras, así como también tener control de lo que producen. Pero la cacería de brujas no lleva a nada. Hace más de una década lo vimos con Napster. Se pensó que con procesar a sus dueños se iba a terminar la piratería de música digital, y pasó todo lo contrario. Se multiplicó exponencialmente y surgieron métodos alternativos de streaming online que poco a poco han ido ganando espacio y sustento legal. Grooveshark es un claro ejemplo. Un sitio que posee acuerdos con cientos de discográficas y que apunta a las bandas, a los artistas y los incentiva a subir su material y a generar contenido exclusivo en su web site.

Sin ir más lejos, ¿qué fanático de la música no ha grabado canciones de la radio en cassettes, o armado compilados con CDs o cassettes prestados de amigos? ¿Quién no ha comprado discos o vinilos usados en ferias? Claro que Internet magnifica todo, y lo que antes estaba acotado a algunas miles de personas (en Argentina estamos hablando de la década del '90 y principios de siglo XXI) ahora está disponible a millones de usuarios de todo el planeta que está conectado a la web (entre un cuarto y un tercio de la población de nuestro planeta).

Estamos en un punto de inflexión en Internet. Se necesitan líderes que comprendan este nuevo universo. Se necesita cuidar a ambas partes: creadores de contenido y prestadores de espacios en los que dichos contenidos son exhibidos. Ambos tienen derechos y obligaciones. Luego estamos los usuarios, que debemos ser responsables en el uso de los materiales pero que al mismo tiempo queremos todo YA, y cuando digo YA es literalmente YA.

Por eso nuevamente el tema de hoy es clave. Puede ser enfocado desde dos lados. El primero, que existan grupos fuera de la ley con el poder suficiente como para bajar sitios de entidades gubernamentales tan grandes y protegidas como el Departamento de Justicia de los EEUU. Algunos dirán que sus causas son nobles. Otros que están al margen de la ley y que lo que hacen está mal. Para debatir. Por otro lado está la voz de la gente, que usando justamente este medio "gratis" que es Internet, se puede movilizar en decenas o cientos de países y tirar abajo leyes o mostrar los genocidios como los que vimos en Egipto y ayudar a derrocar a dictadores; o mostrar la corrupción y los mensajes secretos de todos los gobiernos de la Tierra.

En mi opinión, Internet es un medio de comunicación fenomenal. Hoy tenemos a nuestro alcance una infinita cantidad de información que en otras épocas estaba reservada solamente para ciertos grupos socioeconómicos muy limitados. Es cierto que el Brave New World necesita leyes que le brinden un marco de contención, pero jamás que lo limite, sino se volverá como la radio, los diarios o la TV, es decir, elementos a través de los cuales los poderosos imponen sus ideologías. Internet es además un medio que permite que cualquiera pueda plasmar sus ideas y llegar a cientos, miles o millones de seres humanos de todo el mundo.

Como bien dice el refrán, la historia la escriben los que ganan. Esperemos que esta vez gane la gente, la libertad, la coherencia y no los poderosos grupos de comunicación, que son movidos por hilos que se desprenden de los grupos económicos más conservadores del mundo.

Hoy más que nunca, el punk está presente con una de las bandas que terminó de fundar el género.

Señoras y señores, los Sex Pistols.

Gimme tha Power - Molotov

2011-12-09T12:43:00.001-03:00

Si hay un tema que me atrapó desde el primer día que lo escuché es Gimme tha Power del primer disco de Molotov, ¿Dónde jugarán las niñas? (1997).

Desde chico me atrajo la política. Si bien nunca participé directamente, fui a un colegio altamente politizado y siempre me gustó debatir sobre la actualidad argentina e internacional. También tuve durante 3 años un blog de política, que he dejado abandonado por falta de tiempo y un cambio de motivaciones.

¿Dónde jugarán las niñas? es un disco al cual tuve acceso allá por el 97 o 98 de manos de mi otro hermano, el del medio. Él solía juntarse con sus amigos en casa y yo aprovechaba para participar de sus reuniones y escuchar otro tipo de música distinta al metal. Eso incluía Bob Marley, The Police, Red Hot Chili Peppers, entre muchos otros. Unos esos fue Molotov y su brillante primer disco.

Años después me di cuenta de que el nombre del álbum era una clara ironía al disco de Maná, ¿Dónde jugarán los niños?. Si hay algo que tiene este disco es su espíritu provocativo y combativo. La tapa con una chica en uniforme escolar en una situación sugestiva es sólo el comienzo y anuncio de lo que se viene.

El primer tema, Que no te haga bobo Jacobo, arranca con una línea musical bien power y la letra habla de un periodista mexicano, Jacobo Zabludovsky, acusado de favorecer al Partido Revolucionario Institucional (PRI) desde su posición en el canal Televisa. Molotov coktail party le pega a los EEUU y a la gente que quiere ser como ellos en vez de ser ellos mismos. Voto Latino, otro gran tema, es una sucesión perfecta y trata el tema del racismo y la violencia policial.

Luego de Chinga Tu Madre, llega Gimme Tha Power, el tema de hoy. La letra es una crítica a la policía, a la corrupción, pero sobretodo a los políticos y al gobierno de aquel momento en México. Además de todo ésto, la canción propone sacarle el poder a los que lo tienen para devolvérselo al pueblo. Creo que lo que más me impresionó a mis 13 años cuando la escuché, y me sigue haciendo ruido hoy 14 años después, es la real y cruda descripción de la realidad latinoamericana. Por eso antes de avanzar pego la letra, y destaco en rojo las partes que más me llegaron y llegan:

La policía te está extorsionando (dinero)
Pero ellos viven de lo que tú estás pagando
Y si te tratan como a un delincuente (ladrón)
No es tu culpa, dale gracias al regente.

Hay que arrancar el problema de raíz
Y cambiar al gobierno de nuestro país.
A la gente que está en la burocracia,
A esa gente que le gustan las migajas.

Yo por eso me quejo y me quejo
Porque aquí es donde vivo
Y yo ya no soy un pendejo.

Que nos guachan los puestos del gobierno
Hay personas que se están enriqueciendo.
Gente que vive en la pobreza,
Nadie hace nada
Porque a nadie le interesa.

Esa gente de arriba te detesta
Hay más gente que quiere
Que caigan sus cabezas.
Si le das más poder al poder,
Más duro te van a venir a coger.

Porque fuimos potencia mundial,
Somos pobres,
Nos manejan mal.

Estribillo:
Dame, dame, dame, dame todo el power
Para que te demos en la madre.
Gimme, gimme, gimme, gimme todo el poder.
So i can come around,
Tú, joder.
Dame, dame, dame, dame todo el power
Para que te demos en la madre.
Gimme, gimme, gimme, gimme todo el poder.
So i can come around,
Tú, joder.
Dámele, dámele, dámele, dámele todo el poder
Dámele, dámele, dámele, dámele todo el power
Dámele, dámele, dámele, dámele todo el poder
Dámele, dámele, dámele, dámele todo el power

(así es putón,
Fuck you puto baboso!)

Porque no nacimos donde no hay que comer
No hay porque preguntarnos como le vamos a hacer
Si nos gritan como a unos huevones,
No lo somos
¡viva méxico, cabrones!

Que se sienta el power mexicano
Que se sienta, todos juntos como hermanos,
Porque somos más,
Jalamos más parejo.
¿por qué estar siguiendo a una bola de pendejos?
Que nos llevan por donde les conviene
Y es nuestro sudor lo que los mantiene,
Los mantiene comiendo pan caliente,
Ese pan, ese pan de nuestra gente.

Estribillo (repite hasta el final)

El pueblo unido jamás será vencido.

Siendo argentino, sé lo que es la corrupción, la pobreza y la inequidad, la mala distribución de recursos y el hambre en un país que alguna vez fue el granero del mundo y hoy es uno de los principales productores de alimento del mundo.

El resto del disco vuelve a tocar temas sociales, lucha de pandillas, violencia, corrupción policial y política.

¿Dónde jugarán las niñas? es un disco que no puede faltar en ninguna discoteca. Se escucha de principio a fin y te deja con una sensación de energía tremenda. Tiene hardcore, hip hop y metal, con toques de música latina como en el tema Use it or Lose it. La mezcla del inglés americano con el castellano mexicano es la combinación perfecta para las denuncias de esta banda, oriunda del México, vecino sureño de EEUU. Posee una sorprendente calidad para ser un primer disco, pero cuando uno indaga un poco se encuentra que fue publicado por Universal Music y producido por Gustavo Santaolalla.

El video de Gimme tha Power está a la altura de su letra y su mensaje. Por el mismo recibieron un Premio MTV por mejor video. Que lo disfruten, y recuerden que a través del voto, los pueblos tenemos el poder de elegir nuestros destinos. Buen Viernes y fin de semana.

Profugos - Soda Stereo

2011-12-06T18:40:00.001-03:00

Después de unos días de descanso vuelvo a escribir, y esta vez con una temática definida: rock latino. A lo largo del mes iré subiendo temas de bandas de todo el continente, de Argentina a México. ¿Por qué? Porque tenemos excelentes bandas con músicos muy talentosos, y no todo gira en torno a lo que se produce en EEUU y el Reino Unido, como a veces pareciera.

Para empezar, creo que no hay dudas de que Soda Stereo fue la banda más grande que surgió en nuestro continente. Por la calidad de su discografía, por el nivel de su música y de sus integrantes, por el alcance que tuvieron y siguen teniendo. Soda fue una banda que influyó a una generación entera de futuros músicos, y sigue haciéndolo.

El tema que elijo es uno de mis preferidos. Prófugos forma parte del excelente disco Signos (1986).

Hoy no los voy a aburrir con ningún análisis de letra. Creo que habla por sí sola, y sino... está bueno que cada uno saque sus propias conclusiones porque después de todo, la mayor parte de las canciones u obras de arte suelen ser de interpretación subjetiva.

Dejo una muy buena versión de cuando pasaron por Lima, Perú en su gira "Me Verás Volver".

High and Dry - Radiohead

2011-11-22T10:59:00.001-03:00

En el día de la música Radiohead hace su esperado debut en Mi Tema del Día con uno de los mejores temas que tienen, según mi opinión.

¿Por qué Radiohead en este día y no otra banda?

La respuesta es que ésta es una banda distinta a cualquier otra, que rompe el molde con cada uno de los álbumes y se vive reinventando. Porque ningún disco es igual entre sí. Y también, debido a que las letras siempre intentan transmitir mensajes con contenido, a diferencia de algunos temas pop o incluso de rock, que son vacías y solamente buscan vender.

Radiohead es eso. Son los que te hablan de amor, de un corazón roto, sí, como cualquiera; pero también son los que te sugieren que salgas del modelo de producción en masa y seas un individuo, te dicen que cuides el medio ambiente y como ejemplo tocan solamente en espacios abiertos; son los que incentivan con sus canciones a que todos seamos felices buscando lo que nos hace felices a nosotros, y no al resto.

Además de las letras, está la música.. La composición de algunos temas son simplemente brillantes. Podés tener desde rock bien distorsionado, pasando por guitarras acústicas hasta llegar un sonido tranquilo, electrónico y ambiental.

Todos estos factores conjugados hacen que Radiohead sea una de las mejores bandas que surgieron en los '90 y que hoy la base de seguidores sea tan grande, pero a la vez tan selecta, ya que no le gusta a cualquiera. Convengamos que no todo el mundo se traga un Kid A o un Amnesiac, ¿no? Ni tampoco a mucha gente le gusta sentarse a pensar el significado de las letras. Y no está mal tampoco.

Con High and Dry me pasa eso. Creo que nunca terminé de entender la letra, o sí,.. Para mi mezcla mensajes que a la vez se cruzan entre sí. Es decir, nunca entiendo si es un individuo hablándole a su pareja, que ve cómo lentamente se convierte en otra persona con la que no se identifica; ó si le habla en general a la gente que busca ser distinta por las razones equivocadas. Voy a ejemplificar.

La primera estrofa y el estribillo dicen lo siguiente:

Two jumps in a week, I bet you think that's pretty clever don't you boy
Flyin' on your motorcycle, watching all the ground beneath you drop
You'd kill yourself for recognition, kill yourself to never ever stop
You broke another mirror, you're turning into something you are not

Don't leave me high, don't leave me dry
Don't leave me high, don't leave me dry

De primera parece que hablara sobre una persona que intenta impresionar al resto, casi de la misma manera que hacen los niños, haciendo cosas peligrosas y arriesgando la vida. Te matás por el reconocimiento, te matás para nunca parar. Esta linea es muy buena, pero la que sigue que dice rompiste otro espejo, te estás convirtiendo en algo que no sos, se lleva todos los premios. Es poesía. Y luego el pedido de que no lo dejen High and Dry, es decir, abandonado.

La segunda estrofa es también genial:

Drying up in conversation, you will be the one who cannot talk
All your insides fall to pieces, you just sit there wishing you could still make love
They're the ones who'll hate you when you think you've got the world all sussed out
They're the ones who'll spit at you, you will be the one screaming out

Las primeras dos líneas son brillantes por lo bien que grafican la situación. La persona es tan distinta, está tan cambiada y su alma tan rota que no se puede identificar o relacionar con su pareja, y solamente sueña con poder hacer el amor de nuevo (hay que diferenciar sexo de hacer el amor, que son dos actividades muy distintas). Acá es fácil ponerse en situación, salir un poco de lo que dice la canción e imaginarse a uno pensando en cómo llegaste a ese momento, en el que tu pareja te habla pero a uno sólo le llegan palabras vacías y mientras la cabeza divaga por aquellos tiempos mejores. El video en este momento refleja perfectamente ese instante de mirada perdida...

Las segundas dos líneas son igual de excelentes, porque te dicen que ellos para los que cambiás son los que en realidad te van a odiar cuando creas que comprendés todo y son ellos los que te van a escupir. Al decir que vos sos el que va a terminar gritando es por ese conflicto de cambiar para otro para que después te ignore o rechace una vez que ya renunciaste a todo lo que eras. Muy fuerte.

Acá cobra sentido el amor, la pareja, los afectos, la familia, es decir la gente que te ama incondicionalmente y que quiere que seas como realmente sos y no como el resto pretende que seas.

La tercera estrofa para mi tiene dos significados:

Oh, it's the best thing that you've ever had
The best thing that you've ever, ever had
It's the best thing that you've ever had
The best thing you've had has gone away

El primero es que aquello mejor a lo que hacen referencia es la individualidad. No hay nada mejor que ser uno mismo, que buscar en el interior de uno quién realmente es y qué se quiere en la vida. Una vez que entendés eso, buscás lo mejor para vos y te rodeás de gente que te aporta. Y el resto llega solo. Pero la base, es el primer paso fundamental para vivir una vida feliz.

El segundo significado que le atribuyo es la pareja. Esa persona, lo mejor que tenías en tu vida, por tanto cambio se termina alejando.

Como dije antes de comenzar con el análisis, creo que la letra son dos historias que tienen cierto paralelismo en algunos momentos y por otros tocan puntos en común. Antes de empezar a escribir este post busqué en foros opiniones, y más o menos la opinión de la gente es la misma que ven escrita aquí. Pero para cada uno puede significar algo distinto, dependiendo del momento de la vida en que se lea o escuche la canción.

High and Dry es parte del segundo disco de Radiohead, The Bends (1995). Junto con Pablo Honey son los dos discos que más me gustan, seguidos por Ok Computer, In Rainbows y The King of Limbs. El resto también me fascinan, pero los dos primeros,me llegan mucho. A veces cuando estoy en un estado de ánimo medio bajón, pongo The Bends o Pablo Honey y al ratito ya me siento mucho mejor. Y la música es un poco eso, ¿no? Y a la vez mucho más.

Para vos, ¿cuál es el significado de esta letra?

Primavera 0 - Soda Stereo

2011-11-17T17:15:00.001-03:00

En estos días se me hizo medio difícil decidir qué publicar. El recital de Pearl Jam fue una sobredosis de música y emociones. Originalmente hoy iba a subir Black, pero para no parecer monotemático, se me vino a la mente uno de mis temas favoritos de Soda, que algo tiene que ver con el otro.

¿En qué se parecen Black y Primavera 0? En primer lugar ambas canciones hablan sobre el amor, pero enfocadas desde lados distintos. Black claramente tiene un carga emocional muy negativa. Escuchar la letra y el canto de Vedder te transmiten todo el dolor que debe haber sentido el autor al momento de escribirla. Primavera 0, por otro lado es más optimista.

Ambos temas hablan de un amor perdido, pero para mi Black expresa cierta resignación, de que esta persona no va a volver y por eso le desea lo mejor. El tema de Soda en cambio te transmite lo opuesto, y todo pareciera indicar que esta dama en cuestión va a volver, por eso el "te espero".

Más allá de eso, el tema de Soda se puede aplicar tanto a viejos amores como a nuevas oportunidades. Por eso estas líneas:

Fluorescente azul

luz que baña mis sentidos

donde todo empieza a ser real

Siempre vuelve a dar

nuevas chances

una vuelta más

Y en esta parte de la canción, no pareciera ser exacto si se refiere a alguien en concreto o si habla en general a la mujer que no conoce pero que espera conocer, valga la redundancia, algún día:

la verdad es que nadie vive sin amor

y ahora estoy aquí temblando frágil en la multitud

y te espero

Hay algo que es innegable, y es que el amor es un gran motor. Muchas de las canciones más famosas o exitosas de la historia de la música son acerca del amor, ya sea la falta de él, el tenerlo y la felicidad que produce, mal de amores, corazones rotos, etc..

Primavera 0 es parte del sexto álbum de Soda Stereo, Dynamo (1992). Dejo una excelente versión en vivo, parte del disco en vivo El Último Concierto (1997), que fue el primer disco de Soda que tuve, justamente en ese año (regalo de papá noel).

El mensaje final de este tema es que hay que tener paciencia. Al verdadero amor hay que esperarlo.

De paso aprovecho para mandarle los mejores deseos a Gustavo Cerati.

Un continente entero le desea lo mejor.

Pearl Jam: El Amor Está Intacto

2011-11-14T11:17:00.002-03:00

Si me costó escribir sobre el recital de Chris Cornell, hilar pensamientos para relatar lo que fue el show de Pearl Jam anoche en La Plata me resultó una tarea imposible durante una buena parte del día. La manera que encontré para lograrlo fue haciendo una cronología de mi Domingo, desde que salí de Buenos Aires hasta que terminó el show. A veces el orden lleva a poder conseguir ese resultado final tan esperado.

El Comienzo

La procesión a La Plata comenzó a las 3pm con dos amigos, Gusti y Fido (sí, como el de la 7-Up). Quizás para algunos sea un sacrilegio que use un término asociado a una peregrinación religiosa para describir el inicio de mi viaje hacia un recital de rock, pero para mi no fue un show cualquiera. Al que alguna vez se le puso la piel de gallina de solo escuchar una canción o a la gente corear y cantar ESE tema que tanto te emociona, seguro que me entiende.

Una vez en la ciudad de las diagonales, y aprovechando el día espectacular que hizo, buscamos pasto en compañía de Josefina, una chica que conocí en Marzo de este año haciendo el Camino del Inca a Machu Picchu, quien nos recibió con mate y una torta muy rica.

El Aperitivo

Tipo 5 o 6 de la tarde, ya estábamos en el estadio tirados en el piso esperando la presentación de la banda soporte, X. No voy a disimularlo. Hasta anoche no los conocía, ya que mi crianza musical fue esencialmente metalera. Obviamente sabía que venían, pero no me había molestado en buscar algo de su música. En cuanto empezaron a sonar los primeros acordes, me cayeron muy bien. Una vez que conecté lo que escuchaba con lo que veía, quedé completamente atrapado. Mientras de fondo sonaba un punk rock muy prolijo, enfrente tenía a un grupo de personas que tranquilamente podrían mis viejos, tocando con muchísima fuerza. Nota aparte para Exene Cervenka, cantante de X, que con 55 años, se movía y cantaba como una chica de 25 años, en un estado de trance absoluto. Su show lo cerraron en compañía de ni más ni menos que Eddie Vedder, a quien se lo vio muy alegre, cantando y bailando al ritmo de la música.

Hoy con Wikipedia a mi disposición leí sobre la banda y entendí todo. En pleno festejo por los 20 años de vida de Pearl Jam, traer a una banda histórica del punk rock es un guiño a su pasado y a sus influencias, que tanto tienen que ver con este presente tan exitoso que se encuentran viviendo los PJ.

Primer Plato

Si en el estadio ya se sentía la tensión de la espera, luego de verlo a Vedder la gente -y me incluyo- empezó a inquietarse con el correr de los minutos. A las 9pm se notaba en las caras que todos queríamos que empezase. Pasaron unos pocos minutos y con Hendrix de fondo dije "termina este tema y arranca", ya no se puede pasar otra canción ambiental después de Jimi... Y no me equivoqué.

Los primeros acordes de Release, del disco Ten (1991), ayudaron a liberar la tensión. Como no podía ser de otra manera en plena gira de 20 años, fueron repasando su discografía. Le siguieron Go de Vs (1993), Corduroy de Vitalogy (1994), Hail Hail de No Code (1996), Given to Fly de Yield (1998) para hacer un salto al presente y tocar The Fixer y Amongst the Waves de Backspacer (2010). Luego de Immortality, llegó la primera explosión del público con Even Flow.

La primera parte del show transcurrió de esa manera, haciendo muchos saltos y repasando temas de todos sus álbumes. Do The Evolution fue una bomba, con un estadio entero coreando cada acorde, algo que se repitió con Jeremy y Porch, antes de un break de 3 o 4 minutos que parecieron eternos.

Lo que puedo marcar de esta primera parte es:

- Adelante de todo no se escuchaba bien. Nuestros cantos tapaban la voz de Vedder y la guitarra de McCready se escuchaba muy baja.

- El poder haber estado tan cerca de los músicos me permitió ver sus caras, que en muchos momentos expresaban un leve descontento por esa situación, pero rápidamente cambiaban ya que la conexión con el público era impresionante.

- Vedder ofició de maestro de ceremonias y nosotros respondimos ante cada mueca suya. Los saltos de Jeff cual veinteañero, las sonrisas de Stone, los ojos bien cerrados de Mike y la potencia de Matt. Detalles que valen muchísimo...

- Eddie Vedder es el Jim Morrison de la actualidad.

Segundo Plato

Durante el primer break se podían ver a los asistentes correr por todo el escenario cambiando micrófonos y preparando todo para la vuelta, que comenzó con Just Breathe y sin ningún problema de sonido. El estadio la cantó de principio a fin. La interpretación de Vedder emocionante.

Durante esta etapa llegó el habitual recuerdo de los Ramones, amigos de Eddie y gran influencia suya. Aclaró que a los Ramones siempre les gustó tocar en Argentina y que nos querían mucho. Acto seguido sonó I Believe in Miracles y todos deliramos de la emoción, que los Pearl Jam se encargaron de mantener bien arriba con State of Love and Trust bien pegadita al cover de los Ramones.

Cerraron con una agresiva Blood en el que se armaron muy buenos pogos, y luego un cover de George Clinton, Atomic Dog.

Postre

La última parte del show fue impresionante y acá se me nota el fanatismo. Armónica en mano de Vedder, arrancaron con Smile. Sería quizás una obviedad decir que se nos dibujó a todos una sonrisa, pero fue realmente lo que pasó. Mirabas alrededor y veías caras de placer total. Mi amiga Sole me confesó que antes de que empezara el recital, ella pensó que quería que tocaran este tema. Y no sólo lo tocaron, sino que nos lo dedicaron a nosotros, el público...

Luego le llegó el turno al cover de Pink Floyd, Mother y qué puedo decir... soy ultrafanático de Floyd. Mother fue la segunda canción de ellos que aprendí a tocar en la guitarra (no es muy complicada, lo se, pero fue justamente por eso que la elegí en aquellos comienzos hace casi 10 años).

Después llegaron los puntos más emocionantes de la noche. A Mother le siguió la siempre desgarradora Black, una de las canciones de amor más crudas que debe existir; y una versión increíble de Better Man, que en el medio mecharon con I Wanna Be Your Boyfriend de los Ramones, y Save it for Later, de English Beat.

Las últimas cuatro fueron una aplanadora. Why Go, Alive, Rockin' In The FreeWorld de Neil Young y la clásica de clásicas, Yellow Ledbetter, con Vedder sonriendo mientras se prendía un cigarrillo, un Mike McCready que con sus ojos cerrados improvisaba un Little Wing. Mientras tanto Stone Gossard se calzaba una camisa escocesa y Jeff Ament se sacaba orgulloso la camiseta de Fabricio Oberto de la Selección Argentina de Basket. Las canas de experiencia de Boom Gaspar no podían ocultar su cara de emoción, la misma que nos mostró en el 2005 en Ferro. Y por fin pudimos verlo a Matt Cameron, batero de Soundgarden y Pearl Jam, tirando besos y saludando a la gente.

¿Qué puedo agregar?

Fue un recital emocionante, desde que saqué la entrada hasta hoy inclusive. Las semanas previas y la ansiedad de ir contando los días que faltaban.

Los recuerdos van llegando de a poco. Los detalles...

A diferencia de lo que pasó hace seis años, este recital lo pasé todo bien adelante, saltando con cada uno de los temas rockeros, sintiendo cada tema lento, apropiándome de las letras y cantándolas como si fueran mías.

El ver las caras de cada uno de los músicos y verlos tan a gusto con el público. Y al mismo tiempo mirar a la gente y notar que la conexión era recíproca, que era un ida y vuelta de energía que se iba retroalimentado en un loop de casi 3hs.

Por momentos me brota el pensamiento cliché del argentino, de que somos el mejor público de rock... ¿Y saben qué? Fue Vedder el que dijo en tono de broma "la próxima vez nosotros les vamos a pagar a ustedes para tocar", mientras que seis años antes no caía del asombro de ver a miles de persona corear los partes de guitarra... Si Ferro tuvo la emoción de ver por primera vez en el país a Pearl Jam, La Plata tuvo el honor de reafirmar el amor incondicional que este público tiene con ellos.

Hoy no hay tema del día. Pearl Jam los tocó todos anoche.

Gracias por leer. Y gracias Pearl Jam por existir.

I've Been Waiting For You - Neil Young

2011-11-12T21:08:00.001-03:00

Un día como hoy en Canadá, en el año 1945, nacía Neil Young, uno de los artistas más prolíficos que dio el rock en los últimos 50 años.

Miembro del Rock N' Roll Hall of Fame en dos oportunidades por su carrera solista y por sus comienzos con Buffalo Springfield, banda que serviría para catapultarlo a la fama junto a su compañero Stephen Stills, con quien luego formaría Crosby, Stills, Nash & Young.

Young es un artista que ha probado de todo. Generalmente uno lo asocia al Folk Rock o la música Country, pero la verdad es que dentro de su extensa carrera ha pasado también por el Rock N' Roll y se ha acercado muchas veces al rock "pesado" (salvando las distancias que tiene con las bandas que realmente se dedican a eso).

Posee una gran cantidad de hits y canciones que ya forman parte de la cultura popular norteamericana. Heart of Gold, del disco Harvest (1972) es poesía hecha música. ¿El significado? Tengo dos teorías: la primera es que habla de la búsqueda del verdadero amor; la segunda es la búsqueda interna que todos debemos hacer para encontrar Eso que nos haga bien...

Rockin' in the Free World del disco Freedom (1989) es una canción que la tocan bandas desde Pearl Jam hasta el G3 de Satriani y Vai, y es una durísima crítica a la sociedad de EEUU de los '80, que pareciera haberse convertido en un himno del rock. Y la lista de temas es eterna... Old Man, Harvest Moon, Lookin' For a Love, y más.

La canción de hoy, en homenaje a su escritor, es parte de su primer álbum de solista, que fue publicado en su vigésimotercer cumpleaños, es decir, un día como hoy hace 43 años, y habla sobre la búsqueda del amor, uno de los mayores motores (y anhelos) que tenemos los seres humanos.

Better Man - Pearl Jam

2011-11-11T10:32:00.001-03:00

Cada vez falta menos para uno de los recitales más esperados de los últimos años en Argentina. El Domingo 13, Pearl Jam se presenta en el Estadio Único de La Plata y todos los que tenemos la suerte de ir a verlos ya empezamos a sentir un cosquilleo en la panza. Eso, según dicen, es signo de que hay muchas expectativas puestas en lo que la banda de Seattle vaya a traer para estos lados. Y hay motivos para sentirse así.

Los shows que dieron en el Estadio de Ferro en el 2005 fueron indescriptibles. La química entre la gente y la banda. El sonido. El cantar y corear cada uno de los temas. La evidente cara de emoción de los artistas que no caían del asombro. Fueron dos días mágicos de los cuales pude ser parte del primero.

Con eso en mente, todos esperamos que la magia vuelva a estar presente dentro de dos días. El marco es inmejorable. El estadio de La Plata ofrece una estética muy agradable para un show grande de rock. Y el sonido, a diferencia del estadio de Ferro, no rebota.

Dicho esto, el tema de hoy es muy especial por el significado que tiene para el que lo escribió, es decir, Eddie Vedder. La canción está dedicada a su madre y cuenta su historia y la de su marido. Una mujer que se conforma con lo que tiene, que se miente a ella misma y afirma estar enamorada de alguien que no se la merece. ¿Alguien se siente identificado?

Better Man pertenece al tercer disco de Pearl Jam, Vitalogy (1994) y es uno de los temas que más se corean en vivo. Quizás por lo emocionante de la letra, y porque la música es realmente muy linda.

Así se cierra la semana laboral.

Gracias por leer.

Wooden Jesus - Chris Cornell

2011-11-10T13:09:00.000-03:00

Hoy es una de esas mañanas en las que me levanto con mucho para decir y me cuesta poner en orden los pensamientos. Anoche tuve el privilegio de ver el primer show de los dos que tiene planeados dar en Buenos Aires Chris Cornell, y sinceramente fue un experiencia impresionante.

Ni bien apareció en el escenario el olé, olé, olé, olé! Cornell!! Cornel!! no se hizo esperar. El Teatro Gran Rex entero de pie, coreando su nombre, lo recibió con la calidez que caracteriza al público latinoamericano. Chris no se quedó atrás y comenzó a arengar a sus fanáticos como el excelente frontman que es.

Después de pedir disculpas por su voz, alegando una enfermedad que lo había puesto en duda para los shows en Argentina, aclaró que no se lo hubiese perdido por nada del mundo y comenzó su recital con un cover de Nick Lowe, seguido por tres temas de sus discos solistas. ¿Su voz? Impecable.

Le siguieron el clásico Be Yourself de Audioslave, Wide Awake y Fell On Black Days del discazo Superunknown (1994) de Soundgarden. Luego invitó al escenario a Alain Johannes, un tipo que quizás pocos conocen, pero que tocó con Hillel Slovak (RHCP), Flea (RHCP) y Jack Irons (RHCP, Pearl Jam) en su primera banda, por los '80 y luego con Irons en su banda Eleven para finalmente dedicarse a la producción mayormente. Con Alain tocó, entre otros temas, Wooden Jesus y Hunger Strike de Temple of the Dog.

En el medio alguien del público le gritó Jesus Christ, seguramente haciendo referencia al tema Jesus Christ Pose. Cornell dijo que no tenía ninguna canción con ese nombre, pero que podía inventar una Acto seguido improvisó letra y música y sacó un tema de la galera, con una letra bastante cómica.

Luego de Thank You de Zeppelin y Black Hole Sun de Soundgarden, llegó Call Me A Dog. No faltaron Like A Stone ni I Am The Highway, de Audioslave. También hubo tiempo para A Day In the Life de los Beatles, Imagine de Lennon, una espectacular versión de Billie Jean del rey del pop Michael Jackson, Long As I Can See The Light de Creedence y Redemption Song de Marley en el segundo encore.

El show cerró con Blow Up the Outside World del disco Down on the Upside (1996) de Soundgarden y el Teatro explotó una vez más, como a lo largo de todo el recital.

Algo que me llamó la atención es que generalmente los cantantes que no hablan castellano suelen pedir perdón por no conocer el idioma, intentan un par de palabras, la gente los aplaude y luego hablan en su idioma bien despacio para que todos le entiendan. Este no fue el caso. El tipo parecía que estaba tocando frente a un público norteamericano o en el living de su casa, contando cómo habían surgido algunas canciones, hablando de sus épocas de Temple of the Dog, Soundgarden y Audioslave con mucha naturalidad. Genial.

Elegir la canción para hoy me costó mucho. Se me vinieron muchas a la cabeza del show de anoche. Elijo Wooden Jesus en honor a la persona que hizo que me gustara Temple of the Dog y en consecuencia, Chris Cornell.

Versión en vivo en el Gran Rex de un privilegiado que estuvo a uno o dos metros de distancia de él.

Versión original de Temple of the Dog

Esta noche hace su segunda presentación en el Gran Rex, para luego viajar a Chile y terminar en Brasil.

Plush - Stone Temple Pilots

2011-11-08T17:37:00.000-03:00

En el #MesDelGrunge, mi día empezó a pura velocidad con el disco Core (1992) de los Stone Temple Pilots. Quizás por mis frustradas ganas de querer verlos y no poder hacerlo, hizo que escuchara de corrido Core y Purple (1994).

El disco debut de los STP salió a la venta el mismo día que el equivalente de Alice in Chains, Dirt (1992). Y no es una coincidencia. En esos años existía una movida musical muy fuerte en Estados Unidos. El rock experimentaba un auge importantísimo, que movilizaba masas como hacía tiempo no se veía.

Seattle, que 50 años antes había visto nacer a Jimi Hendrix, en esos años exportaba al mundo bandas como Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam y Alice in Chains. Mientras tanto en California STP hacía un sonido igual de potente y otras bandas que venían batallando desde hace más tiempo lograban su merecida popularidad, como Bad Religion y su Recipe for Hate (1993).

El Grunge tuvo el honor de fusionar elementos del punk, rock y metal, y hacerlo comestible, es decir, consumible por las masas. MTV en esos años se convirtió en EL canal de TV para ver videos de rock y conocer bandas nuevas.

A partir de ahí el rock alternativo y el punk rock cobraron gran impulso, y bandas como Green Day, RHCP y más tarde Incubus, entre muchas otras, siguieron la posta cada uno por su lado, y con estilos completamente diferentes. Del otro lado del charco, Radiohead y su Pablo Honey (1993) le dijo al mundo que el rock estaba más vivo que nunca.

Volviendo a Stone Temple Pilots, Core es un gran disco y es un fiel reflejo de esa época. La voz de Scott Weiland en esa época me hace acordar mucho a la Layne Staley, de Alice. La fórmula creativa de los hermanos DeLeo fue tan fructífera como la de los hermanos Young en ACDC. Crearon un sonido potente y compacto, que Weiland se ocupó de llenar con letras igual de impactantes.

Plush es uno de los singles de Core, y habla sobre un fracaso amoroso pero con un mensaje de esperanza. Como soy fanático de los acústicos, dejo la versión unplugged que grabaron en MTV en el año 1993.

Stone Temple Pilots cierra su gira por Latinoamérica en Buenos Aires el 16 de Noviembre, en el estadio Luna Park.

Edge of the World - Faith No More

2011-11-07T14:19:00.000-03:00

Arrancamos la semana con un tema tranquilo de Faith No More, que mañana se estará presentando en el Estadio Malvinas Argentinas, en Buenos Aires.

Edge of the World cierra el tercer disco de estudio de la banda The Real Thing (1989), que los lanzó a la fama como banda de heavy metal y artistas revelación.

Faith No More es una de esas bandas que me cuesta encasillar dentro de un género, ya que a lo largo de su discografía han jugado con elementos de muchos estilos. Si tomamos como ejemplo este disco, Epic, quizás el tema más conocido de la banda (y con el que los conocí), es un rap-metal; mientras que From out of Nowhere, que abre el álbum, es un metal con tintes progresivos. Dentro de la lista de canciones, se incluye un muy buen cover del eterno tema de Black Sabbath, War Pigs, que respeta casi a la perfección al original de Ozzy, Iommi y compañía.

The Real Thing es el primer álbum en el que aparece Mike Patton como cantante, reemplazando a Chuck Mosley, presente en los discos previos.

Edge of the World es un tema engañoso. Un ritmo lento, sensual, con mucha presencia del piano y del bajo. Casi que podría ser tocado en un cabaret. Ahora, ¿por qué engañoso? Porque atado a ese ritmo casi lascivo, se esconde una letra muy fuerte, que para los hispanoparlantes puede pasar desapercibida. La canción habla de un hombre de 40 años que le gusta seducir a mujeres menores de edad. La letra arranca así:

Come here, my love

I'll tell you a secret

Come closer, now

I want you to believe it

I'll tell you all the things

You want to hear

Esta primera estrofa es genial por su claridad. Ya desde el inicio la intención de este hombre es que la chica se crea todas las mentiras que le dice para lograr atraerla. Más adelante sigue así:

Hey, little girl

Would you like some candy?

Look into my eyes

I've seen it all

Las primeras dos líneas dejan de manifiesto que la chica es claramente menor de edad. Las segundas dos son una especie de elemento de "levante", ya que el hecho de que conocer a alguien con experiencia y mundo, puede ser atractivo para una persona joven. Luego sigue de la siguiente manera:

You can trust me

I'm no criminal

But I'd kill my mother

To be with you

We'll sing and dance

And we'll find romance

And we'll stroll to the edge of the world

En esta parte, el discurso apunta a legalizar o validar su accionar, y promete un gran amor. Luego termina con la siguiente estrofa:

Give me a smile

Let me see those pearlies

I'll do anything

For the little girlies...

Al publicar esta letra no es mi intención promover ningún tipo de delito, solamente remarcar que detrás de la música de muchas bandas que escuchamos existen letras poderosas, que pasan desapercibidas. Tampoco creo que la idea de la banda haya sido celebrar la pedofilia, sino simplemente relatar una historia muy común, y que al día de hoy sigue siendo un gran problema para todas las sociedades que penalizan las relaciones entre menores de 18 años y los que superan ese límite de edad.

No es casual tampoco que haya elegido esta canción en particular de todas las que tienen los Faith No More. La semana pasada en Buenos Aires hubo una gran discusión sobre la (i)legalidad del aborto, pero finalmente no pudo ser tratado el proyecto de Ley. Sin tomar una posición ya que este no es el espacio para hacerlo, sí recalco que es fundamental informar y educar a los más chicos. La mayor parte de los abortos se dan en chicas menores de edad, que tranquilamente se podrían prevenir con educación para unos y religión para otros. Ambas posturas, creo yo, tienen un mismo factor común que tratan de difundir: la conducta responsable que se debe tener a la hora de decidir tener relaciones sexuales.

FNM nunca fue catalogada como banda Grunge, pero este fue un género tan amplio que no puedo dejarlos afuera de la movida de rock pesado que se originó en EEUU hacia fines de los '80, y que abarcó a bandas como Nirvana hasta Alice in Chains.

Dejo un video en vivo del año en 1991, con una excelente interpretación de esta canción:

Alive - Pearl Jam

2011-11-04T13:55:00.003-03:00

Con Alive se inicia formalmente el #MesdelGrunge en Mi Tema del Día. El motivo es simple y a la vez evidente: en un plazo de 9 días Argentina verá sobre sus escenarios a cuatro bandas legendarias del rock: Faith No More (08/11), Chris Cornell en versión acústico (9 y 10/11), Pearl Jam (13/11) y Stone Temple Pilots (16/11). Un aluvión de música del que solamente podré ser testigo de dos: PJ y Cornell.

Un lujo para nuestras tierras que vengan tantas bandas de calidad, que aportaron al desarrollo del rock moderno, y que marcaron hitos con varios de sus discos. Así que a lo largo de este mes voy a ir publicando algunos temas de estas bandas y otras que ya no están o llegaron después, que también aportaron su grano de arena para conformar un sonido que marcó una época a fines de los '80 y principios de los '90.

Alive es parte del exitoso álbum debut de Pearl Jam, Ten (1991) y es uno de sus temas más conocidos y emblemáticos. La letra narra la historia de un chico que se entera de grande que su padre no es quien él piensa y que su verdadero padre está en realidad muerto. También cuenta cómo la madre se enamora de su hijo por el parecido físico de ambos... Una letra muy fuerte. El mismo Vedder dijo que la frase "I'm Still Alive" en realidad representa una carga con la que tiene que vivir. Más allá de eso, afirma que muchos fans le escribieron contándole que la letra y música habían evitado que se suicidasen.

Tanto Alive, como Once y Footsteps forman parte de un cassette titulado Momma-Son Cassette y las tres juntan cuentan la historia de este chico, que luego de sufrir una vida muy dura pierde la cabeza y se convierte en asesino para aliviar el dolor, terminando apresado y ejecutado. La letra de Alive está inspirada en experiencias de vida del mismo Eddie Vedder.

Todo comenzó cuando Jack Irons, ex batero de los Peppers y amigo de Eddie en San Diego, CA, le entregó una grabación con demos compuestos por Stone Gossard. Automáticamente escribió las letras y se las envió a Seattle. A los pocos días Vedder estaba en el estado de Washington con Black escrita, listo para grabar.

A nueve días del recital en la La Plata ya me llegan los recuerdos de Ferro en el 2005 y el fanático que llevo adentro se empieza a emocionar...

Sin más preludios, Alive en dos versiones: la 1ra del gran MTV Unplugged (1992) y la 2da, como no podía ser de otra manera, del segundo show de la banda en Argentina hace 6 años.

Hand On Your Heart - Jose Gonzalez

2011-10-31T16:43:00.002-03:00

Ayer mi día terminó con la misma banda sonora con la que empezó el día de hoy. José González es uno de esos artistas que logra transmitir una enorme cantidad de paz con sus melodías y letras, y su música es ideal para cerrar una semana agitada y empezar tranquilo el Lunes.

El tema de hoy es uno de los más lindos que tiene. La letra es bien directa y salida del corazón; y cualquiera se puede sentir identificado con ella, haya sufrido o no alguna vez por amor.

Hand on your Heart es parte del EP Stay in the Shade (2004) y junto con su disco debut, Veneer (2003) son lo mejor que ha sacado. La letra habla de no rendirse, y de un amor incondicional, y deja algunos mensajes que no deben ser pasados por alto. Sospecho que la historia no debe terminar bien, pero esa interpretación corre por cuenta de cada uno.

Lo que más destaco de este autor sueco-argentino son su voz y forma de tocar, que junto con sus letras hacen que puedas escuchar de corrido toda su discografía.

Dejo un video en vivo de este tema y la letra. Como siempre, destaco en rojo las partes que más me llegan.

Well it's one thing to fall in love
But another to make it last
I thought that we were just beginning
And now you say we're in the past
Look me in the eye
and tell me we are really through

You know it's one thing to say you love me
but another to mean it from the heart
And if you don't intend to see it through
why did we ever start?
I wanna hear you tell me
you don't want my love

Put your hand on your heart and tell me
it's all over
I won't believe it till you
put your hand on your heart and tell me
that we're through
Put your hand on your heart

They like to talk about for ever
Most people never get the chance
Do you wanna lose our love together
Do you find a new romance
I wanna hear you tell me
you don't want my love

Put your hand on your heart and tell me
it's all over
I won't believe it till you
put your hand on your heart and tell me
that we're through
Put your hand on your heart
hand on your heart

Look me in the eye
and tell me we are really through

Whole Lotta Love - Led Zeppelin

2011-10-28T02:56:00.001-03:00

Esta tarde mientras escuchaba Whole Lotta Love, tema con el que empieza el disco Led Zeppelin II (1969), me acordé del post de Discos Perfectos sobre canciones cachondas y me pareció bárbaro para cerrar la semana.

Whole Lotta Love es sin lugar a dudas un tema caliente. Arranca con un riff bien rockero, eterno, y le sigue la voz de Plant cargada de sensualidad por un lado y agresión por otro. Luego desde el minuto 1:20 hasta el 3:05 aproximadamente se escuchan distintos sonidos instrumentales y gemidos de Plant, hasta que la batería de Bonzo irrumpe y le vuelve a poner ritmo a la cosa.

El tema sigue durante un poco más de dos minutos con la misma estructura. Subiendo y bajando, con gemidos y gritos de Robert Plant y una guitarra y bajo que trabajan al unísono para generar el ambiente. La letra... así arranca el tema:

You need coolin', baby, I'm not foolin'

I'm gonna send ya back to schoolin'

Way down inside, a-honey, you need it

I'm gonna give you my love

I'm gonna give you my love, oh

Más adelante, por si alguno se le había escapado la analogía, Mr. Robert canta I'm gonna give ya every inch of my love... Y casi que cierra con lo que nosotros en Argentina llamaríamos una derrapada o mordida de banquina importante: Oh, shake for me, girl; I wanna be your backdoor man.

Si me preguntan a mi, es un tema ideal para cachondear. Incluso el segundo del disco, What is and What Should Never Be, es perfecto para seguir en clima... A decir verdad, el disco entero puede ser usado como música de fondo para lo que ustedes se imaginan. Tiene todo, no sólo la música sino también las letras, como ya vimos. Whole Lotta Love no es la única, en The Lemon Song, Plant canta Squeeze me baby, till the juice runs down my leg. The way you squeeze my lemon, I'm gonna fall right out of bed.

Este segundo disco de Zeppelin tiene mucha más influencia de Blues que el primero y es quizás ese el factor clave para que pueda ser categorizado como disco hot.

Led Zeppelin II es definitivamente uno de los discos de rock más importantes e influyentes de la historia. Su música es totalmente atemporal. 42 años y 6 días después de su lanzamiento sigue vigente, y como Gardel, suena cada día mejor. Y por si todo lo mencionado fuera poco, tiene clásicos como Heartbreaker, Ramble On, Moby Dick y el de hoy. Un lujo.

A los que nos gusta el rock, por un lado nos genera una devoción enorme por estos cuatro tipos que ayudaron a moldear el heavy metal y el rock moderno desde la década del '60 en adelante. Y por otro lado es una invitación a reflexionar y pensar por qué no hay más bandas de blues rock en nuestros días... Se me ocurren algunas respuestas a esta pregunta, pero no es este el lugar ni momento para desarrollarlas.

Por lo pronto nos quedamos con el video de Whole Lotta Love en vivo, con su música electrizante y su sugestiva letra; y un Robert Plant completamente inspirado.

¡Buen fin de semana! ¡Que lo disfruten!