Mon Cinématographe

Another happy day

2012-02-01T11:23:00.002+01:00

Famille, je vous hais. Un refrain que de nombreux cinéastes ont repris à leurs comptes. Fils du célèbre réalisateur Barry Levinson (Rain Man, Sleepers...) Sam Levinson, 26 ans, croque avec férocité une tribu qui semble être la sienne. Si pour son premier essai, il n'évite pas certaines maladresses, il nous saisit par intermittence dans des envolées où la méchanceté le dispute à la jalousie effrénée.

Lynn débarque chez ses parents pour le mariage de son fils aîné, Dylan. Elle est accompagnée de ses deux plus jeunes fils, Ben et Elliot, paumé et prompt à mélanger drogues, alcool et médicaments. La réunion va s'avérer bien compliquée, avec grands parents réac, tantes médisantes sans compter le premier mari de Lynn qui arrive flanqué de sa nouvelle compagne tyrannique.

Jeffrey DeMunn, Ellen Barkin et Ezra Miller

Les jeunes cinéastes prennent parfois le risque d'être taxés de petits malins. C'est le sentiment qui domine pendant la majeure partie d'Another Happy Day. Le film déploie son cruel jeu de massacre avec une ironie distanciée personnifiée par Ezra Miller, le fils de Lynn, inoubliable dans le terrifiant We need to talk about Kevin. Il semble être le double du cinéaste et s'amuse à compter les points entre répliques vachardes et multiples coups bas. Malgré ce cynisme auto-satisfait, le sujet du film se révèle bien plus amer qu'on ne l'envisageait au départ. Une famille où personne n'a d'attention pour l'autre, dans laquelle chacun, en manque d'affection, se réfugie dans ses problèmes personnels. Le réalisateur joue sur le rôle de présumée victime de Lynn qui a du dans le passé abandonner son foyer pour éviter les coups de son mari et ainsi se mettre sa famille à dos. Mais ce personnage a un tel besoin de reconnaissance qu'il en devient vite insupportable.

On a l'impression tenace que tous les protagonistes sont réduits à des rats de laboratoire par un cinéaste qui ne leur prêtent aucune considération véritable. Une telle violence dans les rapports humains secoue mais finit par lasser alors que ces personnages névrosés arrivent néanmoins à dégager une forme d'empathie, et cela grâce aux comédiens, tous remarquables, de Demi Moore en belle-mère méprisante à Ellen Barkin en femme aux abois constamment au bord des larmes. Elles font de ces archétypes des êtres à la sensibilité à fleur de peau, où les supposés vilains peuvent se révéler humains la scène suivante. Dans les dernières séquences, le règlement de comptes s'essouffle et Sam Levinson amène alors enfin un peu de tendresse dans ce monde de brutes. Il était temps.

Antoine Jullien

The Descendants

2012-01-31T19:59:00.002+01:00

La petite musique d'Alexandre Payne résonne à nouveau dans The Descendants, son cinquième long métrage. L'auteur de Sideways aime filmer ses personnages pris dans des situations qui les dépassent et ainsi donner à des stars des rôles d'hommes à la fragilité discrète qui voient soudain leurs repères vaciller. Entre drame et pics d'humour, le film est bien dans la lignée d'un univers dans lequel on rentre aisément, comme si l'on connaissait déjà ce père et ses deux filles. Mais Alexander Payne sait donner au décor une place inhabituelle qui donne une touche un peu originale à l'ensemble.

A Hawaï, Matt King tente de se rapprocher de ses deux filles suite à l'accident de bateau survenu à leur mère, tombée dans le coma. Hésitant à vendre des terres familiales héritées de ses ancêtres, il apprend que sa femme avait un amant. Désemparé, Matt part à sa recherche, accompagné de ses deux filles. Au fil des rencontres, il va tenter de reconstruire sa vie...

Alexander Payne a plusieurs bonnes idées dans sa besace dont celle de situer son histoire à Hawaï. Le cinquantième état américain se retrouve, dans la première partie du moins, déglamourisé. Et les cousins de Matt King, tous vêtus de chemises plus moches les unes que les autres, accentuent encore cette image. Se focalisant sur l'épreuve que traverse cette famille au milieu des lagons et des forêts vierges, le cinéaste en profite également pour transformer George Clooney en monsieur-tout-le-monde, avocat pépère et un brin radin d'une progéniture, elle, un peu déglinguée. Bien qu'il n'arrive pas tout à fait à enlever sa carapace de séducteur, le comédien fend l'armure et convainc en père aux abonnés absents qui va redécouvrir les valeurs familiales et affectives.

L'autre trouvaille du cinéaste est de nous présenter directement la victime, le femme de Matt, sur son lit d'hôpital sans avoir recours à des flash backs qui auraient pu lui donner facilement de l'épaisseur. En évitant ainsi la sensiblerie, le réalisateur la dépeint comme un personnage plutôt négatif, coupable d'adultère. Un postulat audacieux qui accouche d'un scénario finalement assez convenu, alternant soigneusement les moments drôles aux instants plus graves, aérés par des vues cette fois très carte postale de l'île paradisiaque. Si la justesse des interprètes et des situations est la principale qualité du film, il lui manque toutefois une véritable personnalité qui l'empêche de s'élever au-delà d'une comédie douce-amère un peu lisse. Malgré son charme indéniable, un sentiment de léger formatage domine, n'en déplaise aux Oscars qui font d'Alexander Payne le grand cinéaste qu'il n'est pas encore.

Antoine Jullien

Nominations Oscars et Césars

2012-01-29T22:46:00.005+01:00

Les nominations des Oscars et des Césars sont tombées cette semaine. Fait inédit, la grande messe hollywoodienne aura un film français comme favori. Avec 10 nominations, The Artist est très attendu au tournant d'autant plus qu'il a déjà raflé le Golden Globe du meilleur film et Jean Dujardin celui du meilleur acteur. Si le succès outre-atlantique du film muet de Michel Hazavanicius donne lieu dorénavant à certains commentaires aigres, il serait bien injuste de ne pas rappeler la réussite de ce pari fou dont, il n'y a encore pas si longtemps, très peu misaient. Son principal challenger sera The Descendants d'Alexander Payne, vainqueur lui aussi aux Golden Globes. Plébiscité un peu exagérément par la presse américaine, cette histoire d'un père et de ses deux filles unis face à l'épreuve de la mort de leur mère a beaucoup séduit et pourrait valoir à George Clooney son premier oscar du meilleur acteur. Hugo Cabret de Martin Scorsese n'est heureusement pas oublié et obtient le plus grand nombre de nominations (11), le cinéaste décrochant sa septième distinction (vainqueur en 2007 pour Les Infiltrés). Idem pour un autre dinosaure du cinéma, Woody Allen qui, avec Minuit à Paris, fait un surprenant come-back dans cette cérémonie où il ne s'est jamais rendu, nommé dans les catégories meilleur film, réalisateur et scénario original.

Parmi les autres long métrages retenus, citons l'intense The Tree of life qui vaut une nomination à Terrence Malick ainsi que l'excellent Le Stratège de Bennett Miller qui pourrait, peut-être, valoir enfin un oscar à Brad Pitt. Côté comédiennes, les biopics sont toujours aussi payants puisque Meryl Streep en Margaret Thatcher dans La Dame de fer et Michelle Williams en Marilyn Monroe dans My week with Marilyn semblent être les deux grandes favorites, à moins que Glenn Close dans le rôle d'une femme se faisant passer pour un majordome dans Albert Nobbs ou Rooney Mara en Lisbeth Salander dans Millenium ne viennent troubler le jeu. Parmi les belles surprises, Une Séparation d'Asghar Farhadi est retenu non seulement pour le meilleur film étranger mais également pour le meilleur scénario original, un cas rarissime pour un film non anglophone.

Au rayon des absences regrettables, notons évidemment celle, consternante, de Drive de Nicolas Winding Refn qui n'obtient qu'une piètre nomination pour le son, Shame de Steve McQueen et l'inexplicable absence de son acteur principal Michael Fassbender ou We need to talk about Kevin de Lynne Ramsey alors que l'on attendait au moins une nomination pour Tilda Swinton. Des films sans doute trop dérangeants pour une académie qui brille parfois.... par son académisme.

Mise à part le passage artificiel du nombre de nommés, passant de cinq à sept dans les catégories film, réalisateur, acteur et actrice, les Césars ne surprennent guère. Avec 13 nominations, Polisse domine les débats mais devra affronter des adversaires de poids : The Artist (10), La guerre est déclarée (6) et Intouchables (9) qui réconcilie pour une fois le triomphe public et la critique. Si relative surprise il y a, c'est la forte présence du remarquable L'exercice de l'état qui récolte pas moins de 11 nominations et celle plutôt inattendue de Pater d'Alain Cavalier.

Les acteurs ayant interprété des personnages réels sont maintes fois représentés : Philippe Torreton/Alain Marécaux dans Présumé coupable, Sami Bouajila/Omar Raddad dans Omar m'a tuer, Denys Podalydès/Nicolas Sarkozy dans La Conquête sans oublier le duo Cluzet/Sy d'Intouchables. Notons également la grotesque distinction établie entre premiers et seconds rôles de Polisse où Karin Viard et Marina Foïs sont nommés dans la catégorie meilleure actrice alors que Joey Starr est retenu en meilleur second rôle masculin. Quant à l'unique nomination attribuée à L'ordre et la morale (meilleure adaptation), elle ne choquera personne au lendemain de la lamentable réaction de Mathieu Kassovitz sur internet.

Parmi les vraies déceptions, citons l'incompréhensible absence du troublant Tomboy de Céline Sciamma, du mésestimé Poulet aux prunes et celle de Donoma dans la catégorie premier film.

Les verdicts seront rendus le 24 février pour les Césars et le 26 février pour les Oscars.

Millenium : les hommes qui n'aimaient pas les femmes

2012-01-25T16:34:00.001+01:00

Avant d'évoquer Millenium, étudions d'un peu plus près le regard que l'on porte sur David Fincher. Hier méprisé par une grande partie de la critique qui le considérait comme un faiseur plein d'esbroufe, le cinéaste est aujourd'hui porté aux nues. La rupture s'est produite avec Zodiac, salué par les critiques de l'époque comme l'oeuvre de la maturité. L'auteur de ces lignes fait partie de ceux qui ont été immédiatement séduits par le cinéma de Fincher, dès son premier opus, le mésestimé Alien 3. Seven a par la suite révolutionné le thriller et stupéfie encore par la puissance de sa mise en scène, The Game s'enrichit à chaque vision et Fight Club mérite bien davantage que les accusations idiotes et simplistes de brûlot aux relents fascistes. Si sa mise en scène est dorénavant moins spectaculaire, son sens inné du cadre et sa faculté géniale à se réapproprier les genres cinématographiques ne datent certainement pas de Zodiac. Depuis, ses films sont systématiquement encensés alors que Benjamin Button, film intéressant à plus d'un titre, n'est pas son chef d'oeuvre. Après The Social Network qui représentait un accomplissement créatif, Millenium apparaît, de prime abord, comme une redite. Car si Fincher semblait le mieux à même de retranscrire visuellement l'univers de Stieg Larsson, l'impression de déjà-vue demeure.

Mikael Blomkvist, brillant journaliste d'investigation, est contacté par un puissant industriel suédois, Henrik Vanger, afin d'élucider la disparition inexpliquée de sa nièce Harriet, survenue des années auparavant. Ses investigations le conduisent rapidement à penser que le coupable est l'un des membres de la famille. Apprenant qu'une jeune fille au nom de Lisbeth Salander a enquêté sur lui, il décide de rentrer en contact avec elle pour qu'elle aide à résoudre l'énigme. Ils se retrouvent alors plongés dans un soubresaut de meurtres et de vengeance...

Daniel Craig

L'adaptation de la fameuse trilogie du Stieg Larsson est toujours une gageure tant l'oeuvre littéraire est dense et complexe. Steven Zaillan, l'un des plus brillants scénaristes américains (La liste de Schindler, American Gangster, Le Stratège...), est resté très fidèle au matériau original. Les amateurs du roman ne seront donc pas surpris devant les folles péripéties que vivent ce couple improbable. Pour les incarner, David Fincher a choisi Daniel Craig et Rooney Mara, aperçue déjà dans The Social Network. Si le premier demeure un peu fade et ne restitue pas suffisamment le charisme du personnage de Blomkvist, la seconde s'en sort avec les honneurs dans le rôle de Lisbeth même si elle n'évite pas la comparaison avec Noomi Rapace, la sensationnelle interprète de la version suédoise.

Rooney Mara

La maîtrise confondante du cinéaste éclate encore à chaque plan ou presque. D'une troublante élégance, sa mise en scène réussit à nous captiver malgré une histoire que l'on commence à connaître sur le bout des doigts. Alternant avec fluidité les trajectoires des deux protagonistes avant qu'elles ne se rejoignent, il nous plonge la tête la première dans la matière brute du roman, l'exploration d'un passé nauséeux mêlé à une barbarie souterraine, soutenu par l'impressionnante musique de Trent Reznor et Atticus Ross. Le cinéaste s'est également trouvé un pays d'adoption, la Suède, qu'il filme dans sa ténébreuse blancheur.

Cependant, plus le récit progresse et plus le film semble devenir une pure commande, faiblissant d'intensité dans la dernière demi-heure. A défaut d'être personnel, ce Millenium version Fincher aurait dû être plus dérangeant et, tout comme la précédente adaptation réalisée par Niels Arden Oplev, se concentre presque exclusivement sur le thriller en occultant l'importante toile de fond journalistico-politique. Un coup d'épée dans l'eau ? Certainement pas. Mais on se demande toujours pour quelle raison véritable David Fincher a voulu filmer cette histoire qui a le défaut, peut-être, de lui ressembler d'un peu trop près.

Antoine Jullien

Trust

2012-01-25T14:53:00.001+01:00

Tous les amateurs de la série Friends n'ont pas oublié le visage poupin de David Schwimmer, alias Ross dans cette sitcom qui a fait sa gloire. Mais on ne l'attendait pas dans le rôle d'un réalisateur discret et sensible qui confirme de film en film une indéniable maturité de cinéaste. Avec Trust, il aborde un problème délicat qui aurait pu causer bien des débordements. Il n'en n'est rien.

Annie, 14 ans, se fait un nouvel ami sur internet, un dénommé Charlie. Après plusieurs semaines de conversation en ligne, elle décide de le rencontrer, sans en parler à ses parents. Mais la découverte de Charlie va entraîner des conséquences sur la jeune fille et sur sa famille qui les changeront définitivement.

Clive Owen et Catherine Keener

Sur un sujet très contemporain, les dangers du web sur les adolescents, David Schwimmer ne réalise pas un film-dossier assorti d'un jugement moral. Il préfère scruter finement le délitement d'une famille face à un drame que personne n'avait vu venir. Avec une caméra au service des personnages, il filme les contradictions d'une jeune fille qui nie la gravité de sa situation et des parents dépassés par elle qui, obnubilés par une soif de vengeance, en oublient la détresse de leur enfant.

Le déni d'un côté, la colère irraisonnée de l'autre sont les deux moteurs d'une intrigue que le cinéaste conduit sobrement, sans effets superflus. Grâce à la poignante interprétation de Liana Loberto et la parfaite composition du couple de parents Clive Owen-Catherine Keener, David Schwimmer réussit à instaurer un climat malaisant qui nous interpelle quant aux risques engendrés par une société hypersexualisée et sur la trop grande indulgence que l'on peut y prêter. Même si la fin, un peu trop démonstrative, se veut rassurante, les dernières images, glaçantes, nous disent clairement qu'une réalité supposée virtuelle peut se concrétiser de la pire des manières. Sans être bêtement paranoïaque, Trust appelle à une salutaire vigilance.

Antoine Jullien

Cycle Guerre d'Algérie au Forum des Images

2012-01-24T11:55:00.001+01:00

Près de cinquante ans après les accords d'Evian qui marquèrent la fin de la guerre d'Algérie, le Forum des Images propose un cycle de fictions et documentaires, archives militaires et images d'amateurs revenant sur un conflit qui demeure encore aujourd'hui un sujet sensible.

En réunissant une trentaine de cinéastes, historiens, archivistes, philosophes et chercheurs, le Forum des Images cherche à décrypter les représentations de la guerre et l'évolution de ces représentations au cours des cinquante dernières années.

Les invités, parmi lesquels Bertrand Tavernier, Mohammed Lakhdar-Hamina, René Vautier et Yasmina Khadra, échangeront leurs regards et partageront leurs analyses d'une guerre au passé longtemps refoulé.

La Trahison de Philippe Faucon (2006)

Le cycle démarre aujourd'hui avec la projection en avant-première de Méditerranées d'Olivier Py qui revient sur son enfance passée en Algérie. Le film sera suivi d'une rencontre entre l'historien français Benjamin Stora, spécialiste de la guerre d'Algérie, et Abdelmadjid Merdaci, historien algérien.

Ces dix jours de programme se clôtureront par une journée d'études Algérie et médias rassemblant des chercheurs venus partager leurs savoirs et expériences.

Entre-temps, vous pourrez découvrir ou redécouvrir cinquante films de fictions et documentaires, de La Guerre sans nom de Bertrand Tavernier à La Trahison de Philippe Faucon (en présence du réalisateur) en passant par La bataille d'Alger de Gillo Pontecorvo et L'ennemi intime de Florent Emilio-Siri.

La guerre d'Algérie, images et représentations du 24 janvier au 2 février au Forum des Images.
Forum des Halles, 2 rue du cinéma. 75001 Paris.
Renseignements : www.forumdesimages.fr

Rétrospectives Spielberg et Altman

2012-01-18T17:05:00.003+01:00

La Cinémathèque française poursuit son exploration des récits américains à travers deux cinéastes majeurs : Steven Spielberg et Robert Altman.

Le premier, qui a donné récemment une masterclass dans le cadre de la présentation de son nouveau film, Cheval de Guerre, est à l'honneur jusqu'au 3 mars avec la présentation de l'intégralité de sa filmographie. Si le réalisateur est aujourd'hui largement considéré comme un grand cinéaste, il en reste encore une poignée qui ne devrait pas voir d'un bon oeil l'hommage que l'institution fait à un homme parfois réduit à de simples qualités d'entertainer.

La Guerre des Mondes (2005)

Cette rétrospective devrait leur apporter un sérieux démenti et prouve que Steven Spielberg a abordé presque tous les genres en ayant su prendre le public à contre-pied et ainsi casser son image de cinéaste mièvre et infantile avec La Liste de Schindler qui lui valut une pluie d'Oscars en 1994.

La dernière décennie a montré un nouvelle tonalité, plus sombre, où son sens inné du spectacle se mêle à une vision désenchantée de la nature humaine, de Minority Report à Munich en passant par La Guerre des mondes.

A cette occasion, vous retrouverez prochainement dans Mon Cinématographe un abécédaire qui reviendra plus en détails sur cette filmographie hors du commun.

Cinéaste franc-tireur et iconoclaste, Robert Altman méritait bien quelques séances de rattrapage, plus de cinq ans après sa mort et son ultime opus, le bien nommé The Last Show.

D'abord réalisateur pour la télévision où il dirige plusieurs épisodes de la fameuse série Alfred Hitchcock présente, il peinera à obtenir le succès jusqu'à la Palme d'Or remportée par M.A.S.H. en 1970. Virulente satire anti-militariste, le film donne le ton des oeuvres successives du cinéaste où la relecture des genres (western, policier...) et les histoires à multiples personnages (qu'on appellera "films choraux") porteront sa signature.

Tim Robbins dans The Player (1992)

Les plans séquences, les dialogues improvisés, les effets de zoom confèrent à ses films une patte inimitable renforcés par une troupe d'acteurs fidèles, de Shelley Duvall à Eliot Gould en passant par Warren Beatty et Donald Sutherland.

Dans les années 80, Robert Altman connaît une impasse avant de renaître superbement au début des années 90 grâce à deux de ses meilleurs films, The Player et Short Cuts. Qualifié régulièrement de cinéaste cynique, Altman n'en éprouvait pas moins une certaine tendresse pour ses personnages, notamment dans sa dernière oeuvre majeure, Gosford Park.

Rétrospectives Steven Spielberg et Robert Altman jusqu'au 3 mars à la Cinémathèque française.
Les cycles sont accompagnés de plusieurs rencontres et conférences.
Renseignements : www.cinemathequefrancaise.fr

Take Shelter

2012-01-18T16:19:00.001+01:00

L'Amérique est en plein tourment, à l'image des visions apocalyptiques de Curtis. Pour son deuxième long métrage, le remarqué Jeff Nichols livre une oeuvre angoissante sur le fil tendu de la paranoïa de son protagoniste. Un film qui fait découvrir sa richesse progressivement, en prenant son temps afin d'installer un climat très inquiétant et durablement marquant.

Curtis LaForche mène une vie paisible avec sa femme et sa fille quand il devient sujet à de violents cauchemars. La menace d'une tornade l'obsède. Son étrange comportement fragilise son couple et provoque l'incompréhension de ses proches. Rien ne peut vaincre la terreur qui l'habite...

Michael Shannon

Curtis, c'est Michael Shannon, un curieux visage ne pouvant dissimuler une angoisse sourde qui menace à tout moment d'imploser. Saisissant, l'acteur est de tous les plans et contamine l'intrigue qui démarre avec cette scène d'un homme protégeant sa fille d'une tornade infernale. Un mauvais rêve qui va se décliner et révéler une psyché troublée. Curtis n'a pourtant pas les allures d'un malade psychotique mais plutôt celui d'un bon père de famille à la démarche assurée et à la présence réconfortante. Sa femme et sa fille sourde-muette partagent avec lui une complicité qui ne s'exprime pas par les mots. Jusqu'à ce que Curtis échappe à toute rationalité.

Michael Shannon et Jessica Chastain

La splendide mise en scène de Jeff Nichols joue magistralement sur deux registres, celui de la peinture naturaliste d'une Amérique face à la crise où le couple est confronté aux difficultés économiques et celui du film fantastique où les cauchemars de Curtis se fondent avec la réalité qui l'entoure. Le cinéaste fait confiance à son étonnante maîtrise visuelle, instaurant une atmosphère étrange nourrie de pauses et de grands moments de tension amplifiée par une discrète et admirable utilisation des effets spéciaux. Malgré certains ressorts psychologiques, le cinéaste épouse la trajectoire de son personnage en ne cherchant pas à expliquer son trauma ni à le justifier. On voit Curtis s'enfoncer vers la paranoïa mais c'est d'une peur bien plus profonde dont il est vraiment question.

Le film ne donnera pas de réponses mais l'épilogue, très ambigu, tend vers la métaphore d'une société en perte de repères qui veut à tout prix trouver un abri (le "shelter" du titre). Le couple prend ici une place primordiale et semble, aux yeux du cinéaste, le dernier véritable refuge. La tendresse partagée entre Jessica Chastain (la révélation de The tree of life) et Michael Shannon prend une tournure bouleversante car elle révèle une compréhension de l'autre très éloignée des clichés habituels. Alors que la folie pourrait les perdre, elle les unit définitivement. Jeff Nichols ne manque décidément pas d'audace.

Antoine Jullien

Top 10 2011

2012-01-16T16:30:00.004+01:00

1. DRIVE

2. POLISSE

3. BLACK SWAN

4. INTOUCHABLES

5. THE ARTIST

6. UNE SEPARATION

7. LA GUERRE EST DECLAREE

8. MELANCHOLIA

9. LE DISCOURS D'UN ROI

10. THE TREE OF LIFE

Les internautes ont fait leur choix : Drive de Nicolas Winding Refn est votre film préféré de l'année 2011. Le formidable polar de Nicolas Winding Refn a recueilli plus de la moitié de vos suffrages. Polisse de Maïwenn qui a suscité dans ces colonnes un débat passionné vous a manifestement enthousiasmé, lui accordant la deuxième place. Black Swan de Darren Aronofsky, autre film à ne pas avoir eu les faveurs de Mon Cinématographe, vous a conquis de même qu'Intouchables d'Olivier Nakache et Eric Tolédano qui a réussi, fait rarissime, à plaire autant aux spectateurs qu'aux critiques malgré certaines réserves que nous avons déjà évoqué. The Artist de Michel Hazavanicius, très plébiscité dans vos classements, obtient une méritée cinquième place en attendant son possible triomphe aux Oscars.

La 6ème place d'Une Séparation est sans conteste la nouvelle la plus réjouissante de ce top 10 tant l'émotion que le film d'Asghar Farhadi a suscité auprès du public est impressionnante. On est plus réservé sur la 7ème place accordée à Valérie Donzelli et sa surestimée La Guerre est déclarée. La fin du monde selon Lars Von Trier vous a semble-t-il subjugué, situant Melancholia en 8ème position. Fort de son beau succès en salles, Le discours d'un roi de Tom Hooper obtient noblement la 9ème place. Quant à The Tree of life, si le film a divisé les critiques comme les spectateurs, la puissance de l'oeuvre de Terrence Malick en a laissé plus d'un bouche bée.

A noter que les deux grands films de la fin d'année, Shame de Steve McQueen et Hugo Cabret de Martin Scorsese se classent juste après, et c'est tant mieux ! Précisons également que Fighter de David O. Russell, Super 8 de J.J. Abrams, le Tintin de Steven Spielberg, La Piel que Habito de Pedro Almodovar et Minuit à Paris de Woody Allen ont trouvé vos faveurs.

On regrettera tout de même l'absence de quelques longs métrages peu vus au moment de leurs sorties et qui méritent d'être découverts : Il était une fois en Anatolie de Nuri Bilge Ceylan, We need to talk about Kevin de Lynne Ramsey, Balada Triste d'Alex de la Iglesia ou Donoma de Djinn Carrénard.

Retrouvez LE PALMARES de l'année 2011.

J. Edgar

2012-01-11T10:28:00.005+01:00

Oui, un grand cinéaste peut décevoir. La politique des auteurs qui consiste à consacrer systématiquement un réalisateur ne tient plus lorsque celui-ci n'est pas à la hauteur des attentes. Et la déception est immense à voir Clint Eastwood échouer à faire de J. Edgar une oeuvre majeure. Tout était pourtant réuni : une figure éminemment complexe, un acteur au diapason, un récit propice à nourrir la réflexion du cinéaste sur l'histoire de son pays... Clint Eastwood éprouverait-il une forme de lassitude ? Un élan artistique en berne ?

J. Edgar Hoover s'est imposé comme l'homme le plus puissant des Etats-Unis. Directeur du FBI pendant près d'un demi-siècle, il était prêt à tout pour protéger son pays. Couvé par une mère omniprésente, l'homme s'est employé à défendre sa conception bien particulière de la justice mais s'est aussi laissé contaminer par la part d'ombre du pouvoir.

Leonardo DiCaprio et Armie Hammer

Le récit entrecroise deux époques : celle des années 20 où l'on voit Hoover créer le FBI et celle de la fin de sa vie où il fait rédiger ses mémoires à des sbires disciplinés. Une option narrative parcellaire qui ne fait que survoler le personnage. Eastwood centrant Hoover sur deux périodes espacées qui sont censées se répondre, il utilise des va et viens incessants qui font perdre au film son intensité et sa fluidité. Desservi par un scénario qui multiplie à outrance les grandes phrases sentencieuses d'Hoover, le cinéaste ne brille pas non plus par ses transitions temporelles qui font passer platement Hoover d'un ascenseur à un autre ou du même balcon de son bureau. Un manque d'inspiration qui va malheureusement se confirmer par la suite.

Si le cinéaste montre bien l'obsession anticommuniste de Hoover en relatant les attentats méconnus de Washington de 1919, il occulte une part prépondérante du personnage, ses liens tangibles avec la mafia et son chantage permanent envers de nombreux politiciens étant soit évacués soit à peine esquissés. En revanche, le cinéaste insiste abondamment sur les méthodes nouvelles d'investigation inventées par Hoover en racontant longuement l'assassinat du fils de Charles Lindbergh qui avait beaucoup ému l'opinion américaine et dont l'arrestation du meurtrier lui avait permis d'assoir son prestige et sa puissance. On peut toujours saluer un cinéaste qui aime prendre le contre-pied des attentes mais la trop grande bienveillance qu'il porte au personnage annihile ses nombreuses zones d'ombre. Seule sa propension à se glorifier de sa personne auprès du public en exagérant les actes héroïques dont il se disait être l'auteur est justement traitée et l'on voit bien le souci qu'avait Hoover à protéger son image.

C'est finalement dans l'intime que le cinéaste se sent le plus à son aise. Si Sur la route de Madison racontait une histoire d'amour improbable sur le papier, J. Edgar évoque également une étrange union, celle d'Hoover avec son numéro deux, Clyde Toldson. De cette relation amoureuse qui ne dit pas son nom, Eastwood en tire de beaux moments, d'abord lors d'un affrontement brutal entre les deux hommes dans une chambre d'hôtel puis lorsque, vieillissants, ils prennent leur petit-déjeuner. Le passage du temps est un thème cher à Eastwood auquel il apporte une cruelle sérénité.

Mais cela ne doit pas faire oublier les nombreuses impasses commises par le cinéaste et son absence de regard sur la figure politique et historique d'Hoover. Leonardo DiCaprio n'est pas en cause et campe brillamment un homme secret aux relents paranoïaques, presque touchant dans sa volonté de préserver le pouvoir à tout prix. Mais à l'image des maquillages grossiers de ses partenaires, Armie Hammer et Naomi Watts, Clint Eastwood semble curieusement détaché de ce qu'il filme. Ayant confessé ne pas connaître grand chose à Hoover avant de lire le scénario de Dustin Lance Black (l'auteur oscarisé d'Harvey Milk), le cinéaste a fait trop confiance à son classicisme légendaire qui, cette fois, paraît dévitalisé. Et la fin lourdement mélodramatique n'y change rien.

Antoine Jullien

Retrouvez les critiques d'INVICTUS et AU-DELA.

Les nouveaux chiens de garde

2012-01-11T10:03:00.000+01:00

La Charte des devoirs professionnels des journalistes français édicte qu'"un journaliste digne de ce nom (sic) (...) ne touche pas d'argent dans un service public ou une entreprise privée où sa qualité de journaliste, ses influences, ses relations seraient susceptibles d'être exploitées ; ne signe pas de son nom des articles de réclame commerciale ou financière ;(...) n'use pas de la liberté de la presse dans une intention intéressée."

Qu'il est jubilatoire d'assister à la projection des Nouveaux chiens de garde * en présence de journalistes directement concernés ! Les réalisateurs Gilles Balbastre et Yannick Kergoat ont voulu mettre les pieds dans le plat en dénonçant tous azimuts la collusion entre les médias et le pouvoir. Une rengaine vieille comme l'an mille mais qui a le mérite, à travers des exemples savamment choisis, de nous interpeller sur ce que l'on voit et entend à longueur d'antenne. Et c'est édifiant.

Grâce à l'appui d'intervenants que l'on voit rarement à la télévision, le duo passe à la moulinette de nombreux faits qui vont bien évidemment dans le sens de leur démonstration. On apprend notamment que de nombreux journalistes exercent des "ménages", qu'ils sont grassement payés pour la présentation d'un séminaire d'entreprise où la création d'une nouvelle start-up. Activité peu ou pas assumée, Balbastre et Kergoat en dénichent bien d'autres. Ils pointent les renoncements successifs de Michel Field ou Philippe Val, démontent le faux pluralisme en décryptant l'ahurissant jeu de chaises musicales entre les patrons des grands médias, brocardent les avis des experts qui passent d'une chaîne à l'autre pour servir le même discours en se trompant parfois lourdement ou bien les oppositions de facade entre deux chroniqueurs supposés d'avis divergents à travers un très amusant montage de leurs répliques.

C'est une dissection en règle du système réalisée dans un esprit militant parfaitement assumé. Même si le pamphlet se prive de toute nuance, son analyse fait mouche. Et révèle ce que l'on ne dit pas, à savoir que la société médiatique est certes dépendante du pouvoir mais surtout dépendante d'elle-même. Tous ses acteurs viennent finalement d'un même milieu avec leurs us et coutumes et ont comme priorité majeure la défense et la sauvegarde de leurs privilèges. A plusieurs reprises, Balbastre et Kergoat utilisent, comme un running gag, les arrivées de diverses personnalités de l'élite médiatico-politique se réunissant au Siècle, une sorte de club de rencontres très confidentiel dans lequel les connivences et les échanges de bons procédés prennent toute leur place. On ne peut s'empêcher de rire jaune face à ce spectacle d'une classe dirigeante très orgueilleuse de son pouvoir. Si l'on ne partage pas toujours les convictions de nos deux empêcheurs de tourner en rond et que l'on peut légitiment émettre quelques réserves sur le propos parfois réducteur, voilà un film qui nous divertit avec humour tout en nous interrogeant sur une question essentielle : les blogs ne seraient-ils pas la dernière terre d'indépendance ?

Antoine Jullien

* Le film est adapté du livre de Serge Halimi Les nouveaux chiens de garde (Liber-Raisons d'agir, 1997)

Le combat contre la précarité

2012-01-10T15:11:00.005+01:00

UNE VIE MEILLEURE / LOUISE WIMMER

Deux films cette semaine nous parlent de la précarité. De manière différente, Cédric Kahn et Cyril Mennegun nous confrontent à cette délicate actualité.

Cédric Kahn aime varier les univers. Après les atermoiements amoureux des Regrets et la déambulation alcoolique de Feux Rouges, il s'intéresse à la vie de jeunes gens, Yann et Nadia, qui veulent ouvrir un restaurant en région parisienne. Mais suite à des problèmes de sécurité non conforme, le restaurant ne peut pas ouvrir et le couple se retrouve plongé dans une problématique financière qui semble inexorable. Résignée, Nadia part travailler au Canada, laissant son fils, Sliman, seul avec Yann. Après des débuts chaotiques, Yann va apprendre à vivre avec le jeune garçon pour se diriger, peut-être, vers une vie meilleure.

Le titre est un astucieux pied de nez à l'histoire que nous raconte Cédric Kahn. Cette vie meilleure, Yann y croit au début mais va voir ses illusions mourir dans le tombeau de la précarité. Avec un acharnement presque inconscient, le jeune homme va se battre contre l'adversité et la société qui ne fait pas grand chose pour l'aider. Mais Cédric Kahn ne tombe jamais dans la victimisation, il a eu l'intelligence de faire du personnage de Yann un être en partie responsable de sa propre débâcle qui essaye d'entraîner ses proches avec lui. Même si elle traduit une sorte d'abandon, la réaction de Nadia semble d'abord menée par un instinct de survie. L'amour est alors sacrifié sur l'autel de la réalité économique d'aujourd'hui que le réalisateur ne cesse de documenter. D'une paire de chaussures à 100 euros que vole Sliman à la crêpe Nutella à 2,50 euros que Nadia ne peut pas payer, les détails du quotidien font mouche et interpellent directement le spectateur. De même que cette manière très juste de déjouer les clichés sur les protagonistes qui gravitent autour du couple. Ni l'assistante sociale qui secoue Bruno suite à ses inconséquences ni le "voleur de sommeil", salaud à la gueule d'ange (Abraham Belaga, une révélation), ne sont des coupables ou des empêcheurs de tourner en rond, seulement les pions d'un système.

A la fois thriller social nourri d'une réelle tension dramatique et mélodrame sur l'apprentissage de soi-même, le film bénéficie de surprenantes ruptures de ton. Guillaume Canet, qui trouve sans conteste le meilleur rôle de son inégale carrière, a cette force de conviction et cette fragilité qui habitent son personnage. Sa relation avec Sliman, conflictuelle, deviendra apaisée lors d'une étonnante et drolatique séquence de pêche. A partir de cet instant, les deux êtres n'auront qu'un objectif : retrouver Nadia, le seul personnage un peu sacrifié de l'histoire. Cédric Kahn décide de ne pas sombrer dans la désespérance et veut encore y croire. Nous aussi.

Un acteur est parfois tellement la chair d'un film que son personnage et lui ne font qu'un surtout lorsque son visage nous était inconnu. Après Louise Wimmer, inutile de dire que le nom de Corinne Masiero est sérieusement ancré dans notre mémoire. Sidérante révélation, elle électrise de sa présence rageuse un film beau et digne.

Nina Simone accompagne Louise dès les premières minutes. Un choix musical judicieux car la tonalité de la chanson, Sinnerman, renvoie à sa détresse. Sans rien révéler de la réalité dans laquelle elle vit, dormant dans sa voiture et prenant de l'essence dans les réservoirs des camions, elle mène son combat en silence. Un silence obstiné qui révèle pourtant une personnalité forte, peu aimable. Comment l'être lorsqu'on ne veut pas vous accorder un logement que vous demandez depuis des mois ? Que le système est résolu à ne rien faire pour vous ?

La caméra de Cyril Mennegun dont c'est le premier long métrage colle au corps de Corinne Masiero, filmant avec une pudeur discrète les épreuves qu'endure Louise, sans apitoiement ni misérabilisme. Avec une fierté qui pourrait devenir un piège, elle ne baisse pas les bras, comptant sur un entourage plutôt bienveillant. Le cinéaste a eu raison de ne pas donner d'explications sur le basculement de Louise, tombée du jour au lendemain dans la grande précarité. Une scène suffit à imaginer ce qu'elle était auparavant : dans une maison où elle fait le ménage, elle revêt une robe noire et se maquille. Son apparence change tout à coup et dégage un vrai pouvoir de séduction. Comme Cédric Kahn, Cyril Mennegun veut croire en une nouvelle chance, un nouveau départ. La séquence finale, filmée presque comme dans un conte, illumine définitivement ce magnifique portrait de femme.

Antoine Jullien

L'année 2011

2012-01-03T13:00:00.009+01:00

Les rituels sont immuables et les images cinématographiques de 2011 sont encore dans nos têtes. Afin que vous puissiez réaliser votre TOP 10 des films de l'année écoulée, voici un aperçu, tout à fait subjectif, des temps forts de 2011.

LES 10 SCENES CLEFS

Le baiser langoureux entre Ryan Gosling et Carey Mulligan suivi d'un bain de sang

dans DRIVE de Nicolas Winding Refn

La séquence d'ouverture d'ESSENTIAL KILLING de Jerzy Skolimowski

La dispute des deux époux face au juge filmée en un magistral plan séquence

dans UNE SEPARATION d'Asghar Farhadi

L'ahurissant coup de théâtre au milieu du récit de LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodovar

Hugo faisant tomber la valise de Georges Méliès qui laisse échapper les dessins de tous ses films

dans HUGO CABRET de Martin Scorsese

La séquence de l'autopsie d'IL ETAIT UNE FOIS EN ANATOLIE de Nuri Bilge Ceylan

Le renoncement du pape dans HABEMUS PAPAM de Nanni Moretti

Jean Dujardin imaginant l'arrivée du parlant dans THE ARTIST de Michel Hazavanicius

La fin du monde selon Lars Von Trier dans MELANCHOLIA

La saisissante révélation finale d'INCENDIES de Dennis Villeneuve

LES DEUX ACTEURS DE L'ANNEE

Michael Fassbender dans SHAME et A DANGEROUS METHOD

Ryan Gosling dans DRIVE, LES MARCHES DU POUVOIR et BLUE VALENTINE

L'ACTRICE DE L'ANNEE

Tilda Swinton dans WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN de Lynne Ramsey

LE CASTING DE L'ANNEE

Tous les interprètes d'UNE SEPARATION

LA REVELATION

DONOMA de Djinn Carrénard

LE RETOUR EN GRÂCE INESPERE

Wim Wenders avec son magnifique PINA

LE GRAND FILM POLITIQUE QUE L'ON ATTENDAIT PLUS

L'EXERCICE DE L'ETAT de Pierre Schoeller

LE FILM LE PLUS SENSORIEL

THE TREE OF LIFE de Terrence Malick

LE FILM LE PLUS MANIPULATEUR

POLISSE de Maïwenn

LA PLUS BELLE SURPRISE

Le troublant TOMBOY de Céline Sciamma

LE REALISATEUR QUI CONFOND ESBROUFE ET TALENT

Darren Aronofsky et son lourdingue BLACK SWAN

LE FILM LE PLUS SYNCOPE

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN

LE FILM LE PLUS ANXIOGENE

CONTAGION de Steven Sodebergh

LE FILM LE PLUS DEMESURE

BALADA TRISTE d'Alex de la Iglesia

L'ADAPTATION MIRACULEUSEMENT REUSSIE

LES AVENTURES DE TINTIN - LE SECRET DE LA LICORNE de Steven Spielberg

LES PLUS BEAUX HOMMAGES

Martin Scorsese à Georges Méliès dans HUGO CABRET

Michel Hazavanicius au cinéma muet dans THE ARTIST

J.J. Abrams à Steven Spielberg dans SUPER 8

LE PLUS GRAND DELIRE CRITIQUE

LA GUERRE EST DECLAREE de Valérie Donzelli

LE FILM FAUSSEMENT SYMPATHIQUE

LE HAVRE d'Aki Kaurismäki

LE RATAGE INTEGRAL

LE MOINE de Dominik Moll

LE FILM LE PLUS SIMENONIEN

AVANT L'AUBE de Raphaël Jacoulot

LE FILM LE PLUS RENVERSANT

LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodovar

LA MISE EN SCENE LA PLUS ELECTRIQUE

DRIVE de Nicolas Winding Refn

LE REALISATEUR QUI DEVRAIT ARRÊTER DE TOURNER

Luc BESSON et sa mièvre LADY

LE COMEDIEN LE PLUS TRANSFORMISTE

Sean Penn dans THIS MUST BE THE PLACE de Paolo Sorrentino

LE PLUS MAUVAIS CONCOURS DE GRIMACES

Keira Knightley dans A DANGEROUS METHOD de David Cronenberg

L'ACTEUR/CHANTEUR QUI A BIEN DU MAL A ARTICULER

Benjamin BIOLAY dans POURQUOI TU PLEURES ? de Katia Lewkowicz

LA MEILLEURE IMITATION DE MICHAEL CAINE

Steve Coogan et Rob Brydon dans THE TRIP de Michael Winterbottom

LA MEILLEURE PERFORMANCE CANINE

Cosmo dans BEGINNERS et Uggy dans THE ARTIST

LE FILM QUI REUSSIT LE PRODIGE DE VOUS INTERESSER AU BASEBALL

LE STRATEGE de Bennett Miller

LE FILM LE PLUS SADIQUE

J'AI RENCONTRE LE DIABLE de Kim Jee-woon

LE POLAR COUP DE POING

ANIMAL KINGDOM de David Michôd

LA PLUS BELLE DECOUVERTE

WINTER'S BONE de Debra Granik

LE FILM LE PLUS EMMERDANT MAIS C'EST MAL VU DE LE DIRE

L'ETRANGE AFFAIRE ANGELICA de Manoel de Oliveira

LE FILM LE PLUS CONSTERNANT

MA PART DU GÂTEAU de Cédric Klapisch

LE FILM LE PLUS LAID TOURNE AVEC UNE VIEILLE HI8

JEANNE CAPTIVE de Philippe Ramos

LA MEILLEURE UTILISATION DE LA 3D

LA GROTTE DES RÊVES PERDUS de Werner Herzog

LE SUCCES UN CHOUÏA EXAGERE

INTOUCHABLES d'Olivier Nakache et Eric Tolédano

LE PLUS BEAU PLAN

Le long travelling latéral de Michael Fassbender en train de faire son jogging dans les rues de New York dans SHAME de Steve McQueen

RETROUVEZ LES PALMARES 2010 et 2009.

Florilège de Noël

2011-12-21T11:25:00.003+01:00

LE HAVRE / A DANGEROUS METHOD / DES VENTS CONTRAIRES / LES BOLOSS / LES CRIMES DE SNOWTOWN / LE TABLEAU

Mon Cinématographe a fait un choix non exhaustif des films aux univers et aux styles très variés qui déferlent durant la période des fêtes.

Commençons par le long métrage d'Aki Kaurismäki, Le Havre, qui avait enchanté la Croisette en mai dernier. Le mélange d'humanisme et de poésie caractéristiques de l'oeuvre du cinéaste finlandais avait provoqué notre enthousiasme (voir Cannes Jours 6 à 8). Malheureusement, certains longs métrages supportent mal un revisionnage. En effet, revoir Le Havre provoque une désillusion aussi importante qu'était notre emballement initial. Pourquoi ce revirement ? En racontant la vie de Marcel Marx, cireur de chaussures de son état, protégeant un jeune africain clandestin de la police, Kaurismäki marque à nouveau son refus du réalisme, empruntant les codes du conte à sa manière personnelle, pimenté d'un humour absurde et d'un sens du décalage qui faisaient tout le prix de ses oeuvres antérieures. Cette fois, Kaurismäki prend la France comme pays d'adoption et Le Havre comme le théâtre d'un monde perdu où l'entraide et la solidarité sont les valeurs refuges.

Si le réalisateur occulte à l'image tout élément de modernité, n'hésitant pas à insérer une DS dans un plan et un vieux téléphone dans un autre, il nous parle cependant d'un problème très contemporain, le sort des clandestins et plus généralement de la politique de l'immigration. Le cinéaste oppose alors les méchants flics, les seuls à porter une tenue contemporaine, aux petites gens qui ressemblent trait pour trait aux vieilles cartes postales des années 50. Un manichéisme temporel qui trouve ses limites et pose de réels problèmes de fond. En effet, il se dégage du film un parfum passéiste qui n'est pas sans rappeler les films de Jean-Pierre Jeunet avec lequel, semble-t-il, on fait preuve de beaucoup moins d'indulgence. Et pourtant, le message véhiculé par Kaurismäki, qui nous dit que le passé était le temps de la fraternité contre la présupposée inhumanité d'ajourd'hui, personnifiée par le très réaliste reportage télé sur la fermeture de Sangatte et la voix-off glaciale du préfet, est caricaturale. Et le lunaire André Wilms, irrésistible avec ses répliques farfelues, ne doit pas sauver une imagerie qui nous fascinait dans les films finlandais mais qui là, une fois la première impression positive passée, reflète un regard sur notre monde assez déplaisant, amplifié par une approche volontairement nonchalante du sort des clandestins. Le rock de Little Bob et la nostalgie n'excusent pas tout.

David Cronenberg déroute. Le réalisateur de A history of violence a pris la psychanalyse comme sujet d'études de son nouveau long métrage A Dangerous Method, qui voit Car Jung s'éprendre de sa patiente Sabina Spielrein, au grand dam de Sigmond Freud qui ne voit pas cette relation d'un bon oeil. Elle finira par entraîner une brouille définitive entre les deux hommes.

Le cinéaste réalise un drame très beau plastiquement mais terriblement frustrant. Si le cinéaste fait montre d'un élégant classicisme, avec ses plans parfaitement composés, il semble avoir réduit son intrigue, écrite par Christophe Hampton (le scénariste des Liaisons dangereuses), à un pur débat d'idées, souvent passionnant et qui devrait ravir les experts en psychanalyse. Mais Cronenberg en oublie ses personnages. A la notable exception de Michael Fassbender qui apporte une discrète humanité à Carl Jung, les autres protagonistes existent peu ou mal. Keira Knightey joue l'hystérie dans un pénible numéro de grimaces qui, heureusement, s'estompera au fur et à mesure du récit. Quant à Viggo Mortensen, son interprétation pleine de distance vide Freud de toute substance émotionnelle. Une distance que semble avoir suivie à la lettre David Cronenberg qui nous propose un objet glacé, parfois fascinant mais qui manque de chair. Son sujet plein de souffre et de complexité, opposant la sexualité au mysticisme, aurait mérité un traitement moins... cérébral.

Le premier film de Jalil Lespert, 24 mesures, ne nous avait pas convaincu. Des Vents contraires possède en revanche de réelles qualités qui nous font croire au potentiel du jeune réalisateur. S'inspirant du roman d'Olivier Adam, il raconte le long retour à la vie de Paul (Benoît Magimel) qui part s'installer à St Malo avec ses enfants un an après la disparition inexpliquée de sa femme (Audrey Tautou). Des rencontres inattendues vont donner à ce nouveau départ une tournure qu'il n'imaginait pas.

Une sensibilité parcourt tout le film rythmé par les vents bretons et le bruit du ressac. Une atmosphère tempétueuse mais sereine qui est en contradiction avec l'état intérieur de Paul, un personnage difficile à cerner auquel Benoît Magimel apporte une belle intensité. Le comédien, peu gâté ces dernières années, retrouve enfin un rôle à sa mesure. Il joue superbement sur le fil de l'émotion réfrénée qui peut exploser à tout moment. Ses partenaires autour de lui (Isabelle Carré, Antoine Duléry, le toujours formidable Bouli Lanners) ne déméritent pas et apportent une belle cohérence à l'ensemble. Si le réalisateur cède un peu à la facilité dans la dernière partie, avec une résolution dramatique qui fait perdre tout le mystère à l'intrigue, il livre un film juste et lumineux sur le sentiment de perte et d'abandon que la tendre relation entre un père et ses enfants atténuera.

Si vous aimez l'humour régressif à base de pipi caca, Les Boloss est fait pour vous. Adaptant pour le grand écran la série culte britannique Inbetweeners, le film suit quatre adolescents boutonneux partis en vacances en Crète et ne pensant qu'à une seule chose, le sexe. Le film a le mérite de ringardiser tout ce qu'on a pu voir en comédie pour ados (American Pie notamment) en enfonçant les portes du mauvais goût avec un plaisir communicatif. C'est souvent très drôle, parfois débile, un brin vulgaire mais cela vous détend franchement les zygomatiques. Au milieu des sombres sorties de ce début hivernal, voilà une comédie potache particulièrement jubilatoire.

Changement radical d'univers avec Les crimes de Snowtown de Justin Kurzel. Inspiré d'une histoire vraie, il relate la parcours d'un tueur en série, le plus redoutable qu'ait connu l'Australie, terrorisant sa famille et prenant sous sa coupe son jeune beau-fils qui se rendra complice de ces horribles forfaits. Mention spéciale à la Semaine de la Critique et primé au festival de Valenciennes, le long métrage provoque un malaise palpable. Le regard ambigu du cinéaste sur ce qu'il filme, sans réel point de vue, pose question. Une interrogation sur la transmission de la violence filmée crûment, souvent à la limite du supportable, non pas dans ce qui est montré mais dans ce qui est suggéré. Après le saisissant Animal Kingdom, un nouveau cinéaste australien est né. Malgré son indéniable talent, la complaisance qu'il affiche par moments nous empêche de véritablement adhérer à ce film provoquant et discutable.

Enfin, un Noël sans film d'animation ne serait pas complet. Jean-François Laguionie nous propose un étonnant voyage dans Le Tableau. Au coeur d'une toile inachevée, les Toupins, créatures entièrement peintes, règnent dans un château où sont rejetés les Pasfinis et les Reufs. Persuadés que seul le peintre peut ramener l'harmonie en finissant le tableau, Ramo, Lola et plume décident de partir à sa recherche.

Le film est une intelligente dénonciation du racisme et du rejet de l'autre autant qu'une ode à l'évasion. Parcourant les toiles au gré de leurs pérégrinations, les personnages découvrent des univers où se côtoient une armée napoléonienne, une muse alanguie et même l'autoportrait du peintre. Son absence pose d'ailleurs au spectateur de pertinentes questions sur le pouvoir de la création. Au milieu des films en en 3D, voilà une proposition originale qui, si elle demeure formellement un peu académique, devrait ravir les enfants comme les adultes.

Antoine Jullien

Box office 2011

2011-12-20T19:34:00.006+01:00

La fin d'année est le moment propice pour dresser un bilan des tendances de 2011 et scruter les succès et les échecs qui se sont multipliés ces dernières semaines.

Selon les chiffres publiés par le CNC, la fréquentation, après avoir connu une baisse au premier trimestre, connaît une hausse constante depuis le mois de juin. Sur les onze premiers mois de l'année, elle est passée de 187 millions de spectateurs en 2010 à plus de 191 millions en 2011. La part de marché des films français est estimée à 40 % sur cette même période (contre 36,5 % entre janvier et novembre 2010) et celle des films américains à 47,3 %.

Le cinéma français en pente douce

Notre cinéma hexagonal se porte donc plutôt bien grâce à deux mastodontes qui ont à eux seuls réunis plus de 20 millions d'entrées. Rien à déclarer de Dany Boon a totalisé 8,150 millions de spectateurs, soit trois fois moins que les Cht'is mais suffisamment pour s'arroger la deuxième place du box office 2011. Le grand gagnant est bien sûr Intouchables, qui, en franchissant la barre des 14 millions de spectateurs, devient le 4ème plus gros succès français de tous les temps et devrait d'ici peu dépasser Asterix et Obelix : Mission Cléopâtre. Un succès incroyable qui se confirme de semaine en semaine et qui laisse pantois (voir le billet d'humeur Intouchable).

De nombreux films français présentés et primés lors du dernier festival de Cannes ont trouvé les faveurs du public : Polisse (2 300 000 entrées), The Artist (1 500 000), La guerre est déclarée (850 000) et L'Exercice de l'état (plus de 400 000 entrées). D'autres, moins attendus, ont su tirer leur épingle du jeu comme Les femmes du 6ème étage (2 200 000 entrées) Case Départ (1 800 000) et le surprenant Tomboy (300 000). Quant à la guéguerre entre La Guerre des boutons d'un côté et La Nouvelle Guerre des boutons de l'autre, c'est presque un match nul : 1 450 000 entrées pour le premier contre 1 540 000 entrées pour le second.

Mais l'arbre ne doit pas cacher la forêt. De nombreux longs métrages français ont bu la tasse, à moyenne ou grande échelle. En l'espace de quelques semaines, c'est toute une génération d'acteurs-réalisateurs abonnés aux succès qui ont connu des échecs cuisants. Jean-Jacques Annaud subit avec Or Noir une nouvelle catastrophe industrielle (200 000 entrées), quatre ans après le bide mémorable de Sa Majesté Minor. Luc Besson, en s'attaquant à un sujet "adulte" dans The Lady, s'y est cassé les dents, connaissant le plus gros revers de sa carrière (400 000 entrées au compteur). Christian Clavier, lui, vient de faire une croix définitive sur sa carrière de comique et de réalisateur avec le flop monstrueux d'On ne choisit pas sa famille (350 000 entrées). Des personnalités qui semblent avoir fait leur temps, totalement déconnectées du cinéma actuel. Un revers qu'a subi également Mathieu Kassovitz, auteur pourtant d'un retour remarqué avec L'ordre et la morale qui n'a pas su attirer le public (150 000 entrées). Les échecs sont parfois injustes.

Au rang des bides retentissants, on peut citer également Philibert (60 000 entrées), The Prodigies (150 000), La ligne droite (80 000), R.I.F. (200 000) Le Moine (180 000) Les biens-aimés (250 000) ou Poulet aux prunes (250 000). Un bilan qui témoigne de la place fragile de notre cinéma national qui, dans le top 20 des plus gros succès de 2011, aligne seulement quatre longs métrages (Intouchables, Rien à déclarer, Polisse et Les femmes du 6ème étage).

Le cinéma yankee toujours leader

Le cinéma américain est en bonne forme, confirmant ses franchises à succès : Harry Potter et les reliques de la mort - 2ème partie (6 500 000 entrées), Pirates des caraïbes : La fontaine de jouvence ( 4 700 000), Twilight - Chapitre 4 (plus de 3 500 000), La Planète des singes - Origines (3 200 000), Transformers 3 (2 600 000) et Fast and Furious 5 (2 500 000). Cela n'a pas empêché certains blockbusters de se rétamer comme Green Lantern (à peine 800 000 entrées) et Cowboys & Envahisseurs (900 000).

L'animation, en revanche, a été un peu à la peine, aucun film à ce jour ne dépassant les 3 millions d'entrées. Cars 2 a déçu les attentes tout comme Rio et Rango qui n'ont pas atteint les scores escomptés. Quant à Tintin, son démarrage exceptionnel laissait augurer d'une carrière plus flamboyante mais ses 5 300 000 spectateurs font présager d'une suite.

Les grands auteurs ont toujours l'attention du public. Minuit à Paris est l'un des plus gros succès de Woody Allen en France (1 740 000 entrées) et Clint Eastwood séduit toujours autant (1 900 000 entrées pour Au-delà). Palme d'Or du festival de Cannes, The Tree of life a réussi à populariser Terrence Malick malgré une oeuvre quasi expérimentale (860 000 entrées). A la vue de son médiocre démarrage, Martin Scorsese ne devrait, lui, pas être à la fête avec Hugo Cabret qui ne rejoindra pas les derniers succès du réalisateur. Les plus jeunes générations de cinéastes ont également attirer le public, à voir les cartons de Black Swan de Darren Aronofsky (2 600 000 entrées) et du Discours d'un roi de Tom Hooper (3 000 000), le joli succès de Super 8 de J.J. Abrams (1 500 000) et l'intérêt manifeste pour Drive du danois Nicolas Winding Refn (1 500 000).

Les Européens retrouvent des couleurs

Le cinéma européen, justement, a connu des fortunes diverses mais plusieurs de ses grands cinéastes ont reconquis le public. Melancholia de Lars Von Trier (400 000 spectateurs) est le plus gros succès du réalisateur depuis Dancer in the Dark. Avec Habemus Papam (700 000 entrées), Nanni Moretti retrouve également les faveurs du public. Pedro Almodovar, lui, connaît un léger décrochage mais sa Piel Que Habito, insuffisamment soutenue par la critique, pouvait dérouter (700 000 spectateurs tout de même). Grâce à Pina, Wim Wenders a connu un regain d'intérêt inespéré (plus de 300 000 entrées), prouvant, après Buena Vista Social Club, que le genre documentaire lui réussi.

Mais le plus beau succès de cette année est sans conteste Une Séparation. Si le public français s'intéresse toujours aux cinématographies du monde entier (en témoigne le beau succès d'Il était une fois en Anatolie qui approche les 100 000 entrées), le triomphe du film d'Asghar Fahradi, plus de 900 000 entrées cumulées, a pris tout le monde de cours. La force qui s'en dégage, la puissance de la mise en scène et de l'interprétation ont touché les spectateurs qui lui ont accordé un magnifique accueil. Une exception, certes, mais qui redonne espoir en un cinéma exigeant et accessible qui a de plus en plus de difficultés à exister. Son succès est le plus beau cadeau de Noël que l'on pouvait espérer.

Antoine Jullien

Hugo Cabret

2011-12-14T18:59:00.003+01:00

Si Martin Scorsese avait donné l'impression ces dernières années de s'être fait engloutir par le système (voir la critique de Shutter Island), Hugo Cabret vient lui apporter un sérieux démenti. Les critiques étaient cependant légitimes à voir le réalisateur de Casino entreprendre un film pour enfants. En adaptant le roman de Brian Selznick, Scorsese n'a pas seulement livré un conte rondement mené, il a fait sa plus belle déclaration d'amour au cinéma dont il n'a eu de cesse, hier et aujourd'hui encore, d'en dénicher les pépites et restaurer les chefs d'oeuvres oubliés.

Dans le Paris des années 30, le jeune Hugo est un orphelin de douze ans qui vit dans une gare. De son père mort quelques temps plus tôt, il ne lui reste plus qu'un étrange automate dont il cherche la clé qui pourrait le faire fonctionner. En rencontrant Isabelle et le mystérieux Papa Georges, il va en percer le secret...

Ben Kingsley et Asa Butterfield

La 3D semblait à bout de souffle au coeur du blockbuster hollywoodien, incapable de prolonger le choc visuel que fut Avatar. Scorsese l'a utilisé non pas en grand connaisseur technique à la James Cameron (qui a d'ailleurs vanté publiquement les qualités du film) mais en découvreur qui a su trouver l'adéquation formelle idéale avec le cinéma de Georges Méliès. Car c'est bien de ce grand inventeur qu'il est avant tout question sous les traits d'un Ben Kingsley triste et désabusé qui, après avoir connu la gloire, connaîtra la ruine et, le pire pour un cinéaste, l'oubli.

L'hommage est bouleversant et atteint une dimension émotionnelle qu'on ne soupçonnait pas. Quand Hugo et Isabelle rentrent dans la chambre de Méliès et font tomber par mégarde sa valise remplie des dessins de tous ses films, l'histoire du cinématographe vole au-dessus de notre tête dans un merveilleux tourbillon d'images féériques. La scène, d'une beauté renversante, est aussi d'une cruauté terrible car elle signifie la mort artistique d'un homme pour qui le cinéma était toute sa vie. Un jumeau de Scorsese en somme qui a trouvé en Méliès un père de substitution.

Le spectacle est là, à l'écran, se déployant avec une maestria et une grâce inouïes. La caméra virevolte dans les recoins de la gare Montparnasse jusqu'aux toits enneigés d'un Paris fantasmé par un Scorsese qui se met toujours à hauteur d'enfant. Hugo, c'est aussi lui gamin qui a compensé ses problèmes de santé par l'évasion dans le septième art. Très inspiré, le réalisateur manie son récit avec une grande fluidité, accordant de l'importance à chaque personnage, du jeune Asa Butterfield qui apporte une vraie étrangeté à Hugo en passant par Sacha Baron Cohen en policier borné sans oublier la touchante Frances de la Tour qui interprète la femme de Méliès et qui fut, à l'époque, l'une de ses principales comédiennes.

Car Scorsese nous rappelle également les grandes étapes de la vie de Georges Méliès (s'éloignant parfois de la réalité historique), récréant même les tournages de ses films dans son studio de Montreuil. Petits et grands, cinéphiles ou néophytes, l'âme de l'enfance qui a tant porté le réalisateur du Voyage dans La Lune (voir l'interview de Serge Bromberg) devrait envahir votre coeur de spectateur. En signant l'une de ses oeuvres les plus personnelles, Martin Scorsese nous dit magnifiquement à quel point les faiseurs de rêve et les artisans de l'imaginaire sont importants dans nos vies et pourquoi ils nous font tant aimer le cinéma. Impossible de passer à côté d'un tel hommage.

Antoine Jullien

Retrouvez les photos du tournage d'Hugo Cabret ICI.

Interview de Serge Bromberg, réalisateur du Voyage Extraordinaire

2011-12-14T17:02:00.010+01:00

La Cinémathèque française vient de célébrer le 150ème anniversaire de la naissance de Georges Méliès. L'un des plus grands pionniers du septième art est doublement à l'honneur, à travers la restauration du Voyage dans La Lune et la sortie d'Hugo Cabret de Martin Scorsese.

A l'occasion de cette restauration, nous avons rencontré Serge Bromberg, directeur de la société Lobster et co-réalisateur avec Eric Lange du Voyage extraordinaire *, un documentaire ludique et pédagogique retraçant l'oeuvre de Georges Méliès et la genèse de la restauration du Voyage dans La Lune.

- Pouvez-vous nous expliquer comment vous avez procédé pour restaurer Le Voyage dans la Lune ?

Serge Bromberg : Cette restauration est avant tout le fruit d'un partenariat entre la Fondation Groupama Gan et la Fondation Technicolor, avec la collaboration des Archives du Film et de Madeleine Malthête-Méliès, la petite-fille de Georges Méliès. En 1999, nous avons procédé à un échange avec la Filmoteca Catalunya de Barcelone qui possédait une copie en couleur du Voyage dans la Lune. C'est cette copie, récupérée dans un état critique, que nous avons utilisée pour réaliser la restauration. Mais il manquait le dernier tableau. Pour compléter les quelques manques de la copie couleur, environ 7 à 8% du total, nous avons eu recours à la copie noir et blanc appartenant à Madeleine Malthête-Méliès, tirée du négatif original que l'on a recoloriée numériquement et un contretype, dit « Mauclair », qui avait servi pour la projection du gala Méliès en 1929. Cet assemblage a donné lieu à la version restaurée que l'on peut voir aujourd'hui.

Photogramme du Voyage dans La Lune avant restauration

- Méliès considérait lui-même que ce n'était pas son meilleur film alors que beaucoup le considèrent comme son chef d'oeuvre. Pourquoi Le Voyage dans La Lune a-t-il tant marqué les esprits ?

Le phénonème du Voyage dans La Lune n'est pas du à Méliès, Le Royaume des Fées ou Robinson Crusoé sont pour moi plus intéressants. C'est un phénomène en terme de public. Il s'agit du premier blockbuster de l'histoire du cinéma, un film qui reste dans les mémoires grâce à l'image de l'obus dans l'oeil de la Lune.

- Alors que l'on peut voir le film en copie numérique avec une nouvelle bande originale, comment était-il projeté en 1902 ?

En 1902, il n'y avait ni générique de début, ni générique de fin, ni intertitres. A l'origine, le film ne bénéficiait pas d'une recommandation musicale. Méliès vendait les copies de ses films et l'exploitant était libre de choisir la musique qu'il voulait. Pour aider l'exploitant, Méliès lui donnait la copie avec le boniment qu'il était libre d'utiliser ou non. Le principe était le suivant : une personne se plaçait à côté de l'écran et lisait le texte qui racontait l'histoire.

- Les copies du film étaient-elles diffusées en couleur ou en noir et blanc ?

Officiellement, Le Voyage dans la Lune n'était pas proposé avec un coloriage ¹. Pourtant, on l'a retrouvé colorié. Le coloriage était fait « à façon », c'est à dire qu'un client venait et demandait à Méliès un film colorié. Pour une seule copie en couleur, on peut penser qu'une cinquantaine était fabriquée en noir et blanc. Le film a du être projeté dans son immense majorité en noir et blanc car s'il y avait eu beaucoup de copies en couleur, on en aurait retrouvé plus. Il n'existe aujourd'hui qu'une seule copie d'origine en couleur connue, la nôtre, celle trouvée à Barcelone. Une anecdote à ce propos est intéressante. En 1929, Mauclair veut projeter Le Voyage dans La Lune dans le cadre du gala Méliès donné à la salle Pleyel. Il ne retrouve qu'une seule copie pleine de défauts, incomplète, techniquement incompatible avec les projecteurs modernes et dont il manque la première séquence qui dure plus de deux minutes. Cette copie, qui existe en 1929 mais dont on ne sait plus rien, est en couleur car on voit des traces de coloriage sur le noir et blanc du contretype. A partir de cette copie et avec les moyens rudimentaires de l'époque, il va fabriquer ce contretype (un internégatif noir et blanc, le seul système disponible à l'époque) dont il va tirer une copie neuve noir et blanc, techniquement compatible. Pour lui redonner un peu de lustre, Mauclair va la teinter de manière assez primitive, prenant son pinceau pour colorier les rares effets spectaculaires et les explosions. Aujourd'hui, la famille Méliès a récupéré cette copie produite quinze ans après la fin de la carrière de Méliès, prétendant qu'il s'agit d'une copie coloriée du film alors que ce n'est évidemment pas une copie authentique ni une copie coloriée comme l'aurait fait Méliès au temps de sa gloire. Je tiens à faire cette précision car dans le DVD ** co-édité par Studio Canal et la Cinémathèque, il est indiqué qu'il s'agit du Voyage dans La Lune en couleur. Ce n'est absolument pas le cas et entretenir ainsi la confusion n'est pas très glorieux.

Photogramme du Voyage dans La Lune restauré

- On découvre avec stupéfaction que le Voyage dans La Lune est le premier film piraté de l'histoire du cinéma.

Il a été piraté parce qu'il avait du succès. Plusieurs personnes ont récupéré des copies du film, en ont fait des négatifs pirates et les ont envoyés aux USA. Sur une copie américaine du Voyage dans La Lune, William Zelig a rajouté un titre qui était Le Voyage sur Mars. Il distribuait le boniment anglais écrit par Méliès, ne se donnant même pas la peine de changer le mot Lune par Mars ! Il faut bien se rendre compte qu'à l'époque, le cinéma, c'était le western ! Il n'y avait pas de salles de cinéma, pas de remontées de royalties, pas d'organisation, rien. C'était « Règlements de comptes à Méliès choral! ».

- On célèbre le 150 anniversaire de la mort de Méliès. Quel fut l'impact de son oeuvre dans le cinéma mondial et sur les cinéastes ?

Méliès n'est plus une référence en matière de spectacle mais sa curiosité et son ouverture d'esprit fascinent toujours autant. Il avait cette capacité de faire de son rêve une réalité cinématographique que bon nombre nous envie aujourd'hui. Michel Gondry, Georges Lucas, Steven Spielberg ou Tim Burton sont des cinéastes qui ont leurs rêves, qui sont dans leur monde et sont donc en ce sens des héritiers de Georges Méliès. Leur imagination est débridée. Ils sont libres, comme Méliès en son temps.

- Outre ses nombreuses trouvailles visuelles et trucages, on lui doit d'être l'inventeur de l'industrie cinématographique telle qu'on la connaît aujourd'hui, concevant le premier studio entièrement équipé et la première structure dédiée au cinéma, la Star Film. Avait-il conscience de son rôle de précurseur ?

Les premiers qui ont réalisé des « films à trucs » étaient les premiers qui réalisaient « des films à trucs », je ne pense pas qu'il réfléchissait comme ça. Méliès était d'abord un magicien, il a poussé cette magie plus loin grâce aux moyens du cinéma même si cinématographiquement ses films étaient relativement pauvres : un seul axe, une scène de six mètres de large, pas de découpage technique, des tableaux qui s'enchaînaient... Il invente le premier studio parce qu'il en avait besoin et le fit construire aux mêmes dimensions que le théâtre Robert Houdin ². C'était un inventeur à l'intérieur d'un univers qu'il connaissait. Il prenait ce qu'il avait et il créait un monde magique qui parle à notre coeur d'enfant, c'est pour cette raison qu'il devrait séduire les jeunes générations de spectateurs. Quand on devient adulte, on devient plus raisonnable et on se censure contrairement à Méliès qui était resté un enfant, ce qui lui a permis de devenir le premier inventeur magicien du cinéma et qu'il a mené à être l'un des premiers industriels de la profession.

Georges Méliès, image extraite du documentaire Le Voyage extraordinaire

- Pourquoi Méliès finit-il ruiné, terminant sa vie dans un magasin de jouets de la gare Montparnasse ?

Les affaires vont mal dès la fin des années 1900. Il ne tourne pratiquement plus puis il recommence en 1911 grâce à l'argent de Pathé. Mais son dernier film, Le Voyage de la famille Bourrichon, est un échec. Quand le public demandait du Méliès, il était le roi du monde mais au moment où il a voulu voir autre chose, Méliès n'a pas su s'adapter et a finit par lasser les spectateurs. Au début des années 1910, de grands boulversements surviennent. C'est l'apparition des premières actualités cinématographiques et surtout celle des vedettes. Il n'y avait pas de vedettes au temps des débuts de Méliès mais Max Linder puis Charlie Chaplin vont créer le star-systeme dont Méliès n'a pas su prendre le train en marche. Dans un moment d'amertume, il finira même par brûler tous ses films à son studio de Montreuil. Malheureusement, la Cinémathèque n'existait pas encore !

- Sur les 500 courts métrages estimés, combien sont-ils sauvegardés ?

On considére aujourd'hui qu'il y a entre 200 et 220 films qui ont survécu dans leur totalité ou partiellement. Il y a donc 300 films qui ont disparu. Une pellicule nitrate ayant une durée de vie relativement courte, cent ans maximum, les chances de retrouver des films de Méliès sont donc minimes. Mais le vieil adage dit : « Il n'y a pas de films perdus, il n'y a que des gens mal informés ». ll existe peut-être encore quelques trésors cachés !

- Pourquoi avez-vous fait appel au groupe Air pour la bande originale ?

La réalisation d'une nouvelle version musicale faisait partit de l'ADN du projet depuis le départ. C'est Nicolas Saada et Olivier Assayas qui nous ont proposé le groupe Air et j'ai suivi le premier choix des fondations Groupama-Gan (Gilles Duval) et Technicolor (Séverine Wemaere) qui ont été très vite enthousiastes. J'apprécie beaucoup cette musique, elle nous transporte vers un nouveau voyage. Je pense qu'elle va beaucoup contribuer à la diffusion du film auprès d'un jeune public. On ne peut pas prétendre que la version de Air ou les versions antérieures sont la version absolue. La liberté que laissait Méliès en 1902 doit, en 2011, nous amener à faire de l'oeuvre de Méliès une oeuvre très contemporaine. Le Voyage dans La Lune se transforme ainsi en opéra rock très électro et on prend soudain conscience de sa modernité. Nicolas Gaudin et Jean-Benoît Dunckel, les compositeurs, me rappelaient récemment que les acteurs qui jouaient dans Le Voyage dans La Lune étaient plus jeunes que nous tous réunis, le film est donc une oeuvre de jeunesse.

Photogramme du Voyage dans La Lune restauré

- Quel est votre regard sur Hugo Cabret qui sort le même jour que votre film ?

Martin Scorsese a suivi avec attention notre projet de restauration du Voyage dans La Lune, nous envoyant une lettre extrêmement touchante. Je me réjouis de la sortie d'Hugo Cabret qui va permettre de raviver l'esprit de Georges Méliès et de le replacer en haut de l'affiche. Scorsese a utilisé de nombreux extraits des oeuvres de Méliès provenant de la collection Lobster. Le film est un éblouissement, il va ravir les petits et grands. Les images de Méliès (interprété par Ben Kingsley) montrées dans Hugo Cabret et les reconstitutions de ses tournages en 1904 sont littéralement stupéfiantes. Au risque de paraître passéiste, les deux films les plus éblouissants que j'ai vu cette année sont The Artist de Michel Hazavanicius et Hugo Cabret qui conclut l'année cinématographique par un feu d'artifice de couleurs et de 3D d'une intelligence et d'une beauté remarquables. Je m'en doutais : Méliès est bien vivant !

Propos recueillis par Antoine Jullien

* Le Voyage extraordinaire suivi du Voyage dans La Lune, en salles le 14 décembre.

** Le coffret de 3 DVD A la conquête du cinématographe est disponible chez Studio Canal et Georges Méliès, le premier magicien du cinéma, un coffret de 6 DVD rassemblant 200 films est édité chez Lobster.

¹ Le procédé de coloriage le plus courant était fait au pinceau, consistant à peindre à la main, avec un pinceau ou une brosse, des couleurs à l'aniline sur des pellicules positives, image par image.
² Théâtre de magie que Méliès acheta en 1888 et où il créa l'Académie de Prestidigitation.

LE VOYAGE EXTRAORDINAIRE suivi de LE VOYAGE DANS... par MK2diffusion

Carnage

2011-12-13T17:37:00.003+01:00

Roman Polanski aime surprendre. Bien qu'il soit un adepte des huis-clos étouffants, on ne l'attendait pas dans l'adaptation de la pièce de Yasmina Reza, Le Dieu du Carnage. La vision désenchantée et corrosive du cinéaste allait-elle se fondre avec la plume acerbe de la dramaturge ? La réponse est dans ce réjouissant jeu de massacre qui ne restera pourtant pas dans les mémoires.

Dans un jardin public, un enfant en blesse un autre. Les parents de la "victime" demandent à s'expliquer avec les parents du "coupable". Les échanges cordiaux du début laisse place progressivement à l'affrontement.

John C. Reilly, Jodie Foster, Christoph Waltz, Kate Winslet et Roman Polanski

Le réalisateur du grandiose The Ghost Writer a choisi de rester fidèle à la pièce, en respectant scrupuleusement son principe : un décor unique raconté en temps réel. Grâce à sa mise en scène hors-pair, le cinéaste sait se jouer des contraintes, isolant ses personnages quand la situation l'exige ou les réunissant dans son cadre lors du règlement de comptes final. Il n'essaye pas de parasiter son dispositif par des effets stylistiques inutiles mais fait pleinement confiance à sa rigueur de réalisateur pour poser sa caméra là où il faut. Reproduisant avec sa maniaquerie coutumière un appartement cossu de New York (le film a été tourné dans les studios de Bry-Sur-Marne), il va le transformer peu à peu en révélateur de la médiocrité des personnages.

Pour les incarner, Polanski a choisi quatre comédiens au diapason : Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly et Christoph Walz. Cette "troupe" trouve une cohérence et une justesse qui atteint sa plénitude pendant le premier tiers du film, un concours d'hypocrisie et de fausses amabilités où les sourires de façade masquent des idées moins avouables. Dès lors que le carnage du titre prend toute la place, l'hystérie domine et envahit le jeu des comédiens, notamment celui de Jodie Foster, trop caricaturale. Christoph Waltz, lui, gardera son cynisme affable et délectable de bout en bout.

Si l'épilogue voulu par le cinéaste diffère de la pièce, il donne au film une tonalité bien dérisoire. La bataille à laquelle se sont livrés ces deux couples n'en valait pas la peine, semble nous dire le cinéaste. En cela, il s'éloigne de la noirceur attendue et se contente de brocarder le vernis bourgeois, sa bien-pensance et son côté prétendument civilisé. Si le spectacle est plaisant à regarder, il laisse un goût un peu amer. Comme si le réalisateur n'avait pas souhaité allé plus loin que les répliques vachardes servies par Yasmina Reza, filmant ce théâtre de dupes en observateur ironique et distant. Un Polanski, même mineur, ne peut certes pas se refuser mais on regrettera que, cette fois, le cinéaste ne nous ait pas conquis.

Antoine Jullien

Rétrospective Clint Eastwood

2011-12-12T15:06:00.014+01:00

La Cinémathèque française entame un cycle consacré aux récits américains. Avant Steven Spielberg et Robert Altman, c'est Clint Eastwood qui est à l'honneur. Dernier géant du cinéma américain, il a su créer sa propre légende, d'abord en tant que comédien chez Sergio Leone et Don Siegel puis comme cinéaste au début des années 70. Jugé réactionnaire par une grande partie de la critique après la sortie de L'inspecteur Harry, Clint Eastwood ne cessera de jouer avec son image qu'il malmènera avec brio jusqu'au crépusculaire Gran Torino.

Million Dollar Baby (2004)

A plus de quatre-vingt ans, l'homme garde sa vitalité créative intacte et l'on attend avec impatience la sortie de son trente-deuxième long métrage, J. Edgar sur la vie de l'une des figures les plus controversées de l'histoire américaine (voir News). Une histoire qu'Eastwood aura raconté à sa manière, prenant son genre de prédilection, le western, dont il réalisera plusieurs variations contemporaines. La contamination de la violence sera l'un des thèmes majeurs de sa filmographie, d'Impitoyable à Mystic River en passant par son diptyque sur la bataille d'Iwo Jima dont il montra tour à tour les points de vue américain puis japonais, ce qu'aucun autre cinéaste n'avait entrepris.

Impitoyable (1992)

Si le réalisateur a longtemps alterné entre films de commande et oeuvres plus personnelles, il ne semble aujourd'hui plus lié à aucun diktat commercial, avant tout déterminé à filmer des histoires qui le touchent et l'interpellent. Une intégrité et une liberté artistique que bon nombre à Hollywood peuvent lui envier et qui font de lui un véritable seigneur. Cette rétrospective est une manière aussi de se replonger dans la richesse d'une oeuvre pléthorique et atypique, s'emparant de tous les genres avec un classicisme inimitable.

Rétrospective intégrale Clint Eastwood à la Cinémathèque française du 9 décembre au 12 janvier 2012.
Renseignements : http://www.cinematheque.fr/

Shame

2011-12-07T19:52:00.007+01:00

Il y a des films. Des bons. Des mauvais. Et puis il en existe quelques-uns qui peuvent chambouler vos habitudes de cinéphile assidu. Shame est de ceux-là, qui vous hante durablement. Steve McQueen n'en a peut-être pas conscience mais il vient de réaliser le fracassant portrait de l'homme moderne du 21ème siècle. Fascinant, déplaisant, imperméable aux émotions, l'intense Michael Fassbender l'incarne dans toute sa crudité. Le comédien, indiscutable prix d'interprétation du festival de Venise, électrise le film de la première à la dernière image.

Brandon est un trentenaire new-yorkais vivant seul et travaillant beaucoup. Son quotidien est dévoré par son obsession pour le sexe. Quand sa soeur Sissy, chanteuse un peu paumée, arrive sans prévenir pour s'installer dans son appartement, Brandon va avoir de plus en plus de mal à dissimuler sa vraie vie.

Michael Fassbender

Après le choc extrême que fut Hunger sur le combat de l'activiste irlandais Bobby Sands, les espoirs placés en Steve McQueen étaient immenses. On dit souvent que le deuxième film est plus difficile à faire que le premier et la tâche était particulièrement ardue tant Hunger avait impressionné par la puissance sidérante de sa mise en scène et l'interprétation à fleur de peau de Michael Fassbender dont c'était le premier rôle majeur. Shame confirme définitivement que Steve McQueen fait partie des plus grands cinéastes actuels. Au lieu de rejouer une partition identique où l'inventivité visuelle était le "la" dominant, le cinéaste a eu le suprême talent d'adapter sa mise en scène à son sujet. Méthodique, la caméra du réalisateur scrute le quotidien de Brandon dans ses incessants rituels : Brandon se lève, va aux toilettes, prend sa douche, sort pour aller travailler, se masturbe dans les toilettes de son bureau, revient chez lui, se masturbe à nouveau devant l'écran de son ordinateur avant d'allouer les services d'une prostituée. Sans jugement, le cinéaste nous montre la vie de Brandon telle qu'elle est. Une vie de plaisir, de souffrance et d'abandon.

L'arrivée de sa soeur, la touchante Carey Mulligan, va exacerber ce mal-être. Les deux personnages sont unis par la même peur du vide et ne peuvent que s'accrocher l'un à l'autre. Dans ce New-York indéfini où tous les excès semblent permis, y compris de faire l'amour à la vue de tous, McQueen nous dévoile des personnages qui nous ressemblent, de près ou de loin. La liberté dans laquelle ils baignent n'est en réalité qu'un leurre. Rarement un cinéaste n'aura montré avec autant d'acuité une société cadenassée par ses apparences et par le rôle que l'on veut bien y jouer. Un théâtre de dupes qui s'arrête soudain lorsque la soeur de Brandon entonne la chanson "New-York New York". La voix caressante de Carrey Mulligan donne à ce standard un air inédit et enveloppe le spectateur dans une superbe étreinte d'où ressort une émotion imcomparable. Les larmes de Michael Fassbender se mêlent avec celles du spectateur saisit par ce moment magique.

Michael Fassbender et Carey Mulligan

L'aspect froid et clinique du film ne réfrènent pas l'émotion, il en accentue sa portée car il révèle l'état de prisonnier dans lequel se trouve Brandon. Si Bobby Sands utilisait son corps comme une arme politique, Brandon tente de le consommer afin d'oublier la souffrance de son âme. La scène où il fait l'amour à deux femmes inconnues est filmée dans une lumière ouatée, les floues rendants presque abstraits la douleur véritable du personnage qui ne devient plus alors qu'une simple machine à jouir.

Cependant, on ne trouve aucune trace de moralisme chez Steve McQueen. S'il montre un homme qui fuit les sentiments lors de deux séquences magnifiques, l'une dans un restaurant où la caméra se rapproche imperceptiblement des visages de Fassbender et de la femme qui l'accompagne, et l'autre dans une chambre d'hôtel aux vitres béantes, il ne propose ni rédemption ni condamnation. D'où naît la honte ? Sa soeur lui dit que le problème n'est pas ce que l'on est mais d'où l'on vient. On ne connaîtra jamais les origines de Brandon. L'homme est si ambivalent qu'il termine sa trajectoire dans une rame de métro. Pour s'enfoncer dans sa névrose ou l'abandonner pour de bon ? La réflexion se poursuivra longtemps et ne cessera d'habiter un grand film bouleversant et incontournable rythmé par la respiration saccadée de Brandon résonnant indéfiniment à nos oreilles.

Antoine Jullien

Dernière séance

2011-12-07T17:46:00.003+01:00

Laurent Achard s'est vu proposer la réalisation d'un long métrage s'inscrivant dans la programmation French Frayeur de Canal Plus, soit des films d'horreur à petit budget et dans un temps de tournage limité. Malgré plusieurs tentatives ces dernières années, le genre reste moribond en France. Achard a choisi d'en reprendre certains codes afin d'évoquer sa passion du cinéma. Une démarche authentique, personnelle mais inaboutie.

Un jeune homme, Sylvain, a dédié sa vie à un cinéma de quartier condamné à disparaître. Il habite au sous-sol de la salle dont il est à la fois le programmateur, projectionniste et caissier. Chaque nuit, après la dernière séance, il sort pour un rituel meurtrier...

On se croirait dans un temps suspendu. Ce cinéma de province filmé par Laurent Achard semble être perdu dans un espace-temps irréel où l'on projette French Cancan de Renoir la veille et Last Days de Gus Van Sant le lendemain. Une approche intéressante car elle ne contextualise rien et permet au réalisateur de dérouler son récit sans les contraintes de la vraisemblance. Ainsi, ce projectionniste tueur n'est jamais inquiété par la police ni par les témoins de ses crimes. Une situation hautement improbable que Laurent Achard prend comme un atout. Il en résulte une atmosphère vaguement angoissante, typique du cinéma italien des années 60-70, celui de l'âge d'or des giallo de Dario Argento et Mario Bava.

Pascal Cervo

Le cinéaste en reprend d'ailleurs certains archétypes, comme celui de montrer un tueur à l'arme blanche et un trauma familial qui pourrait expliquer la pathologie de l'assassin. Les meurtres sont la plupart filmés hors champ, le cinéaste se concentrant rigoureusement sur son personnage qu'il ne quitte pas des yeux, l'isolant à plusieurs reprises dans des décors aux teintes expressionnistes. La démarche gauche et le timbre de voix mal assuré de l'acteur Pascal Cervo apporte à Sylvain une maladresse sympathique qui en ferait presque oublier la violence de ces forfaits. Avant que son regard perturbant nous ramène très vite à la vraie nature du jeune homme.

Malgré tout, la distanciation avec le réel pose des problèmes de crédibilité et l'on ne croit pas toujours à ce que l'on voit à l'écran. Les flashbacks sur la mère castratrice ne sont guère plus convaincants et alourdissent considérablement la portée du film de même que ces références trop appuyées aux longs métrages que le jeune homme admire. Quant aux oreilles de ses victimes accrochées aux photos de vedettes de cinéma, elles ne font que ridiculiser le personnage.

Mais la mort du cinéma reste la métaphore la plus prégnante du métrage. Une vision mortifère où la salle devient le tombeau de tous les fantasmes cinéphiliques, l'expression des pulsions les plus refoulées. Si la force et la magie du septième art se manifestent à travers des extraits de French Cancan et Femmes de Paul Vecchiali, la dernière séquence tend vers la facilité morbide. L'auteur considère alors la cinéphilie comme un territoire nourri de déviance et d'abandon, un point de vue très discutable qui nous laisse de marbre.

Antoine Jullien

Le Samouraï en Blu-Ray et DVD

2011-12-07T12:38:00.001+01:00

"Il n'y a pas de plus profonde solitude que celle d'un samouraï, si ce n'est celle d'un tigre dans la jungle... peut être." Cette citation tirée du Bushido japonais est mise en exergue dès l'ouverture du Samouraï et contaminera le reste du film. Le diamant noir de Jean-Pierre Melville sort aujourd'hui dans une belle édition Blu-ray et DVD* que l'on aurait souhaitée un peu plus gourmande en suppléments.

Le principal bonus de cette édition, intitulé "Melville-Delon : de l'honneur à la nuit", fait intervenir les neveux du cinéaste, Laurent Grousset et Rémy Grumbach, le journaliste Rui Nogueira, auteur du livre "Le Cinéma selon Melville"** et le réalisateur Volkor Schlondorff qui fut l'assistant de Melville. Ils reviennent longuement sur l'amitié profonde entre Jean-Pierre Melville et Alain Delon et le lien particulier qui les unissait. Lorsque le réalisateur lut le scénario du Samouraï à la star, celle-ci, séduite par l'absence de dialogues au bout des dix premières minutes, accepta immédiatement. Le début d'une riche collaboration qui accouchera du Cercle Rouge en 1970 et Un Flic deux ans plus tard.

Les intervenants de ce documentaire évoquent également l'obsession du détail chère au cinéaste au Stetson et en particulier le maniement du chapeau que porte Delon et qui pouvait donner lieu à des dizaines de prises. Son rapport trouble avec le milieu des gangsters est brièvement traité comme sa vision unique d'un Paris nocturne et mystérieux. Plusieurs citations de Melville émaillent le documentaire dont celle-ci qui résume bien l'état d'esprit du cinéaste : " Un professionnel, plus il vieillit, plus il devient classique, plus il a envie de respecter la forme. S'il ne le fait pas, c'est que ce n'est pas un professionnel".

On regrettera l'absence d'Alain Delon dont on peut tout de même voir une interview réalisée par Pierre Tchernia lors de la sortie du film, en 1967. Irrésistible mais frisant l'arrogance, l'acteur semble déjà conscient de l'impact de Melville sur sa filmographie, déclarant que Le Samouraï est "un film d'auteur, une date importante dans ma carrière." On peut aussi découvrir un reportage pris sur le tournage du film qui nous montre un Melville dissertant sur son oeuvre, opposant la mode de la vraisemblance (une pique à la Nouvelle Vague ?) au "spectacle poétique" de ses films.

Un livret de 32 pages rédigé par le critique Jean-Baptiste Thoret revenant sur la genèse du film, ses thèmes et son influence sur le cinéma contemporain ainsi que la bande-annonce d'époque (avec une voix-off à la limite du ridicule !) complètent cette édition.

Revoir Le Samouraï montre à quel point Jean-Pierre Melville a su réinventer le cinéma policier français. Son aspect très méthodique, son absence totale de psychologie, son atmosphère bleu acier et son humour à froid font du Samouraï un film rare qui garde intact son pouvoir de fascination plus de quarante ans après. Le regard inoubliable d'Alain Delon, mythifié à jamais pour son interprétation de Jef Costello, a beaucoup contribué au culte que lui voue aujourd'hui des générations de cinéastes, de Scorsese à Tarantino en passant par John Woo. Melville disait de Costello "qu'il domine la mort car il n'est pas encore subjugué par elle". Sur la magnifique partition de François De Roubaix, le cinéaste filme l'inévitable destinée mortifère de son personnage, hantant désormais le panthéon des plus mémorables anti-héros de l'histoire du cinéma.

Antoine Jullien

* Le Samouraï disponible en Blu-ray et DVD chez Pathé Distribution
** Le Cinéma selon Melville édité aux Cahiers du Cinéma

Festival Kinopolska

2011-12-07T11:08:00.002+01:00

Créé en 2008, le festival Kinopolska est voué à promouvoir le cinéma polonais en France. Pour sa quatrième édition, la manifestation célèbre le septième art polonais en se plaçant sous le signe du Festival de Cannes.

Sept films majeurs de cinéastes couronnés sur la Croisette seront projetés, dont ceux de Krzysztof Kieslowski, Jerzy Skolimowski, Andrezj Wajda et Roman Polanski. Parmi ces prestigieux cinéastes, certains viendront rencontrer le public lors de masterclass.

La manifestation donne aussi l'occasion de découvrir une sélection de fictions contemporaines qui figurent dans une compétition officielle dont le jury est présidé cette année par le réalisateur Andrezj Zulawski.

Un grand week-end dédié à l'animation, de nombreux courts métrages, quatre longs métrages consacrés à la vie des polonais sous le régime communiste complètent cette programmation.

Festival Kinopolska du 7 au 13 décembre au cinéma Le Reflet Médicis, à Paris.

La manifestation s'implantera en 2012 dans plusieurs grandes villes françaises.

Renseignements : 01.43.54.42.34 ou www.institutpolonais.fr

Donoma

2011-11-30T17:27:00.002+01:00

Il ne suffit pas de vouloir, encore faut-il avoir quelque chose à dire. Avec Donoma, son premier long métrage, Djinn Carrénard confirme que la débrouillardise et le système D doivent nécessairement s'accommoder d'un minimum de talent et d'invention. Avec un sens très sûr de la formule, affirmant que son film n'a coûté que 150 euros, il a réussi à provoquer un véritable buzz sans les moyens habituels de la production cinématographique. Il vient surtout de faire souffler un vent de liberté dont notre cinéma hexagonal a bien besoin.

Trois histoires de couples. Une enseignante s'engage dans une relation ambiguë avec l'un de ses élèves. Une jeune femme décide de sortir avec le premier homme venu. Une autre, agnostique, va être amenée à se poser des questions sur la religion chrétienne. Toutes ces histoires trouvent une symbolique dans le lever du soleil qui donne son nom au film : Donoma (Le jour est là).

Emilia Derou-Bernal

Muni de sa seule caméra, sans lumière ni autres artifices, Djinn Carrénard filme ces couples qui se font et se défont en malmenant brillamment les clichés. Le réalisateur parle de guérilla, ce sont en effet des affrontements que l'on voit à l'écran. Une prof qui manipule son élève avant de se faire manipuler à son tour, une femme qui joue avec un inconnu jusqu'à ce que le jeu lui devienne insupportable, le cinéaste retourne habilement les situations, transformant la victime de la veille en bourreau du lendemain. Une intensité qui va crescendo et qui renvoie à la réalité crue des rapports humains où le dominant et le dominé ne sont pas forcément ceux que l'on croit.

Salomé Blechmans

Une parade des sentiments qui touche profondément par la justesse des personnages. Les comédiens, tous stupéfiants, ne tombent pas dans l'improvisation gratuite qui, sous ses airs de "faire vrai", sonne terriblement creux. Le réalisateur les filme comme ils sont, sans fioritures, dans leur vérité propre. Violents, aimants, jaloux, lâches, misérables, généreux, ils sont tout cela à la fois au gré de séquences inégales qui auraient peut-être mérité d'être raccourcies au montage mais qui apportent une densité dramatique indéniable.

La qualité et la finesse du scénario ne doivent cependant pas entièrement excuser les faiblesses techniques qui sont à la fois l'atout et la limite du film. Si elles renvoient à une spontanéité qui correspond à l'ambiance souhaitée par le cinéaste, elles desservent aussi certaines séquences. On en viendrait même à conseiller au jeune réalisateur de prendre quelques cours de mise au point tant la médiocrité de celle-ci semble davantage due à des maladresses qu'à une réelle volonté artistique. Heureusement, l'essentiel est ailleurs. Avoir su réaliser un film choral sans les pièges inhérents au genre et traiter pertinemment de religion et des différents milieux sociaux prouvent qu'un vrai cinéaste est né, curieux et lucide sur le monde qui l'entoure. Souhaitons-lui une longue route.

Antoine Jullien

DONOMA : Bande Annonce courte par Donoma

The Lady

2011-11-30T09:39:00.003+01:00

Les films se suivent et puisent invariablement leur "inspiration" dans les histoires vraies. Pas une semaine sans qu'un long métrage proclame haut et fort son ancrage dans l'actualité comme s'il s'agissait forcément d'un gage de qualité. Luc Besson, roublard, a du se dire la même chose lorsqu'il reçut le script de The Lady des mains de Michelle Yeoh. La comédienne a convaincu le réalisateur de porter à l'écran le combat de l'opposante birmane Aung San Suu Kyi. Il aurait mieux fait de s'abstenir.

Le film raconte plus exactement l'histoire d'amour entre la résistante et le britannique Michael Arris (David Thewlis) nourrie de séparations, de retrouvailles, d'isolement et d'absence. Jugeant l'engagement de sa femme et sa lutte pour la démocratie plus importants que tout, l'homme ne cessera de la soutenir, jouant même un rôle déterminant dans sa reconnaissance internationale et dans l'attribution de son prix Nobel de la Paix.

Michelle Yeoh

Le prologue donne une bonne idée de la tonalité du métrage : un homme raconte à sa petite fille l'histoire de son pays. Au début, la Birmanie était une belle nation prospère avant que de méchants hommes ne viennent tout détruire. Ce cours d'écolier, Luc Besson va l'appliquer à la lettre. L'homme en question n'est autre que le père de Aung San Suu Kyi qui fut assassiné par les militaires en 1947. Grâce à lui, sa fille va poursuivre le combat de tout un peuple. Une telle introduction, désarmante de naïveté, le réalisateur la filme avec ses gros sabots habituels. Ralentis, musique envahissante, gros plans sur des vilains très vilains, toute l'artillerie du réalisateur est en marche. Et ne fait que commencer.

David Thewlis

Car la suite ne sera guère plus satisfaisante. Focalisant son récit sur la relation entre la combattante birmane et son mari, Luc Besson oublie totalement de nous parler des enjeux politiques et historiques. Sa représentation de la junte birmane est digne d'une mauvaise bande dessinée, filmée à gros traits sans la moindre nuance. Les protagonistes qui gravitent autour de notre couple de héros en sont réduits à de vagues silhouettes qui parlent le plus souvent anglais. Michelle Yeoh, qui espère tant décrocher l'Oscar pour son interprétation sobre comme il faut, ne daigne parler le birman que lors de grands discours enflammés. Luc Besson pousse le cynisme assez loin quand l'actrice demande à l'un des militaires birmans : "Parlez-vous l'anglais ?" Cette réplique suffit à résumer l'état d'esprit du cinéaste.

Le combat d'Aung San Suu Kiy est admirable. Face à la dictature et à la corruption de quelques hommes asservissant leur population dans un implacable bras de fer totalitaire, elle force l'admiration. Luc Besson n''était tout simplement pas le cinéaste approprié pour raconter une vie qui méritait tellement plus de hauteur de vue que la vision simpliste et idéalisée qu'il nous assène. Engoncé dans la révérence béate, il signe un film terriblement académique formellement qui le ramène au pire du cinéma mainstream, prenant le spectateur comme un enfant à qui on sert une soupe trop indigeste. Amnesty International se réjouit que le film soit "un hommage vibrant à une défenseure des droits humains emblématiques". Si le combat d'Aung San Suu Kiy y gagne en médiatisation, le cinéma, lui, perd sur toute la ligne.

Antoine Jullien