Montréalistement

L'art troublant de Winnie Truong

2014-11-26T13:14:00.000-05:00

Winnie Truong : Invisible/visible

1450 Dundas Street West, Toronto

jusqu'au 20 décembre

Winnie Truong, ))((, 2014
graphite sur Mylar, 30" X 24"

Ses jeunes filles au regard troublant et à la chevelure dangereuse avaient frappé mon imaginaire lors de la parution de la première édition de HB, ce magazine destiné au dessin. (voir ici). Difficile de dire si j’aimais le travail de Winnie Truong on non. Je trouvais ces dessins trop inquiétants pour les regarder très longtemps. Il y a une naïveté qu’apparente, qui ne trompe personne. Winnie Truong a un talent bien particulier.

Il me fallait voir pour vrai, mais là encore tout le mystère demeure. Sa nouvelle série Invisible/visible, présentée à la galerie Erin Stump Project à Toronto, confirme un immense talent technique. Au graphite et au pastel, elle réussi un travail lisse, sans aucune sorte de bavure qui doit demander un temps et une patience hors du commun. Rien ici de la gestuelle de l’artiste, de l’inspiration du moment, ici pas de tripes sur la table, ni dripping, de flaques ou de plaques. Un dessin raffiné et détaillé.

Winnie Truong, Equidistant, 2014
graphite sur papier, 80" X 50"

Winnie Truong nous offre un monde irréel, surréel, où les rose pastel, les bleus poudre savamment répandus masque un sujet beaucoup moins sucré. Ces nattes qui emprisonnent le visage, le sien en occurrence, ces cheveux tressés comme des clôtures de métal enferment le sujet. Parfois plus aquatiques, la chevelure semble avoir poussé de façon envahissante, comme un plante parasite qui étouffe son hôte. On peut certes y voir une métaphore sur la beauté et l’apparence qui trop souvent prennent le dessus sur le fond. Mais il y a plus. Il me semble que l’artiste nous parle ici d’idées, de la pensée qui est trop souvent empêchée, censurée, autant par soi que par l’Autre.

Winnie Truong, Here and There, 2014
graphite sur Mylar, 28" X 24"

Ce travail un peu gore mais qui s'appréhende presque avec un sourire fait partie d'un courant observé il y a quelques années à l'exposition Hey! modern art et pop culture à Paris. Le magazine existe toujours, il a aussi son blogue. Après avoir été vu dans HB, il ferait plaisir de voir le travail de Winnie Truong dans Hey!.* D'ici là, une œuvre de fausse douceur, de véritable pudeur s’offre aux regards jusqu’au 20 décembre prochain.

no.

* après quelques échanges sur Facebook avec l'artiste, j'apprends qu'elle a non seulement été dans la revue Hey! mais qu'elle faisait la couverture de la 13e édition de Hey! Faut croire que j'aurai dû cherche plus longtemps avant de publier, mais il faut aussi croire que je n'était pas trop dans le champs!

La planète Simon Boulerice

2014-11-24T15:18:00.001-05:00

Simon Boulerice : Le premier qui rira

Leméac éditeur, Montréal, 2014

Simon Boulerice
crédit photo : Karine Gonthier-Hyndman

Le dernier roman de Simon Boulerice démarre presque comme un roman à l’eau-de-rose et vire au drame dans son dernier droit. La misère humaine, la solitude, la quête de l’amour (sous toutes ses formes) y sont traités avec une fausse légèreté éblouissante et éclairante. Vieille âme que ce Simon Boulerice, je ne me complairai donc pas à vous répéter son âge ni le nombre de publications cette année seulement. Non, il est un, entier, mûr.

Mon vieux, tu m’as jeté sur une nouvelle planète* : la planète Boulerice.

Il y a l’auteur. Bon, le personnage qui est comme l’auteur, dramaturge. Ici, il a décidé de s’appeler Gabriel plutôt que Simon… Sa vie semble être une suite de succès sauf lorsqu’il s’agit de sa vie amoureuse. Il y a la madame un peu quétaine qui a une vie un peu plate. Alice travaille chez Tigre Géant et souffre de solitude et d’absence de vie dans sa vie. Et enfin le beau-garçon-parfait-de-rêve, Olivier, jeune étudiant en cinéma qui est intelligent, sexy sans le savoir, sportif et puceau. Il y a aussi une pièce de théâtre qui s’écrit tout au long du roman par Gabriel : Archie devra choisir. Cette pièce est aussi un personnage, d’une certaine façon. Mais il s’agit d’un personnage miroir qui n’interagit pas avec les autres, mais reflète leurs agissements. Comme prévu, les trois (rôles) principaux développeront quant à eux une intimité commune et surprenante, voire invraisemblable.

Il y a aussi tous ces personnages secondaires, truculents, que le lecteur arrive rapidement à cerner, à imaginer. Et le décor quotidien, un peu gris, mis à part les éventuels rideaux blancs avec un imprimé de cerises chez Gabriel. Et pourtant, voilà un roman coloré et baroque. Imagé, télégénique et cinématographique. Surtout cinématographique. Le forme qu’adopte ce roman est en fait bien peu littéraire. Si la lecture en est facilitée par l’habilité qu’a l’auteur à décrire avec précision les choses et les sentiments en quelques mots bien sentis, l’action elle, se voit en direct avec travellings et scènes au montage ciselé.

À la lecture de Le premier qui rira, on pourra invoquer Pedro Almodovar. Le cinéaste madrilène aux personnages colorés et aux destins tragico-comiques qui finissent toujours par s’entrecroiser. Chez Simon Boulerice les personnages sont aussi forts quoique moins hystériques, on est à Montréal pas à Madrid, mais les destins sont tout aussi tordus. Car oui, il y a de la folie, de la démesure dans cette histoire. Le roman est une œuvre de fiction, et si on ne veut pas écrire le courrier du cœur ou des chansons de Lynda Lemay, il faut sublimer le propos. Ce que Simon Boulerice fait à merveille. On pourra également comparer son écriture à celle de Michel Tremblay. Ils ont tous les deux commencé une prolifique carrière tôt dans leur vie, amoureux du théâtre, boulimiques de travail, ils ont construits un univers qui leur est propre.

Si on peut aujourd’hui comparer Simon Boulerice à certains bonzes, c’est justement parce qu’il a déjà une patte bien à lui, un style. Il a un langage personnel que ses lecteurs et spectateurs (puisqu’il écrit beaucoup pour le théâtre) reconnaissent, retrouvent avec plaisir. Comme on endosse un chandail chaud, on se retrouve dans l’univers de Simon Boulerice. Personnage attachant lui-même, il se décline maintenant dans ses clones, ses personnages ou ses enfants, appelez ça comme vous le voulez, qui peuplent sa planète, son monde. Un monde qui n’a pas fini de nous surprendre, de nous éblouir et de nous en apprendre sur la (sa) vie.

no.

*Le premier qui rira, Simon Boulerice, sur plein de pages différentes

20 ans de fraîcheurs, fraîcheurs de 20 ans

2014-11-18T14:42:00.001-05:00

Génération 2014

Ensemble contemporain de Montréal (ECM+)

Véronique Lacroix, direction

Marie-Pierre Brasset : cou_coupé, 2014

Alec Hall : Object Permanence, 2014

Anthony Tan : Ksana II, 2014

Evelin Ramon : Labyrinth of Light, 2014

Les musiciens de l'ECM+, Véronique Lacroix et les compositeurs
lors de leur séjour à Banff au début novembre

On rehausse les sourcils un peu. Quoi 20 ans déjà ? Oui, 20 ans de Génération, ce concours pour jeunes compositeurs qui offre la chance de briller et d’être brillant. Le rêve. Les quatre compositeurs choisis commencent à travailler six mois avant la tournée avec l’ensemble contemporain de Montréal (ECM+). Véronique Lacroix qui dirige l’ensemble avec feu et passion, les écoute et les guide au cours de ces premières sessions de travail qui se déroulent en partie devant public. Pour l’édition 2014 de Génération, ça se passait en mars dernier au conservatoire de musique de Montréal. Début novembre tous se sont retrouvés à Banff pour une session de travail et de préparation des quatre pièces. Et de Banff la tournée part pour neuf villes canadiennes. Le rêve pour tout compositeur. Avoir la possibilité de travailler et retravailler une œuvre avec un groupe de musiciens aguerris, et voir son œuvre interprétée neuf fois, dans des acoustiques différentes, devant des auditoires différents. Le concours est gagnant pour tous : compositeurs, musiciens et publics. Les musiciens y sont à leur meilleur, ayant eu vraiment le temps de travailler les œuvres, même les plus difficiles. Le public reçoit donc le mieux du meilleur des mondes. Les compositeurs peuvent quant à eux recevoir un prix du public, attribué par vote et, nouveauté, un prix du jury, jury qui est réparti à travers le Canada et qui assiste à un des concerts au cours de la tournée. Ce prix est accompagné d’une bourse de 3500$ pour la commande d’une œuvre à être produite pour la prochaine saison de l’ECM+.

Dimanche donc, l’ECM+ s’est présenté devant une salle archi-comble à Toronto, dans la salle du Music Gallery, une petite église aux poutres de bois apparentes à l’acoustique idéale. Gabriel Dharmoo, compositeur célébré lors de la dernière édition de Génération en 2012, fait ici office de facilitateur en conversant avec chacun des compositeurs avant la présentation de leur pièce. Ils y discutent de leurs influences, leur méthode d’écriture, nous font entendre de petits extraits pour appuyer leur propos. Bref, tout pour guider l’auditeur devant une œuvre musicale inédite.

La compositrice d’origine cubaine, Evelin Ramon nous a expliqué (prévenu en quelque sorte) qu’elle utilisait beaucoup d’objet du quotidien pour créer ses sons, et que les musiciens auraient aussi à parler-chanter. Labyrinth of Light se trouve à mon avis en ligne directe avec ce courant baroque latino-américain. On y entend ce qu’on pourrait lire chez Garcia-Lorca, ce qu’on pourrait voir chez Lempicka. Une abondance de couleurs, de textures très riches, une fantasmagorie éclatée. La structure pourrait se comparer à celle d’un poème en stances, la pièce est d’ailleurs inspirée d’un poème d’Edgar Allan Poe. Si certaines parties de l’œuvre auraient intérêt à être retravaillée, parfois l’épouvante est exprimée de façon un peu naïve, le tout se révèle tout de même assez solide.

cou_coupé de Marie-Pierre Brasset est inspirée quant à elle d’art visuel abstrait. Pratiquant elle-même depuis peu l’art de peindre, la compositrice a donc traduit en langage musical les techniques de peintres qu’elle admire. On entend clairement ces plaques de peinture posées à la truelle dans ce passage où la pianiste joue avec le plat de la main, se baladant partout sur le piano. Mais on peu aussi y entendre les pattes d’un canard. Car, même s’y jamais Marie-Pierre Brasset n’en parle, j’ai entendu beaucoup de sons de la nature. Ne serait-ce pas des cris d’oiseaux ces glissandi au violon accompagné du piccolo par exemple ? Chacun peut y aller de sa propre interprétation. D’autant plus que la pièce ne dévoile pas véritablement sa structure. En avant-propos, la compositrice parlait de sons coupés (d’où le titre de la pièce), en donnant un exemple qui n’a convaincu personne, parce que personne ne semble avoir entendu ces coupures… Mais pourquoi faudrait-il toujours tout justifier, tout expliquer. Il s’agit ici d’une œuvre de musique abstraite et pure, qui donne à entendre ce qu’une peinture abstraite donne à voir. En ce sens, l’œuvre est réussie.

La violoniste Andréa Tyniec en répétition à TOronto
photo : Daniel Foley

Pour la tournée de Génération 2014, l’ECM+ s’est adjoint les services et les talents d’une fabuleuse violoniste, AndréaTyniec. L’artiste a travaillé à plusieurs reprises avec l’ensemble, a fait plusieurs enregistrements avec eux, et ici elle ébloui dans son interprétation de Object Permanence d’Alec Hall. Ce concentré de concerto pour violon est un brillant mash-up des tics et objets musicaux qu’on retrouve partout dans les « grands » concertos pour violon du répertoire classique. Utilisant peu de citations directes, Alec Hall puise plutôt dans les traits typiques du répertoire. Le trille lent, les arpèges sur quatre cordes qui montent et descendent à un rythme accelerando, l’alternance legato et pizzicato ; toute la panoplie des difficultés que les violonistes aiment retrouver dans une pièce de concours ! Alec Hall, lui-même violoniste, a aussi fait quelques emprunts à la musique pop, celle de Ke$ha paraît-il entre autre. Mais là encore, le traitement est assez subtil pour que l’auditeur, même le plus aguerris, soit confondu. Il ne peut s’agir que d’un accord par exemple… L’oeuvre est bâtie comme une soirée de DJ. Le rythme et le volume montent vers un climax, pour retomber à presque rien. Et ça repart, et ça recommence. La dernière partie de l’œuvre adopte un rythme groovy, de plus en plus présent et lancinant, une longue et immense montée culminant sur une orgie de virtuosité autant pour la soliste que pour l’orchestre. Difficile pour ses interprètes, cette œuvre est toutefois facilement abordable pour le public. Séduisante, brillante, on en redemande. Alec Hall est donc un nouveau nom à suivre, il est de Toronto, il habite New York. Il fera parler de lui sous peu, bravo à l’ECM+ pour l’avoir dégoté avant tout le monde.

Les compositeurs Anthony Tan (à gauche) et Alec Hall (à droite)
photo : Daniel Foley

Mon œuvre préférée dans l’édition 2014 de Génération a toutefois été celle d’Anthony Tan : Ksana II. Deuxième partie d’un tryptique, cette pièce est celle d’un pianiste qui compose de la musique électronique, électroacoustique sur des instruments de musique. Alors que l’électroacoustique créait de nouveaux sons, c’est maintenant aux instruments de musique de reproduire ces nouveaux sons. Et ça marche. Processus post-post moderne s’il en est, le concept est clair et traité de façon intelligente par le compositeur. L’auditeur se sent donc lui-même intelligent parce qu’Il comprend ce qui se passe. Anthony Tan a étudié la psycho acoustique, ce qui est, à ses dires, l’étude de la perception des sons par l’oreille humaine. Enfin, c’est un peu plus complexe… Mais il utilise cette réflexion sur l’audition pour la création de ses œuvres. Ksana II emprunte la forme du canon, forme qui existe depuis la Renaissance. La mélodie ici traduite par les timbres est moins évidente à l’écoute. Ce qui se perçoit plus aisément est cette continuité, l’aspect coulant et ininterrompu de la pièce. Pas de phrases musicales mais un seul long souffle. La musique passe d’un instrument à l’autre, les bruits les plus incongrus sont reproduits par les divers instruments. La part belle est donnée au percussionniste Philip Hornsey qui offre tout au cours du concert une impressionnante performance. La pièce se termine par le bruit d’un papier aluminium qu’on triture, froisse pour finalement en faire une petite boule, dernier son qui clos l’œuvre. Tenu en haleine le public a accueilli cette œuvre avec beaucoup d’enthousiasme. Et moi encore plus !

De tout les événements que produit l’ECM+, les concerts Génération sont certainement ceux qui bénéficient de la plus belle préparation et qui génèrent le plus de passion. Il fallait entendre Véronique Lacroix parler de ces œuvres après le concert avec une affection et un amour presque maternel. L’ensemble donne ici dans la grande et très grande virtuosité. Certes, la violoniste Andréa Tyniec y est pour quelque chose, a un effet d’émulation, mais chacun des instrumentistes aura au cours du concert son moment de gloire, l’occasion de briller, et ils le font avec beaucoup de talents.

Un livre souvenir, annuaire des compositeurs issus du projet Génération était remis à chacun des spectateurs. On y apprend ce que sont devenus ces 53 compositeurs, certains y vont de leurs anecdotes et leurs souvenirs, d’autres de leurs remerciements. Trop peu de médias se sont intéressé au projet au fil des ans. Je titrais en 2012 : StarAcadémie : version originale. J’y crois toujours. Le public, le grand et le petit, devrait y venir, les grands médias s’y intéresser. Le bloggeur que je suis aimerais pouvoir convaincre les masses !

no.

La tournée Génération 2014

BANFF
6 novembre, 19h30
The Banff Centre
107 Tunnel Mountain Drive, Banff, Alberta

EDMONTON
8 novembre 20h
Convocation Hall, University of Alberta (New Music Edmonton)
116 St and 85 Ave, Edmonton, Alberta

VANCOUVER
10 novembre, 20h
Djavad Mowafaghian World Art Centre (Goldcorp Centre for the Arts)
149 W. Hastings Street, Vancouver, Colombie-Britannique

MONTRÉAL
13 novembre, 19h30
Salle de concert du Conservatoire
4750, rue Henri-Julien, Montréal

QUÉBEC
14 novembre, 20h
Palais Montcalm
995 Place D'Youville, Québec

TORONTO
16 novembre, 20h
The Music Gallery - Church of Saint George the Martyr
197 John Street, Toronto, ON

LONDON
17 novembre, 20h
Von Kuster Hall, Don Wright Faculty of Music, Western University
1151 Richmond Street, TC 210, UWO, London, Ontario

OTTAWA
18 novembre, 20h
Centre National des Arts
53 Elgin Street, Ottawa, Ontario

WOLFVILLE
20 novembre, 11h30
University Hall Auditorium, Acadia University
15 University Ave, Wolfville, Nouvelle-Écosse

Deux foires valent mieux qu'une

2014-10-29T10:35:00.000-04:00

Feature art fair

présentée par l'AGAC

Joey & Toby Tanenbaum Opera Center

227 Front Street East, Toronto

du 23 au 26 octobre

Art Toronto : Toronto International Art Fair

Metro Toronto Convention Center

255 Front Street West, Toronto

du 24 au 27 octobre

La TIAF présentait ce carrousel géant fabriqué avec des clôtures par le trio BGL. Le petit tour de carrousel servait à amasser des fonds pour la présence de BGL au pavillon du Canada à la prochaine Biennale de Venise.

Ce weekend se tenaient, pour la première fois, deux foires d’art contemporain à Toronto. En visitant les deux, on perçoit rapidement qu'elles ont toutes deux leurs raisons d’être, et que cela devrait demeurer ainsi. La Toronto International Art Fair (TIAF) ratisse décidément trop large. On y trouve véritablement le meilleur et le pire. De plus, présenté de telle façon, le visiteur est confondu. À moins de vraiment connaître l’art contemporain, le néophyte sera surpris de voir l'immense disparité entre les prix des oeuvres, ne comprendra pas le pourquoi du comment. Voilà, il y a à l’intérieur de la foire, au moins trois foires. Celle des galeries d’art contemporain, qui défendent des artistes qui sont à connaître. Et cela comprend malheureusement de bonnes et de moins bonnes galeries... Il y a la foire des revendeurs d’art, qui eux vendent à prix fort des œuvres d'artistes connus et reconnus, plus souvent qu’autrement mort depuis un bout de temps, et qui s’adressent à un public bien particulier qui lui n’ira pas oser investir dans l’achat d’œuvres d’artistes qui ne sont pas déjà entrés dans l'histoire. Et enfin, il y a la foire des arts « décoratifs », des arts artisanat, du prêt-à-manger prédigéré. Il y avait même un kiosque qui présentait des modèles que vous pouvez faire reproduire en différentes couleurs, imprimés sur toile. Voilà : vous décorez en un rien de temps. Qu’est-ce que ça peut bien avoir à faire avec l’art contemporain ? En fait, avec l’art tout court.

Il manque donc à la TIAF une direction artistique forte. Ou encore une volonté de séparer clairement les différents secteurs de la vente d’art qu’elle veut présenter. Ce que même la petite section Next ne réussit pas à faire. La rumeur veut que le directeur de la foire ait démissionné cette semaine, la rumeur veut également que les espaces ne se soient pas vendus aussi facilement que par les autres années. Plusieurs galeristes (et ça ce n’est pas une rumeur), mécontents de côtoyer du n’importe quoi, préfèrent s’abstenir. Ou aller ailleurs. Parce que la foire coûte très cher pour ceux qui y exposent, et plusieurs considèrent désormais un marché à l’extérieur du Canada…

De cette insatisfaction est née le Feature Art Fair. Organisée par l’Association des galeries d’art contemporain (AGAC) avec précipitation et on peut le deviner, quoique ça n’avait absolument aucun impact sur les visiteurs, avec quelques embûches et difficultés inhérentes à toute première édition d’un événement. Visiblement un très bon coup, la foire a été un grand succès esthétique, public et commercial (ce qui a toute son importance). La grogne qu’a engendré l’organisation de cette foire parallèle (et non pas concurrente ni complémentaire à mon avis) n’a pas eu les répercussions que l’on aurait pu craindre. Tous se sont inclinés devant la très grande beauté de l’événement où le visiteur et l’acheteur ne perdaient pas une seule seconde de son temps, tout y étant cohérent en qualité technique et esthétique.

Beaucoup de haussements de sourcils toutefois devant à une (autre) organisation montréalaise qui vient essayer de conquérir le marché canadien tout en travaillant en vase clos. Cette année, et souhaitons tous que ce soit la dernière fois que ça arrive, le nom des membres du jury n’a pas été rendu public. À la demande de certains d’entre eux il faut le préciser. Ce qui ouvre la porte à toutes les spéculations. De plus, c’est la présidente du conseil d’administration de l’AGAC qui me le confirmait en entrevue, le comité a eu à choisir parmi des artistes, en ne tenant pas compte de la notoriété des galeries qui les représentent. Le hic est toutefois qu’il s’agit d’une foire de galeries, non pas d’une foire d’artistes. Le hic numéro deux, c’est que ce sont les galeries qui sont membres de l’AGAC, non pas les artistes. Le hic numéro trois, c’est que ce sont les galeries qui sont le mieux placées pour décider du parcours que leurs artistes doivent suivre. Le constat pour l’observateur est le suivant : oui c’est magnifique tout ce que je vois, mais comment se fait-il que telle ou telle galerie n’y soit pas ? Comment se fait-il que telle galerie présente n'expose pas tel artiste ? Comme dans toute exposition qui a été montée par un ou des commissaires, Feature aurait tout intérêt à mettre de l’avant qui a choisi qui et surtout pourquoi. Quels étaient les critères ? Ceci dissiperait tout doute de copinage, ceci aurait pour effet de tuer dans l’œuf les ragots et les suppositions hasardeuses.

La TIAF devra donc se réajuster et se raffiner face à la venue de ce nouveau joueur qui est là pour rester. Quand à Feature, ayant déjà atteint un très haut niveau, on imagine qu'il sera ardu d’aller plus haut, mais nous connaissons les gens de l’AGAC et savons de quoi ils sont capables, et on devine que oui, ce sera encore plus plus la prochaine fois.

no.

Toronto International Art Fair : le délirant plaisir de la découverte

2014-10-26T14:29:00.000-04:00

Art Toronto : Toronto International Art Fair

Metro Toronto Convention Center

255 Front Street West, Toronto

du 24 au 27 octobre

Andrew Ryder, Suwa, 2014
fil élastique, polypropylène sur bois, 98 X 130 X 30cm

La très bien établie Toronto International Art Fair (TIAF) impressionne à plusieurs égards. Pour ma première incursion dans cette véritable caverne d’Ali Baba de l’art contemporain, je dois dire que j’ai été soufflé. J’y ai fait plus de découvertes que je ne pensais jamais en faire dans un tel endroit. Stimulant et passionnant. Présentée dans le centre des congrès de Toronto, un immense espace ouvert, plein de lumière naturelle, la TIAF offre un regard très, voire trop, élaboré sur la production nationale et internationale. Une occasion hors du commun pour l’observateur de pouvoir comparer le travail des artistes que nous connaissons, des galeries que nous côtoyons avec ce qui se fait ailleurs dans le monde.

Dil Hildebrand, untitled (maquette 4), 2014
techniques mixtes, 51 x 38cm

Qu’on se réjouisse, les galeries montréalaises sont à maints égards parmi les plus fréquentées et les plus respectées des collectionneurs, amateurs et fouineurs torontois. Chez Pierre-François Ouellette art contemporain, qui a une antenne torontoise, les Ed Pien, Dil Hildebrand semblaient sortir à pleine porte. Le très beau kiosque, grand, avec son architecture propre, tranchant avec le rectangle à trois murs, était un petit musée à découvrir lentement. Même principe et même succès chez Art Mûr, j’ai enfin pu voir les capots de voiture de Cal Lane, exposés à Montréal en ce moment, mais aussi pu revoir le travail de Guillaume Lachapelle. La galerie Nicolas Robert, également présente à « l’autre foire », offrait un kiosque tout en noir et blanc avec entre autres les œuvres de Christian Knudsen et surtout de Joe Lima.

Cal Lane, Veiled Hodd #1, 2014

Montrealistement ayant déménagé son siège social à Toronto récemment, je me suis fait un devoir d’aller regarder de très près les galeries torontoises que je ne connais pas encore assez. De très belles surprises ici. Les galeristes torontois ont un certain don pour nous amener le travail tout à fait inattendu de certains artistes.

David R. Harper, I tried, and I tried and I tried, 2014
fils à brodé de coton, giclé sur toile

Prenons cette broderie de David R. Harper chez MKG127. On connaissait un peu l’artiste, il avait été présenté avec ses fausses taxidermies chez Art Mûr il y a quelques années (voir ici). Ici il s’amuse à reproduire une œuvre célèbre et la retoucher à la broderie. Parfaitement réalisée, on se questionne devant l’œuvre. Pourquoi avoir fait cela ? Mais, en même temps, on réalise qu’on est fasciné, on reste là, dans le brouhaha de la grande foire, à admirer du petit point. Faire rêver, voilà je crois, son but. Atteint je dirais.

Mitsuo Kimura, Ecliptic, 2014
acrylique et encre sur papier marouflé sur bois, 72" X 42"

LE Gallery a une des cohortes d’artistes des plus cohérentes dans ce que j’ai vu ici à Toronto. Ces artistes ont tous en commun d’avoir un travail technique fort, un dessin impeccable et toujours une réalisation à couper le souffle. Les galeristes ont fait le pari de miser eux aussi sur l’inattendu. Les aquarelles de Tristram Landsdowne sont surréelles par leur réalisation lisse. On pourrait croire à du pastel, ou encore à des impressions numériques tant on n’y sent aucun mouvement de pinceau. Mon cœur flanche toutefois encore et toujours pour le travail de Mitsuo Kimura. Un dessin complètement fou et obsessif sert les histoires complètement folles et obsessives de l’artiste d’origine japonaise. Les galeristes vont certainement vous raconter avec plaisir la narration expliquant ses toiles. Je préfère de loin rêver à mon propre conte devant ces peintures fouillées, détaillées et raffinées.

Chris Kline, untitled (tape # 11), 2011
acrylique, popeline, bois, 50" X 30"

Diaz Contemporary représente aussi une très belle palette d’artistes dont les montréalais comme Pierre Dorion et Francine Savard et les très québécois et omniprésents BGL. Ici, c’est le magnifique travail de Chris Kline qui m’a fait flancher. Chez Olga Korper, une magnifique galerie à Toronto on présente quelques jeunes artistes mais surtout de très grands noms de l’art des 50 dernières années. La clientèle sera probablement plus institutionnelle que maison, mais quand on aime on ne compte pas.

Patersen Ewen, Milky Way in Stone, 1997
techniques mixtes sur bois, 243,8 X 356,8cm

Car voilà, la TIAF est une véritable foire internationale, et on retrouve autant la dernière création d’artistes de la relève que des œuvres de Picasso, Miro, Matisse, Bush, Alechinsky ou plus près de nous Riopelle et Molinari. Voilà donc un endroit où, en cinq minutes vous pouvez avoir une vision à 360° de l’art du début du XXe siècle à celui de demain.

Kiotaro Hakamata, 2014
acrylique coloré

La présence de nombreuses galeries des USA et d’Asie et d’Europe offre évidemment son lot de fraîcheur et de découverte. Dans le kiosque incroyablement beau de MA2gallery de Tokyo, on aurait probablement tout acheté. Pour mes yeux, que de la nouveauté, dont ces bonhommes plantés face au mur de l’artiste Kiotaro Hakamata. Presque tous vendus, ces galeristes japonais risquent fort de repartir les valises vides ! Même chose pour la galerie Bicha de Londres. Le travail très près de celui de Yayoi Kusama par ses points et sont aspect hypnotisant d’Andrew Ryder est parmi les très belles œuvres vues dans cette foire. Suwa est composée d’étoiles qui flottent devant le fond en relief de l’œuvre. Les petits points blancs sont accompagnés de petits points de lumière DEL, blancs aussi. Vendue, l’œuvre a été remise dans sa caisse, et été remplacée par une autre du même artiste tout aussi hallucinogène, dans des oranges et des bleus complètement fous.

Le point fort, mais alors vraiment très fort de le TIAF est donc de nous faire découvrir un tas d’artistes d’à travers le monde. Mais tout n’est pas rose dans cet événement. Il y a là aussi un « mais ». Un gros « mais » qui prend trop d’espace. J’y reviens très vite.

no.

Feature art fair : un début époustouflant

2014-10-24T13:47:00.000-04:00

Feature Art Fair

présentée par l'AGAC

Joey & Toby Tanenbaum Opera Center

227 Front Street East, Toronto

du 23 au 26 octobre

Caroline Cloutier, vue de l'installation, 2014

Feature Art Fair se veut un endroit où le public averti retrouvera le meilleur et le plus pointu de l’art contemporain canadien. Les galeries et les artistes ont été triés sur le volet parmi les galeries membres de l’association des galeries d’art contemporain (AGAC), qui déjà, n’accepte pas n’importe qui dans ses rangs. Aussi nous retrouvons nous devant un feu d’artifice d’œuvres imposantes et impressionnantes. Quiconque fréquente la foire PAPIER à Montréal, organisé par la même AGAC, retrouvera avec un plaisir parfois coupable les galeries et les artistes adulés. Le médium n’étant pas réduit au papier cette fois-ci, Feature présente sculpture, vidéos, installations et tutti quanti, dans des formats autant muséal que collectionneur maison. Au soir de l’avant-première plusieurs œuvres importantes ont trouvé preneur. Les collectionneurs torontois se retrouvant devant l’imposante sélection d’un comité, qui lui, misait sur une pré-sélection des galeristes. Inévitablement, la marge d’erreur ici est relativement faible.

Je n’y allais certes pas avec le désir de faire de grandes découvertes. À regarder le nom des exposants, des artistes présents, j’en connaissais la très grande majorité, c’est plutôt avec un immense plaisir que j’ai pu tranquillement admirer leur dernière production.

Imposante, drôlement bien placée dans le parcours, l’œuvre murale de Caroline Cloutier présentée par la galerie Nicolas Robert aura été mon premier véritable coup de cœur. Un jeu d’effets optiques, une distorsion de la réalité, un miroir ouvrant sur un faux couloir : tout y est pour en faire une œuvre culte de l’événement. Je m’imagine bien mal que le galeriste ait à remballer le tout, ce travail, encore une fois (nous en parlions ici) convient tout autant à une collection muséale qu’à une collection corporative. La personne qui osera installer cette oeuvre dans sa salle de conférence gagnera certainement un prix pour l’audace et la clairvoyance.

L’occasion était belle aussi pour revoir, ou voir dans mon cas puisque que j’avais manqué certaines expositions à Montréal, ces quelques pièces importantes de la suite Dépeindre de Gwenaël Bélanger. Il s’est amusé à ~~transformer de façon numérique~~ (je me corrige ici) à photographier les toiles les plus connues du répertoire québécois au travers un filtre de verre sur lequel on avait appliqué des graisses translucides. Par ici le Tousigant délavé, le Riopelle embrouillé et le fameux Jean-Paul Lemieux caché par respect de la fondation du beige peintre qui a refusé de laisser Bélanger retravailler le travail… Là encore, plusieurs éditions avaient trouvé preneur, et le succès tant sur le plan des ventes qu’au plan esthétique est au rendez-vous pour la galerie Graff.

Luce Meunier, Par-dessus / dessous # 1, 2014
acrylique sur coton et lin plié, 36" X 45"

Lors de ma visite, le galeriste Donald Browne pouvait s’enorgueillir d’avoir à modifier son accrochage pour cause de vente sérieuse. Une immense toile de Mark Igloliorte s’est envolée dès le soir d’ouverture, et on s’affairait à installer d’hallucinantes photographies lenticulaires de Shari Hatt. Au kiosque de la galerie Hugues Charbonneau les intrigantes illusions d’optique de Tammi Campbell semblaient avoir séduit le public torontois. Illusions optiques absolument confondantes de virtuosité également dans les toiles d’Anthony Burnham présenté par la galerie René Blouin. Chez Antoine Ertaskiran on montrait des œuvres de l’artiste torontois Ken Nicol, toujours aussi follement obsédé et de nouvelles toiles pliées, drapées et peintes de la fabuleuse Luce Meunier. Réalisé à la perfection ces petits monuments aux allures simples, injustement rendu par la photographie, envoutent. Là encore, le bagage de retour devrait être passablement plus léger qu’à l’aller.

Tammi Campbel, Paper series, 2014
acrylique sur carton musée, 39 X 33cm

Certains kiosque étaient tout simplement des pièces d’anthologie muséale : la jonction des trois artistes présentés par la galerie Clint Roenisch laissait pantois. La mixture d'oeuvres de deux artistes de générations et de culture totalement différentes, le peintre Dan Brault et le sculpteur Gilles Mihalcean, excitait l’œil et le cerveau au kiosque de la galerie Laroche/Joncas.

Gilles Mihalcean, Tête d'enfant, 2014
plâtre, sisal, 30 X 20 X 16cm

Que du beau. L’emplacement, une vaste salle de répétition du Canadian opera company, aux plafonds élevés, aux murs de briques dans ce qui est le plus vieux quartier de Toronto, transporte le visiteur, même le torontois pur jus le plus blasé, dans un tout autre univers que celui des foires d’art habituellement présentées dans la métropole. Sur le plan esthétique on applaudira la très grande réussite de la première édition de la foire Feature.

Dans un prochain article, où je comparerai les deux foires se déroulant présentement à Toronto, j’élaborerai plus longuement sur le « mais » de cet événement. Car « mais » il y a. Quelques questionnements ternissent le lustre de la première édition de cette foire de grande qualité.

no.

La ou les grande(s) messe(s) de l'art à Toronto?

2014-10-22T12:57:00.000-04:00

Feature art fair

présentée par l'AGAC

Joey & Toby Tanenbaum Opera Center

227 Front Street East, Toronto

du 23 au 26 octobre

Art Toronto : Toronto International Art Fair

Metro Toronto Convention Center

255 Front Street West, Toronto

du 24 au 27 octobre

André Dubois, Le lecteur, 2014
boîte à chaussure, éclairage DEL, 4" X 11" X 4"1/2
présenté par la galerie BAC, kiosque 1106, section NEXT à Art Toronto

Pour la toute première fois, Montréalistement assistera à Art Toronto. Considérée par certains comme la plus grande foire d’art au Canada, cet événement qui en est à sa 15^ième édition ratisse large, voire trop large au goût de plusieurs. Voilà pourquoi Montréalistement, dans son transfert torontois, sera le témoin d’une première rencontre de choc : l’arrivée d’une nouvelle foire d’art, organisée par l’Association des galeries d’art contemporain (AGAC). L’association d’origine montréalaise, qui compte de plus en plus de membres de partout au Canada, instigatrice de l’incontournable foire PAPIER, espère présenter « la crème de la crème » en art contemporain avec Feature. Curated est le mot clé autant à Toronto qu’à Montréal. On voit à Toronto des boutiques de meubles curated, à Montréal des spectacles de danse contemporaine sont curated, des restaurants sont curated. Mais en fait, en français, les curators sont les commissaires aux expositions, apparus d’abord et avant tout dans le milieu de l’art. Ils choisissent les œuvres, les artistes, établissent des liens, des fils d’idées et forment une ligne éditoriale subjective lors d’une exposition. La foire Feature, présentée par l’AGAC sera donc le résultat d’un choix. On a demandé aux galeries membres qui voulaient participer à cette foire de présenter quelques artistes seulement, un maximum de trois si je ne m’abuse, et un jury a donc tranché quels artistes et quelles galeries seront présents à la foire.

Anthony Burham, How Far Is Close, Moving To A Close Up, 2014
acrylique sur coton
présenté par la galerie René Blouin, kiosque 110, Feature

Va sans dire que cette nouvelle offre n’allait pas sans provoquer de profonds remous au sein de l’organisation de Art Toronto, la foire existante. Au même moment, dans la même ville, parasitant le public déjà restreint d’un tel événement, l’AGAC joue dur. Il faut toutefois considérer que partout dans le monde, là, où et quand il y a des foires d’art contemporain, des événements parallèles et plus pointus s’y greffent. L’AGAC n’invente donc rien ici. L’association répond plutôt à une demande du milieu. Victime à la fois de son succès financier et de fréquentation, mais victime aussi de son refus de choisir, Art Toronto se voit donc forcé de se remettre en question. L’événement était de toute façon boudé par certaines galeries montréalaises depuis quelques années, faute de s’y trouver en bonne compagnie. Art Toronto a déjà sa section NEXT, où les galeries présentent de plus jeunes artistes. Mais à Toronto, toutes les galeries présentent de jeunes artistes…

Gwenaël Bélanger, Dépeindre (Claude Tousignant chromatique 64, 1967) 2013

photo, impression au jet d'encre, 122cm

présenté par la galerie Graff, kiosque 117, Feature

On s’y rendra donc pour y voir le vrai et le faux. Est-ce que Art Toronto s’ajustera ? Si oui, est-ce que Feature demeurera ? Si non, est-ce que Feature est viable avec seulement 23 galeries ? Est-ce que Feature peut continuer à être commissariée sans toutefois nommer ses commissaires comme elle le fait maintenant ?

Autant de questions auxquelles Montréalistement tentera d’apporter un début de réponse au cours des prochains articles sur le sujet. Mais Montréalistement en profite surtout pour faire le plein d’œuvres d’artistes aimés, le plein de découvertes d’artistes torontois et canadiens qui n’ont pas encore eu de place sur ces pages. Enfin, oui enfin, un concentré de beau dans un minimum de temps.

Ken Nicol, Scribble Grid, 2014
encre sur papier
présenté par la galerie Antoine Ertaskiran, kiosque 111, Feature

no.

De mon nuage je vous raconte

2014-10-06T15:18:00.000-04:00

Scotiabank Nuit Blanche 2014

Toronto

du 3 octobre, 19 heure au 4 octobre, 7 heure

Maximo Gonzalez, Walk among Worlds, 2014
installation de 7000 ballons de plage globe terrestre
photo : Scotiabank Nuit Blanche, 2014

Ayant connu de nombreuses Nuits Blanches montréalaises, je parle ici de celles qui sont organisées et planifiées, celles qui se déroulent fin février, j’apprivoisais ce weekend la version torontoise de la bête. Admirable, cette dernière est entièrement consacrée à la diffusion de l’art. Alors qu’à Montréal on en profite pour laisser s’épivarder nos ados de la banlieue qui s’offrent comme terrain de jeu le centre-ville le temps d’une cuite, ici l’alcool ne circule pas à flots, il n’y a pas de party ni de DJ, pas de concours du plus « mile-endien » costume. Donc pas de hordes de fêtards mais bien des gens ouverts qui regardent, discutent, et se posent des questions. Qui font donc ce que l’art commande. Des dizaines (centaines ?) de milliers de personnes, des rues fermées à la circulation automobile et tramwaysienne, des masses de paires d’yeux devant chaque installation, chaque performance. Du respect comme j’en ai rarement vu.

Voici donc un petit aperçu de ce qu'on pouvait y voir. J'ai été un peu dépassé par l'abondance d'événements et n'ai pas réussi à voir le quart de ce que je voulais. Je m'étais promis de voir tout ce qui était québécois. C'est raté!

La ville était enchâssée d’un arc-en-ciel de lasers de l’artiste Yvette Mattern : Global Rainbow. Simple mais diablement efficace, cette œuvre véritablement publique faisait un arc entre la tour du CN et le Chinatown. Se déplaçant, le public avait l’étrange impression que l’arc bougeait, se transformait, que les couleurs changeaient de place. Il n’en est rien, les lasers ayant deux ports d’attache, ils étaient forcément immobiles. Œuvre consensuelle et inclusive, à l’image de la ville elle réunissait sous ses ailes toutes couleurs unies, comme Benetton dirait, les différentes sociétés qui composent la société elle-même. Cette installation se promène un peu partout sur la planète, et c’était cette année le gros coup de cœur de la neuvième édition de la Nuit Blanche torontoise. Inphotographiable toutefois...

Tout en hauteur également, un surréaliste jardin de Babylone composé de palmiers d’appartement paquetés sur des lifts dispersés au coin des rues John et Queen. Ludique, Gap Ecology passe doucement son message. Les faux palmiers ont des troncs d’aciers rétractables et ne sont disposés là qu’à titre décoratif et temporaire. Ce jardin mécanique, antithèse de la forêt, avait un pouvoir d’attraction indéniable.

David Brooks, Gap Ecology (Still lives with Cherry Pickers and Palms) 2014
photo : Scotiabank Nuit Blanche 2014

De très nombreuses œuvres vidéo parsemaient le parcours. Judicieusement coincées dans l’entrée d’un garage sous-terrain, sur le haut d’un mur latéral, au fond d’une ruelle, peu avaient toutefois un impact réel. Peu d’œuvres ayant été conçues pour une projection en plein air, pensées pour un public mobile : plusieurs faisaient chou blanc. Il y avait quand même cette projection interactive où le spectateur était invité à composer un numéro sur son téléphone et de souffler dans son téléphone. Cela avait pour effet de faire grossir les bulles de gomme balloune qui toutefois jamais n’éclataient. Joli, le concept se voulait un aperçu sur notre pouvoir sur la vie des autres. L’installation vidéo probablement la plus simple mais la plus intéressante était cet énorme boulet utilisé pour la démolition de murs qui était justement projeté sur un mur : Black Sun d'Alexandre Arrecha. La distanciation était amplement assez grande pour que personne n’y croit, mais il demeure que l’œuvre provoque sourires et ébahissements.

Bingyi, Wanwu : Metamorphosis, 2014
photo : Scotiabank Nuit Blanche 2014

La Nuit Blanche à Toronto est également le lieu de toute une foule performances et de spectacles, en général créés pour l’occasion. Sur le parvis de la salle du saint conseil municipal -fordien pour encore quelques semaines sinon quelques années-, une performance de peinture et dépeinture, de flûte traditionnelle chinoise et de danse inspirée de l’opéra chinois. Un éclairage vert déplaisant cassait pour le moins l’ambiance, et encore une fois une foule trop instable créait un irritant paradoxe avec la zénitude de la chose. Trop mystérieux pour être compris d’un seul coup d’œil, exigeant trop de travail de la part du spectateur, Wanwu : Metamorphosis de Bingyi passait difficilement la rampe. On aurait probablement plus apprécié dans un espace clos. Comme ce spectacle avec lequel j’ai clos mon propre parcours, The Perfect Word, de Peggy Baker Dance Projects au Betty Oliphant Theater.

Très torontois dans son concept, ce spectacle de danse réunit 10 danseurs de 10 origines différentes qui exprimeront un mot dans leur langue première. Avec en fond de scène des projections d’images qui semblaient extraites de livres anciens. Les danseurs se succèdent l’un après l’autre dans un court solo de six minutes, formant un cycle d’une heure répété 12 fois entre 19 heure et 7 heure le lendemain matin. Attrapée vers 1 heure, la ronde de nuit se déroulait aisément. La trame sonore, construite à partir des mots que les spectateurs déclamaient dans un micro placé à leur intention, retravaillait ces sons en direct, les rythmant et les juxtaposant, en écho et en chuchotements. Très belles, chacune des petites chorégraphies étaient inspirées de la personnalité des danseurs ou encore de leur travail antécédent. Nova Bhattacharya remixait la danse traditionnelle indienne, avait ses martèlements de pieds, et surtout ses mains raffinées. D’ailleurs le jeu des mains était remarquable dans toutes les chorégraphies. Fortes en gueule avec sa robe et ses talons, Ana Groppler a germanisé son discours et évoquait une femme du cabaret berlinois. L’aérienne Meryem Alaoui a bougé comme une brise dans le désert, un souffle qui tourne autant sur lui-même que vers nous. Je voudrais parler ici de chacune des dix personnes que j'ai vu évoluer, donner leur feu, leur passion, leur vie. Il me faudrait plutôt ici saluer le travail exceptionnel de Peggy Baker qui a l’ouverture d’esprit de mettre en scène sa vision de l’autre sans jamais imposer la sienne propre. Un travail d’écoute sensible. Ma nuit blanche s’est donc terminée par l’émouvante et très théâtrale performance de William Yong. Son mot : nuage, n’avait rien de sombre, mais était plutôt cet endroit où l’on se réfugie, où l’on se retrouve après un concentré de beauté.

The Perfect Word, Peggy Baker Dance Project, 2014
danseur : William Yong
photo : Peggy Baker Dance Projects

De mon nuage je ne bouge plus.

no.

Les empâtements travaillés de Daniel Hutchinson

2014-09-11T08:43:00.000-04:00

Daniel Hutchinson : When the Lighthouse Is Dark Between Flashes

Angell gallery, jusqu'au 27 septembre

12 Ossington Avenue, Toronto

Daniel Hutchinson, Painting on a Picture Frame, 2014
huile sur aluminium et cadre peint, 13" X 15"

J’ai vu pour la première fois le travail de Daniel Hutchinson lors du Projet peinture, un instantané de la peinture canadienne présenté par l’UQAM à l’été 2013. Comme un tissu damassé ton sur ton, le travail de ce jeune artiste torontois se retrouve principalement dans la joute des textures et des empâtements. Ces peintures puisent leur intérêt dans l’éclairage qu’on leur donne. De là le très judicieux titre de l’exposition, When the Lighthouse is Dark Between Flashes. L’éclairage rasant ou lointain amène une dimension additionnelle à la lecture de des œuvres. La surface peinte se doit d’être parfaitement lisse, aussi Hutchinson utilise-t-il des plaques d’aluminium ou encore sable-t-il ses toiles jusqu’à ce qu’elles deviennent lisses comme un miroir. On admire donc un jeu d’empâtements. Il ne s’agit pas ici de masse d’huile comme chez Van Gogh, qu’on s’entende, mais bien de lignes, traits, répétés de façon symétrique qui forment un motif, une mosaïque. Une fois la peinture appliquée, il trace à main levée avec différents types de pinceaux les motifs, parfois simples, parfois non.

Daniel Hutchinson, The Rug and the Tortoise, 2014
huile sur aluminium et bois, 22" X 22"

L’œil prend plaisir à caresser ces surfaces d’un relief subtil. Il découvre tranquillement les lignes, suit leur direction, les petits labyrinthes, les ondes généreuses. Mais la mémoire de l’amateur d’art se trouve également comblée par la contemplation de ces cadres faussement anciens, un peu comme si l’artiste s’était amusé à peindre par-dessus un petit Corot et son encadrement rococo. Les triangles et les cercles, formes plus rares dans l’histoire de l’art, nous évoque plutôt un art futuriste, suprématiste. Tandis que ces toiles molles, non encadrées, pendues sur quelque chose qui ressemble à un chevalet, ne sont-elles pas soeurs des montres molles de Dali ? Et enfin, ce grand tableau, placé en coin avec un « X » de néons ne fait-il pas tout simplement écho à l’œuvre de Vasarely ou Escher ? Il y a donc tout un petit musée à observer dans cette exposition qui, à prime abord semblera toute noire.

Daniel Hutchinson, Painting for Electric Light Solar Windss, 2014
huile sur toile et lumière fluorescente, 60" X 48"

Dans le brouhaha du vernissage à la Galerie Angell de Toronto, il est fort peu probable que les œuvres aient été admirées comme elles le méritent. Ce travail demande observation et attention. Exigeant, usant un peu la patience du regardeur, un peu comme le ferait un mantra ou une musique répétitive par exemple, le travail de Daniel Hutchinson évoluera dans l’intimité avec l’éclairage et l’espace qui lui sera donné. Artiste subtil et pertinent, Hutchinson devrait faire l’objet de plus d’attention. L’abstrait en peinture a visiblement encore beaucoup à nous montrer et les sensations que ses toiles provoquent, loin des fortes et sensationnelles sensations, nous imprègnent de façon pérenne.

no.

Fraîcheur et nouveautés

2014-08-06T09:21:00.000-04:00

Peinture fraîche et nouvelle construction 2014
À Posteriori

Galerie Art Mûr, jusqu'au 30 août

5826, rue Saint-Hubert, Montréal

Amélie Lévesque (Ottawa), Self-portrait, 2013
huile sur toile, 55 X 66cm

Après 10 éditions de succès, l’événement Peinture fraîche et nouvelle construction est un véritable incontournable. On raconte même que plusieurs collectionneurs interrompent leurs vacances pour aller y jeter un coup d’œil et y faire quelques achats qui misent sur l’avenir. Les propriétaires de la galerie Art Mûr font un judicieux travail de dépistage en faisant à chaque année une tournée canadienne des grandes écoles d’arts visuels pour y débusquer les artistes les plus prometteurs. Chaque finissant sélectionné par leur œil aguerri expose quatre ou cinq œuvres. Au total, ce sont plus de 200 œuvres qui doivent être accrochées, disposées sur les deux premiers étages de l’immense galerie. Immense travail compte tenu qu’une galerie ne dispose pas du personnel d’un grand musée. Quoique bon, avec toutes ces coupures… De plus cette année, pour célébrer les 10 ans de cette exposition estivale, on donne à voir quelques œuvres d’artistes qui ont déjà participés à l’événement au cours des dernières années. Art Mûr démontre ainsi la force de sa vision, car ces artistes présentés A postériori sont tous des surdoués de l’art contemporain.

Kate Puxley (Concordia), O Canada Zoo, 2014
python taxidermisé, mousse de polyuréthane et techniques mixtes 38 X 62 X 13cm

Le cœur bien accroché, on parcourt la première salle remplie d’œuvres tournant autour de la taxidermie. Parfois lourd, parfois loufoque, ce sujet est toujours délicat. Il faut voir les parents s’escrimer à expliquer que non non, le petit minou il n’est plus vivant et que les clous plantés dedans ne lui font pas mal. Les œuvres sont particulièrement fortes côté technique et portent un message au diapason des préoccupations de cette nouvelle génération d’artistes. Le python englué de Kate Puxley résume bien cette pensée environnementaliste.

Colin Hill (NSCAD), Sno King, 2014
acrylique, huile, émail et peinture en aérosol sur panneau, 70 X 56cm

Tout au long de l’exposition on trouvera beaucoup de très belles peintures. Il s’enseigne visiblement au Canada avec beaucoup de pertinence et de talent, un art de peindre… Si beaucoup laissent trop facilement percevoir leurs influences et leur partis-pris, d’autres sortent du lot notamment par leur thématique. Le très bel autoportrait d’Amélie Lévesque évoque à la fois le surréalisme de Magritte et l’hyper réalisme tristounet de Hopper. Il y a pire comme point de comparaison. La suite d’abstractions de Colin Hill présente un bel équilibre des matières et des formes, comme un petit recueil de poèmes. On accepterait facilement de se laisser hanter par ce petit corpus. Si on ne parle plus vraiment de peinture mais de médiums mixtes chez Miranda Lynn Marcotte, le résultat n’en est pas moins époustouflant. Cette longue feuille horizontale se photographie difficilement, mais les textures et dessins y sont magiques. Un rivage au petit matin, évoqué par le sel et les formes aquatiques, un nuage fréquenté par des papillons, on ne sait trop, mais la qualité de ce travail est indéniable.

Miranda Lynn Marcotte (Waterloo), Continuum, 2012
suie, sel et acrylique sur aluminium, 198 X 30,5cm

Ce qui surprendra dans toute cette exposition est qu’il y a très peu d’œuvres qui n’y ont pas leur place. Ni d’œuvres trop éphémères/fragiles/non durables comme celles souvent exposées lors des biennales et triennales montréalaises. Très éclectique, l’ensemble offre donc tout de même une grande cohérence quant à la qualité d’exécution. Normal dirons-nous, que venant du choix de galeristes avisés nous nous trouvions devant un corpus somme toute aisément abordable. Les galeristes pensent différemment des directeurs de centres d’artistes par exemple. Les œuvres n’atteignent que très rarement des dimensions muséales. On parle plutôt ici d’un art intimiste. Peut-être est-ce là le grand succès de Peinture fraîche et nouvelle construction.

Le succès de l’entreprise se résume en quelques œuvres de très haut niveau aperçues au dernier étage de la galerie. Ici, on peut admirer le travail récent d’artistes qui ont fait partie d’éditions antérieures de l’événement. Des œuvres de Ianick Raymond dont je parlais récemment ici, de Pascal Caputo qui connaît un beau succès à la galerie Dominique Bouffard, et aussi les œuvres en deux volets de Phil Delisle. Ce dernier s’amuse à reproduire une image « propre » d’architecture pour ensuite la reproduire en version « sale ». Plus personne ne peut affirmer que les peintres actuels ne savent pas dessiner devant de tels tableaux ! Le réalisme photographique aux couleurs acidulées de ses images est d’une belle réalisation technique. Quant à ses reproductions avec coulisses qui semblent faire partie du décor réel, comme s’il y avait eu là une inondation, sont encore plus fascinantes et belles.

Phil Delisle, Kunsthistorisches Wien (reproduction), 2013
acrylique sur toile, 168 x 122 cm

L’événement estival, poids lourd de retombées à la galerie art Mûr, se poursuit jusqu’au 30 août. Les artistes élus sont venus de partout au Canada pour assister au vernissage, il va sans dire que l’événement représente une excellente première vitrine nationale pour ces jeunes artistes. Mais, le simple fait d’y avoir été choisi représente en plus un adoubement que le simple diplôme universitaire ne saurait donné. Subitement reconnu par de grands professionnels du milieu de l’art, ces artistes de la relève ont de bonnes raisons d’envisager leur carrière avec espoir et sérénité. Collectionneurs, tant novices que professionnels, à vos chéquiers, les chances de tomber sur un mauvais numéro ici sont réduites au minimum.

no.

Sueurs fraîches

2014-07-24T15:50:00.000-04:00

Blanc comme neige

oeuvres de : Andréanne Godin, Christian Knudsen, Joe Lima, Martin Shop et Jim Verburg

Galerie Nicolas Robert, jusqu'au 30 août

Belgo Building, 372, rue Sainte-Catherine Ouest, espace 524, Montréal

L’été est la saison de la légèreté par excellence. Le public boude les concepts ardus, les collectionneurs sont ailleurs. Aussi les galeristes en profitent-ils pour nous présenter des expositions, presque toujours collectives, aux thèmes faciles d’approche. Le galeriste Nicolas Robert a donc été piger dans les collections des artistes qu’il représente, des œuvres tournant autour de la blancheur et de la pureté. Sur les murs blancs on retrouve des œuvres qui altèrent subtilement ce blanc qui jamais ne se laisse oublier.

Joe Lima, Day Moon, 2014
bois gravé, acrylique et plâtre, 61 X 122cm

Joe Lima est probablement l’artiste le moins attendu dans cette exposition. Ses œuvres de bois gravé, peintes en noir reproduisent des photos historiques à l’origine en noir et blanc. Voici qu’il nous donne à voir un clair de lune blanc sur un ciel gris très pâle, légèrement bleuté. Une œuvre d’une grande poésie, qu’on se plait à regarder pendant un long moment. Aussi forte et imposante que ses tableaux en teintes de noirs, Day Moon surprend comme nous surprendra la vue de la lune en plein jour. Le résultat a paraît-il également étonné l’artiste lui-même. Habitué de travailler en noir, Joe Lima se promet de creuser ce nouveau sillon.

Martin Shop, The Wish Fulfilling Gem, 2003
impression jet d'encre archive 102 X 127cm, édition de 5

De Martin Shop, une double vue sur une roche enneigée a été choisie. Ce paysage, comme parfois chez ce photographe, est vu par l’œil droit et par l’œil gauche. Une double perception mettant en valeur l’alternance des blancs, des bruns et des gris. L’œil droit nous semble plus jaune, le gauche plus pur. On pourra y voir une métaphore d’une vision cérébrale, vieillie et nostalgique du cortex droit, versus une impression pure et plus légère côté cœur. On pourra plus simplement y voir une deuxième impression qui représente un passé tout proche et presque sépia. Mais ce « gemme » qui réalise les souhaits -quels souhaits au fait ?- demande de toute évidence un second regard. Martin Shop a fait de la photo de paysage une matière pensante. Le paysage ici n’est plus strict esthétisme. Il flirte avec le symbolisme des préraphaélites, mais surprenamment aussi avec l’arte povera. En effet quoi de plus simple au fond que de photographier un paysage. Il ne devrait pas trop bouger, nul besoin d’attendre le moment de grâce ou la pose parfaite. Le paysage doit-il se trouver sur le chemin de l’artiste ou doit-il être la concrétisation d’une vision intérieure de l’artiste ? Le paysage est-il un ready-made ?

Blanc comme neige présente des œuvres récemment vues ici de Jim Verburg, un dessin fait et défait d’Andréanne Godin et enfin une œuvre de Christian Knudsen qui n’est pas photographique. Datant de 1981, ce travail offre une déclinaison de blancs aussi abstrait que ses photographies. On sera porter à croire qu’il aura décider un jour d’opter pour la photo pour obtenir une abstraction sans texture ni aspérité, se rapprochant du travail des plasticiens. Il n’en demeure pas moins que ce triptyque, ou ce tableau en trois parties est d’une grande beauté, une sobriété qui se juche au-delà de la pureté du blanc. Un blanc auquel l’artiste a donner une grande profondeur.

Christian Knudsen, Sans titre (triptyque)1981
techniques mixtes sur masonite, trois panneaux de 76 X 58cm

Cette brève exposition se veut une pause tant dans la saison caniculaire que dans la course à l’art le plus inouï qui soit. Un regard à la fois sur le passé de Martin Shop, Christian Knudsen, la fusion du présent et du passé d’Andréanne Godin, le présent de Jim Verburg et le futur de Joe Lima. Une douce expérience dans le béton hurlant de juillet.

no.

La virtuosité de Ianick Raymond

2014-07-16T15:36:00.000-04:00

Terazza di Peroni
collectif
Malaparte, TIFF Bell Lightbox, 9 juillet
350 King Street West, Toronto
repris cet été à Vancouver et Calgary

Ianick Raymond : Décoloration
Neubacher Shor Contemporary, jusqu'au 9 août
5 Brock Avenue, Toronto

Le travail de Ianick Raymond est d’une grande qualité et surtout d’une cohérence intense. On a pu apercevoir un premier extrait de sa série Décoloration en décembre 2012 à la maison de la culture Côte-des-Neiges. Voir ICI. Il présentait alors trois toiles en teintes de gris, trois « patrons » qu’il allait décliner en trois ou quatre couleurs chacun : rouge, orange, violet, vert et jaune. En mars dernier, près de deux ans plus tard, c’est la série complète qu’il nous donnait à voir à la galerie d’art d’Outremont. Souffle coupé et coup de cœur. Voir ICI. Il présente en rappel cet été, une partie de ce corpus à la galerie Neubacher Shor Contemporary à Toronto. La présentation encore une fois est extraordinaire. Mettre côte à côte les quatre déclinaisons, décolorations d’un même motif dans cet espace magnifique éclaire avec pertinence et bonheur l’œuvre de Ianick Raymond.

Pour accompagner ces œuvres, Ianick Raymond présente à Toronto quelques œuvres en noir et blanc d’une ancienne série, en plus d'un triptyque, également en noir et blanc de textures de fonds. En fait l’artiste superpose normalement les couches et les à-plats, créant une perspective et une profondeur de champs artificiels et multipliant les niveaux de lecture du tableau. Pour ce triptyque il a préféré laisser le fond à nu. Aucune superposition donc, une toile plus abstraite et un dessin plus organique que géométrique. Une réussite qui nous porte à croire que dans chaque toile de l’artiste, il pourrait y avoir autant d’œuvres finies qu’il y a de superpositions. Après décoloration, verrons-nous décomposition ?

Il faut en douter, car l’artiste n’a pas choisi la voix facile pour la continuation de son travail. Il a plutôt décidé de multiplier les couches et les textures, et prévoit même recommencer à travailler en trois dimensions, en sculpture donc, travail qu’il a déjà exploré auparavant. Il nous avait donné un avant-goût de ce travail à la galerie d’Outremont dans un diptyque, Clair-Obscur, très réussi. Lors d’un événement plus qu’une exposition, où l’on avait couplé acteurs du monde de la mode et artistes, Ianick Raymond a reçu la commande de George Antonopoulos de s’inspirer du plafond du Panthéon à Paris. Il a donc produit un cercle, ce qui est en soi plutôt intéressant, un jeu de lumières, on pourrait croire de lasers qui s’entrecroisent, dans des teintes de gris. Comme à l’orée de sa série Décoloration, l’artiste semble privilégier le travail en noir et blanc avant de s’attaquer à la couleur. Et de la couleur il y aura bientôt, j’ai eu la chance d’entrapercevoir le futur, et ce futur apparait encore une fois cohérent avec ce qui a précédé, et d’une intelligence lumineuse.

L’événement très exclusif, glamour, mode et art était commandité par Peroni et sera répété à Vancouver et Calgary. La chance de revoir cette toile est donc assez limitée. L’exposition Décoloration quant à elle se poursuit jusqu’au début août.

no.

Punch aux fruits et autres drogues

2014-07-14T12:50:00.000-04:00

Les Rassembleurs
oeuvres de : Valérie Blass, Karen Kraven, Roy Meuwissen (Montréal) Dean Drever (Kingston, On.) Michael Dumontier (Winnipeg) Dave Dyment, John Marriott, Ken Nicol, Roula Partheniou, Margaux Williamson (Toronto) Radames "Juni" Figueora (San Juan, Puerto Rico) Poonam Jain (Mumbai) Sarah Peters (New York)
commissaire : Dean Baldwin (Montréal)
MKG127, jusqu'au 23 août
1445, Dundas Street West, Toronto

À Montréal comme à Toronto, l’été n’est pas la saison des expositions de grande portée historique dans les galeries commerciales. Plusieurs en profitent pour se faire plaisir et organisent des expositions collectives, aux thèmes souvent ludiques. Michael Klein, le directeur de la galerie MKG127 a donc demandé à un artiste d’origine torontoise qui vit et travaille à Montréal depuis plus de 10 ans maintenant, Dean Baldwin, de réunir une vingtaine d’œuvres d’artistes de partout au Canada et d’ailleurs sous le thème du vivre ensemble, de la relation qu’entretient l’humain avec son environnement immédiat et ses congénères. Le titre de l’exposition en-français-oui-monsieur, Les rassembleurs, a pris tout son sens dès l’arrivée en galerie lors du vernissage.

Radames "Juni" Figueroa, Tropical Readymade, 2014
chaussure, terre, plante

Une installation temporaire, faites de quelques tuyaux et de plusieurs fruits, faisait office de fontaine à punch. Travail de l’artiste Portoricain Radames « Juni » Figueroa, la chose venait tout juste d’arriver en galerie avec guide d’installation par l’artiste en direct au téléphone. Éphémère et forcément rassembleur, ce Tropical Readymade, accompagné de son frère au titre identique, constitué de la chaussure du commissaire transformée en pot à plante ; n’était qu’une joyeuse introduction à ce qui attendait le visiteur dans la salle principale de MKG127.

Ken Nicol, 1000 Inhales, 2007
cloth napkin, nicotine stains
photo : Ken Nicol

Plus intimistes, les œuvres étant parfois thérapeutiques, voire cathartiques comme ces 1000 inhalations de Ken Nicol inspiré d’une horrible publicité de dentifrice qui racontait ce que la nicotine pouvait laisser comme traces sur vos dents et ce que pouvait faire ce merveilleux produit dentaire pour régler le problème. Même cigarette chez Valérie Blass, cette fois-ci traitée en accessoire biographique et indispensable à son mentor. Qui ne sera pas nommé.

Les rassembleurs, vue de l'exposition

à l'avant plan : Valérie Blass, Portrait de mon mentor, 2014

bois, tissu, epoxy, peinture, fausse cigarette, corde,

L’alcool semble avoir inspiré de nombreuses œuvres également. Il fallait quelques minutes ou quelques verres, c’est selon, pour comprendre la subtilité de The Piano Has Been Drinking de Dave Dyment. Du même humour déroutant, cet atlas de Margaux Williamson peint de travers mais posé droit sur le mur : c’est donc la toile qui se retrouve de travers !

Margaux Williamson, We made a new atlas, 2014
huile sur panneau de bois

À travers toutes ces œuvres souvent comiques, toujours de grande qualité technique, il ressort un discours cohérent que le commissaire a solidement construit. Ces lubrifiants sociaux nous ramènent toujours à la vulnérabilité de l’être humain. La petite crainte de l’autre, la paranoïa sociétale, la timidité publique. L’humain veut bien se rassembler, mais se risque plus difficilement à se dévoiler. Pourtant, les relations avec les autres ne sont-elles pas qu’un jeux de dévoilement, une danse des sept voiles qu’on interrompra dès que l’autre portera un regard trop jugeur. Nos relations dérapent parfois par trop de lubrifiants, et c’est cette crainte de glissement qui porte à la pudicité, l’inhibition. Comme si l’Autre était à des années lumières de notre vénalité. Comme si nous ne pouvions pas tous nous rassembler autour de notre ressemblante humanité.

Dave Dyment, The Piano Has Been Drinking, 2014
disque vinyle modifié

no.

L'art gay : oui ou non?

2014-07-03T14:39:00.001-04:00

L’immense événement qu’a été la World Pride de Toronto n’a pas été qu’une occasion, comme on pourrait le croire, de se brasser le popotin et de se le faire caresser. Tout un volet plus sérieux enrobait le festival d’une chape de grand symposium sur les droits humains. Une grande part des 500 événements était de nature artistique. Beaucoup de spectacles, de vedettes de la chanson pop, mais aussi beaucoup d’expositions. Je n’ai pas eu la chance de toutes les voir, et certaines étaient de très courte durée, alors que d’autres sont là pour l’été. Bref survol.

Julius Poncelet Manapul, Homonormative Diaspora, 2014
collage et impression numériques

Julius Poncelet Manapul : Cabinet of Queeriosities

Commissaire : Marissa Largo

Studio 386, du 21 au 27 juin

386 Ontario Street, Toronto

Julius Poncelet Manapul, Queerious Hybrid no 1, installation, 2014
collage numérique, sculpture de papier, mannequin

Seul projet solo intéressant dans le lot d’expositions, il m’a semblé important d’en rendre compte ici. L’artiste d’origine philippine joue ici sur deux niveaux de lecture des codes et des techniques. Il travaille l’image au numérique pour ensuite la découper dans une technique traditionnelle en forme de papillon et en fait au final des collages. Ces papillons assemblés ou isolés forment l’ensemble du corpus de l’œuvre présentée. Mais le papillon, m’expliquait Julius Poncelet Manapul est un symbole national aux Philippines. Les images qu’il traite pour former ces papillons sont quant à elles des odes à la masculinité. Cette surcharge de testostérone travestie en légers papillons évoquant au passage l’éphémère et la fragilité peu aussi être perçu telle une sublimation de son parcours personnel. De l’homme qu’il aurait été préférable qu’il soit en un homosexuel fragile aux contours efféminés assumés. En fin de parcours, ce sont des photos de lui-même avec lesquelles il travaille, se transformant lui-même en homme papillon, les ocelles de ses ailes étant ses propres membres. Un être humain et un artiste prennent leur envol.

What It Means to Be Seen – Photography and Queer Visibility

commissaire : Sophie Hackett

Ryerson University, Ryerson Image Center, jusqu’au 24 août

33 Gould Street, Toronto

Archiving Public Sex

commissaires : Nicholas Matte, Lisa Kadey, Jessica Martin, Ana Martins

Université de Toronto, Art Center, du 29 avril au 28 juin

15 King’s College Circle, Toronto

Deux des plus importantes universités canadiennes y sont allé d’expositions didactiques sur les droits humains, peut-être un peu pour rappeler à leurs étudiants qu’ils ne viennent pas d’une génération spontanée. Dans le cas d’Archiving Public Sex, on a pu voir ce que vous devinez qu’il y avait à voir. Difficile de choquer dans un contexte aussi lascif qu’une gay pride internationale. Le plus intéressant quant à moi était le contraste entre ce qu’il y avait à voir sur les murs et les murs eux-mêmes. Le campus date du milieu du XIXe siècle reprenant les codes architecturaux des monastères du Moyen-Âge avec cours intérieures et tutti quanti.

What it means to Be Seen : Photography and Queer Visibility, vue de l'installation, 2014
copyright : Eugen Sakhnenko, Ryerson Image Center

L'exposition What It Means To Be Seen m’a semblé beaucoup plus travaillée. Les photos de très insoupçonnées « dames » de Toronto qui fréquentaient la Casa Suzanne, un endroit où les hommes se travestissaient en dames très chics de la haute société dans les années 60, et où ils avaient des dîners, des soirées de jeux de société ou des soirées dansantes. Révélateur d’une société qui a depuis longtemps disparu. Mais l’exposition nous donne également à voir de nombreux documents internationaux : des images de voitures de police en feu lors de la révolution gay de 1969 à San Francisco, et ces très troublantes photos d’identités prise après une rafle au Bois-de-Boulogne à Paris. Un policier, non identifié, a photographié les prostituées, majoritairement transsexuelles, de plein pied avec leur carton d’identification comme on est en droit de s’y attendre. Mais il a aussi réalisé de très beaux portraits du visage de chacune d’elles. Images troublantes de perversité, et une seule question nous vient à l’esprit : pourquoi sinon pour son propre plaisir ? Chose certaine, ces photos n’ont pas servie à l’identification : trop artistique.

Generations of Queer : Robert Flack, John Greyson, Elisha Lim, Kiley May

commissaire : Lisa Deanne Smith

Onsite [at] OCAD University, du 12 mars au 28 juin

230, Richmond Street West, Toronto

Une exposition basée sur l’histoire, non pas celle de l’humanité, mais l’histoire de chacun. Une exposition interactive où tous pouvaient y laisser, sur un blog interne, l’histoire de sa vie. Ce qui n’était pas tout-à-fait joyeux, mais certainement essentiel. L’école d’art et de design (OCAD) n’allait toutefois pas laisser passer sa chance de présenter également des artistes importants et reconnus. Le plus célèbre est certainement John Greyson, cinéaste, vidéaste et activiste. Ici on présentait une série de courts métrages relatant ses luttes et ses combats. Touchant parce que très bien fait. Le photographe Robert Flack donne à voir des images surréalistes et souvent abstraites, il faut voir comment il réussi à sublimer les plus simples images de l’anatomie humaine en véritable œuvre d’art. Deux jeunes artistes, Elisha Lim et Kiley May complétait la petite cohorte. Très actuels, ces artistes se définissent à la limite ou entre deux genres, autant dans leur personne que dans leur œuvre. Elisha Lim vit et travaille à Montréal et oscille entre pamphlet revendicateur et bande dessinée. Un travail en dessin donc, mais aussi à la vidéo. Quelqu’un qui raconte des histoires qui sont tout aussi bouleversantes que celles lues sur le blog à l’entrée, mais qui cette fois sont transformées par le traitement artistique qu’Elisha Lim y porte. À noter qu’Elisha Lim agissait également à titre de commissaire pour une petite exposition à l’Hôtel Gladstone : That’s so Gay.

Pride of Place : an Exhibition by 18 Gay Canadian Artists

Urban Gallery, du 18 au 28 juin

400 Queen Street East, Toronto

Hank Blondeau, Papal Nuncio : The Clobber Passage, 2014

Les expositions collectives, sous la dénomination plus ou moins précise d’artiste gay étaient nombreuses à Toronto pendant toute la durée du festival. Dans cette petite galerie, le choix était à l’image du terme « gay » : trop vague pour circoncire un certain mouvement et pour assurer un gage de qualité. Car est-il besoin de définir un artiste par le terme « gay » s’il est un bon artiste ? Par contre beaucoup trop de prétendus artistes vont privilégier la voix de la catégorisation, qu’elle soit gay, féministe, autochtone ou autre, pour s’arroger le titre d’artiste qui vient avec. Et pour éventuellement faire porter l’odieux de leur insuccès sur le dos de leur cause difficile à défendre. Quoiqu’en 2014, il soit un peu difficile de nous faire croire que l’art gay soit plus choquant qu’un autre. Aussi dans cette petite exposition, peu de choses du plus grand intérêt. Mais quand même de petites perles et un bel accrochage. Et c’est ainsi, en visitant ce types d’exposition qu’on découvre souvent l’artiste qui demain nous émerveillera.

10 X 10 Photography Project : celebrating queers in the arts by ten queer photographers

commissaire : James Fowler

Gladstone Hotel, jusqu’au 17 août

1214 Queen Street West, Toronto

Pour la quatrième fois, James Fowler a demandé à 10 excellents photographes de réaliser les portraits de 10 personnalités ayant une influence dans le monde des arts et ayant la particularité d’être queer. Parce qu’en 2014 on est plus inclusif, on ne dit plus seulement gay ou lesbienne, mais queer. Le niveau de cette exposition est assez élevé, et on retrouve de très grands noms, comme Evergon, ou en découvre de non moins important comme Mitchel Raphael. Evergon présente une suite de portraits sur fond gris, les murs de son atelier, très sobres et épurés. Peu d’action mais beaucoup d’intensité. On imagine facilement qu’il cherche quelque chose chez quelqu’un et qu’il l’obtienne. Quelque chose qui lui ressemble sans doute. D’où l’inévitable autoportrait ! Mitchel Raphael fait le choix d’une certaine mise-en-scène, un maquillage et une gestuelle chorégraphiée. Plus éclatées, ses photos parlent mieux de leur sujet par des moyens qu’on pourrait croire détournés. Il faudrait parler de tout ce qui se déploie sur les murs des corridors des troisième et quatrième étages de l’hôtel. Parfois la photo nous saisi, parfois le sujet nous interpelle, mais jamais on ne s’ennuie.

À chaque année, l'événement est archivé dans un très beau livre-catalogue. Si l'envie de voir sans vous déplacer jusqu'à la reine-ville : c'est par ici.

Over the Rainbow : seduction and identity

de la collection de Salah Bachir et Jacob Yerex

Par amour/Paramour

Le Musée des beaux-arts du Canada (MBAC) au MOCCA

Museum of Contemporary Canadian Art (MOCCA), jusqu’au 17 août

952 Queen Street West

Ici il faut retenir son souffle, plusieurs des plus grands noms de l’art contemporains sont présentés. Sélectionnée à partir d’une collection privée dans une première salle ou dans les réserves du musée des beaux-arts du Canada, les œuvres choisies sont définitivement des œuvres qui n’ont besoin d’aucune catégorisation pour avoir le privilège de survivre dans le temps. De très beaux Andy Warhol, des photos d’idoles de la communauté queer par George Hurrel, de vrais et authentiques Keith Haring, des photos de Herb Ritts, alouette! Mais ce qui m’a le plus impressionné ce sont ces immenses toiles d’Attila Richard Lukacs. J’ai toujours aimé ce peintre magnifique, à mi-chemin entre Richter, Bacon et Hopper (oui c’est un peu écartelé mais toutefois pertinent). Ses compositions pourraient donner certaines leçons à certains des artistes les plus cotés, ses textures et couleurs ont un aspect intemporel qui interpelle autant le connaisseur que le néophyte. Trop, mais alors vraiment trop peu exposé, ce maître trouve ici une place de choix au sein de cette exposition, son œuvre rayonne et domine largement tout ce qui l’entoure.

Attila Richard Lukacs, Coo coo ka-choo, Mr Ronbinson, détail, 1999
collection de Salah Bachir et Jacob Yerex
photo : Toni Hafkensheid

Par amour/ Paramour tient son titre d’une oeuvre étonnante de l’artiste français Jean-Luc Verda, étonnant parce qu’à des lieux de ce qu’on a pu voir de lui jusqu’ici qui était assez égocentré. Reproduisant le logo et l’image de marque d’un immense producteur américain, Paramount, Verda détourne et le sens et la raison d’être d’une prétendue entreprise artistique. Car si Paramount n’avait fonctionné que par amour, il va de soi que nous n’en aurions jamais entendu parlé.

Il y a de tels trésors dans ces deux expositions qu’il devient incontournable et inévitable d’y aller voir. Le carnaval qu’a aussi été la World Pride s’en trouve grandi, élevé au rang d’événement artistique important. Ce qui n’est pas peu dire… car sublimer cette lourde trivialité n’est pas mince tâche.

p.s. : il n'y a pas beaucoup de montréalais dans ce billet de montréalistement... ouais pis?

no.

Exposition solstice

2014-06-21T16:20:00.000-04:00

Luminescences MTL-TO

Luc Courchesne, Karilee Fuglem, Dil Hildebrand, John Latour, Marie-Jeanne Musiol, Roberto Pellegrinuzzi, Ed Pien, John Player, Chih-CHien Wang

Pierre-François Ouellette art contemporain | Montréal, jusqu'au 12 juillet

Belgo Building, 372, rue Sainte-Catherine Ouest, espace 216, Montréal

Pierre-François Ouellette art contemporain |Toronto, du 26 juillet au 23 août

Centre Space, 65 George Street, Toronto

Dil Hildebrand, Oblique Formation, 2013
acrylique sur toile, 193 X 148cm

Cette exposition ne pouvait être plus à propos pour Montréalistement. Une des plus belle galerie montréalaise, Pierre-FrançoisOuellette art contemporain (PFOAC) qui a également une antenne à Toronto présente un collectif d’artistes provenant des deux villes sous le thème des Luminescences. Œuvres de lumière, œuvres brillantes, PFOAC offre en un clin d’œil ce qui se fait de plus beau en art contemporain. Chacun y trouvera son plaisir. J’ai ai vécu de magnifiques émotions en m’attardant devant l’étonnante Cave d’Ed Pien. Une pièce faite de papier réfléchissant où la lumière qui cache son jeux tant qu’on ne la prendra pas en photo, alors qu'une tout autre lumière resplendit. Magique, un peu comme tout ce que fait cet artiste de Toronto. À hauteur égale, une toile de Dil Hildebrand, ce peintre qui travaille les perspectives et les profondeurs de champs dans un langage presqu’exclusivement architectural. Cette fois-ci c’est en contrastes entre couleurs saturées et blancs crus qu’il nous éblouit, autant par la lumière qui ressort du tableau que par son génie.

Ed Pien, Cave, 2014
ensur sur matériaux réfléchissant 3M et papier shoji découpé

Les délicates photos électromagnétiques de Marie-Jeanne Musiol semblent laisser la lumière passer au travers de la pellicule, constituant ainsi le dessin floral. À l’image d’un rayon X, c’est toute la structure de la feuille, de la fleur représentée qui nous est révélée. La relative transparence des bords de feuillages permet cette diffusion de la lumière. Dans le même ordre d’idée, les photographies de Roberto Pellegrinuzzi enchantent toujours, jouant de transparences et de superpositions.

Marie-Jeanne Musiol, Corps de lumière #187
photo électromagnétique, 18 X 12,5cm, 3/7

Il me faudrait tout décrire. Il me faut tout de même vous laisser quelques surprises. Il s’agit là d’une exposition où tout est essentiel. L’exposition sera reprise avec quelques modifications dans la branche torontoise de PFOAC du 26 juillet au 23 août. Ce sera ma chance de me reprendre, de revoir ces œuvres avec un plaisir renouvelé, et de parler de celles dont je ne parle pas dans ce premier article.

no.

Un bilan

2014-06-19T14:03:00.001-04:00

Dans le train qui me mène en aller simple vers Toronto, l’heure est probablement venue de faire un petit bilan, sans toutefois le déposer, de mes plus de quatre ans de blog. Le titre même du blog, et je ne le changerai pas, me demande de parler principalement de Montréal. Ce que j’ai fait jusqu’ici, sauf lorsque je suis allé en voyage où j'ai souhaité être l’œil du montréalais sur l’art, la musique, la danse, l’architecture. Mais lorsque le montréalais s’expatrie, il faut bien qu’il reconsidère les choses sous un angle nouveau. J'ai donc réfléchi après un appel à l’aide que je vous ai lancé, vous millions de lecteurs, appel qui est resté lettre morte. Je ne l’ai pas mal pris. Soyons sincère, je ne m’attendais pas vraiment à recevoir des suggestions sur l’avenir de Montréalistement. Je ne pouvais qu’être maître du destin de ma créature.

Vue de l'exposition Francis Fontaine : Nature morte/Still Life/Natura Morta, 2014
photo : Francis Fontaine

J’ai pris la décision de continuer de traiter de ce qui se passe à Montréal. Je reviendrai périodiquement, et je ferai le plein à chaque périple en ville, pour ensuite vous entretenir sur ce qui m’aura le plus séduit. J’ai d’ailleurs quelques articles en banque pour les jours qui viennent. Je n’ai pas eu le temps de les écrire, mais j’ai eu le temps de voir de très belles expositions dernièrement. Je continuerai donc de parcourir les galeries montréalaises, et de parfois attraper au vol un concert, un spectacle de danse. Mais là où je vais n’est pas si loin de là d’où je viens. Et les liens sont peut-être plus ténus qu’on ne pourrait le croire entre les deux villes. Déjà : la galerie Antoine Ertaskiran présente en ce moment même à Toronto une exposition de John Rafman, et la Pierre-François Ouellette art contemporain présente une exposition collective à Montréal qui sera remaniée à Toronto fin juillet. Et il y aura au cours de la saison prochaine des musiciens montréalais qui joueront à Toronto, des compositeurs québécois qui y seront entendus, des danseurs qui s’y produiront. Voilà l’avenir de la partie écrite de Montréalistement.

Car oui, ce blog a enfanté dernièrement. Non pas d’un monstre, ni d’un sauveur soyons sérieux. Mais d’une idée. Une idée que j’ai décidé de mettre en œuvre. Exposer des artistes qui ne sont pas attachés à aucune galerie, ni agent. Une évidente extension de ce que j'ai tenté de faire jusqu'ici sur ces pages. Des artistes de Montréal et de Toronto, qui exposeront à Montréal et à Toronto. Une première mouture de ce projet se tenait à Montréal au cours des dernières semaines. Pompeusement intitulé : Montréalistement : ze Festival, cet événement a permis aux amateurs, collectionneurs et médias des arts de découvrir trois artistes trop peu souvent exposés. Francis Fontaine, Philippe van Eetvelt et Yannick de Serre. Mais force est d’admettre que lorsque je suis muet sur un sujet pour cause de conflit d’intérêt, les réactions médiatiques sont plutôt minces. Il faudra bien un jour que Montréalistement enfante d’un autre blogueur ! Ou du moins en adopte un pour continuer le travail. Des volontaires ?

no.

Sous les boules roses

2014-06-01T13:10:00.000-04:00

Manifestation d'art public : Entre les lignes

commissaire : Aseman Sabet

Aires libres, sur la rue Sainte-Catherine, entre Berri et Papineau

jusqu'au 1er septembre

Architecturama, Haie, détail, 2014

Responsable de la mise en beauté de la rue Sainte-Catherine entre les rues Berri et Papineau, l’événement Aires libres grandit et murit d’année en année. On est à des années lumières de ces chicots de palmiers qui ornaient l’entrée du village, ou de ces bonhommes fabriqués avec de la broche à poule, la tête enfoncée dans des pots de fleur. De fait, les boules rose de Claude Cormier ont mis ce quartier sur la carte internationale, ont remporté de nombreux prix et ont engendré une foule de nouveaux projets. L’an dernier, Dominique Pétrin enrobait l’édicule de la station de métro Beaudry et paraît les fenêtres de la Banque Nationale, sponsor du projet. Cet été, c’est à une véritable exposition d’art public que nous convie Aires libres.

On s’est d’abord assurer de l’expertise d’une commissaire, Aseman Sabet, qui a su recruter une belle brochettes d’artistes reconnus et leur commander des œuvres conçues spécifiquement pour l’événement. Qui aurait pu imaginer un jour que les Valérie Blass, Jim Holyoak et Jean-Benoît Pouliot se retrouveraient dans une exposition collective organisée par l’association des commerçant du village ? Voilà un grand pas de fait, et on ne peut qu’applaudir cet exercice de démocratisation de l’art contemporain.

Ici les artistes n’ont visiblement pas eu à exercer de compromis, et les minces contraintes étaient de répondre au thème d’Entre les lignes. Les lignes sont celles que forment les rues et les ruelles, mais aussi les lignes de conduites, les lignes directrices et les sous-textes. C’est donc entre toutes ces lignes que ces œuvres se présentent. Entre les lignes, mais aussi entre les terrasses, le mobilier urbain, les façades déglinguées et les passant, les œuvres sont souvent difficiles à photographier. Il faut donc se rendre sur les lieux. De toute façons, on le comprend, elles sont là pour l’été.

l'étrange bestiaire de Jim Holyoak et Matt Shane orne l'édicule de la station de métro Beaudry

Il ne faudra pas rater ce jeu de cordes et de poings qui tient debout de façon incompréhensible que Valérie Blass nous donne à voir au coin de la rue Saint-Timothée. On pourra admirer la monumentalité des immenses photographies sur la façade vitrée de la Banque Nationale que Jean-Benoît Pouliot a réalisé dans une cohérence intelligente avec son travail habituellement de plus modeste dimension. Le très jeune Louis Bouvier a choisi d’être grec le temps d’une installation ludique et improbable où un singe tenant un drapeau surmonte de fausses colonnes ionique. Ou dorique, on s’en fout ! Jym Holyoak, aidé de MattShane a imaginé un bestiaire à la fois terrestre, aérien et aquatique suspendu entre ciel et sous-sol à la station Beaudry. Enfin l’étrange petit musée de NicolasFlemming, une cabane de bois fenêtrée contenant des objets, des œuvres se trouve malencontreusement entre la façade aveugle du réseau TVA et, de l’autre côté de la rue, d’un complexe de bars, boites de nuit, restaurants et hôtel abandonnés. Entourée de peu d’activité donc, l’œuvre s’attire peu de regards et donne l’impression d’avoir été oubliée là. Pourtant, elle est bien fascinante. Tout au long du parcours, on peut aussi observer des reproductions photographiques d’œuvres murales de différents artistes. Ce sont autant de petits moments volés à la frénésie inhérente au quartier.

Le fameux espace pas très vert près de la rue Woolfe a été réaménagé une fois de plus, on a recouvert les structures déjà présentes, ces longs rectangles entre lesquels on peut circuler, qui sont munis d’ouvertures circulaires allant en rapetissant. La Haie imaginée par Architecturama est tout ce qu’il y a de plus intéressant. Inspirée des labyrinthes et des jardins français, les immenses montages photographiques reprennent les poncifs architecturaux, décoratifs et de perspectives de l’époque. Gageons qu’encore une fois cette installation sera photographiée à tout cran, que tous et toutes y trouveront une façon originale de se l’approprier. Espérons toutefois qu’elle ne sera pas saccagée comme celle de l’an dernier qui a subit de trop nombreux outrages de gaffeurs enragés.

Louis Bouvier, L'oeuvre d'art avec un grand "O", 2014

L’événement Aires libres a donc le vent dans les voiles. S’étant enrichi de plusieurs œuvres qu’on espère revoir dans quelques années, on peine à imaginer comment on pourra faire plus et mieux dans les années à venir. Bon, je n’ai pas tant de difficulté que ça au fond ! Mais quelle belle évolution, quelle belle maturité.

no.

"Tout le monde veut aller au ciel, oui mais personne ne veut mourir"

2014-05-31T10:30:00.003-04:00

Mathieu Latulippe : Retour à Paradise Lost

Centre Optica, jusqu'au 28 juin

5445, avenue de Gaspé, suite 106, Montréal

Mathieu Latulippe, Baby Blues, 2014
médium mixtes

Mathieu Latulippe vous invite au paradis. Un paradis vraiment paradisiaque où la nature est domestiquée, la vie douce et saine. Mais, comme le dit le titre d’une de ses œuvres exposées, shit happens. Oui, des fois, les choses ne tournent pas comme nous le voudrions. La merveille de la nature se dévoile champignon nucléaire, la petite maison dans la vallée se révèle être, à la vue de l’arrière de la pièce, une espèce de bunker qui occupe probablement tout l’intérieur de la montagne à l’ombre de laquelle elle est construite. L’homme construisant sont paradis n’en fait pas moins de l’hommerie.

Comme il est avancé dans le texte qui accompagne l’exposition, la notion de paradis et/ou de paradis perdu relève, que nous l’admettions ou non, d’une vision chrétienne du monde. Le bien et le bon sont récompensés par un nirvana de bonheur. Il n’en demeure pas moins que cette vision, aussi chrétienne et millénaire qu’elle soit, n’est qu’un pur produit de l’esprit humain. On peut y croire, on peut croire qu’il y a une, deux ou milles conditions pour y accéder, on peut en espérer l’existence, on peut même baser tous nos actes sur l’éventuelle accession à ce paradis. Mais qu’en est-il au fond ? Nul ne peut y répondre. Latulippe s’amuse donc à déjouer nos appréhensions positives. Puisque que le paradis est une vision de l’esprit humain, il ne peut être qu’à l’image de l’homme. Et l’homme n’a que trop rarement quoique ce soit de pur, beau et sain à nous montrer.

Mathieu Latulippe, La chute, 2013
impression jet d'encre

Le détournement du sens premier des mots, la contorsion des concepts sont des tares profondément humaines. Et si l’artiste a quelque sens dans notre société, c’est certes en nous remettant au visage ces tares, ces roueries. Ludique et acerbe à la fois, la critique que fait Mathieu Latulippe est fondamentale. Pourquoi en serait-il autrement au ciel que sur la Terre ? Pourquoi l’ailleurs devrait-il être meilleur puisqu’il provient d’une seule et même source, l’âme humaine ?

Mathieu Latulippe, La petite maison dans la vallée, 2014
médiums mixtes

L’artiste nous avait souvent donné à voir ses maquettes d’un monde qui ne serait pas le nôtre mais à son imitation. On se souvient de ces iles déviergées présentées lors de la seconde triennale dumusée d’art contemporain. On gardera souvenirs de la présente exposition qui inaugure les nouveaux locaux du centre d’artiste Optica, d’un travail d’une grande cohérence, d’un propos qui s’affine et qui se clarifie avec les années. Mathieu Latulippe travaille plusieurs médiums : photographie, peinture, sculptures et installations. Artiste sensible et sensé, sa vision du monde ne pourra que toucher un public toujours grandissant, son travail touchant déjà à l’universalité. Le regard tristounet qu’il pose sur la société ne l’exclu pas, et c’est humblement qu’il nous suggère de considérer sa vision de cette société dont il n’oublie jamais qu’il fait également partie.

no.

Daniel Barkley et Mathieu Laca - sexe : masculin

2014-05-18T13:04:00.001-04:00

Daniel Barkley : dessins

Galerie Dominique Bouffard, jusqu'au 15 juin

Belgo Building, 372, rue Sainte-Catherine Ouest, espace 508, Montréal

Mathieu Laca

Galerie MX

333, rue Viger, Montréal

Daniel Barkley, Karl, étude pour possession, 2013
acrylique sur bois, 51x51cm

Deux artistes, d’âge et de reconnaissance fort divergentes, présentaient cette semaine leur plus récente production. Deux visions du portrait, deux vision du corps masculin, comparables et cohérentes.

Daniel Barkley, Gold hands III, 2013
crayon, encre et feuille d'or sur papier, 35,5x 25,5cm
photo : Guy L'Heureux

Dans le tout nouvel espace de la galerie Dominique Bouffard, qui fait probablement plus du double de la superficie qu’elle avait sur la rue Amherst, on présente une grande exposition de dessins de Daniel Barkley. Le collectionneur Bruno Petit a suggérer d’éditer en un très beau livre le travail intime de l’artiste qui avait d’épais cahiers de dessins qu’il montrait peu et dont il ne voulait pas se départir. Le choix d’environ 200 dessins montrés dans ce livre dévoile donc sa façon de travailler. Il photographie au préalable ses modèles qu’il pare de coulisses de peinture, des morceaux de feuilles d’or ou d’arbre, de tissus... Vient ensuite un travail de dessin. Au graphite ou à l’encre, Barkley reprend l’essentiel de l’homme qu’il a eu devant lui, y trouve son caractère premier. Très beaux, avec une belle technique, ces dessins sont ensuite reproduits en plus grands formats, peints, colorés. Les modèles initialement photographiés aboutissent dans ses toiles. Il y a donc dans cette exposition beaucoup de dessins qui ont été créés pour l’occasion, des aquarelles, et quelques toiles. Et ce beau livre.

L'oeuvre dessiné de Daniel Barkley

Le tableau final pourrait faire croire à un tableau de chasse où l’artiste aurait traqué au milieu de séances érotiques l’intime de ses sujets. Il faut comprendre que ces œuvres ont une forte charge sexuelle, qu’elles attirent et attisent passionné(e)s et passions. Au soir du vernissage, il fallait voir les gens roder, regarder de côté, revenir, regarder en face… Et pourtant, il n’y a rien de sexuel sur les œuvres. Des nus certes, des sexes, mais aucune activité. Un désir latent, une bouche entrouverte, un regard viré vers le haut, un je-ne-sais-quoi comme ils disent. L’art de Barkley n’est pas seulement de réussir à peindre ces corps mais aussi d’arriver à faire dire à ces corps ce que lui y voit. Le portrait chez Barkley n’est-il pas toujours un autoportrait en autre fantasmé ? Un soi sublimé, un autre approprié ?

Daniel Barkley, Cyclope, 2013
acrylique sur bois, 91x91cm

Mathieu Laca a donné dans le passé des œuvres hautement sexuées, voire pornographiques. Aujourd’hui représenté à la galerie MX, il nous conviait samedi à une visite guidée de sa nouvelle production.

Mathieu Laca, Tête sur fond bleu, 2014
huile et acrylique sur lin, 171x231cm

Laca a pris une tangente portraitiste depuis un certain temps, et a de beaucoup épuré son travail. Ses fonds notamment, parfois hautement chargés et tourmentés, deviennent d’un blanc poli, d’un bleu pur. Ceci, comme il l’affirme lui-même, pour laisser toute la place au sujet, qui soudainement semble sortir de la toile. Ces visages d’hommes surtout, de femmes parfois, crient, hurlent leur présence. L’indifférence face à ces œuvres n’est pas possible. Les empâtements de plus en plus épais offrent une troisième dimension, presqu’un bas-relief. Souvent, les visages se fondent, s’éclipsent dans une giclée, un essuyé, une coulisse, forçant ainsi le regard vers un point de fuite ou un point focal, c’est selon.

Mathieu Laca, Tête II, 2014
huile sur lin, 77x62cm

Là encore, le portrait, souvent autoportrait, capte l’essence même du sujet. Mais contrairement au travail de Barkley, les toiles de Mathieu Laca n’ont pas cette charge érotique, même lorsque les images ont été faites à partir de photographies de personnages en plein orgasme. On y sent surtout une souffrance, un désir non pas sexuel mais simplement d’existence. Un moi qui cherche à s’affirmer, à s’autoproclamer.

Mathieu Laca, Tête I, 2014
huile sur lin, 77x62cm

La galerie MX ne fait pas d’expositions solos en tant que tel. L’accrochage actuel, où Laca occupe beaucoup d’espace devrait durer quelques jours. Mais en même temps, il est toujours possible de voir les œuvres des artistes qu’elle représente, et leur réserve recèle de trésors. Quant à l’exposition de Daniel Barkley, elle se poursuit jusqu’au 15 juin, et il sera possible de repartir avec le livre d’art, qui vient avec une gravure, et de vivre plus longuement l’expérience intime dans l’intimité de son foyer.

no.

BIAN : mécaniques de l'art

2014-05-15T15:19:00.001-04:00

La Biennale Internationale d’art numérique (BIAN) étend ses tentacules partout sur l’île de Montréal. Avec la participation des plusieurs maisons de la culture, il sera possible de vivre des petits bouts de l’événement à Pointe-aux-Trembles autant qu’à Côte-des-Neiges. Le blogueur se promène et tombe sur des installations qui le font sourire, mais aussi le séduisent, et même qui l’obsède un peu…

Robyn Moody, Heart Lake, détail, 2014
crédits photo : Robyn Moody

Robyn Moody : Power 2 : Heart Lake as Seen Through the Eyes of Manley Natland

dans le cadre de la Biennale internationale d'art numérique

Centre PHI, jusqu'au 31 mai

407, rue Saint-Pierre, Montréal

Robyn Moody, Heart Lake, 2014
crédits photo : Brian McKenna

Au Centre PHI, une installation dérangeante par son propos et par le bruit étrange qu’elle produit. Évoquant une réflexion sur les impacts environnementaux de l’exploitation des sables bitumineux dans l’ouest de notre beau pays, Robyn Moody a créé une machine qui roule rondement. Des dizaines de petites roulettes de différentes tailles se stimulent au contact des mouvements de leurs voisines. De minuscules miroirs placés en angle captent la lumière, mais surtout agacent notre rétine. L’installation reproduit la forme du lac Heart en Alberta, et représente la vision qu’en aurait eue un scientifique des année 50, Manley Natland, s’il avait pu y réaliser le projet de séparer le pétrole du sable par explosions nucléaires souterraines. Ce lac a toutefois été choisi pour nom, et non parce qu’il a été victime d’un tel derby de démolition. En effet, le cœur est cette machine qui nous tient en vie et qui doit toujours rouler. Plus mécanique que technologique, l’oeuvre de Robyn Moody nous envoûte comme le ferait un train électrique miniature. Mais la vision dantesque que ce travail véhicule est ce qui reste en nous des jours durant.

Chris Salter : N-Polytope : Behaviors in light and sound after Iannis Xenakis

dans le cadre de la Biennale internationale d'art numérique

Fonderie Darling, jusqu'au 13 mai

745, rue Ottawa, Montréal

Non loin du Centre PHI, à la Fonderie Darling, une immense installation rend un hommage pastiche à l’iconique Polytope de Montréal créé par Yannis Xenakis pour Expo 67. Reprenant ce qui nous semble être l’esprit et la lettre de l’œuvre - avec les années qui peut vraiment dire à quoi ressemblait l’original ? - Chris Selter nous offre un moment de déambulation et de réflexion. L’éclairage stroboscopisé sursaute, la musique plane et les lasers arrosent le tout de belles couleurs. Malheureusement, il est assez difficile de se faire une bonne idée de l’œuvre si on la visite en plein jour. La grande salle de la fonderie est complexe à obscurcir, plusieurs sources de lumières partiellement cachées entrent en conflit avec l’installation. Semi moment de bonheur, on aimerait drôlement revoir la chose dans un contexte plus adéquat, question d’avoir son petit spleen nostalgique des folles années de création qu’étaient les années 60.

Immanences : Nathalie Bujold, Stéphanie Castonguay, Alice Jarry, Pier-Antoine Lacombe, Guillaume Pascale et Charles-Antoine Turcot

dans le cadre de la Biennale internationale d'art numérique

Maison de la culture Frontenac, jusqu'au 7 juin

2550, rue Ontario est, Montréal

Alice Jarry, Spectrales, 2014

J’avais beaucoup aimé l’installation qu’Alice Jarry avait présentée en janvier dernier à la galerie Les Territoires (voir ICI). Son jeu de cordes, poulies, boules trouées et de contrepoids envoûtent littéralement le visiteur. Tout bouge sans arrêt, on ne comprend pas parfaitement comment cela se produit, mais il y a du mouvement. Lent, mais constant. Sa participation à l’exposition de groupe Immanence, toujours dans le cadre de la BIAN est encore plus élaborée, et incorpore la lumière à l’intérieur de son mécanisme. Encore une fois, une œuvre plus mécanique que technologique - enfin pour ce que j’en comprends ! - qui occupe allègrement tout le centre de la salle 1 de la maison de la culture Frontenac. Magique, Spectrales, par sa dimension devient une immense toile d’araignée où la bête demeure invisible. Son aspect astronomique enchantera autant l’amateur d’art que l’enfant de 5 ans.

Nathalie Bujold, Portrait de Bernard, extrait de Pixels et petits points, 2004

Juste à côté de l’œuvre d’Alice Jarry, sur le mur se trouvent une série de petits points. Oui, de la broderie dans une biennale d’art numérique. Se riant des demandes des commissaires, Nathalie Bujold reproduit des images sur-pixellisées par une technique ancestrale. Choc des époques agréable et rafraîchissant.

no.

25 oeuvres, 25 compositeurs, 25 ans... UNE seule pianiste

2014-05-08T12:39:00.001-04:00

Série 25 ans de musique québécoise
3e de 4 récitals (2001 à 2006)
4e de 4 récitals (2007 à 2013)
Louise Bessette, piano
Chapelle historique du Bon-Pasteur
30 avril, 20h et 7 mai, 20h

Louise Bessette
photo : Robert Etcheverry

En quatre récitals, Louise Bessette a dressé un portrait de la composition pour piano des 25 dernières années au Québec. Une imposante leçon d’histoire pour l’auditeur, un imposant défi pour la pianiste. Humble, elle a donné toute la place aux compositeurs. Que ce soit dans son travail d’interprétation ou lorsque vient le temps de recevoir les vivas de l’auditoire, toujours elle s’efface et met le compositeur en avant-plan. Il s’agit certainement de la plus grande marque de respect qu’elle puisse leur porter, et en retour, les compositeurs semblent avoir un amour infini pour la grande interprète. Mercredi dernier et hier soir avait lieu les deux derniers segments de cette saga musicale. Comme les œuvres étaient présentées en ordre chronologique, nous sommes passé de 2001 à 2006 dans un premier temps, pour ensuite entendre les productions pianistiques des années 2007 à aujourd’hui avec pour dessert une création. Nous ne le dirons jamais assez, tout cet immense corpus doit faire l’objet d’un enregistrement, non seulement pour un portrait de la composition au Québec mais aussi pour les futures générations de pianistes qui auront des versions de référence de ces pièces. Je déplore d’ailleurs le fait qu’aussi peu de pianistes se soient déplacés pour assister à ces quatre concerts, gratuits en passant. Tous auraient pu y trouver à boire et à manger, y apprivoiser du nouveau répertoire, y apprendre comment bien interpréter la musique contemporaine. Mais bon…

Concert 3 : 30 avril 2014

2001 : Michael Oesterle : November

2003 : Walter Boudreau : Valse de l’asile

2004 : Nicolas Gilbert : À rebours

2005 : Gilles Bellemare : Scènes de l’autre forêt

2006 : Paul Frehner : Finnegans Quarks Revival

Toute la seconde moitié du troisième récital était consacrée à une longue et surtout très difficile œuvre de Paul Frehner : Finnegans Quarks Revival (2006). Sur un argument scientifique, de la taille des quarks, de leurs mouvements autour de l’atome, Frehner a construit une pièce assez abstraite. Compilation des divers styles d’écritures pour le piano, on passe de Rachmaninov au blues, transite par une marche funèbre ou une toccate frénétique, Louise Bessette a dû mettre tout ce qu’elle possédait comme moyens pour rendre cette longue pièce intéressante. Car la mixture de tous ces styles différent ne convainc pas toujours, et l’oreille est parfois agacée par la trop grande mixité des genres.

Nicolas Gilbert

En première partie, des pièces heureusement de moins grande envergure, dont la célébrissime Valse de l’asile de Walter Boudreau qui a donné naissance à son beau concerto pour piano créé l’an dernier. J’ai particulièrement apprécié la pièce de Nicolas Gilbert : À rebours. Il m’expliquait en entrevue informelle qu’il avait pratiqué pour la première fois dans cette pièce un principe d’écriture qui utilise l’augmentation de la durée d’une cellule mélodique en revenant toujours à son point de départ avant de prendre de l’expansion. Plus simplement : do-re, do-ré-mi, do-ré-mi-fa, et ainsi de suite. Je simplifie évidemment… Pour moi, et j’ai demandé la permission au compositeur avant de l’écrire, À rebours a pris un tout autre sens. Je suis parti du livre au titre jumeau de Huysmans. Dans ce livre, le narrateur nous décrit et fait une liste de tout ce qu’il trouve beau. Tout ce qui mérite d’être vu, lu, entendu, senti, ressenti, etc. Gilbert aurait donc mis pour moi les façons de toucher le piano qu’il admire. J’y ai entendu du Messiaen, du Stockhausen, un peu de dodécaphonisme décadent, des ruisseaux de notes, des sons percussifs à la Bartok. Qu’elle qu’en soit la vision qu’on accorde à cette musique, on doit comprendre que si nous avons pu y entendre tant de choses, c’est parce que son interprète a en tiré le meilleur.

Concert 4 : 7 mai 2014

2007 : Nicole Lizée : Vertigo Beach no. 1

2008 : Gilles Tremblay : Musiques de l’eau

2009 : François Dompierre : 24 Préludes

4- Limpide

8- Déterminé (tango)

2010 : Silvio Palmieri : Prélude XI: Elevazione (Disperate vibrazioni raschiano il silenzio)

2011 : Serge Arcuri : Des jardins secrets

2012 : Anthony Rozankovic : CQM, 25 ans ensemble pour la musique

2013 : Maxime McKinley : Héros-Limite (Commande de Louise Bessette, dédiée à Louise Bessette, en hommage à Guy Soucie)

Pour couronner la quadruple événement, devant une salle remplie de ses admirateurs les plus fidèles : les compositeurs; Louise Bessette a misé sur une alternance d’œuvres phares et d’œuvres plus légères. Je me suis plutôt intéressé aux œuvres qui auront forcément une durée de vie plus importante…

Si Gilles Tremblay est le papa de plusieurs des compositeurs qui ont été entendus au cours des quatre récitals, il fallait bien qu’il soit joué lui aussi. Mais il a relativement peu écrit pour le piano, et Musique de l’eau est la seule œuvre pour piano, écrite au cours des 25 dernières années. Composée pour Bessette elle-même, à partir de matériel tiré de son opéra L’eau qui danse, la pomme qui chante et l’oiseau qui dit la vérité, on a affaire ici à une pièce de maturité. Si le langage ne nous étonne en rien, l’efficacité du discours musical est telle, que l’auditeur se trouve happé par cette musique sans avoir même le temps de la voir passer.

Le très debussyste prélude Elevazione de Sylvio Palmieri a certainement été la pièce qui m’a le plus impressionné dans le groupe de 25. Palmieri sait faire sonner un piano comme peu, les volées de cloches, les jeux de pédales et la palette sonore extra large font jouir de l’oreille. Louise Bessette est ici à son meilleur du meilleur. Un son toujours parfait, jamais trop dur, jamais vulgaire, mais toujours contrôlé et riche. Un très très grand moment de musique et aussi une grande leçon de piano. Cette œuvre devrait certainement faire partie de la formation des pianistes. Comme les préludes de Debussy, le plaisir de la jouer est probablement encore plus grand que celui de l’écouter.

Maxime McKinley

Pour clore, une création de Maxime McKinley qui a reçu commande d’écrire une œuvre qui rendrait hommage à Guy Soucie, directeur artistique de la chapelle historique depuis sa fondation, il y a 25 ans et initiateur du projet des quatre récitals. Il est absolument réjouissant d’entendre, dès les premières mesures d’une oeuvre musicale, la patte, la voix d’un compositeur, de reconnaître le compositeur. Maxime McKinley, malgré son jeune âge, a déjà un langage bien à lui. Un peu comme Denis Gougeon, on sent qu’il écrit pour faire plaisir à l’interprète. Et plaisir à ceux qui l’écouteront. Héros-Limite est une pièce au rythme prégnant. Quoique de tempo assez lent, le cœur se met à battre plus vite et plus fort. L’auditeur s’assoit soudainement sur le bout de son siège et se surprend à « suivre » la pièce comme s’il s’agissait d’un match sportif. La sonorité s’assombrit parfois, il maintient des clusters frappés aux deux extrémités du piano dans la pédale, tout en continuant à créer d’autres sons au centre. Un effet assez dramatique, mais un drame presque joyeux tant le plaisir de la musique prend le dessus sur tout. Que de dynamisme, que de volonté dans cette pièce. À l’image de son dédicataire, l’œuvre se termine non pas sur la fin appréhendée mais sur un nouvel élan. Que pouvait-on espérer de mieux pour conclure ce dernier récital?

Un moment historique en quatre temps s’est déroulé sous nos oreilles, et s’est terminé sur un appel au renouveau. On salue bien bas.

no.

Marcher pour la vie

2014-05-02T08:56:00.000-04:00

Tragédie

Olivier Dubois, chorégraphe, 18 danseurs

François Cafenne, musique

Patrick Rioux, lumières

Ballet du nord Olivier Dubois, Compagnie Olivier Dubois

présenté par Danse Danse

Place des arts, Salle Maisonneuve, 1er, 2 et 3 mai, 20h

Billets ICI

L’hypnotiseur Olivier Dubois a donc placé sous son joug plus de 1500 personnes hier soir à Montréal. Il recommence ce soir et demain. Pendant 90 minutes, armé de ses 18 danseurs, il prend le contrôle de vos battements cardiaques, il vous assomme, vous rend esclave de cette masse humaine qui marche, danse et court devant vous. Masse certes, mais individuée. La nudité, complète et banale, nous fait réaliser combien l’humain est différent de l’un à l’autre. Combien le corps connaît-il de variations ?

Photo © François Stemmer.
Interprètes Filipe Lourenço, Marie-Laure Caradec, Karine Girard, Jorge More Calderon, Carole Gomes, Thierry Micouin, Sandra Savin, Virginie Garcia, Sébastien Perrault, Inès Hernandez, Benjamin Bertrand.

Sur un rythme et en rythme, les danseurs entrent. Un par un. En couple, en trio, en groupe femme, en groupe homme, en troupeau. Ils marchent d’un pas plus qu’assuré, ils nous regardent. Ils font un pivot, ils retournent, ils reviennent. C’est long, très long. Mais nécessaire vous verrez. Au moment où vous commencer à vous demander si vraiment ce ne sera que ça, cette Tragédie, les mouvements commencent à se disloquer. Un manque de contrôle soudain, un petit glissement du pied, un tic nerveux. Et finalement ça danse. Enfin, libérés ils sont, libérés nous sommes. Mais la danse prend du poids, le poids du monde. Les danseurs abattus, au plancher. Masse humaine ils redeviennent. Dans un des plus beaux moments du spectacle, ce tas bouge sous un éclairage incandescent, la braise de corps. Et la marche reprend de plus belle. Plus affirmée. Les corps commencent à suer. Viens la plus folle libération, ils dansent comme des… humains. L’éclairage, toujours parfait tout au long du spectacle, devient stroboscope halluciné. Pendant tout ce temps le rythme de la musique, elle aussi parfaite tout au long du spectacle, accélère, devient de plus en plus bruyante, prend de plus en plus de place. Et les voilà qui courent, ils sont complètement trempés. Ils courent après leur propre destin, leur propre vie, on ne sait pas, mais ils courent.

Rarement j’aurai vu un spectacle aussi réussi quant à sa montée en tension et en rythme. Un lent et long crescendo fluide. Rarement j’aurai vu des danseurs aussi parfaitement synchronisés. Le langage chorégraphique assez basique est ici utilisé avec la plus grande efficacité. Tout fonctionne au quart de tour, ils respirent en symbiose, le seul temps mort aura lieu entre le noir et les applaudissements à la toute fin. Parce que le public a été pris en otage, il prend quelques surprenantes secondes avant de revenir à lui. Syndrome de Stockholm au cube.

On pourra pérorer sur le sens de la vie, la philosophie nietzschéenne du super homme, on pourra imaginer toute une métaphore sur la condition humaine ou sur le cycle de la vie. On aura toujours raison. Comme toute grande œuvre, Tragédie permet de multiples lectures, et chacun pourra y prendre ce qu’il voudra. Immense spectacle, pour spectateurs n’ayant ni problèmes cardiaques ni propension à la claustrophobie, la chorégraphie d’Olivier Dubois est probablement le moment le plus important de la saison en danse contemporaine.

Photo © François Stemmer.
Interprètes Thierry Micouin, Sylvain Decloitre, Jorge More Calderon, Sébastien Perrault, Filipe Lourenço, Sébastien Ledig, Arnaud Boursain, Rafael Pardillo, Benjamin Bertrand.

Danse Danse qui nous amène ce qui se fait de mieux en danse de par le monde et du Québec, a besoin pour fonctionner de plus que des applaudissements nourris. D’autant plus que Danse Danse offre un programme d’aide à la création chorégraphique, Carte Blanche et aide les jeunes en difficulté ou provenant de milieux défavorisés à avoir accès au monde de la danse en leur offrant des places pour leurs spectacles via le programme Amenez un jeune à la danse. Un événement bénéfice réunira une paire d’équipes de créateurs hors pairs, soit RUBBERBANDance dirigé par Victor Quijada et Sid Lee. Un événement spectacle suivi d’une soirée dansante. C’est le jeudi 15 mai prochain, et les billets se trouvent ici. Donner un peu et recevoir la création en échange, du gâteau.

no.

BIAN : Michel Lemieux - Victor Pilon, les précurseurs

2014-05-01T15:34:00.000-04:00

La Biennale internationale d’art numérique (BIAN) déferle sur Montréal pour une seconde édition. Sous le titre général Physical/ité, l’événement donne lieu à une multitude d’expositions, d’installations, en plus d’inclure, pour la première fois réunis en 15 ans d’existence, les festivals Élektra et Mutek sous le chapeau de EM15. Beaucoup de techno et d’objets étranges à voir et à entendre à partir d’aujourd’hui jusqu’au 19 juin et peut-être même un peu plus. À preuve, cette première exposition donc au Musée des Beaux-Arts de Montréal inaugurée aujourd’hui, une fabuleuse rétrospective du duo Michel Lemieux – Victor Pilon, se prolonge jusqu’à la fin juin.

Michel Lemieux - Victor Pilon, Territoires oniriques, 2014
vue de l'installation
photo : MBAM / Jean-François Brière

Michel Lemieux - Victor Pilon : Territoires oniriques
dans le cadre de la Biennale internationale d'art numérique

Musée des Beaux-Arts de Montréal, jusqu'au 31 août 2014
1380, rue Sherbrooke Ouest, Montréal

L’exposition est divisée en deux parties. Une première, plus didactique aux dires même des créateurs, effectue un survol exhaustif et chronologique de leurs créations des 30 dernières années. Si le duo a commencé à collaborer il y a 25 ans, Michel Lemieux, de son côté, connaissait déjà une belle carrière avec des spectacles éclatés où le mélange des genres et des techniques avait la part belle. Beaucoup se souviennent de Solid Salad, le disque et spectacle qui l’ont fait connaître au grand public. Il y avait eu auparavant L’œil rechargeable, qui a ensuite prêté son nom à un magazine à l’époque et aussi Le tympan de la cantatrice que j’ai eu la chance de voir, on parle de 1982, dans des lofts, endroits tout à fait extraordinaires à l’époque.

Michel Lemieux - Victor Pilon, Territoires oniriques, 2014
vue de l'installation
photo : MBAM / Jean-François Brière

Des maquettes, de courtes vidéos, des artefacts et des photos nous remettent en mémoire tout un pan du passé des arts technologiques devenus numériques du Québec. Les dernières réalisations de Lemieux-Pilon, tout comme les premières, dépassent toujours les limites du possible et provoquent toujours autant d’incrédulité devant ces réalisations technologiques. Les mises en scène pour le théâtre et le Cirque du Soleil, les installations du nouveau Planétarium sont autant d’objets parfaitement muséables, et il n’est en rien surprenant de les voir aboutir au MBAM.

Mais les deux créateurs n’allaient pas s’arrêter en si bon chemin. Ils ont créé pour l’occasion une immense installation immersive où cinq de leurs plus récentes créations sont citées : Grand hôtel des étrangers, Orféo, Delirium, La belle et la bête et Icare. Des images, des extraits vidéo, de la musique, des mots sont diffusés dans le carré d’art contemporain du musée, transformé ici en immense boîte noire. Murs, plafonds, planchers et même les écrans sont noirs. Les écrans qui sont partout dans la salle, non seulement sur les quatre murs donc, et parmi lesquels on peut se balader. Endroit magique, les Territoires oniriques condensent l’univers du duo de créateurs tout en le renouvelant. Parfois rêveur et poétique, parfois angoissant ou halluciné, le travail de Lemieux-Pilon se trouve ici magnifié. Entré alors que partout apparaissaient des livres géants j’en suis ressorti près de 30 minutes plus tard à la réapparition de ces mêmes livres avec l’impression d’avoir fait un voyage dans la pensée de deux créateurs prodigieux.

Michel Lemieux - Victor Pilon, Territoires oniriques, 2014
vue de l'installation
photo : MBAM / Jean-François Brière

Incontournables du paysage artistique québécois, Michel Lemieux et Victor Pilon offrent pendant tout l’été un spectacle dans lequel il fera bon de s’immerger à plus d’une reprise.

no.

photo officielle de BIAN par Baillat-Cardell

Belgo 8

2014-04-29T09:41:00.000-04:00

Aux lendemains de la foire Papier 14, la vie se doit de continuer pour nos galeries d’art contemporain. Un petit aperçu de ce que j’ai vu de remarquable au Belgo Building ces dernières semaines.

Luc Courchesne : Vue d'ensemble

Pierre-François Ouellette Art Contemporain, espace 216

jusqu'au 17 mai

Luc Courchesne, 20130321 Durham NC, 2013

Comme souvent chez Pierre-François Ouellette on y entre pour y être dérouté et intrigué. Les écrans plasma occupent le premier espace, et à l’aide d’une manette, on se replace dans l’espace, dans le cosmos bien personnel de Luc Courchesne. Si cette installation intéresse, elle ne passionne pas autant que celle qui suit. Un écran au plafond diffusant des visages d’hommes. Un écran au plancher diffusant des images de femmes. Les deux images se regardent et se fondent dans de miroitants petits cercle de verre suspendus en diagonale de façon à capter l'une ou l’autre des images vidéos. Les centaines de rondelles mobiles chatoient aux couleurs dominantes de chacun des écrans. Magique et envoûtant.

Enfin, tout autour sur les murs Luc Courchesnes donne à voir des photos en anamorphose ou en œil-de-poisson sur des disques. Brillants et attirants, ces objets sont un condensé des mondes que l’artiste favorise dans son travail et des moyens qu’il emploie pour nous le montrer. Une vision globale en un clin d’œil, une vision périphérique pour microscope. Là encore, magique et envoûtant.

Luc Courchesne, vue de l'exposition Vue d'ensemble, 2014

Jim Verburg : Afterimage

Galerie Nicolas Robert, espace 524

jusqu'au 24 mai

Jim Veburg, Untitled (layered #1), 2014

Le galeriste Nicolas Robert a présenté avec succès quelques-unes de ses œuvres à la foire Papier, mais il me fallait revenir sur cette exposition solo de l’artiste torontois Jim Verburg. Dans la classe de Christian Knudsen il y a quelques années à l’université Concordia, il a été un des très rares à être adoubé par le maître. Retourné à Toronto, Jim Verburg a continué d’explorer, de travailler et d’épurer. On voit aujourd’hui les résultantes d’un songe d’artiste sur papier, d’une recherche poétique. À partir du procédé photographique, l’artiste a bifurqué, a fait des monos impressions sur papier-journal de textures réalisées à l’aide d’un tuyau de verre mouillé à l’encre noire. Les formes, les constructions qu’il réalise doivent beaucoup à l’architecture et au mouvement suprématiste russe. Épuré dis-je? beckettien dans son langage visuel, Verburg donne à voir une poésie taciturne en noir et blanc parsemée de gris. Certaines œuvres sont de simples papiers mylar superposés de façon logique et intelligente, donnant une palette de blancs et de gris sur fond noir. On souhaite que la douce lumière qui émerge de ses œuvres soit le reflet d’un avenir brillant pour cet artiste raffiné.

Jim Verburg, Untitled (reflected/repeated #3), 2014

David Gillanders : Ballast

Ewa Monika Zebrowski: End of Beauty

Galerie Trois Points, espace 520

jusqu'au 17 mai

Ewa Monika Zebrowski, Reflexion, 2011

Dans la « petite » salle de la galerie Trois Points, End of Beauty propose un corpus de photographie de natures mortes, ou plus justement de décors. Dans le sens où, comme chez plusieurs écrivains, le décor devient personnage et évoque des sentiments parfois plus clairement que les mots eux-mêmes. Fortement teinté de littérature, l’oeuvre de Ewa Monika Zebrowski nous suggère plutôt que de nous imposer. Dans des teintes dépassées, relevant de la virtuosité à obtenir, les photos ont toutes un aspect de travail ancien, de toiles flamandes, de peintures hyperréalistes américaines. Le tout malgré leur flou. Magnifiquement réalisées, on est en droit de se demander quel est l’apport numérique dans la réalisation de ces images. Leur intrinsèque beauté nous fait toutefois oublier que nous sommes dans un siècle où les genres sont forcément mélangés et où les moyens pour arriver à s’exprimer sont souvent à la remorque digitale.

Presque qu’à l’opposé, la grande salle présente de grandes toiles très colorées et très vives de David Gillanders. Pour moi elles traitent du même sujet que les photos vu à côté. Reproduire à l’huile selon des techniques somme toute bien ancienne des images qu’on pourrait croire avoir été crée numériquement : toujours impressionnant. Nous voilà devant un groupe de toiles abstraites, où les motifs, les lignes et les courbes semblent reprendre les motifs génériques de l’art numérique. Si d’aucun se demandait si l’art numérique était un art, on a maintenant une partie de réponse. Lorsque ainsi réinterprété, oui, il y a là beaucoup d’art.

David Gillanders, Ballast Study, Branches, 2014

D’un côté donc des œuvres reproduisant avec les moyens traditionnels le nec plus ultra de la technologie artistique. De l’autre, des moyens à la fine pointe de la technologie pour évoquer des images anciennes. Séduisants paradoxes.

*écrire sur l'art nous amène parfois sur de drôle de chemin. L'artiste Ewa Zobrowski m'a écrit tout de suite après la parution de cet article... Voyez vous, ce qui pourrait me sembler hautement techno ne l'est pas. En fait, elle m'assure qu'aucun traitement de l'image n'est fait au numérique. Me voilà complètement "flabergasté" comme qu'ils disent. Il me faut retourner voir de plus près ce qui s'avère être de véritables prouesses photographiques.

Écho 1 : collectif

Galerie Hugues Charbonneau, espace 308

jusqu'au 24 mai

Jean Benoît Pouliot, sans titre, 2014

Le titre évocateur et vague tout à la fois de l’exposition collective à la galerie Hugues Charbonneau permet d’avoir en une seule visite le meilleur de plusieurs de ses artistes. Pur plaisir donc de retrouver les abstractions de Jean Benoît Pouliot. L’écho est-il ici audible ou visible. Ni l’un ni l’autre, chez ce jeune artiste, l’image qu’il crée me semble être le reflet (l’écho) d’une spiritualité, d’un rite connu que de lui. L’assemblage du camaïeu de bleus parfaitement équilibré est un direct au cœur. Les œuvres de Jonathan Plante, j’en parlais ici récemment, sont également déstabilisantes mais d’une façon plus ludique. Le jeu de lignes qui se réalise par ses peintures sous une surface plastique finement rayée en relief nous fais errer les yeux d’un côté à l’autre du tableau. Tension relâchée par notre incapacité à comprendre le comment. L’œuvre ici présentée est certes pleines d’échos et de rumeurs. À vrai dire, on fait difficilement le tour de toutes les variantes au cours d’une seule visite.

Jonathan Plante, Volonté, accident et désir, 2013

Beaucoup d’autres œuvres sont remarquables dans cette exposition. Il faut parfois lire les cartels pour comprendre en quoi elles le sont. Notamment dans la série de papiers de Tammy Campbell où l’on croirait voir une simple feuille de papier de 8 1/2 par 11 qui aurait préalablement été pliée et dépliée. Or il s’agit en fait d’une feuille d‘acrylique. Il s’agit donc d’une « vraie » peinture dans le sens classique du terme. Mais on ne la voit pas comme ça. Écho ? m’entends-tu ?

Faut-il rappeler que le Belgo Building est au 372, rue Sainte-Catherine Ouest, à Montréal

no.

Sur les autres et un peu sur moi

2014-04-28T12:29:00.000-04:00

Il y a du mouvement dans les médias sur l’art. Depuis que je tiens ce blog, plus de quatre ans maintenant, je surveille d’un peu plus près ce qui se dit et ce qui s’écrit sur les arts visuels. Évidemment. Je ne veux juste pas répéter ce qui se dit et s’écrit ailleurs, je veux avoir une particularité. Mais force est d’admettre que mes collègues sont fort peu nombreux. Ce sont surtout de petits sites, des blogs. Oui, les grands médias généralistes nous montre un peu d’art visuel. Le Devoir en tête, The Gazette très certainement, La Presse avec un peu moins d’acuité, le Voir quand ça concorde avec les clients acheteurs de publicités et bon, Le Journal de Montréal quand ça adonne. La télévision, à peu près pas. La radio, c'est sur les chaînes communautaires que ça se passe.

Éloi Desjrdins, animateur et rédacteur d'Un show de Mot'Arts

Mardi demain, Un show de Mot'Arts qu’Éloi Desjardins tient à bout de bras depuis 10 ans, oui 10 ans, fera vibrer ses dernières ondes sur CISM. À toutes les semaines, il a commenté, observé, discuté avec des artistes, des conservateurs, des observateurs du milieu. Mais, selon toute vraisemblance, Éloi se dirige vers d’autres avenues. On écoute donc la dernière attentivement, mardi 29 avril à 10h30 sur CISM [83,9 FM] ou sur le www.cism893.ca.

le logo de Galeries Montréal

En fait on a une bonne idée où se dirige le courageux animateur du Show de Mot’Arts. Il continue de tenir son webzine, voir ICI, mais il fait également des capsules sur la Fabrique culturelle. Qu’est-ce donc ? Une nouvelle chaîne télé internet, un moyen pour le spectateur lamba d’avoir accès à toutes les informations sur ce qui se passe dans le domaine culturel. Implantée par Télé-Québec, la chaîne y parle autant de design que de musique contemporaine, et on classe le tout par région. Un outil remarquable d’efficacité. En ces temps où une part diminuante du public jeune s’assoit devant un show de chaises de la télé traditionnelle pour éventuellement avoir un portrait semi objectif de ce qui se fait sur la scène culturelle, où surenchère de « plogues » pour les plus connus (ou les plus riches) concourt à une carence pour tout ce qui est plus ou moins avant-gardiste. La Fabrique culturelle vient donc pallier ce manque d’information qui désavantageait tous les non « tout-le-monde-en-parlables » de ce monde. Éloi Desjardins y travaille de concert avec une autre incontournable du milieu des arts visuels, Mélodie Hébert, créatrice de Galeries Montréal. J’en ai parlé avec admiration ICI, et l’on ne peut que bénir le développement de ce site merveilleux où tout ce qui se dit, s’écrit sur l’art se retrouve, où toutes les informations sur les galeries, centre d’artistes et musées sont colligées. Une source fiable et professionnelle d’informations, là encore accessible à tous.

Rats de ville fait aussi un important travail de diffusion de l’information depuis plusieurs années. Son webzine a la particularité d’avoir en plus des chroniqueurs aguerris, Claire Moeder et Iannick Marcil qui eux partagent leurs idées sur certaines expositions, certains artistes et certains événements de l’art contemporain, d’ici et d’ailleurs. Une section est réservée à un art plus underground, moins reconnu. Voici donc un endroit où circule beaucoup d’information et d'idées. Rats de ville est présent depuis 2006 si je ne me trompe, ce qui lui confère une notoriété bien établie dans le milieu.

Si on oublie le monde du magazine papier et des revues d’art, moins ancré dans l’actualité ils font à mon avis un tout autre travail, on constate finalement que les médias traditionnels ont en partie cédé le terrain, et que bien peu de place n’est donnée à l’art contemporain comparativement au bouillonnement d’activités dans le milieu. On peut donc imaginer qu'avec les années un déplacement vers des médias dits non professionnels la majeure partie de la critique et de l’information sur l’art contemporain. Une plateforme comme Galeries Montréal devient du coup indispensable...

Qu’en est-il des blogs sur l’art comme montréalistement ? Comment tenir le coup bénévolement pendant plusieurs années ? Mon mécénat d’action peut-il tenir le coup très longtemps ? Est-il utile ? Cela fera partie d’un prochain article. Comme d’autres avant lui, montréalistement va déménager son siège social en Ontario ! Il émigrera et se transformera donc. On réfléchit. Et vos idées, suggestions, propositions, chers millions de lecteurs sont très très très bienvenues.

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