Montréalistement

Disparitions comparées

2012-01-28T16:51:00.000-05:00

Lorsqu'à l'intérieur d'une même semaine, on peut voir deux exposition portant sur le même thème, force est de comparer...

DOCU-ART

Certaines exposition portent plus à réfléchir qu'à s'émouvoir. DHC-ART présente depuis le 19 janvier dernier les oeuvres d'artistes internationaux autour d'un thème : Chronique d'une disparition. En toute honnêteté je m'attendais à une exposition à haute teneur écologique. Mais on parle ici de la vraie disparition, celle qui nous force au deuil, au devoir de mémoire, à la fin de l'innocence. Parfois avec, parfois sans plaisir...

5000 Feet is the Best, Omer Fast (2011)

Digital Film, 30 minute loop (Still by Yon Thomas)
Courtesy gb agency Paris and Arratia Beer Berlin

On entend beaucoup parler de guerre, dans une longue vidéo docu-fiction, où les entrevues de véritables "pilotes" de drones de l'armée de l'air américaine sont intercalées avec une entrevue fiction farcie de flash-back troublant. Difficile par son message, 5000 feet is the best d'Omer Fast est toutefois très consensuelle dans sa forme presque télévisuelle. L'oeuvre laisse un goût amer d'absurdité en bouche. Imaginez, le pilote est assis à Las Vegas et dirige son avion destructeur localisé en Afghanistan, un avion qui surveille, élimine, tue. Pas toujours qui et ce qu'il aurait fallu...

Une autre vidéo, de Philippe Pameno JUNE 8, 1968, nous assoie confortablement dans le cercueil de John F. Kennedy et nous fait voyager à travers les États-Unis dans un train funéraire. Ici, ce n'est pas le cercueil qui est le point focal mais bien ceux qui le regardent. Là aussi, tournée comme un documentaire télé, avec costumes et voitures d'époque, le système de projection importe presqu'autant que l'image projetée. L'écran est assez grand pour que le visiteur soit de la même dimension que les personnages filmés.

Plus cocasse les photos de Taryn Simon donnent à voir l'absurdité de la société nord-américaine. Peut-être un peu en-dehors du thème imposé, mais tellement plus esthétiques. Une photo d'une édition en braille du plantureux magazine Playboy côtoie les photos de bassins où les réacteurs nucléaires prennent leur retraite. Une lumière fantomatique sort des réacteurs, une sorte de superbe installation artistique. Nocive un brin.

Totalement étranger quant à moi au reste de l'exposition, Opus (2005) de José Toirac est franchement rigolote. L'artiste a extrait d'un discours fleuve dont Fidel Castro a le secret, tous les chiffres entendus. TOUS les chiffres. Près de cinq minutes de cette énumération numérique dans un ordre aléatoire. La vidéo montre simplement les chiffres, tandis que le Fidel dit et redit les chiffres. uno, uno, Uno, UNo, UNO, UNO, UNO x 22, cientos, cientos, Cientos, CIENTOS, cienTOS... ainsi va la vie d'un dictateur. On enfile les chiffres, avec ou sans décimales, et on tente de convaincre de leur action sur le passé, le présent et le futur.

Opus, Jose Toirac (2005)

Courtesy of the artist

Chronique d'une disparition
DHC-ART, jusqu'au 13 mai 2012
451 et 465, rue Saint-Jean
Vieux-Montréal

3D-ART

Debbi-Katia, Fred Laforge

Si on peut difficilement comparer les moyens du DHC-ART avec ceux de la Galerie [SAS] , force est d'admettre qu'ici la galerie frappe fort dans une thématique identique : ИСЧЕЗНОВЕНИЕ, Disparition, de Fred Laforge joue dans les même plate-bande que ces artistes internationaux. Toutefois le résultat est beaucoup plus émouvant, et la technique éblouissante de l'artiste montréalais laisse sans voix. Il dessine des portraits d'obèses en les pixelisant. Toutefois, c'est au crayon qu'il rend cet effet, non pas à l'ordinateur. Le grossissement de ces obèses, au point d'en devenir flous et évanescents est en fait une double cure d'engraissement : une première par les voix normales (!) et l'autre par le regard qui y est porté. Longtemps on s'attarde sur ces muses qui n'ont rien de conventionnelles, longtemps on admire le temps qui a été écoulé à leur réalisation. Les gros ne sont plus ronds. Ils sont carrés! Les gros sont grossis au point de devenir presque qu'abstrait.

Plus séduisante encore, cette impression en trois dimensions : Personnage.

Personnage, Fred Laforge

Ici, on a l'impression de voir un nombre infini de couches successives de papier (en fait de la résine) dans un collage un peu fou. Ici, l'ordinateur a rendu le produit que Laforge a lui-même créé au dessin. Laforge imite le rendu numérique, le numérique reprend la technique de Laforge.

Plus troublant si cela se peut, ce sont les portraits de visages défigurés. En temps normal, le visiteur se tournerait de dégoût devant la photo d'un tel visage. Il se permet ici d'observer attentivement. Après tout, ne s'agit-il pas d'une oeuvre d'art. Après tout, les obèses n'ont pas l'exclusivité de la morphologie dérangeante. Si la répugnance qu'exerce ces visages sur notre pauvre rétine violentée est grande, encore plus fascinant est le traitement qui a été apporté à l'image elle-même. Disparus, nos a priori font place à une curiosité presque malsaine!

Visage défiguré 1, Fred Laforge

Décidément, il y a ici multiples disparitions. Disparition des repaires habituels, disparition des normes physiques établies, disparition des formes, disparition des lignes et des courbes. Mais aussi disparition de nos inhibitions. Ce qui est difficilement visible attire. On s'y soumet avec un plaisir déculpabilisé. On regarde longuement, sans gène, vers l'objet a moitié censuré, à moitié visible. On imagine, on peut fantasmer, mais sans cesse on regarde. Le corpus de Fred Laforge représente à coup sûr une magnifique réflexion sur notre perception de l'art et des corps atypiques.

ИСЧЕЗНОВЕНИЕ, de Fred Laforge

Galerie [SAS], jusqu'au 10 mars 2012,

Belgo Building, 272, rue Sainte-Catherine ouest, suite 416

Montréal

Jouer avec son corps

2012-01-13T23:58:00.000-05:00

Jouer sur scène

Il est déjà là. Dans sa fausse petite loge au fond de la scène ; il se prépare. Il se fond dans la peau de son prochain Personae. De peau, il sera beaucoup question au cours de la soirée.

José Navas est présent sur la planète danse depuis plus de vingt ans. Il danse seul. Il fait danser en groupe. Il chorégraphie autant pour une compagnie de ballet que pour sa propre compagnie, Flak, que pour lui-même. Il se met, où IL se metteNT en scène. José Navas est pluriel. Six facettes de sa personne, six personnes aux milles facettes seront présentées au cours de ce bref mais dense spectacle.

Le danseur est la voix de contre-ténor dans un extrait du Gloria (je crois) de Vivaldi, il est le chien de la mythologie égyptienne sur un poème de Ginsberg chanté par Patty Smith, il est « divine » en danseuse de tango… José Navas a depuis longtemps brisé plusieurs tabous, a franchi plusieurs obstacles, s’est défait de plusieurs tics de la danse contemporaine, comme celui de ne surtout pas danser SUR la musique. Bref l’artiste et l’homme sont mûrs. Il joue ses lui, avec son corps.

Il joue de son corps. La maîtrise technique que le danseur de 47 ans (pourquoi dire son âge, sinon pour se donner un peu d’espoir quant à notre vieillesse !) ne se sent plus. Chacun des muscles, nerfs, os, voire sa peau, répondent au quart de tour à ce que l’artiste demande, ce que l’artiste est, devient. Lors d’une très torride chorégraphie sur un duo ténor basse d’un opéra de Verdi, le danseur au désir exacerbé simule, rêve ou fait rêver d’une baise d’enfer en ne bougeant à peu près pas. Seuls les muscles fessiers et du bas du dos ondulent, dans un mouvement hautement maîtrisé faisant craquer le spectateur, faisant monter la température de la cinquième salle de la PDA… Sur le mot Holy du poème Spell de Ginsberg, le danseur à quatre pattes, revêtant une tête de chien en latex halète et à l'aide de ses seuls muscles abdominaux se contractant et se décontractant en cadence, il nous donne à voir la vision extrêmement viscérale qu'il a de la divinité... En plus grande subtilité : le jeux des mains, doigts et bras sont miraculeux d’éloquence. Oui, Navas joue aussi avec ses mains.

©Valérie Simmons, Chien

La pièce de résistance du spectacle demeure tout de même le Boléro de Ravel. OUI ! Cette insupportable musique qui a rendu presque fou son compositeur tellement elle était trop jouée, cette musique à la chorégraphie surannée de Béjart, mis en exergue par un Claude Lelouch incontrôlable à la caméra virevoltante au pied de la tour Eiffel dans ce qui allait devenir un film culte des années 80 : Les uns et les autres, qui a vieilli aussi mal que son cinéaste.

Comment une musique peut-elle survivre a une telle sur-utilisation ?

À de tel abus ?

Comment Navas a-t-il eu l’idée folle de s’y attaqué ?

Mais surtout comment se fait-il qu’il ait réussi à me faire aimer et la musique et la chorégraphie ? Mystère.

La très lente montée de 17 minutes, montée de tension, d’énergie, de vélocité m’a soufflé. José Navas n’a-t-il pas peur maintenant de subir le même sort que Ravel, et d’être forcé de danser le Boléro jusqu’à sa mort ? Il a montré un tel génie dans sa chorégraphie comme dans son interprétation, il faut craindre qu’on ne nous laisse plus le voir dans autre chose ! Le danseur est d’origine argentine, ses mouvements de bras au cours de ce spectacle sont largement inspirés de la danse indienne, mais le succès lui, risque fort d’être planétaire.

Avec son corps sur pellicule

Complémentaire, l’exposition de photos de Valérie Simmons présentée à la Galerie D. Dans une première salle, José Navas dans toute la splendeur de ses multiples personnes. Grandes photos glacées, l’homme nu, sexué et assumé. Étourdi, le visiteur fonce dans la salle du fond. Surprise, ici ce n’est pas Navas qui joue avec son corps, mais la photographe. Valérie Simmons a eu l’idée d’emprisonner le danseur dans des tissus translucides, des plastiques etc. Les photos, traitées de façon trash à l’opposé de celles de la première salle, sont le fruit d’un mini reportage. Comment José Navas s’est-il arrangé pour se libérer des chaînes que la photographe lui a imposées. Et l’on retourne dans la première salle, et l’on refait quelques aller-retour. On en croit pas trop ses yeux. L’homme versus son âme ?

©Valérie Simmons, Battement no 34

Les photos illustrant mon propos sont visibles dans cette excitante exposition.

Personae, de José Navas Compagnie Flak

Cinquième salle, Place des Arts, jusqu'au 28 janvier

José Navas/Compagnie Flak, Valerie Simmons

Galerie D, jusqu'au 25 janvier

1239, rue Amherst, Montréal

Gesamkunstwerk africain

2012-01-08T10:34:00.000-05:00

photo : courtoisie Galerie Donald Brown

Richard Wagner avait inventé un beau mot : Gesamkunstwerk, l'oeuvre d'art totale. Il faut savoir que le compositeur d"opéra en mal de pouvoir et de contrôle absolu ne se contentait pas bêtement d'écrire de la musique sur un drame. Non, il en écrivait le texte, dessinait décors et costumes, en faisait le mise en scène, et puis, tandis qu'on y est, il dessinait l'architecture du théâtre où la chose allait être présentée. Bayreuth en l'occurrence, où même mort, Richard contrôle encore tout ce qui s'y passe.

Le méchant professeur d'histoire de la musique que je suis fait un lien, peut-être ténu, avec ce que j'ai vu hier à la Galerie Donald Brown. L'artiste Jérôme Havre, français ayant un bagage génétique africain, nous donne à voir un lieu totalement investi par son regard. Les murs sont recouverts de motifs répétitifs, un peu comme une tapisserie fait main. Havre a choisi un motif art déco, qu'il a réinterprété, et répété partout sur murs et sols de la galerie. Ce cadre posé, on y découvre deux Holothuries (éponges de mer) fait de centaines de petits bouts de tissus rapiécés, cousus les uns aux autres. Là encore, répétition et patience. Les Holothuries sont en quelques sortes des courtepointes en trois dimensions. Sorte de personnages qu'on a plutôt envie de prendre dans ses bras, ils (elles?) sont confortables à l'oeil. Quelques photos, elles aussi en 3D, complètent l'environnement. Par dessus tout ça, une trame sonore, à peine musicale font de l'exposition Domestiquer une expérience multisensorielle.

Jérôme Havre, Holothurie, 2011

Se riant de toutes les avancées technotoniques, multi-plateformes et plurimédiatologiques, Jérôme Havre nous invite dans son monde, son univers chaleureux remplis de créatures attachantes, une oeuvre totale je vous disais, où il fait bon vivre, où le temps se voit et s'écoule à une lenteur toute africaine.

Domestiquer, Jérôme Havre
Galerie Donald Browne, jusqu'au 18 février
Belgo Building, 372, rue Sainte-Catherine O. suite 528

no.

NOTA BENE : les origines de Jérôme Havre sont martiniquaises, oups! mais on son oeuvre en général est plutôt influencée par l'africanisme... bon, désolé de transmettre des faussetés, un vrai journal de Montréal!!

Sur le dernier livre de Limonov : Carrère. Euh...

2011-12-21T01:14:00.000-05:00

Comment ne pas se sentir un peu bébête après la lecture d’un tel ouvrage ? La somme d’informations, de culture et d’analyse politique du dernier livre d’Emmanuel Carrère (ceci n’est pas un roman, pas une biographie ni un essai mais… un livre) est telle qu’on peut tout à fait se permettre de se demander par quel bout le prendre. Certes, il nous fait voir les splendeurs de la vie d'Édouard Limonov. Personnage plus romanesque que tous les personnages de roman. Le Russe, également écrivain, est lui aussi impossible à cerner. Alors, Carrère, le Français, a préféré tourner autour. Pour nous aider à comprendre la bête, il a donc pris le parti de nous expliquer tout le contexte socio-historique. Entre autres détails. C’est donc un cours accélérer de l’Histoire des soixante dernières années, avec majeur en soviétique, qui se déroule sous nos yeux avec ou sans verres correcteurs. Il ne faut pourtant pas y voir un manuel didactique. Au contraire. S’exprimant dans une langue se moulant aux manières pour le moins vernaculaires de son personnage, l’écrivain français devient parfois presque aussi vulgaire que l’homme d’affaire russe véreux en vacances dans un tout-inclus -une lapalissade direz-vous. Si les mots « chatte », « enculer » et leur sens propre vous font « gerber », peut-être devez-vous passer à autre chose. Le héros Limonov est, sur plusieurs points, défectueux. Il est un loser. Il a des fréquentations infréquentables, des associations indéfendables, et des opinions imbuvables. Il semble fat et humble à la fois, opportuniste et pur esprit. Combien de temps pourrais-je enligner les oxymores sans jamais arriver à clarifier ma pensée ? Oui, il vous faudra lire. Le livre s’entend !

Mais merde putain, fait chier me dites-vous gentiment. Vous voulez savoir ce que j’en pense. De Limonov, le livre ? Fascinant, poignant. Plus que son sujet si possible. Je répète : plus que son sujet si possible. À dévorer goulûment, sans interruption. Ça m’a donné l’impression de m’être accroché à un train grande vitesse et d’avoir fait le tour du monde et d’avoir traversé le temps. J’ai aussi eu l’impression d’apprendre un tas de choses que je savais déjà. Au fait, j’aurai juste mis un peu d’ordre dans ma culture politique. Me suis de plus remémorer mes lectures passées. Mais, surtout, Carrère m’a fait voir un autre côté de la médaille. En fait les multiples facettes qu’une médaille n’a pas en réalité. Le fascisme d’apparence de Limonov est-il si répréhensible ? Le populisme extrême dont il fait son credo est-il si incompatible avec son irrépressible désir de gloire et de reconnaissance ? À toutes ces questions, et bien d’autres, Carrère ne nous donnera pas de réponses. La force de ce livre réside très exactement là : il suscite le questionnement, la réflexion et n’impose aucune piste de réponse. Le prétexte qu’est le personnage Limonov est excellent. Qui de mieux que celui qui aura épousé à peu près toutes les formes de pensées politiques, philosophiques et leurs contraires pour nous forcer à réfléchir sur le relativisme de toute opinion.

Edouard Limonov posant devant le subtil drapeau du parti politique qu'il a fondé,

le Parti national-bolchevik

Vous l’aurez saisi, je ne sais toujours pas par quel bout prendre ce livre. Il m’aura en tout cas donné envie d’en connaître un peu plus sur Limonov l’auteur. Je ne suis pas le seul… En librairie, on trouve des rééditions, à la bibliothèque publique les livres sont réservés pour des mois. Mine de rien, Carrère assure à Limonov une retraite dorée et lui donne accès à une renommée à laquelle il ne croyait peut-être plus. Cadeau ? Cadeau empoisonné ? Quelle réponse à cette question ? sujet du prochain livre de Limonov, qui s’intitulera sans aucun doute « Carrère ».

Emmanuel Carrère, Limonov

P.O.L. , Paris, 2011, 489 p.

No.

Lumières de Noël

2011-12-19T17:50:00.000-05:00

Voyez ces deux splendides projections de lumières sur architecture. Le premier, à New York, chez SAKS. Décorations de Noël XXIème siècle. La seconde, en Ukraine, sur ce qui semble être un édifice gouvernemental.

Alors que la Grande Bibliothèque, et le centre de design de l'UQÀM inauguraient récemment leurs vidéoprojections, gentiment subventionnées par la ville, qu'ils osent nous parler d'innovation, d'art et de grandiose; je me permet de toussoter, de dire pardon, de jouer les troubles fêtes, et de me demander où ces montréalais étaient quand le train est passé. On a fait grand cas ces dernières années du très beau quartier des spectacles. Une réussite il est vrai. Le concept d'éclairage du quartier a remporté une tonne de prix prestigieux, a fait des petits, a séduit tout le monde. Mais. La terre n'a pas arrêté de tourner. Les innovateurs d'innover. Les créateurs de créer. Résultat : une fois de plus, avec la lenteur avec laquelle les choses se produisent à Montréal, la ville se retrouve à la traîne, enfant pauvre de l'urbanisme.

no.

Montréal arabe sauce berlinoise

2011-12-11T22:27:00.001-05:00

Rue Sainte-Catherine. L'édifice a abrité autrefois, il y a longtemps, des locaux de l'UQÀM. Ensuite : des bars underground, puis rien, le vide, peut-être quelques squatters. Il faut croire que le pied carré ne vaut plus rien au centre-ville de Montréal. Depuis quelques semaines, le Festival Under Pressure en a fait un centre d'exposition : Peint Frais (traduction en forme de jeux mots de peut-être volontaire, plus ou moins habile et à tout le moins repoussante pour les médias francophones de Fresh Paint)

Arabesque, eL Seed

À l'image du très éclaté Tascheles de Berlin, dont je parlais il y a près d'un an ici, l'endroit est en décrépitude avancée, l'escalier de l'entrée ne répond certainement pas aux standards municipaux, les murs sont défoncés... Les artistes se sont laissés aller un peu partout sur les murs, dans un des escaliers on écrit en lettre dorés "Berlin is a bitch". Pas surprenant, le Tascheles, comparé au Peint Frais est un conglomérat international, une institution. Ici, quelques artistes seulement. Mais il y a cette exposition : Arab Winter. L'hiver après le printemps. En fait oui, on se demande un peu comment les artistes arabes vivant ici ont vécus leur printemps. Celui de toutes les remises en questions, mais aussi le printemps de toutes les incertitudes. Quelques pistes de solutions? Non pas vraiment, mais plutôt du très senti, du viscéral et un grand besoin de communiquer. Je n'avais pas d'appareil photo malheureusement, mais au fond c'est un peu indescriptible. Heureusement, certains artistes ont la générosité de nous laisser prendre des images sur leur propre site.

Les moucharabiehs graffitis d'eL Seed, les belles photos de très beaux hommes arabes de Tamara Abdul Hadi, parmi d'autres artistes-performeur-graffiteurs nous font voir les choses d'un tout autre oeil. Oublions, le temps d'une visite dans ce pop up space, les poings brandis, les yeux injectés de colère que nous subissons toujours lorsque les médias mettent en image la société arabe. Imaginez un seul instant qu'à chaque fois que nos médias parlent de la France qu'on nous montre systématiquement des grévistes manifestant, criant et chantant des slogans syndicaux. Ce serait là un vision assez limitée de la France, non? Pourtant, nous avons droit à une vision parfaitement uniforme du monde arabe : du monde dans la rue dans une colère qui fait peur; Des femmes revêtues de noir de la tête aux pieds qui semblent vouloir se péter les cordes vocales à force de hurler.

Laissons donc l'art transposer et sublimer les milles et unes préoccupations arabes, allons à la découverte d'un monde qui nous semble si lointain.

Arab Winter, au Peint Frais,
180, rue Sainte-Catherine est,
l'exposition a commencé le 2 décembre, il n'y a pas de date de fin...

no.

Hunger and anger, eL Seed

nota bene : pour ceux que ça inquièterais, les escaliers sont en fait conformes à tous les règlements municipaux, et puis, vous savez j'aime ça coloré quand j'écris. Ça n'a rien du sport extrême, et ça ne devrait en aucun cas vous empêcher d'aller voir l'exposition.

À la recherche du plaisir perdu

2011-12-07T22:51:00.001-05:00

Depuis plusieurs mois, je ne lisais plus. Je m'inquiétais. J'ai souvent de petites périodes sans lectures. Trop occupé. Préoccupé. Mais on ne parle jamais de mois. Au pluriel. J’ai tenté de soigner mon mal. En voyage, je m'achetai un livre québécois. J'aurai mis plus de trois mois pour le terminer. Et comme je n’ai pas aimé, je n'en parle pas vraiment. Un seul livre lu en fait en six semaines à l'étranger. Avec passion, le dernier Michel Rio. Un auteur pour lequel je n'ai aucune espèce d'objectivité. Il pourrait réécrire les pubs de Brault & Martineau, copier les chansons de Linda Lemay que je trouverais ça merveilleux. Depuis : rien. Je commence sans terminer. Je chipote dans mon assiette. Je joue avec ma nourriture. Ma nourriture préférée en plus.

Vous aurez peut-être remarqué, j'ai parlé très très peu de littérature sur ce blog. Jardin secret, chasse gardée. À l'image d'une de mes idoles, Proust, ce dont je parle le moins est ce qui m'importe le plus. Mais. Voilà que ça me revient. Un livre a tout déclenché. Un premier roman d’un auteur que je ne connaissais forcément pas. Donc pas d'a priori. Clément Caliari. Je ne sais strictement rien sur le gars. Je n'ai pas cherché. Je ne chercherai pas trop. J'aime mieux ne pas savoir. Un peu comme pour les acteurs, lorsqu'on les voit trop au naturel, on apprécie moins leur art. Un exemple facile : si Christian Bégin s'était contenté de faire l'acteur au lieu de nous faire ses fades blagues culinaires, peut-être serions-nous plus apte à l’endurer à l'écran. Mais là!

Je veux donc parler de littérature. Et vous voyez, je bifurque et détourne l'attention. Pourtant Retrait de Marché est un excellent roman. Exactement ce que j'aime dans la nouvelle littérature. Un ton. D'abord. Ensuite un thème qui est à la fois universel, intemporel, mais pas trop usagé. Ici, un chercheur trouve une nouvelle molécule, un médicament merveilleux qui connaît rapidement un succès commercial colossal. Malheureusement, l'appât du gain, le désir de gloire et de réussite ont fait tourner certains coins ronds. Et, bien entendu, le nouveau médicament se révèle une catastrophe, une arme de destruction massive. Descente aux enfers. Chute du personnage appréhendée. La chute du roman, elle, toutefois surprend. Enfin non. Je vous laisse juger, et vous incite à lire. Facile de toute façon.

Ce premier roman de Caliari laisse entrevoir pleins de belles choses pour l'avenir du lecteur que je suis. Certains auteurs dont j'ai lu les premiers romans se sont révélés des écrivains que je veux suivre pour toujours. Le guillou, Le Touze, Rouaud par exemple. D'autres, je m'en suis lassé à force de répétitives répétitions. Amélie Nothomb par exemple. D'autres, n'ont pas réussi à me séduire au-delà de la première fois... Car oui, il y a un acte très intime qui se joue entre le lecteur et l'écrivain. Seuls, chacun de leur côté, ensembles entre les lignes.

Rafraîchissant, ce Retrait de marché. Je lui en dois une! Maintenant, je suis en train de lire Anna Enquist (Contrepoint), mais je veux me précipiter sur Limonov d'Emmanuel Carrère. Mais aussi... et puis...

Retrait de marché, Clément Caliari

Gallimard, Paris 2011

268 p.

no.

Bonsoir tristesse

2011-12-04T01:55:00.001-05:00

Hey! Montréal!

2011-12-02T10:58:00.001-05:00

Jean-Pierre Aubé, 31 soleils (Dawn Chorus) (image tirée de la vidéo), 2010. Installation vidéographique.

Avec l’aimable permission de l’artiste.

Lors de l'inauguration de la Triennale québécoise 2011, j'étais à Paris et visitais Hey : l'art à contre-courant. J'en parlais ici... J'y ai vu alors ce qui me semblait être une partie du futur de l'art. J'espérais donc retrouver ici ce que j'avais aimé là-bas... Même si mes attentes face à la seconde édition de la Triennale était assez basses. La première édition m'avais choqué par son nombre trop important d'oeuvres inabouties, bricolées, "gossées", par son lot de patentes qui ne pouvaient susciter de l'intérêt que pour les enfants en bas âges : voyez les amis tout ce que vous pouvez faire avec trois bout de papier aluminium.

L'édition présentement en cours au Musée d'art contemporain de Montréal me réconcilie partiellement avec l'événement. Comme toute exposition collective, il y en a pour tous les goûts. Du bon, du fabuleux, du très moyen et du franchement merdique. Le thème : "Le travail qui nous attend" est juste assez vague pour permettre toutes les interprétations (ou les dérives, c'est selon) et juste assez inclusif pour empêcher tous commentaires sur la pertinence de certaines oeuvres.

Une grande partie m'a franchement déplue. Je m'abstiens de dire pourquoi, et surtout par qui! Soyons positifs. Petit parcours de mon palmarès, oui oui, le palmarès No. de l'art triennaloise!

On entre dans une pièce toute blanche, sur l'écran est projeté une immense plaine enneigée. Au loin un nuage pourpre. Il s'approche, il grandit, jusqu'à envahir toute l'image. Poétique, rêveur, le vidéo de Stankievech donne à voir un des rares moments zen de toutes l'exposition.

Charles Stankievech, LOVELAND (image tirée de la vidéo), 2009 – 2011. Installation vidéographique, vidéogramme, trame sonore par Tim Hecker, 5 min, édition limitée de The Purple Cloud de Matthew Phipps Shiel, émeraudes synthétiques de Chatham.

Avec l’aimable permission de l’artiste.

Dans le même ordre, mais à contrario du tout blanc, voir du tout noir en photo suscite curiosité et émoi. La photographe Lorna Bauer présente une partie d'un projet à long terme, Éminence grise, où le gris est plutôt virtuel. Ici, la plus figurative du corpus.

Lorna Bauer, Éminence grise (How to Sell Burroughs Paintings), 2011, Projection d’un transparent 4 x 5 d’une peinture de William Burroughs (The Blood of Kings, 1988, contreplaqué de bois et peinture en vaporisateur), projecteur sur mesure et texte

« How To Sell Burroughs Paintings » par Hank Bull, 1988.

Collection de l’artiste. Avec l’aimable permission de Hank Bull. Photo : Richard-Max Tremblay

Stéphane La Rue présente des aquarelles pliées, découpées aux improbables symétries. Souffle de pureté et de sérénité qui captive le regard, intrigue et séduit.

Stéphane La Rue, Untitled (détail), 2010. Aquarelles sur papier, Strathmore Cold Press, 33 x 46 cm (chacune). Avec l’aimable permission de l’artiste et de la Galerie Roger Bellemare.

Plus ludique. Mathieu Latulippe fait des installations au raffinement magnifique. Tout un délire autour d'un cénotaphe de Bonny and Clyde, célèbres truands. Après le lieu de culte (au propre comme au figuré), Latulippe reproduit les lieux de certains de leur plus hauts faits d'armes (au propre comme au figuré!). Comme un enfant j'adore regarder ces collages en trois dimensions, ces maquettes. Le visiteur s'amuse à s'attarder et étudier tous les petits détails. Au fond d'un coffre fort, il découvre une vue sur la mer, sur une île déserte : un fleuriste!

Mathieu Latulippe, Nouvelles aventures, 2011, Installation.

Cénotaphe, coffre-fort, maquettes, objets divers.

Collection de l’artiste. Photo : Richard-Max Tremblay.

Dans une même veine comique et absurde, les oeuvres vidéos de Claudie Gagnon, en plus d'être très esthétique sont touchants, burlesques, traitent de décadence, d'absurdité, de laideur. Une micro-naine donne à manger à un chien hors-champs tandis qu'une dame bien mise mange quelque chose de brun et croustillant. Beaucoup de bruits de bouches pour mes oreilles, mais une image tellement réussie. Ici, on voit une image extraite de Tableaux (to Beauty)

Claudie Gagnon, Tableaux (To Beauty) (image tirée de la vidéo), 2011. Vidéogramme, son, environ 20 min. Avec l’aimable permission de l’artiste.

Mon grand coup au coeur et coup de coeur est venu de cet artiste Numa Amun. Un trait de stylo, dont seule la variante de l'épaisseur crée le dessin, le motif. D'un technique époustouflante, d'un achèvement digne de grands maîtres du XVIIIme siècle, cette oeuvre touche également par ses thèmes, ses sujets. Forcément, le temps joue ici un rôle majeur. Le temps de réflexion, de réalisation, la pérennité de l'oeuvre. Dans une certaine mouvance actuelle de l'art que j'ai pu apprécié à Paris dans l'exposition Hey!, Amun représente pour moi le futur. L'oeuvre actuelle, ouverte, raffinée, achevée, où le concept, la technique et l'esthétique ont part égale.

Numa Amun, Citadelle des sens (Vert), 2007 – 2009. Encre sur papier, 81 x 102 cm.

Collection de la Illingworth Kerr Gallery, Calgary.

Ne fait pas comme moi, n'attendez pas trop longtemps pour visiter la Triennale québécoise 2011, il ne reste qu'un tout petit mois, et elle sera de retour dans... trois ans!

La Triennale québécoise 2011 : Le travail qui nous attend

Musée d'art contemporain de Montréal,

jusqu'au 3 janvier 2012

185, rue Sainte-Catherine ouest

no.

Automne chaud

2011-11-25T15:59:00.001-05:00

Yunus Chkirate, Portrait of a Heartbreak, 2011, 24 x 20, acrylique sur toile

Un dentiste, un opticien, un restaurateur qui exposent des oeuvres d'art : j'avais vu. Voici que la boutique concept Delano, dans le Vieux-Montréal s'y met, et nous présente, en exposition permanente une série de toiles, Barriers Through Love, du jeune artiste montréalais Yunus Chkirate.

Chose certaine, l'ambiance dans la boutique sera chaude. Les clientes qui iront s'approvisionner en créations de nos plus intéressants designers québécois et internationaux le feront sous le regard lascif de personnages brûlants (de désir). Chkirate exprime ce qu'il est, ce qui lui arrive, ce qu'il souhaiterait lui voir arriver, ce qu'il désire. Il aime, il peint. Il désire, il peint. Il fantasme, il peint. Au final des portraits d'inconnus (pour nous, mais peut-être pas pour l'artiste) qui transpire le plaisir, des visages qui irradient la sensualité dans un tourbillons de couleurs, de splashs de peinture. Comme si l'oeuvre était en trois dimension, le sujet au centre d'un cyclone esthétique et émotionnel. Ces splashs de couleurs ne constituent donc pas un fond de toile, mais bien un entourage, dans son sens premier, du sujet.

Yunus Chkirate, Portrait of Perfect Love, 2011, 48 x 48, acrylique sur toile

Yunus Chkirate est le personnage presque toujours hors cadre de ses toiles. Celui par qui et pour qui tout arrive. Il se met parfois en scène, et deviendra probablement le plus populaire de ses propres modèles avec le temps... enfin, simple prédiction de bloggeur!

Yunus Chkirate, Self Portrait, photo, 2011

Philanthrope et artiste, Chkirate offrait un pourcentage des ventes de la soirée d'ouverture à la Maison Plein-Coeur, organisme qui vient en aide aux personnes vivant avec le VIH-SIDA. Comme quoi la "cause" passionne encore, malgré ce que j'en disais dans mon billet précédent.

Barriers Through Love, Yunus Chkirate,

Boutique concept Delano designs,

70, rue Saint-Paul Ouest, Vieux-Montréal

no.

Vraiment de retour après la pause

2011-11-24T15:29:00.001-05:00

Voilà presqu'un mois silencieux. Revenu à Montréal, le celui qui écrit Montréalistement avait un peu beaucoup de difficulté a retrouver une certaine passion pour sa propre ville. Beaucoup de travail, et, ce qui n'aide pas, beaucoup de regrets de ne pas avoir parlé de :

Lulu

Vu à l'opéra de la Bastille à Paris, l'opéra Lulu d'Alban Berg était un spectacle. Magnifique. Première fois que je voyais l'oeuvre que j'ai toujours et depuis longtemps beaucoup aimé; première fois où j'entrais dans ce prestigieux temple de l'art lyrique et un aussi peu temple de l'architecture (quoique sur ce dernier point, mes réticences, largement l'emportent sur mon admiration...). L'opéra repose entièrement sur les minces épaules de l'interprète du personnage principal, dans le cas présent Laura Aikin dans le rôle de Lulu. Une fabuleuse artiste, une présence brûlante et incandescente sur scène, et, il faut bien le dire, une mémoire phénoménale. Elle ne quitte pratiquement jamais le plateau, parle, chante, joue, crie, se branle sur le décor ou se roule par terre. En symbiose avec tous les "autres personnages" du spectacle, le public n'en a que pour elle. Du début à la fin.
La scénographie était presque aussi captivante. Malheureusement pas d'images (un service de presse à l'opéra pour le moins déficient), et un peu difficile à décrire ce cercle entouré de portes, placé devant un escalier majestueux tout noir, qui semble couvert de velours. Le choeur, qui ne fait pas que chanté, mais qui bouge, danse presque, rappelle le JOE de notre chorégraphe Jean-Pierre Perreault. Tous sont habillé de longs manteaux noirs, de chapeaux et sont inidentifiables. Moment d'émotion mémorable qui reste accroché là quelque part et qui me fait me sentir un peu mal de ne pas en avoir parlé plus tôt sur ces pages...

Lulu, opéra d'alban Berg
Opéra de la Bastille, Paris
le 18 octobre 2011

You are not alone

À la Fondation Joan Miro, une exposition que j'ai pu visiter dans sa phase terminale, traitant du rapport qu'entretient notre société avec le S.I.D.A. Exposition collective qui présentait du meilleur et du pas mal moins meilleur, mais dont je me souviens pour ce petit bouquet de roses fanées dont les pétales se desséchaient au sol. L'oeuvre était représentative du "désengouement" que porte aujourd'hui la société sur la cause des sidéens. Une exposition triste non par son thème mais par son manque de passion et d'implication.

You are not alone, Fundacio Joan Miro, Barcelona
du 01.07.11 au 18.09.11

Récits de mode

Au Musée des arts décoratifs à Paris (le musée fait partie du un peu connu Musée du Louvre) une expostion en forme de rétrospective de l'oeuvre du créateur de mode et, il faut bien le préciser : artiste, Hussein Chalayan. Ardue à visiter, l'exposition impressionne par son sujet. Des jupes fait à partir de tables en bois, des robes de soirée qui se transforment sous les yeux des fashionistas hystériques en robes ultra courtes sans que le mannequin ou qui que ce soit n'ait besoin d'y toucher. Seul Chalayan, en arrière-scène, prends les commandes avec manettes et pitons! Et hop la jupe disparait, oups! le chapeau rentre sous le col, et les manches se replient sur elle-mêmes. Rien que pour voir ces vidéos de "mode", la visite valait le détour. Sur le coup, en toute franchise, la visite m'avait laissé perplexe. Pourquoi tout ce bricolage? Mais après digestion et réflexion, lorsqu'une image me colle à la peau, j'abdique et admet que l'obsession n'est en fait qu'admiration. Je reverrais bien.

Récits de mode, Hussein Chalayan,
Musée des Arts décoratifs, Paris
jusqu'au 11 décembre 2011

Dennis Hopper

Glam et fame dans une toute petite mais oh combien importante galerie près de la place de l'Étoile à Paris. L'acteur, ami des plus connus : James Dean, Andy Warhol et autres Roy Lichtenstein a eu la possibilité de photographier en toute quiétude les stars ou ceux et celles qui y aspiraient, dans leur intimité, leur travail ou leur vie publique. Ce que je retiens de cette exposition? : la photo Billboard, datant de 1964, qui ne pouvais que me rappeler la magnifique photo de Diane Arbus dont je parlais justement ici.

Dennis Hopper, photographs from the sixties
Art District, Paris
jusqu'au 3 décembre 2011

Lita Cabellut

Si j'avais à parler de la seule découverte importante que j'ai fait à Paris cet automne, mis à part celle de Yayoi Kusama dont je parlais ici, ce fut celle de Lita Cabellut. Des visages surdimensionnés, des techniques rappelant celles de Vermeer, avec le craquelé, le faux fini qui nous rappelle le passage inéluctable du temps. La Galerie Opéra frappait un grand coup. Tout partout à Paris, je tombait sur ce magnifique et implacable portrait de Coco Chanel, cigarette au bec, amertume en cavale. La femme fatale et fataliste dans toute sa splendeur. Une exposition qui m'a marqué au fer rouge. Une exposition qui m'a fait dire : si j'avais une fortune à gérer, je saurais quoi en faire. Ce qui n'est pas tout à fait le cas. Puisque revenir à Montréal n'était pas en option.

Lita Cabellut est représentée en exclusivité par la galerie Opera, à Paris, New York, Londres, Hong Kong et autres villages moches.

Voilà ce dont je n'avais pas encore eu le temps ou le courage de parler. Mais il me faudrait aussi parler de tout ce que j'ai manqué. La rentrée à Paris, ne serait-ce que pour les expositions, se veut un emploi à temps plein. Temps je n'avais pas. Même à titre peu honorable de touriste.

no.

Hey : Ayoye!

2011-10-27T16:33:00.002-04:00

Mr Geo Smith, Titine K-Leu, 1998

en co-production Musée de La Halle Saint Pierre / Revue d'art HEY!

La magnifique revue d'art HEY! s'est associé au Musée de la Halle Saint-Pierre dans Montmartre pour nous donner à voir ce qui se fait de plus hot et intéressant en art brut et art singulier. Très gore, l'exposition est comme un gros bonbon pour pour tous ceux qui vivent ou aiment la marge, l'alternatif et l'underground. Urbain : certainement le mot qui conviendrait le mieux à l'événement. On imagine mal cette exposition présentée en Beauce profonde sans susciter de sérieux émois!

Des tatoueurs s'expriment sur toile alors que des artistes rendent hommage à l'art du tatouage. (voir plus haut)

Dan Witz, qui a pratiqué le Street art devient un peintre à la technique incroyable et nous présente une peinture hyper-réaliste aux sujets qui relèvent de la rue et de la marge.

Mosh Pit 1, Dan Witz, 2007

en co-production Musée de La Halle Saint Pierre / Revue d'art HEY!

Scott Hove nous offre une sculpture au goût acide. Un mur remplis de gâteaux. Le visiteurs ne saura jamais si ce sera lui qui se fera avaler par la féroce pâtisserie ou le contraire. Une cynique métaphore de la vie? du monde de l'art? de l'oeuvre d'art? de l'amour? Ne reste plus qu'à choisir l'interprétation qui convienne.

Trophy, Scott Hove 2007

en co-production Musée de La Halle Saint Pierre / Revue d'art HEY!

Quant à Turf One, un artiste français travaillant à Montréal, il bricole, colle et peint admirablement pour nous offrir de petites installations ludiques ou lugubres selon le point de vue.

Vanita,Turf One, 2010

en co-production Musée de La Halle Saint Pierre / Revue d'art HEY!

Les artistes présentés ne sont pas nécessairement des jeunesses, leur esprit toutefois l'est. Henry Darger, un peintre qui a caché son art de son vivant, un homme
au passé lourdement chargé, dessine de longues aquarelles. Au premier regard, il nous semble voir une saine petite saynète de Martine, mais Martine est entourée de satyres lubriques et grossiers. Amèrement dérangeant, classique et mystérieux.

Il faut également voir les collages en 3D de Kris Kuksi. Amalgames improbables de figurines miniatures, de bouts de plastique ou de métal et autres objets non identifiés, Kuksi fabrique ce qui pourrait s'apparenter à des bas-reliefs, mais du bas-reliefs très relevés, barrocco-glauque!

Jouissif de voir tous ces artistes, que je ne connaissait forcément pas. Il sera très intéressant de comparer Hey! Modern art & pop culture avec notre toute montréalaise Triennale au Musée d'Art Contemporain. Ouais, bon...

HEY! Modern Art & Pop Culture,
Musée de la Halle Saint-Pierre, Paris
jusqu'au 4 mars 2012

La revue HEY! n'est pas disponible au Québec, mais si on hurle tous ensemble, peut-être nous l'enverront-ils un jour!

no.

Salade américaine

2011-10-22T20:12:00.002-04:00

L'accrochage, dans une exposition de Diane Arbus est tout.

La photographe américaine de l'étrange qui a su capter sur le vif l'absurdité et/ou l'abracadabrant et/ou l'insolite, qui parle d'elle dans chaque portrait qu'elle dresse de l'Autre, qui séduit autant qu'elle horripile, Diane Arbus, bénéficie d'une rétrospective à Paris au Jeu de Paume. Mais une rétrospective avec un point de vue, une rétrospective qui donne à voir des inédits, de nouveaux tirages. Tous les éléments sont réunis pour un événement prestigieux. Première rétrospective en France, 200 photos, l'exposition se rendra ensuite à Berlin et Amsterdam.

Et voilà. On ne sait trop si l'exposition en itinérance respectera cet accrochage, mais ce serait souhaitable. Non chronologique, ni thématique, l'accrochage semble plutôt instinctif, sensitif. On parle de couplages improbables, de rencontres impossibles. Les nudistes assis dans leur roulotte, ou avec de ridicules lunettes pointues des années cinquante côtoient deux petites jumelles, ou une photo de May West. Des clichés montrant des personnes souffrant de "lenteur" mentale mais qui ont l'air heureux seront vu à côté de photos d'un jeune travesti en pleine séance de maquillage. La vie, la vraie société selon Arbus ici réunie dans un salon où tout le monde est invité. Dans un seul regard, le visiteur peut voir tout un spectre de la société.

Le voyeur en prendra pour son rhume. La beauté classique n'est pas au rendez-vous. Ici le nu est très naturel, sans artifices, sans fausseté. Ici, le trisomique a un grand sourire pas de dent, mais ne nous fait pas croire à son bonheur pour autant. Ici, la star n'est pas sous un éclairage trop flatteur retouchées et "photoshoppée". Le naturel qui dérange, qui pu un peu, la chose qu'on aime peut-être mieux ne pas voir. Un rare et précieux répit : la sublime photo d'un écran de ciné-parc où est projetée une image de nuages. Poésie du rêve américain. Poésie de l'ordinaire.

Diane Arbus
Jeu de Paume, Paris, jusqu'au 5 février 2013.

no.

Les images ont été glanées sur Google. Sous copyright : The Estate of Diane Arbus LLC.
Et vous ne devriez pas faire comme moi!

Révélation

2011-10-19T19:17:00.000-04:00

My Flower Bed, 1962

Ressorts de lit et gants de coton peints, 250 x 250 x 250 cm

Centre Georges Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris

Yayoi Kusama allongée sur l’œuvre dans son atelier de New York, v. 1965

Émotion pure et rare de la découverte d'une grande artiste. Que je ne connaissais pas quoiqu'elle soit immensément connue. Pour excuse, il semble qu'elle n'ait jamais été présentée au Canada. Pourtant, Yayoi Kusama est un monument. Une artiste qui a travaillé longtemps à New York, pas tout à fait loin de Montréal. Mais c'est à Paris que je la découvre. Quel bouleversement.

Anatomic Explosion, 1968

Performance devant la statue d’Alice au pays des merveilles, Central Park,

New York

Courtesy Kusama Studio, Ph. Bob Sabin

Imprégnée de l'esprit libertaire des années 60, Kusama a bâti une oeuvre ludique, lubrique mais surtout unique, personnelle. Fondée sur des bases psychédéliques, influencées par la folie new-yorkaise des années Warhol-drogue-sexe-art, l'oeuvre de Kusama est ni révolutionnaire, ni classable. Elle est. Et elle nous fait devenir. Nous serons tous, à la sortie de l'exposition, des Kusama junior.

Infinity Nets Yellow, 1960

Huile sur toile, 240 x 294,6 cm

Coll. National Gallery of Art, Washington

©National Gallery of Art, Washington

Elle accumule motifs, petits objets, petites images, etc... Elle construit des pièces picturales et sculpturales qui étourdissent par leur infinité, leur aspect lisse mais farcies de nano-détails. On imagine les heures passées devant la toile à peaufiner, parfaire un motif qui au final donnera l'impression d'être fabriqué de façon industrielle tellement le nombre de répétitions est grand. L'infiniment petit devient infiniment grand.

Accumulation No. 1, 1962

Fauteuil, tissu cousu et rembourré, peinture

121,9 x 121,9 x 121,9 cm

Coll. Beatrice et Hart Perry, New York

Ph. Rudolph Burkhardt

Elle s'oblitère, se dissimule : comme un caméléon se fond dans le décor. Les pois, les motifs envahissent l'espace, se répètent dans un jeu de miroir, l'artiste se décore elle-même de ces motifs... Il s'agit alors d'installations où même le visiteur se noie, disparaît. Installation-expérience d'où on ressort troublé. Pour un instant on peut ressentir notre toute petitesse face à l'universel, notre "minusculité". L'infiniment grand nous fait devenir infiniment petit.

Dots Obsession, Infinity Mirrored Room, 1998

Installation. Peinture, miroirs, ballons, adhésifs, hélium. 280 x 600 x 600 cm

Les Abattoirs Toulouse

©Jean-Luc Auriol

Je peine à exprimé ce que j'ai ressenti au cours de cette ballade dans le monde déjanté de Kusama. Pendant quelques minutes j'aurai eu l'impression de vivre par la vision de l'artiste, d'appréhender l'espace et le temps à sa façon. J'ai eu l'impression de me remettre entre ses mains pour avoir le privilège de vivre un peu de sa vie. Un cadeau, un vrai.

Yayoi Kusama,
Centre Pompidou, Paris
jusqu'au 9 janvier 2012

no.

Allez, on se fait des bulles!

2011-10-16T07:42:00.000-04:00

Croix de bois croix de fer si tu mens tu vas en enfer (2011) Théo Mercier & Colin Johnco

Des crânes éclairés de l'intérieur, chantant une version remixé du duo des Chats de Rossini.

Trente mètres sous terre.
Dix degrés centigrade.
Quatre-vingt pour cent d'humidité.
Dix huit kilomètres de galeries.
Galerie dans tous les sens du mot.
Galeries de l'ancienne crayère, endroit d'où on extrayait la craie à l'époque romaine. La crayère a été métamorphosée en caves par Madame veuve Pommery en 1868.
Galeries où on expose des oeuvres d'art.

Würza, (2008) Daniel Firman

voici ce qui arrive à l'éléphant qui boit trop de champagne.

Quelques millions de bouteilles.
Le champagne Pommery n'est pas un vin aussi léger qu'on pourrait le croire. Ses propriétaires, qui ne sont plus la famille Pommery, mais Vranken, on eu la brillante idée d'offrir aux visiteurs de leur caves des expositions d'oeuvres d'arts, offrant une vitrine exceptionnelle autant par sa situation que par sa fréquentation, aux artistes d'un peu partout. La nouvelle exposition, inspirée du "pop" que fait le bouchon de champagne en sautant a réuni sous le titre La Fabrique sonore quelques dizaines d'oeuvres souvent magnifiques, toujours pertinentes. Alors que le guide nous explique tous les secrets de la fabrication du divin vin, le visiteur se voit happé par le rugissement d'un animal féroce, invisible mais bien inquiétant; par un alignement de bottes de caoutchouc qui se mettent soudainement à taper du pied, même s'il n'y a pas de pied dedans.

oeuvre et artiste non identifiés au catalogue...

Sourires, surprises, émerveillements ou chocs, l'exposition transforme la simple visite des prestigieuses caves Pommery en expérience multi-sensorielle. La tête tourne sans avoir bu une seule goutte de champagne. Le coeur bat en concordance avec les sons de l'art. Petite visite en images, sans sons.

"Witness"(after Iannis Xenakis) (2011) Cerin Wyn Evans

Les lumières du faux chandelier vénitien vibre au rythme d' Oresteia de Xenakis.

La bande sonore devient bande lumineuse.

L'orgabulle, Jacques Rémus

Mon oeuvre chouchou, la hauteur de l'eau dans les pipettes correspond à la hauteur des sons.

Une petite mélodie est jouée qui se termine par un glissando descendant hilarant.

Sans titre (2010) Jean-Michel Othoniel

Grand xylophone de verre, fragile, le visiteur ne peut pas en jouer,

mais un vidéo nous fait entendre la beauté de ses multiples sonorités.

Mecanium (depuis 1977) Pierre Bastien

Orchestre automatique fascinante nous donnant à entendre des mélodies

folkloriques impressionnistes et mystérieuses

Création (2011) Dzine

Vélo à trois roues customisé kitsch équipé de l'inévitable système de sons

distillant une basse assourdissante invasive.

"dark tamala tocarra ki-toy supriya latoya skye nakesha mimi" (2011) AVAF

(collectif Assume Vivid Astro Focus)

Disco, néons en rythme, c'est partie pour la nuit.

Création (2011) Robin Meier & Ali Momeni

Vues intérieure et extérieur de ce pavillon sonore magnifique.

"Gong II", Série Cosmos (2011) Félicie d'Estienne d'Orves, musique de Frédéric Nogray

Écran quasi-lunaire aux arrières convexes, aux images zen, harmonieuses et troublantes à la fois.

no.

Expérience Pommery #9 "La Fabrique sonore"

Domaine Pommery, Reims jusqu'au 30 mars 2012

De retour d'Espagne, j'y retourne un peu!

2011-10-13T07:14:00.001-04:00

La Naine Dona Mercedes, 1887

Paris, Musée d'Orsay

Se retrouver à Paris au milieu de dizaines de journalistes du monde entier pour une visite de presse dans l'un des musées les plus prestigieux de la planète, accueilli gentiment de surcroît, a fait un certain velours au bloggeur montréalais que je suis. Un velours rouge et noir espagnol. Voici une exposition que même les amateurs d'art les plus blasés ne voudront pas manquer. Une exposition doucement éducatrice, subtilement correctrice de l'histoire de l'art.

Nous connaissons tous les grands peintres du tournant du siècle (le XXe, bien entendu) qui ont fait l'âge d'or d'art à Paris. Qu'ils soient impressionnistes, symbolistes, expressionnistes, éventuellement cubistes, ou dadaïstes ces artistes ont une telle renommée, un tel rayonnement que leur étoile en a éclipsé plus d'un. Il en est ainsi pour plusieurs peintres espagnols de l'époque. La plupart ont "monté sur la capitale" (Paris, où d'autre?) se sont liés d'amitié avec les Monet, Manet et autres grands. Ont apprit d'eux ou leur en ont peut-être appris un peu... En fait entre la belle époque de Goya et celle des Picasso, Dali et Miro peu de peintres espagnols sont reconnus et célébrés. Pourtant! nous dit cette exposition. Qui pourrait nommer spontanément les Ramon Casas, Hermen Anglada Camasara, et autres Ignacio Zuloaga Y Zabaleta? Je répète, pourtant! nous dit cette exposition!

Camasara a certainement montré à un certain Klimt quelques trucs... Il faut voir cette Granadina pour y croire. Et Nonell, bien en avance, préfigurait un Soutine au plus haut. Les magnifiques La Paloma et Dos Gitanas feraient honneur aux plus grandes cimaises internationales. Pourtant!

Le Musée de l'Orangerie, faisant partie du Musée D'Orsay, en collaboration avec la Fundacion MAPFRE comblent ici un manque et nous donnent une petite leçon qui fait plaisir. La découverte d'oeuvres est toujours une aventure passionnante. Quand il s'agit d'oeuvres tout à fait facile et agréable à voir, dont on comprend les codes, force est d'admettre que le plaisir devient presque coupable. Un peu comme une deuxième portion de gâteau au chocolat ou, plus justement, comme je suis à Paris, une ixième coupe de champagne...

L'Espagne entre deux siècle- De Zuloaga à Picasso- 1890-1920

Musée de l'Orangerie - Jardin des Tuileries, Paris jusqu'au 9 janvier 2012

no.

Peinture extérieure

2011-10-04T18:33:00.000-04:00

La jolie et petite ville de Montpellier, dans le sud de la France, n'est pas une ville particulièrement artistique. Beaucoup de jeunesse universitaire, beaucoup de touristes américains, une ambiance un peu baba cool. Les "vieux", c'est à dire ceux qui ne sont pas jeunes, semblent presque minoritaires, et surtout presque mal à l'aise de vivre dans cette ville. La douceur de vivre l'emporte largement sur le désir d'y vivre de grandes émotions artistiques. Seuls témoins d'un certain désir de transformer Montpellier en petite galerie à ciel ouvert, on y peint des morceaux de la ville qui sont déjà en place.

Montpellier semble vouloir se faire un spécialité de l'art du trompe-l'oeil en extérieur. Et, il faut bien le dire, ça marche. Ici on différencie avec difficulté ce qui est le vrai du faux dans cet édifice. Pour complexifier le tout, on y fait se refléter, dans un faux vitrage, l'église qui se trouve, bien entendu, juste devant l'immeuble travesti.

Plus. Toujours dans le centre historique de la ville, on retrouve ces "bites", c'est pas moi qui choisi les appellations, ces petits bouts de ciment qui nuisent au stationnements trop intempestifs. Peintes et repeintes régulièrement, les bites deviennent presque personnages. On hésite entre l'intervention concertée de plusieurs ou le défi proposé aux chums de brosse un vendredi soir.

Mais, on se rassure en voyant ces statues, dans une des rares grandes allées de Montpellier, peintes et repeintes avec les saisons, où les ors succèdent aux couleurs pastels, suivies par ces couleurs presque grossières. On croirait voir de gros sorbets pas tout à fait fondus. Si l'administration municipale se met elle aussi à faire un humour de potache, il me semble bien que la jeunesse de Montpellier sera un peu éternelle.

no.

L'ancien et le nouveau

2011-09-30T17:36:00.000-04:00

Musée d'art Contemporain de Barcelone

À Montréal, où il y a si peu de bâtiments anciens qui valent quoique ce soit, il faut un consensus entre citoyens, administrations de tous niveaux et quelques millions de points de vue d'experts (qui ne seront jamais écoutés) pour qu'une nouvelle construction voie le jour. Je ne déplorerai jamais assez l'horrible et consensuel 2-22 angle Sainte-Catherine et Saint-Laurent qui est maintenant garni de petites planchettes de bois en diagonale, comme dans un chalet au fond du bois. Cet édifice qui devait être dessiné par Paul Andreu, un des grands architectes de notre époque qui a réalisé entre autre le déjà mythique opéra de Pékin, a vécu tout une histoire. Les citoyens se sont offusqués que l'architecture d'Andreu ne s'arrime pas assez bien aux constructions environnantes. En fait, on voulait une fois de plus faire du faux vieux, un peu comme ces mégas maisons de banlieue qui tentent de remémorer les châteaux médiévaux avec tours et tourelles, tout en donnant un aspect purement disneylandisé et propret sans aucune espèce de connexion avec le temps présent. On refusait que l'édifice soit de verre, même si ce verre aurait pu réfléchir ces "merveilleux" édifices début de siècle environnants... On aura donc fait, une fois de plus appel a quelques firmes bien rouées aux normes de nos valeureux fonctionnaires, adeptes des architectures mi-figues mi-raisins qui ne dérangeront jamais qui que ce soit. Qui seront oubliées dès leur inauguration. Fonctionnel et pas trop cher, voilà les qualités qui prévalent en notre ville aux cent royaumes.

Marché Santa Catarina et centre d'archéologie de Barcelone

Lorsqu'on se balade en Europe, on constate que le sacro-saint citoyen qui croit tout connaître sur le design, l'urbanisme et l'architecture a plus ou moins son mot à dire. Ici, le payeur de taxes regarde, attend, râle parfois, mais après que ce soit construit. Et puis 10-15 ans plus tard on se rappelle toujours de l'architecture nouvelle, et très souvent on constate que c'était tout simplement parfait. On se rend compte avec le temps que le citoyen ordinaire n'a pas les connaissances nécessaires pour pouvoir juger d'un projet qui fera présence dans le temps et l'espace, que les générations futures seront plus à même de jauger.

Musée d'art Contemporain de Barcelone

Si le Centre Georges-Pompidou à Paris avait fait un immense scandale à l'époque, il n'en demeure pas moins qu'il est un des édifices les plus visité au Monde!! On a dû repenser la configuration intérieure pour y accueillir le flot toujours grandissant de visiteurs.

Siège social de la compagnie de gaz naturel

À Barcelone, on a été aux prises avec une architecture mondialement saluée et reconnues, celle des modernistes (équivalent de l'art nouveau en France et de Jugendstyle à Vienne). Mais il a bien fallu passer à autre chose. Aussi de moderniste, on est devenu moderne, et maintenant, franchement futuriste.

Hôtel Barcelo Raval

La Tour Agbar, donc je parlais ici, mais aussi plein d'autres endroits où l’on aura réussi à intégrer de nouvelles constructions sans jamais faire de compromis sur l'avant-gardisme des constructions. C'est d'ailleurs ce qui fait de Barcelone une des villes les plus intéressantes au point de vue architectural. L'ancien, voire le moyenâgeux, voisine le modernisme, le nouveau et l'avenir dans un kaléidoscope fabuleux, qui fait que toujours on y marche le nez en l'air.

Hôtel W, sur une presqu'île au bord de la Méditeranée

Comme quoi le faux ancien, le faux nouveau ne seront jamais que de pâles ersatz des véritables innovations dans un cadre véritablement historique.

no.

Palau de Musica Catalana, en partie recouvert d'un mur de verre

Le recycleur recyclé

2011-09-25T19:27:00.000-04:00

Tout a probablement été dit sur Gaudi. L’architecte catalan a mis sur la carte mondiale la ville de Barcelone, ville qui est devenue grâce à lui une des plus grandes capitales de l’architecture.

Pourtant, on a probablement sous-évalué le modernisme du plus célèbre des modernistes. Qui aurait cru que déjà, au début du XXe siècle, quelqu’un se soit soucié de recyclage. C’est pourtant ce qui s’est passé.

Gaudi, qui travaillait tout de même avec des budgets substantiels, a pris la décision d’utiliser des faïences, des carreaux de porcelaines abîmés ou cassés. Les magnifiques mosaïques qui ont en quelques sortes bâties la réputation du bâtisseur proviennent en grande partie de rebuts.

De la même façon, Gaudi avait prévu utiliser les pierres provenant du Montjuic, la montagne qui surplombe Barcelone, un peu comme notre Mont-Royal, montagne qui abrite maintenant plusieurs musées, centres d’expositions, qui a accueilli les olympiques, une exposition universelle…

Aujourd’hui et depuis plusieurs années maintenant, la Sagrada Familia est toutefois construite en béton armé, les vitraux sont créés tranquillement par un verrier de la place, et les mosaïques sont faites de pièces neuves et complètes…

Mais Gaudi a aussi été d’une certaine façon recyclé, ré usiné. D’abord, on a interprété son œuvre. Son grand œuvre, la cathédrale, toujours et indéfiniment en construction, a subi les interprétations pas toujours justes de ses successeurs. Ainsi, l’extérieur souffre des influences stylistiques des époques auxquelles les différentes façades ont été construites. Les façades d’époque donnant à voir un style clairement néo-gothique, la deuxième façade ayant été complétée nous montre un style très années 70, fabuleuse époque des messes à gogo, des petits Jésus néo-cubistes, et des bétons taillés à la sableuse. Alors qu’on commence la quatrième façade, on pourrait craindre pour l’instant que celle-ci se rapproche un peu trop de l’architecture de la tour de bureaux que de la cathédrale médiévale…

Là où Gaudi avait par contre laissé des plans beaucoup plus raffinés, ceux de la grande nef, l’effet recherché est beaucoup plus réussi. Le visiteur ressent ce que l’homme du Moyen-Âge a dû ressentir lorsqu’il entrait dans une église gothique.

Le vaisseau de la Sagrada Familia est tout simplement hors proportion, d’une blancheur et d’une luminosité qui ébloui. L’expérience devient mystique pour le plus endurci des sceptiques (moi!).

Aujourd’hui, tous se réclament de Gaudi à Barcelone. Même de grands architectes de renommée internationale s’en inspirent. Jean Nouvel, pour la construction de la tour Agbar, a sublimé les couleurs, les camaïeux de Gaudi dans un obus futuriste. Au départ, les barcelonais se demandaient un peu ce qu’allait devenir ce phallus de 34 étages. Mais Nouvel a expliqué qu’il voulait construire un immense geyser, dont les bleus se marieraient aux ciels de Barcelone.

Les barcelonais se sont laissé séduire. Visiblement ils jouissent aujourd’hui de ce jet de couleurs vibrantes qui défoncent le ciel de la sensuelle ville de Barcelone. La tour est recouverte d’une fine membrane qui soutient près de 50 000 plaques de verre. En passant comme ça, contrairement aux plaques de verre de notre pompeuse Grande Bibliothèque, il n’y a pas eu depuis sa construction en 2005 aucune chute, aucun éclatement, et Gaudi n’aurait rien à recyclé de cette construction qui, tout comme son Oeuvre, traversera les âges sans besoin de lifting, sans fléchir, sans se flétrir.

no.

Bartcelone

2011-09-25T17:59:00.000-04:00

Barcelone est en soi une œuvre d’art. Rien de laid. La nature, la géographie forment un écrin exceptionnel. On peut également compter sur un urbanisme triomphant. De toute évidence, les urbanistes ont eu et ont toujours à Barcelone un pouvoir énorme. Le mobilier urbain est beau, cohérent. Certains éléments ont été dessinés par les plus grands, Gaudi entre autres, d’autres s’inspirent de son style. Les plaques d’égouts, les dalles de béton, les feux de circulation : tout a été pensé, réfléchi, ce qui fait que tout est à la fois intelligent et esthétique. L’architecture est à l’avenant. Ça on sait déjà.

aux abords du musée d'art contemporain

Et pour embellir le très beau, partout dans Barcelone on trouve des œuvres d’art publiques. Donations, collectes de fonds, acquisitions par la ville, tous mettent la main à la pâte pour faire de cette cité une grande salle de musée où toutes les époques, les styles et les écoles d’artistes cohabitent dans une harmonie colorée. Quelques images…

au bord de la plage

et sur la plage, un poisson géant de Frank Gehry

sur le grand boulevard longeant le port

celui-là aussi

et encore un autre

no.

le plus connu, de Rauschenberg...

Au pays des géants

2011-09-19T07:23:00.000-04:00

Arrivé à Barcelone le 11 septembre, jour de fête nationale, je les ai vu apparaître comme ça, gentiment au coin d'une rue près de La Rambla (rue principale où tout peut se passer). Ils se mouvaient difficilement. On les a surnommés les grands raides. Accueillis en stars, des dizaines de personnes se sont mises à prendre des photos. Évidemment, je n'avais surtout pas mon appareil avec moi.

Mais je me suis repris. Les géants se reposent lorsqu'ils ne sont pas en sortie publique. Dans cette magnifique cour intérieure de la Diputacio de Barcelona, le gouvernement local.

Les géants ne sont pas exclusivement barcelonais. Plusieurs villes européennes ont quelques générations de ces personnages. À Barcelone, ils ne représentent pas des personnages publics, mais ont leur propre identité, sont signés et datés, leur fabrication relève d'une longue tradition.

Comme on peut voir ici, il y a même des géants reprenant les codes architecturaux de Gaudi. Car oui, je suis à Barcelone pour voir de l'architecture, et j'en vois beaucoup. Je reviens sur ce sujet qui me passionne très bientôt.

no.

Un montréalais à Paris

2011-09-17T09:38:00.000-04:00

Pablo Picasso, 2011

Invité par l'artiste Louis Boudreault à son premier vernissage parisien, j'ai eu le privilège de voir hier, en primeur sur nos amis de Paris, le grand oeuvre d'un alchimiste de l'oeil. Boudreault expose ici une série d'oeuvre toutes basées sur des photos d'enfant. Mais pas n'importe quels enfants. Qu'allaient-ils faire lorsqu'ils seraient grands? ils seront - écrivains : Proust, Saint-exupéry - peintre : Picasso - chanteuse : Juliette Gréco, Édith Piaf... Vous suivez? L'artiste nous fait découvrir l'être-avant de grands artistes. Enfant, peut-être ne le savions-nous pas, nous portons en nous déjà les traits de ce que nous serons devenus adultes. Par je ne sais quel magie, on reconnaît souvent le personnage public dans l'image de l'enfant.

Il y a derrière cet aspect séduisant du thème un immense travail et une symbolique ajoutée à l'oeuvre. Les oeuvres sont présentés sur papiers. Avec un "s". Il s'agit en fait de piles de grands papiers, retenus ensembles, qui forme un coussin, un livre, une densité, un passé ou un avenir plutôt. On peut imaginer que sur les pages qui suivent, on trouvera l'image du personnage à travers ses âges. Le dessin est lui aussi travaillé en couches successives de couleurs elle-mêmes passées. Les couleurs utilisées pourraient en fait symboliser le long temps écoulé depuis la prise d'image. Retouchés, triturés, effacés, brossés, constamment redessinés, les traits des visages d'enfants prennent un troisième dimension. Il utilise également la technique de collage, il collera parfois des tissus ou du papier peint, ajoutant ainsi des textures, et une profondeur de champs subtile et fine.

Lors de l'entrée en galerie, le visiteur se trouve happé par tous ces enfants qui réquisitionnent notre attention, notre regard. Regarder le regard, observer l'oeil de celui qui demain-hier sera celui qui transformera notre vision de la vie. Séduisant, intriguant et touchant.

Destinées, Louis Boudreault

Tornabuoni art, 16, avenue Matignon, Paris

jusqu'au 8 octobre

Le voyage forme la vieillesse

2011-09-14T15:06:00.000-04:00

Tout juste avant de partir pour l'Europe, une lecture attendue, celle du roman de Nancy Huston : Infrarouge. J'avais beaucoup entendu parlé de l'oeuvre : un brin de sulfure, beaucoup d'exhibitionnisme semblait-il, et une sexualité féminine affirmée et assumée. Je n'avais, en fait, entendu que des commentaires élogieux, mais tous ne portaient que sur l'aspect sexué de ce livre. Pourtant.

Ce que je retiens d'abord et avant tout de ce récit est la triste histoire d'une femme, à peu près de mon âge, qui décide faire cadeau à ses parents d'un voyage à Florence. Elle vit, a vécu sa vie la narratrice. Oui, sa vie continue de la préoccuper. Mais, voici que ses yeux se dessillent sur une vision indésirable de l'oeuvre de la vieillesse sur le corps et l'esprit admirés. Le père, s'en rendra-t-elle compte, qui avait été auparavant un scientifique reconnu n'est plus apte à converser et marcher tout à la fois. Le père ne retient pas les noms, les sujets ni les objets, ne voit pas plus d'intérêt à la visite des Offices à Florence qu'à celle de la galerie marchande. La belle-mère (seconde épouse du père idolâtré suite au départ de la mère humiliée) qui de femme concurrente de la narratrice devient soudainement le cordon de transmission entre fille et père. Le lien filial étroit devenu caduc, la course à la séduction entre fille et nouvelle épouse du père devenue inutile devant la semi-impotence du père...

Troublant, touchant. Encore une fois, Nancy Huston m'a bien eu. A atteint LA corde sensible : le vieillissement. M'a fait me questionné. Qu'en est-il de ceux que nous aimons et qui vieillissent, qu'en est-il de mon futur dans une société imperméable au " mûrissement". De quoi me bouleverser. Voilà pourquoi ce billet vous parvient plus de deux semaines après cette lecture. Que dire? sinon que c'est ÇA la vie?... : que penser d'une oeuvre que brise tous les idéaux d'une escapade familiale entre adultes? Comment vivre et survivre à de tels questionnements?

Étrangement, je n'ai vu aucune critique relevant cet aspect, pour moi le plus important, de ce roman. Comme si on avait voulu s'exiler dans ces histoires salaces, ces descriptions de bon sexe fringuant, cette sympathique émancipation des années 2000.

Je n'y ai étrangement vu que tristesse, inséduction, repliement, résilience et amours déçus.

no.

parti pour revenir

2011-09-13T12:12:00.000-04:00

j'ai affreusement négligé mon blog ces derniers temps. Trop. De travail. De projets. De problèmes. De soucis. De stress. Pas le temps. De voir. De lire. D'écouter. De flâner.
Ça tombe bien. Je me suis sorti de mon quotidien. De ma ville aussi. Montréalistement vous parvient donc d'Europe pour les prochaines semaines.

On ne parle que d'elle dans les milieux cultivo-branchotté. La fameuse salle de l'OSM. De couleur beigeasse, en beau bois blond naturel. Comme l'extérieur ne comptait pas vraiment, on l'a laisser aller à n'importe quel architecte fonctionnaire volontaire et ça donne ce que ça donne. Je n'ai pas pu m'empêché de comparer. Ma première visite touristique à Barcelone a été celle de la très célèbre salle du Palau de la Musica Calatalna. De style moderniste, l'équivalent catalan de l'art nouveau français, du jugendstil viennois et du liberty style anglais, la salle a été autant un haut lieu de la musique (classique et populaire) qu'un symbole de la culture catalane. Les liens entre les cultures catalanes et québécoises sont nombreux. Langues réprimées, incomprises, voire détestée des cultures avoisinantes, culture minoritaire plus forte ou plus emblématique que la dominante (dans notre cas : la culture canadienne, dans le leur, la castillane) les catalans, lorsqu'ils savent que nous sommes québécois, savent exactement qui nous sommes.

Leur salle de concert, construite au tout début du XXè siècle allait donc devenir un symbole. Un lieu culte. 100 et quelques années plus tard, tout se confirme : le Palau de Musica est l'un des bâtiments les plus visité, applaudi et demeure résolument révolutionnaire. Qui a dit que pour une acoustique digne du nom, il fallait du bois rien que du bois et toujours du bois. Comme si aucun matériaux ne pouvait remplacer ce qui déplume nos forêts. Ici, à Barcelone, la salle est une des premières construction toute de fonte, comme les constructions parisiennes de l'époque (Gare d'Orsay, Bibliothèque nationale, etc...) et le revêtement est, lisez bien comme il faut : de verre. Oui, voilà une salle toute de verre coloré. On peut très bien y tenir un concert en matinée sans aucun éclairage artificiel. Du verre partout, murs et plafonds, des décorations de porcelaines, des murs couverts de verroteries. Et ça sonne croyez-moi. Il y avait lors de ma visite guidée, un jeune et pas trop bon pianiste qui y répétait. Un son un peu maigre, sans amplitude qui devenait un peu trop flou aux passages difficiles. Pourtant, je puis vous assurer que contrairement à lui, je n'ai raté aucune de ses notes! Pur, sans écho artificiel, le son de cette salle est prodigieux. Non ce n'est pas un shoe-box, il n'y a pas d'essences de bois rares. Mais, en bonus : une architecture!

Car l'intérêt pour les hordes de touristes qui s'y rendent, on l'aura compris, n'est pas son acoustique mais bien son architecture. De Dominenc y Montaner, un contemporain de Gaudi, l'architecture barocco-moderniste regorge de détails tout aussi précieux que nombreux. Les fleurs un peu grossières de porcelaine prennent un allure magique lorsqu'en grappes de cent! Les balustres de verre coloré, les fleurs partout font de ce lieu un jardin magique où le mélomane averti autant que le néophyte se retrouvent. Le paradis terrestre c'était là justement. Des fleurs, des artistes, de la musique.

Dans 150 ans, personnes ne pourra comparer le Palau de la Musica Catalana à notre Maison symphonique. Car la salle montréalaise aura disparu des ondes radars, nos gouvernements ne voyant jamais plus loin que la prochaine élection. Allons-y trippons sur nos beaux sièges couverts de beige pendant qu'il en est encore temps. Et qu'un ne vienne pas me dire, non mais il y a les urgences qui débordent et les routes qui défoncent. Croyez-vous vraiment que la société catalane du début du siècle dernier roulait sur l'or?

no.

il est mort seul

2011-08-20T09:08:00.004-04:00

C'était au Salon du livre il y a deux ans. Dans le brouhaha d'une foule dense et avide de célébrités, il était là. Entre deux stand, devant rien. Assis sur un tabouret. Non, il n'y avait pas de table pour y dédicacer ses livres. Il attendait, quelqu'un? Il avait l'oeil grand ouvert et complètement éteint. Il avait l'air fatigué. J'ai beaucoup hésité, j'aurais aimé lui dire toute mon admiration pour son Oeuvre, sa plume, son intelligence. Mais il y avait tellement de monde. Personne pour lui parlé toutefois. Seul. Comme il ne le voulais pas. Je continue de croire que c'est un des plus grands intellectuels que nous ayons eu. Gil Courtemanche a fini comme il souhaitait ne pas finir : abandonné par sa proche, honni par certains, dans l'indifférence pour la masse. Au Québec, les intellectuels sont à peu près aussi populaire que les roux au Moyen-Âge, l'intelligence, la culture ne sont pas ici des qualités prisées.

Il est rare que je pleure la mort de quelqu'un que je ne connaisse pas. Pourtant, avec en mémoire son triste dernier opus, Je ne veux pas mourir seul, dont je parlais ici, je suis atterré par cette mort. Habituellement, nos bons mots vont pour la famille, l'entourage immédiat. Mais ici, c'est à l'homme malheureux de sa vie comme probablement de sa mort que je voudrais, sans le pouvoir, apporter un peu de réconfort.

no.