8 años en los que me han pasado muchas cosas, algunas me hicieron sentir que podría conseguir cualquier cosa y otras me hicieron estar a puntito de tirar la toalla. Quizás debería aprender, como los personajes de “Perdidos” nos recordaban constantemente, a dejar que las cosas se vayan, escribir un post de despedida y no volver.

Pero en 8 años no he aprendido a hacerlo. En el fondo sigo soñando con encontrar el tiempo para volver a escribir aquí, quizás con otros objetivos pero con el mismo amor por el cine que el primer día. ¿El mismo? No.

8 años han pasado y en realidad el cine me gusta más que nunca. Sigo pensando que, como muchas otras manifestaciones culturales, nos puede ayudar a comprendernos mejor, enseñarnos muchas cosas e, incluso, hacernos mejores personas.

8 años…

8 años y sigo sintiéndome agradecido por cada uno de vuestros comentarios, en público o privado, por todo lo que me habéis enseñado del cine y de la vida.

8 años… y sigo sumando.

Muchas gracias.

La historia os sonará: un grupo de cinco amigos llega a una cabaña en el bosque, lugar idílico con lago y todo, a pasar un fin de semana que termina convirtiéndose en una experiencia terrorífica. Y hasta aquí llega lo que os suena porque, a partir de ahora, empiezan las sorpresas…

[...]

[Así empieza mi crítica de la película, que podéis leer en Generacion Young.]

Él cortometraje está enfocado hacia las personas que se van a vivir a otro país. Yo soy un emigrante interior (una especia tan ninguneada que ni siquiera puedo votar en mi comunidad autónoma de origen) pero tengo que admitir que, tras 12 años viviendo lejos de Galicia, ha habido momentos en los que me he sentido plenamente identificado con el protagonista del corto.

Ver el cortometraje en YouTube

Soy un amante del cine fantástico así que todos los años sigo con cierto interés el Festival de Sitges. Aunque la deriva del festival hacia el cine de terror no es algo que me emocione, tengo que admitir que si no voy a las proyecciones es más por falta de tiempo que por otra cosa.

Pues bien, este año he seguido las andanzas del festival con más detalle de lo habitual al tener que escribir varios artículos sobre el mismo para Generacion Young. Os dejo aquí los enlaces por si os interesa echarles un vistazo:

• Comienza el festival de Sitges
• La programación del festival
• Los trailers de lo más esperado del festival
• Palmarés del festival de Sitges 2012

De las películas presentadas en el festival solo he visto, por ahora, “La cabaña en el bosque” y “Lo imposible“. Aunque mis opiniones sobre ellas las publicaré próximamente, os adelanto que las dos películas valen la pena, salvo que se tengan evidentes prejuicios sobre los géneros a los que pertenecen (avisados quedáis).

La película, restaurada digitalmente en alta definición (2K), se presentó en dos versiones: doblada al castellano, con su doblaje histórico, y en versión original subtitulada al español.

En ella, se nos cuenta la disparatada historia de Chick y Wilbur (Abbott y Costello), los desastrosos transportistas encargados de llevar los cuerpos del Conde Drácula (Bela Lugosi) y del monstruo de Frankenstein (Glenn Strange) desde Londres a Estados Unidos para ser exhibidos en el Museo del Terror. Ni que decir tiene que las temibles criaturas volverán a la vida y nuestros protagonistas se meterán en mil y un problemas, uno de ellos causado por pedirle ayuda a Larry Talbot (Lon Chaney Jr.)…

Podéis leer el artículo completo “Abbott y Costello vuelven a los cines“, que incluye un resumen con las mejores películas del dúo cómico, en Generación Young.

Pero el tiempo pasa, las motivaciones vuelven y por diversas circunstancias he empezado una nueva aventura en Generación Young, un blog donde podéis encontrar las últimas novedades de nuevas tecnologías, música, deporte, famosos, televisión y cine. Y es en esta última sección, lógicamente, donde escribiré con más frecuencia.

La consecuencia más inmediata de cara a este blog es que retoma su actividad, ya que al menos enlazaré aquí los posts que vaya publicando en Generacion Young y que tengan relación con moonfleet. La segunda consecuencia es que también volveré a escribir aquí algún articulillo, cuando el tiempo del que dispongo me lo permita.

Y ahora, sin más, me despido de vosotros por hoy. Muchas gracias por seguir ahí.

Aquí van mis predicciones:

Mejor película: “The Artist“. Porque es una película a la que es difícil no amar y cuando una película cumple ese requisito casi siempre gana los oscars. En este caso, además, se trata de una maravilla de película (aunque no es la única joya de la lista de nominadas) así que me alegraré de su victoria.

Mejor director: Michel Hazanavicius por “The Artist”. Porque es el máximo responsable de la que será triunfadora de los oscars, por su valentía y su decisión para sacar adelante un proyecto por el que nadie daba un duro.

Mejor actriz: Viola Davis por “The Help (Criadas y señoras)”. Porque, aunque esto significa dejar sin oscar un año más a Meryl Streep, las actuaciones son lo mejor de la película y hay que premiar a la más taquillera de las nominadas.

Mejor actor: Jean Dujardin por “The Artist”. Porque buena parte del peso de la película recae sobre sus espaldas y ha demostrado que posee una variedad de registros impresionante. Aunque Clooney demuestra en “Los descendientes” que es uno de los grandes, ya tiene un oscar y seguramente ganará alguno más.

Mejor actriz secundaria: Octavia Spencer por “The Help (Criadas y señoras)”. Básicamente por lo mismo que Viola Davis. Además su personaje es uno de los más recordados al acabar la proyección.

Mejor actor secundario: Christopher Plummer por “Beginners”. Porque esta categoría es perfecta para rendir homenaje a viejas glorias que recuerden a la gente algo del Hollywood clásico y porque Plummer es un actor como la copa de un pino. Aún no he visto la película pero dicen que él es, además, lo mejor.

Mejor guión original: Woody Allen por “Midnight in Paris” porque la tentación de darle un oscar al viejo Woody será demasiado grande. A menos que la gente haya enloquecido (en el buen sentido) de verdad con “The Artist” y se decidan a dárselo. Muy pocas veces en la historia del cine alguien ha ganado en la misma noche el guión original y la dirección (uno de ellos, sino el único, el propio Allen) y pueda que esta vez tampoco suceda.

Mejor guión adaptado: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash por ”Los descendientes“. Porque será el premio de consolación a la película que era favorita de todos hasta que llegó el huracán de “The Artist” y porque será un reconocimiento a la brillante labor de Alexander Payne.

Mejor película de animación: “Rango“. Porque le ha gustado a todo el mundo, Gore Verbinski es un artesano al que nunca viene mal premiar y, además, parece la elección más evidente.

Mejor banda sonoral original: Ludovic Bource por ”The artist”. Porque es una banda sonora excelente y se convierte, en parte por obligación, en la otra gran protagonista de la película. Pero, siendo sinceros, en esta categoría casi da igual a quién se lo den porque todas las bandas sonoras son realmente buenas.

Mejor canción: “Los Muppets”. No he escuchado ninguna de las dos nominadas pero todo el mundo dice que ganará esta, pese a los famosos nombes detrás de su canción rival. Un mal año para las canciones, de todas formas.

Mejor montaje: “The artist”. Porque la mejor película y el mejor montaje suelen coincidir, así de sencillo. Además se lo merece, aunque esto podría valer para premiar a las otras nominadas.

Mejor fotografía: Emmanuel Lubezki por ”El arbol de la vida”. Porque es su quinta nominación y todavía no ha ganado. Para colmo, la fotografía es en lo único en lo que todo el mundo coincide respecto a esta película.

Mejor dirección artística: “La invención de Hugo” porque algún premio habrá que darle también a la película de Scorsese, otra favorita de la crítica.

Mejor vestuario: “The Artist”. Porque una vez que empiezan a darle oscars a una película ya no paran.

Mejor maquillaje: “La dama de hierro”. Porque en estas películas en las que alguien interpreta a un personaje muy famoso, el maquillaje se considera siempre parte clave del éxito o fracaso.

Mejor sonido: “La invención de Hugo”. Los premios técnicos serán en esta ocasión, curiosamente, el consuelo de Scorsese.

Mejor montaje de sonido: “La invención de Hugo”. Porque me temo que los académicos tampoco distinguen las dos categorías del sonido entre sí y por eso votan lo mismo a las dos. Claro que lo mismo “War horse” da la campanada en alguna de las  categorías de sonido.

Mejores efectos visuales: “El origen del planeta de los simios“. Porque ha sido una de las sorpresas del año y este premio lleva su nombre desde hace meses. Uno de los motivos del éxito de esta película y del hecho que se haya llegado a debatir si Andy Serkins merecía la nominación al oscar son los brillantísimos efectos visuales de la película. Claro que no sería un mal momento para premiar la saga Harry Potter u ofrecerle otro consuelo a Scorsese. Está más abierto de lo que parece.

Película extranjera: “Nader y Simin, una separación“. Porque para muchos es la mejor película del año. Cualquier otro resultado sería una sorpresa.

Dentro de unas horas saldremos de dudas.

Es difícil imaginarse la ingente cantidad de energía y de convicción que habrá necesitado el director para sacar adelante un proyecto como este en pleno siglo XXI, con la industria volcada en promocionar el cine en 3D.  Porque, para aquellos que no lo sepan, “The artist” es una película muda en blanco y negro, pero es también puro entretenimiento repleto de risas, de lágrimas, de emoción; cine con mayúsculas.

Es difícil hablar de una cinta tan perfecta como esta sin caer en el tópico de soltar una lista de sus virtudes. Pero ¿cómo resaltar unos elementos sobre otros en una película en la que todo es maravilloso? Desde las interpretaciones de Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell o Penelope Ann Miller hasta la inmensa banda sonora de Ludovic Bource o la fotografía de Guillaume Schiffman; todo juega al servicio de una historia, contada ya otras veces pero pocas de esta manera.

Hay talento en esta película, cierto, pero aún más que dicho talento, me llama la atención el tremendo amor al cine que destila cada una de sus imágenes y la afilada inteligencia que se aprecia, no sólo en la puesta en escena, sino en elementos tan sorprendentes como el sonido (¡en una película muda!) o algunos toques de guión sencillamente sublimes.

No me quiero extender más. Sé que habrá espectadores reacios a ir al cine por tratarse de una película muda. A ellos les recomiendo que venzan sus reticencias y le den una oportunidad porque no se van a arrepentir. “The artist” es, además de una gozada, una película que pasará a la historia, una película de esas que, algún día, podremos presumir de haber asistido a su estreno. Y, amigos míos, ya se hacen pocas así.

Valoración final: 10 sobre 10

¿Cómo hei vivir mañá sen a luz túa?

Case morto vivín sen coñecerte
aló na chaira seca por absurdas rúas
onde ninguén me soubo dar mornura.

Foi soedade desconforme adentro
e a semente a caír en terra dura.

¿Cómo hei vivir mañá sen a luz túa?

Erguinme e vinte ao regresar á terra
como se fora todo aquelo un soño
pesado e ti xa foras sempre miña.

Foi outra vez materno en aloumiño
o bico teu na lingua.
E foi de novo corazón adentro
comprender a existencia e a dozura.

¿Cómo hei vivir mañá sen a luz túa?

Pero hoxe mesmo o día abriu en medo
entrou na fiestra un sol estraño inmenso
e deixáchesme o leito en mantas frías.

Está a volver agora corazón adentro
a soedade o podre a agonía
a me pinchar as cousas en millóns de pugas
cada minuto en séculos de agullas.

¿Cómo hei vivir mañá sen a luz túa?

“Se o noso amor e os peixes…” de Bernardino Graña.

Hay poemas cuyo título lo dice todo y este es uno de ellos. Aunque pertenece a “Se o noso amor e os peixes…”, en realidad yo lo tengo en “Ardentía“, antología poética de Bernardino Graña que conseguí, tras buscarla por todas partes, gracias a la Librería Pedreira de Santiago de Compostela.

No lo sabía pero existe también una versión musical interpretada por Suso Vaamonde.

Pero no me puedo resistir a compartir con vosotros este trailer que es, así como suena, el trailer del año para Moonfleet. Espero ansioso vuestros comentarios.

También podéis ver el trailer en Vimeo.

Hace ya mucho que no publico pósters y trailers pero una nueva película de Steven Spielberg es motivación suficiente para hacerlo de nuevo. Si además se trata de un proyecto que lleva casi tres décadas intentando sacar adelante pues con más motivo.

Yo tengo que decir que tras ver el trailer y los dos primeros pósters de la película estoy totalmente emocionado. Tenía mis reservas en cuanto al look que iba a tener la película porque no tenía claro si podrían mantener el estilo cómic y al mismo tiempo aprovechar al máximo el realismo de las nuevas técnicas de animación. Una falta de confianza por mi parte a la que el maestro Spielberg responde con un teaser trailer que consigue emocionarme y dejarme con muchas más ganas de ver la película de las que ya tenía.

Os dejo aquí el trailer para que lo disfrutéis pero si nos os llega y lo queréis ver en alta definición (lo recomiendo) podéis hacerlo en la página de iTunes para la película.

Para aquellos que no lo sepan “Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio” es la primera película de una trilogía de animación producida entre Peter Jackson (que en principio iba a dirigir la segunda entrega) y Steven Spielberg y rodada con la controvertida técnica de la captura de movimiento. Los famosos personajes creados por Hergè están interpretados por Jamie Bell (Tintín), Simon Pegg (Thompson), Andy Serkis (Capitán Haddock), Nick Frost (Thomson) y Daniel Craig (Rackham el Rojo).

Su estreno está previsto para el 28 de octubre en España (¡dos meses antes que en los USA!).

Sobre estas líneas os dejo el póster que más pega con Moonfleet y bajo estas líneas podéis ver el otro. Los tenéis en alta resolución en impawards.

Como siempre, en esta última época, no ando sobrado de tiempo así que mi ritmo de publicación es bastante pobre pero, dado que me siento con energías para seguir dando la lata durante al menos otro año, os recomiendo que no os despistéis que aún puedo dar alguna sorpresilla que otra.

Gracias por todo, amigos.

Estimado William Stanhope:

La decisión más importante que he tomado jamás tuvo lugar a los 9 años… Yo coleccionaba tiras de cómic de Buck Rogers, 1929, cuando mis compañeros de 5º grado se rieron de mí. Destrocé las tiras. Una semana más tarde, rompí a llorar. ¿Por qué lloraba? Me pregunté. ¿Quién se ha muerto? Yo, fue la respuesta. He destrozado el futuro. ¿Qué puedo hacer al respecto? Comenzar a coleccionar Buck Rogers de nuevo. ¡Enamorarme del futuro! Y eso fue justo lo que hice. ¡Y nunca desde entonces he hecho caso a ningún maldito idiota compañero de clase que dudase de mí! ¿Qué aprendí? A ser yo mismo y nunca dejar que otros, cargados de prejuicios, interfieran en mi vida. Chicos, haced lo mismo. Sed vosotros mismos. Amad aquello que amáis.

Con mis mejores deseos

Ray Bradbury

Tengo la sensación de que muchos de los que tenemos una afición realmente marcada, ya sea esta el amor por el cine, la música, la literatura, los cómics, los coleópteros o cualquier otra, hemos sentido en nuestrar carnes, en un momento o en otro, lo mismo que sintió Ray Bradbury a los 9 años. Por eso su mensaje me parece tan importante y pienso que debería enseñarse a los estudiantes en todas las escuelas del mundo.

Aquí os dejo la nota original:

(visto en How To Be a Retronaut)

Desde el primer momento, me pareció un un libro muy difícil de adaptar al cine ya que buena parte de lo que realmente sucede, lo hace en el interior de la mente de nuestro protagonista. Entre eso y que  los lectores solemos ser gente muy susceptible cuando se trata de la adaptación cinematográfica de un libro que nos apasiona, tengo que reconocer que era muy escéptico con la versión que John Hillcoat (del que no he visto su anterior película) pudiese hacer de la novela de McCarthy.

Justo es reconocer que mis temores no se han visto confirmados. “La carretera” de John Hillcoat no solo es una buena película sino que es capaz de trasladar al espectador la desolación de la que nos habla la novela original. Es cierto que no le queda más remedio que recurrir a la voz en off para lograr hacernos entender algunos de los pensamientos del protagonista (un magnífico Viggo Mortensen), pero no es menos cierto que el recurso no resulta abusivo.

Además de Mortensen, actor que ya va acumulando un buen puñado de interpretaciones brillantes, me gustaría destacar la labor del niño protagonissta, Kodi Smit-McPhee (visto posteriormente en la versión USA de “Déjame entrar“) que realiza una interpretación meritoria, sobre todo para lo que suele ser habitual en las interpretaciones infantiles.

La fotografía de Javier Aguirresarobe o la música de Nick Cave y Warren Ellis añaden interés a esta película muy recomendable (sin ser perfecta) que, eso sí, es preferible ver cuando uno esté atravesando una buena época porque puede resultar algo deprimente.

Valoración final: 7,5 sobre 10.

Una de las mejores escenas de 2010.

Lo sé, lo sé. El 2010 ya hace tres meses que terminó. Pero el caso es que el blog entonces estaba parado y ahora que he vuelto, aunque sea a medio gas, no me aguanta el cuerpo sin decir cuales son en mi opinión las mejores películas del año pasado. Además, es una tradición ya en moonfleet y, puestos a elegir entre romper la tradición o cumplirla con retraso me quedo con la segunda opción.

Tengo que advertiros que hay unas cuantas películas de las que todo el mundo habla bien y que no he tenido ocasión de ver. Entre ellas destacaría “La cinta blanca“, “The town” o “Un profeta“, por poner algún ejemplo. Aclarado esto, esta es la lista de las películas que más me han hecho disfrutar en 2010:

• “Up in the air” de Jason Reitman ha servido para consolidar a su director como un hombre a respetar dentro del Hollywood actual. Se trata de una cinta a medio camino del drama y la comedia (algo que a mí me gusta mucho), con unas interpretaciones brillantes de todo el reparto y un guión que trata temas tan  interesantes como el compromiso o la necesidad de compañía. Podéis leer mi crítica en moonfleet.
• “En tierra hostil” le sirvió a Kathryn Bigelow para convertirse en la primera mujer en ganar el oscar a mejor director. Pero no deberíamos recordar esta película por ese detalle sino por ser un magnífico ejemplo de thriller dramático, capaz de agarrar por el estómago al espectador y no soltarle hasta que aparecen los créditos finales. Podéis leer mi crítica en moonfleet.
• “Toy Story 3” de Lee Unkrich. No tenía especiales ganas de ver esta película porque, pese a ser de Pixar, no pensé que pudiese aportar gran cosa a la saga. Aunque me costó meterme en la historia, el gran ritmo habitual de las cintas de Pixar y unos asombrosos 15 minutos finales (que contienen una de las escenas que más me han emocionado en un cine últimamente) la hacen merecedora de estar en esta lista.
• “Origen” de Christopher Nolan. Aunque sigue sin convencerme como director de escenas de acción, estamos ante el mayor espectáculo del año, una pirueta circense que le permite a Nolan llevar al extremo sus habituales juegos temporales y realizar, a la vez, varias películas una dentro de otra (cine de comandos, cine negro, etc). La apuesta no sólo resulta un éxito sino que demuestra, en mi opinión, que estamos ante el que es, posiblemente, el director más inteligente del cine actual.
• “La red social” de David Fincher. No creo que Fincher necesite demostrar nada a estas alturas pero por si hacía falta aquí nos presenta una película que para muchos define a una generación. La película de Facebook (así se llamó durante meses la película) finalmente no iba sobre Facebook sino sobre la amistad, la avaricia y el tiempo en el que vivimos. En ese sentido muchos la comparan con “Ciudadano Kane”, aunque cinematográficamente me parece bastante exagerado. Un gran guión en manos de Fincher es siempre una garantía.
• “An education” de Lone Scherfig. Un ejemplo de que cuando un director decide no molestar, tiene un buen guión y un puñado de actores en estado de gracia, la cosa no puede salir mal. El tiempo dirá si Carey Mulligan es algo más que una estrella fugaz pero desde luego en esta película, en la que aparece en la práctica totalidad de las escenas, está deslumbrante. A su altura se muestra también el resto del reparto, desde Peter Sarsgaard a Alfred Molina. Una pequeña delicia.
• “Buried” de Rodrigo Cortés. ¡Qué alegría me da incluír entre lo mejor del año una película dirigida por un gallego! Pero el caso es que la película entra aquí por méritos propios porque Cortés realiza un ejercicio de estilo impecable, angustioso, claustrofóbico y tremendamente entretenido. Es alucinante con qué pocos elementos es capaz de tenernos hora y medio entretenidísimos. La carrera de este director puede depararnos alegrías inesperadas.
• “El discurso del rey” de Tom Hooper. Entra por los pelos en la lista porque se estrenó muy a finales de 2010. Quizás la más académica de la lista, no por eso deja de ser emocionante asistir al desarrollo de la amistad que surge entre un futuro rey y su logopeda, ambos pertenecientes a clases sociales muy diferentes. La dinámica dirección, el estupendo guión y la química que nace entre Colin Firth y Geoffrey Rush (muy bien secundados por Helena Bonham Carter) la hacen merecedora de cerrar esta lista

Bueno, es vuestro turno, aunque imagino que tal vez ya os parezca un tema algo pasado de fecha. ¿Qué os parece la lista? ¿He añadido alguna que jamás de los jamases hubiéseis puesto? ¿Falta alguna que es sagrada para vosotros? Ansioso espero vuestras opiniones.

La historia de “Los chicos están bien” (The Kids Are All Right) nace a partir de un pequeño detalle: dos adolescentes, hijos de un matrimonio formado por dos mujeres y nacidos por inseminación artificial, quieren conocer a su padre biológico. Este hecho será el detonante de toda una revolución familiar.

Estamos ante otra de ésas películas construídas en torno a un guión sólido, escrito por la propia directora Lisa Cholodenko junto a Stuart Blumberg, unos actores inspirados y una dirección eficaz totalmente al servicio del guión y los actores. Entre todos ellos crean una película que retrata el interior de una familia con una autenticidad que pocas veces he visto. En cada una de las escenas se respira verdad. Atención a los juegos de miradas entre los diferentes personajes, las complicidades, lo que se callan, lo que se dicen. Algo aparentemente sencillo pero muy complicado.

Para lograr todo esto, es imprescindible contar con unos actores dando lo mejor de sí mismos. Durante unos meses parecía que nadie le podría arrebatar el oscar a mejor actriz a Annette Bening, que tiene algunos de los momentos más agradecidos del film y está que se sale. Me pregunto qué tiene que hacer esta mujer para que le den el oscar de una vez por todas. Pero a su lado, no desmerece en absoluto la espléndida interpretación de Julianne Moore o el apoyo de los secundarios Mark Ruffalo, Mia Wasikowska (no he visto todavía “Alicia en el país de las maravillas” pero aquí demuestra que puede ser buena actriz) y Josh Hutcherson.

Por cierto, que todo el mundo califica a esta película como comedia y, aunque es verdad que no es una tragedia griega, a mí me parece bastante dramática. Si alguien va al cine buscando unas risas se podría llevar una decepción porque, aunque es verdad que hay momentos divertidos y con cierta gracia, son los aspectos dramáticos los que resaltan por encima de los demás. Un dramatismo ligero, quizás, pero nada despreciable.

Termino ya, que no quiero alargarme demasiado. “Los chicos están bien” era una más que digna nominada a mejor película (hay al menos dos nominadas que me gustan menos) y una película muy recomendable aunque quizás carente de ese algo especial que la eleve hasta la grandeza. En todo caso eso será el tiempo el que lo decida.

Valoración final: 8 sobre 10.

Creo que nunca me cansaré de este juego de los oscars, pese a todos los años que llevo jugando a él. Y eso que, gracias a la imposibilidad de ver la transmisión sin pagar, me he perdido unas cuantas ceremonias en los últimos años, hasta el punto de que ya no me hace la misma ilusión que en los viejos tiempos.

Espero que algún día podamos volver a disfrutar de la ceremonia en abierto y vuelva a pasarme la noche en vela, inflado a palomitas, chocolate y coca-cola. Hasta entonces temo que me conformaré con leer las noticias a primera hora del día siguiente.

Podéis leer la lista completa de nominados en la imdb. Aquí van mis predicciones:

Mejor película: “El discurso del rey“. No sólo es la película más nominada sino que además ha ganado los premios del gremio de productores, directores, guionistas y actores. No se puede pedir más, aunque yo preferiría que ganase “La red social”. Eso sí, las nominadas tienen, en general, tan buen nivel que varias de ellas podrían ganar sin que hubiese lugar a mucha queja. Quizás el mecanismo de voto beneficie a Fincher…

Mejor director: David Fincher por “La red social“. Aquí la historia nos dice que hay que apostar por el director de la favorita para ganar el oscar pero tengo la sensación (en parte aumentada por el deseo) de que este año podría dividirse el voto.

Mejor actriz: Natalie Portman for “Cisne negro“. Soy un defensor a muerte de esta actriz desde que deslumbró a todo el mundo en “León, el profesional” o “Beautiful girls” pero aún así admito que mi corazoncito cinéfilo disfrutaría viendo cómo le dan el oscar a Annette Bening. Temo que no será así.

Mejor actor: Colin Firth por “El discurso del rey“. Aquí no hay discusión posible. Su interpretación es excelente, ya podría haber ganado el año pasado y además es un tipo que cae bien.

Mejor actriz secundaria: Melissa Leo por “The Fighter“. Aunque durante la promoción de los oscars ha cometido errores bastante graves, todo el mundo destaca su tremenda actuación (yo todavía no la he visto). Aunque el hecho de tener una compañera de reparto también nominada podría hacer que los votos se repartiesen y ganase una tercera. En ese caso podrían ser Hailee Steinfeld o la misma Helena Bonham Carter las afortunadas. Esta categoría está más abierta de lo que muchos creen.

Mejor actor secundario: Christian Bale por “The Fighter“. Aquí pasa algo parecido a la categoría de actriz secundaria salvo que a Bale no le perjudica su promoción (no ha cometido ningún error importante) sino el hecho de que es un tipo que no cae especialmente bien en Hollywood. Aún así es un actorazo al que tarde o temprano querrán premiar así que esta puede ser la ocasión perfecta. Eso sí, no lo tiene ganado porque Geoffrey Rush le sigue muy de cerca…

Mejor guión original: “El discurso del rey“. Cualquier otro resultado significaría que esta va a ser una noche de sorpresas.

Mejor guión adaptado: “La red social“. Si no le dan el oscar a Sorkin se puede armar una buena.

Mejor película de animación: “Toy story 3“. Por poco, pero me parece mejor que “Cómo entrenar a tu dragón“. No he visto “L’illusionniste” pero le tengo muchas ganas porque soy un fan de “Bienvenidos a Belleville“.

Mejor banda sonoral original: “La red social“. Es cierto que Alexandre Desplat (El discurso del Rey) se va mereciendo un oscar y que podría ganarlo perfectamente este año porque su banda sonora, además de buena pertenece a la película más nominada, pero creo que la Academia se decidirá por la modernez de Trent Reznor y Atticus Ross. A mí la que más me gusta es “Origen” y, como dice Ferre, la nominación de “127 horas” ni la entiendo.

Mejor canción: “Toy story 3“. Ni siquiera he escuchado todas las canciones nominadas pero creo que la academia volverá a premiar a Randy Newman que tan sólo tiene un oscar en su vitrina y esta es su vigésima nominación a los premios de la academia. ¡Vigésima! ¡Madre mía!

Mejor montaje: “La red social“. Que esté nominada “127 horas” y no esté nominada “Origen” parece una broma pero en cualquier caso tengo la sensación de que el premio será para la peli de Fincher por méritos propios.

Mejor fotografía: “Valor de ley (True Grit)“. Aún no la he visto pero es la novena nominación de Roger Deakins y ya va siendo hora de que le premien. Además podría ser el único galardón de la película de los Coen.

Mejor dirección artística: “El discurso del rey“. Aquí la pelea con “Alicia en el país de las maravillas” será cerrada pero la fuerza de las nominaciones y el hecho de ser una cinta de época creo que jugarán a favor de la cinta inglesa.

Mejor vestuario: “El discurso del rey” por motivos similares al de dirección artística.

Mejor maquillaje: “El hombre lobo“. Aquí estoy siendo muy conservador porque sin duda es el favorito pero este Oscar ha dado sorpresas en los últimos años así que no me extrañaría nada que ganase cualquiera de las otras nominadas. Disfrutaría mucho, especialmente, si ganase “Camino a la libertad” porque es una película que se merecía estar entre las 10 nominadas a mejor película del año.

Mejor sonido: “Origen“. A falta de premios más importantes, da la sensación que los premios más técnicos serán los de consolación para la película de Nolan (salvo que salte la sorpresa y se lleve el de guión, que todo puede ser).

Mejor montaje de sonido: “Origen“

Mejores efectos visuales: “Origen“. Cualquier otro resultado sería una conmoción.

Película extranjera: “Hævnen” (In a better world) de Dinamarca. Aunque “Biutiful” cuenta con el apoyo de la candidatura de Bardem y el hecho de que Iñárritu sea conocido en Hollywood, lo cierto es que se oyen bastantes rumores que indicarían que puede ganar la película danesa así que me lanzo a la piscina y voto por ella.

Dentro de unas horas se sabrá lo cerca o lejos que me he quedado del pleno.

Se trata de la segunda película de su directora, Debra Granik, que curiosamente también llevó un premio en Sundance con su anterior película “Down to the Bone“ (pese al título no tiene nada que ver con la que hoy nos ocupa). Es de desear que esta vez, las cuatro merecidísimas nominaciones a los oscars de Hollywood le sirvan para que su carrera despegue definitivamente.

Digo merecidísimas nominaciones porque “Winter’s Bone” es, no lo alargo más, una estupenda película, dura, sin grandes concesiones al espectador, con momentos de gran intensidad, una cierta atmósfera opresiva, un guión eficaz (escrito por la propia directora, junto a Anne Rosellini y basado en la novela de Daniel Woodrell) y unas interpretaciones impresionantes. Así como suena.

Tengo que advertir, eso sí, que esta no es una película para todo tipo de públicos. Aunque se la suele presentar como un thriller dramático, aquellos que vayan al cine movidos más por la parte del thriller que por la del drama pueden llevarse una importante decepción porque, desde el principio, resulta evidente que a la directora le interesa más llevarnos por otro camino. Lo que de verdad le importa a Debra Granik es el personaje central y cómo se relaciona con el mundo que la rodea. Un mundo al que no quiere pertenecer pero del que no puede escapar. Un mundo en el que el entorno físico juega un papel importante. Así, parte del mérito de la directora consiste en convertir al paisaje y al propio invierno en un personaje más del film.

Aunque todo el reparto hace un trabajo estupendo, resulta inevitable destacar por encima de todo las poderosísimas interpretaciones de Jennifer Lawrence (Ree) y John Hawkes (Teardrop). Este último es capaz de resultar terrorífico sin perder, a la vez, esa extraña dignidad que poseen los grandes perdedores del cine. La forma en la que Hawkes llena la pantalla es de las que dejan huella.

Por su parte, Jennifer Lawrence compone uno de los grandes personajes del año pasado. Si le diesen el oscar a la mejor actriz no cabría protesta alguna. Dueña prácticamente de cada escena de la película, de principio a fin, su interpretación es simplemente prodigiosa. Habrá que seguirle la pista, porque tiene todo lo que hace falta para ser una de las estrellas de Hollywood de los próximos años.

Y no cuento más porque es mejor que la disfrutéis vosotros mismos. No creo que os decepcione.

Valoración final: 8,5 sobre 10.

El caso es que el cine comercial actual tiene unos errores tan claros, tan comunes y tan repetitivos que hacen que todo comentario crítico parezca, a su vez, repetitivo y cansino. Pero es que, una vez vista “Furia de Titanes” no me queda más remedio que repetir cosas que he dicho muchas veces ya en este blog.

No es que la película sea muy mala; es un entretenimiento aceptable para una tarde tonta de fin de semana (si no se pagan 7,5€), pero hay muchas más cosas negativas que positivas que decir sobre ella.

Aunque el reparto es bastante espectacular, actores como Liam Neeson o Ralph Fiennes están totalmente desaprovechados (ya no digamos Pete Postlethwaite, en uno de sus últimos papeles). En cuanto a Sam Worthington, le considero un actor muy válido para este tipo de cine y resulta un héroe bastante convincente pero su personaje se ve lastrado por un guión que le hace parecer más como alguien criado en “El circo del sol” que como un simple pescador.

Y es que el guión es, precisamente, el principal problema de la película. ¿Acaso no se dan cuenta, antes de aprobar un proyecto así, de que el guión falla por todas partes? Uno le puede perdonar las imperfecciones de algunos efectos visuales demasiado “cantosos” o, incluso, la dirección carente de garra de Louis Leterrier (un quiero y no puedo del cine de acción, sin pulso para la aventura). Pero lo que no se puede perdonar es la cantidad de chorradillas y tonterías que pueblan la historia. Intentar, por ejemplo, crear una tensión sexual entre Perseo e Io resulta ridículo e incompatible con la propia naturaleza de la relación entre ambos, solamente justificable porque necesitaban un personaje femenino que viviese las aventuras con el protagonista (los tiempos han cambiado) y con el que hubiese “tensión sexual” (no os asustéis, me refiero a la tensión aceptable por la mojigata sociedad actual). Las gracietas y el intentar resultar espectacular a base de ser aparatosos, lo he dicho ya muchas veces, terminan por matar cualquier opción de la película por ser algo más que un intento fallido.

Imposible no mencionar los espantosos 10 minutos finales en los que se ve claramente que no tenían ni puñetera idea de cómo acabar la película ni de qué hacer con algunos personajes. Un final realmente lamentable que no impedirá, por increíble que parezca, la realización de una secuela este año mismo (se estrena en marzo de 2012).

Vaticino que, salvo sorpresa, la veré en casa y no en el cine. Puestos a soñar, quizás en alta definición y pagando un precio razonable a través de una plataforma de venta oficial de la propia distribuidora (a soñador no me gana nadie).

Valoración final: 3 sobre 10

Pese a esa ausencia, que seguramente ha hecho pensar a más de uno que se había librado de mí, aquí estoy de vuelta y dispuesto a reiniciar mi actividad en el blog.

Espero que este nuevo Jeremy Fox, muy poco más sabio, algo más viejo y mucho más loco, les siga pareciendo merecedor de una visita.

Va por ustedes.

Jeremy Fox, por el mundo adelante, retratado por Anita Loos.

Filmin

Al contrario que en Libranda, que se van a dar un batacazo de los que hacen época, ver una película en Filmin es bastante sencillo y requiere tan solo de un sencillo proceso de alta como usuario. A partir de ahí solo tendrás que buscar la película que desees, pagar (del precio hablaré después) y verla mediante un streaming de alta calidad. Dispones, para ello, de 72 horas.

El catálogo actual consta de 325 películas pero se va actualizando constantemente con cada salida al mercado doméstico de las películas distribuidas por las empresas que conforman Filmin. Es de desear que cada vez más empresas se unan a esta aventura y que el catálogo vaya creciendo, aunque en mi opinión lo que más echo en falta es una mayor presencia de cine anterior al año 2000.

Y ahora el tema crucial, el precio: la mayoría de las películas se pueden ver por 2,95 euros aunque hay algunas por 1,95 y muchos de los cortometrajes pueden verse de forma gratuita. Tienen también dos modalidades de suscripción, una de 15€/mes y otra de 30€/trimestre con las que puedes disfrutar de tarifa plana y ver todo lo que quieras. Creo que son precios más que razonables aunque, insisto, todo dependerá del crecimiento del catálogo.

Además, Filmin ofrece una aplicación para dispositivos móviles de Apple, iPad y iPhone que se puede descargar de forma gratuita de iTunes y que permite ver las películas.

El fin de semana pasado estuve probando su servicio, gracias a un código promocional que ellos mismos me enviaron. Mi prueba consistió en comprar “Hace mucho que te quiero“, cinta que elegí porque ya la había  visto y así podía poner a prueba al sistema con toda mi malicia. La prueba la realicé en mi pc.

La película tarda al principio unos 5 segundos en cargar pero a partir de ahí la reproducción es muy fluída y de muy buena calidad (quizás algún defecto de compresión que se nota más alrededor de los subtítulos pero nada importante). Si se decide avanzar o retroceder la reproducción en unos tres segundos de carga la película continúa sin ningún problema (repetí esto varias veces y con bastante mala idea y resistió muy bien la prueba).

Uno de los inconvenientes, en mi caso, es que tengo que ver la película en la pantalla del ordenador pero es un inconveniente que se podría solucionar con un portátil que se conecte a la tele mediante un cable HDMI. No he probado a intentar conectar por Wifi mi pc con mi Western Digital pero tengo la sensación de que no sería algo trivial de hacer.

Si alguno de vosotros conoce filmin o lo ha usado, me gustaría saber vuestra opinión sobre el sistema.

Para que aquellos que aún no lo habéis probado podáis hacerlo, Filmin os ofrece 10 códigos promocionales para poder ver gratuitamente una película de su catálogo: cinco de esos códigos los ofreceré en el Tweeter de Moonfleet y los otros cinco mediante un concurso aquí mismo.

Esta vez os pondré un concurso muy sencillito: habrá un código promocional para los primeros cinco comentaristas de esta noticia que escriban el título de tres películas del catálogo de Filmin (no valen las repeticiones).

Espero vuestros comentarios.

Como amantes que somos del teatro de nuestro Siglo de Oro, nos las prometíamos muy felices hasta que al llegar al Teatro  Victoria (cuyo personal fue muy amable) descubrimos que la función se había suspendido por causa de una huelga del personal técnico de la Compañía. Estuvimos charlando con dos de los trabajadores en huelga que, muy amablemente, nos explicaron los motivos de la misma. Tengo que decir que todo lo que nos contaron nos sonó, por desgracia, bastante creíble aunque, evidentemente, carecemos de la versión de “la empresa”.

En este país estamos viviendo una situación de retroceso en los derechos de los trabajadores que no está de más recordar, así que en solidaridad con una gente que se ha decidido a protestar (aún renunciando a su salario indefinidamente) voy a publicar aquí el contenido del documento informativo que nos facilitaron allí mismo.

EL COMITÉ DE HUELGA INAEM-TEATROS INFORMA

Que:

1. Ante la insostenible situación creada por el actual equipo de Dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y en defensa de los intereses laborales, profesionales y de salud laboral del personal técnico y de gestión adscrito a la Compañía.
2. Ante la pasividad mostrada durante años, por parte de las sucesivas Direcciones del I.N.A.E.M., para solucionar los problemas, ignorando las denuncias a ellos remitidas por los trabajadores y trabajadoras de la Unidad y el Comité de Empresa donde se les expresaba de forma detallada las constantes muestras de despotismo en el trato y la nefasta, negligente y derrochadora gestión de la Compañia, hecho este plasmado en el constante deterioro de la calidad artística de las producciones, sin interesarles lo más mínimo la imagen de los profesionales de la Unidad haciendo oídos sordos a las recomendaciones y necesidades demandadas por el personal.
3. Ante el constante maltrato psicológico y la reiterada imposibilidad de conciliar la vida familiar y laboral saludablemente, generada por la caprichosa y dictatorial variación de los Calendarios Laborales, saltándose constantemente las recomendaciones que al respecto indicaba el Comité de Empresa.
4. Ante el constante despilfarro de los recursos económicos asignados a la Compañía por parte de las arcas públicas cuya gestión ha sido, a nuestro entender, manifiestamente negligente en el gasto, partidista en las contrataciones externas de los profesionales que intervienen en las producciones y cuya responsabilidad artística o técnica se remunera generosamente (ver los programas de mano para darse cuenta de que siempre aparecen los mismos nombres, la mayor de las veces coincidentes con los nombres de los actuales dirigentes de la Unidad). Cabe resaltar que este hecho se realiza con el conocimiento, consentimiento, y no sabemos si asesoramiento del I.N.A.E.M., sin que hasta la fecha se haya realizado ningún tipo de intervención o investigación por parte de la Subdirección Económica del Organismo Autónomo. Pero lo que si está claro es que estas presuntas prácticas y la presunta negligencia, arbitrariedad y festiva utilización del dinero público pueden ser constitutivos de delito.
5. Ante estos lamentables hechos y en defensa de nuestros derechos profesionales y laborales, así como, en defensa del compañero injustamente expedientado y utilizado como arma de presión e intimidación hacia el resto de compañeros y compañeras de la Unidad de Producción.

Los trabajadores y trabajadoras de la Compañía Nacional de Teatro Clásico a través de su Comité de Huelga, y ejerciendo un derecho constitucionalmente reconocido, anuncian públicamente su voluntad de iniciar huelga indefinida a partir del el 19 de mayo de 2010 tanto en Madrid como en Barcelona, así como, en las futuras actuaciones de la Compañia en todo el territorio nacional y giras al extranjero. Este paro afectara directamente a la representación de los espectáculos y estará en vigor mientras no se resuelva satisfactoriamente el conflicto, y el INAEM persista en mantener en sus cargos a los actuales directivos de la Unidad.

El Comité de Huelga lamenta, profundamente, las molestias que la aplicación de la medida pudiera originar al espectador. Pero quiere poner en conocimiento del público que esta insostenible situación se viene padeciendo y denunciando desde los últimos 6 años sin que en ningún momento el INAEM haya tomado las medidas necesarias para erradicar, de una vez por todas, esta enquistada situación laboral.

Este Comité de Huelga anuncia públicamente que de dilatarse en el tiempo la satisfactoria resolución del conflicto, no descarta la posibilidad de extenderlo al resto de las Unidades de Producción dependientes del Comité de Empresa de INAEM-TEATROS.

Madrid 17 de mayo de 2010

Tenía preparado un post sobre la serie para la semana pasada que finalmente no pudo ver la  luz y que comenzaba de la siguiente forma:

Escribo estas líneas unas pocas horas antes de ver el episodio 16 de su última temporada que terminará definitivamente (no quiero ni pensar en el después) en la madrugada del domingo al lunes que viene. Escribo, pues, sin saber todavía cómo será el esperadísimo desenlace y lo hago con toda la intención del mundo porque en realidad… no me importa. El placer que me ha proporcionado esta serie es tan grande que el final, sea el que sea, no será capaz de anular 6 años de emoción, aventura, risas, lágrimas y un entretenimiento como nunca había disfrutado en televisión (descontando quizás los años de la infancia, magnificados sin duda por el recuerdo).

Pues bien, “Lost” ha terminado y tengo que decir que lo ha hecho de la mejor forma posible. El último episodio tiene alguno de los momentos más emotivos de toda la serie, un gran enfrentamiento final, y creo que resuelve el embrollo impecablemente.

Mucha gente, yo estaba seguro de que así sería, se siente decepcionada por el final. En general, aquellos que por encima de todo disfrutaban con el misterio de la isla y que se han ido creando hipótesis propias, algunas más fundadas que otras, se sienten ofendidos por la falta de explicaciones de esos misterios (o porque las que se dan no coinciden con las suyas).

Yo creo que los misterios más importantes desde el punto de vista de obra audiovisual fueron resueltos. No tenía sentido seguir explicando cosas cada vez más lejanas en el tiempo o con menos relevancia para nuestros personajes. Como dicen en la propia serie, en el controvertido episodio “Across the sea” y en un claro mensaje al espectador: “por cada pregunta que te responda, te surgirá una nueva pregunta”.

Por supuesto esos misterios constituían parte del enganche de la serie, pero el punto fuerte han sido siempre los personajes. Sus historias siempre han sido el centro de una serie con una importante componente melancólica. “Lost” no es la historia de una isla, “Lost” es la historia de un grupo de personas que estaban perdidas mucho antes de llegar a esa isla y de cómo allí, luchando por sobrevivir, consiguen encontrarse a sí mismas.

Me gusta como acaba la serie porque demuestra un amor por los personajes que, como espectador enamorado de ellos, agradezco profundamente. Pero en realidad no importaba su final porque el viaje, y no el destino (¡ay, el destino!), es la aventura.

Sólo los que han seguido la serie como yo entenderán que diga que voy a echar mucho de menos a Jack, Sawyer, Kate, Hugo, Locke, Sayid, Ben o Juliet. Con ellos he pasado seis años inolvidables, soñando, sufriendo, repitiendo sus frases más míticas, alegrándome de sus triunfos, maldiciendo sus fracasos y, por supuesto, teorizando sobre el origen y fin de sus problemas. Ahora, es verdad, se nos han ido pero, aunque pueda sonar a herejía, forman ya parte de mi vida como lo fueron en su momento Indiana Jones o Luke Skywalker.

Ahora me temo que tenemos que aceptar que “Lost” se ha terminado, que “lo que pasó, pasó“, que tenemos que “dejarla ir” y “seguir adelante“. Porque ese, queridos amigos, ese es “nuestro destino“.

Tengo ganas de comentar las películas que  he visto en cines pero, por otro lado, no quiero convertirme tan sólo en un referente de estrenos y dejar de lado el cine clásico que tanto defiendo ante aquellos que me conocen en persona. Por eso he caído en cierto desánimo bloguero que me ha llevado a escribir menos de lo que debería. Por ello, os pido disculpas.

El caso es que, tras un período de reflexión, he decidido que el blog seguirá vivo, por ahora, aunque el ritmo de publicación será, más o menos, el de los últimos meses. Intentaré que, al menos, lo poco que escribo valga la pena.

No tengo espacio suficiente aquí para mencionar a todas las personas que me han apoyado y animado durante estos cinco años, así como a los buenos amigos que he hecho por el camino.  Intentaré estar a vuestra altura.

Gracias a todos.

“Green Zone: Distrito Protegido” está dirigida por Paul Greengrass e interpretada por Matt Damon y ese ha sido motivo suficiente para que haya ido a verla al cine, pese al poco tiempo del que dispongo últimamente para ello. Y la verdad es que no me he arrepentido.

Es verdad que su discurso anti-guerra de Irak resulta bastante inocentón y que el mensaje carece de fuerza porque no cuenta nada nuevo y porque ver a la gente sorprenderse al no encontrar armas de destrucción masiva, visto con el tiempo, resulta totalmente ridículo. Tampoco puedo negar que, por momentos, esta historia en la que hasta el agente de la CIA es “bueno” y quiere saber la verdad chirría a poco que uno tenga una visión escéptica de las cosas.

Todo eso es verdad pero se vuelve secundario cuando resulta que han pasado dos horas de película en un suspiro. Podría enrollarme a deciros que el montaje es frenético, que la fotografía bla bla bla, pero el caso es que, resumiendo, Greengrass sigue rodando como pocos directores en el mundo y yo me lo sigo pasando pipa viendo sus películas de acción.

Creo, eso sí, que en esta ocasión no está a la altura de las aventuras de Bourne y que a Greengrass le vendría bien un ligero cambio de rumbo para no estancarse en exceso en el cine de acción. Y si sigue con la acción, espero que le salga algo más parecido a “El ultimátum de Bourne” que a “Green Zone”.

Valoración final: 6,5 sobre 10

Todos esos fueron los motivos que me llevaron al cine a verla, en lugar de esperar a su edición en dvd (cosa que hago cada vez más a menudo). Tengo que decir que no valió la pena.

Por un lado, Tom Ford no consigue atraparme en ningún momento en la historia de cuenta que, aunque para él parece ser muy emotiva, no consigue trasmitir esa emotividad al espectador. Para colmo su dirección, aunque no llega a molestar, es bastante rutinaria y aburrida. Jugar con los colores para expresar los momentos más hermosos del protagonista puede o no considerarse algo excesivo pero lo peor es que da lugar a momentos incoherentes, al usar ese mismo juego de color, con intenciones opuestas, para mostrarnos a la pareja de vecinos. Si encima usamos los mismos recursos de Won Kar Wai para emocionar, lo tienen crudo conmigo. Ver esas imágenes a cámara lenta con la música de fondo de Shigeru Umebayashi no parece tener otro objeto que recordarnos el cine del autor de “Deseando amar“.

Yo creo que uno de los problemas es que Tom Ford (iba a llamarle simplemente Ford pero eso le queda grande) intenta hacer cosas que, en realidad, no le salen de dentro. De hecho, las mejores escenas de la película son, con facilidad, aquellas que el director se cree más; esto es, casi todas en las que el amor y la complicidad entre George (Colin Firth) y Jim (Matthew Goode) se hacen evidentes. Ahí sí la película resulta creíble y no en los pretenciosos momentos en los que intentan restregarnos por la cara lo “importante” y “artística” que es, sin darse cuenta de que lo que termina siendo es superficial.

Lo que sí constituye todo un triunfo es la interpretación de Colin Firth, que hace aquí posiblemente el papel de su vida (al menos hasta el momento) y que sonsigue, él solito, que el visionado de la película no sea una total pérdida de tiempo. Ver su interpretación es un gustazo que nos salva del sopor que, de otra forma, se hubiese adueñado de mí a la media hora. Por cierto, mucho peor la media hora inicial que la final, lo que ayuda a que el sabor de boca al salir del cine no sea tan malo.

De Julianne Moore no digo nada porque está estupenda, como siempre, para lo poco que sale en pantalla.

Tengo curiosidad por ver si Tom Ford dirigirá alguna película más o dará por hecho que ya ha contado todo lo que nos quería contar y nos dejará este film para la posteridad como su única obra. Si es así, creo que la posteridad se olvidará pronto del Tom Ford director.

Valoración final: 4 sobre 10

La película, dirigida por Lee Daniels, cuenta la lucha por salir adelante de una joven afroamericana obesa, casi analfabeta y violada por su padre con el consentimiento de su madre. Aunque no suelo entrar en detalles sobre las sinopsis (a fin de cuentas no son lo más importante), en este caso creo que ha pesado mucho a la hora de valorar una cinta que es un dramón de mucho cuidado y que de contar una historia diferente no creo que hubiese tenido ni la mitad de atención.

Lo entiendo. Si yo mismo fuese un miembro afroamericano de la academia de Hollywood es muy posible que hubiese apoyado una película que reivindica los derechos de un colectivo al que pertenezco y que ha sido tan maltratado a lo largo de la historia que las secuelas de ese maltrato aún siguen vigentes.

Lo que pasa es que yo no soy un miembro afroamericano de la academia de Hollywood y cuando voy al cine dejo mis ideas políticas y mis reivindicaciones sociales en la puerta. Por eso, la película me parece simplemente correcta, con una dirección funcional y al servicio de unas interpretaciones que, eso sí, son estupendas. Me quedo, si me hacen elegir, con la realizada por Mo’Nique, autenticamente estremecedora en el papel de la madre de la protagonista, pero en esta película están todos tan bien que hasta Mariah Carey resulta buena actriz.

Creo, además, que la nominación a mejor montaje es totalmente injustificada y que se debe a efectismos como las escenas “imaginarias” de la protagonistas que, en mi opinión, sobran. En cuanto al oscar recibido a mejor guión adaptado (la película se basa en la novela “Push” de Sapphire) prefiero no hace comentarios pero es de los más injustos (si no el que más) de la noche de los oscars de este año.

En conclusión, todo el ruido mediático desatado por la película me parece exagerado y fruto más de su mensaje social que de su calidad cinematográfica que creo que nadie recordará dentro de unos pocos años.

Valoración final: 5,5 sobre 10

Aunque no soy de los que se han enamorado de esta película, sí me gustaría destacar, por encima de todo, el hecho de que un autor como Scorsese lleve más de 30 años entre lo mejorcito del cine mundial y, pese a ello, no se acomode y siga intentando hacer cosas nuevas y sorprender al público. No tengo ningunda duda de que este es el camino correcto y solo puedo aplaudir su valentía y su entusiasmo aunque, como digo, esta vez no haya conseguido atraparme como en otras ocasiones.

No sé exactamente qué es lo que no me termina de convencer en esta película, bastante entretenida por otra parte. Quizás sea su atmósfera que, aunque es algo extraña, no termina de ser todo lo malsana que considero necesitaba la historia. Me saca también de la película, en algunas secuencias, la banda sonora, estupenda sin duda, pero que por momentos me resulta  demasiado visible y llamativa.

No puedo negar, eso sí, que los actores están bien. Tampoco podía esperar otra cosa de un reparto en el que, además del mencionado DiCaprio (que no está tan bien como en otras ocasiones), aparece gente como Ben Kingsley,  Max von Sydow (en su enésimo papel de figura inquietante), Mark Ruffalo (en un papel algo de comparsa que, aunque comprensible narrativamente, le resta fuerza), Michelle Williams, Emily Mortimer o Patricia Clarkson (hacía mucho que no mencionaba lo mucho que me gusta esta actriz).

Tampoco se puede negar que, pese a las trampas de Scorsese y a que el desenlace resulta algo previsible,  consigue que pasemos dos horas y pico bastante entretenidos. Huelga decir que la dirección es brillante y me da la sensación de que Scorsese se lo pasó pipa dirigiendo esta película.

A título anecdótico, comentaros que el guión de Laeta Kalogridis se basa en la novela de Dennis Lehane, autor también de las novelas en las que se basan “Gone, baby gone” y “Mystic River“. No puede quejarse de la suerte que corren sus novelas al ser llevadas al cine.

Valoración final: 6,5 sobre 10.

PD: ¿Qué opináis sobre el plano final? ¿Creéis que tiene algún significado especial? ¿No os parece inquietante?

Lo peor de todo es que te encanta.

“La guerra es una droga” es parte de la frase con la que comienza “En tierra hostil” (The hurt locker) y resume en buena medida el conflicto del personaje principal, interpretado con una fuerza que traspasa la pantalla por Jeremy Renner. Su personaje necesita la adrenalina que genera su cuerpo en esas situaciones, es adicto a ellas. Además, tiene el convencimiento de que lo que él sabe hacer no valdrá de mucho en su pueblo natal, donde le espera una mujer y una niña a las que casi teme más que a las propias bombas.

Todo esto nos es narrado por Kathryn Bigelow con su habitual habilidad, consiguiendo que entremos tanto en la película que os puedo asegurar que casi terminé con agujetas de la tremenda tensión de algunos momentos.

Casi nada falla en esta película que, por cierto, se pasa en un suspiro y que te atrapa desde su mismo prólogo. Prólogo muy importante, por cierto, ya que en él nos introducen el mundo en el que nos moveremos durante el resto del film.

Aunque es verdad que buena parte del mérito es de la habilidad como directora de Kathryn Bigelow, más que demostrada ya en “Le llaman Bodhi” o “Días extraños“, no sería justo olvidarse del guión de Mark Boal, escrito tras trabajar como reportero en Irak, ni de la soberbia labor de montaje de Chris Innis y Bob Murawski o la fotografía de Barry Ackroyd derrotada en los oscars por los “bonitos” paisajes digitales de “Avatar“.

Remata el asunto con unas actuaciones llenas de fuerza y totalmente carentes de histrionismo, lo que ayuda a la verosimilitud de la historia, y lo que nos queda es un peliculón de los que se clavan en la memoria y que se impuso, con todo merecimiento, al taquillazo de Cameron en los pasados Oscars. Eso sí, “Up” me sigue pareciendo mejor.

Valoración final: 9 sobre 10

PD: A ver si ahora, un año de estos, les da por reivindicar a John McTiernan, otro gran director de cine de acción desaparecido desde hace un tiempo.

PD2: Si alguien os comenta que la película es propaganda estadounidense o alguna chorrada por el estilo, recomendadle un buen psicólogo.

El más conocido de todos es el Rotoscopio, técnica inventada por Max Fleischer que consistía, básicamente, en rodar una escena con actores reales y que los animadores pintasen por encima fotograma a fotograma. Se conseguía con ello más realismo en movimientos, expresiones y proporciones que el habitual en la animación. Creaba a cambio una extraña sensación en las imágenes que es fácilmente identificable.

Tres de los ejemplos más famosos de esta técnica los podemos ver en la adaptación de “Los viajes de Gulliver” dirigida en 1939 por Dave Fleischer (el propio Gulliver está animado así) , “Blancanieves y los siete enanitos” (el príncipe azul) y en la versión animada de “El señor de los anillos” de Ralph Bakshi.

Aquí os dejo un extracto de “El señor de los anillos” para que podáis ver, por vosotros mismos, los resultados finales de aplicar dicha técnica.

Bastante más tarde, en los años 60, en una empresa llamada Westworld Artist desarrollaron una técnica que llamaron Animascope y que ya tenía la esencia de lo que hoy en día se conoce como Captura de Movimiento. La cosa no salió adelante y por eso es una técnica mucho menos conocida que la anterior.

Aquí tenéis un vídeo publicitario de la Westworld Artist en el que intentan convencer a los inversores de las bondades del Animascope y de cómo les ahorrarán costes eliminando, por supuesto, dibujantes.

Ver el vídeo en YouTube

Pero no se vayan todavía, aún hay más.

En torno al año 1966, Leon H. Maurer, realizó un test para una técnica basada en el Animascope, a la que dio por nombre Colormation. Podéis ver el test bajo estas líneas:

Ver el video en YouTube

Hoy en día la técnica ha avanzado mucho y se pueden conseguir efectos similares con algunos plugins de After Effects, como podéis ver en el siguiente ejemplo de un aficionado.

La gente de Cartoon Brew escribió un mail al propio Maurer preguntándole por esa técnica y ésta fue su respuesta. No la traduzco para no estropear los términos técnicos que, por otro lado, tampoco sabría traducir correctamente.

Yep, I made that test around 1966-7 using a new version of my Animascope Process which was actually done entirely on 35mm EK color film using three separate traveling mattes and two passes on an optical printer.The action was shot on a rim and flat front lighted black velvet stage using live actors made up using line drawings that I brush painted on the face, costume and latex prosthetics, including the hair pieces, with the color painted in flat latex washes and later flattened further using a low density low contrast positive greyscale traveling matte.

The outlines were created by using super hi contrast B&W positive and negative travelling mattes that were etched and dyed to restore opacity. The matte film was a special order Kodalith emulsion on 35 mm mylar film to maintain absolute registration so as to prevent line jitter.

This entire patented Colormation® process was written up as an illustrated tutorial article in the SMPTE Journal, Oct, 1967 after international patents were issued.

The original B&W Animascope system used the same shouting technique with white costumes and makeup, and a similar etch and dye process, using standard 100 foot rolls of 35mm EK Microfilm. The hi contrast outline traveling mattes were printed in house on a matte printer used for the old cinecolor process, and all films were developed and etched in war surplus field processing machines.

The mattes were then double loaded and projected, using my specially modified Oxberry animation stand, to print 9 x 12 auto peg punched Kodalith Cels on 100 foot rolls — which were processed in house using a military surplus, wide film continuous processing machine… Originally used for developing continuous aerial photographic film rolls during WW2. The cels were then ink retouched slightly to close up broken outlines, conventionally opaqued in color, and photographed against painted backgrounds on a standard animation stand. This process was tested originally with a short ballet film done in the style of Daumier where several of his paintings in a museum come alive.

Disney originally estimated this 3 minute short at $150,000 and six months production time. We did it in full 35mm technicolor, with a full professional Crew and equipment in less than two weeks at under $10,000 (and disney couldn’t have done it better).

Unfortunately, after producing a half hour pilot for a projected TV network series called the Wonderland of OZ (which never got aired) Dick Tracy and later Buck Rogers and Superman went live action, the company eventually folded, due to a financial disaster, and the patents had to be eventually sold to NYIT — when I was hired in the mid 70’s to work as a consultant on the development of the computer graphic motion control and animation systems leading to the digitization of Star Wars, Pixar, Toy Story, etc. Unfortunately, after several years of that I resigned before the CG lab closed and the entire staff went to Hollywood — while I settled down as a free lance graphic designer, artist and producer — before computers made obsolete all my old skills, and I got too old to be retreaded as a CG artist.

During that time, when my company folded, Ralph Bakshi used the process.

Finalmente os dejo dos ejemplos de este tipo de técnicas aplicadas a la publicidad. Dos anuncio de Levi’s de los años 70 que parecen hechos bajo los efectos de alguna sustancia psicotrópica (aquellos años eran así) y para los que estas técnicas de animación resultaban ideales.

Ver el video en YouTube

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(visto originalmente en Cartoon Brew)

Me alegran especialmente varios de los premios. El de Michael Giacchino, no sólo porque la banda sonora de “Up” es un prodigio si no porque lleva años demostrando que, hoy por hoy, hay muy pocos a su nivel en la música cinematográfica. También el de Jeff Bridges porque lleva 30 años de carrera en los que ha demostrado que es capaz de enfrentarse a cualquiera papel que le pongan por delante. Y Kathryn Bigelow, a la que llevo años defendiendo como perteneciente al grupo de los grandes directores de cine de acción de los últimos 20 años.

Tengo que dar la enhorabuena a Dani, ganador de nuestro “Desafío Oscars” que acertó la friolera de 17 oscars y no le faltó nadita para hacer pleno. Tan sólo unas sorpresas evitaron que hiciese pleno. Me pondré en contacto con él para enviarle el dvd de “Slumdog Millionaire”. Dejo el ranking final del concurso en el primer comentario.

Sin más, aquí os dejo la lista de los ganadores de los oscars:

Película: En tierra hostil (The Hurt Locker)

Actor principal: Jeff Bridges por Crazy Heart

Actriz principal: Sandra Bullock por The Blind Side

Actor secundario: Christoph Waltz por Malditos bastardos (Inglourious Basterds)

Actriz secundaria: Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Director: Kathryn Bigelow por En tierra hostil (The Hurt Locker)

Guión original: En tierra hostil (The Hurt Locker): Mark Boal

Guión adaptado: Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Geoffrey Fletcher

Fotografía: Avatar: Mauro Fiore

Montaje: En tierra hostil (The Hurt Locker): Bob Murawski, Chris Innis

Dirección artística: Avatar: Rick Carter, Robert Stromberg

Vestuario: The Young Victoria: Sandy Powell

Maquillaje: Star Trek

Banda sonora original: Up: Michael Giacchino

Canción original: Crazy Heart: T-Bone Burnett, Ryan Bingham(“The Weary Kind”)

Sonido: En tierra hostil (The Hurt Locker)

Montaje de sonido: En tierra hostil (The Hurt Locker)

Efectos visuales: Avatar

Película de animación: Up

Película en lengua extranjera: El secreto de sus ojos: Juan José Campanella (Argentina)

Largometraje documental: The Cove: Louie Psihoyos

Cortometraje documental: Music by Prudence (2010)

Cortometraje de animación: Logorama

Cortometraje de acción real: The New Tenants

La película, de 12 minutos de duración de los que sólo quedan 8 en la actualidad, fue dirigida en 1903 (apenas 38 años tras la escritura del cuento) por Cecil M. Hepworth y Percy Stow. En su momento se trató de la película más larga jamás producida en Inglaterra. Las ilustraciones originales de Sir John Tenniel sirvieron de inspiración para recrear visualmente el país de las maravillas.

El papel de Alicia fue interpretado por May Clark, reservándose el propio Hepworth el papel de la Rana para sí mismo y el de La Reina Roja para su mujer (en la imdb la acreditan como “Señora Hepworth”). Curiosamente, en la versión de Burton el papel de Reina Roja corre a cargo de Helena Bonham Carter, su mujer en la vida real.

La música que acompaña a la cinta se titula “Jill in the Box” y está compuesta e interpretada por Wendy Hiscocks.

Podéis encontrar más información en screenonline.org y en la página del BFI dedicada a la restauración de la película.

Tened en cuenta, a la hora de verla, que se trata de una película con más de 100 años y que, pese a su restauración, se encuentra en mal estado. En todo caso, su interés histórico es incuestionable.

Ver “Alicia en el país de las maravillas” en YouTube

(vía SCI FI Wire)

El desafío es el siguiente: tenéis 5 días para dejar en los comentarios vuestras predicciones (una por persona) para los oscars de este año. El viernes 5 de marzo, por la tarde, escribiré las mías y se cerrarán los comentarios. El que más categorías acierte se quedará el dvd de “Slumdog Millionaire“, ganadora del año pasado.

Por supuesto me reservo dos pequeñas ventajas. La primera de ellas es que en caso de empate a número de oscars entre cualquier concursante y yo mismo, se resuelve a mi favor. La otra es, como ya dije, que yo seré el último en escribir mi quiniela.

En caso de que haya empate entre concursantes (y que yo no sea uno de ellos, claro) se decidirá el premio en función a la importancia de los aciertos. Se seguirá para ello la lista de categorías que aparecen más abajo. Es decir, si los dos concursantes han acertado mejor película, ganará el que haya acertado película de animación. Si ambos la han acertado, ganará el que haya acertado director. Si ambos la aciertan, gana el que acierte actriz principal y así sucesivamente.

Si aún así, dos o más concursantes acertasen exactamente el mismo número de oscars y exactamente los mismos, yo publicaría una imagen el lunes por la noche correspondiente a una película. Ganaría el primero en acertar el título y el director de dicha imagen (una especie de muerte súbita al estilo de los típicos concursos del blog).

No entran en juego las categorías de cortos ni las de documentales que son bastante impredecibles y haría de esto algo excesivamente aleatorio. Es decir, las categorías en juego son (el orden es importante): Película, Película de animación, Director, Actriz principal, Actor principal,  Actriz secundaria, Actor secundario, Guión original, Guión adaptado, Película en lengua extranjera, Fotografía, Montaje, Banda sonora original, Canción original, Dirección artística, Vestuario, Maquillaje, Sonido, Montaje de sonido, Efectos visuales.

Os recuerdo que podéis ver las nominadas haciendo clic aquí.

Como podéis ver, se trata de un Moonfleet contra el mundo. Ahora vosotros decidís… ¿aceptáis el reto?

“Up in the air” está protagonizada por George Clooney que aparece en casi todo momento en pantalla y demuestra que, además de ser una estrella en el mejor sentido de la palabra, es un actorazo capaz de soportar toda una película sobre sus hombros y transmitirnos con gran facilidad lo que le pasa a su personaje por dentro. Clooney sigue demostrando, película a película, que no necesita la menor estridencia para crear una interpretación notable. Pese a ello, poniéndome quisquilloso, sigo prefiriendo su papel en “Michael Clayton“.

Como no sería justo centrarse exclusivamente en los méritos de Clooney, tengo que mencionar también a sus compañeras de reparto. Vera Farmiga es una actriz muy interesante que despliega aquí todo su tremendo potencial sensual y carismático, llenando la pantalla con su presencia y su voz como pocas actrices pueden hacerlo hoy en día. Como contrapunto, tenemos a Anna Kendrick que demuestra una vis cómica estimable que la convierten en una de las grandes esperanzas del cine de los próximos años.

En todo caso, sin Clooney sería difícil que esta película hubiese visto la luz porque el estupendo guión escrito por el propio Reitman junto a Sheldon Turner, en el filo de la navaja entre el drama y la comedia con algún tinte romántico, no está pensado para el público actual que llena las salas (mayoritariamente adolescente) y que, difícilmente, comprenderá esta historia sobre el compromiso, la necesidad de compañía o las encrucijadas vitales en una edad tan complicada como la que tiene Ryan Bingham, el personaje interpretado por Clooney. La presencia del actor garantizaba, además de talento, el tirón taquillero necesario para sacar adelante un proyecto así.

La cinta habla también del drama del paro, de la frialdad de las grandes compañías y la cobardía de sus ejecutivos que no tienen ni el coraje de despedir a sus empleados cara a cara. Todo esto queda reflejado en la brutal escena del “despido on-line”, uno de los momentos más impactantes del film.

Reitman se mueve con facilidad por el resbaladizo terreno que va desde la comedia (algunas escenas protagonizadas por Anna Kendrick pertenecen claramente al género) hasta el drama más descarnado (la mencionada escena del despido, por ejemplo). Mezclar géneros, sin fracasar en el intento, es algo al alcance de pocos y Reitman parece haber encontrado la clave para vivir en zona tan peligrosa sin quemarse. Si Tarantino no lo evita, esta habilidad le dará a Reitman (junto a Turner) su primer Oscar de la Academia.

Antes de finalizar me gustaría también destacar la labor de la montadora de la película, Dana E. Glauberman, que tiene buena parte del mérito del estupendo ritmo que tiene la película.

“Up in the air” es, en definitiva, una muy buena película que aunque quizás no merecía tantos premios de la crítica sí que se merece el aplauso del público que busca propuestas más adultas, y al mismo tiempo más refrescantes, que los blockbusters que llenan las salas.

Valoración final: 8 sobre 10

De esta forma las diferentes categorías quedan así:

• Apta
• No recomendada para menores de 7 años
• No recomendada para menores de 12 años
• No recomendada para menores de 16 años
• No recomendada para menores de 18 años
• Película X.

Las películas “Aptas” y “No recomendadas a menores de 7 años” pueden recibir, además, la calificación de “Especialmente recomendada para la infancia“.

Os recomiendo la lectura de los criterios de calificación (enlace corregido) porque resulta bastante curiosa.

¿Por qué os cuento esto? Pues por la sencilla razón de que me ha llamado la atención la importancia que se le sigue dando desde el gobierno a una calificación por edades que, tengo la sensación, no le importa a nadie.

Además, aunque creo en la protección a la infancia como el que más, no deja de resultarme un pelín anacrónica la existencia de una comisión que decide la calificación que una película ha de tener en base a unos criterios como que “No se incluyen escenas que puedan generar ansiedad, miedo, dolor o tensión emocional” para poder obtener la calificación “Para todos los públicos”. ¿Sería “Bambi” una cinta recomendada para todos los públicos? ¿De verdad hace falta que alguien le diga a un padre que no puede llevar a su hijo de 10 años a ver “Saw VI“? ¿Se prohibirá a los niños que vean el telediario? ¿No es peligrosa para la infancia la programación de la mayoría de canales de televisión?

Si la educación funcionase como tiene que ser no harían falta este tipo de calificaciones que, a la larga, no dan más que problemas. Pero claro, tenemos la sociedad que tenemos así que, a lo mejor, sí hace falta calificar las películas de esta manera. ¿Vosotros qué opináis de este tema?

(vía Ministerio de Cultura)

PD: la imagen que acompaña al post ilustra los nuevos pictogramas gráficos “que podrán utilizarse en la publicidad de películas o en las cajas de DVD, con el fin de facilitar el cumplimiento de la obligación legal de difundir entre el público la calificación recibida por cada película.”

Como parte de la campaña publicitaria de la Disney de cara a los oscars, ha creado una web en la que podéis ver las diferentes nominaciones de sus dos cintas animadas “Up” y “The Princess and the Frog” (me niego a llamarla “Tiana y el sapo”, título horrendo que considero un insulto al espectador).

En dicha web, dentro del apartado de descargas de “Up“, os podéis bajar a vuestro ordenador (le guste o no a la ministra Sinde) el guión original y la maravillosa partitura seis temas de la maravillosa banda sonora creada para dicha película por Michael Giacchino.

En el apartado dedicado a descargas de “The Princess and the Frog” os podéis bajar los dos temas de la película nominados al oscar a la mejor canción: “Down in New Orleans” y “Almost There” compuestas ambas por Randy Newman.

Podéis acceder a todos esos contenidos haciendo clic en los enlaces que he puesto en las líneas anteriores o desde la web de Disney “Para su consideración” en los Oscars.

(vía Upcoming Pixar)

Nota: El póster pertenece a la campaña publicitaria de cara a los Oscars. No podría estar más de acuerdo con lo que dice “… This is filmmaking at its purest”. Lamentablemente puede que no sea suficiente para ganar el oscar a mejor película.

El título es “Please say something” y está dirigido por David O’Reilly que, en un acto que le honra, ha decidido colgar gratuitamente su obra pese a saber que con ello se cierra las puertas de algunos festivales  y canales de televisión (hay sitios donde aún no se han enterado de que estamos en el siglo XXI). Por otra parte, tras estar en Sundance y ganar el Festival de Berlín, supongo que se lo puede permitir.

El corto se define como la problemática relación entre un gato y un ratón, ambientada en un futuro lejano. La música es de Bram Meindersma y os aseguro que es un corto… diferente.

Podéis ver el corto en YouTube o en Vimeo.

(vía Drawn!)

La mecánica es la de siempre: ganará el concurso el primero en escribir en los comentarios los títulos y los directores de las películas correspondientes a las 10 imágenes que aparecen bajo estas líneas.

Se permite más de un intento, ya lo sabéis, pero cuidado con no darle pistas a vuestros rivales.

Os recuerdo también que, para estar al tanto de las novedades  de la Fox y/o participar en sus concursos y promociones, es conveniente que os hagáis fans de su página en facebook.

Pero no me lío más que sé que estáis deseando enfrentaros de nuevo a mi maldad cinéfila. ¡Suerte con el concurso!

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El corto, con un carácter bastante poético y muy personal, cuenta la historia de un joven lobo que decide enfrentarse a su padre, al que no ve desde que era un cachorro.

Podéis encontrar más información en el blog del cortometraje.

Ver el corto en YouTube

(vía Drawn!)

Una vez vista tengo varias conclusiones que quiero compartir con vosotros. La primera de ellas, nada que ver con la película en sí, es que entre verla en la sala en la que la vi (la más pequeña de las de los cines Floridablanca de Barcelona) y verla en una pantalla casera Full HD no hay diferencia como para justificar los 14 euros que pagamos entre mi inseparable Anita Loos y yo.

Teniendo en cuenta que recientemente, en esos mismos cines (por otra parte de los mejores en versión original subtitulada de la ciudad), sufrí durante toda la película un rayazo en la imagen de arriba a abajo, van a tener que inventar algo urgentemente para llevarme al cine en lugar de esperarme unos pocos meses a que la película esté disponible en dvd.

La otra conclusión a la que llegué es que “Donde viven los monstruos” es una de esas películas de las que es mejor quedarse con el trailer, porque es lo mejor que tiene que ofrecer.

Me gusta el comienzo del film, que consigue introducirnos en el mundo infantil de su protagonista, por cierto bien interpretado por un Max Records que resulta muy simpático. Pero, contrariamente a lo esperado, todo se diluye cuando el niño llega al mundo mágico donde, precisamente, debería empezar lo bueno. Y es que, en realidad, no sucede practicamente nada ni tenemos muy claro hacia donde van los personajes ni hay, paradójicamente, magia.

Quizás se podría argumentar que al estar basado en un libro con más dibujos que letras, es lógico que la historia sea pobre pero, precisamente por lo mismo, yo opino que Jonze y Dave Eggers, guionistas del film, disponían de toda la libertad del mundo para hacer lo que hubiesen querido.

Uno no termina de simpatizar con los monstruos, ni las personalidades de éstos quedan realmente definidas en ningún momento así que el espectador tiene que conformarse con disfrutar de la estupenda dirección artística o de las canciones que salpican el metraje.

Por desgracia, en un mundo en el que cada vez hay menos tiempo y, sin embargo, más opciones de ocio que nunca, estos detallitos no son suficientes para justificar mi asistencia a una sala. O por decirlo de otra forma: si lo sé, me espero al dvd.

Valoración final: 5 sobre 10

• “En tierra hostil” (The hurt locker) y “Avatar” empatan a 9 nominaciones con “Malditos bastardos” pisándoles los talones con 8. Creo que James Cameron empieza a no ver tan claro que sea el rey del mundo…
• James Horner,  nominado por la banda sonora de “Avatar”, me parece uno de los elementos que más chirría de la lista. Me sorprende que no hubiese algo mejor para nominar.
  
• Tengo que ver “La dama y la muerte” el corto de Javier Recio Gracia nominado al oscar a mejor corto animado. En su web oficial tienen el teaser y no sé si podremos verlo entero por ahora, ya que parece ser que se exhibirá en cines con “Toy Story”.
  
• La actuación de Sandra Bullock en “The Blind Side” gusta tanto que consigue que la nominen a mejor película pese a no tener ninguna otra nominación. Esto demuestra el tremendo apoyo de los votantes al papel de la Bullock. Ganará el oscar si Meryl Streep o un sorpresón tremendo no lo remedian.
• Hablando de Meryl Streep, ésta es su 16 nominación (más que ningún otro actor o actriz de la historia). Lo ha ganado dos veces pero creo que va siendo hora de que le den un tercer oscar que se merece desde hace ya tiempo.
  
• “Resacón en las Vegas” y “500 días juntos” son, quizás, las grandes perdedoras en las nominaciones porque sonaban como posibles candidatas a mejor guión original y se quedan sin nada.
  
• Estoy muy contento con las 4 nominaciones de “District 9” que me parece bastante superior a “Avatar”, por poner ejemplo de cinta con elementos de ciencia-ficción y denuncia.
  
• Como me recuerda MacGuffin, “Up” se convierte en la segunda película de animación en estar nominada a mejor película, tras “La bella y la bestia” en 1992.
  
• Penélope Cruz, pese a quien pese y gracias a su tercera nominación al oscar, es ya un mito del cine español.
• Las dos actrices principales de “Up in the Air” están nominadas a mejor secundaria: Vera Farmiga y Anna Kendrick. Las dos están estupendas en la película (sí, la vi el fin de semana pasado).
• Si la memoria no me falla, esta es la primera vez que un director negro está nominado a mejor director al mismo tiempo que su película. Se trata de Lee Daniels, director de “Precious”.
• Al fin Michael Giacchino es favorito a ganar el oscar. Sin duda uno de los mejores compositores de música de cine de la actualidad. Mi apoyo a su candidatura es total.
• De las nominadas a los oscars he publicado las siguientes críticas:
  • “Up“
  • “El secreto de sus ojos“
  • “District 9“
  • “Avatar“
  • “Malditos bastardos“
  • “Star Trek“
  • “Los mundos de Coraline”
    
  • “Harry Potter y el misterio del príncipe“

Bueno, y a vosotros… ¿qué os parecen las nominaciones?

Las películas  más nominadas son “Avatar” y “En tierra hostil“, con 9 cada una. Les sigue de cerca “Malditos bastardos” con 8 y un grupito con 6 nominaciones en las que están “Precious“, “Up in the Air” y “Up” con 6 cada una.

Como primera valoración rápida se me ocurre comentar que no hay ninguna sorpresa y que, en lo referente a los españoles, está nominada Penélope Cruz por tercera vez (todo un hito, pese a quien pese) y un cortometraje de animación, “La dama y la muerte“.

Me parece excesiva la nominación a la banda sonora de “Avatar”, aunque las quinielas ya indicaban que así iba a ser. En todo caso, seguiré haciendo más valoraciones, mientras estudio seriamente la lista, a través del Twitter de Moonfleet.

Película:

• Avatar
• The Blind Side
• District 9
• An Education
• En tierra hostil (The Hurt Locker)
• Malditos bastardos (Inglourious Basterds)
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Un tipo serio (A Serious Man)
• Up
• Up in the Air

Actor principal:

• Jeff Bridges por Crazy Heart
• George Clooney por Up in the Air
• Colin Firth por A Single Man
• Morgan Freeman por Invictus
• Jeremy Renner por En tierra hostil (The Hurt Locker)

Actriz principal:

• Sandra Bullock por The Blind Side
• Helen Mirren por The Last Station
• Carey Mulligan por An Education
• Gabourey Sidibe por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Meryl Streep por Julie & Julia

Actor secundario:

• Matt Damon por Invictus
• Woody Harrelson por The Messenger
• Christopher Plummer por The Last Station
• Stanley Tucci por The Lovely Bones
• Christoph Waltz por Malditos bastardos (Inglourious Basterds)

Actriz secundaria:

• Penélope Cruz por Nine
• Vera Farmiga por Up in the Air
• Maggie Gyllenhaal por Crazy Heart
• Anna Kendrick por Up in the Air
• Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Director:

• Kathryn Bigelow por En tierra hostil (The Hurt Locker)
• James Cameron por Avatar
• Lee Daniels por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Jason Reitman por Up in the Air
• Quentin Tarantino por Malditos bastardos (Inglourious Basterds)

Guión original:

• En tierra hostil (The Hurt Locker): Mark Boal
• Malditos bastardos (Inglourious Basterds): Quentin Tarantino
• The Messenger: Oren Moverman, Alessandro Camon
• Un tipo serio (A Serious Man): Joel Coen, Ethan Coen
• Up: Bob Peterson, Pete Docter

Guión adaptado:

• District 9: Neill Blomkamp, Terri Tatchell
• An Education: Nick Hornby
• In the Loop: Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Geoffrey Fletcher
• Up in the Air: Jason Reitman, Sheldon Turner

Fotografía:

• Avatar: Mauro Fiore
• La cinta blanca (Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte): Christian Berger
• Harry Potter y el misterio del príncipe (Harry Potter and the Half-Blood Prince): Bruno Delbonnel
• En tierra hostil (The Hurt Locker): Barry Ackroyd
• Malditos bastardos (Inglourious Basterds): Robert Richardson

Montaje:

• Avatar: Stephen E. Rivkin, John Refoua, James Cameron
• District 9: Julian Clarke
• En tierra hostil (The Hurt Locker): Bob Murawski, Chris Innis
• Malditos bastardos (Inglourious Basterds): Sally Menke
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire: Joe Klotz

Dirección artística:

• Avatar: Rick Carter, Robert Stromberg
• The Imaginarium of Doctor Parnassus: Anastasia Masaro
• Nine: John Myhre
• Sherlock Holmes: Sarah Greenwood
• The Young Victoria: Patrice Vermette

Vestuario:

• Bright Star: Janet Patterson
• Coco avant Chanel: Catherine Leterrier
• The Imaginarium of Doctor Parnassus: Monique Prudhomme
• Nine: Colleen Atwood
• The Young Victoria: Sandy Powell

Maquillaje:

• Il divo
• Star Trek
• The Young Victoria

Banda sonora original:

• Avatar: James Horner
• Fantastic Mr. Fox: Alexandre Desplat
• En tierra hostil (The Hurt Locker): Marco Beltrami, Buck Sanders
• Sherlock Holmes: Hans Zimmer
• Up: Michael Giacchino

Canción original:

• Crazy Heart: T-Bone Burnett, Ryan Bingham(“The Weary Kind”)
• Faubourg 36: Reinhardt Wagner, Frank Thomas(“Loin de Paname”)
• Nine: Maury Yeston(“Take It All”)
• Tiana y el sapo (The Princess and the Frog): Randy Newman(“Down in New Orleans”)
• Tiana y el sapo (The Princess and the Frog): Randy Newman(“Almost There”)

Sonido:

• Avatar
• En tierra hostil (The Hurt Locker)
• Star Trek
• Up
• Malditos bastardos (Inglourious Basterds)

Montaje de sonido:

• Avatar
• En tierra hostil (The Hurt Locker)
• Malditos bastardos (Inglourious Basterds)
• Star Trek
• Up

Efectos visuales:

• Avatar
• District 9
• Star Trek

Película de animación:

• Coraline
• Fantastic Mr. Fox
• Tiana y el sapo (The Princess and the Frog)
• The Secret of Kells
• Up

Película en lengua extranjera:

• Ajami: Scandar Copti, Yaron Shani (Israel)
• La cinta blanca (Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte): Michael Haneke (Alemania)
• El secreto de sus ojos: Juan José Campanella (Argentina)
• Un prophète: Jacques Audiard (Francia)
• La teta asustada: Claudia Llosa (Peru)

Largometraje documental:

• Burma VJ: Reporter i et lukket land: Anders Østergaard
• The Cove: Louie Psihoyos
• Food, Inc.: Robert Kenner
• The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers: Judith Ehrlich, Rick Goldsmith
• Which Way Home: Rebecca Cammisa

Cortometraje documental:

• China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province (TV)
• The Last Campaign of Governor Booth Gardner
• The Last Truck: Closing of a GM Plant (TV)
• Królik po berlinsku
• Music by Prudence (2010)

Cortometraje de animación:

• French Roast
• Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty
• La dama y la muerte
• Logorama
• Wallace and Gromit in ‘A Matter of Loaf and Death’ (TV)

Cortometraje de acción real:

• The Door
• Istället för abrakadabra
• Kavi
• Miracle Fish
• The New Tenants

(vía imdb)

Más tarde, Wedge ganó el oscar al mejor cortometraje de animación por “Bunny” y fue co-fundador de los Blue Sky Studios, para los que dirigió “Robots” y “Ice Age” así que este corto tiene cierta importancia histórica, que es el motivo por el que me decido a publicarlo.

Ver el cortometraje en YouTube

James Cameron es, en mi opinión, uno de los mejores directores de acción del mundo, así como suena. A su nivel tan sólo podría colocar al McTiernan de sus buenos momentos o a Kathryn Bigelow, curiosamente ex-mujer de Cameron y directora de “En tierra hostil” (The hurt locker) que podría convertirla este año en la primera directora de la historia en ganar el oscar en su categoría.

Espero de Cameron siempre lo mejor de lo mejor y más aún si estrena un proyecto en el que ha invertido tanto dinero y tanto esfuerzo personal como en “Avatar”, una película de la que lleva hablando una década más o menos. Por esa confianza en su habilidad como director me decidí incluso a ver la película en 3D, haciendo caso del autobombo practicado durante años por Cameron, alardeando de que ésta sería la película que cambiaría para siempre el cine en 3D.

El resultado definitivo me produce sensaciones contradictorias. Por un lado, “Avatar” es todo un espectáculo visual que merece la pena ver, con algunas imágenes para el recuerdo, y una demostración más de que dirigiendo escenas de acción Cameron es difícilmente igualable. Si J. J. Abrams dirigiese como él, posiblemente su “Star Trek” hubiese sido una maravilla.

“Avatar” es una película de 160 minutos realmente entretenida y que no da un respiro visual al espectador gracias, además de a Cameron, a la impresionante labor de su equipo técnico. Los efectos visuales de la película son sencillamente asombrosos. La expresividad de los personajes digitales, el realismo de los entornos creados (que se pierde un poco por culpa del “hermosismo” en el que caen los diseños), todo en definitiva es perfecto en el campo técnico pero… (y aquí viene el pero) a “Avatar” le falta alma.

Cameron no ha sido capaz de emocionarme y tan sólo se queda cerca en alguna ocasión muy puntual. Me entretengo sí pero, para que nos entendamos, no salgo del cine dando botes y con ganas de ir a luchar por la libertad de Pandora. Este es, para mí, el gran lastre de la película. Tal vez se deba a una excesiva, y nada habitual, atención por mi parte a los aspectos técnicos pero… tengo mis dudas y, hasta que la vea en 2D o pase el tiempo, tengo que decir que no me ha entusiasmado.

Respecto a las 3D, mi opinión de los últimos años no ha variado y sigue sin parecerme que aporten mucho al mundo del cine, más allá de una cierta espectacularidad. Lo que sí me queda claro es que Cameron iba de farol cuando dijo que él iba a ser el que integrase narrativamente las 3D en el cine. No llega con jugar un poco con la profundidad de campo para que las tres dimensiones se puedan considerar un elemento narrativo más.

Pero todo esto no importa porque “Avatar” ya se ha convertido en la película más taquillera de la historia del cine, aunque le falte mucho para ser la más vista, y Cameron cuenta los billetes mientras yo espero que la próxima vez sí consiga emocionarme como lo ha hecho en anteriores ocasiones.

Valoración final: 7 sobre 10

Cuando uno menciona lo peor del año, tiene que establecer una diferencia entre aquello que es realmente malo y aquello que no ha cumplido las expectativas.

En mi caso, la peor película que he visto este año es claramente “Transporter 3“, un buen ejemplo de lo que no debe ser una película de acción que deja por los suelos una saga que, hasta ahora, era un ejemplo de entretenimiento sin pretensiones bastante digno.

Afortunadamente, la gran mayoría de películas con posibilidades de ser malísimas, me las he evitado a base de ser bastante selectivo a la hora de ir al cine (sobre todo por falta de tiempo). De tal forma que la siguiente lista la forman las películas que más me han decepcionado, sin que signifique por ello que me parezcan engendros. Aquí está, para mí, lo más decepcionante del año:

• “Watchmen” de Zack Snyder: partiendo de uno de los grandes cómics de las últimas décadas y con el convencimiento del poder visual del cine de su director, todo el mundo esperaba lo mejor de esta adaptación. Lamentablemente  se quedó en un espectáculo plásticamente atractivo pero cinematográficamente vacío.  Para colmo era un tostón y se ha convertido, posiblemente, en la gran decepción del año. Snyder debería tener mucho cuidado con su siguiente proyecto porque la opinión de muchos, entre los que me incluyo, sobre su cine depende de ello.
• “X-Men Origins: Wolverine” de Gavin Hood: no entiendo el motivo por el que con este personaje no se atreven a hacer algo interesante como “El caballero oscuro“, por poner un ejemplo. Un guión lleno de patochadas se carga por completo una película que, por momentos, da la risa. Que en la imdb le den un 6,7 en estos momentos es para echarse a llorar.
• “Terminator Salvation” de McG: dos detalles resumen el fracaso artístico de esta película. El primero es que casi no recuerdo nada de ella. El segundo, que casi se cargan la saga y en estos momentos no es nada seguro que vaya a tener continuación.
• “Arrástrame al infierno” de Sam Raimi. Es una película que, vista con amigos y en el estado de humor adecuado, puede ser disfrutable pero yo esperaba más del retorno de Raimi a un género que conoce bien. Quizás ahora, desvinculado definitivamente de la saga “Spider-Man” podamos ver de nuevo al mejor Raimi.
• “Ágora” de Alejandro Amenábar: no es desde luego una mala película. Me parece, de hecho, una película bastante aceptable. Pero de Amenábar, autor de dos maravillas como “Los otros” y “Mar adentro” me espero siempre lo mejor y esta cinta supone, para mí, un claro patinazo. Aguardaré, como agua de mayo, su próximo largometraje. El cine español, las cifras lo demuestran, le necesita.
• “Ángeles y demonios” de Ron Howard: no sé si es que las flojas novelas de Dan Brown no dan para más pero lo cierto es que Howard, un artesano habitualmente eficaz, lo ha intentado dos veces y ninguna de ellas ha conseguido hacer una buena película. Lo que sí logra, por contra, es estar entre lo mejor y lo peor del año , que tiene su mérito. Que dejen al personaje de Robert Langdon en paz, por favor.

¿Y vosotros qué película no recomendaríais de 2009? ¿Me he perdido algún espanto destacable? ¿Qué películas os han decepcionado más?

Como siempre, por culpa de las navidades, llego un poco tarde al resumen del año pero más vale tarde que nunca. Se quedan fuera de la lista películas que no he podido ver así que, por razones lógicas, no valoro y que podrían haber estado en la lista (o no). Entre ellas destaco “Mi nombre es Harvey Milk“, “El luchador” o “Despedidas” que para algunos son de lo mejorcito del año pero que, por una razón u otra, no he podido ver todavía.

No suelo poner un orden en este tipo de listas pero este año sí quiero destacar dos películas por encima de todas las demás. En mi opinión son las dos mejores del año sin lugar a dudas:

• “Gran Torino” de Clint Eastwood: una obra maestra como la copa de un pino. Una exhibición de sencillez en la dirección (que no es lo mismo que dirección plana) que viene acompañado de una de las mejores interpretaciones del gran Eastwood. Un guión perfecto y una película única que creo, cierran para siempre la galería de héroes urbanos interpretados por el maestro.
• “Up” de Pete Docter: Pixar se supera año a año y si con la tremenda secuencia “Married Life” aún queda alguien que dude de que esto es cine con mayúsculas, que deje de ver películas porque esto no es lo suyo. Todo en esta película es perfecto y sirve al único propósito de emocionar al espectador. Debería ganar el oscar a mejor película del año, pero quizás en la academia de Hollywood aún no están preparados para algo así.

El resto de películas de esta lista año se quedan, en mi opinión, un pelín por debajo de estas dos, pero aún así son magníficas películas.

• “El secreto de sus ojos” de Juan José Campanella: toda una joya del policíaco, vertiente romántica, por parte de un director al que ya le venía bien un ligero cambio en su cine sentimental. Unas estupendas interpretaciones terminan de rematar una de las mejores películas del año.
• “District 9” de Neill Blomkamp: ni “Avatar”, ni “Star Trek”, la mejor película de ciencia ficción del año es esta cinta, mucho más modesta pero más imaginativa, capaz de atrapar al espectador durante casi dos horas. Para colmo consigue emocionarnos. ¿Se puede pedir más de una película así?
• “Ponyo en el acantilado” de Hayao Miyazaki: aunque no llega a la altura de la genial “El viaje de Chihiro”, lo cierto es que la frescura de Miyazaki se agradece y queda por encima de casi todas las cintas de animación del año. Algo más infantil que las últimas películas del director pero perfectamente disfrutable por los espectadores adultos. La imaginación del maestro japonés parece no tener fin; que siga así.
• “Déjame entrar” de Tomas Alfredson. La historia humano-vampiro del año es esta, pese al éxito atronador de la saga Crepúsculo. La relación entre la inquietante vampira y el peculiar niño protagonista ha asombrado a todo el mundo con su magnetismo y su poesía. Cine con mayúsculas que demuestra que, en el fantástico, no está todo dicho.
• “The visitor” de Thomas McCarthy: otra demostración de que un gran guión y unos grandes actores pueden sostener una película si el director es inteligente y no tiene el ego excesivamente inflado. Richard Jenkins se enfrenta al papel de su vida y de paso nos pone la piel de gallina.
• “Slumdog Millionaire” de Danny Boyle: para algunos es sensiblera y la acusan de mostrar a los personajes o como muy buenos o como muy malos. Yo entiendo esta película como un cuento y en los cuentos las cosas funcionan así. Por eso me emociono, sufro, río y lloro en una película que arrasó en los oscars y, aunque puede parecer excesivo, lo cierto es que mirando uno a uno, sus rivales nominados no eran tan claramente superiores como para criticar la decisión de la Academia de Hollywood.
• “El desafío: Frost contra Nixon” de Ron Howard: soy un fan de las buenas películas de corte político. Howard demuestra que es un tipo muy listo y deja casi todo el trabajo al montador, al guionista y a los actores. Filma, así, la que puede ser su mejor película. Un duelo entre Michael Sheen y Frank Langella que podríamos decir termina en tablas, pese a que el personaje de Langella sea de los que hacen  historia.
• “La duda” de John Patrick Shanley: Meryl Streep podría anunciar los bífidus de danone y merecerse el oscar. Lo mejor que se puede decir de esta película es que sus compañeros de reparto están a su altura.

Como siempre, esto no tiene sentido sin vuestra colaboración. ¿Cuales son vuestras favoritas? ¿Qué opináis de mi lista? Venga no os cortéis que el año acaba de empezar y no es bueno empezarlo callándose cosas.

Dirigida por Tomas Alfredson a partir del guión que John Ajvide Lindqvist escribió sobre su propia novela, cuenta la historia de la curiosa amistad que nace entre Oskar, un niño peculiar que sufre acoso escolar, y Eli, una vampira (con todos los problemas que eso conlleva).

Comento muchas veces lo complicado que es que una película tenga atmósfera. Una cosa es crear momentos puntuales de tensión y otra muy diferente crear la atmósfera ideal para que cada pequeña imagen, cada sonido, cada escenario jueguen un papel importante en la labor de provocar sentimientos en el espectador.

“Déjame entrar” es, posiblemente, la película con la atmósfera más conseguida que he visto en 2009. Una cinta llena de poesía, con un magnetismo y una capacidad para cautivar al espectador como pocas. Un magnetismo que llega hasta el morbo en algunos momentos.

A la magnífica labor de dirección, capaz de crear esas sensaciones, ayudan y mucho la estupenda banda sonora de Johan Söderqvist y la fotografía de Hoyte Van Hoytema, así como las interpretaciones de Kåre Hedebrant (Oskar) y Lina Leandersson (Eli) magníficos en sus papeles, en las antípodas del típico papel de su edad.

En su defecto juega alguna ligera laguna argumental y algunas concesiones al exceso que pueden deberse a la necesidad de contentar a los fans más radicales del fantástico, pero poco más se puede decir en contra de esta película que supone, en mi opinión, una de las miradas más originales y diferentes al tema del vampirismo que se han visto en cines en los últimos años.

Valoración final: 9 sobre 10

Para participar hay que cumplir una serie de requisitos entre los que se incluye enviar un guión de dicho cortometraje. Los cinco guionistas finalistas irán a Nueva Zelanda este mismo enero para rodar sus cortos y el ganador será elegido por el mismísimo Peter Jackson.

Pues bien, Ferran Brooks está participando en el concurso y desde aquí apoyo su candidatura.

Para votarle tan sólo tenéis que daros de alta en la web del concurso y pulsar el votón correspondiente en la página de Ferran Brooks en dicho concurso.

El plazo de votación finaliza el 15 de enero. Sí, es hoy. La gripe me hizo perder un poco mi orientación temporal, jeje.

¡Suerte Ferran!

Añado, porque creo que es importante, que la recaudación de las entradas se destinará a la Fundación Pequeño Deseo, cuya labor social es “hacer realidad los deseos de niños y niñas con enfermedades crónicas o de mal pronóstico con el fin de darles apoyo anímico”.

Pues bien, con motivo de dicho lanzamiento, 20th Century FOX Home Entertainment España ha tenido la gentileza de ofrecer a los lectores de moonfleet un dvd de “Ice Age 3″. Como ya conocéis mi crueldad habitual, el afortunado lector será el que gane este concurso.

La mecánica es la de siempre: ganará el concurso el primero en escribir en los comentarios los títulos y los directores de las películas correspondientes a las 10 imágenes que aparecen bajo estas líneas. Se permite más de un intento, ya lo sabéis, pero cuidado con no darle pistas a vuestros rivales.

En esta ocasión, y para mostrarle a la gente de la Fox nuestro agradecimiento por su regalo, agradecería que comentáseis incluso aunque no penséis arriesgaros a lanzar alguna respuesta en el concurso. Os recomiendo, por cierto, que os hagáis fans de su página en facebook para estar al corriente de sus novedades o participar en sus concursos y promociones.

¡¡Suerte!!

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Y ahí radica, de hecho, el principal problema de la película ya que no consigue distanciarse lo suficiente de la obra original y el tono teatral resulta demasiado evidente. Sensación que se agudiza por la dirección plana de John Patrick Shanley, más dotado para lo literario que para lo cinematográfico.

Si la falta de garra en la dirección te resulta impresdincible para disfrutar de una película, es muy posible que “La duda” te parezca simplemente aceptable. En mi caso, aunque considero al cine un arte mayoritariamente visual, no me ha importado y he podido disfrutar plenamente de un guión estupendo y unas actuaciones excepcionales.

La cinta nos sitúa en un colegio católico del Bronx en el año 1954, en el que el padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) tendrá que enfrentarse a una acusación de pederastia por parte de una de las monjas del colegio, la hermana Aloysius Beauvier (Meryl Streep).

Como véis, el tema tiene fuerza y en cierto modo me recordó a “La Calumnia” salvando las distancias, ya que Patrick Shanley no es William Wyler y, por tanto, se tiene que refugiar en la fuerza de su texto y en un puñado de actores dando lo mejor de sí mismos. Sólo con eso, que no es poco, esta cinta consigue momentos de gran tensión, llegando incluso a resultar muy violentos, lo que tiene mérito ya que se trata de violencia emocional y no física.

Respecto a los actores, es difícil decir quién está mejor de todo el reparto. Si el acusado Philip Seymour Hoffman cuya sutil actuación ayuda a que el espectador mantenga constantemente la “duda” sobre su inocencia o la acusadora Meryl Streep, una actriz que es, en mi opinión, una de las mejores de la historia del cine. Soy un fan absoluto de la Streep y en esta ocasión, una vez más, se sale de la pantalla.

También las secundarias Viola Davis, en una corta pero poderosa intervención, y Amy Adams, por juventud y talento llamada a ser una de las actrices más importantes de los próximos años, ofrecen interpretaciones de altura y me hacen decir, sin riesgo a exagerar, que estamos ante una de las dos o tres películas con mejores actuaciones del año. No en vano, los cuatro actores estaban nominados a los oscars en sus respectivas categorías.

En resumen, una de esas cintas con gran guión y grandes actuaciones, con una dirección algo plana que, opino, no desmerece en demasía al conjunto y que me parece de lo mejorcito estrenado en 2009 en España.

Valoración final: 8,5 sobre 10.

“Le phare” (The lighthouse keeper) es un corto realizado por Baptiste Rogron, Rony Hotin, Maïlys Vallade, Jérémie Moreau, Gaëlle Thierry y David François, con música de Romain Gauthier.

A mí esta gente me fascina, no lo puedo evitar. ¡Con que poquita cosa se puede hacer un buen cortometraje de animación! Espero que os guste.

Ver The Lighthouse Keeper on Vimeo.

Tenía pensado publicar la foto de la entrega del premio del último concurso de Moonfleet como felicitación de año nuevo pero Mr. Lombreeze (el ganador y protagonista) la ha publicado en su blog primero así que es mejor que veáis su narración del feliz encuentro.

En su lugar, me he decidido a publicar una foto hecha para la ocasión. Una auténtica postal creada en exclusiva para todos vosotros, gracias a la habilidad fotográfica del gran Ferre de Retroklang, en la que se me ve en “La Bombilla“, uno de los mejores lugares del mundo en los que estar, tomándome un mítico pincho de chorizo acompañado de un no menos mítico vino de Ulla.

Aunque me acompañaban el citado Ferre, la fotográficamente esquiva Viola de Lesseps y la sin par Anita Loos, decidieron no salir en la foto para no eclipsarme con su atractivo.

En fin, que todo esto no es sino una forma personal de desearos un feliz año nuevo a todos.

¡Feliz 2010!

La primera de ellas es “The Visitor“, dirigida por Thomas McCarthy que ya había dado la campanada hace unos años con “Vías Cruzadas” (The Station Agent), que no he tenido la suerte de ver. Y digo suerte porque si su ópera prima está al nivel de esta “The Visitor”, está claro que es algo digno de ver.

“The Visitor” nos cuenta el proceso de cambio de Walter Vale (Richard Jenkins), un profesor que se siente totalmente frustrado y que, al acudir a un curso en New York, encuentra a una joven pareja de inmigrantes viviendo en su piso. Esto desencadenará una serie de sucesos que afectarán profundamente la vida del profesor Vale.

Me repito hasta cansarme pero no puedo dejar de recordar que con un gran guión y unos grandes actores más de la mitad del trabajo de un director está hecho. Es evidente que aún así tendrá que intentar no estropearlo (Michael Bay arruinaría un guión así, claro está) pero la cosa se vuelve más sencilla.

Aquí estamos ante otro de esos casos. El guión, del propio McCarthy, es fabuloso. No hay nada que falta o que sobre en él, cada escena complementa a la anterior hasta completar un todo coherente y creíble. Una delicia de escritura. Ojalá muchos otros, que presumen de hacer cine social, supiesen escribir un guión como éste.

Pero no acaban ahí los méritos de McCarthy, ya que la dirección de actores (ya en su anterior película había brillado en ese aspecto) es soberbia. Todos los secundarios están espléndidos aunque me quedo con la magia en pantalla de Hiam Abbass y con la impresionante, sobrecogedora actuación de Richard Jenkins, posiblemente ante el papel de su vida.

Jenkins es el típico secundario del que todo el mundo conoce su cara y que ya había demostrado su talento en cintas como “El hombre que no estaba allí“, “Crueldad intolerable” o “Quemar después de leer” (es habitual de los Coen), pero que no había podido probar, hasta ahora, su capacidad para llevar él solito, el peso de una película. En “The visitor” esta capacidad queda más que demostrada porque Jenkins nos ofrece un recital de interpretación, plagado de matices y detalles, que hubiese sido merecedor de algo más que una nominación al oscar. En mi opinión Sean Penn con un oscar ya tenía suficiente, no necesitaba más reconocimiento, mientras que a Jenkins podría haberle supuesto el espaldarazo definitivo.

Frente a tremendo guión y tremendas interpretaciones, la labor puramente de director de McCarthy queda un poco oscurecida. En parte voluntariamente porque decide apartarse de estridencias y no hacerse notar para no desviar la atención de lo que verdaderamente considera importante. Aún así, quizás un poco más de vigor en algunos momentos hubiese sido de agradecer pero no empaña, en absoluto, su magnífico trabajo.

“The visitor” se ha convertido, por sopresa, en uno de los sleepers de la temporada española. Se merece eso y más porque es una auténtica delicia que enamorará a todos aquellos que disfruten con un buen guión y unas buenas interpretaciones.

Valoración final: 9 sobre 10

Hola amigos, entre el viaje a Galicia y un tremendo resfriado

he estado unos días desconectado.

Tras este hermoso pareado que demuestra mi dominio total de la lengua castellana, aprovecho este momento de descanso que me brinda mi dolor de cabeza para desearos unas muy felices fiestas.

Sed todos muy felices, pasadlo bien, haced buenas obras y ved “Qué bello es vivir” al menos una vez más (menudo subidón de azúcar me acaba de dar).

Volveré pronto.

El spot ha sido realizado para Plane Stupid y pretenden concienciar a la gente de la polución generada en el aire por los aviones. No necesito decir que está resultando algo polémico.

Ver el vídeo en YouTube

Pese a lo mucho que me gustan el fútbol y el cine, son raras las ocasiones en las que ambas pasiones caminan juntas con éxito. Por eso, asistir a la última película de Ken Loach ha resultado ser un placer doble.

“Buscando a Eric” (Looking for Eric) cuenta la historia de Eric Bishop, el típico perdedor del cine de Loach, divorciado de su segunda esposa pero todavía enamorado de la primera. En un momento de depresión, su pasión por el fútbol y por Eric Cantona pueden ser decisivos para salir adelante.

La película toca los problemas sociales, habituales del cine de Loach y de otros cineastas comprometidos de las islas británicas. En este caso, con la desestructuración familiar como centro de la historia, nos enfrentamos a un Loach más amable de lo habitual lo que gustará a algunos espectadores pero decepcionará a otros.

Es la segunda vez en poco tiempo que escucho en una película lo de “puedes cambiar de mujer, de religión, de nacionalidad, pero no puedes cambiar de equipo de fútbol”. Supongo que es casualidad y que ni Campanella ni Paul Laverty, guionista de “Buscando a Eric”, se andan copiando el uno al otro, pero lo cierto es que el amor por el fútbol es uno de los ejes centrales de esta historia, especialmente mediante la personalidad enorme de Eric Cantoná, que presta su imagen y su mito a una película que tiene muchos de sus mejores momentos con él en pantalla. Es cierto que se interpreta a sí mismo, pero lo hace tan bien, con tanto carisma y, sobre todo, sabiendo reírse de su propio mito, que uno está deseando que vuelva a aparecer en escena.

Por supuesto el resto de intérpretes están a la altura, como suele ser habitual en el cine de Loach, destacando entre ellos su protagonista, Steve Evets, que aparece en casi todas las escenas del film.

No me lío más así que resumiré el comentario diciendo que estamos ante una muy buena película, con una historia bien escrita, bien contada y bien interpretada a la que yo, por los motivos que ya he comentado, le perdono los detalles poco creíbles porque, para mí, no enturbian el resultado final.

Valoración final: 8,5 sobre 10

Esto es, según el American Film Institute, lo mejor del cine y la televisión de 2009.

Ver el vídeo en YouTube

No sé a vosotros pero a mí el look de esta película me gusta mucho. Tengo que hacerme ya con la original para comprobar cómo le ha afectado el paso del tiempo a la película (y a mí).

Aquí os dejo una nueva imagen de “Tron Legacy“, llegada vía comingsoon.

El premio es el dvd de “El Cazador“, una joya de Michael Cimino que ganó el oscar a mejor película en 1978 junto a otros cuatro más entre los que destacan el de mejor director o mejor actor secundario, para el admirado Christopher Walken. Se trata de una edición en estuche metálico que creo que vale la pena.

La mecánica es la de siempre. Bajo estas líneas tenéis 10 imágenes. Para ganar el concurso tan sólo hay que ser el primero en decir correctamente, en los comentarios del post, los títulos y los directores de las películas correspondientes a dichas imágenes.

Sé que parece muy difícil. Eso es porque realmente es muy difícil.  Sois tan buenos que me obligáis a ello para que el concurso sea más divertido, jeje. Si no sabéis las preguntas desde el principio no os desaniméis porque daré pistas si es necesario y google, como sabe bien algún ganador de otras ediciones, puede ser un poderoso aliado.

Suerte a todo el mundo.

Imagen 1

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Imagen 10

Hoy tenemos las nominaciones a los Globos de Oro que, como sabéis, suelen ser considerados un buen termómetro de por dónde irán los tiros en los oscars. Este año quizás no lo sean tanto como otras veces porque la decisión de la Academia de Hollywood de ampliar a 10 las nominadas a mejor película dejará la carrera más abierta que nunca.

Lo que sí es seguro es que el premio Cecil B. DeMille irá a Martin Scorsese. Creo que es un premio que no necesita justificación así que ni me preocupo en enumerar los méritos del director.

En lo que se refiere a los españoles tenemos este año, otra vez, a Penélope Cruz luchando por el premio a mejor actriz secundaria y a Almodóvar luchando por el premio a mejor película extranjera. Un año más habrá polémica sobre los motivos que nos han llevado a proponerle a la academia de Hollywood una película que no es la de Almodóvar…

Sin más  preámbulos, aquí os dejo la lista de las nominaciones cinematográficas de los Globos de Oro. Podeís ver la lista completa (tv incluída) en la imdb.

Mejor Película – Drama

• Avatar
• The Hurt Locker
• Inglourious Basterds
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Up in the Air

Mejor Película – Musical o Comedia

• 500 días juntos
• The Hangover
• No es tan fácil
• Julie & Julia
• Nine

Mejor Director

• Kathryn Bigelow por The Hurt Locker
• James Cameron por Avatar
• Clint Eastwood por Invictus
• Jason Reitman por Up in the Air
• Quentin Tarantino por Inglourious Basterds

Mejor Actor – Drama

• Jeff Bridges por Crazy Heart
• George Clooney por Up in the Air
• Colin Firth por A Single Man
• Morgan Freeman por Invictus
• Tobey Maguire por Brothers

Mejor Actriz – Drama

• Emily Blunt por The Young Victoria
• Sandra Bullock por The Blind Side
• Helen Mirren por The Last Station
• Carey Mulligan por An Education
• Gabourey ‘Gabby’ Sidibe por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Mejor Actor – Musical o Comedia

• Matt Damon por The Informant!
• Daniel Day-Lewis por Nine
• Robert Downey Jr. por Sherlock Holmes
• Joseph Gordon-Levitt por 500 días juntos
• Michael Stuhlbarg por A Serious Man

Mejor Actriz – Musical o Comedia

• Sandra Bullock por La Proposición
• Marion Cotillard por Nine
• Julia Roberts por Duplicity
• Meryl Streep por No es tan fácil
• Meryl Streep por Julie & Julia

Mejor Actor Secundario

• Matt Damon por Invictus
• Woody Harrelson por The Messenger
• Christopher Plummer por The Last Station
• Stanley Tucci por The Lovely Bones
• Christoph Waltz por Inglourious Basterds

Mejor Actriz Secundaria

• Penélope Cruz por Nine
• Vera Farmiga por Up in the Air
• Anna Kendrick por Up in the Air
• Mo’Nique por Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Julianne Moore por A Single Man

Mejor Guión

• District 9 : Neill Blomkamp, Terri Tatchell
• The Hurt Locker : Mark Boal
• Inglourious Basterds : Quentin Tarantino
• No es tan fácil : Nancy Meyers
• Up in the Air : Jason Reitman, Sheldon Turner

Mejor Canción

• Crazy Heart : T-Bone Burnett, Ryan Bingham(“The Weary Kind”)
• Everybody’s Fine : Paul McCartney(“(I Want To) Come Home”)
• Nine : Maury Yeston(“Cinema Italiano”)
• Brothers (“Winter”)
• Avatar (“I See You”)

Mejor Banda Sonora Original

• The Informant! : Marvin Hamlisch
• Up : Michael Giacchino
• Where the Wild Things Are : Carter Burwell, Karen Orzolek
• Avatar : James Horner
• A Single Man : Abel Korzeniowski

Mejor Film de Animación

• Cloudy with a Chance of Meatballs
• Coraline
• Fantastic Mr. Fox
• The Princess and the Frog
• Up

Mejor Película Extranjera

• Los abrazos rotos
• Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte
• La nana
• Un prophète
• Baarìa

Igual que hemos podido disfrutar de los primeros pósters de “Iron Man 2“, en los que salía su héroe y protagonista, nos llega ahora el póster protagonizado por el villano de la función, Whiplash, interpretado por Mickey Rourke.

No creo que tardemos mucho en poder disfrutar del póster dedicado a Natasha Romanoff, alias La Viuda Negra, interpretada por Scarlett Johansson.

Habrá que estar atento…

(vía impawards)

Ver el vídeo en YouTube

(vía Uruloki)

Banner de la película

Hace un mes podíamos ver aquí mismo el primer teaser trailer de “Clash of the Titans“, el remake de “Furia de Titanes“, y ahora nos llegan los primeros pósters de la película que tienen un ligero toque “300″, ¿no os parece?

Siempre he pensado que este remake podría ser una buena idea, en manos del director adecuado, porque el original no era perfecta y porque los efectos visuales han evolucionado tanto que permiten una mejora suficiente. Por eso, aunque los pósters no me vuelven loco (posiblemente ya lo estoy), admito que me hace ilusión ver los primeros carteles de una de las películas más esperadas del año que viene.

Dirigida por Louis Leterrier y protagonizada por Sam Worthington (le podremos ver en “Avatar” la semana que viene), Alexa Davalos, Liam Neeson y Ralph Fiennes, se estrena en cines de todo el mundo el 26 de marzo de 2010. No queda mucho…

Bajo estas líneas os dejo los otros dos pósters

(vía impawards)

Tras el primer test de efectos visuales, nos llega ahora el primer teaser poster de “Tron Legacy“. Se trata, como sabéis, de la secuela de la ahora mítica “TRON“, que se estrenará en cines en diciembre de 2010.

Aunque nunca fui fan de la primera (tengo que volver a verla) admito que tengo muchas ganas de ver esta película.

(vía impawards)

No comparto el fervor crítico hacia la última película de Woody Allen. “Si la cosa funciona” (Whatever Works) me sigue demostrando que Allen es un virtuoso dialoguista, capaz de reírse y hacernos reír con él, de casi todo lo que pasa bajo su mirada pero no me maravilla como sí lo hacía “Misterioso asesinato en Manhattan” o “Todos dicen I Love You” por poner dos ejemplos de sus comedias.

“Si la cosa funciona” tarda un poquito en arrancar en parte porque, aunque tienen gracia, sus monólogos iniciales me parecen excesivamente largos. Además se me hace excesivamente parecida a “Poderosa Afrodita“, con la que tiene en común algún punto importante y que creo que tenía bastante más chispa que la que nos ocupa hoy.

Los actores están bien, como siempre en el cine de Allen, aunque destacan sobre ellos Larry David que lleva todo el peso de la película y Evan Rachel Wood que, conociendo la puntería de Allen para las actrices secundarias, hasta podría hacerse con una nominación a los Oscars de este año.

Sigo pensando que Allen, como casi todos hasta ahora, desaprovecha a Patricia Clarkson, pero no me quejaré porque verla en pantalla es uno de mis placeres cinéfilos favoritos.

En fin, la historia avanza entre tremendas casualidades y algo del progresismo facilón e intelectualoide de Allen que hacen previsibles los cambios de algunos personajes. Tiene su gracia, claro, pero la evolución de los padres del personaje de Evan Rachel Wood, me parece algo forzada.

De esta forma, la película se resiente un poco del hecho de ser una historia ya vista en el cine de su autor y de tener algún desequilibrio entre la historia del protagonista y la de todos los que le rodean, que hace que el resultado no termine de ser redondo.

Por eso yo colocaría esta película en el segundo peldaño de las comedias de Allen. Sé que muchos se rasgarán las vestiduras pero no veo superior esta película a su anterior obra, la vilipendiada “Vicky Cristina Barcelona” de la que, de hecho, tengo la sensación que guardaré un mejor recuerdo.

Valoración final: 7 sobre 10

Lo malo de lanzarme a publicar un póster en cuanto sale es que, si un día después sale uno nuevo, tengo que elegir entre no informaros o ser un pesado y hablar dos veces de la misma película en un breve período de tiempo.

Como la expectación por “Iron Man 2” va a ser grande, opto en esta ocasión por la segunda de las opciones anteriores y aquí tenéis su teaser para Reino Unido.

Es curioso como en el póster para UK se resalta al protagonista, Robert Downey Jr., mientras que en el póster USA se ponía la atención en el personaje de Iron Man.

(vía comingsoon)

Portada del libro

Tengo pendiente desde hace tiempo hablaros de un libro de reciente publicación y este parece un buen momento para hacerlo. Primero porque tengo tiempo y segundo porque se acercan las navidades y a ver si alguien se anima a regalármelo.

El libro en cuestión se titula “La fiesta de Orfeo“, está editado por la Editorial Almuzara y viene firmado por Javier Márquez Sánchez, periodista, escritor y, parece evidente, cinéfilo empedernido.

Se trata de su primer libro de ficción ya que había editado anteriormente “Elvis. Corazón solitario” (Ed. Almuzara), “Paul Simon & Art Garfunkel. Negociaciones y canciones de amor” (Ed. Milenio) o “Rat Pack. Viviendo a su manera” (Ed Almuzara).

Leyendo la sinopsis entenderéis mi evidente interés en él:

Inglaterra, 1956. El gobierno británico está desconcertado ante los horribles sucesos acontecidos en una aldea de la frontera escocesa. El caso es puesto en manos de un agente de Scotland Yard especializado en sucesos extraños, el inspector Andrew Carmichael, y su compañero, el detective Harry Logan.

Al mismo tiempo, una modesta compañía cinematográfica, Hammer Films, se ha propuesto volver a poner de moda el cine de terror con una innovadora y truculenta adaptación de Frankenstein. Para ello contratan al actor televisivo Peter Cushing y le encargan, de cara a preparar su papel, que recurra a diversos especialistas para profundizar en las raíces del miedo humano.

Todos coinciden en la búsqueda de La fête du Monsieur Orphée, un misterioso rollo de película de los años del cine mudo que parece ir dejando un rastro de destrucción y tragedia tras ella.

En resumen, un libro de obligada lectura para cinéfilos y, de forma especial, para amantes del cine de la Hammer.

Encontraréis más información en la página de la editorial Almuzara, o en el propio blog del libro desde donde podréis, por ejemplo,descargaros el primer capítulo haciendo clic aquí.

Ficha del libro:

• Título: “La fiesta de Orfeo”
• Autor: Javier Márquez Sánchez
• ISBN: 978-84-92573-72-1
• Páginas: 384
• Tamaño: 14.5×22
• Rústica
• PVP: 17.95 €

Aquí os queda el primer póster de “Iron Man 2“, dirigida de nuevo por Jon Favreau e interpretada por Robert Downey Jr., Sam Rockwell, Gwyneth Paltrow, Don Cheadle y Samuel L. Jackson.

El villano, Whiplash, está interpretado por Mickey Rourke mientras que Scarlett Johansson interpretará a Natasha Romanoff, alias La Viuda Negra. No suena mal, ¿verdad?

Si esta continuación es tan entretenida como la primera ya me doy por contento porque, visto lo visto, “Iron Man” ha resultado de lo más decente del cine de entretenimiento que he visto en el último año y pico.

Una pena que les llegue con eso porque, con un poquito más, podrían hacer algo grande con el personaje.

La película se estrenará el 7 de mayo de 2010.

(vía Impawards)

Pero el destino, que cuando quiere es un tipo cachondo, ha hecho que nuestros destinos se hayan cruzado de nuevo y esta vez no lo dejo pasar así que os voy a hablar de “Jingle Bells“, un cortometraje dirigido por David Casademunt.

Uno de los atractivos que para mí tenía el corto, a priori, es la participación de Emma Vilarasau, una actriz de la que recuerdo dos interpretaciones tan memorables como las que nos regala en “Los sin nombre” y “Para que no me olvides“. Una delicia.

El guión ha sido escrito por el propio Casademunt junto a Martí Lucas y nos cuenta las dificultades de adaptación de Alex, de 14 años, a los cambios en su situación familiar. En Navidad, hará un último esfuerzo para que las cosas vuelvan a ser como eran antes con su madre.

El papel de Alex corre a cargo del joven actor Daniel Casadellà que lleva buena parte del peso del corto sobre sus hombros.

Encontraréis más información en la web de “Jingle Bells” pero aquí os dejo el póster y el propio corto. Espero vuestras opiniones en los comentarios.

Link: Ver el corto

Digo esto porque “El secreto de sus ojos” puede presumir, sin riesgo a exagerar, de ser una de las mejores películas que se han visto este año en una sala de cine.

Es muy difícil mezclar el cine intimista y sentimental (en el mejor sentido) de Campanella con el policíaco o el thriller pero el director lo consigue de forma perfecta, beneficiado por el magnífico guión escrito por él mismo y por Eduardo Sacheri; autor de “La pregunta de sus ojos“, la novela en la que se basa. Un guión que la dirección y las inspiradas interpretaciones de sus protagonistas se encargan de redondear.

Campanella lleva años trabajando habitualmente en la televisión estadounidense. Suyos son bastantes de los episodios de “Ley y Orden: Unidad de víctimas especiales” y algunos de “House“, como ese en el que un gato parece predecir la muerte de algunos pacientes. Tanto rodaje se nota en su capacidad narrativa porque es posible que ésta sea su película mejor dirigida, con algunos momentos realmente brillantes de los que tal vez el más comentado sea el de la frase con la que inicio esta crítica, que engancha con un estupendo y alucinante plano-secuencia  capaz de encender al más sosegado de los espectadores. Cine en estado puro.

Los actores se unen a la fiesta y están todos estupendos. No se puede decir mucho más de la química existente entre Ricardo Darín y Soledad Villamil, que aquí están todo lo bien que pueden estar. Sus miradas, su forma de hablarse sin decir lo que se quieren decir o sus silencios, son un regalo para los sentidos. Me gustaría destacar a Guillermo Francella, que interpreta de forma inolvidable a Sandoval. Es verdad que el papel es un caramelo, pero lo que hace con él es una delicatessen.

Siendo tan redondas las actuaciones me resulta algo extraña la interpretación de Javier Godino, cuya voz tengo la sensación de que fue grabada o doblada en un estudio. Una pena porque el actor parece estar muy bien pero ese detalle juega en su contra.

En definitiva, pese a tener algún leve defecto como el mencionado o que quizás le sobre algún minutillo, estamos ante una de las mejores excusas del año para mantener nuestra pasión por el cine. Espero que Campanella sea fiel a su discurso porque, mientras él no cambie su pasión, yo no dejaré de ver sus películas.

Valoración final: 9 sobre 10

PD: Y de propina aquí os dejo, el impresionante plano-secuencia mencionado. Alucinad.

Ver el plano-secuencia en YouTube

Pues bien, la semana que viene la Fox organiza una proyección de “Braveheart” en alta definición en Madrid y Barcelona. La proyección será el martes 1 de diciembre en los cines Proyecciones de Madrid y los Diagonal de Barcelona.

Lo mejor de todo es que hay entradas gratis para los lectores de Moonfleet así que para conseguir entradas dobles (para que no vayáis solos) tan sólo tenéis que confirmar vuestra presencia en el evento en la página de la Fox en Facebook o enviarme un mail con vuestros datos.

No olvidéis dar vuestro nombre y el de vuestro acompañante completos así como la ciudad en la que váis a acudir. Os agradecería que si confirmáis vuestra asistencia en la página de Facebook comentáseis que váis porque lo habéis visto en Moonfleet.

No olvidéis que, como es lógico, las entradas son limitadas.

Disfrutad de la película.

Actualización (30/11/2009).

Esta es la lista de los afortunados que irán a la proyección de Braveheart invitados por Moonfleet:

• Beatriz Fuentes Arenaz (Madrid)
• Alfonso José Álvarez Elbal (Madrid)
• Silvia Giner Vergara (Madrid)
• Álvaro París Mejía (Madrid)
• Juan Manuel Menchén Gómez (Madrid)
• Eva Clemente Miranda (Madrid)
• Beatriz Estremera Sáez (Madrid)
• Roque Madrid (Madrid)
• Iván Aparicio (Madrid)
• David Casademunt Izquierdo (Barcelona)
• Víctor Cornejo Ramírez (Barcelona)

De nuevo Mr. Lombreeze me lanza un meme a la cara. En esta ocasión se trata de comentar 10 grandes finales de la historia del cine. El problema es quedarme simplemente con 10 así que no publico ninguno de los que ya ha elegido Mr. Lombreeze y, además, publico los 10 que primero me vienen a la memoria.

Como es bien sabido soy un enemigo radical de los spoilers así que intentaré no desvelar nada importante en los comentarios de las películas y no publicaré el video de las escenas en cuestión, para evitar tentaciones y porque así no tengo que buscarlos, jeje.

Lo mejor es que si os dan ganas de volver a ver uno de estos finales, o verlo por primera vez, os veais la película  entera porque, a fin de cuentas, los finales son impresionantes gracias a cómo quedan en el conjunto.

Y dicho esto y sin liarme más de la cuenta, aquí va mi lista de grandísimos finales del cine:

1. “Con faldas y a lo loco” (Some Like It Hot, 1959) de Billy Wilder puede ser una opción evidente pero no me resisto a publicarla igualmente. Hay que ser un auténtico genio para terminar una película con un diálogo tan increíble y con una frase final tan sencilla. Tal vez nadie sea perfecto pero lo que está claro es que hay guiones que sí lo son. Éste es uno de ellos y la cinta de Billy Wilder, una de las grandes obras maestras de la historia del cine.
2. “En busca del Arca Perdida” (Raiders of the Los Ark, 1981) de Steven Spielberg nos muestra, tras un clímax final repleto de efectos especiales bien utilizados, uno de los planos finales más tremendos de la historia del cine de aventuras. Aunque volvimos a ver el mismo almacén en su aventura con la calavera de cristal, la cosa ya no fue lo mismo. Podéis leer la crítica en Moonfleet.
3. “Al rojo vivo” (White Heat, 1949) de Raoul Walsh nos demostró lo enfermizo que puede llegar a ser el amor de un hijo por una madre. Una de las grandes películas de cine negro, con un ritmo prodigioso y unas interpretaciones que quitan el hipo. James Cagney alcanza la cima del mundo en uno de los finales más excitantes que se han visto en una pantalla.
4. “Requiem por un boxeador” (Requiem for a Heavyweight, 1962) de Ralph Nelson es una película que compré porque el dvd estaba a buen precio y porque Anthony Quinn ha sido siempre uno de mis actores favoritos. Mi sorpresa fue encontrarme con un películón como la copa de un pino, un drama seco y con un final absolutamente inolvidable que puede dar para un buen debate sobre la dignidad y el sacrificio. Podéis leer la crítica en Moonfleet.
5. “El planeta de los simios” (Planet of the Apes, 1968) de Franklin J. Schaffner es una de las elecciones más obvias cuando se trata de finales impactantes. Aunque la he visto ya unas cuantas veces me sigue maravillando por imprevisible y por la sobrecogedora actuación de Charlton Heston.
6. “La marca del vampiro” (Mark of the Vampire, 1935) de Tod Browning tiene un final tan atípico, tan alucinante, que tuve que rebobinar (era un vhs) para asegurarme de que lo había visto bien. Una maravilla de la que no importaría hacer un remake así que si hay algún productor en la sala que se ponga en contacto conmigo.
7. “Inteligencia Artificial” (Artificial Intelligence: AI, 2001) de Steven Spielberg me da la oportunidad de soltar mi vena diabólica e introducir dos películas suyas en una lista de los mejores finales, corrigiendo así el injustísimo rumor de que no sabe terminar sus películas. Aquí asistimos a uno de los finales más tristes, tremendos y crueles de la historia del cine pero, como los mejores venenos, viene disfrazado en forma de rica manzana. No os dejéis engañar y fijaos bien de verdad en lo que nos dice Spielberg aquí…
8. “Cielo negro” (1951) de Manuel Mur Oti es una de esas joyas del cine español de las que nunca se habla.  El director gallego echó el resto en esta película en la que su talento explota literalmente ante el espectador en el plano secuencia final, uno de los más emocionantes que yo he visto nunca.
9. “Vértigo” (Vertigo, 1958) de Alfred Hitchcock tiene uno de los finales más desoladores de la carrera del maestro. Una escena fascinantemente dirigida y soberbiamente interpretada por James Stewart, mucho mejor actor de lo que muchos se han empeñado en decir.
10. “Gran Torino” (2008) de Clint Eastwood es otro ejemplo más de cómo darle una bofetada al espectador que, en absoluto, se ve venir algo tan emocionante, tan desgarrador, tan genial. Eastwood es un tipo con facilidad para finales inolvidables como ya nos demostró en obras maestras como “Un mundo perfecto“, “Los puentes de Madison” o “Million Dollar Baby“. Podéis leer la crítica en Moonfleet.

Como digo siempre… ahora es vuestro turno.

Ver el vídeo en YouTube

(visto en “No puedo creer” gracias a un twitter de txapulín)

Es de sobra conocida por todos mi devoción, creo que más que justificada, por el cine de Spielberg así que, no podía ser de otro modo, también me gusta el cine del director español que más se le parece en la forma de rodar: Alejandro Amenábar.

Por otro lado, recuerdo perfectamente cómo en la mítica serie “Cosmos” de Carl Sagan y en el libro homónimo (que aún tengo en la estantería aquí a mi lado) se contaba la historia de Hipatia de Alejandría y se ensalzaba su figura de matemática y astrónoma brillante. Aquella serie fue, posiblemente, uno de los motivos que me decidieron, ya desde muy niño, a estudiar física.

Ni que decir tiene que juntar dos de mis grandes pasiones, en una película, era un motivo más que suficiente para acudir corriendo al cine. Si no he publicado antes la crítica ha sido por falta de tiempo para escribirla con calma porque, tras todo lo dicho, tendré que justificar por qué la película, aún siendo correcta, me ha decepcionado.

En las siguientes líneas hay algún spoiler de los gordos así que si aún no has visto la película (por las cifras de la taquilla la ha visto ya casi todo el mundo) quizás sea mejor que no sigas leyendo.

En primer lugar creo que Amenábar fracasa al explicar las motivaciones de Hipatia. Sí, es verdad que ya desde el principio aparece como una mujer dedicada a la sabiduría, pero se cuenta de forma muy abstracta, sin ofrecerle un objetivo claro. En la segunda mitad del film, se nos deja claro que descubrir la verdad sobre el movimiento de los planetas es su mayor deseo, casi obsesivo.

El problema es que se nota a la legua que es un truco de guión. Esa necesidad de deducir por su cuenta el heliocentrismo debería haber estado clara desde el principio y haber sido el motor de sus acciones durante toda la cinta, para que no parezca algo improvisado con el fin de hacernos pensar que, pese a su trágico desenlace, ha triunfado al encontrar la solución al problema.

Al no tener un motor claro de sus acciones el personaje pierde fuerza y eso afecta a la propia interpretación de la actriz protagonista, una Rachel Weisz que está bien pero no llega a la brillantez de la que ella es capaz y que hubiese sido de desear.

Con el personaje protagonista debilitado, la película se tambalea y no tiene mucho en lo que apoyarse. Los demás secundarios no están mal pero me parecen también algo desaprovechados. De hecho, el padre de Hipatia desaparece sin tener ocasión ni de despedirse en escena (presiento que sí lo veremos en alguna edición del dvd).

Agradezco a Amenábar que intente explicar la belleza de la astronomía y la hermosa matemática del movimiento de los planetas, pero creo que esas escenas se hacen relativamente tediosas y no consiguen su propósito. Prueba de ello es que cuando la gente habla de la película, lo hace más sobre el tratamiento que ésta hace de la religión que sobre la auténtica pasión de la protagonista que no es otra que la astronomía y la matemática.

Lo que no puede evitar Amenábar es seguir siendo uno de los mejores narradores del cine español y así, pese a sus defectos, la película es entretenida y no se hace especialmente larga. Eso sí, no emociona, no apasiona.

La mezcla de épica e intimismo que le han intentado dar a la película no termina de cuajar del todo e incluso la forma de retratar las hordas cristianas desde el aire, comparando a los humanos con hormigas, termina resultando algo repetitiva.

Por supuesto, técnicamente la película es impecable y, como digo, es lo suficientemente entretenida como para merecerme un aprobado pero creo que es, sin lugar a dudas, la cinta menos lograda de Amenábar; un director del que siempre hay que esperar lo mejor pero que, en esta ocasión, no lo ha conseguido. Otra vez será.

Valoración final: 5 sobre 10

Esto cada vez pinta mejor. Y no lo digo por el póster (visto en impawards), que no deja de ser un poco el típico póster de una cinta de acción y aventuras, si no por la featurette que os dejo bajo estas líneas y en las que podemos ver bastantes imágenes, inéditas hasta ahora, de “Avatar“.

Siempre he dicho que James Cameron es un tipo de fiar…

Ver la featurette en TrailerAddict

No, no me he equivocado y os he puesto un póster repetido. Si os suena el que aparece sobre estas líneas es porque se parece mucho a los que usaron para promocionar “El ultimátum de Bourne“. El mismo póster se encarga de recordarnos que, además de contar con Matt Damon como protagonista, “Green Zone” está dirigida por Paul Greengrass, el mismo de “El Mito de Bourne” y “El ultimátum de Bourne“.

En “Green Zone”, Damon interpreta a Roy Miller, un oficial de la armada encargado de encontrar armas de destrucción masiva en Irak. Como lo que descubre son trapos sucios en la inteligencia estadounidense (no podía ser de otra forma), empezará a trabajar por libre para desenmascarar la verdad. El guión es de Brian Helgeland, el mismo de “L.A. Confidential“, “Payback“, “Mystic River” y “Man on Fire“.

Por si eso no fuese suficiente, el trailer no deja lugar a dudas. “Green Zone” es un thriller de acción en la línea de las dos entregas de Bourne filmadas por Greengrass. Como ambas me parecen magníficas y son de lo mejor que se ha hecho en el género de acción en la última década, yo estoy la mar de contento. Que hagan las que quieran.

Acompañan a Damon en el reparto Jason Isaacs, Amy Ryan, Brendan Gleeson y Greg Kinnear. Se estrena en los USA el 12 de marzo de 2010.

Ver el trailer en TrailerAddict

Ver “Un tour de Manège” de Les Manèges en Vimeo.

Ver el video en YouTube

El protagonista de espaldas, típico póster de Eastwood

Doy gracias a John Ford que está en los cielos por la tremenda suerte de poder disfrutar, un año más, de una nueva película de Clint Eastwood. Porque el 11 de diciembre en los USA y el 29 de enero en España se estrena “Invictus“, la nueva película del gran Eastwood.

Basada en el libro “El factor humano” de John Carlin y con guión de Anthony Peckham, nos cuenta la historia de Nelson Mandela poco después de la caída del apartheid y de cómo éste intentó conseguir para Sudáfrica la organización del mundial de Rugby de 1995.

Morgan Freeman interpreta a Mandela, un papel para el que parece haber nacido, mientras que Matt Damon interpreta a Francois Pienaar, un importante jugador de rugby.

Salvo sorpresa, esta película obtendrá alguna nominación a los oscars a poco que Eastwood mantenga el nivel medio de los últimos años y la emoción que se intuye en el trailer que dejo bajo estas líneas sea real. Confiemos en el abuelo Clint.

Ver el trailer en TrailerAddict

El problema que tuvo fue que le faltó un director con más garra y que la gente, después de ver “La guerra de las galaxias” no estaba ya dispuesta a creerse los movimientos stop-motion creados por el maestro Harryhausen.

Por ello, esta es una de esas películas que, pese a tener un halo de clásico (de culto dicen ahora), aceptan bien la posibilidad de un remake. Lo malo, a mi parecer, es que Louis Leterrier, el director elegido, no es un tipo que haya demostrado por el momento estar especialmente dotado para la épica. En manos de algún director “de los buenos” estaría mucho más emocionado con este proyecto aunque, por supuesto, seré de los que espere con ganas el estreno de “Clash of the Titans” (aún sin título castellano) que tendrá lugar el 26 de marzo en España.

Leterrier cuenta con actores como Sam Worthington (Perseo, menudo año lleva), Alexa Davalos (Andrómeda), Liam Neeson (Zeus, ¿quién si no?), Ralph Fiennes (Hades), Gemma Arterton (Io), Danny Huston (Poseidón) y Pete Postlethwaite para hacernos olvidar a los Harry Hamlin (Perseo), Judi Bowker (Andrómeda) y Laurence Olivier (Zeus) del original. En mi opinión, el reparto no será un problema.

El teaser es justamente eso, un teaser, que nos deja con ganas de ver más cosas porque este proyecto, bien realizado, podría ser muy muy grande. Pero Leterrier… no sé…

Ver el trailer en TrailerAddict

La canción y el clip pretenden llamar la atención sobre la violencia y los problemas sociales de Brasil, un país con el que me siento musicalmente bastante cercano y que la gente suele relacionar exclusivamente con fútbol y samba.

Ver el clip en YouTube

Bajo estas líneas os dejo la letra de la canción:

Nego! Eu to cansado desta merda / da violência que desmede tudo / da minha liberdade clandestina / de ta no meio desta briga.

Chega! Da sempre esta se apertando / da ignorância insadecida / se esquivando de estatísticas… a minha paz faz tempo ta querendo trégua / a minha paciência se atracou com ela.

Eita! que sangue pinga das noticias / vendidas como coisa bela / a merda já ta no pescoço / e a gente acostumou com ela… nunca se sabe o que vai acontecer, nunca se sabe, pode acontecer.

Nego! A maquina acordou com fome / vem detonando tudo em sua frente / comendo carne, ferro e pano / bebendo sangue e gasolina. A minha paz faz tempo ta querendo tregua / a minha paciência se atracou com ela…

Eita! Senteciado ao absurdo / De merda em merda emergindo / um dia afoga todo mundo / e assim acaba a caganeira.

(vía Cartoon Brew)

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Jake Gyllenhaal sacando pecho

“Prince of Persia: The Sands of Time” tiene todos los ingredientes para convertirse, no sólo en una de las películas más taquilleras de 2010, sino también en una saga que, al estilo de la de “Piratas del Caribe“, nos amenice (o lo intente) los veranos de los próximos años.

Cuenta para ello con la tremenda legión de fans del videojuego en el que se basa, uno de los más míticos, que seguro que estarán dispuestos a pasar por taquilla para comprobar si la adaptación cumple sus expectativas.

También la presencia física de los protagonistas, un Jake Gyllenhaal que además ha demostrado en repetidas ocasiones que sabe actuar y una Gemma Arterton que… que… está muy buena, ayudará a llevar al público a las salas. Para darle cierto aire de seriedad les acompañan en el reparto Ben Kingsley y Alfred Molina.

Dirige todo esto Mike Newell que, tras su experiencia con “Harry Potter y el cáliz de fuego“, parece que le ha cogido el gustillo a las superproducciones. Eso sí, trabajará bajo la atenta mirada de Jerry Bruckheimer, productor de tantos éxitos veraniegos que casi podríamos considerarle el Georgie Dann del cine.

Sobre estas líneas tenéis el primer teaser poster de la película y aquí debajo el trailer en castellano. También tenéis disponible en inglés el trailer A y el trailer B.

Ver el trailer en YouTube

Su estreno está previsto para el 28 de mayor de 2010 en cines USA.

(Fuente: impawards)

Yo no pertenezco ni a un grupo ni a otro y creo que el gran fallo de todos ellos es el de tomarse el cine de Tarantino demasiado en serio. Mi opción personal (y posiblemente intransferible) es considerar cada una de sus películas como una guasa del director.

Hay algunas que le salen bien, como “Kill Bill” y otras que le salen fatal, como “Death Proof” pero en general es un director interesante que se aparta de los trillados caminos del Hollywood actual y que tiene un par de puntos fuertes que lo elevan aún más respecto a la mayoría de sus contemporáneos.

Entre sus grandes cualidades destacaría la de ser un gran creador de momentos. Sus guiones son capaces de crear situaciones de tensión, originales y curiosas que parten, en muchas ocasiones, de momentos aparentemente pueriles o cotidianos (beber un vaso de leche, tomarse unas cervezas en una taberna). El problema es que, bien sea por pura pereza o por incapacidad, no suele hilar demasiado esos momentos y sus películas tienden a dar la sensación de estar hechas por capítulos.

“Malditos Bastardos” no es una excepción y la película se divide en cinco capítulos, unos mejores y otros peores, lo que le da al conjunto un ritmo extraño que hace necesario comentar la cinta capítulo por capítulo.

El primero es en mi opinión el mejor de la película, crea una tensión difícilmente soportable y sirve de presentación al villano de la historia, interpretado de forma memorable por Christoph Waltz, que se convierte en la estrella de la película. Si el resto de la película tuviese esta intensidad estaríamos hablando de la obra maestra de Tarantino pero, aún así, este comienzo es de lo mejor que he visto en cines este año.

El segundo capítulo es más flojo que el anterior y sirve de presentación al grupo de bastardos liderados por un divertido Brad Pitt, pero no ofrece mucho más entre otras cosas porque resulta que, a fin de cuentas, los bastardos no tienen el protagonismo que todos esperábamos. Claro que la cosa empeora en el tercer capítulo que, aunque tiene una fuerte componente de nostalgia cinéfila que me gusta, la historia entre Mélanie Laurent y Daniel Brühl no consigue atrapar al espectador como debería.

Afortunadamente el episodio de la taberna, el cuarto, vuelve a subir el nivel de la cinta y nos presenta otra situación marca de la casa Tarantino, llena de emoción, tensión contenida y un montón de pistolas que no sabemos si se dispararán finalmente o no… pero lo estamos deseando. Una de esas escenas con momentos aparentemente banales dilatados hasta provocar el nerviosismo del espectador y que tan bien sabe resolver Tarantino.

Respecto al quinto episodio no diré demasiado, porque no quiero desvelar nada importante, salvo que comienza con un extrañísimo y molesto momento videoclipero, tiene alguno de los momentos más divertidos de la película y resulta realmente curioso, aún sin llegar al nivel del primero y tercero. Todo un ajuste de cuentas con la historia, por parte del director estadounidense, que me deja con la duda de si de verdad cree que esta es su obra maestra o simplemente se ríe hasta de sí mismo.

Esta extremada segmentación, cada vez más descarada en su cine, nos deja una sensación extraña; una especie de tristeza por lo que pudo haber sido y no fue, unida al innegable placer de haber visto una película muy entretenida, llenísima de refencias cinéfilas (“Centauros del desierto“, “Frenesí“, Sergio Leone o la música de Morricone entre las más evidentes) y con algún momento estupendo que, de haber mantenido el nivel durante todo el film, le hubiesen hecho merecedor de estar en mi lista de lo mejor del año.

Valoración final: 7,5 sobre 10.

CARTA ABIERTA DE DENUNCIA DEL ESTRENO FANTASMA DE “¡SOY UN PELELE!”

Rogamos la difusión pública de esta nota en la que denunciamos cómo el esfuerzo colectivo para realizar una película se ve tristemente frustrado cuando una productora se aprovecha de la posibilidad de obtener ayudas públicas sin tener obligación de estrenar sus películas de la manera adecuada. Éste es el caso de “¡Soy un pelele!”, de Hernán Migoya, que ha sido estrenada silenciando su difusión, sin convocatoria de prensa y sin siquiera disponer del cartel oficial del filme para su exhibición en las salas. La productora del filme, Iris Star, con sus responsables al frente, Pere Domènech y su hijo Jaume Domènech, nunca han mostrado interés en la exhibición apropiada de la película, salvo para obtener subvenciones.

Desde el inicio del proyecto, en el año 2003, éstos son los desmanes cometidos por Iris Star:

1)     Oscurantismo absoluto en torno al presupuesto de la película. Ni siquiera el director supo nunca de qué dinero disponía para realizar el filme.

2)     Se falseó públicamente el número de semanas destinadas al rodaje de “¡Soy un pelele!”. En el dossier de prensa oficial, figuran como 8 semanas las dedicadas a la filmación, cuando en realidad fueron 27 días (menos de 6 semanas), concretamente del 2 de noviembre al 12 de Diciembre de 2006.

3)     Una semana antes de empezar a rodar, pretenden despedir al director, porque les parece excesivo el planning de rodaje. Más tarde averiguaremos que su intención era reducir la filmación a quince días, la mitad de lo requerido.

4)     Interrupción abrupta y sin explicaciones del rodaje, a tres días de concluirse el plan previsto de 6 semanas.

5)     Retención por parte de la productora del material rodado a lo largo de un año entero, sin posibilidad de acceso a él para su visionado y montaje.

6)     Transcurrido más de un año, el montaje ya realizado demuestra que, efectivamente, se necesita rodar el material extra que la productora se negó a filmar en su momento, para la completa comprensión del guión. Se reúne de nuevo a todo el equipo, más de doce meses después, para un solo día de rodaje concedido. Iris Star deja a deber el sueldo de casi todo el personal movilizado -incluyendo la remuneración por la banda sonora a los músicos y al compositor principal, Refree, que ha trabajado sin contrato hasta hace escasos días-, y sólo accede a empezar a pagarlo cuando se le echa encima el límite de fecha de estreno, impuesto por los organismos públicos.

7)     Seleccionada en la Sección Oficial No competitiva del Festival Internacional de Cinema de Catalunya SITGES 2008, los responsables de Iris Star no hacen acto de presencia en la rueda de prensa del filme, temerosos de que algún periodista saque a colación el hecho de que la película ha sido rodada enteramente en lengua castellana. Se le solicita al director por parte de los responsables de la productora que, de ser requerido sobre el tema, afirme una falsedad: que la película sí está rodada en catalán, pero extremadamente bien doblada al castellano. Todo lo cual induce a sospechar que se esconden intereses ocultos referentes a ayudas económicas de la Generalitat de Catalunya, destinadas a proyectos rodados en lengua catalana.

8)     Un año después de su exhibición en el Festival de Sitges, Iris Star no tiene más remedio que estrenar la película, presuntamente para cobrar otra subvención que así lo estipula. Debido a la presión del propio director, la productora se ve obligada a salir con varias copias, siete en total -trece menos de las acordadas inicialmente-, pero sin duda más de las que la empresa hubiera deseado.

9)      Iris Star, en todo momento, evita implicarse en promocionar el estreno:

-A día de hoy, todavía no se ha difundido el tráiler de la película, montado por el propio director para su difusión por televisiones y cines, igual que tampoco se difundió a los medios correspondientes, meses atrás, el videoclip del tema principal de la película, compuesto por Refree e interpretado por los Hermanos Calatrava.

-El estreno no se confirma a la propia jefa de prensa hasta dos semanas antes de la fecha escogida, impidiendo una labor adecuada de promoción, hasta el punto de motivar la dimisión de esta profesional.

-La rueda de prensa, prevista para el día jueves 22 de Octubre de 2009, se llevó a cabo en el Cine Palafox de Madrid sin haberse realizado absolutamente ningún comunicado oficial previo ni nota de prensa a los medios, debido a lo cual únicamente asistieron dos periodistas, gracias a que habían sido avisados por el propio director. La prensa, sencillamente, no fue convocada por Iris Star.

-A la rueda de prensa tampoco pudo acudir el protagonista masculino de la película, Roberto Sanmartín, debido a la incompetencia a la hora de reservarle un vuelo desde las Islas Canarias, dado que se facturó el billete a su nombre artístico.

10) Tan poco interés ha manifestado la productora en la difusión del estreno de la película, que ni siquiera dispone de las copias del cartel original de la misma para suministrarlas a las salas de exhibición. Red Pixel, el estudio de diseño original del cartel -ya utilizado en el preestreno en Sitges-, se negó a facilitar de nuevo los archivos para la impresión del mismo ya que Iris Star no ha efectuado el pago del trabajo realizado –motivo por el cual ha sido realizada la correspondiente demanda judicial-, por lo que la productora improvisó por su cuenta y riesgo la recreación de un cartel imitativo, utilizando sin permiso de su autor las mismas fotografías en baja resolución. El resultado es tan grotesco que incluso han olvidado incluir en el cartel “recreado” el nombre de la protagonista femenina, la actriz Rosa Boladeras.

No existe mayor frustración para un equipo de artistas que el hecho de que el fruto de su trabajo ¡de seis años! sea maltratado y silenciado de tal manera, en aras de la especulación económica.

Toda obra artística financiada con ayudas públicas debe tener la oportunidad de ser accesible al público. Todos los ciudadanos deben tener la posibilidad de conocer y, si lo desean, acceder a aquellas obras que se han co-financiado con sus impuestos: en este caso, se ha impedido cualquier posibilidad de que el público tenga conocimiento de su existencia para decidir si desea acudir al cine o no.

¿Tiene derecho una productora que recibe dinero de las administraciones públicas a realizar estrenos fantasmas, falseando presuntamente el idioma de filmación original, reduciendo al máximo las partidas destinadas a rodaje, tiradas de copias y difusión, e impidiendo que el público pueda acceder a la obra realizada con ese dinero?

Creemos que es una vergüenza que, mientras la inmensa mayoría de las productoras de nuestro país luchan para mejorar la calidad y difusión de nuestro cine, exista aún una productora subvencionada a la que le conviene económicamente no estrenar como es debido sus películas, dando la espalda olímpicamente a los posibles ingresos de taquilla y obteniendo beneficios con la mera especulación de las ayudas obtenidas desde las administraciones públicas.

¿Por qué Iris Star ha cambiado de nombre como empresa (ahora es Stardis) y de sede social? ¿Tal vez pretende burlar el rastro de sus acreedores y así seguir solicitando nuevas subvenciones para nuevos proyectos que tampoco llegarán a conocimiento del público?

Obviamente, los abajo firmantes no estamos cuestionando la política de subvenciones públicas ni la profesionalidad de nuestro gremio, solamente la existencia de un caso absolutamente aberrante, que por su desfachatez avergüenza al resto del sector audiovisual.

Por todo ello, solicitamos que los medios de comunicación investiguen a fondo y denuncien llegado el caso, y que los organismos públicos garanticen la transparencia en la concesión de subvenciones para asegurar la sana administración de las ayudas otorgadas, y para que no se repita la existencia de empresas parasitarias en nuestra industria.

A 26 DE OCTUBRE DE 2009, FIRMAN ESTA DECLARACIÓN:

Hernán Migoya (34745525-T), director de ¡Soy un pelele!

Roberto San Martín (X6522074-X), actor de ¡Soy un pelele!

Rosa Boladeras (45470502-P), actriz de ¡Soy un pelele!

Francisco Calatrava (García Lozano, 36460488Z), actor de ¡Soy un pelele!

Jordi Ordóñez Medina (34737248-A), actor de ¡Soy un pelele!

Francesc Prat Dutren (38146561-A), ayudante de dirección de ¡Soy un pelele!

Bernat Bosch (43727222-J), director de fotografía de ¡Soy un pelele!

Nina Caussa (46750799-X),  ayudante de producción de ¡Soy un pelele!

Anna Pons García (38145763-X), figurinista de ¡Soy un pelele!

Làia Serra Ros (47713814-S), Dpto. de Arte de ¡Soy un pelele!

Pepe Cáceres (52160880-P), técnico de sonido de ¡Soy un pelele!

Fric López Verdeguer (46141614-A), key grip de ¡Soy un pelele!

Juan Andrés Pegoraro (X 2047950-F), foto fija de ¡Soy un pelele!

Anna Solanas Santacana (46360102-Z), sonorista de ¡Soy un pelele!

Luis Roldán (46053370-X),  diseñador cartel de ¡Soy un pelele!

Y por si alguien es de la opinión de que hay películas cuyo derecho a la exhibición no merece ser defendido, incluimos una crítica de Fausto Fernández, crítico y especialista de la revista Fotogramas; crítica que no será nunca publicada, pues Iris Star no avisó a tiempo del estreno de ¡Soy un pelele! Fausto Fernández ha tenido la gentileza de enviarnos el texto y permitirnos su difusión pública.

¡Soy un pelele! ***** por Fausto Fernández

Yerma pradera pecadora de amnésicos sin talento, la producción cinematográfica nacional sigue empeñada en relegar al olvido a quienes osan cabalgar(la) a contracorriente…del stablishment avinagrado, que no del público, ese forastero siempre ignorado, Hernán Migoya, forastero en tierra extraña (y enemiga) habla en su estupenda puesta de largo en el ídem de lo que los castrantes convencionalismos hacen a nuestro cine y a nuestras vidas: nos reprimen.

Olvidar para vivir, así sucede en estas ricas peripecias de un director sin identidad y una guionista enamorada reescribiendo ese amor a golpe de revisión, ácrata y juerguista, de géneros. Encuentro en París, esa capital metacomedia de Richard Quine, se erige en el eje del film, aunque no en el único: en esta vitalista, cínica, divertida y emocionante coda romántica al ozorismo o a Russ Meyer (convierte a los nudies sesenteros en versos hipnóticos que rimarían con Alain Resnais o Marguerite Duras), el Pierrot el loco de Godard se da la mano (o le mete mano) a Billy Wilder o a Howard Hawks (Su juego favorito pasada por el universo farrellyano).

Generosamente, ¿suicidamente?, el francotirador padre de Kung-Fu Kiyo o DNI reúne en su película las señas de identidad de la comedia de enredos sexuales-sentimentales para que el público se tronche. Es verdad que ya muchos no están para simplemente reír sin coartadas intelectualoides, y que ¡Soy un pelele!, en términos billywilderianos, estaría más cerca de la odiada Bésame, tonto que de Con faldas y a lo loco, pero incluso ahí resalta el estilo y el compromiso del autor.

Dirigida con rabiosa e inocente libertad, con una asombrosa elegancia (o procacidad) y con una magia especial en el trato con los actores (si hubiera justicia el gran Calatrava se llevaría un Goya), ¡Soy un pelele! es una pequeña gran maravilla, un puñetero regalo para amantes del cine que está, sí, puñeteramente vivo. Un canto de cachondo amor libertario que no nos gustaría olvidar jamás. Para quienes odien ser peleles del mainstream.

Lo mejor: está escrita, dirigida e interpretada desde el corazón, y la entrepierna.

Lo peor: su pésimo estreno comercial.

Ver el trailer en TrailerAddict

“La Victoria de Úrsula” está dirigido por Nacho Ruipérez y Julio Martí. Su estreno está previsto para el próximo mes de abril en la 23 Semana del Cine de Medina del Campo.

La Victoria de Úrsula – Teaser 2009 from Dark Factory PC on Vimeo.

Ya os dije que tenía pensado hacer algo para celebrar el International Animation Day y he pensado que nada mejor que publicando un cortometraje que tengo en la recámara desde hace tiempo.

Se trata de “Outzide“, un cortometraje de Spintoon Animation Studio, escrito y realizado por José Luis Ocaña que ya ha sido visto en multitud de festivales en todo el mundo. Y cuando digo multitud, digo multitud. Ojo a la lista que aparece al inicio del corto, aunque en la actualidad dicha lista ya ha crecido.

En mi opinión el corto tiene un ligero problema de ritmo, especialmente al principio, pero está bastante bien y tiene algunos puntos fuertes como, por ejemplo, el diseño de los personajes. Me gustan especialmente todos los del circo, aunque aquí ya hablo desde un punto de vista muy personal (no puede ser de otra forma) ya que el circense siempre me ha parecido un tema muy interesante y muy cinematográfico.

Pero más allá de sus virtudes y defectos, estoy seguro de que ellos son sus más severos críticos, me gustaría resaltar que el corto ha sido realizado por un equipo muy reducido de personas que demuestran de lo que se es capaz cuando uno cree en lo que hace.

Entre ese reducido grupo de valientes que aparecen en los créditos del corto están Félix Gil Cantera, Luis Acedo Portales, Quino García Bonet y Pablo Hernández Melendez. La música es de Arnau Bataller.

La producción ejecutiva corre a cargo de Teresa Álvarez, con quien he tenido el placer de poder hablar en alguna ocasión y tengo que decir que da gusto encontrarse gente tan maja luchando por sus sueños. En España nos sobra talento, amigos míos. Lo que nos falta es dinero.

Desde aquí tan sólo me queda desearles toda la suerte del mundo a Spintoon Animation Studio y dejaros con su cortometraje “Outzide” y con uno de los pósters publicitarios de dicho corto (muy chulo por cierto). Estoy seguro de que esta no será la última vez que hable de ellos aquí.

Ver el cortometraje en YouTube

Aunque en principio el estreno estaba previsto para noviembre, de hecho en un post anterior remarqué el hecho de que se estrenase en España antes que en los USA, parece ser que el estreno ahora está previsto para el 5 de febrero de 2010.

Estrenándose en España más de dos meses después de su estreno en USA y coincidiendo además con su campaña para los Oscars, espero que nadie se extrañe de que haya screeners circulando por ahí…

Aquí tenéis el resto de mi lista:

6.- “Wise up” de “Magnolia” (1999): Aimee Mann se ganó un lugar eterno en mi memoria con sus canciones para la obra maestra de Paul Thomas Anderson. El momento cumbre de la banda sonora es esta canción, que sacan adelante los miembros del reparto. Vista dentro de la película, es un momento sencillamente impresionante.

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7.- “Puttin’ on the Ritz” de “El jovencito Frankenstein” (Young Frankenstein, 1974): he visto esta película unas cuantas veces y me sigue haciendo la misma gracia de siempre. Uno de los números musicales más desternillantes de la historia del cine, interpretado por Gene Wilder y Peter Boyle, que dan lo mejor de sí mismos en esta canción de Irving Berlin.

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8.- “Can You Read My Mind” de “Superman” (1978): La música es de John Williams (Jimmy Cobb según la Wikipedia) y la letra de Leslie Bricusse. Existe una versión cantada por Maureen McGovern que me parece una horterada de campeonato. Pero la que siempre será, para mí, la versión por excelencia es esta versión recitada de Margot Kidder que es uno de los momentos más recordados de esta estupenda película. Sé que al estar recitada estoy retorciendo ligeramente las condiciones del meme pero, a fin de cuentas, ¿esperábais otra cosa de un tipo como yo?

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9.- “Sway” de “Dark City” (1998): Supuso un cierto regreso a la popularidad de Jennifer Connelly, una debilidad mía desde los tiempos de “Érase una vez en América“. Esta canción, pese a que en la película solo dura 40 segundos, es de lo más recordado del peliculón de Alex Proyas. La voz es de Anita Kelsey y la canción es la versión inglesa (escrita por Norman Gimbel) del famoso mambo “¿Quién será?” de Pablo Beltrán Ruiz. El video está en alta definición y eso mola: ojalá todos se viesen así.

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10.- “Leaning on the Everlasting Arms” de “La noche del cazador” (1955): Una de las mejores definiciones de lo que es una obra maestra. Charles Laughton firmó su primera y última película dejándonos para la posteridad una obra tan genial que es imposible no descubrir algo nuevo en ella cada vez que la ves. Uno de los grandes momentos del film es éste en el que vemos a Robert Mitchum y Lillian Gish cantando “a cappella” este himno religioso escrito por Anthony Johnson Showalter.

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Y eso es todo amigos. Espero que os haya gustado mi selección y que , por supuesto, propongáis vuestras favoritas en los comentarios. Estoy deseando leer vuestras elegidas.

Regla 1.- La película no puede pertenecer al género musical

Regla 2.- La canción tiene que ser cantada, bailada o escuchada por algún actor durante alguna escena de la película. La presencia de la canción en la escena tiene que ser significativa.

Regla 3.- La canción tiene que haber sido compuesta para la película o  que con el tiempo se hayan identificado con ella de tal manera que en el subconsciente colectivo hayan quedado ligadas forever.

He intentado ser medianamente original con el afán de conseguir sorprender un poco incluso a aquellos que ya me conocen. La cosa no estaba fácil pero al poner el cerebro a trabajar y con un poquito de ayuda de la sin par Anita Loos acabé con una lista de casi 20 de las que he tenido que eliminar, muy a mi pesar, algunas. Por ejemplo, el inmneso “Moonriver” que canta Audrey Hepburn en “Desayuno con diamantes”, porque ya la había incluído Mr. Lombreeze en su lista o el “What a Wonderful World This Would Be” que se marca Harrison Ford en “Único testigo” o el mítico “As Time Goes by” de “Casablanca” o…

Tras este rollo patatero (potatoe-roll) aquí va mi lista:

1.- “The Banana Boat Song (Day-O)” de “‘Beetle Juice” (1988): interpretada por Harry Belafonte. Esta película supuso todo un descubrimiento para mí por varios motivos. Primero por mi identificación personal con el personaje que da título a la película y segundo por el platónico enamoramiento que sufrí al conocer a Winona Ryder. Inolvidable.

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2.- “Makin’ Whoopee” de “Los fabulosos Baker Boys” (The Fabulous Baker Boys, 1989):  Pocas veces ha resultado Michelle Pfeiffer tan sensual como en esta versión del mítico “Making’ Whoopee” con el gran Jeff Bridges al piano. Una película estupenda que conviene recordar.

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3.- “Sweet Caroline” de “Beautiful Girls” (1996). El ya fallecido Ted Demme dirigió aquí una de esas películas que marcan a una generación. En este número musical toca el piano Timothy Hutton y cantan todos como pueden. Un momento mágico en una película llena de momentos mágicos. Hay tantas cosas inolvidables para mí en esta película que casi me sonroja destacar esta canción sin mencionar a Natalie Portman, ausente en esta escena pero vital en la película.

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4.- “I say a little prayer for you” de “La boda de mi mejor amigo” (1997): la comedia es uno de los géneros más difíciles y la comedia romántica nos ha dado muchos ejemplos de cómo no hacer una película en los últimos años. Afortunadamente en este caso P.J. Hogan dio con la receta y nos ofreció una cinta que, sin llegar a la genialidad, puedo calificar de buena sin ruborizarme. Este momento es el más recordado de una película en la que brillaba con luz propia un Rupert Everett que derrochaba carisma en cada plano.

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5.- “Anything goes” de “Indiana Jones y el templo maldito” (1983): el gran momento en la carrera de Kate Capshaw fue sin lugar a dudas esta película en la que, además de chillar, demostró que podía cantar, aceptablemente bien y en chino, esta versión del tema del irrepetible Cole Porter. Si alguien creía que no sería capaz de encontrar una excusa para incluír en esta lista una película de Spielberg, estaba muy  equivocado.

Ver el video en YouTube

A estas alturas tengo a más de uno petrificado ante la mayoría de cine moderno que aparece en mi lista. No es esta la última sorpresa ya que para el siguiente post os prometo alguna más…

A estas alturas ya no resulta una sorpresa para nadie que diga que una de las películas más esperadas de 2010 será la que estrene Pixar. ¿Y cual será esta vez? Pues ni más ni menos que “Toy Story 3” que es, como cualquiera que no viva en otro planeta y consuma muchas drogas supondrá, la tercera aventura de la saga que comenzó, hace ya 14 años con “Toy Story“.

¡Qué tiempos! En cierto sentido parece que fue ayer cuando fui a los cines Area Central de Santiago a ver la cinta que estaba revolucionando el cine. John Lasseter hacía historia con aquella película, la primera obra maestra de la compañía. Como sabéis no sería la última.

Pero ya estoy divagando (una de mis aficiones favoritas). El caso es que el 18 de junio se estrenará en los cines USA esta tercera entrega de la que no se ha sabido mucho hasta hace poco salvo que cuenta con las voces de Tom Hanks, Tim Allen y Michael Keaton entre otros.

Conociendo a Pixar tengo claro que habrá sorpresas y que las irán desvelando poco a poco en los siguientes meses. Por ahora nos conformamos con esta colección de pósters (arriba dejo uno de ellos y bajo el trailer podéis ver los demás) que me parecen simplemente deliciosos y que he visto en impawards.

¿Y el trailer? Pues una gozada que me ha hecho reir unas cuantas veces. Espero que os guste.

Ver el trailer en la web de Yahoo

La vida después de la muerte vista por Jackson, basado en la novela de Alice Sebold, se estrena el 29 de enero en España y bien podría ser una de las películas de los oscars del año que viene.

(vía impawards)

Ahora os traigo “Electric car”, un videoclip de dicho grupo que ha sido dirigido por Max Porter y Ru Kuwahata de Tiny Inventions. El clip puede encontrarse en el DVD del grupo, Here Comes Science.

Espero que os guste tanto como me ha gustado a mí. El video tarda un poquito en cargarse pero creo que vale la pena.

Ver el video en YouTube

Neill Blomkamp era un reputado director publicitario cuando dirigió, hace unos años, el cortometraje “Alive in Joburg” en el que contaba cómo unos seres extraterrestres llegaban a nuestro planeta y se veían discriminados del resto de la población.

Dicho cortometraje debió ser suficiente para que Peter Jackson considerase a Blomkamp merecedor de dirigir la adaptación cinematográfica del videojuego “Halo”. Finalmente la película no se llevó a cabo, al menos por ahora, y Blomkamp se puso a desarrollar su exitoso corto con la idea de estirarlo hasta hacer un largometraje.

Esta breve introducción es todo lo que voy a desvelar sobre la historia que cuenta la película. Porque este es uno de esos casos en los que es mucho mejor no tener ni idea de lo que va a suceder en la pantalla. Yo, pese a que estoy bastante pendiende de la actualidad cinematográfica, intenté llegar “virgen” al visionado de la película y estoy muy contento de haberlo hecho así porque esto me permitió ser constantemente sorprendido por el camino que toma la historia.

La cinta, como el cortometraje en el que se basa, mezcla imágenes provenientes de diferentes fuentes. Algunas pertenecen a un documental de televisión, otras son cámaras de seguridad y otras son puramente cinematográficas. Esto, que podría parecer confuso o generar problemas de ritmo, resulta ser un éxito total y, de hecho, provoca en el espectador un estado constante de alerta, acrecentado por el hecho de que uno no sabe, casi en ningún momento, por donde van a ir los tiros en la película. Y tiros hay unos cuantos…

Cuando crees saberlo, el director consigue despistarte de alguna forma, creando una de las películas más rompedoras del año, con momentos auténticamente poéticos y buenas actuaciones. A destacar el genial Sharlto Copley que compone un personaje memorable. Blomkamp no regala, además, una de las mejores cintas de acción vistas últimamente.

A propósito de lo original que es la película, me destacaba Ferre hace poco (con el tino que en él es habitual) lo inusual que es ver que la acción de una cinta de este tipo transcurre, casi en todo momento, a la luz del día. La noche y las sombras suelen usarse, en demasiadas ocasiones, para ocultar defectos de la realización o para facilitar el trabajo del equipo de efectos especiales. Incluso en esto, la película se aparta de los caminos más trillados.

Por supuesto, también se puede ver la cinta como una despiadada versión del tema del apartheid. Esto no debería resultar tan sorprendente, ya que la ciencia-ficción tiene una muy enraizada tradición de crítica social que aquí, por momentos, alcanza cotas durísimas. Difícil olvidarse del momento “palomitas de maíz”, por poner un ejemplo.

Quizás solo algún pequeño defectillo de ritmo la salve de ser perfecta pero, si todavía no la habéis visto, deberíais hacerlo este mismo fin de semana porque será, sin lugar a dudas, de lo más recordado del cine de 2009.

Valoración final: 9 sobre 10

A galiña vella fai o bon caldo.
(Figuradamente, se aplica a las personas, que, al crecer en edad, aumentan en reflexión y pueden dar consejos más maduros).

Visto en el Refraneiro galego e outros materiais de tradición oral de Francisco Vázquez Saco; preparación de la edición Josefa Beloso Gómez [et al.].

Michael Mann es un director que, francamente, me gusta mucho. Para colmo, es de los pocos que sabe hacer cintas de acción y hacerlo bien, dotándolas de ritmo, fuerza y sin que uno pierda la noción de lo que está pasando en pantalla cada vez que hay una ensalada de tiros.

Lo que pasa es que es un director que no siempre se pone a dirigir respaldado por el mejor de los guiones. Sirva como ejemplo su anterior película “Corrupción en Miami” que,  siendo una buena película, no es lo que hubiese podido ser por culpa de un guión que, entre otros defectos, ni siquiera tenía final. No es de extrañar que sus tres mejores películas (“Heat”, “El dilema” y “Collateral“) sean también las que tienen los mejores guiones.

Por eso, en esta ocasión se queda lejos de los logros obtenidos en cualquiera de esas tres ocasiones. “Enemigos públicos” es bastante entretenida, cuenta con buenas interpretaciones y está bastante por encima de la media, sin duda. Pero tiene algunos defectos que, en mi opinión, deberían haber pulido y que se podrían haber evitado pensando menos en los tiroteos y más en la historia.

Pienso, por ejemplo, que el guión adolece de un tratamiento más profundo de Melvin Purbis, personaje interpretado por Christian Bale, porque en un enfrentamiento entre personajes como el que nos ofrece la película, hay que tener mucho cuidado de no romper, en exceso, el equilibrio entre ellos. El personaje de Bale es un mero comparsa del de Dillinger, interpretado por Johnny Depp. Vale que el protagonista es Depp, pero de todos es sabida la enorme importancia que tiene la presencia de un buen antagonista para darle fuerza al film.

Hay algún detalle más que no me convence pero tampoco quiero alargarme demasiado hablando de lo negativo porque, en este caso, prefiero quedarme con lo positivo: se trata de una buena película, de esas que “hay que ir a ver” porque no hay muchas al año tan bien realizadas y que demuestra que Michael Mann es, hoy por hoy, uno de los valores seguros de Hollywood.

Valoración final: 7,5 sobre 10.

Podéis verlas en grande, haciendo clic sobre ellas. Si estáis muy interesados, las podéis ver en alta resolución en la web de spoilertv. Si después de verlas a toda pantalla aún sois de los que piensan que no son lo suficientemente realistas, no sé qué puede hacer Cameron para dejaros contentos.

Podéis ver las demás bajo estas líneas.

En dicho artículo, el autor se despacha a gusto con el mundo del cómic y de la animación, mostrando un absoluto desprecio hacia ambas formas de expresión artística, así como una alarmante ignorancia sobre el tema. Aunque he escuchado opiniones similares con anterioridad, es la primera vez que se las escucho a alguien que se supone un prestigioso “intelectual”.

No es que yo le haga mucho caso a las columnas de opinión de los diferentes medios de comunicación pero creo que, en este caso, se merece la contundente respuesta que le han dedicado algunos medios como La cárcel de papel (al que alude directamente en el artículo), Zona Fandom o el propio Ferre en Retroklang.

Entre las brillantes aportaciones del señor Molina Foix se incluye la calificación de “dibujante de monigotes” a los dibujantes de cómic (de los guionistas se olvida directamente y no parece ni saber de su existencia) y su indignación ante la creación, por parte del Ministerio de Cultura del premio Nacional de Cómic.

Tras esos comentarios, continúa el director de “Sagitario” diciendo lo siguiente:

No tengo nada en contra de los tebeos, que leí de niño con el placer  primario y el escaso aprovechamiento que dan estas cosas; también jugué con gran fervor al parchís y al palé, y no por ello estoy dispuesto a sumarme a una iniciativa que pretendiera elevar los juegos de mesa a la altura de las obras imperecederas del arte.

Por supuesto intenta con estas palabras mostrar que los tebeos son algo para niños y nada más. ¿Ofrece algún razonamiento? Claro que no. La única intención del artículo es descalificar a todo un arte, ni más ni menos. ¿Conoce el autor obras como “Maus“, ganadora del premio Pulitzer en el año 92? Lo dudo y, lo que es peor, dudo que le interese.

Pero la cosa sigue:

La equiparación de Mortadelo & Filemón y el manga con Thomas Mann o Buñuel me parece una perversión muy propia de la dominante quiebra de categorías estéticas.

Aquí la cosa ya adquiere un toque maligno. No puedo creer que alguien del prestigio intelectual de Vicente Molina Foix cometa el patético error de comparar una obra concreta y un estilo concreto con dos autores y hacerlo, además, de forma tan torticera.

Dicho esto, tengo que salir a defender a “Mortadelo y Filemón” que son dos personajes, creo yo, cuya memoria durará mucho más que ninguno de los creados nunca por el señor Molina Foix. Claro que… ¿será ese el problema? ¿algún premio al cómic habrá herido el orgullo de este escritor? ¿le habrán negado alguna subvención en favor de un “dibujante de monigotes”?

Atentos a esta frase porque la considero ya una ofensa a mi inteligencia y a mi pasión cinéfila.

Que tanta gente y tantos críticos serios digan que una chorrada de plastilina como Up es una obra maestra del séptimo arte me produce vergüenza.

Lo que debería darle vergüenza al amigo Foix es su frase. Me quedo con la duda de si cree que la película (que dudo mucho que haya visto) está hecha con plastilina o si, simplemente, cree que mencionando dicho material rebaja la calidad de la obra.

En cambio, si la ha visto y no es capaz de ver sus méritos artísticos, simplemente por ser de dibujos animados, debería visitar un psicólogo. ¿Sería peor película “Ciudadano Kane” si hubiese sido hecha mediante esa técnica? ¿qué es lo que hace que una escena emocionante deje de serlo por el hecho de ser dibujada y no rodada en un estudio?

En medio de tanto despropósito, el ya ex-amigo Vicente Molina Foix hace un inciso y salva de la quema a algunos artistas concretos:

Las viñetas satíricas y la caricatura política tienen, por supuesto, una tradición y una dimensión muy distinta[...]

¿Una caricatura política sí es arte? ¿Otorga el tema político calidad artística por sí mismo? ¿Y si en lugar de una viñeta tenemos 200, ordenadas de forma que cuentan una historia deja de ser arte? ¿Será que Foix tiene algún amigo que se dedica a la caricatura política y no ha querido ofenderle?

En el párrafo final vuelve a coronarse, cerrando de esta forma un discurso lleno de incoherencias y que rebosa mala leche e ignorancia por todas partes.

[...]mientras que el tebeo, en sus distintas encarnaciones, cómicas, eróticas o fantásticas, nunca deja de ser un entretenimiento no sé si para menores, pero desde luego muy menor.

Así da gusto. Termina su artículo, en el que ha intentado vapulear a todo un arte, sin ofrecer el más mínimo argumento que apoye su opinión. Creo que con ello se ha quedado en evidencia él mismo y que tanta réplica por mi parte era innecesaria pero, espero que lo entiendan, no he podido evitarlo.

Esto no es sino el comienzo de una guerra que no ha visto todavía su última batalla. En su blog personal, Vicente Molina Foix avisa que va a responder a los que le han atacado y pide tiempo para escribir su respuesta.

Yo le aconsejaría, para evitarle un nuevo ridículo, que aprovechase ese tiempo para leer “Contrato con Dios“, “Maus“, “Watchmen“, “La balada del mar salado” o “La muerte del Capitán Marvel” (por poner unos pocos ejemplos).  De esta forma, la próxima vez hablaría con un ligerísimo conocimiento del tema.

Si alguien está interesado puede leer el artículo completo de Vicente Molina Foix en este enlace.