Movie's Home

Nuovo progetto!

noreply@blogger.com (domenico) — Wed, 15 Apr 2015 16:52:00 +0000

Non so se qualcuno passi ancora di qui; nel dubbio, ora come ora, potete trovarmi qui.

noreply@blogger.com (Edoardo Errico) — Sat, 19 Jan 2013 08:19:00 +0000

The Hurt Locker

"Il patriottismo è l'ultimo rifugio delle canaglie"

Carnage

noreply@blogger.com (domenico) — Tue, 20 Sep 2011 10:10:00 +0000

di Roman Polanski [*** 1/2]

Carnage è un film fatto di disvelamenti innescati con un perfetto meccanismo a orologeria, dove l'innesco è forzato dalla reclusione dei quattro personaggi in una trappola spaziale (le mura). Incastonati sapientemente in inquadrature chiastiche a seconda delle ricombinazioni che il conflitto presenta (le "alleanze" vengono riscritte nell'arco del film), le due coppie borghesi distruggono progressivamente la loro messa in scena (il tatto, la cortesia sovra-esposta, le convenzioni) e annegano nel whisky le proprie maschere, esponendosi (ed esponendoci) all'isteria da repressione dei propri istinti che - lentamente ma ferocemente - implode. Insomma il borghese in Carnage è personaggio colmo di ferocia latente che fa di tutto per darsi un contegno, il suo rinnegare la violenza non è che un meccanismo di facciata, di conformazione, che porta inesorabilmente al micidiale conflitto fra interno ed esterno. Proprio quando l'interiorità si manifesta con essa viene a galla la violenza borghese, aggressione fonica e oggettuale (proprio le aggressioni agli oggetti altrui sono cruciali, giacché questi oggetti rappresentano intimamente per sineddoche o i personaggi - vedi il cellulare - o alcune tipiche costruzioni di messa in scena - vedi i tulipani; ed è qui che tutta l'ipocrisia borghese salta all'occhio, quel "vorrei alzarti le mani ma le regole del gioco non me lo permettono", specie dopo che la regola principale del gioco - la condanna morale della violenza - era stata istituita dai personaggi all'inizio del loro incontro) infantile quanto l'oggetto (principale, o almeno originario) del contendere. Le prediche non sono altro che lavatrici di coscienza.

Strepitoso film di guerra sotto le superfici questo di Polanski, agitato da una tensione crescente e palpabile (fino all'anticlimax del superbo finale). Il quartetto di attori è - essenzialmente - spaziale.

L'ultimo terrestre

noreply@blogger.com (domenico) — Thu, 15 Sep 2011 09:21:00 +0000

di Gipi [**]

La prima fatica cinematografica di Gipi avrebbe forse necessitato di una struttura solida sulla quale poggiare l'obliquità, invece pare spesso un susseguirsi di idee - talvolta davvero ottime (la prostituta con le tariffe diversificate a seconda della professione del cliente) - che si accontentano di farsi additare come "strane" e "diverse" senza che questa stranezza però interagisca davvero con la nostra (presunta e così-definita) normalità, le risponda, vi instauri un dialogo. Operazione - per esempio - riuscita alla perfezione nell'ottimo long take d'apertura dove, tramite conversazione radiofonica, un dirigente del Cesena si lamenta dell'imminente invasione aliena perché penalizzerà le piccole squadre che non potranno permettersi di comprare questi alieni - presumibilmente molto costosi - sul mercato; quasi una "maccheroni" War of the Worlds.

Difficile però non voler bene a questo film, anomalo nel panorama nostrano, sperando che da questa strada - magari con più coraggio nell'affondare il coltello nelle meccaniche popolari - si possa sviluppare in futuro qualcosa di davvero disarcionante.

Terraferma

noreply@blogger.com (domenico) — Thu, 15 Sep 2011 08:02:00 +0000

di Emanuele Crialese [* 1/2]

Il film inizia come meglio non potrebbe, con quei passaggi della "Santuzza" sopra ai relitti, segni di un imminente contatto/scontro davvero di una forza penetrante. Purtroppo poi il film abbandona questa strada allusiva per percorrere un binario monodirezionale che asfissia i personaggi e li priva di respiro, non ci concede più alcun dubbio sui loro gesti, sulle loro parole, su quali possano essere le motivazioni profonde che li animano (esemplare sotto questo punto di vista la scena in cui i finanzieri requisiscono la barca: Crialese non si prende cura dei personaggi, i finanzieri sono esecutori monodimensionali). Ciò che manca a terraferma è lo spessore umano, un deragliamento repentino, la flessibilità, l'abbandono della didascalia (ho fatto davvero fatica a trovare un briciolo di umanità nella scena in cui i corpi approdano sulla spiaggia). Di contro Crialese si dimostra un cineasta sempre in sintonia con gli elementi naturali (specialmente con l'acqua, bellissime - come sempre - le "immersioni"), ma questo non basta, non può bastare.

Super 8

noreply@blogger.com (domenico) — Wed, 14 Sep 2011 12:26:00 +0000

di J.J. Abrams [***]

Ci sono due film in Super 8 di J.J. Abrams che finiscono col sovrapporsi e collimare nelle intenzioni: il film amatoriale dei ragazzini e - ovviamente - tutta la struttura che lo contiene. Come Abrams i ragazzini girano, coi propri mezzi (e ovviamente quelli di J.J. Abrams sono ampiamente maggiori, ma più dei mezzi qui conta l'affetto), il film che ri-produce i propri film del cuore. Super 8 si propone quindi come ritorno al passato, rievocazione dall'occhio nostalgico di un narrare ingenuo (viene da chiedersi se l'esposizione dell'ingenuità possa considerarsi altrettanto ingenua, come operazione), quasi un racconto-culla dentro il quale dondolare lo spettatore, una fiaba audiovisiva dal cuore spielberghiano. Un cinema, questo, che cerca di inabissare gli occhi in una sorta di sospensione magica, e anche se non ci riesce pienamente il tentativo è di quelli che commuovono.

Bellamy

noreply@blogger.com (domenico) — Tue, 21 Dec 2010 14:11:00 +0000

di Claude Chabrol [***]

Bellamy è la storia di un investigatore al suo tramonto ed anche la storia del tramontare dell'investigazione come ricerca della verità; non c'è ricostruzione del fatto o svelamento del mistero ma una disseminazione di dubbi, un accumularsi di punti di vista sovrapposti/contrapposti, storie menzognere o comunque non verificabili. Chabrol costruisce quest'ultima storia decostruendo Paul Bellamy, commissario che cerca dentro di sé nella sua investigazione "a titolo privato" (che non ha alcuno scopo dimostrativo o performativo), portando a galla ciò che è dietro l'apparenza (il suo apparire gonfio di felicità e fortuna aprioristica). Ed è proprio il privato di Paul Bellamy il motore del film, il rapporto turbolento con suo fratello, apparente antitesi di Paul e mimesi della sua fragilità (che il commissario riesce a celare, ma è una maschera che crolla dal suo volto mentre si denuda davanti allo spettatore in una dolente confessione alla moglie). Non è importante mettere a fuoco il dato di fatto o ciò che appare, perché c'è sempre dell'altro (più o meno sotterraneamente): è importante non smettere di cercare quell'altro.

The limits of control

noreply@blogger.com (domenico) — Fri, 10 Dec 2010 11:20:00 +0000

di Jim Jarmusch [****]

"I used my imagination"

The limits of control è un universo filmico dominato da un'armonia sregolata, dove l'effetto non ha necessità di causa né tantomeno la mostra prima, semplicemente, di verificarsi; è la pura devastazione di ogni forma di determinismo. Un cinema del viaggio, dove il moto è riproposizione insistente di riti ("two espressos in separate cups"), formule, gesti, visioni e atti minimali, un moto sommerso nel silenzio, nella persistenza e nella meditazione, che tocca nel profondo la significativa insignificanza delle cose: "la vida no vale nada". Quelli che traccia Jarmusch sono circoli virtuosi, dove l'estinguersi di ogni meta successiva è come una nota nella memoria di una chitarra, la traccia di un bruciarsi del passato, di un passaggio. Isaach de Bankolé, una scheggia dispersa nello spazio, si priva di ogni possibile direttiva e delibera il trionfo dell'immaginazione sul controllo, conquista il suo foglio bianco, quello su cui poter scrivere la propria realtà. Esperienza di immersione nell'audiovisivo sconquassante, la visione di the limits of control muove sensazioni duali, perché nell'arco della sua durata potrebbe accadere qualunque cosa in qualsiasi momento mentre si percepisce il persistere dell'evidenza che non stia accadendo nulla. Nulla di apertamente significante, almeno, ma proprio per questo ancor più significativo, perché è un significazione che non si cerca (né si trova) ad ogni costo ma che si vive, in ogni piccolo, apparentemente inutile, passo. Forse si tratta di seminare la propria esistenza sull'arte anziché sulla logica.
Devastante.

L'illusionista

noreply@blogger.com (domenico) — Thu, 02 Dec 2010 09:28:00 +0000

di Sylvain Chomet [***]

LE ILLUSIONI DEI NOSTRI PADRI

La vecchia storia della modernità. L'inesistenza della magia come presa di coscienza dolorosa, dolore che assume le sembianze di un treno: bisogna sgombrare la strada e fare posto. E mentre Tatischeff si allontana, e con lui un intero mondo destinato a sprofondandare nel ricordo, sorge spontaneo un interrogativo, altrettanto dolente: sapremo essere genitori?

Il maledetto United

noreply@blogger.com (domenico) — Wed, 01 Dec 2010 23:48:00 +0000

di Tom Hooper [***]

Dare una forma alle proprie ossessioni.

Cambio di programma

noreply@blogger.com (domenico) — Wed, 11 Feb 2009 10:30:00 +0000

Ho deciso di spostarmi qui, per una serie di motivi, non secondario il fatto che serviva un progetto nuovo per (ri)trovare le motivazioni perdute, non secondario il fatto che ogni progetto ha una data di scadenza e questo blog è giunto al termine, anche se non so bene di cosa.
Spero che abbia lasciato qualcosa, se no fa niente.
Chi mi ama mi segua, in sostanza.

Milk (Gus Van Sant)

noreply@blogger.com (domenico) — Sun, 25 Jan 2009 11:34:00 +0000

«Sono Harvey Milk e voglio reclutarvi tutti. » La questione urgente che solleva Milk, come ci suggerisce lo stesso Harvey Milk (o meglio il suo fantasma), è decisamente universale. Questione che riguarda l' “apparire”.
La maschera come artefatto viene utilizzata per nascondere qualcosa agli altri a livello fisico (“fuori”), la maschera che invece portiamo virtualmente (virtualmente perché è nel contatto con gli altri che la attuiamo, fino a quel momento resta invece “potenziale”) serve a coprire qualcosa di più profondo, qualcosa che abbiamo “dentro” e non vogliamo far emergere. Harvey Milk, ad un certo punto del film, chiede ai componenti del movimento gay di sbarazzarsi del secondo tipo di maschera, di mostrarsi per quello che sono. Sono le cose che non mostriamo agli altri a fare paura davvero (così come una scena violenta lasciata fuori campo è generalmente più angosciante, proprio perché possiamo “immaginare” quello che è nascosto, che non sta nel quadro) perché nascondere significa avere un buon motivo per tenersi dentro qualcosa agli occhi degli altri. Se hai qualcosa da nascondere l'accettazione diventa quasi impensabile. Il mondo evolve sempre più verso la falsa condivisione, che è più opportuno chiamare ostentazione. Se non ostenti hai qualcosa da nascondere e quindi fai paura. Apparire nel caso di Harvey Milk, personaggio pubblico, comporta un saper curare la propria immagine o, meglio ancora, un saperla vendere agli altri (e un saper pilotare/reclutare gli altri). Allora anche Milk è una maschera, un'immagine di speranza dietro la quale trovare riparo. Un'immagine che si dissolve dietro una finestra, perché apparire, uscire allo scoperto significa attirare su di sé il mirino dei cecchini.
Il cinema di Van Sant segue il procedimento della rivelazione (osservo e porto alla luce un fantasma), che è un tipo di osservazione diversa da quella dei suoi ultimi lavori (che prevedevano anche la “contemplazione” della visione). Questo non significa che Van Sant si sia messo da parte, come temevamo, per lasciare spazio ai personaggi (il film non si riduce a Harvey Milk ma è sicuramente poliedrico) e per fare un cinema più narrativo (ma sarebbe meglio dire prosaico). Il discorso sull'immagine è anche un discorso “con” l'immagine, basti vedere la bellissima inquadratura del riflesso di un fischietto (lo stesso fischietto che è anche un po' il simbolo del movimento, perché ricorda tutte le botte prese dai poliziotti e in certo senso dunque tutte le discriminazioni) o quella che segue alle spalle Josh Brolin, elephantiana, quanto il delirio esplode o la fotografia quasi “scarnificante”.
Un biopic complesso dunque, qualcuno ha tirato in ballo Milos Forman e effettivamente c'è un legame con il bellissimo Man on the Moon. SPOILER (a rigore) Sempre riguardo le apparizioni. Nella chiesa in cui ha luogo la scena finale (il funerale) di Man on the Moon vi è uno schermo, Andy Kaufman intrattiene i presenti, per l'ultima volta. C'è uno schermo in più, che non è una seconda bara, ma un "ritorno del morto" nell'immagine. Quello schermo in più è l'ultima burla di Kaufman, lo spazio in cui la [nuova] vita cinematografica prende forma. Una vita dietro due schermi, il primo è l'apparenza (nuovamente “apparizioni”), l'illusione [o la burla] che ci offre il cinema il secondo è quello della realtà che ci dice che Andy Kaufman è morto nonostante l'illusione di averlo ancora lì (c'è solo uno schermo “in più” per arrivare al protagonista, in fondo). Allo stesso modo l'immagine di Harvey Milk sopravvive dopo la sua morte, e trentamile persone armate di lume danno la caccia al fantasma, alla sua capacità di dare speranza, (quella di Andy Kaufman era di divertire, ma fondamentalmente il discorso non cambia) e inseguono quell'illusione che sia ancora vivo. In entrambi i casi il cinema ci mostra come l'immagine che una persona crea di sé vada sempre oltre la persona stessa. FINE SPOILER
Un Van Sant incisivo, supportato da un ottimo cast e soprattutto dal sempre grande Sean Penn, per un grande (e importante) film che riesce a scuotere (cosa che non bisogna mai sottovalutare).

W. (Oliver Stone)

noreply@blogger.com (Pickpocket83) — Wed, 21 Jan 2009 19:04:00 +0000

Il salto non solamente alfabetico da (George) W. (Bush) a (Barack) H. (Obama) è roba destinata a lasciare il segno. La “W.” di Oliver Stone probabilmente no. Con ogni ragionevole probabilità questo film non passerà agli annali della storia del cinema. Salvo improbabili errori di battitura del titolo, o errori di valutazione da parte di chi sta scrivendo questo post (evento sempre più plausibile, visto l’invecchiamento organico galoppante). Atteso come l’ennesimo violento atto d’accusa da parte del “cazzuto” Oliver Stone contro uno dei più odiati presidenti degli Stati Uniti della storia, trasmesso non senza una certa enfasi in prima visione televisiva su “La7” lunedì scorso saltando il passaggio nelle sale, salutato da molti come capolavoro ancora prima che ne venisse saggiato con mano l’effettivo valore, il film di Stone si è rivelato a conti fatti un buco nell’acqua o quasi. Messo da parte per una volta il suo vigoroso (e spessissimo fastidioso) “testosteronismo” espressivo, Oliver Stone ha imbastito, nella cornice chiaramente televisiva di questo diligente biopic, la Storia di una dinastia di potenti, e le vicende che hanno portato ben tre membri di questa famiglia a ricoprire alcuni dei ruoli istituzionali più importanti negli States. Quello che sembra mancare a Stone è però il senso della misura: se la maggior parte dei suoi ultimi film si poteva collocare su registri di notevole e frastornante esagitazione psicomotoria, in questo film domina in assoluto un senso quasi tangibile di “calma piatta”. Il filo della narrazione si trascina planus per la quasi totalità del film al chiuso delle stanze del potere, e la valutazione relativa all’intero apparato artistico, vista la regia senza slanci, si può in fin dei conti ridurre a quella delle interpretazioni e degli esercizi di mimetismo del cast (meritevoli di menzione soprattutto un ottimo Richard Dreyfuss nel ruolo del “falco” Dick Cheney e James Cromwell in quello del vecchio Bush padre). Se comunque si vuole riconoscere un qualche merito “ideologico” al film di Stone questo starebbe forse soprattutto nell'avere in un certo senso restituito una dimensione di maggiore complessità storica della controversa Era Bush. Stone si è in buona parte sottratto all’uso sistematico della facile demagogia anti-Bush e ha mirato anche a mettere in luce il ruolo decisivo di alcuni altri importantissimi personaggi dell’entourage del presidente in alcune fasi calde del suo mandato: Cheney (vero campione di cinismo, costretto per un atroce scherzo del destino ad uscire di scena ieri pomeriggio dal Campidoglio su una sedia a rotelle), Rumsfeld (oscuro manovratore dei servizi segreti, che rivestì un ruolo pare essenziale nella gestione scellerata della questione “armi di distruzione di massa in Iraq”) e Powell (piegato alle logiche di una guerra che non condivideva ma che finì per sottoscrivere in virtù di una alleanza politica che non fu in grado di mettere in discussione fino in fondo) su tutti. Efficace la scena in cui George W. chiama al telefono i vari capi di stato mondiali per “invitarli” a partecipare alla guerra in Iraq, come se si trattasse di una partita di calcetto. Interessante anche il finale en plain air nel bel mezzo di un campo da baseball deserto, quasi una silly simphony, grottesco e amaro ritratto degli 8 anni che l’America ieri pomeriggio ha scelto di mettersi alle spalle.

Classificone 2008

noreply@blogger.com (domenico) — Fri, 26 Dec 2008 10:04:00 +0000

1 Il divo - Paolo Sorrentino

Cinema che ha gettato il calibro nella spazzatura: il mondo si sta trasformando in spettacolo e merita un cineasta spettacolare.
Audiovi(deo)visezione del potere.

2 Il petroliere - Paul Thomas Anderson

Esagerato, spaccone e decisamente troppo perfetto. Silenziosamente rumorosa e sottilmente sovversiva nascita di una nazione imbevuta di petrolio.
Mi redimo e torno (immediatamente) a farmi battezzare alla chiesa Andersoniana.
E P. T. Anderson urla: «sono io la terza rivelazione!».

3 Wall-E - Andrew Stanton

Nostalgicamente futuristico cinema di poesia. Coraggioso e romantico capolavoro della Pixar.
Una stupefacente danza nello spazio che rapisce occhi e cuore.

4 I padroni della notte - James Gray

Film orgogliosamente demodé che mette sul tavolo operatorio linguaggi arrugginiti e fuori dal tempo.
Lezione di regia del grande Gray, una scazzottata tra celluloide e spettatore.
Il cinema indispensabile che bisognerebbe tornare a fare.

5 Gomorra - Matteo Garrone

Il mondo agisce e ruba al cinema ma il cinema contrattacca e si riprende tutto, fino all'ultima goccia.
Spazio scenico (che vediamo) e reale (che viviamo) sono in continuum.

6 Into the wild - Sean Penn

La riflessione più profonda dell'anno. Alex Supertramp lancia uno sguardo esplicito in macchina: girarsi altrove è meschino.
Imperfetto, difettoso eppure così sentimentale e travolgente.
La felicità è un'illusione ma allora, a questo punto, è meglio condividere la propria illusione con gli altri.

7 Cloverfield - Matt Reeves

La macchina da presa è un mezzo carnivoro. Se il mostro ripreso è grosso il mezzo riprendente è un mostro ancora più grosso.
La macchina da presa, ancora, è un organo esosomatico.
Un reportage postmoderno scaricato direttamente da youtube.
Apocalisse a portata di handycam.

8 Changeling - Clint Eastwood

Un dolly verso il basso e già ci immergiamo in un mondo che non sembra nemmeno essere cinematografico. Gli operatori dovrebbero entrare in campo per darci una prova di finzione.
Una magnifica regia a misura d'uomo.
Tutte le storie e tutti i personaggi hanno la stessa dignità.

9 Non è un paese per vecchi - Coen brothers

Ennesimo grande film dei fratelli Coen, Chigurhgico.
Lo spettatore anziano si alza dalla poltroncina sentenziando «troppa violenza!», quello giovane ne vorrebbe di più. Non è un paese, punto.
Il grande merito del film è anche il suo più grande limite: l'attestato di fiducia nei confronti del verbo McCarthiano.

10 Gone baby gone - Ben Affleck

Plongée e controplongée: guardiamo il mondo dall'alto ma poi dobbiamo scendere e lasciarci giudicare a nostra volta.
La fiducia è lo scoglio al quale aggrapparsi.
Ben Affleck è il terzo segreto di Fatima.

11 Sweeney Todd - Tim Burton
Devastazione sistematica del (pre)concetto di genere.

12 Il cavaliere oscuro - Christopher Nolan
Il caos è equo.

13 Be kind rewind - Michel Gondry
Meraviglioso inno al cinema fatto con il cuore. La perla del 2008.

14 Lo scafandro e la farfalla - Julian Schnabel
Una soggettiva di un occhio cucito e un fiume di lacrime che non accenna a fermarsi.

15 Alexandra - Alexsandr Sokurov
Sokurov più che decidere cosa inquadrare sceglie sapientemente cosa va lasciato fuori campo.

16 Onora il padre e la madre - Sidney Lumet
Film umanissimo, fisico e sinestetico di D.J. Lumet.

17 Persepolis - Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud
Integrità, integrità, integrità!

18 Racconto di Natale - Arnaud Desplechin
Interdisciplinare sperimentazione di forme non narrative e narrazioni in varie forme.

19 Il treno per il Darjeeling - Wes Anderson
Una lunga carrellata al ralenti nell'universo wesandersoniano.

20 Vicky Cristina Barcelona - Woody Allen
Una lezione di leggerezza. La leggerezza va conquistata sul campo.

Encounters at the end of the world (Werner Herzog)

noreply@blogger.com (domenico) — Sun, 14 Dec 2008 14:09:00 +0000

L'IGNOTO GHIACCIO PROFONDO

Ad un certo punto, in quest'ultimo (sublime) documetario di Herzog, un pinguino decide inspiegabilmente di abbandonare i suoi simili ed ogni forma di sicurezza per dirigersi verso le montagne dell'Antartico, compiendo un pellegrinaggio verso la morte. Tutto il film di Herzog è lì, nel percorso di quel pinguino che fugge dalla nostra ossessione di riempire gli spazi bianchi sulla cartina della conoscenza. C'è sempre qualcosa che sfugge, qualcosa di folle e inafferrabile che penetra nel campo visivo senza tracciare una rotta precisa. Queste sono le cose che ci preoccupano, ci destabilizzano, ci tolgono il suolo da sotto le scarpe, questa è la materia sfuggente che racconta Herzog. Lo scarto tra visione e comprensione c'è ed è ancora netto, e quello scarto si chiama stupore, l'emozione incancellabile che provoca l'esplorazione del mondo, di noi stessi dentro quel mondo, della devastante forza della natura (riproducibile ma non provocabile). Appoggiare l'orecchio sul ghiaccio e contemplare il suono prodotto dalle foche e poi lanciare nello stesso deserto di ghiaccio il suono di una chitarra elettrica. Chissà cosa sentono le foche, mi chiedo io.
Un viaggio nel ghiaccio che è la naturale prosecuzione di quello nell'aria de il diamante bianco, un viaggio nei sogni di esploratori che sfidano la natura per saperle rendere omaggio, contrariamente a quanto fanno i recordman che piegano la natura grazie a nuovi strumenti/conoscenze perché il loro nome finisca su un libro. L'essenza della scoperta/stupore non si trova là, nello sfidare la natura come Golem, ma nel restituire il fuoco (o il ghiaccio) agli dei, invertire per qualche secondo l'azione di Prometeo. Oppure, come dice Herzog, cancellare qualche zona dalla cartina e lasciarla bianca. La cima dell'Everest, per esempio.
Anche un viaggio sotto il ghiaccio, con le stupende riprese subacquee di Henry Kaiser (già autore delle stesse riprese nell' ignoto spazio profondo), una serie di incontri ravvicinati del terzo tipo con un mondo alieno in miniatura. Forme di vita assolutamente nuove e sconcertanti si fanno strada nell'almanacco della nostre esperienze, ed è soprattutto l'inesauribile voglia di raccontarle (così come quando parliamo di un film che abbiamo amato) a rendere questi esploratori dell'Antartico dei generatori in continua di emozioni. Queste inquadrature ci ricordano che il cinema è una costante immersione, una perpetua plongèe sugli abissi dello spazio esplorabile.
Nel parlare della natura e della necessaria regressione che occorre per registrarne il fascino Herzog usa la sua voce per narrare, ma è una narrazione in senso tecnico perché il bavarese si sottrae al campo solo in apparenza: è lui l'affascinato esploratore che viene inquadrato, è lui una di quelle persone che comprendosi il capo cercano di orientarsi per simulare la bufera. Herzog ha soltanto deciso di utilizzare, come mezzo di scoperta, non la tecnologia, la filosofia o l'occhio umano ma un mezzo "per esprimersi" in cui queste tre cose si mescolano fino a diventare indistinguibili: il cinema.

Una curiosità: il film è dedicato al (grande) critico americano Roger Ebert.

Galantuomini (Edoardo Winspeare)

noreply@blogger.com (Pickpocket83) — Tue, 09 Dec 2008 16:10:00 +0000

Doverosa premessa: chi scrive questo post si aspettava molto dal ritorno sugli schermi di un film di Edoardo Winspeare. Moltissimo. Forse troppo. Senza sapere che in agguato, in una gelida serata di inizio Dicembre, c’era una delle più solenni delusioni di tutta la stagione cinematografica. Winspeare veniva da soli 3 precedenti lungometraggi, belli e interessanti, molto diluiti nel tempo. I primi due “Pizzicata” (1996) e “Sangue vivo” (2000), ottimi esempi di cinema “radicato” nella cultura e nei colori salentini, e il terzo, “Il miracolo” (2003), piccolo film, diverso e coraggioso. Se questo suo quarto lavoro (dopo la bellezza di 5 anni di pausa) doveva servire a corroborare le speranze (illusioni?) riposte in Winspeare e nel nascente cinema pugliese dei Piva e dei Rubini c’è, in realtà, ben poco da stare allegri. Pochissime le cose buone contenute in questo “Galantuomini”. Forse soltanto la protagonista (la brava Donatella Finocchiaro) e quanto ruota intorno al suo innovativo personaggio di donna coinvolta nella malavita organizzata salentina. Spiace moltissimo dirlo, ma tutto il resto in questa specie di “Gomorra” in chiave leccese lascia a desiderare in modo piuttosto palese. Trama già vista e scontata (con tanto di storia d’amore tra giudice e indagata), protagonisti maschili fuori contesto (insopportabili tanto Fabrizio Gifuni, espressivo e carismatico come un palo della luce, quanto Beppe Fiorello, macchiettistico bozzetto siculo-salentino di cui non si avvertiva la necessità), personaggi inconsistenti e, quello che più dispiace, regia assolutamente piatta e convenzionale se si esclude un flashback iniziale un pochino più interessante. Messa in scena in sostanza blandamente “televisiva”, nella più deleteria accezione del termine. Il film è stato prodotto da mamma Rai e la cosa può aver determinato più di una ricaduta nefasta in termini di casting e su alcune scelte artistiche. Questo tuttavia, a mio modo di vedere, non assolve per nulla il regista dalle sue responsabilità. Pesanti anche da un punto di vista oggettivo: il film conosce moltissimi momenti di stanca e tra l’altro non valorizza affatto quanto di buono ha a sua disposizione. A cominciare dagli attori (dell’ottimo e autoctono Lamberto Probo si sarebbe potuto fare il protagonista del film) e dalla ricerca musicale degli Officina Zoe per finire proprio con quel ricchissimo patrimonio di storia, cultura e suggestioni che al Salento (e allo stesso Winspeare) appartiene e che, purtroppo, sembra smarrirsi per strada. Insieme al senso generale dell’operazione. Dolorosamente insufficiente.

La felicità porta fortuna (Mike Leigh)

noreply@blogger.com (domenico) — Sun, 07 Dec 2008 11:49:00 +0000

Per Poppy (una Sally Hawkins strepitosa), la protagonista del film, la felicità non è un qualcosa da conquistare ma un substrato sul quale costruire la propria vita. Per questo ci appare un personaggio anomalo e fuori dal mondo: sorride ed è felice anche quando non sembrerebbe necessario. Ma è lei che "non va" o il mondo che la circonda? Perché bisogna essere contenti della propria vita solo quando questa, apparentemente, ci premia? In realtà ogni istante in cui viviamo è un premio e questo Poppy lo sa bene. La felicità però sembra fondarsi sulla solidità e la certezza: le mura di una casa, una famiglia, una educazione rigida e rigorosa, vestirsi come il mondo ci impone, sentirsi uguali agli altri. Monotonia e disciplina. Poppy sovverte quotidianamente il (pre)concetto di felicità che ci stiamo costruendo, semplicemente sorride per motivi diversi dai nostri, che appartengono a quell'universo della semplicità che non sappiamo più apprezzare.
Poppy non ama i libri che parlano di presunti ritorni alla realtà, ma Mr. Vertigo di Paul Auster (e da queste parti la capiamo benissimo) ovvero la storia di Walt il bambino prodigio, il ragazzino volante che raccoglie ovazioni librandosi nel cielo e un sacco di bastonate nel momento in cui deve affrontare la vita "a terra". Anche Poppy, in fondo, è una ragazzina (un po' cresciutella) volante, e come tutti i grandi levitatori sa che c'è anche il momento in cui bisogna poggiare i piedi a terra e fare i conti con la realtà. Perché l'intenzione di portare il sorriso sulla bocca del prossimo raramente va a buon fine, e bisogna misurarsi costantemente con l'incomprensione (una sorella dalla vita solida, un istruttore di guida che è l'emblema dell'infelicità, un commesso che non prende nemmeno in considerazione l'eventualità di fare due chiacchiere con una sconosciuta) di un mondo grigio che si beffa di quei pittori che, come Poppy, saprebbero ancora colorarlo.
La riflessione di Mike Leigh sui tempi che corrono è amarissima, necessaria nella sua dolorosità, eppure la cosa che più sconvolge di happy-go-lucky è la sua incredibile leggerezza, il suo sposare in maniera netta quella che è la struttura della commedia. Come se rappresentato (dolore) e rappresentante (gioia) costituissero un ossimoro.
Bellissimo.

Palermo Shooting (Wim Wenders)

noreply@blogger.com (Pickpocket83) — Fri, 05 Dec 2008 19:02:00 +0000

"Che cosa costituisca verità o, in forma molto più semplice, che cosa costituisca realtà è per me un grosso enigma, maggiore ora di un tempo. A ciò si aggiunge anche il fatto che la nostra concezione di realtà negli ultimi due decenni è stata esposta a una sfida straordinaria e senza precedenti. Mai nella storia dell'umanità si era verificato qualcosa di tale magnitudo." (Werner Herzog)

La possibilità/necessità del digitale come aperto invito alla manipolazione delle immagini e alla creazione di una platonica “immagine di realtà”, doppiamente altra e irreale. La necessità della pellicola, sola materia tangibile su cui, intangibile ed eterea, si può dipingere decisiva l’energia luminosa e trasformarsi in chimica dello sguardo. E’ racchiusa in questa provocazione una delle cose più interessanti di “Palermo Shooting”. Film attraversato da inattese virate dal sapore lynchano e da un utilizzo massiccio e (fin troppo) libero degli stessi effetti digitali. Nel fotografo di Wenders che gioca a scacchi con la Morte (con une certa efficacia “incarnato” da Dennis Hopper) un fitto groviglio (in gran parte irrisolto) di tematiche wendersiane: la percezione esistenziale del fluire del tempo, la tensione metafisica verso l’invisibile, il superamento del fenomeno per il noumeno e la necessità di una visione che si sviluppi nella dimensione della “profondità”, il desiderio utopico per la cattura dell’immagine fotografica definitiva e totale (metafora di una comprensione universale e “panoramica” della stessa esistenza) e, qui più che altrove, il rapporto con la morte. La morte come passaggio, come concetto analogo alla nascita. Nuova nascita, nuova morte, tramiti inaccessibili e invisibili verso destinazioni e destini (e porti) ultimi. A fare da sfondo a questa vicenda dalle insolite atmosfere fantasy Palermo. Pan-ormos, “tutto porto”, antico luogo di transito e passaggio, con i suoi vicoli e le sue chiese. Dopo Berlino, Lisbona, Tokio, L’Avana, ancora una città e il tentativo di catturarne il genius loci da parte del regista tedesco. Cineasta cosmopolita e metropolitano, lontano dalla wilderness di Werner Herzog ma come lui ancora capace di alzare lo sguardo verso il cielo, e dal cielo restituirci falsi movimenti di uomini in viaggio nel corso del tempo.

Due o tre cose che so sul TFF, parte due

noreply@blogger.com (domenico) — Mon, 01 Dec 2008 17:48:00 +0000

Of Time and the City - Terence Davies ***
Le riflessioni che marcavano fortemente la trilogia di Terence Davies su sesso e religione si ripresentano in questo film, che è soprattutto un ritratto nostalgico della Liverpool "erosa" dal tempo. Combinando immagini di reportorio e non, aforismi, citazioni e musica Davies realizza un'opera molto poetica e intima, in cui passato e presente sono in campo/controcampo.
Les sept jours - Ronit e Shlomi Elkabetz **
Zuffa in famiglia ovvero sette giorni di ordinaria (e straziante) quotidianità.
Senza mordente e con una regia assolutamente piatta.
Real time - Randall Cole ** 1/2
Bella davvero l'idea: un killer (Reuben) deve fare fuori Andy, ragazzo dedito al gioco che non riesce a trovare i soldi per colmare i suoi debiti, e decide di lasciargli un'ultima ora di vita. La durata reale dell'azione e quella cinematografica coincidono. Pur senza particolari meriti il film si lascia guardare con discreto piacere, anche se la riflessione sulla fortuna poteva essere un po' più profonda.
24 City - Jia Zhang-Ke ** 1/2
Un film così punitivo non lo meritavano neppure i più grandi sostenitori del cineasta (tra i quali il sottoscritto). Documentario sulla Cina che progredisce devastando il passato, purtroppo costituito quasi integralmente da racconti di persone riprese con inquadrature fisse di durata punitiva.
Bellissima l'immagine del palazzo che crolla (che si contrappone a quella del palazzo che spiccava il volo in Still Life), in cui il fumo avanza lentamente e "invade" il quadro e il travelling verso l'alto che da un dipinto di un albero ci porta verso la costruzione della civilità.
La mia sostanziale pazzia (e amore per i ritmi estenuanti) mi ha portato ad apprezzarlo comunque (anche se rispetto a Still Life siamo due o tre passi indietro), ma non lo consiglierei neppure al mio peggior nemico...
Hunger - Steve McQueen *** 1/2
Il film che più ho amato (escludendo le retrospettive) di questo festival. Cinema di una fisicità devastante, con scelte stilistiche radicali (ad esempio il pianosequenza di 20 minuti a mdp fissa usato per riprendere un dialogo importantissimo sulle ragioni della vita) e di una intensità davvero provante. Steve McQueen, alla sua prima opera cinematografica, non scende a compromessi. Ne parlerò ampiamente a breve.
Let the right one in - Thomas Alfredson ** 1/2
Quanto siamo disponibili a perdonare i difetti?
Let the right one in (che uscirà in italia come Lasciami entrare) ne ha sicuramente, a partire da un uso davvero inappropriato degli effetti digitali (i gatti rappresentano la più grande caduta di stile di tutto il film) e dall'eccessiva voglia di essere accomodante con il pubblico (e di farsi piacere) aggiungendo cucchiaiate di zucchero a situazioni che non lo avrebbero richiesto.
Però, ecco, non si può negare la potenza emotiva del film, che parte come horror e prosegue come fiaba delicata, ben diretto (specie nella prima metà, con un uso intelligente del fuoco/fuori fuoco, di specchi e superfici vetrose) e con un finale davvero toccante.
Da queste parti, perdoniamo.
The edge of love - John Maybury *
Il film con cui è terminato il festival e forse anche il cinema così come lo conosciamo.
Aberrante in tutte le sue componenti visive, narrative e recitative (si salva solo il povero Cillian Murphy, mentre la Knightley non è all'altezza della, certo difficile, situazione).
Miscuglio insensato di dissolvenze sparate al mitragliatore, super 8 ed ellissi narrative. C'è persino una soggettiva dell'urina.
Davvero troppi i maestri del cinema che vengono profanati da questo film per poterli citare tutti, ma il mio pensiero va al grande Bergman, sbeffeggiato da una serie di inquadrature nefaste dei volti incrociati della Knightley e di Sienna Miller (senza per di più regalarci una di quelle scene saffiche che noi del pubblico maschile attendevamo con tanto ardore).
Melò (genere al quale sono affezionato, e piange il cuore vederlo trattato così) da conservare negli archivi dello squallore.

Nessuna verità (Ridley Scott)

noreply@blogger.com (Pickpocket83) — Sat, 29 Nov 2008 16:06:00 +0000

Iraq nuovo Vietnam. Samarra come Saigon. Terra di conquista, frontiera contro un nemico invisibile, cadaveri insanguinati di democrazie da esportazione. Dopo Brian De Palma e Kathryn Bigelow, anche Ridley Scott ha scelto di calare la sua macchina da presa nella polvere della guerra e del deserto. Con minori pretese di sperimentazione linguistica rispetto ai primi due ma con la solita, collaudata, abilità registica e narrativa. La linea telefonica e le riprese satellitari come duplice filo di sutura nel bel montaggio di Pietro Scalia, che sceglie programmaticamente di annullare le distanze e insieme di evidenziarne appieno il senso. Forse qui l’elemento più interessante del film: la contrapposizione spaziale tra pedina/oggetto esposto/sul campo/lontano da casa (un grandissimo Leonardo Di Caprio) e manipolatore/controllore/burocrate/al sicuro nel suo ufficio-casa (l’imbolsito ma funzionale Russel Crowe). Nel gioco delle parti tra controllore e controllato ricorrono elementi (di certo non particolarmente nuovi) quali il sottilissimo confine che separa i buoni dai cattivi, l’ambiguità delle “verità” di guerra, il ribaltamento di identità, il gioco di specchi dello spionaggio e le sue implicazioni etiche (temi che in qualche modo collegano questo film allo Scorsese di “The Departed”). E comincia ad incrinarsi il fastidioso e monolitico manicheismo ideologico che il regista aveva fatto intravedere nel precedente “Black Hawk down”. Lo scacchiere delle diplomazie internazionali e i complessi rapporti tra l’amministrazione americana e l’alleato giordano lasciano trapelare l’immagine di un Medio Oriente saturo di ingiustizie e squilibri istituzionali, groviglio di enormi interessi economici e scenario di intricati giochi di potere. Dove le distanze che separano gli abili strateghi della menzogna dai fedeli servitori della patria sono minime. Difficili da scorgere per un occhio elettronico. Più facili da cogliere dentro lo sguardo di un uomo.

Due o tre cose che so sul TFF, parte uno

noreply@blogger.com (domenico) — Tue, 25 Nov 2008 16:53:00 +0000

Piccolo resoconto dei film visti fino ad ora a Torino. Sarò particolarmente breve, anche perché del film di Kim Ki-Duk avrò modo di parlare molto più approfonditamente quando uscirà in sala e su Melville spero vivamente di riuscire a scrivere qualcosa in futuro.
(i voti sono sempre da * a ****)
Filth and Wisdom - Madonna ** 1/2
Questo sgangherato film di Madonna inizia in maniera indecente ma si risolleva pian piano, pur mantenendo una serie di difetti espressivo/linguistici non indifferenti. Alla fin fine però non si può non voler bene a questo Filth and Wisdom, che vanta una galleria di personaggi divertenti e appassionanti ed una onestà di fondo che non neghiamo alla cantante.
Il merito della riuscita è per la maggior parte da attribuirsi a Eugene Hütz, cantante dei Gogol Bordello, uomo incredibile e già di culto, una sorta di Vincent Gallo dell'Est. La mezza stelletta in più è tutta per lui.
Les enfants terribles - Jean Pierre Melville *** 1/2
Non soprende che un regista (ma sarebbe meglio dire IL regista) come François Truffaut abbia visto questo film venticinque volte, film che in un certo senso precorre la Nouvelle Vague. Il film è del 1950 ma stilisticamente avanti di un decennio, ed è di una potenza assolutamente sconquassante.
Dream - Kim Ki-Duk ***
Questo film spiazza completamente perché rappresenta una variazione (che ha richiesto una seconda visione) non a livello stilistico ma narrativo abbastanza inattesa dell'operato kimkidukkiano. La materia del sogno è gassosa, ed anche il film non è assolutamente solido. Pur non essendo una delle opere maggiori del devastante cineasta è davvero un bellissimo film, che riscrive il concetto di "scena-capolavoro" in due occasioni:
- La sublime scena del campo di grano, ove la raffigurazione pittorica tiene per mano l'enunciazione fantasmatica.
- La sequenza più bella di tutto il cinema kimkidukkiano (e dunque da consegnare direttamente alla storia), ovvero un finale di una poeticità tanto stordente da impedire l'uso della parola e la capacità di orientarsi per almeno una decina di minuti.
Bob le flambeur - Jean-Pierre Melville ***
Lo ribattezzerei fino all'ultimo quattrino, tanto per fare un piccolo parallelismo. Qui, al numero 36 di Quai des Orfèvres, nasce un intero immaginario cinematografico. L'emancipazione del genere. Bob è uno di quei personaggioni ai quali è impossibile non affezionarsi.
Le cercle rouge - Jean-Pierre Melville ****
Film che, al pari di le samourai, è un capolavoro direi definitivo. Spietato e cattivo, ma con un codice etico marchiato a fuoco sulla pelle. In molti devono qualcosa a questo film, soprattutto i cineasti di Hong Kong, e questa operazione non è un caso....
Rosemary's baby - Roman Polanski *** 1/2
Film che mi ha particolarmente turbato, perché vuoi la grande interpretazione di Mia Farrow, vuoi i tempi di ripresa assolutamente perfetti, è sconfinato spesso nella credibilità davanti ai miei occhi.
Forse il polanskiano di ferro mi rimprovererà mezza stellina in meno, ma per sincerarmi della capolavorograficità di questo oggetto dovrei rivederlo una seconda volta, il che è al fondo delle cose che mi piacerebbe fare nell'arco della vita...
Muddy River - Kohei Oguri ***
Film giapponese dell'81 girato alla Ozu, il che basterebbe per dire: bellissimo. C'è di più, il Maestro, al suo esordio, ci regala un film incredibilmente poetico e toccante, che parla di quelle cose che finiscono lasciando un retrogusto amaro in bocca, un segno tangibile che accompagna per tutta la vita. Una guerra, una barca, un'amicizia.
The sting of death - Kohei Oguri ** 1/2
Nel passaggio dal b/n al colore lo stile sostanzialmente non varia: la mdp si muove solo se è strettamente necessario "seguire" un personaggio. Rigore ferreo, nuovamente ottima regia, ma il Maestro qui ci dona un film leggermente punitivo. Per stessa ammissione del Maestro, The sting of death è un film infinito, che sembra non giungere mai all'epilogo. Non è solo un problema di ritmo (in tal caso da queste parti non ce ne saremmo affatto lamentati...) ma di assenza di mordente, di un qualcosa che "catturi" completamente l'attenzione.

Go go tales (Abel Ferrara)

noreply@blogger.com (Pickpocket83) — Sun, 23 Nov 2008 00:23:00 +0000

Passato con la velocità di una stella cometa attraverso le sale italiane lo scorso anno, l’ultimo lavoro di Abel Ferrara è da poco approdato sul supporto “versatile” dei DVD e si è finalmente potuto concedere a quanti lo avevano inseguito invano nelle secche della distribuzione cinematografica italiana. Film disordinato, fuori fuoco, magnificamente incompiuto. Forse anche scientemente superficiale. Comunque lontano anni luce dalla magmatica complessità teologico-esistenziale del precedente film del regista (“Mary”, problematica incursione in Terra Santa ispirata ai vangeli apocrifi). Un totale, radicale cambio di scena. E di toni. In “Go go tales” l’amplesso della lap-dance sancisce l’imprevedibile fusione tra la polifonia altmaniana e un universo di personaggi che sembrano usciti da un film di Jim Jarmusch. A cominciare dal gambler Willem Dafoe. Passando per un ricco e policromo pacchetto di pussycats (e l’orgoglio patrio è tenuto alto da Asia Argento, dal suo simpatico rotweiler e da Stefania Rocca). Per arrivare al “barone” Bob Hoskins (grandissimo) e al platinato Matthew Modine. Concedendo persino qualche minuto (o secondo) sotto le luci della ribalta anche ad altre glorie nazionali del Bel Paese come Romina Power o Riccardo Scamarcio. Ed è proprio seguendo una scaletta di “attrazioni” umane e canine da palcoscenico più sgangherate di quelle di Broadway Danny Rose, che Abel Ferrara filma una foresta inestricabile di corpi, accarezzati da luci al neon dominate dalle tonalità dell’azzurro e del rosa e quasi fisicamente massaggiati dal lento fluttuare della sua macchina da presa. A trasmettere la sensazione che si potrebbe provare osservando un acquario in disfacimento attraverso il vetro di un oblò. Esseri umani alla deriva, losers in trappola ma attenti a non smentire mai la loro reputazione di perdenti costruita nell'arco di una vita, un piccolo paradiso perduto che rischia di essere travolto dalla logica del profitto e della Grande Distribuzione. Prima che la buona sorte non decida di concedere a questa accolita di sbandati un’altra possibilità. Insieme all’ennesima occasione da sprecare nel tentativo, perduto in partenza, di ritornare sulla retta via.

Changeling (Clint Eastwood)

noreply@blogger.com (domenico) — Sun, 16 Nov 2008 10:09:00 +0000

Clint Eastwood è un cineasta che da Mystic River in poi si è fatto devastante, artefice di una poetica che lacera occhi e cuore. Eastwood fa del cinema classico perché sperimenta le sensazioni anziché le forme? Perché non muove la macchina da presa al di fuori del contesto narrativo? Changeling è un film talmente provante da annullare la distanza schermo/poltroncina e la possibilità di avvertire la presenza di un dispositivo riprendente. Non è lo sguardo in macchina di un personaggio a rompere la quarta parete, ma lo sguardo quasi "attraverso" la macchina dello spettatore. Clint Eastwood inquadra con un rispetto ed una umiltà impareggiabili le forme umane, la sua regia è un continuo inchinarsi davanti all'esistenza. Tutte le forme vengono trattate allo stesso modo: è la massima democrazia della mdp. Mentre la visione procede si affievolisce la possibilità di individuare stacchi di montaggio, angolazioni, movimenti di macchina. Questo è un cinema ad altezza d'uomo che richiede la partecipazione in prima persona, la capacità di entrare nel film più che osservarlo.
Changeling è un film su di una madre che, lottando contro le istituzioni, cerca suo figlio, "rubato" come una bicicletta desichiana che sfugge di mano portandosi via ogni speranza di felicità. Changeling è nuovamente un film sul dolore di una eroina che questa volta non può rispondere ai pugni ricevuti sul ring. Troverà corde su cui poggiarsi nelle persone stufe della pioggia acida di corruzione e false verità. Troverà la speranza bagnandosi nelle lacrime di una madre.
Changeling inizia con un dolly discendente (come Lontano dal paradiso di Todd Haynes), una vera discesa verso gli inferi
Changeling è un film di ombre proiettate sul volto della protagonista e di personaggi/ombra che si nascondo ai margini del quadro, il Male non vuole uscire dalla sua caverna, si nasconde dietro la non-apparenza (e quando è costretto ad uscire si fa strada in maniera perentoria, come Tom Cruise nella discoteca in Collateral).
La ricerca del figlio viaggia in paralello con la ricerca da parte del cineasta di un cinema preso a colpi d'ascia dall'istituzione moderna: quello che riesce a raccontare qualcosa mettendo in primo piano la storia e non il narratore (che mette tutta la sua abilità al servizio di quel "qualcosa" da raccontare). Tutte le storie hanno la stessa dignità di essere raccontate.
Angelina Jolie offre una performance di credibilità e solidità insospettabili, segno che sotto Eastwood, nella rappresentazione della verità, accade poi sempre qualcosa di inverosimile.
Non ci sarebbe neache da dirlo: ennesima lezione di cinema.

Caro Diario (Nanni Moretti)

noreply@blogger.com (Pickpocket83) — Thu, 13 Nov 2008 18:38:00 +0000

Se il cinema è esplorazione, vagabondare, percorrere strade, narrare errando (mentendo) sulla destinazione ultima, “Caro Diario” è forse il film che in modo più completo è riuscito a penetrare questa dimensione “altra” della mitopoiesi filmica. Furto di realtà e fuga (d)alla realtà, il cinema, arte della complessità e della stratificazione, è il mezzo che meglio si presta al tentativo (sempre frustrato, sempre parziale, sempre destinato allo scacco) di documentare lo spazio, il tempo e il loro reciproco rincorrersi. Quindi il viaggio, nel suo significato più decisivo e archetipico di “falso movimento”, scoperta e maturazione interiore, formazione e de-formazione. Alternarsi di giorno e notte, nascita e morte, luce e ombra.
In “Caro Diario”, nei tre straordinari capitoli che lo compongono (tre progressivi movimenti di avvicinamento dell a macchina da presa verso il presente) tutta l’essenza della storia (e delle storie) del cinema è condensata in fotogrammi di sconfinata bellezza. In un calcio ad un pallone, al già visto e al già sentito, alla convenzionalità della narrazione.

"In vespa"
Pellegrinaggio su due ruote lungo il sentiero della memoria. Su un oggetto-icona (la Vespa) che è esso stesso una sorta di “macchina del tempo”. Fino alle colonne d’Ercole della “paternità” e dell’appartenenza. Sguardi che attraversano quartieri e case, e fantasmi di case e quartieri. Ponti, periferie, distanze. L’illusione di poter “entrare” in quelle case, per rubare con gli occhi pezzi di intimità nascoste dal cemento, per abitare kimkidukkianamente frammenti di vita altrui. Percezioni multiformi di echi cinematografici, architettonici, mass-mediologici, sociologici, tersicorei. Jennifer Beals e Leonard Cohen, “Henry pioggia di sangue” e “Fuga da Spinaceto”. E il primo segmento del tragitto, il più cinematografico e fondante di tutti, non può non concludersi a Ostia. Sulle note struggenti e pudiche di Keith Jarrett. Nel luogo di un parricidio. Nel luogo in cui è venuto improvvisamente a franare il tempo sotto gli occhi dolenti di uno dei più grandi testimoni del nostro tempo.

“Isole”
Caro diario, sono felice solo in mare. Nel tragitto tra un’isola che ho appena lasciato e un’altra che devo ancora raggiungere.» E’ il tormento del creativo, in grado di creare qualcosa solamente quando sperimenta la tensione della dispersione e dello smarrimento. Il perdersi. Il navigare a vista. Immediatamente raggiunta una meta, ecco l’impulso di trovare un “altrove” diverso. E l’isola, luogo separato dal “continente”, può rivelarsi contenitore perfetto per il cinema della ricerca. Le isole Eolie come enorme set (meta)cinematografico a cielo aperto. Nel peripatetico ondeggiare di Nanni Moretti, le tracce indelebili di una stagione immensa del nostro cinema: Lattuada (Anna, madonna laica che canta “El Negro Zumbon”), Rossellini (“Stromboli”), Antonioni (“L’avventura”). Ormai isole, approdi lontani, mete irraggiungibili, giganteschi vulcani che “fanno sentire” la loro presenza. Il sogno utopistico e ingenuo di un intero paese-cinema, allietato dalle composizioni di Ennio Morricone e fotografato “dalle albe e dai tramonti” di Vittorio Storaro. L’incubo di Panarea, luogo del divertimento coatto e del suicidio cerebrale organizzato. L’irrinunciabile propaggine-monitor dell’uomo contemporaneo che risucchia Ulisse verso la sua Circe. Tubo Catodico/Dedalus di soap-opera e partite di calcio.

“Medici”
Nel terzo segmento del film l’infrangersi di una regola, il frantumarsi di un canone, l’esplosione silenziosa di un codice espressivo non scritto. Atto di enorme portata rivoluzionaria, vicino per concetto (ma non per forma e modalità) soltanto a quanto fatto da Wenders in “Nick’s Movie” con il corpo di Nicholas Ray: è la lacerazione violenta di quesiti etici ed estetici. Il cinema (il cinema che abbiamo visto finora, il film che abbiamo visto finora) ha raccontato la vita attraverso la grande illusione della messa in scena. Qui, adesso, si compie l’operazione opposta: il cinema racconta sé stesso e manifesta il suo statuto filosofico di sublime “menzogna” facendosi testimone oculare (in senso stretto) della vita di chi lo sta facendo, nel momento in cui lo sta facendo. E’ il devastante mettersi in gioco senza appello di chi non ha nulla da perdere, eccetto la sua stessa vita. Un’altra Odissea. Forma di sublimazione dell’esistenza e del ricordo, transustanziazione dalla carne alla celluloide, re-incarnazione di un dolore, ciclico ripetersi di una malattia che consuma ma non uccide. Esattamente come il cinema. Perpetuo ritornare di una morte, di una immagine-movimento cristallizzata dentro un fantasma di luce.

Quantum of solace (Mark Forster)

noreply@blogger.com (domenico) — Wed, 12 Nov 2008 07:30:00 +0000

The Bond Supremacy
Interessante come spesso il montaggio alternato venga usato per inserire un evento assolutamente collaterale, di cornice, nel cuore dell'azione (l'evento decisivo). Nella prima sequenza (d'azione) un travelling sul mare si alterna ad un inseguimento automobilistico, nella seconda è il Palio di Siena ad alternarsi all'azione. Se questo procedimento sembra convincente non convince invece la resa dell'azione, fatta per lo più di inquadrature particolareggianti di brevissima durata. Manca sovente un quadro d'insieme, un'inquadratura più ampia che giustifichi l'interazione fra i corpi. Quantum of solace è più un film d'avventura che non "fisico". Bond è fuori controllo ma sembra esserlo anche la materia-Bond, sulla quale non ci sofferma con intensità. Manca un indugiare sulle piaghe del corpo-Bond, sulle sue ferite profonde. Mancano dei momenti veramente forti, delle pause, delle dilatazioni temporali per interiorizzare la vicenda e "sentire" i personaggi. Sembra non esserci il tempo per respirare, o forse Bond non ne lascia affatto nel suo vagare furibondo di luogo in luogo.
Mirabile che si proceda verso la modernizzazione del mito, con tanto di eliminazione progressiva dei topoi bondiani (questa volta la battuta «il mio nome è Bond, James Bond» manca del tutto) ma qui mancano la chirurgica freschezza di Casino Royale, la sverginazione dell'occhio (like a virgin), la potenza del sogno.
Prendendolo per quello che è, ovvero un passatempo "transitorio", il film possiede un suo appeal, ma resta un'opera poco più che sufficiente e si poteva fare di più.