::MOVIMIENTO ADVERSO::

Entrevista a Sergio Terrones. "No eres tú, es un nosotros"

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 28 Jan 2016 10:27:00 +0000

Enlace al vídeo

https://vimeo.com/153329631

Imágenes para convertirnos en ciudadanos. HARUN FAROCKI

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 19 Jan 2016 15:55:00 +0000

Mercè Galán

HARUN FAROCKI “Lo que está en juego”

Imágenes para convertirnos en ciudadanos.

20 de Enero . 22 de mayo, 2016

IVAM

Comisarios: Antje Ehmann y Carles Guerra

Tenemos la oportunidad de ver por primera vez en España (IVAM), la obra audiovisual del cineasta, videoartista y crítico de arte Harun Farocki. Gracias al interés que despertó su obra en lxs comisarixs, tenemos la suerte de disfrutar gran parte de la obra más interesante de este autor.

“Lo que está en juego” recoge varias cuestiones fundamentales, tal como expresa el director del IVAM, José Miguel G. Cortés, por las que se hace imprescindible visitar la obra de Farocki. En primer lugar, el hecho de vivir rodeados en una sociedad de pantallas, en la que debemos mantener una actitud crítica y desconfiar o deconstruir las imágenes que se nos presentan, es decir, aprender a mirar. En segundo lugar, su obra aborda distintos períodos de tiempo, de modo que observamos desde imágenes de televisión en las que cuestiona la Guerra de Vietnam, hasta las más actuales escenas de videojuegos donde desarma todo aquello que hay detrás de la superficie.

El montaje de la obra de Farocki situada en la Galería 7 del IVAM, es magnífico, una gran labor del equipo técnico que ha resaltado uno de sus comisarixs Carles Guerra. Para visitar la exposición hay que tomarse su tiempo debido a la gran cantidad de audiovisuales. La exposición se inicia con una muestra de revistas en las que Farocki escribía crítica de cine, Film Kritik y Trafic, y con seis cortometrajes de los años 60', en la que tiene sus comienzos Farocki como autor independiente, antibelicista, con el fin formarnos para que podamos actuar. En la siguiente sala está la videoinstalación Eye / Machine I y II (2000-2001) en la que se utilizan cámaras de videovigilancia, y en donde se analizan las relaciones entre personas y máquinas y cómo las máquinas se comunican con otras. Así podemos observar como las prisiones son controladas visualmente “mostrando la norma (de conducta) y previniendo el desvío”.

Llamando nuestra atención, Farocki nos invita a descubrir imágenes de guerra que no sabemos si son reales o generadas por ordenador, dando pie a la reflexión sobre tecnología, política y violencia. Como dice su comisario, nosotros nos relacionamos con el pixel en lugar de con el napalm directamente.

En la videoinstalación más reciente (2012-2014) “Parallel I-IV”, compuesta por cuatro pantallas, se recrean videojuegos de guerra y se muestra la trastienda del juego y de su creación desde esa perspectiva siempre crítica y política. Son imágenes para convertirnos en ciudadanos.

"War at a Distance" link de la imagen: http://blogs.indiewire.com/sydneylevine/screenings-in-memory-of-filmmaker-harun-farocki-at-the-goethe-institut-los-angeles-starting-january-14-20150116

Exposición Desmontando Poderes y Silencios

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 21 Nov 2015 20:33:00 +0000

Exposición comisariada por Irene Ballester Buigues

Tres acercamientos a la violencia de género en Afganistán

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 09 Nov 2015 12:19:00 +0000

Merce Galán

Desde el programa Contra la Violencia de Género organizado por la Unitat d'Igualtat de la Universidad de Valencia, se ha celebrado la conferencia de Nadia Ghulam que viene a reforzar las imágenes fotográficas de Gervasio Sánchez: Mujeres. Afganistán, con textos de Mónica Bernabé; todo ello en el Centre Cultural La Nau en Valencia. Por otra parte, se puede reforzar estas miradas con la película “A las cinco de la tarde” de Samira Makhmalbaf que se puede encontrar online.

Nadia Ghulam (Kabul, 1985) coautora del libro El secret del meu turbant (junto a Agnès Rotger), cuenta en primera persona el sufrimiento padecido cuando a los ocho años una bomba la lesionó y le produjo grandes quemaduras, y cómo a los once años tuvo que hacerse pasar por chico para poder mantener a su familia ya que el trabajo estaba vetado a la mujer.

Ahora vive y estudia en Barcelona, con la que ella llama su familia catalana, recuperada del trauma que le causaron las bombas y el fuego talibán. Ghulam ve el futuro de su país y el de las mujeres con cierto optimismo, sabiendo que la brecha que abrió esa guerra se curará con muchos años de paciente reconstrucción, tanto física como psicológica, y desde la creación de escuelas que puedan garantizar la salida de la ignorancia así como la igualdad entre las personas.

Antes del régimen talibán, Ghulam cuenta que en Kabul se gozaba de una libertad e igualdad semejante a la europea, su madre por ejemplo llevaba minifalda, pero después fueron obligadas a ponerse el burka, una cárcel metafórica que las hizo invisibles en la esfera pública y en todos los ámbitos de poder y de decisión.

Con un padre traumatizado por la pérdida de su hijo, ella tomó la decisión de encarnar la identidad de su hermano durante un periodo de diez años y así trabajar en la construcción, el campo o lo que le saliera con el fin de dar de comer a sus padres y hermanas. Su vocación siempre ha sido la de estudiar y ahora mismo lo hace en la universidad en Barcelona, e insiste en la importancia de la educación en las mujeres para que no puedan ser engañadas con normas que sirven para someterlas.

Cuando se escucha a Nadia Ghulam hablando en perfecto catalán y con soltura empática nadie diría que ha sufrido tanto, a lo que ella responde que la ayuda psicológica de su madre catalana la ha ayudado a curar sus heridas y que su país necesita muchas psicólogas como ella. La sala de la conferencia que estaba abarrotada de jóvenes estudiantes conectaron rápidamente con ella, en una vivencia llena de matices que Nadia supo verbalizar y transmitir con optimismo. Un optimismo hacia los cambios que están sucediendo en su país al que recientemente visitó, pese a que es consciente que nada es fácil en esta vida.

La exposición fotográfica de Gervasio Sánchez junto a los textos de Mónica Bernabé, se complementa con la narración de Ghulam. Aunque en ella la primera percepción que he sentido al entrar en la sala, es la de enfrentarme a unas miradas desbordadas de tristeza. Niñas y adultas comparten un sufrimiento profundo e impuesto por un lado por la pobreza y por otro, por la estructura patriarcal que ha enraizado desde que entraron los talibanes, y que las invisibiliza como seres humanos.

La mirada de Sánchez es respetuosa, no toma la victimización como objetivo, se trata más bien, de la denúncia de la situación real de las mujeres en el Afganistán actual. La muestra expositiva está organizada temáticamente, lo que es un acierto, ya que resulta muy pedagógica para todo tipo de público, que puede establecer un diálogo con las obras y contextualizarlas para su comprensión. De hecho me llamó poderosamente la atención, que hubieran dos grupos organizados, uno de alumnos de instituto y otro con gente mayor, en visitas guiadas que acercaban el trabajo y el contenido de esta muestra para hacer aún más accesible si cabe la comprensión de la situación de las mujeres en Afganistán. Esta labor pedagógica es muy necesaria en nuestra sociedad, ya que aquí las estructuras patriarcales son más sutiles pero siguen presentes.

Los bloques temáticos son los siguientes: el matrimonio forzado e infantil; la fuga; la drogodependencia; el suicidio; los avances legales y la realidad; y las consecuencias de la impunidad y la guerra.

Como anécdota puedo decir que unxs chavales no podían creer que en Afganistán a una niña violada a la que habían embarazado fuera considera culpable y encerrada en una cárcel reformatorio durante dos años, mientras que al violador no le sucedía absolutamente nada y seguía tan tranquilo con su vida.

Si he dicho que las miradas las he sentido como un profundo vacío, también he de reconocer que las más vitales me las han transmitido un panel de fotografías de niñas que se empoderan a través del deporte, como es el boxeo y el fútbol, ya que les permite sentirse más fuertes y seguras.

Por último, en el abordaje a esta trama de urdimbres que hacen visible y denúncian la violencia de género en Afganistán, se encuentra la película “A las cinco de la tarde” (2003) de Samira Makhmalbaf. Para esta película la directora convenció a gente normal de la calle para que actuase, en un país que terminaba de liberarse de los talibanes y todavía tenía los preceptos religiosos y machistas muy arraigados.

Es una película donde la joven protagonista aspira a ser presidenta de su país y acude a la escuela sin el uniforme para que su padre, tradicionalista, no se entere de que ella quiere educarse e intervenir en las decisiones políticas. Es un momento de transición en donde lo viejo y lo nuevo se funden en contradicciones y disparidades que generan conflictos en las familias y en las pequeñas poblaciones.

Estas propuestas, en formato conferencia, libro, fotografía y cine son muy interesantes para tomar el pulso y ser conscientes de la violencia de género en Afganistán, sin perder de vista, por otra parte, las cifras estadísticas sorprendentes que muestran la violencia en nuestro país y en Europa, con una democracia más antigua y sin embargo para nada erradicada.

Enlaces:

Nadia Ghulam: http://www.uv.es/uvweb/universidad/es/listado-noticias/comienzan-actos-violencia-genero-conferencia-nadia-ghulam-1285846070123/Noticia.html?id=1285950549215

Gervasio Sánchez: http://www.uv.es/uvweb/cultura/es/exposicions/presentacio-/exposicions-preparacio/mujeres-afganist-gervasio-1285866236311/Activitat.html?id=%201285936223772

“A las cinco de la tarde” de Samira Makhmalbaf (en castellano): http://porelpanyporlasrosas.weebly.com/peliacuteculas-online/pelcula-a-las-cinco-de-la-tarde-online

El arte es político

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Feb 2015 21:23:00 +0000

Próximo a la Feria de ARCO 2015, han venido a España el grupo de artistas Guerrilla Girls, que en 1985 ya destacaron por el cartel “¿Tienen que desnudarse las mujeres para entrar en los museos?”, slogan que sigue vigente actualmente tanto como entonces y sobre todo en cuanto a representación de las mujeres artistas en los circuitos de arte más importantes de nuestro país y, naturalmente han llamado la atención de los medios de comunicación en estos días.

En un artículo de opinión en El País (14/02/2015 edición impresa), Javier Maderuelo invitado a escribir sobre la pregunta del slogan de las Guerrilla Girls, responde que él tiene clara la respuesta: “en el museo los únicos que deben entrar son aquellas obras de arte que sean paradigmáticas por su excelencia estética o su cualidad historiográfica …() Cuando se plantean cuestiones sobre si las obras que deben entrar en un museo han sido creadas por hombres o mujeres, blancos o negros, cristianos o musulmanes, locales o forasteros estamos claramente desviando la cuestión sobre su necesaria excelencia para centrarla en otros temas de índole política o sociológica. Mi pregunta entonces es ¿qué pinta la política en un museo?”

Mi respuesta también es clara y contundente: Lo pinta todo. La política no puede separarse del arte, ni de las mujeres, ni de cualquier interacción en la vida. Tanto la política como la religión son dos pilares fundamentales del patriarcado que regulan el círculo vital de cada individuo. El arte antiguo estaba dirigido por estos poderes y poca libertad tenía el artista, que debía romperse la cabeza para abrir resquicios en el mandato. Por otra parte ¿qué es la esteticidad sin contenido (sin política), sin verdad, sin sentimiento? Parece que continúa habiendo una idea muy romántica sobre el arte y su belleza la cual debe ser pura, inmaculada, estática, sin dolor real, sin sentimiento real, ese dolor que sufren muchas mujeres por ejemplo y que mediante al arte se contribuye al cambio social a la sensibilización.

Podremos pensar con gran optimismo que la igualdad entre las personas ya se ha alcanzado en los países democráticos, pero este hecho sigue siendo teoría, no una práctica cotidiana. En la pasada Feria Internacional de ARCO 2013, el porcentaje de mujeres artistas españolas era del 4% según el Informe MAV¹, dejando la cifra muy parecida a cuando comenzó por primera vez ARCO en 1982. ¿Cómo es posible que apenas tenga representación el arte que hacemos las mujeres, cuando somos un 65% de matriculadas en la Facultad de Bellas Artes y un 74% en la de Historia del Arte?

Otra pregunta que me hago es ¿qué mirada aplican los y las galeristas en su selección de artistas? Porque es curioso que las mujeres que dirigen galerías son la mitad que los hombres, pero eligen el doble de mujeres artistas que ellos (también observado en el Informe MAV).

Precisamente es ARCO quien presume de que “el arte nacional son la cara de un país, donde la creación pictórica o escultórica ha sido un fortín para la denuncia, la reflexión de la realidad y la crítica sociopolítica”².

Por otra parte, si entendemos que en la Universidad se imparten conocimientos (por expresarlo de algún modo) por igual a todxs los estudiantes, ¿Por qué no ponen el grito en el cielo ante estas cifras excluyentes? ¿Por qué si aprueban con excelentes notas a las estudiantes, no salen a los medios a defenderlas con uñas y dientes? La función de la Universidad no debe quedarse tan estancada en su propia esfera y supervivencia y luchar por la proyección de los trabajos de sus alumnas más allá del aula, porque si no nos defienden, darán crédito a las apuestas que se hacen hacia los artistas extranjeros como más aptos o más “universales”.

Sigue habiendo una mirada masculina y patriarcal que impregna esa mirada universal, que no es capaz de ver que la suya es sesgada y tan política como la que más, inclinando la balanza hacia el lado que más le interesa y por tanto no tiene capacidad de ser objetiva. Linda Nochlin dijo aquella frase bandera del feminismo: Lo personal es político, y es un hecho que las mujeres artistas españolas seguimos alejadas de los grandes circuitos, por tanto es político. Pocas artistas lo consiguen y con ellas se cubre el cupo políticamente correcto, bajo el yugo del mercado del arte dominado por el hombre. Nosotras ya hemos abierto la mirada hace tiempo, a ver cuando la abren ellos.

1El Informe MAV ARCOmadrid2013, analiza la presencia de artistas mujeres en la 32.ª edición de ARCOmadrid 2013

2Documento de ARCO 2015, página 25 Descarga: http://www.ifema.es/arcomadrid_01/

Exposición MUJERES: TERRITORIOS ARTÍSTICOS DE RESISTENCIA en la Nau Valencia.

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 09 May 2014 15:35:00 +0000

Mercè Galán

Un impresionante vestido negro nos recibe en la entrada de la exposición en La Nau. Y cuando escribo impresionante lo hago deletreando la palabra lentamente, porque no es lo mismo admirar el vestido de cable negro en una fotografía que verlo en toda su presencia. El vestido, obra de la artista Maribel Doménech se empodera del espacio físico con sus más de cuatro metros de anchura. El vestido conectado es expansivo, navega por el espacio de la sala en suaves ondas, deshaciéndose de tallas y ajustes contreñidores y asfixiantes. El cable con el que está tejido es metáfora de comunicación, de conducción, que viste el cuerpo de la nueva mujer conectada.

Tradicionalmente una de las tareas propias de las mujeres ha sido la de las agujas y el hilo para confeccionar ropa a los miembros de la casa, y en algún rincón de la casa podía hacer la labor con destreza y con mucho amor. La obra de Maribel Doménech subvierte la parte impositiva del patriarcado, para crear un vestido propio para la mujer, donde los nudos del vestido son como una red de nodos conectados a Internet, que reclaman salir de la soledad y del aislamiento del hogar, de la atomización que ha sufrido la mujer por el simple hecho de ser mujer. Maribel Doménech ha creado una conexión móvil, una segunda piel protésica que le permite conectarse desde una habitación propia (Wolf) y conectada (Zafra, 2010) o bien desde el espacio público, porque este vestido-prótesis unido al cuerpo y desde una conciencia crítica y política nos acerca a la figuración cyborg donde repensarnos las mujeres.

Si el vestido de Maribel Doménech decía que se empodera del espacio, no menos lo hace la voz de la comisaria de la exposición Irene Ballester. Escuchar sus palabras sobre las artistas que exponen, el contexto social y la invisibilización nos mantiene en un suspiro contenido. Ha hablado de feminismo y de la necesidad de seguir buscando espacios igualitarios dentro del arte, de una sororidad en la que es más necesario que nunca apoyar el trabajo de cada una de nosotras entre nosotras, porque el patriarcado no lo hará, y si alguien lo duda, puede visitar las estadísticas de mujeres artistas en la reciente muestra de ARCO, o en la noticia de hoy donde se reúnen los empresarios de España con el Presidente del Gobierno y no hay ni una sola mujer, http://blogs.elpais.com/mujeres/2014/05/rajoy-empresarios-foto-verguenza-no-mujeres.html

Caminamos a la siguiente sala, cinco artistas la comparten. Las obras seleccionadas dialogan bien en el espacio. Impecable. Ana Gesto propone dos fotografías de gran formato en blanco y negro y en donde la artista arrastra por una cuesta callejera unas cuantas cacerolas atadas a su cuerpo, en una acción envuelta de soledad y luz de farolas.

Diana Coca en contraposición muestra un par de fotografías donde el color cobra importancia. Unas imágenes muy duras, pues tras su superficial belleza observamos el cuerpo de la mujer como un deshecho, tras un acto de abuso y humillación.

Junto a ella, una fotografía en blanco y negro de Myriam Negre, con el cuerpo de una mujer fragmentado en dos en una mirada de tinte poético.

En la pared frontal, Inmaculada Salinas expande en un mural de noticias enmarcadas, la representación de la mujer presente o ausente recogida de los medios de comunicación.

Consuelo Chambó, deja abierta en tres fotografías la diversidad de cuerpos femeninos que existen, en contra de ese uno al que nos quieren reducir y someter con medidas de perfección que no son reales.

En la siguiente sala, Teresa Cebrián habla del dolor físico, con un vestido hecho de patrones y de alfileres que se clavan en él.

Rossana Zaera a través de los objetos cuenta historias creadas con objetos de otros tiempos y cargados de significados, objetos con memoria. Guarda su pelo desde niña y lo utiliza como hilo para coser, en una máquina antigua, lo mismo que tazas y platos delicados utilizados por su abuela y que remiten a la familia y al pasado.

Carmen Calvo interviene sutilmente sobre dos fotografías antiguas, resaltando sin embargo, con potencia la falta de voz para “hablarse”, para ser sujeto de enunciación.

En la última sala una infografía de Marina Núñez que actúa de contrapunto por tamaño con la vídeo-proyección de Cristina Lucas. La sirena de Marina Núñez está atrapada y lucha por salir. Aquí no se trata de una sirena que busca un príncipe en tierra firme y del que se encuentra locamente enamorada, como la próxima película que dirige Sofía Coppola. El cuestionamiento de Marina Núñez es sin duda mucho más transgresor e interesante.

Cristina Lucas nos impacta con un vídeo en alta definición y velocidad, con una imagen lenta casi congelada, en donde los personajes parece que se salgan de la pantalla para invadir la sala. Las imágenes constatan como las mujeres han luchado a lo largo de la historia junto a los hombres y una vez finalizada la batalla, no se han beneficiado de los derechos conquistados, de nuevo el patriarcado las ha encerrado en la casa y sus labores, aisladas de otras mujeres para que no hicieran su lucha particular y lejos de la cultura y el pensamiento intelectual.

Una exposición muy recomendable.

ANTONI MUNTADAS en el barrio de El Cabanyal

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 10 Feb 2014 15:15:00 +0000

Antoni Muntadas, en una pincelada, es un artista pionero en utilizar las nuevas tecnologías para hacer arte, y sus intervenciones en espacios públicos, cuestionando la arquitectura y la vida social, son bien conocidas por la gente, aspecto que nos interesa especialmente en este artículo.

Como docente, Muntadas ha impartido clases en universidades de todo el mundo y como artista, su obra está repartida entre los museos más conocidos. En 2009 fue reconocido con el Premio Velázquez.

Hoy queremos resaltar una obra suya, que nos es muy cercana, situada en una planta baja, de la calle Escalante de El Cabanyal (Valencia). La realizó hace 13 años y pervive joven y vigorosa como entonces. Se trata de un texto situado en una luna que da a la calle y que los vecinos disfrutan a diario en sus paseos por el barrio.

La obra ATENCIÓN: LA PERCEPCIÓN REQUIERE PARTICIPACIÓN, intervino en 2001 en el proyecto Cabanyal Portes Obertes. Una convocatoria artística que viene celebrándose desde 1998 y por el que han pasado desde jóvenes artistas hasta consagrados, así como de una abundante y activa participación ciudadana.

La obra de Muntadas nos impele, nos incita a ese estado proactivo, y su propuesta no ha caído en saco roto. Las vecinas y vecinos del barrio, participan activamente conscientes de su aportación, en todos los aspectos de la lucha del barrio por su mejora y acondicionamiento vital. Luchas que después de 16 años están empezando a dar sus frutos positivos.

La obra en el museo puede permanecer muy bien conservada, iluminada, etc., pero esta obra de Muntadas a pie de calle, es observada por todo tipo de personas y durante todos los días del año. En eficacia gana al museo con creces.

El jueves, es el día en que se monta el mercadillo del Cabanyal. Los tenderetes inundan la calle Escalante, con todo tipo de objetos a la venta: ropa, zapatos, hilos, telas, juguetes, objetos de cocina..., y el escaparate intervenido por Muntadas, en rojo fuerte reclama nuestra vista, aguijonea nuestra curiosidad con una frase que al principio resulta algo enigmática y revolotea por la mente como un juego.

El barrio de El Cabanyal es una obra de arte arquitectónica en sí misma, las intervenciones artísticas todavía lo hacen más atractivo e invitan a la gente a visitar y conocer un barrio de Valencia a menudo desconocido por muchos de nuestros conciudadanos que viven en el centro. La instalación de Muntadas que ha quedado desde aquella convocatoria, es otro granito de arena que engrandece y mejora el barrio.

Entrevista a Verónica Vicente

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 06 Feb 2014 22:07:00 +0000

Mercè Galán

http://www.veronicavicente.es/

Una roca en la calle, sobre la acera del medio urbano, junto a una escalera de piedra, incluso en la cafetería de un museo. Una roca mimetizada con el medio, apenas visible y que de repente detectamos por el rabillo del ojo cuando se mueve. Pero no paramos, la miramos con desconfianza y seguimos nuestro camino si cabe con más rapidez. Bajo la dureza de la roca palpita el corazón de la artista Verónica Vicente, entre el abandono y la presencia.

Cortesía de la artista

Verónica Vicente es una joven artista que se está abriendo camino con fuerza. Ha sido premiada y seleccionada en distintas muestras, como en el VIII Premio Auditorio de Galicia, recientemente. Una obra interesante a la que hay que seguir el rastro.

En tu website he visto que tus proyectos están muy bien narrados, poéticos, hay una clara intención de llegar al espectador y hacerle cómplice.

Puedes hablarnos de qué lecturas te nutres ¿Quienes son tus referentes literarios, filosóficos...? ¿Si hay alguna en especial que te haya influido?

En ese sentido no tengo claros referentes a los que siga fielmente, normalmente investigo para cada proyecto determinado, aunque todos están relacionados. Mis proyectos nacen por alguna necesidad, preocupación u obsesión o incluso a veces de forma casual o azarosa y es a partir de ahí que tomo el hilo para la investigación. Mientras tanto trato siempre de leer un poco de todo: desde el periódico hasta el análisis de una obra o una exposición que me interese especialmente hasta ensayos o textos filosóficos, dejando siempre un hueco para la literatura y las historias que te hacen volar la imaginación.

De repente, el otro. 2013

Es un proyecto que de momento no tiene fin en el tiempo, según comentas, mientras sigas encontrando fotos. ¿Nos comentas algo más acerca de este proyecto?

Este proyecto nace de la casualidad de encontrarme asiduamente fotografías tipo carnet perdidas en el suelo durante algún tiempo y en varias ciudades en las que he estado viviendo. En ese momento surgía un encuentro especial, pareciera como si realmente las personas retratadas en esas fotografías me estuviesen esperando y mirando fijamente, como en un cara a cara real. De esas experiencias surge la necesidad de hablar sobre la construcción de la identidad individual o personal basada en la presencia de los otros para formarla.

Al mismo tiempo este proyecto me ha llevado a otro de similares características y que versa sobre mi propio nombre y la construcción de la identidad duplicada. Se está gestando muy poco a poco porque de él depende la participación de otras personas pero espero pronto poder mostrarlo.

Una estrategia de la apariencia

En este trabajo hablas de la invisibilidad del individuo y como la ciudad se lo traga tras haber perdido la identidad. Aunque voy a desviarme 180º del sentido que tú reivindicas, la red puede recopilar tantos datos de los usuarios, y su identidad tan desperdigada que ¿puede desear esa Invisibilidad?

Yo creo que todavía no somos totalmente conscientes de hasta qué punto todo lo que ponemos en internet queda registrado, que tenemos todo un rastro muy complicado de borrar tras cada palabra, imagen o acción que realizamos diariamente. Pero ya no sólo en internet, basta con salir a la calle, dejar el coche en un parking y pagar con una tarjeta de crédito que todos nuestros datos quedarán grabados por donde quiera que pasemos, o incluso simplemente dando un paseo seremos grabados por varias cámaras. Es como un laberinto sin salida en el que nos dejamos llevar por todas las comodidades que suponen las nuevas tecnologías sin saber muy bien hacia donde nos dirigimos.

Esta pieza la realizaste en museo CaixaForum de Madrid y en la cafetería del Museo Reina Sofía. Al no haber tenido el placer de asistir a esta performance, tengo curiosidad por conocer algunas algo más sobre la grabación -¿La cámara estaba visible al público? ¿Sabían que era una performance artística?

Para grabar la video performance de “Una estrategia de la apariencia” situé la cámara estratégicamente al lado de una cabina telefónica para que estuviese lo menos visible posible (mientras un amigo la vigilaba desde la cabina). Me interesaba que la acción surgiese como de la nada, como algo normal o cotidiano y en plena calle; fue grabada al lado de la estación de autobuses Méndez Álvaro de Madrid y el resto de fotografías también en Madrid y siempre en plena calle, a la vista de todos y sin previo aviso.

Tanto la fotografía del CaixaForum como la de la cafetería del Reina Sofía fueron con autorización. En el caso del CaixaForum la realicé un día normal y con gente (aunque por las escaleras apenas había tránsito en el momento de realizarla) pero en el Reina fue el día que cierra al público, cuando me la autorizaron hacer.

En esas dos ocasiones no estuve a la vista de público pero ese acto performático lo realicé en directo varias veces con motivo de la inauguración de exposiciones. Y, sorprendentemente, la reacción del público era más o menos idéntica que en la calle y seguí pasando prácticamente desapercibida, aunque en ese contexto la gente preguntaba más y lo podía relacionar con las fotografías que en alguna ocasión también mostré del mismo proyecto. Incluso alguna persona se atrevió a tocar intentando descubrir de qué se trataba, si era una escultura o a qué se debía el movimiento. Pero en la calle la mayor parte pasaba de largo.

Enlace a la performance

Es cierto, la gente intrigada, incluso te toca al notar que hay algo de movimiento, e invita a otros a que toquen. ¿Te gusta que exista esa interacción entre la gente y tu obra performativa?

Hay siempre un impulso prácticamente incontrolado que te invita a tocar todas las obras que se muestran en una sala de exposiciones sobre todo si se trata de algo escultórico, a mí también me pasa y pienso que en algunas ocasiones debería estar permitido experimentar el tacto de lo que estamos viendo. En este caso no es el objetivo principal ya que se llevaría la acción a otro terreno pero entiendo perfectamente ese atrevimiento y ese querer descubrir por otro sentido lo que hay delante de los ojos, en cierta medida veo lógica esa reacción.

Luciérnagas

En Luciérnagas trabajas con imágenes de edificios de noche, sobre lo privado y como es saqueado cuando se hace público al encender la luz, a partir de la imagen voyeurista de otros. Pero ¿Qué opinión tienes sobre todas las intimidades, textos e imágenes que compartimos por las redes sociales? Además de que pueda existir el voyeur, hay una intención egocéntrica en nosotros por dar a conocer todos los detalles de nuestro día a día.

El ser humano actual y ya adaptado a todo tipo de dispositivos tecnológicos conectados a la red juega al exhibicionismo diario, quizás todavía no muy consciente de ello, porque ahora la red es como el nuevo espacio público, construimos ahí una nueva identidad. Nuestra identidad real es suplantada por nuestra mejor foto con el filtro más adecuado para poner de perfil, no subimos a la red aquello de lo que no estamos orgullosos de nosotros mismos. En realidad en internet aparecemos como queremos ser y no tanto como realmente somos. Aunque siempre hay muchos matices. Y es así porque ya hemos llegado a un punto en el que si pones tu nombre en Google y no aparece nada, o no tienes una cuenta en alguna red social parece como si no existieras... como si la vida real fuese ahora virtual. Es un círculo vicioso.

Entre Bambalinas

Retrato personal de un actor desconocido, de una sociedad simulada. Porque ahí debajo estoy yo, viendo sin ser vista, estando sin estarlo. Porque ahí debajo está el espectador, estamos todos.

-Voy a tomar parte del sentido de tu pieza y pasarlo a una situación social reciente ¿Piensas que después de salir a la calle y ofrecer una resistencia de todos los grupos que se unieron al 15M aún seguimos de espectadores, seguimos escondidos bajo la cama?

En “Entre bambalinas” yo hablo más bien sobre el espectáculo que supone la vida social, la teatralidad o la ficción que sumamos unos y otros, de los diferentes roles que desempeñamos en el día a día pero para nada pienso que sigamos siendo espectadores pasivos ante la que nos está cayendo... formamos cada vez más parte activa de las reivindicaciones de nuestros derechos. Sólo hay que ver lo que pasó en Gamonal.

Tanto Entre Bambalinas como en las imágenes de Frontiere a en pas franchir?, aunque los espectadores acompañamos la mirada del voyeur, del espía de lo ajeno, contemplamos espacios sin personas, de una terrible soledad. ¿Qué tipo de barrera es la que hemos construido que nos mantiene a salvo y al tiempo aislados?

La “barrera” tecnológica que nos hace ser seres solitarios desplazando parte de nuestra vida a lo virtual. Las nuevas tecnologías están muy bien porque nos podemos sentir así quizás más seguros y nos proporcionan muchas comodidades y ventajas, pero quizás también más inseguros por sentirnos completamente controlados y cada vez más solitarios, se está perdiendo el contacto cara a cara. A modo de ejemplo, hace poco vi “Her” de Spike Jonze, en la que el protagonista se enamora de un programa informático creado a partir de sus gustos, preferencias, e-mails, redes sociales... Es decir, su pareja ideal pero virtual, la pareja perfecta hecha a medida pero que es de mentira; aunque para él es incluso más real que su propia vida, se acaba aislando de todo el mundo por escuchar su voz... y sin duda cabe preguntarse ¿dónde está el límite?

Entrevista a la artista BIA SANTOS

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 06 Jan 2014 22:08:00 +0000

Mercè Galán

Hoy entrevistamos a la artista multidisciplinar Bia Santos, nacida en Paraná (Brasil) y actualmente viviendo en Valencia en el Barrio de El Cabanyal. Su investigación artística la desarrolla en el arte feminista y las intervenciones en el ciberespacio.

Bia, estás preparando un nuevo proyecto de CraftCabanyal en el que has embarcado a la gente del barrio de El Cabanyal. Allí has realizado muchas intervenciones durante los últimos años.

-¿Por qué El Cabanyal y no otro barrio?

El segundo día que llegue a Valencia tuve la oportunidad de depararme con el barrio del Cabanyal, me quedé impresionada con su arquitectura modernista, la trama urbana con las calles paralelas al mar, los alicatados, balcones, ventanas, etc… y por coincidencias del destino, casi 10 años después, el Cabanyal es el lugar donde vivo en la actualidad, donde constituí una familia, nacieron mis hijos, donde me gusta vivir.

En 2002 recibir una Beca del Ministerio de Cultura de Brasil para ampliar mis estudios en Artes en la UPV, y fue cuando conocí la problemática del barrio del Cabanyal, un barrio marinero amenazado por un proyecto urbanístico que pretendía partir la trama urbana en dos, condenado a 1.651 viviendas, para la realización de una gran avenida que conectaría el centro la ciudad con el mar (hablo del pasado por que creo que ese proyecto no se realizará). Fue en este periodo que conocí la actividad del colectivo vecinal “Plataforma Salvem El Cabanyal – Canyamelar – Cap de França”, una iniciativa ciudadana, que desde 1998 realiza diversas acciones en defensa del barrio. Una de las acciones es “Cabanyal Portes Obertes”, un iniciativa donde el arte pasa a ser un altavoz de la problemática, en el que la propias casas y espacio del barrio albergan intervenciones artísticas. A partir de entonces empecé a colaborar con la Plataforma Salvem el Cabanyal en la organización de Portes Obertes y en las acciones y actividades en defensa del Barrio, por que creo que es necesario luchar para defender un patrimonio que es de todos.

En 2011 junto con Emilio Martinez y Lupe Frigols, coordinamos el proyecto Cabanyal Archivo Vivo, que tiene como objetivo la puesta en valor, a través de las herramientas de la cultura, de los valores, la identidad, la memoria, a través de un conjunto de acciones en el espacio real y en Internet, que abarcan el ámbito pedagógico (con la realización de un material sobre el patrimonio arquitectónico y cultural del barrio), social (encuentros y mesas redondas con especialistas y asociaciones vecinales del litoral marítimo) y proyectos artísticos (una serie de propuestas a partir de conceptos de geolocalización y la edición de un número especial de la revista “la mas bella”). Ese proyecto fue galardonado con el premio Europa Nostra en la categoría Educación, formación y sensibilización.

El día que presentaste el proyecto de CraftCabanyal a la gente, estuve allí y me sorprendió la gran acogida que tuvo por parte de todo el mundo, tanto de mujeres como de hombres, y tanto de jóvenes como de mayores, con lo difícil que es implicar a la gente en cualquier manifestación artística

-¿Qué crees que es lo que les gusta para participar de este modo tan entusiasta en tu proyecto?

Lo interesante de los vecinos que son parte de la plataforma Salvem el Cabanyal es su disposición para participar en todo lo que sea colocar en valor al Barrio. Es un colectivo que tiene como principal característica la participación. En todos esos años que hago parte, lo que más me llama la atención es la actitud que tiene los vecinos de enfrentar la problemática siempre con una mirada positiva, en los momentos más duros siempre tienen una posición realista de la situación pero que en ningún momento se colocan lo que podríamos decir “la mascara del victimismo”. Son personas que saben del valor que tiene el barrio, sus casas, sus historias, memorias, y por eso resisten! Esa actitud de resistencia pasa a ser el referente de los vecinos y prolifera por innumerables lugares, como bien dice el grupo asturiano llamado León Benavente “Y resisto como resisten en el barrio del Cabanyal. No es eterno, es un Estado Provisional”.

Por la Plataforma pasan continuamente creadores que desarrollan proyecto relacionados con el barrio, y de manera positiva siempre son bien recibidos.

Con el paso del tiempo, 15 años de actividades principalmente con Cabanyal Portes Obertes, los vecinos de manera directa o indirecta colaboran activamente con las propuestas artísticas y de una cierta manera pasan a ser impregnados con el universo de la creación. En ese sentido en la última edición de Portes Obertes hemos dado inicio a la actividad CraftCabanyal, donde a través de un trabajo colectivo, utilizamos los valores de los trabajos realizados en general en la esfera privada, como el bordado, el crochet, patchwork, el ganchillo, etc…, que pasan a ser vehículo de protesta en relación a la problemática del barrio. En un periodo de 6 meses, realizamos más de diez proyectos, en los que participaron tres generaciones de vecinos y vecinas del Cabanyal que estuvieron recuperando agujas, telas e hilos, realizando las piezas para ser ubicadas en edificios, espacios públicos y en las calles del barrio. Tratamos de reivindicar la singularidad del barrio, marcado por un estilo ecléctico modernista y artesanal; su memoria; manera de vivir peculiar y por tanto el patrimonio artístico y cultural de la ciudad de Valencia.

Entre los trabajos realizados destaco “Què pasa acì?” un bordado de 4 x 5,5 m del plano del barrio del Cabanyal. Con hilo rojo delimitamos el trazado de lo que está declarado como Bienes de Interés Cultural. Dentro de ese trazado están implantados chips de audio, donde se puede escuchar testimonios sobre el barrio. Grabados previamente los audios, en un total de cinco, y los señalizamos con telas de colores bordadas con la pregunta: Què passa ací? > PREM.

Ahora esa obra pasa a ser plasmada en la red, pasando a ser un web_art en un proceso de interactuación ampliada, donde se escucha y se puede dejar registrada la impresión de los visitantes sobre el barrio del Cabanyal. Utilizando los elementos de la obra como interface para la web, en una especie de juego, puntos calientes son señalizados a través del ratón como hiperlinks que te llevan a la narración de los testimonios. Son 5 narraciones que hablan sobre en barrio desde diferentes visiones, como el recuerdo de la infancia de cuando se jugaba el la calle, o cuando pasaba el carro del pescado; o de donde has vivido y lo que se hacía, hasta hoy en día como es visto el barrio desde una visión de nuevos moradores o de vecinos de otros barrios que de manera crítica reacciona contra el plano urbanístico del ayuntamiento de Valencia, donde al “miopía” política hace barbaridades con relación al patrimonio de todos.

En una segunda pantalla, planteamos un paseo virtual por el barrio a través del google maps, en un reconocimiento del área localizando sus espacios emblemáticos, para finalizar nos deparamos con un formulario que hace la pregunta: Què passa ací? y sugiere que registre su impresión sobre el barrio del Cabanyal.

http://craftcabanyal.espai214.org/

-¿En qué consiste el proyecto? Puedes introducirnos en él...

Debido la gran acogida de los vecinos con el proyecto de CraftCabanyal que de una cierta manera fue una experiencia placentera donde distintas generaciones tuvieron oportunidad de intercambiar experiencias, y tuvieron la posibilidad de realizar sus propias creaciones, la motivación de realizar otro proyecto parte de la propia reacción del colectivo de no querer parar y la incorporación de muchos vecinos que no tuvieron la posibilidad de participar del anterior que ahora hacen parte. El nuevo proyecto de CraftCabanyal consiste en desarrollar entre todxs un libro en tela, tamaño 50x40 cm cada página, teniendo como referencia el barrio marinero del Cabanyal, memorias, vivencias, detalles…. Sentimientos.

Cada participante hará dos páginas del libro ilustrando artesanalmente con pachwork, collage, transfer, bordados, ganchillo, dibujo, etc… usando material diverso sin que haga mucho volumen.

En el libro será incrustados algunos chips de audio y marcas de realidad aumentada. También será digitalizado para ser transformado en una versión de libro electrónico lo cual se puede enriquecer con videos, fotos, audios, para tener mayor difusión de la obra.

-Piensas que el arte tiene la cualidad de recordarnos que somos capaces de cambiar las cosas, o quizá no es todo el arte sino una de sus líneas como es el Craftivismo

El arte es un vehículo donde podemos expresas nuestras inquietudes, y por supuesto a través del arte se puede hacer un llamamiento de alerta para poner en evidencia situaciones que necesitan tomar decisiones importantes y que las cosas se puede tomar otros caminos pero el cambio solo puede venir a través de las actitudes, de la consciencia de uno en saber respectar su entorno y a los demás. El movimiento Craftivista proporciona a la ciudadanía, expresarse a través de las manualidades, por más simples que sean y poner de manifiesto que algo necesita ser puesto en evidencia, ser tratado y discutido.

-Bia, ¿Qué hace tan interesante al Craftivismo?

En los últimos años, la utilización de material con el textil en la producción de intervenciones artísticas viene siendo cada vez más frecuente, su proximidad con la artesanía y su vinculación al movimiento feminista hace que esa práctica este directamente vinculada a una expresión artística femenina. Ese quehacer femenino, en general desarrollado en el ámbito privado de la casa, con una expresión de intimidad fue abordado en algunas obras artística no solamente desarrollada por mujeres, es el caso por ejemplo del artista brasileño Leonilson que realizó su producción influida por estas tendencias, así como otros artistas que también se expresan a través de prácticas artesanales.

Se observa que las actividades artesanales de ocupación femenina, comienzan a fusionarse con las artes visuales en procesos híbridos de construcción del lenguaje, como el bordado, la costura, etc., incorporándose desde lo conceptual a lo matérico, donde muchas mujeres artistas utilizan los hilos, lanas, tejidos, agujas, etc…como reclamo contra la marginalización de la actividad artística femenina, pero también como una forma de protesta dentro de un contexto social haciendo un cruzamiento entre la artesanía (Craft) y el activismo.

Varios colectivos vienen desarrollando acciones en torno al Craftivismo, que a través de un activismo personal contribuye para un posible cambio positivo, marcando un diferencial en la lucha de una causa, sea ella benéfica, política o contra la cultura de masas que fomenta el materialismo inútil.

Una gran herramienta que actualmente hace promover conexiones en torno al Craftivismo es la red, como es el caso de Crafitivismo Collective, fundado en 2009 por la activista Sarah Corbett, que a través de su blog y redes sociales, se extiende por algunas ciudades de diversos países. En sus trabajos el colectivo trata temas relacionados con situaciones de injusticia social, tratando de fomentar discusiones. Dentro de las acciones realizadas podemos destacar unas mini pancartas que fueron colocadas en diversos espacios públicos, como si fueran anuncios, en reivindicación de justicia social.

En España actualmente vienen surgiendo diversos colectivos que realizan acciones en el espacio publico como reclamo a reivindicaciones a nivel social, haciendo una llamada a la sociedad y a las autoridades publicas, principalmente en las ciudades de Bilbao, Valencia y Barcelona, entre ellas podemos destacar, “Guerrilla de los ganchillo”, “Urbanknitting” con grupos de trabajos en varias ciudades de España.

Esa posibilidad de realizar proyectos colectivos donde cada persona puede contribuir con algo dentro de sus posibilidad es lo que más me ilusiona en acreditar que juntos sí que podemos!

Entrevista a DAVID CATÁ

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 23 Dec 2013 19:33:00 +0000

Mercè Galán

“De todos los objetos los que más amo son los usados. Las vasijas de cobre con abolladuras y bordes aplastados, los cuchillos y tenedores cuyos mangos de madera han sido cogidos por muchas manos. Éstas son las formas que me parecen más nobles. Esas losas en torno a viejas casas desgastadas de haber sido pisadas tantas veces, esas losas entre las que crece la hierba me parecen objetos felices. Impregnados del uso de muchos, a menudo transformados, han ido perfeccionando sus formas y se han hecho preciosos porque han sido apreciados muchas veces”.

Bertolt Brecht, De todos los objetos.

David Catá. Cortesía del autor

Dientes de león ascienden saltándose la ley de la gravedad en busca de una libertad que sólo los humanos deseamos. Pequeñas nubecillas etéreas que quedan atrapadas en la barba de un joven, de una edad cercana a la del artista que lo ha realizado. Dientes de león tironeados por hilos cosidos a las huellas de sus manos, a rastros que van conformando una memoria y una experiencia vivida llena de amor y dolor. Sí, es un artista joven, pero ya sufre la pérdida, e intenta retener esa memoria insertándola en su piel. Es su modo de expresarse, de comunicarse y de emocionarnos con sus imágenes.

David Catá, encuentra en las fotografías algo que va más allá de un mero objeto, es sensible al sentimiento que lo impregna, a una vida latente que ha quedado y con la que quiere llenarse.

"Déjame Volar, II". Cortesía del autor

David cuando descubrí tu obra me llamó poderosamente la atención, la combinación tan paradójica que se conjuga en tu obra, entre una imagen que resulta muy poética y que ésta llegue a través del cosido de las manos con una aguja, algo que de por sí pone los pelos de punta sólo de pensarlo.

Por otra parte me llama la atención en como te apropias de un mundo que históricamente ha sido adjudicado al imaginario femenino.

-¿Por qué coser? ¿Intentas romper algún estereotipo pertenecientes al género, o eso es colateral?

Soy consciente de que se puede establecer cierta relación por la carga de tradición que tiene el acto de coser, no es algo que me moleste. Desde pequeño he visto a mi madre coser y realizar encargos de costura y ese hecho en cierto modo me ha marcado. Sin embargo no es mi intención el trabajar para romper ningún estereotipo (aunque así pueda ocurrir). Se puede decir entonces que las posibles relaciones entre el imaginario femenino y mi trabajo son colaterales aunque también válidas.

"Del Olvido al Recuerdo" . Cortesía del autor

-Cuando vi tu trabajo “A flor de piel” o “Bajo mi piel” no creí en un primer momento que habías introducido una fotografía bajo la piel tuya de la mano, creí que era una capa fina de látex pegada sobre ella.

-¿Crees que si utilizases látex por ejemplo, en lugar de abrirte y levantarte la piel de la mano, tendría el mismo sentido la acción?

Personalmente me parece que es fundamental que la acción que realizo sea real, ya que estoy hablando sobre vínculos emocionales verdaderos, como esas personas nos marcan y dejan huella… Sería más sencillo hacerlo de una manera artificial, pero considero que no estaría siendo coherente. Por otro lado, al hacerlo de forma real estoy sellando un vínculo con esa persona.

"Bajo mi piel". Cortesía del autor

-Una curiosidad: Cuando ya has introducido la fotografía en tu piel, ¿Qué viene después? ¿La retiras inmediatamente? ¿La dejas durante días?

Una vez he realizado la acción la fotografía la retiro.

"Cimientos". Cortesía del autor

Como te decía al principio me han sorprendido bastantes cosas, entre ellas ver a un chico joven, que ya carga en sus espaldas con palabras como: dolor, pérdida, memoria, amor; Una madurez que ciertamente desconcierta y atrae al espectador.

-¿Tanto significan para ti esas palabras?

Todas esas palabras tienen un significado muy fuerte para mi y están unidas a momentos de mi vida. Los temas que trato en mi trabajo tienen relación con momentos que he vivido directa o indirectamente.

Cortesía del autor

Las fotografías que has realizado para la serie “Déjame volar” en la que utilizas dientes de león, siguen esa línea de lo efímero, lo poético. Sin tener pretensiones psicoanalíticas, pregunto:

-¿son una continuación natural, y por otra parte una necesidad de desprenderte de las ataduras a las que tú mismo te coses?

Todos mis trabajos están relacionados entre sí y mantienen una preocupación común. Mas que desprenderme de esas “ataduras” a las que me coso, es representar de una manera poética lo efímero de la vida. La semilla de diente de león es algo tan efímero que desaparece y se esfuma con un simple suspiro. Suspiros que yo intento retener y dejar latentes en este proyecto. Por otro lado, la semilla de diente de león es generadora de vida, una vida efímera y temporal.

"Déjame Volar". Cortesía del autor

Tu trabajo artístico nace de la huella que te han dejado otras personas en la relación que has tenido con ellas.

-Dime ¿qué relación mantienes con los espectadores de tu obra? ¿Charlas con ellos para saber que huella ha dejado en ellos? ¿la relación con ellos es también un alimento para ti? O sencillamente te mantienes al margen?

Creo que es bueno mantener relación con el espectador y ver cómo y de que manera le llega el mensaje. Compartir impresiones enriquece y muestra las diferentes lecturas y emociones que pueden aflorar en cada persona cuando ve el trabajo.

Cortesía del autor

-En las performances que realizas, el público interviene?

Las performances que he realizado en público son sobre el proyecto “A flor de piel” y este actúa como mero espectador. Estoy completamente concentrado en el proceso performático.

Es una acción íntima y personal que comparto con ellos.

Cortesía del autor

La relación que has mantenido a lo largo de tu vida con distintas personas y familiares doy por hecho que será muy variada, pero de entre las que eliges

-¿hay algún punto que tengan en común y que para ti es esencial?

Todas ellas son personas que me han marcado emocionalmente pero que tienen procedencias diversas: algunos son familiares, otros amigos, pareja, profesores... Es gente que ha destacado en mi historia personal y con las que guardo ciertos lazos. Creo que de alguna manera se podría decir que mi propia persona y experiencias vitales es el vínculo que existe entre todos ellos.

"A flor de piel". Cortesía del autor

La música te ha atraído desde pequeño según comentas y de hecho has retomado tus estudios de Conservatorio. ¿Cómo la unes a tus piezas? Si es que lo has hecho en alguna ocasión.

Es algo en lo que estoy trabajando. Hace unos meses he comenzado un proyecto titulado “Sonidos ahogados” en el que estoy investigando con la imagen y la música. Tengo muchas ganas de ver en que acaba el proyecto.

Agradecemos a David el tiempo que nos ha regalado y realmente lo cercano que es, por nuestra parte seguiremos su interesante trabajo.

Su website: http://davidcata.com/

Desde Liberate Tate a Sustratos pasando por 55 días en Valencia

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 22 Dec 2013 22:33:00 +0000

Mercè Galán

Cuando la Tate Modern de Londres encargó una intervención sobre arte y activismo a este grupo, no pensó que le podía explotar en la cara. Cuando los comisarios se dieron cuenta que el taller que estaban preparando para el evento, iba directo a denunciar las prácticas de uno de sus patrocinadores, la multinacional del petróleo BP, lo censuraron.

La indignación creció entre los participantes y fue el detonante que contribuyó a que esta red de artistas se consolidara y continuara con su práctica artística y activista desde entonces hasta ahora y cuya finalidad es que la Tate deje de lavar la cara a BP (como espónsor) por todos los desastres ecológicos y humanos que está provocando esta empresa.

Han realizado distintas performances en la Tate Modern, colándose en su espacio y vertiendo el oro negro en su suelo.

No conozco que consecuencias penales puede tener estos actos en Londres, pero aquí en España casi me parece imposible que se pueda realizar algo así, debido a las multas económicas disparatadas que acaba de instaurar el Gobierno del PP, para protegerse, porque el miedo es grande. El Gobierno ataca directamente al bolsillo o al patrimonio del ciudadano, cualquier manifestación o crítica ciudadana y artística.

Aquí, en nuestro país, hay otros ejemplos museísticos escandalosos de distinta factura. Un caso paradigmático, es el IVAM, dirigido por Consuelo Ciscar. Aquí tenemos por una parte la compra de unas fotografías (2008) por el doble de su valor a la Galería Tao dirigida por Gao Ping, personaje que ha sido imputado, por presunto cabecilla de la mafia china.

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2013/01/16/valencia/1358367227_942883.html

Fueron 61 obras las que el IVAM compró, de jóvenes artistas emergentes chinos, y que se exhibieron en “55 días en Valencia” y aquí se sitúa la contradicción y la desvergüenza, pues recientemente se ha realizado otra exposición “Estratos” (2013), que reúne a jóvenes artistas emergentes valencianos, en la que se ha pagado a todo el mundo menos a los propios artistas.

A esos artistas que son la base de la exposición, la base de la propia existencia del cubo blanco, la base de que ellos cobren sus buenos sueldos a final de mes.

Al final resulta que este tipo de “sustrato”, sólo lo necesitaban para seguir abonando el sustento del propio organismo.

Si BP utilizaba a la Tate Modern, el IVAM utiliza a los jóvenes de Sustratos para justificarse. Hay que señalar por otra parte, que muchos de ellos se han desmarcado y no les han seguido el juego.

Es evidente que los gestores son los que marcan la diferencia, pero... todo este tipo de macrocentros de arte ¿no estarán ya trasnochados? ¿No será hora ya de salir a la calle y sentir el aire?

Entrevista a JAVIER LLORET

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 19 Dec 2013 21:08:00 +0000

Entrevista a JAVIER LLORET

Mercè Galán

Javier Lloret es un alicantino que se mueve por distintas ciudades. Si el arte tiene la opción de, entre tantas posibilidades, desarrollar la faceta lúdica, en Lloret tenemos el artista que buscamos. Él genera entornos, tanto en el espacio público como en interiores, en donde destaca la experiencia de compartir el juego con personas desconocidas y crear una relación entre ellas, como iremos viendo a lo largo de la entrevista y de su obra. De momento lo defino como artista intermedia, ya que trabaja con distintos medios, sin embargo veremos que no hay una etiqueta que lo defina totalmente y sí una interrelación de conocimiento en diversos terrenos.

¿Cual ha sido tu evolución para llegar a ser un artista intermedia?

Pues, cuando tenía 18 años quería estudiar algo creativo relacionado con la tecnología, pero en España no era posible y yo en ese momento desconocía que existieran carreras en otros países de Europa con un 50% de asignaturas de arte y diseño y otro 50% de asignaturas de tecnología. Ahora empieza a haber más opciones en España como el grado en arte electrónico y digital pero sigue sin haber opciones en universidades públicas.

Así que decidí estudiar ingeniería informática. Dentro de la carrera lo que más me atraía era la asignatura de videojuegos pero no fue lo que me esperaba. Para mi era muy importante tener libertad para decidir y diseñar mi juego pero el profesor no me dejó, todos los alumnos teníamos que hacer el mismo que él había decidido. Tampoco era un caso especial, supongo que es una tónica general en una ingeniería. Pero esa falta de libertad unida a que debido a la complejidad de los juegos comerciales no era factible desarrollar uno por mi cuenta hizo que dejara de estar interesado en el sector de los videojuegos.

Pero más adelante me matriculé en sistemas interactivos. En esta asignatura me enseñaron proyectos más creativos e innovadores que podían ser desarrollados de forma individual o por equipos pequeños de trabajo. Hicimos un proyecto en el que sí que me dejaron libertad creativa así que cuando terminé la carrera busqué trabajo en ese sector y después de unos meses lo encontré en Austria, en Ars Electrónica Futurelab, el estudio de Ars Electrónica que se encarga de diseñar y producir instalaciones interactivas.

Como tenía compañeros que me lo recomendaron y un horario flexible de trabajo decidí matricularme en el máster que había en la universidad de arte de Linz sobre arte interactivo, y este me abrió un nuevo mundo de posibilidades. Aunque al venir de una ingeniería me veía con la necesidad de cursar asignaturas que algunos compañeros que venían de bellas artes habían cursado, por lo que decidí aprovechar mi Erasmus dentro del máster para cursar asignaturas de bellas artes. Y la verdad es que fue una experiencia muy buena y me he quedado con ganas de más así que tengo la intención de continuar con mi formación en arte y diseño mientras sigo trabajando en mis proyectos.

Y seguramente debido a empezar desde una ingeniería no me siento cómodo con la etiqueta de artista, si tuviera que autodefinirme igual lo haría como creador/diseñador que trabaja con nuevos medios e interacción, aunque como es demasiado largo prefiero no hacerlo.

Según tu CV he leído que has expuesto en espacios de arte muy importantes internacionalmente. Mi primera pregunta sería: ¿Te consideras un artista emergente o más bien piensas que has alcanzado una cierta consolidación como artista?

Considero que estos últimos años para mi han sido muy enriquecedores, he tenido la posibilidad de exponer mis proyectos pero no me siento consolidado. Creo que hasta ahora he estado explorando las posibilidades que me ofrece la tecnología para plasmar mis ideas relacionadas con nuevas interacciones. Me siento ahora mismo en un periodo de transición que espero que me lleve hacia una o varias línea de trabajo más definidas.

¿Qué artistas son tus referentes en el pasado cuando empezaste, y cuáles son los de ahora, si han cambiado?

La verdad es que empecé a trabajar en mis proyectos sin un referente claro y en el camino he descubierto obras de muchos artistas de diversas disciplinas que creo que van a influenciar mis futuros proyectos. En lo que respecta a arte interactivo diría que uno de mis referentes es Lynn Hershman. America's Finnest es una de mis obras favoritas de arte interactivo. Dentro del ámbito del game art Jason Rohrer fue uno de los causantes de que volviera a interesarme por los videojuegos.
Últimamente me siento muy atraído hacia las posibilidades que la fotografía y vídeo pueden aportar a mis proyectos. Me resultan interesantes algunos proyectos de artistas consagrados que trababan en video instalaciones como Tony Oursler, Bill Viola, Gary Hill..., y también me fascina el cine de autor, el cine de directores que consiguen crear una atmósfera en sus películas que me intriga, directores como Antonioni, Bresson, Tarkovski, Kaurismäki, etc.

También me resulta muy interesante la creación audiovisual en tiempo real, por ejemplo composiciones para directo de uva o Alva Noto y las posibilidades que ofrece el live cinema.

Has colaborado y eres coautor de trabajos con otros artistas, lo que se enlaza bien en la ruta que han tomado las prácticas artísticas en los últimos años, en donde se hace necesario la sinergia de personas de distintos campos para poder sacar a la luz proyectos ambiciosos y originales. ¿Es posible hacer este tipo de trabajos artísticos solo? ¿Hacen falta apoyos de algún laboratorio de la Universidad o de otro tipo de Institución para llevarlo a cabo? (me refiero en lo económico y en lo cultural, ya que estas entidades tienen un circuito de exhibición muy encarrilado)

Es cierto que en este tipo de proyectos suelen requerir conocimientos de varias disciplinas (fotografía/video/diseño/programación/electrónica/montaje) pero es posible trabajar solo. A mi no me gusta centrarme sólo en un aspecto del proyecto, en mis últimos proyectos trabajo en todos aspectos. Seguramente haga falta dedicarle más tiempo que en otro tipo de proyectos y estar motivado para aprender todo lo necesario para poder llevar a cabo tu idea.

Yo al haber estudiado tecnología estos últimos años he intentado centrarme en estudiar arte y diseño, pero también se da el caso inverso. Tengo compañeros de máster que venían de bellas artes o diseño gráfico y han aprendido electrónica y programación, al principio necesitan ayuda pero con práctica y tiempo consiguen llegar a un nivel con el que pueden trabajar solos en sus proyectos, lo que les da un mayor control sobre su obra.

Eso no significa que descarte los proyectos colaborativos. Como bien dices, en muchos proyectos he trabajado en grupo. Creo que es interesante cuando coincides con alguien y surge una idea de forma conjunta o hay una conexión con un grupo de gente que deriva en un proyecto. Si todos trabajan en la misma dirección creo que el resultado puede ser muy bueno.

Puede ser más conflictivo cuando no existe una clara sintonia en lo que se quiere hacer y se decide trabajar en grupo por el hecho de tener conocimientos complementarios o por falta de tiempo.

Los apoyos institucionales siempre son importantes. En bastantes proyectos se necesita material de un coste considerable, espacio de trabajo, etc..

Yo estoy muy agradecido a Medialab-Prado Madrid, una institución que ha sido un gran apoyo en varios proyectos. Sin su labor creo que muchos proyectos interesantes se quedarían en el tintero.

Su trabajo, para quienes no lo conozcan, es interactivo. El papel del espectador-público es imprescindible para que se materialice en una visualización animada. Todos sus trabajos tienen esa componente dinámica y algunas piezas la interacción es en tiempo real.

Realicemos un breve recorrido por sus últimos trabajos para introducirnos en ellos:

Rubik's Facade- Muestra sobre una fachada (el nuevo edificio de Ars Electronica) el cubo de Rubik que se moverá a tiempo real, cuando sea interactuado por un espectador a través de un cubo-interfaz real el cual tiene unos dispositivos que lo conectan a la visualización.

Aquí tenemos varias claves que definen el proyecto: espacio público, intervención del público que ya no permanece impasible ante una obra, y el aspecto lúdico por el que siente predilección Javier.

Puedes comentar alguno de tus proyectos o alguno en el que se utilice la minería de datos?

Pues en Rubik's Facade comencé a trabajar a raíz de una asignatura del máster de dos años sobre arte interactivo "Interface cultures" que he cursado en la Künst Universitat de Linz. En ella cada alumno tenía que proponer un proyecto para la fachada digital del nuevo edificio de Ars Electronica.
A mi la estructura y la baja resolución de la fachada del edificio me inspiró para mi propuesta. Decidí transformar el edificio en un cubo de Rubik gigante que pudiera ser controlado por otro cubo de Rubik especial, con sensores en su interior. El cubo con el que el visitante interactúa no tiene colores, es algo más grande que un cubo de Rubik convencional. El visitante se encuentra en los alrededores del edificio intentando resolver el cubo de Rubik manipulando el cubo-interfaz y viendo el resultado en el edificio.

La idea es la de convertir uno de los símbolos de la ciudad en un juego, en uno con el que todo el mundo está familiarizado, transformando así el espacio público.
El proyecto se ha alargado mucho debido a varios factores. En parte a la necesidad de encontrar componentes electrónicos lo suficientemente pequeños para que puedan ser incluidos en un cubo que fuera lo bastante pequeño para poder ser manipulado fácilmente con las manos. El no haber encontrado financiación para el proyecto y su complejidad han sido los otros factores que han hecho más complicado dedicarle el tiempo necesario.

En Newshaper, crea una mesa interactiva donde utiliza datos obtenidos en tiempo real, de noticias diarias y donde los usuarios pueden participar creando sus propias redes de relaciones y “mapas emocionales” sobre la base de noticias en vivo procedentes de Internet. Las visualizaciones son distintas a cada momento debido al flujo de datos generado constantemente. Las visualizaciones, por un lado, al ser en tiempo real son efímeras, pero al mismo tiempo, la estructura diseñada permite guardar los datos que han mapeado un momento personal en el tiempo de un estado de ánimo. La intervención por parte del usuario en Newshaper, no sólo genera un efecto visual, existe un concepto más profundo y es que permite romper las estructuras pre-definidas que han sido entregados por fuentes de los medios de comunicación, que previamente las han etiquetado.

http://www.newshaper.net/

Cortesía del autor

En Newshaper utilizas una mesa interactiva que trata la re-contextualización de las noticias diarias. Permite a los usuarios crear sus propias redes de relaciones y "mapas emocionales", si pudieras hablarme brevemente acerca de esto y hacer un poco más de hincapié en tu relación con la tecnología y los datos.

Cuando empezamos a trabajar en Newshaper queríamos crear un entorno en el que los visitantes pudieran crear sus mapas personales de noticias, pudiendo definir las emociones que les producen y redefinir su importancia. Una vez el visitante ha creado su mapa de noticias personal puede ver cual es el estado de ánimo global que le producen las noticias del día y compararlo con el promedio de todos los visitantes.
Newshaper es un proyecto que realicé junto a Mahir M. Yavuz, la idea surgió de forma conjunta, aunque sí que es cierto que Mahir lleva trabajando en proyectos de arte y diseño relacionados con "news feeds" (como por ejemplo NewsKnitter) desde hace bastantes años, así que diría que este proyecto está más cercano a su línea de trabajo que a la mía.

http://www.casualdata.com/newsknitter/

Volviendo al tema de la minería o visualizaciones de datos, sí que es un tema que me interesa. Aunque Newshaper es el único proyecto personal en el que utilizo datos obtenidos en tiempo real cuando trabajaba en Ars Electronica Futurelab, trabajé en el diseño y producción de una instalación interactiva, Stadtmodell para el ayuntamiento de Linz (Austria). El objetivo era visualizar información histórica sobre la ciudad de Linz. El ayuntamiento nos entregó todas las estadísticas que había computado a lo largo de los años, algunas realmente curiosas. Lo que me resultó más interesante del proyecto fue el proceso de selección de información. De entre los cientos de estadísticas que un ayuntamiento contabiliza tuvimos que seleccionar las que nos resultaban más interesantes, clasificarlas y decidir cómo visualizarlas.http://www.postfl.com/artwork/stadtmodell/

Estoy contextualizando tus piezas en el momento en el que vivimos. Un periodo en el que la juventud está movilizándose con manifestaciones en plazas emblemáticas y redes sociales pidiendo un cambio en las políticas para ofrecer algo de futuro.

Tus trabajos, por ej. Lummo o el de Rubik, que toman un espacio público, y lo convierten en un espacio lúdico, cómo se interrelacionan con esta juventud y esta crisis global?

No veo en mis proyectos en espacios públicos una relación directa con un movimiento tan activista como las movilizaciones de la juventud indignada con la situación actual o con la crisis.

Sí es cierto que una intención de transformar el espacio público, y por ejemplo en Lummo Blocks de que la gente socializara en la plaza y tuviera que trabajar de forma colaborativa con un mismo fin pero no veo una relación más allá.

Igual puedo ver una conexión más cercana con Newshaper, en el que sin tener esa componente de tomar el espacio público, en el que una de las idea principales era permitir que la gente pudiera expresar sus sentimientos con respecto a lo que sucede en el mundo.

Otros dos proyectos que tienen relación con el aspecto lúdico son: EV Maze y Lummo Bloks.

EV Maze, es una mesa multitouch en la que un jugador puede diseñar con unas piezas de plástico un laberinto. El otro jugador aparece dentro de ese laberinto y trata de llegar a la salida antes de que acabe el tiempo. La luminosidad y el sonido son pistas para que el jugador encuentre la salida. Cada juego es único. El EV Laberinto se creó en el contexto del taller PlayLab organizado por Medialab-Prado de Madrid y ArsGames.

Medialab-prado.es / arsgames.net /

Cortesía del autor

En Lummo Bloks, en el que han intervenido:Carles Gutiérrez, Mar Canet & Jordi Puig & Javier Lloret y con la ayuda de bastantes colaboradores en el contexto de un taller organizado por Medialab-Prado. Retoma el clásico Juego Tetris y lo transporta al espacio público, concretamente a la Plaza de las Letras en Madrid, para que sea interactuado por la gente que pasea por el lugar. El usuario en este caso interviene con el movimiento de su cuerpo, que es detectado, para encajar las piezas del Tetris que se muestran en una gran pantalla. Se trata de una experiencia lúdica y compartida en el espacio social-relacional.

Cortesía del autor

Has recuperado en tus obras, juegos recientes pero que se han convertido en clásicos, como el tetris, el cubo rubik, el laberinto..., piensas que tus piezas pueden resistir el paso del tiempo? continuar exhibiéndose dentro de por ejemplo 20 años? aunque entonces tuvieran otra lectura y haya otra tecnología más avanzada. O por el contrario son efímeras?

Pues es un pregunta que he comenzado a hacerme recientemente. ¿Por qué algunas obras envejecen mejor que otras? Deben influir muchos factores, pero diría que hay alguna relación con estar muy ligadas a su tiempo, ya sea a la estética o en este caso a la tecnología. El avance de la tecnología permite nuevas creaciones, y es muy excitante las nuevas posibilidades que ofrecen, el innovar, pero también tiene el peligro de que la tecnología tenga demasiado peso en la obra. Yo creo que con Rubik's Facade cierro un ciclo, muy centrado en la interacción y empiezo otro, que ya veremos donde me lleva, pero en el que tendré más presente esta problemática.

Las proyectos que has exhibido en una ciudad funcionarían igualmente en otra ciudad (europea)? Descartando las ciudades con movimientos convulsos ahora mismo (Egipto, Siria...) que están inmersos en otras preocupaciones más vitales.

Los proyectos que tienen lugar en el espacio público tienen la problemática de estar completamente ligados al espacio para el que han sido diseñados inicialmente. Para ser exhibidos en otras ciudades o espacios, se tiene que tener en cuenta el nuevo espacio de interacción y de visualización, la iluminación, etc.. para realizar la adaptación del proyecto. Luego hay que tener también en cuenta las diferencias sociales o culturales de los lugares en los que lo expones.

Lummo Blocks fue adaptado a varias ciudades europeas (Berlin, Linz, Sevilla, La Rioja) con una buena aceptación. No hemos tenido la experiencia de exponer el proyecto en lugares en los que las diferencias culturales son tan grandes como los que citas.

Aunque yo trabajé en la versión para Madrid y no en las adaptaciones así que no tuve la ocasión de comprobar en persona las reacciones de la gente en el resto de ciudades.

Respecto al resto de mis proyectos, la exposición de Mix U Up! en varios países de Europa fue una experiencia muy interesante. Lo que quería hacer con este proyecto era mediante un juego/instalación para tres personas en el que se jugaba con colores y formas sencillas, crear una situación en la que cada jugador necesitara la colaboración de otro para poder seguir vivo en el juego.

En ciertos momentos la necesidad de colaborar entre dos jugadores era mutua por lo que no se generaba ningún conflicto pero en determinados momentos esta necesidad no era bidireccional por lo que un jugador debía decidir si ayudaba al otro o se centraba en intentar ganar, ya que al fin y al cabo estaban compitiendo.

Los jugadores jugaban desplazándose en un espacio reducido (3x1.5m) y las colaboraciones se producían por proximidad lo que hacía posible que los jugadores empujándose o agarrándose pudieran conseguir dicha colaboración a la fuerza.

Este conflicto entre competición y colaboración, que creo que se da en algunas situaciones de la vida, hacía para mi muy interesante el observar el comportamiento de la gente. La verdad es que la mayoría de la gente, en el contexto del juego, era muy competitiva, pero sí que se apreciaban diferencias en el comportamiento de la gente en las diversas ciudades. Por ejemplo cuando lo expusimos en Frankfurt, los jugadores que no se conocían no se empujaban o agarraban entre ellos para forzar las colaboraciones y sobrevivir en el juego. En cambio en Bolonia el porcentaje de gente que estaba dispuesta a agarrar a un desconocido en el juego con el objetivo de sobrevivir en el juego era mucho mayor. También es cierto que influyen muchos factores, el público, el contexto en el que se expone el proyecto, aunque en esta experiencia resultaron muy claras las diferencias de comportamiento de la gente de ambas ciudades.

Con STADTMODELL, utilizó minería de datos. El objetivo de la pieza fue visualizar información histórica sobre la ciudad de Linz de modo interactivo por el usuario.

Cortesía del autor

¿Puedes hablarme de tus sensaciones acerca de este proyecto?

Pues fue mi primer proyecto en Futurelab y aprendí mucho durante su desarrollo. Diría que fue un proyecto muy ambicioso con muchos apartados y en el que se visualizaba un gran volumen de datos sobre la historia de la ciudad. Debido a ello fue necesario implicar a casi todo el estudio durante muchos meses, más de los que inicialmente pudiera parecer necesario.

Si puedes hacer un poco de memoria me gustaría saber qué criterio o qué te impulsó a escoger un tipo de datos y no otros, y coméntame cuales fueron los que elegiste.

La decisión fue de todo el equipo de Futurelab. Una de las cosas que me parecía más interesante de trabajar allí es que todos los miembros del equipo, ya sean parte del grupo de diseño gráfico, modelado 3D, programación, montaje, están invitados a las reuniones en las que se toman decisiones sobre el proyecto. En ellas cada uno da su opinión y hace propuestas y aunque los directores del lab o el manager del proyecto tengan más poder de decisión el proyecto se va definiendo de forma democrática. No creo que tuviéramos un criterio unificado, diría que empezamos a descartar datos que no nos interesaban y a partir de ahí se clasificaron en categorías ( ciudad, población, servicios sociales y tiempo libre ) y éstas a su vez en diversas subcategorías.

Aunque más que una decisión fue una propuesta porque el ayuntamiento luego añadió muchos datos que no habían sido seleccionados.

En este caso de Linz, la selección de datos la elegisteis tú/ vosotros, pero en algún otro caso te has encontrado que es la Institución que subvenciona el proyecto la que elige los datos a visualizar?

Siempre hay diálogo o negociación con la institución, algunas veces tienen muy claro lo que quieren y tienes menos libertad. En este caso al principio el ayuntamiento tenía una idea general de lo que quería y conforme avanzaba el proyecto e íbamos haciéndole propuestas y mostrándole su evolución fueron interviniendo más, eliminando, cambiando pero sobre todo añadiendo información que no estaba en nuestra propuesta inicial. Por ejemplo, a mi me interesaban más otras partes del proyecto pero el ayuntamiento decidió que era importante mostrar una enorme cantidad de información sobre los puntos de interés de la ciudad por lo que tuvimos que invertir mucho tiempo en ello.

Cortesía del autor

¿Te guía alguna preferencia hacia lo social, lo lúdico, la estética de la visualización, etc.?

A mi personalmente me atraen más las visualizaciones que consiguen mostrar realidades que se encuentran ocultas entre un mar de datos mayoritariamente sobre temas sociales. Como ejemplo podría poner el proyecto They Rule de Josh On.

Aunque en un proyecto de este tipo, comercial o para una institución pública, tienes menos capacidad de decisión por lo que también tienes que encontrar motivación en experimentar con la estética y la interacción, porque suelen ser los aspectos en los que el cliente te deja una mayor libertad.

Dentro de esa vertiente lúdica que recorre tu obra...

¿Quién es tú público, a quien van dirigidas tus piezas?

Pues no creo que tengo un público objetivo. Cuando comienzo un nuevo proyecto no pienso en a quién va dirigido. Mis proyectos surgen de una idea que siento la necesidad de materializar. Si consigo plasmar la idea que tenía en mente me doy por satisfecho, sin preocuparme en exceso de su acogida. Así que supongo que se podría decir mis proyectos van dirigidos a mi mismo.

Además de la sensibilidad propia de cada persona, piensas que hace falta educar al público en las nuevas piezas de arte y tecnología?

No creo que sea algo específico del arte electrónico, creo que podríamos decir lo mismo del arte contemporáneo. Creo que el arte que forma parte de la cultura popular es muy tradicional por lo que cualquier forma de arte más contemporánea puede romper los esquemas de una gran parte del público, el que no está familiarizado con las formas de arte menos tradicionales.

¿Ha sido difícil encontrar apoyos, como curadores, galerías, etc., que entendieran tu manera de crear y por ser un artista joven?

La verdad desde el principio no me resultó nada difícil exponer mis proyectos en festivales internacionales. Es fantástico tener esa posibilidad pero el problema es que no se puede vivir de exponer en festivales. Sí que es bastante factible conseguir algunas ayudas o becas de producción pero creo es difícil conseguir las suficientes para no necesitar otras fuentes de ingresos. Supongo que el siguiente paso es el tener un galería que te represente y vender lo suficiente pero no parece algo sencillo de conseguir. Yo creo que no es tanto un problema de edad, si no de tener una línea interesante y muy definida de trabajo y quizás un formato de obra que encaje bien en una galería y algo de suerte.

Entrevista a Cristina Ghetti con motivo del comisariado The Age of the World Picture en THE WRONG

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 16 Dec 2013 15:21:00 +0000

Mercé Galán

Cristina en tu website te presentas diciendo que eres una artista argentina viviendo en Valencia.

-¿Cómo una artista argentina aterriza aquí en Valencia?

Es una larga historia, pero resumiendo, mi aterrizaje aquí fue totalmente casual, siguiendo a un amor por el mundo... Valencia me sedujo desde un primer momento , y ya llevo 15 años por aquí...

-El viernes se inaugura The Wrong, New Digital Art Biennale, en donde tú eres la comisaria del Pabellón The Age of the World Picture. ¿Puedes comentarnos en qué consiste este evento?

El viernes se realiza un evento de presentación, en Plutón, la Bienal es “on line” y está disponible para su visionado desde el 1 de Noviembre. Se han propuesto, como eventos paralelos “embajadas” en distintos puntos del planeta, donde se hace una presentación “real”.

El objetivo de esta bienal es dar visibilidad a un conjunto de artistas que han desarrollado trayectorias muy interesantes, al margen del elitismo de los circuitos artísticos institucionales y del sistema del arte. De ahí la ironía del título, según palabras de su mentor y director David Quiles Guilló. La bienal cuenta con treinta pabellones en Internet, doce embajadas en el mundo real y más de 500 artistas.

Cada pabellón es un mundo, cada uno es el reflejo de la aproximación conceptual y estética de su comisario y los creadores que ha elegido. Yo he actuado como comisaria en el pabellón “The age of the world picture”.

La bienal se puede visitar en : http://thewrong.org

-Los artistas seleccionados van desde jóvenes emergentes, a otros con una trayectoria más experimentada desde los años 90. ¿Cual es el eje vertebrador que has seguido para realizar la selección?

No me apetecía proponer un tema y buscar obras que respondieran a él. Soy antes que nada artista y hago comisariados donde no me gusta tener protagonismo buscando artistas que ilustren mis ideas. El hilo conductor aquí pasó por la voluntad de difundir una producción puntual.

Al recibir la invitación de la organización para comisariar un pabellón no sabía cual seria el contenido de los otros, pero suponiendo que habría una mayoría de obra y artistas anglosajones y norteamericanos, quise poner el énfasis en los creadores españoles y latinoamericanos. Sé que la opción geográfica como eje vertebrador de un comisariado es bastante cuestionable, pero decidí de todos modos apostar a ello dado que me interesa apoyar el trabajo de gente que conozco, muchos de ellos gracias a mi paso por el máster de Artes Visuales y Multimedia, de la UPV. De allí salen cada año jóvenes promesas del arte electrónico, cuyo trabajo merece tener visibilidad. Esto también habla del nivel del máster y de su profesorado, que están haciendo una labor que merece destacarse en el ámbito académico Español.

-Los artistas están trabajando con arte digital que se mueve en la Red, ¿cómo vais a presentar esta muestra en el espacio físico? Es compatible, se enriquece?

Claro que si, en Valencia viven algunos de los artistas que forman parte de la selección, con lo cual presentarán ellos mismos sus trabajos, la experiencia de encontrarse, comentar, discutir, y opinar no solo es compatible con el visionado de la Bienal on line, sino que la experiencia se enriquece en el encuentro real. Presentaremos los trabajos en dos proyecciones, habrá un live set, y una pausa para tomar una copa e intercambiar ideas..

-Un aspecto que me interesa especialmente en el arte es la relación que tiene con el público. ¿Qué tipo de personas siguen este arte digital? ¿hay que ser muy culto o un friki para entenderlo?

Ni lo uno ni lo otro, creo que el único aspecto que interesa es tener curiosidad, y tener claro que las formas de entender y disfrutar del arte están cambiando, una actitud abierta y bastante sentido lúdico es lo que hace falta según mi forma de ver. Creo que las nuevas generaciones disfrutan ya de esta experiencia de manera natural, han nacido ya en la era digital.

-¿Hay alguna pieza de las expuestas que interactúe con el público? ¿De qué forma?

Una cuantas, al ser piezas accesibles desde un ordenador, muchas requieren la participación del público de diferentes maneras: hay juegos on line, piezas para escuchar, video instalaciones, piezas que tratan datos en tiempo real..

Creo que lo mejor es pasearse por el pabellón y disfrutar del trabajo tanto de artistas ya consagrados como Moisés Mañas, Belén Gache, Gustavo Romano, el team Montse Arbelo / Joseba Franco o el Franco-argentino Miguel Almirón. De artistas con proyectos interesantisimos como Sara Malinarich, de Intact Ciberculture, o toda una serie de jóvenes artistas que están realizando obra interesante y que representan a la nueva generación de arte digital español y latinoamericano. ellos son:Azahara Cerezo, César Escudero Andaluz, Damià Jorda, Edu Comelles, Felix Rios, Hanna Schltz,Iona Pergo, Luis Miguel Jaramillo, Iñigo Benito Musseolini,Manuel Ferrer Hernández, Mario Santamaria, Magda Arques

Mer Cuenca, Nacarid López y Virginia Paniagua.

Muchas gracias Cristina por respondernos a estas preguntas, y nos pasaremos el viernes por Plutón para escuchar las charlas y disfrutar del evento.

Entrevista a DANIEL PALACIOS

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Dec 2013 14:45:00 +0000

Entrevista a DANIEL PALACIOS

Mercè Galán

Hoy es como cualquier día. Los rayos del sol se cuelan rutilantes entre los edificios de una gran metrópoli cultural como es Berlín. El tráfico lleva un buen rato arrancando sonidos discordes de sus motores. En ambos sentidos, las aceras son transitadas por gente que se dirige a su trabajo, también por paseantes que visitan una ciudad pujante en donde los proyectos artísticos palpitan.

El trasiego y ruido cotidiano es un marco común en las ciudades que habitamos. Daniel Palacios es un artista que logra establecer una conexión, apuntaría que ecológica, recogiendo los sonidos y otros parámetros, para transformarlos en una obra poética. La ciudad tecnológica se transforma en imágenes y esculturas orgánicas que son la memoria diaria y única de lo que acontece.

El tiempo y su pérdida, es la materia intangible con la que modela y graba su huella. Por la tarde, el edificio de exposición y la calle quedará aletargada y los sensores detendrán su recolección de datos, los láseres y las impresoras susurrantes dejarán de dibujar la historia presente, en forma de grabado sobre láminas de madera, o de esculturas que quedarán silenciosos para ser leídos, admirados y meditados.

Daniel Palacios (1981) es un joven que goza del mérito de exponer en centros y museos tan importantes como los que cito a continuación, con el fin de que el lector dibuje algunas de las escalas en el itinerario recorrido hasta el momento por Daniel: El National Art Museum de China [NAMOC], el Museo Extremeño e Iberoamerica de Arte Contemporaneo [MEIAC] de Badajoz, la prestigiosa Neue Gallerie de Graz (Austria), y el Zentrum für Kunst und Medientechnologie [ZKM] de Karlsruhe (Alemania) uno de los santuarios del arte electrónico a nivel mundial, además de participar en ferias internacionales tales como ARCO y festivales de la talla de Ars Electronica de Linz (Austria), entre otros muchos, tal como versa su currículo.

A este cordobés le interesa indagar sobre el concepto de tiempo del que escribe y reflexiona y como él mismo dice: “Me interesa estudiar la interacción entre el visitante y la pieza”. Interesado en la informática y la electrónica con las que busca generar “un proceso” más que el logro de un objeto final acabado, son herramientas al servicio de la plasticidad. En el momento de esta entrevista (mayo de 2011) tiene una instalación en Alemania en el EnBW showroom bajo el proyecto ‘Measuring Berlin’ . www.enbw.com/showroom

¿Por qué vives en Berlín? ¿Ves que tu trabajo está más valorado, más comprendido, es porque es una ciudad con más salida profesional, en el sentido de galerías y espacios expositivos?

No vas desencaminada, a cualquiera que le preguntases te diría que son muy buenas razones, pero en mi caso la razón principal es que recibí una beca para hacer una residencia en el Künstlerhaus Bethanien, por lo que hasta fin de año estaré por aquí realizando este proyecto de visualización... después ya veremos.

‘Receptive Environments’ Imagen cedida por el autor

Has expuesto en espacios de arte muy importantes internacionalmente. ¿Te consideras un artista emergente o más bien piensas que has alcanzado una cierta consolidación como artista?

La verdad es que no se cuáles son los parámetros para estar dentro o fuera de esa categoría y en cualquier caso los parámetros siempre están en juego, soy de esa generación etiquetada como jóvenes cuando el 'arte joven' se media por el hecho de si estabas por encima o por debajo del limite de edad de las convocatorias... pero cuando cumplimos 25 estas ampliaron el plazo hasta los 30, 5 años después ampliaron a los 35... si pasados unos años aun se hablaba de ti y usar la palabra joven realmente no tenía sentido, entonces eras emergente, como burbuja que se asciende sin saber a que velocidad ni que tan profunda está.

Pero bueno, por un lado más práctico, sí considero que en estos últimos años tengo las ideas más claras, enfoco mejor mi trabajo y trato de hacer los movimientos correctos que me permitan seguir desarrollándolo.

¿Cual ha sido tu evolución como artista hasta llegar al Intermedia ?

En un principio mis estudios fueron bastante clásicos, con innumerables horas de dibujo al carboncillo y estudios de anatomía, que me enseñaron a ver los detalles. Por un tiempo, estuve bastante interesado en la escultura y la fotografía, de las que aprendí estética, algo de lo que estoy muy feliz pues con el tiempo me he dado cuenta de cuan importante es. Pero fue el uso de la programación lo que me permitía generar resultados indeterminados, planteando preguntas en lugar de soluciones concretas, a pesar de que como medio no me atraía.

En este punto el movimiento fue bastante obvio, la electrónica me daba la opción de llevar todos los intereses y opciones que tenia con la programación de vuelta al mundo físico, realizando 'esculturas' que trabajas en con las mismas premisas de indeterminación, pero con un carácter más espacial y estético.

Veo que te interesa indagar sobre el tiempo, el entorno, el espacio, el público, la tecnología..., si pudieras hablarme brevemente acerca de esto y hacer un poco más de hincapié en tu relación con la tecnología y los datos.

La tecnología es una herramienta más, necesaria en muchas ocasiones, pero de la que no hay que abusar; me gusta tratar de mantener las cosas lo más simples posible, a veces técnicamente esto no es posible, pero visualmente no ha de apreciarse.

Tiempo, entorno, espacio, publico... todo es una misma cosa, que esta sucediendo en un lugar concreto en un instante concreto, como percibes esto y como te relacionas con ello. En mi caso me es difícil argumentar sobre estas cuestiones recurriendo únicamente a los clásicos dibujo, pintura y escultura, mientras que la tecnología por un lado permite tener una aproximación más científica tal vez al hecho, este puede ser descompuesto y ensamblado de una forma diferente, potenciando ciertos elementos y suprimiendo otros, de modo que sin ofrecer realmente una respuesta, se generen nuevas situaciones según como se relacione cada individuo con ellas, provocándole dudas y trate de encontrar sus respuestas.

Imagen cedida por el autor

¿Qué criterio utilizas para seleccionar el tipo de datos que se van a visualizar?

¿Por qué esos datos y no otros?

Te diría que la visualización de datos es un campo nuevo para mi, y en cierta forma así lo siento, pero a la misma vez pienso en trabajos anteriores y en cierta forma todos visualizan datos, utilizan lecturas del entorno... supongo que la linea esta en que tan abstracta es la representación. Por supuesto en ningún caso estamos hablando de una representación analítica, pero si hay unos márgenes en los que los datos empiezan a ser el sustento para representar una idea, y son más valiosos como soporte que como hecho en si mismo.

Y siempre seleccionas los datos tú, o en alguna ocasión te has encontrado que es la Institución que subvenciona el proyecto la que te aporta unos datos concretos?

No hago representación de datos históricos, utilizo datos del entorno por lo que siempre han de ser capturados a propósito para esto, se usen en tiempo real o no. El tipo de dato, dependerá del proyecto en concreto en el que este trabajando y cuales sean las ideas detrás de el; por ejemplo, digamos que la base es el público y quieres trabajar con el, según el enfoque que des al proyecto en general puedes analizar que sucede con el publico de formas muy diversas, desde algo tan directo como un tracking por vídeo (infrarrojo o no) o sensores de movimiento, pasando por picos de sonido, hasta elementos más sutiles como niveles de CO2 en la sala... para mi el dato es el medio para revelar un comportamiento que de otra forma pasa desapercibido, y el tipo de dato utilizado ha de ser coherente con eso.

No cabe duda que entre otros artistas y la gente que conforma el engranaje del mundo del arte, eres conocido y apreciado, sin embargo ¿Cual es tu relación con el público al que le gusta el arte, entienden tu obra, te conocen, te compran? El público al principio no entendió a Picasso…, hoy la tecnología está bastante incomprendida?

No creo que la tecnología este incomprendida, si es cierto que hay periodos de adaptación, yo mismo en ocasiones me encuentro en una situación en la que no entiendo nada de lo que estoy viendo u oyendo. Pero el publico en general hoy día esta muy acostumbrado al uso de la tecnología, tal vez demasiado, es por eso que en ocasiones las situaciones inexplicables no sean tanto por la obra en si, sino por el comportamiento del publico. Hace unos años el estándar de comportamiento que habíamos aprendido era la imagen que ofrecían los museos: se mira pero no se toca, y el guarda de seguridad estaba allí para asegurarse de que sea así. Hoy en día vivimos en un entorno en el que todo es táctil e interactivo, por lo que se da la situación contraria, es posible que el publico sobre actúe, intervenga una pieza que en ningún momento fue pensada para algo más que ser observada y escuchada, y el guarda de seguridad no intervenga pues considere que no están haciendo nada mal aunque la pieza pueda llegar a resultar dañada.

Los periodos de adaptación siempre son turbulentos, pero creo que tras la incomprensión y la sobre excitación, viene la calma... y cada vez se ven más y mejores trabajos, además de una relación más coherente con el publico.

¿Quién es tú público, a quien van dirigidas tus piezas, los conoces?

Hmmm, la verdad es que no tengo un target especifico como si de una campaña publicitaria se tratase, tal vez mi forma de replantear las situaciones no sea especialmente clásica, pero las preguntas de las parten son básicas y próximas a cualquiera, por lo que supongo que como en cualquier tipo de manifestación artística, quien se encuentra con las mismas incertidumbres que tú, se sentirá especialmente próximo al planteamiento y disfrute más la 'lectura' de la obra; el resto, trato que aunque tal vez no entiendan cuales fueron mis premisas, tengan motivos propios suficientes para disfrutar la ejecución, al final uno siempre ve lo que quiere ver.

Strata. Imagen cedida por el autor

Además de la sensibilidad propia de cada persona, piensas que hace falta educar al público en las nuevas piezas de arte y tecnología?

Como te decía antes, la aproximación al mundo de la tecnología, la aproximación mayoritaria, ha sido a través del sector recreativo, algo hacia lo que no estoy en contra, pero hay que saber diferenciar y ver los limites, aunque estos sean borrosos. Una puesta de sol, en nuestra cultura, es algo bello y todo lo que nos rodea nos guía a tener este sentimiento... de nuestra propia sensibilidad depende saber apreciar si esta es más o menos intensa e interesante, y disfrutarla más o menos... pero si nuestro enfoque fuese el contrario, nuestra sensibilidad seria igualmente valiosa, pero no para ver el grado de belleza sino de terror.

En la tecnología como todo, hay que saber que se esta viendo, y ser critico... y para eso hace falta esforzarse.

¿Ha sido difícil encontrar apoyos, como curadores, galerías, etc., que entendieran tu manera de crear y por ser un artista joven?

Es una carrera de fondo, y la tecnología no ayuda, hay que tener las ideas muy claras y ejecutarlas de la manera más sencilla posible, y al principio esto no es así. Si echo un vistazo a la carpeta de proyectos sin realizar, hay algunos que la idea de base es buena, pero el planteamiento es un desastre u otros en los que todo gira en torno a un estudio de la técnica, y esto en tecnología a largo plazo no se mantiene por si mismo.

No obstante, he tenido ayudas, tanto de gente como de subvenciones o premios (por todo lo que desencadenan) que me han hecho ver las cosas con más claridad.

Imagen cedida por el autor. Estudio

Actualmente Daniel Palacios sigue viviendo al sur de Berlín en un nuevo estudio. Sus obras se exponen en diversos espacios como el Centro de Arte Palacio Almudí (Murcia) hasta el 01/01/14 como parte de los Premios Internacionales de Escultura Monumental otorgados por la Fundación Gabarrón, la cual itinerará más adelante a Nueva York.

Waves. Imagen cedida por el autor

Waves continua con su propio tour, estando actualmente en Bruselas, justo se inaugura la semana que viene 'Vu a la Radio!' (organizada por Tempora S.A). Una exposición temática sobre el ultimo siglo de radio en Bélgica, donde han elegido Waves como representación de las ondas sonoras. Se inaugura el 11 y estará hasta finales de Abril en Tours&Taxis.

web de Daniel Palacios http://www.danielpalacios.info/es/

VIVIAN MAIER Cazadora de imágenes

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 06 Dec 2013 23:01:00 +0000

VIVIAN MAIER

Mercè Galán

http://mercegalan.blogspot.com.es/

La historia de Vivian Maier me capturó como un disparo de su cámara. No soy la única, miles de personas la siguen a través de Internet a partir de los blogs de su descubridor John Maloof http://vivianmaier.blogspot.com.es/ y Jeffrey Goldstein http://vivianmaierprints.com/ uno de sus mayores coleccionistas.

Aunque fue la historia de su descubrimiento la que me atrapó, y que no voy a repetir para no cansar (lo mejor es dirigirse a las fuentes que termino de citar) hay algo más profundo e único que valoro en estos tiempos en los que en nuestro país, a nivel social y político tanto escasea y no es otra cosa que Verdad, Honestidad. Es una mezcla la que hago quizá un tanto extraña, pero para mí está bien mezclar arte, política, ciudadanía, y todo ello junto o por separado, debe tener esa base de verdad y honestidad.

Vivian Maier no se debía a nadie, pues su afición, que practicó a diario, sólo la conocía ella. No hacía las fotos para que otros las aplaudieran, ni ensalzaran su ego. Se las guardaba para sí misma, incluso cuando andaba escasa de dinero, ni tan siquiera las revelaba, simplemente las guardaba y continuaba comprando carretes para seguir disparando.

Puedo imaginarla saliendo a la calle con su cámara preparada, mientras que la mirada ya estaba mucho más allá observando, analizando, leyendo la situación en su contexto, silenciosa y concentrada.

No creo que sea precipitado asegurar que su mente y cuerpo estaban en lo que veía y no pensando en agradar al público, al comisario de exposiciones, ni tan siquiera a su familia o amigos, los que al parecer eran pocos por otra parte. Es por ello que hablo de “verdad” o de “honestidad” en sus fotografías.

Sobre la vida personal de Vivian Maier se sabe poco, aunque John Maloof, entre otros interesados, están recopilando material que pudiera existir al respecto, sin embargo al parecer ella no dejó escrito ningún texto explicativo de su obra. Sólo su obra, la cual sorprendentemente ni ella mismo llegó a conocer del todo, desde un punto de vista retrospectivo o acumulativo, ya que muchos de los carretes como ya he dicho, los dejó sin revelar. Su trabajo se centró y concentró especialmente en disparar la foto y ese es su legado. Ahí tenemos el “texto” que hay que leer, esa es su “intentio auctoris”.

Para mí, el “corpus” de su obra se convierte en un universo abierto en el que la “intentio lectoris” puede descubrir infinitas lecturas y conexiones, teniendo en cuenta que de momento sólo conocemos la obra parcialmente, pues aún están revelando y clasificando el material que alcanza a los cien mil negativos, por tanto la interpretación debe ser proporcionada y cauta sobre lo que ahora conocemos.

¿Cómo habría vivido Maier ahora, con las posibilidades que ofrece la fotografía digital? Es posible que en lugar de 100.000 fotografías, hubiera al menos cuadriplicado el volumen, por decir alguna cifra. El gasto económico que hace años suponía el revelado (incluso ahora, a los que aún persisten en este método) obligaba a repensar mucho la composición antes de disparar.

¿Cuántas/os Vivian Maier se encuentran en el magma de las redes sociales hoy en día?, que aunque visibles seguramente, también quedan invisibles a causa de la superabundancia de fotografías que circulan.

A nivel formal, sus imágenes se integran bien con fotógrafos contemporáneos. Era una mujer de su tiempo, que iba al cine, al teatro y leía revistas, tal como Life que aparece visiblemente colocada en su bolso en uno de sus autorretratos que hizo en Nueva York, en donde su cuerpo en sombra es como el tronco de un árbol, con la base ancha y las ramas saliendo de sus hombros y cabeza, invernales, dirigiéndose hacia el mar, donde al fondo se ve una ciudad habitada.

Autorretratos en los que aparece su sombra son recurrentes. ¿Quien no ha fotografiado alguna vez su propia sombra? Bien, sólo hay que buscar en Internet para encontrar miles de imágenes de este tipo.

En Vivian sin embargo, hay una insistencia que repite a lo largo de su vida. Jugando con las luces y las sombras. La sombra como alter ego de la luz, ambas son inseparables.

La poética se abre paso en otro de los retratos de sombra en el que lleva una gorra francesa, la sombra escala por la valla de madera reseca y resquebrajada. Pero una planta de cuatro hojas se levanta tímida desde el corazón de su imagen. O en otra, aparece unas hojas secas en el pecho. Son poemas visuales.

Los retratos sobre espejos o escaparates, incluso sobre superficies pulidas y metálicas también son una constante. Maier se integra en su entorno, ella es autora y parte de esa sociedad a la que retrata. Entiendo que hay una intención de sumar, incluso multiplicar como lo hace en el juego de espejos. Maier aparece como una mujer con muchas capas, muchas lecturas, que se parecen pero que son distintas, pues varían las perspectivas. Imágenes virtuales, metáforas de la existencia, que en el rito judío representa la vida, es por eso que cuando alguien muere, los espejos de la casa del difunto se cubren con sábanas, y los que viven durante unos días no deben mirarse al espejo.

Todo lo contrario a lo que pensaba el escritor Jorge Luis Borges¹, donde los espejos eran objetos que formaban parte de sus obsesiones y miedos.

En la actualidad el autorretrato se practica con asiduidad, muchos internautas, se retratan a diario con las webcams en un movimiento que se llama Selfie², un hecho con cierto paralelismo al de Maier, salvando las distancias temporales y tecnológicas.

En este otro autorretrato, las luces doradas que se cuelan por las rendijas de una persiana parecen irradiar de su cuerpo. En muchos de ellos hay alegría contenida, sonríe sutilmente.

También es una fotógrafa del día, no de los excesos nocturnos como recogen otros contemporáneos, o al menos esas fotografías todavía no han salido a la luz. No es una fotógrafa de extremos, ni caústica, ni agresiva.

Tras su jornada de trabajo de niñera, carga con su Rolleiflex y se lanza a distintas zonas de la ciudad a capturar la realidad, tanto de la zona de clase alta donde las mujeres y hombres visten a la moda y llevan pieles caras, como a los barrios humildes donde hay gente trabajando, niños alegres que le posan desenfadados, o incluso hay pobres durmiendo en bancos. No hace diferencias de clase o de raza, les dedica la misma atención, sin efectismos.

Los retratos a otras personas son muy variados, desde el robado, el que se deja fotografiar con cierta complicidad, el que es tomado de espaldas respetando su identidad. La obra de Maier está mostrando fotografías muy sorprendentes, resultado de salir a la calle durante tantos años, con la tenacidad de capturar historias, momentos que perduren en el tiempo. O con humor, como esa imagen que se toma a sí misma, en sombra, dentro del cartel de la película “El cielo puede esperar”.

En la siguiente fotografía, nos hace testigos de una historia en la que ella permanece de pie, mientras que un taxi (amarillo) se marcha, lo ha perdido o no lo ha cogido, visto desde una superficie deformante con gotas de lluvia en una ciudad en la que ya ha anochecido. En la imagen la superficie tiene quiebros, líneas que muestran separaciones, tiene la poética de una pérdida, a mí me remite a la película de Blade Runner y a la famosa frase: “Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia” .

En algún momento se dice por Internet que Maier era feminista. A mi que me interesa el tema, no he llegado a encontrar nada que lo respalde. Únicamente puedo relacionar estas tres fotografías. En la pintada del buzón dice: "Hombres deben cambiar o morir". Fotografiarla ya muestra una intención, aunque nada definitivo, pues lo mismo podría haber fotografiado una pintada completamente opuesta. La del buzón la complemento con la de hombres en el tren en la que se aprecia un comportamiento tan establecido y rígido como las normas patriarcales de la época, y la del tipo pagado de sí mismo fumando y bebiendo. Seguramente me he perdido algo.

El objetivo de Maier se abre cuando fotografía a las multitudes celebrando alguna fiesta o en conflicto social o bien sobre la arquitectura de la ciudad. Líneas en blanco y negro dibujan una ciudad a la que le preocupa e interesa este otro tipo de arte. Las formas a veces juegan con los ciudadanos que recorren la ciudad, buscando similitudes, contrapuntos, llegando a la abstracción.

Y en la siguiente imagen está mi historia sobre cómo tuve noticia de Vivian Maier. Fue a través de un contacto de Facebook. Y me llegó tal como muestro en este pantallazo, con estas dos imágenes de dos fotógrafas autorretratadas de distinto modo y en distinta época: Vivian Maier y Erica Simone, ambas en la ciudad de Nueva York.

Para finalizar, me pregunto si a raíz de esta historia, muchos curadores de arte, recorren los mercadillos de pulgas, rastros, etc., con el fin de descubrir a su propia Vivian Maier, y si empezarán a emerger como champiñones.

1http://es.wikipedia.org/wiki/El_espejo_de_tinta

2 http://blog.oxforddictionaries.com/2013/11/word-of-the-year-2013-winner/

http://aprenderinternet.about.com/od/Glosario/g/Que-es-Selfie.htm

El cruel asesinato de Yolanda

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 06 May 2013 14:23:00 +0000

Que barato sale matar a una chica en este país

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 10 Mar 2013 11:52:00 +0000

Hace unos días un periodista de investigación de El País, José María Irujo Amatria, sacaba a la luz, La Vida oculta del asesino de Yolanda Gonzalez.

"Un excriminal de la ultraderecha condenado a 43 años por asesinato trabaja para los Cuerpos y Fuerzas de la Seguridad del Estado en casos judicializados y forma a sus agentes en técnicas forenses de espionaje y rastreo informático.

Emilio Hellín Moro, condenado a 43 años de cárcel por el asesinato en Madrid de Yolanda González Martín, una joven militante del Partido Socialista de los Trabajadores (PST)

De los 43 años, permaneció entre rejas 14 años, con el paréntesis de una espectacular fuga a Paraguay"

La familia de Yolanda a abierto un blog donde recogen firmas para exigir explicaciones al Gobierno.

http://yolglez.wordpress.com/author/yolgonlez/

Que Yolanda no caiga en el olvido.

Persecuciones a mujeres con y sin tacones

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Jan 2013 20:14:00 +0000

Dos realidades contrapuestas hemos visto estos primeros días del mes de enero de 2013. Realidades que comparten un fondo común y que viene de lejos, viene de una mentalidad patriarcal, que en lugar de disolverse con los nuevos tiempos, se aferra o reinventa para seguir manteniendo su vigencia de poder.

Esta primera realidad en forma de vídeo-publicidad glamourosa, nos muestra a una mujer vestida de fiesta y con tacones corriendo por calles empedradas y escaleras, ya que tras ella va una avalancha de hombres excitados por el perfume que ella despide (el de un café). Ella es vulnerable, un conejillo perseguido por lobos hambrientos, pero ojo, su vulnerabilidad es ficticia, pues como muestra el anuncio, ella disfruta con la situación, es más, la provoca untándose con la cápsula de café para que la persigan.

La segunda realidad, no es nada glamourosa, es una secuencia de noticias que provienen de la India, que denuncian la violación de una joven por varios hombres y que después la asesinan o al menos lo intentan. En ese país, al que muchos van buscando la paz de espíritu, la violación y asesinato de mujeres no es un hecho aislado, podría decirse que constituye la norma. Unos hechos que han desencadenado en los últimos días, manifestaciones por parte de algunos sectores de la sociedad que están hartos/as de la impunidad de estos agresores.

Enlace interesante: http://www.marketingdirecto.com/actualidad/checklists/20-anuncios-vintage-que-llevan-el-machismo-al-extremo/

Proyecto de investigación: Quick Tropes vs Women Project Update

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 16 Oct 2012 16:32:00 +0000

Interesante propuesta para analizar los personajes femeninos en los videojuegos desde un punto de vista crítico

http://www.feministfrequency.com/

Crónica de una deriva por la red

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 14 Apr 2012 19:10:00 +0000

Crónica de una deriva por la red

Convivencia entre acciones reflexivas y amplificaciones de conductas patriarcales

Mercè Galán 14/04/2012

Hace unos meses, navegando por la red, me llamó la atención una noticia de 2009 con referencia al caso de la adolescente asesinada Marta del Castillo. Un caso que todavía sigue siendo una herida abierta para su familia y para la sociedad, pues su cuerpo no ha sido hallado, por el silencio que guardan el autor confeso, Miguel Carcaño y los que participaron con él en la desaparición del mismo.

Este chico de buen aspecto contrasta por su frialdad mental para ocultar su crimen. No se ha desmoronado en los interrogatorios y ha jugado a dar distintas versiones de los hechos, mareando a la familia, policía y justicia para finalmente salirse con la suya.

La noticia en cuestión se refiere a que Miguel Carcaño recibe en prisión, regalos y cartas de televisiones y admiradoras.

¿Por qué el titular nos llama la atención? En él hay elementos que nos ofenden. Que un tipo, tras haber cometido una violación y asesinato, se le premie enviándole regalos, cartas de amor y contratos televisivos en los que contar la escabrosa experiencia, nos crea una mala sensación. Esta indignación se hizo extensiva en la red, apareciendo el tema en distintos blogs y foros, muchos de ellos textos repetitivos de la noticia digital con variantes que mostraban la visceralidad de los internautas. Visceralidad que comentaremos.

Los carroñeros que sobrevuelan a Carcaño, son televisiones y algunas chicas que le han enviado decenas de cartas según unos medios (ABC.es y COPE.es)¹ y 15 cartas otro medio (EFE, ElCorreoWeb.es)². En algún blog se hace extensivo a miles de cartas, dejando volar la imaginación a cambio de la rigurosidad.

Los regalos a los que hacen mención los titulares, parece que se reducen a una sola pulsera. Uno o cien regalos, en ocasiones marcan una diferencia. Lo que denotan los titulares es una exageración, aportando un plus de valoración al titular, que ayuda a encender y a agriar los ánimos de los lectores.

Los titulares, además, hacen hincapié en el término “admiradoras” para que llame nuestra atención, cuyas connotaciones nos conducen a valorar moralmente a esas jóvenes, que se sienten atraídas por un tipo despreciable que es capaz de violar y matarlas. Después comprobamos, cuando leemos el artículo, que entre admiradoras y televisiones son unas 15 cartas. Desconocemos el hecho de cuántas de esas cartas son de chicas, y cuántas de las televisiones.

Tenemos de momento, dos conductas reprobables, la de las televisiones y las de las chicas.

Las productoras televisivas fomentan y convierten en espectáculo cualquier suceso. Este interés por los medios hacia la persona de Carcaño, no hace más que exaltar la figura del violador y asesino, que ya no duda en salir a cara descubierta ante los medios, pues todo ello le proporciona notoriedad. Sin embargo, el golpe vino en noviembre de 2011, cuando Tele5 consigue una entrevista con Rosalía García, madre del Cuco, uno de los implicados en el caso Marta del Castillo, y a la que le pagan 10.000€.

Las redes sociales³ actuaron desmarcándose de Tele5, y forzando a que las empresas patrocinadoras abandonaran la esponsorización del programa.

Pero volvemos a 2009, donde Miguel Carcaño recibe en prisión, regalos y cartas de televisiones y admiradoras. El tema en la red, también despertó el interés suficiente como para que la gente escribiera en los foros o en los blogs propios. Algunos de los posts de estos foros están recogidos en el anexo adjunto.

Uno de los foros, de aficionados por los coches, abrieron el topic dedicado a esta noticia en particular. En este foro participan principalmente chicos. A Miguel Carcaño lo tienen por un criminal, de eso no cabe duda, pero lo curioso, lejos de analizar más allá la noticia, se sitúan en una posición paternalista, y se quedan con la copla de que aquellas chicas que escriben a Carcaño son unas⁴:

Zorras,

Pa' matarlas

Putas,

Joder, ¿pero en qué coño piensan? A esas sí que las tenía que matar

Y los padres de esas tías? No le dan una somanta de ostias?

No sé quien me da más asco, el asesino de Marta o ellas

Estas son sólo cuatro de las frases que se dijeron, en el anexo se recoge más material ya que es difícil imaginarlo si no se ve.

Cuando pensábamos en las posibilidades y la potencialidad de Internet como espacio en materia de igualdad, desjerarquización, y acción social, entre otras, nos encontramos que también hay un espacio para la amplificación y la repetición de formas hegemónicas del patriarcado.

Como analiza Remedios Zafra en una lectura esteganográfica⁵ sobre el cuerpo de la mujer en Internet:

...Un fenómeno que se produce en Internet en relación a ello, es la jerarquización soterrada que obliga a una gran cantidad de datos, y se hace desde la primacía del capital desde el poder patriarcal y no desde una política de género que tienda a desequilibrar esta tendencia, a la limitación de la mujer a la imagen y al cuerpo⁶.

Muchos portales conviven con publicidad de dos tipos que enfrentan dos mundos opuestos, porque por un lado es necesario ser políticamente correctos, incluso situando temas o banners que denúncien prácticas delictivas, pero por otro no pueden renunciar a los que dan dinero, como los negocios de prostitución o pornográficos.

En el ejemplo que aportamos aparecen empresas sólidas y reconocidas como el El Corte Inglés o la UOC, Universitat Oberta de Catalunya, donde resalta el lema "bienvenidos a la Universidad de las mentes abiertas" en contraste con los comentarios machistas del foro. Y por otra parte anuncios directos a la prostitución, que contrastan con el topic de la discusión abierta.

Por contrastar la actitud de un foro de chicos, con otro foro mayoritariamente de chicas que también han escrito sobre el tema, encontramos Vogue⁷.

Aquí las respuestas son más largas y razonadas, aunque también habla la voz patriarcal en los mensajes. Los avatares que utilizan, y las imágenes de películas denotan que entienden un tipo de pareja y de amor basado en lo cinematográfico, muy lejano de la realidad.

Siguiendo con la noticia, no es nuevo que hayan chicas que se sientan atraídas por asesinos⁸. Al parecer esta atracción y el estudio de la misma viene de lejos. Y nos viene a la memoria esa exhaustiva exploración sobre las mujeres, en el texto de Virginia Wolf, Una habitación propia, que nos señala:

¿Tenéis alguna noción de cuántos libros se escriben al año sobre las mujeres? ¿Tenéis alguna noción de cuántos están escritos por hombres? ¿Os dais cuenta de que sois quizás el animal más discutido del universo?⁹

Que la mujer es el animal más explorado y discutido ya no cabe duda, así que como no podía ser de otro modo, la atracción que sienten algunas mujeres por los asesinos o delincuentes famosos se encuentra bajo el término enclitofilia¹⁰, término que procede del criminalista francés Edmon Locard.

Buscando algo más sobre la definición de enclitofilia¹¹, al menos para saber si esta conducta se considera una patología o qué, encontramos un artículo de opinión de Arcadi Espada en el blog de El Mundo.es, que no compartimos, ya que esas 10 peculiaridades femeninas no tienen ninguna base solida, más que la que el autor quiere justificar.

Pero de este blog sacamos un enlace que nos conduce a una imagen desafiante, y con la que cerraremos esta crónica de deriva por la red.

Jule Jenckel¹², diseñadora industrial, nos muestra un anillo con un relieve que dice: “I didn't mean it” “yo no lo decía en serio” y que pertenece al proyecto “Home Sweet Home” (2005).

Esta pieza de resina, resalta una dualidad que son las dos caras de la misma moneda. Una como arma, ya que tiene dos orificios parecido al puño americano, y otra como anillo de compromiso. Su proyecto se centra en la violencia que ocurre en el ámbito doméstico entre la pareja, cuya mujer al ser golpeada queda marcada, con el lema que se lee al derecho mirándose al espejo.

Sin embargo no encontramos una definición para los hombres que se enamoran de asesinas, aunque si hemos localizado el caso de la envenenadora de Montserrat (Argentina), Yiya Murano que tuvo 136 amantes, y que se casó con Julio Banín¹³.

Para terminar, somos conscientes de que la red puede ser un amplificador de conductas sexistas y patriarcales, pero también es un espacio de reflexión, de actuación y de presión hacia los medios de comunicación y hacia las empresas que las fomentan.

NOTAS:

1 M.B. Noticia en ABC.es Sevilla: “Miguel Carcaño recibe en prisión cartas de TV y regalos de admiradoras” [en línea] Actualizado Martes, 12-05-09 a las 13:05 <http://www.abc.es/20090512/nacional-sucesos/miguel-carcano-recibe-prision-200905121133.html> [Consulta: 9 enero 2012]

Pérez, Eusebio. COPE.es “Miguel Carcaño recibe cartas de televisiones y de admiradoras” [en línea] 12-05-09

<http://www.cope.es/sociedad/12-05-09--miguel-carcano-recibe-cartas-televisiones-admiradoras-51420-1> [Consulta: 9 enero 2012]

2 EFE, ElCorreoWeb.es | Sevilla “Miguel Carcaño recibe las cartas intervenidas durante un mes” [en línea]17/04/2009 Según este diario digital son 15 cartas. [Consulta: 9 enero 2012] http://www.elcorreoweb.es/sevilla/053682/miguel/carcano/recibe/cartas/intervenidas/mes

3 García, Carolina. El País. Madrid “'La Noria' se queda sin anunciantes”

<http://elpais.com/elpais/2011/11/15/actualidad/1321343331_850215.html>[en línea] 15 nov 2011 [Consulta: 9 enero 2012]

4 Consultar el Anexo adjunto, donde se reproducen algunos de los posts encontrados en distintos foros.

Forocoches <http://www.forocoches.com/foro/showthread.php?t=1313742 > [Consulta: 9 enero 2012]

5La esteganografía es la disciplina en la que se estudian y aplican técnicas que permiten el ocultamiento de mensajes u objetos, dentro de otros, llamados portadores, de modo que no se perciba su existencia. Es una mezcla de artes y técnicas que se combinan para conformar la práctica de ocultar y enviar información sensible a través de portador, para que pueda pasar desapercibida. Wikipedia. [Consulta: 1 febrero 2012]

6Anotaciones durante la Conferencia que dio Remedios Zafra en Vigo Fundación Luis Seoane,Vigo.10/03/2006

7Foro Vogue.es <http://foros.vogue.es/viewtopic.php?f=47&t=157126> [Consulta: 1 febrero 2012]

8En esta web se habla de algunos de los casos más famosos de enclitofilia: <http://www.perfil.com/contenidos/2011/09/15/noticia_0025.html> [en línea] [Consulta: 15 febrero 2012]

9Wolf, Virginia. Una habitación propia. Editorial Seix Barral Biblioteca Formentor. Barcelona 2008 Pag. 22.

10Edmon Locard, (1877-1966) criminalista francés, ciencia de la que se le considera pionero. Wikipedia. [en línea] [Consulta: 15 febrero 2012]

11La enclitofilia no figura en el diccionario de la Real Academia Española pero es el término que el francés Edmon Locard, pionero de la criminalística, usó a principios del siglo X X para definir la atracción sentimental y sexual que algunas mujeres sienten por asesinos, delincuentes o presos.“La enclitofilia es una parafilia extraña.
Atracción por los asesinos o delincuentes famosos. Es “la atracción y la excitación sexual por la persona delincuente, más aún si es violento o despiadado”.
Las personas enclitofílicas buscan a los individuos más peligrosos y brutales para “domarlos”, y en ese juego, mezcla de sojuzgamiento y protección, encuentran la satisfacción y el goce. En algunos casos hay fascinación sexual y quieren salvar al asesino y transformar al ‘monstruo’. <http://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20090902081515AAoI8lX> [Consulta: 10 marzo 2012]

12Web de Jule Jenckel http://www.julejenckel.com/concept-weapon.html [en línea] [Consulta: 10 marzo 2012]

13 http://criticadigital.com/impresa/index.php?secc=nota&nid=4232

imágenes perversas

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Mar 2012 23:00:00 +0000

Encontré esta imagen por Internet y busqué hasta que dí con la web,http://www.ilounge.com/index.php/gallery/image_med/143/

Es una página en la que aparece esa marca de móvil fotografiada en distintos lugares del mundo. El hecho de que la sacaran con esta mujer etíope que está en una zona de conflicto me pareció bastante perversa. Aquí el único beneficiario es el móvil que destaca por contraste, y para NADA mejora la calidad de vida de esta mujer o población.

Como dices, las fotografías además de por la estética sirven para pensar y para denunciar y por eso me gustan tanto.

PURE DATA un medio para crear. Tip 01 8 MARZO, 2011

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Mar 2012 22:27:00 +0000

Miller Puckette creador de Pure Data

Vamos a introducirnos y conocer algunas de las posibilidades de PURE DATA. Si quieres unirte a la travesía quedas invitadx. Si quieres participar aportando preguntas y respuestas conseguirás que este autoaprendizaje sea más rápido y divertido.

Pure Data (Pd) es un lenguaje de programación en tiempo real para el procesamiento de gráficos y audio, creado por Miller Puckette, pero como lo desarrolló con el código abierto se puede decir que lo está desarrollando mucha gente y no sólo él. La Wikipedia nos introduce sobre qué es Pure Data y sus posibilidades para la creación de música computerizada interactiva y obras multimedia.

Pd proporciona un entorno de análisis de audio, síntesis y procesamiento, con un rico conjunto de funciones multimedia. Se puede obtener Pd para Linux, Windows, MacOS X, BSD, o IRIX.

La comunidad principal que quiere aglutinar todos los cambios, mejora, parches, etc., está aquí. Aquí tenemos lacomunidad en español. Son dos puntos a los que recurrir en caso de duda, o en busca de información, así que en principio ya no hay excusa para adentrarse en el mundo PURE DATA.

Desde esta página podemos descargar el programa. La instalación, después de elegir la de nuestro sistema operativo, no tiene ningún problema. En el escritorio aparecerá el icono y abrimos el programa:

Versión de Pure Data Extendida

Al instalarlo aparece una página html con información para resolver las primeras dudas.

Si tu interés reside en la Teoría y Técnicas de la música electrónica, visita este link.

Dentro de la ventana de texto de Pd-extended, vemos que aparece un paquete llamado GEM (Graphics Environments for Multimedia), vía Mark Dank, que puede utilizar simultáneamente la animación y el audio con ordenador.

Bueno, lo mejor es que hagamos alguna cosa y después reflexionemos sobre qué ha ocurrido:

Vamos a comenzar yendo a File > New

Se abre una ventana nueva en la que no hay nada, es un lienzo vacío en el que se pueden agregar varios TIPOS DE OBJETOS:

Objeto
Número
Mensaje
Símbolo
Comentario

Nos dirigimos al Comando PUT > Vamos a probar con MENSAJE > aparece un cajetín propio para llenar con algún tipo de información y escribo: MEDIALAB
Ahora necesitamos un intérprete para que este mensaje haga algo, vamos de nuevo al comando PUT > OBJECT

Escribimos print que es un término del actionscript y que es reconocido.
Ahora situamos el puntero en el guión de la parte de abajo del cajetín de Mensaje, lo clicamos y lo arrastramos hasta el guión alto del cajetín de Objeto.

Ahora pulsamos sobre el cajetín del Mensaje Medialab y observaremos que en la ventana principal aparece junto al comando de actionscript: print > Medialab
Para ver esta acción hay que pulsar CTRL+E, esta combinación de teclas conmuta la edición /no edición.

Veremos que el objeto print aparece con su nombre y en el de mensaje Medialab.

Ahora con CTRL+E volvemos a entrar en el modo edición.
Dentro del objeto print dejamos un espacio y escribimos otra palabra, por ejemplo “Formación”
Pulsamos CTRL+E y presionamos a ver qué ocurre.

La palabra print se sustituye por Formación (el acento de momento no da problemas)
File > Save

Cuando comenzamos a utilizar un nuevo programa cuyo funcionamiento es bastante distinto al de los programas cotidianos, muchas acciones hay que hacerlas probando como un juego, y al poco tiempo ya comprendemos porque las cosas debían hacerse de un modo u otro. Ese es nuestro caso, no sabemos como funciona, ni podemos saber las funciones de cada menú desde el principio porque las olvidaremos y no sabremos aplicarlas, así que estamos probando guiándonos por la documentación.

Ahora que hemos realizado algunas acciones podemos intentar analizar qué ha pasado.

Hemos incorporado un Mensaje. En él podemos escribir una información que circulará entre objetos.
En el cajetín del objeto hay unos guiones (selectores) en la parte superior e inferior. En la documentación de Pd, habla sobre la Anatomía de un Mensaje, en el que los selectores de la parte superior son entradas: el de la izquierda dirige la entrada del mensaje al “float” del objeto en sí, el de la derecha dirige mensajes a un auxiliar “de entrada” del objeto.
Las líneas que unen los objetos se llaman “inlets” o “outlets” si están arriba o abajo respectivamente.
Hemos incorporado un Objeto: Su comportamiento dependerá del texto que tenga introducido en él mismo. El programa tiene unos objetos predefinidos, programados por terceras personas en diferentes lenguajes como puede ser C. El Pd reconoce el tipo de objeto y esa caja ya se comporta como tal. (Wiki)

En está web de Polythenic, hay una lista de objetos.

Fin del primer Tip.

Hasta el próximo!

Dos palabras sobre el Ambiente de Aprendizaje Personalizado (PLE) 10 NOVIEMBRE, 2010

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Mar 2012 22:25:00 +0000




PLE de Gretchens Frage

También conocido como Personal Learning Environment, (PLE).

Estamos viviendo un momento de grandes cambios en la enseñanza. Todo se mueve a bastante velocidad y la enseñanza no va a ser menos. Los Ambientes de Aprendizaje Personalizado son interfaces que el usuario se crea especialmente para él en un entorno digital. Cada cual se configura una serie de feeds sindicados y distribuidos que responden a sus intereses personales y profesionales (incluyendo su aprendizaje formal e informal). El PLE es un sistema educativo emergente, como un bien social, conecta al usuario con otras personas, a un entorno de información, a los eventos y actividades de cooperación a través de la red (Anderson). En él, el estudiante gestiona su proceso de aprendizaje y ayuda a que otros se hagan cargo del suyo (Downes).

Eficaz sí que es, pues hace ya bastantes años que existen foros en la red temáticos, en los que preguntas tus dudas y toda una comunidad de internautas te ayudan a resolverlos, luego conforme vas aprendiendo ayudas a otros con sus dudas. Estas comunidades son muy activas, las ganas de aprender y las de ayudar son equiparables.

En un sistema clásico de enseñanza, los contenidos que genera un alumno pertenecen a la Institución o al menos tiene el control de acceso a esa documentación, con este sistema el alumno tiene control sobre su material, le pertenece, puede utilizarlo y compartirlo con quien quiera, bajo la licencia que desee.

Las redes de intereses derivan de la necesidad de autorrealización, cada persona crea su propio entorno personal del cual se nutre y a cambio debe contribuir para que siga creciendo, pues el aprendizaje se va a desarrollar a lo largo de toda la vida. (Dreig)

El uso de las herramientas debe ser sencillo para manejar varias a la vez y poder evolucionar hacia otras, tanto para profesores como para alumnos que van a mantener una relación más horizontal y cercana. Esta es otra de las diferencias entre el sistema monolítico anterior y este adaptable. La entrada a todas estas aplicaciones, redes sociales, blogs, etc., con dispositivos móviles logran dar mayor plasticidad al sistema y que los usuarios sean más activos e intervengan a diario desde cualquier lugar.

En septiembre comenzó PLENK2010, en el que se han debatido desde motivaciones a herramientas para este aprendizaje. Os dejo los links para más información:

Referencias:

Dreig (http://cort.as/0N1I)

Stephen Downes (http://cort.as/0N1K)

Terry Anderson (http://cort.as/0NMW)

Leonardo Montenegro (http://cort.as/0NEi) Repaso por el término y sus diferentes matices según distintos autores. Resumen del Congreso PLENK2010. Muy interesante.

Nuestros datos en la nube 11 NOVIEMBRE, 2010

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Mar 2012 22:24:00 +0000

Últimamente se leen muchas noticias por la red sobre el Cloud Computing, o los datos en la nube. Se trata (resumidamente) de utilizar sistemas operativos (Web OS) o aplicaciones que están situados en la red sin tener que instalar programas en nuestro escritorio. La clara ventaja es que podremos operar con ellos desde cualquier lugar en el que nos hallemos.

Una de las dudas que circulan, es si la red es lo suficiente segura para subir contenidos propios o de la empresa. Me recuerda cuando en los años 90 me preguntaba donde estaba Internet, cual era el lugar físico en el que terminaban los cables por el que circulaban los bits en aquellas conexiones lentas y precarias. Terminan en los 13 Root Servers, que están nominados por las letras del abecedario. Pertenecen a grandes empresas de tecnología, a Universidades y a Instituciones como la NASA o el U.S. Army Research Lab, diez de ellos están situados en norteamérica, uno en Londres, otro en Suecia y el otro en Japón. En esos contenedores permanecen todos nuestros datos.

Nuestras fotos, textos, vídeos…, ya no habitan las estanterías de nuestra casa, están en la nube, más vivos que nunca porque se comparten con otras personas…, pensar en estas dimensiones pone los pelos de punta o quizás sea yo que sigo alucinando con la capacidad de esta tecnología.

Tener datos de la empresa, de la escuela, personales, en la nube, es cómodo, para que vamos a engañarnos, podemos trabajar desde cualquier lado con un dispositivo móvil. Otras personas como Richard Stallmann (dreig) piensan que nuestros datos deben permanecer bajo nuestro control en nuestro PC, teniendo en cuenta que muchas de las cuentas en las que depositamos imágenes, etc., tienen nuestro permiso para utilizar esos datos como mejor consideren a sus intereses.

Cada una/o que saque sus propias conclusiones y actúe en consecuencia.

Referencias:

Para una definición más detallada consultar en Dolors Reig http://cort.as/0NaA

Web con el detalle de los Servidores Raíz, http://root-servers.org/

Algo más de info: http://cort.as/0NaP

La fragilidad de los soportes 17 NOVIEMBRE, 2010

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 Mar 2012 22:23:00 +0000

Estos días he hecho lo que he podido por recuperar dos discos duros que se han roto en cadena. 700 gigas de datos, principalmente de vídeo e imágenes se han desvanecido de un soporte muy delicado.
Las cintas de vídeo ya tenían eso, una fragilidad en la que cualquier arruga de la cinta deterioraba la imagen, pero aún así un pellizco en su superficie podía ser superado con un corta y pega de cinta. Los discos duros deteriorados también pueden ser recuperados desde el afan incansable de un policia que busca pruebas, y que los datos salgan a la superficie. No es mi caso.
Desde luego la evolución de los soportes ha sido sorprendente (por no decir brutal) si comparamos desde la talla de la Piedra de Rosetta, a los datos que se pueden cifrar en un centímetro cuadrado de soporte informático.
El otro día comentaba precisamente que si los datos están en la nube no tendrían tanta opción de estar perdidos, desparecidos para siempre, ya que se difunden por servidores espejo y otros ordenadores personales. Y de estos pensamientos he derivado hacia otros, viniéndome a la cabeza la importancia que tienen para las personas, las imágenes fotográficas como construcción de su identidad personal y colectiva.
En zonas en guerra, cuando a las personas no les queda otra que abandonar sus hogares y los lugares que los vieron nacer, lo único que pueden llevar consigo, que sea lo suficientemente ligero y al tiempo lleno de significado, es el album fotográfico. Un narrador visual, un índice de nuestra propia historia.
La memoria se basa muchas veces en las imágenes captadas, hasta el punto que no sabes si lo recuerdas porque tal suceso ocurrió así, o porque la imagen dejó un rastro en tu mente y esta huella se ha posado como un documento de una realidad verdadera.
Una autoridad que cada vez es más dudosa por su caracter manipulable, pero esto ya es otro tema con el que charlaremos.
Nuestra percepción también es frágil y dificil de mantener en la memoria, de ahí el recurrir a un soporte más perdurable, para conservar, para fijar el instante ocurrido. Las fotografías analógicas se decoloran con el tiempo, aún así hay fotografías del comienzo de este medio que se conservan bastante bien, cosa que aún tenemos que ver con las que obtenemos por medio de la impresora. Veremos si las tintas y el papel perdura del mismo modo o su temporalidad está ligada a la velocidad con la que también vivimos.

De momento entre la amargura por la pérdida y el alivio de quitarse un peso de memoria estancada, hay que comenzar de nuevo a introducir datos, trabajarlos, y organizarlos en carpetas que igual perduran que se desvanecen.