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Casa Vaazh, conexión cielo y tierra

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 21 Nov 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Vaazh

Diseño: Vy Architecture Studio ( IG )

Arquitecto principal: Venkatesh.

Ubicación: Chennai, Thandarai, India.

Extensión: 1500 pies2

Año: 2023

En medio de un grupo de casas familiares, el sitio rectangular orientado al norte pertenece a un barrio sin fronteras con la única frontera que es la terraza falda criada y cubierta de terraza intrínseca a los hogares tamiles. Este espacio, donde los chit-chats familiares con vecinos y alimentan a los perros, sirve de corazón de pertenencia.

El plan está en tres. Los espacios comunes - fininnai, sala de estar y patio, y la cocina y los dormitorios más privados están linealmente dispuestos de tal manera que cada espacio está conectado visualmente. En el centro de la casa hay un patio. Una pared se curva a través del volumen del patio y alberga el oeste del sol duro.

En el este, la curva se extiende hasta el techo, formando un espacio abierto para tomar el sol de la mañana. Las perforaciones en la curva dejan que el sol arroje patrones en el suelo de óxido y la ducha en el patio. Las rocas del río en el patio son objetos mnemónicos, que recuerdan al río que fluye cerca. La curva, más que un elemento escultórico, es una pared de juego para subir al techo y acostarse hacia atrás, viendo las nubes a la deriva. La curva conecta el suelo y el techo, creando un área recreativa tridimensional.

El patio invita no sólo a la familia sino también a aves, insectos, perros y gatos, convirtiendo la casa en un santuario para todos. Aquí, el hogar celebra las veracidades del clima con los pies frescos y húmedos, gotas de lluvia desde el techo abierto, mirando de hambre a un cielo azul claro en la narrativa.

El cliente, Sr. Manimaran. El Sr. Manimaran, su esposa, y tres hijos han vivido en Chennai toda su vida. Él es un adicto al trabajo, pasando incontables horas en la oficina. Pero cuando va a su pueblo, siente una profunda sensación de paz. Le encanta la lluvia, y a sus hijos les encanta escalar. Después de la pandemia, consiguió un trabajo remoto para construir una casa en Vedanthangal y escapar del caos. La casa iba a ser la antítesis del aire artificialmente refrigerado y las paredes de plástico de la vida corporativa; un hogar arraigado en el clima y el lugar. Un hogar para relajarse.

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Concepto:

Los pájaros vuelan y hacen casas en tierras lejanas. Vedanthangal es una tierra elegida para aves migratorias. Las plantas de vegetación intactas y acuáticas mantienen el santuario de aves en Vedanthangal como una de las regiones protegidas más antiguas del país. La historia del cliente es la de un hombre enjaulado en las paredes de una ciudad. Dejarlo libre en esta tierra elegida fue nuestro papel como arquitectos.

Un hogar en un ecosistema vulnerable tuvo que ser un edificio de respiración, nacido de la tierra, que avanzaba lentamente en el suelo. Un hogar vivo para seres vivos. Con referencia a las prácticas de construcción indígenas de la arquitectura de barro y las casas de patio, nuestro enfoque de diseño fue basado en la historia y igualmente moderno para que los habitantes de la ciudad se adaptaran. La concha tuvo que permitir que la mirada penetrara en las superficies, dar testimonio de la edad y la historia en su piel y retener la apertura del cliente en su trazado.

Fuente: AD / AT

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Esculturas figurativas de Luo Li Rong

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 21 Nov 2024 13:30:00 +0000

Nombre: Luo Li Rong.

Lugar de origen: Hunan, China.

Formación: Academia de arte Changsha / Academia central de bellas artes de Pekin (CAFA)

Biografía:
Luo Li Rong, nacida en 1980 en la provincia china de Hunan, es una escultora de fama internacional. A los 18 años ingresó en la Academia de Arte de Changsha, donde desarrolló rápidamente sus aptitudes artísticas. A los 20 ingresó en la prestigiosa Academia Central de Bellas Artes de Pekín (CAFA), donde se especializó en cerámica y escultura bajo la tutela de eminentes maestros como Sun Jia Guo y Lu Pin Chang. Se licenció con matrícula de honor en 2005.

Durante sus estudios, Luo Li Rong participó en varios proyectos de escultura pública, incluidas instalaciones para los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, que pueden verse en el parque Da Lian. Su proyecto de graduación fue muy aclamado y sentó las bases de su prometedora carrera.

Durante varios años, Luo Li Rong ha vivido en Europa, principalmente en Bélgica, donde desde 2014 ha obtenido rápidamente el reconocimiento de galerías y coleccionistas internacionales. Sus obras, impregnadas de la cultura china contemporánea, también ofrecen una interpretación sutil y relevante del arte occidental.

VLOG RESUMEN:

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Luo Li Rong destaca en la escultura figurativa, inspirándose en los grandes maestros europeos del Renacimiento y el Barroco. Sus esculturas, principalmente en bronce, como las de Auguste Rodin, se caracterizan por la extrema delicadeza del modelado y una gran sensualidad. La fluidez de los drapeados y los movimientos que plasman sus obras parecen captados en el momento, revelando una dimensión de eternidad humana. Las mujeres que representa, aunque realistas, a menudo parecen proceder de un mundo superior, lo que añade un toque de misticismo a sus creaciones.

Presencia en la red:

Fuente: AS

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Noviembre 2024

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Fri, 01 Nov 2024 14:30:00 +0000

FOTOGRAFÍA DE MARCO GRASSI

La aplastante rutina. Llega el fin de semana y nos lanzamos al desenfreno o, de lo contrario, nos resignamos a la melancólica tarde de domingo, que no es más que el anuncio de otra semana idéntica a la anterior. La existencia se convierte en un ciclo repetitivo, una rueda que gira sin sentido, donde el hastío se cuela en cada rincón, sofocando cualquier impulso de cambio.
~ Jean-Paul Sartre.

El primer robot con inteligencia artificial subasta una obra de arte de su autoría, su valor es eminentemente especulativo, no obedece a la técnica ni el mensaje sino únicamente al momento de la historia. Alguien va considerar que colgar en su pared un pedazo de historia donde se zanja la era donde el ser humano queda obsoleto, degradado, queda atrás, su creación esta por delante de él, y de ahora en adelante le será imposible alcanzar la perfección de una maquina, una aspiración que ha tenido durante toda su etapa de apogeo industrial. El enlace a esta noticia y otras lo encuentran a continuación, en contenido que pudiera interesarles.

Los nuevos no arquitectos: El 40% de los graduados en arquitectura europeos eligen o deciden no ejercer la profesión de arquitecto como tradicionalmente se conoce y apostar por otras formas añadir valor profesionalmente.
Casi un tercio de los casos de asma se relacionan con la contaminación de aire [EN]: Basándose en datos de aproximadamente 25 millones de personas en todo el mundo, la investigación, dirigida por el Instituto Max Planck de Química , sugiere que la exposición a PM2,5 es responsable de casi el 30% de los nuevos casos de asma en todo el mundo.
Se subasta primer obra de arte atribuida a un robot: Sotheby’s saca a subasta ‘A.I. God. Portrait of Alan Turing’, una pieza realizada por Ai-Da, un robot creado por el galerista británico Aidan Meller que usa un algoritmo de inteligencia artificial y que es capaz de pintar y dibujar.
El vacío que te deforma: Este no es otro capítulo más de la serie Black Mirror, pero lo parece. En el mundo de las apariencias te juzgan por como te ves, como te vistes, en donde vives. Llega un tiempo donde ese mundo te desecha y te margina, ya caducaste para ese mundo, te buscan un remplazo, te olvidan, nunca fuiste importante, el ciclo se renueva una y otra vez.
Libro digital PDF: El amanecer de todo

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RESUMEN DE ARTE MENSUAL:

DIBUJO DE MIQUEL WERT JIRHEDEN

ILUSTRACIÓN DE MARTIJN VAN BERKUM

PINTURA DE JUAN GALLEGO MARTINEZ

MURAL DE MANTRA

Vídeos recomendados:

Doris Salcedo, destruir casas debe estar tipificado. (Entrevista)
Polinature, sobre el espacio público.
Edén. (Vídeo musical)
La piedra negra de la Meca. (Reportaje)
¿Por qué agregar un carril más no sirve de nada? (Vlog)

VIDEO DESTACADO:

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Edificio Un Río al Norte de MAD Architects

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Fri, 01 Nov 2024 14:00:00 +0000

Edificio: One River North ( IG )

Ubicación: Denver, USA.

Diseño: MAD Architects ( IG )

Extensión: 31,835m2

Niveles: 15
Unidades de alquiler: 187

Año: 2024.

Descripción:

Una grieta en el terreno natural se abre paso a través de la fachada de vidrio de 16 pisos de One River North (ORN), un nuevo desarrollo de uso mixto cerca del centro del Distrito Artístico River North (RiNo) en Denver, Colorado. Más que un simple edificio de apartamentos, One River North es un paisaje vertical donde sus residentes pueden deambular como si estuvieran caminando por las montañas. "Imagina vivir en un edificio y sentir que estás inmerso en un paisaje natural—como vivir dentro de un cañón mismo," dice Ma Yansong, arquitecto principal de MAD.

A medida que los residentes recorren el sendero del cañón del edificio desde el sexto hasta el noveno piso, se sumergen en entornos curados inspirados en los ecosistemas de las laderas y cañones de Colorado, guiados por los sonidos del agua que cae y que se escucha desde la calle de abajo. Con One River North, MAD busca reimaginar la vida urbana integrando experiencias naturales en la arquitectura moderna, creando experiencias de vida inmersivas que fomentan la comunidad y fortalecen las conexiones entre los residentes y el mundo natural.

Este enfoque innovador responde a las condiciones ambientales de Denver, una ciudad conocida por sus montañas escarpadas y profundos cañones que rodean su área urbana. Dentro de la ciudad, el Distrito Artístico River North (RiNo) ha experimentado recientemente una transformación notable. Una vez un centro industrial, ha evolucionado en un próspero centro para creadores, artistas y entusiastas del aire libre que juntos revitalizan la cultura creativa y activa de Colorado.

One River North aborda la necesidad de vivienda urbana de alta densidad en Denver, al tiempo que ofrece un estilo de vida ampliado centrado en el bienestar y la accesibilidad en un vecindario seguro y caminable. El diseño de MAD refleja la cultura activa de la ciudad al fomentar la exploración, el bienestar y una conexión con la naturaleza que fortalece los lazos de sus residentes con su entorno y entre ellos. El edificio cuenta con 187 unidades de alquiler distribuidas en 15 pisos, junto con un espacio comercial en la planta baja de 9,000 pies cuadrados que se integra perfectamente en el paisaje y la calle circundantes. Los materiales y las plantaciones exteriores fluyen hacia el interior, reforzando la conexión entre el interior y el exterior.

Las superficies suaves del Cañón—un espacio de amenidades de cuatro pisos esculpido, inspirado en la erosión natural y diseñado para evocar un cañón estrecho—fueron diseñadas por MAD para contrastar con las líneas geométricas limpias de la masa del edificio. Esta característica incluye más de 13,000 pies cuadrados de terrazas ajardinadas que parecen colgar en el espacio abierto, ofreciendo algunas de las vistas más impresionantes de la ciudad, junto con elementos de agua que fomentan una fuerte conexión entre los residentes y el entorno natural. La estructura en forma de cañón que atraviesa la fachada crea una experiencia natural inmersiva, fusionando los espacios interiores y exteriores y difuminando las fronteras entre la naturaleza y la arquitectura.

VLOG RESUMEN:

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One River North ha obtenido la certificación Fitwel, un reconocimiento prestigioso que destaca su compromiso con la promoción del bienestar físico y mental de sus residentes. Esta certificación, otorgada a menos de 1,000 edificios en todo el mundo, refleja el enfoque innovador del proyecto hacia el desarrollo de uso mixto. Al ofrecer una experiencia de vida cuidadosamente curada e inmersiva que enfatiza la creación de lugares y fomenta un sentido de comunidad, One River North establece un nuevo estándar para la vida urbana centrada en la salud y el bienestar humano.

Fuente: AD

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Esculturas de Jaume Plensa

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Fri, 01 Nov 2024 13:30:00 +0000

ANA 2018

Nombre: Jaume Plensa.
Lugar de origen: Barcelona, España.

Formación: Escuela de Arte y Diseño Llotja y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi.

Profesión: Escultor.

Tema: relación con el entorno.

Biografía:

Es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, video-proyecciones o instalaciones acústicas. Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números, y también por sus cabezas con los ojos cerrados.

En una primera etapa, su obra refleja el interés por cuestiones relacionadas con el volumen, el espacio y la tensión. En sus esculturas figurativas de letras, estas representan células del cuerpo humano, el cual está compuesto por más del 60% de agua. Sus letras blancas y estructura hueca invitan al espectador a mirar dentro y reflexionar sobre la relación entre los seres humanos y el agua.

CASA DEL SABER(2008)

Plensa ha trabajado con hormigón, madera o mármol, pero también con agua, luz y sonido. La característica común a todas sus piezas escultóricas es su capacidad de invitar a la interacción con el espectador y de traspasar cualquier barrera cultural. Es mundialmente conocido por sus obras de carácter monumental, que se integran en el paisaje y redefinen nuestra relación con el entorno. En medio del caos de la vida urbana, las creaciones que Plensa ha cedido a los espacios públicos ofrecen una ocasión para huir del ruido y prestar atención a nuestra voz interior.

Presencia en la red:

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Hotel ecológico Populus en Denver

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 17 Oct 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Populus ( IG )

Diseño: Studio Gang Architecture ( IG )

Ubicación: Denver, Colorado, USA.
Tipo: Hospedaje

Habitaciones: 265

Niveles: 13

Extensión: 12541m2

Año: 2024.

Está diseñado, como su nombre lo sugiere, para reflejar los procesos naturales de los árboles endémicos de Aspen (también conocidos como Populus tremuloides ) con una fachada texturizada que presenta una disposición de ventanas festoneadas que aportan sombreado pasivo mientras canalizan el agua de lluvia con anchos adaptados a los espacios públicos y privados que contiene.

El exterior del edificio, que aborda el contexto del barrio por igual desde los tres lados, está compuesto por un producto de hormigón Holcim con bajo contenido de carbono e impregnado de cenizas volantes que ofrece una reducción del 30 por ciento en el carbono incorporado. Esas consideraciones se repiten una vez más en el interior, donde la madera recuperada de las vallas para la nieve de Wyoming lidera una paleta cuidadosamente seleccionada que incluye otros acabados naturales, cabeceros de pino exterminado por escarabajos en las suites de invitados y tapices y muebles alternativos de cuero Reishi en todas partes.

La característica arquitectónica más definitoria del hotel es una serie de ventanas con forma de ojo, que los arquitectos moldearon para hacer referencia a las marcas oscuras que se encuentran en la corteza de los álamos temblones. Las ventanas están diseñadas para optimizar la eficiencia energética al reducir la ganancia solar mediante "tapas" que se extienden hacia afuera y que protegen el interior. El uso cuidadoso de los materiales y la forma contribuye a que Populus tenga un buen desempeño en las condiciones climáticas cambiantes de Denver, lo que marca el primer proyecto de Studio Gang en Colorado como un éxito tanto visual como ambiental.

El diseño de 265 habitaciones se promociona como el primer desarrollo hotelero "carbono-positivo" en los Estados Unidos y presenta una combinación de materiales de construcción altamente sustentables y estrategias de compensación que apuntan a una certificación LEED Gold. Este es el primer hotel de la ciudad que se diseñó sin incluir estacionamiento en el lugar para fomentar el uso de las opciones de transporte público disponibles en las cercanías.

VLOG RESUMEN:

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Fuente: DB

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Pinturas de camuflaje por Huang Yao

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 17 Oct 2024 13:30:00 +0000

Nombre: Huang Yao.
Lugar de origen: Chenzou, China.

Profesión: Pintor

Tipo: arte de camuflaje.

Tema: espacios urbanos.

Huang Yao es un artista conocido por su arte del camuflaje, donde pinta objetos y lienzos para mezclarse con su entorno. Su trabajo crea ilusiones ópticas y explora temas de identidad y nuestra conexión con la naturaleza. Con la pintura 3D demuestra sus habilidades convirtiendo la infraestructura local y la vida vegetal en obras de arte originales. Este joven chino se especializa en crear camuflajes perfectos para sus creaciones, lo que hace que se mezclen perfectamente con el fondo. Pero eso significaría que la mayoría de la gente pasaría por su lado sin siquiera notar su impresionante trabajo o chocaría directamente con ellos y se lastimaría. Ninguno de los dos casos es ideal, por lo que Huang suele agregar ciertos elementos para que sus ilusiones ópticas destaquen.

VLOG RESUMEN:

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Postes telefónicos que parecen suspendidos en el aire, árboles gruesos que parecen equilibrarse sobre puntas de lápiz afiladas e incluso insectos gigantes que sostienen árboles, todos estos son elementos de las increíbles obras de arte de Huang Yao.

Huang le dijo a Modern Express que su artista se centraba más en poder recrear el fondo de sus inusuales lienzos. Tiene que tener en cuenta múltiples elementos ambientales para obtener los resultados deseados. Elementos como el movimiento de las nubes, la iluminación y el viento pueden desempeñar un papel importante en el efecto visual de sus ilusiones, por lo que necesita lograr el ritmo perfecto.

Presencia en la red:

Instagram

Fuente: cgtn

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Octubre 2024

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 03 Oct 2024 14:30:00 +0000

PARQUE NACIONAL ARCHES, PINTURA DE JOSEPH McGURL

Todo lo que pasa parece normal, porque ya nadie recuerda lo que es normal.
- El Roto.

Somos seres de costumbre, nos acostumbramos a las cosas buenas y malas que van surgiendo socialmente, se supone debemos ir aceptando las cosas como se presentan. Personalmente me resisto a acostumbrarme a estos aspectos sociales autodestructivos, la decadencia considero, nunca debería ser abrazada sino rechazada, pero parece que la sociedad esta demasiada distraída para evaluar esa postura.

Por qué se necesitan árboles centenarios en las ciudades: Generalizando, un arquitecto o ingeniero de obra civil ve los árboles como dibujitos de usar y tirar en un papel, pueden maltratarlos como quieran. Hay que preguntar a los urbanistas cuándo diseñarán ciudades donde los árboles crezcan durante 100 años.
Un colegio inglés sustituye a los profesores por inteligencia artificial y realidad virtual: Se trata del centro privado David Game College que el 23 de septiembre empezará las clases llenas de pantallas de ordenador y gafas de realidad virtual, pero sin docentes en el aula. La veintena de adolescentes, entre 15 y 17 años, irán a clase y seguirán el plan de estudios del currículum diseñado por una inteligencia artificial. La plataforma medirá su nivel de conocimiento en cada materia y le ayudará a ir progresando en sus dificultades. En el aula habrá adultos pero no serán profesores sino “tutores de aprendizaje” que les prestarán apoyo si lo necesitan y vigilarán su comportamiento.

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RESUMEN DE ARTE MENSUAL:

NUEVA ZELANDA, MURAL DE JANIS DE MAN

ALLUVIA, ESCULTURA DE JASON DeCAIRES TAYLOR

NO SE PUEDE SUPERAR LOS CLASICOS, ILUSTRACIÓN DE STEVE CUTTS

PINTURA DE J.HUNSUNG

Vídeos recomendados:

La torre más alta de la Sagrada Familia estará lista en el 2025. (Reportaje)
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El sueño americano cada vez más lejos para los estadounidenses. (Reportaje)

Mirador de Hovdenuten en Noruega

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 03 Oct 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Dagsturhytta (IG)

Diseño: Aksent Arkitekter AS ( IG )

Ubicación: Hovdenuten, Setesdal, Noruega.

Extensión: 66mt2
Año: 2024.

Descripción:

El proyecto está inspirado en la contención de paredes típicamente encontradas en áreas montañosas donde sirven para terraza el terreno empinado. Los materiales solicitados por el municipio eran de piedra, acero y vidrio. La piedra fue recogida debido a la ubicación del proyecto en las montañas, el acero refleja la historia de Hovden de la extracción de hierro, mientras que el vidrio simboliza lo moderno. Después de algunas conversaciones con el municipio nos arreglamos para sustituir el acero por la madera. La elección final de los materiales fue de hormigón cubierto con un muro de piedra, vigas de madera, columnas y techo, y una frente de vidrio. El techo está cubierto de césped recogido de la zona, creando un follaje similar a los de los alrededores. Los muros de piedra también fueron considerados en su interior, pero eventualmente, la fundición de concreto fue elegida junto con la madera. El objetivo era expiar la estructura de madera dentro del hormigón.

La intención detrás de su forma es que la cabina sea percibida como una continuación del terreno. Aún así, al mismo tiempo, Hovdenuten sufre un clima duro y temperaturas, y su forma aerodinámica hace que el viento sea menos resistente. Además, la forma se aso a un ojo mirando hacia los hábitats de las manadas de renos salvajes.

VLOG RESUMEN:

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La fachada trasera donde se encuentra la entrada está cerrada. Establece un contraste con la visión panorámica que desentrañe inmediatamente el momento de entrar en la cabina. El hábitat de los renos salvajes está enmarcado, convirtiéndolo en el punto focal. Geométricamente hablando, la forma consiste en una simple intersección de tres cilindros: fachadas de techo y trasera. Sin embargo, en cuanto a su diseño, cada una de las columnas y vigas de madera es única.

Fuente: DB / AD

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Esculturas de cabezas por Samuel Salcedo

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 03 Oct 2024 13:30:00 +0000

Nombre: Samuel Salcedo.

Lugar de origen: Barcelona, España.

Formación: Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y Universidad Metropolitana de Manchester en Inglaterra (1998).

Profesión: Escultor.
Estilo: Figurativo.

Tema: Expresión de condición humana.

En la obra del escultor y pintor Samuel Salcedo se consigue plantear una reflexión profunda a la vez que divertida sobre la condición humana. Trabaja con diferentes materiales, consiguiendo engañar al ojo con lo que parece y no es. Las obras de Salcedo apuntan a enfatizar la naturaleza enmascarada de los seres humanos. Una condición ilusoria, a veces grotesca, a menudo ridícula pero de alguna manera decente, del ciudadano posmoderno. Sus esculturas y personajes siempre cuestionan al espectador con su sutil ironía y vulnerabilidad. La obra escultórica de Salcedo se caracteriza por la excelencia técnica. Uno puede ver su maestría en la diversidad de los materiales que utiliza (resina, madera, aluminio, bronce) y que integra a la pintura.

Inició su andanzas en el arte de la mano del dibujo y la pintura, fue , durante su época de estudiante, ayudante de escultores como Jaume Plensa, época en la que también realizó trabajos de escenógrafo. Sus esculturas, de un claro carácter figurativo, aunque no siguiendo la tradición, como él mismo afirma en una entrevista, muestran un estilo «entendible», un estilo que nos acerca a un arte que no es narrativo, sino sugerente. Y es que para Samuel el uso de un lenguaje abierto en sus esculturas es fundamental, lenguaje que le permite ser accesible a cualquier público, de forma que éste se acerque a la obra y participe de la misma para poder entenderla.

En sus esculturas podemos ver sensaciones y pensamientos que crean una chispa en nuestra imaginación, poniéndonos en directa relación con la literatura fantástica, el cómic, las primeras películas, el teatro de marionetas, e incluso, fiestas populares. El escultor da a sus figuras cierta dignidad, que sin embargo, se ve cuestionada debido a las situaciones de tensión , de límite en que las coloca, haciendo que la línea entre la dignidad y lo grotesco sea muy fina. No busca que sus obras sean bellas, aunque tampoco lo rechaza. Utiliza dos lenguajes, uno iconográfico, que distinguimos en las máscaras y caretas, y otro real. Es ese juego entre lo real y lo que escondemos llevado a las esculturas lo que nos causa desconcierto. Juego que se puede ver en todas y cada una de sus obras, que se debaten entre esos dos mundos: entre lo que proyectamos y lo que realmente somos; lo que mostramos y lo que escondemos.

Presencia en la red:

VLOG RESUMEN:

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Fuente: ELV

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Plaza Chaoyang por MAD Architects

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 19 Sep 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Chaoyang Park Plaza

Diseño: MAD Architects ( IG )

Ubicación: Beijing, China.

Uso: Residencia, comercio, oficinas.

Extensión: 30,763m2

Altura: 142mts

Año: 2017.

Situado en el extremo sur del Parque Chaoyang de Pekín, el parque más grande que queda en el distrito central de negocios de Pekín, el complejo de 220,000 metros cuadrados incluye 10 edificios que se despliegan como una pintura clásica de Shanshui a escala urbana. Tiene una posición y función similar a Central Park en Manhattan, pero a diferencia de los edificios modernos en forma de caja que solo crean una separación entre el parque y la ciudad, Chaoyang Park Plaza quiere ser una extensión de la naturaleza y una extensión del parque hacia la ciudad, tomando prestados escenarios de un paisaje lejano, un enfoque clásico de la arquitectura de paisaje china, donde la naturaleza y la arquitectura se funden entre sí.

Inspirado en las tradicionales pinturas de paisaje chinas, el diseño remodela la relación de la arquitectura a gran escala dentro de centros urbanos e introduce formas y espacios naturales – montaña, arroyo, arroyo, rocas, valle y bosque – en la ciudad. Los edificios de oficinas asimétricos de la torre gemela en el lado norte del sitio, se asientan en la base del lago del parque y son como dos picos de montañas que crecen fuera del agua. El atrio transparente y brillante actúa como un “cordón” que une las dos torres mediante una estructura de techo de vidrio que las conecta. Los edificios comerciales de poca altura aparecen como rocas que han sufrido erosión. Parecen ubicarse aleatoriamente, pero su relación estratégica entre sí forma un jardín urbano, aislado pero abierto, que ofrece un lugar donde la gente puede encontrarse dentro de la naturaleza en el medio de la ciudad.

Los dos apartamentos Armani de varios pisos al suroeste continúan con este concepto de “vida al aire libre” con sus balcones escalonados, ofreciendo a cada unidad residencial más oportunidades para exponerse a la luz solar natural y, finalmente, sentir una particular cercanía con la naturaleza. El entorno general está conformado por superficies lisas y curvas en blanco y negro, creando una atmósfera silenciosa y misteriosa. Evoca la emoción y la resonancia estética de una pintura china tradicional a tinta, creando un escape tranquilo del bullicioso entorno urbano circundante. El paisaje que se entreteje entre los edificios incorpora pinos, bambú, rocas y estanques – todos los elementos del paisaje oriental tradicional que implican una conexión más profunda entre la arquitectura y el espacio clásico. El artista gráfico japonés Kenya Hara dirigió el diseño de un sistema de señalización “simple” y “refinado” para el proyecto.

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Fuente: AQ

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Casa en ninguna parte, esculturas de Gentle Monster

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 19 Sep 2024 13:30:00 +0000

Obra: Haus no where
Grupo: Gentle Monster ( IG )

Ubicación: Water Plaza, Shenzhen, China.

Año: 2024.

Gentle Monster hace honor a su nombre cuando abre su tienda en Shenzhen, China, con imponentes esculturas de un humano durmiendo, bisontes y rostros (o bustos). Ubicado en Water Plaza, Shenzhen Mixc World, es el tercer proyecto HAUS NOWHERE de la marca de gafas coreana, cada uno de los cuales promete alejarse de cómo se diseña y representa una tienda minorista típica . Ha abierto sus puertas desde el 5 de septiembre de 2024 y, una vez dentro, los visitantes pueden deambular por el espacio comercial, presenciar el diseño FUTURE RETAIL que ha seguido el equipo y comprar mientras los gentiles gigantes acompañan cada uno de sus movimientos, inmóviles pero siempre con una presencia amenazante.

Hay una narrativa unificadora que une a todas las esculturas que se encuentran en la tienda de Gentle Monster en Shenzhen: INSECT KINGDOM. El espacio de las gafas coreanas no se trata solo de crear una serie de estatuas colosales para causar sensación. Es una investigación, una interpretación tangible de un cuento ficticio sobre la relación de 10.000 años entre gigantes, insectos y animales. Imagina un refugio donde las personas comparten el mismo espacio sin compartir ningún miedo: una existencia colectiva, cohabitando. HAUS NOWHERE SHENZHEN luego tiene una secuencia.

Comienza con las Tres Primeras Creaciones, moldeadas por la Mónada, apodada la primera de los seres. Esta entidad dio forma a tres seres: Insectoides con forma de mantis, Bestias parecidas a bisontes y el Colosal Primer Humano. Pero la Mónada no debería ser considerada una heroína, más adelante. La entidad, junto con los Insectos, se consumió tanto por la codicia y la inteligencia ocultas que encerró al Colosal Primer Humano. Parece que los Insectos pueden haber prosperado en el reino porque, como muestra el espacio de la exposición, se convirtieron en gobernantes del reino durante cientos de siglos, terminando así con el nombre de EL REINO DE LOS INSECTOS.

Los días de los Insectos pueden terminar tan pronto como los visitantes lleguen a la última sección de la tienda de Shenzhen de Gentle Monster. Tres rostros de mujeres con los ojos cerrados los saludan. Son los Tres Oráculos, los que advierten al Reino de los Insectos sobre el destino que han visto en su visión: el Primer Humano Colosal, que ha estado dormido durante mucho tiempo, pronto se levantará y saldrá de su estasis. "El resto de la historia seguirá", dice el equipo de la marca. Aparte de la narrativa, las esculturas cobran vida con los detalles más finos posibles, lo que las hace realistas.

Las venas de las manos del gigante dormido se abultan; los rostros de las mujeres con los ojos cerrados brillan bajo la luz, contorneados también para parecerse a personas vivas; los bisontes parecen simplemente congelarse en sus lugares y pretender que son estatuas; y los insectos durmientes pueden abrir los ojos en cualquier momento, listos para lanzarse contra los visitantes. Horas de creación y curaduría dan como resultado una serie de instalaciones inmersivas en Shenzhen, China, y dentro de HAUS NOWHERE de Gentle Monster, la tienda se convierte primero en un espacio de exhibición.

VLOG RESUMEN:

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Fuente: DB

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Torres Raffles en la ciudad de Hangzhou en China

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 12 Sep 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Raffles City Hangzhou

Ubicación: Hangzhou, China.

Diseño: UN Studio ( IG )

Uso: Mixto.

Extensión: 40,355 m2

Año: 2008-2017

Raffles City Hangzhou es un centro urbano sostenible para la vida, el trabajo y el ocio ubicado en Hangzhou, una de las ciudades más pintorescas de China. Situado en la Ciudad Nueva de Qianjiang cerca del río Qiantang, este desarrollo de uso mixto se convierte en un hito importante a lo largo del eje verde del nuevo CBD de la ciudad. Una rica mezcla de funciones 24/7 ocupa casi 400.000m2 dentro de dos torres aerodinámicas situadas encima de un podio y una plaza ajardinada.

En el diseño de las dos torres, la cara urbana del proyecto se tuerce hacia el paisaje, mientras que el aspecto paisajístico, reconoce el contexto urbano. A través de esto, el contexto urbano y el paisaje de la ciudad se consolidan en un solo gesto. La entrada principal al sur del sitio de la esquina aparece como una puerta prominente desde el parque de la ciudad y el centro cívico, ya que bordea tanto el contexto urbanístico y el parque de eje verde/ciudad que conecta el lago oeste con el río Qiantang. Reflejando el movimiento en el río, el diseño de la torre cuenta con un movimiento similar a una ola. Estas olas concéntricas aumentan en su dinamismo, comenzando con calma en la base y acumulándose más vigorosamente a lo largo del eje vertical.

Las expresiones arquitectónicas de todo el edificio conectan los programas combinados en un flujo sin fisura. El podio minorista de 116.000m2 en la base de la torre comienza este flujo interconectado, organizado como dos diagonales e intersecando figura de ocho. Acomoda comercio minorista, restaurantes, instalaciones de ocio y aparcamiento y tiene una conexión subterránea directa con el metro. Esta amplia gama de funciones de uso mixto, no sólo proporciona a los residentes y a los que trabajan o permanecen en el complejo un entorno sano y socialmente integrado, sino que también garantiza que los programas estén activos las 24 horas del día, creando un vecindario seguro y animado para todos.

Raffles City Hangzhou está diseñado con una mezcla cuidadosamente considerada de programas que reúnen a una amplia gama de usuarios. Además de trabajar y vivir en Raffles City Hangzhou, la gente puede alojarse en el hotel, o recoger comestibles, disfrutar de una comida, hacer ejercicio, ver una película o incluso casarse allí, todo en un entorno interconectado.

La incorporación de la ventilación natural, la obención solar y los principio de luz diurnos adaptados al contexto local, la estructura eficiente y las formas en que se emplean los materiales, trabajan en concordancia entre sí, para bajar la energia y las demandas materiales del edificio. Raffles City Hangzhou es el primer centro comercial minorista en China en utilizar ventilación natural a gran escala y ha logrado la certificación Gold LEED.

Cubierto con una piel brillante de azulejos de aluminio, las fachadas de aluminio, las fachadas del podio reflejan la actividad del edificio y el paisaje para ofrecer perspectivas pixeladas. Las torres cuenta con una capa externa de aletas de sombreado solar giradas verticalmente, colocadas encima del sistema de pared cortina. Acentuando el toque característico de la torre, también enmarca las vistas internas.

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Ambas torres consisten en una fachada urbana con aletas verticales, una fachada del paisaje con jardineras horizontales. El programa y la orientación de las fachadas determinan la profundidad, anchura y ángulo de los paneles de fachada. Esto maximiza las aberturas con una relación óptima ventana-muro.

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Arte clásico de Jake Weidmann

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 12 Sep 2024 13:30:00 +0000

Un hombre que trabaja con sus manos es un obrero.
Un hombre que trabaja con su cabeza es un artesano.
Un hombre que trabaja con su cabeza, manos y corazón es un artista.
- St. Francisco De Asís.

Nombre: Jake Weidmann.
Lugar de origen: Denver, Colorado, USA.

Formación: Licenciatura en psicología en la Universidad de Biola.
Profesión: Licenciado en psicología.

Oficios: Caligrafía, pintura, dibujo, carpintería y grabado.

A medida que el mundo digital crece, las antiguas formas de arte se van extinguiendo, y los viejos maestros en estas nobles artes dejan detrás de sí un vacío. Jake Weidmann, el más joven de tres generaciones, muestra una atención al detalle, en obras que nos recuerdan a practicas consideras antiguas, y ya poco vistas en la actualidad.

Jake Weidmann es un artista profesional y certificado como uno de los nueve Maestros Penman en el mundo. Jake es autodidacta en cada una de sus disciplinas (calligrafía, pintura, dibujo, carpintería y grabado). Mientras que normalmente trabaja con clientes privados, Jake ha trabajado con Apple, Inc., Crossway Books y Biola University y ha hablado desde incontables etapas incluyendo Tedx y Q y apareció en PBS Televisión. Recientemente ha sido designado como uno de los 14 maestros de la pluma por la IAMPETH Society.

Weidmann practica varias formas de arte, como tallar, y trabaja su caligrafía en sus dibujos, pinturas y esculturas para crear piezas que le digan a los espesores una historia.También fue uno de los primeros artistas durante su tiempo en tallar sus propios bolígrafos, hacer su propia tinta, y tallar sus propios marcos.

Es una de las mejores habilidades que el artista tiene que creo que con demasiada frecuencia es abdicada o simplemente desatendida. Creo que la capacidad de contar una historia, la capacidad de señalar algo más alto es el poder real que el arte tiene. Y me encanta hacer eso e incorporar el simbolismo y la historia en una pieza que realmente envuelve al espesor en la pieza y les da un buen punto de partida. Él está tratando de usar su propio arte para volver a usar métodos clásicos y tener un ethos clásico de usar simbolismo y tratar de transmitir algo mucho más alto a sus lectores.

La psicología le ha ayudado a crear un enfoque en las bellas artes, ver y entender el arte como una conexión entre el artista y el observador, crea un espesor, donde despide una emoción, invoca una reacción dentro de ellos.

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Fuente: HDC

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Septiembre 2024

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Fri, 06 Sep 2024 14:30:00 +0000

ESCULTURA DE DANIEL POPPER

" El arte es el medio más seguro de aislarse del mundo, así como de penetrar en él ".
~ Johann Wolfgang von Goethe.

Sin importar los trágicos sucesos diarios, cada día sale el sol y se esconde la oscuridad. a continuación les comparto algunos enlaces a contenido que puedan interesarles.

Publicaciones recomendadas:

De calles completas y ciudades menos hostiles:En esta vasta extensión de concreto, humo y tráfico, nuestra ciudad se nos revela diariamente en su cruda esencia: una jungla implacable donde los automóviles devoran el espacio público como una boa constrictora que, en cada movimiento, aprieta con más fuerza la agonía del caos vehicular. Esta es la realidad de Guatemala, una urbe donde la vida del peatón es una lucha contra la dominación del automóvil. El ingreso diario de los autos chatarra rodados nos lo recuerda, porque se multiplica el parque vehicular cada tres años.
En la era de las IA, ¿Qué hace a las personas únicas?[EN]: Los sistemas de IA de hoy pueden generar poesía, código, ensayos y chistes aceptables. Parece totalmente probable que la lista de las capacidades de IA solo crezca, y por eso es tentador preguntarse para qué estamos en la cúspide de un mundo en el que trabajadores de todo tipo(maestros, médicos, escritores, fotógrafos, abogados, programadores, empleados y más) serán reemplazados con, o hasta cierto punto marginados por, sus equivalentes de IA,
Caída de casos de corrupción en Guatemala: El sistema de justicia en Guatemala ha cambiado radicalmente desde la salida de la CICIG, ¿Qué paso con los casos de corrupción de alto impacto?. El medio Plaza pública analiza 35 de estos expedientes, revelando un patrón de desestimaciones y beneficios para los acusados.
¿Cuánto bosque perdimos por la palma?: Según estas estimaciones, algunas grandes plantaciones se asientan, hasta en un 39% sobre tierras que solían ser bosque. Solo Palmas de Machaquilá habría provocado la desaparición de más de 7 mil hectáreas de terreno con cobertura forestal.
Premio mejor película en categoría muestra latinoamericana: En la 11a edición del Festival de Cinema de Caruaru 2024, celebrado en Brasil se otorgo el premio de Mejor Película en la categoría de Muestra Latinoamericana al cortometraje animado 'Enfermedad del sueño' de Guatemala, realizado por Christian Paiz.
Proyección de cortometraje animado en Brasil: Este es un fragmento de vídeo y experiencias de como se vivió el evento de proyección del cortometraje 'Enfermedad del Sueño' en la 11a edición del Festival de Cinema Caruaru en Brasil.
PDF - Libros digitales: Demasiado tarde para despertar (Zizek) /

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RESUMEN DE ARTE MENSUAL:

PINTURA DE ENRIQUE CAY

PINTURA DE GUILLERMO LORCA GARCÍA-HUIDOBRO

MURAL DE CRISTÓBAL PERSONA

ESCULTURA DE HEATHER JANSCH

MURAL DE BANKSY 2024

Vídeos recomendados:

Dibujo de cuatro fantásticos. (Short)
Fin de la industria automotriz tradicional. (Documental)
Elaboración de caja musical de papel. (Timelapse)

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Interior del Museo Aatma Manthan en la India

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Fri, 06 Sep 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Aatma Manthan Museum.

Diseño: Sanjay Puri Architects ( IG )

Ubicación: Nathdwara, Rajasthan, India.

Extensión: 1672m2

Fotografía: Vinay Panjwani

Año: 2024.

Dentro de la base de la estatua de 82 metros de altura de creencia en Nathdwara, Rajasthan, India, el Museo Aatma Manthan emerge como un complejo de 1.672 metros cuadrados, abrazando una combinación holística del alma (aatma), mente (mana), y cuerpo (tanque) para evocar el autoanálisis. Diseñado por la práctica local , el recién inaugurado se divide en una serie de habitaciones inmersivas, cada una ofreciendo una experiencia diferente a través de la representación de elementos naturales y formas de barrido, especialmente con el uso de hormigón.

El Museo Aatma Manthan de Sanjay Puri Architects se introduce a través de un gran vestíbulo, diseñado a propósito por el estudio como volumen de fluidos. Las paredes, el techo, las columnas estructurales, el mostrador de recepción y los bancos de asientos están totalmente acabados con una fina capa de hormigón de espuma que encapsula fluidamente todos estos elementos, al tiempo que absorbe el sonido. Este volumen escultórico, envuelto en un gris de concreto, calma a los visitantes, transportándolos a un estado tranquilo antes de entrar en las 18 zonas secuenciales que se han creado.

Los visitantes son conducidos desde esta entrada cavernosa a un estrecho pasillo ondulado con imágenes que retratan la realización del museo. A continuación, cada sala se ingresa una a una, con diferentes temas transmitidos a través de audiovisuales y experiencias inmersivas. El diseño de este museo supera el reto de trabajar con un plano de suelo que sea irregular, con múltiples elementos estructurales, creando un flujo secuencial de volúmenes y vías de circulación con una paleta neutral en todo momento para potenciar las experiencias audiovisuales e inmersivas dentro del Museo Aatma Manthan.

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Fuente: DB

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Pinturas realistas de Mustafa Yüce

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Fri, 06 Sep 2024 13:30:00 +0000

Nombre: Mustafa Yüce
Lugar de origen: Kütahya Simav, Turquía.
Formación: Licenciatura en bellas artes en Universidad Uludag(2001), Maestría en bellas artes en Universidad Marmara(2017).

Profesión: Pintor figurativo fotorrealisa.

En el mundo moderno, a medida que la sociedad dejó de cuestionar y se acostó para ignorar todo y se hace sucumbir a intereses delirantes.

El artista que analiza las imágenes reales del mundo en su mundo interior, conecta y ficcióniza los acontecimientos y hechos con el tema de la "Reflexión de la Realidad" sobre el principio de causalidad, deja a la audiencia sola con el acto de confrontación y las hace cuestionar la realidad de la "Discriminación y Aceptación" con todos sus vicios.

Mientras crea los sujetos de sus obras, describe eventos distópicos con un enfoque receptivo. En sus obras figurativas en estilo fotorrealista bajo la influencia de las tragedias sociales, la distribución de la sombra de luz y los detalles en las obras, el dinamismo y la composición afectan profundamente al espectador.

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Casa en el bosque de Argentina

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 29 Aug 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Forest House

Diseño: Gonzalo Bardach ( IG ).

Ubicación: Costa Esmeralda, Buenos Aires, Argentina.

Año: 2023.

La Casa Bosque de Gonzalo Bardach se ubica en la costa de Buenos Aires, Argentina , inserta en medio de un bosque de coníferas. El desnivel inherente a la topografía alberga un refugio, un lugar sin tiempo, donde el vacío y la vista se enmarcan, armonizando la morfología del proyecto lo construido y lo natural. Formas fluidas y orgánicas se integran a través del corazón de la casa: un vacío que conecta el bosque que rodea la casa, integrando frente y fondo, utilizando el médano sobre el que se asienta para construir un espacio experiencial de contemplación y silencio.

El programa se distribuye en planta baja, organizado por tres pabellones semienterrados cuyas cubiertas se encuentran ligadas al terreno, absorbidas por el bosque. Potenciando esta relación, los materiales se utilizan en estado puro, como piedra líquida , madera , hierro y vidrio , permitiendo una sensación de calidez, y requiriendo un mínimo mantenimiento a lo largo de su ciclo de vida al integrarse orgánicamente al entorno.

La luz del sol se convierte en un elemento dinámico que transforma constantemente la percepción del espacio en toda Forest House, invitando a los residentes a experimentar una conexión más profunda con la naturaleza y consigo mismos. La arquitectura se convierte así en un lienzo vivo donde la luz se filtra a través de las hojas de los árboles, creando patrones de sombras que bailan delicadamente sobre las superficies. El arquitecto argentino Gonzalo Bardach integra materialmente la obra al entorno, generando una sensación de arraigo y refugio en medio del bosque. El diseño del paisaje tridimensional, rico en especies, se ha construido a partir de un proceso de investigación botánica de las especies nativas de la ecorregión costera de Buenos Aires. Se propone un enfoque más orgánico y menos controlado del diseño y mantenimiento de jardines, donde el paisajismo no sigue patrones estáticos, sino que se realiza para evolucionar naturalmente con el tiempo.

Los pabellones de Forest House están unidos por una cubierta ajardinada que cubre un espacio central entre ellos, que alberga los espacios de servicio y descanso. Mientras tanto, el espacio central alberga el programa social: la cocina, el comedor y la sala que se fusionan en una galería, así como a todas las elevaciones naturales del paisaje. El diseño bio-ambiental, con una cuidadosa consideración de la orientación solar y los patrones de viento, refleja el compromiso del estudio con la sustentabilidad, priorizando la luz natural en todos los espacios y la ventilación cruzada para mantener el confort térmico.

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Fuente: DB

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Esculturas de Tomasz Górnicki

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 29 Aug 2024 13:30:00 +0000

Me fascinan las formas naturales y su orden resultante de la geometría, la mecánica y la tensión física. A la estructura lógica/cosmos añado sentimiento/caos. Una sensación permanente de pérdida es una emoción fundamental que me impulsa... y la belleza es equivalente a una pérdida: congelar momentos en la escultura es una forma de engañar al tiempo y posponer lo inevitable. La piedra, el bronce y el acero son portadores de estados que quiero conservar para mí y para los demás.
- Tomasz Górnicki.

Nombre: Tomasz Górnicki.
Lugar de origen: Polonia.

Formación: Licenciatura en bellas artes en el Departamento de Escultura de la Academia de Bellas Artes en Varsovia(2010).

Profesión: Escultor.

Materiales: mármol, arcilla, bronce y acero.

Tema: Psicología social.

Es un artista joven cuyos intereses giran en torno al realismo. La fisicalidad es su tema básico, un vehículo que lleva al mundo simbólico, un camino hacia los arquetipos. Sus actividades urbanas provocan preguntas y nunca dejan indiferente al público. Utiliza el lenguaje de los símbolos, principalmente religiosos, filosóficos y psicológicos.

Górnicki trabaja tanto con la escala monumental como con las pequeñas formas. Experimenta con la combinación de diferentes materiales como el bronce, la piedra, el aluminio y la tela. Explora las cualidades del color y traslada los gráficos 2D al mundo 3D. Cree que la escultura puede ordenar, incluso crear, el espacio. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y fue autor de exposiciones individuales.

El artista utilizando tanto la figuración como la abstracción, explora estados emocionales límites. Utilizando mitos y símbolos, muestra la influencia que tiene la cultura en las personas. En su obra, se mueve entre la esfera personal e íntima y la pública institucional. Rompiendo patrones expositivos, instala sus obras que hablan de la opresión de las instituciones sociales y políticas. Uno de los primeros artistas callejeros de Europa en colocar esculturas ilegales en entornos urbanos. El motivo universal de su obra es la corporalidad, la desnudez expresiva, ante el proceso de la decadencia, en una lucha constante contra el paso del tiempo.

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Plaza cultural Changzhou

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 22 Aug 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: Changzhou culture plaza.

Diseño: Gmp Architects ( IG )

Ubicación: ChangZhou, China.

Extensión: 363,715 mts2 (17 hectáreas )

Altura: 50mts.

Año: 2012-2020.

La Plaza de la Cultura de Changzhou está rodeada por un parque público, junto con el Ayuntamiento y el Gran Teatro de Changzhou ubicados al norte, forman el nuevo centro de la ciudad de Changzhou. El desarrollo consta de seis módulos de construcción independientes idénticos que están en ángulo entre sí y dispuestos en un grupo de 2 x 3. Cada módulo se basa en un área de huella de 70 x 70 metros y, como una unidad autónoma con entrada y vestíbulo individuales, alberga una de las funciones de la Plaza de la Cultura, que edificio incluye una serie de museos, como un museo de arte, un museo de ciencia y tecnología y una biblioteca, así como instalaciones de servicios que respaldan el centro cultural en el distrito Xinbei de la ciudad de tres millones de habitantes, entre Wuxi y Nanjing.

El diseño refleja elementos de la cultura del sur de China de Changzhou y las fuentes de agua más destacadas de la ciudad. Los módulos del edificio, que se extienden en voladizo formando un gran arco, constan de seis pabellones de 50 metros de altura que varían significativamente en su interior con sus diferentes funciones arquitectónicas, pero que forman un todo visual desde el exterior. El espacio entre la galería de arte al este y el museo de ciencia y tecnología al oeste forma la plaza pública en el centro de Changzhou. El edificio, con sus fuentes y su generoso diseño paisajístico, crea un ambiente acogedor y sirve como punto de encuentro en el barrio.

En la planta sótano de 226.695 metros cuadrados se encuentran un aparcamiento subterráneo, así como numerosas tiendas y comercios, que están iluminadas por tragaluces y que están conectadas directamente con las instalaciones culturales.

Un curso de agua en el nivel superior que atraviesa diagonalmente el terreno de 17 hectáreas une todos los módulos y actúa como fuente de iluminación para los restaurantes del sótano.

Con su material y color, la fachada retoma la tradición de la construcción regional: la pizarra gris escalonada crea una impresión externa sólida que contrasta con las superficies brillantes con elementos blancos y fachadas de vidrio transparente en el interior de los edificios.

El Centro Cultural desempeña un papel importante en la configuración del nuevo centro de la ciudad y su desarrollo, y refleja la tradición de Changzhou trasladada a la metrópolis moderna. El gran tejado se extiende por los seis pabellones culturales y se utiliza para definir el espacio público para los ciudadanos de Changzhou.

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Arte surrealista tridimensional de Tanya Gomelskaya

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 22 Aug 2024 13:30:00 +0000

Mis cuadros representan la forma en que intento navegar por este mundo: equilibrando mis ansiedades y fortalezas, el miedo y la valentía, la duda y la confianza en mí misma, todo ello empaquetado en un exterior compuesto.
-Tanya Gomelskaya.

Nombre: Tanya Gomelskaya.

Lugar de origen: San Petersburgo, Rusia.

Formación: licenciatura en Bellas Artes en la SUNY Purchase University.

Profesión: Pintora

Tema: Sentimiento humano, surrealismo.

Técnica: Pintura y escultura.

La escultura y pintura de Tanya Gomelskaya trasciende las fronteras del arte tradicional al fusionar a la perfección estas dos expresiones. Sus creaciones estimulan la exploración sensorial e inspiran en el lienzo formas tridimensionales. Detrás de sus composiciones se esconden emociones en movimiento, ansiedades que se armonizan y dudas sobre las que conversar.

La combinación de escultura y pintura en la práctica de Tanya ofrece una experiencia visual y sensorial única. Los elementos salientes añaden una cualidad táctil, invitando a los espectadores a explorar la obra de arte con los ojos y las manos. Este enfoque multidimensional crea una sensación de movimiento y energía dentro de la pieza, haciéndola cobrar vida ante los ojos del espectador.

La artista rusa afincada en estados Unidos desde los 5 años, se declara una obsesionada de la piel y pasa muchas horas estudiando sus manos. Observa cómo su piel se estira sobre el hueso, cómo las yemas de los dedos se vuelven casi translúcidas a la luz del sol, y descubrir toda la paleta de colores dentro de la uña del meñique, es su pasión. “Decir que estoy obsesionada con pintar la piel es quedarse corto”.

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Las imperfecciones son la clave en busca de la verdad y redefinen lo que para la artista significa la belleza. En ocasiones recorta sus pinceles hasta dejar sólo unos pocos pelos para plasmar los detalles más sutiles, de los que sólo se ven al mirar de cerca. “Invito a mis espectadores a mirar más de cerca, tanto en sentido literal como figurado”.

Presencia en la red:

Fuente: OS

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Ilustraciones de arquitectura por Jan Šrámek

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 15 Aug 2024 14:00:00 +0000

Nombre: Jan Šrámek Kolouch

Lugar de origen: República Checa.

Formación: Facultad de Bellas Artes de la Universidad Tecnológica de Brno.

Profesión: Artista visual, Ilustrador, y catedrático.

Tema: Arquitectura Brutalista de la República Checa.

Titulo de las obra: Especies en peligro de extinción.

A través de libros, cómics, grabados, vídeos y otros trabajos, el “ilustrador-activista” Jan Šrámek ha llamado la atención sobre la arquitectura brutalista de la República Checa durante la última década y media. Como en otros lugares, los edificios brutalistas de su país natal están amenazados, si no son ya cosa del pasado. Algunos de los edificios desaparecidos siguen vivos en las distintivas ilustraciones de Šrámek que se exhiben en distintos museos de la región.

Arquitectura Brutalista:

Los edificios brutalistas se caracterizan por construcciones minimalistas que muestran los materiales de construcción desnudos y los elementos estructurales sobre el diseño decorativo. El estilo comúnmente hace uso del hormigón o ladrillo vistos, sin lucir ni pintar, recurre a formas geométricas angulares y a una paleta de colores predominantemente monocromática. Estilísticamente, el brutalismo es un lenguaje de diseño estricto y moderno que se ha dicho que es una reacción a la arquitectura de la década de 1940, gran parte de la cual se caracterizó por una nostalgia retrospectiva.

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Fuente: WA

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Dibujos de gran escala por Sinan Demirtaş

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 15 Aug 2024 13:30:00 +0000

Nombre: Sinan Demirtaş (1966).

Lugar de origen: Estambul, Turquía.

Formación: Departamento de pintura de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Mimar(1993).

Profesión: Dibujante, catedrático.

Según Sinan Demirtaş, la realidad es una ilusión y lo que realmente importa es cuánto te "engancha". El realismo es sólo uno de los elementos que utiliza una imagen para atraer a sus espectadores. Las líneas, los tonos, la luz y la sombra son otros instrumentos de esta ilusión. El blanco ( luz ), compuesto de todos los colores, constituye los escenarios abstractos de sus pinturas desprovistas de tiempo. Cuando el espacio mismo se vuelve abstracto, está abierto a ser contemplado desde cualquier punto de vista que uno desee. Tampoco se conforma con una única dirección o ángulo, descubre diferentes horizontes desde los que mirar y tocar. Esto es como un juego para Demirtaş, un juego de engañar al tiempo. Al fin y al cabo, todo es lo que puedes ver desde donde estás parado, pero para conocerlo mejor debes mirarlo, tocarlo y entrar en contacto con él desde una multiplicidad de ángulos.

Demirtaş dice: “Soy tan real como una línea en un cuadro”, y continúa: “una línea sobre una superficie (en el espacio) no es más que una ilusión, nos parece real con los diferentes tonos que la rodean. Es, de hecho, una guía, como los primeros indicios de un pensamiento, finge. A veces nos engaña, desde la luz hasta la oscuridad. Gobierna el tiempo, pone distancia, entre la luz y la oscuridad. Luego la luz se apodera del tiempo, contra la oscuridad. No entiendes mientras te roza la piel, te traga y te absorbe. A veces pierdes el control y te rodea por todos lados. Es muy probable que exista otra realidad (ilusión) fuera de esto, pero eso ya no me preocupa, ahora que he encontrado mi luz”.

Sinan Demirtaş interroga a quienes se acercan a confrontarlo a través de una metáfora de juego, donde vemos que los jugadores de ambos lados del balancín no son más que imágenes de él mismo reproducidas.

Biografía:

Fundó el Estudio de Grabado Original del Centro Cultural Akbank en 1993 y el Estudio de Impresión en Piedra Sinan Demirtaş en 1997. Entre 1993 y 2004, fue director de los Estudios de Impresión del Centro Cultural Akbank. Ganó el tercer premio del Concurso Internacional de Pintura del Año del Niño en 1979, el premio especial del jurado de la Exposición de Nuevas Tendencias de Estambul en 1994, el premio "Reflexiones" del 14º Concurso de Pintura Esbank Yunus Emre en 1998 y el Premio Estatal de Grabado Original de Pintura y Escultura en 1999. El artista, que inauguró su primera exposición personal con el título "Caminos" en la Galería de Arte Taksim en 1996, trabaja como profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Yeditepe y continúa su trabajo en Estambul.

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Fuente: IM / BAP

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Chalets VanaVasa Resort en Malasia

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 08 Aug 2024 14:00:00 +0000

Proyecto: VanaVasa Resort Janda Baik ( IG )

Diseño: M J Kanny Architects ( IG )

Ubicación: Janda Baik, Pahang, Bentong, Malasia.

Tipo: alojamiento(30 habitaciones ).

Extensión: 2 acres.

Año: 2023.

Como se trata de un complejo ecológico, el edificio se diseñó siguiendo principios sostenibles y ha obtenido la certificación Gold de GreenRE. Por ejemplo, no dispone de aire acondicionado y se utiliza ampliamente la ventilación natural. Se han seleccionado cuidadosamente materiales naturales como el hormigón, el ladrillo natural y el bambú compuesto como materiales principales. Los chalets están construidos con acero prefabricado que se puede ensamblar en el lugar sin necesidad de hormigón ni ningún otro material de construcción. Esto ayudó a preservar el lugar sin necesidad de crear un acceso temporal y, por lo tanto, destruir las pendientes naturales.

comenzó como un complejo privado de 30 habitaciones, principalmente como un retiro cooperativo, pero desde entonces se ha convertido en un complejo completo que será accesible al público. Está ubicado en una colina muy empinada con pendientes que superan la clase 4 y está rodeado de árboles forestales maduros. Por lo tanto, la intención era preservar los árboles y evitar las pendientes de clase 4. El edificio principal consta de instalaciones de estacionamiento en la planta baja y un restaurante de concepto abierto y una terraza con salón flanqueada por una piscina en el primer piso, con 10 habitaciones en el segundo piso. Se distribuyeron esporádicamente 10 unidades de chalets (2 unidades por chalet) por el resto del sitio, encaramados a lo largo de las pendientes y evitando cuidadosamente los árboles. Se puede acceder a los chalets a través de una red de pistas para buggies.

A pesar de los planes iniciales de utilizar bambú local, el equipo de diseño optó por madera compuesta (WPC) con perfiles similares al bambú debido a preocupaciones de calidad y consideraciones de sostenibilidad. Otras características ecológicas incluyen accesorios que ahorran agua, materiales con bajo contenido de COV, iluminación LED y una mínima intervención en el paisaje para mantener el estado natural similar a la jungla. La ausencia de cercas permite que la vida silvestre coexista de forma natural con el entorno del complejo.

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Fuente: DB

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Murales de la mexicana Adry del Rocío

orviton@gmail.com (MR.MAN) — Thu, 08 Aug 2024 13:30:00 +0000

Nombre: Adriana del Rocío García Hernández

Lugar de origen: Guadalajara, Jalisco, México.

Formación: Diplomado en Artes Plásticas del Instituto Cultural Cabañas / Licenciatura en Artes Visuales, con especialidad en pintura de la Universidad de Guadalajara (UDG)

Profesión: Muralista.

Movimiento artístico: Arte urbano.

Tema principal: Mujer mexicana.

Biografía:

Adriana del Rocío García Hernández comenzó su carrera como artista a los cuatro años, cuando ganó un concurso de arte. Gracias a ese estímulo temprano, a los 16 años ya se graduó de la Licenciatura en Artes Plásticas, lo que le abrió el camino para mostrar su trabajo en más de 90 exposiciones colectivas y 54 individuales en México, Estados Unidos y España. “Llevo pintando desde que tengo uso de razón y desde los once años he expuesto en diversos formatos y técnicas”, explica.

Su interés por utilizar grabados para reproducir la vida real la impulsó a dedicar su arte a los murales hiperrealistas en los que representa elementos mexicanos como el maíz, la fauna mexicana y las calaveras del Día de Muertos. En el Paseo de la Reforma de Ciudad de México creó un hermoso mural con un árbol de la vida y numerosos elementos nacionales que está dedicado a la muerte.

Pero su trabajo fue más allá. Adry comenzó a jugar con las dimensiones y a experimentar con el 3D, creando obras que desde ciertos ángulos se transforman en enormes murales, dando la sensación de una tercera dimensión e invitándonos a explorar paisajes surrealistas con peces gigantes y figuras de otros universos. Su especialidad son los murales de arte público de entre 15 y 30 metros de altura, que le toman al rededor de cuatro días, valiéndose de una grúa, una pistola eléctrica, y una brocha en mano. Hasta el momento ha recibido 65 reconocimientos públicos por su trabajo artístico, 31 premios estatales, 11 nacionales, 23 internacionales, y se ha presentado en 25 países del todo el continente.

Presencia en la red:

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Fuente: G

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