Mr. Sardonicus: Viviendo el cine

MANDARINAS (2013)

2016-05-20T14:39:00.001-07:00

VIVIENDO CON EL ENEMIGO

Film dirigido por Zaza Urushadze, ambientado en los comienzos de los 90, teniendo como escenario a la Guerra georgiano-abjasia, ubicándonos en la provincia de Abjasia, en donde los georiganos consideran a esta región como parte de su territorio, a diferencia de los abjasios que buscaban independizarse de Georgia, con la ayuda de los chechenos, por lo que, los georiganos eran visto como invasores en dicha tierra.

En pleno conflicto se encuentran dos estonios Ivo (Lembit Ulfsak) y Margus (Elmo Nüganen), el primero es carpintero y el segundo es agricultor, Ivo construye cajas de madera en donde se almacenan las mandarinas que cosecha Margus, su vida a pesar de guerra es tranquila, ya que consideran que no son parte de conflicto, y que el lugar donde viven es su hogar, por lo que, no piensan irse a pesar que sus familias viven en Estonia.

La cotaniedad de Ivo y Margus, se ve afectada cuando deciden ayudar a dos heridos, un checheno y un georgiano, es a partir de la convivencia de los soldados enemigos, en que se desprende el mensaje anti bélico del film. La historia es sencilla en donde nos muestra la simplicidad de un hombre que solo quiere vivir y morir en la tierra que considera su hogar y ayudar a su amigo Margus a cosechar las mandarinas, las diferencias culturares y religiosas le resulta poco relevante.

La historia se centra en dos personas con ideas totalmente opuestas son obligadas a convivir en un mismo techo, en donde se producirán situaciones digna de una screwball comedy, tal vez la historia no sea nada original, ya se vio ¨En tierra de nadie¨ (2001), ¨Infierno en el pacifico¨ (1963), entre otras, pero es la sencillez en la forma que es contada es lo que hace notable a la película, la historia tan sólo transcurre en un solo espacio, el conflicto se ha reducido a dos personas, en un periodo de tregua, Ivo es el personaje que ambos le deben respeto y obediencia, el cual mantiene la paz con una sola palabra.

La película, no nos muestra las razones del conflicto, ni se inclina por una posición u otra, tan sólo nos presenta a dos personajes que conviven con sus diferencias, y nos cuestiona sobre aquello que consideramos importante, ¿es realmente importante?. No estamos tal vez ante una de las grandes películas al nivel narrativo o técnico, pero si son encontramos ante una película sencilla, que nos tramite un mensaje que llega profundamente. Si el cine es contar historia y transmitir emociones al espectador, esta ha cumplido con su misión, porque no nos podemos olvidar de las ultimas palabras de Ivo.

THE FOOL (2014)

2015-12-06T15:53:00.000-08:00

LA FELICIDAD DE LA IGNORANCIA

En la semana de la critica del Festival de Cannes de 2013, el director ruso Yuri Bykov, presenta su película The Mayor, la cual es una critica al espíritu de cuerpo de la policía rusa, en donde cada uno cubre a otro sus secretos, y en donde uno de sus miembros quiere romper dicha regla no escrito, sacando lo peor del ser humano.

El protagonista es Dima Nikitin, un joven estudiante ruso de arquitectura, que trabaja de plomero, que tiene el sueño de diseñar edificios y ayudar a la gente, pero es visto por su esposa como un soñador o tonto, al pensar que debe su idea de estudiar para sobresalir, no es muy practica, ya que para ella y para el resto, sólo se tiene que pagar para obtener trabajo, la única persona de su familia que no lo ve como un soñador es su padre,sino como una persona con fuertes ideales, a diferencia de su madre, que trata de hacer que entender que lo correcto no es lo mejor para progresar.

Cuando Dima descubre que existe una falla en un edificio habitacional, que podría ocasionar el derrumbe, el decide a poner en alerta a los funcionarios encargados, en donde su información para ellos resulta una molestia, que les cuesta asumir como su responsabilidad, es así que somos testigos, en una danza de funcionarios públicos, que simplemente tratan de trasladar la responsabilidad a otros, en donde se muestra el egoísmo e indiferencia de ellos, en donde el interés común no tiene cabida en sus vidas, la corrupción se convierte en un verdadero crimen, ya que lo primero para ellos es evitar que se descubran sus actos de corrupción.En donde nos un sentimiento agridulce, y hacernos pensar, sobre cual seria nuestra posición en dicha situación.

Su mirada va dirigida a los funcionarios públicos, aquello que toman decisiones sobre el destino de la gente común, en donde nos muestra nuevamente la podredumbre humana, la desidia por buscar el bienestar del prójimo, tan sólo prevalece el sacar el máximo beneficio para uno, el film si bien se centra en los funcionarios públicos, su mirada va más allá, nos presenta la deshumanizacion de la sociedad, pero no habla de la sociedad rusa, sino la deshumanizacion del propio ser humano.

Al igual que en la película The Mayor, su protagonista nada contra la corriente, en donde trata de hacer lo correcto, porque tiene el convencimiento que es la mejor opción, es así que nuestro héroe tiene que luchar contra un enemigo invisible, que se a apoderado del ser humano, el cual es el egoísmo más puro, que convierte a las personas en seres que se guían en la consigna de pisar al otro para poder subir.

En los primeros minutos nos presenta una escena que define la dirección del film, en donde nos sitúa en el problema central de la historia, el cual es la condición humana de las supuestas victimas de la indiferencia, el director nos pone las cosas claras, sobre el tipo de personas que habitan el edificio, que debe salvar el protagonista.

La forma que es presentada a los funcionarios, recuerda a Horí, má Panenko (La fiesta de los bomberos) de Milos Forman, que ronda entre la comedia y la tragicomedia. Es así que el film tiene momentos de comedia negra, drama, y thriller, la cual es conjugada con mucho oficio por el director. Siendo uno de los mejores estrenos de este año que se va.

EL PASADO (2013)

2013-11-24T16:16:00.001-08:00

CULPA SILENCIOSA

El Pasado, no sólo es la última película del realizador irani Asghar Farhadi, sino su primer film dirigido en tierras occidentales, con mayor precisión en Francia, esperando que no sea última, ya que resulta interesante verlo desplazarte en otro tipo de ambiente, que no sea la sociedad iraní.

La película, como en todos los filmes del director, empiezan con un conflicto que parece cotidiano, pero que a medida que avanza, se van desmarañando más hilos, tomando otra dirección, existiendo el conflicto moral, en hacer lo correcto con las graves consecuencias que pueda traer esto, recuérdese los finales de A propósito de Ely (2009) y Una separación (2011), en donde los protagonistas se mostraban dubitativos en las decisiones que debían tomar. En esta ocasión no es diferente, los protagonistas se ven sobrepasados en una situación que se le escapa de sus manos.

La historia nos sitúa en un aeropuerto parisino, en donde la escena inicial vemos a Marie (Bérénice Bejo) esperando a Ahmad (Ali Mosaffa), quien es su esposo, estando separados por más de cuatros años, por lo que, ha llegado a París para formalizar los papeles de divorcio. Si bien las conversaciones entre ellos parecen cordiales, existen una especie de resentimiento acerca de su relación que quedo inconclusa siendo muchas veces tensas las escenas entre ellos, esto agregado de los conflicto frecuente que tiene Marie con su hija Lucie, quien pedirá la ayuda de Ahmad para que hable con ella, ya que es la única persona que puede conversar con Lucie ya que se opone al futuro matrimonio con Samir (Tahar Rahim), novio actual de Marie.

A partir de las conversaciones con Lucie, es donde la película se va tornando más sombría, existiendo ese halo de misterio de la películas de Farhadi, de dejar al espectador en una sensación de incertidumbre sobre lo que viene ocurriendo. El director siempre trata de presentar a sus personajes como personas reales con virtudes o sobre todo con defectos, movidos por su egoísmo e inmadurez, ninguno se salva del juicio moral, pero Farhadi, lo que menos busca es ser un dedo acusador, sino simplemente lo quiere es contar una historia de seres humanos que se sufren y aman.

La forma como Farhadi, le da profundidad a escenas cotidianas, es realmente digno de resaltar, en como sitúa la cámara como un personaje más, en su esmero en el detalle de cada frase dicha o no dicha, en el movimiento de los cuerpos, gestos y miradas, cada personaje se encuentra claramente definido, mostrándonos sus motivaciones. Esto nos habla de un director que no deja nada al azar, siendo un creador total de la historia que nos narra, que nos demuestra una vez que estamos ante un realizador con proyección de maestro.

CÉSAR DEBE MORIR (2012)

2012-12-30T15:05:00.002-08:00

LOS PRESOS DEL ARTE

Los directores italianos Paolo y Vittorio Taviani, no son muy prolijos en la producción de películas ya que no cuentan con muchas películas en su haber, ni tampoco se puede decir que su filmografia sea de la más destacada, aunque tienen títulos brillantes como Padre padrone y Kaos (tal vez su obra maestra), lo que hace que su cine no sea visto con mucho intereses, pero si algo se tiene que reconocer, es que son unos directores competentes que siempre presenta filmes de calidad, pero sin ese halo de genialidad que a veces la critica exige, catalogándolos en el grupo de los artesanos.

En esta nueva producción logran alcanzar el nivel de sus filmes más notables de su filmografia, tomando como base la obra de Julio Cesar de William Shakespeare, en donde un grupo de presos son voluntarios para formar parte del montaje de dicha obra, pasando por una audición en donde cada uno se presentara. Cabe señalar que los actores son presos que tienen un nivel increíble.

La película es filmada como un documental, en donde vemos la realización de la puesta de escena de la obra, los ensayos, la interiorizacion de los actores de cada uno de sus personajes, el escenario es la propia cárcel, hasta los presos y guardianes que no participan en la obra forman parte de esta, la obra trasciende el escenario cruza las paredes, se introduce en sus actores, su propia vida carece de importancia, vemos como los personajes van poseyendo a los actores, ya no distinguen entre su vida real y la obra.

La historia de la obra Shakespeare, tiene que ver con la conspiración del asesinato de Julio César en los Idus de Marzo, por la mano de los senadores, en donde Bruto juega un papel importante, que movido por sus grandes ideales y el amor por Roma, y sobre todo por la libertad, se involucra en el asesinato de César. La película nos muestra a hombres hablando y luchando por la libertad, cuando estos están en una cárcel, quien más que ellos valoran el don de la libertad, y lo triste cuando esta es arrebatada por un momento de su vida se sienten libres otra vez.

Los Taviani, con una gran puesta de escena, con unos encuadres fascinantes, que le imprimen un dramatismo en los momentos determinantes de la obra, como el asesinato de César y el discurso de Marco Antonio, en el cual se cuenta con la intervención de todos los presos de la cárcel, son memorables, la película es una propuesta arriesgada y fresca, que no parece hecha por dos directores que pasaron los 80 años, y que para muchos su cine ya no tenia nada que ofrecer, aquí vemos un cine vital que logra trascender.

RUBY SPARKS (2012)

2012-12-29T13:40:00.000-08:00

UN PIGMALION MODERNO

Los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris, vuelven después de arrollar con Pequeña Miss Sunshine (2006), con una sátira muy negra sobre los concursos de niños, teniendo como guionista a Zoe Kazan, nieta del legendario director griego Elia Kazan, siendo una película en donde la imaginación se ve desbordada, presentando una película inclasificable, en donde los géneros se encuentran mezclados, al igual que los sueños y la realidad.

La película cuenta la historia de Calvin Weir-Field (Paul Dano), un joven escritor que ha tenido un excelente debut con su primera novela, considerándolo como una joven promesa en el mundo literario, pero que actualmente se encuentra en un bloqueo creativo. Calvin es retraído, obsesivo, que no tiene ningún amigo y su perro no es una mascota normal, como toda persona relacionada al arte, va constantemente a las sesiones con su terapeuta, para que le ayude salir de su bloqueo, en donde le cuenta sobre un sueño recurrente con una chica.

Su terapeuta le pide que escriba la peor pagina que pueda escribir, es ahí donde Calvin se desboca y empieza escribir como un poseído contado la historia de la chica que sale en sus sueños, en donde empieza sus verdaderos problemas, cuando su personaje literario Ruby (Zoe Kazan) cobra vida. Es entonces que nos encontramos en una versión moderna del mito de Pigmalion, en donde un hombre se enamorara de una mujer creada por su mente. Pero que también recuerda a filmes como ¨Como más extraño que la ficción¨ y Truman Show¨ donde un tercero como un dios va moviendo los hilos de la vida de sus personajes.

Si bien tiene un inicio de comedia romántica fantástica, sacada de la filmografia de Frank Capra, esta se va tornando más oscura, pasando al drama sobre la convivencia de pareja, las relaciones amorosas, conflictos éticos en donde la felicidad no es tan fácil de encontrar con el simple tipeo de una maquina de escribir, ya que su personaje no sólo ha cobrado vida, sino también tiene su propia individualidad.

Nos encontramos, ante una película en donde los diálogos son el plato fuerte en la historia, lo cual se tiene que agradecer a la protagonista (Zoe Kazan), en donde el lado fantasioso de la historia se va dejando de lado y nos vamos concentrando en la relación de la joven pareja. Los directores le imprimen mucha fuerza a cada escena, sobre todo en las escenas finales, que pasa del genero de la comedia al drama, pasando un thriller de suspenso, que genera en el espectador una sensación de risa, tensión y conmoción, que difícilmente logra transmitir una película, siendo uno de los mejores filmes del año.

ANOTHER YEAR (2010)

2012-09-23T12:18:00.001-07:00

BUSCANDO ALGUIEN PARA AMAR

El director inglés Mike Leigh, habituado a contar historias sobre la sociedad inglesas, sobre todo a las clases medias y obreras, en donde los conflictos familiares se encuentran presentes, teniendo su mejor exponente en su film Secretos y Mentiras (1996), sus historias son contadas de manera seca, con una mirada objetiva sobre lo que ocurre sobre los personajes, sin tratar de realizar juicio de valor, tal como ocurrió en Vera Drake (2004), en la cual nos cuenta la historia de una mujer que realiza abortos, mostrándonos su día a día de una manera cotidiana, sin satanizar ni justificar sus acciones.

En Another Year, nos encontramos en Londres, teniendo como protagonistas a un matrimonio, integrado por Gerry (Ruth Sheen), que es una terapeuta en un centro hospitalario y por su esposo Tom (Jim Broadbent) es un geólogo. En la primera escena vemos a una paciente que sufre de insomnio interpretada por Imelda Staunton (que gran actriz), quien transmite una tristeza y furia que logra conmover con su breve aparición, dicha aparición marca la pauta de lo que se nos contará más adelante, en donde la soledad y tristeza, se contrasta con la vida de los protagonistas, que son una pareja feliz, que tiene como única preocupación que su hijo Joe consiga casarse.

Su director, nos van presentados a los demás personajes que conforman este retrato de la clase media baja, imbuidos por la soledad y la tristeza, en donde tenemos a Ken, un viejo compañero de la universidad de Tom y Gerry; Mary amiga de trabajo de Gerry; Joe hijo de Gerry y Tom; Ronnie hermano de Tom; Carl hijo de Ronnie, y además de Katie, en donde cada personaje tendrá un papel importante en la historia.

La historia es divida en cuatro partes, que representan las estaciones del año, la película narrativamente es contada de manera lineal, en donde cada episodio nos cuenta un hecho en particular, en el primero (primavera) en el cual aparece Mary, en donde se aprecia la soledad en que se ve sumergida, pero de una manera sutil, en una búsqueda de llenar el vacío en su vida. En el segundo episodio (Verano) tenemos a Ken que pasa unos días con sus amigos, no pudiendo ocultar la depresión en que se encuentra, la fiesta del nacimiento del hijo de Janet; en el tercer episodio (Otoño) la aparición de Katie, que será un factor desencadenante para el desborde de un personaje y; en el capítulo final (Invierno), nos encontramos en el funeral de la cuñada de Tom, en cual aparecen Ronnie y Carl, esposo e hijo, respectivamente.

Si bien, se podría hablar que los personajes de Gerry y Tom, son los protagonistas de la historia, ya que es alrededor de ellos en que los demás personajes van y entran en sus vidas, pero la pareja son simples espectadores de la desilusión y depresión de los otros personajes. Ellos no tienen mayor intervención en sus vidas, los problemas de los demás no alteran su día a día, teniendo una manera neutral ante los acontecimientos que ocurre, pero en un momento parece que esa neutralidad se rompe por parte de Tom, pero que Gerry interviene para poner las cosas en su cauce normal.

Los filmes de Leigh, se encuentran centrados en las actuaciones, el peso de la historia recae en los actores, en donde los rostros, movimientos de los cuerpos, las inflexiones en las palabras, resultan determinantes para mostrarnos lo que ocurre en el interior de cada personaje, Leigh con gran maestría y pulso, la verdadera historia es la que no se ve a simple vista, los espectadores somos receptores de los sentimientos y conflictos que desbordan la pantalla. El personaje de Mary (Lesley Manville) va adquiriendo más fuerza e importancia en la historia, es la que va envolviendo a los espectadores con su desilusión, con una escena final que es devastadora. El último film de Leigh es uno de los mejores de su filmografía.

PROYECTO NIM (2011)

2012-09-08T18:33:00.002-07:00

JUGANDO A SER DIOSES

El director inglés James Marsh, que gano el oscar de 2008 a la categoría de mejor documental por Man on wire, presenta un nuevo documental con Protect Nim, que cuenta la historia de un experimento realizado en años 70 con un chimpancé, el proyecto era dirigido por el investigador Herbert Terrace, deseaba demostrar que los animales podrían desarrollar un lenguaje, desvirtuando con ello la tesis del prestigioso lingüista Noam Chomsky, de que el lenguaje era inherente al ser humano únicamente, por lo que no podría haber un lenguaje de animales.

El chimpancé es llamado Nim Chimpsky, el cual es un juego de las palabras chimpancé y Chomsky, el cual es trasladado con una familia humana, casi desde su nacimiento para que conviva con ellos, y a partir de dicha convivencia con los humanos, se podría ver algún tipo de desarrollo de un lenguaje por parte del chimpancé, en donde se podría demostrar que el lenguaje es empírico, que se puede dar a través de la experiencia, y que no sólo lo puede desarrollar el ser humano. La tarea de Terrace era titánica, con un afán de protagonismo y de fama, buscaba por todos los medios conseguir que el experimento resultara.

El documental, nos va brindando los testimonios de las personas que alguna manera tuvieron que ver con el cuidado de Nim, en donde cada uno de ellos, presenta un punto de vista de sus vivencias con el chimpancé, lo cual va intercalando con las imágenes de archivos; en algunos casos nos encontramos con versiones que se contraponen, como el caso de los testimonios de Stephanie Lafarge (la primera persona que cuido a Nim) y Laura-Ann Petito (la supervisora del experimento), quienes pugnaban por representar a la figura de la ¨madre¨ de Nim, ambas tenían una manera distinta de ver a Nim. Para Stephanie era un miembro más de su familia, en cambio para Laura-Ann era el medio para demostrar la teoría de Terrace.

Marsh, sin realizar ningún juicio de valor, nos va mostrando la vivencia de nuestro protagonista, sus cambios de ambientes, la contradicción de tratarlo como humano, que no puede suprimir su naturaleza animal. Lo que se nos cuenta, es la historia de un chimpancé, el cual es víctima de la soberbia del hombre, vemos a los científicos como un Prometeo que trata de otorgar el fuego de la sabiduría, sin tomar en cuenta que sus acciones alteraran para siempre la vida de otro ser. El hombre aquí juega a ser dios, moviendo los hilos del destino de Nim.

Es interesante observar la forma como es narrada la historia de Nim, es como si nos encontráramos ante un drama, salpicado de un thriller conspirativo, en donde todo funciona en torno a Nim, los diferentes puntos de vista de los entrevistados, le otorga un gran dinamismo a la historia, es como si se estuviera presenciando una versión extraña del Ciudano Kane, en donde protagonista es un chimpancé. Siendo testigos de su ascensión y caída. Marsh con su film no busca encontrar respuestas sobre lo que se nos cuenta, sino plantearnos preguntas, poner la semilla de cuestionar el verdadero sentido de humanidad. Estamos ante un documental poderoso que toca los corazones del público.

ÉRASE UNA VEZ EN ANATOLIA (2011)

2012-08-30T15:50:00.003-07:00

SIN NINGÚN INCIDENTE

Hace buen tiempo el director turco Nuri Bilge Ceylan al al estreno de su película Tres monos (2008), manifestaba que prefería los silencios en sus películas, el no introducir muchos diálogos entre los personajes, para dar una naturalidad a lo que se ve en la pantalla, en donde la historia se va desentrañando por lo que vemos y no vemos. En su última película esto no ocurre, bueno tampoco es que exista un excesiva cantidad de diálogos, pero aquí las palabras tiene gran importancia, estas nos van describiendo la historia, en donde los personajes deberán tomar decisiones, en las cuales su elección de las palabras, resulta determinante en la historia.

En la primera escena de película, vemos la toma del exterior de una ventana empañada, las imágenes al interior son borrosas, la cámara se va acercando, en donde las imágenes se vuelven más claras, viendo a tres hombres conversando y comiendo muy afablemente, el ladrido de un perro hace que uno de ellos se levante para ver qué pasa en el exterior, como si algo amenazante estuviera a punto de llegar, después de eso la escena concluye. De ahí pasamos a una carretera rodea por los campos, un árbol y una fuente de agua destacan en la monotonía del paisaje, tres autos se acercan en el atardecer, se detienen frente al árbol, bajan y uno de ellos señala un punto y se vuelven a introducir al auto reiniciando su recorrido.

La razón del viaje de los autos se va explicando conforme transcurre la película, en donde dos detenidos son llevados por la policía, para que señalen el lugar que ha sido enterrado un cadáver, pero sin darnos muchos detalles de los hechos, de cómo ocurrió el asesinato, quien lo cometió, ni las razones de este, tan sólo vemos el desplazamiento de estos hombres tan dispares de un lugar a otro, para encontrar el cuerpo, llevando a la desesperación al comisario que se siente burlado por los detenidos. Es así que nos encontramos ante una roadmovie, que nos muestran las estepas de un pueblo turco, hermosamente fotografiado, recordando a lo western de Anthony Mann, por lo majestuoso de los paisajes. Pero también encontramos a una comedia negra costumbrista de un pueblo turco alejado de la ciudad.

Ceylan, toma de excusa la diligencia de la búsqueda del cadáver, para presentar y describir cada uno de los personajes que integrantes de la comitiva, en donde tenemos a un comisario de la policía, que se muestra como una persona de mucha autoridad, pero que en verdad es controlado por su mujer; a un médico forense que pertenece a la ciudad que muy escéptico sobre las creencia populares de los pueblo; un fiscal le interesa muy poco la investigación, que considerada que algunas casos son de imposible explicación; un detenido que se resiste a hablar sobre lo ocurrido.

El uso de los efectos de sonido, como el sonido del agua, el viento que agita los arboles, consiguen crear un ambiente más cercano con la naturaleza. mientras se acerca al descubrimiento de lo anhelado, se nos va contado otra historia, una historia que surge como una simple anécdota, que va tomando mayor relevancia, sobre todo al final; las creencias populares, la verdad y la mentira se confunden. Es una película realista, en donde se cree en fantasmas, en muertes anunciadas, se ve muertos tomando licor, pero todo eso tiene una explicación porque siempre buscaremos una explicación hacia lo inexplicable.

Ceylan, va sembrando dudas a lo largo de la historia, es por tal razón, que omite brindar detalles, tan solo muestra lo necesario, para que los espectadores, llenemos lo vacíos dejados por el director, o expliquemos las razones de determinadas acciones, teniendo un final abierto, en el cual se pueden dar muchas interpretaciones, Ceylan señala que pueden ser cinco interpretaciones, o puede ser ninguna de esas cinco, lo que sí es seguro es que su última película es un recorrido fascinante y estimulante del corazón humano.

ESTO NO ES UNA PELICULA (2011)

2012-08-26T10:54:00.002-07:00

AHORA VOY A SER YO

Jafar Panahi, desde el 20 de diciembre de 2010, fue sentenciando a seis años de prisión y además de quedar inhabilitado a dirigir y dar entrevistas, siendo acusado por el Gobierno iraní, que su última película que iba a rodar, atentaba contra el régimen de dicho país, la sentencia fue apelada, estando bajo arresto domiciliario, hasta que el juzgado de apelación confirmó la sentencia, en noviembre de 2011. Actualmente Panahi se encuentra en la prisión, aislado completamente de cualquier comunicación.

Esta película, se rodó en marzo de 2011, bueno es lo que hace entender con las imágenes presentadas en el mismo film (se ve en las noticias las imágenes del terremoto de Japón), la primera escena, vemos al director tomando un desayuno solo, ya que su esposa y su hijo han ido a entregarle un regalo por año nuevo a su madre, ante ese silencio, llama a un amigo Mojtaba Mirtahmas director de documentales, para que le ayude sobre un proyecto, invitando a ir a su casa, después lo vemos deambular por su departamento, teniendo otra conversación telefónica pero ahora con su abogada, en donde nos da detalles sobre su caso, en especial sobre la apelación, y los posibles de los resultados de la misma, viendo la desazón del director ante su seguro paso a prisión.

Ante la llegada de Mojtaba Mirtahmas, este se pone la cámara al hombre y comienza a filmar a Panahi, quien tiene la idea de contar la historia del libreto por el cual, fue detenido y sentenciado, siendo una salida a lo ordenado en la sentencia, ya que no se le prohíbe leer un libreto. Es así que vemos al director, que trata de transmitir a través de la forma que cuenta las escenas de la película que no hará, que lo pondrá mal, sintiendo la impotencia de poder dirigir dicha película.

Entre la lectura del libreto, va dando algunas teorías sobre el cine, mostrando algunas escenas de sus propias películas, siendo la primera El espejo (1997), que la menciona, para hacer referencia sobre cómo ser uno mismo, que todo sea espontaneo sin artificios, ahí vemos a la niña mina que ya no quiere actuar diciéndolo en medio de la película, decide ser ella misma, y esto lo que busca Panahi, que es ser uno mismo, sin guion y nada, dejando que las cosas fluyan de manera espontanea. Sobre El Circulo (2000), lo pone como ejemplo para la importancia sobre los exteriores, en donde por el entorno se tramite la angustia sin necesidad de ver el rostro de la protagonista. Y en Crisom Gold (2003), hace mención de los actores aficionados, que según el director son los que dirigen las escenas y no el director, siendo los verdaderos creadores de las escenas. Siendo interesante observar las elucubraciones del director sobre sus películas.

Mirtahmas trata sin conseguir dirigir lo que sucede en la historia, ya que, Panahi se apodera de las escenas, es quien va encaminando las acciones de todo lo ocurre. Si bien el titulo dice que no es una película, lo cual, es un medio ingenioso para evadir las restricciones impuestas por la Corte Irani, la verdad es que si estamos ante una película, el cual es un film documental que nos cuenta un día en la vida de un detenido político, nos presenta su monótona existencia encerrado en su departamento, que los sonidos de los fuegos artificiales constituyen una alteración a su rutina, a quien le prohíben hacer lo que le gusta hacer, que es cine, rehusándose aceptar dicha imposición que la considera injusta, realizando una película que denuncia el absurdo de su situación, siendo una de los filmes más transgresores y valientes del año.

TAKE SHELTER (2011)

2012-08-18T18:02:00.002-07:00

SE VIENE UNA TORMENTA

Jeff Nichols joven director norteamericano de apenas 30 años, que se dio a conocer con su primera película Shotgun Stories (2007), que era un thirller con un fuerte contenido dramático, en donde la venganza era su principal motor. En su última película tenemos a Curtis LaForche (Michael Shannon), un obrero de la construcción, que se encuentra casado con Samantha (Jessica Chastain), quienes tienen una pequeña hija llamada Ana que es de sorda de nacimiento, su vida transcurre con normalidad en su pueblo, siendo mayor preocupación la salud de su hija, que tiene un comportamiento muy introvertido. Pero tranquilidad de sus vidas se ven afectadas por los sueños de Curtis, alterando su comportamiento.

Los sueños de Curtis, se vuelven más contantes y violentos, confundiéndose entre el sueño y la realidad, añadiendo a esto el pasado de su madre, que acrecentaran sus dudas sobre su cordura. Curtis siente que sus sueños son que eso, existiendo elementos que hagan creer, que dichos sueños como un anuncio de una tragedia que se avecina hacia su pequeño pueblo de Ohio. Buscando la mejor manera de proteger a su familia, convirtiéndose en una obsesión, lo cual trae graves problemas con las personas que lo rodean. Es así, que tenemos a un Noe moderno que predice una catástrofe, ante la mirada escéptica de los demás.

La película, nos mantiene expectante al igual que el protagonista, a que ocurra lo anunciado en los sueños, generándose una tensión a lo largo del visionado, en donde el trabajo de Shannon en su interpretación de un hombre consumido por las dudas y el miedo, perturbado por un pasado que no quiere repetir, es notable. Shannon le otorga una gran carga emocional, con su rostro y los movimientos de su cuerpo, brindando una actuación realmente entregada.

Si en la película El campo de los sueños (1989), el protagonista contra toda lógica construye un campo de beisbol en su granja porque se lo dice una voz, aquí tenemos a un hombre que gastas su dinero en un refugio para tormentas, por los sueños que tiene, pero teniendo resultados muy distintos, en esta el miedo se aloja en el protagonista, ese miedo de perder todo lo que verdaderamente importa, que es su familia.

Conforme avanza la historia, es imposible que no venga a nuestra mente películas como El caballo de Turin (2011) y Melancholia (2011), que guardan relación, ya que estas hablan sobre el fin del mundo, claro de una manera distinta, aquí somos testigos de la destrucción del mundo de Curtis, en donde su obsesión va deteriorando justo lo que quiere proteger, que es su familia, envolviéndose en una paradoja que le es difícil de salir. Es decir nos encontramos en una catástrofe distinta a la anunciada en los sueños.

Nichols logra una película atrapante desde su primera escena, en la cual vemos a un hombre mirando el cielo, con un rostro de extrañeza, la lluvia en ese momento se convierte en una amenaza. Estamos ante un drama familiar, que se introduce en los géneros del thriller y hasta el terror, ese terror a lo que no se puede controlar ni prever, creando una atmósfera de desasosiego y tensión. La seguridad sobre la realidad pende de un hilo, la amenaza se encuentra presente en cada momento, somos participes de la espera del día anunciado que no llega.

MEEK´S CUTOFF (2010)

2012-08-12T14:56:00.002-07:00

LA VOZ DEL DESIERTO

El western es el género americano por excelencia, además es un género que tuvo origen en el cine, aunque algunos podrían pensar que un género que se agota, ya que cuenta la historia en un determinado lugar y tiempo de los Estados Unidos, esto no resulta cierto, el western tiene muchas variantes, nutriéndose de otros géneros, como la comedia, cine negro, el drama, hasta las tragedias Shakesperianas, pasando por diversas etapas, la etapa clásica siendo su gran representante el gran John Ford, en ella se nos cuenta la efervescencia de la conquista del oeste, en la cual la fuerza se define por quien más rápido desenfunda el revólver; pasada esta etapa llega el western crepuscular teniendo a Sam Peckinpah como su máximo exponente, mostrándonos el final de una era, donde los pistoleros ya son una raza antigua, que dejan su lugar a la civilización; durante esta segunda etapa aparece el spaguetti western que brinda una nueva mirada sobre el oeste, lo muestra más sucio y decadente siendo su iniciador el italiano Sergio Leone.

En la anterior película de Kelly Reichardt (Wendy and Lucy), nos contaba las desventuras de una chica cualquiera en tiempos de la crisis de la Norteamérica actual, teniendo a Alaska como destino como un lugar para rehacer su vida, aquí nos traslada a la época de los colonos, y siendo más específicos al de los primeros colonos, en el cual su viaje constituye en un descubrimiento hacia nuevas rutas, hacia un sueño que han depositado todas sus esperanzas, pero que cada paso se convierte en un acto de fe ante la incertidumbre en donde son colocados, es así, que nos encontramos en una lucha encarnizada por tres hombres y tres mujeres en contra de un adversario que no tendrá ninguna clemencia por aplacar sus sueños, el desierto es mostrado majestuoso y hermoso, pero también despiadado, por Reichardt.

Los colonos son guiados por Week, quien ha sido contratado para llevar a tres familias de colonos a Oregon, su personaje esta dentro del arquetipo del tipo rudo del oeste, con odio enfermizo hacia los indios, que recuerda a Ethan el personaje interpretado por John Wayne en la mítica Más corazón que odio (conocida en España con el titulo de Centauros del Desierto), es la representación de todo lo malo del mismo oeste, rudo, agresivo y salvaje. Los colonos son la representación de la civilización, conformada por tres familias en donde tenemos a los White que es una pareja religiosa, en donde ven el viaje como una prueba de su fe; los Gately que son un joven matrimonio integrada por Thomas (Paul Dano) y Millie (Zoe Kazan), que conforme transcurre la historia van tomando posiciones opuestas; y los Tetherow en la cual esposo Solomon (Will Patton) será el líder del grupo, teniendo a su esposa Emily (Michelle Wiliiams) como un gran soporte en sus decisiones. Este grupo ecléctico es obligado a convivir y soportarse mutuamente para subsistir, produciéndose choques constante en su manera de ver el mundo, es entonces que vemos la adaptación de este grupo, que se da cuenta que tiene que dejar muchas cosas atrás, para poder seguir en su nueva vida, los cambios son mínimos pero van carcomiendo el alma de los protagonistas.

La mirada de Reichardt en un primer momento de distante y contemplativa, va tomando su tiempo para presentarnos poco a poco a los personajes, describiendo a través de la cámara el padecimiento de los personajes. La primera reunión de los hombres, en donde se toman las decisiones, no es audible y la cámara se encuentra alejada, presentarnos con dicho plano la mirada de las mujeres, quienes no son participes de dicha reunión. Pero más adelante cuando se van presentando más problemas en el camino, la cámara se acerca, en donde escuchamos las dudas tanto del guía como los esposos, es así que se producen cambios de manera imperceptible, debido al movimiento sutil de la cámara por parte de la directora.

Si bien la película tiene una banda sonora, que suena en los momentos de las largas caminatas, la verdadera banda sonora se encuentra en el sonido del desierto, en donde tenemos el golpe constante del viento, como un recordatorio de que estamos en un viaje que se requiere la fuerza y la voluntad para terminarlo, cada día en que sobreviven se convierte en un nuevo triunfo que se arrebata al cruel desierto.

El western que presenta Reichardt, es monumental en el mejor sentido, no veremos grandes batallas, ni persecuciones, ni tiroteos, ni siquiera una imagen panorámica (utiliza un formato de 4:3, el usado en las películas antiguas), pero Reichardt, nos presenta un film de connotaciones épicas, en donde los sueños e ideales desaparecen, en el cual el sobrevivir en mundo que los consume se vuelve un acto de heroísmo, siendo sus protagonistas esos héroes anónimos que construyeron Norteamérica, su directora rinde un tributo a dichos hombres y mujeres, de una belleza y amargura difícil de olvidar, con un final dejara a la elección del espectador.

THE PACT (2012)

2012-08-05T09:24:00.000-07:00

SECRETOS DE FAMILIA

El cine de terror se ha convertido en un género que con los años se ha visto degenerando a un cine de sangre, monstruos en donde lo grotesco se ha convertido en elemento principal, para trasmitir miedo a los espectadores, utilizando una simple regla de tres, cuando más grotesca la película mayor miedo causa, hecho que no es para nada cierto, pero ante todo este bombardeo de ese tipo de imágenes, que han llegado a saturar al público. Por lo que, ahora la nueva tendencia es volver a lo clásico, tales como Insidius (2010); Ils (2006) y La dama de negro (2011) en las cuales el miedo no se tramite sólo de manera visual, sino también por los sonidos y el silencios.

En The Pact, dirigida por Nicholas McCarthy, opta por la vuelta al terror clásico. En ella nos encontramos a Nicolle que ante la muerte de su madre vuelve a la casa donde paso su infancia, para hacer los trámites del funeral, solicitando a su hermana Annie (Caity Lotz), para que asista a dicha ceremonia, mostrándose reticente al pedido, pero ante la desaparición de su hermana decide ir a la casa de madre, de los que no guarda buenos recuerdos. Es así que la intriga se encuentra presente desde el inicio para los espectadores.

MacCarthy va moviendo y ubicando la cámara, colocándonos muchas veces detrás de los protagonistas, y otras introduciéndonos en una mirada subjetiva de estos, creando una atmosfera de tensión, mostrando un gran talento para ello, entregándonos escenas realmente admirables, como el plano en donde la pantalla se divide por una pequeña pared, la cual eriza la piel de los espectadores, en donde un momento de supuesta calma resulta escalofriante.

Annie que por el amor a su hermana, tratará de encontrar que es lo que ocurrió con ella, aunque que este le cueste desenterrar el pasado, que ella quería mantener olvidado, es aquí donde la película, donde se encuentra la intriga que es lo que realmente pasó en la casa cuando era niña, lo cual es descubierta de manera sutil, en donde deja abierta la posibilidad al público para interpretar que es lo que pasó en la infancia de ambas hermanas y las razones de porque se negaba a volver.

Cabe resaltar la actuación de la protagonista (Caity Lotz), que sin llegar a niveles sobresalientes logra transmitir el miedo y la angustia, resultando verosímil su interpretación, siendo en ella en donde recae prácticamente todo el peso de la película, al ser eje central de la historia.

Si bien el guion tiene algunas incongruencias, la historia puede resultar simple, recurriendo a los viejos tópicos de siempre, y además de existir muchas interrogantes en donde la historia puede cojear, es la forma como es narrada, con un ritmo dinámico y con un sentido de la atmósfera, son las razones por las cuales el film sale bien librada, siendo un buen inicio de la carrera de su joven director, que esperemos siga mostrándonos una vez más su talento por explotar.

EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE (2012)

2012-07-29T14:29:00.000-07:00

UNA REVOLUCIÓN GÓTICA
El caballero de la noche asciende, del directo Christopher Nolan, tal vez se trata de la película más esperada del año, y esto se debe al enorme éxito de crítica y taquilla de su antecesora El Caballero de la Noche (Segunda parte de la Trilogía del hombre murciélago), en donde el villano el Jocker interpretado por el fallecido Heath Ledger, se gano su espacio en salón de la fama de villanos de antología, por lo que, la valla era muy alta para esta película, generándose grandes expectativas e interrogantes.

La anterior película, se sostenía sobre el personaje del Jocker, el cual se adueñaba por completo de la película, aun cuando no se encontraba en la escenas, su presencia era permanente, siendo un villano fascinante lleno de matices, convirtiéndose en el amo y señor del caos, por lo que, la tarea no era presentar un villano digno de Batman (Christian Bale), sino digno del Jocker de Ledger, un enemigo capaz de destruir el espíritu del héroe.

La historia empieza 8 años después de la muerte del Fiscal de Distrito Harvey Dent y coincidentemente también la desaparición del Batman de ciudad Gótica, en donde Dent es considerado un héroe de la lucha contra el crimen y Batman en su verdugo. La muerte de Dent trajo la paz en la ciudad, no siendo necesaria ya la presencia de Batman, la desaparición de nuestro héroe, lo que ocasiona también la reclusión de Bruce Wayne, que siente que ya no tiene un lugar en un mundo de paz. Es aquí donde Nolan, empieza a desarrollar la historia, mostrándonos en Wayne acabado, consumido por la pena y culpa, un hombre que deambula como un fantasma, siendo un simple vestigio de lo que algún día fue.

Pero, el despertar de Batman se produce con la aparición de un nuevo villano llamado Bane (Tom Hardy), que es presentado como el líder un grupo mercenario, el villano en cuestión, a diferencia del Jocker, Bane es fuerza y estrategia, es un fiel creyente de su causa, es predicador que enseña a través del ejemplo, el ejemplo de la destrucción moral y física. En esta nueva entrega permanecen los personajes relevantes en la vida de Wayne y Batman, además de la aparición de nuevos personajes, como son la ladrona Selina Kyle (Anne Hathaway), el joven policía Black (Joseph Gordon-Levitt) y la filántropa Miranda Tate (Marion Cotillard), quienes tendrán un papel importante en la historia.

La historia se convierte de un enfrentamiento de un grupo de criminales, en una lucha revolucionaria, en donde es implantado el régimen del terror, realizando su director una clara referencia a la revolución francesa, utilizando los términos ¨ciudadanos¨, ¨tribunales del pueblo¨, además del despojo de los poderosos de sus riquezas, hasta tener su propia ¨toma de la Bastilla¨ liberando a los ¨oprimidos¨ (criminales) por el sistema de ciudad Gótica, donde la imagen de Batman, ya no es el de un vigilante, ni de un héroe sino de un libertador, el murciélago es el nuevo símbolo de la esperanza, oprimida por la tiranía.

Si bien, el cine de Nolan se caracteriza desde sus primeras películas, en otorgar giros argumentales, buscando la sorpresa en el espectador, abusando algunas veces de esos giros en desmedro de la verosimilitud, lo cual resulta perjudicial en la historia, hecho que no ocurre aquí, no porque la historia peque de inverosímil, sino que el espectáculo es tan impresionante, que nos vemos atrapados en la ilusión representada por su director. Nolan se convierte en un maestro de ceremonias de un gran espectáculo de explosiones y fuegos de artificios, en donde la banda sonora compuesta por Hans Zimmer genera intensidad y fuerza a las escenas. Ya no nos encontramos ante la profundad de la anterior película, aquí las escenas de acción son más espectaculares y abundantes, construyendo una monumental puesta de escena de destrucción y caos, pero dicho camino que sigue el director, no hace que sea mejor o peor película que el Caballero de la noche, tan sólo se trata de dos propuestas distintas, que sigue más en la línea de Batman Inicia, en donde consigue con su cometido, el cual es entretener, que es el fin de toda película desde el origen del cine.

THE YELLOW SEA (2010)

2012-07-27T21:18:00.000-07:00

HAY UNA EPIDEMIA DE RABIA

El director sur coreano Na Hong-jin, nos sitúa en Yanji, ciudad autónoma de la República Popular China, que es un punto fronterizo entre Corea, China y Rusia, en donde la población mayoritaria de coreana, quienes son relegados en China, buscando fortuna en Corea del Sur, dicho lugar es el punto de partida de un viaje de sangre y violencia que realiza el protagonista, es un taxista Ga-num (Ha jung-woo) que tiene deudas con mafiosos, debido a la adicción al juego, lo cual se convierte en un círculo vicioso, además que su esposa se fue en busca de trabajo en Seúl, sin saber noticias sobre ella, poniéndolo al límite de sus fuerzas.

Dicha situación es aprovechada por el mafioso Myun-ga (Yun-seok Kim), que le propone realizar un crimen para poder pagar sus deudas y si es posible recobrar a su esposa. En Shaser (2008), primera película del director, nos contaba la historia de un proxeneta, un sujeto de lo más despreciable, que se ve envuelto en una la persecución de un asesino en serie, en donde una persona común es puesto en una situación extraordinaria, siendo una víctima de las circunstancias, bajo esta misma premisa, es que se va desarrollando la historia, como si nos encontráramos en un film de Hitchcock, pero nos encontramos ante una película coreana, por lo que, los golpes, cuchillos, machetes, peleas y sangre y mucha sangre están presentes.

Se puede decir que la historia se encuentra divida en cinco partes, la primera que es la introducción, donde se presenta al protagonista y su rabia, la cual es el impulso que mueve al protagonista en su agotable travesía, las otras cuatro, nos señalan la situación en que es colocado el protagonista, como si se tratara de los diferentes puntos que tiene que llegar en su viaje, pero no hablamos de lugares geográficos, sino de un viaje interno, en donde vemos su transformación en rabia pura con una sed de venganza incontenible, una preparación para su batalla final.

El film es contado con mucho nervio, donde la cámara tiene un gran papel para transmitir tensión a lo largo de toda película; las escenas de acción como las peleas son frenéticas, no existe coreografía, todo es invadido por el caos y la violencia desmedida, siendo mostrada sin ningún tipo de restricción, de la manera más cruda y bestial. La escena de persecución en el barco es estremecedora, como si nos encontráramos en una película de terror.

El mafioso Myun -ga, es un personaje, que va cobrando más fuerza conforme avanza la historia, siendo el mismo diablo, una fuerza imparable, que no se detendrá hasta que todo caiga, quien será el gran escollo que tendrá que superar Ga-nun, para la finalización de su viaje, el cual se encuentra acorralado por diferentes bandos, aunque sabe muy bien cual que su destino está trazado, esto no impide en buscar respuestas para encontrar al responsable que desencadenó el horror.

El director pretende crear desconcierto en el espectador, dándonos la información en simultáneo con el protagonista, la cual es brindada poco a poco, armando el rompecabezas hasta colocar la última pieza, que nos devela el cuadro completo, el cual fue engendrado por la semilla del engaño. The Yellow sea es un Thriller admirable, con una clara crítica social, sobre el racismo, los prejuicios, y como un hombre es llevado hasta el límite para realizar lo impensable, que mantiene al publico expectante ante un nuevo giro en la historia.

UNA SEPARACION (2011)

2012-07-21T15:12:00.001-07:00

VICTIMAS Y VICTIMARIOS

Ya habíamos comentado la anterior película del director iraní Asghar Farhadi A propósito de Elly (2009), en donde señalamos la crítica social presente en el cine del director, en su última película la multigalardonada Nader y Sirim, una separación (2011), vuelve a retomar el cine de crítica social, en donde los protagonistas es un matrimonio iraní, que se ve introducido a un drama de connotaciones morales y sociales.

La película nos cuenta desde el inicio la separación del matrimonio, el cual es iniciado por la esposa Sirim, debido a que su esposo Nader no quiere ir con ella a occidente, cuando han realizado todas las gestiones de su visa, él decide quedarse para cuidar a su padre, que sufre de alzheimer, pero su Sirim no entiende la necesidad de Nader se quede, creando un conflicto en su relación que origina el divorcio.

La razón, de Sirim de viajar fuera del país, es para encontrar un mejor futuro para su hija y su familia, significa la búsqueda de la libertar y un mejor ambiente para progresar, convirtiéndose en una obsesión para ella, encontrando en el divorcio la solución lógica para el dilema que se presenta. Farhadi, realiza una presentación perfecta de la situación y de los personajes, en donde Nader es una persona que se guía por los sentimientos y Sirim por la razón, tal vez se muestra a Sirim fría y practica ante todo, pero tiene motivaciones fuertes para serlo.

Pero de lo que se origina como una drama familiar, en donde se muestra los conflictos por la tenencia de la hija del matrimonio, el cuidado del padre de Nader, el sufrimiento de la hija, poniéndola en la disyuntiva de elegir entre su madre y su padre, la historia da un vuelco, encontrándonos en una película que se vuelve cada vez más tensa en su transcurrir, Farhadi vuelve a introducir la intriga en su relato, como si nos encontramos en un film de misterio, en donde se tiene que descubrir la verdad de los acontecimientos.

Farhadi, utiliza nuevamente la cámara al hombro para brindar una mayor naturalidad en la forma de contar la historia, colocándose muy cerca de los personajes, moviéndose constantemente para seguir sus movimientos, siendo los espectadores en verdaderos intrusos de los dilemas y conflictos de los protagonistas, quienes son personas común y corrientes que son rebasados por sus propias acciones. Las situaciones son presentadas de forma cotidiana, en donde esta puede ocurrir en cualquier lugar, Fashadi, brinda universalidad a la historia. Una historia en que las emociones se desbordan, introduciendo a los protagonistas un camino al infierno, que resulta terrible destructivo. En donde el papel de víctima y victimario se intercambia rápidamente.

Al igual, que A propósito de Elly, los protagonistas se encuentran inmersos en conflictos morales, en donde la verdad juega un papel importante, pero a diferencia de la anterior, quien tomará la decisión final no será la parte culpable sino la inocente, convirtiéndose en la verdadera víctima de la historia. Su director a través de una supuesta historia sencilla, trasmite un sin número de de emociones, que al espectador tan sólo le queda presenciar, y sucumbir ante los golpes que brinda Farhadi a través de las imágenes, basta recordar la escena final, en donde en un plano, el dolor traspasa la pantalla.

THE RAID (2011)

2012-07-15T18:40:00.002-07:00

SIN RESPIRO

Gareth Evans, es un joven director gales, quien al realizar un documental sobre las artes marciales de indonesia, se quedo encantado con el mundo de las artes marciales en dicho país, sobre todo con la técnica del Pencak Silat, realizando su primera película de artes marciales, Merantau (2009), teniendo como protagonista a Iko Uwais, el cual es un experto en la práctica del Silat, quien fue animado en la actuación por el propio Evans, teniendo un gran éxito en Indonesia, lo que animaría a Evans a seguir con dicha temática, filmando The Raid, que ha recibo buenas críticas y gran aceptación, lo que ha asegurado una secuela.

La historia de The Raid, es muy simple, un escuadrón especial de asalto de la policía, quiere penetrar un edificio, con el propósito de capturar, a un jefe de un grupo criminal, que ha convertido el complejo habitacional, en un Bunker, en donde controlará desde ese lugar, las acciones criminales de la ciudad, siendo un prácticamente un rey, que no puede ser tocado ni por la Ley, ni por nadie. Por lo que, la incursión policial significará un suicidio.

La película, es netamente de acción, contiene adrenalina pura, donde los disparos, explosiones, saltos acrobáticos, las peleas, escenas limites, son los ingredientes principales, en esta propuesta del director gales, que se convierte en una película de sobrevivencia, introduciendo tensión en los momentos que se bajan las revoluciones, siendo una montaña rusa de emociones, en donde los espectadores son llevados en un tren que nunca para, quedando pegados ante la espectacularidad de las escenas.

Contiene escenas memorable, como la presentación del Jefe de la mafia, que es realmente terrorífica, en la cual se introduce ciertas dosis de humor; en cuanto a las escenas de las peleas, estas están elaboradas con una coreografía espectacular, sobre todo con el asesino del grupo criminal, que disfruta matar, pero más si lo hace con sus propias manos, un personaje que se mueve por su propio código; los saltos de una escena a otra no da respiro al espectador.

The Raid, es una película de acción, que con una historia sencilla, llena de personajes tópicos, de bajo prepuesto, pero elaborado mucho talento, donde el movimiento de la cámara y su montaje, que le da un ritmo trepidante, produciendo una de las mejore películas de acción del año, siendo entretenimiento puro, que a veces es muy difícil ver en los cines en la actualidad.

EL NIÑO DE LA BICICLETA (2011)

2012-07-14T20:09:00.003-07:00

LO QUE SE PERDIÓ EN EL CAMINO

Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, se centra en contarnos las historias de seres marginados, en donde los los niños y adolescentes, son los que padecen las necesidades económicas y de cariño. Su estilo es austero, recurriendo a la naturalidad de las actuaciones y diálogos, el uso de las elipses narrativas, que brindan una economía en lo que se nos cuenta, y que hace participe en la espectadores en dejar ciertos hechos en la imaginación de nosotros

El cine de los Dardenne es un cine naturalista, de observación, como ocurre en la presente película, en donde en el comienzo se ve a un niño intentando comunicarse por teléfono con su padre, no aceptando alguna respuesta negativa sobre ello, tomando un reacción inesperada y violenta, con una concisa escena se describe al protagonista. Cyril que es un niño de 11 años que es huérfano de madre, y se encuentra viviendo en un albergue, ya que su padre no lo puede cuidar. Pero las cosas cambian para Cyril cuando pierda comunicación con su padre y decide buscar a su bicicleta y su padre.

La búsqueda de Cyril es obsesiva, la constancia del niño de encontrar lo que más quiere producen una sucesión de hechos dolorosos para él. Lo cual es contada sin dramatismo, despojándole de cualquier tópico melodramático, mostrándonos de una manera cruda y cortante lo que ocurre con el poder Cyril, donde con un simple gesto, se muestra los verdaderos sentimientos, como el cerrar de una puerta podemos ver la vergüenza y cobardía presentes. En esta búsqueda se encuentra con Samantha una peluquera que ayudara a Cyril, de manera desinteresa soportando al niño yendo contra toda lógica o razón, convirtiéndose en su ángel guardián, la escena en que le obligan a decidir es una descripción total del personaje, no existiendo dudas para ella por lo que siente por el niño.

La película es narrada de forma concisa, utilizando elipsis, en donde muchas cosas quedan sin explicar para el espectador, pero que no va en contra de la historia, ya que, se nos cuenta lo verdaderamente importante, el espectador es el observador de las penurias del niño, que recuerdan al protagonista de la película polaca Jestem (2005). Cyril, busca un lugar en el mundo y alguien que lo quiera, pero entre su inmadurez y rebeldía no le permite ver con claridad los sentimientos de los demás.

El uso de un fragmento de una melodía de Beethoven, la cual es utilizada como un nexo entre una escena a otra, resulta extraño al mismo tiempo transmite emotividad en momentos que son determinantes para Cyril, viniendo a la mente Azul (1993) de Kieslowski, en donde la música es parte importante de la historia, como si nos anunciara un nueva etapa que le toca vivir a Cyril, un nuevo paso que da en su largo y duro camino de aprendizaje.

El niño de la bicicleta, es una lección de hacer cine, de comunicar y expresar a través de imágenes, la lucha interna de un niño rechazado, de su búsqueda del verdadero rumbo de su vida, tratando de encontrar aquello que perdió, y que no encuentra explicación para ello, todo eso y más nos es contado, de manera cruel y dolorosa, pero con aire de esperanza y perdón.

GOD BLESS AMERICA (2011)

2012-07-07T14:21:00.001-07:00

LA ABSURDA REALIDAD

Escuchamos el llanto de un niño, luego la cámara se va moviendo en un plano cenital, en donde vemos una pareja discutiendo sobre la inocencia de Michael Jackson, hasta pasar a otro ambiente que se encuentra un hombre meditando sobre sus vecinos, que no tienen ninguna consideración con él, teniendo que soportar a sus vecinos, la siguiente escena resulta ser impactante, y por qué no decirlo una de las más graciosas del año. La cual sirve como un adelanto de lo que nos tiene preparado su director Bobcat Goldthait, que ya había mostrado su altas dosis de humor negro en comedias como World´s Greadtest Dad (2009) y Sleeping dogs lie (2006).

El protagonista es Frank (Joel Murray)es un oficinista que tiene una visión distinta sobre la vida, y el mundo en que vive, lo que lo convierte en un ser extraño, el cual no sigue los dictados de la televisión, siente que todos se encuentran dominados por los medios de comunicación, las personas carecen de opinión tan sólo son entes que repiten lo que dicen estos, sus vidas giran entorno a la TV, pero llega un día en que Frank ya no aguanta más y decide realizar un cambio en su vida, iniciando una guerra contra su enemiga (La TV), teniendo como compañera a Roxy (Tara Lynne Barr) una niña de 16, que también tiene la misma visión de Frank del mundo.

La película es un critica ácida a la sociedad norteamericana, sobre la influencia ejercida en la sociedad por los medios de comunicación, sobre todo la televisión, en donde para los demás la vida real ocurre en la televisión, nada existe sino se encuentra en los medios, donde no se valora la inteligencia o la verdad sino el escándalo o la glorificación de la estupidez, y son los medios que consideran que es importante o que debe ser descartado.

Goldthait, parte de la pregunta que realiza el protagonista ¿Por qué tener una civilización que no le interesa ser civilizada?, atacando sin concesión, decide disparar contra todo, nada está a salvo de su mira, en donde todo tiene que caer, su director se convierte en el verdadero francotirador, nos muestra la furia de un hombre que se canso de aceptar la basura que le ofrecen, el decide ahora ofrecer su propio mensaje a través de más violencia, siente que ha encontrado un verdadero motivo porque vivir, se encuentra cómodo con su papel de ¨justiciero¨-

La historia es una comedia negra, una sátira de la sociedad en que vivimos, mostrándonos las situaciones absurdas que se presentan en esta, las cuales las tomamos de manera natural, donde el nivel de asombro ya no tiene límites, lo cual recuerda a otra película, el Dr. Strangelove (1964) de Kubrick, donde nos contaba en modo de comedia una crisis nuclear, en las cuales las situaciones absurdas y la ineptitud de los gobernantes eran totalmente verosímiles, mostrándonos con total desnudez la estupidez la guerra, que produce terror. Y es ahí clave la de la película, en donde lo absurdo se vuelve verosímil, las situaciones son tan cercanas para el espectador, tan cotidiano, tan real, que tiene más efecto que un drama, la comedia resulta más directa, más acorde con lo que ocurre en la sociedad.

La película nos es contada con mucha agilidad, con diálogos divertidos y punzantes, con escenas memorables, con un humor extremadamente negro. Entregándonos una de las mejores críticas de la sociedad actual y su legado que deja a las futuras generaciones, es una pieza que impacta y penetra en la mente, siendo difícil de resistirse a sus imágenes y a su mensaje.

THE DAY HE ARRIVES (2011)

2012-06-30T16:33:00.000-07:00

VOLVIENDO AL MISMO LUGAR

Cuando un ve las películas de Hong Sang-soo, parece estar viendo una repetición de sus anteriores películas, en donde encontramos personajes cuyas edades rondan entre los 30 a 40 años, dedicados al cine o a las artes, sentimentalmente inmaduros con relaciones amorosas que muchas veces resultan tortuosas, teniendo conversaciones intrascendentes o a veces filosóficas, acompañadas de mucha bebida y comida. Si bien en sus películas se encuentran los mismos elementos, sus historias son distintas aunque regrese a los lugares comunes, y esto es justo lo que ocurre con su última película.

El director, nos ubica ahora en Seúl, en donde el protagonista, Sungjoon, que es un director de cine que ha decidido dejar temporalmente la dirección. Ha viajado a dicha ciudad para encontrarse con un viejo amigo, es así que observamos como se transcurren un día tras otro, que inician y terminan en el mismo punto, que a veces parecen que los personajes se encuentran atrapados en un bucle temporal, pero en donde ocurren hechos distintos en cada día. Si bien existe una continuidad temporal de la historia, se deja la sensación que todo empieza de nuevo, presentándonos una variante del mismo día, lo cual resulta desconcertante y estimulante al mismo tiempo.

En el primer día, el protagonista no se llega a encontrar con su amigo, por lo que decide deambular por la ciudad, encontrándose con tres estudiantes de cine, pasando en rato juntos hasta súbitamente de los deja, llegando a la casa de su antigua novia kyungjin, la cual le guarda un gran rencor, mostrándonos la personalidad infantil de ambos. La historia se retoma desde el punto de partida del primer día, en donde Sungjoon, se coloca en su puesto para empezar una historia, lo cual, recuerda a La Ronde de Max Ophüls, en los personajes son colocados por el director, para iniciar sus historias. En este día, el protagonista si se encuentra con su amigo, presentándole una amiga que es cineasta y admiradora de Sungjoon, dirigiéndose al Bar Novel de propiedad de la joven Yejeon (que es interpretada por la misma actriz de interpreta a Kyungjin), mostrándonos la cara de asombro de Sungjoon ante la llegada de la propietaria, que es el mismo asombro de los espectadores.

El director, juega con los personajes, los hace transitara en los mismos lugares, intercambia las situaciones y diálogos entre ellos. Expone un tema recurrente en sus filmes como las coincidencias, las existencias o no de las razones que estas ocurran. Sang-soo, brinda su visión acerca del amor, de la vida y el destino. Sus personajes son seres inmaduros, creíbles, cómicos sin proponerlo. Es por tal razón, que sus películas transitan en el genero de la comedia, en historias que no serian nada cómicas, sino fuera por la forma como enfrentan la vida los protagonistas.

La utilización del blanco y negro (la película fue filmada a color), le brinda una mayor sencillez a esta. Utilización de planos fijos, del zoom, y de diálogos, que si bien pueden resultan muchas veces intrascendentes (los cuales recuerdan al cine de Godard), estos resultan importantes en el cine de Sang-soon, ya que, tiene una clara intención de decirnos algo, no a través de la palabras sino del entorno en que se desenvuelven los personajes, y es mediante los diálogos, se muestra la personalidad de los protagonistas, y sus contradicciones, que es un tema que trata el director en la película.

La película es narrada, a través de episodios, fragmentada por cada día que pasa el protagonista en Seúl, pero como ya lo señalamos con un gran sentido de continuidad, pero también de retorno, lo cual resultando una paradoja y contradicción que tanto los personajes y espectadores transitan. El director con un gran dominio mueve los hilos con una maestría, la cámara trasmite el desazón y soledad del protagonista, con una sencillez que estremece y sorprende. Su última película es un manifiesto, una respuesta a sus críticos, sobre lo reiterativo de su cine, demostrando que cada historia es distinta aunque se parta desde el mismo punto y con los mismos personajes.

MIENTRAS DUERMES (2011)

2012-06-29T19:45:00.005-07:00

BUENOS DÍAS TRISTEZA

Jaume Balagueró, director español se ha convertido en un especialista de los géneros del terror y thriller, con su primera película, Los sin nombre (1999), ya daba muestra de un talento de crear en sus películas una atmósfera de tensión, teniendo como referencias a las películas clásicas de terror, como The Haunting de Wise y The innocents de Clayton, donde el miedo se desencadena por lo que no se ve, las asombras que acechan, que perfeccionó en REC (2007), al mejor estilo de las películas de Zombies. Es un director que se alimenta mucho del cine de terror, conociendo todas claves y códigos de dicho género, lo cual se ve perfectamente en sus films.

Mientras duermes, nos cuenta la historia de César (Luis Tosar), que es el portero de un edificio habitacional, que carecer del sentimiento de felicidad, que la única forma de llenar el vació de su vida, produciendo la infelicidad de los demás, centrando su mirada en la inquilina Clara (Marta Etura). César al tener acceso a los cuartos de los inquilinos, ha ideado un plan poder dormir todas noches con Clara, sin que ella se percate de ello. Teniendo un inicio que recuerde a Cuatro noches con Anna de Jerzy Skolimowski, pero van tomando distancia cuando más avanza la historia, ya que, el film de Balaguero es un oscuro thriller, a diferencia de la película de Skolimowski que es un fuerte drama.

Si con REC los monstruos se manifiestan a simple vista, el ataque es frontal, aquí el monstruo se encuentra escondido, acechando en las sombras para atacar a su víctima, bajo un disfraz de inocencia, Luis Tosar interpreta a un villano perverso, frío, se siente una víctima de su infortunio, un enfermo incurable, que sólo puede paliar su padecimiento con el sufrimiento de los demás, sobretodo el de Clara. César es un personaje amoral, que es capaz de realizar las peores acciones para lograr su cometido, no hay sentimiento de culpa, tan sólo el deseo de apaciguar su dolor, no hay ningún atisbo de humanidad en su interior, presentándonos un monstruo de dimensiones colosales.

La película, empieza como un drama sobre la soledad de un hombre, sobre su lucha diaria para no caer en la total depresión, en buscar un motivo para continuar, una razón que le permita sobrevivir. En su búsqueda encuentra a su musa, a su inspiración para vivir, su víctima ideal. Es aquí, cuando vemos la verdaderas intenciones de César, es como un vampiro que se alimenta de la infelicidad, trata de destruir cualquier rastro de alegría. Se convierte en una historia de amor enfermiza, en donde el monstruo quiere robarle todo, y traerla a su mundo, con grandes cargas de tensión y suspenso.

La historia no es contada a través de los ojos de César. El director nos convierte en testigos de la oscuridad del protagonista, de su dolor, sus miedos, su soledad; nos trata de acercar a su mundo para conocerlo, somos cómplices de su patología. Balaguero realiza una película de suspenso puro, que se respira durante todo el metraje, donde la presencia de César es permanente, como una manta que lo cubre todo. Teniendo sin lugar a dudas una las mejores thriller de la actualidad.

SHAME (2011)

2012-06-24T16:58:00.004-07:00

EL DOLOR DEL VACÍO

El director ingles Steve Mcqueen, venía precedido de la fama de su opera prima Hunger (2008), una impresionante película carcelaria, sorprendiendo a la critica mundial, obteniendo el premio de Cámara de Oro (mejor ópera prima)en el Festival de Cannes, en Hunger, protagonizada por Michael Fassbender, el cual es un líder del grupo terrorista IRA, Mcqueen, transmite una mirada objetiva sobre la lucha los presos políticos, para que sus peticiones sean cumplidas, ante casi la inexistencia de diálogos las imágenes constituyen el ente comunicador de la historia.

En el segundo proyecto del director ingles, vuelve a llamar a Michael Fassbender para que la protagonice, actor irlandés que en los últimos años transita entre el cine comercial e independiente, demostrando siempre un gran talento en la actuación. A diferencia de su personaje de Hunger, aquí, el protagonista carece de la fuerza de voluntad, es incapaz de lograr cambiar el camino hacia su autodestrucción. Fassbender interpreta a Brandon un joven ejecutivo adicto al sexo, el cual le resulta imposible mantener una relación amorosa, lo ocasiona serios problemas en su vida personal, pero no puede hacer nada para evitarlo.

Mcqueen, sitúa a Brandon en una ambiente de comodidad, presentarnos como un hombre seguro que controla su entorno, que puede conseguir todo lo que quiera, en una ciudad tan cosmopolita como New York. Pero que todo ese supuesto control y seguridad es una mentira, como la imagen que proyecta Brandon. La farsa en que vive cae como un telón al aparecer su hermana Sissy (Carey Mulligan), que es una aspirante a cantante, que busca un lugar en donde quedarse en la ciudad, decidiendo quedarse en el departamento de este. Es aquí donde Brando siente verdaderamente desolado que no puede llegar a conectarse de manera intima con los demás, que su vacío interior no puede ser llenado con relaciones vacías, y es justamente Sissy la única que ve su dolor, por lo que, se siente desnudo ante su mirada.

Fassbender construye un personaje atormentado por la culpa y vergüenza, con una mascara de frialdad y serenidad. Teniendo una doble vida, como un asesino en serie que tiene un impulso por buscar victimas, adentrándose a los niveles más bajos y oscuros de su interior. Somos testigos de sus gritos desesperados por clamando ayuda, pero por vergüenza no lo puede llegar a expresar. La contra-cara de Brandon es su hermana Sissy, que es extrovertida y siempre busca diversión, pero, va en el mismo camino de la autodestrucción que su hermano, como Brandon el exterior es una careta, para sentirse normales ante los ojos de demás. pero mientras Sissy solicita ayuda y la ofrece támbien, Brandon no la quiere ni dar ni recibir, se recluye en la comodidad de su falta de voluntad.

Shame, es película incomoda no por los desnudos y las escenas de sexo, sino que el director logra que nos identifiquemos en el dolor de un personaje tan podrido por dentro, vicioso, imperfecto, destruido. No estamos ante un personaje que realice actos heroicos o que sea un incansable luchador de la adversidad, sino es un hombre que representa la degradación del ser humano en sus puntos más bajos, Shame no es una película que cuenta sobre las vivencia de un adicto al sexo, es una película que nos cuenta sobre el dolor humano en un mundo de apariencias, en donde la imagen se vuelve la verdadera personalidad, dejando de lado lo que no se ve.

Mcqueen, si en su primera película sorprendió, en esta segunda se consagro, la manera de disparar a través de su cámara, resulta gratamente doloroso, es director dispuesto a contarnos sus historias de la forma más sincera y directa que pueda, una de las mejores películas de 2011, que injustamente fue obviada por los premios de la Academia, al igual que la extraordinaria actuación de Fassbender.

HARA-KIRI : DEATH OF A SAMURAI (2011)

2012-06-23T16:24:00.001-07:00

¿QUÉ ES EL HONOR?

Remake de Seppuku (1962) la obra de maestra de Masaki Kobayashi, dirigido por polifacético y polémico Takashi Miike. Se tiene que señalar que la película de Kobayashi, es una obra capital del cine de los samurais, desentrañando el código de Bushino en donde es el honor es más importante que la vida, el nombre se perpetúa después de la muerte de un samurai, en donde aparte de tener una vida honorable, lo más importante es tener una muerte con honor.

La historia, es prácticamente la misma, en donde un viejo ronin (samurai sin señor) interpretado por Ebizo Ichikawa, expresa su deseo de practicarse el seppuku, el encargado de la casa del Clan Li, le cuenta la historia de un joven ronin que vino a solicitar lo mismo, contándole los hechos dolorosos ocurrido al joven, pero esto no desalienta al viejo samurai en su decisión, su director le otorga ciertos matices que le brinda una personalidad propia, caminado por su propio sendero, el cual le lleva al mismo punto.

Miike, es un director que se caracteriza por dirigir películas violentas ya sea en los géneros de yakusas, policiales, terror o musicales, con imágenes muy descriptivas en cuanto a la sangre y desmembramientos, si bien sus historias puede llegar a situaciones que rayan con lo inverosímil,estos son creados bajos sus propio código para representar la realidad como Miike quiere expresar, algunas veces con buenos resultados y otras veces no tanto. Por lo que, resulta curioso que la película se encuentre contenida en cuanto las escenas violentas, existiendo todas las condiciones para que Miike se realice sus típicas danzas de sangre, pero este no lo hace, lo cual se encuentra justificado con el sentido de la película, que es la venganza de la dignidad perdida no de un samurai sino de un ser humano.

Si bien el termino harakiri y seppuku, tiene el mismo significado para un mismo acto, el primero no tiene un uso frecuente en el Japon al ser considerado muy vulgar, a diferencia del segundo que le da un sentido más honorable. Miike va por el primer sentido, le despoja de la nobleza a la caracteriza dicha ceremonia, lo vulgariza, la vuelve más terrenal.Los códigos de honor pierden sentido cuando dicho código, carece de humanidad, se aparta de los sufrimientos de los demás, convirtiendo a los samurais en guerreros de un falso honor.

En su anterior remake de Miike, 13 asesinos (otro clásico del cine de samurais), los protagonistas son samarais, que deciden saltarse los códigos que los rigen, para alcanzar la justicia que no puede ser obtenida de manera regular, ellos no son esclavos de su código, sino guerreros de la justicia, donde el bien común es más importante que un código, dando su vida por una causa noble. En la película se nos cuenta una batalla más pequeña, de un hombre acorralado por la fatalidad, que lucha día a día para proteger a su familia, teniendo como enemigos a la miseria y la indolencia, dando el mayor de los sacrificios con valentía de un verdadero guerrero.

La película nos envuelve con el padecimiento de los protagonistas, llegando a su conclusión, la cual dista un poco de la película original, pero manteniendo el mismo espíritu. a diferencia de la utilización de la lluvia para otorgar dramatismo en las batallas, la nieve aquí se convierte en un elemento purificador, otorgando una escena memorable que se encuentra no sólo entre lo mejor en el cine de Miike, sino en el género de los samurais, presentándonos a un director más maduro, que construye una puesta escena magistral, Hara-kiri es una película dolorosamente apasionante.

LES LYONNAIS (2011)

2012-06-17T11:00:00.003-07:00

LEALTAD A PRUEBAS DE BALAS

Olivier Marchal, director francés que se ha convertido en la actualidad en un especialista en el género policíaco. Cabe precisar que el propio Marchal fue agente de policía, dejando dicho oficio, por el miedo que le generaba el trabajo, abrazando posteriormente la actuación y dirección, es tal vez la razón que su cine se centre en ese género.

Su conocimiento sobre el mundo policial, permite brindar en sus películas muchos detalles sobre las investigaciones policiales, como la forma de actuar de los criminales, mostrándonos los códigos en que se rigen ambos bandos. Marchal trata de presentar una mirada objetiva de sus personajes ya sea policías o criminales, en donde la línea que los separa es prácticamente imperceptible.

En las películas anteriores del director, MR 73 y Asuntos pendientes, la historia se centraba en las vivencias y conflictos de los agentes policiales, en su última película, Marchal, cruza la vereda del frente, y nos cuenta la historia de Les Lyonnais, que es una banda criminal de asaltantes formada en la decada de los setenta,dirigida por Edmond Vidal (Gérard Lanvin) alias ¨Momon¨, la pelicula se nos es narrada con constantes flashback el origen en el mundo criminal de Momon y sus amigos, sobre todo Serge su mejor amigo, en donde la historia tiene su detonante con la detención policial de Serge, debido a lo cual, Vidal volverá de nuevo a la carrera criminal que había jurado no regresar, pero la amistad y lealtad pesan más, y decide liberar a su amigo a sangre y fuego.

La película, recuerda al cine de Melville, sobre todo El círculo rojo y Crónica negra, de aquellos criminales imperturbables y fríos, que mantienen un código de honor y lealtad que no puede ser roto, y cuando la traición ocurre, uno debe de aceptar con dignidad de dicha deshonra; también a los policías obsesionados en atrapar a los criminales utilizando cualquier recurso ya sea legal o no para lograrlo. Pero también trae a la memoria a la saga de El padrino por algunas escenas y el uso de flashback, (El bautizo del nieto de Momon, la fiesta en su familia, la historia de su origen), que no son simple casualidad, siendo un referente claro en su cine.

Marchal va construyendo la película, en base a la figura de Vidal y su código de honor, sus acciones se van moviendo de acuerdo a las enseñanzas que fueron inculcadas desde niño, y que son mostradas a través de Flashback, que le dan un gran sentido a la película, con una narración dinámica y concisa contándonos tan solo lo necesario para saber lo que ha ocurrido y ocurrirá. Les Lyonnais, es una película magnética, en donde los diálogos no son extensos ni grandilocuentes, sino cortos y contundentes, las imágenes dominan la pantalla, brindándonos un espectáculo memorable. Es sin ninguna la mejor película hasta de fecha de Marchal, que esperemos siga por esta senda.

A PROPÓSITO DE ELLY (2009)

2012-06-16T14:15:00.001-07:00

UN AMARGO FINAL

Cuando uno piensa en el cine irani, inmediatamente viene los nombres como Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, Majid Majidi y Mohsen Makhmalbaf, los cuales vendrían a ser ¨los pioneros¨ del surgimiento del cine en dicho país, el cual es asociado, con historias minimalistas, en donde se muestra la pobreza y el abandono que los protagonistas contándonos sus vicisitudes, de una manera natural, con un ritmo pausado, al sencillez que se vuelve poesía.

Bahman Ghobadi y Asghar Farhadi, son dos jóvenes directores, que en la actualidad que se vienen asentando con gran fuerza en el firmamento cinematográfico, mientras el primero, mantiene el estilo de directores como Kiarostami y Panahi; el segundo su cine ronda en el drama y el Thriller, en donde cada uno brinda una visión crítica de la sociedad en que viven, en su manera particular de cada uno.

El tema que nos ocupa ahora, es la película A propósito de Elly, dirigida por Asghar Farhadi, la nos cuenta la historia de un grupo de amigos que quieren pasar unos días en el Mar Caspio juntos con sus esposas, son personas de clase acomodada, con mucha influencia occidental, en dicha reunión se encuentra una persona extraña al grupo, que es una joven maestra llamada Elly, que ha sido invitada por Sepideh (Golshifteh Farahani), con la intención que conozca a Ahmad, quien acaba de divorciarse de su esposa alemana. La historia es contada de una manera muy realista con actuaciones convincentes sobre todo las femeninas. El uso de la handycam es utilizada para dar más realismo a la historia, la cual es incrementada con las situaciones y las actuaciones, lo cual es muy bien llevado por director, sin llegar a saturar al espectador, sino mostrándonos de manera natural.

Sepideh, es la esposa de Amir, quien es un personaje manipulador y controlador, en donde su intención es buscar lo mejor para todos, o que creer que puede conseguir lo mejor para todos. Es personaje central de la trama, el que va desentrañando el misterio que cierne sobre Elly, a la que nadie conoce en realidad o llega a conocer en realidad. La historia que en un inicio se presentaba como una comedia en donde los amigos trataban de emparentar a Ahmad y a Elly, se transforma en un intenso drama aderezado de suspenso y misterio, cuando ocurre la desaparición de Elly, lo cual incrementara aun más con la aparición de un nuevo personaje a que pondrá a los demás en un difícil disyuntiva.

Las películas de Farhadi, son como una caja china, que conforme se siga develando las capas, se presentan más sorpresas, y surgen los cuestionamientos morales entre hacer lo correcto o buscar lo mejor para uno, en donde una simple palabra es la diferencia entre ambas. La incertidumbre de lo que pasó con Elly recuerda a la desaparición de Anna en La Aventura de Antonioni, pero aquí la tensión va in crescendo, los personajes, se desatan unos contra otros, en donde el personaje de Sepideh decidirá el destino de otros con sus acciones y silencios, después de ello no habrá marcha atrás para ella.

La película recuerda a las grandes películas de Chabrol, aquí la crítica de Farhadi a la sociedad burguesa es feroz, en donde su crimen es el repudio y desinterés de la cultura tradicional, lo práctico vence a la moral antigua, hechos que pueden ser considerados banales para unos, son la vida o la muerte para otros.Es una película que bien podría estar en el género del suspenso, sin dejar de ser un film de denuncia social.

EL CABALLO DE TURIN (2011)

2012-06-10T17:34:00.002-07:00

EL SEPTIMO DIA

Según declaraciones del propio director Húngaro, esta será su última película que dirigirá, lo cual esperamos que dicha promesa no se cumpla, ya que, Bela Tarr, es un los más grandes directores de la actualidad, su cine toma como referencia elementos de Tarkovsky, Bresson y Antonioni, pero ha imprimido a sus películas su sello propio, como esos largos planos secuencias, el uso de la fotografía de Blanco y negro, los silencios prologados, los travellings que han sido adoptados por otros directores, Lisandro Alonso (Liverpool), Gus Van Sant (Last days, Gerry, Elephant) y recientemente Daren Aronofsky (El luchador y El cisne negro).

En el prologo del film, nos narra el incidente que tuvo Nietzsche en la plaza de Turín, en donde un cochero inflige castigo a su caballo al no querer avanzar, Nietzsche aparece y abraza al caballo para que no sea golpeado, después de esto Nietzsche, se desmaya, y desde esa fecha se sumerge en la locura, dicha anécdota es contada en pocos minutos, el tiempo restante (dos horas y media) nos narra los seis días la vida del caballo, el cochero y su hija.

El caballo de Turín (A Torinói ló), como en las películas de Bela Tarr, está construido por varios largos planos secuencias, en donde nos va contado el día a día de los protagonistas, los cuales se encuentran encerrados en su rutina, prisioneros en su propio hogar, imposibilitados de cambiar su destino. La película se encuentra segmentada por seis partes las cuales representan los días, y nos va contando lo ocurre en cada día, en donde la aparición de un caminante y los gitanos trastocan su rutina, hasta que un hecho transcendental para sus protagonistas, lo cual cambiará sus vidas.

Lo importante en el cine de Bela Tarr, no es la utilización de largos planos secuencias, ni sus prolongados y obsesivos travellings, sino la forma como mueve la cámara, la cual es parte importante de la narración, la cámara se desliza delante de nuestros ojos sigilosamente, nos va contado lo que ocurre con los personajes, nos convierte en intrusos silenciosos. El cine de Bela Tarr, exige al espectador estar atento a cada detalle, a la imagen, sonido, silencios, nuestros sentidos tienen que estar alerta, cada movimiento y quietud, aunque hayan escenas en donde el tiempo se encuentra suspendido, el silencio reina, y los diálogos son casi inexistentes, todo esto forman parte de la construcción, nada es accidental, todo lo que vemos y oímos, están puesto con un fin, Tarr construye al milímetro sus películas, es un creador total de su obra, es el dios que sopla en los días más oscuros, es el crujir del fuego, el que corta los hilos del destino, es aquel que pronuncia el silencio y detiene el tiempo a su antojo.

Si bien la historia se podría ser acusada de minimalista, tal vez la más minimalista que ha hecho hasta la fecha su director, es una historia que trasciende más allá de la vida de los protagonistas, nos habla de la oscuridad, de la destrucción de nuestro mundo, de ese mundo creado por nosotros mismos, en donde un hecho que puede ser considerado intrascendente puede acabar con todo, lo cual nos trae a la memoria la película Melancholia, estas guardan mucha relación, en cuanto al tema, pero en el caso de Tarr, su propuesta es menos obvia es más desoladora y pesimista, nos habla del silencio y oscuridad absoluta, en donde con un simple fotograma nos cuenta todo.

Bela Tarr ha concluido de manera extraordinaria una las carreras cinematográficas más inspiradoras de la actualidad, ya que, El Caballo de Turin, es la última obra maestra de uno de los más grandes del cine contemporáneo, su último regalo para los amantes del cine, dándole las gracias por amar el cine cada día más.