MR. THUNDERSTRUCK

2016: El año que cerró la mejor época musical de la Historia

2016-12-26T11:51:00.000+01:00

Muy posiblemente este fatídico 2016 sea recordado en el futuro como aquel que puso fin a una era musical, la mejor, la que comprende de mediados del Siglo XX hasta la actualidad. Nunca en la Historia jamás, la música había vivido una edad de oro, un desarrollo de tantos estilos semejante (con el rock como punta de lanza) y había dado una sucesión de símbolos y de desarrollo de grandes bandas como la de estas últimas décadas. Y sí, tras los años de las reuniones y los retornos de todos grandes iconos hemos pasado inevitablemente a la de los adioses definitivos de los mismos. Especialmente sangrante ha sido este 2016, aunque ya los últimos años avisaban en este sentido con significativas pérdidas pero sin duda pocos como 2016 habrá más dolorosos para los amantes de la música, la verdadera no la prefabricada de los últimos tiempos de Malús, Melendis, Bisbales, Rihannas, Kate Perrys y demás elementos vomitivos que nos meten hasta en la sopa y que no llegan al talón en ningún sentido a los símbolos de los 60,70,80 o 90.

Que en mismo año se marchen David Bowie, Glenn Frey, Prince, Emerson, Lake, Leonard Cohen, George Michael o Rick Parfitt por citar solo a unos pocos nombres es un peligroso mensaje de que una era esta terminando...y no hay relevo. Todos estos grandes nombres se unen a otros como Lemmy, Lou Reed, Ronnie James Dio o Michael Jackson por citar a unos pocos y el cambio, el final de una era es ya inevitable porque no hay relevos ni para una décima parte de las pérdidas. No, no lo hay es imposible que surja otros símbolos similares y no por falta de talento y personalidad, que los hay, aunque nunca serían los nuevos Bowie sino ellos mismos, no hay relevos porque el panorama musical ha cambiado tanto, tantísimo, que actualmente es inviable que un grupo o artista pueda desarrollarse o dar la campanada por muy obra maestra que haga. Y el cambio hacia otra era es imparable, aunque obviamente no tenga un día y fecha concreto porque los grandes cambios requieren de años de tiempo, como ya vienen produciéndose insisto en los años de esta década especialmente. Hoy en día, y esto es así, da igual que alguien lanzase un disco similar al Appetite For Destruction, un Van Halen, un The Wall o un Back in Black, su repercusión sería mínima, aún en la era tramposa de internet y por supuesto no se les solucionaría la vida y el siguiente disco tendrían que lanzarlo via crowdfunding para poder llevarlo a buen puerto, porque en cuestión de promociones por medios generalistas y demás lo tendrían chungo o directamente en chino (es que es mucho mejor por supuesto multipromocionar a Malú y Melendi ante nuevas promesas, que jamás lo seran o dar ese tiempo a que la Pedroche luzca palmito imitando una vieja canción).

Guste más o menos es lo que hay, es lo que como sociedad hemos alentado y consentido en los últimos años y actualmente los artistas lo tienen en chino para poder hacer una mínima gira en condiciones, no ya para desarrollarse y crecer porque ya no tienen esa cobertura de antaño. Además los que ya tengan alguna cana recordarán la música que descubríamos antes en los bares, además de socializar en persona salir al bar otorgaba unos hallazgos impensables musicales (por supuesto ir de conciertos) o acudir a las tiendas especializadas, donde nos estaban esperando sin saberlo nuevos héroes musicales en formato de single o vinilo. O cuando un amigo nos descubría a tal grupo y nos dejaba una cassette grabada. Hoy los jóvenes han sido expulsados de los bares, sólo hacen botellón y también de la tradición musical. Por no hablar que hemos consentido sacrificar la calidad de las canciones como oyentes de música y escucharla hipercomprimida en mp3, etc... cuando en un tiempo no muy lejano hubiera sido impensable ceder así. Hemos dejado que las generaciones de jóvenes no sólo deshumanicen la música, no valoren la calidad y la consideren que no tienen que pagar por ella, por lo cual es un elemento de usar y tirar e incluso directamente de no usar. Por tanto ante estos antedencentes no debemos asombrarnos que abracen sin reparos el reggaeton, el tecno, las shakiras de turno, Melendis, Andys y Lucas y demás farrufalla. En resumen que vivan de espaldas a lo que e verdad era música de calidad y personalidad y a esos personajes que más de una vez estuvieron a punto de cambiar el mundo, de hecho lo cambiaron en algunos aspectos, y nos han hecho soñar a millones de personas durante las últimas décadas.

Y es que no hay remedio posible para revertir la situación. Como muestra un botón la de los festivales que repiten las viejas bandas cada año o año tras otro, o dan cabida en horarios discretos a aquellos que ya deberían haber cogido el testigo ¿Alguien cree que alguna vez Sabaton hará alguna gira llenando medios estadios o Avantasia o Tarja? Una vez que se retiren los clásico el rock cada vez más volverá a su estado underground, salvo por supuesto unas pocas bandas que consigan el milagro de destacar. Ante este panorama que se desarrollará en los próximos 10-15 años tenemos al hip hop que en un período de corto medio plazo se volverá más masivo que el rock. Ahí tenemos el dato por ejemplo de Kase O llenando el Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza con meses de antelación y no está tan lejano el año en que en solitario o con Violadores del Verso llenen el campo de fútbol de La Romareda. Y con ellos toda esa gran hornada de mc dispuestos a comerse el mundo. Bravo por ellos sin duda.

Por tanto, estas pérdidas de héroes musicales acompañadas del panorama actual suponen el fin de una maravillosa era de la música, que sin duda nos enorgullecerá a todos que pudimos vivirla y disfrutarla. Entramos a partir de 2017 por tanto en la primera era musical del siglo 21 donde veremos como estilos masivos se empequeñecen y otros crecen sobremanera, como en la música ya no importará la calidad, talento, personalidad y autenticidad y como por desgracia ya no surgirán otros Bowie, Prince, Michael, Frey. Lake o Parfitt ni tampoco iconos que puedan ser sus primos hermanos en el presente siglo.

¿Merecen la pena Guns N´Roses en 2017?

2016-12-08T20:27:00.001+01:00

Julio de 1993 con los ecos de "Paradise City" todavía resonando en nuestras cabezas perdemos las miradas en el infinito mientras tratamos de encajar lo acontecido y calmar las emociones. La banda de nuestras vidas, de todos los colegas que por entonces andábamos por la adolescencia, Guns N´Roses acababa de asaltar al fin el Vicente Calderón con un concierto que ya era historia. Como todo referente a esta banda, la número 1 del mundo entonces, todo era excesivo y polémico. Desde desmayos a furibundas críticas, la amalgama de reacciones al paso de Axl, Slash y cía fue de lo más variado, todo tenía cabida en el universo Guns excepto una cosa: indiferencia.
Particularmente me felicité por haber vivido la experiencia Guns en directo, con la banda del momento, en su momento, aún con las bajas de Izzy y Steven y aunque los Guns del Appetite quedaran ya atrás y fuera un show al que asistía toda la familia. Desde los rockeros al uso hasta padres con sus hijas, etc... Todo eso no nos importaba lo más mínimo, porque fue uno de esos conciertos que aun no siendo perfectos, ni mucho menos, uno se lleva a la tumba por varios motivos y el principal de todos su autenticidad, eran una banda real, dejando su grandeza y sus miserias al descubierto. Axl, Slash y Duff se nos habían aparecido en carne mortal, transmitiendo las distintas emociones del rock. El vocalista fue un volcán escénico cuando y como quiso dejando claro en todo momento su rebeldía innata. Slash aún borracho mostró su condición de guitar hero y pieza elemental del engranaje y Duff...el pobre Duff estaba sacando fichas para ir al infierno más pronto que tarde (afortunadamente me equivoqué en el desenlace esa sensación) Los demás demostraron ser unos don nadie que cumplían su cometido con eficacia aunque con carisma cero. No aportaban solo fichaban y hacían su parte, quizá es lo que se había buscado. La banda llevaba más de dos años sin descanso, mucho tiempo en la cresta de la ola y eso se notaba en la formación que ocupaba el escenario. Ya no eran esos chavales pendencieros con ganas de comerse el mundo sino que ya se lo habían comido, sobrevivían los más fuertes y dictaban sus propias normas, aunque el intenso viaje amenazaba por devorarlos en cualquier momento. Todo era real y el concierto con sus altos y bajos guardaba sus mejores momentos en temas como "Dead Horse" todo un regalo. Aunque para regalo ese "Dust In The Wind" que se sacó de la manga Axl, un tema inédito de Guns que fue una autentica delicatessen previa a "November Rain", que atrapó al fan más endurecido lo mismo que "Welcome to the jungle" encendió al más tranquilo. En fin muchos grandes e inesperados momentos. Escuchar por ejemplo "Dead Flowers" de los Rolling Stones es una de esas flores que Slash y cía brindaba a una audiencia que no valoraba esos detalles sino que estaba ávida de las emociones fuertes de los himnos del grupo en carrusel y punto.

Axl Rose en Madrid en 1993 centro de las críticas

De hecho ese fue uno de los grandes "pecados" a los que se agarraron sus detractores, el numerito acústico con el sofa y la pizza en medio del escenario mientras interpretaban el citado "Dead Flowers" y un buen puñado de temas en acústico fue visto más como una provocación que como, todo sea dicho una interesante parte del show. Pero bueno allá cada cual con sus gustos, ya digo que fuimos muchos los que acabamos muy contentos con aquel show aunque las críticas y las barbaridades que se dijeron a lo largo de los años lo llegaran a ensombrecer de alguna forma, sobre todo para los que nunca estuvieron allí y han tenido esas equívocas referencias. Yo estoy contento porque aquel concierto me sirvió para darme cuenta de que, a dios gracias, jamás comulgaré con una parte de la audiencia y en especial de la crítica que, por muy afamada que sea, jamás entenderán lo que fue Guns N´Roses y lo que supuso en la historia del Rock sino que decidiré por mi mismo. Ni tienen la más remota idea de lo que es un concierto la verdad. ¿Y por qué comienzo recordando lo sucedido hace ya la friolera de 23 años? porque amigo/a asistente que vas a ver a Guns N Roses en España en 2017 vas a tener una sensación similar a la que tuvimos muchos de nosotros entonces, salvo claro está por el contexto, entonces eran una banda del presente y ahora son del pasado y eso la verdad se nota bastante aparte de los 24 años de más que tendremos todos. Guns N Roses siempre han sido motivo de polémica y ya veras como tras su paso por San Mames y el Vicente Calderón dentro de unos meses, se disparan las escopetas por sus críticos. Que si la voz, que si las entradas son muy caras, que si el repertorio, que si etc... da igual. Si tienes tu entrada prepárate para disfrutar del concierto y olvídate de todo lo demás. Claro que las entradas son muy caras y con precios vergonzantes como las de todos grandes conciertos y claro que han vuelto por la pasta, como todo hijo de vecino que se sube a un escenario y se vuelve a juntar. Desde los Rolling Stones, Metallica, U2, KISS pensad en cualquiera. Que podían estar Izzy y Steven, ojalá, que podían presentar disco nuevo, pues también, que podían prescindir de los temas del "Chinese" en el repetorio, etc... pero aún con todo eso es un lujo ver a Axl, Slash y Duff encima de un escenario. A pesar de que ya no sean los Guns de 1993 sino los de 2017 con todas las diferencias que ello supone. La gira está hablando por sí sola, llenando estadios por todo el planeta. No olvidemos que entonces fueron los números 1 y lo fue por ese algo que los diferenciaba de todos los demás y arrastraban a grandes multitudes, mal que les pesara entonces y les siga pesando a sus detractores. Y sí, ellos más que nadie a lo largo de todos estos años han dilapidado el nombre del grupo por separado, pero la unión de sus piezas fundamentales Axl y Slash junto con una poderosa campaña de marketing y un nivel en directo notable ha bastado y sobrado para que hayan vuelto al trono.
Si quieres ver conciertos de rock los tienes en las salas a todos precios posibles porque afortunadamente hay buenas bandas de rock comenzando, que llevan pocos años y que ya llevan recorrido, pero si lo que quieres ver son a las leyendas de Guns N Roses juntas en el presente siglo no te va a quedar más remedio que pasar por caja y pagar un pastizal. Tu decides.A nadie le ponen una pistola en el pecho para pagar ese dineral o le dan una rosa cuando imprime su ticket.

"Rocks" ...y Aerosmith alcanzó la cima con un disco de muchos quilates.

2016-05-29T18:08:00.000+02:00

¿Os imagináis un disco que fuera de los favoritos de iconos tan dispares como Slash, James Hetfield o el malogrado Kurt Cobain? Pues sí, ese álbum aunque pueda parecer increíble existe, y no sólo eso, sino que vendió millones de copias (y sigue vendiendo) aunque casualmente en las últimas décadas nunca ha sido reivindicado como otros. Por supuesto me refiero a "Rocks" de Aerosmith que cumple nada menos que cuatro décadas de vida y sigue sonando tan adictivo, crudo y sucio como cuando se publicó. Así que hora es que se le haga un poco de justicia a un disco tan redondo e insisto tan poco reconocido (al menos en España y en otros lugares) como "Rocks".Por cierto que aún recuerdo la emoción que sentí al tener este vinilo cuando lo adquirí hace años. Conocía "Back in The Saddle" pero presentía que ese álbum que estaba en mis manos era maravilloso. Y no porque casualmente tuviera una funda superior al estándar de los lps, que también me llamó la atención, sino porque sabía que era la mejor época de Aerosmith y a pesar de que por entonces no había escuchado el 90% de esos temas sabía que me iban a encantar. No pensaba que tanto.

En el amanecer de 1976 Aerosmith eran una de las bandas del momento en Estados Unidos. Su gran triunfo con "Toys In The Attic" había llevado a las primeras planas a la pandilla de Steven Tyler que los asociaban como una especie de nuevos Rolling Stones. "Walk This Way", "Sweet Emotion" y cía sonaban constantemente en las emisoras de radio y las ventas y los directos iban viento en popa. Lo cierto es que esa fama no iba muy desencaminada e inmerecida. Tanto a nivel musical como de actitud los chicos malos de Boston podían haber sido perfectamente los hermanos menores de Jagger y Richards e incluso Steven Tyler y Joe Perry tenían un componente mucho más travieso para los excesos. Ahora que la puertas de la fama se les habían abierto no querían dejar pasar la oportunidad de vivir a fondo todo ese triunfo y demostrar que no eran flor de un día o un grupo de un sólo hit sino que habían llegado para quedarse...mientras su peligroso estilo de vida se lo permitiera.

Aerosmith en la cima del éxito

Por fortuna las drogas que estaban siempre presentes en el entorno del grupo no habían hecho mella suficiente para privarnos (todavía) de la magia y esencia del quinteto que seguía creciendo a pasos agigantados en torno al "Sexo, Drogas y Rock N Roll" como leitmotiv. Su asociación con el productor Jack Douglas iniciada en GET YOUR WINGS había dado sus frutos con la ascensión del camino a la cima, que ya se comenzaba a vislumbra, así como la definición del sonido de la banda y la creación de gemas sonoras que ya pasarían a formar parte indisoluble de la historia del rock. Los laureles del exitoso "Toys In The Attic", seguían reverdeciendo cuando la banda se metió al estudio deprisa para dar continuidad a su trayectoria discográfica (así eran los 70) que ratificara su nuevo estatus además del excelente estado de forma que presentaban. Y es que por entonces Aerosmith eran sencillamente imbatibles y el objetivo con "Rocks", toda una declaración de intenciones era alcanzar el cénit, sin dejar de ser ellos mismos.

Anuncio del lanzamiento de "Rocks" y de su concierto en uno de los templos del rock, Madison Square Garden.

Y desde luego vaya si lo consiguieron. el contenido era de auténtico órdago. Tal y como reflejaba la portada las canciones eran poderosas, sin concesiones, rock en estado puro y duro made in Tyler, Perry y cía que loaba por supuesto su estilo de vida ( estaba claro que Aerosmith ni les interesaba hacer como que iban a arreglar el mundo o ser embajadores políticos de nada, lo suyo era expresar todo el rock que ya era suyo como banda que llevaban dentro y que ahora ya llevaba su propia marca). Que "Rocks" haya pasado a la historia como uno de los discos más influyentes no era una casualidad. El tándem Joe Perry-Steven Tyler había alcanzado también su cénit creativo Suyo era por ejemplo el primer corte que daba inicio al álbum y que se convertiría en un himno "Back In The Saddle",además con el tiempo se asociaría más a los retornos del grupo que a su lasciva temática, en cualquier caso un tema ideal para cualquiera de esas situaciones.

Single de la edición japonesa "Last Chlld", otro clásico extraído del fantástico "Rocks"

Brad Witford, el otro (gran) guitarrista de Aerosmith (que sí, que ha tenido siempre dos fabulosos hachas) forjaba el armazón de "Last Child" con su riff y un solo que dejaba a las claras sus extraordinarias credenciales. Steven Tyler ponía la guinda con una letra e interpretación memorable. A estas alturas Tyler también marcaba su propio estilo inimitable y se revelaba como uno de los grandes cantantes y frontman de los 70 (y mira que había un nivel excelso...) Precisamente los Toxic Twins firmaban a continuación otro temazo de auténtica categoria "Rats In The Cellar". Si hace un año se subían al ático a por sus juguetes había llegado el momento de recordar a la gente que a pesar de la fama ellos procedían de un mundo sórdido y seguían loándolo. Imposible quedarse impasible y o bailar ante este temazo, rock 100% made in Aerosmith la verdad. A pesar de sus continuas comparaciones Zeppelin, Stones y demás, los de Boston ya marcaban sus propias reglas sonoras y habían gestado su polémica y tóxica aura. La cara a del redondo iba a cerrar a lo grande con otro tema acerca del peligroso mundo en el que habitaban, aunque esta vez para advertir de los riesgos y con un Joe Perry en estado de gracia que se hacía cargo hasta de la voz principal. Un cierre memorable, y la verdad que un tema bastante infravalorado bajo mi punto de vista.

Joe Perry y Tom Hamilton en los camerinos durante la gira de "Rocks" en 1976. Ambos se intercambiaron sus instrumentos habituales en "Sick as a dog" tema que abría la segunda y también recomendable cara del álbum.

Tom Hamilton se encargaba de forjar con la ayuda de sus compañeros el arranque de la cara b con "Sick as a dog" otra gema de muchos quilates, que a pesar de haber quedado oscurecida con el paso del tiempo, a partir de entonces se quedó fija en el repertorio de Aerosmith y siempre ha sido muy celebrada por los fans cuando la han recuperado en sus directos de décadas posteriores. ¿Y qué decir de "Nobody´s fault"? Aerosmith golpean con fuerza en una de las canciones más reivindicadas por diferentes artistas. Nueva lección de los chicos malos de Boston y otro solo de antología. Pero no sólo había drogas y excesos en el temario de Aerosmith también tenían tiempo para dedicar una canción a sus directos con "Lick and a Promise" otro temazo trepidante y adictivo donde Steven Tyler se movía con su voz como pez en el agua (cuánto cogió Michael Monroe de temas de este calibre). El final se acercaba y tras todas emociones vividas llegaba el final de poner la guinda con una balada, pero nada de acaramelada o de usar y tirar como las que nos andan vendiendo en las últimas décadas sino surgida de las entrañas sonora de la banda, auténtica como pocas "Home Tonight" excelso Con un Steven Tyler sobebio a la voz y dirigiendo el tema desde los teclados y la banda e incluso el propio Jack Douglas a los coros se ponía un broche de oro a un disco como digo, de matrícula de honor. Mötley Crüe por cierto cogerían este tema le darían unas cuantas vueltas años después para crear su propia Power Ballad, y es que "Rocks" en sí, 40 años después sigue siendo un código sagrado a seguir.

¡y llegaron los estadios! "Rocks" aupó a Aerosmith como banda de estadios. Los chicos malos de Boston habían alcanzado la cima y empezarían a ser conocidos como la banda más grande de América.

El impacto de "Rocks" en Estados Unidos fue inmediato, alcanzó el oro y el platino a los pocos meses, superó en mucho las ventas de "Toys In The Attic" y llevó a Aerosmith a conciertos que incluían estadios. Ahora sí que sí, estaban en la cumbre, lo habían conseguido y...lo siguiente sería comenzar el descenso que les terminaría llevando años después a los infiernos. Pero eso entonces importaba poco porque Aerosmith estaban en la cúspide de su carrera setentera y seguirían presentes en grandes recintos durante lo que restaba de década, así como las grandes ventas. "Rocks" les había permitido ganarse la leyenda de su nombre en el rock, a pesar de que fuera de Estados Unidos no tuviera ni la décima parte de repercusión en cuestión de éxito, y a pesar de que "Toys In The Attic" históricamente se haya llevado todos los honores y más tras el multiéxito de la revisión de su himno "Walk This Way" con Run DMC, "Rocks" se llevó algo más importante la admiración de artistas de bandas enormes que vendrían en los 80 y 90, citándolo como una de sus grandes influencias o discos favoritos. Y ese es el mejor honor que puede tener una obra maestra como es "Rocks". Lo que todavía no he logrado averiguar es por qué el tamaño de su cubiera su tamaño es más grande al resto de discos que tengo, aunque quizá sea por toda la grandeza que contiene en su interior.

ç

In The Skies: Nick Menza

2016-05-22T17:09:00.003+02:00

El nombre de Nick Menza siempre me ha traído buenos recuerdos, entre ellos por supuesto sus intros tan célebres que dejó en Megadeth como "Skin O My Teeth" o "Trust" (por encima de todas) otras que merecen mayor reconocimiento como "Five Magics", "Reckoning Day" o su galopar con la batería en temazos como "Holy Wars..." además por supuesto de los conciertos que pude verle en la banda del malhumorado Dave Mustaine. Eran años dorados, tiempos mejores para Megadeth aquellos ya lejanos 90, bastante mejores que los actuales sin duda, de despachar un discazo tras otro formando parte de una de las alineaciones históricas del metal. Quizá no éramos conscientes que todo aquello acabaría, para nuestra desgracia y la de Nick Menza que ya no alcanzaría un éxito similar. A los fans de Megadeth en particular y del metal en general nos quedó la sensación o la esperanza que aquella mítica formación volvería a juntarse de nuevo en un futuro, se lo debían a ellos mismos, a los que los vimos entonces y a los que no pudieron hacerlo. Hoy por desgracia con la temprana e impactante marcha de Nick Menza sabemos que ya no será así.

Así de absurda es la vida. Tan pronto estás como ya no estás aquí. Y eso debería hacernos replantearnos la manera de vivirla y tratar de disfrutarla. No dudo que Nick Menza supo gozar de ella, como tampoco dudo que no tiene nada de bonita o de mítica su marcha, que se nos haya ido en pleno concierto de un infarto fulminante. La muerte no deja de ser eso, muerte, pérdida y dolor. Nada más que eso, Hace poco perdí a un amigo (y desde aquí quiero rendirle también homenaje), un poco más joven que Menza en similares circunstancias. Menza se nos ha ido en pleno concierto, mi amigo se marchó en un ensayo, ambos tocando la batería. De repente, se van en un pis pas para siempre. Ya todo es pasado al hablar de ellos. Y ¡maldita sea! ni mi amigo ni Menza deberían haberse ido, tendrían que seguir entre nosotros con su alegría y sus ganas de vivir, sus fiestas, sus conciertos y en el caso de Menza de ser homenajeado por todo el mundo del metal con esa reunión que tenía que haberse celebrado de los grandes Megadeth. Ahora como señalaba antes, ya no será posible, como tantas otras cosas. Los homenajes y las alegrías hay que hacerlos y disfrutarlas en vida, de nada vale pensar ya hoy en ello, ni tampoco vivir esperando al mañana porque nunca sabremos si realmente tendremos un mañana. Por más que ahora se llore su marcha o se trate de hacer el homenaje que se quiera ya nada será lo mismo sin su presencia.

Descanse en Paz, Nick Menza.

¡¡Alquimia emocional de almas unidas en Zaragoza!!

2016-05-16T00:24:00.003+02:00

"Alquimia es una feliz realidad que tiene parte de su esencia en Zaragoza y esa unión es indestructible" decía anoche desde el escenario un alegre Alberto Rionda para homenajear públicamente la relación que viene de lejos con los artistas gráficos Luis y Rómulo Royo y la no tan conocida con Antonio Sediles, mánager de la banda"y la mitad del alma que fundo este proyecto" según remarcó el guitarrista. Alquimistas alejados de los focos y que forman parte indisoluble, como bien dice Rionda, de este fantástico universo musical y equipo que ha forjado el guitarrista en los últimos años y que a tenor de lo visto anoche en Zaragoza luce a las mil maravillas. Rionda puso de esa manera el guiño emotivo a una fecha sin duda muy especial para todos. No hay que olvidar que era la primera vez que Alquimia actuaba en la capital aragonesa y no eran pocos los presentes, tras acabar el show que les pedían volver lo antes posible.

Sin duda la mejor muestra de que el concierto de dos horas de duración había dejado más que satisfecho al público y no era para menos, a pesar de que el sonido del Centro Cívico Delicias no fuera por momentos el idóneo (es curioso que este recinto que se reacondicionó para que tuviera mejor acústica y ahora suena peor que antes) Pero ello no deslució una actuación más que notable que fue in crescendo y que volvió a dejar claro el momento dulce que vive la formación, que podía estar codeándose tranquilamente sin ningún rubor por cualquier circuito o festival europeo.

Alberto Rionda anoche en Zaragoza

Obviamente el talento a las seis cuerdas de Alberto Rionda es la piedra angular o el "Sol Negro" sobre el que orbita el universo de Alquimia conformado por unos planetas de primera categoría como es el cantante Isra Ramos, una de las mejores voces que tenemos actualmente por España y que anoche dio de nuevo otra master class y los siempre eficaces Rubén Lanuza al bajo y el teclista Chez García que divierten y se divierten con el público de las primeras filas. Por supuesto en la batería queda patente el buen hacer de Leo Duarte. Juntos forman una de esas alineaciones históricas de nuestro metal, o mejor dicho de nuestra música, aunque hoy en día muchos no sean conscientes de ello (ya se sabe que es el paso del tiempo el que suele poner las cosas en su sitio).

Alquimia ofrecieron un gran recital

No hay duda que no sólo interpretan sus himnos, y tienen unos cuantos a la perfección sino que llenan completamente el escenario con su Alquimia de buen hacer sobre las tablas. Pueden venirte de repente en ese sentido tics de Asia, de Paul Stanley, de Freddie Mercury y Brian May o de muchos otros. Es decir no solo son buenos sino que se preocupan de transmitir y conectar con la audiencia en todo momento para que todo el mundo salga satisfecho.

Alquimia en el Centro Cívico Delicias de Zaragoza

Respecto al repertorio, durante las dos horas por supuesto sonaron sus temas más representantivos y populares entre sus huestes: es decir Espiritual, Caballero Blanco, Dama Oscura, Sol Negro, Vulnerable, Claro de Luna, Divina Providencia, Aliento, etc... con dos discos de semejante calibre pueden confeccionarlo como quieran porque aciertan fijo, y más tal y como los defienden sobre las tablas. Tras una primera hora y media donde descargaron a gusto su material llegaba como digo el momento de las sorpresas. Algo ya podíamos sospechar cuando perlas de Avalanch como "Delirios de Grandeza" o "Xana" asomaron en escena "rejuveneciéndonos" unos 15 años a todos y trayéndonos viejos ya recuerdos de aquellos años.

Alberto Rionda e Isra Ramos interpretando "Cambaral"

A la vuelta del paso por los camerinos para tomar "Aliento" nos mostraría al Alberto Rionda más locuaz con la audiencia, ejerciendo como maestro de ceremonias, homenajes y marcándose una parte acústica de muchos kilates junto a Isra Ramos, donde brilló especialmente "Cambaral" otro de esos temas que tocan el alma de los fans clásicos de Avalanch y que en voz de Isra alcanzan una nueva dimensión.

Y tras el acústico llegarían los vatios tomarían de nuevo el escenario con un concierto que ya había derivado en fiesta por el buen hacer y la cercanía de la banda con la audiencia. Había llegado el momento para poner la guinda con "Almas Unidas" otro de esos temazos que va para himno y que puso el broche de oro a un concierto que quedará en la retina por mucho tiempo.
Por cierto que para aquellos que estáis leyendo estas líneas y queráis conocer las excelencias de Alquimia o volver a sentir esas emociones recordaos que las próximas citas de Alquimia son el próximo sábado 21 de mayo en Barcelona y el viernes 27 en Murcia.

Fotos: Tere Sahún

¡¡Alberto Rionda trae este sábado su excelsa Alquimia a Zaragoza !!

2016-05-11T12:58:00.004+02:00

Una de las mejores bandas de la piel de toro de los últimos años y practicantes del mejor power metal que se puede degustar en el continente llega al fin a Zaragoza este próximo sábado, 14 de mayo. En concreto el concierto se celebrará a partir de las 22:00 horas en el Centro Cívico Delicias. Y lo cierto es que hay muchas ganas de ver al gran guitarrista Alberto Rionda y sus huestes en la capital aragonesa y no es de extrañar; primero porque como sabéis traen bajo el brazo su flamante disco ESPIRITUAL con sus himnos "Indomable", "Vulnerable", "Sol Negro" o "Caballero Blanco" entre otros (a los que hay que añadir los de su también imprescindible opera prima ALQUIMIA ) y segundo porque será la primera vez que Alquimia actúen aquí, por lo que la expectación tanto para los seguidores de la banda como también para aquellos apasionados del universo Avalanch, que caerá fijo alguna de esas viejas canciones, es máxima.

Por si eso fuera poco hay que añadir además que Alquimia están viviendo un momento muy dulce en la actualidad; A todos los parabienes que está recibiendo su gira allá por donde pasa, hace unos días pudimos verlos en La 2 (o bien a través de internet) en los conciertos de Radio 3 y el pasado sábado tanto Alberto Rionda como el cantante Isra Ramos formaron parte de los invitados especiales del concierto "Finisterra Opera Rock" que organizó Mägo de Oz. Es decir que Alquimia están logrando parte del gran reconocimiento que merecen tanto por su talento como por sus discos y actuaciones.

Por tanto se reúnen todos los ingredientes para vivir una jornada memorable este próximo sábado en Zaragoza; de hecho muy pocas veces se puede ver un concierto de semejante calibre (insisto estamos hablando del mejor power metal europeo que no es poco decir), con un grupo tan apabullante en estudio y en el escenario.
Las entradas están disponibles en Ticketea, Leyenda Rock, Infiernos Rock Sister y Linacero. Así que ahora solo quedan descontar los poquitos días que quedan prepararse para el sábado y disfrutar al máximo de esta velada histórica.

España ya no quiere ver a Chris Holmes (y no será el único país como no se respete)

2016-05-08T12:20:00.002+02:00

No resulta sencillo escribir acerca de la cancelación de una gira, máxime cuando detrás hay pequeños promotores y salas que se juegan su dinero y ante los que hay que quitarse el sombrero siempre. Contra viento y marea, y más en España con todas las dificultades añadidas ya comentadas habitualmente en esta bitácora, desarrollan una gran labor: no es nada sencillo dotar de contenido musical a las ciudades durante buena parte del año, con presupuestos más que escasos o menos que eso, tratar de cuadrar las cuentas y si es posible ganar algo de dinero. Esto que vaya por delante ante la cuestión a tratar de hoy que me reclamaron desde un club de fans de WASP y gustoso respondo a la petición. Como supongo que sabréis algunos, el exguitarrista de WASP, Chris Holmes, y tradicional mano derecha de Blackie durante los años de gloria de la banda y los últimos 90 tendría que estar ofreciendo una gira por cuatro ciudades españolas que se canceló según el comunicado oficial por la escasa venta de entradas. Una noticia que ha causado el lógico pesar en los seguidores del universo WASP más acérrimos y otros pero que sinceramente a mi no me sorprende en absoluto. Y no me extraña por culpa precisamente del propio Chris Holmes cuya decadencia tanto en estudio como en los directos es más que notable.

Para los que crecimos con discos como WASP, The Last Command o Inside The Electric Circus y admirábamos esa banda provocativa, "peligrosa" y la presencia intimidante de Chris Holmes resulta muy doloroso comprobar como a día de hoy es una sombra de lo que fue. Sí, no ha caído tan bajo ni mucho como PAUL DI ANNO pero ello no debe eximir su responsabilidad de darse cuenta de lo que ha sido y ofrecer discos y directos acordes con lo que representa, no ser una triste caricatura de lo que un día fue. Lo pondré en pasiva. Su "archienemigo" Blackie Lawless podrá tener una apariencia más que castigada pero los discos y directos de W.A.S.P. están totalmente a la altura e incluso está sorprendiendo con una tercera juventud en ese sentido.

Si tenemos en cuenta que en España se cancelan giras por puro desconocimiento del público acerca de las bandas o los eventos en sí, si los medios generalistas especializados las obvian porque solo se centran en los grandes clásicos nombres y demás, si encima de todo eso el producto que ofreces no está a la altura es normal que haya pasado lo que ha sucedido con Chris Holmes. Recuerdo cuando hace unos meses se anunció la venida del exguitarrista de W.A.S.P. varios colegas me dijeron "¿has escuchado lo que hace y has visto como está? yo a eso no voy ni loco". Cuando encima los que se enteran habitualmente de los conciertos te dicen eso, muy mala señal.

Lo cierto es que tener que "enfrentarte" a los videoclips discos y directos del Chris Holmes actual teniendo en cuenta quien y qué ha sido y significado es tarea harto dolorosa para un fan. Malos refritos de canciones de WASP, aburrimiento, falta total de chispa...si siempre te has quejado del poco reconocimiento que te concedía Lawless era el momento de demostrarlo facturando temas que estuvieran a la altura de tu leyenda, hasta haría la vista gorda con la producción más que chapucera de las mismas o los desastrosos videoclips que de promocionales tienen poco

Sé que mis solicitantes del post esperarían una defensa sino a ultranza casi de Holmes, pero cuando se hacen las cosas mal no se puede estar confundiendo al personal. La cancelación de Holmes en España es lo lógico vistas las circunstancias, insisto por más que como seguidor de WASP me fastidie, pero seguir a tus antaño "héroes" no quita para cuando no hacen bien las cosas decirlo y animarles a que reaccionen. De hecho si Holmes sigue con este camino mas pronto que tarde acabará ofreciendo shows como los de Paul Di Anno, Debe fijarse en tipos como Ace Frehley o Michael Schenker auténticos desastres en sus carreras en determinados momentos pero que han sabido reaccionar, "reinventarse" y ofrecer discos y conciertos más que solventes para que el aura de su leyenda no solo no se pierda sino que hasta se pueda realzar. Holmes debe darse cuenta también que si no tiene voz, como parece que no tiene conviene que se busque un cantante, él no tiene por qué llevar la batuta en ese sentido, puede ser la atracción escénica como hace muy bien Hoffmann sin tener que hacerse cargo de las partes vocales princpales. Esperemos que Holmes sepa reaccionar y lo podamos ver en España con un aspecto mucho más cuidado, un disco más a su altura y unos directos que de verdad animen al público a pagar la entrada. Talento y condiciones tiene para revertir esta triste situación.

Al final nadie se rasga las vestiduras por la ausencia de Malcolm Young

2016-04-28T11:27:00.002+02:00

Tanto vendernos la "burra" durante varias décadas acerca de que la esencia del sonido de los legendarios AC/DC residía en el buen hacer de Malcolm Young (el talento oculto de la banda en la sombra y el "jefe" de la misma tanto en estudio como sobre los escenarios) y resulta que todo eso se ha disipado como el humo en estos últimos años. Desde que se conoció la dramática enfermedad que sufría el guitarrista, que le obligaba a dejar el grupo, los acontecimientos se han empeñado en demostrar que toda esa cantinela que te contaban los fans más puristas de la banda se ha ido por el sumidero.

Es cierto que la noticia de la obligada salida de Malcolm de la banda causó una gran conmoción tanto por el hecho en sí como por el lamentable motivo, pero tras ello no hubo campañas para que AC/DC lo dejaran ¿Qué necesidad había de seguir adelante con giras si estamos hablando de un grupo de este calibre, cuyos tatatataranietos aún no lo saben pero van a tener la luz pagada toda su vida? ¿Era necesario? En absoluto...ah se me olvidaba, claro que era imprescindible seguir girando sin Malcolm porque había que ganar la portada de la revista Forbes, es cierto. La realidad de lo que es AC/DC desde hace muchos años está en esa portada que en la mística romántica que tenemos los fans acerca de los australianos, esa es la gran verdad guste más o menos reconocerla, y la decisión de seguir adelante sin Malcolm la puso más de relieve todavía. Y por cierto no hubo campañas de clubs de fans de AC/DC de Pekin, Groenlandia, Mozambique o Villanueva del Trabuco que lanzaran campañas exigiendo que no siguieran adelante para no cargarse su mística. Al final se puso al sobrino de Malcolm, como se podía haber puesto a otro impersonator y el circo a seguir adelante, con llenos totales allá por donde recaló la gira, y donde por supuesto al personal le importaba entre nada y cero que no estuviera Malcolm allí, solo los cuatro "tontos" que valoramos estos detalles decidimos no seguir el juego de Angus Young de vendernos unos AC/DC cuyos componentes clásicos se le estaban cayendo por el camino. Casualmente estas actitudes las solemos adoptar seguidores que no somos puristas o de club de fans, que deberían ser los que se rasgaran las vestiduras por ello, pero no, todos a agachar la cabeza, pagar el pastizal y disfrutar de grandes shows sí, pero cada vez más artificiales de contenido.

La realidad de lo que es AC/DC en 2016

Pero si llamativa fue aquella gira sin Malcolm, la nueva tanda de este año con todo el affaire Brian Johnson-Axl Rose ha dejado más a las claras todavía que sí que Malcolm es como Bon, una figura para "fardar" en conversaciones acerca de la banda pero poco más. Nadie le echa de menos, vaya. Que estemos asistiendo estos días a semejantes esperpentos de que los fans de la banda reclamen que les devuelvan el importe de las entradas porque no está Brian Johnson, cuando han pagado el gusto y la gana por ver a unos AC/DC sin Malcolm, es para correrlos a gorrazos. ¿Pero de qué esencia hablan y qué dicen que ya no son lo mismo sin Brian, por favor? ¿Ahora se hacen campañas para parar la gira o el cambio de cantante? No hombre no, eso tocaba cuando lo de Malcolm, no ahora, entonces sí era el momento para todos esos puristas de poner el grito en el cielo. ¿En serio creíais que Angus Young iba a tener algún miramiento en seguir adelante sin Brian cuando lo ha hecho sin su hermano? Que se esté levantando todo este revuelo porque Axl Rose, que hasta donde todos sabemos es también un cantante de rock, vaya a sustituir a Brian en estos conciertos y no hayan dicho ni pío porque la banda girase sin Malcolm, es más, pagando más que nunca una marca AC/DC por ver a unos menos que nunca AC/DC es lamentable, absurdo y cómico, a partes iguales. Y lo peor de todo es que te deja la sensación de que a la hora de la verdad, a nadie le ha parecido importar un pimiento lo de Malcolm.

En fin, por supuesto que cada cual hace con su pasta lo que quiera, reclama lo que quiera y consigue lo que puede, pero vamos que quien acepta a ver a AC/DC sin Malcolm que no vaya con historias de que no son lo que eran sino esta Brian. Ah por cierto, FACUA y demás asociaciones al respecto que ya que os habéis metido con este asunto, nos gustaría también que entrarais a fondo con el escandalazo de los gastos de distribución, reventas de entradas, precios de consumiciones y comidas en salas, recintos y festivales y demás polémicas en torno al mundillo de los conciertos, sería de agradecer implicación y avances en este sentido para que todos podamos disfrutar de conciertos, sin gastos añadidos demasiado sospechosos y sin la sensación de que te están cobrando cuatro veces lo que cuesta una consumición o un bocadillo en un concierto. De nada.

In the Skies: Prince

2016-04-21T21:24:00.001+02:00

Todavía cuesta aceptarlo y creo que tardaré varias semanas en hacerlo. La noticia de la pérdida de Prince ha caído como una puñalada helada que ha dejado sin sentido totalmente a este ya fatídico jueves de abril de 2016. Un genio tan prolífico que vivía, sentía y respiraba música se ha marchado en su estudio de grabación, es decir en su ambiente, a los 57 años, demasiado joven. Las causas todavía se desconocen aunque ahora empiezan a aflorar las primeras noticias acerca de su delicado estado de salud de los últimos meses que le obligó a realizar varias cancelaciones. Como bien sabéis su obra es tan extensa e inabarcable que solo él sabe realmente el número de "vástagos" musicales que nos lega. Por supuesto encabezando ese ranking siempre estará "Purple Rain" la película banda sonora con la que a mediados de los 80 alcanzó el estrellato global (para mí la mejor banda sonora de la historia, así como suena) Ese fue el gran estallido de este genio que siguió dominando los 80 a su antojo, demostrando su enorme talento para combinar diferentes estilos y convertirse en poco menos que Mesías para millones de fans en todo el planeta que cayeron a los pies de sus himnos, de su transgresión y de sus catárticas y espectaculares actuaciones donde todo era posible. Porque Prince no sólo era un enorme compositor y multinstrumentista sino que también era un animal escénico.

En los 90 tras enfrentarse con la poderosa Warner y quitarse hasta el nombre se hizo conocer (o desconocer) más bien por su logo característico. Años en los que el genio siguió despachando álbumes y polémicas a partes iguales y cuya megapopularidad comenzó a decaer al no seguir sirviendo hits comerciales, que no quiere decir que no siguiera lanzando canciones notables, y por supuesto seguir colaborando con todo el mundo, componiendo grandes temas que permitieron triunfar a otros artistas, usando otros seudónimos, etc.. . En fin que toda la historia la conocéis de sobra y seguro que estos días la podréis leer con mucho más detalle por innumerables medios. Sencillamente se nos ha ido uno de esos genios irrepetibles que como Michael Jackson, Freddie Mercury, Elvis Presley o James Brown surgen de muchos siglos en muchos siglos. En estos momentos dudo que pinchar si decantarme por su discografía más comercial, perderme en la crudeza del álbum negro, apostar por su etapa más psicodélica o tal vez la alternativa. Prince fue un millón de bandas en un sólo cuerpo, un millón de anhelos e influencias musicales en un sólo ser. Capaz de enfrentarse a todos y seguir gestando música y conciertos espectaculares como si nada, a pesar del vacío que le hacían muchos medios.

Todavía parece que fue ayer cuando lo vi bajar del autobús a su llegada a Zaragoza y tenerlo al lado durante unos instantes en los que compartió miradas con los pocos que allí estábamos porque su baño de multitudes llegaría al día siguiente. Su presencia sin duda hipnotizaba, y esto no es ninguna frase hecha ni mucho menos, Prince tenía el aura del genio que es capaz de poner al mundo a bailar con un simple chasquido de dedos. Os dejó con el post que escribí de aquella visita de PRINCE EN ZARAGOZA y por supuesto con su música..
Descanse en Paz, Prince

Hasta Angus Young se inclina ante Axl Rose

2016-04-17T20:54:00.002+02:00

Hoy es un día negro, muy negro, para millones de fans de AC/DC de todo el planeta como bien podemos comprobar dando un vistazo por la web. La confirmación de que Axl Rose será el nuevo cantante de la banda para completar su gira europea y americana ha destapado la caja de los truenos y lamentos. Habitualmente los fans más puristas de AC/DC siempre te hablaban con cierto aire de autocomplacencia y un punto de prepotencia acerca de que su banda era la más grande, y la más honesta y auténtica del rock. La que no se vendía, la que no sacaba recopilatorios, la de que sus componentes no tenían tics de rockstar, etc... El anuncio de que el propietario de Guns N Roses, lanzado hace semanas como rumor y confirmado hoy por la banda australiana ha desatado las críticas más exacerbadas hacía AC/DC: Que si ya no son lo que eran. que si vaya final, que si se han vendido o algunos incluso en sus arrebatos han anunciado que van a quitarse los tatuajes del grupo. Para colmo de males los fans han tenido que aguantar hoy entre el bochorno, la rabia e incredulidad como su máximo icono, Angus Young, se subía al escenario del concierto que Guns N´Roses ofrecía en el (elitista) festival de Coachella y rendía pleitesía ante el trono de Axl Rose (desde luego la lesión en el pie no ha podido ser más oportuna a la hora de simbolizar semejante "capitulación")

Habrá muchos billetes en juego para que tal acontecimiento se haya dado en el mundo del rock (desde luego ni Angus lo necesita, ni Axl tampoco) pero el error de AC/DC es tan mayúsculo que parece increíble que hayan sido capaces de tirar por el sumidero esa mística comentada anteriormente. Desde este momento la gira de AC/DC ya no lo es, es la gira de AXL ROSE con la banda de acompañamiento de AC/DC. Axl es la principal figura de ese tour que comenzó como un sueño para millones de fans acedecianos y ha tornado en la más feroz de sus pesadillas al encontrarse al frente de su banda idolatrada a su máximo demonio, ya que Axl reúne todos componentes que han odiado desde siempre los fans más puristas de los australianos. Y sin embargo por más que se froten los ojos, que maldigan todo o que se borren los tatuajes Axl Rose es la figura de AC/DC desde ya. Angus hará sus numeritos e historias pero los focos principales globales van a estar puestos en todo momento en el cantante de Guns N´Roses: que cómo canta, que si le dicen algo los fans, que si monta alguna de las suyas, en definitiva una nueva muestra de la gran estrella de rock que es Axl Rose, como ha sido siempre desde que surgió su figura y alcanzó la megapopularidad con la banda angelina. Le pese a quien le pese.

Profética portada de la revista alternativa Spin que data de los años "perdidos" de Axl Rose pidiendo el regreso de la que sigue siendo la gran figura el rock.

Axl Rose es quien desde su posición, guste a quien guste y disguste a quien disguste sigue llevando por bandera la rebeldía e insolencia del rock luchando contra lo establecido o lo políticamente correcto...y siempre gana. Todo es posible para él y sigue siendo el gran y único protagonista por encima de cualquier otro artista o grupo por legendario que sea. Sólo él ha sido capaz de desechar una gira completa teloneando a los Rolling Stones argumentando que la banda de Mick Jagger vendía un tercio de discos que Guns. Sólo él ha sido capaz de maniobrar de tal manera para quedarse con los derechos de Guns N' Roses, dormitar a la gran banda contra todo pronóstico de sentido común y darse un gustazo de hacer gastar a la compañía casi 15 millones de dólares en la gestación de un disco que desde un primer momento él sabía que lo hacía para fastidiarlos. Y por supuesto sólo él fue capaz de generar la leyenda de Guns como la banda más peligrosa, o que devolvió ese componente perdido del rock con capítulos que llevaron a la locura de los fans de arrasar recintos como en Saint Louis o en Vancouver entre miles de anécdotas a cual más delirante y surrealista (por supuesto sólo él es capaz de ofrecer declaraciones esposado a la bajada del coche de policía que lo llevaba al juzgado). ¿Recordáis las famosas fechas que ofrecieron Metallica y Guns N´Roses cuando eran las bandas más grandes del planeta? ¿Quién fue el protagonista con sus megafiestas temáticas que organizaba en camerinos y sus salidas de tono? Obviamente Axl Rose. Muchos factores llevaron al éxito a Guns pero ninguno tan importante como la actitud y comportamiento de su cantante. Sin eso no hubieran alcanzado jamás ese estatus. No, no hay banda ni rockstar que le pueda llegar a la suela de la bota en ese sentido. Y eso también es rock n roll, pese a que no nos guste o nos neguemos a aceptarlo.

Y a sus cincuenta y tantos años ha bastado que haya decidido reclutar a sus filas a sus escuderos más famosos cuando a él le ha dado la gana, no cuando se lo pedíamos los demás (para hacerles pasar además el mal trago de tener que tocar sí o sí material de Chinese Democracy por si quedaba alguna duda de quién manda en esto) para ponerse de nuevo el mundo por bandera con solo unos pocos shows y su jugada maestra con AC/DC. ¿Alguién me puede decir de quién se ha hablado en estos conciertos de medio retorno de los Guns clásicos? obviamente de Axl Rose, Slash y Duff siguen en su papel de excelentes profesionales carismáticos sin más, excelentemente remunerados por supuesto. Pero todo el interés, toda la noticia, toda la atención ha vuelto a estar centrada en Axl Rose, que de nuevo ha puesto de manifiesto que el aura de rockstar no se compra ni se vende, se tiene. Y a su lado de paso ha dejado claro que no hay ninguno que pueda mirarle de igual a igual en ese sentido, y más después de la claudicación de Angus Young, y de paso poner de manifiesto el escaso carisma de la mayoría de iconos musicales de los 90 a esta parte (y pensad en quien queráis). En el mundo de la música nadie ha sido tan actualidad (obituarios aparte) en lo que llevamos de 2016 como Axl Rose. Nadie. Parece que hubieran vuelto aquellos primeros 90 cuando Guns N´Roses eran noticia casi diaria (o sea Axl).

Me tengo que descubrir ante Axl Rose una vez más (y me ha sacado de mis casillas mas e una vez) Tenía mis serias dudas de como sería este revival de Guns N´Roses al modo medio clásico si iba a tener el impacto que merecía su leyenda, y así lo escribí aquí hace unos meses. Sin embargo Axl ha demostrado que sigue siendo la fuente más fiable para seguir acaparando el foco principal y ser noticia global sí o sí. El retorno ha ocupado grandes espacios en informativos y medios de todo el planeta y el fichaje de Axl como cantante de AC/DC es la noticia del año o casi de la década. Las pistolas siguen estando cargadas y a partir de ahora electrificadas a alto voltaje. Nos esperan unos meses de lo más divertidos en el mundo del rock, y eso no sucedía desde hace muchos años. Cuando el rock está escribiendo sus últimos renglones a nivel masivo y cuando desde hace mucho perdió esa mística de "peligrosidad" ha regresado Axl Rose para recordarnos que todo es posible y sólo hace falta actitud, talento, carisma y atrevimiento.

¡Gracias Axl Rose!

Os dejo con unos vídeos del momentazo de Coachella, su retorno en Troubadour y recuerdo también algunas de sus anécdotas antiguas.

Incluir a Deep Purple..¡¡sin Ritchie Blackmore!! la guinda a un despropósito llamado RockNRoll Hall Of Fame

2016-04-09T21:48:00.002+02:00

Recuerdo que en tiempos no muy lejanos en el mundo de la música funcionaban una serie de códigos no escritos que más o menos eran respetados por casi todos los actores protagonistas y secundarios en pos de los nombres legendarios. Por ejemplo KISS jamás se hubieran atrevido a regresar al mundo de los maquillajes y sus trajes de guerra sin Ace y Peter, Van Halen hasta intentaron medio regresar a sus esencias a mitad de los 90 con su alineación clásica (nada de con el hijo de uno de sustituto) y desde luego nadie se hubiera atrevido a introducir en el llamado Rock N Roll Hall Of Fame sin la presencia de sus 3 protagonistas: Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton, si uno de los 3 hubiera fallado los responsables de esa institución no se habrían atrevido a introducirlos como dúo o con un añadido (salvo aquel gran error que cometieron introduciendo a Pink Floyd sin llevar a Roger Waters y Syd Barret, que así quedó de deslucida aquella inducción). Pero ah amigo, resulta que el siglo 21 ha reventado desde hace muchos años todos esos códigos no escritos y hoy en día no nos queda más remedio que acostumbrarnos a cualquier esperpento que hace varias décadas insisto hubiera sido impensable...e inaceptable por los fans. Así, hemos podido (sufrir) en lo que llevamos de siglo como KISS sin el menor pudor han decidido seguir adelante con dos impersonators supliendo los personajes de Ace y Peter (aunque en los 90 hubieran tenido los derechos de los personajes Simmons y Stanley no se hubieran atrevido a tanto), Eddie Van Halen tratar de poner a su hijo Wolfgang con las mismas botas de Michael Anthony, a Black Sabbath salir de giras de despedida sin pestañear tirando por la borda a Bill Ward, a Brian May y Roger Taylor devaluar progresivamente el nombre de Queen o a los propios AC/DC continuar su circo de alto voltaje con el sobrino de Malcolm Young (que se ve que no era nadie) demostrando que antes son los dólares o los euros que el propio respeto por sus leyendas. ¡¡Manda bemoles que los más coherentes en este sentido hayan sido los incorregibles Mötley Crüe!!

Por supuesto el Rock N Roll Hall Of Fame no ha sido ajeno a todas estas prostituciones de los nombres de las grandes bandas (a las que por cierto debería mimar pues su esencia debería ser introducir a los grupos legendarios del mundo del rock con todos sus componentes principales, lograr lo imposible en algunos casos y en otros corroborar fotos y actuaciones sin duda históricas). Pues bien como digo esas "licencias" que no debería cometer lamentablemente han sido más usuales en este siglo por parte de estos reconocimientos, donde tan sesudos estudiosos han demostrado ir a contrapié totalmente reaccionando tarde y mal cuando se decidieron dar cancha al punk con bandas como Ramones o The Clash cuyas inducciones se realizaron al año siguiente de que sus principales figuras (Joey Ramone y Joe Strummer) nos dejaran.

Deep Purple junto a David Coverdale, Glenn Hughes y Lars Ulrich en el escenario durante la inducción de la banda al Rock N Roll Hall Of Fame.

Y así con polémicas cada cierto tiempo ha llegado esta edición del RNR Hall Of Fame donde han decidido ir un paso más allá del esperpento, introduciendo a Deep Purple ¡¡sin estar presente Ritchie Blackmore!! Vamos a ver, los componentes pueden tener mil y una disputas, puede haber mil y una polémicas pero como institución tu obligación y responsabilidad es introducir a la banda con todos los protagonistas principales sobre el escenario aunque solo sea para que cada uno diga unas palabras.,,pero conseguirlo. Lo lógico es que también se marcaran aunque sólo fuera un tema. Y eso que tan brillantemente ha logrado conseguir esta institución en el pasado, haciendo ceremonias realmente atractivas, especiales e históricas este año han decidido tirar su esencia por la borda. Primero, introducir a Deep Purple en 2016 supone reconocer un grave error pues el malogrado Jon Lord ya no puede estar presente ¡¡y se fue con 69 años!! es decir has tenido muchos años para poder reconocer a la legendaria banda británica con Lord vivo y dejaste pasar la ocasión. Si los introduces tienes que preocuparte que al menos los componentes que continúan con nosotros de la formación clásica asistan, es decir me da igual con quien tengas polémica o entre ellos o que la tenga algún responsable de la institución con alguno de ellos, tu obligación es que suban todos. Eso tampoco se ha logrado dejando fuera nada menos que a uno de los mejores y más influyentes guitarristas de la historia, Ritchie Blackmore. Por supuesto creo que si estás leyendo este post sabes perfectamente el papel fundamental que desempeñó en la banda. Por tanto, gran fallo doble.
Tercero, si además de los componentes clásicos consigues que asistan encantados otros componentes destacados como son dos "mindundis" llamados David Coverdale y Glenn Hughes (que algo importante hicieron también con la banda) organiza el tema como quieras pero esos tipos tienen que actuar todos juntos en la ceremonia. Pues tampoco, es decir, llegas tarde porque ya se ido Jon Lord, no asiste Ritchie Blackmore, tienes una ocasión única aun de medio arreglar el desastre si al escenario se suben para actuar David Coverdale y Glenn Hughes junto a la formación de Deep Purple de los últimos años. Tampoco. Y os preguntaréis después de todos esos errores aún se puede hacer más el ridículo en la ceremonia como RNR Hall Of Fame? Por supuesto que la banda interprete "Smoke In The Water" (un riff universal e histórico que lleva nombre y apellidos Ritchie Blackmore) sin por supuesto contar con la presencia de su creador. Debió ser un momento histórico y no lo fue por más que queramos ser indulgentes. La introducción de Deep Purple en el Rock N Roll Hall Of Fame fue un auténtico fiasco como lo fue hace unos años la de Guns N Roses, ni más ni menos. A ver con que nos sorprende (para mal) esta institución el próximo año, minimizar más lo que debería ser una gran fiesta parece imposible, pero también lo parecía antes de esta edición. Aunque no hay que engañarse tampoco, como decía al principio estas ceremonias se están convirtiendo en el reflejo de la degradación que realizan los componentes de las grandes bandas a sus propios nombres legendarios. Y eso, es lo más triste. Eso y que la gente lo aplauda y pague dinerales por ello.

In the Skies: Manolo Tena

2016-04-04T12:37:00.001+02:00

París 1994. La casualidad ha querido que conociera unos días antes a María, una chica de Cartagena que como en mi caso también se encuentra con su clase de viaje de estudios en la capital francesa. Desde el primer momento que nos vimos en una cabina de teléfonos nos hemos caido demasiado bien, a pesar de que ella sea una fan total del Manolo Tena de "Sangre Española", la cancioncita que junto a la de "Tocar Madera" nos han estado bombardeando por todos lados desde su publicación y que no soportaba. En mi (equívoco) pensamiento adolescente Manolo Tena es un "traidor" al rock que se ha "vendido" al mainstream de manera descarada. Recordándolo hoy no puedo sino sonreírme pero así sentía las cosas entonces. A mi entender Manolo había dejado su vena contestaría de Cucharada abandonado sus principios en Alarma ( "no des un paso en falso, el éxito barato es un caro fracaso" que canta en el lado oscuro) para ser uno de los artistas del momento. Hoy obviamente pienso de manera muy diferente y mucho más sensata y al conocer la pérdida de Manolo Tena me ha venido a la mente aquel momento que quiero recordar con vosotros a modo de homenaje de este gran compositor que no tuvo toda la suerte que mereció y que caminó demasiado tiempo, lamentablemente, por el lado oscuro.

El caso es que tras conocer a María, nuestro curso nos habíamos desplazado hasta Bruselas y Amsterdam para regresar a París el viernes por la tarde. Ellos por su parte habían pasado toda la semana en la capital del Sena. Y quién sabe, porque los astros estaban de nuestra parte o bien porque María hubiera estado "tocando madera" (canción que nunca he soportado, siempre me he quedado con la que sacaron Panzer años antes) habíamos coincido de nuevo en un restaurante y no sólo eso sino que íbamos a dar un paseo nocturno por el Bateau Mouche (me empezaba a quedar claro porque a París la llamaban la capital del amor). Tanto María como yo sabíamos que era nuestro momento, al día siguiente su curso regresaba hacia España, así que teníamos que jugarnos "esta noche" a todo o nada, no había más opción. No se barajaba volver a vernos en algún momento en España.

"Tu amor" primer single de Alarma que incluía "Esta Noche" como cara B. no incluida en el lp

"Esta noche" de Alarma no hacía sino que bombardear mi mente una y otra vez. Es un tema no muy conocido que Manolo Tena había compuesto cual relación pasional dedicado a la marihuana (la verdad que era bastante resultón y obviando el motivo al que lo dedicaba que por otra parte nunca me ha gustado) Tras bajar de la romántica excursión (lamentablemente colectiva) por el Sena lo teníamos claro, teníamos demasiado "Fuego en la piel" como para irnos cada uno a nuestro hotel, íbamos a pasar la noche juntos como fuera, aunque nos supusiera la expulsión o una falta grave. Sabíamos que esa noche estaba diseñada para nosotros y no íbamos a dejar pasar la oportunidad, aunque nos tuviéramos que jugar el todo por el todo...como así hicimos. Y pese a tener todos elementos en contra (y con todos riesgos que conllevaba tal locura) salió bien, tal vez porque teníamos los astros a favor o porque Manolo Tena así lo quiso con dos fans tan dispares. Quién sabe, estoy convencido que si hubiera conocido esta anécdota seguro que le hubiera encantado ser el "responsable" indirecto de la misma. Quizá la hubiera resumido con un "Esta Noche Fuego en la piel en París", o quizá le hubiera dado pie para componer otro de sus temas notables.

Descanse en Paz este gran compositor que tanto con Cucharada, con Alarma o en solitario ha dejado una huella indeleble en el pop rock español.

"Sad Wings Of Destiny" ¡¡la primera obra maestra de Judas Priest cumple 40 años!!

2016-03-25T15:44:00.002+01:00

Adelantados a su tiempo y por supuesto a las propias "mentes" dirigentes de los destinos musicales Judas Priest definieron de manera magistral su esencia en su segundo disco ¡¡y de qué manera!! Ya desde su título y de su icónica y espectacular portada el plástico revela que estas ante uno de los mejores discos del metal. "SWOD" posee todos los elementos claves de Judas Priest a excepción de las tachas y la tipografía posterior del logo de su nombre que no de su símbolo. Aquí Rob Halford demuestra que su garganta está destinada a alcanzar el Olímpo de un género que ellos estaban renovando en parte y creando en otra, aquí se percibe como la dupla KK Downing-Glenn Tipton están llamados a pasar también a la historia como una de las mejores parejas de "hachas" y que este trío es capaz de gestar temazos impresionantes como "Deceiver", "Island Of Domination", "Genocide" o la propia "Victim Of Changes" que completaba una antigua pieza de su primer cantante Al Atkins. "Sad Wings Of Destiny" es por derecho propio una obra maestra, pese a todo lo comentado e incluso se llegara a alterar el orden de las canciones (la cara a debería ser la b y viceversa, vamos una chapuza descomunal) el disco brilla con luz propia y se ha ganado con el paso del tiempo el lugar que merece en los corazones de los fans de la banda y del metal. Y eso que su destino fue triste durante muchos años ya que sus autores perderían los derechos sobre este disco poco después si bien permitió a Judas Priest acceder a una multinacional CBS para desarrollar su carrera con mayor seguridad, promoción y estabilidad financiera.

La gestación de Sad Wings Of Destiny fue poco menos que recorrer uno de los infiernos de Danthe para la banda. Con un presupuesto más que escaso, en condiciones bastante precarias, con los componentes de la banda trabajando para poder subsistir ya que la discográfica les negaba el pan y la sal y con pocas horas disponibles de estudio desde luego el panorama era bastante sombrío como para esperar que pudiera aparecer un tremendo discazo, pero no hay que olvidar que estamos hablando de Judas Priest y con ellos como nos han demostrado en muchas ocasiones no hay imposibles que existan.

La primera gran actuación en la historia de Judas Priest tuvo lugar en agosto de 1975 en el festival de Reading. La banda "novel" no se amilanó ante nombres del calibre de UFO, Hawkind o Dr. Feelgood y dejó claro que si daba los pasos adecuados daría mucho que hablar durante los siguientes años.

Alentados por la notable repercusión que les había deparado su actuación en Reading unos meses antes donde habían tenido cabida temas en el repertorio como "Deceiver", "Victim Of Changes" o "Insland of Domination" estaban completamente convencidos de que en esta ocasión no cederían ante la negativa de la discográfica a incluirlas en el disco, como había sucedido en "Rocka Rolla" (máxime cuando habían seguido trabajando en ellas en sus directos) También tenían claro que estarían mucho más pendientes del proceso de gestación, producción, mezclas y arte gráfico del álbum ya que habían quedado tremendamente decepcionados con los resultados de su opera prima en todos aspectos. Por ello la banda a finales de 1975 se puso en las labores de producción junto a Jeffrey Calvert y Max West para estar lo más encima posible de todo el proceso, y por supuesto también el de la portada, el reclamo para los interesados en el disco. Nada de una insustancial y equívoca ilustración como la de su debut sino en consonancia con la dirección que tomaba el grupo, el camino del mismo, y que transmitiera el contenido de las propias canciones con un rápido vistazo. Para ello explicaron a John Pasche el director artístico lo que buscaban y éste les vino con la excelente ilustración de Patrick Woodroffe.

Anuncio del nuevo disco de Judas Priest y la correspondiente gira, en la foto se puede ver al "nuevo-viejo" componente de la banda, el batería Alan Moore que había regresado a Priest tras el abandono de John Hitch en septiembre de 1975

Las negociaciones con una discográfica Gull que no creía en ellos para la inclusión de las canciones que querían incluir fue más fructífera (si bien se quedaría fuera una primeriza versión de "Diamonds and Rust" de Joan Baez) en parte por mayor determinación del grupo y en parte, insisto, porque a la compañía le parecía que su apuesta por Judas Priest había resultado fallida. La publicación del disco se demoraría al inicio de la primavera de 1976, concretamente al 23 de marzo y el disco traería una desagradable sorpresa ¡¡el orden de las canciones se había alterado y la cara b contenía las canciones que debería haber escuchado el oyente en primer lugar!! Como estamos hablando de un discazo donde todas y cada una de las canciones brillan con luz propia ese error se subsana en parte en la escucha pero desde luego vaya "crack" el que tomó esa decisión (si hay un tema en una cara que se titula "Prelude" a lo mejor, a lo mejor y valga la ironía estamos hablando del inicio del disco, digo yo, en fin).

En un feo gesto a comienzos de los años 80 al rebufo de la gran popularidad que vivía entonces Judas Priest, Gull trató de sacar tajada con el doble recopilatorio "Hero, Hero" que incluía "Sad Wings Of Destiny" casi entero junto a "Rocka Rolla".

Sea como fuere, lo escuchéis como lo escuchéis os habrá encantado y os encantará si no lo conocéis y amáis el Heavy o a Judas Priest. Desde la intro de piano de Glenn Tipton al piano en "Prelude" hasta el trepidante y excelso final con "Deciever" (si lo escuchamos en el orden lógico) si es con el que marca el disco, ni os digo lo que es comenzar con el clasicazo "Victim Of Changes" (una de mis canciones preferidas de Priest) y terminarlo con la maravilla de "Island Of Domination". "Tyrant", "Genocide", "The Ripper" temazos que se van sucediendo para gozo del oyente que nos muestra a unos Judas Priest irreverentes, talentosos y sabedores que ese es el camino que les llevara a la ansiada gloria, tiempo más tarde y que les permitirá reinventar el propio género del Heavy y proclamarse como sumos sacerdotes metaleros del mismo. El impacto del disco en su día fue bastante modesto si bien les permitió ampliar fronteras en cuanto a potenciales fans ya que tuvo cierta repercusión en Estados Unidos, Japón y Europa. La semilla estaba sembrada solo faltaba que pudieran dar su música a conocer en todos los lugares posibles con mayor creencia en su fe por parte de una discográfica y poder actuar fuera de las islas, todo ello sería posible gracias a "Sad Wings Of Destiny" que no pasó desapercibido para la multinacional CBS que a partir de entonces los acogió bajo su protección, les permitió centrarse en la música y seguir desarrollando su carrera (y su leyenda que estaba a punto de comenzar). Judas Priest desarrollarían más su estilo a partir de entonces, experimentarían y darían interesantes giros, gestando nuevas obras maestras y nuevos himnos si bien toda la esencia la habían dejado ya plasmada en el espectacular "Sad Wings Of Destiny", sólo hay que descubrirlo o disfrutarlo de nuevo, una vez más. De hecho ellos jamás lo han olvidado recurriendo a varios de sus temazos en sus giras desde entonces a pesar de que tuvieron que renunciar a los derechos del disco cuando firmaron con CBS. Y es que cuando una obra maestra sale a la luz por malos que fueran los hados que tuvo durante su gestación y haya tenido todas las papeletas para caer en el olvido o en la vulgaridad por el maltrato al que lo sometió la propietaria de sus derechos con absurdas y compilaciones desnaturalizadoras, la historia, la propia banda, las bandas a las que ha influenciado y los fans han acabado otorgándole el lugar que merecía: el disco que redefinió el heavy metal a mitad de los 70, ahí es nada. Y estando cada día más presente en el acervo del género ¡Feliz 40 aniversario!

¡Quinto aniversario de Mr.Thunderstruck!

2016-03-15T12:03:00.003+01:00

Cinco años han pasado ya desde que a mediados de marzo de 2011 comenzó a andar esta bitácora. Por momentos asusta pensar lo rápido que ha pasado el tiempo en este último lustro y lo que han cambiado las cosas en muchos de nuestros aspectos de la vida...y también de la música. Porque desde luego 2016 nos dibuja un panorama nuevo respecto a la música, no en términos generales pero sí desde luego respecto a que muchos aspectos relacionadas con la misma ya no son igual que antes. El primero por supuesto, el capítulo de pérdidas resulta muy llamativo la marcha de ídolos y no tan ídolos que se han producido en estos años, una lista que lamentablemente seguirá aumentando aunque esperamos que tarde mucho en suceder. También en el capítulo de salas y tiendas más o menos tradicionales de discos que han tenido que echar la persiana por diferentes circunstancias (curioso cuando se dice que hay un auge del vinilo). También y por qué no decirlo hemos visto como algunas bandas legendarias en su afán por seguir con la maquinaria activa, cuando la edad y las condiciones físicas desaconsejaban a ello han sufrido achaques más que evidentes y sustitución de componentes legendarios por impersonators para que la caja siga recaudando.

Y en ese afán por el (vil) metal estamos a punto de presenciar lo que parecía imposible, el retorno de Slash y Axl juntos o la salida del castillo de Ritchie Blackmore para volver a desempolvar en los escenarios los antiguos himnos de Deep Purple y Rainbow junto a una solvente y desconocida banda de acompañamiento. Es el signo de los tiempos, antes las reuniones lo eran en plenitud con todos o al menos los componentes vivos juntos en escena, en los últimos años ya ha quedado claro que no es así que una vieja gloria con carisma o dos son suficientes para poner a andar la maquinaria recaudatoria vendiendo a precio de oro la nostalgia de un tiempo que ya no existe, ni volverá.

Nunca sospechamos que AC/DC pudieran seguir adelante sin Malcolm Young y sin embargo terminó sucediendo.

He empezado por la parte negativa este repaso de estos cinco años pero sería injusto centrarlos sólo en ellos porque también ha habido cosas buenas. Como por ejemplo y ya que hablamos de viejas glorias citar a honrosas excepciones, ahí tenemos al Boss más poderoso cada año que pasa sobre los escenarios ofreciendo auténticas exhibiciones en sus directos o en nuestro terreno al Drogas cuya figura y obra ha ido en sorprendente y feliz incremento tanto en sus directos como en estudio. Nada de malvivir o de mostrarse agotado tras terminar con (y) Barricada. Eso en lo referente a los nombres clásicos que por desgracia siguen copando mayoritariamente los grandes espacios de los llamados medios generalistas rockeros o las publicaciones impresas (con alguna honrosa excepción) y así se enseña lo que se enseña a la gente, que desconoce las muchas e interesantes bandas que han surgido en este período tanto dentro de España como fuera y que merecen desde luego atención y apoyo.

¡La esperanza! Tobbias Sammet al frente de la exitosa gira de Avantasia, con numerosos artistas invitados, que sigue llenando sala tras sala allá donde actúa...¡¡hasta en España!!

Porque en estos cinco años, donde he traído hasta esta página de manera más o menos habitual (dependiendo como todo en la vida del tiempo necesario para ello) todas esas noticias, críticas de discos (de bandas nuevas y clásicas) críticas de conciertos, anécdotas y demás ingredientes relacionados con la música y mi manera de vivirla creo que ha quedado claro que en España, y en general, pero en España es más imprescindible que nunca un cambio de chip, una actualización más que necesaria dentro de los aficionados del mundo del rock (tanto en medios generalistas como no, en los bares, programaciones de festivales y sobre todo en cada uno de nosotros). Están muy bien los grandes nombres y todo eso pero tenemos que ser conscientes de que ellos tuvieron su época dorada, dejan un legado impresionante...pero el presente lo marcan otras bandas con menos recorrido e impacto que ellos y merecen nuestra atención, porque como en todas épocas y a pesar de todas las dificultades que tienen los grupos por hacerse un nombre las hay excelentes, muy buenas, buenas, regulares, malas y muy malas como las ha habido siempre. Lo que no es de recibo es que vivamos el rock al uso acomodado de la sociedad. Soy de los que me niego a pensar que el rock ha acabado consumido contra aquello a lo que ha combatido siempre. No puede ser que los himnos que nos han marcado terminen como fondo de anuncios o de ascensor, camisetas en los grandes almacenes o pagar a precio vip sus conciertos como si fuéramos a asistir a cualquier espectáculo "insípido" de fin de semana que nos vende la sociedad, donde la emoción hace tiempo que se marchó. Que sea igual de emocionante ir a comprar al IKEA un sábado por la tarde que pagar lo que uno no tiene por ver una gira de viejas glorias insustancial, "tragando" con los abusivos precios además en bebidas, comidas, mala distribución e insuficientes servicios públicos, etc... es algo que uno no acaba de entender como eso es aceptado.

El colmo de la desvergüenza, Adam Lambert coronado durante un concierto de lo que se sigue haciendo llamar Queen.

Y sí, el rock y su esencia sigue estando presente en su mayor parte en salas, con esos conciertos donde grupos con hambre, talento y actitud por comerse el mundo siguen dejándose la piel ante poco más de 50 personas si las juntan o con suerte más de un centenar. También por supuesto ante esas bandas de impacto medio que arrastran a un mayor número a base de haberse bregado con tesón y durante años en las salas o bien aquellos regresos donde se preocupan de ofrecer conciertos enérgicos demostrando estar a la altura de su leyenda. Sé que en este artículo debería haberme centrado más en el trabajo de esta bitácora pero creo que habla por sí mismo, gracias por estar ahí, por vuestra fidelidad y por seguir haciéndolo crecer año a año. Para mí es un honor que los contenidos os resulten atractivos e interesantes, señal de que se las cosas (aunque sean mejorables) se hacen bien y por vosotros sigo en esto, aunque tenga menos tiempo en los últimos meses. Considero que celebrar el quinto aniversario era el momento de echar un vistazo a lo que éramos hace 5 años y lo que somos, ojalá en el décimo aniversario de Mr.Thunderstruck (espero llegar) pueda escribir que el mundo del rock por fin se actualiza, no vive mirando sólo al pasado o a los clásicos sino que ha revitalizado una escena más que necesaria en los tiempos actuales. Los pequeños promotores, las salas (nuevas incluso), las bandas están ahí luchando contra viento y marea para que sea posible, también muchas webs, radios y blogs humildes dando a conocer lo que se está cociendo cada mes en vuestras ciudades y otras. No lo dejemos caer en saco rato, porque si no se acabarán los clásicos como ya se nos han acabado algunos y estaremos sin grupos clásicos ni nuevos porque con nuestra desidia se habrán convertido en un erial las ciudades, sin programación rockera porque la gente no ha respondido. Esta bien mirar al pasado (y es positivo hacerlo en su justa medida) pero el rock hay que vivirlo en el presente, eso es lo fundamental y debemos tenerlo claro. Tenemos que vivir el rock en 2016, no en 2011 o como si estuviéramos en 1985 o 1979. Gracias por estar ahí.

In The Skies: Keith Emerson

2016-03-13T13:35:00.003+01:00

La trágica pérdida del teclista Keith Emerson, nombre sagrado de la música que no creo que necesite presentación, pero por si alguien no sabe acerca de él para que se sitúe pronto sobre la magnitud de este genio voy a dar dos rápidos apuntes; 1ºEste extraordinario teclista fue el impulsor y compositor del mítico trío de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer que sólo en los 70 vendieron la friolera de 30 millones de discos y que ha sido considerado desde siempre como el "Jimi Hendrix de los teclados". Con eso querido lector creo que es suficiente para comprender la enormidad de este icono que acabamos de perder, en extrañas circunstancias a los 71 años. Me sumo a las peticiones de la familia y desde aquí quiero pedir que dejemos que la policía trabaje en el suceso yel resto nos dediquemos a recordar la extraordinaria obra de Keith Emerson. En mi caso voy a recordar en este post como descubrí a este genio y como llegué a poder disfrutar de su excelso directo junto a sus célebres compañeros de "armas" musicales, Greg Lake y Carl Palmer.

En 1992 el mundo se fijo en España, la cultura y los deportes pusieron su foco en la península ibérica con dos acontecimientos singulares, los exitosos Juegos Olímpicos de Barcelona (cuyo himno oficial corría a cargo nada menos que del entonces recientemente desaparecido Freddie Mercury) y la "ruinosa" Expo de Sevilla que concitaron la presencia de las primeras figuras a nivel mundial deportivas y una buena parte de las musicales en un mismo año. Sí, definitivamente la democracia se había asentado y España se presentó como un país al mundo moderno y actualizado, que podía organizar grandes citas y converger todas esas estrellas por estos lares con cierta normalidad, sin quedarnos fuera de los circuitos (ahí estaba por ejemplo ese inolvidable concierto de la banda entonces del momento, Guns N´Roses en Sevilla junto a unos escuderos con ganas de comerse el mundo como Soundgarden y Faith No More (por entonces bastante desconocidos por aquí). Al rebufo de estos dos grandes acontecimientos otras ciudades también se pusieron las pilas a la hora de traer figuras de relumbrón para ofrecer esa imagen internacional de modernidad (no hay que olvidar que Dire Straits se despedían en Zaragoza o que Stevie Wonder actuaba en Valencia) y de estar al día que requerían los tiempos, entre ellas Madrid que había sido nombrada Capital Europa de la Cultura. En otoño, en plena "resaca" de los Juegos Olímpicos y de una Expo que tocaba a su fin cogió el testigo para de una manera menos pomposa de seguir dando lustre a esa imagen de puesta al día que se quería vender de España. Y hete aquí que entre los nombres que pusieron música a esa estación sobresalía la reunión de los llamados creadores principales del rock progresivo, ELP, Emerson, Lake & Palmer.

Por entonces ese nombre era sagrado de los treintañeros para arriba que les gustaba el rock pero desde luego no eran nada adictivo para adolescentes como era mi caso, siempre más ávido de la inmediatez y rebeldía del hard rock o de los himnos más festivos que de la complejidad, el virtuosismo y los desarrollos de este género del que me gustaban Pink Floyd o Yes pero sin profundizar en demasía en su obra, algo que haría años después gracias al enganche de EL&P. Sin embargo el destino jugaría de manera inesperada y casual, dejándome uno de esos regalos que todavía se valoran más con el paso del tiempo. Un compañero de clase me había dejado un cassette de un grupo a finales del año 91 que le encantaba a su hermano mayor y que a él habían comenzado a seducirle. A mi me en principio me extraño pues veía esta música para "adultos", una edad que a nosotros todavía nos quedaba bastante lejana, en el milenio que estaba por llegar. Con la mosca detrás de la oreja me dispuse a escuchar esa cinta de progresivo que había cautivado a mi compi de pupitre. Se trataban de EL&P y contenía nada menos que el disco "Brain, Salad, Surgery" palabras mayores que yo era incapaz de descifrar por entonces hasta que sonó en casa. Me encantó y no sólo eso sino que enseguida entendí que suponían un perfecto complemento a las bandas que escuchaba habitualmente hasta entonces: Guns N´Roses, Iron Maiden, Led Zeppelin, Helloween, Metallica, Queen, Mötley Crüe, Barricada, Barón Rojo, Héroes del Silencio, Tako, Niagara, Muro, etc.,. Y no sólo eso sino que tenía la sensación que estos hermanos mayores casi de todos ellos parecía que tenían cierto parentesco, es decir procedían de una misma familia aunque hablarán dialectos diferentes). Es más, de hecho es que veía influencias de estos "hermanos mayores" en algunas de esas bandas que escuchaba de manera habitual.

Años de gloria...

Pronto temas como "Jerusalem", la dulce "Still You Turn Me On" o la impresionante "Karn Evil 9" se hicieron familiares. Y de ahí pronto pasaríamos a reclamar más discos de ELP al hermano mayor de mi amigo, que sea todo dicho era un apasionado de la banda...y llegaron esos tesoros preciados en forma de cassette grabada con el nombre "Tarkus", "Trilogy" o "Emerson, Lake & Palmer" ¿y este disco cuál es? recuerdo que le pregunté a mi amigo, ante su carcajada natural como respuesta. Y de repente en todo ese proceso llegó una noticia inesperada por nosotros, los tres maestros se habían vuelto a reunir...y sentí un escalofrío de emoción al enterarme eso solo podían significar buenas noticias, de hecho ¡Pareciera que lo estuvieran haciendo por nosotros! dentro de esa fantasía tan sana que se tiene en la época de adolescente, pero leñe, que se estaban alineando los astros. Al inicio del curso siguiente, el 92-93 me llegarían más sorpresas inesperadas. Era una época tan espectacular para un adolescente, no sólo estaba cautivado por el rock, el hard rock, el heavy metal o el punk, sino que a la ola del grunge que lo estaba inundando todo a nivel general, a nivel particular estaba también introduciéndome en el progresivo ¡¡y todo tenía sentido!!

¡¡Y el retorno se produjo en 1992!!

Al comenzar el curso siguiente, el 92-93, mi amigo me entregó contrariado una nueva cinta ¡era el nuevo disco de Emerson, Lake & Palmer que se había publicado ese verano! Sin embargo al ver su cara algo no me convencía, "a ver que te parece a mi no me gusta tanto como los otros" me dijo "y a mi hermano tampoco, aunque me dice que tenga paciencia que acaban de volver y es normal que la chispa no haya regresado en su plenitud". No podía ser que los maestros fallasen. Al escucharlo en casa, mezcla entre emoción por actualizarme con la nueva obra de EL&P y de temor por si se cumplían los augurios de mi amigo no tuve más remedio que rendirme a la evidencia, a pesar de que no dejaba de ser un advenedizo en el universo de estos iconos del rock progresivo. "Black Moon" tenía momentos chulos pero estaba claro que algo se había perdido por el camino en todos estos años de separación. No es que fuera un mal disco en sí pero no enganchaba. Y si un disco no engancha, mal. Así que con esa mezcla agridulce pero confiando que sólo fuera un paso poco acertado, de repente llegó la gran sorpresa ¡¡Emerson, Lake & Palmer venían a España a últimos de octubre!! y no sólo eso, sino que los ¡¡íbamos a ver!! Parecía increíble.

Keith Emerson deja los teclados para dirigirse al público

El hermano de mi amigo, sabedor de nuestra admiración por el grupo, había decidido invitarnos a disfrutar del espectáculo que ofrecerían en Madrid. "Lo que vais a vivir es único" me dijo mientras nos dirigíamos a Madrid aquel ya lejano sábado de finales de octubre de aquel 1992 "ojalá sigan muchos años juntos pero me temo que no va a ser así y no creo que volvamos a disfrutar de álbumes a la altura de los primeros porque hablamos de otra época, contexto y edad diferentes" (hablaba claro la voz de la experiencia, aunque por entonces no compartía esas afirmaciones) y tras ese poso de cierto pesimismo y viendo nuestras caras nos devolvió la esperanza "no os preocupéis lo importante es que vamos a verlos en directo y seguro que ahí no han perdido ni un ápice de su magia" (¡Y volvía a tener razón! en esta ocasión para nuestro disfrute) Al acceder a la carpa donde se celebraba el concierto sentí ese escalofrío de emoción, fue la primera vez, que me suele suceder habitualmente al ver a un grupo legendario, con toda la parafernalia dispuesta sobre las tablas a la espera de la salida de Emerson, Lake & Palmer. Y cuando las luces se apagaron y nuestros héroes del progresivo hicieron su aparición en escena, volví a tener esa sensación de sobrecogimiento, ahí estaban Greg Lake en la parte central con su bajo y microfono, Carl Palmer a la derecha con su espectacular set de batería para dar seis o siete masterclass seguidas en un solo concierto y...Keith Emerson serio en apariencia con todo su arsenal de piano, teclados y demás artilugios para impulsar y cohesionar toda la actuación. ¡¡Hablamos de un supergrupo de rock que no utilizaba guitarras (salvo en algún momento puntual) y que era capaz de fusionar el rock, la música clásica y el jazz de una manera tan natural como sorprendente!! "Tarkus", "Lucky Man", "Jerusalem", "Karn Evil 9", etc... pareciera como si nos estuvieran dedicando el concierto a nosotros, a ese par de recién llegados a su universo. Su mirada en el repertorio a los clásicos fue holgada y recuerdo que por momentos me quedaba embobado comprobando como 3 músicos solamente eran capaces de ofrecer semejante descarga y hechizar por completo a todos los presentes.

Greg Lake voz y bajo de ELP

Que esa era otra, no éramos los únicos adolescentes, había padres con hijos, hermanos mayores que habían llevado a sus hermanos, tíos con sobrinos, EL&P era un concierto para "adultos" pero como en una especie de ritual colectivo pareciera como si los fans clásicos del grupo hubieran decidido de manera simultánea transmitir esa enseñanza a sus familiares más jóvenes, que fuéramos también testigos del fenómeno que se estaba produciendo. Y desde luego mi agradecimiento siempre será eterno tanto a mi amigo como a su hermano mayor de haberme llevado a disfrutar de esa experiencia. Porque si nosotros estábamos como embobados superados un tanto por todo aquello, el hermano e mi amigo se emocionó durante la actuación ¡¡y no fue el único!! Después comprendí el por qué; llevaba años siguiendo al grupo, eran sus ídolos como les sucedía a buena parte de los presentes y no sólo había cumplido su sueño sino que con su actuación, Emerson, Lake & Palmer le había llegado a tocar el alma. Para mí que estaba acostumbrado a los conciertos enérgicos donde las bandas prendían los recintos y las emociones a flor de piel con sus himnos contestatarios o fiesteros más directos, que un grupo fuera capaz de producir esas emociones con una música más elaborada, pausada y artística fue toda una revelación, la clave no estaba en acelerar, distorsionar o subir más o menos el volumen estaba en mostrar tu esencia y talento sobre las tablas, y a fe que Emerson, Lake & Palmer representaban un coctail muy especial, una de esas formaciones únicas que ha dado la música y se transmite desde los escenarios.

Carl Palmer virtuosismo y eficacia en estado puro

Hasta los temas que interpretaron de su nuevo "Black Moon" sabían a gloria, imposible olvidar la poderosa marcha del ballet "Romeo and Juliet" del compositor ruso Sergéi Prokófiev. Sí, definitivamente los maestros habían regresado a la altura de su leyenda, como había vaticinado el hermano de mi amigo. A la salida y con una sonrisa de oreja a oreja por parte de todos los presentes, y todavía no asimilando en su plenitud lo que había acabado de presenciar un pensamiento apareció de sopetón, el rock no sólo era contestatario, festivo o unidireccional. Para generar obras de arte había que huir de estúpidos tópicos y cerrazones y abrirse a la música en su conocimiento pleno, sin importar de estilos, sólo así sería capaz de llegar a entenderla y disfrutarla en su plenitud. Gracias Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer por ofrecerme una de las lecciones más importantes que me ha dado la música en mi vida.
Y esa fue mi experiencia con ELP. Seguí sus pasos con menor o mayor asiduidad, sus problemas de salud, los de Emerson que vendrían poco después, su gira con Jethro Tull y separación posterior y viví con particular emoción su actuación en el High Voltage Festival como el colofón a su leyenda, hoy ya sabemos que sí y sobre todo con la esperanza de que como nosotros en aquel lejano concierto de Madrid hace más de 20 años, los adolescentes de ahora pudieran captar todas esas enseñanzas de los maestros en su última gran lección como la leyenda que son y además estando todavía a la altura de la misma.

Descanse en Paz, Keith Emerson.

Los 10 del 15 (del 5 al 1)

2016-02-20T15:48:00.003+01:00

Ahora que ya nos hemos acostumbrado al 2016, que ya no deseamos feliz año y que incluso hasta cuando toca escribirlo ya plasmamos 16 directamente sin irnos al 15 por costumbre es ya momento de echar un vistazo al año anterior que sentimos ya como pasado y completar la lista de los mejores conciertos a los que asistí en 2015. Como bien sabéis hace más de un mes ofrecí la primera parte de los 10 mejores, del puesto décimo al sexto, en los que por cierto y para alegría creo que de todos había mucha sangre nueva en esa lista (a ver cuándo los festivales se deciden a dar paso o poner un cupo por cierto en sus carteles y con horarios más que decentes para las buenas bandas nuevas de aquí y de fuera por cierto, de esa forma se darán más a conocer e íncluso a medio plazo beneficiará a estos propios eventos). En este caso y como podréis leer a continuación, también esa tendencia está presente en esta parte de la lista junto por supuesto clásicos en forma.

5º Soen, Sala López, Zaragoza

Fotos: Tere Sahún

El metal progresivo más vanguardista recaló en las pasadas fiestas del Pilar de Zaragoza y otras zonas de la península para insuflar de presente musical una programación inflada en exceso hacia la nostalgia o lo mil veces trillado. Y fueron nada menos que los suecos Soen los que se encargaron de brindar una velada que quedará en la retina y el oído de los presentes por mucho tiempo. Martín López, Joel Ekelöf y sus huestes brindaron una actuación más que notable repasando sobradamente sus dos discos "Tellurian" y "Cognitive" y brindando momentos más que especiales comos sucedió en "Canvas" o "Savia". Tan sólo el sonido no adecuadondel principio empañó un poco una actuación histórica, que dejó a los presentes con una gran sonrisa en sus rostros y que se valorará más con el tiempo. No me cabe duda que en unos años muchos deseosos de verlos que en octubre perdieron la ocasión dirán "¿Pero estuvo Soen en Zaragoza?" Son las consecuencias de vivir en una sociedad y unos medios especializados generalistas que alientan a la gente en sus grandes espacios a que disfrute de la música siempre en pasado y solo de los clásicos. This is Spain.

4º U.D.O. Sala Oasis, Zaragoza

La voz de Accept siempre al pie del cañón regresó a Zaragoza 22 años después, esta vez sin su banda madre, para demostrar por qué es un símbolo tan carismático del metal. A diferencia de sus excompañeros Udo nunca se ha tomado un descanso en su trayectoria y fiel a sus principios le ha servido a los fans de manera habitual discos y giras, hasta en los peores tiempos de popularidad de este genero (como hicieron por cierto otros iconos como Doro o los malogrados Dio o Lemmy) y eso debería tener un plus siempre de reconocimiento. Por tanto sabe precisamente qué es lo que tiene que ofrecer a los fans y sus directos siempre son garantía segura de entretenimiento y de saber que vas a recibir lo que precisamente esperas de él. Y eso es lo que sucedió en Zaragoza precisamente. Con una banda renovada, con mucha savia nueva y sobradamente preparados el huraño vocalista (siempre en guerra) desgranó distintos cañonazos de su dilatada (y más recomendable de lo que parece) discografía, así como zambombazos de su última obra y por supuesto algunos clásicos de Accept para certificar una victoria segura. Y sí, aunque en buena forma el vocalista está un par de peldaños por debajo actualmente de Accept en directo y en estudio, pero ¿qué queréis que os diga? bienvenido sea este duelo porque salimos todos beneficiados.

3º LizZard, Sala López, Zaragoza

El concierto de Soen nos deparó una de las mejores sorpresas del año. Como antesala a su actuación los franceses LizZard. Un power trío deudor de rock metal progresivo que supo sorprender y cautivar a los presentes ¡y de qué manera! Con su actitud escénica, técnica y temas del calibre como "Vigilent", "The Orbiter" o una descomunal "Loose Ends" Mathieu Ricou y los suyos se metieron al público en el bolsillo (seguro que esa tarde noche consiguieron unos cuantos fans) y se ganaron este lugar en el tercer cajón del podium. Si siguen ofreciendo actuaciones de este nivel y gestando canciones tan sólidas darán que hablar seguro. Y vuelvo a insistir, hay que mirar la agenda de conciertos no sólo de los grupos clásicos o de siempre sino también de los nuevos, que nos pueden dar muchas alegrías como es el caso de LizZard.

2º Lordi, Centro Cívico Delicias, Zaragoza

Siempre cuestionados por su propuesta, hasta desde dentro del ámbito metalero, Lordi han sido catalogados como una banda caricaturesca donde su música parece no importar en absoluto. Mientras los críticos se devanan los sesos en vertir mil y un defectos sobre este grupo, los fans cada vez mas numerosos simplemente disfrutan de sus actuaciones cada vez más numerosas por cierto, sólidas y tremendamente entretenidas (que es de lo que se trata). No olvidemos que ya llevan sus años de carretera, manta y metamorfosis de piel como de se boom y resaca eurovisiva. Actualmente Lordi son una banda capaz de poner en pie cualquier reciento que se precie y tenerlo hechizado con sus canciones y numeritos escénicos (que no son escasos) durante toda su actuación, y eso no lo consigue cualquiera. Así fue su actuación en Zaragoza otorgándonos un buen rato de desconexión, metal y diversión musical y visual en una tarde noche lluviosa. Y nos convencieron tanto a las generaciones más jovenes que los han captado de lleno y que lo disfrutaron liberando todas sus emociones como a los que somos mas veteranos y sabemos reconocerles su valor. Obviamente siempre me quedaré con KISS o Alice Cooper en este sentido, pero desde luego Lordi lo hacen realmente bien y eso es lo que importa. Que merece la pena acercarse a verlos.

1º W.A.S.P., Teatro de las Esquinas, Zaragoza

Y el galardón de mejor concierto de este pasado 2015 recae nada mas y nada menos que en Blackie Lawless y sus "nuevos" W.A.S.P. El retorno tanto en estudio como en directo no ha podido resultar más satisfactoria. Blackie se ha sacado de la manga (tras dedicarle mucho trabajo en estos años) uno de los grandes discos de su carrera con "Golgotha" donde no sólo ha confirmado el crescendo que había iniciado en los últimos años sino que factura temas como "Last Runaway", "Miss You" o el que da título al disco que ya han pasado a formar parte del cancionero más destacado de W.A.S.P. que no es decir poco. Por supuesto la gira de presentación estuvo la altura, si bien claro el estado físico de Blackie es el que ya es, y que se dejara en el tintero en su estreno de gira española el himno "Chainsaw Charlie" (con el que hubiera completado la hora y media de actuación) no fue óbice, salvo para aquellos que sólo miran el reloj en un concierto, para qué disfrutáramos de una velada memorable en un repleto Teatro de las Esquinas zaragozano. Ambiente de gala, y una banda a la altura de la ocasión mostrando a estos rejuvenecidos WASP (salvo, obvio Blackie) brindando un concierto intenso y soberbio a partes iguales, con los clásicos de siempre de la banda más los temas de este último disco y algún otro que encajan a la perfección y mantienen no sólo el nivel, sino que por momentos brillan tanto como ellos. Personalmente me quedo con "Golgotha" la maravilla de tema título que hemos podido disfrutar en esta gira y que sin duda resulta tremendamente especial tanto por su contenido como por esos maravillosos solos de guitarra finales. Y así pongo punto y final a los directos de 2015, ahora toca disfrutar de los del presente año y comprobar cuáles se ganaran un lugar en la lista de los mejores de 2016. ¿Quiénes sucederán a W.A.S.P.? Afortunadamente tenemos muchos conciertos a la vista o que ya han pasado, como los de Bryan Adams o Winery Dogs, así que Feliz 2016 de grandes conciertos, tanto en estadios como en festivales, pabellones, teatros y salas. Y como habéis podido comprobar he realizado pocos desplazamientos este año a otros lugares, pero ello no ha quitado para que en cualquier ciudad se puedan vivir buenos conciertos y como es el caso hasta conformar una lista como esta, teniendo que descartar
¡A disfrutar de la música en directo!

Guns N´Roses ¿Reunión de Rosas o de Pólvora Mojada?

2016-02-07T13:31:00.001+01:00

Una de las reuniones más esperadas del rock está a punto de tomar forma "mortal", concretamente será en abril cuando Axl-Slash-Duff se vuelvan a subir juntos a los escenarios para recrear esos maravillosos himnos de finales de los 80 y principios de los 90 con los que nos "volaron" la cabeza entonces y se convirtieron en mayúsculas en una de las BANDAS del momento y más importantes que ha dado el rock. A la hora de escribir este artículo están confirmados 5 conciertos, dos de ellos en Las Vegas (8 y 9) en el Festival Coachella, en Indio (California) el 16 y el 23 y en Ciudad de México el 19 de abril. Por supuesto las noticias y los rumores siguen encaminados hacia que habrá más concierto y una, se supone, extensa gira por todo el planeta si estos shows funcionan bien y si la demanda es la adecuada para ver en activo a la última mítica banda de rock. Si bien insisto que este último punto no está confirmado oficialmente por lo que hay que valorarlo con todas las cautelas posibles. Sin embargo creo que ya tenemos elementos más que suficientes para valorar lo que nos vamos a encontrar en el que filias y fobia aparte va a ser uno de los acontecimientos principales del rock en la presente década, y particularmente lo voy a detallar en 5 puntos:

1. No es una reunión al uso de toda la formación original (salvo momentos puntuales, según rumores sin confirmar)

Creo que a estas alturas todo el mundo al que le interesa esta reunión está ya al corriente de que el anunciado retorno de los Guns clásicos no traen de vuelta a la integridad de su formación sino oficialmente sólo incluye a 3 de los 5 componentes que parieron el legendario "Appetite For Destruction" (como fan uno desea un retorno completo como en su día supieron hacer KISS, Aerosmith o los Eagles, por ejemplo). Lo aclaro porque he visto con espanto en algunos medios españoles, se supone que "especializados" en vez de informar han desinformado y están levantado expectativas irreales. Tampoco desde el entorno de la banda se ha explicado que lo retoman donde lo dejaron hace más de 20 años, es decir con los componentes clásicos que quedaban al final de la gira de los Illusion (mira que era fácil anunciarlo eh?). Por el momento tanto Izzy Stradlin como Steven Adler se han quedado fuera de la reunión de manera oficial, si bien algunas noticias y rumores mantienen que se está negociando para que ambos aparecieran en momentos puntuales en algunos conciertos. Espero que se pudiera confirmar este punto ya que entonces sí que hablaríamos de una reunión en toda regla, (ojalá lo anunciara a última hora la banda antes de comenzar el retorno). Pero aunque ello llegue hay que tener en cuenta que ni estamos en 1987 sino en 2016 y que por lo tanto han pasado casi 30 años para cada uno de ellos,para cada uno de nosotros y que el panorama musical es totalmente diferente ahora a entonces, así como la mayoría de las sociedades. Este punto de que no sea un retorno con la formación completa resta bastante a la reunión, la verdad, salvo que se confirmen esos rumores y puedan disfrutarlo los pocos privilegiados que puedan ver juntos de nuevo a este quinteto ya legendario e indisoluble para los corazones de los fans (mal que le pese a Axl).

2. Iniciar el retorno en Las Vegas es antónimo de una banda de rock.

Que Guns N´Roses, perdón Axl-Duff-Slash se reúnen por la pasta es tan obvio como que es el motivo principal de todas reuniones de bandas legendarias que se producen. Eso es de cajón y totalmente licito, por cierto y el que no lo quiera ver no deja de ser un romántico empedernido. Dicho lo cual no es menos cierto que a ningún fan le ponen una pistola en el pecho para que pague un pastizal por verlos sí o sí. Es decir el que asiste y acepta pagar cantidades más o menos desorbitadas por ver una ilusión nostálgica, va por voluntad propia, eso que también quede claro. Al final la decisión siempre es individual, de cada uno de nosotros. Dicho esto hay maneras y maneras de regresar. Por el momento Axl, Slash y Duff no se han mostrado juntos en público haciendo una puesta en escena de sentarse en la misma mesa y ofrecer una comparecencia, de momento se siguen guardando esa carta bien sea por estrategia o porque todavía no pueden hacerlo porque las diferencias siguen muy latentes como para eso. Dicho lo cual Las Vegas como primeros conciertos de retorno tienen muy poco que ver con la banda infecta que salió de Sunset Strip, con la que se supone era su filosofía de vida y mística del grupo, en las antípodas del lujo y ostentación de Las Vegas, y que hizo temblar los cimientos de lo establecido con su rebeldía. Guns deciden regresar haciendo gala sin reparos que vuelven por la pasta, pues bien, allá ellos. Ya digo que no es lo mismo iniciar el retorno en un escenario de Las Vegas donde se ofertan tickets de hasta 2.500 dólares (sin posibilidad de meet and greet además) que haciendo dos bolos de preparación por ejemplo en pequeños clubs con precios asequibles que le hubiera dado más encanto al retorno pero es su decisión. En eso los Stones siguen siendo unos cracks y algunos siguen sin aprender. Otro pecado a priori que no tienen en cuenta o directamente no le dan importancia.

3.Ya los hemos visto casi juntos a todos en los últimos años.

Este punto que puede parecer insustancial es bastante importante de cara al fan y de cristalizar esa imagen de retorno. Solamente Axl y Slash se han evitado tras la abrupta separación de mediados de los 90 pero no hay que olvidar que cada uno por separado ha actuado con el resto de componentes de la formación clásica en momentos para nada lejanos en el tiempo, con lo que ese elemento de plasmar la imagen de unidad en el escenario en el siglo 21 ha perdido parte importante de su encanto. Es decir podemos ver montajes como la imagen que encabeza este artículo y que es la que falta que se materialice o fotos reales de conciertos como la que ilustra este apartado de Axl junto a Duff hace un par de años (y que se han repetido insisto entre todos componentes salvo la de los líderes Axl y Slash). Sería muy diferente si no hubiéramos juntos en décadas a parte de ellos en los escenarios que haberlos visto ya recientemente. Otro punto que suma muy poco en este retorno.

4. Han "abusado" de la canciones de Guns N´Roses y su nombre

Similar al punto anterior; en el presente milenio hemos visto varias veces como Axl, con lo derechos del nombre, tiraba de gran parte del muestrario clásico de Guns N´Roses en sus conciertos así como Slash hacia lo propio en sus directos con Velvet Revolver o en solitario, Duff o Steven Adler con su Adler Appetite. En este punto el más integro ha sido Izzy cuyas apariciones y giras han sido escasas y con cuentagotas y se ha dedicado más a ofrecer material suyo que el que forjó junto a sus excompañeros, salvo cuando aparecía como invitado en los shows de Axl. El fan clásico y de las últimas generaciones de Guns N Roses que no pudo ver al grupo en su día, ha podido escuchar esos viejos himnos en directo si ha asistido a las giras que han recalado habitualmente por estos lares con lo que ese elemento nostálgico de haber guardado la mayor parte de los temas en un baúl hasta que llegara el momento de sacarlos de nuevo a escena cuando las diferencias estuvieran aparcadas para volver juntos de nuevo, también se ha perdido. De hecho es que hasta la parafernalia sorpresa de los shows como el piano volador de Axl durante November Rain, etc.. se ha perdido. Si bien en este caso vale para el fan mil millones de veces más en el plano emotivo que Slash se suba al piano en la parte final de esta canción que el piano pase con Axl por encima de su cabeza.

5.¿Volverá a ser la "banda más peligrosa" del rock? No lo creo.

Hasta en su gira más mastodóntica en los tiempos del Use Your Illusion, Guns N´Roses y polémica, de una u otra manera siempre iban ligados, no podía esperarse menos de la banda definitiva, la que se había colado entre los grandes nombres de la música como un huracán, sin por supuesto pedir permiso para ello, llevando a los conciertos toda la "peligrosidad" y rebeldía que el rock había perdido. Todo era posible en cualquier momento y ése era un valor inconfundible de Guns N Roses, no sólo la música sino la actitud. Traigo hasta aquí esta portada de la antigua Heavy Rock que en su día anunciaba el final de la gira de los Illusion en verano del 93 y que había llevado a la banda a las cotas más altas de popularidad en el planeta como ejemplo para ilustrar este punto para que se entienda mejor. Por cierto que cuando vi ese titular de "¡Se acabó!" que hacía referencia a la gira tuve un mal presentimiento porque lo sentí como premonitorio, sabía de alguna manera en mi interior ese "¡Se acabó!" era extensivo y no es que se acabara la gira solamente sino que se nos acababan los Guns N´Roses como tal, era consciente de ello en el momento. Se hablaba por entonces a menudo que Guns era una banda de relojería y los excesos de sus componentes o la megalomanía de Axl la iban a llevar a su final más pronto que tarde, como por desgracia así fue (si bien aún pasó un tiempo desde entonces hasta la salida de Slash y Duff) pero lo que presentí al ver esa portada acabó siendo cierto, ya no habría más Axl-Slash-Duff juntos... hasta esperemos dentro de un par de meses. Sin embargo a la vez que trataba de negarme esa sensación tenía un sentimiento de orgullo de que el final de la gira estuviera a la altura del nombre de Guns, nada de circo al uso hiperprofesional sino acechados en este caso por los "bienpensantes" de turno, ese "final con escándalo de drogas y sexo" era la mística imprescindible para una banda como Guns (¡coñe que no estamos hablando de soseras como Oasis, Coldplay, Beyoncé, Lady Gaga o Britney Spears!) Por supuesto toda esa polémica quedó en nada, como muchas otras que generaron o les rodearon. Guns no perdió ese aura de "peligrosidad" que destilaban entonces aún sin Steven ni Izzy en el barco porque era parte de su esencia y aún con un espectáculo "para toda la familia" como era la gira Illusion los escándalos estaban a la orden del día. ¿Será posible que todavía mantengan ese aura de rebeldía? Difícil, muy difícil. En este punto la única esperanza que nos queda es Axl Rose, el odiado y vilipendiado frontman (que a mi me ha sacado también de mis "casillas" temporalmente alguna vez también, tengo que reconocerlo) es quien puede dotar a priori de esa sensación de que cualquier cosa pueda pasar en cualquier momento. Obviamente ahora, con 54 años a sus espaldas y con contratos firmados que supongo incluirán bastantes clausulas de todo tipo será más complicado que Guns nos ofrezcan ese lado oscuro, que les ayudó a ser diferentes y únicos y que Axl mantuvo durante buena parte de sus famosos tour fallidos de retorno y gestación del Chinese Democracy. ¿Nos encontraremos a una banda "domada" y previsible? seguramente y no me gusta tener que aceptar que sea así (¿seré un romántico empedernido?) pero nada me gustaría más que dieran grandes conciertos pero también que Axl la liara en cualquier momento o viéramos unos Slash y Duff con episodios fuera de control. ¡Oh Yeahh! Sí, ya sé no estamos a principios de los 90 y que no tienen 30 años menos. ¡Pero estamos hablando de la última banda mítica de rock! ¡Iggy Pop nunca ha dejado de ser quien es en sus shows pese a los años que tenga! Pero mucho me temo que este punto quedará fuera de la reunión.

En fin que con este análisis tampoco quiero echar un jarro de agua fría a este retorno que creo será sensacional verlos juntos y que ofrecerán un buen nivel profesional (a fin de cuentas hablamos de un combate de rockstars y ninguno querrá estar por debajo de las circunstancias) pero serán unos Guns parciales por desgracia, tanto en componentes como en su esencia y por eso escribo este post. Creo que era necesario fijar el punto de partida en el que nos encontramos para que nadie se lleve a engaño sobre lo que podemos esperar. ¡Ojalá! ¡Ójalá! se decidieran a incluir a tiempo completo a Izzy Stradlin y Steven Adler, la verdad, como momento sería bonito aunque ya ni fuera lo mismo ni tuvieran nada nuevo que ofrecer ni por supuesto tenga que ser la banda que guíe los destinos del rock ( ya lo hicieron en su momento y en su época) ahora ni les corresponde ni están en condiciones de hacerlo (aclaro esto para los despistados que mitifiquen este regreso de manera exagerada) Hay que tener claro que el rock más puro sigue estando en las salas, como siempre donde siempre ha estado y está (aunque los medios especializados lo obvien de manera permanente y alineen al seguidor sólo a asistir y a seguir a los grupos que ofrecen conciertos multitudinarios) Personalmente prefiero 20 conciertos en salas de bandas que tengan condiciones y ofrezcan intensos y memorables conciertos a tener que pagar 20 veces o 50 por encima de su valor real, un ejercicio de nostalgia de lo que fue y ya no puede volver a ser, aunque tenga un envoltorio de lo más bonito, profesional y multitudinario.

In the Skies: Glenn Frey

2016-01-30T13:48:00.000+01:00

Tras varios días de parón obligado por falta de tiempo retomo los post haciéndome eco como no podía ser de otra manera de la pérdida de uno de los dos líderes de Eagles, Glenn Frey. Lamentablemente la macabra cuenta que la segadora lleva en los últimos tiempos respecto a nombres ilustres de la música continua sin cesar. Mientras escribo estas líneas lloramos también las pérdidas del guitarrista de Jefferson Airplane, Paul Kantner y hace tan sólo unos días también conocimos la de un infaltable secundario en los 70 y 80 a la derecha de Dio, me refiero al bajista Jimmy Bain. Unas ausencias que nos recuerdan que en esta vida todo es pasajero, que los 60,70 y 80 ya empiezan a quedar demasiado atrás y que debemos acostumbrarnos a vivir los nuevos tiempos sin su presencia. Nos queda eso si sus grandes obras para acompañarnos, pero el siglo 21 reclama sus propios héroes y son éstos los que tienen que seguir engrandeciendo el camino que labraron los clásicos como Glenn Frey. Escribir este artículo de homenaje una semana y media después me ha servido para comprobar estos días como se le ha recordado o el impacto que ha tenido esta triste noticia, personalmente cuando me enteré me quedé desolado todo aquel martes pasado fue como si se hubiera ido un ser muy querido cercano, al igual que me pasó con otras figuras que me han marcado muchísimo o cuya música me ha acompañado a menudo en mi vida como el mencionado Ronnie James Dio.

La sensación que me queda de las reacciones generales tras su pérdida ha sido bastante agridulce. Por un lado ha sido muy grato comprobar como aficionados y profesionales de la música tanto público en sí como guitarristas, baterías, bajistas, cantantes y teclistas y demás han expresado sentidas muestras de pésame y homenaje. Los Eagles no es una banda en España que haya tenido tanto impacto como otras y eso se ha notado en que no hayan sido tan habituales las muestras de homenaje entre el público en sí como recientemente ha sucedido con otras figuras. Respecto a los medios panorama bastante gris y por cumplir salvo honradas excepciones. Hasta ahí todo normal, más o menos lo esperado. Lo desagradable ha venido al comprobar como determinados críticos veteranos, que se supone que cuando hablan o escriben de un artista ponen la tílde en lo esencial que es la importancia de su música (o al menos uno piensa que así debería de ser) se estén "telebasurizando", "salvarizando", es decir poner el foco principal en el lado oscuro y las polémicas del artista y no en su obra. Desde luego que cada cual puede hacer lo que le venga en gana pero no parece lo más apropiado por el mero sentido común de educación cuando se habla de un deceso estructurarlo a través del lado más morboso o descalificador. Y menos de un crítico que se supone debería enfatizar la obra y el legado del artista, que es lo esencial. Y claro que ha pasado os preguntaréis. Pues que esos textos descalificatorios de Frey y los Eagles han dado carta blanca para que los trolls o los que no tienen nada en la cabeza de respeto al prójimo hayan salido a rebuznar para demostrarnos lo burros que son (con todo respeto a los burros que no tienen culpa de que se les compare con semejantes "humanos") y lo poco que han cultivado su cerebro en esta vida. Insultos, descalificaciones hacia Frey y los Eagles e incluso alguno en su "heroicidad" llegando a decir que "¡Mejor! (que hubiera fallecido) porque así ya no harán la gira 40 aniversario de Hotel California". ¿Mejor? Pero ¿qué tenéis en la cabeza para soltar semejante majadería? Nada, desde luego. En fin ya digo bastante lamentable. Y escribo esto no para dar publicidad a estos sujetos, sino como ejemplo para que leáis lo lejos que puede llegar la burricie humana cuando no cultiva el cerebro. Por supuesto te pueden gustar o no los Eagles o cualquier grupo o artista pero primero centrarte en el morbo al referirte a él cuando acaba de fallecer no es lo más apropiado desde luego y ya llegar al insulto, la descalificación o asegurar que "mejor" (que se haya muerto) ¿Pero a ti que te ha hecho a nivel personal ese artista para te alegres del mal ajeno de esa manera? Un amigo mio por ejemplo nunca le ha gustado Motörhead por el simple hecho de que nunca le ha gustado la voz de Lemmy. Si, ya sé que os puede parecer sorprendente pero es su postura y es perfectamente respetable su postura como él respeta la de los demás, pero ahora que Lemmy se ha marchado no se le ha ocurrido decir mejor que la haya palmado ni majaderías semejantes.

Los primeros Eagles que dejaron discos tan imprescindibles de country rock como "Desperado" o el propio "Eagles". De izquierda a derecha: Bernie Leadon, Randy Meisner(abajo), Glenn Frey y Don Henley.

Hecha esta reflexión creo que necesaria es momento de desvelar también que los Eagles no son sólo "Hotel California", es decir no es una banda como muchos aseguran de un hit. Este topicazo está más extendido en España de lo que creemos. No olvidemos que hablamos de un país cuyas instituciones sólo han visto el rock como ocio, desprecio o amenaza y casi nunca como un valor cultural. Bien, pues los Eagles aparte de haber sido uno de los grupos que más discos han vendido de la historia (suyo es el álbum más vendido del siglo XX) siempre han sido sinónimo de música excelentemente ejecutada, armonías vocales, grandes arreglos, sonido pulcro, muy buenas canciones y discos de lo más recomendable ¡ahí es nada! todo ello iniciando el camino desde los parámetros del country folk rock e ir mutando hacia lo que conocemos como rock clásico y que ellos forjaron con su obra. Por supuesto el punto referencial en su carrera fue el megaéxito de "Hotel California" pero los Eagles ofrecieron (y vendieron) muy buenas canciones, antes, durante o después. Como sabéis fue el propio Glenn Frey junto a Don Henley los que conformaron el corazón de los Eagles, fundaron la banda y la manejaron con mano de hierro para llevarla con su constancia y carácter perfeccionista a las cotas de excelencia que buscaban. Sí, se puede hablar todo que se quiera de la leyenda negra, de si eran más o menos arrogantes, etc.. pero desde luego nada hubieran conseguido de no ser por su trabajo, talento y carácter (no todo es fiesta y excesos).

La eterna influencia de un mito: El Forum de Los Angeles hace 2 años cubierto su techo con la reproducción del mítico vinilo "Hotel California" de los Eagles, para celebrar el concierto que ofreció la banda en la reapertura del recinto.

Glenn al frente de la formación se destapó además de como notable cantante como un excelente compositor, primero aprendiendo de cantautores y posteriormente en solitario o en compañía junto a Don Henley habitualmente u otros componentes de la banda. Ya desde su primer disco llegaron los clásicos "Take It Easy", "Peaceful Easy Feeling", "Desperado", "Tequila Sunrise", "One Of These Nights", etc... los Eagles causaron conmoción y poco a poco siguieron su ascenso comercial a la cima, una ruta en el que la incorporación de un guitarrista principal como Don Felder primero y posteriormente de una figura como Joe Walsh sería esencial para la evolución del grupo hacia una gran banda de rock clásico, ideal para las radios fm. Frey fue creciendo como compositor y arreglista, podía seguir gestando grandes temas tanto para él como para cualquier otro componente de un grupo que se había convertido en un referente en Estados Unidos. En 1977 Eagles alcanzarían la cima y un lugar en el Olimpo de la Música con la explosión de su gran himno "Hotel California", que se convertiría en global y atemporal. Sobre su gestación y todas las leyendas "urbanas y rurales" que encierra el tema no escribiré hoy ya que el protagonista hoy es uno de sus autores Glenn Frey, sólo señalar que ese himno daba titulo y sustentaba la cima de Eagles en su búsqueda de la perfección, todo el disco es una auténtica maravilla "New Kid In Town", "Life in the Fast Line", "The Last Resort" un álbum redondo que ya en el mismo diciembre del 76 que había salido a la venta se certificó como platino y que actualmente ha superado las 16 millones de copias sólo en los States. Eagles se convirtió en EL GRUPO y con el megaéxito se dispararían los excesos, que unidos a la falta de descanso tras una carrera tan agotadora que llevaron en los 70 provocarían que su continuación "The Long Run" reflejara en demasía el agotamiento de un grupo que perdía componentes por el camino como el buenazo de Randy Meisner. Esa espiral de drogas, alcohol, discos y tour desembocaría en 1980 en un enfrentamiento verbal en el escenario ¡¡grabado!! entre Frey y Felder, donde quedaba claro quien llevaba las riendas de la banda.

Glenn Frey siguió manteniendo el éxito y la popularidad en los 80 de la mano de "Miami Vice" donde dejaría además de su interpretación en uno de los capítulos, un tema emblemático "You Belong To The City" que ayudó a disparar al soundtrack de la serie hacía las más de 4 millones de copias vendidas.

Fue la gota que colmó el vaso, el punto de una ruptura inevitable que llevó al barbecho a la mítica banda con la llegada de los 80. Frey fue el primero de los Eagles en tener también éxito en solitario, de manera más modesta pero siempre en el candelero, sobre todo con su colaboración con "Corrupción en Miami". Por entonces seguía creciendo la leyenda Eagles entre aquellos fans que los añoraban y las nuevas generaciones que no habían podido hacerlo y reclamaban la vuelta de la banda. Pero las diferencias parecían insalvables y era precisamente Frey el que más reticencias mostraba para ello, abortando ese posible regreso en un par de ocasiones. Finalmente en 1994 daría su brazo a torcer y el mito recobraría su envoltura mortal con los 5 Eagles de nuevo en los escenarios, esta vez, de estadios. Un retorno perfecto que serviría de modelo a otras reuniones legendarias como la de los propios KISS por ejemplo un par de años más tarde.

"La "profecía" decía que cuando el infierno se congelara volverían los Eagles y finalmente Joe Walsh, Timothy B. Schmit, Don Henley, Don Felder y Glenn Frey se reunieron en 1994.

Había llegado el momento de recoger el enorme potencial de beneficios económicos que les estaba esperando y disfrutar y hacer disfrutar a todo el planeta de ese gran legado que habían dejado en los 70. La banda, con la recuperación de Walsh que llegó justo a tiempo para emprender el segundo gran vuelo de los Eagles estaba en plena forma y Frey y Henley no habían perdido el talento compositivo, aunque eso importara menos, pero la chispa seguía ahí y además ahora se aseguraban de que las drogas y el alcohol no formaran parte de su exitoso vuelo. La demanda era tal que no había manera de parar el ansía por ver a los Eagles en acción y a una gira le siguió otra y llegaron los reconocimientos como el del Hall Of Fame, donde tuvieron el gran acierto de que también estuvieran presentes tanto Leadon como Meisner y así dar una imagen al mundo de gran familia Eagles alejada de las absurdas polémicas recientes de Guns N Roses o KISS.

Una actuación para la historia. Todos componentes de los Eagles pasados y presentes actuando juntos en 1998 en la ceremonia del Rock & Roll Hall Of Fame.

La obra que imaginó Glenn Frey, el líder natural de Eagles había superado en mucho todas expectativas. Quedaba seguir recogiendo los frutos, aunque ello supusiera echar al rebelde Don Felder en las giras del Siglo 21 por desacuerdos económicos. Por cierto que Felder ha tenido el gran detalle de dedicar recientemente unas líneas muy sentidas y reconocimiento a Frey. La banda demostraba que estaba muy viva publicando un nuevo disco y ademas doble, Long Road Out Of Eden que sin estar a la altura de sus grandes clásicos no dejaba de ser un album muy notable que lleva ya la friolera de más de 7 millones de copias y que particularmente estaría muy presente también durante un tiempo en mi vida, por cierto. Tras esto, aunque las giras siguieron Eagles ya no tenían nada más que demostrar lo habían conseguido todo. Lamentablemente la siniestra segadora se ha llevado a Glenn Frey demasiado pronto a los 67 años y seguramente sin él la banda ya no se volverá a reunir salvo en algún momento puntual (aunque en el mundo de la música todo es posible) pero Frey y sus compañeros pueden estar tremendamente orgullosos de la obra que dejan, por supuesto de su gran éxito pero sobre todo de haber hecho felices a millones de personas con su música.
Descansa en Paz, Glenn Frey.

El heavy psicodélico de Cheap Wine de gira por España en ¡¡12 ciudades!!

2016-01-17T12:57:00.002+01:00

Ya hemos consumido la primera quincena de este recién estrenado 2016 y las giras continúan. Por fortuna en España tenemos conciertos más que interesantes a menudo gracias a la labor de esas salas, pequeños promotores y grupos que siguen perserverando en mantener una escena viva de directos, otra cosa es que el público y "El Pirata" se quiera enterar o no o apoyar o no. Ya sé que para algunos no es lo mismo lucir una camiseta de AC/DC o Lemmy (sobre todo ahora que se acaba de ir, antes no) que de estos grupos nuevos que se están abriendo sus carreras (sí, en el mundo del rock también hay mucho postureo) pero bueno yo digo que al final todo depende de uno mismo, si tienes interés o no por él, escuchando y asistiendo a directos de bandas interesantes independietemente de qué década sean o si son famosas o no o si por el contrario te conformas en disfrutar siempre con esa burbuja del bucle de clásicos que tan hiperpromocionada y bien vista está en España, yo desde luego apuesto por lo primero creo que es el resultado natural de gustarte el rock pero allá cada cual por supuesto con sus gustos, sus fobias y sus circunstancias.

Bien para aquellos que quieran disfrutar de un concierto de rock sin esperar a que vengan los AC/DC o Iron Maiden de turno, decirles que miren en sus ciudades, en webs como ésta u otras o incluso salgan por los bares rockeros de sus ciudades, si los hay, seguro que en cualquiera de todos estos sitios conectan con lo que de verdad se cuece, con el día a día, semana a semana o mes a mes y vivirán de una forma más completa la experiencia del rock, dejarán de asimilarlo en su cabeza como algo del pasado para sumergirse en él como algo vivo, con presente y futuro. Y algo todavía mejor, descubrirán que la experiencia de vivir conciertos en salas, tanto de bandas nuevas como de clásicos más infravalorados es tremendamente enriquecedora desde cualquier punto, mucho más personal que la marabunta de estadios y grandes recintos y también muchísimo menos sufrida para sus bolsillos. Creo que esta introducción era necesaria para que el profano a todo esto trate de entender o tenga una idea de a lo que me refiero y cual es el panorama.

Sin ir mas lejos una de las giras que se presentan más interesante en las próximas semanas es la de los franceses Cheap Wine, prometedor quinteto de heavy psicodélico que toma las enseñanzas de los grandes grupos de los 70 para ofrecer unas canciones muy sólidas y con mucha frescura, donde la música habla desde el escenario para crear en las salas una atmósfera sonora de muchos quilates, ideal para los seguidores de todos estos sonidos. Cheap Wine se dieron a conocer hace 3 años con su ep "Mystic Crow"cuya portada encabeza este post y que además ya transmite al oyente lo que se se va a encontrar (la música también tiene un alto grado de importancia en las imágenes que lleva asociadas). En esta gira además del ep, darán a conocer las canciones que formarán su primer lp y que está previsto que publiquen el próximo mes de abril.

Las ciudades y las salas que comprende esta gira que comenzará el próximo jueves 21 de enero en Guadalajara, se desarrollará de manera ininterrumpida hasta el uno de febrero en Barcelona, donde pondrá el punto y final, las podéis consultar en el cartel de la gira que está publicado en este artículo. Desde luego una cita imprescindible en especial para todos los fans del rock de las pequeñas ciudades en especial y también para aquellos de las medianas y grandes que quieran disfrutar de una notable velada de heavy psicodelico y rock 70 de influencias Deep Purple, Pink Floyd, Black Sabbath o Cactus entre otros.

¿A cuantas bandas de "nuevas generaciones de músicos" das cabida en tu radio de rock, "Pirata"?

2016-01-14T21:32:00.004+01:00

Estos días hemos podido asistir a millones de muestras de dolor, respeto y admiración por la pérdida de dos figuras tan carismáticas de la música como Lemmy Kilmister y David Bowie. Cada cual ha realizado su homenaje de la mejor manera que ha sabido y ha podido, normalmente desde la sinceridad, echando mano de los recuerdos, vivencias etc... Y como suele suceder en estos casos, siempre asistimos a alguna polémica con alguno de ellos, por alguna frase o exposición especialmente desafortunada que genera cierto revuelo. Y sobre este asunto me pidieron opinión hace unos días unos amigos con cierto enfado por las palabras que "El Pirata", una leyenda de los locutores de radio especializados de este género musical en este país, había dedicado no sobre Bowie en particular sino acerca de una crítica de rebote a los nuevos músicos. Para que tengáis toda la información os adjunto el vídeo en cuestión y vosotros vais a extraer vuestras propias conclusiones.

Como habéis podido escuchar vosotros mismos, estas son sus palabras íntegras, su exposición. Sé que algunos estaréis alucinando y otros de acuerdo que de todo hay. Seguramente muchos estaréis,al igual que los comentarios de su canal de Youtube,criticando que tenga la desfachatez del locutor de afirmar que "que se pongan las pilas las nuevas generaciones de músicos que el rock tiene que tener larga vida" cuando en el medio de rock que él trabaja cuesta dios y ayuda encontrar en su programa, y en el resto de la parrilla, espacio para esas bandas que él mismo demanda y a las que podría dar un importante espaldarazo, las cosas como son. De hecho es la gran crítica que desde hace años lleva haciéndose a esa radio generalista especializada (yo hace años que dejé de escucharla porque como seguidor de rock ni me identifica ni mucho menos me satisface o me da respuesta a lo que le pido a un medio especializado) y parece ser que en este sentido todo sigue igual a tenor del revuelo que se ha comentado y lo que sigue comentando la gente de ella. Respecto a la opinión sobre sus palabras, primero de todo tengo que decir que "El Pirata" me decepciona no profundizando en la figura de Bowie, tratándolo sólo como un gran nombre más como de pasada. Que eso lo haga un recién llegado al universo del Duque Blanco sería normal, pero el Pirata que tantos años lleva mas o menos familiarizado con los discos de Bowie ¿sólo tiene que decir esto de él?. Pero si flojo es el inicio lo peor llega en la segunda parte de su exposición, y lo que más cabreos ha generado. Ese "palo" que les da a las nuevas bandas cuando él puede hacer mucho más de lo que hace, para darlos a conocer y que tengan eco no es de recibo. Y si realmente no puede hacer más de lo que hace en este sentido pues es tan sencillo que lo hubiera reconocido al final de esta reflexión o en los micrófonos para que lo sepan sus oyentes y nos enteremos todos de rebote, y ya está. "Oye que a mi me encantaría que sonaran en esta radio las buenas nuevas bandas que surgen pero lamentablemente no puede ser aquí por las razones X que sean". Máxime cuando no hay que olvidar que la industria ya nada tiene que ver con décadas atrás cuando todos los grandes símbolos sí pudieron desarrollar su carrera en gran parte gracias al sostén financiero y promocional de las discográficas (sobre todo en los momentos más complicados), por lo que hoy en día el tener repercusión mediática es incluso más importante que antes y eso es algo que el Pirata debería conocer. Por tanto mal, muy mal su reflexión en este vídeo la verdad. Y no me gusta tener que hacerle esta crítica por lo que ha supuesto (en positivo) en la historia de la radiodifusión de rock de este país hace unas décadas que ya quedan un tanto lejanas.

Dicho lo cual creo que también es necesario mandar un mensaje de tranquilidad a los rockeros y al Pirata, que se le ve muy preocupado por el futuro del rock porque no surgen los nuevos grandes ídolos. Tranquilo, que afortunadamente muchas salas, muchos pequeños promotores y muchos grupos siguen surgiendo, algunos de ellos buenos e interesantes como en todas épocas,y conciertos hay bastante a menudo en España (luchando todos estos actores contra y viento y marea y soportando el vergonzante habitual silencio de los grandes medios especializados). Sólo tiene que acercarse a ellos o darles cancha en su programa (esto último ayudaría bastante a que sus oyentes los conocieran, insisto). El rock llegó para quedarse y no morirá jamás. Estará siempre en nuestras vidas y en las de nuestros tataranietos porque es muy poderoso, mucho más que música en sí, es un estilo de vida. Claro que cuando se vayan todos estos grandes nombres del rock, éste solo se podrá disfrutar a nivel underground en pequeñas salas o en recintos medianos, con ese porcentaje de seguidores como apoyo que valoramos o estamos al tanto de las buenas bandas de rock, sin mirar si son de los años 70 o de 2016.

¿Qué algunas de ellas podrían llegar a equipararse como nuevos símbolos del rock? seguramente varias si que lo podrían conseguir (como lo hicieron otros hace décadas y en un porcentaje muy inferior) pero para eso tendrán que tener la opción de desarrollarse y crecer. Eso no es nada sencillo ahora ni parece que vaya a serlo en el futuro ya que el horizonte desde hace años juega totalmente en su contra, por eso, aunque lo consigan, salvo alguna excepción muy puntual, la mayoría de las más conocidas tendrá el tope de actuar en recintos de capacidad media, casi con toda seguridad. Y ese será el resultado, entre otros factores, de los años que los medios especializados que viven de ello y hacen negocio, les habrán tapado la voz y solo se habrán centrado en los clásicos de siempre, que es lo que viene sucediendo desde hace tiempo. Por eso, insisto entre otros factores, no han podido salir otros grandes ídolos que tomen el testigo, porque entre otros obstáculos no han tenido el reflejo que merecían en los medios especializados mientras desarrollaban su carrera.

Por fortuna hoy existe internet y existen muchas páginas, programas de radio etc en las que sí tienen cabida estas bandas nuevas y sí se dan a conocer a su público. Sin ir más lejos recomendaría al Pirata mirar la lista de los mejores conciertos de 2015 de esta bitácora, que publiqué precisamente ayer la primera parte de la misma. Resulta que del puesto décimo al séptimo, todas bandas son nuevas (y podéis escucharlas en ese post) o de corto recorrido y sobradamente preparadas (y os adelanto que aún hay más grupos de este estilo en parte de esa lista) Ah, que no han sonado nunca en los grandes medios que dicen defender el rock y que solo recomiendan los conciertos de bandas clásicas. Pues eso ya es problema de que los oyentes se conformen, o de los trabajadores de esos medios que sabiendo lo que se está cociendo y sintiendo esta música como parte de su vida (que se supone es así ¿no?)no tomen medidas para darles cancha en ella. Tratándose de una leyenda rockera de la radio no le debería costar mucho convencer a los responsables en su cadena que era imprescindible darles espacio en la programación ¿o no?. Menos predicar Pirata y más dar trigo o ejemplo con lo que demandas. Así ganarás la credibilidad perdida con la desafortunada reflexión que has hecho.

Insisto, para aquellos que les gusta el rock y quieran profundizar conocimientos sobre estas leyendas, ampliar horizontes,estar al tanto de lo que se cuece y enterarse de esas bandas interesantes nuevas (españolas o de otros países, por suerte hay muchas más de las que parece) que han salido o están saliendo y a lo mejor no se enteran que actúan en sus ciudades decirles que seguimos ahí las webs, blogs o programas de radio más humildes al pie del cañón haciendo una labor cada vez más importante. La mayoría por cierto dedicándole muchas horas tan sólo por amor al arte, en este caso al rock.Cuanto más se conciencie la gente respecto a esto más posibilidades de desarrollo tendrán todas estas bandas y las escenas rockeras de las ciudades. Desde luego escuchando siempre los viejos clásicos y asistiendo sólo a los conciertos de los grandes clásicos, flaco favor se le está haciendo al rock.

Los 10 del 15 (primera parte, del 10 al 6)

2016-01-13T21:49:00.002+01:00

Me comentaba un amigo hace poco que últimamente el mundo de la música se había convertido en un obituario. Cierto es, la pérdida de grandes leyendas en especial ha dejado una tremenda amargura tanto en el rock como en el pop como en el soul e incluso en el ámbito de los mánagers. Llevamos un final de año y principio de 2016 demoledor en ese sentido y es deseable ya que pare esta macabra racha. Además se da la paradoja de que hablamos de muerte cuando la música es todo lo contrario, una celebración de vida, y la mayor expresión siempre son los conciertos. Directos donde los artistas y los grupos se muestran en su hábitat natural, a menudo logran los parabienes de sus fans y el resto de los asistentes e incluso se llegan vivir conciertos tremendamente especiales, que recordamos con una sonrisa y la fortuna de haber podido disfrutar de algo único. Por todo ello, porque además ya toca y también porque es tradición en esta bitácora (y así me lo reclamáis) ha llegado el momento de repasar las mejores actuaciones de los conciertos a los que he asistido en este pasado 2015, que parece que todavía no ha terminado de despedirse. Accept se llevaron en 2014 el máximo galardón en esta clasificación. ¿Quién cogerá el testigo?

10º Grim Comet, Sala Utopía, Zaragoza.

Dentro de los motivos más gratos a la hora de confeccionar una lista de este calibre es comprobar como formaciones jóvenes están presentes en la misma ¡¡ con todos los honores!! como es el caso de los madrileños Grim Comet que realizaron una notable descarga en Zaragoza como teloneros de unos decepcionantes Casablanca. El trio formado por Willy Black a la guitarra y voces, Alvarito Arias al bajo y Jorge Mánver a la batería nos sacó más de una sonrisa con su poderoso stoner ¡¡y eso que hablamos de un concierto que no reunía precisamente a sus fans tipo, sin embargo gracias a su buen hacer repasando las canciones de su ópera prima "Pray For The Victims" lograron captar a numeroso público que acabó aplaudiéndoles de lo lindo. Por cierto actualmente la banda está preparando nuevo material así que tendremos buenos noticias de ellos en 2016.
Éste es su último vídeo.

9º Rocket Queen, Sala Utopía, Zaragoza.

Y en ese mismo concierto los grandes triunfadores fueron los primeros teloneros los zaragozanos Rocket Queen que aparecieron como un huracán en el escenario con su hard rock 80´s (es una pena que este estilo tenga tan poco "mercado" en España y el público y los medios suelan obviar a las bandas nuevas, en vez de darles algo de cancha si tienen condiciones) y nos cautivaron a todos los presentes, con su brillante repertorio, ejecución de los temas y presencia en el escenario. Fue una sorpresa muy grata vislumbrar el enorme potencial que presentaba su formación que te das cuenta encajan en el escenario como un guante, como pudimos constatar también en algún que otro show posterior. Rocket Queen derrocharon simpatía, actitud, diversión y mil y una poses en escena y barrieron por completo a los suecos. La lástima es que a finales del año pasado se anunciara la marcha de su vocalista, Sandy Foxx y del teclista (y segundas voces) Miguel Ángel Royo. Meses antes se había marchado también el batería Javier Marín, así que por desgracia nos quedaremos con aquel concierto en especial como el sueño de una tarde noche de primavera, de una banda que deberá reinventarse de nuevo. Ojalá a los unos y a los otros les vaya de maravilla porque significará que tendremos muy buenas canciones y directos a la vista. Potencial tienen como demuestra ese nuevo material que nos han presentado hace poco que todavía no se ha plasmado. En ambos Gabis confiamos y también por supuesto en los "huidos" .

8º Jolly Joker, La Casa del Loco, Zaragoza

El pasado año no pudo comenzar con la fiesta que celebraron los compañeros de Rock Angels en la zaragozana Casa del Loco. Un evento que contó con la participación de los ya conocidos por aquí Jacaré Jack (que por cierto estuvieron en esta lista en 2014) con sus destellos a Whitesnake o Journey, más sus interesantes temas propios, mientras que el papel de cabeza de cartel recayó en los valencianos Jolly Joker. La banda capitaneada por Lazy Lane es uno de los mejores exponentes del sleazy y hard rock de nuestro país, que ha sido alabada por leyendas hispanas como el propio José Antonio Manzano, por cierto. En Zaragoza pusieron un broche de oro a la noche de manera notable con los temazos de su gran primer disco, un nutrido avance de su también soberbio "Here Come The Jokers" que entonces aún no habían publicado y unas cuantas versiones notables, para rematar una noche inolvidable de todos los presentes.

7º White Coven, Centro Cívico Universidad, Zaragoza.

¡Cuatro bandas "nuevas" de cuatro en la lista! Llega el turno de los maños White Coven que con su rock 70´s en el que tiene cabida desde Deep Purple, a Pink Floyd pasando por Sabbath e incluso Allman Brothers, que han causado sensación desde su irrupción ganando concursos de música y deleitando con sus conciertos. En este caso, a la que hago referencia es a la presentación de la demo del sextete que realizaron en Zaragoza a finales de abril en un repleto Centro Cívico Universidad. La formación suena con la precisión de un reloj suizo, con momentos además para el realce de cada uno de los componentes. Una banda que además cuida su imagen y cuenta con unos temas propios tan buenos como "Sedative" o "Brief Old Tale" es sin duda (o debería serlo) una banda a punto de explotar y darse a conocer ya a nivel de toda la península, y para ello nada mejor que hacerlo acompañados del disco que se encuentran grabando en estos momentos y que, a tenor del potencial de la banda, seguro que nos da muchas alegrías. Ah y por cierto, también espero que los medios y el público cambie la maldita costumbre de una vez de atender sólo a los de siempre y no dar espacio a las buenas bandas nuevas que ya tenemos aquí.

6º Joe Lynn Turner, Sala López, Zaragoza.

Resulta un tanto paradójico que con tanta energía nueva sea una leyenda, en este caso el cantante Joe Lynn Turner el que cierre esta primera parte de los mejores conciertos de 2015, aunque no tanto por dos motivos: primero, porque así se lo ha merecido y segundo porque su banda de acompañamiento eran JASP (ya sabéis el viejo eslogan de los 90 de Jóvenes Aunque Sobradamente Preparados) en este caso Jóvenes nórdicos procedentes de bandas como Dinazty, Morning Dwell o The Nice Fairytale. Con muy buenos escuderos Joe Lynn se dedicó a versionar en exceso temas de Deep Purple, con los que él no tuvo tanta trascendencia la verdad, más allá de un disco (que además no recordó, en el colmo del absurdo) Lo mejor llegó con los temas de Rainbow que interpretó y unos caramelos que brindó de su época con Yngwie Malmsteen y Glenn Hughes. todo ello por cierto con muy buena voz, durante hora y media de concierto. Que hubiera sido mejor sin mirar tanto a Deep Purple, aunque salvó muy bien esos himnos, por supuesto. De hecho tiene mucho y buen material propio tanto en Rainbow como en solitario o en otros proyectos para escoger, pero aún con todo (y que saliéramos muchos con sensaciones extrañas) fue un buen concierto (las cosas como son porque sigue siendo muy capaz, como demostró) y merece por supuesto este sexto puesto. En unos días, llegarán los 5 mejores directos de 2015.

In the Skies: David Bowie

2016-01-11T11:12:00.001+01:00

En medio de la euforia del disfrute de "BLACKSTAR", cuya crítica podéis recordar pinchando el enlace del título del álbum, hace unos días un comentario provocó un escalofrío helado en mi interior. En uno de los múltiples espacios televisivos que anunciaban el cumpleaños del cantante emitiendo un extracto del videoclip de "Lazarus" mi madre se asombró y me dijo "Madre mía que mal está David Bowie, está gravemente enfermo ¡Qué mal aspecto tiene! No me gusta un pelo su desmejoría". Tratando de quitar hierro al asunto dije, es un videoclip, "ya sabes el maquillaje, él siempre ha presentado un aspecto delicado", pero ella sentenció "no, no, está gravemente enfermo, se le nota". Y tenía razón. A mi me había dado la misma impresión pero me había negado a admitir esa posibilidad, por eso el escalofrío a sus palabras vino a confirmarme que no sólo yo lo había percibido. Y la próxima vez que la vea sé que recordaremos esta conversación ya que hoy, ese comentario se ha confirmado en toda su crudeza: David Bowie, el artista camaleónico, el Duque Blanco, Ziggy Stardust, Aladdin Sane y un montón de senderos musicales, estéticos, revolucionarios más (hasta sus últimos días como se aprecia en "Blackstar") nos ha dejado a los 69 años recién cumplidos, víctima de un cáncer contra el que ha estado combatiendo los últimos 18 meses de su vida.

El anuncio cae como una catarata de agua fría al mundo de la música. Y más todavía cuando acabamos de despedir a otro gran mito como fue Lemmy Kilmister. Es el sino de los tiempos que nos ha tocado vivir, prepararnos de la mejor manera a despedir a las leyendas de la música porque más tarde o más temprano por cuestiones de edad nos va a tocar hacerlo. Escribía el otro día en la crítica de "Blackstar" (que ahora quizá entendemos el significado del título y el símbolo, lo que nos quería decir) que hay millones de músicos en el planeta con más o menos talento y fortuna capaz de transmitirnos emociones y aportar su sello diferencial a la música. Luego están los pocos símbolos, los elegidos, capaces de llevar la música más allá, David Bowie era uno de ellos. La música del siglo XX no se puede entender sin su aportación, la del XXI tampoco.

"Hunky Dory", "Let´s Dance", "Heathen", "Low", "Heroes", "The Next Day", etc... una extensa discografía, un rico laberinto de idas y venidas musicales, de apertura hacia otras dimensiones, algunas todavía no asimiladas por el resto de los mortales. Todo estaba en su mente, en su talento, en su universo, del que podremos seguir disfrutando porque en sus discos, en la sociedad, ha quedado plasmada su obra. Nos deja para irse al centro de su propio universo, sabedor que su huella no se borrará jamás. Ahora son otros los que tienen seguir y desarrollar los caminos que el Duque Blanco abrió con su talento.Y por supuesto esos homenajes que haremos a menudo tanto en modo personal, escuchando sus discos, recordando los conciertos que le pudimos ver (en mi caso el que ofreció en Zaragoza en 1997) y ante todo con una sonrisa de fortuna por haber podido descubrir su música y disfrutarla como lo hemos hecho hasta ahora.
Descanse en Paz, David Bowie.

Lemmy se despide ante una nutrida representación de rockstars, cientos de seguidores en "su" Rainbow y ¡¡¡250.000 internautas!!!

2016-01-10T20:49:00.001+01:00

¿Quién puede ser capaz de reunir en el mismo recinto a Ozzy Osbourne, Gene Simmons, Rob Halford, Slash, Dave Grohl, Scott Ian o Lars Ulrich entre otros? La respuesta es clara, sólo (había) uno en el mundo capaz de tal milagro, Lemmy Kilmister, el líder de Motörhead. Ayer se celebró su funeral "multimedia", el último adiós al que el mundo del rock respondió como un solo hombre, desde las más rutilantes estrellas que viven hace tiempo en lujosas mansiones al fan más humilde que ha hecho lo indecible en sus maltrechas cuentas por conseguir un disco o asistir a uno de los conciertos del malogrado artista. Ser uno mismo contra viento y marea, seguir tus convicciones, volcar tu vida al rock & roll sin hacer concesiones a los señores de traje y no renunciar jamás. Ese fue su gran leitmotiv que siguió y encarnó Lemmy Kilmister durante toda su vida y del que hizo gala en todo momento y por ello desde su muerte y en especial ayer el rock, sin importar clase o condición siguió ayer la ceremonia de despedida de un personaje irrepetible.

Querido, apreciado, admirado y amado por rockstars que han vendido muchos millones de discos más que él, y arrastran a muchísimos más seguidores en sus conciertos, se acercaron ayer de manera humilde para despedir al maestro, para acompañar en el homenaje al rockero que siempre quisieron ser y no lograrán ser jamás (pese a las enormes fortunas, de muchos de ellos) al igual que los fans nunca llegaremos a ser ni la cuarta parte de lo que fue Lemmy, Ayer, en su adiós, se pudo apreciar la colosal cosecha de este icono hecho a su mismo. En el altar del templo, su sombrero, las botas, los Jack Daniels y dos instantáneas de las dos formaciones clásicas de su banda. Los inicios y el final. El ayer y el hoy, junto a su bajo, amplificadores y los rockstars rindiéndole sus respetos en sus discursos emotivos o con su presencia, mientras algunos de ellos amigos, y otros componentes del entorno más directo de Lemmy alternaban los momentos más tristes con los más alegres y alocados que vivieron junto a este genio y figura.

Y mientras eso sucedía cientos de seguidores, de todas las edades y llegados algunos de otros continentes desfilaban en los alrededores del que fue algo más que su bar, su hogar real, el Raibow angelino para dejar sus mensajes de duelo y gratitud en el mural que se instaló en el exterior del mismo, sus ramos de flores o bien para tomarse el típico "Jack Daniels & Coke" que consumió Lemmy hasta sus últimos años, y que ahora se ha iniciado una campaña para que se renombre esta bebida con el nombre del legendario artista (cosas de la Lemmymanía que no ha hecho más que comenzar).

Como buen icono global que se ha convertido Lemmy Kilmister en los últimos años su funeral respondió a esa condición con una retransmisión en streaming de la ceremonia desde su canal oficial de Youtube que según las cifras facilitadas reunieron a más de 250.000 personas en todo el planeta pegados a sus ordenadores para ver en directo el funeral. Sin duda un adiós digno de la leyenda y el mito que es Lemmy, y que se acrecentará todavía más con el paso de los años. El respeto, la admiración y veneración de la figura de Lemmy como he escrito antes es global, lo han expresado tanto aquellos fans que le han acompañado durante toda su carrera, como aquellos veinteañeros recién cumplidos. A partir de ahora queda seguir adelante con su legado y homenajearlo (espero y deseo que nadie tenga la absurda tentación de seguir con Motörhead adelante como banda, pero ni ahora ni dentro de 20 años) En mi caso este fin de semana he recurrido al excelso "25 & Alive Boneshaker" ese magnífico dvd-cd que publicó en 2002 que recoge el concierto 25 aniversario en la Britxton Academy de Londres en 2000. Un dvd por cierto que la década pasada, en especial, aunque también parte de esta ha estado presente a menudo en cenas caseras con colegas. No es para menos. El concierto es un placer para la vista y el oído sumergirse en aquella fiesta con una banda, la que ha durado hasta nuestros días, todavía lejos de los achaques (por el estado de Lemmy) de los últimos tiempos, con un repertorio de lujo y contando con la presencia de artistas invitados como Brian May, cuando aún no había pervertido el nombre de Queen, o Doro Pesch entre otros acompañando a la gran estrella de la noche, el gran Lemmy Kilmister dando otra masterclass sobre las tablas. Todos le admiramos. Ahora tenemos que seguir nuestro camino sin él, no olvidar su ejemplo y legado. Por cierto que quiero concluir este artículo precisamente con el agradecimiento que este icono global del rock realizó en aquel disco (actualizando los años) y que seguramente sería un acertado epitafio:

"Lemmy would like to thnak everybody for 40 years of absolute freedom to do as he would be done by"

In the Skies: 20 años, 240 meses y 4 días sin Natxo Cicatriz

2016-01-09T19:47:00.003+01:00

Hace unos días se cumplieron los 20 de la pérdida del carismático Natxo Etxebarrieta, más conocido como "Natxo Cicatriz", uno de los frontman definitivos del punk rock de estos lares, Su marcha también significó de alguna manera el adiós definitivo a lo que se etiquetó y ha sido conocido como "Rock Radical Vasco" un fenómeno musical reivindicativo con entidad propia que había florecido a comienzos de los 80 en el País Vasco y Pamplona que nos dejó a bandas tan imprescindibles como Kortatu, Eskorbuto, La Polla Records , Barricada o los propio Cicatriz, entre otros, cuya repercusión terminó siendo internacional, por cierto. Una época irrepetible de una generación juvenil que captó mejor que nadie el espíritu punk de "hazlo tu mismo" y vivir la vida a flor de piel, en algunos casos como los propios Cicatriz pasando varías líneas rojas que les harían desaparecer de este mundo pocos años después, pero ante todo dejando unos discos, conciertos y mensajes que permanecen indelebles en el acervo colectivo de todos aquellos "supervivientes" de aquella "escena" y los que la conocimos y tuvimos la suerte de vivirla de manera más directa o indirecta, o los que la han conocido después. Ante todo fue consecuencia de unos jóvenes viviendo la vida en la calle, en los bares, en los talleres, con ganas de expresarse, de divertirse, de protestar contra todos los males que les asolaban entonces y que muchos de ellos siguen ahí. Pero ante todos eran unos chavales repletos de actitud con unas ganas tremendas de vivir el día a día sin mirar más allá. Hoy en día, algo así sería casi irrepetible porque las vidas están cada vez más manejadas por internet y las redes sociales y ahí es donde la gente lanza su ira, quejas o tiempo.

"Desobediencia", "Escupe", "Lola", "La 204", "Txota" o "Botes de Humo" han quedado como de los "Zika" la banda liderada por Natxo cuya trayectoria fue tan convulsa como la propia crudeza de sus letras y conciertos, donde todo era posible. Y como maestro de ceremonias de aquel aquelarre de vivir al límite Natxo que con su actitud en el escenario, sus discursos (extensos en algunos casos) y su innata capacidad de fijar la atención de todo un pabellón en su figura ha quedado como uno de los iconos principales de aquellos salvajes, intensos y descontrolados años.

La banda ya estaba dando mucho que hablar desde sus inicios con numerosos conciertos por varias comunidades, su fama crecía y su primer largo "Inadaptados" que data de 1986 ni hizo sino disparar su popularidad. "Inadaptados" es considerado un álbum capital del punk de estos lares, una obra imprescendible y referencial que supo capturar el momento y el talento de la banda, sí que también lo tenían. 14 cortes que destilan rabia, rebeldía contra todo lo establecido, desenfreno y como dice el título una inadaptacíón total al sistema como consuencia y convicción. En lo musical el grupo sobre una base de rock destila sus influencias del Oi! ingles street punk y el hardcore. Mientras Cicatriz se hacían un nombre importante en España a lomos de su implacable disco y sus enérgicos directos, su estilo de vida autodestructivo comenzaría a pasar factura a la banda que sería incapaz de domar a la bestia que habían despertado, apostando por seguir hacia adelante. Pronto la banda caería presa de la heroína con diferentes serios conflictos, entre los que se encontraría la marcha del guitarrista Pepín que terminaría falleciendo en la primavera de 1990 o los encontronazos de Natxo con la ley, a los que hay que añadir el accidente de moto que mantuvo al grupo en barbecho, mientras el mito entre la gente seguía creciendo. Un mito que sufrió un importante espaldarazo cuando nada más y nada menos que el propio Drogas, con Barricada en la cresta de la ola de su enorme popularidad dedicó a Natxo Cicatriz el tema "A toda velocidad" en el icónico "Doble Directo". Lo cierto es que también, visto a posteriori les venía como anillo al dedo el tema "Tentando a la suerte" de los de la Txantrea. Sí, Cicatriz vivían tan a fondo o mucho más que cualquier estrella rocanrolera que tengáis en mente. Por entonces Cicatriz estaban a punto de reanudar su trayectoria discográfica.

Natxo volvió a escena con unas muletas y desde entonces la banda adoptó como logo un par de ellas sobre las que descansara la calavera, al estilo pirata. Las muletas no amedrentaron en absoluto a Natxo, que seguía dejándose la piel, el corazón y la garganta en cada incendiaria actuación. Para entonces ya contaban con un segundo álbum "4 años, 2 meses y 1 día"que había costeado el propio cantante con la indemnización de su accidente y dar vida a su discográfica, Zika Records. El retorno fue todo un acontecimiento pero la banda estaba herida de muerte. El también recomendable "Colgado por tí", último disco de estudio de la banda se gestó en un clima de enfrentamientos internos con Natxo grabando las voces a última hora y Pedro y Pakito abandonando la banda tras la publicación del mismo. Así solo Natxo quedó de los miembros fundadores en la última encarnación de unos Cicatriz que habían virado su sonido a terrenos más hard rockeros y metaleros. El deterioro que sufría Natxo era cada vez mayor, aunque no dejó de dar conciertos con la banda y editar un merecido testimonio de sus conciertos de manera oficial, aunque fuera sin sus compañeros de viaje iniciales. "En directo" sería el último álbum de Cicatriz. Para entonces una maldición llamada sida había aparecido en los 3 componentes clásicos , y terminaría por vencerles en el plazo de año y medio. A comienzos del verano del 94 se marcharía Pakito, un año más tarde lo haría Pedro y finalmente a comienzos de 1996, el 5 de enero, sería el propio Natxo el que nos dijera adiós y cerrara con su marcha ya no sólo una banda irrepetible sino también una época que había tocado a su fin hacia tiempo. Ya nada sería igual, aunque desde entonces el mito no haya hecho más que crecer y hacer justicia con una de las bandas más auténticas y personales de punk rock que han surgido en España.

Crítica de "Blackstar", el enigma del "nuevo" David Bowie toma forma y sonido.

2016-01-08T17:58:00.002+01:00

Han pasado unos pocos días de 2016 y ya comienzan a llegar los primeros discos del año. ¡¡Y vaya con lo que nos encontramos!! Nada menos que el nuevo disco de David Bowie, es decir palabras mayores. El Duque Blanco, reconvertido aquí como la "estrella negra" con la que titula el disco y abre el redondo. Sí, ya que sé que se dirá que hablamos de un trabajo de sólo 7 canciones (cuando hace años lo normal es que los discos tuvieran este número de temas o pocos más) que utiliza varias canciones previas ya escuchadas anteriomente (aunque aquí han sufrido cambios de "piel" importantes) y que es muy mayor, de hecho hoy cumple 69 años ¿y qué? Una vez escuchado el disco se sigue demostrando que Bowie es uno de esos pocos de la música que hay que poner aparte. Es decir, hay millones de artistas haciendo música, con mayor o menor talento y fortuna y luego están los genios, que se cuentan casi, con los dedos de las manos. Y ahí sigue estando David Bowie.

Tras su notable regreso discográfico de hace unos años con THE NEXT DAY nos ofrece en esta ocasión un álbum de registros más jazzísticos y experimentales, demostrando que el legendario artista no quiere en absoluto repetir la misma fórmula que en su predecesor sino cambiar e ir más allá. Y para ello se ha rodeado del cuarteto del saxofonista Donny McCaslin como los "escuderos" de su nuevo disco (más la colaboración puntual del percusionista James Murphy en un par de canciones). Si a ello le añadimos la presencia de su inseparable "partenaire" Tony Visconti a los mandos de la producción el puzzle está completo.

David Bowie junto al saxofonista Donny McCaslin en el centro y el trombonista Ryan Keberle en el estudio.

Abre el disco el tema título "Blackstar" de casi 10 minutos de duración y de corte psicodélico y experimental, donde cualquier instrumento puede aparecer en cualquier momento, eso sí de manera acertada, se nos aventura por dónde va a transitar el disco y la genialidad que nos vamos a encontrar, porque nos encontramos a un Bowie tremendamente inspirado y a una banda de acompañamiento de auténtico lujo para sumergirnos en la melancolía, temor,misterio y desesperación del tema (Bowie en estado puro). "'Tis a Pity She Was a Whore" sufre una interesante y acertada transformación respecto a su primera versión del recopilatorio "Nothing Has Changed" que publicó Bowie a finales de 2014. Aquí aparece poseída por el espíritu más jazzístico y solemne del disco. "Lazarus", procedente del musical que ha coescrito y que actualmente se representa en Nueva York, es uno de los mejores cortes que nos ofrece "Blackstar" y no me extrañaría que con el tiempo sea considerada todo un clásico porque tanto Bowie como la banda, y también la producción, hacen de esta canción un tema realmente superior. Por supuesto Bowie es el principal guía en la ascensión del tema a la dimensión de su Olimpo con una letra notable e interpretación aunque no hay que perder de oído la envoltura musical de altos quilates de un tema que realmente llega a tocar el alma del oyente. En "Sue(Or In A Season Crime)" encontramos otro de esos temas ya escuchados anteriormente, también del mismo recopilatorio que la anterior y también con una nueva dimensión sonora y recorte notable de su duración anterior. En este caso el barniz es mucho más rockero, de hecho es uno de los pocos temas del disco donde se le otorga protagonismo al rock, transitando unos senderos progresivos interesantes. Los miedos y el tormento que destila Bowie en el disco siguen presentes.

Con Bowie cantando las primeras líneas se inicia el quinto corte del disco "Girl Loves Me". Un tema marca de la casa de Bowie para sumergirse en su universo misterioso donde nada es lo que parece, la música transmite placidez e intriga a partes iguales, la letra pone voz y formas a la que se utilizaba en la cultura gay londinense del siglo pasado y además sabe aderezarlo de sabor comercial. El íntimo inicio de "Dollar Days" abre una pieza melódica interesante y atractiva dando un nuevo giro a lo escuchado hasta entonces en el disco. De alguna manera es una mirada a sus primeros tiempos coronada con una labor de McCaslin al saxo de categoría. La canción empalma directamente con la última de "Blackstar" que lleva por título "I Can´t Give Everything Away" un final brillante, marcado por el funk y donde Bowie canta los últimos mensajes al oyente de su múltiple personaje. La música es también soberbia y muy cuidada. ¿Será la despedida discográfica del legendario David Bowie? Desde luego sí lo es (que está por ver) lo es por todo lo alto. "Blackstar" acrecienta la leyenda del genio, revelándolo como un disco imprescindible tanto del presente año como de su carrera, y no, no lo sitúo a la altura de sus grandes obras maestras, pero es de escucha obligada tanto si te gusta Bowie como si quieres escuchar música con mente abierta, visionaria y excelentemente ejecutada.
Un 9 merece "Blackstar". El genio sigue vivo y en estado de gracia.